Con el 48% de los votos en la final de Instagram, ‘Everybody Scream‘ es el nuevo número 1 de JENESAISPOP superando, entre otras, a ‘The Subway’ de Chappell Roan, que logra el 35%. Este single de Florence + the Machine es el 11º número 1 para Welch en nuestra lista. Los anteriores fueron ‘You’ve Got the Love (xx remix)’, ‘What The Water Gave Me’, ‘Breaking Down’, ‘Sweet Nothing’ con Calvin Harris, ‘What Kind of Man’, ‘Queen of Peace’ ‘Too Much Is Never Enough’, ‘King’, ‘My Love’ y ‘Free’.
Así, supera a Charli XCX, empata a Amaia y a Gaga, y ya solo tiene a Lana del Rey por delante, con 15. Muy lejos en número votos de Florence quedan Doja Cat y Ava Max, pero llegan al top 5, igual que Alison Goldfrapp. Otras entradas más modestas son las de bar italia, Olivia Dean y Cass McCombs.
Hay quien da siempre por muerto el fenómeno de la canción del verano, pero de vez en cuando resurge y el debate siempre está ahí. El día que dejemos de tenerlo sí sería el día de su muerte. Uno de los muchos medios que han elogiado el nuevo disco de Nourished By Time postulaba al artista como autor de la canción del verano alternativa. Compro el argumento escuchando ‘BABY BABY’ con esa euforia, ese sampleo de las sintonías de los 60, esa nostalgia tan elevadora… y sobre todo esa letra que dice «Si puedes bombardear Palestina, puedes bombardear Mondawmin», en referencia al barrio de su Baltimore natal.
En efecto, este verano en particular y estos dos años en general serán recordados por el genocidio en Gaza. ‘The Passionate Ones’ en absoluto es un disco sobre eso, aunque no hay que dejar de agradecer a los pocos músicos capaces de mencionarlo dentro de una canción actual.
Ya el debut en largo de Marcus Brown, ‘Erotic Probiotic 2‘, cuestionaba el capitalismo, y este continúa ese camino en alguna frase suelta de la popular ‘BABY BABY’; de ‘CRAZY PEOPLE’, con una píldora sobre violencia policial; o de ‘9 2 5‘, el single en el que habla de la esclavitud laboral de un colega. Situación en la que estaba el mismo artista hasta hace unos meses, cuando pudo empezar a dedicarse de lleno a la música tras haber desempeñado trabajos en peluquerías, librerías o como profesor de tenis.
‘The Passionate Ones’ no es un álbum político sino uno capaz de pasar de un tema a otro sin ton ni son, cual muro de Instagram. En un momento puedes estar viendo una bomba estallar en las narices de cuatro personas; y después a aquellas que te gustaría llevarte a la cama. Así de incómodo y extraño es este lado del universo. Este álbum habla sobre todo del deseo, de la sensualidad, del amor y de encontrarse a uno mismo. ‘Max Potential’, que versa sobre el miedo al futuro y sobre la inestabilidad, proclama: «si me voy a volver loco, que al menos tú me quieras». A continuación, en ‘It’s Time’, se mira al espejo para decirse: «Toda mi vida ha cambiado en menos de un minuto, he soñado con esta vida, y ahora me da miedo vivirla».
Las letras, clarísimas y directas como pocas se hacen, sobre todo en el underground, pueden versar sobre tonterías del tamaño de una tirada de cartas. Es el caso de la muy apropiadamente titulada ‘Idiot in the Park’: «¿le pagarías 20 libras? (…) ya sabes que ni me ha leído la mano (…) dijo que sabe que perdí a alguien (…) y me dijo cuándo voy a morir».
Este caos emocional, que va de lo personal a lo social, vuelve a desarrollarse en medio de un curioso muro de sonido en el que caben el R&B de los 80; la chillwave o el pop sintético a lo Twin Shadow; y el DIY de gente como Yves Tumor, Ariel Pink o John Maus. Da un poco de miedo que Nourished by Time caiga en el olvido como muchos de estos estilos y personajes. El tiempo lo dirá. Su mejor arma para evitarlo sería publicar más canciones como la maravillosa ‘9 2 5’, en la que una línea de piano y un agitado beat se clavan en el cerebro como ninguna canción de Nourished by Time había logrado antes. O ‘BABY BABY’, que pasa de ser un cuasi rap a una excitante producción como asistida por los mejores Go-Team!
La de Tony Bontana es en verdad la única colaboración de un álbum en el que él se lo guisa y él se lo come todo, acercándole en ‘Jojo’ a los territorios de otra banda muy crítica en lo social, Massive Attack. Bontana habla sobre la música y el arte, sobre las dificultades para salir adelante, en plena sintonía con los peculiares valores de Nourished by Time. Una rareza en los tiempos que corren.
Una pregunta muy pertinente en este preciso momento histórico: ¿Prefieres conservar tu integridad moral o tus playlists favoritas? Todas las plataformas de streaming, en mayor o menor medida, contribuyen a fomentar un modelo de negocio abusivo para el artista. Sin embargo, no todas participan activamente en la financiación de tecnología militar.
Los artistas suelen preferir Bandcamp, debido a unos pagos más elevados y a la posibilidad de vender directamente los discos de vinilo o los CD’s a sus fans. Sin embargo, la mayor preocupación del oyente medio radica en conservar su biblioteca musical, esa que ha estado construyendo a lo largo de los años. Ni siquiera la superior calidad de audio de servicios como Tidal es suficiente como para que la mayoría de usuarios se plantee un cambio de plataforma. En este sentido, Apple Music ha implementado una función para importar playlists de otras plataformas en el momento más oportuno, aunque todavía no está disponible en España.
Para muchos, y después de todas las oportunidades que nos ha brindado Spotify para darnos cuenta de su falta de voluntad, este es el punto de inflexión.
Mientras los usuarios Premium de la plataforma siguen en alza durante el segundo trimestre de 2025, a pesar de la subida de precios, algunas de las bandas independientes más importantes del mundo abandonan el barco: Godspeed You! Black Emperor, King Gizzard & The Lizard Wizard, Deerhoof, Cindy Lee, Hotline TNT, Xiu Xiu… Todas citan las mismas razones.
Daniel EK, CEO y cofundador de Spotify, llevó a cabo recientemente, a través del fondo Prima Materia, una inversión de alrededor de 600 millones de dólares en una compañía de defensa alemana llamada Helsing especializada en el desarrollo de drones militares equipados con inteligencia artificial. En 2021, cuando Helsing era solo una startup, el empresario sueco también se aseguró un sitio en la junta de accionistas al darles un empujón de 100 millones de dólares. Tecnología que puede causar la muerte, al alcance de una tecla. Algunos de estos drones ya han sido usados en el conflicto ruso-ucraniano. El hecho de que Spotify celebrase un evento para podcasters, principalmente de ultraderecha, antes de la segunda toma de posesión de Trump, a quien donó 150.000 dólares para su investidura, también fue uno de los motivos de peso para la retirada de estos artistas.
