Nicki Minaj ha cancelado un tercer concierto de su gira europea solo una semana después de cancelar una fecha en Burdeos y menos de un mes después de cancelar un primer show en Bratislava, en los dos últimos casos por “problemas técnicos”: Nicki aseguraba que ni el recinto eslovaco ni el francés contaban con la “capacidad” suficiente para soportar su espectáculo, aunque en ambos casos las cancelaciones se producían con el público ya dentro del recinto.
Hoy viernes 15 de marzo, la autora de ‘Queen‘ actuaba en Dublín, pero parece que el tiempo no se ha puesto de su parte, al menos según la organización del 3arena. El recinto explica en un comunicado que “debido a condiciones climáticas adversas que han afectado a la navegación en el mar irlandés durante las últimas 24 horas, resultando en que varios camiones con equipamiento no hayan podido llegar a su destino, Nicki Minaj se ve obligada a cancelar su concierto de esta noche en el 3arena en Dublín”.
‘The Nicki Wrld Tour’ -una gira conjunta de Minaj y el rapero Juice WLRD- sí está llevando a cabo la mayoría de sus fechas europeas, la última de las cuales ha tenido lugar en Birmingham, aunque por lo que se ve en los vídeos de la gira en Youtube, no parece un show tamaño Muse. Así que o bien Minaj necesita un “team” nuevo, o bien está teniendo muy mala suerte en su periplo europeo.
[ NICKI MINAJ CONCERT UPDATE ] Due to adverse weather conditions which have affected Irish Sea saiings over the last 24hrs resulting in some equipment trucks not arriving, Nicki Minaj has been forced to cancel her concert tonight (Friday 15 March 2019) at Dublin's 3Arena. pic.twitter.com/9mFzqUeI51
Dave es el nuevo número 1 de álbumes en Reino Unido con ‘Psychodrama’. El rapero británico ya había sido número 1 en singles con ‘Funky Friday’, pero su top 1 en discos no estaba nada claro pues competía contra dos pesos pesados como son Foals con ‘Everything Not Saved Will Be Lost Pt. 1‘ y Dido con ‘Still on My Mind’, que son top 2 y top 3, respectivamente, en el caso de Foals con muy poco margen de diferencia respecto a Dave (279 puntos).
‘Psychodrama’ ha recibido 5 estrellas por parte de The Guardian. En su valoración del disco, el crítico Alex Petridis describe que es el “mejor y más valiente álbum de rap que ha visto una generación”, y destaca el controvertido single ‘Black’, que en sus palabras recibió una “oleada de críticas negativas” por parte de los oyentes británicos tras ser añadida a la playlist de BBC Radio 1, una de las emisoras de radio principales de Reino Unido. Pitchfork reseña hoy viernes el disco puntuándolo con un 8 sobre 10.
Dave además firma las tres entradas más fuertes en la lista de singles británica gracias a ‘Psychodrama’. En concreto, ‘Disaster’ con J Hus debuta en el 7, ‘Streatham’ en el 8 y ‘Location’ con Burna Boy en el 11. Parece que 2019 será el año de Dave. Por su parte, Sigrid –ganadora del BBC Sound of 2018– debuta en el top 4 con ‘Sucker Punch’.
Austria ha ganado Eurovisión en dos ocasiones, la última en 2014 gracias a la gran Conchita Wurst, con su célebre ‘Rise Like a Phoenix’. La primera victoria de Austria en el festival fue en 1966, con ‘Merci, Chérie’ de Udo Jürgens, lo que significa que Austria es el país participante en Eurovisión que más ha tardado en volver a ganar: 48 años.
No parece que la suerte vaya a estar de parte de Austria esta vez en Tel Aviv, pues la canción que presenta el país este año en Eurovisión va 28ª en las apuestas y, en principio, aunque es una balada bonita no parece un nueva ‘Amor pelos dois’ que vaya a enamorar al mundo. PÆNDA -proyecto de la austríaca Gabriela Horn- firma esta balada entre lacrimógena e hipnótica, que por su carácter medio alternativo perfectamente podría pasar por una canción de London Grammar o Gordi.
‘Limits’ habla sobre la depresión, en una letra casi tan oscura como la propia canción: “he sentido el dolor, pero ya no duele, así que sonrío un rato, y empieza la tortura, la presión en mi pecho se hace rutina, no es que me de igual, pero ya no tengo nada más que soportar”. PÆNDA tiene algún tema bastante chulo en su repertorio, como ‘Waves’, en la onda pop post-Flume, por lo que es una pena que no haya tirado por ese camino para su puesta de largo en Eurovisión.
Calificación: 5,5/10 En los foros de Eurovisión se dice: “Austria no está mal, yo la tendria en alguna lista de fondo de Spotify mientras curro, pero es un ratico aburrida” – KikoCuadrado En las apuestas: número 29
Vivimos en la era disfrutona, en la que artistas propios y ajenos se apuntan a los ritmos latinos para construir un hit de pop transversal (es decir, que llega a muy variado espectro de público). Así que es cuestión de tiempo que veamos caer, una a una, a buena parte de las estrellas del pop en el post-reggaeton. ¿U os imagináis que lo de Madonna con Maluma va a ser un baladón orquestal?
La nueva popstar anglosajona en caer ha sido Rita Ora, que se apunta a un trío femenino junto a Sofia Reyes, la protagonista del asunto, y la brasileña Anitta, que lleva el disfrutonismo en sus venas y se apunta a un bombardeo. Se titula ‘R.I.P.’ y, como se suele decir, es un bueno bopazo: producida por The Fliptones, no deja de ser el típico ritmo reggaetonero –con algunos guiños a cumbia y chicha, al estilo de ‘Sin pijama’– con arreglos de tropical pop y, sobre todo, esos «bim-badi-bom-bom» que se incrustan en el cerebro sí o sí, puro ébola sonoro. Las tres artistas se han reunido en un clip muy colorido en el que interpretan el tema, con algunas referencias a la pleitesía que se rinde en México a los muertos y las calaveras –por aquello del «descanse en paz» del título, suponemos–.
No corráis a llamarlo apropiación cultural, puesto que Sofia Reyes es de Monterrey. Impulsada por Prince Royce, en 2017 publicó su álbum debut ‘Louder!’, logrando cierta repercusión con sus singles en español, sobre todo con ‘Llegaste tú’, con Reykon, y ‘Muevelo’ (sic), con Wisin. Aunque nada comparable al pelotazo que dio el año pasado con ‘1, 2, 3’, su hit con Jason Derulo y De La Ghetto, uno de los singles más exitosos de 2018 en España. Tras él, este ‘R.I.P.’ sigue un patrón muy similar, por lo que no nos extrañaría nada que volviera a pegar muy fuerte con él.
Uno de los grandes eventos musicales del año en todo el mundo es el festival británico de Glastonbury. Por eso el anuncio de su cartel es uno de los que más especulaciones despierta, acostumbrando a incluir grandes nombres que pocos eventos de sus características pueden igualar. En esta ocasión no son tan sorprendentes como, quizá, cabría esperar: The Cure, sin duda, es un gran nombre, pero no tan inesperado si tenemos en cuenta que llevan meses confirmados en varios festivales continentales, como el madrileño Mad Cool 2019. Algo parecido sucede con The Killers, al los que el año pasado veíamos, por ejemplo, encabezando el Festival de Benicàssim y O Son do Camiño. Aunque algo nos dice que, en este caso, quizá presenten nuevo trabajo discográfico.
