Mientras esperamos a que lleguen noticias concretas sobre el nuevo disco de Selena, el vídeo de ‘I Can’t Get Enough’ se ha colado entre los más vistos de Youtube España tras su estreno, ocupando ahora el número 16. Lo ha dirigido Jake Schreier, que ha trabajado con Francis and the Lights, y en él los artistas implicados montan su propia fiesta de pijamas en una cama no gigante, sino colosal. Selena ha dicho que ella y sus colaboradores clavaron el vídeo en una sola toma pese a que se cayó “una o dos veces en el intento”.
El vídeo no será tan polémico como el de ‘Famous’ de Kanye West, que también incluía una cama gigante, aunque también un montón de famosos desnudos, si bien estaba inspirado en un cuadro de Vincent Desiderio.
A día de hoy, da la sensación de que ‘Care’ fue poco menos que un accidente en la carrera de How To Dress Well, como si se hubiera dejado llevar por un momento feliz de su vida (o por cierta ambición comercial, quién sabe). A día de hoy, repasando su carrera, y a diferencia de sus primeros trabajos, Tom Krell apenas dedica unas pocas frases a ese álbum de 2016, su trabajo más pop hasta la fecha. Y lo hace para rápidamente hablar sobre una instalación de arte en la que colaboró por entonces, y que derivó en la inspiración para ‘The Anteroom’, el trabajo que el canadiense publicó a finales de 2018 y que está bastante en las antípodas de aquel.
Influido por la electrónica experimental, ambient y oscura, de Coil, Burial, Helena Hauff, Neil Landstrumm, Front 242, Alec Empire (Atari Teenage Riot) o el ‘Unknown Pleasures’ de Joy Division’, y por poetas contemporáneos como Maggie Nelson o Alejandra Pizarnik, Krell construye en ‘The Anteroom’ una especie de alegoría sobre la condición humana, sobre su relación con Dios y con la Tierra, sobre el bien y el mal, para reflexionar sobre el futuro de la humanidad, para la que la inteligencia artificial será un punto y aparte, y el planeta, abocado a un colapso medioambiental. Los textos poéticos de Krell, de hecho, son tan farragosos como parece esa exposición (y sus ideas), repletos de imágenes apocalípticas como “piscinas llenas de sangre”, “cráneos rotos”, “podredumbre” y “dioses” , que parecen señalar la insignificancia del hombre en el Universo.
Es un trabajo líricamente muy abstracto, que sugiere y provoca, más que teoriza. Y eso encaja a la perfección con la propuesta musical, que no es menos intrincada, concebida como un todo inmersivo de 59 minutos, para ser escuchados de una sola vez. Una amalgama sonora que, fiel a los referentes citados antes, nos introduce en un opus de electrónica industrial, por momentos bastante asfixiante, en el que los confusos títulos y subtítulos de las canciones no indican sino distintos movimientos diseñados con minuciosidad por Krell y Joel Ford (antiguo compañero de Oneohtrix Point Never en el dúo Ford & Lopatin, que le ha asistido en la producción, con la participación puntual de CFCF). Sin embargo, por árido que pinte todo, ‘The Anteroom’ termina siendo una experiencia muy satisfactoria porque How To Dress Well sigue entregando verdaderas joyas del pop R&B que le conocíamos, cuidadosamente disgregadas a lo largo de la obra que, si ya es difícil de digerir en muchos momentos, sin ellas sería notablemente plomo.
Así, cuando parece que nos perdemos en false skulls y nonkillings, emergen no sólo pasajes melódicos que contribuyen a que pasen cosas (‘July 13 No Hope No Pain’, ‘Ceiling for the Sky’), sino grandes canciones como ‘Body Fat’, ‘Hunger’, ‘Vacant Boat’, ‘Brutal’ o ‘The Anteroom’. Canciones que, en códigos de electrónica próximos a los de Moderat y Four Tet (y hasta tecnazo a lo Nitzer Ebb en ‘Nothing’), destacan por la capacidad de Krell para cantar con su bonita voz melodías incontestables que hacen que, más allá de lo que uno quiera o pueda sumergirse en la experiencia de ‘The Anteroom’, este trabajo valga mucho la pena y recupere How To Dress Well como uno de los proyectos de pop más audaz de esta década.
Este miércoles, 13 de marzo, How To Dress Well trae a la Sala Razzmatazz de Barcelona el espectáculo de presentación de ‘The Anteroom’, que incluye una instalación de videoarte creada por Krell con NOH / WAVE: un sistema que reacciona al sonido ambiente para transformarse y mutar espontáneamente. Una configuración de hardware, que incluye una plataforma vocal en vivo experimental que le permite desencadenar y desintegrar los sonidos con su voz.
Calificación: 7,6/10 Te gustará si te gustan: su faceta más abstracta, la de ‘Total Loss’, Moderat, Oneohtrix Point Never Lo mejor: ‘Hunger’, ‘Body Fat’, ‘Brutal’, ‘Vacant Boat’, ‘The Anteroom’ Escúchalo:Spotify
Carmen Maura ha visitado esta noche El Hormiguero para presentar su nueva obra de teatro, ‘La golondrina’. Pablo Motos no ha querido preguntar a la actriz por sus polémicas declaraciones sobre Cataluña o el feminismo, pero sí por las elecciones del 28 de abril. Maura afirma que el problema de la política en España es que sus representantes son unos “maleducados impresionantes” que solo “se ponen a parir” los unos a los otros. Por eso, propone dejarlos “a pan y agua” como a los papas cuando no les sale la fumata blanca. “No se cobra hasta que arregléis el tema”.
Maura habla también de Pedro Almodóvar. Afirma que no tiene trato con él y que de hecho intenta no hablar de él en las entrevistas porque sabe que el director se enfada. Sin embargo, asegura que tiene “ganas de verle feliz” y sobre todo de ver su próxima película, ‘Dolor y gloria’, porque tiene “ganas de que una película de Almodóvar le guste”. Motos replica que él ha visto la cinta y que le va a encantar: “Para la gente que tenga más de 50 años, cuando el tiempo te ha dado unos navajazos que se te quedan ahí, la película de Pedro es finísima y Antonio Banderas está impresionante en ella”.
En otros puntos de la entrevista, Maura se enfrenta a un cuestionario sobre cultura francesa (ella vive en París) y española, prefiriendo el pan español al francés y los insultos españoles, pues en Francia, dice, no existe cultura de insultos como tal. Entre otras cosas, la actriz habla también sobre su mala memoria para acordarse de su mal rollo con alguien, pues ella es más “tipo positivo”.
Nueva edición de nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. Hoy comprobamos que la «nueva» Taylor Swift es más humana que nunca, Amaia alimenta con flores el misterio en torno a su debut, Lily Allen, Robyn y Florence + The Machine dejan estampas de sus respectivas giras, mientras que Hinds o Zahara se manifiestan en el 8M.
La «nueva» Taylor Swift se permite achisparse
Con ‘reputation’, Taylor Swift decía adiós (o quizá “hasta luego”) a “la vieja Taylor”, aquella post-adolescente de apariencia cándida y canciones country-pop. Así que ahora estamos ante una “nueva Taylor”, que lo mismo se pone seria para teorizar sobre creación artística que se permite achisparse con sus amiguis Selena Gomez y la actriz Cazzie David. Y, lo que es más importante, plasmarlo con un selfie bien borroso… como mandan los cánones de estar achispado.
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Lady Gaga, Oscar al mejor drama
Lady Gaga fue una de las grandes triunfadoras de la última entrega de los Oscar tanto por el premio que cosechó por ‘Shallow’, como por sendos números 1 que esta canción y la BSO que lo contiene consiguieron gracias al galardón y su actuación con Bradley Cooper. Este fotón de Gaga tras obtener la estatuilla, tomado por el fotógrafo Greg Williams en las bambalinas de la gala (muy recomendable ver toda la serie que capturó esa noche), deja claro que Gemanotta vivió el mejor “drama” de aquella noche.
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Sharon Van Etten, prometida
Con ‘Remind Me Tomorrow’, la cantautora de Nueva Jersey ha dado un gran salto en su carrera artística. Y ahora, en medio de la promoción del álbum, parece que próximamente dará un salto en su vida personal, al aceptar la propuesta de matrimonio que Zeke Hutchins, su pareja, mánager, batería y padre de su hijo, le acaba de hacer. Es oficialmente una plaga.
Y es que, viendo esta foto de Florence Welch en su recién inaugurado tour 2019, se diría que también ha pasado por el registro civil… salvo porque este look de novia gótica es el suyo habitual, claro. De hecho, con su partenaire en ese casorio fake, casi parece que estén haciendo una recreación en tiempo real de las célebres copias de fotos de modelos que hace la actriz cómica Celeste Barber en su famoso perfil.
Otra artista que se ha fotografiado con flores últimamente ha sido Amaia Romero, que tras su periplo argentino debe estar ¿ultimando? su álbum de debut. Pocas pistas da en sus redes sociales, aunque días atrás subía este clip de una sesión de fotos oliendo eso, unas flores, mientras sonaba de fondo una canción de la película de Los Muppets. Ni siquiera ella misma puede tomarse en serio la estampa y se parte de risa.
