Este verano comenzará a rodarse una nueva película sobre Bob Dylan. Esta parece que no será tan experimental como ‘I’m Not There’, sino que versará simplemente sobre sus primeros años en Nueva York. El artista se mudó a esta ciudad a los 20 años siguiendo la estela de su ídolo Woody Guthrie, que aparecerá también representado en la cinta.
La primera vez que se habló de este proyecto fue en 2020, pero parece que ahora al fin va a concretarse. James Mangold, al que recordarás por ‘Walk the Line‘, el gran biopic sobre Johnny Cash (y June Carter), o por ‘Logan‘, va a dirigir este biopic que contará con el protagonismo de Timotheé Chalamet, protagonista de ‘Call Me By Your Name’.
Además, según informa Collider, Timotheé cantará en la cinta, es decir, no será la voz de Dylan la que escuchemos en las canciones. Se compara por tanto la situación con la de Taron Egerton al frente de ‘Rocketman’, la exitosísima película sobre Elton John.
Mangold acaba de declarar en un evento sobre Star Wars que esta nueva peli en torno a Dylan “es sobre una historia real interesante de un momento realmente interesante en la escena americana”. El director tiene antes que estrenar ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’, que llegará este verano.
Las guitarras eléctricas de temas de Vermú como ‘La ronda’ o ‘Un viento de amnesia’ nos transportan directamente al escenario grande de un festival. En concreto al atardecer, cuando tantos grupos nacionales influidos por el noise pop británico tuvieron su primera gran oportunidad ante un público enorme. La sola existencia de algo llamado «Un viento de amnesia» nos hace pensar en gente como Izal o Supersubmarina.
Vermú comienzan su segundo disco recordando un poquito a The National en el piano de ‘Agosto’ y otro poco al post-punk de principios de los 80 en la mencionada ‘La ronda’. Canciones como esta o la popera ‘Escombros’ esconden un gran potencial si les sopla el viento de cara. No penséis que este sonido se ha pasado de moda, justo cuando Viva Suecia más entradas que en toda su vida. Pero como ya sucedía en su debut ‘Cancionero estoico‘, las virtudes de esta banda están en otro lugar. En concreto, en la reivindicación del folclore manchego.
Da igual cuántos artistas de nuestro país estén utilizando un recurso similar: cuando ‘Envido y truco’ irrumpe en el tracklist, con su ritmo de jota y al mismo tiempo su teclado tipo The Doors, es un soplo de aire fresco. Lo mismo que la trompeta de Juan Antonio Martínez en ‘La extranjera’, con cierto aroma de canción tradicional. O la calidez de la rumbita lenta ‘En esta ruina’.
El punto donde mejor confluye el indie y la tradición es ‘Somos desastre (que te den)’, las «alegrías del incendio» de este ‘Duelo de ronda’. Por un lado, su melodía y ritmo tipo villancico: no en vano se estrenó el pasado mes de noviembre. Por otro, su ansia vengativa, tan indie y tan Jota. Solo que adaptada al siglo XXI. El «que te den» va entrecomillado y es de ella para el narrador: «disimulas pero miras mi Instagram, no me aguantas». «En el bar dicen que me quieres matar».
Cuenta ‘Duelo de ronda’ una relación marcada por la brecha entre el campo y la ciudad. Una de las partes se marcha para empezar una nueva vida. Por eso los temas van del enamoramiento y la conquista inicial (‘La ronda’), hasta la ruptura y el olvido (el inevitable «duelo» final). En medio quedan un montón de recuerdos: referencias a Talgos, equipos de fútbol de Albacete, discos de Estopa y a Gomorra en llamas.
Hay letras poéticas, como ‘Me va quemando’, a la que sienta fenomenal el punto Western; y hay letras sobrecargadas («vamos de nuevo a defender nuestro imperio sin nación, los verdugos de la sed»). Sobre ambas embelesa el bonito timbre tembloroso de Daniel Toboso, con puntos en común con Nacho Vegas y también Ella Baila Sola. ¿Os acordáis de cuando Marilia y Nacho trabajaron juntos?
Taylor Swift y el actor británico Joe Alwyn han puesto fin a su relación sentimental de seis años, ha confirmado Entertainment Tonight. Según la fuente citada, la ruptura entre Swift y Alwyn se ha producido de manera amistosa y «no ha sido dramática», y se debe a que «la relación ha llegado donde tenía que llegar».
Swift y Alwyn empezaron a salir en 2016 y han mantenido su relación fuera del foco de los medios. Swift sí ha dedicado un considerable número de canciones a su relación con Alwyn a lo largo de los años, algunas de las cuales han llegado recientemente en el disco ‘Midnights‘. La propia Swift ha confirmado que ‘Lavender Haze‘, uno de los grandes éxitos de esta era, habla del interés de ambos por proteger su relación de los rumores y del «ruido» mediático.
Desde ‘reputation‘ las canciones de Swift dedicadas a Alwyn de manera implícita o explícita se han sucedido sin descanso. ‘Delicate’ capturaba el principio de la relación («mi reputación nunca ha sido tan mala, así que supongo que te gusto por lo que soy»), ‘Lover‘ hablaba ya de un hombre del que Swift estaba perdidamente enamorada, y ‘London Boy’ era un claro retrato de su relación, en frases que hablaban de la «sonrisa con hoyuelo» de Alwyn y también de su acento británico.
Curiosamente, Alwyn ha llegado a colaborar en el trabajo musical de ella, pues aparece acreditado como co-autor en ‘betty’ y ‘exile’ de ‘folklore’, y también en ‘champagne problems’, ‘coney island’ y ‘evermore’ de ‘evermore’.
La noticia de la ruptura de Taylor se produce cuando la cantante se encuentra de gira por Estados Unidos con ‘The Eras Tour‘.
La época de festivales ya está aquí y pocas bandas hay que capturen tan bien el sentimiento fiestero de estos eventos como Ginebras. El mismo día del lanzamiento de su esperado segundo disco, ‘¿Quién es Billie Max?’, pudimos hablar con Sandra (guitarra y coros), Juls (batería) y Raquel (bajo), quien sustituyó a Juls en mitad de la entrevista, sobre los cambios en su vida a partir del éxito de ‘Ya dormiré cuando me muera’, el origen de Billie Max, la inestabilidad de la música y la evolución aún más cañera de su sonido.
El pasado sábado 25 de marzo dieron comienzo a una gira de festivales que les llevará por todos los rincones de España y que culminará con su primer concierto en el WiZink Center, el próximo 12 de octubre. Aunque el WiZink no es del todo un final, sino más bien el principio de su gira por salas, aun sin fechas confirmadas. Las próximas citas de la gira festivalera de Ginebras serán en Tudela el 29 de abril, Fuengirola el 13 de mayo, Mallorca el 18 de mayo y Alicante el 26 de mayo.
¿Cuál ha sido el cambio más importante que habéis experimentado en vuestra vida a partir del éxito de vuestro primer disco?
Sandra: Pues yo es que ahora llego al pueblo y soy la puta ama, por ejemplo. Yo creo que la confianza en nosotras mismas.
Juls: Yo creo que tengo menos, fíjate. A nivel profesional, como banda, yo creo que es el salto musical. Tenemos más responsabilidad y eso hace que queramos hacer las cosas mejor y no quedarnos estancados.
S: Nos hemos puesto las pilas a partir de que las cosas hayan funcionado guay con Ginebras. La confianza también tiene que ver un poco con eso, la validación externa no tiene que ser el motor de tu vida, pero ayuda a confiar en uno mismo. Estamos bastante motivadas en general.
Supongo que uno de los cambios es haber podido grabar en Abbey Road. ¿Cómo surgió?
J: Eso fue que teníamos un sueño. Tenemos una checklist y nuestros managers saben de esa checklist. En una cena en su casa nos dijeron: “Chicas, ¿qué os parece si vamos a Abbey Road?”, y nosotras “Venga, vaciladle a otra”. Pero sí, al final fue verdad.
S: Un apunte que nos gusta hacer es que todo el mundo puede grabar en Abbey Road. Pagando se puede, aunque haya que cumplir ciertas condiciones musicales, pero es un sueño igual que en algún momento nos gustaría grabar un disco fuera de España, en Los Ángeles o algo así, por el mero hecho de grabar un disco ahí. Lo mismo con Abbey Road. Es más el sentimiento que te provoca entrar en ese sitio. Haber hecho un documental ha sido la mejor decisión posible, porque podemos revivirlo.
Solo grabasteis ‘Muchas gracias por venir’, ¿no?
S: Sí, no tenemos tanta pasta (se ríen).
¿Qué cambios habéis notado en la industria desde el lanzamiento de vuestro primer disco?
S: Ahora nos toman un poco más en serio, aunque lo cogieron muy bien el primer disco.