A pesar de ser líder en su campo, Spotify sigue siendo una de las plataformas que menos paga a sus artistas, entre 0,003 y 0,005 dólares por stream. Sin embargo, a Daniel Ek no le falta de nada. Taylor Swift fue la artista más escuchada del mundo en 2023, con un reporte oficial de 26.100 millones de reproducciones. Desde Variety, estiman que esto generó unos 130 millones de dólares a la artista estadounidense. Solo el año pasado, y solo a través de la venta de acciones, Ek ingresó unos 345 millones de dólares. Para ganar lo mismo que Daniel Ek en 2024, la artista más grande del mundo tendría que haber amasado 69.300 millones de streams anuales.
Que los desorbitados ingresos de Ek sean reinvertidos en la potencial muerte de personas es un mal suficiente como para abandonar la plataforma para siempre, pero no es el único. Spotify es una fuente de obsesión para los músicos. Listas de reproducción, competencia, estadísticas públicas… Todos hemos caído en la trampa de comparar dos artistas basándonos exclusivamente en sus oyentes mensuales. Aunque suene duro, solo estamos contribuyendo a empeorar su salud mental. El dato ni siquiera significa lo que creemos.
Los oyentes mensuales no reflejan los fans que tiene un artista, sino una aproximación a su impacto y relevancia en la plataforma. La popularidad, presentada de la forma más fría posible. Desde luego, no determina la valía de nadie. Aunque no te guste su música, ni la hayas buscado a propósito, ni sepas quién es y, por supuesto, aunque nunca pienses en comprar la entrada para el concierto. Siempre que escuches una canción durante al menos 30 segundos, contarás como un oyente mensual en el perfil del artista. El número también depende de si la persona tiene una colaboración de gran tamaño en otra canción, lo que también engrosa los oyentes sin necesidad de que estos entren en su página. Al principio, el dato era divertido y un caramelito para la prensa después de años de oscurantismo por parte de las discográficas. Ahora, es un motivo de ansiedad para los nuevos artistas, al ser tomado como un índice de referencia que puede llegar a afectar a las contrataciones.
A nuestro pesar, otra certeza del modelo de Spotify es que, en un mundo dominado por el algoritmo y las reproducciones, poco le importa la música a la plataforma sueca. Lo vemos en sus listas de reproducción, comisariadas sin ningún tipo de cuidado por la calidad o la igualdad. Un ejemplo es Éxitos España, en la que las mujeres son ampliamente ignoradas. En JENESAISPOP realizamos recientemente un estudio que dejaba estos tristes datos: el 85% de los artistas que pasan por Éxitos España son hombres, y solo el 15%, mujeres.
Lo vemos también en la permisividad con la IA, ya sea en bandas ficticias como The Velvet Sundown, que alcanzan millones de reproducciones, o en artistas resucitados como Blaze Foley, en cuyo perfil apareció recientemente un nuevo single pese a haber fallecido hace 36 años.
Mientras Spotify se preocupa por introducir funciones inútiles en su plataforma, como mensajes directos o transiciones personalizadas a base de IA, cada vez más usuarios abren los ojos respecto a la naturaleza de la plataforma. «No queremos que nuestra música mate personas», escribían los miembros de Deerhoof en su comunicado de despedida. Los de King Gizzard fueron más certeros, condensando de paso todo este artículo en una frase: «Fuck Spotify».
Jessie J está preparada para someterse a una segunda operación a raíz del cáncer de mama que le detectaron de forma temprana el pasado junio. Por este motivo, se ha visto obligada a posponer su gira europea y cancelar sus fechas en Norteamérica.
La artista informa también de que su primera cirugía se llevó a cabo con éxito el pasado 24 de junio. Ahora, Jessie J ha anunciado que, «por desgracia», tiene que volver a pasar por quirófano: «No es nada serio pero tiene que hacerse a finales de año. Esto cae en mitad de la gira que tenía preparada. Lo siento. Estoy frustrada y triste, pero necesito estar mejor, estar curada», ha contado en un comunicado.
Mientras que la parte europea de la gira ha sido pospuesta para abril de 2026, cuando tenía que comenzar este septiembre, las fechas norteamericanas no han tenido la misma suerte: «La mala noticia es que no he podido conseguir las fechas en Estados Unidos, así que tienen que ser canceladas», ha aclarado en un vídeo en redes. También ha explicado que no se perderán para siempre, sino que «serán anunciadas en cuanto encontremos tiempo y se sienta bien hacerlas».
Al mismo tiempo, Jessie J estrena un nuevo tema llamado ‘Believe in Magic’, que sucede a otros singles que suponemos que conformarán en algún momento un álbum, ‘Living My Best Life’ y ‘No More Tears’.
Como estos, ‘Believe In Magic’ presenta un poco de aliento pese a que «este año ha implicado mucho dolor». La respuesta de este tema acústico de ligero aire R&B es «solo quiero vivir con los que me sientan». Uno de sus ganchos más llamativos, «hagamos el amor y escuchemos a Sade».
Sabrina Carpenter ha lanzado hoy su esperado ‘Man’s Best Friend’. Llega un año después del exitoso ‘Short n’ Sweet’ y sería el segundo disco en esta nueva etapa de su carrera, aunque es en realidad el séptimo en su discografía. Tras los tintes country de ‘Manchild’, Sabrina se rinde a los «chicos responsables» en la fantasía disco de ‘Tears’. Es la Canción del Día, y pinta a otro éxito rotundo.
Antes de la salida del single, ya se veía venir que esas «lágrimas» del título no iban a ser convencionales. Efectivamente, ‘Tears’ es otro single anacrónico en el que Sabrina saca a relucir su irreverente humor, aunque justamente en este caso consiste en subvertir las expectativas del oyente. Musicalmente, recuerda a una versión más sofisticada de ‘Espresso’, manteniendo el protagonismo en el estribillo, con versos más bien escuetos.
La artista estadounidense canta sobre el tipo de hombre que le pone cachonda de verdad: «Me pongo mojada al pensar en ti / Siendo un hombre responsable / Tratándome como debes». A continuación, revela por qué ‘Tears’ se titula así: «Lágrimas corren por mis muslos». A Carpenter también le gustan los hombres que lavan los platos y que muestran «un poco de comunicación».
En el videoclip, una elegante y recatada Sabrina se estrella con el coche en medio de la América rural y lo que parecía estar encaminado a ser una película de terror acaba convirtiéndose en una fiesta drag setentera y muy camp. Se trata de un homenaje al clásico ‘Rocky Horror Picture Show’.
Protagonizado por Colman Domingo, el clip termina mal, como debe ser: «Lo siento, alguien tiene que morir en cada vídeo. Hay que dar a la gente lo que quiere».
