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Javier Álvarez / 10

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Felizmente Javier Álvarez presenta una nueva vida musical (tiene muchas, como los gatos) que está sirviendo para poner en valor una carrera repleta de buenos discos y canciones. El madrileño, toda una diva del pop (sin el más mínimo ánimo peyorativo, más bien al contrario) que trascendió hace ya muchísimo tiempo la tramposa etiqueta de cantautor, está logrando que una generación de público, artistas y medios que vivieron su fulgurante irrupción como estrella adolescente le valoren más allá de los recurrentes hits de su –eso sí, muy notable– debut. Uno de esos valedores es Ramón Rodríguez, The New Raemon, que propuso a Javier la idea de grabar este nuevo álbum en un momento de crisis personal, de renacimiento.

Si nos atenemos al trabajo de producción del artista catalán en ’10’, podríamos afirmar que claramente es fan del Álvarez de sus dos primeros discos, eminentemente acústicos y clásicos. Como nos adelantó el autor en una extensa entrevista, en estas 10 canciones predomina un carácter ascético en la instrumentación y los arreglos, pop acústico ejecutado con el escueto voz y guitarra (Javier, claro, con añadidos de Ramón), bajo (nada menos que Ricky Falkner) y batería (Lluís Cots, colaborador habitual de New Raemon), con medidos –aunque cruciales– arreglos adicionales.

Por tanto, si queda algún nostálgico en la “sala” que prefiera al JÁ de los 90 por encima del imaginativo e inesperado de los 00, ’10’ puede ser su disco de reconciliación con él. Y canciones como la preciosa ‘El mar’, con su inesperado crescendo final sostenido, una ‘Sonata de otoño’ que por momentos evoca a los R.E.M. de ‘Automatic for the People’, la inmaculada ‘No fue’, la superpopera ‘Detr/s’ o la ortodoxa ‘Mi querida señorita’ podrían suponer nuevos referentes para aquellos. Hasta termina, a modo de guiño, con una bonita pero algo ajena a la globalidad del álbum versión de un clásico country (en este caso ‘If I Needed You’ de Townes Van Zandt, interpretada junto al cantautor irlandés afincado en Barcelona Matthew McDaid).

Cierto es que ’10’ es un disco más bien clásico que antepone el poder de las canciones, las melodías, a todo lo de más. Y en él no caben muchas sorpresas. Pero, ojo, tampoco hablamos de un disco canónico y hay sazón al más puro estilo Javier. No siempre tan evidentes como la de ‘Tuno’, magnífico número rock que, tras esos versos casi rapeados, esconden un auténtico tesoro con la melodía de su estribillo. Están también en esos arreglos vocales añadiendo profundidad y juego al ascético punto de partida instrumental de ‘En la cuarta’ (referencia a la planta del psiquiátrico en la que estuvo ingresado para tratar su adicción a la cocaína), un recurso que se repite con el ritmo sincopado de ‘Presente’ (con el cómico gritito emulando a su ídolo, Michael Jackson). O el singular tratamiento, dándole protagonismo a la batería y los coros-fantasma, en la maravillosa ‘Dicen’, con un estribillo de esos que te rompen y dan congoja sin que sepas muy bien de dónde ha venido ese montón de tristeza.

Pero sin duda lo que más difiere del Javier Álvarez de hace más de 20 años es que su madurez y su riqueza como artista se trasluce en unas letras inteligentes y juguetonas, que huyen de lo evidente. Valiéndose de ripios y juegos fonéticos que aportan un tono de humor y, por tanto, cercanía –con frecuencia se adentra en lo excesivamente naif, pero sin que eso incomode– en realidad el artista nos habla de sexismo, identidad de género, salud mental y muerte –un tema recurrente, a veces de manera velada, y otras explícita–. Graves conflictos humanos a veces demasiado escondidos –quizá se refería a esto cuando nos decía que ’10’ era un disco «denso»– en metáforas tan abstractas que no son muy evocativas ni, por tanto, hacen pupa. Sea esa o no su intención, la de relativizar el drama con una sonrisa, lo cierto es que ’10’ es un nuevo disco precioso que rehabilita el grandísimo talento de un autor personal como pocos, capaz de sobreponerse a todo.

Javier Álvarez presenta ’10’ con su nueva banda el día 19 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Dicen’, ‘Tuno’, ‘El mar’, ‘Detr/s’, ‘No fue’
Te gustará si te gustan: Antonio Vega y The New Raemon.
Spotify: Spotify

Red Hot Chili Peppers tocan por Halloween en el cole de los hijos de su batería

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Entre las sorpresas que aguardaban este Halloween, la que tenían preparada Red Hot Chili Peppers. Aunque la banda no está de gira y de hecho los conciertos que han ofrecido en directo este 2018 son contadísimos, limitándose a 3 shows en Lollapalooza en marzo y una actuación suelta en Los Ángeles en septiembre; el grupo ha decidido subirse a un escenario.

Y lo han hecho sin avisar y en el lugar menos esperado: la escuela de los hijos del batería Chad Smith. Así lo comunicaba este a través de Twitter subiendo un vídeo que era retuiteado por la banda y que mostraba de qué se habían disfrazado, a destacar el mono tipo esqueleto de Flea o el traje de Papa con máscara del propio Chad Smith.

Eso sí, no fue un concierto propiamente dicho sino una actuación matutina que incluyó tan sólo un par de canciones: ‘Spooky Scary Skeletons’ de Andrew Gold (el autor de ‘Thank You for Being a Friend’) y un tema propio, ‘Can’t Stop’. No por breve su set fue poco entregado y en el vídeo completo que ha sido subido al Youtube de la propia escuela vemos a Anthony y a Flea a tope.


Hookworms se separan tras las acusaciones de abusos recibidas por Matthew Johnson

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La banda Hookworms ha decidido cancelar su gira y no seguir adelante tras las acusaciones de abusos recibidas por su líder Matthew Johnson. Hookworms habían editado este año el álbum ‘Microshift’, que pasaba por nuestra sección de Discos Recomendados y recibía las 5 estrellas del prestigioso crítico de The Guardian Alexis Petridis. Las acusaciones de abusos recibidas por el cantante de Hookworms se han conocido a través de Alanna McArdle, ex líder de Joanna Gruesome y actual cantante de Ex-Vöid. A través de su cuenta de Twitter este martes 30 de octubre, Alanna ha dicho que salió con Matthew y que una mujer a la que llama «L», que tuvo una relación con él durante 2016, le dijo haber sufrido un «abuso terrible» por su parte. El líder de Matthew Johnson ha sido categórico negando las acusaciones: «Para ser claro, niego y siempre negaré las acusaciones que aparecieron ayer en internet».

Pese a sus declaraciones, el grupo ha decidido no seguir adelante: «Estamos profundamente impresionados por las acusaciones que han salido a la luz sobre MJ, y las tomamos muy en serio. Como resultado, hemos cancelado todas las actuaciones de Hookworms y no podemos seguir como banda. Habrá un comunicado de MJ pero mientras tanto os pedimos por favor ser respetuosos con el hecho de que esta es una cuestión de MJ como individuo, externa a la banda y que los otros miembros de Hookworms, sus colaboradores, agentes y sellos no tenían conocimiento de esto antes de que la acusación fuese pública ayer y todavía están asumiendo la noticia”.

El comunicado de MJ ha llegado esta madrugada a través de Twitter, recalca que la imagen que se está dando de él es «falsa», recuerda que Alanna y “L” son dos personas diferentes, y cuenta que “L” le contactó hace poco para superar un historial de abusos sexuales, anterior a su relación. Asegura que «L» le presionó para identificar su relación como «abusiva», cosa que él dice haber aceptado para «ayudarla» y añade: «me arrepiento de haber aceptado mi parte de culpa». Su comunicado comienza criticando las decisiones rápidas que han tomado terceras personas, sin que se sepa del todo si se refiere a Alanna o a sus propios compañeros de grupo, cuya decisión urgente recuerda a la tomada hace unas semanas por Sigur Rós al aceptar la dimisión de su batería, también tras haber sido acusado de abusos.

Nunca te metas con Najwa: bolsazo a Miki Nadal cuando este le gastaba una broma

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Miki Nadal se ha disfrazado de payaso para dar una serie de sustos a varios famosos con motivo de Halloween para el programa Zapeando de laSexta. Entre las víctimas estaban Frank Blanco, Quique Peinado, Anna Simon, Lorena Castell, Cristina Teva o Flipy, pero el problema es que también estaba Najwa, un buen día en que esta se encontraba promocionando su nueva película ‘Quién te cantará’ de Carlos Vermut, en los estudios de Globomedia.

Cuando el payaso sale de la caja, Nimri se asusta, pero ni corta ni perezosa, suelta tremendo bolsazo al pobre infeliz, al tiempo que espeta: «Pero qué mierda es esto, ¿una broma?». El vídeo, preparado o no, resulta bastante divertido, y solo viene para confirmar la fortísima personalidad de la cantante y actriz, últimamente también noticia por su fichaje por ‘La casa de papel’.

‘Quién te cantará’, la película que protagoniza y se estrenaba el fin de semana pasado, ha alcanzado el puesto 18 de la taquilla española, superando los 70.000 euros tras sus primeros 3 días de exhibición. Aunque hay quienes entienden este dato como una decepción, la anterior de Vermut, ‘Magical Girl’, se estrenaba con 40.000 euros recaudados, como apunta este tuit. El film, que cuenta la historia de una cantante que ha perdido la memoria, incluye la recuperación de un par de viejos temas de Najwa, así como un dúo con Amaral que estrenamos en JENESAISPOP. Podéis volver a disfrutarlo bajo estas líneas.