Lo que sí es más sorpresivo es la inclusión de Janet Jackson, como cabeza de cartel, puesto que no estaba embarcada en una gira mundial sino en una nueva residencia en Las Vegas, celebrando 30 años de ‘Rhythm Nation’. ¿Será el mismo espectáculo? Los otros cabezas de cartel de Glastonbury 2019, ya conocidos previamente, son Kylie Minogue y el icono del grime Stormzy.
Aunque quizá lo más impresionante del cartel de este festival sea su teórica segunda fila, que daría para encabezar varios festivales: desde Tame Impala, Miley Cyrus, Liam Gallagher, George Ezra, Ms. Lauryn Hill, Vampire Weekend, The Chemical Brothers y Janelle Monáe, el tamaño de la fuente comienza a ser casi invisible con Bastille, Christine and the Queens, Two Door Cinema Club… o Rosalía, a la que encontramos entre IDLES y Johnny Marr, nada menos.
Here is the first Glastonbury Festival 2019 line-up poster, which includes our final two Pyramid Stage headliners: @TheKillers (Saturday) and @TheCure (Sunday). Many more acts and attractions still to be announced. pic.twitter.com/jYOoTQQurf
Sonorama, que este 2019 cumple ya 22 ediciones, acaba de anunciar buena parte de su programación para este año. La tanda de confirmaciones la encabezan Crystal Fighters, que acaban de publicar nuevo álbum, el festivo ‘Gaia & Friends‘. La organización asegura además que este concierto será el único que el grupo británico ofrecerá en un festival español en 2019. Otro de los grandes nombres que se incorporan a esta edición es la mítica banda capitaneada por Ariel Rot y Alejo Stivel, Tequila, que llevan a Aranda la gira de despedida que pone punto y final a la trayectoria de un grupo crucial en la historia del rock en castellano.
También destaca el regreso de los míticos Vancouvers, iconos de la primera oleada indie, Second –presentan ‘Anillos y raíces’, la fusión de folclore y electrónica de Fuel Fandango y unos Carolina Durante que vienen de triunfar en los Premios MIN y que para entonces posiblemente tendrán ya su debut en el mercado. Otros nombres, como es habitual centrados en el panorama del pop alternativo español, son Mucho, Los Vinagres, Agoraphobia, Ballena, Ladilla Rusa, Mostaza Gálvez, Invisible Harvey o Basanta.
Todos estos nombres se suman a un cartel en el que ya contaba con Love of Lesbian, La Orquesta Mondragón, Luis Albert Segura (L.A.), Miss Caffeina, Zahara, Shinova, Fangoria y Berri Txarrak. Sonorama 2019 tendrá lugar en Aranda de Duero (Burgos), del 7 al 11 de agosto. Los abonos están a la venta en la web del festival.
Primal Scream, con uno de los mejores catálogos de grandes canciones de los últimos 30 años, anuncian la edición de un nuevo recopilatorio. Se llama ‘Maximum Rock’ N ‘Roll: The Singles’ y saldrá el 24 de mayo a través de Sony Music. No faltará en él ninguno de los grandes clásicos de la banda, como podéis ver en el listado bajo estas líneas, pues el tracklist incluye ‘Rocks’, ‘Swastika Eyes’, ‘Miss Lucifer’ y así hasta 31 canciones que podrás escuchar en formato de doble CD o cuádruple vinilo.
El grupo, que actuará en Doctor Music Festival este verano, ha tenido unas palabras para presentar este disco: «Desde nuestro debut en 1985, ‘All Fall Down’, hemos abordado los singles como una opción estética, una declaración de dónde estamos como banda», ha indicado Bobby Gillespie. “Crecimos escuchando Suffragette City y Metal Guru en la radio. Los cuatro singles de los Sex Pistols eran geniales. Public Image de PiL tenía un sonido único. Prince y Madonna hicieron hits increíbles. Esta ha sido la línea que hemos escogido. Siempre me ha encantado la radio pop Top 40, me encantan los grandes éxitos como Meaty, Beaty, Big & Bouncy de The Who. Recuerdo que Alan McGee dijo de Higher Than The Sun no sería un éxito, pero que sería una revelación. Los grandes singles pueden salir al mundo y mostrar a la gente una forma de pensar distinta. Te hacen sentir menos solo»
Os dejamos con el repertorio del formato vinilo, y os recordamos que Primal Scream actuarán en el Doctor Music el viernes 12 de julio. Detalles, aquí.
VOL 1 A
1 1986 Velocity Girl
2 1987 Gentle Tuesday
3 Imperial
4 1989 Ivy Ivy Ivy
5 1990 Loaded
VOL 1 B
6 Come Together
7 1991 Higher Than the Sun
8 Don’t Fight It, Feel It
9 1992 Movin’ on Up
VOL 1 C
10 1994 Rocks
11 Jailbird
12 (I’m Gonna) Cry Myself Blind
13 1997 Kowalski
VOL 1 D
14 Star
15 Burning Wheel
16 1999 Swastika Eyes
17 2000 Kill All Hippies
VOL 2 A
18 Accelerator
19 2002 Miss Lucifer
20 Autobahn 66
21 2003 Some Velvet Morning (with Kate Moss)
VOL 2 B
22 2006 Country Girl
23 Dolls (Sweet Rock and Roll)
24 Sometimes I Feel So Lonely
VOL 2 C
25 2008 Can’t Go Back
26 Uptown (Weatherall mix )
27 2013 2013
28 It’s Alright, It’s OK
VOL 2 D
29 Goodbye Johnny
30 2016 Where the Light Gets In (with Sky Ferreira)
31 100% or Nothing
Como contábamos hace unas semanas, Mónica Naranjo le ha cogido tanto el gusto a lo de la televisión tras su paso por ‘Tu cara me suena’, primero, y ‘Operación Triunfo’, después, había fichado por Mediaset. En principio parecía que ese fichaje consistía solo en la adquisición del grupo dirigido por Paolo Vasile del docu-reality ‘Mónica y el sexo’, una serie en la que la cantante viaja por el mundo investigando en las costumbres y la cultura sexuales de distintos países. Pero la cosa no se acababa ahí.
Hoy se ha anunciado que la autora de ‘Lubna’ será la conductora de un nuevo reality, ‘La isla de las tentaciones‘, que en realidad no es tan nuevo: ‘Temptation Island’ es un formato que lleva en antena más de 20 años en muchos países, y que consiste en trasladar a parejas consolidadas a una isla paradisíaca en la que el programa pondrá a prueba la fortaleza de su relación. ¿Os suena? Claro, porque en realidad es el formato que emitió Antena 3 hace años bajo el nombre de ‘Confianza ciega‘, uno de los realities más efímeros y a la vez más míticos de la televisión española. Por el momento no se ha confirmado ni la cadena que lo emitirá ni la fecha de estreno.