J: Teníamos y seguimos teniendo ese miedo. De momento la industria nos está tratando bien, nos siguen queriendo en festivales y salas, y de momento hay Ginebras para rato.
S: También está la presión de que estamos confirmadas en un montón de festis sin haber sacado el disco. Igual nos han puesto ahí en un escenario principal y luego no mola, entonces es una presión muy heavy.
¿Cómo es trabajar en un sello como Vanana Records?
S: Familia. Es muy guay, porque es gente con la que tienes que tomar muchas decisiones. Ayuda mucho el que seamos amigos fuera del horario de trabajo y que podamos de repente tener el coño de decirles: «Queremos grabar en Abbey Road». Si no tuviésemos la confianza igual no nos atreveríamos a pedirles eso.
¿Os han tirado la caña de sellos más grandes?
S: Al principio sí, pero como nos están viendo que estamos tan bien en Vanana…
J: Sí, tenemos claro que Vanana Records está tatuado (me enseña su tatuaje de Vanana Records, un plátano).
«Estamos aquí, power femenino, me coméis la polla todos los desgraciados y desgraciadas que habéis sido un Alex Turner y ya está»
¿Os esperabais el éxito de temas como ‘Alex Turner’ o ‘Ansiedad’?
S: De ‘Ansiedad’ sí, pero de ‘Alex Turner’ no tanto. De hecho, acabamos de llegar ahora mismo al millón con ‘Alex Turner’. La elegimos como primer single porque nos molaba mucho.
J: Y porque era muy cañera. En este disco nos vamos mucho por la caña, hay mucha fiesta y hay incluso mas BPM que en el disco anterior. Tocamos esas y nos parecen lentas. También nos parecía como: «Estamos aquí, power femenino, me coméis la polla todos los desgraciados y desgraciadas que habéis sido un Alex Turner y ya está».
S: ¿Sabes dónde más ha funcionado? ‘Alex Turner’ es una locura en México. Es como que descubren la canción a través del nombre y se quedan porque les gusta. Si hacemos gira en México cerramos con ella cien por cien.
En el podcast de JENESAISPOP, Amatria contó que igual habíais intentado pasarle el tema a Alex Turner. ¿Se lo habéis intentado enviar al final?
S: Sí, nos han enviado mensajes como que en Twitter lo intentan, pero lo mismo que con Rosalía. ¿A ti te ha hablado Rosalía? A mí tampoco.
J: Encima habla en inglés, o sea que no entenderá una mierda.
S: También es que si alguien le traduce la letra se puede sentir ofendido. Pero en ningún momento, o sea, Alex Turner a nosotras nos pone…
J: Muy contentas (risas)
En la presentación del disco explicasteis quién es Billie Max, y resulta que no es nadie, sino una personificación de todo lo bueno que os ha pasado, ¿por qué lo llamasteis Billie Max?
J: Estábamos buscando un nombre que fuese neutro, que pudiese sonar tanto a masculino como a femenino, y al principio salieron muchos hasta que dimos con Billie Max.
¿Os acordáis de alguno?
J: El primer era Peter Pan, pero no pegaba una mierda.
Porque la gente ya sabe quién es Peter Pan.
J: Exacto, y pensamos en inventarnos un nombre.
S: Realmente Billie Max está cogiendo forma con el paso del tiempo. Al principio era una cosa más que se aparecía en un sueño súper psicotrópico y al final pensamos que esa figura es la que nos representa a las cuatro. Poco a poco le fuimos dando significados. Somos nosotras y nuestra música.
En esa misma canción decís lo de “Billie Max se ha marchado, mi sueño se ha acabado, me despiertan las obras de Madrid”. ¿Os da miedo que llegue el momento de despertar del sueño?
J: Sí, de hecho, creo que yo he tenido pesadillas con eso. De levantarme pensando que Ginebras se había acabado y pensar qué hacía ahora con mi vida, y que nos abucheaban en el escenario… Hasta ese punto de ansiedad nos puede producir el hecho de que la música es algo inestable. Ahora estamos aquí, pero luego podemos caer.
S: Ayer mismamente Rayden anunció que dejaba la música. Second, su gira de despedida, Izal, El Columpio Asesino… Llega un punto en el que no sabemos por qué razón, pero se acaba. Y esperemos que esto tarde mucho en acabarse. También hay un miedo aquí muy grande, al menos por mi parte, que es el del típico artista que saca su décimo disco y las 10 canciones más escuchadas de Spotify son del primer disco. Es como, ¿para qué estoy trabajando? Eso puede pasarnos y me da miedo.
«Nos da miedo llegar al décimo disco y que las 10 canciones más escuchadas de Spotify sean del primero. Es como, ¿para qué estoy trabajando?»
‘¿Quién es Billie Max?’ lo he visto como un disco más cañero, pero también más versátil, y manteniendo la esencia del primero. ‘Lunes negro’, con sus toques electrónicos, o ‘Muchas gracias por venir’ son un claro ejemplo, siendo esta todo un baladón. ¿Buscabais conscientemente una evolución en vuestro sonido o fue casual?
J: Teníamos claro que queríamos meter más sintes, más piano… En ‘Omeprazol’, la parte de viento llegó justamente el día de la grabación, pero sí se nos había pasado por la cabeza.
S: A nivel musical, han pasado dos años desde que sacamos el primer disco y al final una va escuchando más música. La evolución de disco a disco yo creo que todas las bandas lo tienen en mente. Incluso Alejandro Sanz, que acaba de sacar un reggaetón o no sé qué. Hay gente que intenta adaptarse a las modas de ahora y hay gente que intenta mejorar lo que tenía. Nosotras creo que lo hemos mejorado.
¿Cómo es que no hemos tenido ningún tema como ‘Muchas gracias por venir’ antes? Creo que Magüi dijo en la presentación del disco que le tenía miedo a las baladas.
J: Le da miedo, le sigue dando miedo.
S: Nosotras teníamos claro que queríamos una balada, pero nuestro primer disco es todo fiesta y tocar eso en un festival, genial, pero una balada parecía que no tenía cabida. Intentamos hacer baladas, pero no salió ninguna que nos apasionase. Entonces Magüi nos enseñó esta canción y de una.
En este momento, Raquel se cambia por Juls.
¿Cómo surgió la colaboración con Dani Martín?
R: Dani subió una historia diciendo: «Mi nueva banda favorita», y etiquetándonos a nosotras. Empezamos a hablar con él y al principio nos daba una vergüenza que te cagas, pero luego se ha convertido en algo muy natural. Hemos conocido a una persona bastante cercana.
S: Tarde o temprano creíamos que iba a acabar ocurriendo y dijimos: «¿Para qué vamos a esperar? Se lo pedimos ya». Fue un poco así.
R: También creo que le hace ilusión porque le recordamos en cierta parte a su etapa con El Canto del Loco.
«Dani Martín es una persona bastante cercana»
Imagino que para un grupo como Ginebras, El Canto del Loco significa mucho.
R: ¡Para todo el mundo! Es que es un grupo que ahora mismo también lo podría petar fácilmente. Historia de nuestra adolescencia.
¿Cómo afrontáis la gira que arrancáis mañana?
S: Hemos montado un pifostio enorme para esta gira: tenemos mucho más equipo, tenemos una escenografía nueva, hemos invertido en visuales, hemos invertido en vestuario… Estamos trabajando mucho en esta gira.
R: Y ya sabemos lo que pasa cuando te subes a un escenario. Hemos probado el caramelito y queremos otro.
S: No hay mayor droga que un escenario.
Wednesday es una banda americana relativamente nueva: su primer disco salió solo en 2018, pero desde entonces no han parado de sacar material. En 2021 con ‘Twin Plagues’ se abrieron a un público más amplio, pero es este año con su quinto disco ‘Rat Saw God’ el que parece que los impulsará a lo alto de la escena indie rock contemporánea. Hoy nos detenemos en su segundo single, la magnífica ‘Chosen to Deserve’, una canción de amor que se encuentra entre lo más accesible e inmediato que han hecho nunca.
Claramente influidos por el rock de finales de los 90 y principios de los 2000 y teniendo como máxima referencia a Drive-By Truckers, el tema está marcado por guitarras ruidosas y tonalidades country. En él, Karly Hartzman enumera una serie de experiencias traumáticas y caóticas de su pasado para su pareja, ya que llevan un tiempo juntos. Siempre se cuentan las mejores historias primero, pero ya ha llegado el momento de abrirse del todo y mostrarse sin filtros. “Soy la chica que has elegido merecer” entona la cantante en una interpretación vocal apasionada y llena de pequeños y exquisitos matices en su dicción. Hartzman demuestra que, además, es una gran narradora, con un estilo cinemático poderoso.
