El otro día vi un reel de Instagram que afirmaba que ya no existen artistas como Madonna, capaces de cambiar radicalmente de estilo de disco a disco. Allie X no es ese camaleón musical que siempre ha sido la Ciccone, pero sí se ha preocupado por ofrecer una propuesta diferente en cada proyecto, incluso encarnando un personaje distinto cada vez, pasando de la diva excéntrica de sus inicios a la sombra sin rostro de su álbum anterior.
En ‘Happiness Is Going to Get You’, su cuarto álbum, la canadiense Alexandra Ashley Hughes se convierte en The Infant Marie, un personaje que representa la “nostalgia y la exploración de los recuerdos”. Marie simboliza la unión -o colisión- de pasado y futuro que propone el disco: una diva pop que existe en dos líneas temporales a la vez. El cubo de cristal en el que toca el arpa representa esa distancia temporal: dentro, ella vive en el pasado, pero nosotros la observamos desde fuera, en el presente.
El concepto visual de ‘Happiness Is Going to Get You’ es simplemente genial, y me atrevo a decir que será copiado en el futuro por algún artista con menos talento. El contenido musical, por su parte, refleja ese personaje: la canadiense explora una paleta sonora particularmente orgánica, con canciones escritas al piano y posteriormente arregladas con cuerdas, clavicordios y otros instrumentos, aunque sin abandonar los teclados y los detalles digitales que dirigen el disco hacia el futuro.
Brillan especialmente los arreglos, la producción y, sobre todo, los conceptos líricos de las canciones; no tanto unas melodías vocales que resultan simplemente correctas y, en ocasiones, planas. Algunas piezas no temen exhibir sus influencias: ‘Hope You Hear This Song’ es un hechizo destinado a atormentar a una persona con una melodía pegadiza, pero funcionaría mejor si esa melodía no fuera prácticamente la de ‘Bitter Sweet Symphony‘ (1997) de The Verve.
Donde ‘Happiness Is Going to Get You’ funciona es en ofrecer un repertorio cohesionado y comprometido con su concepto, a pesar de su variedad. En el álbum conviven la oscuridad industrial de ‘Is Anybody Out There?’, una reflexión sobre el aislamiento existencial que sufre el personaje, impulsada por un estribillo armonizado que remite al estilo de Dirty Projectors, y el clavicordio de ‘Down Bad’, la pieza más Tori Amos del disco, animada con castañuelas.
La mejor canción es ‘Reunite’, donde Allie X, de nuevo a golpe de clavicordio, plantea una reconciliación con su propio cuerpo, resentido desde hace años por una enfermedad crónica. No obstante, la letra admite una interpretación más universal, quizá dirigida a un amigo o familiar, especialmente pertinente en esta época navideña. ‘7th Floor’, en un estilo a medio camino entre el post-punk y el indie pop, es una de las más visuales: Allie X se imagina atrapada en un ascensor que sube y baja sin parar, simbolizando un bucle vital sin fin del que ella tampoco hace un esfuerzo por salir.
Otras metáforas bien traídas, ya sea sobre la industria musical -simbolizada en un ‘Uncle Lenny’ que deja a Allie X sin un duro- o sobre la importancia de mantener un espíritu infantil, en la alegre y muy -o demasiado- Belle & Sebastian ‘Stay Green’, se suceden en un disco compuesto principalmente por medios tiempos y baladas como la emotiva ‘Learn to Cry’, que suena relajado y elaborado a la vez.
Hay que ponerle mucho esmero para escribir arreglos orquestales como los de ‘Learn to Cry’, que además incluye un estupendo solo de guitarra eléctrica, o ‘It’s Just Light’, que cierra el álbum en clave trip-hop sin renunciar a los estilismos barrocos del conjunto. Aunque las melodías nunca parecen querer explotar, quedándose en un agradable punto medio, a Allie X hay que aplaudirle sus esfuerzos por crear discos con conceptos tan interesantes y tan bien desarrollados.
Celeste ha lanzado su segundo proyecto este 2025, recuperando la majestuosidad de las melodías sesenteras y de la chanson francesa. La cantautora británica así construye una monumental intro para ‘Woman of Faces’, nuestro Disco de la Semana. ‘On With The Show’ es la Canción del Día.
Solo podemos fantasear con lo que hubiese sido ‘On With The Show’ de haber incluido los arreglos orquestales de Robert Ames, descartados y descritos por Jeff Bhasker, productor del disco, como «demasiado vanguardistas». ¿Cómo puede ser esto algo negativo? Aun así, de epicidad la canción no va corta.
‘On With The Show’ empieza nada más que con la voz de Celeste y un piano que la acompaña, mientras la percusión se va sumando de forma puntual a la mezcla. El gran momentazo coincide con la frase «ahí está el oleaje de cuerdas», que marca en el momento en el que entran los violines en la canción.
Celeste canta sobre «mausoleos hechos de nacimiento, ladrillos y canciones», «coros en rabia constante» y cantos sobre «tulipanes» y «calderilla». La poética letra es evocadora y, justo cuando llega a su máximo nivel, en el que la cantante asegura tener la banda «bajo control», esta termina de forma abrupta junto con toda la canción. Redonda.
Unos cuantos sueños (Chimamanda Ngozi Adichie) Chimamanda Ngozi Adichie es una figura controvertida. Pero, claro, si eres una brillante intelectual africana de raza negra y familia rica, convertida en un icono del feminismo, cuyos discursos samplea Beyoncé y no temes meterte en todos los charcos que se te ponen por delante, como para no serlo. Más allá de polémicas (expuestas por mi compañero Jordi en este artículo), lo que es indudable es que Chimamanda –‘Medio sol amarillo’, ‘Americanah’- es una novelista fabulosa.
‘Unos cuantos sueños’ (Random House), su esperada nueva novela tras más de una década sin publicar ficción, no decepciona. Adichie narra la historia de tres pijas nigerianas y de la criada de una de ellas (personaje inspirado en la limpiadora de hotel que denunció la violación por parte de Dominique Strauss-Kahn), quienes cuentan en primera persona “unos cuantos sueños”: sus relaciones con los hombres, la maternidad, el poder económico, el colonialismo, la identidad africana y las contradicciones de una élite femenina atrapada entre el privilegio, las heridas que han dejado abiertas sus exparejas y el deseo de emancipación. Chimamanda se compra bebés como buena señorona rica, pero… qué bien escribe: qué manera de articular temas, hilvanar ideas y elaborar reflexiones. 8
El asesinato de los Aosawa (Riku Onda) Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída, además de guionista de cine y televisión. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente.
‘El asesinato de los Aosawa’ (Salamandra) es un absorbente thriller que destaca por su atractiva y poco convencional estructura narrativa. Todo comienza en una fiesta de cumpleaños celebrada en un sofocante día de verano (el ambiente caluroso y húmedo impregna toda la novela): diecisiete personas, entre ellas seis niños, mueren envenenadas. A partir de ese suceso, la historia se abre a múltiples perspectivas, distintas líneas temporales y diversos puntos de vista, como si se tratara de un rompecabezas metaficcional: una joven interesada en el caso contacta con una escritora que escribió sobre ese caso que a su vez fue testigo de la masacre. Y eso solo es el principio… 8’1
El director (Daniel Kehlmann) Uno de los libros del año. La nueva novela del alemán Daniel Kehlmann ha encabezado gran parte de las listas de lo mejor de 2025, entre ellas las del New York Times o la BBC (en las españolas, no sé por qué, ha sido completamente ignorada). El autor de ‘La medición del mundo’ o ‘Deberías haberte ido’ ha hecho un retrato extraordinario del director G.W. Pabst, una especie de biografía novelada que intenta contestar a una pregunta que muchos se hicieron en su época: ¿por qué el prestigioso director que había encumbrado a Greta Garbo (‘Bajo la máscara del placer’, 1925) y Louise Brooks (‘La caja de Pandora’, 1929), que se había ganado el apelativo de “Pabst el Rojo” firmando la antibelicista ‘Cuatro de infantería’ (1930) y la izquierdista ‘Carbón’ (1931), y que había trabajado en Francia y en Hollywood durante la década de 1930, decidió regresar al Tercer Reich en 1939?
Kehlmann dibuja a Pabst como un hombre inseguro y conformista, que antepuso el compromiso con el arte y el interés personal al deber moral. ‘El director’ (Random House) explora ese pacto fáustico con el nazismo a través de una prosa ágil y cargada de tensión dramática, poniendo el acento en el conflicto interior de un artista atrapado entre la ambición, el temor y la necesidad de reconocimiento. 8’7
Las lunas antes del aterrizaje (Clemens J. Setz) Seguimos con literatura en alemán. Gracias a la editorial H&O están llegando a España los libros del matemático y filólogo austriaco Clemens J. Setz, autor que en 2021, con apenas 38 años, recibió el galardón más importante de la literatura alemana: el Premio Georg Büchner.
En ‘Las lunas antes del aterrizaje’, Setz reconstruye la vida de uno de esos personajes “más extraños que la ficción”: Peter Bender, aviador que combatió en la Primera Guerra Mundial y que más tarde se convertiría en uno de los más fervientes defensores del terrahuequismo, una teoría desarrollada en el siglo XIX que sostiene que la Tierra está completamente hueca y que su interior es habitable. A través de la visión distorsionada de la realidad de este personaje, Setz recrea, en forma de ingeniosa sátira, los acontecimientos más significativos de la Alemania de la primera mitad del siglo XX y traza un paralelismo con las teorías conspirativas actuales, desde el aparentemente inofensivo terraplanismo hasta el peligroso “gran reemplazo” supremacista. 7’7
Los ojos son la mejor parte (Monika Kim) Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Los ojos son la mejor parte’ (Seix Barral), de la coreana-californiana Monika Kim, es una mezcla enormemente eficaz de terror psicológico y gore oftalmológico (muy gráfico), atravesada por humor negro y una crítica sociopolítica centrada en los choques culturales y las luchas identitarias.
“¿Quién quiere el ojo?”. El título de la novela (fabuloso) remite a la costumbre coreana de comerse los ojos de los pescados: “son la mejor parte”. A partir de este detalle costumbrista, la autora construye un relato en primera persona (narrado por la asesina protagonista) sobre familias rotas, racismo y machismo cotidianos y furia reprimida, que avanza con la intensidad dramática de una psicópata que prueba por primera vez la sangre. El resultado es una exploración de los límites entre cordura y locura tan perturbadora y repulsiva como afilada y divertida. Como era de esperar, ya está en marcha la adaptación cinematográfica. La dirigirá la actriz Greta Lee (‘Vidas pasadas’, ‘TRON: Ares’), en la que será su debut como realizadora. 7’8
El asedio (Ben Macintyre) Ben Macintyre nunca decepciona. Con ‘El asedio’ (Crítica) vuelve a demostrar su asombrosa habilidad para combinar rigor documental con recursos narrativos propios del thriller. ‘Agente Sonya’, ‘Espía y traidor’, ‘Un espía entre amigos’… son libros de no ficción que se leen como la más trepidante de las novelas de espionaje e intriga. No es de extrañar que el equipo de ‘Slow Horses’ se vaya a encargar de adaptar para televisión este último.