A todo esto, Mónica Naranjo no ha abandonado precisamente su faceta como cantante. Semanas atrás anunciaba ‘Renaissance Tour‘, una gira en la que celebrará sus 25 años de carrera repasando toda su discografía. De momento se conocen las de Madrid (2 de octubre), Sevilla (12 de octubre), Málaga (19 de octubre) y Barcelona (24 de octubre). Las entradas para los tres primeros conciertos están a la venta ya en Ticketmaster, mientras que los de Barcelona están a la venta en la web de El Corte Inglés.
Amaia Romero y Donald Trump tienen algo en común. Sí, esto es un cebo, pero antes de que saquéis las antorchas os prometo que tendrá sentido más tarde, y que precisamente de antorchas va la cosa. Antorchas como las del vídeo de ‘Burn the Witch’ de Radiohead, que curiosamente lanzaron después de borrar toda su actividad en redes sociales, lo cual hizo pensar a muchos que la canción trataba de los linchamientos digitales, especialmente en Twitter y especialmente lo que llamamos “cultura de la cancelación”. ¿Y qué es eso? Pues es un poco ese “a la mierda con esta mierda” de Los Punsetes, sacar las antorchas en redes sociales y tratar de paria a la persona famosa en cuestión, por unas declaraciones que ha hecho, o un comportamiento concreto de hace años que de repente sale a la luz. Aunque originalmente se diferencia entre “cancelation culture”, que va más sobre no consumir sus productos, como el debate que hay estos días en torno a Michael Jackson (no, este no es otro artículo del autor de ‘Thriller’, aunque sí recomiendo este interesante enfoque de Amanda Marcotte en Salon sobre cómo ella prefiere una “cultura de la justicia”); y “call out culture” (que encaja más con lo que acabamos de describir), lo cierto es que en nuestro país ambos términos se usan indistintamente, así que en este artículo vamos a hacer lo mismo en pos de la comprensión.
Los análisis de esta forma de ¿opinar/reaccionar? rezuman a veces un desprecio hacia unas generaciones concretas (millennial/Z) y, aunque tienen aspectos interesantes, el enfoque “old man yells at cloud” de artículos como estos de Conor Friedersdorf en The Atlantic dan bastante pereza. Sobre todo porque, empezase o no en una generación concreta, la cultura de la cancelación engloba ya a gran parte de la sociedad, y está en todas las generaciones (¿cuántos José Luis de cincuenta años llaman de todo a Anabel Alonso desde que osa pronunciarse sobre política, por poner un ejemplo sencillo?). Tampoco es exclusivo de la izquierda ni un comportamiento “de progres”, como se empeñan en decirnos, y de hecho muchos de los llamados “ofendiditos” que han ocasionado al “cancelado” problemas realmente graves no se correspondían con ese espectro ideológico: más o menos recientes tenemos los casos de Miren Gaztañaga, Dani Mateo, Guillermo Zapata, Fernando Trueba o Guillermo Toledo. En cualquier caso, que muchos de estos análisis tengan este sesgo no hace menos cierto el problema que intentan señalar: la velocidad a la que va todo en la actualidad implica juzgar y lapidar a celebridades con la misma velocidad, dándose casos cada vez más injustos, como el sufrido hace poco por Terry Crews, quien para algunos pasó de ser un osito de peluche a un demonio en cuestión de horas.
Qué miedo me da la peña con cosas como lo que ha pasado ahora con Terry Crews, chiquitines. No es simplemente que no se deje pasar ni una, es que no hay conciencia alguna de lo que es que cientos, miles de extraños en este caso, te digan a la vez y con insultos que te equivocas.
En el caso de Crews, mucha gente se asombraba por que alguien tan concienciado y deconstruido como él pudiese hacer esos comentarios. Y ésa quizás sea una de las raíces del problema: nadie es un demonio a todas horas, pero tampoco nadie es un osito de peluche a todas horas. La idealización que hacemos de las celebridades, convirtiéndolas, como decía hace unos meses a cuenta del caso de Marina, en objetos más que en personas, es totalmente contraproducente. Esperamos tanto de ellos que no les dejamos ser humanos: idealizar es una forma de deshumanizar, como venía a decir Chidera Eggerue en una reciente entrevista a Vogue: “deshumanizas a tus ídolos en tanto que les robas la posibilidad de equivocarse, de cometer errores”. Esto hace que la mayoría de famosos vayan con pies de plomo a la hora de comunicar sus ideas, y nosotros no somos tontos: la gente es consciente de ello, y precisamente el suponer que el famoso de turno es casi una simulación siempre sonriente de ‘The Stepford Wives’ les hace reaccionar con más crueldad. Así, un comentario desafortunado no es solo un comentario: es la prueba de que se ha roto esa simulación, de que ese es su verdadero yo y de que el resto de palabras que salen por su boca son falsas. Y pocas cosas nos revientan más que un hipócrita.
En cambio, gente como Trump, Bolsonaro o Abascal atraen no solo por el erróneo concepto de lo políticamente incorrecto (si el sistema está cargado de homofobia y tú estás siendo homófobo, estás haciéndole el juego al sistema, así que de antisistema y “políticamente incorrecto”, poquito), sino por lo mismo que nos encanta de Amaia: su transparencia. Soltando burradas constantemente dan la ilusión -solo la ilusión, pero esa ilusión es muy eficaz, como bien sabe Steve Bannon- de ser transparentes, auténticos, y estamos acostumbrados a que nuestros famosos no lo sean (quizás confundamos conceptos, porque no me parece que Mitski, por ejemplo, sea menos auténtica que Amaia, tan solo son muy distintas). Pero la política es un reflejo de nuestra sociedad: no parece casualidad que el reinado de este tipo de personajes en política coincida con la época de los linchamientos diarios online, porque a cualquiera de ellos tres podríamos verlos perfectamente, antorcha en mano, liderando uno de esos linchamientos. La delgada línea entre guerreros de la justicia social y antorchas se ve clara en situaciones tan surrealistas como la que se dio hace unos años con Irene Villa (insultada por no ofenderse por los mismos que la defendían (!!!)) o la descrita de forma brillante por la mencionada Mitski.
I'm so grateful to have folks who care about my music. But being on twitter feels like I went to a restaurant, asked for a burger, they didn't have it, so I asked for noodles instead, except an angry group appeared and threatened to torch the place for not giving me a burger,
En conclusión, personalmente veo un error “cancelar” a gente por comentarios o comportamientos concretos, porque en sí es un error pensar que lo poco que vemos de alguien en redes sociales refleje su personalidad y su evolución, como comentaba Stephanie Smith-Strickland en Paper Magazine. Y no sé a vosotros, pero a mí el hecho de “cancelar” me recuerda al funcionamiento mental de los niños, cuando, tras una rabieta, son capaces de chillarle a su madre “¡te odio!” cuando dos minutos antes le estaban diciendo “mamá te quiero mucho”; cada vez que veo un “exposed”, un #FulanitoIsOverParty o, en definitiva, un “Fulanito está cancelado”, pienso que el modo de actuar no está demasiado lejos de ese niño de cinco años, por mucho que la “rabieta” pueda tener una causa noble detrás. Quizás se trate más de contextualizar el acto / la declaración en cuestión, de aplicar matices, y entender que, como nosotros y las personas de nuestro alrededor, esas personas cometen errores, y que, como hacemos con esas personas de nuestro alrededor, la solución puede pasar por poner las cosas en una balanza. En cualquier caso, un enfoque más efectivo (y ciertamente más empático), y del que cada vez se habla más, es que sea la gente cercana a esa persona la que, en privado, le haga ver su error; es decir, lo opuesto al “call out” sería el “call in”.