Es difícil no sentir nada cuando cuenta cómo cuando era adolescente, a un amigo suyo casi le da una sobredosis y en el hospital le dijeron que tenía suerte de haber sobrevivido. O cuando revela que iba solamente tres veces por semana a clase, se emborrachaba constantemente y meaba en la calle. En los últimos versos, deja atrás el pasado y confiesa desde el presente: “Ahora todas las drogas son aburridas para mí / ahora todo es soledad y esta está en todo / Gracias a Dios que fui elegida para merecerte”. Es un cierre conmovedor para una canción de amor atípica y honesta, cuyo pegadizo estribillo y sus espectaculares riffs son imposibles de quitarse de la cabeza.
No es tarea fácil superar una jornada inicial con nombres como Sen Senra, Lori Meyers, Love of Lesbian, Zahara o Carolina Durante, pero SanSan consiguió cerrar ayer su segundo día con éxito. Viva Suecia y Dorian reemplazaron a Lori Meyers y Love of Lesbian como los conciertos más abarrotados. Por otro lado, Phoenix, la apuesta internacional más importante del festival junto a Milky Chance, no caló tanto entre el público como se esperaba. Además, Cupido, Cariño y Xoel López triunfaron en el escenario SeeTickets, el más reducido de los tres.
El primer gran concierto fue el de Guitarricadelafuente, a quien cada vez se le da mejor eso de congelar el tiempo nada más que con su voz y su guitarra, aunque este sea mucho más que una voz y una guitarra. El directo de Guitarrica coge un poco más de fuerza con cada concierto. En este caso, el autotune ocupó un papel fundamental en el set, con momentos que llegaban a recordar a un vocoder salido de Bon Iver, como en ‘Antes de que quieras olvidar’.
El nacido en Benicàssim se iba moviendo desde el borde del escenario, donde siempre conseguía despertar los gritos del público, hasta un gran órgano que se encontraba al fondo de las tablas y que tenía una enorme roca posada sobre él. Temas como ‘El Conticinio’ y ‘La Algarabía’ se tocaron ahí. La mágica recta final se dio con ‘A Mi Manera’, que duró todo un atardecer, ya que comenzó de día y terminó con los ultimísimos rayos de luz, y con la esencial ‘Guantanamera’.
A continuación, se produciría la primera gran división de público del día, entre los fans de la fusión de rap y rock de Rayden y del indie nostálgico de Xoel López, que, por cierto, repite hoy como Deluxe. El de ‘Calle de la Llorería’ ocupaba el escenario SanSan, mientras que al músico gallego le tocaba en el SeeTickets, donde pese al limitado espacio consiguió amasar una gran cantidad de público y temas como ‘Lodo’ y ‘Tigre de Bengala’ fueron celebrados como se merecen.
Javier Bragado
Rayden, vestido con unos tirantes y unos pantalones baggy, presentó el primer concierto de su gira final, tras anunciar su retirada de la música y los directos, en lo que será su último SanSan. “Hacía muchísimo que no estaba tan nervioso”, soltó antes de contar que fue precisamente en su primer SanSan, en 2014, cuando se dio cuenta de que necesitaba una banda para “acreditar” su carrera. Es innegable que Rayden mueve masas, y ayer SanSan fue testigo de ello, pero si no conoces sus canciones y no te llama su estilo es difícil que te convenza, aunque sea uno de sus últimos conciertos.
‘No Hemos Aprendido Nada’ dio comienzo al multitudinario concierto de Viva Suecia. Los murcianos están en el mejor momento de su carrera tras el lanzamiento de ‘El amor de la clase que sea’, que consiguió posicionarles en el Top 40 de ventas en España durante medio año. Esto último se notó en la energía del público, que también fue seguramente el más vasto de toda la jornada. ‘El Bien’, ‘Casi todo’ y ‘La Voz Del Presidente’ fueron algunos de los momentos más destacados en un show que, en líneas generales, no ha sorprendido, pero sí cautivado a sus fans.
Cariño fueron la antesala de lo que recibiríamos casi a las 3 de la mañana con Cupido: un grupo capaz de ofrecer lo mejor de la música en directo, pero sin miedo a mezclar géneros con personalidad. Además, junto a Guitarricadelafuente y los de Pimp Flaco, Cariño fueron uno de los grupos más diferentes y frescos que podíamos encontrar en el día de ayer, teniendo en cuenta que la música de Viva Suecia, Phoenix y Dorian se encuentra prácticamente en el mismo vecindario.
Con un set adornado con dos flores hinchables de colores y un fondo de estampado cielo, Paola, Alicia y María tumbaron el escenario pequeño con temas tan icónicos como ‘Te Brillan’, ‘no me convengo’ o ‘si quieres’. En esta última, y como debe ser, la gente perdió la cabeza. Se despidieron con el remix de ‘tamagotchi’ junto a Lara91k, uno de sus últimos éxitos.
Javier Bragado
Toda esta euforia se desvaneció rápidamente con Phoenix, que, aunque hicieron todo lo posible por ello, no pudieron revivir a un público que estuvo tibio durante la mayor parte del show. Exceptuando los momentos en los que tocaron ‘Lisztomania’ y ‘1901’, por supuesto. Además, el público era bastante reducido, comparado con el de Rayden o Viva Suecia, teniendo en cuenta que eran una de las apuestas fuertes del festival. En su recta final, los franceses consiguieron involucrar más al público con ‘Binoculars’ e incluso el vocalista Thomas Mars se animó a meterse en medio del público, para ser levantado y devuelto al escenario en un baño de masas.
“Dentro de poco vamos a sacar algo muy especial con un artista de este festival y no es solo una canción, así que estad atentos a las redes sociales”, anunció Marc Gili ante los miles de personas que se congregaron para disfrutar de la propuesta de Dorian. Alizzz podría ser el artista al que se refiere Gili, dado que ya trabajaron juntos en ‘Energía rara’, pero no se sabe nada más. Otro artista con el que han trabajado y que también está en el line up es Pimp Flaco. Sin embargo, este no apareció para la actuación de ‘Dual’, que aun así fue uno de los mejores momentos del set.
Ainhoa Laucirica Salir a cantar con Dorian era la única oportunidad de que Cupido recibiese la representación que merece en uno de los grandes escenarios, pero tuvieron que conformarse con el pequeño, y, por tanto, una experiencia más íntima que también les vino bien. Íntima, que no relajada. El escenario SanSan estaba ocupado por La Pegatina cuando Cupido salieron a tocar, por lo que en esta ocasión el público se dividió según el tipo de fiesta que le apeteciese.
Lo mejor que tiene Cupido es su capacidad para meterse al público en el bolsillo, de forma que todos los temas acaben siendo, al menos, bailados por todos. Esto lo consiguen mediante unas elaboradas intros que solo se pueden disfrutar en su directo, que sigue siendo uno de los mejores de la escena pop de nuestro país. Algunos ejemplos de esto son el ya conocido freestyle inicial de ‘Santa’, que no falla en pillar desprevenido al público casual, la introducción con toques de blues de ‘Wallapop’, y la outro de ‘La Pared’ en la que Flaco desvela cómo consigue los materiales para conseguir construir el muro, añadiendo un nuevo capítulo a la historia.
‘La Pared’, ‘Un Cabrón Con Suerte’, ‘Todas Menos Tú’ y ‘Tu Foto’ fueron los highlights de un show que se sintió como una rareza en la segunda jornada de SanSan. Mientras que en el resto de los conciertos se notaba claramente cuáles eran los temas más esperados por la gente, especialmente en Phoenix y hasta un punto en Cariño, en el concierto de Cupido cada tema era celebrado como si fuera el más reproducido en Spotify.
boygenius han entrado en el número 1 de álbumes de Reino Unido con ‘the record‘, su nuevo disco. Las cifras estimadas se sitúan en torno a las 18.869 unidades equivalentes, de las cuales 9.839 corresponden a ventas de vinilo, 5.329 a las del CD, 487 a descargas y 3.214 a puntos de streaming.
La batalla de la semana de la lista de álbumes se la han disputado boygenius y Melanie Martínez. Las cifras totales de ‘PORTALS‘ se sitúan finalmente en torno a las 15.626.
El trío formado por Phoebe Bridgers, Julien Baker y Jucy Dacus empezó vendiendo cerca de 13.600 unidades equivalentes durante el fin de semana, y Melanie unas 8.000. Llegado el miércoles, las cifras de ‘PORTALS’ se situaban en torno a las 13.000 unidades. En las cifras finales, boygenius ha cogido delantera a Melanie por 3.000 unidades equivalentes.
En Estados Unidos, ni boygenius ni probablemente tampoco Martinez correrán la misma suerte, pues el huracán Morgan Wallen continúa acaparando el número 1 de álbumes. Las predicciones de HITS Daily Double sitúan ‘PORTALS’ en el número 2 de Billboard con 121.277 copias, y el disco de boygenius en el número 5 por detrás de Tyler, the Creator y SZA, con 63.000 copias.
