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The Weeknd, criticado por la letra “bifóbica” y “lesbofóbica” de su nuevo single

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The Weeknd es el artista invitado en ‘Lost in the Fire’, el nuevo single del productor francés Gesaffelstein y una de las canciones incluidas en nuestra playlist de novedades del mes. ‘Lost in the Fire’ es actualmente número 13 de las canciones más escuchadas a nivel global en Spotify, algo que ha preocupado a algunas personas que ven en su letra claramente un ejemplo de bifobia y lesbofobia.

La parte de la letra que más está siendo criticada es la segunda estrofa del segundo verso, que dice “You said you might be into girls / Said you going through a phase / Keeping your heart safe / Well, baby, you can bring a friend / She can ride on top your face / While I fuck you straight”. NME e INTO han publicado sendos artículos en los que analizan la letra de ‘Lost in the Fire’ y defienden que, en primer lugar, objetifica a la mujer “queer” al hablar de ella como si solo fuera una fantasía sexual para el hombre; y en segundo que promueve el estereotipo de que la homosexualidad tiene corrección, en concreto que un hombre heterosexual es lo suficientemente poderoso como para “convertir” a una mujer lesbiana en heterosexual. En Twitter, Trish Bendix, la autora del artículo de INTO, escribe que “los tíos cis cantan sobre las mujeres queer como si fueran conquistas y como sus pollas fueran terapia de reorientación sexual”.

También en Twitter, algunas usuarias de esta red social han sido mucho más duras con The Weeknd, apuntando que frases como “fuck you straight” “representan la mentalidad de los hombres que violan a mujeres lesbianas porque creen que pueden “convertirlas”. Por ejemplo, una persona pregunta si el músico canadiense acreditará en la canción a “todos los violadores que antes de asaltar a una mujer lesbiana le dicen que van a follársela hasta convertirla en heterosexual”, mientras otra felicita al artista por “ridiculizar, fetichizar e invalidar el lesbianismo todo en un solo verso”.

Coachella retiró a Kanye de su cartel porque el rapero quería actuar en una cúpula gigante

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Coachella ha revelado recientemente su cartel de 2019, encabezado por Childish Gambino, Ariana Grande y Tame Impala y con la presencia también de Janelle Monáe, The 1975, Solange, J Balvin, Aphex Twin, Pusha T o Rosalía. Curiosamente, Ariana es la “headliner” más joven de la historia del festival.

Pero Ariana podía no haber actuado en Coachella. Billboard publica hoy una información exclusiva sobre el cartel en la que se revela que la autora de ‘Sweetener’ fue confirmada en el programa in extremis tras caerse de él el que iba a ser uno de sus cabezas de cartel originales, el rapero Kanye West. Fuentes cercanas a Coachella confirman a Billboard que Kanye exigía actuar en una cúpula gigante situada en el centro del festival, a lo que Coachella se negó, retirándole del cartel.

La historia es un poco más interesante de lo que parece. Las fuentes cuentan a Billboard que Kanye tenía muy clara su idea, pero que Coachella hubieron de explicarle que sería “imposible” construir una cúpula gigante en solo cuatro meses y que situarla en el centro del festival implicaría reorganizarlo por completo, ya que obligaría a eliminar una “gran parte de los baños portátiles”. Cita Billboard que Kanye, “irritado”, contestó que él es un “artista con visión” y que no “debería estar hablando sobre baños portátiles”, añadiendo que era responsabilidad del festival encargarse de los baños antes de colgar el teléfono “de manera abrupta”. En fin, cosas de un megalómano empedernido…

‘Solo de mí’: ¿llorando de emoción con Bad Bunny… o por su fallido lavado de cara?

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Parte de la redacción evalúa el nuevo top 10 en España de Bad Bunny, ‘Solo de mí’, incluido en ‘X 100PRE‘.

«La voz de Bad Bunny me ha parecido siempre difícil. No sé si me repele o me pone, pero lo seguro es que no podía pensar en ella sin añadir unas simpáticas comillas. Podía soportarle en un featuring con Cardi B o Becky G, pero un tema «solo de él» era harina de otro costal. Y sin embargo, llegó ‘Solo de mí’. La gran balada autoafirmativa de Bad Bunny, al margen de la fuerza expresiva que destila su histórico vídeo, que añade un guiño feminista muy necesario en su carrera, tiene varias ideas sobresalientes: la intro al piano, la no renuncia al ritmo reggaetón, el uso reiterado de la palabra «bebé» en representación de un idilio que fue una gran mentira contra la que ahora nos rebelamos, y sobre todo ese modo de extender las sílabas a modo de grito desesperado. «¿Lo nuestro ya se murióóóóóóóóóóóóóóó?». Muero de la pena. Mierda, ¿estoy a punto de llorar con una canción de Bad Bunny? «¡Mira, puñeta, no me quiten el perreo!». El giro final es la vía perfecta para introducirte en ‘X 100PRE‘, pues es el que definitivamente te hace preguntarte: «¿¡Pero bueno, qué me he estado perdiendo todo este tiempo?!». Sebas E. Alonso.

«‘Solo de mí’ no es una gran canción, pero clama al cielo especialmente que la intenten vender como un himno contra la violencia machista. Hay quienes ven aquí un lavado de imagen; lo cierto es que, sin llegar a esa conclusión, sí podemos decir que resulta un poco extraño que una canción en la que él trata a la chica como la posesivalocatóxica se convierta de repente en un alegato contra la violencia machista gracias a un par de ideas en el videoclip y un post de Instagram (un post en el que se dice «respeta a la mujer, respeta al hombre», por cierto). ‘Solo de mí’ no funciona con ese propósito, pero es que además su condición de híbrido fallido hace que tampoco funcione como canción de perreo, y ni a nivel de letras, ni tampoco a nivel de producción (giro aparte) destaca especialmente, como sí lo hacen otras canciones de ‘X100PRE’. Ahora, que si esto consigue remover la conciencia de alguien, pues bienvenido sea». Pablo N. Tocino.

«Se mire por donde se mire, fuera escrita con esa intención o no, la idea de extrapolar a una mujer la letra de despecho de ‘Solo de mí’ –potenciada con las impactantes imágenes de moretones y heridas causadas por ¿virtuales? golpes– es fantástica. Y es que es necesario romper ese yugo por encima de géneros, porque en realidad la idea del amor como forma de posesión es también parte del sistema patriarcal que rige en una inmensa mayoría de las sociedades y oprime a hombres y mujeres de cualquier condición sexual –aunque sus peores consecuencias recaigan, casi en su totalidad, apenas en el 50%–. Pero, como ya decía en la crítica del notable ‘X 100PRE’, podemos disfrutar de Bad Bunny sin sobreanalizar sus canciones. Y, en ese sentido, ‘Solo de mí’ es un sugerente numerazo de reggaeton-pop lento que se puede bailar tanto en su primera parte, la más emocional, como en su explosiva recta final». Raúl Guillén.

‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ puede ser “la gran canción” de The 1975

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Publicado el 30 de noviembre, ‘A Briefly Inquiry into Online Relationships’ de The 1975 ha sido uno de los discos que mejores críticas ha cosechado en 2018, terminando en multitud de listas de lo mejor del año, incluida la nuestra. Sin embargo, las ventas no están acompañando por alguna razón y no será porque en el disco no haya temazos, entre ellos este ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ que, sin ser single, se ha posicionado como una de las canciones más escuchadas del disco en las plataformas de streaming.

‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ es la última pista en la secuencia e ‘A Briefly Inquiry into Online Relationships’, y cierra el disco por todo lo alto, demostrando nuevamente que The 1975 son capaces de escribir canciones estupendas en cualquier estilo. En este caso está claro a lo que recuerda ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ y solo hay que pasarse por la sección de comentarios de la canción en Youtube para corroborarlo: a Radiohead y Oasis circa 1995, a Jimmy Eat World, a Coldplay, a Keane… y por tanto a la “típica canción que suena en los créditos finales de una comedia romántica” de principios de los años 2000 (¿nadie ha dicho Hoobastank?). Una mezcla, como el propio Matt Healy ha declarado a Genius, entre el pop británico y el “gran rock americano de finales de los 90” y principios de la pasada década.

En Pitchfork, Healy ha sido un poco más específico con las influencias de la canción, citando ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve (el tema contiene un arreglo de cuerdas), ‘I Don’t Wanna Miss a Thing’ de Aerosmith y ‘Iris’ de Goo Goo Dolls, además del “sonido Manchester”. En la misma entrevista, Healy recordaba que, en el momento en que añadía las cuerdas a ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’, se le ocurrió que esta podría ser la “gran canción” de The 1975, y no es un pensamiento descabellado, ya que es sin duda una de las canciones más emocionantes y “grandes” que ha compuesto el grupo hasta la fecha, escondiendo en una melodía preciosa una letra que habla sin tapujos sobre el deseo de morir, que Healy asegura “todos hemos sentido alguna vez, aunque no terminemos planificando nuestra muerte”.

La letra de ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’ habla de viajes solitarios en tren o “recuerdos que son escenas de cosas que dijiste pero jamás quisiste decir” y se cuestiona hasta qué punto la “geografía” determina la identidad de una persona en relación sobre todo con su religión (¿hasta qué punto se “nace” musulmán o cristiano?). Pero la idea de la canción parece más simple: “la tragedia del día día es agotadora”, declara Healy a Genius, y esa energía es la que parece mover una canción que suena desolada al principio, pero que va abriéndose poco a poco hasta llegar a su magistral cumbre, tan clásica como todas las canciones a las que pueda recordar, en el mejor sentido. Al fin y al cabo puede ser perfectamente “la gran canción” de The 1975.

Halo Maud / Je Suis Une île

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Es tal la avalancha de novedades que se genera semana a semana que tratar de dar abasto es muy complicado. El riesgo de no reseñar lanzamientos interesantes y/o relevantes es inevitable. Como inevitable es la tentación de dejarse vencer por las prisas y aparcar las críticas de aquello que ya no es novedoso. Pero, aunque tarde (el álbum es de mayo), obviar el debut de Halo Maud (el nombre tras el que se esconde la cantante, compositora y multiinstrumentista Maud Nadal) se me hacía demasiado… inexcusable. Porque es un disco maravilloso, tal como pudimos comprobar en el pasado Primavera Club.

Nadal no es novata, por eso, ya que fue miembro la banda francesa de psicodelia Moodoïd. El cabecilla del combo es Pablo Padovani, colaborador de Melody’s Echo Chamber, así que las comparaciones con Melody Prochet no son meramente estilísticas. Pero en Halo Maud el componente pop es mucho más acusado, lo que le acercaría más Beach House que a Tame Impala. En ‘Je suis une Ile’, se mezcla alegremente el prog y la psicodelia pastoril con un pop delicado y encantador pero enérgico a la vez. La voz de Maud, doblada y filtrada, tiene un timbre aniñado que, por momentos, recuerda a la primera Björk y que otorga el toque mágico, sin caer en la languidez. La belleza y el encanto de la inicial ‘Wherever’ te arrastran, entre redobles juguetones, rápidamente a su terreno; terreno al que te atan ‘Du pouvoir/Power’, con la batería rememorando el patrón rítmico de ‘When Doves Cry’ de Prince, o una ‘Chanceuse’ digna de los últimos Arcade Fire. En todos estos temas, la vena más psicodélica va mostrando la patita en forma de teclados brujos y guitarras expansivas, hasta que se muestra en todo su esplendor en ‘Surprise’ o ‘Tu Sais Comme Je Suis’.

Pero si la primera parte del álbum es de glorioso pop psicodélico, la segunda es muchísimo más progresiva. A partir de la quasi letanía de ‘Baptism’ ganan los paisajes más tenebrosos, densos y sinfónicos, que explotan en ‘Fred’, repleto de percusiones, guitarrazos y panderetas dignas de los setenta. Las digresiones alcanzan su cenit en las posteriores ‘Je Suis Une îlle’ o ‘Proche Proche Proche’. Pero esta deriva se modera en ‘Dans la Nuit’, la cima del disco, en la que aúna con mayor precisión el pop electrónico con los paisajes oníricos.

En ‘Je Suis Une île’ el photo-finish daría como vencedora su vertiente melódica sobre la progresiva… aunque esta es una valoración absolutamente personal. Porque seas más de dream pop, seas más de psicodelia, el de Halo Maud es un sendero digno de ser recorrido.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Wherever’, ‘Du pouvoir/pouvre’, ‘Chanceuse’, ‘Baptism’, ‘Dans la nuit’
Te gustará si te gusta: Melody’s Echo Chamber, Beach House, Björk, Julia Holter
Escúchalo: Spotify

George Ezra, Jess Glynne, Sam Smith, Florence, Aphex Twin… en las nominaciones de los BRITs

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Esta tarde se han revelado las nominaciones a los Brits, los premios más importantes del pop británico, y la noticia es que no hay noticia: si el año pasado Dua Lipa hacía historia al conseguir cinco nominaciones a los premios, este año no está muy claro qué artista, grupo o disco ha despuntado en 2018 por encima del resto. Por ejemplo, Clean Bandit han conseguido dos nominaciones por ‘Solo’ con Demi Lovato, pero no aspiran al BRIT a Mejor banda británica, por el que sí competirán The 1975, Arctic Monkeys, Gorillaz, Little Mix y Years & Years, ninguno de los cuales puede decir que 2018 haya sido su año.

El raro de la clase de los BRITs es Aphex Twin, quien, con únicamente un EP en el mercado en 2018, competirá en la categoría de Mejor solista masculino británico contra pesos pesados de las listas británicas como George Ezra o Sam Smith, además de contra el querido Craig David y el rapero Giggs. Este último había colaborado con Lily Allen en ‘Trigger Bang’ y la autora de ‘No Shame‘ está nominada a Mejor solista británica femenina. Sus competidoras son Anne-Marie, Jess Glynne, Jorja Smith y Florence + the Machine, quien, por cierto, aspira al BRIT a Mejor álbum: parece que alguien sí le gustó ‘High as Hope‘.