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Robyn desata pasiones en Nueva York
La sueca Robyn ha comenzado la gira de ‘Honey’, su último trabajo, con una serie de conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, como veíamos en la pasada entrega de esta sección. La pasión que ella misma desprende se transmite a los espectadores, que dan continuidad al evento montando una suerte de after-party en los andenes del metro de la ciudad, como la propia artista recoge en este clip.
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Lily Allen canta sobre follarse a parisinos… en París
Otra que está de gira es Lily Allen, presentando el álbum que publicó el pasado año, ‘No Shame’. Una de sus canciones, ‘My One’, comienza con la explosiva línea “Baby, I fucked half the boys in Paris”, lo cual evidentemente desata reacciones de euforia cuando el tema es interpretado en la capital francesa. ¿Adaptará la letra a cada ciudad de la gira?
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El crepúsculo en L.A. vs el culo de Ms Nina
Sabemos por sus redes que la pionera del reggaeton femenino en España lleva unos días en Los Ángeles, parece que ultimando su primera mixtape. Pero el trabajo no la impide disfrutar de la ciudad: en este vídeo vemos cómo se emociona con el crepúsculo sobre Hollywood aunque… plot-twist: tanto como con su culo. [NdE: el vídeo fue eliminado por Instagram, pero Ms Nina lo ha resubido, gracias al cielo… de Los Ángeles.]
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Hinds, en el 8M
El pasado viernes, 8 de marzo, numerosas artistas de nuestro país se sumaron a la huelga feminista y a las manifestaciones que se celebraron en diferentes ciudades españolas. En Madrid acudieron juntas y al completo las Hinds –casi es una casualidad que estén en su ciudad: si no están de gira internacional, están en Londres preparando nuevas canciones–, que enarbolaron sus pancartas y dejaron este mensaje en redes sociales: “ser una banda de chicas nunca ha sido lo más fácil, pero nunca nos sentimos solas porque nos tenemos unas a otras”.
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“La Bestia” de Zahara, también “presente” en el 8M
Otra artista que estuvo presente en la manifestación de Madrid fue Zahara. Lo estuvo físicamente, pero también se multiplicó de forma virtual por todo el grueso de la manifestación en forma de pancarta: y es que su letra de ‘Hoy la Bestia cena en casa’, single de ‘Astronauta’ que manifiesta su disconformidad con el apoyo de algunos ideólogos neoliberales a los embarazos subrogados, se convirtió en todo un símbolo. En especial ese “si eres tan valiente, préstame tú tu vientre”.
Este miércoles 13 de marzo se celebra en el Teatro Circo Price de Madrid la XI Edición de los Premios MIN (Premios de la Música Independiente), a la que acuden como favoritos Morgan y Zahara con 6 nominaciones cada uno, por 4 nominaciones de Belako, Carolina Durante, Christina Rosenvinge y La Plata.
JENESAISPOP, medio colaborador de este evento, ha querido hablar con los 5 nominados a Álbum del Año para preguntarles por sus expectativas y favoritos. Es un año particularmente dulce para Christina Rosenvinge, que ya se hizo hace unos meses con el Premio Nacional de las Músicas Actuales gracias a ‘Un hombre rubio‘, después estuvo nominada al Premio Ruido a Álbum del Año y ahora aparece aquí como una de las favoritas. «Es una alegría estar nominada a tantas categorías. Fue una sorpresa que no me esperaba, porque este no es un disco fácil, que entre de una. Se confirma algo que siempre he pensado: no tiene sentido correr detrás del público intentando hacer algo que les guste, hay que correr delante y esperar que alguien te siga. A veces es uno y a veces son miles. Pero lo que ha funcionado antes no tiene por qué funcionar de nuevo. El mundo cambia muy deprisa». Sobre si piensa que puede ganar, se muestra dubitativa: «No me hago ilusiones. Estar nominada es suficiente alegría. Parece una frase hecha pero es verdad».
Mientras Rosenvinge no se aventura a escoger cuál es su favorito de los otros nominados «porque no [ha] escuchado a todo el mundo», Zahara sí se moja decantándose por el disco de Morgan. «Mi favorito de los nominados es ‘Air’ de Morgan. Desde que descubrí la voz de Nina me volví adicta a su voz. Este disco es increíble y en directo ya es de otro mundo».
Zahara es otra de las que también estuvo nominada al Premio Ruido, pero no por ello parece menos ilusionada con este reconocimiento para ‘Astronauta‘: «Con este disco están pasando cosas increíbles que no me esperaba y es increíble ver cómo todo va a la par. Estar nominada para este premio es sumar un poquito más, ver que todo el esfuerzo y el tiempo han servido para que no solo nosotros lo vivamos de una manera súper especial, sino que sea algo que va más allá de nosotros. Me hace muy feliz, de verdad. Tengo mucha emoción, ilusión y ganas». Sobre sus expectativas de victoria, indica que no tiene muchas esperanzas: «Ojalá. Claro. Me moriría de ilusión. Normalmente los premios no significan mucho, ¿no? Alguien decide qué mola pero eso no tiene por qué ser tan grande. Pero supongo que por el cariño que le tengo a estos premios me hace una ilusión especial», indica refiriéndose probablemente a que ella misma presentó la ceremonia de los Premios MIN hace un par de años. Añade: «No creo que gane. Sinceramente. Pero me voy a preparar un discurso, porque también tengo ilusión en que pase». Finalmente reconoce que sabía que el Premio Ruido lo iba a ganar ‘El mal querer’, que no puede optar a estos galardones al haber sido distribuido por una multinacional, Sony. «El Premio Ruido sabía que lo iba a ganar Rosalía. Se lo merecía. Era algo que tenía que pasar y me alegré sinceramente porque así fuera. Así que me alegro mucho que no esté Rosalía aquí (risas) ¡Hay esperanza!».
Morgan, los favoritos de Zahara, se decantan un cambio por otro nominado, ‘Render Me Now, Trivial Violence’ de Belako, apelando por lo demás al recuerdo de cómo fue la grabación de ‘Air’, un álbum en el que se sumergían en el soul o en el funk, entregando todo un himno en castellano como fue ‘Sargento de hierro’: «Estamos muy contentos de estar nominados, fue una experiencia muy bonita grabar mientras girábamos y que quedase plasmado el aire que respirábamos entonces en este disco. Estamos muy agradecidos por el reconocimiento».
Belako, por su parte, se perderán la ceremonia al estar de gira en este momento por Japón, si bien también han podido dejarnos una declaración. «Estar nominadas representa un reconocimiento a nuestro trabajo y eso siempre da mucha alegría. Además, consideramos que los MIN son unos premios muy importantes». De hecho, el cuarteto vasco ya sabe lo que es perderse una noche de victoria en los MIN, pues en otra ocasión, cuando ganaron el premio al mejor artista, entre otros, también les pilló de gira. Lo que no implica que no les haga ilusión llevarse el premio. «Estamos nominadas a 4 categorías y nos gustaría llevarnos alguno (risas)». Sobre sus favoritos, mencionan a Morgan, devolviéndoles el favor, y también a La Plata.
El disco de La Plata, ‘Desorden’, ha sido otro de los que pudo colarse entre los nominados al Premio Ruido y en todas las listas de lo mejor del año. Su batería, Carmona, es quien nos deja las últimas declaraciones: «Estamos muy contentos de estar nominados en los Premios MIN en 4 candidaturas, una de ellas el productor de ‘Desorden’, Carlos Hernández. La verdad es que no creo que ganemos, ni esta candidatura ni las otras, no sabemos cuáles son exactamente los nominados, pero no tenemos esa expectativa, aunque creamos que nuestro disco está gustado bastante: ha salido en un montón de listas, y en los Premios Ruido tocamos al estar nominados. Nos han considerado mucho, y se agradece porque son horas y horas y días de esfuerzo para parir un disco, no deja de ser tu obra. Le pones mucho cariño».
Preguntado sobre si esperaban este reconocimiento sin ser un grupo tan mediático, responde: «No somos una banda muy mediática porque las redes las usamos más como medio estético y de sello personal, más que como mera información, algo que es contradictorio porque en los tiempos que corren deberían ser más informativas. Pero intentamos poner poco contenido porque hay demasiado hoy en día para poder asimilarlo. Las llevamos más de otra forma, de manera más calmada. Estamos muy agradecidos de que nos tengáis en cuenta y nos preguntéis siempre».
La ceremonia de los Premios MIN contará con las actuaciones de Carolina Durante, Dorian, John Grvy, Los Hermanos Cubero, Pedrina y Zahara. JENESAISPOP dj’s pinchará en el after-party de la sala Zenith junto a Mondosonoro dj’S Einvita a dos lectores tanto a la gala como al after-party. Ganarán quienes respondan de manera más imaginativa a esta pregunta: «¿por qué quieres asistir a los Premios MIN»?. Las respuestas se envían a jenesaispop@gmail.com. La gala se retransmitirá en directo a través de Youtube.
Britney Spears sigue desaparecida de las redes sociales tras suspender su residencia en Las Vegas para atender a su padre enfermo (no publica nada desde principios de enero), pero recientemente ha tenido tiempo de supervisar el guion de un nueva comedia musical en la que sonarán sus canciones. ‘Once Upon a One More Time’ se estrenará en Chicago en noviembre y después buscará trasladarse a Broadway, informa The New York Times.