Porque, si lo pensamos fríamente, ¿nuestra buena intención en busca de justicia nos está cegando, haciendo que funcionemos como una masa enfurecida 24/7? Y, en muchos casos, ¿hay realmente buena intención o es solo morbo? “Una vez que adoptas esa mentalidad binaria, lo despersonalizas todo. Reduces seres humanos complejos a una simpleza del Bien contra el Mal. Eliminas el sentido de la proporcionalidad. De repente no hay distinción entre R. Kelly y el emoji con mala leche de una niña de instituto.” comenta David Brooks en este artículo de NY Times, de los más recomendables y claros sobre el tema. En él, el columnista pide empatía y contexto en vez de furia ciega, y deja entrever otra cosa: por supuesto que muchos SJW tienen buena intención, pero el porcentaje de bullies que usan la “justicia social” como excusa para su sadismo es también altísimo. Seguro que conocéis algún ejemplo entre vuestros círculos. “I put the world to rights / and when I’m a big boy I’m gonna write for Vice”, que decía Lily, “U-R-L B-A-D M-A-N with no empathy”.
Nuevo viernes de novedades discográficas, algo más ligero que los últimos, pero siempre con cosas muy interesantes que reunimos en Ready for the Weekend. En el apartado de álbumes, las principales novedades son el álbum que une a Karen O (Yeah Yeah Yeahs) y el productor Danger Mouse, además de los discos de Matmos, The Faint, Stephen Malkmus (¡un disco electrónico!), The Cinematic Orchestra, Amparito, The Brian Jonestown Massacre, Hombres G, el grupo nipón femenino de punk CHAI, The Brian Jonestown Massacre y Benjamin Francis Leftwich. También hoy llegan EPs con material inédito de Mujeres y Baiuca.
La semana, como viene ocurriendo últimamente, ha ido de menos a más en cuanto a singles, con el esperado regreso de Shura, Holly Herndon, La Polla Records, Joan As Police Woman, Cala Vento o Gus Dapperton, a los que en las últimas horas se han sumado el single con pinta de hit de Sean Paul y J Balvin y el primer single de la nueva etapa indie de Iggy Azalea. Con estos también tenemos hoy lo nuevo de Emeli Sandé, Anderson .Paak, un sorprendente nuevo single de Kiko Veneno, un nuevo adelanto del álbum –por fin anunciado– de LSD (Labrinth, Sia y Diplo), Gloria Trevi & Karol G, Lamb, Baroness, Kuve, The Head and The Heart, One Path & Cruz Cafuné, un bopazo de Sofia Reyes, Rita Ora & Anitta, Los Ganglios (avance de su nuevo disco, promovido por crowdfunding), Jenny Lewis, King Gizzard & The Lizard Wizard, Tierra Whack, Nasty Cherry (atención a esta girl-band auspiciada por Charli XCX), Frankie Cosmos, Jose Domingo, Las Migas, Tomasa del Real, Jade Bird o El Grajo.
También esta semana hemos conocido la versión del viejo tema de la BSO de ‘Dumbo’ que Arcade Fire han hecho para el remake de Tim Burton. Otras curiosidades que se publican hoy son el álbum con el que Camela celebra sus 25 años de carrera, con invitados como Alaska, Javiera Mena o Carlos Baute, la versión que la actriz Elle Fanning hace de ‘Dancing On My Own’ de Robyn para la película ‘Teen Spirit’, la versión en vivo de Dorian & Nita (Fuel Fandango) para ‘Buenas intenciones’ o el remix de ‘Ah No No’ de Mariah Carey junto a la británica Stefflon Don. También hoy se publica un recopilatorio muy especial con el que el sello Jabalina Records resume y celebra sus 25 años de historia en el panorama independiente español.
Iggy Azalea inaugura por fin hoy su nueva etapa indie, tras una serie de desencuentros con Universal que acabaron con su paso por la multinacional. Como ya anunció cuando lanzó el EP ‘Survive the Summer‘, dejaría atrás el rap-pop que le dio tanto éxito en ‘The New Classic’ y volvería a centrarse en su faceta de MC pura y dura. Así lo demuestra ‘Sally Walker’, el primer single de esta era.
La canción, tras varios teasers mostrados en sus redes sociales, ha sido lanzada esta madrugada. Se trata de una producción de J. White Did It, la mano detrás de pelotazos masivos recientes como ‘I Like It‘ y ‘Bodak Yellow’ de Cardi B (también de otros temas suyos como ‘Money‘ o ‘Money Bag’), además del estupendo ‘a lot’ que avanzaba el último trabajo de 21 Savage. Se trata por tanto de una base oscura protagonizada por un piano solemne, mientras que la parte melódica se apropia directamente de una canción infantil muy conocida en EE UU llamada ‘Little Sally Walker’, que se canta en un juego de imitación… no sé si ya veis venir la temática de la letra.
Aunque quizá lo mejor de este lanzamiento está en su divertido vídeo, dirigido por Colin Tilley (que ya trabajó con Iggy en ‘Savior‘, y también es responsable de vídeos como los de ‘Taki Taki‘, ‘Slumber Party‘ u ‘Alright‘). Desde luego, no por ser indie signifique que no haya contado con presupuesto. Sin desvelar demasiado sobre el clip, diremos que gran parte de él se desarrolla en un funeral con muchas lágrimas (de cocodrilo) y que termina por transformarse en una fiesta a la que están invitadas algunas leyendas de RuPaul’s Drag Race (es citada explícitamente en la letra, por cierto) como Shea Couleé, Mayhem Miller y Miss Vanjie, además del propio J. White Did It o el youtuber James Charles. Y ojo, porque culmina con un avance de otros nuevos canción y vídeo, que quizá lleguen en breve.
‘Boys Will Be Boys’ se ha convertido en un símbolo de esta era de #MeToo y sororidad: una canción que, con tanta crudeza como delicadeza, se dirige a un violador que destrozó la vida de una chica, contando con la connivencia de la familia de él (“tu padre dice que eres inocente, que “la chicas se violan a sí mismas”) y, en general, de toda la sociedad (“¿Por qué estaba sola, llevando la camisa tan desabrochada? / dicen “los chicos son así” / sordos a la palabra “no”). Stella Donnelly escribió esta canción sobre una amiga, pero tristemente es una situación tan común y que se extiende a otro tipo de abusos no necesariamente físicos, que toma un cariz universal.