IDLES, uno de los grupos de punk más aclamados del momento gracias a su último disco, ‘Joy as an Act of Resistance‘, han conseguido una nominación a Artista revelación y puede ser una risa verlos recoger el premio el próximo 20 de febrero, adelantándose a Ella Mai, Tom Walker, Mabel y Jorja Smith. Esta es la lista completa de nominados, con Janelle Monáe, Drake, Kamasi Washington o First Aid Kit entre los nominados internacionales:

Mejor solista británico masculino
Aphex Twin
Craig David
George Ezra
Giggs
Sam Smith

Mejor solista británica femenina
Anne-Marie
Florence + The Machine
Jess Glynne
Jorja Smith
Lily Allen

Mejor single británico
Anne-Marie – ‘2002’
Calvin Harris & Dua Lipa – ‘One Kiss’
Clean Bandit – ‘Solo’
Dua Lipa – ‘IDGAF’
George Ezra – ‘Shotgun’
Jess Glynne – ‘I’ll Be There’
Ramz – ‘Barking’
Rudimental – ‘These Days’
Sigala & Paloma Faith – ‘Lullaby’
Tom Walker – ‘Leave A Light On’

Mejor grupo británico
The 1975
Arctic Monkeys
Gorillaz
Little Mix
Years & Years

Artista revelación británico
Ella Mai
IDLES
Jorja Smith
Mabel
Tom Walker

Mejor vídeo británico del año
Anne-Marie – ‘2002’
Calvin Harris & Dua Lipa – ‘One Kiss’
Rudimental – ‘These Days’
Little Mix ft. Nicki Minaj – ‘Woman Like Me’
Dua Lipa – ‘IDGAF’
Rita Ora – ‘Phoenix’
Jax Jones – ‘Breathe’
Clean Bandit – ‘Solo’
Jonas Blue – ‘Rise’
Rita Ora and Liam Payne – ‘For You’

Mejor solista masculino internacional
Drake
Eminem
Kamasi Washington
Shawn Mendes
Travis Scott

Mejor solista femenina internacional
Ariana Grande
Camila Cabello
Cardi B
Christine And The Queens
Janelle Monáe

Mejor grupo internacional
Brockhampton
The Carters
First Aid Kit
Nile Rodgers & Chic
Twenty One Pilots

Mejor álbum británico
The 1975 – ’A Brief Inquiry Into Online Relationships’
Anne-Marie – ‘Speak Your Mind’
Florence + The Machine – ‘High As Hope’
George Ezra – ‘Staying At Tamara’s’
Jorja Smith – ‘Lost & Found’

¿Por qué ‘Baby’ de Clean Bandit con Marina y Luis Fonsi no termina de despegar?

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Clean Bandit ocupan actualmente el 9º puesto en la lista de álbumes más vendidos en Reino Unido con ‘What is Love‘, un éxito que sin duda hay que atribuir a la enorme acogida lograda por los cinco primeros singles del disco, estos son, ‘Rockabye’ con Anne-Marie, ‘Tears’ con Louisa Johnson, ‘Symphony’ con Zara Larsson, ‘Solo’ con Demi Lovato y ‘I Miss You’ con Julia Michaels. Las cifras en Spotify de todos estos temas se cuentan por los cientos y cientos y cientos de millones, por eso sorprende que el single inmediatamente posterior a ellos, ‘Baby’ con Marina y Luis Fonsi, no esté consiguiendo cifras similares en absoluto pese a ser probablemente una de las mejores canciones de Clean Bandit hasta la fecha. Desde luego, este contiene una de sus melodías más preciosas y atemporales.

No, ‘Baby’ no ha sido un “flop” en Reino Unido exactamente, pues tras 10 semanas en lista y después de Navidad, durante la cual muchos éxitos actuales suelen quedar sepultados por la montaña de villancicos que invaden la tabla, el tema aguanta en un digno puesto 17 tras haber tocado cumbre en el top 15. ‘Baby’ es ya el mayor éxito comercial de la carrera de Marina Diamandis desde ‘Primadonna’, que fue top 11 en 2012, lo cual es más meritorio si recordamos que ninguno de los singles de ‘Froot‘ llegó al top 100 de la lista de singles británica; pero es a su vez el single menos exitoso de ‘What is Love’ por alguna razón, pese a que sus involucrados -entre los que se encuentra el mismísimo autor de ‘Despacito’- se han currado para él un videoclip estupendo con historia y además el single sigue la línea latina de moda, aunque desde un punto más mediterráneo (o “flamenco”) que caribeño.

Puede que haber salido en noviembre y no más cerca de verano esté pasando factura a ‘Baby’, pero hay que recordar que ‘Despacito’ se lanzó en enero, cuando a nadie podía ni pasársele por la cabeza lo que iba pasar con ella unos meses después. Además, ¿alguien recuerda que ‘Rockabye’, una de las canciones más exitosas de 2017, salió en octubre de 2016? Es verdad que ‘Rockabye’ tardó más de medio año en superar las cifras de ‘Rather Be’ y convertirse en la canción más exitosa de Clean Bandit hasta ese momento, pero con la racha de macrohits que lleva el grupo, sorprende que precisamente con ‘Baby’ haya perdido tanto el ritmo.

Existen otras razones por las que ‘Baby’ puede no haber calado como el resto de singles recientes de Clean Bandit. Mal que nos pese, Marina no es un nombre sinónimo de éxito pese a las canciones magníficas que ha firmado durante su carrera, lo que puede deberse a su voz operística, quizá no tan apta para todos los públicos como la de una Anne-Marie, o simplemente a la suerte. Además, la parte de Luis Fonsi en ‘Baby’ parece un poco pegote y no está claro que favorezca demasiado a la canción. Claro que viniendo de ‘Despacito’, ‘Échame la culpa’ y ‘Calypso’, que el nombre de Luis Fonsi -como el de Clean Bandit- no sea suficiente para catapultar cualquier canción al número uno sorprende. En cualquier caso, el tiempo dirá si ‘Baby’ es el “sleeper hit” del verano de 2019 o si su recorrido en las listas está llegando a su fin. Sería una pena por Marina -a quien ya le viene tocando firmar un hit de verdad- y sobre todo por una gran canción que merecería muchísimo más aceptación de la que está consiguiendo, al menos de momento.

Christina Aguilera apoya a Lady Gaga, que borra al fin ‘Do What U Want’… pero no del todo

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Lady Gaga había anunciado su decisión de eliminar ‘Do What U Want’, su colaboración con R. Kelly, de las plataformas de streaming tras las acusaciones de abusos sexuales contra él aparecidas en el reportaje ‘Surviving R. Kelly’. Como hemos recordado, ‘Do What U Want’ ha sido una canción maldita desde el principio debido a la colaboración con R. Kelly y al videoclip que llegó a grabarse para ella, dirigido por el también polémico Terry Richardson, que jamás llegó a publicarse.

