2018 ha supuesto el despegue definitivo como artista de Hayley Kiyoko, una chica que comenzó como integrante del grupo musical The Stunners (donde coincidió con Tinashe) y labrándose una carrera como actriz de la factoría Disney y que hoy se ha convertido en todo un icono para los movimientos pro-LGTBI+, concretamente para las lesbianas, habida cuenta de unas letras y vídeos que enfocan con total naturalidad su propia sexualidad. Además, ha participado activamente en campañas de concienciación sobre el outing y ha sido muy crítica con otras artistas –como Rita Ora y amigas en ‘Girls’– cuando han dado un discurso equívoco hacia el lesbianismo.
Con ‘Expectations‘ como uno de los debuts del año en el mundo del pop, Kiyoko acaba de anunciar que su próxima gira europea tendrá dos paradas en nuestro país: el 2 de marzo de 2019 estará en la Sala Razzmatazz de Barcelona, y el 3 de marzo en la Sala Vistalegre —Palacio Vistalegre– de Madrid. Las entradas estarán a la venta el próximo lunes, 5 de noviembre, a las 10:00 horas en horas en livenation.es, ticketmaster.es, entre otras plataformas. Además, Hayley Kiyoko pone a disposición de sus fans en su propia página web una preventa que comenzará mañana, martes 30 de octubre, a las 10:00 horas.
Tras dar un considerable pelotazo con el clip de ‘Curious‘, otras canciones de ‘Expectations’, como ‘Sleepover’ o ‘Feelings’, han alcanzado una popularidad notable. Sin embargo, la gran tapada de ese álbum debut ha sido ‘What I Need’, canción y vídeo en los que comparte su protagonismo –y de paso, carantoñas– con la cantante de R&B Kehlani. Ya es, por mucho, la canción más escuchada del disco, y la segunda de la artista tras el célebre himno lésbico ‘Girls Like Girls‘.
Esta mañana The Cure han sido confirmados como el primer gran cabeza de cartel del festival portugués NOS Alive 2019. Este certamen se celebra en Algés –localidad próxima a Lisboa– entre los días 11 y 13 de julio del próximo año. Concretamente, el grupo de Robert Smith actuará allí el jueves día 11. No hace falta ser muy avispado para entender que eso abre la puerta a que el mítico grupo británico esté a punto de ser confirmado por algún otro festival celebrado en España. Pero ¿cuáles serían los mejores colocados?
Aunque no se podría descartar que, como ocurriera con Arctic Monkeys este año, The Cure hagan doblete y estén en dos grandes eventos como Primavera Sound y Mad Cool, en este caso el festival madrileño parece el mejor situado para llevarse al gato (“lovecat”, en este caso) al agua. Básicamente, porque se celebra exactamente en las mismas fechas que NOS Alive 2019, por lo que logísticamente está a tiro de piedra. No se puede descartar, en todo caso, que pudieran actuar también en Bilbao BBK Live, que coincide en fecha con ambos eventos. Y, además, el vizcaíno fue el último festival nacional en el que pudimos ver a The Cure en 2012 –en aquel año, sí hicieron doblete con el Primavera, ojo–. Más tarde, en 2016, volvieron a actuar en Barcelona, Bilbao y Madrid, pero esta vez como único cabeza de cartel de su propia gira en recintos cerrados.
Tampoco hay que olvidar que Doctor Music Festival 2019, que renace en el Pirineo leridano tras años de ausencia, se postula como el tercer candidato en liza, al celebrarse también entre el 12 y el 14 de julio de 2019. Más lejana parece la posibilidad de que puedan ser Vida Festival o Cruïlla, que se celebran el finde anterior al NOS Alive, y FIB, que lo hace una semana después, los que logren captar a los autores de ‘Disintegration’, básicamente porque su caché quizá se les vaya de las manos ante la fuerte competencia. The Cure han celebrado este año sus 40 años de carrera con un macroconcierto en Hyde Park de Londres el pasado 11 de julio. En él, ante 65.000 personas, repasaron toda su discografía acompañados de artistas amigos y admiradores como Goldfrapp, Slowdive, Interpol, Ride y The Twilight Sad. Sin noticias de nueva música desde hace ya una década, Robert Smith ofrecía recientemente una entrevista a Time Out en la que desmitificaba la teatralidad de su estética gótica.
Bon Jovi publicaban este año ‘This House Is Not For Sale’, su disco de estudio número 13 que no puede decirse que haya estado a la altura de las expectativas comerciales. No así su gira de presentación –sus tours suelen ser de los más rentables–, que no había alcanzado aún Europa. Hoy se han anunciado las primeras fechas de ese tour que llegará en la primavera de 2019 y se confirmaba que el grupo de Nueva Jersey regresará a España tras años de ausencia. De hecho, regresarán a Madrid, última ciudad en la que actuaron en 2013, en un concierto en el que aplicaron una política de precios especial –en aquella ocasión las entradas iban de los 18 €, las más económicas, a 39 €, las más caras–, habida cuenta de la delicada situación económica que atravesaba el país por entonces, a instancias de Jon Bon Jovi.
Live Nation, promotor del evento, confirma que el concierto se celebrará en el Wanda Metropolitano de la capital –en 2013 actuaron también en el estadio del Atlético de Madrid, por entonces el Vicente Calderón– el día 7 de julio. La pre-venta de entradas comenzará a las 10h del 8 de noviembre en la web de Live Nation, y la venta general se iniciará al día siguiente, el viernes 9 de noviembre en la misma web y en Ticketmaster. Los precios de las entradas aún no se han dado a conocer, aunque teniendo en cuenta que la situación económica del país ha… y ya tal.
Recordemos que, precisamente desde 2013 –ya no actuó en aquel concierto del Calderón–, Richie Sambora dejó de ser el guitarra solista de Bon Jovi, al parecer debido a una paulatina pérdida de protagonismo en la banda. Desde entonces fue sustituido por Phil X, músico canadiense que había trabajado con Rob Zombie, Alice Cooper, Avril Lavigne o Kelly Clarkson. Aunque Sambora sí se reunió con el grupo cuando a finales del año pasado fueron inducidos al Rock and Roll Hall of Fame.
Aunque su origen está en el pop shoegazer de finales de los 80 y en proyectos como Cocteau Twins o Galaxie 500, hoy cuando hablamos de dream pop es ineludible que el nombre de Beach House salga a relucir. Y a Honolulu, a los que conocimos por su participación en la última edición del certamen de bandas noveles de Apolo, Bala Perduda, les va a costar también que se hable de ellos sin que el proyecto de Victoria Legrand y Alex Scally salga a colación. Quizá porque son un dúo mixto (en el caso de Léa y Quentin Mével son, además, hermanos) y quizá también porque son, como Legrand, franceses. Y también, a qué negar, porque sus canciones remiten a los autores de ‘Bloom’, no nos engañemos.
Sin embargo el proyecto de estos dos jóvenes residentes en Barcelona y procedentes de la capital de Normandía, Rouen, bebe de otras fuentes: algunos de sus héroes son proyectos tan a priori lejanos como The Growlers y Brian Eno, o Robert Wyatt. Por esa vía, de hecho –la de Soft Machine– llega otro de los nombres que pueden definir su universo y que, además, también son hermanos: The Fiery Furnaces.
El caso es que toda esa retahíla de referentes no es nada sin canciones que llevarnos a la boca oreja, y ‘Sparrows’ no podría ser una mejor carta de presentación: en ella Honolulu muestran una contundencia y una limpieza que, en realidad, prescinde del factor dreamy de la etiqueta acuñada al principio de este texto. Pero sí hacen gala del magnetismo y la fuerza necesaria para que se conviertan en los próximos héroes del género –y no limitándose únicamente a un -ámbito local o nacional, sino también internacional–, mostrándolo además con un vídeo (dirigido por Pablo Nieto, producido por Zissou) lo bastante icónico como para que no sea olvidado fácilmente. Su próximo álbum debut, a editar próximamente por Foehn Records, probará si realmente están capacitados para ello.
Esta semana se ha presentado el primer single oficial de Petróleo, un proyecto musical que desde hace un tiempo está permitiendo al singular y polémico cómico Ignatius Farray –la última de sus controversias, el bloqueo en Twitter del escritor Arturo Pérez Reverte después de que aquel le llamara “payaso” sin ironía– dar rienda suelta a su faceta musical, esa que venía demostrando con sus gags en el programa de radio ‘La vida moderna’.
Y lo hace con la connivencia de uno de los grupos del rock underground nacional más en forma y relevantes de los últimos años gracias a discos como ‘El año de la victoria‘, Tigres Leones. Especialmente de Luismi Pérez, que ha compuesto las canciones para este proyecto –que partió como una sección regular para el programa ‘La Resistencia‘ de #0– que se miran en el espejo de proyectos del post-punk más corrosivo y provocador, el de “Pere Ubu, PIL, o Derribos Arias”, referentes citados en la nota de prensa de Sonido Muchacho, que lanza ‘Miedo a la música’, primer single del proyecto.
Con una versión de Los Saicos (‘Come On’) como cara B y portada de nuestra colaboradora Olaya Axolote, el sello madrileño lanzará el 24 de noviembre un single con esta canción que los propios Ignatius y Luismi presentaron meses atrás en el programa de David Broncano con una de sus sonoras –en varios sentidos– performances. Aunque de momento no se confirma, esta podría ser la antesala a un trabajo con más canciones de Petróleo, ya que acumulan un buen puñado de temas originales como ‘Así no’, ‘Il mondo’, ‘Universo en carne y hueso’ –con guiño a ‘Voulez-vous Coucher Avec Moi Ce Soi’ de LaBelle incluido–, ‘Hagas lo que hagas’ o ‘Acéptame por lo que soy’. ¿Logrará ser tomado en serio un proyecto como Petróleo? ¿Acaso es eso lo que los implicados pretenden? «Cuando nos preguntamos si no sería poco serio, no sabíamos que la respuesta vendría en forma de misil», dice la nota de prensa con mucho tino.
BIME ha cerrado sus puertas con un total de 20.100 asistencias, 11.900 de las cuales se produjeron este sábado para ver conciertos como los de MGMT o Gusgus. El festival «indoor» de Bilbao organizado por Last Tour (Bilbao BBK Live, Azkena) cuenta con un espacio electrónico aparte denominado Gaua en el que a última hora de la noche actuaba Nina Kraviz, pero ante todo en esta sexta edición se ha vuelto a anotar el tanto de la exquisitez, con un cartel de gusto refinado que compite en exigencia con otras citas como Primavera Sound o incluso Sónar en su vertiente más electrónica. Entre las cuestiones organizativas más comentadas para mal o para bien, las largas colas para dejar los paraguas en el ropero (obligatorio, no se podía acceder con ellos) y los 2 euros y medio que costaba cada vaso de plástico: luego te devolvían el dinero, sí, pero la consecuencia fue que no se vio ni un solo vaso tirado por el suelo, pues valía su peso en oro. En cuanto a las actuaciones, estas fueron las más destacadas del sábado (crónicas del viernes, aquí). Fotos: Oscar L Tejeda y Tom Hagen.
Sun Kil Moon tocan su tema de Kurt Vile, con quien coincidían
Kurt Vile, con su sonido tan amasado, estudiado y reconocible, y Sun Kil Moon competían por ser la alegría de la huerta a eso de la hora de la cena. Escogí el segundo porque era sentado. Mark Kozelek se presentó en formato trío con un delicadísimo piano tocado en plan jazzy y un guitarrista, mientras él se movía por el escenario como un crooner raro, un tanto Morrissey queriendo desmelenarse a lo Nick Cave pero conteniéndose. Dejó muchas anécdotas, como el momento animalitos de ‘666 Post’ o las críticas a las redes sociales y a la religión de ‘Blood Test’, con llamada amenazante a la caja de ritmos. ‘1983 MTV Era Music Is the Soundtrack of Outcasts Being Bullied By Jocks’ la presentó como una composición dedicada a la ciudad de Filadelfia, incluido Kurt Vile, con el que, como decía, estaba coincidiendo, y que forma parte de la letra. Es otro “spoken word” esta vez muy cercano a Leonard Cohen en el que se cita a Dire Straits, Madonna, Rage Against the Machine o la peli de Tom Hanks. Canciones de unos 12 o 15 minutos y kilométricas letras, que alguna vez Kozelek lee con mucha elegancia en un atril, y cuya embestida gran parte del público resistió. Aunque solo fuera por el humor con el que bromeó sobre qué hacer cuando le quedaban 6 minutos (la mitad de lo normal para él) o cuando aseguró que ‘Benji’ había sido su debut. «Voy a terminar con una canción de ‘Benji’. ¡Bieeeeen! Todo el mundo sabe que es mi primer disco…»
ionnalee colapsa el Escenario Antzerkia
Canceladas las actuaciones primero de Fever Ray y luego de M.I.A., el BIME quedaba un poco huérfano de artistas femeninas, pues la sustitución de última hora para ambas en última instancia terminó siendo Four Tet. El público, no obstante, parecía tener ganas de electrónica nórdica, y el show de ionnalee, la artista anteriormente conocida como iamamiwhoami, fue uno de los más concurridos del escenario Antzerkia pese a coincidir con los agradables medios tiempos rockeros de Stephen Malkmus, que suele cerrar con algún guiño a Pavement. En principio a duras penas se podía acceder. ionnalee recuerda mucho a Kate Bush (esa voz aguda) y a Goldfrapp (el mono blanco ajustado con cola furry), pero termina brillando con luz propia por la escasez de shows parecidos en cualquier festival y por las currada e impoluta escenografía: hasta su DJ a las bases iba de blanco. Mención especial merece su obsesión por los ventiladores, pues prácticamente no actúa si no tiene uno delante, y para su capa con luces: la gente enloqueció con esta tontería. La artista recogió un objeto tirado por un “fan” que casi se la lleva por delante, tras lo cual ni se inmutó: “No me quiero ir, así que me quedo”, dijo cual Cristina Cifuentes antes de interpretar un par de temas más. Aunque es verdad que la gente se fue yendo a MGMT poco a poco, a ella se la veía encantada y prometió volver “tan pronto como le fuera posible”.