Esa canción es todo un himno feminista de la australiana y, como punto culminante de su EP debut de 2017, ‘Thrush Metal’, y también de este álbum de debut, ‘Beware of the Dogs’, marca un canon para ella. Y, efectivamente, ese paso de lo íntimo a lo general nutre buena parte de las canciones de este disco y se convierte en una huella personal: lo hace de nuevo en otro contundente alegato feminista, ‘Old Man’, basada en su propia experiencia con algún ejecutivo de la industria musical para dibujar a ese hombre maduro que emplea su poder y sus privilegios para forzar favores sexuales de mujeres jóvenes; lo hace también en ‘U Owe Me’, donde habla de un jefe que tuvo en un pub que, además de escatimarle la paga semanal, se pajeaba mirándola por el circuito cerrado de TV mientras servía cervezas; o en ‘Tricks’, donde retrata con comicidad a los pesados padres de familia cis-heteros que interrumpían pidiendo a gritos sus canciones favoritas (dice haber tocado ‘Wonderwall’ hasta hartarse) en los conciertos de versiones que hacía los domingos por la tarde en su Fremantle natal antes de dedicarse a la música profesionalmente.
Todas ellas son episodios que ejemplifican esa violencia machista a la que se somete diariamente más de la mitad de la Humanidad… pero, reconoce, ella misma goza de los suficientes privilegios como para no poder representar a todas las mujeres. Por eso, en realidad, ‘Beware of the Dogs’ no puede entenderse como un disco con una sola faceta, la reivindicativa, ni un único estilo lírico. De hecho, además de que hay varias canciones bastante menos específicas, de una poesía más abstracta (la propia ‘Beware of the Dogs’, ‘Watching Telly’ o ‘Die’), Stella también muestra cierta modestia al cantar puntualmente a situaciones puramente personales. No sólo al amor (fantástica ‘Mosquito’, en la que también se expresa de una manera bien directa: “uso mi vibrador pensando que eres tú”), sino al desamor (’Allergies’ la escribió tras una ruptura, y en la toma vocal podemos escucharla sollozar y sorber los mocos) e incluso a cosas mundanas como las incómodas reuniones familiares de Navidad (soberbia ‘Season’s Greetings’, donde se enfrenta a alguien de su familia que le dice que debería “ser más como su madre” y que termina entre improperios, mandándole/a a “tomar por culo”, literalmente).
Del mismo modo que el perfil lírico de ‘Boys Will Be Boys’ no es el único que muestra Donnelly en ‘Beware of the Dogs’, tampoco lo es el de su sonido espartano combinado con tenues arreglos y su voz dulce pero poderosa. Es un recurso precioso, que ella domina (su vibrato impresiona) y emplea con cierta frecuencia (las citadas ‘Mosquito’, ‘Allergies’, ‘U Owe Me’, ‘Face It’), pero este es un disco mucho más rico de lo que parece, como ya demostraba ‘Lunch’, fabuloso adelanto sobre la nostalgia de estar de gira, repleto de bonitos arreglos. Un camino similar, más rockero con un espíritu tradicionalista, que sigue también en ‘Tricks’ o ‘Season’s Greetings’, cuya tesitura vocal se asemeja sorprendentemente a la de Lily Allen, una artista que parece en sus antípodas artísticas pero quizá no lo esté tanto ni lírica (ya conocemos la concreción verbal de la británica) ni musicalmente (quizá sea por el empleo de cajas de ritmo y tecladillos muy sencillos, pero ‘Die’ y ‘Watching Telly’ vuelven a evocar encantadoramente a la intérprete de ‘Alright, Still’).
Aunque en muchos momentos ‘Beware of the Dogs’ sea lo que entendemos como el clásico disco de cantautora, no lo es de manera tan clara, y muestra a una artista muy singular (un bien escasísimo en el pop actual), con una voz propia y poderosa, en todos los sentidos. Quizá sólo cabría pedirle algo más de brillo en todas las composiciones (es perceptible el salto entre los temas más destacados y los que están simplemente bien), pero eso no implica que no se disfrute la mar de bien de cabo a rabo. Sólo cabe esperar que siga creciendo igual de bien.
Calificación: 7,9/10 Te gustará si te gustan: las boygenius, Feist, la Lily Allen menos popstar. Lo mejor: ‘Boys Will Be Boys’, ‘Lunch’, ‘Mosquito’, ‘Tricks’, ‘U Owe Me’, ‘Old Man’ Escúchalo:Spotify
J Balvin, uno de los artistas latinos más importantes del momento, sino el que más, y Sean Paul, que en los últimos tiempos ha sumado varios éxitos a su larga carrera por ejemplo junto a Dua Lipa (‘No Lie’) o David Guetta y Becky G (‘Mad Love’), pero también en solitario (‘Temperature’), han unido fuerzas en un single conjunto llamado ‘Contra la pared’, que ya puede escucharse.
‘Contra la pared’ recuerda irremediablemente a ‘X’, el éxito de J Balvin y Nicky Jam, pues une el habitual ritmo reggaetón de Balvin con la melodía de un pitido tipo kazoo que puede rallar al principio, pero que está hecha para incrustarse en el cerebro. Aunque la canción se pega sobre todo desde el primer estribillo “busca la máscara, di qué fue, ya me tienes contra la pared, pide 1 vez, pide 2, pide 3”, y lo mejor es que potencia tanto la personalidad de Balvin como la del jamaicano Sean Paul, que aporta al tema un sabor más dancehall.
La canción está producida por Tainy, que acaba de colaborar con J Balvin en ‘I Can’t Get Enough’ también junto a Selena Gomez y benny blanco. El videoclip de esta canción es ahora mismo el más visto en Youtube España, aunque quizá la propia ‘Contra la pared’ lo supere en las próximas horas con su vídeo oficial, que acaba de estrenarse. Si Entertainment Weekly se refería a él como “electrizante”, quizá se refería a los colores chisporroteantes de la ropa que los dos cantantes (en algunos planos, brillan en la oscuridad literalmente) y sus bailarinas muestran en sus bailes en un paisaje árido, hasta el que se han desplazado en unos buggies muy guapos.
Rusia ha sido históricamente uno de los países más potentes en Eurovisión año tras año, pues incluso ha alcanzado el top 5 hasta en 9 ocasiones en lo poco que llevamos de siglo XXI. Sin embargo, el gigantesco país lleva dos años consecutivos sin participar en la final del festival debido en primer lugar a la polémica de Yulia Samoylova con Ucrania en 2017, y después al hecho que la propia cantante no lograra llegar a la final al año siguiente, tras volver a presentarse.
Este año, Rusia no se la juega y ha escogido para representarle en Eurovisión a uno de sus cantantes más populares, Sergey Lazarev, quien ya actuó en Eurovisión en 2016, quedando en tercera posición. Lazarev fue uno de los integrantes a finales de los 90 del grupo infantil Neposedi junto a Yulia Volkova y Lena Katina, que luego formarían t.A.T.u. por su cuenta, logrando un éxito internacional sin precedentes para cualquier artista ruso anterior o posterior. Por su parte, Lazarev formó Smash!! con su primo Vlad Topalov (también en Neposedi), pero su éxito se limitó a Rusia y a territorios próximos.