Rosalía se emociona durante la presentación de ‘El mal querer’ en Colón, entre gritos de «guapa» y «diosa»

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Rosalía ha presentado durante la tarde-noche de Halloween, a eso de las ocho de la tarde -con casi tres cuartos de hora de retraso- las canciones de ‘El mal querer’ en la Plaza de Colón de Madrid, de manera gratuita. El concierto, para el que se agotaron las invitaciones en poco menos de una hora, ha podido seguirse a través de la web de Red Bull, patrocinador del evento.

La cantante, vestida de rojo, se ha acompañado de una decena de bailarinas de blanco sobre el escenario, además de la corte habitual que la ha seguido estos días por presentaciones y el programa de Jools Holland: El Guincho, co-productor del álbum, a las bases, un par de palmeros y un par de cantaoras a los coros. Han despuntado canciones nuevas como ‘De madrugá’ o ‘Bagdad’ con su préstamo de ‘Cry Me A River’, alternando de esta manera el poso flamenco de ‘Los Ángeles’ con ritmos R&B. Una de las canciones casi a capella está filtrada por el Autotune, pero el álbum no abandona en absoluto las raíces de su debut.

La ovación a ‘Pienso en tu mirá’ o la final ‘Malamente’ ha sido brutal desde el segundo cero, si bien el momento más emocionante ha sido la recuperación de ‘Catalina’ de su primer álbum, prácticamente a capella. La propia Rosalía no ha podido contener las lágrimas tras haber agradecido al público por el frío que ha tenido que pasar durante la espera para el show y tras revivir la intensidad de esta canción, claro. Una presentación de gran presupuesto que hasta ha incluido algunas proyecciones y algún recurso escénico como esa squad.

La artista también ha bajado a darse un glamouroso baño de masas entre el público cual Lana del Rey, mientras recibía gritos de “guapa”, “diosa” o “te quiero, gracias por existir”. Irónicamente, de fondo en algunos planos la realización permitía leer una promo de ‘Narcos’ que decía «Adios hijueputas» que parecía dirigida a sus «haters», porque el mini set ha sido grandioso. Tanto que incluso parece que le sobran los temazos: no habrá cabida en el disco para otro de los temas más llamativos y bailongos, ‘Esto está encendido’, que no obstante ha presentado como su momento favorito del set. ¿Somos conscientes de lo grande que es todo lo que se avecina? ‘El mal querer’, probablemente el disco más esperado del año en nuestro país, sale a la venta este viernes 2 de noviembre.

Sesión de Control: Ruido Paraíso, BFlecha, Exnovios, Neleonard, Shadow Girls, Pedropiedra…

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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Ruido Paraíso, BFlecha, Exnovios, Neleonard, Shadow Girls, Pedropiedra, Holy Bouncer, I Am Dive, Santo Maltés, Sierra, John Grvy, Tú No Existes, Escuelas Pías. [Foto Exterior: Shadow Girls, por Almudena Oh; imagen interior: portada de ‘Te espero al final’ de Exnovios, por Jaime Zuverza]

Ruido Paraíso

Lo de la música para Aníbal Gómez va mucho más en serio de lo que pueda parecer por Ojete Calor. En paralelo a su carrera como actor y el dúo de electropop irreverente que viene manteniendo con su amigo Carlos Areces, también sostiene un proyecto de pop sin atisbo de broma llamado Ruido Paraíso. Tan en serio va que, tras autoeditar en 2015 su debut ‘Polifonía’, Universal Music ha anunciado la próxima publicación de su segundo trabajo, producido por Guille Mostaza y avanzado ya con este tema de pop sintetizado que bien podrían cantar una Soledad Vélez o unos El Último Vecino.

Exnovios

El segundo álbum del grupo pamplonés, ‘Amor droga’, supuso un claro paso adelante en su carrera como nueva referencia del rock garajero nacional, uno que no pierde de vista el pop y se nutre tanto de The Jesus and Mary Chain como de Los Saicos. Ahora el cuarteto se consolida con su fichaje por parte del sello The John Colby Sect (Las Robertas, Bifannah), que publica el certero ‘Te espero al final’, avance de un nuevo trabajo que debería servir para alcanzar a un público cada mayor.

BFlecha

Tras reaparecer la pasada primavera con ‘Ctrl.Escape’, el proyecto musical de Belén Vidal resurge ahora con un nuevo tema de su reconocible future pop. Se trata de ‘Arecibo’ que, aludiendo al radiotelescopio de aquella localidad puertorriqueña empleado para enviar señales al espacio, establece una pradoja sobre la incomunicación humana. Después de los 4 años transcurridos entre ‘ßeta’ y ‘Kwalia’, quizá no haya que esperar tanto por el nuevo trabajo de BFlecha.

Sierra

El grupo comandado por Hugo Sierra (Prisma en Llamas) ha demostrado que sabe hacer las cosas muy bien –ahí está su fantástico debut del año pasado, ‘A ninguna parte‘–. Y eso incluye las versiones de otros artistas: en un nuevo 7″ publicado esta misma semana, adaptan a su estilo dos canciones de grupos tan distintos (a ellos y entre sí) como Best Coast y Psychic TV. Hasta el punto, dice el sello Sonido Muchacho, que ya son dos de los puntos culminantes de sus conciertos. Precisamente este single sirve para promocionar el show que el grupo dará el próximo 9 de noviembre en el Teatro Barceló de Madrid, junto a La Plata: regalarán una copia a los 300 primeros compradores de entradas anticipadas, y sortearán 50 entre el resto del aforo.

Tú No Existes

La tierrar parecía haberse tragado al grupo barcelonés después de que en 2014 nos sorprendieran para bien con singles como ‘Carl Sagan’. Pero este año reaparecían primero con ‘Nueva astronomía’ y ahora con ‘Tierra interior’, temas redondos y bailables de lo que ellos denominan como «mediterranean kraut» y que formarán parte de su álbum debut, ‘Tercera república’, que ve la luz este viernes 2 de noviembre.

John Grvy & Yung Beef & $kyhook & Innercut

‘Adderall’ da una idea del nivelazo que la nueva electrónica/hip hop /R&B nacional está alcanzando. En ella se suman los talentos del archiconocido Yung Beef y John Grvy en las voces –el primero habla de amor; el segundo de su amor… al trabajo– y de $kyhook e InnerCut como tándem en la producción.

Shadow Girls

Tras este nombre no hay chicas que se esconden en las sombras… o quizá sí. Se trata de un dúo formado por J’Aime, mitad de Souvenir y proyecto en solitario de nuestro colaborador Jaime Cristóbal, y Charlie Mysterio, alma mater de Los Caramelos y colaborador de proyectos fantásticos como La Ruleta China. A ambos les une una amistad basada en su amor por el pop, así que parecía cuestión de tiempo que llegara una colaboración. En este caso, en forma de EP de la serie Singularides del sello Jabalina, cuatro canciones que incluyen dos temas originales y dos versiones: una de The Go-Betweens y otra de Bobby Fuller Group. Una auténtica exquisitez coronada por un artwork para enmarcar, literalmente.

Santo Maltés

Albert Florent formó parte de Computadora, grupo de Toledo que se escindió dejando atrás buenas canciones de indie rock con ecos de La Movida. Ahora en solitario, ha comenzado una andadura como Santo Maltés, proyecto personal –aunque ha sido apoyado por Álex Marull, ex-Odio París– que refleja ecos de un outpop a lo Ariel Pink o Sean Nicholas Savage, como evoca el adelanto ‘Mar y cuchillo’. Fiel a la política del sello Snap! Clap! su primer disco, ‘Líneas muertas’, se publicará únicamente en formato cassette –además de digital– esta misma semana.

Neleonard

Tal y como se había anunciado cuando se presentó ‘El bufón’, hace unos días se publicaba ‘Un lugar imaginario’, segundo largo del combo barcelonés comandado por las canciones de Nele Navío. Un nuevo compendio de pop de guitarras a la antigua usanza –la de Housemartins, la de los primeros Cardigans, las de Camera Obscura– publicado por Elefant Records.

Holy Bouncer

Con una proyección internacional notable, gracias sobre todo a la factura impecable de su rock de inspiración psicodélica, Holy Bouncer se disponen a publicar la continuación de ‘Hippie Girl Lover’, que llega tan pronto como el 23 de noviembre. Cortes como este ‘Blink of an Eye’ muestran cierta sofisticación y una solidez y energía que debería interesar, sin duda, a los fans de los últimos Arctic Monkeys.

Pedropiedra

Tras las aventuras pseudo-folclóricas que desarrolló en ‘Ocho’, el chileno Pedropiedra vuelve a hacer un pop rock más ortodoxo, pero no menos magnético. Así es ‘Perder ganar’, primer avance del nuevo álbum –el quinto de su carrera– que ha grabado bajo la producción del reputado Cristian Heyne (Javiera Mena, Gepe, Dënver) y masterizado por el también reconocido Greg Calbi (The National, Vetusta Morla).

Escuelas Pías

El dúo sevillano formado por miembros de los extintos Blacanova y Sundae ha anunciado la continuación a su álbum debut, ‘Nuevas degeneraciones’, al que sucedía un EP editado a principios de año con canciones como ‘La muerte dulce’. El Genio Equivocado lanza en el inminente mes de noviembre ‘Música ligera para un funeral’, que ha sido presentado por la popera –aún dentro de los márgenes de la electrónica ruidosa– ‘Me muevo’, quizá una de sus canciones más certeras.