MGMT sobre una bicicleta estática
La reconciliación es casi absoluta con MGMT gracias a su último disco, a cómo han aceptado incorporar sus hits a su repertorio (al fin conscientes de que han hecho historia) y a su ambicioso set lleno de plantas, motivos de Halloween, más músicos de los que esperabas, visuales psicotrópicos y llenos de humor. Hablando de humor, no se puede pasar por alto que ‘She Works Out too Much’ sonó mientras su cantante Andrew VanWyngarden le daba a una bicicleta estática sobre el escenario, representando la canción. La gente lo había dado todo con ‘Time to Pretend’ y lo daría luego con ‘Me and Michael’ y sobre todo ‘Kids’ seguidas (esta última con el cantante echado en el suelo). La gran pega, la prueba de sonido a todo volumen de Gusgus al lado, un par de temas más rollete hacia la mitad y la enorme cantidad de gente fumando en este espacio cerrado. Se abrió la veda del tabaco en este concierto y ya no se volvió a cerrar: el BEC se convirtió entonces en un recinto solo apto para fumadores.
Gusgus, emocionados
Percibía a Gusgus algo parados en comparación a su concierto en Paraíso Festival, y vi a Biggi Veira mucho más relajado que en aquella ocasión salvo alguna coreografía ocasional como la que hizo tipo pilas Duracell justo antes de la maravillosa ‘Lifetime’. Pero hubo de ser percepción mía. Realmente su sonido fue espectacular, de los mejores oídos en BIME, y al final con ‘Deep Inside’ se metieron al público en el bolsillo, con el cantante subido en la mesa de su compañero de grupo y este arrebatándole el micro para expresar cuán agradecido estaba por el especialísimo show de esta noche. La verdad es que no hay manera de que les salga algo mal.
S-I-N-G-U-L-A-R-I-T-Y
Jon Hopkins comenzó titubeante en unos instantes que por lo que luego vimos a Four Tet parecía una pequeñísima prueba de sonido. Lo cierto es que el verdadero principio fue avasallador con las canciones que abren ‘Singularity’, uno de los discos del año, si no el álbum del año. Proyecciones en azul, del manga al mundo mágico y cósmico en general, para unos temazos que despuntaban mismamente respecto a lo que sonó en su “live” después, mostrando que esta puede ser una gran cumbre en su carrera. Luego hubo de todo, momentos más acertados y menos, entre estos, dos bailarinas cargadas de luces algo horteras, pero lo logrado en los instantes de comunión fue, sí, “singular”. Un gran show tras lo cual la sesión de techno de Four Tet sonó algo descafeinada y predecible.
La tarde del sábado había arrancado con Rolling Blackouts Coastal Fever, que se han hecho un hueco esta temporada practicando un pop de guitarras en desuso. La banda presentó un sonido cristalino, ofreciendo un show muy entretenido, sobre todo en su primera mitad, en el que no faltó su hit ‘Talking Straight’ ni otros temas que introdujeron de su nuevo disco, como ‘Exclusive Grave’ o ‘Mainland’. A destacar los bailes que se pegó el bajista en el centro del escenario, un tirillas a una gorra pegado que no dejó de darlo todo, a lo suyo, durante la casi hora de set. Por su parte, Unknown Mortal Orchestra alternaron momentos rockeros, como esa escapada del guitarrista y cantante fugado pegándose una carrera entre el público nada más salir, con otros más psicodélicos e incluso soul y disco (la canción final tuvo un bajo un poquito ‘Heart of Glass’). Ruban Nielson mostró sus maneras tirándose al suelo ofreciendo una imagen de grupo menos seria o aburrida de lo que pueda parecer. Lo mejor, el momento jazz de uno de sus miembros al saxo. Parecíamos estar de repente en la primera temporada de ‘Twin Peaks’.
Hace un par de semanas el girl-group británico por excelencia del último lustro, Little Mix, presentaban el que ahora sabemos será el primer single de ‘LM5’. Sí, es su quinto álbum de estudio y ya han presentado su portada y tracklist, antes de su publicación el próximo 16 de noviembre. Se titula ‘Woman Like Me’ y, entre mensajes de empoderamiento femenino, incluye una colaboración con la ínclita Nicki Minaj. Hace unas horas se ha presentado el vídeo oficial del tema y, como es habitual en todo lo que toca la rapera de Trinidad y Tobago, está siendo un considerable éxito en Youtube, superando ya los 12 millones de reproducciones.
El clip muestra a las cuatro chicas de Little Mix ascéticamente vestidas de negro –en bodies, eso sí– en el interior de una furgoneta estilo ‘El Equipo A’, que las conduce hasta una mansión victoriana en la que, ya ataviadas con sus mejores galas, deben pretender comportarse como mujeres de bien que cumplen con todos los arquetipos de comportamiento que el patriarcado tiene preconcebido para su sexo: realizar las tareas del hogar, comportarse de manera refinada y estar guapas. Ellas se rebelan contra todo eso bajo la atenta mirada de Nicki, hecha un cuadro… literalmente.
El dancehall-pop de ‘Woman Like Me’ ha gozado de un considerable éxito en Reino Unido, como viene siendo habitual para sus intérpretes. Sin embargo, tras entrar de manera directa en su primera semana al Top 5 de la lista de singles de UK, esta semana ha bajado un puesto mientras contemplaba cómo Lady Gaga recuperaba el número 1 de esa lista 8 años después. Este vídeo la hará, previsiblemente, subir, claro pero… ¿lo bastanta como para alcanzar el quinto top 1 de su carrera?
Tracklist de ‘LM5’:
1 The National Manthem
2 Woman Like Me feat. Nicki Minaj
3 Think About Us
4 Strip feat. Sharaya J
5 Monster In Me
6 Joan Of Arc
7 Love a Girl Right
8 American Boy
9 Told You So
10 Wasabi
11 More Than Words
12 Motivate
13 Notice
14 The Cure
Deluxe:
15 Forget You Not
16 Woman’s World
17 The Cure (Stripped)
18 Only You Cheat Codes x Little Mix
Siete años sin La Estrella de David han sido demasiados. Vale que David Rodríguez no ha estado precisamente inactivo durante todo este tiempo; lugarteniente de La Bien Querida, labores de producción (Rombo, Los Punsetes), colaboraciones varias (la última, el magnífico ‘Los sentimientos’ de Jonston), le han mantenido en el candelero. Pero, ay, no es lo mismo. ‘Maracaibo’ fue uno de esos discos que tocan la fibra profundamente. Sin embargo, después de alumbrarlo, dio la impresión de que su proyecto en solitario ya no iba a tener continuidad. Hasta que llegó la buena nueva: ‘Consagración’, su esperadísimo tercer álbum. El hecho de que Sonido Muchacho, Hi-Jauh USB? y Terranova hayan unido fuerzas para editarlo da la medida de la cantidad de fans de David que pululan.
No encontramos a David Rodríguez exactamente en el mismo sitio que en 2011, pero sí en casi la misma situación. Se mantiene fiel a un paisaje: El Baix Llobregat, Sant Feliu en concreto; a una manera de cantar, arrastrada, desafinada y extrañamente emotiva; a un romanticismo doméstico, cotidiano, pero certero a nivel emotivo. Imposible no sentirse identificada con esas historietas de gente a la que se echa demasiado de menos, a la que no sabes muy bien si echaste tú o se fue sola. Todo regado con abundantes dosis de inteligencia y sensibilidad, David continúa paseando ese personaje “tan flojito” con el que sarcásticamente se retrata al final del álbum. Como sarcástico es el título (y su portada). La Estrella de David ya se consagró hace tiempo. ¿O quizás es la constatación del propio autor de que este es su mejor disco? El más compacto, desde luego.
En ‘Consagración’ ganan los medios tiempos en los que David sube pocas veces la voz, como si más bien nos susurrara sus penas y quebrantos. Medios tiempos de letras tiernas con bordes aflictivos, de melodías suaves, casi de pura de canción pop romántica, a las que se añaden sus querencias kraut, las baterías sincopadas, secas (¿electrónicas?) de Jordi Irizar y los bajos postpunk. El arranque no puede ser más devastador: la tríada de desazón y desamor que conforman ‘Me ha parecido que estaba en mi cabeza’, ‘Cariño’ y ‘Aceite’ es emocionalmente demoledora, en su simplicidad de cantautor pop mostrando sus miserias sentimentales y su añoranza por la amante (¿abandonada? ¿“Abandonante”?). La primera es una letanía, increíblemente pegadiza, con La Bien Querida acompañando en el estribillo. ‘Cariño’ es una genialidad con algo de New Order, un reprise en que se narra una historia de amor desigual, aunque el inicio recitando a todas esas periodistas rancias pueda confundir (tal como indicábamos, seguramente sirva para ejemplificar a una pareja de otra casta). Desarma su súplica a seguir siendo amigos, aunque sea (y no sólo en Facebook). “Tú siempre fuiste la más lista / y no querrás volver a verme”, concluye con un deje de amargura. Divertida y tierna es también ‘Aceite’, latineo irónico en su melodía y alguna expresión (esos “dame aceite, mamita”, particularmente graciosos cuando los entona con su voz), pero con una profunda hondura sentimental gracias no sólo a su letra, sino a la digresión de la guitarra y el desespero con lo que acomete los versos de ‘Los sentimientos’ de Jonston, aquí usados como culminación.
No sólo hay desventuras afectivas, también las hay autobiográficas. “Mi padre tenía una escopeta de balines / Y me llevó a disparar a un descampado / Y ahí ya me di cuenta/de que nunca sería capaz de hacerme / mis propias cecinas y morcillas”, recita en ‘La primera piedra’, una canción que a ratos parece de de autoayuda, a ratos parece burlarse del espíritu de superación. Aunque la culminación de los infortunios vitales es ‘Noches de blanco Satán’. De explosión planetaria, es un implacable retrato de la angustia de la primera juventud, cuando sólo topas con la inercia y la inacción como horizontes vitales. ‘Erosky’, balada a piano glosando de manera conmovedora las tardes en los centros comerciales, cierra una cara A demoledora, inapelable.
La cara B la abre ‘La canción protesta’, la canción más bailable y el único tema bufo del álbum (lo que en ‘Maracaibo’ fue ‘La gran fiesta de la democracia’), con letra de Luis Troquel. Una rumba psicodélica que es un venenoso dardo contra la actitud de algunos cantantes públicamente comprometidos, pero privadamente (o no tan privadamente) con más ínfulas que una diva. Aun así, aunque divertida, no es de lo mejor del disco. De hecho, la cara B empieza de manera menos fulgurante que la A… hasta que irrumpe ‘Maracaibo’, la canción más bonita y más triste entre un ramillete de canciones tristes y bonitas. Con los teclados un poco de feria, las baterías sincopadas, el estribillo cantado con exaltación, alcanzando las alturas del ‘Technique’ de New Order, en la rememoración de un antiguo y no olvidado amor: “La canción de esos veranos / siempre suena con tu voz”. También muy notable es ‘Consagración’, mezcla de italo disco melancólico y postpunk brumoso, podría ser perfectamente algún oscuro hit synthpop de los ochenta.
Durante todo el minutaje David pasea ese aire de tipo de-vuelta-de-todo, de perdedor cínico-romántico. Mucho más romántico que cínico. No en vano, se autofustiga al final en ‘Amor sin fin’, recreando la derrota del tipo que va a fiestas en contra de su voluntad, pero que se acaba erigiendo en el antihéroe que siempre estará ahí, a tu lado. Aparentemente desdeñoso, pero profundamente empático y humano.