Ahora, Christina Aguilera, quien cantó ‘Do What U Want’ con Gaga en The Voice y luego grabó su parte en una versión alternativa, ha apoyado la decisión de Gaga de eliminar su colaboración con R. Kelly de las plataformas de streaming. En Instagram, ha escrito: “Me gusta ver la versión de esta canción que hice con Lady Gaga en las listas de nuevo… Esto es un ejemplo de mujeres que permanecen unidas y no dejan que un hombre se atribuya la autoría de una gran canción o de un buen momento. Y en cualquier el caso el mensaje de esta canción sigue siendo que, aunque puedes haberte quedado con mi cuerpo, jamás tendrás mi corazón, mi voz, mi vida o mi mente. Yo, que también he sobrevivido a depredadores, me sentí identificada con esta canción, por eso la hice. Me siento orgullosa de que los supervivientes de abuso sexual y violencia doméstica ocupen un lugar especial en mi corazón, y de ti, Lady Gaga, por haber hecho lo correcto”.

Billboard ha publicado este viernes un artículo en el que se indica que ‘Do What U Want’ sí seguirá disponible en la versión física de ‘ARTPOP‘ (como era de prever) y que las emisoras de radio seguirán teniendo el derecho de pinchar la canción. Sin embargo, cabe apuntar que ‘Do What U Want’ no ha desaparecido por completo de las plataformas de streaming, ya que la versión con Aguilera sigue disponible pese a contener un crédito de R. Kelly, pues este ya aparecía en la versión original.


Alexis Taylor / Beautiful Thing

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Hace tiempo que a Hot Chip no les sale un ‘Ready for the Floor’, un ‘I Feel Better’ o un ‘Motion Sickness’ siquiera, así que tendría guasa que Alexis Taylor hubiese hecho él solo un disco muchísimo mejor que ‘Why Make Sense?‘ cuando ya han pasado casi 4 años desde que se lanzara este. Su carrera en solitario parece más bien un entretenimiento recreativo que los seguidores de la banda británica pueden disfrutar de cerca, en petit comité. En ‘Beautiful Thing’, el álbum que editaba el año pasado, únicamente en el corte titular, con un piano un tanto house y un beat bailable, de cierto parecido con la última Róisín Murphy, se acerca a la pista. Por lo demás, y con alguna excepción como la uptempo ‘Oh Baby’, estamos ante un disco intimista y lento. Pequeño.

Ha habido un gusto por la balada desde siempre en Hot Chip (recordemos que es lo que escribieron para ‘Witness’ de Katy Perry, una balada) y de hecho es el espíritu de ‘Made in the Dark’ -la canción- el que encontramos aquí en el R&B de ‘Deep Cut’, donde reflexiona sobre la desesperación por sentir algo en un mundo en el que todo nos es demasiado indiferente y nos aburrimos demasiado. El piano que dio título a su álbum anterior sigue siendo su instrumento guía en ‘Roll on Blank Tapes’ por muy experimental que sea el fondo de esta; y las referencias son ahora a gente como Damien Rice y George Michael (‘A Hit Song’) o Paul McCartney (‘Oh Baby’), aunque sus composiciones no llegan a sonar tan clásicas y atemporales como ‘Cold Water’, ‘One More Try’ o ‘Let It Be’.

Esto no es, por tanto y de nuevo, un «te gustará si te gusta Hot Chip». Por supuesto Alexis Taylor hace aquí alarde de su peculiar voz, que dota de una personalidad enorme a todo lo que toca, ahora bajo los mandos de Tim Goldsworthy en la producción. Pero ‘Beautiful Thing’ parece un disco con el que regodearse en sus inquietudes creativas (‘There’s Nothing to Hide’ habla sobre NO explicar las canciones), amorosas (‘Out of Time’) o existenciales (‘Dreaming Another Life’). Te gustará si siempre has querido adoptarle.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Oh Baby’, ‘A Hit Song’, ‘Out of Time’
Escúchalo: Spotify

La canción del día: ‘Girl of the Year’ es otro acierto de Allie X, también en su versión “analógica”

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En una de esas extrañas coincidencias de la vida, en 2018 tanto Beach House como Allie X publicaron sendas canciones tituladas, exactamente, ‘Girl of the Year’. Hoy nos detenemos en la segunda pues su autora lanzaba recientemente su “versión analógica”, incluida en la reedición en casete de su EP ‘Super Sunset’, publicado en octubre.

Si el single súper Lana Del Rey ‘Not So Bad in L.A.’ hablaba del lado oscuro de Hollywood, en ‘Girl of the Year’ Allie X parece volver a ese mismo tema ahora desde el despacho de un hombre que busca a la “mujer del año”. Podría ser una canción de desamor, pero las pistas indican hacia una dirección más siniestra. La narradora es una chica “con ambición” que se ha pateado Hollywood en busca del éxito, pero que finalmente se siente usada (“te has involucrado y ahora me echas”) en cuanto es reemplazada por otra chica “más joven y con el cabello más largo”. La artista llega a concluir: “sin expectativas, y sin remordimientos, sabía dónde me metía en cuanto nos conocimos”.

Es un misterio a quién se puede referir Allie X en ‘Girl of the Year’, y en cualquier caso la canción brilla por sí sola gracias a una melodía grande y explosiva, tan preparada para el éxito como el número uno que acaba de conseguir Ava Max con ‘Sweet but Psycho’ o los petardazos pop que ha publicado Kim Petras en los últimos dos años. La “versión analógica” es una modesta interpretación en vivo del tema (¿o es su maqueta?), pero demuestra que esta es otra gran canción de Allie X, y ya van unas cuantas. Ojo a su vídeo en plan VHS, más 80s que los 80.


‘¿De qué me culpas?’ de Fangoria… ¿su peor “lead single” con Milkyway u otro hit?

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Parte de la redacción evalúa el nuevo single de Alaska y Nacho Canut, de nuevo co-escrito y producido por Guille Milkyway, adelanto de su nuevo álbum ‘Extrapolaciones y dos preguntas’.

«Ay, ¿otro ‘I Will Survive’? Creo que la fórmula está ya agotada, ¿no? ‘Espectacular’, el tema con el que más fácil es emparentarlo, aún tenía su gracia –buen estribillo, homenaje a los Pet Shop Boys más horteras–. Pero ‘¿De qué me culpas?’ no tiene pegada ni carisma. Como gran-single-de-retorno le falta eso, espectacularidad (la que sí que tenía ‘Geometría polisentimental’, por ejemplo). Resulta agotadora de escuchar, con esa fórmula puente-puente y pseudo subidón que no se acaba de materializar. ¡Y sin estribillo! Y esos coros replicando “¿de qué me culpas?” tan feos. Sólo me gusta la intervención de Ms Nina y King Jedet, que aporta frescura a unos Fangoria que van con el piloto automático». Mireia Pería.

«No favorece nada a ‘¿De qué me culpas?’ salir tan poco después de aquellas declaraciones de Alaska y Mario sobre el VIH con esta letra que habla “envenenar la realidad” y del derecho a juzgar o no dar explicaciones, pero incluso pareciéndose mucho a ‘Espectacular’, me quedo con este nuevo tema (en su versión sin King Jedet y Ms. Nina, que solo aportan el nombre) ligeramente más oscuro que lo que ha venido haciendo Fangoria en los últimos tiempos… pese a volver a estar producido por La Casa Azul. Ahora falta que algunos de sus involucrados se apliquen el cuento…» Jordi Bardají.