I Am Dive

Curiosamente, otro dúo y también proyecto de un ex-Blacanova, I Am Dive, acaba de editar su nuevo trabajo. Se trata de ‘Mauve’, un EP con cinco canciones nuevas que, en contra del carácter experimental de ‘Music for Silent Running’, suenan más pop que nunca. José A. Pérez y Esteban Ruiz (de The Baltic Sea) apuestan por su perfil más luminoso –no muy distante de los Death Cab For Cutie más electrónicos– en canciones como ‘Equals’ o ‘Not Friends’.

La canción del día: Milton James y La Bien Querida, juntos en la tormenta emocional de ‘Tanta devastación’

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Después de la disolución de Dënver culminada el pasado verano, Milton Mahan se ha puesto ya manos a la obra –al igual que su ex-compañera de grupo, Mariana Montenegro– con su carrera en solitario. Tras haber vuelto a emplear otro nombre de una capital de estado norteamericano en Nueva Orleans, esta vez ha optado por algo más unipersonal, adoptando el nombre de Milton James. Sin demasiado ruido y bajo ese apelativo, publicaba meses atrás ‘Tanta devastación‘, un primer single que parece abandonar el hedonismo de ‘Sangre Cita‘ para reconciliarse con los profusos arreglos orquestales del maravilloso ‘Música, gramática, gimnasia‘.

Producido por él mismo con la asistencia de Fernando Herrera (Javiera Mena, Gepe), ‘Tanta devastación’ cuenta con unos espectaculares arreglos de cuerdas grabados en Ciudad de México bajo la dirección de Cecilia Papillón, que aportan gran dramatismo a la canción, que parte de unos acordes arpegiados de guitarra acústica. Milton nos cuenta que es «una canción de estructura más bien clásica, pero en la que privilegiamos la contención de las emociones a través de atmósferas que se pasean entre el caos y la organización. Me parecía que era la mejor forma de evocar la intensidad lírica de la canción; paisajes sonoros neblinosos que se alternan en un juego de timbres y frecuencias, juego que al menos a mi, me traslada a la devastación como principio cósmico de la vida».

A partir de ahí, el contrapunto de nada menos que La Bien Querida matiza el diálogo vocal de una composición que «busca indagar en el lado más sensible y oscuro del género balada», derivando en la experimentación. Porque, a partir del minuto 1:25, la canción comienza a retorcerse en un crescendo que explota en un minuto final donde la batería desata la épica. Tan épico como los planos de dos bailarines danzando entre imágenes de tormentas que evocan el dolor de una relación truncada que vemos en el clip oficial de la canción que hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP.

Acerca del vídeo, dirigido por él, Milton declara que «es para mi una carta de presentación, creo que los juegos visuales, lo corpóreo, la niebla, los claroscuros definen muy bien la atmósfera que siento en mis pensamientos. El resto fue tratar de mirar y enfrentar a la cámara lo más espontáneamente posible». ‘Tanta devastación’ se convierte, efectivamente, en una estupenda carta de presentación para ‘Pretemporada’, el primer álbum de Milton James que ya tiene listo –prevé su publicación en los primeros meses de 2019–.

Massive Attack confirman fechas en Barcelona y Madrid para el 20 aniversario de ‘Mezzanine’

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Massive Attack han anunciado recientemente las primeras fechas de su gira mundial en conmemoración del 20 aniversario de su tercer disco, el influyente ‘Mezzanine’. Las fechas transcurrirán de hecho hasta marzo, antes de que se lleguen a cumplir 21 años de la salida del disco, que salió el 20 de abril de 1998.

Las primeras noticias de la gira no incluían a España entre los países afortunados, pero hoy el grupo suma dos fechas españolas a la misma. Estas son el 16 de febrero en Sant Jordi Club y el 17 de febrero en el Palacio Vistalegre de Madrid, como puede comprobarse en su página web (que escribe mal el nombre de la sala madrileña). Las entradas para la fecha en Barcelona salen a la venta el 5 de noviembre y para la de Madrid el 7 de noviembre.

En esta gira, el dúo “re-imaginará ‘Mezzanine’ usando material antiguo reconstruido a partir de los samples e influencias originales”, según la nota de prensa. ‘Mezzanine’ es el álbum de Massive Attack que incluye el single más exitoso de su carrera, ‘Teardrop’, interpretado por una Elizabeth Fraser -líder de Cocteau Twins- que de hecho acompañará al dúo en algunas fechas de la gira.

Hardy Fox, miembro fundador de The Residents, fallece a los 73 años

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Hardy Fox, miembro fundador del colectivo de rock de vanguardia estadounidense The Residents, ha fallecido a los 73 años debido a un tumor cerebral. El propio Fox había anunciado la noticia de su enfermedad en las redes sociales, asegurando que tenía una “cosa en el cerebro que no me va a hacer durar mucho”. Decía: “sí, estoy enfermo, y me preparo para abandonar este mundo, pero ‘todo’ está bien”.

El grupo, en nombre de su equipo de management The Cryptic Corporation, ha despedido a Fox en el siguiente comunicado: “como presidente de la empresa desde 1982 hasta 2016, la compañía se benefició del instinto de Hardy para la dirección y el liderazgo, pero su valía real procedía de su asociación con The Residents. Como productor, ingeniero y colaborador del grupo, la influencia de Fox en The Residents fue indeleble: aún sin ningún tipo de educación formal, su musicalidad era en cualquier caso única, prolífica y de un refinadísimo gusto”.

Autores de canciones como ‘Constantinople’ y ‘Voodoo’ o de discos como ‘Meet the Residents’ (1974) -cuya portada parodiaba la del debut de los Beatles-, ‘The Third Reich ‘N’ Roll’ (1976) o los aclamados ‘Freak Show’ (1990) y ‘Wormwood’ (1998), The Residents son conocidos por su visión estrambótica y “friki” del rock experimental, llegando tanto a versionar (o más bien deconstruir) clásicos del pop como ‘1999’ de Prince como a componer suites de 18 minutos. Enormemente llamativa y fundamental ha sido siempre también su estética, que se traduce en atuendos y performances realmente surrealistas (especialmente conocido es el casco con forma de ojo que suelen llevar en sus conciertos, uno de los cuales está expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York). El colectivo ha editado también numerosos DVDs y experimentado con formatos como el CD-ROM, siendo pionero.

Kanye West niega su asociación con el “Blexit” y asegura que se distancia de la política

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Después de reunirse en la Casa Blanca con Donald Trump, a quien ha mostrado su apoyo reiteradamente en las redes sociales y en las entrevistas, llegando a llevar un gorro de “Make America Great Again”, y después de realizar declaraciones cuanto menos impactantes sobre la esclavitud y el racismo, Kanye West asegura que ha “abierto los ojos” y que se distancia de la política, al considerar que ha sido “usado para difundir ideas en las que no creo”.

Estas sorprendentes (¿o no tanto?) declaraciones de Kanye vienen a colación de su supuesta participación en el Blexit, el movimiento de la periodista y activista conservadora Candace Owens que anima a los afroestadounidenses a abandonar el Partido Demócrata. Owens y West de hecho han visitado juntos Uganda recientemente, y Owens había declarado a Breitbart que el logo de Blexit fue creado por ella con la ayuda del rapero, quien según ella llegó a expresarle, justo después de solicitar su colaboración: “¿conoces al mejor diseñador de todos los tiempos y no me has pedido ayuda?”

Sin embargo, West, quien publica nuevo disco, ‘Yandhi’, el mes que viene (se esperaba originalmente para el 29 de septiembre), niega ahora cualquier participación en el Blexit. “presenté a Candace a la persona que hizo el logo, pero como no quería usar su nombre, puso el mío”, ha escrito en Twitter. “Yo nunca he querido involucrarme con el Blexit. No tengo nada que ver con él”. West ha aclarado que lo que apoya él es la “creación de trabajos y oportunidades para la gente que más lo necesita, la reforma laboral, la creación de leyes de armas de sentido común que hagan nuestro mundo más seguro” y también a “aquellos que arriesgan sus vidas en servir y protegernos y que se responsabilice a las personas que han abusado de su poder”. Es entonces cuando el rapero finalmente anuncia que se “distancia de la política” tras haberse dado cuenta de que ha sido “usado”.

Aunque no queda claro si West se refiere únicamente a Owens o a todas las polémicas que ha protagonizado recientemente con su apoyo a Trump, lo que es evidente es que su popularidad no ha quedado demasiado mermada con todo esto, al menos, si atendemos al éxito de ‘I Love It’, su colaboración con Lil Pump, que ha alcanzado el número 6 en la lista del Billboard Hot 100.

Mon Laferte, Albert Pla, la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’ y muchísimo rock en las listas de álbumes españolas

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El cantante Antonio José es esta semana número 1 en la lista de ventas española con su nuevo disco, ‘A un milímetro de ti’, que representa además la subida más fuerte de la clasificación, ascendiendo del 48 directamente al 1. ‘La calma’ de Pastora Soler es top 2 y en el resto del top 10 destacan las entradas de ‘Som’ de Els Pets (3), ‘Trece rosas’ de Medina Azahara (4) y la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’, la interesante nueva película sobre Freddy Mercury (9). En streaming, Ozuna firma el disco más reproducido esta semana, ‘Aura’.