El asedio reconstruye la operación de rescate organizada por las fuerzas especiales británicas en 1980 para liberar a los veintiséis rehenes retenidos en la embajada iraní de Londres. Con el apoyo de un completo apartado gráfico -mapas, planos del edificio, fotografías y esquemas de la intervención-, Macintyre desgrana los hechos desde múltiples ángulos (asaltantes, rehenes, fuerzas de seguridad, periodistas y responsables políticos) y perspectivas -geopolítica, psicológica, logística y humana-. El resultado es un relato extraordinariamente vívido, tenso y emocionante sobre un episodio clave del terrorismo internacional y del prestigio del SAS. 8
Golpe de luz (Rita Bullwinkel) Celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, conocida por ser la editora de la revista literaria McSweeney’s Quarterly. Nominada al Booker, finalista del Pulitzer y, el espaldarazo definitivo para muchos: a Obama le voló la cabeza. Y cuando Obama recomienda un libro es como cuando Stephen King alaba una obra de terror: los lectores se multiplican.
El caso es que Obama tiene muy buen gusto (King no tanto): ‘Golpe de luz’ (Sexto Piso), perdón por el chiste fácil, es la hostia. Bullwinkel narra las vidas -pasadas, futuras e imaginadas- de ocho boxeadoras adolescentes durante un campeonato que se celebra en Reno, la versión barata y sórdida de la ya de por si decadente Las Vegas. La novela se abre con el cuadro de los enfrentamientos y cada capítulo está dedicado a un combate. Es en ese espacio, dentro del cuadrilátero, donde la autora explora las interioridades de unos personajes extraordinariamente bien perfilados. El ring no es solo un escenario deportivo y de violencia física, sino también un espacio de revelación íntima donde, golpe a golpe, se condensan miedos, deseos y futuros posibles. 8’4
El accidente (Blanca Lacasa) Este año, la editorial Libros del Asteroide ha publicado dos debuts estupendos de autoras españolas, que además tienen más de un punto en común en cuanto a la temática: ‘Comerás flores’, de Lucía Solla Sobral, que estoy leyendo ahora mismo (y también recomiendo), y ‘El accidente’, de la periodista Blanca Lacasa, conocida por su ensayo ‘Las hijas horribles’ (Libros del KO, 2023) y por ser la vocalista del dúo Plastic d’Amour (la novela incluye playlist).
La prosa de Lacasa va como un pepino. ‘El accidente’ narra el vértigo del inicio de una relación romántica, el torbellino emocional que supone un enamoramiento y la irrupción de lo imprevisto, “el accidente”, con una precisión estilística asombrosa. A través de un uso muy creativo y poético de la tercera persona, de las metáforas y de las repeticiones, la autora consigue transmitir la intensidad obsesiva de los primeros días, esa mezcla de euforia, ansiedad y fragilidad en la que todo parece decisivo y provisional al mismo tiempo. El resultado es una novela que, en apenas 80 páginas, captura con exactitud casi física ese estado mental en el que amar es, sobre todo, perder el control. 7’7
Calabobos (Luis Mario) Si no tienes el oído muy hecho al acento norteño, de Cantabria o Asturias, seguramente te pase con ‘Calabobos’ lo que me ocurrió a mí con el ‘Panza de burro’ de Andrea Abreu: estuve en un tris de dejarlo, no entendía nada. No lo hice, claro, y a las cinco o seis páginas ya estaba metido en la historia y entendía todo como si fuera Rosana.
La excelente novela del cántabro Luis Mario destaca por su estilo: está escrita de forma oral, como “falan” los paisanos de los pueblos cántabros. Esa oralidad no es solo un recurso formal, sino la clave de la mirada del autor: contar la ruralidad desde dentro, con sus propias palabras, con sus mitos, cuentos, fantasías, costumbres y tradiciones. La metáfora es clara: las violencias que atraviesan el libro –contra los “maricones” y los “subnormales”- no siempre se presentan como estallidos, sino como una presión constante, asumida y normalizada. Al igual que la lluvia fina que da título al libro, empapan poco a poco, hasta que terminan calando. 7’9
Matate, amor (Ariana Harwicz) Ariana Harwicz publicó su debut literario en 2012. Apenas tuvo lectores. Fue a partir de la reedición de 2017, impulsada por sus pocos pero entusiastas seguidores, cuando ‘Matate, amor’ (publicada este año por Anagrama) empezó a ganar visibilidad. Sin embargo, el verdadero reconocimiento internacional llegó con la traducción inglesa, ‘Die, My Love’, nominada al Premio Booker, y con su adaptación cinematográfica, protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson, que consolidó la difusión de la novela en todo el mundo.
Definido como un “thriller campestre”, el libro está protagonizado por una mujer que vive en una casa de campo, cerca de un bosque, junto a su marido y su hijo recién nacido. A través de un intenso monólogo interior, construido con frases cortas en las que cada punto parece la marca de un disparo, el lector se adentra en la mente convulsa de una mujer acorralada: presa de un deseo insatisfecho, atenazada por un entorno opresivo, un marido anodino y un bebé vivido como una carga. Aunque al principio cuesta adaptarse a su ritmo y a ciertos modismos argentinos, pronto resulta fácil dejarse arrastrar por su intensidad lírica y desgarradora. Una novela breve para leer de un tirón, como un poema. 7’6
Perry Archangelo Bamonte ha fallecido a los 65 años. Así lo ha comunicado The Cure en su propia página web, en la que han rendido homenaje al guitarrista y teclista: «Es con una enorme tristeza que confirmamos la muerte de nuestro gran amigo y compañero de banda, que falleció tras una corta enfermedad en su casa».
Aunque no fue un miembro fundador del grupo británico, sí fue una «parte vital de la historia de The Cure», descrito por la banda como una persona «tranquila, intensa, intuitiva, constante y extremadamente creativa». La historia de Bamonte comienza con su hermano pequeño, Daryl, road manager, teclista ocasional de Depeche Mode y quien le introduce al mundo de la música.
Perry se unió al equipo de gira de The Cure en 1984 gracias a su hermano, que empezó a trabajar con la banda a principios de los 80. Bamonte actuó como asistente personal y técnico de Robert Smith hasta 1989, y con la salida del teclista Roger O’Donnell en 1990 acabó convirtiéndose en un miembro de la banda a tiempo completo. «Tocó la guitarra, el bajo de seis cuerdas y el teclado en ‘Wish’, ‘Wild Mood Swings’, ‘Bloodflowers’, ‘Acoustic Hits’ y ‘The Cure’, haciendo más de 400 conciertos a lo largo de 14 años», cuenta la banda.
Bamonte empezó como teclista, pero acabó siendo el guitarrista principal del grupo con la salida de Porl Thompson hasta 2005, año en el que Robert Smith convirtió The Cure en un trío junto a Simon Gallup y Jason Cooper. Su historia con la banda no llegó a su fin, reincorporándose en 2022 para tocar en otros 90 conciertos como parte de la gira ‘Shows of the Lost World’, «algunos de los mejores de la historia de la banda».
El espíritu navideño ha inspirado a The Lemon Twigs, la banda vintage por excelencia, a rendir homenaje, más que nunca, a The Beach Boys. No están solos en la ocasión, reclutando al grupo neoyorquino Tchotchke, también amantes de toda la música de los 60 y 70. Ademas, han inspirado el nombre de la canción. ‘Tchotchkes’ es la Canción del Día.
Un tchotchke es una palabra usada para describir un objetivo cuya única función es la de decorar, ya que no suele tener ningún valor monetario. Es lo mismo que una baratija, un souvenir o los típicos imanes que se compran de vacaciones. Esto es justo lo que piden Tchotchke, formada por Anastasia Sanchez, Eva Chambers y Emily Tooraen, en el estribillo: «Pequeños y adorables tchotchkes / Con personalidades / Que combinen con mi estilo», cantan.
Desde las melodías hasta los detalles de producción más minuciosos, la clara inspiración del villancico de The Lemon Twigs es la banda californiana autora de clásicos como ‘Wouldn’t It Be Nice’ o ‘Sloop John B’. De hecho, la primera voz que aparece en la canción recuerda directamente a la del joven Brian Wilson, fallecido este 2025.
Los falsettos y la percusión adicional típicas de los Beach Boys está en ‘Tchotchkes’, pero lo que mejor recrea el dúo estadounidense es la construcción de una satisfactoria y encantadora canción, sin llegar a ser una copia clara de ninguna canción. Desde luego, es una de las mejores canciones navideñas de los últimos años.
Miss Caffeina vienen de una de las épocas mas tumultuosas de su carrera. El resultado es ‘Buenasuerte’. El sexto álbum de Alberto, Toni y Sergio explora el duelo y la ruptura desde todos sus ángulos, desde la tristeza y la rabia hasta la ironía y, finalmente, la aceptación. ¿Cómo lo han hecho? Con electrónica, melodías clásicas y mucho compañerismo.
La banda, además, se sincera sobre trabajos anteriores como ‘El año del tigre’, el cual «no debería haber sucedido», o la incómoda visita al camerino de cierto artista. Hablamos con ellos sobre producir un disco con Pablo Rouss (después de varios discos con Max Dingel), las rupturas y el duelo que inspiraron el disco, los festivales de KKR o el Benidorm Fest.
¿Qué significa para vosotros este disco? Sobre todo para los que no habéis sufrido una ruptura como Alberto. Para Alberto, me hago una idea…
Sergio: Es complicado, y ha sido intenso. Ten en cuenta que hay muchas canciones relacionadas con la ruptura se han ido haciendo después, y en particular la parte que he escrito yo, se suma a ese proceso de duelo, pero viene de otro lugar: viene de la pérdida de un familiar cercano. Lo que hemos intentado es redirigir un poco la energía y canalizarla a favor de la obra, para que hubiera unidad en todo el disco. Un concepto fuerte que parte de lo primero que trajo Alberto, hablando de las fases del duelo. A nivel emocional, 2023 y 2024 han sido dos años heavies… Ha sido intenso a nivel emocional.
Toni: A nivel personal, yo he conectado 100% con todas las canciones porque también he pasado justamente hace muy poco por eso. Recibir estas canciones me ha metido de lleno en toda la mierda que llevaba pasando el año anterior con la ruptura que tuve y demás. Personalmente estoy 100% conectado con todo.
Vaya, que yo pensé que era el disco post-divorcio de Alberto, pero en realidad habéis hecho una cosa sobre la pérdida más genérica sobre las fases del duelo…
Alberto: Nos tiramos tantas horas juntos en una furgoneta y nuestro proyecto es tan vocacional, con los tres hablando continuamente, que cualquier cosa que le pasa a uno al final se hace como problema de todos. Cuando yo pasé por una ruptura era el tema de conversación que teníamos todo el rato. Y cuando Sergio me enseñaba sus temas, yo decía: «¿Pero los has escrito sobre lo que me ha pasado a mí?». Y me decía: «No, habla de esto, pero sí que es verdad que lo he adecuado para que sea acorde al disco». Al final, todo el mundo pasa por una ruptura, se han hecho discos y discos sobre esto. Al final es como nuestra versión del duelo, de las fases y mezclado también con «este duelo es así porque también se tienen otro tipo de mochilas, sobre inseguridades y demás». Aunque individualmente cada duelo es diferente.
¿Cuáles fueron las primeras canciones que teníais escritas?
Alberto: ‘Argumento de mierda’ fue la primera que se hizo.
Sergio: Yo la primera que aporté fue ‘Debería estar brillando’. Luego, el puzzle se fue completando a medida que completábamos un concepto. ‘Intemperie’ para mí fue una manera de intentar redondear el concepto del disco con otra canción de pérdida muy clara, muy dolida y muy intensa.
Alberto: La diferencia con este disco es que en vez de coger las canciones que más nos gustaban o coger 10 canciones y meternos al estudio a grabarlas, teníamos muchísimas canciones en una carpeta. De ellas, grabamos las 5 principales. Cuando ya te plantas con 5 o 6 canciones, dices: «vale, el disco habla de esto, ¿qué más necesita? Y ahí puedes tirar de esas demos que teníamos, toda una carpeta de dramas (risas) O, directamente, componer más, como hizo Sergio.