Ya casi en modo septiembre, varias estrellas de primera línea publican su disco. Es el caso de Sabrina Carpenter, también de nuestra querida CMAT, Blood Orange, Bryan Adams o de Hayley Williams, que al final sí ha reunido sus 17 canciones junto a una extra para conformar un álbum. Otros artistas que sacan disco son Nova Twins, Jehnny Beth, Margo Price, The Beths o The Hives. En España Guille Galván saca la banda sonora de un documental sobre Madrid, ‘Madrid, Int’. De todos ellos podéis escuchar un fragmento en nuestra playlist de novedades, Ready for the Weekend.
Estos últimos días han presentado singles Austra, Oliver Sim, Spoon, Richard Ashcroft o Bright Eyes junto a Hurray for the Riff Raff. Hoy se suman Ashnikko, Alabama Shakes, Ella Mai, Major Lazer, Carin León con Kacey Musgraves o Silvana Estrada.
En España Vangoura participan en el homenaje a Triángulo de Amor Bizarro y también tenemos novedades de La Paloma, Teo Planell, Alice Wonder, LUSILLON, Daelgao o Yung Beef.
Estos días, Coldplay están actuando en el Wembley Stadium de Londres. Son 10 fechas no consecutivas que conforman una especie de residencia con la que despiden ‘Music of the Spheres World Tour‘, una gira que han desarrollado desde 2022, que ya han presenciado 12 millones de personas y ha recaudado más de 1.000 millones de dólares. Lo que ellos llaman «one billion». El tour ha hecho historia por su conciencia con el cambio climático y su intención -es lo que cuenta- por contaminar lo mínimo.
Cuando adivinábamos a Coldplay a punto de tomarse un merecido descanso, Juanma Castaño en El Partidazo de COPE ha anunciado en exclusiva que el grupo realizaría una residencia de 11 fechas en el Metropolitano de Madrid en 2027. El objetivo, según sus palabras, sería batir el récord de 10 fechas que ostentará Bad Bunny cuando llegue a España para presentar ‘Debí tirar más fotos’ el próximo verano. La exclusiva es muy extraña por varios motivos.
El primero es que Coldplay estén preocupados por batir un récord en particular en España. Nuestro país es importante para Coldplay y, por tener, tienen hasta una camiseta propia del Barça. Pero sin necesidad de irnos a Estados Unidos, Coldplay recaudaron en esta gira más dinero con tres conciertos en Munich (28 millones de dólares) que haciendo cuatro en Barcelona (27 millones de dólares). Milán les dio 29 millones de dólares en cuatro noches; Ámsterdam, 30 millones en cuatro noches; y Viena, incluso 33 millones en cuatro noches. Con cifras espectaculares también en Singapur, Sidney o Dublín, ¿por qué demonios estarían concentrados en volver a España para batir un récord que Bad Bunny ostenta a nivel local?
Lo segundo es que pudieran hacerlo. En general, la estancia de Coldplay en cada ciudad ha sido de 3 y 4 días. De actuar 4 noches en Barcelona a actuar 11 en Madrid hay un trecho. Que Coldplay llenaran el Estadí Olímpic de Barcelona cuatro días, convocando a más de 200.000 personas fue un hito. Al no incluir Madrid dicha gira, quizá podrían haber hecho una 5ª fecha. ¿Pero qué hace pensar que lograrán llenar un recinto similar una 6ª, una 7ª, una 8ª, una 9ª, una 10ª y además, una 11ª? ¿Somos conscientes de la diferencia de ir convocando a otras 50.000 personas, y luego a otras 50.000 más, y luego a otras 50.000 más, y así varias veces? ¿De verdad Coldplay barajan hacer en Madrid más conciertos que en el mismísimo Londres?
Este tipo de conciertos, además, no se anuncia así. El procedimiento natural es que el grupo anuncie un par de fechas, y después, ir ampliando hasta llegar a un tope que haya reservado, y que puede cumplir, o no. Anunciar 11 fechas en Madrid para Coldplay, de sopetón, es un riesgo que no sé por qué querrían correr. Bad Bunny fue añadiendo fechas poco a poco (no olvidemos que también tiene 2 en Barcelona), y lleva casi todo el año en el número 1 de Discos en España con un álbum que es hoy por hoy 5 veces platino en nuestro país y probablemente se acerque a los 10 platinos cuando la gira tenga lugar. Coldplay tienen unas cifras de streaming espectaculares, mantienen temas como ‘Yellow’ o ‘Sparks’ en las listas como si fueran canciones nuevas, y sus experimentos dance con The Chainsmokers, Avicii o BTS les acercaron a nuevas generaciones. Pero no están en la posición de Bad Bunny en España, hoy por hoy, porque insisto: España no es un mercado clave para Coldplay (sí lo es para Bad Bunny; cuestiones lingüísticas).
JENESAISPOP ha contactado con la promotora de los últimos conciertos de Coldplay en España para contrastar este anuncio. Live Nation no confirma esta gira. Interpreto que eso no significa que no se vaya a dar. Puede anunciarse mañana, el mes que viene, en 2026 o nunca. Sabemos por nuestro podcast ALGO CAMBIÓ… que los artistas llevan meses reservando estadios, no de cara a 2026, sino de cara a 2027 y más allá. Hay mucha demanda. Después, muchas de esas reservas se cancelan.
Quizá cuando el grupo de Chris Martin ofrezca su último concierto en Londres el 8 de septiembre deje caer sus nuevos planes. Los cuales también habrá que coger con pinzas: ¿cuántas veces han anunciado un último disco o una retirada? Sería bastante extraño que después de 3 años en la carretera, lo primero que anuncien sea que la gira continúa. Pero quizá lo hagan: nadie se los imagina demasiado tiempo en casa, y nadie sabe cuál será el tope o el límite de esta locura llenaestadios. Quizá Coldplay hagan esos 11 Metropolitanos, y dos años más tarde, Bad Bunny, 25.
Un teaser en redes sociales dejaba caer ayer que Ariana Grande estaba a punto de anunciar algo. «Nos vemos el año que viene», decía, refiriéndose probablemente a una gira. Y así ha sido, más o menos.
Digo «más o menos» porque el tour que se corresponde al proyecto ‘eternal sunshine‘ y dará nombre a la gira solo visitará 10 ciudades: 8 de Estados Unidos, una de Canadá, y finalmente Londres.
Si no hay más sorpresas en próximas semanas, toda Europa, toda Latinoamérica, toda Asia, Australia y África se quedarán sin ver la presentación en vivo de temas como ‘we can’t be friends’, que además últimamente ha vuelto a escalar en las listas. Actualmente es top 59 en el Global de Spotify.
Si estás cerca de lugares como Oakland, en cualquier caso, la preventa de entradas será el 9 de septiembre, con la venta general activada el 10 de septiembre. En el caso de Londres, la preventa es el 16 de septiembre, y la venta, el 18 de septiembre.
Justo hoy se cumplen 10 años del lanzamiento del debut de Halsey, ‘Badlands‘. Era el disco que contenía el himno ‘New Americana’, con el que se dio a conocer, y en el que hablaba del consumo de marihuana recreativa o las parejas del mismo sexo. También aquella maravilla llamada ‘Colors’, que terminó siendo favorita absoluta del lanzamiento.