Destaca en la tabla oficial de ventas la entrada de numerosos discos de rock, confirmando la buena salud comercial de este género que no tiene tanto éxito en las plataformas de streaming, dominadas por el reggaetón, el trap, el hip-hop y el pop. 12 de las 18 entradas en la lista de ventas son discos de rock y, al margen de los de Medina Azahara y Queen, entran ‘Evolution’ de Disturbed (22), ‘Mussexum’ de Sex Museum (53), ‘Spaceman’ de Ace Frehley, miembro de Kiss (56), ‘Unzipped’ de Whitesnake (60), ‘Natural Rebel’ de Richard Ashcroft (62), ‘Helix’ de Amaranthe (64), ‘I Loved You at Your Darkest’ de Behemoth (66), ‘From the Fires’ de Greta von Fleet (73, y eso que el grupo ha sacado disco este mismo año, ‘Anthem of the Peaceful Army’, que sí entra en streaming, en el número 48), ‘Inmortal’ de Triana (85) y ‘Desira’ de Desira (96).

El resto de entradas en la tabla de ventas las protagonizan Full con ‘Capadocia’ (14); RM, proyecto de uno de los miembros de la exitosa boyband surcoreana BTS, con su mixtape ‘Mono.’ (19), Santiago Auserón con Vagamundo (35); Mon Laferte (foto), que posiciona su disco de 2017, ‘La trenza’, en el puesto 76 tras su paso por Operación Triunfo (Laferte publica nuevo álbum en noviembre), y ‘Miedo’, el disco conjunto del terror de David Broncano Albert Pla junto a Raül Refree (84).

En streaming entran también varios discos de Operación Triunfo (el CD de la gala 4 es la subida más fuerte, del 48 al 9, mientras el de la gala 5 entra en el 67), la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’ (29), ‘Suncity’, el nuevo EP de Khalid (31), el álbum conjunto de Future y Juice WRLD (56) y ‘Mono.’ DE RM (72).

‘La maldición de Hill House’: el trauma y el dolor después de la casa encantada

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La serie más hypeada de este Halloween se la ha vuelto a llevar Netflix sin necesidad de recurrir a la tercera temporada de ‘Stranger Things’, retrasada tras las críticas tibias que recibió la segunda. Esta vez se trata de ‘La maldición de Hill House’, la adaptación que ha realizado Mike Flanagan de la novela de 1959 de Shirley Jackson. Flanagan, que ya había adaptado ‘Gerald’s Game’ de Stephen King para esta misma plataforma, ha logrado poner esta serie de 10 episodios en la carrera de los premios Emmy, acompañado de un elenco espectacular y con todos los medios aportados por la monstruosa plataforma televisiva.

Se han hecho cientos y cientos de películas sobre espacios encantados, algunas tan influyentes como ‘El resplandor’ o ‘Al final de la escalera’, y algunas arrastrando leyendas tan terroríficas como la muerte de la niña de ‘Poltergeist’ por una enfermedad muy pocos años después de su rodaje. En la última década, el éxito de las sagas ‘Expediente Warren‘ o ‘Paranormal Activity’ ha vuelto a marcar un pequeño hito en la historia de este subgénero gracias a su éxito comercial; pero Flanagan se ha valido del formato serie para permitirse el lujazo de ahondar en un terreno casi inexplorado por falta de tiempo en una película: la psicología de los personajes a largo plazo. La pregunta que plantea ‘La maldición de Hill House’ es: todo esto de las casas encantadas está muy bien, ¿pero cómo pueden sobrevivir los personajes al trauma de haber vivido en un lugar lleno de espíritus?

A través de constantes saltos en el tiempo, la acción nos presenta a un matrimonio y a sus cinco hijos en la (supuesta) casa de sus sueños cuando estos son solo unos niños; y también a los mismos protagonistas 20 años después lidiando aún con los fantasmas que marcaron su infancia y su huida de la casa maldita. Más cerca de la caracterización de grandes personajes de ‘A dos metros bajo tierra’ (y la comparación es inevitable, pues uno de los hijos termina trabajando en una funeraria) que de una ficción de terror típica, ‘La maldición de Hill House’ nos muestra cómo se ha desarrollado la vida de esos 5 hijos. Y lo que vemos hace pupa: Steven, el hijo mayor y guaperas, vive de explotar el drama familiar a través de sus libros cuando la noche que hubo que huir de la casa se la pasó «durmiendo»; Shirley es quien regenta una funeraria, a la que conduce a la ruina porque es incapaz de cobrar apropiadamente a la gente en un momento tan delicado; Theo ha de usar guantes para poder soportar su condición de medium; Luke, el encantador niño de gafotas y aspecto de nerd, es un adicto a las drogas con un pie en la tumba; y Nelly, la gemela de Luke, y la más pequeña de todos, permanece como la miembro más vulnerable, sin poder olvidar lo que sucedió en la casa. Especialmente los capítulos 4 y 5 son para ver con el corazón en un puño, con el espectador luchando por aguantar las ganas de llorar como pocas veces ha pasado con una peli de miedo. ¿Puede haber esperanza para gente que ha sufrido tanto de pequeña?

Lo cual no quiere decir que la serie no sea de terror. Es verdad que cuando el calado de tantos personajes está tan conseguido, cuando todos logran ser tan identificativos, los sustos son lo menos recordable. Pero los hay. De hecho, en ‘La maldición de Hill House’ hay tantos fantasmas que están, sí, los que te asustan, pero también los que no has visto: toda una colección de espíritus en segundo plano que incluso pasan desapercibidos y ya están llenando artículos con capturas que muestran que se te ha pasado ver el 90%. Es, pues, de principio a fin, una serie de terror en la que la búsqueda de profundidad en los personajes solo llega a molestar en los últimos capítulos de la serie, algo edulcorados.

En este desarrollo que ya era de lujo, Netflix se ha permitido un caprichito extra: el rodaje del episodio 6, ‘Dos tormentas’, con formato de 5 planos secuencia. El presupuestazo manejado permitió parar la producción durante un mes (!!) para que los actores -incluidos niños muy pequeños- pudieran ensayar los movimientos en un escenario creado ad hoc que conecta la casa con la funeraria. Un episodio histórico que no es lo único a desentrañar palmo a palmo: la serie ha generado tal entusiasmo que ya hay quien incluso busca teorías sobre el desarrollo de la trama. Según una de las mejores, los 5 hermanos, de mayor a menor, representan las cinco etapas principales del duelo tras la muerte de un ser querido, de la que parte toda la serie: la negación (Steven), la ira (Shirley), la negociación (Theo), la depresión (Luke) y la aceptación (Nelly). Una serie rica sobre la que seguir documentándonos durante los próximos meses que además presenta un atractivo extra: Netflix podrá darle mil vueltas, pero en principio termina con los 10 episodios que se han subido este mes de golpe. 8,5.

Itziar Castro asegura que ha sido despedida de Operación Triunfo “sin que lo esperase”

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La actriz y cantante Itziar Castro había sido uno de los fichajes más sorprendentes de la presente edición de Operación Triunfo por su participación en series y películas como ‘Vis a vis’, ‘Campeones’ o ‘Pieles’. Castro impartía, desde el inicio del programa el pasado mes de septiembre, clases de interpretación, recogiendo el testigo de Javier Ambrossi y Javier Calvo, que asumieron dicho rol durante la exitosa edición anterior.

Sin embargo, Castro ya no formará parte de Operación Triunfo. La exclusiva de Formula TV informa que Castro “habría tenido difícil volcarse en ‘OT 2018’ tanto como se esperaba” y que “el propio programa habría decidido prescindir de ella”. Al parecer, Castro “ha preferido volcarse en otros compromisos profesionales”, aunque las primeras explicaciones apuntan más bien a que Castro ha sido despedida.

La actriz, pese a sus celebradas declaraciones sobre el “bullying”, nunca pareció cien por cien comprometida con sus alumnos durante su paso por la Academia, y de hecho una de las críticas recurrentes que han recibido los concursantes de esta edición es su incapacidad para transmitir emoción durante sus interpretaciones.

De momento no se han dado detalles sobre quién tomará el relevo de Castro como profesor o profesora de interpretación. Sí se sabe que los concursantes serán informados de esta noticia en el día de la gala 6. Y como suele acontecer en estos casos, “Itziar” es ya uno de los temas más comentados en Twitter, así como Los Javis, cuya vuelta al programa piden varios usuarios.

Actualización: Castro ha emitido el siguiente comunicado sobre su marcha de OT en Facebook, asegurando que no se ha marchado del programa por cuenta propia sino que ha sido despedida “sin que lo esperase”:

“Tras las informaciones publicadas en varios medios de comunicación acerca del despido de Itziar Castro del programa Operación Triunfo desde su oficina de representación y en nombre de la actriz queremos hacer las siguientes puntualizaciones:

.- La decisión de que Itziar Castro no continúe como profesora ha sido tomada de forma unilateral por la dirección del programa y comunicada de forma precipitada y sin que Itziar Castro se lo esperase.

.- Itziar Castro ha dejado otros compromisos profesionales para dedicarse de lleno al programa y su implicación en el está fuera de toda duda, ya que en estas seis semanas se ha volcado en su trabajo como profesora de Operación Triunfo.

.- No tiene otros compromisos profesionales a los que vaya a dedicarse, como se ha insinuado en varios medios, y este no es el motivo por el que deje el programa.

.- En 22 años de carrera jamás ha dejado un proyecto a medias ya que es una luchadora nata y las críticas no son para ella un problema por que lleva años acostumbrada a ellas.

.- Participar en Operación Triunfo ha sido un maravillosa experiencia para Itziar , con la que ha aprendido mucho como persona y como actriz. Y si volviesen a llamarla volvería a la Academia encantada y haría exactamente el mismo trabajo.