A nivel tracklist, secuencia… habéis intentado dejar un mensaje como de optimismo, o divertido, al final? Porque el disco tiene sus valles….
Alberto: No, no tiene un orden muy concreto. Es más sónico como para que no te aburras o para que no haya demasiado beat seguido. A nivel narrativo las fases están totalmente desordenadas, porque nadie vive esto de una forma ordenada. De hecho, se repiten varias fases en un mismo duelo. Yo creo que la más positiva podría ser ‘Buena suerte’, que es como «vale, ya estoy superándolo, entiendo lo que pasa, te deseo buena suerte». Pero espérate, que ahora vienen otras nueve canciones en las que me voy a descargar.
Sergio: Es como la típica peli que empieza por la resolución, que te resuelve al principio que ha ocurrido algo, y tienes que ir viendo qué es lo que ha pasado a través del resto del disco.
¿Cuál sería la canción más película?
Alberto: ‘Hoy va a ser el día’, porque de hecho en el estudio nos pusimos una escena de ‘La Mesías’. Cuando Macarena García se toma un tripi y está como en una especie de rave, pero ya está totalmente desubicada y todo el mundo está muy feliz alrededor. Queríamos exactamente eso para ‘Hoy va a ser el día’. Y como que verlo visualmente nos ayudaba bastante a llevar la producción donde queríamos. Esta vez las letras son muy explícitas, con lo cual es más fácil imaginarte la peli. Otras veces hemos utilizado más metáfora y la gente no sabía de qué estábamos hablando.
«Cagarte en la madre del otro es supernatural y todo el mundo lo ha sentido en una ruptura»
¿Por qué habéis dejado un tema como ‘Que seas feliz’ para el final?
Alberto: Quitarle un poco de hierro a todo, porque es un disco muy intenso, sobre el drama que supone una pérdida en todas sus formas y terminar con algo de humor me parece que te hace decir «voy a escucharlo otra vez», porque además dura media hora. Cagarte en la madre del otro es supernatural y todo el mundo lo ha sentido en una ruptura, que igual dura cinco minutos o dura tres días, pero es un sentimiento súper humano y mola hacer canciones sobre eso.
Si no eres el destinatario de la canción…
Alberto: Claro, pero haberte enrollado con un banquero (risas)
Sergio: Con alguien que no te vaya a devolver la puñalada con una canción (risas)
Contadme cómo ha sido trabajar con Pablo Rouss después de varios discos con el mismo productor, Max Dingel.
Toni: Llevábamos cuatro años con Max, nos habíamos acomodado. Max nos sacaba muchas cosas buenas, pero ya nos hacía falta tener una visión de gente más joven que estaba haciendo cosas que nos gustaban muchísimo. El disco de Belén Aguilera nos flipaba, ‘Metanoia’. Nos apetecía cambiar. Ha sido guay trabajar con Pablo, porque aparte de que nos hemos reído mucho y hemos encajado personalmente, le dio sobre todo mucho protagonismo a la voz, a cómo se grababan las voces, cuántas cosas podía hacer la voz. Hay muchos adlibs, muchas cosas que molan de percusión hechas con la voz. Se nota el trabajo vocal que hay en el disco, gracias a él.
Alberto: Por ejemplo, en ‘Buena suerte’, el primer tema, solo hay un bajo. Lo demás es todo percusión y toma vocal. No es que seamos Björk en ‘Medúlla’, que era todo vocal, pero son cosas muy interesantes que no habíamos hecho hasta ahora. Mola que en 6º disco, alguien te presione para cantar de otra manera o cantar mejor o desde otro sitio. Y luego, mola verle producir porque se vuelve como loco, entra en una especie de trance y se le empiezan a ocurrir muchísimas cosas y es muy divertido. Hemos conectado con él un montón y el hecho de que le llevásemos tanta edad también era un plus. No entendemos muy bien el mirar con recelo a las nuevas generaciones.
«No entendemos muy bien el mirar con recelo a las nuevas generaciones»
¿Este disco para vosotros es un cambio tan radical respecto a lo que hacía Miss Caffeina? Si lo comparas con los principios es súper diferente, pero no sé si ha sido como una evolución más progresiva…
Sergio: Yo creo que sí que es progresivo. Tampoco veo un cambio muy heavy, aunque sí que hay cambio.
Alberto: Yo creo que este disco podría haber sucedido después de ‘Oh Long Johnson’. ‘El año del tigre’ fue un… No sé cómo decirlo sutil, pero fue un disco que no debería haber sucedido. Hay canciones que me gustan mucho de ese disco, pero…
Sergio: Es un poco Frankenstein.
Alberto: Es un poco Frankenstein, no era el momento de sacar ese disco. Hay algunas canciones que eran mejores en la demo que en la versión final. Estábamos pasando por cambios de formación, cosas personales… muy raro. Y creo que esto hubiese sido la consecuencia después de ‘Oh Long Johnson’.
Sergio: De hecho, si te fijas en los dos primeros singles de ese disco, ‘Punto muerto’ y ‘Me voy’, eran dos canciones que apuntaban a ese camino: minimalismo, electrónica, mucho más en esta onda de ahora. Pero la manera en que hicimos aquel disco, sin estar encima de la dirección creativa por todos estos frentes que teníamos abiertos, salir de la pandemia, estar en gira, movidas internas varias… Yo creo que nos desenfocó el trabajo. Mi sensación era que ‘Merlí’, ‘Prende’ y ‘Calambre’ eran el camino. Después creo que nos perdimos en tener que producir deslavazado, en varias tandas, porque de repente el productor podía o no, estábamos en mitad de una gira… Y creo que ahí perdimos un poco el rumbo, pero la brújula estaba puesta en ese sitio.
Ahora que mencionas Merlí, sí que echo de menos como un cambio radical como el que fue ‘Merlí’ como primer single…
Alberto: Eso está muy bien porque quiere decir que la gente espera que lo hagamos, no espera que saquemos el mismo disco todo el rato y es muy interesante. Pero, por ejemplo, ‘Debería estar brillando’, comparado con lo que hemos sacado justo anteriormente, a mí me parece bastante cambio…
A lo mejor no tenéis por qué cambiar, o sea, mira Viva Suecia. U Oasis. Hay bandas que no cambian.
Alberto: Tiene que ser natural. Si es lo que tú sabes hacer y quieres seguir ahí porque es tu motivación artística guay, pero la nuestra nunca fue esa.
Sergio: También creo que es más fácil percibir esto que acabas de decir, cuando vienes de un disco fundamentalmente de guitarras y las quitas todas, de repente. Ese cambio se siente muy fuerte, súper fuerte. Cuando ya has transitado el mundo sintes, el mundo más electro, el mundo del medio tiempo pop, que es un sitio donde estamos bastante a gusto… creo que las diferencias son más sutiles. Yo sí que noto una diferencia grande, sobre todo en dónde está la voz en este disco. Tener un productor español, que trabaja muy bien las voces, pero que es español, sintiendo lo que estás diciendo, te cambia la película 100%. Este tipo, Max, es encantador, pero es alemán. Y habla inglés. La parte emocional de cómo se hicieron las cosas era distinto. Yo creo que para mí ahí está la raíz de por dónde hemos cambiado con este disco a tope. La apuesta en este disco creo que ha sido la voz.
Alberto: De hecho, no hay ni una sola guitarra en todo el disco.
Sergio: Pero tampoco ni un arreglo de sinte de «lead». No hay ninguna melodía que tú digas «es una melodía de sinte». Tú sabes cómo empieza ‘Merlí’. Cuando vengas a este disco lo que vas a recordar es una melodía de voz, no una melodía de un sinte y todo ese trabajo es un concepto para que las letras estén en primer plano. Hay una historia aquí y es otro tipo de emoción. Creo que está muy logrado a nivel conceptual por Pablo, el saber retenerse, porque es muy fácil sumar cosas, y ahora estudiar no sé qué, pero ese retenerse y esa contención para poner la historia y las voces en primer plano es súper importante. Es un ejercicio de buen gusto, cuando lo que eliges es contar una historia, que es este disco.
Para vosotros, como músicos, ¿qué supone hacer una cosa tan electrónica?
Toni: A mí, diversión absoluta. Me parece súper divertido. Probar cosas nuevas siempre es bien y jugar y pasárselo bien mola.
Alberto, has dicho que la motivación no es innovar. ¿Cuál sería?
Alberto: Seguir la intuición, lo que nos apetezca en cada momento. Sí que es verdad que a lo mejor te rompes la cabeza para buscar una melodía que no has hecho y al final sigue sonando a tu típica melodía porque es tu identidad y es tu forma de escribir. Nosotros no hemos hecho cada disco pensando «y ahora tiene que ser súper diferente». O «se tiene que parecer al anterior». No creo que la motivación tenga que ser «ahora voy a hacer esto».
Pero tus referentes pop siempre viven de la reinvención. Es muy llamativo que tú, en realidad, estás como más esclavizado por la canción en sí…
Alberto: Hay canciones de este disco que podrían sonar a guitarra y voz y mira cómo suenan. Precisamente porque soy fan de Madonna y soy fan de Bowie y demás, esto de las esencias de los primeros discos, no me lo creo ni me ha gustado nunca. Y creo que va más conmigo el que cada disco sea totalmente diferente y tenga como incluso un imaginario diferente y una imagen diferente, por esto que estamos hablando. Pero buscarlo en exceso me parece que puede ser antinatural, que tiene que salir y te tiene que gustar.
Es un disco que viene de muchísimo dolor. ¿Cuál sería la canción que para vosotros es la más desgarradora o la más visceral o la más triste?
Alberto: Yo creo que ‘Argumento de mierda’, porque en todas hay como una esperanza en algún momento de la canción. No tiene por qué ser al final, igual hay un momento de esperanza, por ejemplo, ‘Hoy va a ser el día’ tiene un momento de intención de «voy a superar esto porque va a ser el día». Y de repente dice «me he encontrado una nota y se me ha venido todo abajo». Todo el disco funciona así, pero en ‘Argumento de mierda’, no hay ningún momento en el que hables de superación.
Sergio: No hay alivio.
Alberto: Habla de lo crudo que es porque esta canción la escribí dos días después de mi ruptura gorda, después de estar 15 años con una persona y compartir una familia y compartir un hogar y tener que saber quién eres tú de repente en singular, sin la otra persona al lado, se asemeja mucho a la pérdida física de alguien o el fallecimiento. Al final es «vale, ahora soy yo sin esta persona al lado».
«Escribí ‘Argumento de mierda’ dos días después de mi ruptura gorda, después de estar 15 años con una persona y compartir una familia»
También has dicho «este es el disco que siempre he querido hacer». Pero claro, no sé si merece la pena, implicando tanto drama y tanto dolor…
Alberto: Sí, siempre merece la pena. Pero me refería más al tipo de producción y al tipo de canción y al tipo de concepto. Más que el que siempre he querido hacer, el que yo hubiese hecho si lo hubiese hecho solo. Yo no siento la necesidad de hacer algo ahora en solitario porque esto es lo que me gusta, lo que yo hubiese hecho solo. Me siento bastante conectado con este disco, y no me pasó con el anterior.
Eso no es lo que decías en aquel momento.
Alberto: (risas) Ya, ¿qué te voy a decir? ¿Cómo te convenzo del disco?
¿Cómo es que te metes con Lou Reed y Lana del Rey en ‘Extra’?