‘Control’ y ‘Gasoline’ permanecen entre sus 10 canciones más escuchadas de Spotify, en detrimento de la mismísima ‘New Americana’, quizá ya algo cansina por la sobreexposición que tuvo en su momento.
Esta medianoche se pone en circulación una edición deluxe que va a incluir versiones orquestales, demos, tomas en vivo, remixes y otros inéditos, además del álbum original, por supuesto. Pero hay más: Halsey va a sacar el disco de gira, tan sólo 10 años después de su edición. Y uno después de ‘The Great Impersonator‘.
A través de sus redes anuncia un tour que comenzará el 14 de octubre en Los Ángeles y seguirá por México y otros lugares de Norteamérica en noviembre y enero. El turno de Europa será en enero, con solo cuatro paradas (Ámsterdam, Berlín, Dusselforf y París) y finalmente Reino Unido y Australia. No ha habido suerte respecto a España ni Sudamérica.
Oliver Sim, integrante del trío The xx, publica esta semana su nuevo single, el primer tema inédito que ofrece desde que en 2022 sacara su debut ‘Hideous Bastard‘. La canción, que se titula ‘Obsession’, tiene la particularidad de no estar producida por su colega Jamie xx, sino por Bullion y Taylor Skye, habiendo sido grabada entre Londres y Los Ángeles.
Su sello incida que este tema «marca el comienzo de una nueva era de experimentación, colaboración e invención para el músico londinense». Eso sí, no se menciona la palabra «álbum». Además, la misma nota de prensa indica que The xx están «trabajando actualmente en su muy esperado cuarto álbum tras haberse reunido en el escenario del festival LIDO de Jamie en Londres». Ahora solo queda la duda de qué se terminará o qué escucharemos primero: si el disco de The xx o más pistas de «esta nueva era» en solitario de Oliver Sim.
‘Obsession’, que habla oficialmente de enamoramiento y lujuria, se presenta con un vídeo dirigido por Sharna Osborne con la colaboración de Erin O’Connor en el elenco. En verdad, ‘Obsession’ es una colaboración a dúo con Katie O’Neill, lo que unido al tipo de sintetizadores sitúa la canción en las proximidades de Human League o su revivalista Juan McLean.
En la letra, Oliver manifiesta su confusión, y es ella la que viene para explicar que a veces se confunde la lujuria con la obsesión. «No es amor», dice en un momento. «Juro que es obsesión», dice en otro, como el clásico escrito por Romeo Santos para Aventura. Lejos del sonido The xx -para bien, en este caso- y con las ideas tan claras sobre el concepto del tema, solo le ha faltado un verso que realmente «obsesione». ¿Conforman el estribillo de la canción esos gélidos «do-do-dos» o esperaba serlo la outro que se repite al final?
Finalmente, Oliver Sim también ha sido noticia por haber aparecido en lookbook ‘Resort’ de JW Anderson, junto a la actriz de ‘Saltburn‘ Alison Oliver, el director Luca Guadagnino, los actores Joe Alwyn y Ben Whishaw, la estilista Danielle Goldberg, la diseñadora de moda Bella Freud y el fotógrafo Gray Sorrenti.
19.000 asistencias se han contado en la edición de este fin de semana de Canela Party, que ha contado en Torremolinos con gente como bar italia, Blonde Redhead, DIIV, Les Savy Fav o Bob Vylan.
Como es tradición, en el festi se proyectó un avance de los ya confirmados de cara a 2026, que hoy se comparten ya en forma de cartel oficial, diseñado por Bráulio Amado, quien en su momento tocó en el Canela con su banda de screamo Adorno.
Los artistas que ya sabemos que se pasarán por el Recinto Ferial de Torremolinos los días 27, 28 y 29 de agosto son los siguientes: Ángeles Toledano, Carolina Durante, Getdown Services, joseluis, Karen Dió, Las Petunias, Rufus T. Firefly y Wavves.
Los abonos para la edición 2026 del Canela Party se pondrán a la venta en la plataforma Ingresse en solo unos días, el próximo lunes día 1 de septiembre, con una oferta especial de lanzamiento a precio reducido.
La última década de música pop ha estado marcada por una generación de artistas jovencísimos que han abanderado la recuperación de las guitarras alternativas y el grunge de los 90. Olivia Rodrigo y Conan Gray capitanean este movimiento, detrás del cual se encuentra el productor Dan Nigro. Es como si Nigro, que fue integrante de la banda de indie rock Tall as Lions, se hubiera propuesto alcanzar detrás de los focos el éxito que nunca logró frente al micrófono.
‘Wishbone’, cuarto álbum de Conan Gray, gustará a los fans de Olivia, sobre todo en su faceta más rabiosamente noventera: ‘Caramel’ es un pegadizo ataque grunge al gaslighting romántico, mientras ‘Care’ cierra el álbum con un gran homenaje a los Cranberries, evidente en melodía y voz, con Conan emulando a Dolores.
El disco no se centra únicamente en la electricidad noventera, sino que se construye sobre una muralla de guitarras acústicas y percusiones folk (‘Actor’), referencias britpoperas y beatlescas (‘Class Clown’), ecos de la radio alternativa de los 90 (‘Sunset Tower’) y cuerdas que envuelven las dramáticas composiciones de Gray con todo el vigor que requieren.
Conan sabe escribir melodías sentidas y pegadizas, y ‘Vodka Cranberry‘ se erige como el pilar de un álbum que brilla en baladas y medios tiempos. ‘Nauseous’ es una devastadora pieza sobre el trauma del abandono, mientras ‘This Song’ describe un paseo en coche escuchando a Elton John sobre un fondo de ecos dream-pop. La producción es atmosférica, pero el sentimiento de Conan reluce.
‘Wishbone’ además sabe abrir y cerrar con sentido: ‘Actor’ inicia el disco con tremendo despecho, mientras ‘Care’ lo clausura reconociendo la debilidad propia. Conan, en el fondo, aún no ha superado la ruptura. Se nota en sus amargas letras, que derivan del emo (‘Actor’) al puro victimismo en ‘Connell’: sospecha de todo artista que continuamente se victimice en su disco sin hacer autocrítica.
Las letras, de hecho, son tan directas y diarísticas que a veces pecan de obvias: “A full year later, you’re calling me back; You say you’re sorry for treating me like trash”, canta en la enérgica ‘My World’. “Spendin’ my summer in love, then I went and got dumped”, recuerda en el homenaje a Beck de ‘Romeo’. Algunos pasajes son divertidos (“I really don’t mind; You got your revenge by being stuck with your life”), otros resultan excesivos: en ‘Romeo’ llega a cantar que la ruptura le ha dejado “sin ganas de vivir”.
No hay duda de que la música de Conan Gray conecta precisamente por su honestidad y vulnerabilidad. Sin embargo, el carácter emo de las letras lo mantiene todavía en el terreno del sentimentalismo adolescente. Si sus textos reflejaran la madurez de sus composiciones, la instrumentación y la producción, estaríamos ante un álbum que marcaría un antes y un después en su carrera.