Calificación: 8,3/10 Lo mejor: ‘Me ha parecido que estaba en mi cabeza’, ‘Cariño’, ‘Aceite’, ‘Noches de blanco satán’, ‘Maracaibo’ Te gustará si te gustan: La Bien Querida, Jonston, Marcelo Criminal Escúchalo:Bandcamp, Spotify
Jessica Pratt, una de las voces más carismáticas del folk americano actual, ha anunciado esta semana la llegada de su nuevo disco, ‘Quiet Signs’, para el 8 de febrero. Es su primer álbum desde 2015, año en el que publicó el aclamado ‘On Your Own Love Again’, que le puso en el mapa de miles de amantes del folk en todo el mundo gracias a canciones tan íntimas y misteriosas como ‘Back, Baby’.
El primer avance de ‘Quiet Signs’ es ‘This Time Around’, que recuerda en principio -y en base a un par de acordes contados- a las tiernas baladas de blues tropical de los años 50 y 60 (su sello, Mexican Summer, la compara con Caetano Veloso). Sin embargo, el tema adquiere un tono más taciturno en cuanto Pratt empieza a cantar, evocando “vientos sombríos” y situándose en la “hora más oscura de la noche”. Es ahí cuando emerge, como de la nada, una delicada melodía de sintetizador que parece levitar alrededor de Prat, iluminándola con su luz tenue.
El efecto es hipnótico, y lo es más gracias a la interpretación de Pratt, quien se entrega aquí, con la mayor delicadeza posible, a una de sus letras más lóbregas. Hablándonos también de “años extraños y perdidos”, panoramas grises y una “cruel lucha”, la declaración final –“it makes me want to cry”– no puede ser más conmovedora, como tampoco lo puede ser la eterna melodía de ‘This Time Around’, una de las más bellas y misteriosas jamás compuestas por Pratt.
Totalmente fascinado por el fenómeno La M.O.D.A., uno de los grupos con más festivales del país este verano (más de 20), cuando desde Promo Sin Fronteras (Amaral, Vetusta Morla) me ofrecen entrevistar al grupo, no me lo pienso. Han sido top 10 de ventas en España, presentan ahora un nuevo EP de 3 canciones grabado junto a Steve Albini (Nirvana, Pixies, PJ Harvey) y sin duda se están convirtiendo en un grupo generacional desde la independencia y al margen de la industria (siguen viviendo en Burgos, de donde son).
David (en el centro de la imagen) acapara el 90% de la conversación, pues para algo es la voz de la banda, y se presenta consciente de que La M.O.D.A. no han tenido críticas buenas en nuestro site, salvo en directo. Contra todo pronóstico, es un entrevistado deslenguado y divertido, a veces contradictorio, pero nunca ceñido al ocultismo de otros grupos de éxito, entrenadísimos para evitar generar titulares. Camela: es de los que se aprende enseguida el nombre del/la periodista y se dirige a él/ella por su nombre; y con el que, en contra de lo que puede parecer en un par de momentos, me habría quedado hablando toda la tarde de urban, mainstream, doom metal, Celtas Cortos y Rosalía. También están presentes en la entrevista, que tiene lugar en una terraza de la Plaza San Ildefonso (Madrid), Nacho (guitarra) y Jose (acordeón y coros), menos parlanchines, pero con las ideas muy claras. Foto: Alex Rademakers.
Este EP presenta un cambio de sonido, ¿es intencionado?
David: “Sí. Teníamos 3 canciones nuevas y veíamos que había bastante diferencia: no había clarinete, no había banjo, no había mandolina, que es el sonido que más nos ha caracterizado. Teníamos estas canciones más crudas, cortas, potentes, con más guitarra eléctrica, y pensamos que necesitábamos otra persona para grabarlas. Al tocar en Ruido Fest en Chicago pensamos en trabajar con Steve Albini y cumplir una fantasía, creo que de muchos grupos. Le mandamos unas canciones y le cuadró. Ha sido la persona y el estudio adecuados para sacar esta grabación en analógico, que marca un antes y un después con respecto a cómo hemos grabado”.
¿Le habíais tirado ya la caña antes como productor?
D: “Es imposible de plantear para nosotros, sin discográfica, una grabación de 7 personas allí durante 15 días… por eso esto era perfecto. Eran solo 3 temas, grabamos en un día, tocando a la vez, mezclamos en otro y nos sobró otro que nos devolvió (NdE: el dinero). Es muy currante. No come mientras trabaja, llega a las 10.00 y se va a las 22.00, está enfundado en un mono azul oscuro, el típico de las películas americanas. Pregunta todo, no se mete en nada de las composiciones, quiere que mezcles allí con él y te obliga a tomar las decisiones. Te dice “I don’t have an opinion”. Gorka de Berri Txarrak y Jorge de La Habitación Roja nos han dicho que han salido marcados de trabajar con él y creo que nosotros también”.
¿Él había escuchado vuestra música y no os dijo si le gustaba o no?
D: “Él te dice sí o no: si le cuadra. Te pide 3 canciones. Pregunta qué tipo de grupo es, si está en una multi… y decide con quién trabaja y con quién no. Nos dijeron que curra como 2 días a la semana, la mitad del mes. No anda pillado”.
¿Erais especialmente seguidores de Steve Albini?
Nacho: “Somos muy melómanos, habíamos visto documentales, entrevistas, el primer capítulo de la serie de documentales de Dave Grohl es el de Chicago con Steve Albini. Fue muy majo. El estudio es increíble. Fue una gozada”.
“Le pusimos a Steve Albini el primer single de lo nuevo de Rosalía, y a los 5 segundos o 7 nos obligó a quitarlo. Puso una cara bastante poética”
¿Qué creéis que vio en vosotros?
D: “No lo sabemos, las bandas españolas con que ha currado son muy diferentes. Grabó también con 12welve, que no tiene nada que ver. Yo creo que a él le gusta tratar a todo el mundo por igual, le da igual Metallica que Camela. Sí que nos pasó una anécdota muy divertida. Nos preguntó por música española, por flamenco. Le pusimos el primer single de lo nuevo de Rosalía, y a los 5 segundos o 7 nos obligó a quitarlo. Puso una cara bastante poética”.
¿Igual no le gusta el pop?
N: “Más bien el pop con el flamenco”
D: “Justo no le ha gustado Rosalía”.
¿Qué canciones vuestras le pasasteis para que escuchara?
D: “No lo pensamos mucho: ‘Los Lobos’… y no me acuerdo. ‘Héroes del sábado’, por mandar una antigua, una más rapidilla, y otra nueva”.
Os la jugabais un poco, ¿no?
D: “Uno no puede gustarle a todo el mundo. Si nos dice que somos los mejores tampoco nos lo vamos a creer, así que si no le mola, no vamos a dejar de tocar. Tampoco es que haya cambiado nuestra vida que a Steve Albini le gustemos. Ha sido la hostia por grabar con él, pero si no le hubiera gustado, no habría pasado nada».
¿Qué disco producido por él os ha gustado más?
D: “Me gusta uno de Slint, creo que se llama ’Spiderland’, soy muy malo con los nombres, el de la portada de los lagos. El disco de Berri con Albini tampoco me mató, aunque somos seguidores. Era muy cañero y crudo pero no era una cosa… De Nirvana el de después de la piscina suena increíble. Algún disco de PJ Harvey, Pixies… pero sobre todo del rollo de bandas de Washington que tanto han influido en BCore y Santi García. Con Fugazi no ha llegado a grabar, pero el 80% de ese sonido lo ha grabado él”.
N: “Su marca es el sonido tan clave de las baterías…”
¿Este cambio de sonido es decisivo para vosotros de cara a vuestro próximo álbum?
D: “No, es aislado, puede que no tenga nada que ver con esto. Por cómo han salido estas canciones de manera natural veíamos que se podían agrupar, pero solo muestra una cara más del grupo. Siempre hemos intentado no repetirnos, nos gusta sorprender a nuestros seguidores, sorprendernos a nosotros mismos y cubrir diferentes aspectos o espectros de sonido que nos llegan”.
La primera canción del EP, ‘El camino’, es la más diferente a lo que hacíais, ¿no?
D: “La primera la vemos la más parecida, por el saxo”.
N: “Por eso la metimos la primera, para no asustar”.
D: “Es la que más nos recuerda a Springsteen”.
Yo veía más típica vuestra ‘Colgados del sol’.
J: “Quizá te recuerda más por el acordeón, por la instrumentación”.
D: “No hemos intentado que sea rupturista tampoco, creo que somos una banda reconocible por el sonido”.
‘Altamira’ ha estado entre las canciones “trending” en Youtube España. No sé si estáis pendientes alguno de estas cosas.
J: “Sobre todo yo, pero es por estar actualizado. No significa nada, es una curiosidad más”.
N: “Tiene menos visitas que otros temas que están ahí”.
J: “Es algo anecdótico”.
“Hay artistas que sí creo que están aportando una forma nueva de entender la música, o una mezcla de sonidos que no se había hecho y luego hay otros que van detrás. A nosotros nos da igual saber si estamos delante o detrás. Eso os interesa a los medios”
Tendrá menos visitas porque lleve pocos días en “trending” (o porque no se vea mucho el vídeo fuera de España), pero es una anomalía entre todo lo latino y el urban, no hay tías medio desnudas: significa que os va muy, muy bien.
D: “Si esa es la visión, es muy positivo. Un grupo que no tiene discográfica, que no está entre los sonidos que se están escuchando más: el reggaeton, el latineo malo -que hay latineo bueno-, lo que sale en Los 40, lo que los medios habéis llamado música urbana –que nosotros en música urbana metemos a Erik Urano y nos flipa lo que hace–… No se trata de rechazar un género, pero hay una música que está de moda, que cuando teníamos 15 años era lo que llamábamos nosotros el rock calimochero, y ahora está la música urbana. En unos años quedarán los artistas originales y los que han copiado se irán, como se ha ido mucha gente que ha copiado a Extremoduro. En su día fue Mecano y en el día de mañana será… ¿Por qué sonríes?” (risas).
Estoy esperando a que acabes.
D: “Pero estás pensando algo tú, ¿eh? ¿Qué estás pensando? ¡Dímelo! (risas)”.
¿Vosotros no estáis entre los que copiáis?
D: “Yo no he dicho copiar”.
Claro que lo has dicho…
D: “No, no jodas. Claro que no estamos entre los que copiamos. En 2013 Yung Beef sacó una canción y hay peña que hace esa canción en 2018. A eso me refiero. Nosotros no hemos inventado la rueda, y nos da igual lo que piense la peña. No queremos que Spotify nos firme un contrato o nos ponga una lona o que un medio diga de nosotros que somos la última maravilla de nosequé o que la ex novia de Cristiano Ronaldo se haga un Stories con nuestra canción. Lo nuestro va por otro lado. No es mejor ni peor: estamos acostumbrados a otro camino y todo eso nos queda lejano. Observamos, vemos lo que la gente hace bien o lo que hace mal, porque se puede aprender de casi todo el mundo. Pero es otro lenguaje, como si yo ahora mismo te hablara en ruso.
Hay gente que solo mira la novedad. No la propuesta en sí. Hay artistas que sí creo que están aportando una forma nueva de entender la música, o una mezcla de sonidos que no se había hecho y luego hay otros que van detrás. A nosotros nos da igual saber si estamos delante o detrás. Eso interesa a los medios y se ve mejor desde fuera, si Banana Bahía Music ha cambiado la música de este país o si ha sido otro, o si les han copiado o ellos han copiado al guiri… es un debate más de internet y la gente que hacemos música estamos más a otras cosas, más a escuchar ese disco que a tener una opinión sobre él”.
«No queremos que Spotify nos firme un contrato o nos ponga una lona o que un medio diga de nosotros que somos la última maravilla de nosequé o que la ex novia de Cristiano Ronaldo se haga un Stories con nuestra canción. Lo nuestro va por otro lado. No es mejor ni peor»
¿Vosotros consideráis que aportáis cosas nuevas?
D: “Consideramos que nos expresamos de forma honesta sin fines comerciales. No sé si estamos aportando algo, eso corresponde decirlo a los medios o al público”.
¿Hay algún grupo con el que estéis hartos de que os comparen?
D: “No. Estamos centrados en componer, ensayar y tocar. Cuando haces 100 bolos por gira no estás pendiente de esas cosas”.
No salisteis en el Cachitos indie, no sé si lo visteis…
N: “Hemos visto varios, pero este no, porque nos teníamos que levantar a las 6 de la mañana para venir aquí” (Madrid).
“Lo mismo estamos con Los Chikos del Maíz que con Kaos Urbano y Taburete. No sabemos por qué pasa, pero no tenemos ese sectarismo de querer pertenecer a una escena (…) Son muy aburridas las etiquetas y las comparaciones que hacéis los medios”
No me esperaba que pusieran a Vetusta Morla de “torp 1 de lo indie”, pero también salieron Izal. ¿Os habría sorprendido veros ahí?
D: “No nos sorprende ya nada. No sabemos dónde caer o dónde colocarnos. Tocamos en Sonorama, luego en Cruïlla y luego en Aupa Lumbreiras, un festival de punkis de Murcia. Para mí es muy positivo. Lo mismo estamos con Los Chikos del Maíz que con Kaos Urbano y Taburete. No sabemos por qué pasa, pero no tenemos ese sectarismo de querer pertenecer a una escena. Lo mismo escucho a Javier Colina que a Delorean con Mikel Laboa o a Social Distortion. Son muy aburridas las etiquetas y las comparaciones que hacéis los medios. O de repente el grupo que entra por el ojito derecho a la prensa, que suele ser cuando no le va bien comercialmente”.
