Delaporte sube al puesto 1 de lo más votado en JENESAISPOP con ‘Las montañas’, el tema que da título a su último disco, solo que ahora revisitado junto a Amaral. Es el primer top 1 para Delaporte en nuestro top 40 y el segundo para Amaral tras ‘Cuando suba la marea’ (2012). ‘Cara de idiota’ de Axolotes Mexicanos llega al número 6, mientras en la mitad baja de la tabla encontramos temas de Bad Gyal, Los Pilotos, Sleaford Mods, Nick Jonas y Japanese Breakfast. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Love of Lesbian han actuado la tarde de este sábado en el Palau Sant Jordi de Barcelona para presentar su nuevo disco, ‘Viaje épico a la nada’, que sale el 16 de abril.
El primer concierto masivo que ve la ciudad catalana desde el inicio de la pandemia ha sido aprobado por la Generalitat y el Ayuntamiento de Barcelona y llevado a cabo con la colaboración del Hospital Germans Trias i Pujol y la Fundació Lluita contra el Sida. La idea del concierto ha sido reunir a a 5.000 personas sin distancia de seguridad, pero con mascarillas y habiéndose realizado previamente un test de antígenos.
6 personas han dado positivo de las 5.000 reclamadas inicialmente en el concierto de Love of Lesbian, según informa Europa Press y se hacen eco medios como The Huffington Post. A estas personas se les ha denegado el acceso al recinto. A las que sí han podido acceder se les ha facilitado una mascarilla FFP2 y gel hidroalcohólico tras dejarse tomar la temperatura, mientras los accesos a bar y lavabos se han dividido por grupos.
Como el concierto que Raphael ofreció hace unos meses en el WiZink Center de Madrid, también frente a 5.000 personas, el de Love of Lesbian ha ofrecido una pista de cómo puede ser el futuro de los conciertos, al menos en un futuro cercano y mientras se suministran todas las vacunas. Como aquel o el concierto de El Drogas, el evento de Love of Lesbian ha recibido críticas por cierta parte del público por lo que supuestamente supone reunir a miles de personas en un recinto cerrado a día de hoy, a pesar de la probada seguridad del evento.
El concierto de Love of Lesbian, que ha recibido atención de la prensa europea, se ha compuesto de temas de su nuevo disco y de otros de sus éxitos, entre ellos un ‘Allí donde solíamos gritar’ que ha adquirido un significado nuevo después de la pandemia. El show ha arrancado -también significativamente- con ‘Nadie en las calles’ y ha seguido con ‘Bajo el volcán’, ‘Si salimos de esta’ o ‘Contraespionaje’ hasta llegar a ‘Club de fans de John Boy’ o ‘1999’. Tijoux y Suu han ejercido de artistas invitadas.
En Twitter, Love of Lesbian han comunicado que «han hecho historia» y que el concierto representa «un pequeño paso para Love of Lesbian, pero uno grande para la cultura».
En la vida de los cantautores, una ruptura, la pérdida de un ser querido, o un trauma suelen llevar a la obra más relevante del artista. Una en la que expone sus debilidades sin pudor, casi a modo de exorcismo. En el caso de Tronco, no necesitamos conocer sus intimidades para verlos constantemente expuestos, y por extensión, comulgamos con ellos todo el rato sin necesidad de esperar ninguna obra cumbre.
Escuchar ‘Nainonai’, el tercer disco del dúo que su sello Elefant publica esta semana, es saber todo sobre su autora principal, Conxita Herrero Delfa, y su hermano Fermí, porque así lo enseñan, completamente al desnudo, por mucho que no revelen detalles innecesarios de su vida personal. Puede aparecer un nombre propio, pero solo para que esa historia cotidiana sea todavía más universal. Da igual Marina que Valencia, da igual cuál sea el estado de ánimo o civil actual de Conxita y Fermí: sus canciones siempre saben llevarte al día en que te sentiste como describen sus letras. A un día que fue importante, aunque fuera por una nimiedad.