El último disco de Mariah Carey hasta ahora, ‘Caution‘, contuvo tan solo 10 canciones en su edición original, lo que favoreció que sus críticas fueran positivas.
A falta de un mes de que se edite su sucesor, ‘Here for It All’, que sale el 26 de septiembre, se ha dado a conocer su tracklist, revelando dos cosas interesantes: la confirmación de colaboraciones como la de Anderson .Paak, y que el disco será escueto también.
Serán tan sólo 11 temas, de los cuales recordemos que se han desvelado dos singles: ‘Type Dangerous‘, que ha alcanzado el top 95 en el Billboard Hot 100, y ‘Sugar Sweet‘, que no ha logrado entrar en listas. Curiosamente, Shenseeea y Kehlani no parecen estar acreditadas en esta última, lo que ha despertado rumores de que pueda existir una versión de Mariah en solitario. O quizá simplemente es un olvido.
1.-Mi
2.-Play This Song, ft Anderson .Paak
3.-Type Dangerous
4.-Sugar Sweet
5.-In Your Feelings
6.-Nothing Is Impossible
7.-Confetti & Champagne
8.-I Won’t Allow It
9.-My Love
10.-Jesus I Do, ft The Clark Sisters
11.-Here for It All
La artista actuará en la gala de los VMA’s de MTV la próxima semana, donde recibirá un premio honorífico por su videografía. Momento que hemos aprovechado para repasar los 10 mejores videoclips de Mariah Carey. Recuerda que también puedes participar en nuestro foro de Mariah Carey, «La Tonadillera Esquiva«.
Este verano Winona Ryder ha concedido una entrevista en profundidad a la edición británica de Elle que tiene la gracia de estar hecha por un periodista que ya la entrevistó hace 35 y 38 años, Jeff Giles. Ryder habla sobre ‘Stranger Things‘, sobre cómo ha insuflado confianza a los actores infantiles, transmitiéndoles su propia experiencia; sobre maneras de envejecer, y sobre otros detalles de su carrera.
Jeff Giles relata que Winona se presenta al encuentro con una camiseta de una librería de San Francisco vinculada a la Generación Beat, un pin de Jim Jarmusch y Converse, por lo que la charla no es parca en lo que antes se daba en llamar «mundo hipster». La actriz cuenta lo agradecida que está a su mentora Laura Dern o lo enamorada que estaba de Al Pacino. Leonard Cohen, Tom Waits y The Replacements están entre los artistas que suele escuchar, pero Saint Etienne se han dado cuenta de que hay una cita interesante sobre ellos, grabada en vídeo, que no se detalla en el reportaje, y la han compartido en sus redes.
Se trata de un fragmento de entrevista en el que Winona Ryder cuenta que un disco de Saint Etienne «la rescató», a sus 20 años, cuando lo «estaba pasando muy mal». La actriz no especifica a qué álbum de Saint Etienne se refiere. Sin embargo, sí indica que lo descubrió en una venta callejera por Lisboa, mientras estaba rodando una película en la ciudad, cuando tenía más o menos esa edad.
Los investigadores de las redes sociales no han tardado en atar cabos y han concluido que el rodaje al que se tiene que referir Winona ha de ser el de ‘La casa de los espíritus’, basada en la novela de Isabel Allende, pues tuvo lugar en parte en Portugal entre enero de 1993 y abril de 1993.
Que se vendieran discos de Saint Etienne por la calle en Lisboa en aquella época es un tanto extraño, pues el grupo se hizo más famoso en Europa en 1994 tras la edición de ‘He’s on the Phone’, y aún faltaban más de 5 años para el fenómeno «top manta». ¿Está equivocándose de época la actriz? Pero podría cuadrar. Saint Etienne sacaron su segundo álbum justo en aquel cuatrimestre, y fueron top 10 en Reino Unido con él. Sea su debut ‘Foxbase Alpha’ o ‘So Tough’ el disco al que se refiere Winona Ryder, doy fe de que había una canción en este último tan bonita que podría haber sido responsable de «salvar a Winona Ryder».
La balada ‘Hobart Paving’ hablaba de una mujer que conducía un deportivo plateado, de noche por las calles vacías, entre lágrimas e imágenes inconexas. Se cree que Hobart Paving es una referencia a una empresa cercana al lugar donde los miembros de Saint Etienne, Pete Wiggs y el escritor y crítico musical, Bob Stanley, crecieron. Pero lo que de verdad pudo conmover a Winona Ryder es el estribillo, que se repite hasta la saciedad: «no te olvides de agarrarme (…) en este andén con llovizna en los ojos (…) el billete está en mi mano, el tren avanza por la vía». Y de nuevo, «no te olvides de agarrarme». Sumando las texturas de los arreglos, alguien parece estar cantando sobre el miedo a caer al vacío. Como Winona en aquella época.
Todo esto sería maravilloso si no fuera porque al final del vídeo la actriz se pregunta qué ha sido de Saint Etienne, si siguen juntos: pone cara de no tener la más remota idea. Además, lo dice no como quien se pregunta cuánto tiempo ha pasado desde el último disco NO instrumental del grupo, sino como alguien que jamás volvió a Portugal, ni siquiera a Europa, y no volvió a saber nada del trío. La buena noticia para Winona es que Saint Etienne continúan juntos. La mala es que el que están a punto de editar será su último disco. Pero pesa lo positivo porque Ryder, como mucha otra gente a ambos lados del Atlántico, tiene un montón de grandes buenos álbumes de Saint Etienne por descubrir.
‘Good Humor’ fue el más popular después de aquello. ‘Sounds of Water’, el más experimental. ‘Tales from Turnpike House’, una gozada conceptual sobre un bloque de edificios; y ‘Words and Music by Saint Etienne‘, su álbum definitivo y con el que, una vez más, recomendamos empezar.
«Words and Music» es generoso en los bangers electropop que durante los 90 caracterizaron a Saint Etienne, de nuevo con la ayuda de Ian Catt y también Richard X. Contiene ‘I’ve Got Your Music’, contiene ‘Tonight’ y contiene ‘DJ’. Aparte de los hits, es el álbum de Saint Etienne que mejor explica la profunda cultura pop que rebosa el trío. El título del largo fue sugerido por Lawrence -sí, este Lawrence-, pues Sarah Cracknell era tan fan de Felt que los perseguía en vivo allá donde iban, y además ‘The Snakes Crinkle Their Heads To Death’ es uno de sus títulos de álbum favoritos de todos los tiempos.
El amor por la música ajena era el gran nexo de unión de aquel disco de Saint Etienne. En las entrevistas hablaban con detalle del momento en que ‘There She Goes’ de The La’s metía un acorde menor, sobre el instante en que Alicia Keys grita «In New York…» en ‘Empire State of Mind’, sobre lo que les sorprendió ‘OMG’ de Usher, así como otros momentos épicos de Alex Chilton, Joy Division.