Por nosotros no lo dirás. A mí ahora es cuando más me gustan Vetusta Morla.
D: “Pero tú no eres todos los medios. Lo digo por las etiquetas en general: “eres indie, jazz, flamenco”. Hasta a Rosalía le ha salpicado esta historia”.
¿Habéis tocado con Taburete?
D: “Hemos coincidido en Salamanca, vinieron a saludarnos después de un concierto”.
¿Y qué tal?
D: “Sin más. Al acabar solemos hablar con el público, en el merch(andising). Taburete son educados, agradables, respetuosos. Somos dos mundos diferentes, creo que ellos han ido a otro tipo de colegios, han tenido otros cumpleaños, otras amistades (risas). Y ahí queda. Sin más”.
Creo que podéis compartir algo de público, ahora que los has mencionado.
D: “No estoy nada de acuerdo”.
N: “Es gente joven, de edad parecida…”
D: “Para empezar, ideológicamente es incompatible. La línea está clara en las letras, en las entrevistas, con quién firmamos, cuánto valen las entradas de nuestros conciertos, los conciertos gratuitos que hacemos… Aun así, te sorprendes a veces y no puedes elegir el público que te escucha. Pero nosotros podemos estar muy tranquilos porque tomamos todas las decisiones: qué diseñador hace la portada, qué fábrica los vinilos, qué importancia le damos a los vídeos cuando la gente le da más importancia ya que a las canciones…”
«Echamos de menos en esa música latina que tiene tanta audiencia, 30 millones de visitas en un día, un mensaje»
Sí que hay una carga social en vuestras letras, por ejemplo en una de las nuevas, ‘Altamira’. ¿Qué quiere decir la frase “se han dicho tantas cosas y a la vez ninguna”?
D: “No es una crítica a los demás, los primeros seríamos nosotros. Surge de la importancia de lo que hacemos. Estoy dedicando a esto mis mejores años, ¿pero qué está aportando? ¿Es todo pose, palabrería y no sirve de nada? No es ego sino ser autocrítico e intentar que lo que uno haga sirva, seas un artesano haciendo mesas, la persona que nos ha puesto la caña o lo que tú escribas. Una canción acaba y la Tierra sigue girando de manera diferente a cómo todos querríamos, cuando todos los que estamos en esta plaza estamos de acuerdo en mensajes antirracismo, antihomofobia, que no haya gente muriéndose de hambre mientras otros tienen un yate… Echamos de menos en esa música latina que tiene tanta audiencia, 30 millones de visitas en un día, un mensaje. No digo “hay que mojarse”, pero a veces se echa de menos entre tanto cochazo, pibón, Instagram, pibe musculado, bailes, conciertos gigantes de Beyoncé, coreografías, luces… todo eso muy guay, ¿pero qué le estamos diciendo a la gente? ¿Que le vas a decir a ese chaval cuyo padre no tiene dinero para pagarle las clases de baile? ¿Que la única manera de triunfar es convertirse, entrar en una multinacional, operarte…? Esa canción surge de ahí para tocar también el tema de la censura y la autocensura.
Aunque no seáis Beyoncé, vuestros conciertos resultan bastante visuales, ¿de quién fue la idea de vestiros todos iguales?
D: “Fue de todos. No somos tontos: las cosas entran por los ojos. Nos gustaba para no dar más importancia a ningún componente. Flipé al ver Social Distortion, igual que la gente ha flipado con Kraftwerk en otro estilo. Queríamos dar esa sensación de bloque, de unidad. Es una prenda (una camiseta blanca de tirantes) que está en las antípodas de estar de moda, es bastante barata y la puede llevar una profesora de filosofía o el panadero de mi barrio».
¿A todos os pareció bien?
D: “Sí”.
«Nadie sabe cómo nos llamamos ninguno, nadie nos reconoce y el mensaje es el de la música, quitar artificio»
Pero deja a los demás hablar…
(risas)
N: “Yo no tuve que estar en esa decisión, soy el único que ha tratado más tarde, pero siempre les he dicho que no tienen conciencia del acierto que ha sido. Salimos a tocar y somos un equipo. Me encanta esa sensación y la gente lo recibe de esa manera. Nadie sabe cómo nos llamamos ninguno, nadie nos reconoce y el mensaje es el de la música, quitar artificio. Llevamos luces pero pocas y está todo tocado en directo. Nos gustan también otro tipo de espectáculos, U2 cada vez renuevan el escenario, intentan innovar en cada gira, y Beyoncé tiene músicos brutales, pero nosotros queremos que (sólo) las canciones hablen”.
¿Decís que está todo tocado en contraposición a alguien?
N: “A mogollón de grupos”.
¿Os referís al abuso de coros pregrabados?
N: “Y secuencias. Hay cosas que no se pueden tocar, y lo entendemos. Pero es otra propuesta, otro mundo. Nosotros ni nos lo imaginamos”.
D: “Si no tocas lo que suena, no tiene sentido para nosotros”.
N: “Que suene un bajo y no haya un bajo. Y cosas más sutiles, coros secuenciados. No me parece gente deshonesta, depende de quién lo haga, pero lo nuestro es otra cosa”.
D: “Habría que preguntarse si antes habría salido gente como Camarón”.
N: “Ya había gente haciendo trampas entonces”.
Uno de los momentos más significativos de uno de vuestros mayores hits repite: “No te olvides de dónde vienes”. ¿Cuál es el momento en que habéis estado más cerca de que os pase, después de tanto éxito.
J: “No ha habido ningún momento, somos de Burgos, un día tocas en Mad Cool, al día siguiente vuelves y nadie te reconoce. Les da igual si has tocado delante de miles de personas: eres un vecino más, no nos damos importancia por ello”.
D: “Vivimos en una ciudad que no es Madrid o Barcelona, no hay una gran industria musical. Vivimos ajenos a esto”.
Pero sí hacéis mogollón de conciertos, y es normal perder el sentido de la realidad pasando tanto tiempo en la carretera.
J: “Después de un concierto yo me cambio de camiseta y no me reconoce nadie”.
D: “Siempre hemos mantenido cierta distancia, también en redes”.
N: “Si te tienes que levantar a las 5 de la mañana para ir a dar otro concierto, se te quita la tontería que puedas tener. Estamos todo el día trabajando. Estamos siempre ensayando, ni podemos pararnos a pensar que somos alguien”.
En un concierto os oí decir “nadie nos ha regalado nada”. ¿Tenéis cierto resquemor porque la prensa no os ha tratado bien?
D: “¡Qué va! Con todo el cariño, enfocas todo como hacia lo negativo. Si decimos que hay gente que copia, no significa que digamos que no hemos copiado».
Lo enfoco a lo negativo porque “nadie nos ha regalado nada” es una frase en negativo.
D: (risas) “Tú eres quien hace las preguntas, pero lo podías enfocar a que estamos orgullosos de lo que hemos conseguido” .
«Somos conscientes de que somos todo lo contrario a algo experimental o arriesgado en muchos parámetros»
Pero es que no estoy aquí para hacerme tu colega, estoy aquí para preguntarte cosas y ver qué dices.
D: “¡Eso está claro! (risas) Lo he visto cuando te has pedido una Coca-Cola Zero (risas). Creemos que somos bastante afortunados, somos conscientes de que somos todo lo contrario a algo experimental o arriesgado en muchos parámetros, que puede entrarle a mucha gente, a una señora, a un chaval… Nos jode que haya muchas bandas de música increíble que no toquen no en Mad Cool sino ni en Joy Eslava. Siempre hemos reivindicado que se abran las orejas a los sonidos experimentales, no se puede despreciar algo porque tenga ruido o no haya voz, hay mucho que descubrir. También es significativo del nivel cultural de nuestra sociedad y de la implicación gubernamental. En un país idílico habría medios para que grupos que no pueden vivir de los discos, de los directos o de digital, pudieran seguir funcionando y que no solo triunfe La MODA, el indie, el urban como tú lo llamas, sino que haya un grupo de sludge, de doom, que pueda tener una vida de 15 años o grabar con Steve Albini».
Anoche debutaba en en el canal MovistarCine (¿?) de Movistar+ –más tarde, a las 00:50h, se repitió en abierto en #0– ‘Sesiones Movistar+‘ –desde luego, el nombre es de largo lo peor del programa–, un nuevo programa musical de la plataforma digital presentado por Arturo Paniagua y que contó con Vetusta Morla –recientes Premio Ondas y el primer grupo español en años en poder llenar por sí solo un recinto al aire libre de casi 40.000 personas– como primeros invitados. El espacio, de unos 40 minutos de duración, recoge las actuaciones en directo del grupo o artista invitado en un set televisivo bastante espectacular en el plano técnico –aunque sin público–. En el caso del grupo madrileño, no se ciñó a un repertorio previsible: aunque repitieron con temas de ‘Mismo sitio, distinto lugar’ que ya tocaron en su aparición de ‘La hora musa’ de La 2, añadieron canciones poco evidentes del mismo disco (‘Guerra civil’) y recuperaron ‘Cuarteles de invierno’. Aunque el gran aliciente en esa parcela fue que, ante el requerimiento del programa de tocar una versión de un tema ajeno, Pucho y los suyos optaron por ‘El mundo extraño’ del fantástico grupo argentino Él Mató a un Policía Motorizado. En todo caso, el grupo demostró el nivelazo de interpretación –algo grandilocuente, pero innegablemente poderosa– que ostentan, a la vez que emergen las influencias de grupos como Radiohead, Coldplay o U2.
En el aspecto musical, ‘Sesiones Movistar+’ recuerda más a ‘Los Conciertos de Radio 3’ que al nuevo magacín musical de La 2 presentado por Maika Makovski: tras una breve presentación en la que Paniagua dice vivir una alucinación al presentar un programa de música en vivo en televisión –parece evidente que el proyecto ha discurrido en paralelo con ‘La hora musa‘– las canciones se suceden sin apenas cortes. Al menos en un primer bloque, hasta que el conductor del programa inicia una entrevista con el grupo con incluso más profundidad que en el programa de Makovski –en ese sentido, al ser monográfico, el artista sale ganando–.
En este caso, además de responder la sempiterna pregunta sobre «indie» (Pucho respondió, claramente hastiado, que como decía Groucho Marx «jamás pertenecerán a un club que les admite como socios»), Arturo añadió cuestiones más jugosas, como saber cuál fue el primer concierto de su vida que recordaba cada miembro del sexteto (entre citas a Los Secretos y Aerosmith, Pucho y Juan Manuel Latorre descubrieron que para ambos fue un show de Mecano, aunque no el mismo) o sacarles los colores con las pintas que lucían en una foto de Instagram de hace 7 años. El presentador también fue medio incisivo sacando a la palestra alguna polémica sobre su gestión en redes sociales de la celebración del Día de la Mujer y, la verdad, se agradece que no todas las preguntas sean un masaje en la espalda para los entrevistados.
Así las cosas, ‘Sesiones Movistar+’ es claramente una buena noticia, tras años aguardando porque se le diera a la música en directo un espacio. Desde luego, en un deseable futuro cabría esperar una mayor diversidad que ver de nuevo a los propios Vetusta o Izal, o artistas más arriesgados que Viva Suecia, Vega o David Otero. Pero lo que es una necedad es pretender que se arriesgue –al menos en un canal privado como este en el que las audiencias mandan por encima del interés sociocultural– invitando a grupos minoritarios o semidesconocidos: a nadie le cabrá en la cabeza que un programa como este se consolide invitando a nombres que interesen a una audiencia objetiva de unos pocos cientos o miles de espectadores. ¿O sería mejor recurrir a la previsibilidad de Malú, Pablo Alborán y Pablo López? Esperemos que la apuesta por el pop rock de corte alternativo se consolide primero, porque la casa no se empieza por el tejado. 7,5.
Parte de la redacción evalúa ‘Booty’, el single conjunto de C. Tangana y Becky G.
«Mientras escribo estas líneas, el videoclip de ‘Booty’ es #2 en virales de Youtube, y probablemente para la hora de la publicación de este veredicto ya sea #1 [Ndr: efectivamente, así es]. El tema será casi con toda seguridad un nuevo éxito para Becky G y C. Tangana, algo que nos esperábamos desde que se anunció la colaboración… y todas estas semanas también han sido un criadero de altas expectativas. Y sí, lo cierto es que la canción se queda lejos de ‘Sin Pijama’ y de ‘Mala Mujer’, pero tampoco puede decirse que sea un mal tema: el estribillo funciona a la perfección, con esos «uh na na, uh na na na na» taladrados en tu cerebro en cuanto la escuchas un par de veces –de forma similar a los «Paranoia Marte» de ‘Teléfono’–, además de contener referencias a sus dos mayores hits y al clásico reggaetonero ‘La chapa que vibran‘ de La Materialista (¿incluso a Ms Nina con el aguacate?).