Alberto: No, con la Lana del rey no me meto… Simplemente dio la casualidad de que la persona era muy fan de Lana del Rey. Y con Lou Reed tampoco, porque realmente soy súper desconocedor e ignorante de su discografía, y lo que tú me dijiste: igual de repente cojo un disco y me flipa. Igual que descubrí a Bowie muy tarde, igual descubro a Lou Reed muy tarde, pero hace más referencia a los estereotipos de lo que te tiene que gustar como músico creíble y músico respetable y las referencias que tienes que tener visualmente, musicalmente y todo esto, que nunca me han interesado.
Es una canción sobre no sentirse bienvenido y sobre la responsabilidad de esa persona que te hace sentir «no bienvenido». Porque muchas veces puedes caer en el «jo, fíjate, me miran de esta manera o no me aceptan en este círculo o no entienden mis referencias». Y como que te estás analizando tú, echándote tú la responsabilidad y no, la otra persona también puede hacerte sentir de una manera. Y cuando te das cuenta de esto es súper liberador, porque me puede afectar en algún momento concreto, pero también disfruto de ello. Ya sé que no encajo en lo que tú crees que es un músico, perfecto, pero tengo toda la libertad para hacer lo que me dé la gana.
«A mí me parece muy bienvenido que tú me hables de Lou Reed y de los Stones, pero si yo te empiezo a hablar de las Spice o de Britney Spears… Tú sabes el tipo de mirada, ¿no?»
¿Hay algo de sentir que no perteneces a un grupo social, o complejo de inferioridad?
Alberto: No de inferioridad, porque yo tengo muy claro lo que a mí me gusta y que estoy haciendo lo que a mí me gusta. Es más incomprensión que inferioridad. Esta canción viene de muchas situaciones durante toda nuestra carrera. Y esto quiero hablarlo personalmente porque no quiero implicar a mis compañeros, que igual no lo han sentido tan heavy como yo. Pero ha habido muchos momentos a lo largo de nuestra carrera en que tú sientes que te miran con desconfianza porque no eres el típico músico que tiene una guitarra colgada y que se tira todo el día hablando sobre los Stones. Claro, a mí me gustan las Spice y me gusta Madonna, entonces, en una conversación con alguien que me está hablando de tal, a mí me parece muy bienvenido que tú me hables de Lou Reed y de los Stones, pero si yo te empiezo a hablar de las Spice o de Britney Spears… Tú sabes el tipo de mirada, ¿no?
Claro, para eso está JENESAISPOP.
Esta canción nació por una situación en la que el cantante de un grupo que a nosotros siempre nos ha gustado mucho, que no te voy a decir cuál es, vino a vernos al camerino en un festival y nosotros íbamos justo a salir a tocar. Íbamos totalmente vestidos de vinilo, que fíjate qué tontería, ¿no? Que es solo ropa. Entonces, salimos del camerino a hablar con él y todo el rato nos hablaba, pero nos miraba así, de arriba abajo, como si fuésemos putos extraterrestres. Igual mis compañeros no se daban cuenta, pero yo me sentía como «joder, me estoy sintiendo como un poco analizado». Y eso me hizo escribir al día siguiente esta canción.
¿Los demás estabais contentos con los vinilos?
Toni: Yo, total, sin ningún tipo de problema…
Sergio: Yo creo que no lo sentimos porque Alberto tiene, obviamente, por su recorrido vital, un radar mucho más desarrollado para eso. Alberto lo nota mucho más rápido. Yo no me di ni cuenta. A mí me da igual..
Alberto: A mí me han preguntado: «¿Tú escribes las canciones?». «Claro, ¿qué te hace pensar que no?».
¿Cómo habéis vivido el tema de los festivales KKR?
Alberto: Pensamos en hacer un vídeo como explicando la situación, pero justo nos entrevistó MondoSonoro y lo dijimos todo ahí. Nuestra situación fue muy difícil porque obviamente estábamos en contra del genocidio y estábamos en contra de todo lo que estaba pasando y nos enteramos muchísimo tiempo después de que cinco festivales en los que tocábamos estaban ligados a KKR.
Sergio: Festivales contratados en el 24…
Alberto: Y de repente nuestra situación era «¿Qué hacemos? ¿Cancelamos y nos enfrentamos a cinco demandas?» El incumplimiento de contrato no podemos afrontarlo. No tenemos ni el dinero, ni la energía, ni nada, sobre todo el dinero. Y entonces fuimos, tocamos, entendimos que a lo mejor la gente entendía que nuestra situación era difícil, que yo creo que no… Y decidimos esperar a que pasasen esos festivales para hablar del tema. Cuando estás ligado contractualmente a algo, tú no puedes… Además, teníamos un hándicap: una banda muy pequeña es como «vale, pues no vengas y no te pagamos». Una banda muy grande a lo mejor tiene dinero para enfrentarse a una demanda. Pero nosotros, que somos medianos, pero que te cubrimos una hora del festival y se llena, si te decimos que no tocamos, nos vas a demandar y, de hecho, le pasó a otra banda muy similar a nosotros que empezaron a amenazarles en plan «tú sabrás». Nuestra situación es que a partir de ahora, que sí que tenemos el control porque no hay ningún contrato firmado para el verano que viene, miraremos muy detenidamente con quién firmamos y con quién no.
¿Lo del Benidorm Fest lo tenéis como cosa a olvidar como ‘El año del tigre’ o para nada?
Toni: ¡Fue súper!
Alberto: Nosotros disfrutamos a topísimo. Eso sí, no hubo ningún efecto. Ni tuvimos más escuchas, ni nos hundió la carrera, ni nada. Pero fue divertidísimo y lo disfrutamos.
Sergio: Aprendimos muchas cosas también. A la hora de llevar nuestro show, de salirnos de nuestro círculo de festivales, círculo indie y tal, a estar en un sitio donde podamos llevar una imagen y un escenario, una puesta en escena tan heavy como es la televisión y con tantos medios y pantallas y cosas que hacer.
Alberto: Conocimos a artistas de otro tipo.
Sergio: El tema de los bailarines…
Alberto: … Que se vienen de gira con nosotros ahora, y va a ser como más otro rollo.
Sergio: Nos llevamos un aprendizaje heavy.
¿Por qué creéis que no tuvo un efecto, como tú dices, ni bueno ni malo?
Alberto: Yo ahora con el tiempo pienso que la canción no gustó. Cuando los participantes son desconocidos, no hay expectativa, pero con nosotros no sé qué pensaba la gente. Quizá un ‘Mira cómo vuelo’. Y luego, cuando escuchas la canción, se queda como «meh». Y yo creo que la canción no les moló del todo.
Sergio: Sí, la canción yo creo que en el contexto en el que se expuso… Creo que no hubiera sido lo mismo si la hubiéramos presentado nosotros o de otra manera. En el caso que se expuso yo creo que a nuestro nicho le gustó, tiene sus escuchas, tiene tal, la tocamos en directo, tiene su feedback… La hemos estado tocando hasta ahora en directo, aunque no sé si en el siguiente repertorio está…
Alberto: No (risas)
Sergio: Pero durante todo este verano la hemos estado tocando.
Alberto: De todas maneras, nosotros teníamos varias opciones. Era la que queríamos. O sea, si vamos al Benidorm Fest, íbamos con ese rollo. No queríamos ir con un ‘Mira cómo vuelo’ para hacer una puesta en escena de playback de rock.
Sergio: También nos ayudó a que después, RTVE confiara en La Vuelta. Yo la experiencia me la disfruté muchísimo. Este año repito con otro proyecto.
Alberto: Es un temazo increíble.
Recuerdo, Alberto, que te atreviste a escalar en directo… ¿Era necesario?
Alberto: Necesario no era, pero visualmente quedaba bien. Me acuerdo de estar tumbado en la primera semifinal, en esa movida de que iba a empezar, tenía unos nervios de flipar, no tenía aire, me quedaba sin aire de los nervios. Fíjate si hemos cantado veces y hemos dado conciertos, pero es como una experiencia totalmente diferente. Sin aire, yo pensaba: «¿quién me manda a mí subirme a esto?» El haber organizado esta mierda… Era como un momento nada más empezar la canción, pero fue genial, fue divertidísimo.
Morrissey parece tener un nuevo disco entre manos, pero no es el que te piensas. La semana pasada, el excantante de The Smiths anunció que había firmado con Sire Records tras dejar Capitol Records «voluntariamente». Para muchos, significaba la llegada del eternamente atrasado ‘Bonfire Of Teenagers’. Sin embargo, Morrissey ha publicado un tracklist que parece indicar lo contrario.
La lista de canciones publicada en redes y en la web de Morrissey no incluye ‘Rebels Without Applause’, el single del disco lanzado en 2022, ni ninguna de las canciones filtradas del LP. Es decir, todo indica a que Morrissey ha publicado el tracklist de un disco completamente diferente.
Morrissey llegó a hablar el año pasado de un disco inédito regrabado en Francia en 2023, que bien podría ser al que pertenece esta lista de canciones. Algunas de estas incluyen títulos como ‘The Monsters of Pig Alley’ o ‘Make-Up Is A Lie’. En cuanto a ‘Bonfire of Teenagers’, anunciado en 2021, se llegó a revelar que Miley Cyrus e Iggy Pop aparecerían en el disco, pero Cyrus finalmente dio marcha atrás por una desavenencia con alguien del equipo del británico.
En otro orden de cosas, recordamos que Morrissey visitará nuestro país en 2026 con tres conciertos exclusivos: el 12 de marzo en el Palau de les Arts de Valencia, el 14 de marzo en el Auditorio de Zaragoza y el 16 de marzo en el Cartuja Center de Sevilla.
Tracklist:
‘The Monsters Of Pig Alley’
‘Headache’
‘Make-Up Is A Lie’
‘The Night Pop Dropped’
‘You’re Right, It’s Time’
‘Kerching Kerching’
‘Zoom Zoom The Little Boy’
‘Lester Bangs’
‘Boulevard’
‘Many Icebergs Ago’
‘Amazona’
‘Notre-Dame’
La industria musical descansa en Navidad, pero hoy 26 de diciembre aún asistimos a lanzamientos especiales de Guitarricadelafuente -una preciosa jota- o, en un plano más underground, Rebe, que lanza una nueva entrega de su serie navideña. Además, Sabrina Carpenter edita en streaming uno de los bonus tracks de su último disco, ‘Man’s Best Friend‘; Rocío Márquez se marca un ‘Fandango’, y tanto Artemas como Carlota Flâneur presentan nueva música. ¡Feliz Navidad y próspero 2026!
Igual que Sabrina Carpenter, que ha lanzado hoy mismo la edición deluxe de ‘Man’s Best Friend’, o The Lemon Twigs, uno de los artistas nacionales más destacados del año ha decidido entregar a sus fans un regalito por Navidad. Guitarricadelafuente vuelve a sus inicios tradicionales con ‘En la noche más fría’, la Canción del Día y su villancico particular.
Álvaro Lafuente ha tenido el mejor año de su carrera. ‘Spanish Leather’ ha acabado consiguiendo un puesto en todas las listas de los mejores discos nacionales del año y seguirá trayéndole éxitos en 2026. Para culminar, ha lanzado por sorpresa un sencillo que recuerda más a ‘Agua y Mezcal’ que a ‘Full time papi’.
Producida por Raül Refree, ‘En la noche más fría’ es una pieza acústica diseñada para disfrutar en estas fechas tan señaladas. Su instrumentación y melodía toma inspiración en la jota aragonesa, mientras que la letra está inspirada por la víspera navideña y por el imaginario propio de Guitarricadelafuente.