‘Volveré’ retrata a una persona que tropieza una y otra vez en la misma piedra, en ‘Menos contigo’ habla una persona tímida, insegura, enamorada hasta las trancas. ‘Soy una roca’, adaptación de Simon & Garfunkel, es el reflejo de una persona que se quiere convencer de no sentir nada (pero todos sabemos que no podrá). ‘Famosa’ es el de una persona que quiere ser rica pero no perseguida por los fotógrafos. ‘Piropos’ solo puede haber sido escrita por alguien de gran imaginación y gusto por el detalle. Y así sucesivamente. Entre el romanticismo extremo y la observación aguda, todo es tan Vainica Doble (de ‘Lo eres todo’ a ‘La funcionaria’), que la última canción la han llamado ‘Con las manos en la masa’ sin ser una versión del televisivo tema que entonó también Joaquín Sabina.
Musicalmente continuista respecto al espléndido ‘Abducida por formar una pareja’ y ‘Tralará‘, también muy grande sobre todo en su tramo central; ‘Nainonai’ basa su encanto en el de sus historias. Con ayuda de un espectacular libreto en la edición vinilo de 12″, ilustrado por Conxita y Lucas Naranjo, inspirándose en ‘Sapo y sepo’ y ‘El principito’, e incluyendo letras y hasta acordes, cada canción conectará con una parte de tu cerebro o con un tipo de persona. ‘Un documento’ es un canto a una foto perdida en una cámara ajena que hará suspirar a los más nostálgicos. ‘Rumba veraniega para tiempos oscuros’ es lo que no sucedió y lo que sí en un día de playa en que se puso a llover: parece una escena de Éric Rohmer. ‘Qué gusto verte’ es la prueba de que se pueden hacer canciones sobre la felicidad, que no es necesario sufrir un gran drama para componer.
Todas estas canciones junto al repertorio anterior explican por qué las personas que seguimos a Tronco, lo hacemos con una devoción desproporcionada. Nos cruzamos con Conxita y con Fermí y casi nos da vergüenza mirarles a la cara porque es de nosotros, hasta en los pequeños detalles, de lo que nos han hablado sus canciones. Les entendemos tan a la perfección que es como mirarnos a nosotros mismos en un espejo demasiado rato.
El escritor y dibujante Edward Carey trabajó en su juventud como vigilante en el museo de cera de Madame Tussauds en Londres. Allí fue donde se interesó por la historia de su fundadora. Marie Tussaud, de soltera Grosholtz, fue una huérfana que aprendió a modelar la cera con un cirujano en Berna, trabajó como criada en París, vivió en el palacio de Versalles como profesora de arte de Isabel de Francia, la hermana de Luis XVI (o eso contó en sus poco fiables memorias), realizó moldes de cabezas guillotinadas durante la Revolución, fue arrestada durante el Terror jacobino, emigró a Inglaterra como artista itinerante, y fundó en Londres, en Baker Street, la calle donde “vivió” Sherlock Holmes, el museo de cera más famoso del mundo.
‘Little’ (Blackie Books) es una estupenda biografía novelada e ilustrada de Madame Tussauds. Carey narra la vida de la célebre y diminuta artista -de ahí el título- desde su nacimiento en Alsacia en 1761 hasta su marcha a Inglaterra en 1802 con un baúl lleno de cabezas famosas. Medio siglo contado por ella misma, en primera persona (un punto de vista que ayuda al autor a permitirse más de una licencia poética), que se lee como una mezcla entre novelón decimonónico dickensiano, drama histórico y macabro cuento de hadas a lo Tim Burton. Hay huérfanas, princesas, madrastras malvadas, personalidades históricas, conflictos de clase, y mucha sangre y cabezas cortadas.
Madame Tussauds es como una cenicienta de la Revolución, una superviviente del Antiguo Régimen –pobre, fea, pequeñaja, huérfana, inmigrante, malcasada- que entra en la edad contemporánea convertida en una empresaria de éxito, en una mujer independiente cuando casi ninguna lo era. Una heroína de cuento a quien Carey da voz con una gran eficacia narrativa. A lo largo de las más de quinientas páginas podemos observar cómo evoluciona su escritura y sus pensamientos, cómo la voz de una niña y su visión del mundo se van transformando en la de una joven enamorada y luego en la de una madre rebelde y abnegada.