Además encontramos ganchos potentes tanto en la parte de ella («agárrate fuerte si juegas aquí») como en la de él («aquí tienes tu butaca reservada / pon-pon-me ese culo tuyo encima de mi cara»). No esperábamos sutilidad en la letra de un tema llamado ‘Booty’, y de hecho que sea guarra es, como sucedía con ‘Tra’, parte de la gracia de la canción… pero sí que se echa en falta algo de equivalencia entre el papel de él y el de ella, sobre todo al ver el videoclip (ves a Dellafuente y Cazzu en ‘Cowboy‘, por citar la colaboración parecida más reciente, y no hay color) y especialmente teniendo en cuenta declaraciones de Tangana sobre estos temas, incluso el hecho de que él haya celebrado el lanzamiento subiendo esta foto. Con esos precedentes se espera algo más que encontrarse la dicotomía mujer objeto/hombre sujeto de siempre; porque lo rompedor no es hablar de sexo (o de culos), y lo rompedor no es que Tangana le diga a Becky que se siente en su cara, lo realmente rompedor sería que ella se lo dijese a él, o que ambos hiciesen gala de esa liberación sexual. Es quizás la principal pega de un tema que podría haber sido ese «algo más» si no se hubiese visto limitado por el esquemita rancio y se hubiese explotado al máximo su espíritu disfrutón. Otra pega es que quizás la canción pegaba más en verano, pero no veo tanto problema ahí a nivel comercial: queda una semana para el 31, nos imaginamos cuántas veces la van a repetir todas las fiestas de Halloween de este año, ¿no? En conclusión, se le pueden poner peros, pero su objetivo lo cumple con creces: sumar otro éxito tanto para Becky como para Antón y, sobre todo, darnos una razón más para perrear». Pablo N. Tocino.
«Quizá si no llevara más de 2 meses hypeado por la colaboración entre dos totems de las listas españolas (y ella también de las latinoamericanas) como son Becky G y C. Tangana, estaría ahora mismo también moviendo el «booty» como medio país. Pero este es un título cuyo copyright debería haberse quedado Jennifer Lopez: en serio, no hace ni 5 años de su colaboración con Iggy Azalea llamada igual. Especialmente Becky G no ha puesto aquí ni la sensualidad ni la imaginación que hemos escuchado en otros temas suyos como ‘Sin pijama’: su parte es demasiado obvia. «Este culo lo heredé de mi mamá» es la cumbre de su intervención, no hace falta decir más. C. Tangana está algo mejor en su puente, pues al menos rompe el tono monocorde de la canción con un par de cambios, aunque su sello («eso es») y el de Alizzz («aaaay») tienen demasiado protagonismo en una canción que suena mucho menos trabajada que otras de su repertorio». Sebas E. Alonso.
“C. Tangana puede presumir de su “booty” en Instagram, pero en sus canciones no deja de ser el hombre que observa a su presa desde lejos, buscando a su “mala mujer” para darle “bien duro”. En ‘Booty’ directamente se niega a bailar (“yo bailo quietecito”) y encima pone “cara de que no pasa na”, haciéndose el misterioso. ¿Nadie va a hacer una canción sobre el “booty” de C. Tangana? ¿Ni siquiera C. Tangana? (y eso que la canción es bastante apañada, con esos “oh na na na” disonantes que descolocan). Esperaba que por lo menos Becky G desease el culo de C. Tangana en ‘Booty’, pero esta es otra canción de macho busca hembra más. Y ni siquiera es tan divertida como ‘Bien duro’ o ‘Sin pijama’, más bien es como una canción buena de Pitbull. Del vídeo mujer-trofeo (literal) mejor ni hablamos, ¿no?” Jordi Bardají
Del colectivo hip-hop Odd Future salieron nombres tan dispares y tan relevantes como Frank Ocean, Tyler The Creator, Earl Sweatshirt, Syd (Sydney Loren) y Matt Martians, formando estos dos últimos, junto a Patrick Paige II, Steve Lacy y Christopher Smith, otro colectivo: The Internet. Con un componente mucho más asentado en la mezcla de R&B y electrónica, sacarían tres discos antes de probar también caminos por separado –algunos con especial éxito: ‘Fin‘, el debut de Syd, fue particularmente aclamado–, o colaborar con grandes nombres del panorama (Steve Lacy ha trabajado para los últimos álbumes de Kendrick Lamar y Mac Miller). Pero, si alguien pensaba que esa separación era definitiva, ‘Hive Mind’ está aquí para aclarar que nada más lejos de la realidad: los distintos miembros de la banda unen sus fuerzas a lo Vengadores para conseguir, con la ayuda de colaboraciones estrella como la de Dev Hynes/Blood Orange, Mac de Marco y Big Rube (Outkast, Future), un disco muy interesante… que lo sería aún más de durar menos.
Con casi una hora en trece canciones, es fácil adivinar que la duración de algunos temas no será precisamente la de un breve interludio. Y, ojo, esto no siempre es negativo; de hecho, una de las mejores canciones del disco (‘Hold On’) se extiende casi siete minutos. El problema es que no todas las canciones resisten esa prueba y, sumado a que muchas comparten demasiadas similitudes y a que la secuencia tampoco ayuda, llega un punto hacia la mitad del álbum en que no sabes si estás escuchando una canción distinta o es la misma (y no, en este caso no es algo positivo). Ésta es la principal pega, pero los buenos momentos de ‘Hive Mind’ son muy buenos. No solo se trata de la ya citada ‘Hold On‘ (estupenda elección para cerrar el disco): ya empieza a buen nivel con ‘Come Together’ (¿a alguien más le recuerda el punteo del principio a ‘The National Anthem’ de Radiohead?), mejora con ‘Roll (Burbank Funk)’, el tema en cuyo videoclip colaboran DeMarco, Hynes y Tyler The Creator, y presenta curiosidades como la sexy ‘Look what U started’, las referencias a Sade en ‘La Di Da‘ (“I’ma smooth operator, no, I’m your favorite / but let me enjoy my sweet soirée / I’m sorry that I’m so blasé / why you dancin’ like your name Sade?”) y, especialmente, el acercamiento a Gorillaz en ‘Beat Goes On’.
Y es que, precisamente porque el aspecto tan homogéneo en algunos temas (‘Next Time / Humble Pie’, ‘It Gets Better (With Time)’) les resta puntos, los momentos distintos destacan especialmente, como pasa con la a ratos psicodélica ‘Beat Goes On‘ –hay excepciones a esto: por ejemplo ‘Stay the Night’, a pesar de no ser una composición muy compleja, se beneficia especialmente de esta atmósfera. Y es que Syd, Steve y compañía tienen un innegable talento para la creación de atmósferas, pero lo que en ocasiones les proporciona temazos, o les salva canciones más simples, también se les puede volver un arma en contra si se descuidan y cruzan la delgada línea entre lo atmosférico y lo monótono. Por esto mismo, aunque el último trabajo de The Internet es un buen disco, que en sus mejores momentos recuerda a Kali Uchis o al mejor Miguel, funcionaría el triple con un poquito de tijera. En cualquier caso, estos días lluviosos son una muy buena época para escuchar ‘Hive Mind’ al completo – y, si además tenéis compañía, mejor.
Calificación: 7,5/10 Te gustará si te gusta: Syd, Nao, Miguel, Jorja Smith, Kali Uchis Lo mejor: ‘Hold On’, ‘Roll (Burbank Funk)’, ‘Beat Goes On’ Escúchalo:Spotify
El asalto de Rosalía al estatus de artista internacional es un hecho. Tras verla actuar en directo y por partidadoble en el programa musical de Jools Holland en la BBC británica, ayer el clip de ‘Malamente’ cosechaba el premio a Mejor Vídeo de Música Pop de 2018 en los prestigiosos UK Video Music Awards entregados ayer en Londres. También obtuvo el premio a Mejor Dirección Nico Méndez de CANADA, que estuvieron en la gala recogiendo ambos galardones. ‘This Is America’ de Childish Gambino fue designado como Vídeo del Año, mientras que obras de Florence + The Machine, Jack White, Dua Lipa, Father John Misty, Jon Hopkins o The Blaze también obtuvieron premios.
Este nuevo reconocimiento al trabajo de Rosalía llega justo una semana antes de que se publique el hiperhypeado ‘El mal querer’, que la ha llevado a ocupar portadas en medios como El País o Pitchfork. Dos días antes de su publicación, en la noche de Halloween, presentará el disco de manera gratuita en Madrid, en una ubicación que sólo conocen los registrados en la página web de una marca de bebida energética.
Que Rosalía se ha hecho habitual en medios masivos es ya un hecho: después de que dos concursantes de Operación Triunfo 2018 interpretaran el pasado miércoles en su gala semanal el single ‘Pienso en tu mirá’, o que fuera la estrella invitada junto al CEO de Apple, Tim Cook, en un evento de la marca en Madrid, ayer era precisamente ‘Malamente’ la que era cantada por Soraya Arnelas en el programa de imitaciones ‘Tu cara me suena’, que es el más visto cada viernes. Aunque Soraya no ganara por poco –gracias a una imitación de Antonio Molina por parte de María Villalón– hoy tus padres y/o abuelos también saben quién es Rosalía y que canta ‘Malamente’.
Como es público y notorio, el rapero Daniel Hernandez conocido como Tekashi 6ix9ine o 6ix9ine seguía pendiente de juicio por haberse saltado las medidas cautelares impuestas en su condena –se declaró culpable– del año 2015 por haber participado en un encuentro sexual con una niña de 13 años. Hasta ayer. Como reporta Pitchfork, una nueva jueza, tras la retirada del anterior, revisó el caso tras diversos retrasos –la vista se pospuso hasta en 19 ocasiones–: las medidas antes citadas incluían sacarse el graduado escolar y no “meterse en problemas” en el plazo que transcurriera hasta que se dictara sentencia.
Algo que no ocurrió: este mismo año fue arrestado e inculpado por agarrar por el cuello a un adolescente en un centro comercial de Houston y, más tarde, de conducir sin licencia y agredir a un agente del orden en Nueva York. Todo ello propició este nuevo juicio en el que la magistrada, tras escuchar los alegatos de la fiscalía y la defensa –que alegó que, tras su condena, Hernandez ha hecho buenas acciones como donaciones o ir a visitar en el hospital a un fan de 6 años con cáncer terminal– decidió condenar al artista a 4 años de libertad provisional y a no incluirle en el registro de agresores sexuales de Estados Unidos.
Tras temer que 6ix9ine terminara en prisión, la sentencia fue celebrada por el rapero y su entorno, que fueron a celebrarlo a un restaurante de Manhattan. Una fiesta que terminó, sorprendentemente, con un tiroteo: según TMZ, el guardaespaldas de Tekashi fue alcanzado por varios disparos en la puerta del restaurante y fue trasladado al hospital, sin que se conozcan aún detalles de su estado.
6ix9ine, caracterizado por una larga melena teñida en los colores del arcoiris, se ha convertido en una de las mayores promesas de la nueva escena hip hop norteamericana. Tras triunfar en 2017 con su primer single, ‘Gummo’, incluido en la mixtape que publicaba este año y que incluía colaboraciones de estrellas como Young Thug, Tory Lanez u Offset. Aunque su gran espaldarazo ha sido ‘Fefe’, single junto a Nicki Minaj. Su éxito se ha extendido también a España, donde aún triunfa con ‘Bebe’, single junto al puertorriqueño Anuel Aa en el que canta en su español natal (su madre es mexicana). Ayer mismo publicaba ‘Bozoo’, un nuevo single.
Pese a su intento de continuar al frente de la entidad que gestiona los derechos de autor, Teddy Bautista ha quedado fuera de la nueva junta directiva de la Sociedad General de Autores de España tras las elecciones celebradas ayer, 26 de octubre. Por esa razón, es hoy trending topic en Twitter. No estará, por tanto, entre los nueve integrantes de ese órgano de gobierno que, en las próximas semanas, deberá elegir al nuevo presidente de la SGAE. Bautista sigue aún pendiente de juicio por un delito de apropiación indebida o, alternativamente, administración desleal al frente de esa misma entidad –estuvo al frente de ella durante 34 años–, con una petición de 7 años de cárcel por parte del fiscal.
Estas votaciones han sido las que mayor abstención han registrado en la historia de la SGAE, y eso, en buena medida, ha debido estar motivado por la llamada a no votar que numerosos músicos de renombre hicieron semanas atrás. La candidatura constituida por artistas, encabezada por Jota de Los Planetas y Kiko Veneno y que incluía nombres conocidos del ámbito musical mainstream e independiente Álvaro Urquijo (Los Secretos), Noni de Lori Meyers, Amaro Ferreiro, Francisco Nixon, Jorge Martínez (Ilegales), Rosa León o Sole Giménez (Presuntos Implicados) decidió finalmente retirarse y llamar a sus colegas a no votar.