Este menciona lugares como Punta Umbría o instrumentos como la zambomba, típica de los villancicos: «Cuando el frío más penetra, más arde el corazón mío», canta en el estribillo. Más elementos se suman a la mezcla durante la canción, juntándose con un precioso coro que pone el lazo final.
Sidonie es uno de los grupos españoles que más ha hecho por derribar prejuicios en torno a la música popular, pasando del rock psicodélico de sus inicios a abrazar el pop -en todas sus facetas- en sus lanzamientos posteriores. No es casualidad que ‘Carreteras infinitas’, su mayor éxito de la era streaming, llegara cuando el grupo llevaba más de una década en activo.
Marc, Axel y Jes, el trío detrás de Sidonie, propone ahora un cambio idiomático al presentar su primer disco enteramente escrito en catalán, ‘Catalan Graffiti‘, un claro homenaje a sus influencias y una especie de retorno a sus raíces, también. Hablamos con Sidonie en un bar de Barcelona sobre ‘Catalan Graffiti’, lo que ellos entienden como «cultura catalana» o su experiencia teloneando a los Rolling Stones, entre otras cosas.
¿Cómo lleváis los días de promo?
Marc: Al ser tres mejor, se reparten mejor los bajones que tenemos cada uno de nosotros, que acostumbran a ser bastantes. Si alguno fuera un artista en solitario, se bloquearía, porque tampoco es normal hablar de uno todo el santo día. Cuando estábamos en Sony nos contaban cotilleos de artistas, y nosotros preguntábamos mucho. Nos contaban que muchos artistas en las entrevistas se bloqueaban, lloraban, les daban ataques de ansiedad y abandonaban la promo a medio hacer.
Y eran solistas. Vosotros os apoyáis entre vosotros.
Jesús: Es bonito cuando detectas cuando uno está mal y con el bajón, y el otro te apoya, y yo a ellos.
Marc: Nosotros nunca estamos del todo bien, pero el monstruo de tres cabezas tiene una salud, un humor y va tirando.
Este es vuestro disco 11 u 12, que son muchos. ¿De qué manera os refrescáis creativamente para llegar hasta aquí? Al margen del cambio de idioma, me refiero.
Marc: En el disco anterior, ‘Marc, Axel y Jes‘, volvimos a un pop muy básico, con acordes simples y letras sencillas. Teníamos ganas de volver a hacer un disco con el mismo planteamiento, y entonces aparece el catalán, y el cambio de idioma nos lleva a escribir otro tipo de melodías y letras que hablan de la adolescencia y la infancia. Recuerdo estar en el local intentando escribir una canción en italiano, y pensé que podía ser buena idea cambiar al catalán, que se parece un poco al italiano, e igualmente te lleva a un romanticismo diferente al castellano.
Axel: Marc, a través del uso del catalán, ha podido conectar con su infancia, y a Axel y a mí, como amigos, nos ha ayudado a ver las letras de Sidonie sin la «tela» del castellano, que era una máscara y te impedía ver nítidamente a tu amigo. Cuando en ‘OVNI 84’ habla de su infancia o en ‘Mentira’ de su adolescencia, como oyente y como amigos le estamos quitando un filtro; al cantar en catalán todo llega de una forma más directa, es como ver al Marc de niño y adolescente de forma muy clara.
¿Habéis aprendido a tocar diferente?
Axel: No hemos aprendido, ha salido solo.
Marc: Yo he aprendido a cantar diferente. Cuando hablas en catalán, la forma de respirar, usas el diafragma de forma diferente; en inglés me salía voz de cuello, por ejemplo le pasa a Bob Dylan, Joaquín Sabina o Liam Gallagher, pero David Bowie o Rosalía cantan desde todos lados. El catalán me ha hecho cantar canciones de una forma que desconocía ser capaz físicamente.
¿Habéis probado pasar canciones antiguas vuestras al catalán a ver cómo suenan?
Marc: Es una gran tentación; esto se hacía mucho en los 60. El otro día Axel me pidió traducir ‘Sé’ al catalán y era patética, era horrible. Vaya trabajo el de traducción, es loquísimo. Es un trabajazo que ahora mismo no voy a hacer.
Cuando decís que en catalán vuestras canciones suenan más suaves y amables, ¿es una cuestión fonética o psicológica?
Marc: Ambas. Cuando cantas en inglés o castellano eres otro personaje, y como cantante yo siempre soy un personaje. El inglés es la música que he mamado toda la vida, las primeras canciones en Sidonie en castellano me sonaban a Los Secretos y no nos gustaban, aunque ahora es un grupo que adoramos. En catalán las letras ganan una ternura especial.
¿Por qué habéis decidido cantar en catalán ahora?
Axel: Tiene que ver con buscar el cambio, no estancarse, no creer que el inmovilismo nos va a ayudar. Por eso hicimos ‘El fluido García’ después de ‘El incendio’, por ejemplo.
Marc: No me sale escribir una canción en catalán pensando que ahora el catalán lo peta y tengo que escribirla. No soy estratega. Pero sí sé cuándo el grupo tiene algo que ofrecer. Cuando Sidonie empezó, sabía exactamente lo que el grupo podía ofrecer; yo venía de escuchar mucho Radio 3 y era capaz de detectar una producción española a los tres segundos, y Sidonie reivindicaba una producción de disco que sonara bien. La capacidad de entender el «zeitgeist»… los artistas tenemos que ser intuitivos, y Sidonie lo tuvo cuando empezó su carrera. Mozart hoy lo estaría petando haciendo reggaeton, el tío lo tendría ahora como lo tenía hace siglos.
Axel: Es fácil que un artista crea más en sí mismo y se anime a enseñar su obra cuando percibe que está pasando algo en la industria en lo que puede intervenir.
‘Dua Lipa, Moreneta de Montjuic’. Este es el título de una canción inédita de vuestro nuevo disco. ¿Qué me podéis contar, por favor?
Marc: Antes de escribir canciones con cara y ojos para este disco nos salieron unas cuantas canciones horribles intentando imitar a Adrià Puntí o a Manel, y esta fue uno de esos experimentos. Inspirada por una peña que sale al Apolo, les cierra la discoteca y, como tienen ganas de after, se van a Montjuic de rave y coinciden con la grabación de un videoclip de Dua Lipa (nde: se refieren al vídeo de ‘Illusion‘), y están tan colocados que al verla la confunden con la Virgen. Creo que alguien tendría que desarrollar esta idea y convertirla en una obra de teatro o al menos en un corto (ríe).
¿Es un disco de homenajes a otras cosas?
Marc: Sí, pero jugamos con el público. En festivales hemos tocado ‘Et puc odiar molt més’ y la hemos fusionado con ‘Just Like Heaven’, porque comparten acordes, y solo una persona la ha reconocido.
Axel: Pensábamos que venía el momentazo del festival y… no.
Marc: Parece que el público de los festivales indie españoles ya no escucha la misma música que nosotros. Con lo que han generado Viva Suecia, Izal, Siloé, Shinova… con eso ya son autosuficientes. Ya no hace falta ir a buscar a The Cure ni a los Smiths.
Axel: Si hubiéramos tocado esa canción en los 90 la gente la habría ovacionado. Pero ahora hay mucha gente que no sabe qué es The Cure.
«Nuestra forma de entender la cultura catalana pasa por rechazar la idea de que la lengua determina nuestra identidad como cultura catalana»
¿Sois transparentes con vuestros referentes para compensar el uso del catalán?
Axel: Nosotros vamos con todo. Este cambio ha llegado cuando ha llegado, es una ñoñería pero es una decisión hecha con el corazón. No necesitamos hacer nada que compense el uso del catalán porque lo hacemos sin miedo. Somos conscientes de a lo que nos exponemos con este disco, sabemos que en Cataluña la recepción será diferente a fuera de sus fronteras, quizá por prejuicios. Pero sabemos que esto puede ocurrir y estamos convencidos de nuestra idea. Y nos emociona que, sabiendo cuál es la realidad, cuando tocamos fuera de Cataluña estamos aportando un pequeño grano de arena a la defensa del catalán en la cultura musical de este país, que no es solo Cataluña.
Alizzz criticaba en ‘Qué pasa nen‘ que no se le considerara cultura catalana porque cantara en español o en un catalán castellanizado. Lluís Llach decía: «Nadie te quita el derecho de sentirte catalán ni tampoco eso es un menosprecio a tu trabajo. Harás cultura catalana cuando utilices lengua catalana. Si utilizas la lengua castellana haces cultura castellana desde Cataluña, cosa legítima». ¿Qué opináis?
Axel: Nosotros hemos cantado en inglés y castellano. Muchas veces hemos sentido que no se nos ha reconocido como grupo catalán por cantar en otros idiomas. Nosotros nos entendemos como grupo catalán y en concreto barcelonés. No sonaríamos como sonamos si no hubiéramos crecido en Barcelona y veraneado en el Alt Empordà. Creo que poco a poco se ha entendido que Sidonie es un grupo catalán que hace música catalana, y que ahora además ha sacado un disco cantado en catalán. Pero nuestra forma de entender la cultura catalana pasa por rechazar la idea de que la lengua determina nuestra identidad como cultura catalana.
Marc: A un pintor no le preguntarías si hace cultura catalana o no, a Dalí o a Tàpies o a Miquel Barceló, porque no utilizan directamente una lengua, pero nadie cuestiona que sean cultura catalana.
A Rosalía le han caído palos por poner en ‘LUX‘ a la Escolanía de Montserrat a cantar en castellano.
Marc: No entiendo las hostias que le han caído, que tampoco serán tantas, pero Rosalía sí que es radiadora de cultura catalana a lo bestia.
Axel: Estas críticas estarán olvidadas en nada y lo que no se va a olvidar, no solo el disco sublime que ha hecho, sino su reivindicación de la cultura catalana.
¿Qué opináis del último disco de The Cure?
Marc: Nos encanta, es muy bueno. Me daba pereza escucharlo, pero el bajista de Los Punsetes, que no sé si sabéis quién es (nde: Luis Fernández, director de Sonido Muchacho y co-director general de Universal Music Spain), me dijo que «si no escuchas, estás muerto para mí».
Me suena que intentan recrear el sonido de sus discos de los ochenta.
Marc: Para mí bienvenido ese sonido. La última canción, ‘Endsong’, nunca he llorado más con una canción de The Cure que con esa canción.
¿Cuál es el mejor disco de los Beatles?
Todos: ‘Revolver’.
Jesús: Cuando entré a Sidonie lo hice tocando ‘Eleanor Rigby’.
«Los músicos vamos de flipaos cuando hacemos entrevistas y parece que seamos seres especiales, cuando somos proletariado»
Os inspira la fórmula de Brill Building. A nivel técnico, ¿qué hace estas canciones tan brillantes?
Marc: Los compositores y productores no iban de flipaos, iban a currar, se ponían traje y trabajaban de 9 a 5 en un despacho. ‘Be My Baby’, probablemente la mejor canción de la historia, se escribió así. Yo soy así, no me gusta el caos ni soy compositor de noche ni de drogas; lo he intentado pero no me ha funcionado. Me encanta el horario de oficina. Ir al Brill Building era mi trabajo soñado: eran matrimonios, el marido hacía la música y la mujer las letras, o al revés. Los músicos vamos de flipaos cuando hacemos entrevistas y parece que seamos seres especiales o tuviéramos un ángel, cuando somos proletariado.
¿Cómo fue telonear a los Rolling Stones?