«No puedo negar que ‘¿De qué me culpas?’ es un poco más de lo mismo, que a veces hasta marea por su sucesión de giros melódicos casi imposibles de seguir, que el léxico empleado es tan delirante como siempre y que la versión de King Jedet y Ms Nina, por más que me guste esta última, no se justifica más que como curiosidad (qué necesidad había, con lo bien que queda el spoken-word de Alaska). Pero todo esto no parece que vaya a lograr que, como pasó con ‘Espectacular’ (a la que se podía achacar prácticamente lo mismo que a este single), su fuerza melódica manuelalejandresca termine por imponerse y ‘¿De qué me culpas?’ sea otro hit que, sí o sí, acabaremos bailando todas». Raúl Guillén.

«»No te debo una explicación, ni me voy a justificar». Teniendo en cuenta la polémica hace unos meses de Alaska y Mario por las burradas sobre el VIH que dijo Vaquerizo en Yu (a las que se podría responder parafraseando a la canción que no «es tu opinión»; es ciencia), es obvia una cosa: además de la interpretación en clave de pareja, ‘De qué me culpas’ tiene una lectura dirigida a Twitter y al ente abstracto que representan «los ofendiditos». Quizás errando un poco el tiro (recuerda al caso de Campofrío), pero igualmente les podría haber quedado un corte realmente interesante donde trataran su visión… y no ha sido el caso. La letra no es precisamente la de ‘Fiesta en el infierno’, y esto no sería problema (‘Espectacular’ es temazo y su letra muy simple) si tuviese gancho, si la producción fuese potente, etc, pero no es así: de los lead-singles de la etapa Milkyway, éste es sin duda el menos acertado y la canción parece mucho más larga de lo que es. Por otro lado, y aunque aquí el featuring sea una anecdóta sin mucha chica, puede ser buena idea si se atreven a explorar más el trap en otro tema del disco. Sin duda sería una combinación interesante si explotan su punto oscuro como parece que quieren hacer por la estética feísta del videoclip (los atuendos de Jedet y Ms. Nina en el vídeo recuerdan a una mezcla entre Carlos Areces en el clip de ‘Madrid Bilbao Bollo’ y Pepper de ‘American Horror Story’)». Pablo N. Tocino.

‘Días sin final’: la mejor novela de temática LGTB que leerás en mucho tiempo

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Con la premiada novela ‘Días sin final’ (ganadora del Costa Book en 2016) se ha producido un hecho curioso en España: ha encabezado listas de lo mejor de 2018 tanto en el género de ficción histórica como en libros de temática LGTB. Y es que, aparte de su calidad literaria, no es nada habitual que un relato ambientado en Estados Unidos durante las guerras indias y la Guerra de Secesión, con mucha acción, aventuras y épica de western, esté protagonizado por una pareja gay e incluya apuntes sobre travestismo, transexualidad, matrimonio homosexual y adopción homoparental.

El responsable de esta fabulosa rareza es el novelista y dramaturgo irlandés Sebastian Barry, conocido en España por novelas como ‘En el lado de Canaán’ o ‘El caballero provisional’ (las dos publicadas por Alba). Barry comenzó a escribir ‘Días sin final’ cuando en 2015 su hijo pequeño, que llevaba un tiempo inquieto y desanimado, entró en su habitación para explicarle el motivo de su desasosiego: era gay. A partir de ese día, su hijo se liberó de la angustia que le atenazaba y él encontró una vía de inspiración. Fue consciente de que el relato de la historia de la homosexualidad apenas había sido escrito, y quiso aportar su grano de arena.

Como es habitual en su obra, Barry encontró a sus personajes investigando en su propia historia familiar. Explorando su árbol genealógico, descubrió que un tío abuelo de su abuelo había emigrado a Estados Unidos en el siglo XIX y había participado en las guerras contra los indios. También, documentándose sobre la época, encontró varios daguerrotipos en los que se veía a parejas de hombres cogidos de la mano o vestidos de mujer. De esta manera, fundiendo estos dos descubrimientos en su imaginación, el escritor creó a Thomas McNulty, un joven emigrante irlandés que actúa como narrador y protagonista en ‘Días sin final’.

La novela narra la epopeya de McNulty (es la cuarta vez que un McNulty protagoniza una obra de Barry) desde 1851, cuando conoce a su pareja, John Cole, hasta el final de la guerra entre unionistas y secesionistas. Quince años de vivencias que transcurrirán entre espectáculos de travestismo (los popularísimos minstrel, donde los actores se maquillaban de negro para parodiar a los afroamericanos), matanzas de indios (el autor denuncia sin ambages el genocidio), batallas entre yanquis y confederados (descritas con hiriente realismo), campos de prisioneros (el terrible de Andersonville) y momentos de intimidad donde se va forjando el amor entre la pareja protagonista y su inesperada “hija”.

Con ecos de la reciente ‘Neverhome’, Barry mezcla la belleza y la crudeza de las ficciones de Cormac McCarthy, con la lírica y el sentido de la camaradería y lealtad de los personajes de los western de John Ford. El resultado es una novela que te atrapa con la fuerza de un indio agarrando una cabellera blanca, te salpica (sangre) como un neo-western cinematográfico, te abre los ojos como el más lúcido ensayo histórico o estudio de género, y te hace temblar de emoción “como la última hoja marchita de una rama en invierno”. 8,5. Disponible en Amazon.

Cranberries publicarán ‘All Over Now’ el 15 de enero, en el primer aniversario de la muerte de Dolores

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El próximo 15 de enero se cumple el primer aniversario de la muerte de Dolores O’Riordan, líder de Cranberries. Los miembros restantes del grupo habían confirmado que a principios de 2019 publicarían su disco final, ‘In the End’, con las últimas grabaciones de Dolores, y detallado que el disco sería “consistente” y “muy emocionante, sobre todo en cuanto a las letras”.

Ahora Noel, Mike y Fergal firman un nuevo comunicado en el que desvelan que el primer sencillo de ‘In the End’, ‘All Over Now’, saldrá precisamente el 15 de enero en conmemoración del primer aniversario del fallecimiento de la cantante. Además, han revelado la portada de ‘In the End’, protagonizada por unos pequeños “Cranberries” cuya presencia parece buscar aliviar el peso de todos estos títulos que aluden sin duda al fin del grupo.

En el texto, el grupo habla también sobre su experiencia en el estudio tras la muerte de Dolores. “Ha sido un proceso muy emotivo para nosotros”, ha escrito, “y hubo momentos muy duros durante las sesiones de grabación, sobre todo en los primeros y en los últimos días. Después del primer día todos parecíamos estar pensando lo mismo aunque no lo dijéramos, si no intentábamos dejar nuestras emociones a un lado y concentrarnos en el trabajo no estábamos haciendo justicia a Dolores. Saber que nunca vamos a tocar estas canciones en vivo lo hizo todavía más duro”.