A partir de este momento no vamos a hacer más declaraciones sobre este tema , conceder entrevistas , ni participar en los falsos rumores que circulan.

Rogamos respetéis nuestra decisión.

Un cordial saludo.”

Beauty Brain, Cupido, La Plata, Pájaro, Los Nastys… entre las nuevas confirmaciones de Monkey Week

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Monkey Week sigue confirmando nombres en el cartel de su próxima edición, con la que además conmemora su décimo aniversario. El festival tendrá lugar en la Alameda de Hércules y alrededores, en Sevilla, entre los días 18 y 24 de noviembre, con la presencia de artistas confirmados como Maria Arnal i Marcel Bagés, Novedades Carminha, Pony Bravo, Toundra, The Parrots, Ex-Novios, Biznaga o Perro, y diversas actividades.

Destacan en la nueva tanda de confirmaciones de Monkey Week Beauty Brain, el dúo de trap y electro-reggaetón gaditano autor de ‘Veneno’ o ‘Friki’; Cupido, el proyecto conjunto de Kinder Malo, Pimp Flaco y Solo Astra, que ha sorprendido en los últimos días con su single de debut y el llamativo videoclip del mismo, ‘No sabes mentir’, y La Plata, el grupo de post-punk madrileño autor de uno de los mejores discos del año, ‘Desorden‘.

Se suman también al festival sevillano el grupo experimental f/e/a (Forces Elèctriques d’Andorra, que en realidad es de Mallorca), además del dúo de fusión punk tropical Los Manises, Los Nastys, autores de ‘Noche de fantasmas con Los Nastys‘ (feliz Halloween); Noiserv, Pájaro, Space Surimi y Xtrarradio Dj’s. Desde el 30 de octubre se encuentran disponibles, junto a los abonos, las entradas de día para las jornadas de viernes y sábado de Monkey Week.

Thom Yorke / Suspiria (Music for the Luca Guadagnino Film)

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No estoy muy seguro de que el mundo necesitara un remake de ‘Suspiria’, uno de los grandes clásicos del giallo de mano del maestro del terror italiano de los 70 Dario Argento, aún entre nosotros. Lo que sí necesitábamos es que Thom Yorke desarrollara su faceta como compositor de bandas sonoras, y encargarse de la música de este proyecto ha demostrado ser para él una experiencia satisfactoria que quizá pueda darle una carrera paralela a Radiohead como sus discos solo o el de Atoms for Peace no han terminado de conseguir. Algo así como lo que ha estado haciendo Trent Reznor de Nine Inch Nails en los últimos años, incluso llevándose a su casa un Oscar.

La banda sonora no ha sido ajena a la carrera de Radiohead, que han colaborado en varias cintas, de manera muy significativa donando ‘Exit Music (for a Film)’ para ‘Romeo y Julieta’ a mediados de los 90; pero hasta ahora había sido Jonny Greenwood el chico de la «música para películas», llegando a ser nominado a un Oscar y convirtiéndose en mano derecha de Paul Thomas Anderson, quien ha contado con él hasta en 5 de sus proyectos. El reto de Yorke no era nada fácil, pues la música original de ‘Suspiria’, de Goblin, fue un hito, hasta el punto de verse reeditada recientemente con motivo de su 40º aniversario. Sin emularla, el artista ha salido airoso del desafío.

En primer lugar, el nuevo tema principal de la cinta, ‘Suspirium’, es la mejor canción que Thom Yorke ha firmado en solitario hasta la fecha. Su melodía y ritmo tipo vals son estupendos; su letra sobre la muerte, aplicable a la película pero a la vez independiente y comprensible por cualquiera; y su línea de piano culminando cercana a la PJ Harvey de ‘White Chalk’, embelesa. Esperemos que su equipo tenga contactos en Hollywood y logre introducir el tema en la carrera de los Oscar, pues cada vez que aparece en este disco doble a modo de single o reprise (‘Suspiria Finale’ introduce cuerdas y otros arreglos), significa disfrutar del que es uno de los mejores compositores de las últimas décadas, haciendo lo que mejor sabe.

Ese gran mérito de servir para el guión de la película y a la vez para el mundo repite en otros temas como ‘Unmade’, que comienza tristón como una balada jazzy atemporal para terminar resultando engañoso y dando miedo («ven bajo mis alas (…) juro que no hay nada bajo mis mangas»). O también ‘Has Ended‘, esa canción que avanzamos desde El Palacio de Linares que sonaba trip-hop: como si en 1994 Thom Yorke hubiera publicado ‘Dummy’ en lugar de ‘My Iron Lung’. Pega en ‘Suspiria’ por sus referencias a «brujas» y espejos» («las brujas cantaban / el agua se volvió gris / y los espejos y los teléfonos / ardieron, ardieron»), pero igualmente refleja sus conocidas inquietudes políticas («y los fascistas se avergonzaron de su títere rey bailarín»). Su estribillo no puede ser más ambiguo: «no cometeremos el mismo error otra vez».

El hijo de Thom Noah Yorke ha tocado la batería en este tema, pero no ha sido la única colaboración del álbum, pues de manera muy perceptible aparece la London Contemporary Orchestra y su coro, dando un poso monacal a ‘The Conjuring of Anke’ o ‘Sabbath Incantation’ y tremendo a ‘A Choir of One’, que con sus 14 minutos ocupa casi un 20% del minutaje de la banda sonora. La riqueza instrumental es palpable en la sintética ‘Klemperer Walks’ o ‘Volk’, que suena como un barco a la deriva por el Océano Índico; y también lo es la sensación de misterio, muy conseguida en varias pistas, como ‘The Hooks’, ‘Belongings Thrown In a River’, ‘A Light Green’ y de manera muy clara en la terrorífica ‘Voiceless Terror’.

En conclusión, Thom Yorke entrega su mejor disco al margen de Radiohead, muy vinculado a la banda sonora por estructura y estilo, con pasajes muy ambient, y por las letras (‘Open Again’ tiene una guitarra muy ‘In Rainbows’ pero habla de «demonios» para mostrar «demonios»); e igualmente disfrutable a menudo sin haber visto la nueva adaptación de ‘Suspiria’. Abiertamente Thom ha dicho que los textos se han inspirado en Trump y en el Brexit, intentando encajarlos en las escenas del guión, como una en la que aparece una marcha militar. Al fin y al cabo, ¿qué puede dar más miedo que los tiempos que corren?

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Suspirium’ y ‘Suspirium Finale’, ‘Unmade’, ‘Voiceless Terror’
Te gustará si te gustan: las diferentes etapas del artista
Escúchalo: Spotify.

C. Tangana ft. Becky G, Luis Fonsi ft. Ozuna, La Oreja, Beret… en la lista de singles

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‘MIA’, el single conjunto de Bad Bunny y Drake, sigue en el número uno de singles más exitosos en España por segunda semana consecutiva, tras debutar en esta posición el pasado 23 de octubre, dando a Drake su primer número uno en nuestro país. De hecho el resto del top 3 permanece como la semana pasada, con ‘Taki Taki’ de DJ Snake con Cardi B, Selena Gomez y Ozuna en el número 2 y 6ix9ine con ‘Bebe’ en el número 3.

La entrada más fuerte en la lista de singles es para Beret con ‘Te echo de menos’, que entra directamente en el número 4. Le siguen Luis Fonsi y Ozuna con ‘Imposible’ en el número 10 y La Oreja de Van Gogh con ‘La chica del espejo’, su nuevo single solidario por el cáncer de mama, en el número 11, y esta es la última entrada que encontramos en la tabla hasta llegar al número 55, donde debutan C. Tangana y Becky G con su cacareada colaboración, ‘Booty’, que ha dividido a nuestra redacción.

Entran también en tabla ‘No!’, el ultra dramático single conjunto de Miriam Rodríguez y Pablo López, en el número 57; ‘Inventas’ de Vanesa Martín, en el 58; ‘Kiss and Make Up’ de Dua Lipa junto al cuarteto surcoreano Blackpink, en el 68, y la versión de ‘Toxic’ (espectacular “performance” mediante) de Natalia Lacunza y Alba Reche, concursantes de Operación Triunfo, en el 80. La subida más fuerte es para ‘Replay’ del rapero canario Maikel Delacalle, que sube del 53 al 31.

4 razones para ver ‘Bohemian Rhapsody’ y 3 cosas bastante mejorables

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El biopic de Queen, centrado en la figura de Freddie Mercury y con la aprobación de los miembros restantes de la banda, no llega a las salas exento de polémica. Sacha Baron Cohen fue descartado como protagonista en los primeros años de pre-producción, y el director Bryan Singer fue despedido a los dos tercios de rodaje por ausentarse del mismo, teniendo que ser su trabajo rematado por Dexter Fletcher, si bien es Singer finalmente quien aparece como director. Sumando que el grupo no ha querido oficialmente «dañar el legado de Mercury» y sí ofrecer «una película apta para toda la familia», ¿estamos ante el predecible y aburrido film biográfico que solo sirve para ensalzar a los protagonistas? No exactamente. En este artículo apuntamos 4 razones para ver la película y 3 cosas que se podrían haber mejorado sin «ensuciar» la imagen del artista.