Volviendo a la lista británica, hay nuevo número 1 de singles, ‘Miracle’ de Ellie Goulding y Calvin Harris. Es el 4º número 1 en UK para Ellie, y el 11º para Calvin. Curiosamente, ni ‘Outside’ ni ‘I Need Your Love’ llegaron nunca a la primera posición.
Holly Lapsley Fletcher (Låpsley) parecía una promesa que iba a estallar en breve: ‘Station‘ fue un exitazo (y, a la postre, el tema en el que se inspiró Billie Eilish para ‘ocean eyes’), canciones como ‘Hurt Me’ y ‘Operator’ no funcionaron nada mal tampoco, y a principios de 2020 se vino con un álbum conceptual, ‘Through Water‘, después de cuatro años. No sabemos cuánto influiría la pandemia en las cifras, pero el asunto es que las cifras de ese segundo disco fueron bastante menores… y las de este tercero, editado ya en independencia, no auguran nada bueno tampoco.
No se puede decir que ‘Cautionary Tales of Youth’ sea un mal disco… tampoco uno que recordaremos especialmente. La concepción viene de Sudáfrica, donde Låpsley pasó el confinamiento, regresando varias veces después para visitar a las amistades que hizo allí, y a los artistas que conoció, “los mayores nerds de Sudáfrica” en sus palabras, con los que ha querido contar para este proyecto. Así, la cantante aborda géneros como el afrobeat, el amapiano y el gqom, que asegura que siempre le han gustado. Puede parecer un poco aleatorio, pero, teniendo en cuenta que le añadió ese carácter a su nombre artístico porque a través de su herencia escocesa “percibía lazos escandinavos”, quizás sí que es algo genuino para ella, y desde luego se nota el cariño por lo que está haciendo, y el empeño en aprender de otros.
De hecho, es el primer disco de Låpsley en el que, además de a su fiel escudero Joe Brown, encontramos nombres nuevos en producción y composición como Greg Abrahams, Mikhaela Kruger, Mirza, Omri Dahan, o incluso Jessy Lanza (en la composición de ‘Pandora’s Box’), y la colaboración de la cantante sudafricana Msaki en ‘Close to Heaven’. Con todos ellos, Låpsley arma un disco cuya producción, paradójicamente, no es lo que más destaca. Cortes como ‘Pandora’s Box’, ‘Levitate’ o los giros que parecen pequeños cortes de ‘War and Peace’ funcionan mejor, pero, por lo general, la producción se pierde mucho en la línea entre elegante y anodino, mientras que en las letras es donde Låpsley muestra más olfato.
‘Cautionary Tales of Youth’ tiene como centro lo que parece ser el camino entre dos relaciones, y el crecimiento personal de la autora en ese transcurso. A veces de forma más lúdica, como cuando referencia una posible llegada a Sudáfrica (“step off the plane, red dust on white Nike / I don’t take calls from ex anymore / I don’t write scripts, Spike Lee, no film roll” dice en ‘Dial Two Seven’, llamada así por el prefijo de ese país), a veces con el amargor de la ruptura (“you’ve got the sweetest way of lifting me up / but you’ve got the coldest way of bringing me down” canta en ‘War and Peace’, y enseguida responde en ‘Levitate’ “I just want a love that makes me levitate / you say it’s natural to love and hate”). A veces con la melancolía del recuerdo (“if you’d have put all hands in at the time I needed / maybe I would understand you baby, more than I did / maybe we were good together” canta en ‘Pandora’s Box’), a veces hablando de una persona con la que no sabemos si ha vuelto a enamorarse o es la misma de antes (“I free fall down these 32 floors and I land in your arms, that’s trust” dice en ’32 Floors’; “I know you see me through smoke and fire” en ‘Smoke and Fire’).
En cualquier caso, sobresalen en este aspecto también la sensual ‘Nightingale’, que habla de manos curativas y de “escribir con los dedos en tu espalda”, el cierre con ‘Say I’m What You Need’, cuya carta de amor va subiendo los beats, y una ‘Lifeline’ que parece dirigida a ella pero también a los propios oyentes, a quienes pregunta cómo están y les anima a tirar hacia adelante ya que les ve capaces de “poder, de alguna manera, con las nubes que lleváis en la frente en un lunes cualquiera”.
Pero, aunque la manera de mezclar lo cotidiano con metáforas y darle un toque informal sea un acierto de Låpsley, las canciones no terminan de llegar como podrían, quizás porque por la propia intención minimalista a veces se confunden entre sí. Hay temas mejores que otros, y ninguno es realmente malo, pero tampoco esperes encontrar un ‘Hurt Me’.
Novedades para todos los gustos en el top 40 de JENESAISPOP. Esta semana llegan al top 10 tanto Yves Tumor como “Beso” de Rosalía y Rauw Alejandro. Una canción que es número 1 en España y un artista que nunca lo será.
En otros puntos de la lista entran Tyler the Creator, Lorena Álvarez, Aitana, Ginebras y JUNGLE. En cuanto al número 1, lo recupera Lana del Rey con ‘AW’ escogida por nuestro público en Twitter.
La canción elegida es ‘Smoke’. Después de unas horas de exclusiva en Instagram, el vídeo se ha subido a Youtube bajo la dirección de Matt Copson. La propia Caroline ha ejercido de directora creativa y se sumerge aquí entre «humo» propiamente dicho. Los colores de neón mandan en un vídeo que lleva el disco exactamente al lugar que te imaginabas. La estética es la misma que la de los conciertos de presentación del álbum.
‘Smoke’, nuestra «Canción del Día» para este sábado, hablaba de volcanes y la cantante lo explicaba así en Apple Music: «Es sobre la catarsis. La primera frase («solo es humo flotando sobre un volcán») es sobre fingir que algo no es catastrófico cuando por supuesto que sí lo es. Es sobre negarte a ti misma las cosas. Es sobre fingir que la situación o tus sentimientos no son tectónicos, pero por supuesto sí lo son».
También ha dicho en Vulture que es una especie de broma sobre «tener la situación bajo control cuando no la tienes en absoluto». En el disco en general, «los volcanes son una metáfora del subconsciente y de todo lo que nos hemos reprimido durante la pandemia».
Os recordamos que Caroline Polachek es una de las grandes bazas que veremos actuando en el Primavera Sound, y os dejamos también con el podcast que recientemente grabamos sobre la cantante.
Podcast: ¿ha hecho el disco del año Caroline Polachek?
Paul Cattermole, vocalista de la exitosa banda de teen-pop británica S Club 7, ha fallecido a los 46 años, ha confirmado su familia: «Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento inesperado de nuestro querido hijo y hermano Paul Cattermole. Paul fue encontrado ayer, 6 de abril de 2023, en su casa en Dorset y declarado muerto por la tarde».
El texto agrega: «Aunque actualmente se desconoce la causa de la muerte, la Policía de Dorset ha confirmado que no hubo circunstancias sospechosas. La familia de Paul, los amigos y los miembros del S Club solicitan privacidad en este momento».
Por otro lado, S Club 7 ha expresado su pésame en un comunicado: «Estamos verdaderamente devastados por el fallecimiento de nuestro hermano Paul. No hay palabras para describir la profunda tristeza y pérdida que todos sentimos. Tuvimos mucha suerte de haberlo tenido en nuestras vidas y estamos agradecidos por los maravillosos recuerdos que tenemos».
El fallecimiento de Cattermole se produce solo unas semanas después de que S Club 7 anunciara una gira de regreso por su 25 aniversario. Cattermole había confirmado su participación en el proyecto.
S Club 7 se formó en 1998 e, integrado por Tina Barrett, Jon Lee, Bradley McIntosh, Jo O’Meara, Hannah Spearritt, Rachel Stevens y Paul Cattermole, alcanzó la fama a través de la serie ‘Miami 7’. Entre aquel año y 2002, el septeto colocó cuatro singles en el número 1 de las listas británicas, entre ellos ‘Bring It All Back’, ‘Don’t Stop Movin’ y un ‘Never Had a Dream Come True’ que triunfó a su vez en Estados Unidos. El grupo logró también gran éxito en Europa.
Pese al éxito de S Club 7, sus integrantes lo notaron poco en términos económicos. En 2019, en una entrevista con The Guardian, Cattermole confirmó haber vendido su premio BRIT para saldar una deuda, supuestamente por 60.000 libras.
Cattermole abandonó S Club 7 en 2002, y el grupo se separó en 2003. En 2014 se volvió a reunir por solo un año. La anunciada gira arrancaba en octubre en Liverpool y marcaba la tercera reunión de S Club 7. Se desconoce si seguirá adelante.