El autor relaciona la revolución exterior -recreada de manera muy vívida, vista principalmente como la debieron ver muchos franceses en la época, desde la ventana, atemorizados dentro de sus casas- con la “revolución” interior de la propia artista, con su politización, con su toma de conciencia de clase y de género. Madame Tussauds como pionera de un feminismo temprano modelado al ritmo que impone la pura supervivencia. 8.
Tune-Yards han publicado este viernes su nuevo disco. En ‘sketchy.‘, el dúo formado por Merrill Garbus y Nate Brenner recupera la vitalidad y el color de sus mejores discos sin renunciar al componente pop de sus mejores canciones, como ‘Water Fountain’, ni mucho menos olvidarse de su interesante discurso político en el que abordan temas como el racismo o la desigualdad de clase.
‘sketchy.’ ha sido presentado con los singles ‘nowhere, man’, ‘hold yourself’ e ‘hypnotized’: para el último, el grupo ha ideado una actuación en la tele que su equipo en España ha comparado con los muñequitos de José Luis Moreno; y de manera inexplicable ‘make it right’ sigue siendo un «album track» y no ha sido potenciado como single a pesar de que es el tema más instantáneo de todo el largo. Una locura de art-pop que alterna sintetizadores y ritmos de math-rock atropellados con vientos metales, palmas y voces copia-pegadas en estilo «collage» para armar una composición totalmente eufórica y arrebatadora. ‘make it right’ es la mejor canción de Tune-Yards en muchos años.
El nuevo disco de Tune-Yards no solo explora diversos sonidos, sino también diferentes perspectivas relacionadas con la autorresponsabilidad. La culpa blanca preocupa a Merrill desde hace tiempo, y era el tema principal de su anterior disco. En las entrevistas, la cantante de Tune-Yards imagina una sociedad en la que los debates sobre racismo son enriquecedores para las dos partes, no discusiones en la que dos personas terminan a la defensiva, y la protagonista de ‘make it right’ está dispuesta a dejarse deconstruir, a equivocarse. El diálogo de ‘make it right’ representa de hecho el estribillo de la canción: «ella me preguntó: ¿estoy dispuesta a pagar? No quiere castigarme sino que me cure de este dolor», a lo que contesté: «adelante, hazme una persona humana».
Smerz están más cerca de conocer a Pedro Sánchez que tú y yo, ya que una de sus dos integrantes, Catharina Stoltenberg, es hija de Jens Stoltenberg, presidente de la OTAN y antiguo Primer Ministro de Noruega. Catharina y Henriette Motzfeldt se conocieron en el instituto y decidieron irse juntas a estudiar a Copenhague antes de tomar la decisión de dedicarse a la música a tiempo completo ante la mirada de circunstancia de sus amigos, que se solían quedar picuetos cuando estas les mostraban la música en la que habían estado trabajando. Quién les iba a decir que terminarían compartiendo sello con Adele o FKA twigs.
Una estudió música, la otra latín, derecho y matemáticas, y aunque ambas reconocen ser de hecho «matemáticas» en el sentido de metódicas, su música no suena nada calculada ni cuadriculada, sino libre hasta el punto de que su debut oficial ‘Believer’ es un cajón de sastre de todos sus intereses musicales, que van del hip-hop al trance pasando por la música neoclásica. En los últimos tiempos, las chicas han cosechado su propio mini hit con ‘Because’, un misterioso tema de bedroom house que suena hecho por las sombras que te visitan por la noche cuando te da una parálisis del sueño; y en ‘Believe’ las noruegas siguen explorando su oscuro y enigmático sonido desde varias vías, ya que ellas se reconocen tan fans de Jessy Lanza como de Rihanna o del Gill Scott-Heron producido por Jamie xx. Sin olvidar que han estudiado música y teatro para empaparse de unas convenciones de las que luego han huido, relajadas, para terminar haciendo lo que les ha dado la gana.