La razón es que esa candidatura exigía a la comisión electoral de la SGAE que procurara una herramienta de voto electrónico a sus socios, y así facilitar que los no residentes en Madrid también pudieran elegir a sus representantes. Ante las evasivas de dicho organismo a hacerlo, que alegaba que no había tiempo suficiente para habilitar ese sistema, dicha candidatura se retiró y llamó a la abstención. Además, aseguraban, no aceptarían el resultado de esta votación y la impugnaría, asegurando que pedirían amparo al Ministerio de Cultura. Se espera que, en las próximos horas, tanto ellos como las compañías editoras multinacionales reaccionen a los resultados de estas elecciones.
Este viernes Terrier han publicado ‘Algo para romper’, un tercer disco de estudio con el que el cuarteto mixto de Madrid promete consolidarse como uno de los mejores grupos de rock del panorama underground, aunque su espíritu melódico les empuja a subir en el escalafón. Publicado por Sonido Muchacho –erigido en gran abanderado del nuevo indie rock patrio, aglutinando en su catálogo a Kokoshca, Mujeres, Carolina Durante, La Plata…– en un pack vinilo+CD, ’Algo para romper’ ha sido producido por Rams y Martí (Modelo de Respuesta Polar, Kuve), con los que ya trabajaron en ‘La plaga’ (2016).
En este tercer largo, Maria Manoli, Lili Laduquesa, Dave Petrone y Don Matias vuelven a apostar por un power pop de urgencia punk en el que las melodías –a menudo entonadas a tres voces– lo son todo. Y así lo prueba el que han elegido como principal muestra del álbum, ‘La Constitución’. Este tema lo tiene todo para convertirse en el nuevo gran himno del grupo –con permiso de ‘Évoli’ y ‘Tus ojos son puñales’–: un riff de guitarra característico y, sobre todo, una línea melódica infalible desde el comienzo de la canción hasta el final, con un estribillo de esos con “aa-aa-aaaah”s que parecen destinados a ser coreados a grito pelao en directo.
Máxime cuando, además, su letra es claramente –pese a su lírica algo enigmática– un himno al desencanto político y social de tardo-veinteañeros o neo-treintañeros asfixiados por un sistema que les ha condenado a trabajos precarios, alquileres caros y decepción ante el futuro. Un sistema que parece edificado “para romper, una vida, un sueño o algún plan” y que glorifica esa Constitución que “nunca te dará la razón” y que, a punto de cumplir 40 años, parece en plena crisis de los ídem. Por eso ese “¡Viva la Constitución!” suena con toda la ironía del mundo, con líneas que, de manera algo confusa, se refieren a “la del morado” –la bandera republicana, asumimos– como “la del Borbón”. El vídeo de la canción, filmado a caballo entre California (en unas vacaciones) y Madrid, con modestia pero muy resultón, también contiene pistas sobre la necesidad de que ese libro semi-sagrado que, en su interior, está podrido por la corrupción y las convenciones de oscuros tiempos pasados sea “algo para romper”.
BIME es un festival exigente: no verás en su cartel ciertos grupos por mucho que garanticen una inyección de 5.000 espectadores de la nada. Por eso es noticia que en medio de Slowdive y Editors, el show de Yung Beef lograra ser noticia. Primero se vivieron momentos de confusión al no poderse acceder a su set debido a una kilométrica cola. Cuando esta se decidió deshacer, permitiendo entrar a todo el mundo (sí, se cabía cómodamente, hubo de haber un malentendido de algún tipo), aquello seguía llamando la atención. Yung Beef ya ha paseado su show de la jaula por varias salas del país. Se sube a ella acompañado de un par de MC’s, dice sus cosas y no tiene más. La puesta en escena es tan tonta que hasta, situada la jaula en medio del escenario, el artista opta por mirar hacia los bafles en vez de al revés. ¿Consecuencia? Tienes que optar entre verle u oírle. Pero ni por esas te vas decepcionado de un show en el que hay palos a C. Tangana mientras uno de los raperos hace flexiones; se recupera la canción que inspiró ‘Islamabad’; se adopta ‘Fiebre’ de Bad Gyal; o aparece ‘Cigala’. No se entiende por qué justo ‘Me perdí en Madrid’ (“Me perdí en Bilbao”) va en playback, pero no, bostezar no se bosteza. Fotos: Oscar L. Tejada (Yung Beef), Tom Hagen (Aphex Twin, Slowdive, Damien Jurado).
Todo muy fascinante, pero claro, poco después, Aphex Twin hacía olvidar todas estas emociones. El artista hizo hacia las 2 un show espectacular en cuanto a luces y sonido, muy bien equilibrado entre experimentación y baile, pareciendo comenzar por lo primero (ritmos rotos, sonidos entrecortados), para enseguida pasar a lo segundo (subidones sutiles, muy hábil dominio de las masas expectantes); pero en realidad combinando ambas facetas todo el rato. Solo él podía acabar con cuatro minutos continuados de distorsión y ruido sin que nadie se largara. Incluso los que no escuchamos ningún disco suyo en casa regularmente desde los años 90, flipamos. Mucho tuvieron que ver las imágenes proyectadas, a trozos y a veces como del público, pero pasadas por un filtro Anonymus. Y eso no fue nada comparado con lo que vino unos minutos después: proyecciones alteradas y machacantes de Esperanza Aguirre, Aznar, Kiko Rivera, Isabel Pantoja, Yurena, Epi y Blas… durante unos minutos tan desagradables al oído como descacharrantes. Hubo ritmos jungle noventeros pero sobre todo locura para bien. Uno de los shows del año.
Slowdive han redefinido el concepto shoegaze en pleno 2017, entregando una de las obras maestras del género cuando ya todo se había dado por inventado o establecido. Y encima la llamaron ‘Slowdive’. Por eso esperaba más definición y entrega en un set algo parco en sonido pese a que las canciones fueran excelentes, desde ‘Slomo’ hasta la tétrica versión de ‘Golden Hair’. Se vio algo ausente a Neil Halstead para el torbellino de titulares que es. La líder aquí fue Rachel, como se apreció al final del show, que sí optó por ir añadiendo paulatinamente una buena maraña de ruido.
Mientras Belako presentaban un contraste de torres de luz y alaridos en el escenario grande, Elena Setién actuaba discretamente en el Antzerkia, una especie de teatro cuyo escenario tiene unas cortinas rojas lynchianas idóneo para el formato trío en que se presentaba: un batería, un pianista/teclista y ella misma a los teclados. Una canción antigua llamada ‘Dreaming of Earthling Things’ presentó aires de leyenda: parecía una vieja composición rescatada del cancionero de Nick Cave o Marianne Fairhful. En ‘The Old Tree’ “celebró” los “6 segundos de reverb natural” que presentaba el edificio. “¡Bien, viva la reverb!”, proclamó antes de entregar esta balada sostenida tan solo en dos teclados y su tono de voz más tremebundo. Setién tocó un tema que debía su nombre a una novela de Thomas Hardy (‘Far from the Madding Crowd’), bromeó con los teclados tan Enya de ‘Will Follow You’ e hizo una versión de la Velvet y Nico. Aunque uno de los momentos más impresionantes fue ese en el que “improvisó” una canción a capella autosampleando su propia voz. Un concierto bonito y entretenido.
Hacia las 22.00 coincidían Damien Jurado y John Maus, ambos marcados por una muerte reciente, especialmente el segundo, que ha perdido a su hermano durante una gira este año, cancelando varios shows. Sin duda, no daba la misma sensación que antes verle aparecer en el escenario dándose golpes en la cabeza y pegando gritos de desesperación, pero realmente su performance sí era la misma. El artista sigue teniéndolos cuadrados y tan pronto se presenta en el Café La Palma para tocar para 100 personas con una pedazo de banda en directo que a un festivalazo como BIME viene él solo con los pregrabados delante de miles de personas. El show consistió en lo siguiente: el artista le da al play, canta un lema sobre las bases, acaba la canción, vuelve a la parte de atrás del escenario, se agacha, le da al play a otra, y vuelve a la parte delantera del escenario para cantar otro lema. Y a los 40 minutos de esto se marcha. Lo que se antojaba cono un espectáculo tedioso ya visto en Primavera Club terminó resultando OK gracias a la solidez de un repertorio con el gracejo de temas como ‘Rights for Gays’ o ‘Teenage Witch’. Y el público, especializado, reaccionó entusiasmado, casi de más, subrayando que la gente que viene a BIME hace los deberes antes o después de gastarse los dineros.
Damien Jurado, que ha perdido también este año al productor de algunos de sus mejores discos, Richard Swift, se presentó en formato acústico, con otro guitarrista aparte de él mismo. Canciones por tanto dolientes e intimistas, algo monótonas para un festival, incluso sentado, si bien el público celebró los momentos de mayor entrega vocal de Jurado, que los hubo. “I gotta go” fue una de sus últimas frases.
Durante el miércoles y el jueves hubo decenas de conciertos gratuitos en Bilbao, en lo que se denomina BIME City. Pude llegar al show de Trending Tropics, por el que tenía bastante curiosidad, pues está liderado por un robot que se supone que despide las voces de los artistas que han colaborado con este nuevo proyecto del ex Calle 13 Visitante: Ziggy Marley, la cantante de Bomba Estéreo, Pucho de Vetusta Morla, etcétera. La noche anterior en Madrid, aprovechando que estos últimos son de la ciudad, Pucho salió al escenario, pero la gracia fue que no a cantar sino a mirar cómo el robot hacía de él. En Bilbao no vivimos ese momento surrealista, pero Visitante sí afirmó encontrarse mucho más tranquilo, hasta el punto de atender dos peticiones de bis, que consistieron en repetir canciones favoritas de las que ya habían sonado: ‘El futuro ya pasó’ y ‘La enfermedad’. En realidad, el show funcionó más por los cuatro músicos sobre el escenario (y porque las canciones son buenas) que por el robot en sí. El grupo lleva una cantante, de hecho con bastante protagonismo por ejemplo en ‘La muerte de la muerte’, y en ella se sostiene parte del flow y la energía. Tiene todo el sentido del mundo que Trending Tropics se sostengan en un robot para presentar un álbum que habla de cómo nos han poseído las nuevas tecnologías y las redes, pero tienen que enseñar al robot a bailar. Eso sí, Visitante no se equivocó: la gente le hizo fotos básicamente a la máquina.
Lady Gaga es esta semana número uno en Reino Unido con ‘Shallow’, la canción principal de la película que protagoniza junto a Bradley Cooper, ‘A Star is Born‘. ‘Shallow’ es el primer número uno de Lady Gaga en Reino Unido en más de 8 años, pues el último fue ‘Telephone’ con Beyoncé, en 2010. No, ‘Born this Way’ no fue número 1 en Reino Unido, aunque se quedó cerca (3) y ‘Applause’ también (5). Sin embargo, ninguno de los singles de ‘Joanne‘ llegó al top 10 en las islas británicas.
Además, la banda sonora de ‘A Star is Born’ vuelve al número uno de álbumes en Reino Unido tras serlo la semana pasada ‘Always in Between‘, el nuevo álbum de Jess Glynne, que baja al top 3. Gaga no era número uno en álbumes en UK desde 2013, con ‘ARTPOP‘, y estos excelentes datos se están repitiendo también en Estados Unidos, donde la banda sonora de ‘A Star is Born’ sigue en el número uno y ‘Shallow’ es top 10 de singles.
Claramente este es el gran “comeback” de Lady Gaga en las listas, y será interesante averiguar cómo lo aprovecha de cara a un nuevo disco. Tras la veda abierta por ‘Joanne’, un disco que buscaba romper con la Gaga provocativa y extravagante del pasado, situándola en estilos más tradicionales, ‘A Star is Born’ representa sin duda una nueva cumbre de popularidad en su carrera.
Los islandeses Gusgus vuelven este fin de semana a nuestro país consolidados como uno de los grupos más queridos entre los amantes de la electrónica aparentemente gélida pero con alma. Este año han publicado ‘Lies Are More Flexible‘, otro disco notable en su discografía, que presentarán, junto a viejas canciones, este sábado 27 de octubre en BIME Live y el domingo 28 de octubre en Razzmatazz, Barcelona (entradas anticipadas, aquí). Hablamos con Biggie Veira sobre este nuevo disco, los nuevos roles de género y el futuro de la banda, que parece que esta vez no va a tenernos 4 años sin novedades.
Me resulta refrescante escuchar un nuevo disco de GusGus, considerando cómo suena la música pop en 2018. Casi nadie suena así ya, aunque no estoy seguro de que la palabra «refrescante» sea la mejor para definirlo. ¿Lo veis así o creéis que ‘Lies Are More Flexible’ tiene un elemento más bien «retro» o «clásico»?