Marc: Mick Jagger nos eligió para telonear a la banda, y habla con la promotora del concierto y manda un whatsapp de voz preguntando cómo se pronuncia el nombre del grupo. La promotora se lo explica y responde «vale, bien, es un nombre de chica francés, ¿no?» Antes del concierto nos avisan de esto, y ahí quedó la cosa. Se interesó por el nombre de la banda. Y la noche del concierto tocamos, lo vivimos todo como una niebla por las emociones que hacen que lo vivas sin ser consciente de que estás ahí. Acaba el concierto, empezamos a ver el conci de los Rolling Stones desde las gradas y de repente Mick Jagger agradece a «SIDONIE» -pronunciándolo perfectamente- por el concierto. Entonces entendimos por qué había preguntado a la promotora cómo pronunciar el nombre.
¿Cómo visteis al público de los Rolling Stones?
Marc: Cuando crucé la pasarela los fans se putearon, y nos cayó una buena bronca del equipo técnico porque estaba prohibido, pero nos dio igual.
Jesús: Ponía por todos lados «NO, NO, NO».
Marc: Hay fans muy frikis que van a todos los conciertos y nos miraban con cara de querer matarnos. Y, por cierto, Mick Jagger me regaló una púa.
Cometa, revitalistas del glam y el power rock de los 60 y 70, suman otro himno a su colección de clásicos perdidos en el tiempo. En ‘La era artificial’, la banda madrileña reflexiona sobre los tiempos que corren y el lugar que ocupan las canciones en un mundo que se queda «sin alma» y «sin corazón». Es la Canción del Día.
‘Fanfarria clandestina’, el debut discográfico del grupo, entró en nuestra lista de los Mejores Discos de 2024. En el primer single de su nueva etapa, Queen y Bowie siendo sus mayores referentes, pero el material también es igual de bueno.
‘La era artificial’ es una expansiva balada que parte desde unas notas de piano y culmina con coros, guitarras eléctricas a lo Brian May y la sensación de que el tema podría seguir creciendo eternamente.
En la letra, la banda se pregunta qué habrían pensado «los reyes del glam» de la era digital, en la que «preferimos vivir del instante antes que cantarle a la eternidad». En una época en la que la IA hace parecer que «las canciones se mueren» y que «todo da igual», Cometa dan importancia a las «baladas de amor» y a lo humano: «Cuesta imaginar que en 100 años o más no quedará nada real en la era artificial». El «la la la» final es el toque maestro que faltaba.
Como cada año desde 2022 publicamos las listas con la mejor música del año en formato físico. En esta ocasión, el Anuario 2025 puede adquirirse por adelantado en versión digital por 3,99€, mientras que la tirada impresa incorpora como novedad la encuadernación en tapa dura y comenzará a enviarse algo más tarde de lo habitual, a partir de enero, por 19,95€. Os recordamos que hay paquetes conjuntos de ambas ediciones con coste reducido de 20,95€.
En un año que ha empezado y terminado a lo grande, con lanzamientos de Bad Bunny y Rosalía, no es ninguna sorpresa que ambos ocupen lugares privilegiados en las dos listas. El top 10 de canciones los incluye en posiciones destacadas, y también se compone de éxitos del pop tanto nacionales (‘Malibu’) como internacionales (‘Abracadabra’). No olvidamos ‘Tengo un pensamiento’ de Amaia, que acaba de cumplir un año: la lista va del 1 de diciembre dal 30 de noviembre.
Sin olvidar temas publicados en los últimos meses del año, como ‘Where Is My Husband!’ de RAYE, la lista de canciones constata que 2025 ha sido un gran año musical no solo en el plano mainstream (Chappell Roan o Sabrina Carpenter figuran dentro del top 10), sino también en aquel que roza lo alternativo, con estrenos destacados de divas como FKA twigs, MARINA o Addison Rae, estrellas del indie como Turnstile o Blood Orange, y revelaciones de la talla de Barry B o Rochelle Jordan.
En 2025 hemos dado la bienvenida de nuevo a Robyn, Stereolab o Justin Bieber, hemos descubierto a Rose Gray, Nourished by Time o Dexter in the newsagent, hemos seguido siendo muy fans de Belén Aguilera, HAIM o Pulp, y hemos asistido al ascenso de Olivia Dean, Geese o Lola Young. Os recordamos que la edición física extiende la lista hasta 105 canciones.
Una librería pirata ha afirmado haber descargado 86 millones de canciones de Spotify, con planes de compartirlas en torrents, ha informado Billboard. Según el grupo, esto representa el 37% del catálogo de Spotify, pero el 99,6% de las reproducciones.
El primer torrent publicado contiene metadata (portadas, títulos y artistas) del 99,9% de las 256 millones de pistas de Spotify, y el grupo planea liberar los 300TB de archivos de música más adelante. Anna’s Archive -así se hace llamar- afirma que su objetivo es crear un archivo de preservación musical; en esta primera acción, ha priorizado las canciones más populares en Spotify.
Spotify, al tanto de las acciones de Anna’s Archive, ha suspendido cuentas que han participado en descargas ilegales e implementando nuevas medidas de seguridad para prevenir este tipo de ataques. Google ha afirmado haber eliminado recientemente 749 millones de enlaces a dominios de Anna’s Archive por reclamaciones de derechos de autor.
¿Pero qué es Anna’s Archive? Se trata de un motor de búsqueda de bibliotecas “shadow” (bibliotecas digitales no oficiales) de código abierto, creado por una persona que usa el seudónimo Anna, y surgido después de que las autoridades intentaran cerrar Z-Library en 2022.
El sitio recopila información de varias fuentes como Z-Library, Sci-Hub o Library Genesis (LibGen). Se describe a sí mismo como “la biblioteca verdaderamente abierta más grande en la historia de la humanidad”, y su objetivo es catalogar todos los libros existentes y facilitar que estén disponibles digitalmente para todo el mundo. Ahora, pretende extender esta misión a la música.
La canción que titula este disco describe a «una mujer de mil caras / Trabaja muy duro solo para que al final la aparten / ¿A quién le importa realmente cómo es ella? / Es curioso ser así / Para ser mujer debe asumirlo / “Elige un estilo elegante y lúcelo”’. Y si aceptamos la suposición de que como mínimo algo tendrá de autobiográfica, sus versos parecen retratar muy bien la personalidad multifacética de Celeste pero también sus dificultades (quizá también las de la coautora de la canción Hayley Gene Penner) para encajar en una industria que sigue tratando mal a las mujeres con una visión artística propia.
En noviembre Celeste explicaba al NME que el productor del disco -Jeff Bhasker- no le había dejado utilizar los arreglos orquestales de Robert Ames que habían grabado “por ser demasiado vanguardistas”. ¿Cómo habría sido ‘LUX’ si el sello de Rosalía no le hubiese dejado crear con libertad, o usar los arreglos nada convencionales de Caroline Shaw? Celeste no ha tenido esa suerte con su sello (Universal), y es importante contextualizarlo antes de pasar a analizar ‘Woman of Faces’.
Porque estamos ante un disco fabuloso, pero que quizá podría haber sido todavía más interesante y complejo. Lo primero que llama la atención al oírlo es lo diferente que es del single que Celeste lanzó a primeros de año, un tema de pop oscuro que sampleaba a Death In Vegas. Es algo que conecta una vez más con las múltiples caras de esta artista, capaz de ese tipo de piezas (de las que asegura en la entrevista que tiene un montón) y esta obra tan diferente, de tono sombrío y austero, instrumentada con cuerdas, piano y poco más. Con percusiones casi testimoniales (en la pieza inicial, ‘On With the Show’, y ya nada hasta el cierre del álbum) que convierten a la voz de Celeste en el elemento completamente central del disco. Si hay que buscar lo positivo de la controvertida producción de Jeff Bhasker, podría muy bien ser eso: a lo largo y ancho del disco el timbre y matices de Celeste se aprecian y degustan de manera cristalina y deliciosa.
Ocurre en los pasajes vocales más dramáticos y en los más delicados, y de ambos hay mucho aquí, porque compositivamente ‘Woman of Faces’ se enclava en la mejor tradición de la canción melódica francesa o italiana (y de su mejor adaptadora al mundo anglosajón, Dusty Springfield). Sin embargo algo tiene el timbre singular de Celeste -y cómo está producida la voz– que hace que el disco suene contemporáneo, y no algo forzadamente retro. En muchos momentos del disco no podía evitar pensar en si este era el tipo de canción que Duffy y Bernard Butler estaban intentando hacer en 2008 con ‘Rockferry’.
Y esa trascendencia del pastiche nostálgico debe también mucho a las letras: imaginativas y poéticas, y a la vez ancladas en la experiencia humana: es, a su manera, una revisión actual de cómo se escribía en la era dorada de la ‘chanson’ francesa. Por cada verso de fresca y misteriosa poesía (“Y la sinfonía sigue y sigue y sigue / En mausoleos hechos de nacimiento, ladrillos y canciones / Aquí es donde los recién nacidos parpadean”, en ‘On with the Show’) hay una frase mundana y directa con la que identificarse plenamente en las tribulaciones de la vida: “A veces las cosas van como quiero / otras se me escapan de entre los dedos / a veces, si me fijo bien, hay cosas buenas en mi vida” (‘Sometimes’) o “Si toda mi vida sin ti es un poema para que aprenda / entonces sin duda emergeré de una pieza” (‘Happening Again’).
No son ejemplos aislados: el disco es un festín para amantes de las letras, las cuales se conjugan a la perfección con una música exuberante, placentera sin ser complaciente, y el otro elemento crucial de estas nueve canciones: una andanada de melodías de lo mejor de este año. Piezas como ‘Keep Smiling’, o ‘Time Will Tell’ resuenan a clásicos preexistentes, y son sin duda recombinaciones de antiguas moléculas melódicas que cantó hace seis décadas quizá Mina, o Juliette Gréco, o Gene Pitney… pero logran el raro triunfo de no recordar a nada en particular (aunque ‘People Always Change’ fusila la tonada de ‘Merry Christmas, Mr Lawrence’ sin acreditarla, no así el motivo de piano que adaptan de Phillip Glass).
‘Happening Again’ es otra de las grandes melodías de este disco, y muestra algunos de los momentos más osados de los arreglos de cuerda de Rosie Danvers –de los que que sólo puede decirse que son excepcionales– imprimiendo un carácter único y orgánico que está en constante juego en confrontación y conjugación con la voz versátil –hipnótica– de Celeste. Voz que pasa con facilidad pasmosa del susurro al quejido, y de él a ese crujido como de saxofón viejo que impregna todo el disco y da vida a las letras. De tonos que revelan su ascendencia r&b pero mucho más su ADN como oyente adolescente de Ella Fitzgerald o Billie Holiday.
La cascada de cuerdas disonantes de la partitura de Danvers que suena intermitentemente en esa pieza muestra quizá lo que pudo haber sido el enfoque más atrevido de Robert Ames. Gotas de riesgo arreglístico que aparecen ocasionalmente en el disco, que por momentos recuerdan las portentosas orquestaciones de la arreglista trans Angela Morley para Scott Walker, y –como señalaba antes– que quizá apuntan a lo que el disco perdió de vanguardista, precisamente en este año de giros cruciales en esa dirección.
Hacia el final el nivel de melodías no baja lo más mínimo, incluso en esa ‘Sometimes’ que es más claramente Carol King-esca, pero que aporta arreglos novedosos con leves sintes de curioso timbre. A estas alturas del disco también te puede dar por pensar con cierta nostalgia amarga que este sería quizá el tipo de disco que Amy Winehouse podría haber estado haciendo en 2025.
El cierre de ‘Woman of Faces’ es inesperado: ‘Could Be Machine’ –una queja sobre la «agresividad sutil» del mundo digital– se sale súbitamente de los presupuestos estéticos del disco, con una base rítmica agresiva entre el dance y el thrash metal, y cantada mucho más r&b. Podría sonar fuera de lugar, y sin embargo produce una inesperada satisfacción para los oídos, como un estallido emocional de puro desahogo, cercano ya el final. Después del tono más reflexivo anterior cobra un extraño sentido en el arco narrativo del disco.