Razones para ver ‘Bohemian Rhapsody’

1.-Queen fue un grupo de masas y su biopic tenía que ser apto para las masas
Uno de los aspectos más criticables de ‘Bohemian Rhapsody’ es cómo su guión está amoldado para las masas. Sin embargo, Queen, por mucho que editasen un single de 6 minutos (el que da nombre a la película) cuando su sello no les dejaba, era un grupo destinado a las masas, que componía himnos a sabiendas de que decenas de miles de personas iban a corearlos en grandes estadios (se ve muy claro en la creación de ‘We Will Rock You’) y, por lo tanto, no habría tenido mucho sentido presentar un biopic de ínfulas underground y experimentales que viera tan poca gente como ‘Last Days’, la peli que hizo Gus Van Sant sobre Kurt Cobain. Era pertinente la realización de una cinta apta para el gran público que acude masivamente a ver musicales o giras actuales de Queen y ‘Bohemian Rhapsody’ sí logra, en ese sentido, su objetivo de tocar la patata. La cinta refleja la soledad que sentía Mercury (esa escena encendiendo y apagando tristemente una lámpara), su vulnerabilidad, pero también por supuesto su fuerza escénica y su carisma. Su relación con los miembros de Queen, a través de su intento de carrera en solitario, deja también algunos de los momentos más divertidos y emotivos de la cinta. Manipulados o no, para bien o para mal, muestran al espectador cómo tus compañeros de grupo pasan a ser tu verdadera familia.

2.-La recreación de Live Aid 1985
La cinta parte y desemboca en la realización de Live Aid, un concierto benéfico en favor de África que tuvo lugar en 1985 y sobre el que se han escrito ríos de tinta. Se celebró simultáneamente en Londres y Filadelfia (Queen estuvieron en el show del estadio de Wembley) y la lista de artistas incluyó a David Bowie, Bob Dylan, Paul McCartney, U2, The Who, Dire Straits, Mick Jagger o Elton John, solo por mencionar a unos pocos. Sí, aquello fue un campo de nabos (bueno, también estuvieron Tina Turner o Madonna, que recibe una mención muy «Madonna, tú antes molabas» en el guión), pero aquello fue un momento realmente histórico para la música que es una gozada ver recreado en la gran pantalla. Igual se ha escatimado algo en cromas, extras o efectos especiales creados por ordenador, pero desde luego no en minutaje. La actuación de Queen en Live Aid duró poco más de 20 minutos y ocupa aquí casi lo mismo sin aburrir ni remotamente al espectador. Al contrario: a través de una medida actuación de Rami Malek es imposible no percibir cómo Freddie Mercury ha influido de manera salvaje como performer a una generación de músicos, de Brandon Flowers a Lady Gaga, pasando por Robbie Williams o Matt Bellamy.

3.-La homosexualidad de Freddie no se ha escondido
Otro de los puntos más criticados de la película es cómo se ha velado la homosexualidad de Freddie Mercury. Aunque es verdad que el tratamiento del personaje de Paul Prenter, mánager y pareja del artista durante unos años, huele a homofobia por los cuatro costados (ojo, la Queenpedia en español le define directamente como «el asesino de Freddie Mercury»), el guión no esquiva su atracción hacia el cruising, el travestismo, lo que emulaba su bigote, lo que supuso el vídeo de ‘I Want to Break Free’ ni el hombre con el que decidió terminar sus días. Está documentado que Mercury evitaba aparecer en público con Jim Hutton y que dejó en herencia su casa de Londres a Mary Austin, la destinataria de ‘Love of My Life’ y no a él, por lo que dar otro tratamiento a la homosexualidad del artista igual habría sido traicionar lo que fue su vida en una década como la de los 80. ¿Ya nos hemos olvidado de que Elton John se casó con una mujer en 1984? La cinta no evita lo que significaba tratar con la homofobia de medios y público, o lo que suponía decirle a tus compañeros de grupo heterosexuales que habías contraído el sida. En ese sentido, probablemente sea respetuosa con lo que el artista habría querido, dándole a su sexualidad una importancia equilibrada en una época llena de tabúes. «Freddie, eres gay (no bisexual)», le dice uno de los personajes en un momento fundamental. Esto no es lo que yo entiendo por velar la homosexualidad de alguien en un guión. Es más, la película termina reflejando cómo fue un artista gay quien interpretó algunos de los himnos futboleros más coreados de todos los tiempos, como ‘We Are the Champions’ o ‘We Will Rock You’.

4.-¡Si te gustan Queen!
No por obvio podemos pasar por alto el último punto. Queen, incluso en la era streaming, tienen una audiencia multimillonaria, muy superior a la de los Beatles según muestra Spotify. Sus fans se cuentan por decenas de millones y si bien a los más documentados les van a rechinar un par de datos, el 99% restante va a disfrutar de lo lindo de ver recreados los momentos en que se gestó ‘A Night at the Opera’ desafiando a la industria musical de la época, o nacieron algunos de sus mayores hits, como ‘Another One Bites the Dust’, ‘We Will Rock You’ y sobre todo ‘Bohemian Rhapsody’ (“¡tengo los huevos en el pecho!”).

3 cosas bastante mejorables

El maniqueísmo
Paul Prenter como villano, Mary Austin como ángel llegado del cielo, el padre como un sufrido emigrante que no hace más que repetir la misma frase sobre principios éticos, la madre como una bondadosa mujer de su casa a quien tirar un besito desde un concierto benéfico… El retrato de todos los secundarios de la película es el que haría un principiante: carece por completo de matices. Los mismos Queen se presentan como personajes inocuos, siempre puntuales en el estudio, como ejemplares padres de familia y con cara de no haber roto un plato en su vida. ¿Son los mismos Queen a los que supuestamente no les preocupan los éxitos comerciales y que tanto quieren a Freddie, los mismos Queen que siguen haciendo giras casi 30 años después de la muerte de su cantante, con Adam Lambert como sustituto?

La dramatización hasta el error biográfico
En su intento por «respetar el legado de Mercury» o de Queen, más bien, hay un par de tics que no habría costado mucho corregir o reparar aun siendo respetuoso con el cantante. La pedazo de tormenta en una de las escenas con Paul Prenter es más de caspa cinematográfica que de agua y hay errores biográficos graves. Según Jim Hutton, Freddie supo que había desarrollado sida en abril de 1987 y en la película aparece anunciándolo antes de Live Aid (1985), condicionando la actuación, cuando no pudo hacerlo. El guión ha ido un pelín más allá del recurso narrativo comprensible.

El exceso de prótesis dental
Freddie Mercury tenía dientes de más. Gracias, nos hemos enterado. Esta malformación pudo marcar la carrera del cantante, al servir para aumentar su capacidad vocal, pero con algún plano exagerado y un par de menciones habría sido suficiente. Malek ha hecho un gran trabajo recreando a Freddie Mercury y sus gestos. Por eso es una pena que en algunos de los planos su caracterización esté tan sumamente exagerada que no eres capaz de ver nada más. No era necesario y, sobre todo, ver a Mercury en televisión en los años 80, no era esto. Ver en pantalla a Brian May y el resto de integrantes de Queen termina siendo más fidedigno: se nota que han sido ellos quienes han aprobado la película. 6.

5 razones para no perderte Visor Fest este puente

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Este puente, el viernes 2 de noviembre y el sábado 3 de noviembre, se celebra en Benidorm la primera edición de Visor Fest. En este artículo recomendamos este festival diferente a la media de lo que suele haber en nuestro país, a través de 5 puntos.

La exquisitez de su cartel

El cartel de Visor Fest se centra en artistas que nacieron en los años 80 y 90 y continúan en activo. Entre sus filas podremos ver a Flaming Lips, que nunca se han cansado de recordar temas de los 90 como la histórica ‘Race for the Prize’; Saint Etienne, que todavía tienen que editar un disco malo y dudamos que lo vean nuestros ojos; Cat Power, que viene con nuevo disco bajo el brazo, el de nuevo notable ‘Wanderer’; Ride, cuyo último álbum ‘Weather Diaries’ no estaba mal y hemos visto dando grandes conciertos por ejemplo en el FIB; los siempre efectivos The Jesus and Mary Chain recordando que tienen muchos más hits que ‘Just Like Honey’; los siempre solventes !!!; o unos Ash que por lo que vemos en Setlist.fm no van a pasar de tocar ni ‘Girl from Mars’ ni ‘Shining Light’.

Lo que se ha evitado

Aunque hay muchos grupos de indie nacional que empezaron a publicar sus discos en los 90, como Los Planetas; Lori Meyers, que están celebrando ahora mismo los 20 años de su nacimiento; o Love of Lesbian, que empezaron a funcionar en 1997; Visor Fest ha querido evitar los nombres nacionales que vemos en todas partes para decantarse por otros artistas. Ya se sabe que -salvo un par de excepciones- no hay festival sin Izal, pero en este caso la organización ha querido evitar lugares comunes en favor del imperativo editorial que se han propuesto: recordar los albores de la música indie y los primeros festivales musicales que se organizaron en nuestro país.

La letra pequeña: The Chameleons, Addictive TV

A los nombres del primer punto hay que sumar otros más desconocidos pero interesantes como The Chameleons VOX o Addictive TV. Los primeros surgieron como continuación de The Chameleons, una banda de Mánchester surgida a principios de los 80 que se considera precedente de Editors, Interpol o en España Trajano! Esta nueva formación cuenta con Mark Burgess, vocalista, bajista y compositor principal de los Chameleons, y recupera en vivo éxitos del grupo como ‘Swamp Thing’ o ‘Don’t Fall’. También se ha recuperado a los pioneros del mundo VJ Addictive TV, que prometen ofrecer un gran espectáculo audiovisual, cuyo trabajo ha trascendido la música para llegar a lo cinematográfico remezclando lo mismo ‘Serpientes en el avión‘ que ‘Slumdog Millionaire‘ para sus tráilers.