No te pierdas: Cupido se ponen (o se hacen los) románticos en la balada ‘U Know’

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Con este plano típico de Man Ray (dirige Héctor Herce) presentan Cupido, el dúo del trapero barcelonés Pimp Flaco y la banda de rock psicodélico canaria (pero afincada en Madrid) Solo Astra, su nuevo single ‘U Know’, el segundo después que en 2018 sorprendieran con su sencillo de debut, ‘No sabes mentir’, una de las mejores canciones de 2018.

Como ‘No sabes mentir’, ‘U Know’ propone una fusión entre el guitar pop relajado de Mac DeMarco y autotune a borbotones, aunque esta vez los teclados de la primera dejan paso a una composición con más forma de balada que incluso llega a ser romántica gracias a su sentida y anhelante melodía, y en la que Pimp Flaco expresa su fidelidad a un amor pese a los obstáculos o las críticas de la gente.

Sin embargo, ese amor expresado en ‘U Know’ tiene trampilla y frases como “no hagas caso de lo que digan ni de lo que cuenten” o “qué más da que digan que ando con una o con veinte, si hasta que se demuestre lo contrario yo soy inocente” pueden recordar al ‘Chantaje’ de Shakira, por lo que más que una canción de amor esto parece más bien una canción de -comillas- amor -comillas-.

Cupido van a estar presentando sus canciones por toda España en las próximas semanas. Las más inminentes serán el 22 de febrero en Trvmp Club, en la Sala Changó de Madrid; el 23 en la Sala Loco Club de Valencia; y el 9 de marzo en Razz Clubs, en Barcelona. También están confirmados en Primavera Sound, Barcelona, y en el FIB, en Benicàssim.

El Hit: ‘Un nuevo lugar’ de Amaia no ha sido el éxito que merecía… aunque tampoco lo buscara

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Amaia sigue en el número 1 del top 40 de JENESAISPOP una semana más con ‘Un nuevo lugar’. Está claro que ha gustado muchísimo a nuestros lectores, aunque cabe mencionar que ha gustado menos al público generalista, pues al tema le está costando sudor y sangre alcanzar los 2 millones de streamings tanto en Spotify como en Youtube y no ha durado más que una semana dentro del top 100 español (en el puesto 37), siendo nada menos que la primera canción en solitario de la ganadora de Operación Triunfo 2017, e interpretada en directo en OT2018.

Sin embargo, si algo ha querido dejar claro Amaia con ‘Un nuevo lugar’ es que este no es el single principal de su disco sino un tema puente entre su etapa en Operación Triunfo y su futuro. En una entrevista exclusiva a JENESAISPOP, Amaia explicaba que ‘Un nuevo lugar’ es un “trampolín a lo nuevo” con el que “me despido de lo que he vivido”, y en ese caso no podía ser más significativa su letra, en la que la navarra parecía despedirse el “fenómeno OT” y literalmente decía “adiós”… a algo que no podía ser sino la fama masiva que adquiría tras el concurso. En ese sentido, ‘Un nuevo lugar’ ha cumplido claramente su función: dejar claro que Amaia no está interesada en transitar senderos ajenos o simplemente convencionales en su carrera musical, sino en cultivar el suyo propio.

Y el camino de Amaia en ‘Un nuevo lugar’ nos llevaba en realidad a la melodía de ‘The Rip’ de Portishead pero también a los rasgueos intimistas de Sufjan Stevens, en una canción que además no podía ser más evidente en su objetivo de servir como “buzz single”, pues dura 1 minuto y 40 segundos. Aunque el secreto de esta delicada canción es precisamente su corta duración y el hecho que, incluso siendo igual de corta que cualquier interludio presente en un disco de pop, parezca una canción completa, plena, que además es capaz de transmitir una gran emoción gracias a la sentida pero sutil interpretación de Amaia. Es comprensible, en cualquier caso, que ‘Un nuevo lugar’ haya sabido a poco al público, aunque quizá merecía un poco más de éxito del que ha logrado, por mucho que no lo buscara.

Natti Natasha estrena ‘Pa’ Mala Yo’: “like” si te gustan Aitana War y Lola Indigo

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Natti Natasha ha triunfado a lo grande no, lo siguiente en los últimos tiempos con ‘Criminal’ con Ozuna y ‘Sin pijama’ con Becky G. Ambas acumulan cifras realmente estratosféricas en las plataformas de streaming (sobre todo en Youtube), a las que sin duda aspira el nuevo single de Natasha que se ha dado a conocer este viernes, ‘Pa mala yo’.

No puede ser casualidad que el nuevo single de Natti Natasha se titule exactamente como una de las frases más icónicas de ‘Lo malo’, el single conjunto de Ana Guerra y Aitana que además llegó a aparecer en camisetas de tu tienda de ropa favorita. ‘Lo malo’ nunca llegó a ser un éxito realmente en América Latina pese a que se llegó a hacer un remix de la canción con Tini y Greeicy (que son dos solistas, no un dúo), pero está claro que Natasha ha querido inspirarse en ella para su nuevo single lleno de actitud y frases tipo “el infierno reside en mis labios, dime si quieres probar” o “puedo ser bendición, puede ser maldición”… aunque ¿musicalmente no recuerda más bien a ‘Mujer bruja’?

El vídeo, tan sensual como esperas, se ha colado rápidamente entre los 10 más vistos de Youtube España tras su publicación y el motivo es que incluye bailes sensuales, joyas, alcohol y un juego de póquer.

El “gigante” Rag’n’Bone Man se estrena en la discoteca con Calvin Harris

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Calvin Harris firma una de las novedades destacadas de la semana con ‘Giant’, su nuevo single junto a Rag’n’Bone Man. El tema sigue la estela de los anteriores singles de Harris con Dua Lipa (‘One Kiss’) o Sam Smith (‘Promises’), por lo que remite al house ibicenco de los primeros años 2000, ahora añadiendo unas simpáticas trompetillas a modo de post-estribillo y a un Rag’n’Bone que aboga por liberarse y ser quien uno es sin miedo a lo que digan los demás.

Aunque a priori la unión entre el autor de ‘Slide’ y el autor de ‘Human’ parece improbable, hay que recordar que el segundo es uno de los artistas que más discos vende en la actualidad y, de hecho, su debut fue uno de los 10 discos más vendidos de 2017. Por su parte, Harris prepara el que será su nuevo álbum tras ‘Funk Wav Bounces Vol. 1‘, uno de los mejores de su año.

Recientemente, Harris explicaba el cambio de estilo que ha sufrido su música en los últimos años. “La EDM lleva años siendo canciones tristes y lentas. No tiene nada que ver con la música que me gusta hacer”, detallaba. También aparecía, de manera sorprendente, cantando en ‘I Found You’ de Benny Blanco.