Ya en solitario, Lazarev ha cantado varios tipos de canciones en su carrera, desde dance-pop a R&B pasando por un rock bastante dramático y oscurillo. El tema con el que se presenta a Eurovisión formaría parte del tercer grupo, pues directamente parece de Within Temptation circa 2004. ‘Scream’, que habla sobre “tragarse” las lágrimas ante una situación dolorosa, justo lo que necesitan los hombres rusos en estos momentos, está mejor de lo que parece en un principio y de hecho va segunda en las apuestas, aunque su drama parece, sorpresa, bastante forzado. Eso sí, el videoclip es bonito. Calificación: 5,5/10 En los foros de Eurovisión se dice: “Rusia es una horterada típica de las que enviaban los países del Este a finales de los 90, pero reconozco que está a punto de convertirse en mi guilty pleasure de este año” – Be my valentine En las casas de apuestas: misteriosamente va 2º
Las cintas de cassettes están tan de moda que su consumo global volvía a aumentar en 2018, y no solo gracias a discos clásicos que una vez fueron editados originalmente en cinta sino también a álbumes de actualidad como los últimos trabajos de Ariana Grande (‘Sweetener’) o Kylie Minogue (‘Golden’). Aunque el consumo de cassettes en el mundo representa un porcentaje minúsculo del mercado, cada vez más artistas se apuntan a publicar sus obras en cinta aunque sea en ediciones limitadas, como acaba de hacer Björk.
Después de reeditar sus discografía en vinilos de colores, allá por 2015, tras el lanzamiento de ‘Vulnicura‘, desde este jueves están disponibles en la web de Björk todos sus álbumes en formato de cassette y por supuesto cada uno viene con su cinta en color correspondiente. Cada una de ellas vale 8,99 libras (unos 11 euros) y también puede comprarse el paquete de cassettes con las 9 cintas juntas por 69,99 libras (unos 82 euros). No hay cinta de ‘Selmasongs’ por alguna razón, aunque de hecho en su momento se llegó a editar en algunos países, como puede verse en Discogs. Por cierto, Björk ha sacado también hace poco una nueva tirada de camisetas “vintage”, también en su web.
Mientras tanto, Björk sigue preparando ‘Cornucopia’, su “espectáculo más elaborado hasta la fecha”, que se estrena en la galería de arte The Shed de Nueva York esta primavera y sucede a la gira de ‘Utopia‘. No está de más recordar que del último álbum de la artista se llegó a editar un vinilo color “genitales de babosa” para uno de sus singles.
Carly Rae Jepsen ha estrenado el videoclip de ‘Now That I Found You’, una de las canciones del momento. El vídeo narra una historia de amor protagonizada por Carly Rae Jepsen, que hace de “Carly”; Jimmy Loweree, que hace de “Jimmy”, y “Shrampton el Gato”, que hace de “Gato”. Pero la historia no evoluciona como probablemente esperes.
Este es el argumento del vídeo con spoilers: una noche lluviosa cualquiera, Carly se topa con Shrampton el Gato cobijándose debajo de una caja de cartón, y pronto ambos se convierten en mejores amigos. Su relación es tan estrecha que el gato acompaña a Carly en todos los momentos de su día a día y ella incluso le pinta un cuadro. De repente, Carly tiene un sueño de Resines y eso lleva a la cantante a descubrir que el gato ha desaparecido, aunque por suerte no tarda en encontrarlo en brazos del que creíamos sería el verdadero co-protagonista de este adorable vídeo.
‘Now That I Found You’ es uno de los 2 sencillos que publicaba Carly hace unas semanas (el otro es ‘No Drug Like Me’) como anticipo de su próximo álbum, aún sin título ni fecha de edición. Ambos llegaban tiempo después del ya algo olvidado ‘Party for One’, un single de regreso que ha sido acogido de manera bastante tibia por crítica y público.
Tobias Jesso Jr. cavó su pequeño hueco en la historia reciente del pop de autor en marzo de 2015 con ‘Goon‘, un disco de baladas preciosas estilo años 70 que incluía al menos un clásico, ‘How Could You Babe’. El debut de Tobias auguraba una carrera fulgurante, como vaticinamos en uno de nuestros artículos sobre las revelaciones de la temporada, pero en 2019 seguimos sin su continuación y no parece que la vaya a haber: es lo que tiene haber participado en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos.
A Tobias le tocó la mano de Dios cuando Adele, la artista que más discos vende del momento, capaz de despachar decenas de millones de copias de sus álbumes sin despeinarse en una época ya muy mala para las ventas, le llamó para colaborar en ‘25‘, un disco que terminaría vendiendo 22 millones de copias -’25’ fue el disco más vendido de 2015 y 2016-. En concreto, Tobias co-escribió e hizo coros en ‘When We Were Young’, uno de los exitosos singles del disco. El resto es historia… o no, porque historia de Tobias Jesso Jr. propiamente dicha ha habido poca.
Actualmente al frente de su propia editorial, Orange Publishing, que utiliza frecuentemente para fichar a artistas noveles que le mandan demos por Twitter, pues él tiene muy presente sus inicios, Tobias está haciendo carrera componiendo y produciendo para otros artistas y, al margen de Adele, en tiempos recientes ha trabajado con Sia, Shawn Mendes, Paloma Faith, Niall Horan, John Legend o Florence + the Machine, e incluso con XXXTentacion y Meghan Trainor. Además, ha producido el disco de Emma Louise, con la que se acaba de casar, y recientemente ha estado componiendo con artistas de country “de primer nivel”, según una reciente entrevista con Billboard. En otras palabras, Tobias tiene la vida resuelta, ¿para qué va a sacar disco?
En la mencionada entrevista, Tobias ha afirmado que sacará otro álbum cuando lo necesite, pero que prefiere estar en un segundo plano ya que no le gusta actuar en directo y que, en cualquier caso, lo que ama es componer. “A mucha gente le gusta actuar, pero ese no soy yo. Yo tengo mucho miedo. Quizá haya cambiado un poco, pero escribiendo me lo paso muy bien. Si intento ser bueno en algo, es en escribir. Habla de mí como compositor, es todo lo que quiero”. Un disco que nos perdemos, en definitiva, aunque está claro que Tobias siempre va a estar por ahí rondando. Seguiremos disfrutando de su talento pero, en principio, solo a través de otros.
Amaia Romero ha acudido esta noche a la premiere de ‘Dolor y gloria’, la nueva película de Pedro Almodóvar, y allí ha confirmado a los medios que su disco está “grabado”, en declaraciones que recoge Fórmula TV. En concreto, la navarra ha dicho que “el disco va súper bien”, que ya ha “grabado todas las canciones” y que “hay que retocar alguna cosa”, pero que está “bastante orgullosa de cómo ha quedado”. Además, ha dicho que saldrá “pronto”, probablemente “en menos tiempo del que pensáis”.
La cantante ha confirmado también que pronto lanzará un single, y a otro medio ha indicado que este sale “dentro de bastante poco” (vídeo, min. 7), por lo que parece que sí escucharemos nueva música de la cantante antes de que inicie su gira por festivales, que arranca en el WARM-UP de Murcia a principios de mayo. Aunque la noticia es que Amaia no sabe si serán «una, dos o tres canciones”. Apunta: “Lo tengo que decidir todavía».