La culminación con ‘This is Who I Am’ vuelve al tono contemplativo original, pero recupera la batería, que en combinación con la orquestación muy cinematográfica y una secuencia de acordes descendente sitúa su fabulosa melodía en un contexto muy trip hop. Rodeada de ese seductor fondo musical, Celeste canta algo que suena a triunfo final (o esperanza) en la reivindicación de su identidad artística: “Manda los caballos blancos / Porque parece que he agotado éstos veleidosos juegos míos / He tenido suerte, porque sólo tú quizá puedes ver mi verdadero yo / Sólo tú puede decirles que yo soy así”.
Del 9 al 26 de julio se celebrará en el Auditorio Natural de Lanuza (Huesca), situado en el Pirineo aragonés, una nueva edición de Pirineos Sur, también llamado Festival Internacional de las Culturas. Un festival que, como es conocido, tiene lugar en un escenario flotante, en un enclave impresionante siutado bajo las faldas de la imponente peña Foratata, con 2.321 metros de altura.
Entre los primeros nombres confirmados en Pirineos Sur se encuentran José González y Rufus Wainright, que debutarán en el festival, así como Bomba Estéreo o Nacho Vegas. Los conciertos tendrán lugar de martes a domingo.
Dani Fernández, Carlos Ares, Valeria Castro, Hens, Sanguijuelas del Guadiana, La M.O.D.A., ETS y La Fúmiga completan la primera tanda de confirmaciones de Pirineos Sur 2026. El cartel completo se dará a conocer próximamente.
Las entradas ya están a la venta en la web de Pirineos Sur. Hay entradas especiales para familias, y todos los conciertos contarán con un cupo limitado de entradas a 10 euros para menores de 11 años.
Entre las promesas del pop surgidas recientemente se encuentra SAILORR, cantante de R&B estadounidense-vietnamita que en 2025 ha publicado su primer mixtape. En ‘From Florida’s Finest’ -ella es de Jacksonville- mezcla hip-hop y R&B con destellos de sus raíces asiáticas. Su mayor éxito hasta la fecha, el viral ‘Pookie’s Requiem’, no llega ni a los dos minutos.
Detrás del alias SAILORR se esconde Kaiya Le, nacida en 1998. De su estética llama especialmente la atención el oscurecimiento de sus dientes, una práctica de belleza tradicional vietnamita.
Chulas píldoras de R&B como ‘Down Bad’ o ‘Bitches Brew’ han impulsado la popularidad de ‘From Florida’s Finest’, un disco que ningún fan de SZA de la Doja Cat más R&B se debe perder, pero que mantiene una sensibilidad estética propia de los lanzamientos independientes de Soundcloud. Después, ‘Pookie’s Requiem’ se ha relanzado con la colaboración de Summer Walker.
SAILORR ha reeditado ‘From Florida’s Finest’ en estos últimos días del año con la inclusión de cinco cortes nuevos, entre ellos el que destacamos hoy. Podríamos hablar de la adictiva ‘Coconut’, pero hoy nos quedamos con ‘DUVET’, otra chuchería de R&B-pop llena de actitud.
En ‘DUVET’, SAILORR saca todo su fanfarronería a relucir, describiendo el irresistible efecto que su música produce en una persona. En concreto, se centra en una chica con novio, tan distraída por sus canciones que accidentalmente quema la funda nórdica de su cama con un rizador de pelo. El escenario es específicamente femenino, y esto es deliberado: ‘DUVET’ se dirige en realidad al novio para decirle: «cuando tu chica me escucha, siente mi voz como si estuviera a cuatro patas». Incluso piensa en «dejar su trabajo, y a su hombre, para poder venir a mi gira».
Por supuesto, todo esto es una exageración típica del rap, y ‘DUVET’ no escapa a los clichés habituales del género al mencionar diferentes marcas y coches (atención a la frase “her pussy more bald than the tires on her Honda Accord”). Sin embargo, ‘DUVET’ funciona sobre todo como una exploración del deseo femenino, con SAILORR afirmando su autonomía y poder.
Martin se mantiene como lo más votado de JNSP con ‘Nuevos recuerdos’ tras recibir el 63% de los votos en las Stories de Instagram. Lily Allen, que comenzaba la competición en cabeza, ha de conformarse con el número 2 con su nuevo single ‘Madeline’. Otras entradas de la semana son las de judeline con Dellafuente, Rodrigo Cuevas con Massiel, La Plazuela, Axolotes Mexicanos o mori.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Extremoduro es el gran protagonista de la semana en la lista de singles española. Si, la semana pasada, hasta siete temas de Extremoduro y Robe entraban en lista con solo un día de conteo, con la semana completa contabilizada el número de temas se multiplica hasta 15 (el 16º es una reciente colaboración con Leiva, ‘Caída libre‘, que vuelve a entrar en el puesto 77, tras haber llegado al top 10 a principios de este año).
Entre los temas que ya habían entrado en lista, destaca la subida al puesto 2 de ‘La vereda de la puerta de atrás’, un máximo histórico. Además, una vez computada la semana completa, ‘Si te vas…’ sube al 6, ‘Stand By’ al 11, ‘So Payaso’ al 24, ‘Salir’ al 28, ‘Dulce introducción al caos’ al 31 y ‘Jesucristo García’ al 42.
Además, entra en lista por primera vez un puñado de temas de Extremoduro y Robe: ‘El hombre pájaro’ debuta en el 41, ‘Nada que perder’ en el 39, ‘Ama, ama, ama y ensancha el alma’ en el 57, ‘Puntos suspensivos’ en el 63, ‘Golfa’ en el 73, ‘Interludio’ en el 75, ‘Cuatro movimientos: la realidad’ en el 91 y ‘Puta’ en el 96. La música de Robe Iniesta, por tanto, ha sido acogida con enorme cariño en las listas españolas tras su fallecimiento el pasado 10 de diciembre.
En la tabla de álbumes, la música de Extremoduro cobra también especial protagonismo: ‘Se nos lleva el aire’, el último álbum de Robe, sube del 7 al 3 y ‘La ley innata’ escala del 16 al 13. Mientras ‘Rock transgresivo’ -debut de Extremoduro- entra, por primera vez, en el puesto 83, se mantienen en lista ‘Yo, minoría absoluta’ (34), ‘Agila’ (40), ‘Pedrá’ (42), ‘Grandes éxitos y fracasos’ (68) y ‘Material defectuoso’. De manera destacada, ‘La ley innata’ se posiciona en el número 1 de los vinilos más vendidos de la semana.
En cuanto a las entradas de la semana que no pertenecen a Robe Iniesta, destaca el debut en el puesto 19 de ‘Cuando no era cantante (remix)’, el reciente viral global de El Bogueto con Yung Beef. Por otro lado, Judeline y DELLAFUENTE colocan su dueto ‘Tiempo pasa‘ en el 81 y otro dúo, el de ‘Lokita’, de Romeo Santos y Prince Royce, abre en el 92.
‘Dardos’, de Santos y Royce, de hecho, protagoniza la subida más fuerte de la semana, al ascender del 19 al 4. Ambos han publicado recientemente el disco conjunto ‘Better Late than Never’.
El Anuario 2025 de JENESAISPOP está disponible en descarga digital desde hace unas semanas, mientras que la edición física -este año fabricada en tapa dura, en una edición de-LUX- se enviará a partir de enero. Los gastos de envío son gratis a partir de 20 euros de pedido, utilizando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL. ¡Gracias por apoyar JENESAISOP un año más!
2025 fue ese año que empezó fuerte con lanzamientos de Bad Bunny y FKA twigs que competían por coronar la lista que hoy presentamos. El curso musical siguió dejando lanzamientos destacados durante la primavera y el verano, pero sin que ningún artista diera realmente un golpe sobre la mesa. Hasta que en noviembre Rosalía lo puso todo patas arriba.
Pocos discos han generado tanto debate este año como ‘LUX’, si bien algunos han quedado cerca, como el de Sabrina Carpenter o, en un plano más underground, el de Geese. En un año que ha dejado comebacks muy esperados como los de Lily Allen o Stereolab, debemos destacar la llegada de grandes debuts de JADE, rusowsky o Addison Rae o la riqueza del talento nacional representado por Amaia a Guitarricadelafuente. Os recordamos que la edición física del Anuario amplía la lista hasta los 75 discos; todos han sido nuevamente reseñados.
Timothée Chalamet no será EsDeeKid, pero sí un genio del marketing. Las últimas semanas del actor en Internet han estado marcadas por uno de los bulos más improbables y aleatorios que recordemos, con cientos de usuarios teorizando sobre la posibilidad de que EsDeeKid, rapero británico, y Chalamet fuesen la misma persona. Obviamente, no ha sido el caso, pero todo ha terminado con la colaboración musical más extraña del año.
El remix de ‘4 Raws’, lanzada este verano, con Timothée Chalamet ha conseguido 115 millones de visitas en tan solo 24 horas en Instagram, convirtiéndose en una obra maestra publicitaria. La persona que hizo el primer TikTok de la trend que relacionaba a EsDeeKid con Timothée Chalamet no era consciente del increíble favor que le estaba haciendo al rapero de Liverpool.
La teoría no tenía ningún sentido desde su propia concepción, aunque es fácil decir por qué caló tanto. EsDeeKid, hasta el día de hoy, sigue sin enseñar su cara. Siempre que aparece públicamente, lleva un pasamontañas puesto. Por ello, ha sido el único caso en el que la frase «se parecen en el blanco de los ojos» tenía realmente sentido. El parecido en las miradas es innegable.
A partir de ahí, nada que ver. Tema de horarios, localizaciones, el acentazo de Liverpool del rapero… Todos sabíamos que era imposible que Timothée Chalamet estuviese viviendo una doble vida como actor de Hollywood y rapero underground. Lo que no nos vimos venir era que Timothée Chalamet fuese a utilizar todo esto a su favor para la promoción de ‘Marty Supreme‘.
Ya antes de la comentada colaboración, Chalamet estaba demostrando ser un maestro de la promoción. Ahí estuvo la reunión falsa que se subió al canal de Youtube de la productora A24 y en la que Chalamet aparecía lanzando hilarantes ideas a su equipo de marketing. La más recordada siempre será la del color naranja «corrosivo» para diferenciarse del rosa plano de ‘Barbie’, lo cual sí ha acabado materializándose en la vida real.
Al ser preguntado por los rumores de su identidad secreta en diversas entrevistas, Chalamet no negaba nada. Al contrario, entraba al trapo: «Sin comentarios… Todo será revelado a su tiempo», parecía ser la única respuesta en salir de la boca del actor. Al principio esto era motivo de confusión: ¿Está alimentando los rumores simplemente para que se siga hablando de él? ¿Tiene algo preparado entre manos? ¿Timothée Chalamet es realmente un rapero de Liverpool?
Ahora sabemos que Chalamet y EsDeeKid, que a muchos les sonará simplemente por su asociación con el actor, tenían un remix entre manos. No es la primera vez que Chalamet coquetea con el rap, teniendo múltiples amistades en el mundillo y habiendo rapeado bajo el pseudónimo de Lil Timmy Tim. Incluso fue nombrado caballero por el mismísimo Lil B.