La época de festivales ha sido inaugurada oficialmente con la primera jornada de SanSan Festival. Así lo recordaron varios artistas, emocionados por lanzarse a la carretera un año más, en un día inicial marcado por el sol, el fresquillo de la noche y los renovados espectáculos de Sen Senra y Zahara, que también regalaron los momentos más emocionantes de la velada gracias a dos nuevas canciones.
A falta de media hora para el final de Miss Caffeina, que inauguraban el escenario principal, corrientes de gente seguían entrando por las puertas del festival. Lo cual significa que muchos se perdieron el momento en el que Alberto, el vocalista, dedicó el reggaetón de ‘El rescate’ a los haters de su último single (‘Para toda la vida’), que alegan que “después del segundo disco se vendieron”. Por cierto, lanzan el EP ‘Shanghai Baby’ el próximo 14 de abril.
Durante la siempre efectiva y contagiosa energía de Cala Vento, los últimos rezagados ya estaban llegando a tiempo a SanSan para el primer gran concierto multitudinario de la noche, el de Sen Senra. Si bien sus canciones siempre han sido mágicas, su directo no lo era tanto. Hasta ahora.
En el pasado, el gallego podía pasarse de minimalista y de anti carismático llegando a resultar incluso aburrido, pero ayer encontró el equilibrio perfecto. Gracias a un setlist que mira hacia el futuro más que al pasado, incluyendo temas como ‘Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer’ o ‘1000CANCIONES’, y a una producción más sólida y cautivadora, Senra demostró que quiere ser “algo mejor” que un cantante.
Senra tampoco dejó de lado temas clásicos de su discografía como ‘No Me Sueltes Más’ o ‘Ya No Te Hago Falta’, con el que terminó el show guitarra en mano y tumbado a la pachorra en un sofá. Además, añadiendo un elemento novedoso a través de unos samples vocales que han conseguido refrescar su conocido catálogo. Por si fuera poco, este también estrenó un tema inédito, el primero de los dos que habría durante el resto de la noche.
Se trataba de otro inclasificable tema con influencias de dance, tecno y jersey club, como ya encontrábamos en ‘Boy’s a Liar Pt. 2’ de PinkPantheress o ‘Just Wanna Rock’ de Lil Uzi Vert. El estribillo va así: “Yo no soy uno de esos gatos, yo nunca lo regalé, pero tan fuerte que conectamos, que será la primera y no la última vez”. Es cierto que temas como ‘Nos Dará Alas’ o ‘La Cura’ no sonaron, pero lo que recibimos fue mejor.
Ya sabemos que Lori Meyers es una apuesta más que sólida en cualquier festival y ayer no fue diferente. Un show cañero, sin parones, lleno de himnos como la siempre revitalizadora ‘Emborracharme’ y adornado con su set de luces característico, emulando una ciudad futurista. Una de las grandes sorpresas de la noche fue el debut en vivo de ‘Un Último Baile’, que incluso fue presentado por Noni como un tema “nuevo”, sacado del LP ‘Espacios Infinitos’ (2021). Una fusión de funk y rock que podría recibir una segunda vida en los directos de los granadinos. Al menos, es lo que se merece.
Javier Bragado
Junto a los granadinos, Love of Lesbian disfrutaron de la mayor concentración de público de la noche, con un mar de gente que abarcaba todo el espacio de los dos escenarios principales. Se trataba del primer concierto de Santi Balmes tras ser operado de una hernia y avisó diciendo que no se iban “a mover mucho”. 50 minutos más tarde, Balmes ya se había quitado la camiseta, pese al frío de la noche, llegando a hacerse un Marilyn Monroe con el aire que salía del humo del escenario durante ‘I.M.T.’.
Esta última se la dedicó a “todas aquellas personas que no han follado desde la pandemia”, y no fue la última dedicación del set. Balmes mencionó a El Columpio Asesino y a Izal, entre otros, antes de tocar ’60 Memorias Perdidas’, en honor “a todos los grupos que nos han abandonado”. Como quien dice “hágase la luz”, Balmes pidió a su público “que salga la magia” en los momentos claves del show: ‘Noches Reversibles’, ‘Belice’, ‘Incendios de Nieve’, ‘Fantástico’… Y los asistentes no defraudaron, coreando todo lo que hiciese falta.
Ainhoa Laucirica
“Si hay alguien que se ofende con el uso de nuestra libertad, por favor, diríjase inmediatamente a la salida más cercana”, se podía leer en la pantalla antes del momento más memorable de la noche con Zahara y su absorbente rave. Compartiendo escenario con Manuel Cabezalí y Martí Perarnau IV, el 50% de _juno, Zahara ofreció el gran espectáculo de la noche, con una puesta en escena, coreografía e iluminación digno de ser llevado a salas.
Sonaron todas las canciones amadas por los fans de la andaluza como ‘berlin U5’, que dio fin a la rave por todo lo alto, o ‘MERICHANE’, pero convertidas en ofrendas a “la diosa del tecno”. Este show ofrece los bajos más potentes que he escuchado en un concierto, la contagiosa energía de Zahara y sus acompañantes sobre el escenario y, sobre todo, una gran experiencia que acaba siendo superior a las propias canciones. Da igual que no hayas escuchado nunca a Zahara, esto merece igual la pena.
Esta rave también es el único lugar donde puedes escuchar ‘ESTO NO ES UNA CANCIÓN POLÍTICA’, estrenada por primera vez el pasado 1 de abril en el Zeid Fest de Bilbao. Esta comienza con una breve historia en la que Zahara se encuentra en un tren y ve a alguien darle like a una foto suya. Lo que sigue es una de las letras más punzantes que ha escrito Zahara nunca. Una pequeña muestra: “Esto no es una canción política, no voy a hablar de drogas ni de religión, ni de libertad de expresión, porque la libertad de ir a los bares es mucho más importante”. Como si de una película se tratara, los créditos aparecieron al final del espectáculo.
Javier Bragado
Y todavía le tocaba el turno a Carolina Durante, cuyo concierto se resentiría tras comenzar a las 2:35 de la mañana, y todavía más después del petardazo de Zahara, que realmente se sintió como el clímax. Aunque una parte importante de la gente hubiese abandonado ya el recinto a estas alturas, la actuación de Carolina Durante se puede considerar un éxito.
La espontaneidad de Diego Ibáñez como vocalista y showman al mismo tiempo es remarcable, bailando totalmente desinhibido, con unos movimientos dignos de Ian Curtis en Joy Division. Por no hablar de sus simpáticos comentarios, como cuando prometió acabar “rápido” por lo avanzada que estaba la noche o cuando afirmó que “a veces me creo que hacemos death metal y hacemos pop”.
‘Joder, No Sé’, ‘Espacío Vacío’, ‘Perdona (Ahora Sí Que Sí)’ y, por supuesto, ‘Cayetano’ fueron los temas mejor recibidos por el público. Sin embargo, dio un poco de pena la gran cantidad de gente que se fue en cuanto cantaron esta última. Aun así, los fans de verdad resistieron hasta casi las 4 de la mañana, cuando finalizaron con ‘Casa Kira’ y ‘Las Canciones de Juanita’. Dos pequeñas joyas para despedir el sólido comienzo de SanSan 2023.
Reencontrarse en directo con los Hidden Cameras y Owen Pallett en 2023 ha sido una experiencia parecida a viajar en el tiempo. Una sensación similar produce escuchar a sus contemporáneos, los New Pornographers. Lo cual no es malo en absoluto.
El supergrupo canadiense liderado por A.C. Newman se dio a conocer a principios de siglo gracias a discos como ‘Mass Romantics’ (2000) o ‘Twin Cinema’ (2005) y ha seguido publicando álbumes sin descanso. Neko Case ha continuado en la formación, no así Dan Bejar aka Destroyer, que se bajó del barco en 2014. Curiosamente, ‘Continue as Guest’ incluye un crédito de Bejar en el corte inicial, ‘Really Really Light’, pero solo porque el tema incluye trozos de otro tema viejo, inédito, que Newman ha decidido recuperar por las circunstancias que ya te imaginas.
‘Continue as a Guest’ es un disco compuesto durante la pandemia, lo que significa que sus integrantes han colaborado de manera virtual. El reto ha sido evidente para los New Pornographers, pues el grupo siempre se ha beneficiado de introducir diferentes perspectivas en sus canciones, aportadas por cada uno de sus integrantes por separado. A.C. Newman es, salvo un par de excepciones, compositor y productor único de ‘Continue as a Guest’, pero se esfuerza para que el disco no suene a proyecto unipersonal o a mero capricho, pues estilísticamente también es variado.
Los New Pornographers siguen fieles a su explosivo sonido power-pop en ‘Continue as a Guest’, que, escuchado hoy, sigue transportando a otra época del indie. Las canciones pueden sonar tan pletóricas como ‘Really Really Light’, un portazo de power-pop que da ganas de correr campo a través; o ‘Wish Automatic Suite’, que cierra el álbum con más melodías alegres. En el medio, ‘Bottle Episodes’ es otra pieza estupenda ajustada al canónico sonido del grupo.