Aunque ‘Once Upon a One More Time’ sonará la música de Britney, su directora Kristin Hanggi ha aclarado que no será un espectáculo dedicado a la vida de la cantante. En realidad, la premisa de la obra es más curiosa: un grupo de princesas clásicas, entre ellas Blancanieves, Cenicienta, Rapunzel y la Bella Durmiente, viven aisladas en una cabaña con el único entretenimiento de un libro de cuentos de hadas de los hermanos Grimm. Cuando estas princesas ruegan a una hada madrina que les traiga un libro nuevo, esta les trae ‘La mística de la feminidad’, el famoso texto feminista de Betty Riedan de 1963. El libro cambiará sus vidas.
Jon Hartmere, autor de ‘Bare’ y escritor de la obra, ha explicado: “Estas mujeres han vivido en un mundo hermético y sellado, y entonces empiezan a indagar en ideas más modernas, en el feminismo de segunda y tercera ola, y a explorar el modo en que las historias llegan a las nuevas generaciones, y de dónde vienen las normas con las que vivimos. Pero también es un musical superdivertido”. 23 canciones de Britney sonarán en el musical, entre ellas gran parte de sus éxitos, pero también pistas menos conocidas. Una de ellas será por seguro ‘Cinderella’, ¿verdad?
The Chemical Brothers han presentado el tercer single de ‘No Geography’, su nuevo disco, que sale esta primavera y se presenta este verano en el Doctor Music. Tras ‘MAH’, ‘Free Yourself’ y ‘Got to Keep On’ ha llegado un ‘We’ve Got to Try’ de marcados ritmos hi-hop e industriales, aunque también con elementos bastante acid, si bien lo que termina destacando ante todo es el sample de ‘I’ve Got to Find a Way’, una vieja canción de soul de Hallelujah Chorus.
Los autores de ‘Galvanize’ han vuelto a contar con Ninian Doff, que en 2015 se encargara del vídeo de ‘Sometimes I Feel So Deserted’, para dirigir el clip de ‘We’ve Got to Try’. Lo protagoniza Girl the Dog, una “heroica perra” abandonada que es adoptada en un laboratorio en el que un grupo de científicos le prepara para conducir un coche de Fórmula 1 y finalmente para pilotar un cohete en el espacio. Allí, parece, creará su propio mundo canino.
‘We’ve Got to Try’ es además objeto de un remix por parte de The Chemical Brothers en colaboración con F1. El remix dura 4 segundos y es “uno de los más rápidos de la historia”, según la nota de prensa. “El dúo, famoso en todo el mundo por llevar al límite la tecnología y las máquinas a través de su música, ha trasformado un tema nuevo en el icónico nuevo sonido de un coche F1 rodando a todo gas. El tema incluido en el próximo álbum, ‘No Geography’ ha sido desmontado, reconfigurado y acelerado a 15.000 beats por minuto (BPM) para reflejar las 15.000 revoluciones por minuto (RPM) que alcanzan en la actualidad los sofisticados coches F1. ‘WGTT15000BPM F1 NEEEUM MIX’ es el resultado de ese experimento, siendo una de las remezclas más rápidas de la historia — un reclamo apropiado para la F1, el pináculo de los deportes de motor”.
Carmen Maura acude esta noche a El Hormiguero para presentar su nueva obra de teatro, ‘La golondrina’, que la actriz madrileña protagoniza junto a Félix Gómez y que podrá verse en el Teatro Infanta Isabel de Madrid hasta el 5 de mayo. El programa de Pablo Motos, que se emite en Antena 3, arranca a las 21.30.
Maura hablará también con Pablo Motos -o eso esperamos- sobre sus recientes declaraciones (no demasiado informadas, parece) sobre Cataluña y el feminismo. En el primer caso, la actriz declaró a El Mundo que le ponía “negra” “dar dinero a los catalanes” porque “es la comunidad que menos lo necesita”, y apuntaba patrióticamente que no soportaba “oír a los españoles hablar mal de España”.
Esta misma semana, El Mundo ha charlado con Albert Pla con motivo de su espectáculo ‘Miedo’, y le ha preguntado sobre las declaraciones de Maura. El artista ha respondido con ironía: “Le agradezco mucho a Carmen Maura el ingreso que me hace cada día. Que mañana no se olvide de hacérmelo”. Por otro lado, Pla responde al periódico que no le ha costado demasiado dinero decir que le “da asco ser español”, ya que tiene “la suerte de seguir recibiendo los ingresos puntuales de Carmen Maura”.
En otras declaraciones controvertidas, Maura afirmó a XL Semanal que no se creía “a la mitad de las actrices que dicen que las han violado», y por otro lado se pronunciaba a favor de los piropos en El Mundo: «Vamos a acojonar de tal manera al hombre que no va a haber forma de ligar”. ¿Recordará Motos todas estas palabras a la actriz? Esta noche saldremos de dudas…
Jonas Brothers han entrado directos al número 1 de Estados Unidos con ‘Sucker’, su single de regreso, pues cabe recordar que el trío formado por los hermanos Nick, Joe y Kevin se disolvió en 2013. El dato será estupendo también en Reino Unido, donde las “midweeks” sitúan ‘Sucker’ en el número 7, por lo que parece que estamos ante el “comeback” del año de momento… pese a su supuesta copia a ‘Feel it Still’.
Sin embargo, en España el primer dato para ‘Sucker’ es un poco peor, pues el tema entra solo en el número 25 de la lista de singles española. Su vídeo ha durado poco entre los más vistos de Youtube España y la canción ocupa actualmente un discreto puesto 38 entre los singles más escuchados en España en Spotify. De todas formas, no tiene pinta que esta vaya a ser la cumbre de ‘Sucker’ en nuestro país.
En cualquier caso, la entrada más fuerte en la lista de singles no la firman los Jonas sino Maluma con ‘HP’, su canción por el empoderamiento femenino (en serio), que entra en el número 15. El resto de entradas son ‘I Can’t Get Enough’ de Benny Blanco, Tainy, Selena Gomez y J Balvin (41), ‘Si se da’ de Myke Towers y Farruko (55) y ‘Déjate querer’ de Lalo Ebratt, Sebastian Yatra, Yera y Trapical Minds (85).
Miss Caffeina son el nuevo número 1 de la lista de ventas española. Así, ‘Oh Long Johnson‘ da a los madrileños el primer número 1 en álbumes de su carrera, confirmando que se encuentran en su mejor momento profesional. En comparación, ‘Detroit‘ debutó en el número 3, mientras ‘De polvo y flores’ solo alcanzó el número 10.
‘Oh Long Johnson’ es también la entrada más fuerte en la tabla de streaming, si bien se sitúa en el número 7. También en streaming, Cecilio G entra en el número 15 con ‘Limabeatz Million Dollar Baby’, Solange en el 37 con ‘When I Get Home‘ (la cantante es top 7 en Estados Unidos y top 18 en Reino Unido con este álbum de R&B experimental), Lil Skies en el número 81 con ‘Shelby’, In Flames en el 83 con ‘I, the Mask’ y Jonas Blue en el 97 con ‘Blue’.
El resto de entradas en el top 10 de la lista de ventas las firman Marisol Bizcocho con ‘Lo nuestro’ (3) y Zenet con ‘La guapería’ (8). Y más allá de los primeros diez puestos, Bryan Adams entra en el número 16 con ‘Shine a Light’, Sole Giménez en el 18 con ‘Mujeres de música’ y Novedades Carminha en el 19 con ‘Ultraligero‘, una semana después de debutar en la tabla de streaming. Completan las entradas en la lista de ventas ‘Visto en el jueves’ de Rocío Márquez (21), ‘What a Time to Be Alive’ de Tom Walker (23), ‘I, the Mask’ de In Flames (32) y ‘Do Outro Lado do Azul’ de Andrea Motis (43).
Los días 18, 19 y 20 de abril se celebra en Benicàssim una nueva edición de SanSan Festival, con nombres tan atractivos en la primera línea de cartel como C. Tangana, La Casa Azul (para entonces su disco ya estará en la calle), Miss Caffeina (que justo hoy alcanzan su primer número 1 de ventas en España), Carolina Durante, Triángulo de Amor Bizarro, Love Of Lesbian, IZAL, Fuel Fandango, Rozalén, La Plata y un largo etcétera que puedes consultar en su web. Además, habrá una actuación sorpresa en uno de los escenarios. Sobre esta y otras cuestiones, hemos querido hablar con Roberto Recuero, director de operaciones del festival. ¿Obedece el hecho de que no pueda anunciarse ese nombre a las conocidas exclusivas entre festivales? Recuero habla más bien del encanto de ser uno de los primeros festis del año: «La programación de la artista sorpresa no tiene nada que ver con agendas o exclusivas. Siempre que hablamos de SanSan nos ha despertado esa emoción que te indica que ya arranca la temporada. Tiene un poco de vuelta al cole, de fiestas prenavideñas, de ese primer día y de esa primera vez, y esa emoción hemos querido trasladarla y compartirla con nuestro público en forma de actuación sorpresa. Es un homenaje a ese público al que se le eriza el vello cuando suenan esos acordes, ese público que vive como nadie esta bendita pasión por la música en directo. Un homenaje a la pasión y emociones que provoca la música. Un homenaje en forma de sorpresa, para despedir esta nueva edición de SanSan por todo lo alto y con una sonrisa».