En la entrevista que JENESAISPOP mantuvo con Amaia el pasado mes de diciembre, con motivo del estreno de ‘Un nuevo lugar’, la cantante aseguraba que el álbum será “bastante personal” ya que ella es “supernostálgica” y que siempre está “pensando en el pasado, en la infancia”. También apuntaba que las letras hablarán “del paso del tiempo”, ya que es algo que le “emociona”. La cantante comentaba una canción en concreto que va “del cambio”, y que es “la que más disfruto cantando”.
Julia Michaels, una de las artistas pop del momento, gracias a canciones propias como ‘Issues’ o ‘Anxiety’, a colaboraciones como ‘I Miss You’ junto a Clean Bandit o a sus composiciones para artistas como Justin Bieber, Shawn Mendes o Selena Gomez, ha anunciado concierto en Madrid en presentación de su nuevo EP, ‘Inner Monologue Pt. 1‘. La fecha es el 4 de octubre en el Teatro Barceló. Las entradas salen a la venta el viernes 15 de marzo a las 11.00 en los puntos de venta habituales a un precio de 26 euros + gastos. Los menores de 16 años podrán acceder acompañados de padre, madre o tutor legal.
Tras publicar ‘Anxiety’, su dueto con Selena Gomez, como primer avance de este EP, Michaels ha estrenado recientemente videoclip para otro de los temas incluidos en su EP, ‘Deep’, que en nuestra reseña del EP describíamos como un “cruce entre R&B y pop marca Vampire Weekend”. El vídeo está dirigido por Boni Mata.
El EP contenía otros temas como la “esquizofrénica” ‘Into You’ o la balada acústica ‘What a Time’ con Niall Horan, aunque el tema destacado era sin duda ‘Anxiety’, en el que Michaels y Gomez cantaban sobre su experiencia con la ansiedad, en frases como “mis amigos quieren llevarme al cine, pero yo les digo que les jodan, yo me cojo de las manos con la depresión”.
Justo después de ofrecer una excelente actuación en los Premios MIN interpretando uno de los cortes de ‘Justicia universal’ que más les costó hacer en vivo, ‘Cometas’, Dorian tienen otro single del mismo álbum que presentar al mercado. Tras haber dado a conocer ‘Hasta que caiga el sol’ y ‘Duele’, cada uno ya con más de 2 millones de streamings solo en Spotify; o por ejemplo el vídeo de ‘Vicios y defectos’ junto a Javiera Mena; Dorian comparten el vídeo de ‘Buenas intenciones’.
Se trata de una grabación profesional de lujo realizada junto a Nita de Fuel Fandango en La Riviera. El grupo llenó 3 veces esta sala madrileña a finales del pasado año, contando con varios invitados, como Rayden en un rap para el corte titular ‘Justicia universal‘, pero sin embargo finalmente se han decidido por esta otra colaboración. La versión audio de este tema estará disponible en plataformas digitales esta medianoche, pero mientras podéis disfrutar del entregado videoclip.
Por supuesto la banda continúa realizando una amplia gira que les va a llevar por Burgos (26 de abril), el FIV de Vilalba (27 de abril), Girona (11 de mayo), Córdoba (16 de mayo), Sevilla (17 de mayo), Málaga (18 de mayo), Talavera (31 de mayo), Granada (1 de junio), Valencia (8 de junio), Festival de los Sentidos (16 de junio), Río Babel (5 de julio), Cruïlla (6 de julio), Gandía (19 de julio), Low Festival (26 de julio), Atlantic Fest (27 de julio), Arenal Sound (2 de agosto) y Cooltural Fest (16 de agosto).
Desde que hace un mes y medio estrenáramos el vídeo de ‘Fauna’ de Monterrosa, el tema no ha dejado de crecer, sumando ya unas 50.000 reproducciones en las plataformas de streaming, sin el apoyo de las consabidas playlists de novedades y éxitos de Spotify que todo lo manejan en la industria musical. El dúo formado por Rocío de Las Chillers y Esnorquel DJ se está abriendo un hueco posiblemente beneficiado por la separación de Las Bistecs. Como ellas, ofrecen canciones de electropop y bailables, no por divertidas descerebradas o inanes. Y ‘Fauna’ es su mejor exponente.
Se trata de un rompepistas de sintes ochenteros y beats noventeros pero a la vez una canción contra todo tipo de manadas, con la letra hablando sobre el miedo de volver «a tierra» (a la realidad tras tu club favorito) «a las 6 de la mañana». El pre-estribillo va en pos de la dignidad en contraposición al miedo («coloca bien los hombros, levanta la cabeza / ensaya las palabras, la lengua te quema / no mires a los ojos a las otras fieras / mantén el aire dentro») mientras el estribillo explota contra el posible agresor («Quédatelo, quédate este minuto de mi miedo / Quédate este minuto de mi rabia»).
El dúo explicaba el tema en la revista Shangay: «Habla de eso, del miedo que puedes sentir cuando vuelves de fiesta porque eres mujer, maricón, racializado o no binario, porque no eres un hombres cis hetero blanco. Ya no decimos que somos el primer grupo formado por una bollera y un maricón porque, por ejemplo, en Mocedades había varios [risas]. Pero sí somos, probablemente, el primero que lo lleva con orgullo y visibilidad».
Monterrosa presentan su disco de 7 temas ‘Latencia‘ en SanSan Festival y Low Festival, entre otros lugares, pero antes estarán este viernes 15 de marzo actuando gratis en Galileo Galilei, Madrid, junto a Agoraphobia y Nuu como parte del cartel Ellas Crean. Más información, aquí.
The Japanese House ha ido evolucionando desde sus primeros singles de 2015 hasta convertirse en una de las artistas más prometedoras del pop alternativo británico, pues además se codea desde hace un tiempo con sus compañeros de sello The 1975 (a los que ha teloneado) hasta el punto que George Daniel ha co-producido su debut, ‘Good at Falling’, y Matt Healy -el carismático líder del grupo- aparece en una de sus pistas, en concreto en la emotiva ‘f a r a w a y’, donde puede escuchársele claramente haciendo coros.
La canción no presenta la transición entre estrofas y estribillo más conseguida que se ha oído, pero es uno de los momentos álgidos de un álbum que suena tan bonito como el paisaje retratado en su portada, al tiempo que esconde unas letras llenas de depresión, ansiedad e incertidumbres, resultado de la ruptura de Amber Main (la chica de 23 años tras el proyecto) con la también cantautora Marika Hackman, cuyo nombre aparece explícitamente mencionado en una de las canciones del disco.
Prueba de que The Japanese House no ha hecho más que crecer con el paso del tiempo es que la que un día fue su mejor canción, ‘saw you in a dream’, publicada en 2017, cierra ‘Good at Falling’ en una versión nueva, más acústica. La desnudez de la grabación realza su preciosa melodía y si algo demuestra Main en su disco es que va sobrada de ellas, tanto si las presenta bañadas en vocoder, como es el caso de la emocionante balada ‘Lilo’, en la que Main recuerda los primeros momentos de su relación con Marika; como cuando rebaja la presencia de este instrumento en unas canciones que suenan más cerca del pop de radiofórmula, como es el caso de la apasionada ‘Maybe You’re the Reason’ y ‘You Seemed so Happy’, dos canciones que pese a su inmediatez y elemento POP en mayúsculas hablan de la depresión, con Main o “sintiendo el peso del mundo” o declarando, irónicamente, que la “apatía es un sentimiento divertido”.