Pero Newman agrega diferentes matices a su universo. El músico ha buscado trabajar con sonidos «abrasivos», menos amables, y el single ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ explora el sonido anguloso de una Cate Le Bon. El saxofonista Zach Djanikian colabora en este tema y también en el siguiente, ‘Cat and Mouse with the Light’, una lección magistral de tensión suspendida aplicada al pop. Sorprendente es ‘Last and Beautiful’, una excursión a la oscuridad («quiero viajar a los oscuros fines de la tierra, pero no quiero ir solo, por favor, ven conmigo») que evoca las mareas shoegaze de My Bloody Valentine, conscientemente o no. Hay hasta ecos dance-punk en otro de los singles, ‘Angelcover’.
El interés por absorber influencias es típico de nuestro tiempo, y ‘Continue as a Guest’ es un disco que reflexiona a su manera sobre la vida moderna. El título es una evidente referencia a la vida virtual, ‘Pontius Pilate’s Home Movies’ habla de «ventanas» digitales y «menciones» y la letra de ‘Firework in the Falling Snow’ la ha escrito Newman por Twitter con la colaboración de Sadie Dupuis, vocalista de Speedy Ortiz. La pandemia ha llevado a Newman a colaborar con artistas ajenos al colectivo por primera vez, mientras Neko Case vive su momento de gloria en ‘Marie and the Undersea’. Sus coros siguen siendo esenciales en todo el tejido el álbum, pero en este tema la protagonista es ella.
Labrinth, conocido por éxitos como ‘Mount Everest’ o por ser el autor de la banda sonora de ‘Euphoria’, también exitosísima, publica nuevo disco este año. ‘End & Begins’ sale a finales de agosto, según Apple Music, e incluirá los sencillos que Timothy Lee McKenzie ha venido presentando últimamente, ‘Iridium’, ‘Kill for Your Love’ y ‘Lift Off’.
A estos tres temas se acaba de sumar un cuarto, ‘Never Felt So Alone’, que llega con sorpresa, pues es una colaboración con Billie Eilish. El tema no aparece con «featuring» en Spotify, pero tanto Billie como FINNEAS figuran en los créditos y, vocalmente, Billie tiene suficiente protagonismo como para que ‘Never Felt So Alone’ se pueda considerar un dueto. Además, Labrinth y Billie posan juntos en las fotos promocionales.
El sonido de ‘Never Felt So Alone’ encaja perfectamente en el repertorio de Billie. La autora de ‘Happier than Ever‘ ha sido sorprendentemente una gran recuperadora de la música de los años 40 y 50, especialmente del jazz vocal, y ‘Never Felt So Alone’ trae evidentes ecos doo-wop en melodías y arreglos. La producción electrónica, repleta de efectos especiales, lleva esta influencia a nuestro tiempo, e incluso la proyecta ligeramente hacia el futuro.
La química entre Labrinth y Billie se hace notar en ‘Never Felt So Alone’ aunque la letra diga lo contrario. El título de la canción ya anticipa que esta pareja no nos está hablando de un amor ideal. «Creí que eras mi mejor amigo, ojalá lo hubiera sabido antes», canta Billie, devastada porque todo su mundo «se ha desmoronado».
Labrinth está especialmente orgulloso de ‘Never Felt So Alone’ y asegura que «es una de mis producciones favoritas de todas las que he hecho». En redes da las gracias también a Billie por «ser una de las creativas más innovadoras y talentosas que hay ahora mismo».
El inicio de Semana Santa llega cargado de novedades, entre ellas el esperado nuevo disco de Ellie Goulding, el «menos» personal de su carrera en sus propias palabras. Además, yaeji lanza al fin su debut largo, Thomas Bangalter, ex Daft Punk, publica su disco de música clásica, y Daughter vuelven con su primer trabajo largo en unos cuantos años. También es posible escuchar desde ya nuevos discos de la banda de rock revelación Wednesday, Daniel Caesar o Mudhoney.
Entre los temas sueltos que se ponen hoy en circulación hay que comentar varias un par de sorpresas. En primer lugar, el nuevo single Labrinth incluye colaboración con Billie Eilish. En segundo, Drake lanza tema sorpresa aunque parece precipitado, pues suena en fase de maqueta.
En los últimos días ha llegado un nuevo single de Kylie Minogue, en colaboración con Oliver Heldens, e irresistible es también el tema new wave de Little Dragon. Además, hay nueva música de Jonas Brothers (en su etapa más Christopher Cross), NewJeans, Peter Gabriel, Poppy, Nacho Vegas, Mura Masa, KAYTRAMINÉ (Kaytranada + Aminé, producidos por Pharrell), Poppy, Indigo de Souza, Beach Fossils, Nil Moliner…
En mayo de 2022, durante la presentación en el festival de Cannes de ‘Crímenes del futuro’, Kristen Stewart habló sobre el que será su debut como directora de cine: ‘La cronología del agua’, adaptación de las memorias de la autora de culto misfit Lidia Yuknavitch (Cicely Editorial, 2019). «Si no hago esta película antes de fin de año, moriré», comentó la actriz. Diez meses después, la película sigue en preproducción.
Pero Kristen no ha muerto. Sus amigas de boygenius han llegado para salvarla. ‘The Film’ es el tercer vídeo musical que dirige Stewart tras ‘Take Me to the South’ (Sage + The Saints) y ‘Down Side of Me’ (Chvrches). Aunque en realidad es como si fueran tres, ya que está compuesto por tres piezas, una para cada single extraído de ‘The Record’, nuestro Disco de la Semana: ‘$20’, ‘Emily I’m Sorry’ y ‘True Blue’.
‘The Film’ comienza con un detalle retro, con una cuenta atrás como las de los rollos de película antiguos. A partir de ahí, Kristen articula las tres piezas utilizando el número tres como elemento narrativo, formal y simbólico: tres canciones, tres artistas y tres historias enlazadas a través de la pantalla dividida en tres. Tres relatos, cada uno protagonizado por una cantante diferente, con un nexo en común: al final de cada uno aparecen las otras dos cantantes para ayudar, para apoyar, para acompañar a las otras, como si estuvieran cumpliendo el juramento de sangre que aparece en el primer vídeo.
Otro elemento formal que une los tres videoclips es el juego de texturas entre el vídeo en alta y baja definición. Una combinación que en el primer segmento tiene una función más narrativa, como forma de representar unos recuerdos (soñados) de la infancia, y en el resto parece más puramente estético.
‘The Film’ se cierra uniendo nuevamente a las tres cantantes. La directora utiliza una elegante solución expresiva. Divide otra vez la pantalla en tres pero esta vez presenta una única escena, las tres amigas abrazadas. La eliminación final de la división funciona como metáfora de la unión fraternal entre las tres cantantes.
Diddy, Puff Daddy, había asegurado que paga a Sting 5.000 dólares cada día por el uso de un sample no autorizado de ‘Every Breath You Take’ en su éxito de 1997 ‘I’ll Be Missing You’. Su declaración había corrido como la pólvora por los medios y el artista se ha obligado a confirmar que se trataba de una «broma». «Sting nunca me ha cobrado ni 3.000 ni 5.000 dólares por ‘I’ll Be Missing You’. Él probablemente gana más de 5.000 dólares cada día por haber escrito una de las canciones más exitosas de la historia».
I want y’all to understand I was joking! It’s called being Facetious! Me and @OfficialSting have been friends for a long time! He never charged me $3K or $5K a day for Missing You. He probably makes more than $5K a day from one of the biggest songs in history.
La historia de Diddy y Sting surgió cuando la cuenta de Twitter Black Millionaires compartió el vídeo de una entrevista de Sting en la que el cantante británico cuenta que Diddy le paga «2.000 dólares» al día por el uso del sample. El que fuera vocalista de The Police cuenta que Diddy solo le pidió permiso para usar ‘Every Breath You Take’ en ‘I’ll Be Missing You’ una vez su canción ya se había estrenado, y que el rapero le está ingresando esa suma de dinero de manera vitalicia. Combs ha compartido el vídeo de la entrevista para aclarar que en realidad no paga a Sting 2.000 dólares sino 5.000. No obstante, en la entrevista, Sting añade que él y Diddy son colegas. Ahora, Diddy manda a Sting su «cariño» por redes.
‘I’ll Be Missing You’ fue enormemente exitosa en el momento de su lanzamiento, en 1997. Dedicada a Notorious B.I.G., la canción fue número 1 en 15 países y es una de las más exitosas de la historia. Faith Evans, viuda de Notorious B.I.G., canta el estribillo de ‘I’ll Be Missing You’, que está directamente saqueado del de ‘Every Breath You Take’.