Roberto ha dejado caer que la actuación sorpresa correrá a cargo de una artista femenina, aunque no se ha decidido en qué grado se van a dar más pistas. «No o sí. Ahora no sabemos qué hacer. Tenemos las mismas ganas de mantener la sorpresa hasta el último día como de decirlo ya a todo el mundo. Lo que sí tenemos claro es que sólo descubriremos de quién se trata el mismo sábado 20 de abril y en directo».
SanSan Festival se está posicionando muy claramente con la contratación de artistas nacionales. Preguntado sobre si para ellos es un distintivo editorial, Recuero indica: «Así es, si bien siempre incluiremos propuestas internacionales y toques de color, SanSan Festival tiene un marcado carácter nacional. De hecho, SanSan Festival es el referente nacional de los 3 grandes festivales que operan en el Recinto de Festivales de Benicàssim y entre los 3 nos respetamos la línea editorial». Eso sí, esa apuesta por lo nacional parece que ya no incluirá a Los Del Río, como sucedió hace unos años en el festival, pues ha habido cambios en la dirección de SanSan. ¿Acaso lo consideran un error? «El pasado diciembre de 2017 y ante la falta de recursos de la dirección, el festival pasó a manos de una nueva empresa. Este cambio en la dirección y la línea editorial ha dado lugar a este nuevo SanSan que se ha presentado este año. Pero si bien los cambios se aprecian por todos los lados, es cierto que
la diversidad en la programación es también una seña de identidad de la nueva dirección y este año podremos disfrutar de artistas tan antagónicos como Rozalén, C. Tangana, Zea Mays o La Pegatina».
Entre las últimas novedades comunicadas por el festival, está la realización de conciertos en la Playa del Pinar de Benicàssim en horario de día, entre las 12.00 y las 17.00. Se podrá entrar por supuesto con abono y también sin abono por 5 euros, con acústicos y dj sets por parte de algunos artistas del cartel, como La Casa Azul o Love of Lesbian. Dos artistas que seguro que ofrecen un espectáculo familiar. «El Beach Club es nuestra playa, nuestra terraza y nuestro espacio para empezar la jornada junto al mar y rodeados de amigos. Es un espacio desenfadado y como tal su programación está plagada de amigos que quieren compartir ese vermut con nosotros. Así cada jornada contaremos con un show acústico, un Dj set de un headliner que participa en el festival y las mejores sesiones de los djs locales. Además, como programación también ofrecemos actividades acuáticas como una ruta guiada en moto de agua».
Resulta curioso cómo el tiempo, las circunstancias y, por qué no, el azar hace que caigan grupos que parecían destinados a hacer historia en la música y otros, que parecían secundarios, nos sorprendan no sólo perviviendo sino haciéndose cada vez más importantes. Por ejemplo, en 2008, cuando se publicaba su debut ‘Antidotes’, Foals tenían que lidiar con sempiternas comparaciones con Bloc Party, que entonces estaban en lo más alto tras publicar sus dos primeros discos. Hoy, estos últimos hace tiempo que están disgregados, con proyectos paralelos totalmente intrascedentes, e incluso hay quien hace de menos los logros de su alabado debut ‘Silent Alarm’. En cambio el grupo comandado por Yannis Philippakis no sólo sobrevive sino que se ha convertido en el mayor (y único) exponente de rock de estadio de aquella generación, dejando atrás un reguero de nombres que se antojaban estelares como el grupo de Kele Okereke, Klaxons o The Futureheads (por no mencionar a segundones como The Maccabees, Late of the Pier o The Pigeon Detectives).
El caso es que, a lo largo de esta década larga, han ido dando un viraje no demasiado evidente hacia un sonido expansivo y contagioso, en álbumes como ‘Total Life Forever’, ‘Holy Fire’ y ‘What Went Down’ que, sin ser obras maestras indiscutibles, aglutinaban algunos momentos destacables que encontraban su mejor exposición en directos espectaculares. Esa comunión que logran con el público es su mayor baza y, aunque de nuevo no lo persigan de una manera demasiado descarada, esta primera parte de ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ (un segundo disco conectado, pero no necesariamente complementario, llegará en otoño) parece entregada a ese menester, por más que disimulen.
Tras superar el abandono en busca de una vida tranquila del bajista Walter Gervers, miembro fundador (y el más equilibrado, dicen) del quinteto (será sustituido en directo por Jeremy Pritchard de Everything Everything), Philippakis y compañía aparentan buscar nuevos espacios sonoros. Por ejemplo ‘Exits’, primer avance de este trabajo, aunque resulta perfectamente reconocible en el empleo de esos arpegios de guitarra tan característicos (el elemento distintivo de aquello que llamábamos math-rock aún persiste), cambia el paso al no hacer explotar el tema de forma evidente, entregándose a una especie de hipnótica catarsis de repetición. Otros temas, como ‘Syrups’, resultan aún más sinuosos, construidos trabajadamente. Mientras que ‘Café D’Athens’ se enreda con intensos e interesantes arreglos de percusiones (marimbas y metalófonos), o las respectivas intro y outro, ‘Moonlight’ y ‘I’m Done With The World (& It’s Done With Me)’, que enmarcan el trabajo con contrapuntos ambientales.
Pero no nos engañan con estos elementos de distracción que, a la postre, no dejan demasiado poso: la chicha está en las canciones que, nada más escucharlas, uno ya se imagina siendo interpretadas en directo. Como si tuvieran perfectamente articulados sus mecanismos para llevar las canciones a ese plano –de hecho, es la primera vez que prescinden de un productor y se encargan ellos mismos–, no cabe duda que la adhesiva ‘On The Luna’ –que comienza directamente con su gancho–, la impetuosa ‘White Onions’ (en la que casi parecen Foals imitando a Foals) y, sobre todo, una ‘In Degrees’ que juguetea con el pop electrónico y lo bailable (evocando indisimuladamente a los Cut Copy más reconocibles) están destinados a generar el delirio en sus conciertos.
En esa mecanización de la faena, llega un punto en que se les va la mano: ahí está ‘Sunday’, que juega al cucutrás con esa cadencia lenta de su inicio –que recuerda a los Coldplay de ‘Parachutes’– para dar un giro housero en su ecuador, ofreciendo virtuales confettis y balones hinchables antes de encarar una recta final llena de “lololos” de manual –que recuerda a los Coldplay de ‘X&Y’–. Hacen muy bien Foals en aprovechar sus virtudes y explotarlas en sus extensas giras, pero si eso implica que salgan discos así de irregulares, con varios temas que ni sorprenden –hasta el planteamiento lírico «distopía metafórica de los males del mundo actual (léase «tecnología vs humanidad vs ecología»)» parece ya muy sobado– ni dejan huella en el oyente, quizá el peaje termine por ser demasiado alto. Esperemos ver si esa segunda parte de este ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ nos obliga a desdecirnos.
Foals presentarán ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ en nuestro país el próximo mes de julio, en sendos festivales: el Cruïlla de Barcelona y Low Festival de Benidorm (Alicante).
Calificación: 6,8/10 Te gustará si te gustan: TV On The Radio, Cut Copy, Coldplay Lo mejor: ‘In Degrees’, ‘On The Luna’, ‘Exits’, ‘White Onions’ Escúchalo:Spotify
Jonas Brothers están arrasando con su single de regreso, un ‘Sucker’ que, como se preveía, ha debutado directamente en el número 1 del Billboard Hot 100, repitiendo la hazaña de Ariana Grande con ‘7 rings’. Este es el primer número 1 en Estados Unidos para Jonas Brothers: ninguno de sus viejos éxitos, como ‘S.O.S.’, lo había logrado.
‘Sucker’ está siendo muy comentada también por su supuesto parecido con ‘Feel it Still’ de Portugal. The Man, uno de los más exitosos “crossovers” de 2017. De hecho, el propio grupo opina que la canción de Jonas Brothers es una copia de ‘Feel it Still’, aunque apunta que tampoco su canción era el colmo de la originalidad: “para ser justos, el estribillo de ‘Feel it Still’ suena muy parecido a ‘Please Mister Postman’ de las Marvelettes… que con todo el respeto del mundo usamos con el permiso del grupo, al que agradecimos por la oportunidad, como ha de ser”, ha escrito el grupo en Twitter. Efectivamente, los autores de ‘Please Mr. Postman’ están acreditados en ‘Feel it Still’.
Los autores de ‘Woodstock‘ incluso han compartido memes y mensajes de gente en Twitter que opina que ‘Sucker’ es una copia de su canción, reforzando su teoría. Sin embargo, han aclarado que no están “enfadados” con los hermanos, ya que son fans de algunas de sus canciones y en especial de los discos en solitario de Nick Jonas. No cuela, pero… ¿TAN parecidas son estas dos canciones?