De hecho, ‘Over the Border’ abría aquel álbum recordando al melómano de 10 años que fuiste si estás leyendo esto, en su caso entre referencias a Peter Gabriel, Top of the Pops, Smash Hits, el NME, Dexys, New Order y muchos más. Y no se limitaba al «name dropping». La canción exploraba la disyuntiva entre hacerte mayor y seguir amando la música cuando planteaba: «me estoy haciendo mayor, solo el cielo sabe lo que está por venir»; y sobre todo cuando se preguntaba algo maravilloso desde la inocencia más absoluta: «cuando me case y tenga hijos, ¿será Marc Bolan aún tan importante para mí?».
Ese contraste entre ingenuidad y madurez se desarrollaba en la producción sublime de grabaciones como ‘Last Days of Disco’, cuyos arreglos finales, cercanos al northern soul, son pura gloria. En el año anterior al que Bob Stanley publicara su imprescindible libro sobre la historia del pop, ‘Yeah Yeah Yeah’, el grupo devoraba también el folk de los últimos 60 (‘I Threw It All Away’) o el pop vocal (‘Record Doctor’), hablando de la vida y de la muerte (‘Twenty Five Years’).
En su momento describieron el concepto del álbum de la siguiente manera a través de su web: «es sobre cómo la música puede afectar la vida, cómo define el modo en que ves el mundo de niño, cómo puede ayudarte en malos momentos, y cómo las canciones que siempre has conocido pueden empezar a significar algo nuevo, y afectarte, cada vez que las escuchas». Concluían: «el disco va sobre creer en la música, sobre vivir tu vida siguiendo sus normas». Un disco, pues, que puede ayudar a alguien a salir adelante, incluso más que ‘So Tough’.
Ninguno de los tres conciertos planeados por Taylor Swift en Viena pudo realizarse el año pasado. 200.000 entradas que se habían vendido para esa parte del ‘Eras Tour‘ tuvieron que ser devueltas. Sus tres principales responsables han seguido siendo investigados durante este año.
El menor de 16 años, Mohamed A, acaba de ser condenado en un tribunal de Berlín a 18 meses de prisión según el derecho penal aplicable a menores de edad. El ciudadano sirio residente en Alemania ha confesado todos los cargos. La fiscalía ha afirmado que fue radicalizado en la red por el Estado Islámico y ayudó a dos personas a traducir del árabe instrucciones para la construcción de bombas.
El principal sospechoso, el austríaco de 19 años Beran A, sigue detenido y se está investigando su participación, además de su plan de realizar otro atentado en Dubái en marzo de 2024. El segundo sospechoso, que tenía 17 años al momento de su arresto, ha sido puesto en libertad sin cargos.
Shawn Mendes presenta en recintos tipo Movistar Arena su último álbum, que decidió que se llamara simplemente ‘Shawn‘, tenía un carácter más acústico y retrataba su crisis de identidad. Sólo este mes acaba de cumplir 27 años. Quizá por ese carácter más retraído, quizá porque el disco no ha tenido la aceptación comercial de los anteriores, ha llenado la pista de sillas. Solo recuerdo haber visto sillas en la pista del antiguo Palacio de los Deportes en un par de ocasiones: para Leonard Cohen, cuando ya rondaba los 80 años, y para George Michael, en uno de sus pretenciosos conciertos sinfónicos que mejor olvidar.
Las sillas parecen solo atrezo en este caso: ni el concierto es tan acústico, pues las partes más íntimas duran más «segundos» que «minutos», es decir, son solo partes de algunas canciones; ni la gente está por la labor de permanecer sentada.
‘On the Road Again Tour’ tiene un arranque curioso. Los músicos, numerosos y solventes, ya están sobre el escenario, cuando la cámara empieza a enfocar a Shawn Mendes a punto de subir a las tablas. Su público enloquece. Él sonríe, se dirige a la cámara con cara de «¡vamos allá!», y entonces ya sí sube al escenario y la gente grita más y más fuerte.
Ni Shawn dejará de sonreír durante los siguientes 90 minutos, ni sus fans de chillar. Tan pronto como en la cuarta canción, declarará: «llevamos poco tiempo de concierto, pero ya puedo decir que esta es la audiencia que más ha gritado de toda la gira». Pero detengámonos un momento en su sonrisa, en su simpatía. Varias veces preguntará «Madrid, ¿cómo está?», se esforzará por hablar castellano, repetirá «Madrid, te amo, te amo, te amo», se mezclará entre el público para repartir abrazos, recibir regalos y firmar cosas, y recogerá todas las banderas españolas que le lancen, aunque con una casi tropiece y caiga al suelo, cuando se disponía a colgarla de unos teclados. Si no se ha deshecho del demonio interior que aparecía en sus últimas letras, Mendes lo ha dejado encerrado en la habitación del hotel. Ahora parece inmensamente feliz, lo contagia, y el público está muy presto para ello sosteniendo carteles tipo «Madrid está llena de amor contigo».
Por supuesto, hay que celebrar que Shawn Mendes esté en un momento tan solvente como cantante: es un showman excelente, con una voz potente y una sonrisa -insisto- que aguanta incluso primeros planos, que es lo que sucedió cuando interpretó ‘Señorita’. Dientes de anuncio; barba de un día, como mucho dos. Pero el concierto carece de esos momentos de profundidad e intimidad que aparecían en el disco (‘Nobody Knows’, ‘Who I Am’), decantándose por llevar el set hacia un pop-rock buenrollero de sonido excelente -eso sí-, deudor de gente como Mumford & Sons.
El show comienza con tres de sus mayores hits, ‘There’s Nothing Holdin’ Me Back’, ‘Wonder’ y ‘Treat You Better’; pero en realidad deja más poso cuando presenta su sección «solo amigos y familia» con ‘Isn’t that Enough’ o dedica a quienes hayan perdido a alguien ‘Heart of Gold’, su canción para un amigo fallecido, que en realidad es muy alegre. ‘Stitches’ en acústico es coreada de cabo a rabo, y el show se cierra con dos canciones que no pueden sonar más épicas, ‘Why Why Why’ e ‘In My Blood’, esta última interpretada al piano en su primera mitad, y elevada en la segunda por un récord Guinness de confeti que incluso dificulta la visibilidad.
Entre las canciones que aportan algo de dinamismo y variedad, en un show austero sin grandes desarrollos técnicos, la funky ‘Lost in Japan’; o el puntito a Prince circa ‘Purple Rain’ de ‘Ruin’. En ‘Youth’, cuyo final acelera el tempo hasta que los brazos para tocar no le dan más de sí, Mendes deja un mensaje positivo incluso cuando habla del estado del mundo y de su generación. «Hemos aprendido de nuestros mayores, de su sabiduría, pero también de sus errores. Estoy muy orgulloso de mi generación, por lo inclusiva que es. Estoy seguro de que vamos a cambiar el mundo». Cuesta creerlo cuando la ola ultraderechista está atrayendo justo a tantos jóvenes, pero ojalá sea cierto. Ojalá más optimistas como el bueno de Shawn. 7.