Depeche Mode continúan con la promoción de ‘Memento Mori‘, su nuevo disco, que se ha quedado a las puertas de entrar en el número 1 de álbumes en España, y estos días se han pasado por el estudio de la BBC para cantar unas canciones acompañados por una orquesta.
En los estudios de Radio 2 radicados en Londres, Dave Gahan y Martin Gore han cantado el estupendo single ‘Ghosts Again’, han recuperado el clásico ‘Walking in My Shoes’ y han versionado una canción ajena. ‘Sundown’ de Gordon Lightfoot ha sido la elegida.
Gordon Lightfoot es un conocido cantautor de folk y country canadiense y, aunque en España no nos suene tanto, ‘Sundown’ es su canción más popular. Publicada en 1974, ‘Sundown’ de hecho llegó al número 1 del Billboard y ha sido versionada por Scott Walker, adaptada al francés por Nana Mouskouri y, ahora, recuperada por Depeche Mode, que le infieren ese aire decadente propio de ellos.
Especial mención merece la interpretación vocal de Gahan, tan elegante, aunque su faceta «crooner» ya la conocemos. No hace mucho, en enero del año pasado, publicó un nuevo disco grabado en solitario, ‘Imposter‘, precisamente compuesto por versiones.
En cuanto a los conciertos con orquesta de BBC Radio 2, por ellos hemos visto pasar últimamente a Jessie Ware versionando ‘Believe’ de Cher, a Bono y The Edge versionando ‘SOS’ de Abba, o a Suede versionando ‘Because the Night’ de Patti Smith.
Agustín Gómez Cascales es conocido por ser redactor jefe de Shangay, una de las revistas LGTBIQ+ más leídas del país. Cascales DJ es el alias que el periodista alicantino toma a los platos con el fin de reivindicar la mejor música negra de ayer y hoy. En la fiesta Bling! suena R&B, funk, hip-hop o disco y una oportunidad de comprobarlo llega este sábado 8 de abril en La 1 de Razzmatazz (aquí, entradas). La sesión de Cascales supone el momento perfecto para preguntarle por su música favorita.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
La primera que me viene a la cabeza, ‘When Doves Cry’, de Prince.
¿Y disco favorito?
El primero que me viene a la cabeza, ‘The Velvet Rope’, de Janet Jackson.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Fly Girl’, de FLO con Missy Elliott.
¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
‘Red Moon in Venus‘, de Kali Uchis.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
El impacto de ‘Billie Jean’ de Michael Jackson me metió el groove en el cuerpo para siempre. Desde entonces, una buena línea de bajo me gana en cualquier momento. Y con el tiempo me di cuenta de que también me vino a decir que tu alma de negra siempre puede salir a la luz aunque tu piel sea blanca.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Me cuesta odiar una canción, porque cualquiera puede tener su momento (y más con dos cervezas en el cuerpo). Pero últimamente sí hay una que me saca de mis casillas cuando la escucho (involuntariamente siempre): ‘Pepas’, de Farruko.
¿Cuál de las divas a las que has entrevistado, como Mariah Carey o Lana Del Rey, es tu favorita?
La pregunta del millón, y muy complicada. Como experiencia 360, mis entrevistas con Mariah Carey (2 hasta el momento) siguen siendo insuperables. Porque es una señora que logra envolver de surrealismo y mucho humor el mero hecho de entrevistarla –y su ironía es impagable–. El nervio de enfrentarte a Beyoncé puede que no lo haya vuelto a sentir, porque aquella vez la sensación era similar a la de ir a entrevistar a un jefe de estado. Podría seguir con muchas más…
¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
El que más, el de Kate Bush en Londres en 2014. Otro inolvidable, uno conjunto de Mary J. Blige y Maxwell, también en Londres, en 2016.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Sigo comprando, sí, soy de esos a los que los discos le siguen ganando espacio en casa. El último, que está por llegar, en vinilo: ‘Nymph_o’, de Shygirl.
¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Es el término más inncesario del mundo, jamás consideraré una canción un guilty pleasure. Es un término que enseguida erradiqué de mi mente, como el de la culpa católica, con el que está tan relacionado.
¿Qué opinas del revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
El revival del vinilo es una fantasía. El disfrute de escuchar un disco en vinilo en casa es incomparable, por mucha que sea la comodidad de escuchar música en plataformas durante todo el día de aquí para allá. El revival del cassette es otra cosa, mucho más prescindible. Hasta yo retiré la pletina de casa años ha. Y aunque tengo un walkman que aún funciona, cuando caí en la tentación de comprarme ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa en cassette, e incluso ponerlo, me di cuenta de que el gasto había sido innecesario. Porque suenan igual de mal que cuando eran relevantes, y estéticamente no aportan.
¿Qué disco marcó tu adolescencia?
Seguía siendo adolescente en espíritu –como ahora– cuando ‘Erotica’ de Madonna me hizo ver que podía vivir mi sexualidad con la misma intensidad que una artista femenina blanca cis, y que me podían poner cachondo –también musicalmente– las mismas cosas que a ella. Ahí comencé a sentir la innecesariedad del binarismo en el género, como antes me había hecho intuir ‘Lovesexy’ de Prince.
¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Ahora mismo la que más disfruto, por la calidad de sonido, es Tidal, aunque Spotify y Apple son las que más utilizo en el tiempo libre. Mientras curro, escucho mucha más música en YouTube. Y sí, me pongo discos enteros y, cuando puedo, disfruto con los visualizers, que hacen la experiencia más entretenida.
Tu fiesta Bling! apuesta por la música negra. ¿Qué clásico del R&B, disco, funk o hip-hop es tu favorito?
Si me pongo a pensarlo para dar la respuesta exacta, me atasco, así que no lo haré, y pongo el primer clásico que me ha venido a la cabeza: ‘Get Ur Freak On’, de Missy Elliott. Lo tiene todo: una producción a prueba de modas, una artista de las que se come el mundo cuando canta, un toque exótico, una base ante la que resulta imposible permanecer quieto, un arranque de los que hace chillar al público de inmediato cuando la pinchas… Respect.
¿Y qué artista/canción de hip-hop, R&B, disco, funk… actual recomiendas?
Canción, ‘Boy’s a Liar, pt. 2’, de PinkPantheress y Ice Spice. Artistas, Q y L’haine.
¿Momento exacto de una canción que te dé la vida?
El puente inmediatamente antes del subidón de un segundo -o tercer- estribillo. Esa excitación ante lo que se viene es top. Y si encima el puente es bueno, no hace falta más.
¿Tienes videoclip favorito o uno que te guste mucho?
Cualquiera de La Zowi me da la vida.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Para mí, dispararte por igual a la cabeza, a la cadera y a los genitales.
Un remix que te haya vuelto loco.
Gracias a la Super Bowl recuperé el Klean Remix de ‘Rude Boy’ de Rihanna, y, sí, me sigue teniendo obsesionado.
Jisoo, la única integrante de BLACKPINK que quedaba por sacar música en solitario, se ha lanzado a la piscina y ha publicado dos temas nuevos. ‘FLOWER’ y ‘All Eyes on Me’ se presentan agrupados en un EP llamado ‘ME’ y el primero está siendo un éxito en el Top 50 global de Spotify, donde se mantiene en el 15º puesto de lo más escuchado en el mundo.
A falta de comprobar si Jisoo logra con ‘FLOWER’ acercarse a los brutales números conseguidos por sus compañeras con sus singles en solitario (‘MONEY’ de Lisa, ‘SOLO’ de Jennie y ‘On the Ground’ de Rosée acumulan entre los tres cientos y cientos y cientos de millones de streamings), el tema hace correcto uso de un sonido que ya no es tan habitual en las listas de éxitos. Hay algo en el «clipping beat» de ‘FLOWER’, en su melodía silbada, en su aura R&B, que recuerda a la obra de Julia Michaels y por tanto de Selena Gomez, pero la pegadiza melodía vocal consigue que el tema resista comparaciones.
En el mismo año en que Miley se ha dado «flores» a sí misma porque no necesita que un novio le suba el autoestima, Jisoo nos cuenta que ella es una «flor», una flor tan delicada que a su interés romántico se le ha escapado de las manos por no regarla lo suficiente.
Algo parecido cuenta ‘All Eyes on Me’. En este caso en forma de reclamo, de orden: «fija los ojos en mí, hazme sentir viva, no me digas palabras sin sentido, enfócate en mí para que pueda descubrir tus misteriosos sentimientos».
‘All Eyes on Me’ convence menos que ‘FLOWER’ musicalmente. El tiempo es una construcción social, las modas vienen y van, pero la recuperación que hace ‘All Eyes on Me’ también del dance-pop circa 2017 -el estribillo-drop con voces cortapegadas remite a esa época- no es la más inspirada que se haya escuchado.