To be fair, the chorus of Feel It Still sounds very similar to Please Mister Postman by the Marvellettes… Which we respectfully cleared and thanked them for every chance we got. As one does. @jonasbrothers
Seis años después de ‘Sólo muerdo por ti’ y una vez superado su miedo escénico, Mai Meneses ha vuelto a la actualidad con un nuevo disco de Nena Daconte llamado ‘Suerte’, encabezado por un single tan sólido como ‘Mi mala suerte’. La cantante se ha mudado de manera temporal a Dallas junto a su marido y sus dos hijos, pero pasa por Madrid para promocionar este álbum, antes de volver definitivamente a nuestro país el próximo mes de septiembre. Hablamos con ella sobre este disco que la muestra en plena forma como compositora, sobre sus controvertidas declaraciones sobre religión o sobre cuánto ha cambiado la industria en estos 6 años, y eso incluye tanto los festivales indies como OT. Foto: Sara Costa.
Me han dicho que esta entrevista tenía que ser hoy porque estás viviendo en Dallas, ¿y eso?
Estoy a caballo entre Madrid y Dallas. Para nosotros es una oportunidad de aprender inglés, de vivir la experiencia… pero no nos vamos a quedar allí. Yo más o menos me defiendo en inglés, pero he descubierto la barrera del idioma, hay mucho lenguaje no verbal que está en español y no me entiendo la gente. Para todas las cosas de papeleo, me bloqueo un poquillo. ¿Cuando dices «oportunidad» te refieres a que le ha salido algo a tu marido?
A los dos. Para mí está siendo una experiencia creativa, para pintar, hacer relatos cortos… cosas que no me daba tiempo a hacer normalmente. ¿Cómo es Dallas?
No vivimos en la ciudad. No es como Nueva York, tiene algunos rascacielos, hay algún barrio chulo como Design District, otro con tiendas artesanales… pero no me llama mucho.
¿Y musicalmente?
Hay una radio que es todo country y todas las canciones cuentan una historia larguísima. Parecen una peli, yo que soy mucho más escueta, de ideas sueltas… (risas) ¿Pero ponen country tradicional o de ahora?
Gente de ahora sobre todo, pero también antigua. ¿Algún descubrimiento?
No, que yo recuerde el nombre, no. No es mi estilo tampoco. La gente se va a Nashville a grabar, más bien…
Virginia Maestro, ¿no? Se lo ha tomado súper en serio.
El disco tiene 7 canciones. Has explicado que es tu número favorito, el disco se llama ‘Suerte’, el single ‘Mi mala suerte’… pero son solo 7 canciones. Roza el ser disco o no.
Es un EP casi (risas).
«Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses seguir sacando canciones de esta etapa»
Cupido han hecho un disco de 8 canciones, yo tengo un colega que dice que 7 es el mínimo para ser considerado disco, pero está ahí, ahí, entre 7 y 8.
Yo siempre he hecho discos muy cortitos, el primero dura como 40 minutos. Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses quería seguir sacando canciones que pertenezcan a una etapa. Ha cambiado todo mucho, casi todo el mundo escucha listas de reproducción. Cada vez menos gente se compra un disco entero.
¿Qué incluiría esa etapa que dices?
Todas estas canciones, las 7, y las que saque luego son de la misma etapa.
¿Entonces ya las tienes escritas?
No sé si las tengo. No, no las tengo (risas). Todavía no están hechas.
¿Cuándo has escrito estas 7 canciones?
Son del último año y medio desde que empecé a componer. A nivel personal estoy en una nueva etapa, ha despertado una nueva yo, más madura… Me conozco mejor, conozco mis miedos, mis debilidades, mis defectos. No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla.
¿Y por qué crees que ha sido esto?
He aprendido a amar mis errores, mis defectos, intento no ser tan radical conmigo misma. Tan machacona.
¿Pero por qué crees que ha sido?
No lo sé, la edad te vuelve más transigente contigo misma. Si no te quieres tú, ¿quién te va a querer? Vas aprendiendo.
‘Mi mala suerte’ es un poco un regreso a ‘Tenía tanto que darte’.
Me lo ha dicho mucha gente, yo creo que es por la base de instrumentos, por el punch rockero…
… o las voces infantiles.
Son mis sobrinitas, pero no estaba buscado. Salió así, la letra era un poco más dura y quería ponerle el contraste de los niños.
«No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla (…) De pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor»
En ‘Ya no somos niños’ tu voz sigue sonando aniñada, sigue sonando como siempre, es identificativa…
Cuando me enfrenté al micrófono, Paco Salazar, que es espectacular para grabar voces, no se puso a buscar micrófonos como suele hacer un productor. Paco te dice: «sé cómo cantas, este es tu micro». Quería que cantara de manera natural, como si hablara, sin impostar la voz. Como soy yo ahora. Eso ha conectado con mi forma de cantar de siempre. Yo he tenido la misma voz toda la vida y creo que me moriré con esta voz (risas).
Lo cual tiene su gracia porque el proyecto se llama «Nena» Daconte. Aunque me da que tú no te ves tan aniñada…
¿La voz? No… (risas).
Vamos, que no la usas como contraste…
He querido cantar como soy yo sin hacer demasiadas florituras. Fue facilísimo grabar. Se nota que fumo, pero poco más.
¿En qué canción dirías que podemos notar que fumas? Yo no noto nada como si lo noté con el paso de Los Romeos a Lula…
No sé (risas). A veces me pasa y digo: «tendría que fumar menos».
‘La llama’ me ha recordado a Adele, a la que has citado alguna vez.
Bueno, sí, no es mi gran referente, pero con los niños escuchamos a Adele.
Es una balada un poco más anglosajona. He leído cómo querías evitar una macroproducción y en esta canción está muy bien cómo entra el banjo.
El banjo es idea de Paco, siempre identifica mi voz con el banjo, y le gusta ponerlo cuando graba conmigo. A mí lo más bonito de esa canción me parece el acorde flamenco que sale en el estribillo cuando no te lo esperas. La canción se va a un sitio que parece que no tendría que ir ahí. Esa parte es de Paco.
En la canción ‘En otra dimensión’ dices que «Me encantaría ser temeraria», ¿qué quieres decir?
«Y vacía». No lo sé, es una forma de hablar de lo prudentes que nos volvemos cuando somos mayores. Yo era muy loca, no me pensaba las cosas ni media vez. Ahora estoy más reflexiva, hasta al componer. Pienso mucho las frases. Antes tal cual me venía se quedaba. Ahora cambio mucho más y pienso mucho más.
¿Esto por qué es así? Porque hay gente de tu edad que, por el contrario, está viviendo una segunda adolescencia.
Me he vuelto prudente, no me gusta mucho tirar del hecho de ser madre, pero yo siempre soñaba con hacer puenting, y de pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor. Me he vuelto miedosa. Es algo como interno, ni siquiera lo piensas.
Has hablado sobre el miedo escénico que has padecido en otras entrevistas, ¿cómo lo identificaste exactamente?
Yo pensaba que todo el mundo me estaba criticando, y hasta lo escuchaba durante el concierto. Como que todo lo haces mal. Es una lucha constante hasta que termina el concierto, intentando que no te afecte. Pero no es real.
¿Y esto cuándo fue?
En la época de más conciertos, yo estaba muy cansada. En la época de más éxito de Nena Daconte, desde 2007.
«Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario»
Pero entonces hace muchísimo.
Yo tenía que cumplir contratos. La rueda no se puede parar. Hasta que pasaron 3 meses que estuve sin cantar y pensé: «qué alivio, qué bien me siento» y desaparecieron todos los demonios.
Pero entonces en los últimos dos discos, tú no estabas bien.
No… Siempre va a parecer que estoy bien pero la procesión la lleva cada uno por dentro.
¿Ahora cuánto tiempo hace que no te subes a un escenario?
No sé, no lo he calculado, pero una vez que te conoces, que admites que no eres perfecta, que no pasa nada porque la gente te critique… ya no conectas con la crítica ajena. Estoy más feliz y más tranquila.
¿Y cómo has llegado a este punto?
He hecho mucha terapia, he hecho meditación. Ayuda mucho la meditación para verte desde fuera: los problemas se desvanecen.
Te lo pregunto desde la inocencia más absoluta, yo pensé que por ejemplo Pastora Soler no iba a volver…
Son cosas internas, como pensamientos que se hacen muy fuertes que no te dejan disfrutar de la música. Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario.
Y ese terror nunca se ha reflejado en tus letras.
No, porque yo hablo del amor, del desamor, del paso del tiempo… pero no de problemas concretos.
Te lo pregunto porque tú misma has dicho que sueles componer desde tu peor momento.
Pero tampoco me siento y digo: «voy a componer sobre tal tema». Me viene una idea y me siento. Otra forma de componer es que cojo poesía de otra gente, una novela, sobre todo algún poema, una idea, y pienso cómo lo escribiría yo con otras palabras.
¿Algún autor concreto?
No, pues en general,Cortázar, Salinas, Neruda, los clásicos del cole (risas) No conozco la poesía del siglo XXI, salvo Ajo, la micropoetisa, que me encanta.
Dos de las letras que más me han gustado son ‘En otra dimensión’ y la de ‘Y qué’, ¿pero tú de qué letras estás más orgullosa?
La canción que más feliz y más positiva me hace sentirme es ‘Amanecía’. ‘Ya sé’ me gusta también, tiene un punto surrealista que me hace gracia.
«Quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada»
Has dado con una fórmula de pop-rock… «normal» que resulta que ahora mismo es original porque…
… no se estila. Todo el mundo está haciendo otras cosas. En este tiempo, he tenido mucho tiempo para pensar. Tenía una necesidad de volver a sentir amor por la música, de ilusionarme con el hecho creativo. De hacer un vídeo, con un bombo, ir a Madrid, a Barcelona… sin esperar que nadie lo vaya a ver. A nivel musical, tenía algún pianito, la guitarra y alguna base y le dije a Paco que quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada. Paco hizo el ejercicio de contenerse y yo creo que ha salido muy bien.
¿Cuál es la mayor dificultad a que crees que te enfrentas en esta nueva etapa?
Que llegue la noticia de que he vuelto. Ahora se usan mucho las redes sociales, en aquella época no eran tan fuertes, pero tampoco espero nada. Quería sacarlo y dejarlo ahí. Ahora estoy pensando en los conciertos, pienso cómo voy a hacer para que las canciones que tienen 10 años suenen como me gustaría, introducir una pequeña evolución, y que la gente escuche las canciones de una manera nueva.
«Las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional»
¿Crees que te han perjudicado las declaraciones sobre tus sentimientos religiosos o el famoso titular «Nena Daconte se casa con el community manager del PP»? Sobre todo en el underground.
Yo lo que creo es que las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional. Mis canciones no hablan de esto y es una información que no merece la pena.
¿Pero te arrepientes?
Tampoco me retracto pero no aporta, simplemente.
Volviendo a mi pregunta, ¿crees que te han perjudicado?
Yo creo que no aporta.
Hace poco he hecho una columna defendiendo a Morrissey porque en The Guardian se la han jurado por unas declaraciones apoyando el Brexit y a algunos políticos de derechas.
Yo creo que ya con su edad que diga lo que quiera, se la suda todo… Yo tengo ganas de llegar a ser abuela (risas) Hay una cosa que me gusta de Estados Unidos y es que la gente respeta las ideas de los demás, la religión, las ideas políticas… La gente dice hasta lo que gana. Hay un respeto por los demás, por lo menos en apariencia.
Bueno, en Estados Unidos hay muchos problemas sociales…
Sí, eso es un caos.
No sé cómo será Dallas.
Es bastante América profunda, pero depende del ambiente en el que te muevas.
«Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces»
En 2008, cuando ‘Tenía tanto que darte’, salían Vetusta Morla, comenzaba lo que se puede llamar indiemainstream… Todo este debate se ha perdido y el colmo ha sido OT, que ganara Amaia, una persona que va a actuar en un sinfín de festivales indies. Parece que se han derribado barreras…
Me parece perfecto, no hay diferencias de que el indie se supone que es lo bueno y lo comercial lo malo. En otros países no hay esa diferencia. Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces.
¿Tú te ves beneficiada por esta nueva coyuntura ahora que en festivales como Dcode, Río Babel o Sonorama actúan Bunbury, Bebe…
Raphael fue el que rompió las barreras, ¿no? Sí, por qué no.
¿Tienes un mánager que te está haciendo un «push» para ese sector?
Todavía no hemos pensado dónde vamos a ir, lo decidiremos poco a poco. Lo primero no van a ser 10.000 personas. Primero tengo que coger soltura con cosas pequeñitas.
¿Tienes la banda formada?
No, todavía no.
Porque a Madrid vuelves en septiembre.
Sí, te lo has estudiado bien…
Supongo que no has visto OT al no estar aquí…
No, estaba en Dallas. ¡Yo no he visto OT en mi vida! (risas)
«Mi primer disco en 2003 (se supone que) era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria»
Pero da igual, ¿qué te parece que antes fuera OT como lo peor y ahora sea un poco como «qué guay»?
Yo creo que todo son modas. Mi primer disco lo autoedité en 2005, en 2003 lo escucharon todas las discográficas y era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria.
¿Crees que te puede pasar algo así ahora, que este disco pase desapercibido y luego se reivindique?
Me encantaría, pero no, no creo… No lo sé. Las cosas han cambiado, la intención era reenganchar a la gente a la que le gustaba Nena Daconte, no ‘Tenía tanto que darte’, que es superguay, pero también las otras canciones, la gente más de base, ese público más pequeñito. Este disco es para ellos.
Es difícil porque ha pasado una eternidad de años para lo que es el mundo del pop…
Yo empiezo de cero y más mayor. Es todo más difícil, pero yo creo que el disco está muy guay, estoy supercontenta.
¿Has escuchado las producciones de Kim Fanlo?
Sí, hay cosas que he escuchado. Es un gran productor.
Pero tampoco te ves en lo que hace…
No, yo creo que ha tirado a algo más superproducido. Pero no por eso voy a dejar de pensar que es un gran productor.
No sabes lo que le ha parecido lo que has hecho ahora.
No.
Como instrumentista, en estos años, ¿has cambiado tu manera de componer?
A nivel composición, siempre he sido guitarra y piano y he seguido igual, no he aprendido a tocar el chelo (risas).
Lo digo por si no te has mudado con el piano a Dallas…
Este disco está más hecho en guitarra, pero había canciones ya hechas aquí. Compongo igual, ahora conozco más acordes, me he puesto las pilas. El piano lo conozco entero pero la guitarra no. Ahora al papel en blanco me enfrento de manera más reflexiva, como te decía, pienso cada frase y hasta intento que algunas cosas rimen (risas).
¿En qué canciones podemos percibir esos otros acordes que antes no manejabas?
En ‘Amanecí’ no, ‘Ya sé’ no, ‘En otra dimensión’ no… (risas) ¡Es en lo nuevo que estoy haciendo! (risas)
Ana Guerra acaba de llegar de Miami y se ha pasado por La Resistencia, el programa de David Broncano, para presentar su disco ‘Reflexión‘.
Aunque las entrevistas de Broncano suelen alternar momentos divertidos con otros incómodos, Guerra se muestra en su salsa en el programa, y es ella la que incomoda al presentador y cómico en varios puntos de la entrevista, por ejemplo cuando firma su CD y apunta que le pondría algo más personal, pero que no le conoce tanto ya que no le ha venido a saludar antes, “como hace Pablo Motos en El Hormiguero”. Broncano a duras penas sale del paso: “es verdad, yo es que prefiero no conocer a la gente”.
En la entrevista, Guerra habla sobre sus viejos estudios de flauta travesera, de nuevo adelantando a Broncano con una broma que incita aplausos del público: “cuando quieras te enseño a tocar bien la flauta”, dice, antes de guiñar un ojo al presentador. La cantante recuerda también su paso por el programa de Juan y Medio, que da lugar a una broma bastante turbia, o un pequeño accidente (si es que se le puede llamar así) de moto que ha sufrido recientemente.
Por poco Broncano olvida de realizar a Guerra su famosa pregunta sobre cuánto dinero tiene en el banco, de la que Guerra sale del paso más que airosa: “si no te doy ni la hora, te voy a dar el dinero de mi cuenta”. La entrevista concluye con la visita de Jorge Ponce.
Joan as Police Woman, el proyecto de indie-rock de la estadounidense Joan Wasser, muy querido por fans de artistas como Rufus Wainwright, Cat Power o Bat for Lashes y por discos como ‘The Deep Field‘, ‘The Classic‘ o el reciente ‘Damned Devotion’, publicado en 2018, ha anunciado un disco recopilatorio en el que repasará su carrera, que presentará en una gira que le traerá a España en junio.
‘Joanthology’, que sale el 24 de mayo, “recopila treinta de las mejores canciones” de Joan as Police Woman, explica la nota de prensa, “junto con material raro e inédito de la artista”. Será “una colección que reúne los primeros quince años remarcables [sic] de su trayectoria componiendo y grabando una música que desafía toda categorización”. Según el texto, “esta compilación revela su total entrega a la experimentación y su vasto conocimiento y amor por la música de todo tipo”.
Wasser estará en Barcelona y Valencia presentando ‘Joanthology’. En concreto, la artista actuará el 15 de junio en el Ram Club de Valencia y el 16 de junio en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona. La entrada en ambos casos está disponible a un precio de 16 euros + gastos. El concierto será en formato íntimo, y en él Wasser actuará acompañada únicamente de piano y guitarra. ‘Joanthology’ se presenta con un tema nuevo, ‘What a World’, que os dejamos.
Dido ha solido hacer canciones de pop bastante minimalistas, tirando de una electrónica modestilla y elegante, a veces incluso de ritmos próximos al trip-hop, al synth-pop o al ambient. Su nuevo disco, ‘Still on My Mind’, publicado este viernes 8 de marzo, halla a la británica de nuevo en todos estos registros, acompañada como siempre de su hermano y productor, Rollo Armstrong. Pero el álbum guarda al menos una sorpresa notable, y esta aparece al principio del disco, en la pista 3.
‘Hell After This’ llama la atención desde los primeros segundos gracias a su parca base electrónica, a su vez bastante animada, pero sobre todo a la presencia de una trompetas bastante latinas. Estas ideas evolucionan hacia una canción abiertamente pop, en comparación con lo que suele hacer Dido sobre todo, pues algunos de sus elementos -los “ah ah ahs”, el modo en que la melodía de “hell after this” se curva ligeramente hacia arriba- parecen tan pensados que podrían haber salido de un “songwriting camp”. Personalmente, la melodía me parece inspirada en el tango, aunque la canción claramente busque ser otra cosa.