Austra, el proyecto pop de la vocalista y compositora canadiense Katie Stelmanis, regresa con un nuevo álbum, ‘Chin Up Buttercup’. El primer single es una hipnótica pieza de dance titulada ‘Math Equation’.
Stelmanis cuenta que ella y su coproductor Kieran Adams se inspiraron en el sonido eurodance del emblemático ‘Ray of Light’ de Madonna. Sin embargo, ‘Math Equation’ suena más bien como el reverso de ‘Can’t Get You Out Of My Head’ de Kylie Minogue, pues posee una base muy parecida, solo que en este caso la «obsesión» tiene un sabor claramente amargo.
Devota de la ópera y con cuatro discos lanzados a lo largo de su carrera, Stelmanis experimentó la devastación por primera vez a principios de 2020, cuando su pareja de toda la vida le confesó de un día para otro que no era feliz: «Nunca volví a verla», cuenta la artista. Es por eso que ‘Chin Up Buttercup’ lleva este título: «Es mi alter ego demoníaco emocional», escribe en su Instagram.
Las letras también están impregnadas del dolor resultante de la ruptura de Austra. En ‘Math Equation’ esto se ve claramente: «Dijiste que necesitaba mis propios amigos, así que los encontré, y luego los jodiste», canta.
El nombre del tema viene de que Katie siente que la han «restado» o «substraído» de la «ecuación» que representaba la pareja. «Uno y uno no suman tres», repite el estribillo, que luego añade: ¿»quién sera la que se quede contigo?». Os dejamos con el vídeo, de tipo «serie B».
Tracklist:
1. Amnesia
2. Math Equation
3. Siren Song
4. Chin Up Buttercup
5. Fallen Cloud
6. Blindsided
7. Think Twice
8. Look Me in the Eye
9. The Hopefulness of Dawn
10. Good Riddance
Nacho Cano se ha metido en otro lío. El título del nuevo musical del promotor y exintegrante de Mecano, ‘Ibiza Paradise’, fue registrado hace unos meses como marca en la Unión Europea. Sin embargo, el Consell d’Eivissa lo acaba de impugnar alegando que el nombre de la isla no puede estar vinculado a espectáculos privados.
Así lo ha explicado el Consell, que ha delegado a la empresa Consulpi todo lo que tiene que ver con la gestión de la propiedad intelectual de la isla: «Siempre se impugnan las marcas que tengan Ibiza como nombre». Desde la agencia aclaran que, cada cierto tiempo, llevan a cabo un rastreo de los registros españoles y europeos buscando marcas que puedan ser impugnadas por este asunto.
El pasado marzo, Nacho Cano registró las marcas «Ibiza Paradise by Nacho Cano» e «Ibiza Paradise». El 25 de julio, por otro lado, Consulpi ya reclamaba la nulidad del registro. Todavía no hay una resolución definitiva, pero la historia en este tipo de conflictos apunta a que Cano lo tiene difícil.
Pese a todo, el nuevo proyecto de Nacho Cano mantiene su fecha de estreno para el próximo 12 de septiembre. Este consiste en un dinner show inmersivo que combinará música en directo, baile, teatro y gastronomía en una experiencia de dos horas.
Desde la página oficial del espectáculo especifican que este está diseñado para «evocar el espíritu libre y la esencia de la Ibiza de los años 70», en el que sería «el único espectáculo con cena en vivo en inglés de la Gran Vía».
Pedro Almodóvar se ha puesto delante de la cámara para denunciar, una vez más, el genocidio que está cometiendo el estado de Israel en Gaza. El reputado director se une a decenas de artistas como parte de la campaña #AccionesYa, impulsada por Artistas Con Palestina, que consiste en pedir al Gobierno que suspenda sus relaciones con Israel y que imponga un embargo integral de armas.
No es muy común ver al icónico director delante de una cámara, pero la ocasión así lo merece. Almodóvar ha pedido al gobierno español que rompa «relaciones diplomáticas, comerciales y de todo tipo con el Estado de Israel en repulsa por el genocidio que está llevando a cabo con el pueblo gazatí a los ojos del mundo entero».
Por último, ha pedido personalmente a Pedro Sánchez que «trate de convencer a todos nuestros aliados europeos para hacer lo mismo y que se unan a esta repulsa». Así ha concluido Almodóvar el vídeo, subido a la cuenta de El Deseo en Instagram.
Entre el resto de artistas que se han grabado sumándose a la causa se encuentran Luis Tosar, Juan Diego Botto, Carlos Bardem, Adriana Ugarte, Miguel Ríos, Luis Zahera, Omar Ayuso o Joaquín Reyes.
Eusebio Poncela, icónico actor, protagonista de películas tan importantes como ‘La ley del deseo’ y ‘Arrebato’, ha muerto a los 79 años. Según informa El País, citando como fuentes a figuras de su entorno, Poncela ha fallecido en su casa de El Escorial a causa de un cáncer que padecía desde hace un año.
El primer papel de Poncela ya le sirvió para siempre formar parte de la historia del cine español, interpretando a José Sirgado en ‘Arrebato’ (1979), dirigida por Iván Zulueta. El actor madrileño también fue una importante figura del universo Almodóvar, protagonizando ‘Matador’ (1986) y, sobre todo, ‘La ley del deseo’ (1987), que lo convirtió en un referente del mundo queer.
Además de trabajar en casi 60 películas, series y obras de teatro, siendo nominado en 2001 a un premio Goya por la película ‘Intacto’, Poncela también tenía una pasión por la pintura.
Hace 6 años que Mac DeMarco publicaba su último disco «normal». Hace 6 años, por tanto, que dijo aquello de que solo quería «hacer música y esconderse en su pequeño garaje». «Y un día ya me moriré», concluía el que ha sido el artista de éxito más improbable de la era streaming, haciendo palidecer el alcance que pudo tener cualquiera de sus referentes, por ejemplo su amado Jonathan Richman.
En este último lustro, DeMarco ha logrado más virales inesperados, siendo el último ‘Heart to Heart’, ha publicado un álbum instrumental y otro con 199 pistas. Pero sobre todo se ha reafirmado en su deseo de recluirse: ha dejado de beber, y luego de fumar. Su nuevo álbum ‘Guitar’ capta ese deseo de huir del mundanal ruido, grabado tan sólo durante 13 días en noviembre de 2024, con poca más ayuda que la del instrumento que aporta el título, y con el que le vemos posar en la portada.
Las 12 composiciones de ‘Guitar’, que suman apenas media hora de duración, son minimalistas y mansas. Casi todas viajan al pasado o hablan de un desengaño amoroso siempre desde la paz, bien conserven cierta esperanza, o bien hayan asumido que las cosas se han terminado. ‘Sweeter’ devanea entre ambas cosas, pues por un lado promete «puedo ser mucho más dulce», aparentemente en búsqueda de una nueva oportunidad, pero a la vez concluye, de repente: «algunas cosas nunca cambian».