El management de Las Ketchup confirma que su supuesta cuenta de Twitter es falsa

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Actualización 15/1/2018: Tras hacernos eco de una nueva cuenta de Twitter que, según se aseguraba en ella, era el perfil oficial del grupo cordobés, Tarrés Management, empresa representante del grupo, se dirigía a nosotros para negar la veracidad de dicha cuenta y los mensajes y opiniones allí vertidos. «Desde la agencia de booking oficial de #LasKetchup, os informamos que la ÚNICA RED SOCIAL OFICIAL del grupo es @lasketchup_official en @Instagram. NO TIENEN ninguna cuenta oficial en @Twitter, @Facebook ni demás redes». Pedimos disculpas, pues, por no haber contrastado con ellos esta información.

Noticia original: ¿Aburrido/a/e? Eso es porque aún no has descubierto la noticia WTF del día: Las Ketchup –sí, sí, las de ‘Aserejé‘– han abierto hace unas horas su cuenta oficial de Twitter. En 2019. ¿Casualidad? Claro que no: el año pasado, un poco porque sí (porque originalmente se lanzó en 2002, y un 16º aniversario es como raruno celebrarlo, ¿no?), Sony reeditaba su álbum debut ‘Hijas del tomate‘ y hasta lanzaba unos cuantos remixes de su megahit global compuesto por Queco, que vendió 7 millones de copias en todo el mundo y fue número 1 no sólo en España sino también en Reino Unido, Francia, Suecia, Italia…

El caso es que Lola, Lucía, Pilar y Rocío Muñoz –lo de «hijas del tomate» es literal: su padre es el famoso tocaor flamenco Juan Muñoz, «El Tomate»– inauguraban ayer su vida 2.0 con un tuit totalmente descacharrante, que ya vale la pena toda esta redacción: «hello daddy», citando directamente a una ultraconocida marca de tomate ketchup (¡y que es la única cuenta que siguen en esa red social, LOL!). A partir de ahí, además de preguntar a Twitter que dónde querrían verlas actuar, se han marcado mensajes como «mucho retweet y poco follow» o han preguntado si ya habíamos escuchado hoy ‘Aserejé’ –desde eso, lo hemos hecho, claro; y varias veces–. ¡Y hasta han lanzado una puyita contra Vox! La red las ha acogido con regocijo, dejando ya memes y mensajes a la altura.

Tras el pepinazo de 2002, Las Ketchup reaparecieron en 2006 para publicar su segundo disco, el cual contenía ‘Un Blodymary‘ (sic), con la que representaron aquel año a España en Eurovisión, quedando cuartas por la cola (igualito que ‘Tu canción’, qué cosas).

Hit de Ayer: ‘Colours’ debería haber hecho grandes a The Frank & Walters

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No es la primera vez que en Hit de Ayer hablamos de grupos irlandeses a los que el timing frustró sus planes. Uno de los grupos de pop más prometedores de aquel país en los 90 fueron los Frank & Walters. Debutaron en 1992 en el prestigioso sello independiente Setanta, y su disco ‘Trains, Boats and Planes’ es una disfrutable muestra de pop de guitarras que les dio un hit menor con el single ‘After All’ (nº 5 en Irlanda y nº 11 en el Reino Unido).

Tras el éxito, el grupo fichó por un sello más potente -Go Discs!- pero decidió tomarse con calma la continuación; la promoción de su debut había sido abrumadora y necesitaban tiempo para centrarse y componer nuevo material teniendo en cuenta que Paul Linehan (bajista y voz) era el único compositor de la banda. El problema vino cuando dicho periodo se alargó casi tres años, al final de los cuales su nuevo sello acababa de ser absorbido por Polygram, multinacional que se desinteresó por la mayor parte de los grupos indies de Go Discs! Era 1996 y ‘Grand Parade’ ya estaba grabado. La espera había merecido la pena en el plano creativo, porque el disco estaba lleno de hits en potencia. Sin embargo tuvieron que esperar todavía un año más para su lanzamiento por los problemas con el sello, y el ambiente en 1997 era ya el del comienzo de la decadencia del Britpop, y con él de propuestas como la de Frank & Walters.

Una pena enorme, porque esta ‘Colours’ -lanzada como adelanto a finales de 1996- es el éxito que debería haberles consolidado: melodía inmediata y eterna, ritmo trepidante, y una letra escrita con ingenio y encanto sobre una chica que cambia “de color” según el día, a veces dando esperanzas a las intenciones del cantante, otras ignorándole totalmente: “La vi justo el otro día, y ni se paró a hablar conmigo / Después la vi la semana pasada y fue simpática y dulce / Sólo viste ese color a veces / Y es el color de su verdadera mente (…) Y no puede despedirse de la chica interior que quiere ocultar / Porque la chica que quiere ignorar, no la dejo de adorar”.

Los poco más de 3 minutos de ‘Colours’ empaquetan brillantemente toda la artillería de un pepinazo de indie pop: riff de guitarra simple y memorable, estrofas de gran melodía, estribillo glorioso con cierta melancolía, inesperado post-estribillo casi épico (“Here she comes everybody…”), y hasta un puente que reinyecta energía en una canción de por sí incansable.

‘Grand Parade’ no logró aupar a The Frank & Walters al siguiente nivel de éxito, más bien al contrario. Sin embargo el disco ha envejecido muy bien y la banda ha conseguido mantener una trayectoria discográfica muy interesante a través de las siguientes décadas, sin abandonar su devoción por el pop en una escena que todavía les recuerda. En los últimos años su faceta en directo ha sido bastante activa sobre todo en el Reino Unido e Irlanda, por esa razón resulta una agradable sorpresa el saber que este próximo viernes 11 dan un único concierto en España (Alicante, Sala Confeti).

‘Colours’ suena en la última entrega de Popcasting de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

El británico de origen francés Octavian es el BBC Sound of 2019

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Cada principio de año la sección cultural del ente público audiovisual de Reino Unido, la BBC, selecciona a los artistas jóvenes que marcarán el sonido del curso que comienza. En las últimas semanas se habían anunciado ya los finalistas seleccionados para optar a BBC Sound of 2019, entre los que encontrábamos llamativamente (no sólo por ser española, sino porque en realidad su sonido lo que ha marcado es 2018, con ‘El mal querer’) a la barcelonesa Rosalía.

Finalmente esta semana conocíamos la clasificación final determinada por los profesionales de radio y televisión británicas, quedando la catalana en quinto lugar. Y hoy se ha culminado la clasificación, determinado al fin el nombre que abanderará la vanguardia en el pop, según aquellos: se trata de Octavian, versátil MC y cantante que, aunque nació en Francia, se crió y creció en el sur de Londres.

Octavian, que el pasado otoño visitaba España dentro de la programación de Primavera Club y que estará presente en Sónar 2019, daba sus primeros pasos semiprofesionales en 2017, publicando singles como ‘Party Here’ que causaban la admiración de medios artistas de la talla de Drake o Mura Masa, que le elegía para cantar su single ‘Move Me’. Semanas atrás lanzaba su primera mixtape, ‘Spaceman’, en la que da cuenta de una heterogénea visión musical en la que confluyen con soltura hip hop, R&B, grime, pop, electrónica y ritmos jamaicanos. El podio de este BBC Sound of 2019 lo completan la joven King Princess, a la que venimos siguiendo desde hace meses, y, en el tercer puesto, el piano-pop-soul de Grace Carter. El MC de grime slowthai, queda en cuarto lugar.