En la canción, Chalamet tira de clichés del hip hop, rapeando sobre beber lean o sobre todas las modelos con las que tiene sexo. Lo esperable. Sin embargo, también es capaz de dejar algunas frases que también están propagándose como la pólvora en redes sociales: «Intentando acumular 100 millones, mi chica tiene mil millones / ¿Qué coño? Qué sentimiento tan maravilloso», rapea, haciendo referencia a su pareja, Kylie Jenner.
Hasta 4 veces menciona Chalamet en su verso el título de su última película, ‘Marty Supreme’. Solo él puede pasar de ser nominado al Óscar por interpretar a Bob Dylan a que todo Internet se piense que se esté haciendo pasar por un rapero underground de Liverpool. Lo estudiarán en las universidades.
Timothée Chalamet responds to the fan theories that he's actually the UK underground rapper EsDeeKid 👀
David Merino y Roberto Castrillo de La La Love You visitan ‘ALGO CAMBIÓ…’ para hablar de su experiencia como ‘hitmakers’. ‘El Fin del Mundo’ es uno de los mayores éxitos de los últimos años, y no solo en nuestro país, acumulando casi 250 millones de reproducciones en Spotify. David admite que tenía la «obsesión de no ser un ‘one hit wonder'»: «Cuando a veces se escucha más ‘El Principio de algo’ me da ese gustirrinín de que no es solo una canción».
¿Cómo les ha afectado esta «obsesión» durante el proceso creativo? «Robe siempre dice que es mejor ser un ‘one hit wonder’ que un ‘zero hit wonder’ e intento tomármelo así, disfrutando lo que te viene y ya», responde David. Robe da más detalles sobre su percepción de las canciones durante la creación: «Creo que siempre que haces canciones crees que la última que has hecho es la que más mola, porque te hace mucha ilusión, pero con el tiempo ves que no tanto. Siempre que hacemos canciones es porque creemos que son lo mejor que tenemos para dar».
Imaginamos un mundo en el que los artistas viven exclusivamente de escribir canciones, y no de tocar. «Sería maravilloso», admite David. Lo cierto es que La La Love You están más cerca de lo primero, que de lo segundo, gracias a ‘El Fin del Mundo’: «En el momento que está ahora, si se mantuviese así para siempre, pues tendríamos un colchón. No para ser ricos, pero sí para tener un sueldo decente, pero no sabes dónde van a estar las cifras el año que viene o el siguiente».
Aun así, dejan claro que La La Love You es una banda hecha para tocar en directo, casi dependiendo «emocionalmente» de ello. «Me tiro tres semanas sin tocar y estoy nerviosísimo», cuenta David. «Nosotros sí que lo necesitamos y lo echamos de menos siempre que no tocamos», apunta Robe. «Lo hemos hecho siempre perdiendo dinero, así que ganando… pues estupendo», remata el vocalista.
En la segunda parte del podcast, Luis Gómez, jefe de socios de SGAE, regresa a ‘ALGO CAMBIÓ…’ para recordar todos esos casos de autores que se dedicaban exclusivamente a escribir, no solo canciones, sino exitazos. Es el caso de Manuel Alejandro o Juan Carlos Calderón. Gómez profundiza en el tema y habla de cómo cambian las vidas de estos autores al dejar de estar en la sombra y cómo se toman el no repetir un éxito. «Ahora todo el mundo se cree que es autor o que puede ser autor», sentencia Gómez.
Después del anuncio de Chenoa y Estopa como presentadores de las Campanadas de RTVE, hoy la directora de Comunicación y Participación de la cadena, María Eizaguirre, ha revelado que La Oreja de Van Gogh presentará una nueva canción en el programa previo a las uvas de fin de año.
La banda también ha publicado un comunicado en redes sociales tras el anuncio: «Ha sido un año muy desafiante para nosotros, pero lo terminamos abrazados, muy juntos, y también, como pronto veréis, con nueva música bajo el brazo».
En esta previa a las Campanadas también participarán artistas como Nicki Nicole, Amaia, Ana Torroja y Lola Indigo. El especial musical de Nochevieja se titula ‘¡Feliz 2026!’ y estará presentado por Eva Soriano y Egoitz Txurruka.
Después de meses difundiendo a diestro y siniestro sus pensamientos conservadores, Nicki Minaj se ha convertido en la última invitada de la conferencia de Turning Point USA, celebrada ayer en Arizona. La rapera se unió a Erika Kirk, esposa del asesinado Charlie Kirk y cofundadora de la organización, para alabar a Donald Trump, reírse de la izquierda y mostrarse abiertamente como tránsfoba.
Esta no es la primera vez que Nicki Minaj se pone del lado de Trump, ya que hace unas semanas también le dedicó una serie de cumplidos. En el evento organizado por la esposa del difunto Charlie Kirk, la rapera expresó su «respeto y admiración» por el «apuesto» presidente estadounidense.
En un momento en el que ICE está realizando deportaciones masivas a la población inmigrante de Estados Unidos, Minaj declara que «la administración está llena de gente con alma y corazón, y me hacen estar orgullosa». Esto, habiendo nacido ella en Trinidad y Tobago.
Asimismo, la conservadora Erika Kirk, abanderada de todas las ideas que solía defender su marido, le mostró su apoyo a Nicki y le preguntó por las críticas que había recibido desde la industria musical: «No me he dado cuenta», respondió. «No pienso en ellos… Nosotros somos los niños guays», remató, refiriéndose a toda la derecha estadounidense.
No fue todo una maravilla para Minaj, que vivió un momento que no querrá repetir tras llamar «assassin», como cumplido, al vicepresidente JD Vance delante de la esposa de Charlie Kirk. Inmediatamente, y después del silencio atronador de la sala, la rapera se dio cuenta de lo que había dicho y se llevó las manos a la boca. «No pasa nada, he oído todo tipo de cosas», respondió Erika Kirk.
Durante el resto de la charla, Minaj también decidió defender a la gente blanca, usando el ejemplo de la mujer negra: «¿Por qué querríamos hacerle eso a otras mujeres?». «No necesito que alguien rubio y de ojos azules minimice su belleza, porque yo conozco la mía. No me molesta que una mujer diga que es hermosa», sentenció.
La peor cara de Nicki Minaj apareció hacia el final de la conversación, con la artista mostrándose abiertamente tránsfoba: «Si naces como hombre, sé un hombre. No hay nada de malo en ello», declaró la rapera. Esta continuó: «¿Cómo de poderoso es eso? ¿Cómo de profundo? Los chicos serán chicos, y no pasa nada», concluyó. Ya a principios de mes, Minaj dio su opinion sobre el gobernador de California, Gavin Newsom, en X: «Imagina ser el tío que quiere ver a los niños hacerse trans».
Nicki Minaj makes an appearance at Turning Point USA America Fest with Erika Kirk. pic.twitter.com/E9mVyPT6Cb
🚨HUGE BLUNDER: Nicki Minaj just referred to JD Vance as an “assassin” while speaking to Erika Kirk. Watch her completely squirm when she realizes what she said.
Brünne Romeo es el alias de Bruno Arcos, cantante de 25 años procedente de Extremadura pero-asentado-en-Madrid (cómo no) que se ha dado a conocer en los últimos años. Uno de sus primeros logros significativos fue el viral de ‘El Tinder de la capital’, que circuló a nivel global. De manera divertida y absurda, Romeo ha logrado hacerse notar entre los seguidores de Benidorm Fest tras colar su música en las playlists dedicadas al certamen sin nunca haber participado.
En 2026 Romeo tampoco compite en Benidorm Fest, aunque podría hacerlo en un futuro. Su propuesta es pop, teatral y queer, sus canciones apelan a las sensibilidades guitarreras y electrónicas actuales, y su estética destaca por su extravagancia, no tan habitual hoy en día.
¿Qué canción podría haber presentado Brünne Romeo al certamen? Todas tienen una clara base post-punk, pop-rock y synth-pop -enfocada siempre hacia el pop-, pero habría tenido buenas opciones con ‘La eternidad’, actualmente su canción más popular; ‘¿Dónde está mi talento?’, que vira hacia el dance-pop; o la igualmente guitarrera ‘Vida quemada’. Entre sus grabaciones más rupturistas se encuentra ‘Satisfacer tu deseo de hombre’, que empieza calma al piano, evoluciona al folk épico, y después se retuerce en distorsión electrónica.
Todas estas pistas están contenidas en ‘La caída del ángel’, el álbum debut de Romeo, publicado el pasado mes de noviembre. También se incluye ‘Un buen tipo para tu hijo’, que elegimos como Canción Del Día en este penúltimo lunes del año.
Otra de esas producciones actuales que transitan diversos estilos, en este caso pasando del post-punk al house de forma puntual, ‘Un buen tipo para tu hijo’ es uno de los temas centrales de ‘La caída del ángel’ y también una de sus composiciones más controvertidas, una fantasía sexual que pone la heteronorma entre las cuerdas, coqueteando con el tabú.
El concepto de la canción es inusual: una especie de «pedida de mano» a un hombre que funciona como billete hacia el cuerpo del padre. En ‘Un buen tipo para tu hijo’, Romeo sale con un joven que encarna una masculinidad normativa, pues juega al fútbol pero es «muy aburrido», pero solo lo hace para acceder a su progenitor, al que intenta seducir en medio de una comida familiar. «Y él con su pelota y yo en tu habitación / Los dos botando pero no con la misma intención», rima el artista. ‘Un buen tipo para tu hijo’ explora, con un humor incómodamente provocador, la materialización de un deseo «secreto» y extraviado. En el videoclip, Brünne parece encarnar a la tentación misma.
Chimamanda Ngozi Adichie es una figura controvertida. Pero, claro, si eres una brillante intelectual africana de raza negra y familia rica, convertida en un icono del feminismo, cuyos discursos samplea 
Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída, además de guionista de cine y televisión. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente.
Uno de los libros del año. La nueva novela del alemán Daniel Kehlmann ha encabezado gran parte de las listas de lo mejor de 2025, entre ellas las del 
Seguimos con literatura en alemán. Gracias a la editorial H&O están llegando a España los libros del matemático y filólogo austriaco Clemens J. Setz, autor que en 2021, con apenas 38 años, recibió el galardón más importante de la literatura alemana: el Premio Georg Büchner.
Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Los ojos son la mejor parte’ (Seix Barral), de la coreana-californiana Monika Kim, es una mezcla enormemente eficaz de terror psicológico y gore oftalmológico (muy gráfico), atravesada por humor negro y una crítica sociopolítica centrada en los choques culturales y las luchas identitarias.
Ben Macintyre nunca decepciona. Con ‘El asedio’ (Crítica) vuelve a demostrar su asombrosa habilidad para combinar rigor documental con recursos narrativos propios del thriller. ‘
Celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, conocida por ser la editora de la revista literaria McSweeney’s Quarterly. Nominada al Booker, finalista del Pulitzer y, el espaldarazo definitivo para muchos: a 
Este año, la editorial Libros del Asteroide ha publicado dos debuts estupendos de autoras españolas, que además tienen más de un punto en común en cuanto a la temática: ‘Comerás flores’, de Lucía Solla Sobral, que estoy leyendo ahora mismo (y también recomiendo), y ‘El accidente’, de la periodista Blanca Lacasa, conocida por su ensayo ‘Las hijas horribles’ (Libros del KO, 2023) y por ser la vocalista del dúo 
Si no tienes el oído muy hecho al acento norteño, de Cantabria o 
Ariana Harwicz publicó su debut literario en 2012. Apenas tuvo lectores. Fue a partir de la reedición de 2017, impulsada por sus pocos pero entusiastas seguidores, cuando ‘Matate, amor’ (publicada este año por Anagrama) empezó a ganar visibilidad. Sin embargo, el verdadero reconocimiento internacional llegó con la traducción inglesa, ‘
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