El guiño a Valencia y los entrañables DJ’s

Visor Fest no esquiva que se celebra en la Comunidad Valenciana y, quizá animado por la relevancia mediática alcanzada el año pasado con la edición de ‘Bacalao’, con enorme protagonismo de Fran Lenaers, una de sus bazas es contar con un live de «Megabeat- Interfront» con el propio Lenaers y Gani Manero recordando la música de la época. Veremos un live con guitarra eléctrica, batería electrónica y Blaya a los teclados, como se ha anunciado en Facebook. Asimismo, el séquito de DJ’s va a gustar mucho entre el público indie: Amable, Miqui Puig, Julio Ródenas de Radio 3 y Cachitos, Bilbadino y Camelot DJ’s están entre quienes pondrán la música.

La previsión meteorológica

Aunque desde Mad Cool, julio 2017, yo no vuelvo a un festival al aire libre sin mi chubasquero (con el cambio climático, uno ya no sabe qué esperar de nada en cualquier momento, en cualquier lugar); la previsión meteorológica en Benidorm este fin de semana a la hora de redacción de esta noticia es excelente. No hay ahora mismo lluvias pronosticadas para viernes ni sábado, con mínimas de 13 grados y máximas de 21. Nada que ver con lo que estamos viendo hoy en Madrid, a 7ºC a mediodía, trece grados por debajo de Berlín en este momento.

Especial Halloween: 5 películas de terror que ver en Netflix, Filmin, Movistar+ y en cines

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Como todos los años, recomendamos varios títulos de terror (en la más amplia acepción del término) para disfrutar con el corazón en un puño esta noche de difuntos. Aparte de estos títulos, apuntamos otros cinco de los que ya hemos hablado: el estupendo documental ‘78/52. La escena que cambió el cine’ (Filmin), la angustiosa ‘Un lugar tranquilo’ (Movistar+), la escalofriante ‘Hereditary’ (Movistar+), la misteriosa ‘Thelma’ (Movistar+) y, no podía faltar, el remake de ‘La noche de Halloween’ (en cines).

Mandy (Panos Cosmatos)

Una locura. Panos Cosmatos, el hijo de George Pan Cosmatos (director de ‘Rambo’ y ‘Cobra’), se acaba de llevar el premio al mejor director en el festival de Sitges por este ochentero y lisérgico thriller de venganza capaz de polarizar las opiniones como una canción de C. Tangana. ‘Mandy’ es, junto a ‘Clímax’, una de las experiencias visuales del año. Una película de argumento anoréxico, engordado a base de grasaza verbal (esas parrafadas están pidiendo a gritos una motosierra que las corte), sofisticada proteína sonora a cargo del desaparecido Jóhann Jóhannsson, carbohidratos visuales -de Rob Zombie a Nicolas Winding-Refn, pasando por clásicos como Dario Argento o John Carpenter- y mucha (mucha) cafeína servida por un divertido Nicolas Cage que parece masticar la pantalla en cuanto aparece en escena. Excesiva y desigual (funciona mejor la inquietante primera parte que la alocada segunda) pero llena de momentos inolvidables, ‘Mandy’ es una hipnótica y subyugante fantasía satánica que pone de manifiesto el enorme talento visual de Cosmatos y su inagotable inventiva estilística. Imprescindible en pantalla grande.
Disponible: en cines.

Historias de fantasmas (Andy Nyman y Jeremy Dyson)

Elegante relato de terror con aroma y regusto a clásico británico. ‘Historias de fantasmas’ está recorrida por el espectro del escritor M. R. James y por el espíritu de las películas de Amicus, aquella entrañable productora británica que intentó rivalizar con la Hammer sustituyendo sangre, monstruos góticos y ambientes victorianos por terror psicológico, humor negro y ambientes cotidianos. Andy Nyman y Jeremy Dyson debutan en la dirección adaptando su propia obra de teatro, un relato protagonizado por un investigador dedicado a ofrecer explicaciones racionales a sucesos aparentemente paranormales que se enfrentará a los tres casos más difíciles de su vida. La prometedora pareja de directores ha construido una atractiva y muy eficaz historia de miedo(s), llena de homenajes al género, y con más cargas de profundidad emocional (atención al final) de lo que aparenta. Una película para ver en batín y con la chimenea encendida.
Disponible: Movistar+

The Night Comes for Us (Timo Tjahjanto)

En 2011 se estrenó ‘The Raid’ (en España en DVD con el título ‘Redada asesina’), una película que hizo que todos los aficionados al cine de acción pusieran sus ojos en un país cuya cinematografía era prácticamente desconocida más allá de los festivales especializados: Indonesia (quien quiera saber algo más sobre su historia le recomiendo el capítulo que le dedica el imprescindible ‘Mondo macabro’ de Pete Tombs). Su éxito nos descubrió a varios realizadores a tener en cuenta, en especial a Gareth Evans (autor también de la segunda parte y de la reciente y mediocre ‘El apóstol’), Joko Anwar (‘Modus Anomali’, ‘Los hijos de Satán’) y los Mo Brothers (‘Macabre’, ‘Headshot’). La mitad de este dúo, Timo Tjahjanto, ha vuelto a dar la campanada con ‘The Night Comes for Us’. Protagonizada por la pareja de ‘The Raid’, la película es una ultraviolenta cinta de acción gore que compensa su esquemático guión y sus risibles interpretaciones con unas secuencias de peleas nunca vistas. Una salvajada coreografiada con maestría (todo muy físico y sin apenas cortes), que es capaz de sacar los colores a todos los combates que hace Hollywood a golpe de CGI. Sin duda, una de las sensaciones (en su género) de la temporada.
Disponible: Netflix

Custodia compartida (Xavier Legrand)

Que no sea estrictamente de género no quiere decir que no dé miedo. El debut en el largometraje del francés Xavier Legrand es una de las películas más terroríficas (y mejores) del año, un intenso drama familiar que se transforma en una estremecedora historia de terror con ecos de ‘El resplandor’. El director consigue sortear las trampas sentimentales de los temas de “candente actualidad” empuñando la sutileza como potente arma expresiva. Una mirada de soslayo en una reunión familiar, una inquietante llamada de madrugada o un aparente gesto de cariño (nunca un abrazo ha resultado tan violento e incómodo como en esta película) se muestran más elocuentes y dicen más sobre una trágica realidad doméstica que cientos de dramas de denuncia con discursos llenos de lugares comunes pero vacíos de contenido. El director maneja con sabiduría la tensión narrativa consiguiendo un crescendo dramático que se expande como el sonido de una canción (‘Proud Mary’) en la virtuosa secuencia de la fiesta de cumpleaños, y explota en un final angustioso de los de meterte debajo de la manta. Lo dicho: terrorífica.
Disponible: Filmin

La noche de Halloween (John Carpenter)

Se cumplen cuarenta años del estreno de esta modesta película de bajo presupuesto (320.000 dólares) que sacudió la industria de Hollywood (70 millones de recaudación) y marcó un hito en la historia del género de terror. Desde su célebre comienzo, una larga toma (parece un plano secuencia pero tiene dos cortes) que describe un asesinato desde el punto de vista del asesino, hasta su alegórico y abierto final, el primerizo John Carpenter consiguió dar forma definitiva a un subgénero, el slasher, que salpicaría de sangre las pantallas de cine durante las siguientes décadas. El terror ya no venía de fuera, ni tenía rasgos monstruosos ni un origen sobrenatural. El mal crecía en el seno de un barrio residencial de un pacífico pueblo estadounidense, sus facciones eran impersonales y su arma un simple cuchillo de cocina. Ahora que se acaba de estrenar su estupendo remake, qué mejor manera de celebrar Halloween que revisar este clásico. Suenan las primeras notas de piano…
Disponible: Movistar+

Lana Del Rey estrena la balada ‘How to Disappear’ en un evento de Apple

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Esta tarde, Apple ha presentado sus nuevos modelos de iPad Pro, MacBook Air y Mac Mini durante un evento en Brooklyn en el que además ha actuado Lana Del Rey. La cantante ha hecho reír a los espectadores del evento declarando que, como le han advertido que no puede decir palabras malsonantes, no puede compartir con ellos el título de su próximo disco, ‘Norman Fucking Rockwell’.

Además, Del Rey ha estrenado en directo dos de las canciones que incluirá en este disco. Acompañada de Jack Antonoff, productor del álbum, al piano, la neoyorquina ha cantado ‘Venice Bitch’, que ya conocíamos y cuya letra ha cambiado por “venice chick”, y la balada ‘How to Disappear’, que permanece inédita y no, no es una versión de ‘How to Disappear Completely’ de sus queridísimos Radiohead.

Debido al formato en el que se han presentado ambas canciones, no hay manera de saber todavía si el directo de ‘How to Disappear’ es exactamente como la versión de estudio. De momento parece una balada en el estilo de las varias incluidas en ‘Lust for Life‘, como ‘Change’. Del Rey ya la había avanzado en las redes sociales junto a otros dos temas inéditos del álbum, ‘Cinnamon’ y ‘Sylvia Plath’.

Rosalía es la “maja” de Goya en el videoclip de ‘Di mi nombre’

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Rosalía había anunciado para hoy 30 de octubre la llegada de un nuevo avance de ‘El mal querer’, en concreto el que titula su octavo “capítulo”, ‘Di mi nombre’. Finalmente el tema ha llegado a las plataformas a eso de las 17.50, antes de lo previsto, y como siempre en Youtube el tema se ha estrenado acompañado de su videoclip.