Acompañada también de una sutil guitarra acústica y de un coro góspel, Dido consigue en ‘Hell After This’ expresar una euforia muy particular y no tan habitual en su discografía, sin salirse de los parámetros de la canción pop minimalista que, como hemos dicho, la británica suele practicar. La letra parece hablar de un ligue de una noche (“si voy al infierno después de esto, voy a disfrutarlo cuanto pueda, no recordaré tu cara después de esto”) pero ‘Hell After This’ suena tan comedida, compuesta y entera como siempre ha hecho Dido, si bien ahora más pop.
La actual edición de ‘Fama A Bailar’, el talent-show de danza que ahora acoge Movistar+, se caracteriza por incluir en cada programa una o varias actuaciones en directo de artistas pop, tanto de corte mainstream como alternativo. Ayer mismo, lunes 11 de marzo, actuaron en el mismo programa Greeyci –intérprete de uno de los temas más sabrosones del pasado verano, a la que hace poco veíamos a dúo con Bisbal– y Carolina Durante, la actual sensación del panorama indie nacional.
Tal y como avanzó el grupo en Instagram, por medio de su batería Juan Pedrayes, el grupo madrileño abría el programa interpretando en directo ‘Joder, no sé‘, primer single de su álbum debut, recientemente anunciado. Y, como dijo Juan, ellos no bailaban, «pero la peña de aquí sí». Es decir, tal y como suele suceder con las actuaciones en directo del programa, algunos de los concursantes realizaban una coreografía en torno al cuarteto. El efecto fue desconcertante a la vez que cómico, haciendo parecer al grupo (que se mostraron muy solventes, pero algo más rígidos que en los directos que les conocemos) como un pulpo en un garaje –de hecho el plató del programa parece justo eso–, sobre todo por unos pasos de baile que en realidad poco tenían que ver con música y letra. Bueno, sí: cuando Diego canta «estoy en plena forma», a alguien se le ocurrió que los bailarines corrieran alrededor de eso. ¿Era un homenajes a las coreos del mítico Giorgio Aresu? Quizá.
El sello Sonido Muchacho publicará en las próximas semanas (¿meses?) ‘Carolina Durante‘, primer largo del grupo de Madrid, después del pelotazo que dieron el pasado año con ‘Cayetano’ y ‘Perdona (ahora sí que sí)’, versión de Marcelo Criminal interpretada junto a Amaia de OT2017, provocando un hype pre-debut que no recordábamos por aquí desde… ¿Los Planetas?
Con todo el derecho del mundo, probando holgadamente su tirón para con las masas, Vetusta Morla se convierten en nuevos cabezas de cartel de la 25ª edición del Festival de Benicássim. El FIB anuncia esta mañana que el grupo madrileño engrosa su programación con un concierto muy especial, único, dicen, que se centrará en su álbum debut ‘Un día en el mundo‘. Un disco que cumplía recientemente 10 años, y cuya efemérides celebraban con sus fans abarrotando el WiZink Center de Madrid. Este show, según la nota de prensa del festival, también se centrará en ese trabajo, pero incluirá otras «sorpresas» que lo convertirán en un concierto «exclusivo».
EL FIB también anuncia una serie de fiestas previas denominadas Midnight By FIB que se celebran antes del grueso del festival. Estas pre-parties están organizadas junto a dos clubes locales, Buddha y Casablanca, y se celebrarán en las noches del lunes 15, martes 16 y miércoles 17 de julio, contando con DJs y sets de Dave Rowntree (Blur), Carl Barât (The Libertines), IDLES (DJ Set), DJ Dan & Special Guests (Propaganda), Maadraassoo, Rocket DJ, Carlos Bru y DJs del Festival. El FIB 2019 amplía así hasta una semana completa sus eventos.
Los conciertos principales del FIB se celebrarán en su recinto habitual del 18 al 22 de julio, contando como grandes ganchos con Kings of Leon, Lana del Rey (ambos, en sus únicos conciertos en España este año) y el recientemente anunciado Fatboy Slim. También conforman la oferta The 1975, Franz Ferdinand, Jess Glynne, George Ezra y Kodaline, además de nombres del panorama nacional como los citados Vetusta Morla, La M.O.D.A. o Belako. Los abonos de 4 días con acampada incluida siguen a la venta en la web del festival.
Aunque sabíamos por sus redes sociales que Eva Amaral y Juan Aguirre habían pasado las últimas semanas inmersos en un proceso de grabación, no esperábamos que anunciaran tan pronto como hoy la publicación de un nuevo álbum de Amaral. Lo han hecho con un vídeo-teaser que han mostrado en sus redes sociales, en el que el dúo hace un dibujo en time-lapse que, lleno de colores, representa el título y quizá el espíritu de este nuevo trabajo, llamado ‘Salto al color’. En el texto que acompaña al clip, se dan algunos datos sobre el octavo trabajo de estudio del grupo de Zaragoza: se publicará después del verano y contendrá 13 canciones originales del dúo.
Del título de este nuevo trabajo podemos deducir una tendencia a melodías más luminosas, obviamente –el tuit con el que han mostrado el vídeo habla de una «zambullida al color»–. Y, si atendemos a la música que suena en el vídeo –aunque puede que sea simplemente coyuntural, pero en un momento puntual parece oírse la voz de Eva–, también podríamos deducir que podría ser más electrónico y con percusiones exóticas. ¿Habrá inspirado al grupo la pasada colaboración de Eva con La Pegatina? Esperamos que pronto algún single de adelanto confirme su próxima dirección.
Será, además, su primer álbum con grabaciones de estudio para Sony Music, compañía con la que anunciaron un nuevo acuerdo contractual, lanzando ya con ellos el directo ‘Superluna’, que daba cuenta de su última gira. Hasta entonces, Amaral habían emprendido una etapa de autoedición en la que publicaron sus últimos trabajos, tras la culminación de su contrato con EMI: ‘Hacia lo salvaje’ (2011), ‘Nocturnal‘ (2015) y ‘Nocturnal Solar Sessions‘ (2017) –un disco con versiones diferentes a las originales contenidas en su anterior trabajo– han sido los discos publicados en su propio sello, Discos Antártida, que además han supuesto su total consagración desde el punto de vista artístico.
Tal y como ha comunicado su familia en un escueto mensaje en Facebook, el batería de sesión Hal Blaine ha fallecido a la edad de 90 años. Blaine perteneció a un conocido grupo de músicos de sesión llamado The Wrecking Crew, que, en el área de Los Ángeles, interpretó la parte instrumental en numerosas obras de Sonny & Cher, The Mamas & the Papas, The 5th Dimension, Frank Sinatra o Nancy Sinatra, además de ejercer de «músicos fantasma» en los primeros pasos de The Byrds y The Monkees, así como «ejercer» de Beach Boys en el icónico ‘Pet Sounds’.
Su currículum incluye la base musical de decenas de números 1 en las listas de singles de Estados Unidos, como ‘Mr. Tambourine Man’ (la versión de The Byrds), ‘Strangers In The Night’, ‘These Boots Are Made for Walking’, ‘I Get Around’, ‘Aquarius’, ‘I Got You Babe’, ‘You’ve Lost That Lovin’ Feeling’, ‘(They Long to Be) Close to You’ o ‘Bridge Over Troubled Waters’, además de canciones igualmente míticas que no lo fueron como ‘Mrs. Robinson’, ‘California Dreamin’, ‘Wichita Lineman’ o ‘San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)’.
También fueron conocidos por hacer real el famoso «muro de sonido» de Phil Spector, siendo los músicos de confianza para sus grabaciones. Como por ejemplo la del mítico ‘Be My Baby’ de The Ronettes, incluyendo su característica entradilla de batería, que como contamos en este artículo de hace una década, no sólo ha sido versionada hasta la saciedad sino que se ha empleado infinidad de veces para dar inicio a canciones de Camera Obscura, R.E.M., The Jesus and Mary Chain, The Cure, Amy Winehouse, Taylor Swift, Deerhunter, The Magnetic Fields, The Beach Boys (es la canción favorita de Brian Wilson) o incluso The Beatles.
Curiosamente, esa entrada fue, en realidad un accidente, tal y como Blaine confesó en una entrevista con The Wall Street Journal de 2011: “Se suponía que debía tocar un ritmo más del tipo «boom-chicky-boom», pero se me enganchó la baqueta y surgió como «boom, boom-boom chick». Simplemente me aseguré de cometer el mismo error cada pocas barras». ¿El accidente más feliz de la historia de la música? Os dejamos con una actuación de 2017 de Ronnie Spector, en la que invitó a Blaine al escenario para interpretar precisamente esta canción.
Tenía que pasar. Tenía que llegar el día en que alguien confundiera a James Blake y James Blunt. Al fin y al cabo sólo 3 letras separan el nombre de estos artistas a los que, eso sí, separa un abismo en su manera de entender el pop. La cuestión es que no le ocurrió a mi prima Paqui, sino que le sucedió al CEO de Kiss FM –una estación de Bahamas llamada así, no la emisora española de hits del pasado– y nada menos que en Twitter, por lo que la cosa no ha quedado sólo en un lapsus sin importancia.