A Chlöe x Halle les tocó la mano de Dios, en concreto, la de Beyoncé, cuando hace unos años esta les amadrinó y les fichó en su discográfica. Desde entonces las cosas les han ido muy bien: su segundo disco ‘Ungodly Hour‘ recibió críticas espectaculares y varias nominaciones a los premios Grammy, y Halle va a salir este año en dos películas muy esperadas, ‘La Sirenita’ y ‘El color púrpura’. Chlöe continúa con su carrera musical, aunque con resultados desiguales.
Ni ‘Treat Me‘ ni ‘Have Mercy’, esto es, los dos mayores éxitos de Chlöe en solitario, aparecen en su álbum debut, ‘In Pieces’. Por un lado, se agradece que Bailey haya cuidado el conjunto y no haya querido entregar un «totum revolutum» como lo suelen ser tantos discos de pop y/o R&B. Por otro, es alarmante la ausencia de canciones destacables en ‘In Pieces’, y lamentamos comunicar que los números que está produciendo en Spotify no son nada buenos ni prometedores.
Compuesto principalmente durante la pandemia, mientras su hermana Halle rodaba películas, ‘In Pieces’ es un producto de R&B comercial bien atado y producido, pero también genérico. Es digno el single ‘Pray it Away’, un slow jam con influencias del góspel en el que Chlöe reza a Dios para no vengarse de su ex. También es correcto el single con Chris Brown, el artista no-cancelado por excelencia. ‘How Does It Feel’, de hecho, es el mayor éxito del disco, por encima del uptempo ‘Body Do’, que sobresale en el conjunto por sus influencias del freestyle de los ochenta.
Es curioso que ‘In Pieces’ se abre con una breve introducción en la que suenan trompetas cabareteras. Parece emerger en el escenario la próxima estrella del vodevil. No parece casualidad que Chlöe vista un corsé en la bonita portada del disco, muy parecida a la de Weyes Blood del año pasado. Sin embargo, las canciones de ‘In Pieces’ suenan encorsetadas en el mal sentido. Como prefabricadas. Tanto cuando prueban el afrobeat en ‘I Don’t Mind’ como cuando se entregan al R&B clásico de ‘Worried’, no logran su máximo potencial. ‘Cheatback’, la canción acústica, contiene una bonita melodía, pero irónicamente suena muy poco genuina y sincera, y Future ha aportado versos mejores.
Chlöe es una gran vocalista, pero parece que Beyoncé poco ha interferido en un repertorio que parece engordado con bonus tracks. Solo así se entiende que una canción tan endeble como ‘Looze You’ haya pasado el filtro. En ‘Told Ya’, Chlöe y Missy Elliott insisten en que son lo más de lo más, pero la canción no transmite esa misma fortaleza. Peor aún es que las composiciones que parecen interesantes, como ‘Heart On My Sleeves’, son interludios. Así, ‘In Pieces’ termina sabiendo a demasiado poco.
Un cargamento de cocaína se precipita desde el helicóptero de un narcotraficante en un bosque de Georgia, Estados Unidos en los años 80. Un enorme oso negro ingiere accidentalmente la droga causando un auténtico caos en las vidas de diferentes personajes, incluidos guardabosques, delincuentes y niños.
La sinopsis de la nueva película de Elizabeth Banks es un absoluto disparate, pero lo más chocante de todo es que está basada en un hecho real. Como no podría ser de otra manera para contar algo así, el tono elegido es el de la comedia gamberra, y la autoconsciencia es, sin duda, su mejor baza. ‘Oso vicioso’ no se esfuerza particularmente por ser una buena película, pero sí lo hace por no ser una horrible. Y lo consigue la mayor parte del tiempo: el registro que emplea Banks con el guion de Jimmy Warden es tan ridículo como frecuentemente divertido. La cinta no presenta un protagonista claro, sino que va alternando personajes y situaciones a cada cual más delirante, donde destacan la eterna secundaria y brillante Margo Martindale como la incompetente guardabosques y el niño Christian Convery, que recita sus líneas con gran desparpajo. Ray Liotta, a quien está dedicada la película, ofrece uno de sus últimos papeles.
El principal problema de ‘Oso vicioso’ y lo que impide que sea algo más que una inofensiva tontería, es que no va más allá de su alucinante premisa. De esta forma, y pese a que mantiene el tipo dignamente con su humor bobalicón y un uso del gore excesivo durante un buen rato, la película se va desinflando por momentos, especialmente con un tercer acto demasiado flojo. En sus últimos minutos, opta por lo fácil, convirtiéndose en una reivindicación de los valores familiares que contrasta de manera frustrante con la osadía y poca vergüenza -en el buen sentido- que había mostrado anteriormente.
Pese a todo, es justo reconocer que el ‘Oso vicioso’ de Elizabeth Banks ofrece todo lo que promete: entretenimiento, risas y muertes disparatadas, aunque a veces se sienta que es una broma algo estirada. Las incongruencias del guion y su redundancia se pasan por alto porque es lo suficientemente consecuente de nunca tomarse en serio a sí misma. Es una celebración del cine comercial y de género que no logra llegar a nada particularmente interesante, pero que ciertamente resulta simpática. Tomando al animal titular como analogía, la película va dando tumbos como un oso hasta arriba de cocaína, siempre al borde de la sobredosis, pero manteniendo la dignidad dadas las circunstancias.
Little Dragon, grupo al que conocimos por éxitos como ‘Twice’ o ‘Ritual Union’, por sus colaboraciones con SBTRKT (‘Wildfire’), Gorillaz (‘Empire Ants’) o últimamente Kali Uchis (‘Are You Feeling Sad?’), o por discos como ‘Machine Dreams’, ‘Season High‘ o el nominado a los Grammy ‘Nabuma Rubberband’, está presentando nueva música estos días.
El cuarteto sueco se ha aliado recientemente con el rapero JID, autor de uno de los mejores discos de 2022, en ‘Stay’, y le ha seguido dando al R&B en ‘Frisco’. Su nueva canción, ‘Slugs of Love’, ha salido esta noche, y es la más bailable de todas. Es la Canción Del Día para hoy jueves.
‘Slugs of Love’ es todo lo absurda que esperas sea una canción llamada «las babosas del amor». Con ella, Little Dragon nos llevan a las discotecas alternativas de los 70 y 80, en concreto, a la época de la new wave, en un grabación que trae a la mente el trabajo de DEVO, la banda japonesa Plastics o sobre todo los B-52’s del primer y el segundo disco.
¿Qué tiene de absurda ‘Slugs of Love’, entonces? Quizás hay algo de eso en los gritos de Yukimi Nagano, así como en ese arreglo de saxofón desafinado, medio free jazz, que emerge de vez en cuando en la grabación, sumándose al delirio de teclados, ritmos y bajos. En su sonido retro traído a nuestro tiempo, ‘Slugs of Love’ es una divertida y desenfadada canción que tampoco habría desentonado en un anuncio de Apple de 2007.
Por otro lado, resulta que eso de las «babosas del amor» tiene más sentido de lo que parece. Little Dragon cuenta que la letra se inspira en un baile «sensual y acrobático» que hacen las babosas que «comparten el mismo sistema reproductivo», lo cual les lleva a hablar de la sensualidad entre humanos: «quizás todos nosotros anhelamos sentir amor y éxtasis, e intentando transmitir este impulso, nos hacemos más babosos y viscosos».
Renovamos Sesión de Control, la playlist dedicada al pop en castellano o realizado en nuestro país. Aprovechando el letargo de Semana Santa y el descenso de novedades, dedicamos la primera parte de la playlist a presentar a los 12 artistas noveles que van a actuar la semana que viene en el festival para artistas emergentes RELEVO.
Ahí encontraréis a artistas más enfocados al punk como Sarikaya Komzin, a otros de folk como Amaia Miranda, a propuestas indie pop como Dalsi y otras más siglo XXI como Euskoprincess. Beatriz Weapons pone el punto electrónico y Pinpilinpussies, el rockero. Destacamos el bedroom pop mezclado con rumbita tropical del dúo hispano-venezolano tomásss, por ejemplo en ‘me pongo un poco sad’.
Otras novedades al margen de este festival implican el nuevo adelanto del disco de CARLANGAS, ex Novedades Carminha, y también otro single más para lo nuevo de Cala Vento. Hay un tema de Pimp Flaco que podría haber firmado con Cupido pero no; están la electrónica experimental de GAZZI, el nuevo pildorazo de Apartamentos Acapulco, o la desestructurada canción que no esperabas de Anaju.
Completamos esta edición especial de Sesión deControl con el EP de Marc Seguí, la colabo de Cariño con Girl Ultra; un tema de Diamante Negro y los 6 minutazos crepusculares de Gazella. ‘Por qué el ser’ es uno de los 2 temas que de momento ha compartido el grupo.
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