Si algo caracteriza el sonido de The Japanese House es su fijación por la balada synth-pop de los 80 -‘We Talk All the Time’, ‘Worms’- pero también por el vocoder de Bon Iver -Main ha grabado parte del disco en el estudio Fall Creek de Justin Vernon, situado en una cabaña- y las voces distorsionadas de James Blake, además de por unas melodías que a menudo obligan a la mención de rigor a Fleetwood Mac (‘somethingfartoogoodtofeel’). La amalgama de influencias sitúa a The Japanese House en un punto intermedio entre Haim e Imogen Heap, entre Shura y los mencionados The 1975 o el “prismizer” de Francis and the Lights, pero Main siempre va por delante de sus posibles influencias gracias a su peso emotivo. En especial, la paranoia de ‘Everybody Hates Me’ da lugar a un estribillo majestuoso, cerrándose además con una bonita outro “Disney”, mientras la sintética ‘Follow My Girl‘ expresa con acierto el sentimiento de confusión y desasosiego de su letra y la balada orquestal ‘Marika is Sleeping’ conseguirá derramar más de una lagrimilla.
Dice Main que la mayoría de canciones de ‘Good at Falling’ las compuso antes de romper con Marika, pero que el álbum “suena como un disco de ruptura” de todas formas. En realidad, ‘Good at Falling’ suena grande y romántico, como un gran disco de amor, pero a su vez las letras se encuentran en el lado opuesto de ese término. ‘You Seemed so Happy’ es la clásica canción que suena feliz pero esconde una letra llena de amargura, y en general los textos de The Japanese House están llenos de culpa, decepción y ansiedad. Sin embargo, Main ha creado bastante belleza gracias a ellos, si bien ojalá en sus futuras composiciones las letras sean igual de felices que la música.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Maybe You’re the Reason’, ‘You Seemed so Happy’, ‘Lilo’, ‘Everybody Hates Me’ Te gustará si te gusta: The 1975, Shura, HAIM, Now, Now Escúchalo:Spotify
Madonna ha compartido una playlist con sus artistas femeninas favoritas con motivo del Día Internacional de la Mujer Trabajadora (sí, un poco tarde). La playlist de Spotify está encabezada por ella misma con ‘Like a Prayer’ y continúa con Sevdaliza, lo cual no es una sorpresa para nadie pues se supone que Madonna está trabajando con su director videoclips Emmanuel Adjei; y Rosalía. De hecho, Rosalía aparece dos veces en esta playlist, con ‘De aquí no sales’ y ‘Di mi nombre’, que cierra. La autora de ‘Los Ángeles’, que ya era seguida por Madonna en Instagram, ha agradecido en Twitter este detalle.
También aparece ‘Saint Claude’ de Christine and the Queens, cuyo vídeo claramente inspiró el de ‘Living for Love’, si bien la noticia que deja la playlist es la ausencia de cantantes contemporáneas de pop en la estela de Miley Cyrus, Beyoncé o Katy Perry. Aquí no hay nadie que se pasara por el vídeo de ‘Bitch I’m Madonna’, y aunque sí están FKA twigs, Björk y Lana del Rey, predomina lo clásico en las diversas acepciones de la palabra, con Nina Simone, Aretha Franklin, Édith Piaf, Blondie, Siouxsie, Donna Summer, Cesaria Evora quizá como fruto de su gusto por lo portugués y brasileño o Patti Smith, que también aparece dos veces.
Los últimos rumores sobre el disco de Madonna y su promoción indican ahora que la cantante podría no actuar en Eurovisión debido al carácter político de su single de regreso, cuyo vídeo fue grabado hace unas semanas en compañía de varias drag queens. Su participación nunca había sido confirmada oficialmente de todos modos.
Vuelven La Polla Records, uno de los grupos más genuinamente punk de nuestro país, cuyas canciones han sido evidente carne de Viña Rock, pero también han influenciado a artistas de lo más variopinto de otros ámbitos, de Los Punsetes a Bravo Fisher pasando por WAS, Kokoshca, Cómo Vivir En El Campo o El Pardo. Coincidiendo con el 40 aniversario del grupo alavés, el quinteto liderado por Evaristo Páramo (siguen en él los fundadores Álex y Sumé, completando la formación Tripi y Txiki, integrantes de Gatillazo, el proyecto paralelo de Evaristo) ha programado una serie de conciertos a finales de este año en grandes recintos de Valencia (21 de septiembre), Madrid (12 de octubre), Bilbao (19 de octubre) y Barcelona (26 de octubre) –con El Drogas (Barricada) como telonero–, antes de embarcarse en una gira por Latinoamérica en 2020. Las entradas de la gira salen a la venta el próximo miércoles 20 de marzo a las 11:00 h a través de www.lapollarecords.net, www.ticketmaster.es y Red Ticketmaster.
Además, con motivo de esta celebración y concierto se publica también una suerte de recopilatorio, aunque no es un al uso: ‘Ni descanso, ni paz!’ reúne 19 canciones de sus tres primeros álbumes –los icónicos ‘Salve’ (1984), ‘Revolución’ (1985) y ‘No somos nada’ (1986)– en nuevas grabaciones que, opina el grupo, en su momento contaron con un sonido muy precario. También incluye una canción completamente nueva (la primera en 16 años, el tiempo que llevaban separados, desde que publicaran ‘El último (el) de La Polla’), llamada como el álbum. Una canción de punk rock realmente aguerrida que, en su línea lírica, levanta un dedo acusador contra el capitalismo, si bien muestra una actitud de derrota total.
Evaristo, en declaraciones a El País, no esconde que esta reunión tiene sobre todo fines crematísticos y que tocar en esos recintos supone una traición al espíritu del grupo, que está más próximo a shows gratuitos en gaztetxes y casas okupas: «Me encantaría (seguir tocando ahí) si no tuviera problemas de dinero. Pero hoy por hoy, no me lo puedo permitir». Aunque le da igual que le acusen de vendido: «No sé qué día sucedió, pero yo ya me vendí al capital cuando empecé a tocar en discotecas donde te cobran una entrada, no se puede fumar, hay seguratas y unas vallas de protección delante del escenario», concluye en el mismo diario.
Evaristo también acudía ayer a La Resistencia de Movistar+ a promocionar esta reaparición. Férreo en su actitud de vuelta de todo, David Broncano consiguió en cambio que mostrara su parte más tierna al contar que había ido al programa con su bebé, una niña de 9 meses que le ha hecho, a estas alturas, descubrir las canciones infantiles, asegurando que estaban bien porque luego le salía más mala hostia para hacer sus temas punkis. Aunque para punki su hija, que se pasaba el día «cagándose en todo». Entre tanta ternura, no tuvo problemas en reconocer que, tras 40 años de carrera, cuenta con unos 1.700 euros en su cuenta corriente y no tiene ahorros. Con tanta mandanga casi se le olvida atizar al sistema. Por los pelos.