Hackean la cuenta de Supersubmarina en Twitter

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Si has entrado a Twitter esta mañana y sigues a Supersubmarina ya te habrás dado cuenta: el perfil del grupo de Baeza en la red social ha sido hackeado. Algún tipo de pirata informático relacionado con uno de esos perfiles fraudulentos que prometen dinero fácil ha tomado el control de su cuenta y ha publicado cientos de mensajes, inundando nuestros muros y, lo que es peor, bloqueando por completo el perfil, ya que ni siquiera se les pueden enviar DMs.

Se da la circunstancia de que el grupo está inactivo a causa del grave accidente de tráfico que sufrieron en el verano de 2016 cuando regresaban en furgoneta a Úbeda tras actuar en un festival en Valencia. Mientras que su road manager y su bajista, Pope, fueron dados de alta un par de semanas después, su guitarrista Jaime hubo de ser operado mientras que dos de ellos, el batería, Juanca, y el cantante, Chino, permanecieron un par de meses en la UCI.

Desde entonces, y aunque lentamente, se han sucedido las noticias de su recuperación: casi un año después del accidente, el grupo volvió a ensayar celebrando el cumpleaños de Pope. Y, el pasado mes de noviembre, acudieron a recoger un premio en Madrid por sus éxitos en el WiZink Center de la capital. “No sabemos cuándo, pero volveremos y llegaremos”, dijeron entonces sobre su regreso a la música. Entre otras cosas (seguramente mucho más importantes), tendrán que liberar su cuenta de Twitter para ello.

Poppy / Am I A Girl?

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Poppy ha sido uno de los fenómenos más -ejem- «popis» pero a la vez inquietantes salidos de youtube. Denuncias en cuanto al origen del personaje sobre las que no responde preguntas al margen, la cantante ha llegado a su segundo disco, sumando hits potenciales a aquellas canciones tan divertidas que publicaba en sus inicios, destacando ‘Computer Boy’ o la infravalorada ‘Software Upgrade’, toda una chuchería para los seguidores de Aqua.

En ‘Am I A Girl’ ha perdido protagonismo la influencia de PC Music y la ha ganado el discurso feminista y social, con Poppy planteando ya no si es un robot, sino si realmente es una chica y no un chico. Eso es lo que tratan canciones como la misma titular («a veces soy femenina, a veces masculino, así que no me juzgues como hombre o como mujer») o ‘Girls In Bikinis’, en la que proclama que quiere «ver a chicos en biquini también». En sintonía con el empoderamiento femenino encontramos ‘Chic Chick’, en la que rima «I’m my own bodyguard» con «bow to your matriarch», e ‘Iconic’, que recuerda no solo que el cruce entre Britney Spears y Alison Goldfrapp era posible sino que hay que ser «icónico aunque en el cole no te lo enseñaran».

Llama la atención la variedad estilística del álbum, subrayando que de verdad lo que le importa a Poppy es una melodía con la que chuparse los dedos al margen del envoltorio. Hay nueva concesión latina y fiestera, ‘Aristocrat’; y desde que ‘Hard Feelings’ incorpora un solo de guitarra eléctrica imposible, el disco se va entregando a los sonidos metaleros a través de la controvertida colaboración con Grimes de ‘Play Destroy’ pero también con otro single llamado ‘X’. Lo curioso es que ni estas ni la aportación de Diplo, misteriosamente sonando a Giorgio Moroder en ‘Time Is Up’, en la que se apuesta por el fin de la humanidad debido a su mediocridad en pos de los robots, está lo mejor del álbum. Despuntan más bien la energética canción titular, que no ha sido single, y ese ‘The Rapture Ball’ de deliciosos ecos a Madonna haciendo de Abba, a Visage o incluso a Lorde.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘The Rapture Ball’, ‘Am I A Girl?’, ‘Fashion After All’
Te gustará si te gustan: Britney, Goldfrapp, la Kylie robótica
Escúchalo: Spotify

El «pájaro de la paz» saluda: Woodstock vuelve a volver por su 50º aniversario

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En 1969, Woodstock hizo historia como festival con las actuaciones de gente como The Who, Joan Baez o Jefferson Airplane. Aludiendo a su carácter «pacífico», pues en Twitter lo que se ha anunciado es que «el pájaro de la paz vuelve», el festival se celebrará en 2019, en concreto entre los días 16 y 18 de agosto, en las inmediaciones de Nueva York, si bien no en la ubicación original en la que se contaron 400.000 asistencias.

No es la primera vez que el festival vuelve, pues ya hubo ediciones de aniversario en todos los años terminados en 9 e incluso un 25º aniversario. Se han conocido ediciones de Woodstock en 1979, 1989, 1994, 1999 y 2009, todas ellas sin que se haya podido celebrar precisamente «la paz en el mundo». El co-fundador Michael Lang ha asegurado que será un «cartel ecléctico en el que habrá hip hop, rock y algo de pop y algunas bandas que han dejado su legado desde el festival original». Se esperan también homenajes a Janis Joplin y Jefferson Airplane.

Habrá que esperar a febrero para conocer su cartel, si bien parece que, al celebrarse en agosto, no influirá gravemente en la contratación de bandas para festivales de nuestro país, pues mediados de agosto, pese a la celebración tradicional de por ejemplo Sonorama, no es el momento más concurrido de festivales en España.

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The bird of peace is back #Woodstock50☮❤🎵

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Muere asesinado el primer artista gay de trap latino, Kevin Fret, autor de ‘Soy así’

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El artista portorriqueño de música urbana Kevin Fret ha sido asesinado tras haber sido disparado 8 veces mientras estaba conduciendo una motocicleta en Río Piedras. Tenía 24 años. Kevin se definía a sí mismo como el primer artista latino de trap abiertamente gay y de hecho había publicado himnos como ‘Soy así’ y ‘Diferente’, este último junto a Mike Duran.

En su tema en solitario ‘Soy así’ reivindicaba su derecho a maquillarse y hablaba de ser «la reencarnación de Frida Kahlo», mientras su vídeo, que en el momento de su muerte sumaba ya más de medio millón de visualizaciones, le mostraba portando el rifle al que alude la canción. «Por más que me quieran odiar, es que soy así» era una de sus reivindicaciones. En cuanto a ‘Diferente’, aparecía como artista invitado de Mike Duran, quien proponía: «somos diferentes porque pensamos distinto a toda esta gente, la presión se siente», «tengo los ojos en mí, las miradas no mienten» o «moriré siendo un jefe».

Su mánager ha publicado un comunicado en memoria del artista recogido en El Vocero: «Kevin era un alma artística, un soñador de corazón grande. Su pasión era la música, y todavía le faltaba mucho por hacer. Esta violencia debe parar. No hay palabras que describan el sentimiento que tenemos y el dolor que nos causa saber que una persona con tantos sueños, se tenga que ir. Todos debemos unirnos en estos tiempos difíciles, y pedir mucha paz para nuestro querido Puerto Rico». El Vocero recuerda que van más de 20 asesinatos en lo que va de 2019 en la ola de violencia que sacude Puerto Rico.