Básicamente porque el propio autor de ‘Assume Form’ retuiteó el mensaje que celebraba el 13er cumpleaños de ‘You’re Beautiful’, el megahit de Blunt, diciendo «Hola, soy yo, el cantante de ‘You’re Beautiful’. El cachondeo de la red social del pajarico azul ha sido inmediato, y han participado de él numerosas celebridades, como Geoff Barrows (Portishead), que definió la confusión como algo «maravilloso», pasando por el productor SOHN, que le vacila diciendo «siempre pensé que diste un gran giro después de aquella canción», Amber Coffman, o la pareja de Blake a la que está dedicado buena parte de su último disco, la actriz Jameela Jamil, que se parte. Por supuesto, también responde el aludido, James Blunt, conocido por su ingenio como tuitero. En su caso, responde al tuit de Blake que «ojalá» fuera Blake el cantante de ‘You’re Beautiful’, sin estar claro si porque le admira… o porque está hasta el orto de su hit.
Blake publicaba a principios de este año el citado ‘Assume Form‘, un álbum más luminoso de lo que nos tenía acostumbrados con colaboraciones de Travis Scott o Rosalía, cosechando notables críticas (aunque no todas). Lo presentará en nuestro país en Primavera Sound 2019. Por su parte James Blunt publicó en 2017 ‘The Afterlove‘, un disco en el que pretendió modernizar su sonido con toques justinbieberescos, y que presentó en la pasada edición de Arenal Sound.
Los créditos de ‘Yeezus‘, la obra maestra editada por Kanye West en 2013, ocultaban tal ristra de decenas y decenas y decenas de co-productores y beatmakers tras su carcasa de CD transparente que de hecho casi terminabas preguntándote quién no se pasó por allí para aportar algo. En cualquier caso, Gesaffelstein, entonces un muchacho de 25 años, fue uno de los afortunados al aparecer como co-productor de dos pistas, la icónica ‘Black Skinhead’ y la penúltima, ‘Send It Up’. El proyecto del francés Mike Lévy publicaba su debut en solitario aquel mismo año, pero era en 2018 cuando lograba mayor reconocimiento popular al acreditarle The Weeknd como «featuring» en dos de las seis canciones de su EP del año pasado, el medio olvidado ‘My Dear Melancholy,‘.
Ahora Abel Tesfaye le ha devuelto el favor, y aunque la jugada les ha quedado rara debido a esa polémica letra en la que el hombre detrás de The Weeknd intenta disuadir a la chica que le gusta de su homosexualidad o bisexualidad de manera penosa («dices que podrían gustarte las chicas (…) bien, pues tráete a una amiga / puede montarte la cara / mientras yo te follo»), melódicamente y en cuanto a producción, ‘Lost in the Fire’ sí es un hit. Quienes llevamos años diciendo que los textos de Tesfaye sobre drogas, sexo, fama y hacer «promo» son un cuadro, no nos vamos a llevar ahora las manos a la cabeza, aunque solo sea porque nos hemos malacostumbrado a sus tontadas.
‘Hyperion’ es, además, un disco mucho más elegante que todo eso, moviéndose entre la electrónica más oscura, el italo más dulce y el gusto por el terror de gente como John Carpenter. Más pop y menos techno que ‘Aleph’, Gesaffelstein casi siempre está aquí cerca de la banda sonora perfecta para una película nocturna de ciencia ficción, como muestra el arranque de ‘Humanity Gone’, cuyo título lo dice todo y que como pista final llega a extenderse hasta los casi 11 minutos; la tenebrosa ‘Reset’, de resquicios techno; o la tensísima ‘Ever Now’. Incluso cuando suena luminoso, como sucede con ‘Forever’ junto a The Hacker y Electric Youth, esa positividad pareciera estar pendiendo por completo de un hilo, recordando sensaciones experimentadas con Chromatics.
El artista se ha rodeado de otras estrellas además de estas últimas y el propio Tesfaye. Pharrell, como ya demostrara junto a otros franceses, los ilustres Daft Punk, a su vez también co-productores de ‘Yeezus’ (ya veis que aquí todo queda en casa), aparece perfectamente cómodo en un número retro como es ‘Blast Off’; mientras es una gozada escuchar a Haim en un registro más frágil y electrónico. Apenas se reconoce a las hermanas Alana, Este y Danielle, pero todas están acreditadas (como Andrew Wyatt) en ‘So Bad’. «Vine aquí a morir, me quedé por la vida / llegué como una tonta, pero me fui sabia», repite la letra refutando el juego de contrastes contenidos en este álbum.
Igual puede echarse en cara a Gesaffelstein haber querido tocar demasiados palos desde que ‘Hyperion’ se abre con su corte titular remitiendo a la electrónica primigenia de Kraftwerk o su paisano Jean Michel Jarre, con quien ha colaborado, hasta el final; pero la verdad es que todo lo que toca, lo toca bien. Su segundo disco nos advierte que lo mismo puede seguir dedicándose a producir hits internacionales, siempre que no dé con letristas que hagan irradiables sus producciones, como desarrollarse como compositor para la gran pantalla.
Calificación: 7,9/10 Te gustará si te gusta: Apparat, Daft Punk, John Carpenter, Chromatics Lo mejor: ‘Lost In The Fire’, ‘Blast Off’, ‘Reset’, ‘Forever’ Escúchalo:Spotify
Los noruegos KEiiNO han conseguido lo que no tantos concursantes de Eurovisión logran: que su canción se haga viral. Publicada el 8 de febrero, ‘Spirit in the Sky’ ocupa actualmente el número 2 en la lista de las canciones más virales de Spotify en el mundo, y supera las 1.200.000 reproducciones en esta plataforma. ‘Arcade’ de Duncan Laurence, que va primera en las apuestas, va por la mitad de escuchas.
No se sabe cuánto les va a durar a KEiiNO el viral, pero lo seguro es que ‘Spirit in the Sky’ tiene muchas posibilidades de triunfar en Eurovisión. La canción es bailable y atrapa a la primera, pero sobre todo es épica en el sentido más eurovisivo de la palabra, aunque también es cierto que su producción dance suena bastante pasada de moda en 2019. Además de una melodía 100% escandinava, en ‘Spirit in the Sky’ destaca lo que suena como unos cantos vikingos, que otorgan al tema cierta personalidad. En cualquier caso, el top 10 parece seguro para ‘Spirit in the Sky’ y en las apuestas va 9ª.
‘Spirit in the Sky’ además esconde en su letra sobre “espíritus” y “auroras boreales” un mensaje de igualdad y respeto al prójimo muy acorde con el, ejem, espíritu de Eurovisión, que además el grupo expresa a través de referencias a la religión sami. La canción es una “historia sobre los hombres y mujeres valientes que han luchado y siguen luchando por el derecho a ser RESPETO y AMADO por la persona que eres” y la presencia de espíritus en la canción se debe a que, en la mencionada religión, existen “espíritus” que ayudan a una persona en momentos difíciles, y que “pueden llegar en forma de animal”. La portada original de ‘Spirit in the Sky’ representa el “espíritu animal” de los tres integrantes de KEiiNO, el rapero sami Fred Buljo y los cantantes Alexandra Rotan y Tom Hugo. Calificación: 7,5/10 En los foros de Eurovisión se dice: “No a la canción noruega tan desfasadísima” – Johnny_Utah; “es divertida, un schlager nórdico raruno” – Guarrona En las casas de apuestas: número 9
‘I Can’t Get Enough’ es una de las novedades de la semana en la lista de singles española. Se trata del nuevo single conjunto de benny blanco, Selena Gomez, J Balvin y Tainy, que suena en la línea de ‘Vibras‘ de J Balvin -uno de los mejores discos de 2018- aunque también de ‘Taki Taki’, el reciente single de DJ Snake con Cardi B, Ozuna y la propia Selena.
A día de hoy, da la sensación de que ‘
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Mientras Rosenvinge no se aventura a escoger cuál es su favorito de los otros nominados «porque no [ha] escuchado a todo el mundo», Zahara sí se moja decantándose por el disco de Morgan. «Mi favorito de los nominados es 
Morgan, los favoritos de Zahara, se decantan un cambio por otro nominado, 
Belako, por su parte, se perderán la ceremonia al estar de gira en este momento por Japón, si bien también han podido dejarnos una declaración. «Estar nominadas representa un reconocimiento a nuestro trabajo y eso siempre da mucha alegría. Además, consideramos que los MIN son unos premios muy importantes». De hecho, el cuarteto vasco ya sabe lo que es perderse una noche de victoria en los MIN, pues en otra ocasión, cuando ganaron el premio al mejor artista, entre otros, también les pilló de gira. Lo que no implica que no les haga ilusión llevarse el premio. «Estamos nominadas a 4 categorías y nos gustaría llevarnos alguno (risas)». Sobre sus favoritos, mencionan a Morgan, devolviéndoles el favor, y también a La Plata.
Preguntado sobre si esperaban este reconocimiento sin ser un grupo tan mediático, responde: «No somos una banda muy mediática porque las redes las usamos más como medio estético y de sello personal, más que como mera información, algo que es contradictorio porque en los tiempos que corren deberían ser más informativas. Pero intentamos poner poco contenido porque hay demasiado hoy en día para poder asimilarlo. Las llevamos más de otra forma, de manera más calmada. Estamos muy agradecidos de que nos tengáis en cuenta y nos preguntéis siempre».
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