Siempre es refrescante revisitar a los fantasmas del pasado y volver a esculpirlos, mezclarlos con lo que es nuevo o incluso con otros viejos fantasmas. Hay un catálogo antiguo muy vasto de música electrónica esperando a ser reexplorado en el contexto de hoy… Y Gusgus siempre ha explorado eso. Nunca hemos seguido estrictamente ninguna nueva tendencia, pero aún nos inspira lo nuevo y lo mezclamos con lo que nos ha inspirado durante toda nuestra vida desde principios de los 80. En nuestro disco ’24/7′ estábamos muy fuertemente influidos por el techno alemán del momento. El nuevo sonido de cosas como Bodzin, Schumacher, Romboy y Huntemann es algo que redefinió el techno para nosotros. El disco ‘Arabian Horse’ fue el sucesor natural, con más concentración en la escritura de canciones y más variaciones vocales. En ‘Mexico’ no teníamos nada especial en mente, simplemente intentamos cosas distintas. Pero una de nuestras canciones favoritas es ‘Sustain’. Tenía un sentimiento de extraña newwave y synthwave que realmente queríamos explorar más. Así que eso es lo que queríamos hacer al empezar a trabajar en ‘Lies Are More Flexible’, sumergirnos en esos turbulentos arpeggios y extrañas secuencias de acordes desde la era post-punk que vivimos hasta otras influencias que hemos tenido y pegaban con el sentir que define al álbum. Tenemos canciones que incluso van más allá al acceder al reino más oscuro del pasado. Esas son en las que estamos trabajando para el próximo álbum.
¿Qué tipo de nueva música electrónica escucháis ahora mismo?
Cualquier cosa que sea extraña y pegadiza al mismo tiempo. La canción ‘Is It Cold in the Water‘ de SOPHIE es una de esas que se nos clavan en el cerebro. El último disco de Oliver Huntemann también mola un montón. Y mucho otro material interesante que cruza los géneros «techy» de los clubs.
Parece que vuestro nuevo álbum, ‘Lies Are More Flexible’, está realmente dividido en 2 partes, y finalmente ya se puede comprar la edición vinilo, que no había salido a principios de verano. ¿Para vosotros son 2 partes diferenciadas o lo veis como un todo?
El año pasado, en primavera, nos dimos cuenta de que teníamos demasiadas pistas para el disco. No estaba muy seguro de que nadie, a día de hoy, preste la atención suficiente a discos tan largos. Así que decidimos hacer un disco corto. Uno que pudiera caber en un vinilo sencillo: odio los vinilos dobles, en los 80 nadie sacaba eso. El CD está pasado de moda, así que no había razón para trabajar en un escenario de 80 minutos. Pero el vinilo ha vuelto. Y el vinilo tiene dos caras, A y B, y los fans nos han estado pidiendo hacer más instrumentales, así que tenía sentido tener una cara con voces y otra cara instrumental. Pero el disco fluye como un todo, de todas formas. Pero también fluye como una cara A y una cara B por separado.
«Decidimos hacer un disco corto. Uno que pudiera caber en un vinilo sencillo, odio los vinilos dobles, en los 80 nadie sacaba eso. El CD está pasado de moda, así que no había razón para trabajar en un escenario de 80 minutos».
Hay algo triste en el título ‘Lies Are More Flexible’, pero la canción que se llama así suena como si te estuviera retando, incluso divertida, como «las mentiras son flexibles pero voy a usarlo como ventaja». ¿Era vuestra intención al llamar así a pista y disco?
El título refleja la política y el fluir de la información en la era de las redes sociales a día de hoy. Se supone que te tiene que hacer pensar qué es auténtico y, al contrario, son opiniones de mierda, que parecen estar tan de moda hoy en día. También quizá puedes usar la pista para dejar atrás estructuras de pensamiento obsoletas.
Me ha sorprendido que ‘Lifetime’ no fuera un single principal del disco al oír todo el álbum. ¿Por qué no era de vuestras favoritas?
Es verdad, pero desde entonces la hemos recuperado y tenemos la versión single perfecta para el año que viene.
Tras trabajar con él, ¿habéis podido escuchar ya el disco de John Grant?
Sí, es bastante él como cómico en lugar del tío frustrado y de los nervios de ‘Pale Green Ghost’ y ‘Queen of Denmark’. Me gustan más las cosas frustradas y de los nervios.
Hemos leído que has dicho que la mejor manera de ir al estudio es «sin nada que hacer durante las 4 horas siguientes». ¿Por qué solo 4? ¿Es difícil sacar algo bueno después de ese rato?
Ese es aproximadamente el tiempo que va desde las 12 hasta que necesito limpiar la casa y recoger a los niños del colegio.
¿Cuánto es el mayor rato que has estado trabajando en un estudio en un día? ¿Para qué disco?
No me acuerdo, pero en la canción ‘Need In Me’ estuvimos trabajando como 3 semanas hasta que la acabamos. En el mismo disco, ‘Lust’ y ‘Porn’ nos llevaron 2 días.
Vi vuestro show en Madrid, ¿va a ser parecido el del BIME y el de Barcelona? ¿Qué ha cambiado en el show durante la gira? ¿Alguna canción que haya funcionado mejor o peor de lo que esperabais?
El de Barcelona va a ser más largo con más canciones del disco nuevo. Supongo que también haremos alguna más nueva en BIME (que en Madrid). Todas las canciones nuevas funcionan muy bien en directo, por cómo las hemos preparado para el directo y por cómo las ejecutamos. Como el arreglo está totalmente bajo mi control con todo el esculpir de sonidos, encuentro una manera de hacerlas funcionar. Y Daniel también. Redescubre las canciones en vivo. La canción ‘Fireworks’ tiene una nueva voz en el estribillo y es mucho más como un single así que igual la regrabamos también y la sacamos como single el año que viene.
«No soy lesbiana, gay, bisexual o trans, mi identidad está decentemente alineada con la definición normal de hombre. Antes se llamaba «travesti», pero me gusta mucho más la palabra «queer»».
Te vimos con los tacones en el escenario (se supone que los coleccionas) y me pregunto si sobre todo es una decisión estética o tiene algo que ver con lo «queer», si solo estás siendo tú mismo o hay una reivindicación de los nuevos géneros o roles como «género fluido», etcétera. ¿Cómo veis los dos el nuevo debate entre las nuevas generaciones sobre saltarse toda frontera de géneros?
Básicamente me incluyo en la definición LGBTQ de «queer». No soy lesbiana, gay, bisexual o trans, mi identidad está decentemente alineada con la definición normal de hombre. Antes se llamaba «travesti», pero me gusta mucho más la palabra «queer». Creo que es saludable para cualquiera explorar su identidad, liberada de aquellas viejas definiciones bipolares pasadas de moda, hombre y mujer.
Según las estadísticas de Spotify, vuestros mayores fans están en México, Londres, Polonia y Turquía, además de en Islandia. Son sitios muy distintos. No es como cuando a los artistas latinos los escuchan en los países latinos y a Moderat en Europa, sobre todo Berlín, Londres y París. ¿Por qué creéis que tenéis estadísticas tan raras?
No tengo ni idea. En Alemania, Rusia y Ucrania está nuestra mayor base de fans. Quizá son viejas culturas cansadas del pop comercializado y pulido de Reino Unido y Estados Unidos, buscando algo diferente.
«Nos gustaría sacar otro disco en otoño de 2019 o como tarde a principios de 2020»
Al menos en España, tengo la sensación de que se percibe ‘Arabian Horse’ como el disco favorito entre vuestros fans, de toda vuestra carrera. ¿Es así en otros países o incluso para vosotros? ¿Lo veis como vuestra mayor obra maestra?
Sí, podrías decir que ‘Arabian Horse’ es el disco más apreciado entre nuestros fans. Pero bueno. Cuando sacamos ‘Mexico’ muchos dijeron que era nuestro mejor disco. Y también con ‘Lies Are More Flexible’. Muchos, sobre todo nuestros fans de Polonia, dicen que es nuestra obra maestra perfecta. Bueno… simplemente me alegro de que nuestros fans aprecien nuestro nuevo trabajo y no se anclen en el pasado.
¿Qué será lo siguiente para Gusgus tras la gira? ¿Creéis que tendremos que esperar hasta 2022 para un nuevo disco?
No, tenemos muchas pistas a medias de las sesiones de 2016 y estamos cerca de acabarlas. Y muchas ideas que piden desesperadamente una toma vocal. Así que nos gustaría sacarlo en otoño de 2019 o como tarde a principios de 2020.
Jess Glynne no es solo lo que suena de fondo mientras una masa ingobernable de niños aparece corriendo ligeramente sobreexcitada en TVE para promocionar los campamentos de Masterchef. Esta temporada la cantante se ha convertido en la solista femenina británica con más singles número 1 de la historia. Ahí es nada. Lo ha conseguido gracias a tres temas extraídos de sus propios discos y a cuatro colaboraciones, pero también a un desparpajo muy perceptible en directo -su paso por el FIB fue de lo mejor de su edición- y a lo necesarias que son sus canciones ultra optimistas y vigorosas para salir adelante en los tiempos que corren. ¿Que Trump gana las elecciones? You can hold my hand. ¿Que tienes problemas de amor? I’ll be there for you.
De hecho, esta última ha sido co-escrita en una especie de retiro junto a sus co-autores de confianza después de que una de ellos, Camille Purcell, le dijera: “me has ayudado en mis peores momentos a través de tu música. No me di cuenta de lo profundas que son tus letras hasta que te he escuchado como fan”. Convertida, pues, en una eminencia en su tierra, tanto para sus propios amigos como para los desconocidos, la cantante se ha confiado demasiado en su segundo disco, ‘Always In Between’, ofreciendo ninguna novedad en absoluto.
El disco se compone de medios tiempos edificantes y baladas, a menudo con un fondo góspel o soul (‘123’, la ‘Intro’) sin que ninguna llegue a destacar de manera decidida. El continuismo llega al punto que una de las frases de ’Thursday’ es “I wanna laugh, I wanna cry” cuando el disco anterior se llamaba ‘I Cry When I Laugh’, y lo peor es que en la ‘Intro’ de este segundo disco, Glynne aseguraba estar escribiendo una “página diferente” de su vida… cuando en realidad está escribiendo la misma.
Las canciones se llaman cosas como ‘Hate/Love’ o ‘Broken’ como muestra de su escasa imaginación e incluso a veces recuerdan demasiado a otras, como es el caso de ‘No One’, que arranca como una ‘Rolling In the Deep’ acelerada para luego, disimuladamente, pasar a otra cosa. En cuanto a letras, no termina de brillar esa “profundidad” a que aludía su colega Camille. Entre las pocas canciones que no dan vueltas alrededor del amor y el desamor, una ‘Thursday’ en la que Jess Glynne se antepone a sí misma, negándose a “maquillarse o disfrazarse”, en busca de autoafirmación y seguridad. Por desgracia, queda demasiado visible qué hace Glynne el resto de días de la semana.
Destacan apenas una ‘Won’t Say No’ solo un pelín bailable y noventera y un par de los bonus tracks que han quedado extrañamente relegados a la edición deluxe cuando el disco no iba precisamente sobrado de hits. ‘Million Reasons’ no habría hecho ningún daño hacia la mitad del álbum y ‘These Days’, con Macklemore, sigue siendo una canción relajada, nostálgica, hermosísima, sobre recordar sin ningún tipo de rencor una relación que se ha terminado. Para quien esto firma, una de las canciones del año, y que por estilo, a diferencia de ‘So Real’, sí pegaba en la secuencia.
Calificación: 4/10 Lo mejor: ‘These Days’, ’I’ll Be There’, ‘Won’t Say No’. Te gustará si te gusta: mucho el anterior Spotify:Spotify
Este jueves se han estrenado en Madrid dos de las películas más esperadas de la temporada, ‘El fotógrafo de Mauthausen’ de Mar Targarona, protagonizada por Mario Casas, y la recomendada ‘Quién te cantará’ de Carlos Vermut, protagonizada por Najwa Nimri.
El estreno de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ y ‘Quién te cantará’ ha producido, sin embargo, una protagonista inesperada: Alba Flores. La compañera de Najwa en ‘Vis a vis’ está siendo de lo más comentado hoy tras la confusión que protagonizó anoche durante la premiere de estas dos películas, cuando pensaba que estaba en el estreno de su amiga Najwa y en realidad estaba en el otro, que se producía en un cine cercano.
En el vídeo de la entrevista, que se ha hecho viral, Flores habla alegremente sobre Najwa y el rodaje de ‘Quién te cantará’ a los periodistas con un cartel de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ detrás de ella. Ahí es cuando el periodista intenta reconducir sutilmente la conversación preguntándole por Mario Casas, pero Flores, confundida, cree que se refiere a Carlos Vermut. El periodista finalmente explica a Flores dónde está en realidad, haciendo flipar a la actriz.
Por suerte para Flores, Paquita Salas ha salido en su defensa y se ha medio atribuido el error, achacándolo a un “lío de mails”.
Pues se ve que anoche tuvimos un pequeño lío de mails con la premiere de Najwa… https://t.co/8FkTv4GEk4
Aitana, finalista de Operación Triunfo e intérprete de dos de las canciones más exitosas de 2018 en España, ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra y ‘Teléfono’, ha vuelto esta noche a El Hormiguero para hablar sobre las novedades de su carrera, entre ellas el recién obtenido Disco de Platino para la mencionada ‘Teléfono’.