El tema había suscitado una pequeña polémica en internet antes de su lanzamiento por supuestamente incluir en su letra la palabra “yeli” repetida varias veces ( “Yeli” es el término que designa un popular rito de boda gitano). Sin embargo, Rosalía ha negado cantar “yeli” en ‘Di mi nombre’, indicando en Twitter que en realidad canta “ay ali ali ali”, citando la melodía de La Repompa de Málaga en la que, como la artista había detallado, se basa la canción. La cantante ha apuntado también en MondoSonoro que el título de ‘Di mi nombre’ es un guiño a ‘Say My Name’ de Destiny’s Child.

Rosalía había dicho además que el vídeo de ‘Di mi nombre’ estaba inspirado en “La Maja de Goya”. Es su pose la que replica la artista al principio y al final del vídeo, durante el cual la vemos sobre todo bailar, encima de una habitación o ante un espejo. Dirige Henry Scholfield, director, entre otros, de los vídeos para ‘New Rules’ y ‘IDGAF’ de Dua Lipa, fan reconocida de Rosalía. Además, finalmente se confirman detalles del próximo concierto de Rosalía el 31 de octubre en Madrid, que se habían mantenido en secreto. El concierto tendrá lugar a partir de las 19:15 en la Plaza de Colón. Las entradas son gratuitas hasta completar aforo y ya están disponibles.


Empress Of / Us

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Desde que publicara ‘Me’ en 2015, han debido de pasarle muchas cosas buenas a Lorely Rodriguez, la mujer tras el proyecto Empress Of. Porque, tras mostrar en aquel debut un perfil lúgubre que le servía referentes como Zola Jesus o The Knife –la Björk de ‘Debut’ y la Austra más luminosa sí siguen funcionando como pistas–, lo que refleja el sonido de su nuevo álbum es un positivismo contagioso y una música luminosa, que sólo puede ser consecuencia de un estado de ánimo placentero –¿felicidad, quizá?– que la impulsa a pensar en plural hasta en su título, ‘Us’. Y sí, la mayor parte de las letras de estas nuevas canciones gira en torno a una armónica –que no perfecta– relación de pareja, con imágenes sencillas y cotidianas pero potentes: “Hay algo en tu cuerpo que me hace sentir segura / Te quiero encima de mí como un pisapapeles” –‘Just The Same’–, “No sé qué otra cosa hacer / que sentarme a tu lado” –canta a dúo con Dev Hynes en ‘Everything To Me’ o “No dejes que el miedo venza tus planes / Quiero enseñarte a amar / El odio puede ser una droga vacía” –‘I’ve Got Love’– son claras muestras de un espíritu pleno y eso se traslada también a su música.

No sorprende lo más mínimo que Rodriguez se aproxime a un pop cada vez menos alternativo y que, tras sus apariciones en discos de Blood Orange y Dirty Projectors, el mismo día del lanzamiento de este ‘Us’ apareciera en sendos discos de Khalid y MØ. Porque estamos ante un disco que equilibra fantásticamente una elaboración instrumental compleja y sorprendente con melodías bastante inmediatas, resultando una obra de esas que se escuchan (y se bailan) con gusto y, al terminar, piden volver a pulsar play. Lejos de aquel aura retraída que desprendía gran parte de su álbum debut, ‘Us’ es una explosión de color emocional y ganchos lo suficientemente complejos como para que crezcan tras varias escuchas. De manera no especialmente original pero sí bastante hábil, Lorely recurre a trucos del pop, el soul y el R&B mainstream contemporáneo, y los retuerce para que adopten formas bonitas y efectivas.

Quizá una de las claves de ese fulgor, y que también explicaría el trasfondo colectivo del título, sea que Lorely haya abierto la puerta de Empress Of a otros artistas que aporten una visión más rica y diversa. Así, encontramos nombre como los de Pional, DJDS, Cole MGN o Georgia, que se mezclan y aportan matices sin que en ningún caso el carácter del proyecto se diluya: la especial voz de la artista de Los Ángeles afincada en Nueva York, bonita pero alejada de virguerías y tirabuzones gratuitos, afianza una riqueza que en ningún momento resulta incoherente. Y el resultado es que, tras dianas ya conocidas como la emocionante ‘Trust Me Baby’ y ‘When I’m With Him’ –dos números en los que Lorely emplea el inglés y el español por igual, de manera encantadora y característica–, canciones como ‘I Don’t Even Smoke Weed’, ‘Just The Same’, ‘Everything To Me’, ‘All For Nothing’ o ‘I’ve Got Love’ rayan una altura similar. Nada indica que Empress Of vaya a transformarse en la próxima estrella del pop alternativo al nivel de una Solange, una Lorde o una Tove Lo, pero de lo que no cabe duda es de que este ‘Us’ es un auténtico oasis en el que refugiarse en un otoño/invierno que se antoja necesitado de trabajos así.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘When I’m With You’, ‘I Don’t Even Smoke Weed’, ‘Trust In Me’, ‘Everything To Me’, ‘Just The Same’
Te gustará si te gustan: Lorde, Solange, Blood Orange
Escúchalo: Spotify.

Deerhunter avanzan con el clavecín de ‘Death in Midsummer’ su disco sobre la “desaparición de la cultura y la humanidad”

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Deerhunter, el grupo de indie rock de Atlanta, Georgia autor de discos personalísimos y fundamentales de la pasada década y la presente como ‘Microcastle’ y ‘Halcyon Digest’, ha anunciado al fin nuevo disco, cuatro años después del anterior, ‘Fading Frontier’. El nuevo álbum de Deerhunter, en el que Bradford Cox y compañía han trabajado junto a la cantautora galesa Cat Le Bon, como ya se sabía, se llama ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’ y sale el 18 de enero.

El disco abordará cuestiones relacionadas con la “desaparición de la cultura, la humanidad, la naturaleza, la lógica y la emoción” y será según la nota de prensa un álbum “de ciencia ficción sobre el presente”. En la nota viene además una explicación dedicada a cada una de las pistas del disco, 12 en total, entre ellas una “elegía a la ecología” y una ‘Futurism’ que plantea la idea de que la “nostalgia es tóxica”.

‘Death in Midsummer’, el primer avance de ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’, presenta un estilo rústico similar a ‘Snakeskin’, esta vez dominado por la presencia de un clavecín. El vídeo retrata al grupo en el desierto de Texas, donde vemos por ejemplo a Bradford Cox balanceándose en un columpio.

Este es el tracklist de ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’ junto a sus consiguientes explicaciones:

1. Death In Midsummer (4:22)
Caption of photograph found in book: “Revolution In The Streets of St. Petersburg, July 1917.” The photo shows figures of people running away from piles of bodies.

2. No One’s Sleeping (4:26)
On 16 June, 2016 Labor Party MP Helen Joanne Cox died after being shot and stabbed multiple times in Birstall by Thomas Mair, a mentally ill man with ties to a Neo-Nazi organization. He shouted “Britain first” as he carried out the attack.

3. Greenpoint Gothic (2:02)
An architectural interlude for synthesizer and drums.

4. Element (3:00)
Elegy for Ecology (a landscape done in toxic watercolors)

5. What Happens To People (4:16)
Eulogy for “Emotions”

SIDE TWO:

6. Détournement (3:26)
A postcard from the slipstream

7. Futurism (2:52)
Nostalgia is toxic.

8. Tarnung (3:08)
A walk through Europe in the rain

9. Plains (2:13)
James Dean spent the Summer of 1955 in Marfa, Texas filming ‘Giant,’ before his death on September 30th.

10. Nocturne (6:25)
Live stream from the afterlife.

MOST!, el nuevo festival de Vigo, se estrena con Mando Diao, Viva Suecia, Peter Hook, Sidecars…

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Llega a Vigo un nuevo festival de música con intención de ofrecer “la mejor emergencia independiente y bailable, la que sabe fusionar la esencia de la mejor guitarra actual con la electrónica indie de baile”. MOST! celebrará su primera edición el próximo 15 de diciembre en el pabellón IFEVI de Vigo, a partir de las 18.00, con un cartel que ya puede consultarse al completo.

MOST! presenta una programación dedicada a conciertos y otra a sesiones de DJ, compuesta por nombres notables en ambos casos. Ofrecerá directos en el nuevo festival gallego Mando Diao, Viva Suecia (foto, recientemente nominados a un EMA), Sidecars, Cycle y Los Tiki Phantoms, mientras tras la cabina estarán Richard Colburn (Belle and Sebastian), Peter Hook (New Order/Joy Division), Edwin Congreave (Foals), quien sustituye al DJ set de Kaisher Chiefs “por cuestiones que afectan a la banda inglesa respecto a los plazos de finalización de su nuevo disco”; Graeme Park & Marshall Jefferson (The Haçienda/Manchester), quien sustituye a DJ Mike Pickering “por razones ajenas a la organización”, y The Black Ladder.
Las entradas para MOST! están disponibles a un precio de 35 euros hasta el 9 de noviembre en la web del festival y en diversos canales de compra.

CARTEL COMPLETO (en orden alfabético)
Belle and Sebastian (Richard Colburn_DJSET)
Cycle
Foals DJSET (Edwin Congreave_DJSET)
Los Tiki Phantoms
Mando Diao
Peter Hook_ DJSET
Sidecars
Viva Suecia
The Black Adder
FAC51 THE HACIENDA CLOSING SET
Graeme Park & Marshall Jefferson