‘Phantom’ recibe una visita de alguien del más allá, mientras ‘Home‘ es un paseo por un viejo barrio, dirigido a alguien que ya no está en nuestras vidas: «Nunca llamé, dejé que nuestra amistad se disolviera (…) ahora que tu odio por mí se ha acrecentado, intento enmendar todas las mentiras y vuelven esos recuerdos que mejor sería dejar marchar».
En un álbum con tan pocos elementos sonoros, el secreto está en los detalles y este ‘Home’ embauca por ese instante en que Mac DeMarco cambia de repente de voz y se pone en la posición de un «crooner» para entonar el último «again» del estribillo. Recurrirá al mismo truco poco después en dos canciones más, las dos últimas, ‘Holy’ y ‘Rooster’, haciendo soñar con lo que podría hacer con su voz si esa parsimonia, ese dejarlo todo a la casualidad, no fuera una parte tan importante de su personalidad. A veces se insinúan momentos tan hermosos que incluso conectan con dos Beatles, Paul McCartney y George Harrison. Y a veces, no.
La guitarra en zigzag de ‘Terror’, sobre la muerte, y el ligero toque funk de ‘Sweeter’ son la sal y pimienta de un álbum 100% Mac DeMarco que incluye varias pistas que se marchan poco después de haber empezado, sin ningún temor a no dejar ninguna impronta, a ser olvidadas de manera instantánea. Pueden llamarse ‘Rock and Roll’ y no ser nada «rock and roll» o pueden llamarse -para más señas- ‘Nothing At All’. Y es que Mac DeMarco puede ser todo o nada: siempre ha parecido darle exactamente igual.
Delaporte ha anunciado gira de despedida, que no dará pie a una «despedida» como tal, sino a un periodo de descanso y de investigación creativa. El grupo de Sandra Delaporte y Sergio Salvi explica que necesita «parar» para poder seguir creando.
Delaporte lleva tiempo de gira presentando sus últimos discos, ‘Déjate caer‘ (2025) y ‘Aquí y ahora‘ (2024). Centrados en los ritmo rave y tecno, han generado algunos de los conciertos más memorables y apoteósicos de la carrera de Delaporte.
Ahora, Delaporte abandona temporalmente la carretera, pero señala que esta «pausa indefinida» solo incumbe a los escenarios. “Me he dado cuenta de que descansar es igual de importante que hacer cosas, aunque no se vea ni se valore», explica Sandra en un comunicado. «Una cosa sin la otra no se sostiene, aunque nos hayan metido en la cabeza la exigencia, la competición, la comparación y la sensación de fracaso si no haces nada y nadie te ve”, añade.
La nota indica que «Delaporte no se despiden desde el agotamiento, sino desde la necesidad de parar para poder seguir creando desde un lugar auténtico». El dúo espera poder crear desde la libertad de no tener «las horas llenas» ni «nada que conseguir» ni a «nadie a quien impresionar, «solo sentir que la vida se aligera y que lo que creas nace porque no puede ser de otra manera”.
La gira de despedida de Delaporte incluye las siguientes fechas: Santiago de Compostela – 10 de octubre (Capitol) Málaga – 15 de noviembre (sala París 15) Madrid – 21 de noviembre (sala La Riviera) → entradas agotadas Barcelona – 27 de noviembre (sala Razzmatazz 1) Valencia – 29 de noviembre (Auditorio Roig Arena)
Además, también actuarán en dos festivales antes de esas fechas: B-Side Festival – 6 de septiembre en Molina de Segura Sound Jordi – 18 de octubre en Alcoi
Delaporte ha anunciado que la artista invitada en esta gira será Laia Alcolea. Pianista, productora y compositora madrileña, ha trabajado con Delaporte y recientemente ha lanzado su single de debut en solitario, ‘No me fío de mí’.
Mon Laferte, Leire Martínez, Rubén Blades y Mau y Ricky son los principales confirmados en la próxima edición de BIME Pro, el encuentro de profesionales de la industria musical, que se celebra del 28 al 30 de octubre en Euskalduna Bilbao. Las entradas para BIME Bilbao 2025 ya están disponibles en la web oficial bime.org.
La programación de tres días incluirá charlas, talleres, masterclasses y networking y contará también con la participación de Valeria Castro, Zahara, Álvaro Rivas (Alcalá Norte), Francisca Valenzuela o Jesse Baez. También están confirmadas figuras internacionales como Anele Oyekwere (edición musical de Marvel Studios), Kareen Saurí (productora de Rosalía y Dua Lipa), y Adel Hattem Levy (internacionalización de artistas como Radiohead).
BIME Pro culminará el día 30 con la celebración de los Reconocimientos AUPA!, un homenaje a las iniciativas y trayectorias musicales del sector, seguido de un cóctel de despedida.
Por otro lado, la programación musical de BIME Live, el festival urbano de showcases referente en Iberoamérica, volverá a Bilbao los días 28, 29 y 30 de octubre. Artistas de todo el territorio iberoamericano presentarán sus propuestas durante el evento, en salas como Kafe Antzokia, Crystal o Cotton Club. El primer avance del cartel será anunciado el 9 de septiembre.
Por otro lado, los días 29 y 30 de octubre, BIME acogerá el I Congreso Internacional de Investigación en Industrias Creativas (CIIIC), un foro académico y profesional que reunirá universidades, investigadores y agentes culturales para debatir sobre los modelos culturales actuales.
La próxima edición de los MTV VMA incluirá la actuación de Lady Gaga, que es además la artista con el mayor número de nominaciones. Será la segunda vez que la estadounidense protagonice un número musical en los VMAs. La primera tuvo lugar hace 16 años, con una interpretación de ‘Paparazzi’.
También se suben a la programación de artistas que actuarán dos de las mejores performers de su generación, Doja Cat, que presenta nuevo single, ‘Jealous Type‘, y Tate McRae.
Además se suman los aclamados Post Malone, Conan Gray y Jelly Roll, en esta edición que se celebrará el 7 de septiembre, y que reconocerá la trayectoria de Mariah Carey.
Carey actuará, y también se subirán al escenario Sabrina Carpenter, Ricky Martin o la superestrella revelación Sombr, que acaba de publicar su debut.
Alex Warren, autor del hit global ‘Ordinary’, es otro de los artistas confirmados, así como DJ Snake junto a J Balvin, Justin Quiles y Lenny Tavárez.
Cómo ver la gala de los MTV Video Music Awards en España
La ceremonia, presentada por el rapero LL Cool J, podrá seguirse en directo desde España a través de MTV y del canal MTV Party Music en Pluto TV. El evento se celebrará en el UBS Arena de Nueva York y se emitirá la madrugada del domingo 7 al lunes 8 de septiembre. El pre-show arrancará a la 01:00h y, justo después, a las 02:00h, dará comienzo la gala principal.
Parten como favoritos este año en las nominaciones de los MTV Video Music Awards Lady Gaga, Bruno Mars y Kendrick Lamar.
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