Aitana ha aprovechado su visita al plató de Pablo Motos para compartir finalmente detalles de su debut. La cantante ha anunciado que el disco saldrá en dos partes “porque ahora devoramos más que consumimos” y que la primera, de nombre ‘Tráiler’, sale en noviembre y la segunda en “dos o tres meses”. Asegura que ha escogido este título porque el disco es el “principio de lo que está por venir”. ‘Tráiler’ contendrá seis canciones y una remezcla de ‘Teléfono’ con la influencer Lele Pons (intérprete del éxito ‘Celoso’). Aitana vuela hoy a Los Ángeles para grabar el vídeo de este remix.
Desde Los Ángeles, Aitana visitará Ecuador, México y Argentina para continuar con la promoción de ‘Teléfono’. En México cantará con Morat y en Argentina con Tini (también presente en el remix de ‘Lo malo’). Os recordamos que, aparte de con los productores de ‘Despacito’ para Teléfono, Aitana ha compartido estudio con Pablo Díaz-Reixa, más conocido como El Guincho y como productor de ‘El mal querer’, el próximo álbum de Rosalía.
Primavera Club se precia de ser una de las mejores canteras de artistas, que no sólo son el presente sino que pueden marcar el futuro del pop. De nuevo celebrándose simultáneamente en Barcelona y Madrid, en esta edición 2018 que se tiene lugar entre los días 26 y 28 de octubre –este fin de semana– encontraremos más de 30 nombres nacionales e internacionales a los que se puede acceder por unos precios bastante razonables –25 € el abono de 3 días; 15 € las entradas de día–. [Imagen: Kadhja Bonet]
Algunos nombres que ya han aparecido por nuestra página: Snail Mail, Ama Lou, serpentwithfeet, Boy Pablo, Buzzy Lee, Conttra, Cupido, Goa o Jimothy Lacoste están entre los destacados de este año. Pero la oferta es bastante amplia y diversa –más de 30 grupos desde Estados Unudos, Reino Unido, Francia, Turquía o España actuarán en diversas salas–, así que hoy dedicamos este especial a desentrañar quién y qué hay detrás de algunos de esos nombres algo menos populares… hasta ahora.
Este cuarteto neoyorquino se ha erigido en torno a la bonita voz de Lila Ramani y una serie de pasajes lisérgicos que remiten a Melody’s Echo Chamber y otros proyectos en torno a la psicodelia más encantadora, aunque con un punto doméstico a lo K Records. Presentan las canciones de sus dos primeros EPs autoeditados, ‘Crumb’ y ‘Locket’, mientras preparan ya su álbum debut. [Sábado 27 de octubre, en Barcelona –Sala Apolo– y domingo 28 en Madrid –Teatro Barceló–]
¿Qué hubiera pasado si Triángulo de Amor Bizarro hubieran crecido escuchando a Triana y ‘La leyenda del tiempo’? Pues posiblemente algo parecido al sonido de este supergrupo formado por miembros de bandas sevillanas como The Milkyway Express, Quentin Gas & Los Zíngaros, Furia Trinidad o JambalayaBand, que está a punto de publicar un álbum de este psyco-rock-flamenco («kinkydelypsycotropical» lo llaman ellos) que muestran en canciones como ‘El salto del gitano’ o ‘Samrkanda’. [Viernes 26 de octubre en Barcelona –La [2] de Apolo– y domingo 28 en Madrid –Teatro Barceló–]
Tras este nombre propio de la carpintería, papelería o taller de automoción de tu barrio se esconde una pareja de músicos de Madrid –el misterio que por el momento les rodea impide saber si realmente son hermanos y se apellidan Muñoz– que, a priori se podría enmarcar dentro del nuevo panorama urban-R&B-hip hop. Si bien la suya es una propuesta que está más cerca de emular proyectos anglosajones reposados y oscuros como dvsn o Majid Jordan –filtrado por un tamiz local, eso sí– que a Yung Beef o Dellafuente. Así lo muestran los distintos trabajos que han publicado desde el pasado año, el último de los cuales, ‘Manantial, veía la luz esta semana. [Domingo 28 de octubre, en Madrid –Teatro Barceló–]
Esta cantautora de Austin, Texas, es una cita imperdible para aquellos que gocen con cantautoras como Angel Olsen o Sharon Van Etten. Tras dos álbumes de folk y country más o menos canónico, este año ha dado un gran salto con ‘Cosmic Wink’, un disco notablemente más luminoso y con vocación popular, que en canciones tan certeras como ‘I See the White’ o ‘Awakening Baby’ abre nuevas perspectivas en su carrera. [Domingo 28 de octubre, en Barcelona –Centro Cultural Albareda–]
Esta jovencísima artista californiana se esmera por mantener cierta opacidad sobre su biografía, quizá alimentando cierta mitología que situaría su propuesta musical como a una Alice Coltrane o una Nina Simone componiendo e interpretando bandas sonoras de películas clásicas. Esa fantasía se hace realidad en álbumes como ‘The Visitor’ (2016) o el reciente ‘Childqueen’, auténticos prodigios de soul-folk-jazz-pop de tintes añejos pero muy, muy excitantes. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –Sala Apolo–]
Nada de metal. Tras este nombre tan gótico se esconde en realidad un cuarteto bilbaíno que en realidad no hace ascos a ningún género en su EP debut ‘Todo lo que arde’: ritmos reggaeton, pop y ambientes oscuros a lo Décima Víctima conviven en canciones que, sobre todo, desprenden un gran magnetismo. [Viernes 26 de octubre en Madrid –El cielo de Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
El nombre de esta joven noruega lleva sonando desde hace unos años pero, tras la enésima decepción de un artista tras fichar por una multinacional, ha logrado al fin publicar en este 2018 su debut largo, ‘Both’. Un disco creado con la colaboración de su pareja sentimental –Aaron Maine, de Porches– que se nutre tanto de folk-pop como de R&B y electrónica, dando lugar a canciones misteriosas y elegantes como ‘IUD’ o ‘Habitual Love’. [Viernes 26 de octubre en Madrid –El cielo de Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
Este verano Pitchfork destacaba en un artículo de portada a este MC británico como uno de los más interesantes de la nueva camada del grime. Este chaval procedente de un suburbio de Northampton –Tyron Frampton, se llama– rapea con los códigos de Skepta o Stormzy, pero emplea una estética distintiva que provoca, confunde y mete miedo, al estilo del primer Tyler, The Creator y vídeos como el de ‘Polaroid’ o el reciente ‘Rainbow’ son de esos que no se olvidan fácilmente. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –La [2] de Apolo–]
Esta cantautora australiana encajaría en cánones de chica-con-guitarra-eléctrica similares a los de su compatriota Courtney Barnett –aunque más oscura– o norteamericanas como Lucy Dacus o Julien Baker. Sin embargo, canciones como ‘Mechanical Bull’ o la emocionante llamada a la sororidad de ‘Boys Will Be Boys’ –incluidas en su EP debut ‘Thrush Metal’– desprenden una personalidad particular que hace confiar muchísimo en sus posibilidades de cara al futuro. [Sábado 27 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y domingo 28 en Barcelona –Sala Apolo–]
Jaume Benedito es un valiente, uno de esos heroicos músicos amantes del pop de guitarras delicado y bien hecho. Lo ha demostrado en ‘Someday I’ll write a nice love story’ (2017) y el recientemente publicado –de nuevo por el exquisito sello Discos de Kirlian– ‘What do you want to be when you grow up’, dos álbumes que sin duda encandilarán a aquellos que gocen de los discos de The Divine Comedy, Jens Lekman, el primer Richard Hawley o Roddy Frame. [Sábado 27 de octubre, en Barcelona –Centro Cultural Albareda–]
‘Devotion’, álbum debut de esta artista británica amiga de Mica Levi –no en vano ha producido el disco con ella– es la revelación del alt-R&B en 2018. Bases minimalistas pero contundentes, voces de ecos infinitos –como una James Blake lo-fi– y una valentía que ha conquistado a grandes nombres de la nueva escena electrónica como Arca caracterizan la música de una mujer de la que, gracias a las excelentes críticas que está cosechando, se espera mucho. [Viernes 26 de octubre en Madrid –Teatro Barceló– y sábado 27 en Barcelona –Sala Apolo–]
2018 ha supuesto el despegue definitivo como artista de Hayley Kiyoko, una chica que comenzó como integrante del grupo musical The Stunners (donde coincidió con Tinashe) y labrándose una carrera como actriz de la factoría Disney y que hoy se ha convertido en todo un icono para los movimientos pro-LGTBI+, concretamente para las lesbianas, habida cuenta de unas letras y vídeos que enfocan con total naturalidad su propia sexualidad. Además, ha participado activamente en campañas de concienciación sobre el outing y ha sido muy crítica con otras artistas –como Rita Ora y amigas en ‘Girls’– cuando han dado un discurso equívoco hacia el lesbianismo.
Esta mañana The Cure han sido confirmados como el primer gran cabeza de cartel del festival portugués NOS Alive 2019. Este certamen se celebra en Algés –localidad próxima a Lisboa– entre los días 11 y 13 de julio del próximo año. Concretamente, el grupo de Robert Smith actuará allí el jueves día 11. No hace falta ser muy avispado para entender que eso abre la puerta a que el mítico grupo británico esté a punto de ser confirmado por algún otro festival celebrado en España. Pero ¿cuáles serían los mejores colocados?
Aunque su origen está en el pop shoegazer de finales de los 80 y en proyectos como Cocteau Twins o Galaxie 500, hoy cuando hablamos de dream pop es ineludible que el nombre de Beach House salga a relucir. Y a 
Esta semana se ha presentado el primer single oficial de Petróleo, un proyecto musical que desde hace un tiempo está permitiendo al singular y polémico cómico 
Percibía a Gusgus algo parados en comparación a su concierto en Paraíso Festival, y vi a 
Hace un par de semanas el girl-group británico por excelencia del último lustro, 
Siete años sin 
Jessica Pratt, una de las voces más carismáticas del folk americano actual, ha anunciado esta semana la llegada de su nuevo disco, ‘Quiet Signs’, para el 8 de febrero. Es su primer álbum desde 2015, año en el que publicó el aclamado ‘
Anoche debutaba en en el canal MovistarCine (¿?) de Movistar+ –más tarde, a las 00:50h, se repitió en abierto en #0– ‘
Parte de la redacción evalúa ‘Booty’, el single conjunto de C. Tangana y Becky G.
Del colectivo hip-hop Odd Future salieron nombres tan dispares y tan relevantes como Frank Ocean, Tyler The Creator, Earl Sweatshirt, Syd (Sydney Loren) y Matt Martians, formando estos dos últimos, junto a Patrick Paige II, Steve Lacy y Christopher Smith, otro colectivo: 
El asalto de Rosalía al estatus de artista internacional es un hecho. Tras verla actuar en directo y por 
Como es público y notorio, el rapero Daniel Hernandez conocido como Tekashi 6ix9ine o 
Pese a su intento de continuar al frente de la entidad que gestiona los derechos de autor, 
Este viernes 
Slowdive han redefinido el concepto shoegaze en pleno 2017, entregando una de las obras maestras del género cuando ya todo se había dado por inventado o establecido. Y encima la llamaron ‘Slowdive’. Por eso esperaba más definición y entrega en un set algo parco en sonido pese a que las canciones fueran excelentes, desde ‘Slomo’ hasta la tétrica versión de ‘Golden Hair’. Se vio algo ausente a Neil Halstead para el torbellino de titulares que es. La líder aquí fue Rachel, como se apreció al final del show, que sí optó por ir añadiendo paulatinamente una buena maraña de ruido.
Lady Gaga es esta semana número uno en Reino Unido con ‘Shallow’, la canción principal de la película que protagoniza junto a Bradley Cooper, ‘
Los islandeses Gusgus vuelven este fin de semana a nuestro país consolidados como uno de los grupos más queridos entre los amantes de la electrónica aparentemente gélida pero con alma. Este año han publicado ‘
Jess Glynne no es solo lo que suena de fondo mientras una masa ingobernable de niños aparece corriendo ligeramente sobreexcitada en TVE para promocionar los campamentos de Masterchef. Esta temporada la cantante se ha convertido en la solista femenina británica con 
Este jueves se han estrenado en Madrid dos de las películas más esperadas de la temporada, ‘El fotógrafo de Mauthausen’ de Mar Targarona, protagonizada por Mario Casas, y la 
Aitana, finalista de Operación Triunfo e intérprete de dos de las canciones más exitosas de 2018 en España, ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra y ‘Teléfono’, ha vuelto esta noche a El Hormiguero para hablar sobre las novedades de su carrera, entre ellas el recién obtenido Disco de Platino para la mencionada ‘Teléfono’.
Primavera Club se precia de ser una de las mejores canteras de artistas, que no sólo son el presente sino que pueden marcar el futuro del pop. De nuevo celebrándose simultáneamente en Barcelona y Madrid, en