La producción de ‘Believer’ es totalmente DIY y las chicas suenan deliberadamente amateur en algunos puntos, como en el hip-hop con cuerdas desganado de ‘Rain’ -cantado en noruego- o en el tratamiento de las voces, que además suenan apáticas y «creepy» aposta: ‘Rap Interlude’ parece una primera toma y la integración de las voces de ‘Sonette’ en la música es nula. El componente amateur de ‘Believe’ le otorga todo su encanto, por otro lado: a veces no sabes si estás escuchando una mixtape entregada sin terminar, un trabajo de fin de grado o un álbum que ha buscado la mayor autenticidad posible, pues a veces parece dos o tres proyectos distintos volcados en uno solo cuando del bosquejo neoclásico ‘4 temær’ pasamos a la tralla epiléptica de ‘Hester’, o cuando de la intro a lo The Cure de ‘Guitariff’ pasamos a la intensidad de ‘Max’, un corte minimalista que se debate entre las melodías susurradas de Janet Jackson y los instrumentales más intensos de Arca. Sin embargo, la sensibilidad intimista a la par que fantasmagórica, espectral, de Smerz se hace notar en todas sus composiciones, y ‘Believer’ logra sonar unificado pese a la destartalada secuencia.
El nombre de Smerz es una combinación de las letras presentes en la expresión alemana «Schmerz im Herz», «dolor en el corazón». Una pista de lo que nos cuentan sus letras. La incertidumbre plaga la música de Smerz quizá desde que el disco alude a una creencia, y sus textos están llenos de preguntas tipo «¿crees que voy servida si solo me quedo con mi novio?» (‘Believer’), «¿debería admirarte?, ¿puedo convertirme en otra persona? ¿quién muestra el camino?» (‘The favourite’) o «¿te quedarías si te dijera que es lo que quiero?». El amor es el tema central pero Smerz huyen de lo obvio y a veces dan con imágenes algo turbias, como la de esa persona que «baila encima de una mesa de cristal» en la caótica ‘Glassbord’, uno de los cortes menos convincentes de este largo en el que tampoco los interludios instrumentales son de lo mejor, al sonar inacabados.
Es cuando Smerz reconcilian su peculiar sonido con mensajes comprensibles por cualquiera cuando más brillan. El pegadizo tema titular, que recuerda lo mucho que se inspiró Björk en el hip-hop para crear ‘Homogenic‘, nos deja una frase totalmente clásica, retro («el amor es un trabajo duro, pero yo no voy a dejar de amarte»), y el R&B de neón de ‘Flashing’, a todas luces el mejor tema del disco pues su melodía la podría haber escrito una popstar del R&B, puede llegar a emocionar cuando expresa: «pienso en cosas que no digo, sobre cosas que no puedo explicar, he tenido todo este tiempo para sentir, y todavía creo que deberías quedarte». Muestra de que, si Smerz siguen puliendo su propuesta, lo que no significa que se tengan que deshacer de absolutamente todo lo que les interesa, pueden llegar a lugares insospechados.
Karol G es una de las protagonistas de la semana en el mundo de la música después de publicar su nuevo disco ‘KG0516’ solo días después de anunciarlo. El álbum llega dos años después de ‘Ocean’ e incluye los exitazos ‘Tusa’ con Nicki Minaj, ‘Ay DiOs Mío!’, ‘BICHOTA’ y ‘LOCATION’ con Anuel AA y J Balvin además de otras colaboraciones como las de Ozuna, Nathy Peluso, Camilo, Ludacris o Mariah Angleliq (antes conocida simplemente como Mariah) en ‘EL MAKINON’, el nuevo single oficial, ya presente en el top 50 de canciones más escuchadas en España de Spotify (es número 39 a tiempo de redacción de la noticia).
Había ganas de averiguar qué ofrecían Karol G y Nathy Peluso en su colaboración, y con motivo: ambas lo están petando por separado, la primera sobre todo desde que ‘Tusa’ ha arrasado, la segunda sobre todo desde que «Nasty Girl» ha pegado el braguetazo. Pero ‘GATO MALO’ no va a ser otro ‘Tusa’: más bien deja frío como aquellas colaboraciones de divas de las que esperamos todo y después pasaron algo desapercibidas: Britney Spears con Madonna, Shakira con Rihanna, Beyoncé con Lady Gaga (y no al revés), Christina Aguilera con Demi Lovato o Rosalía con Billie Eilish (si se la puede considerar tal).
Un punto a favor de ‘GATO MALO’ es que huye del reggaetón o incluso de cualquier patrón rítmico reconociblemente latino para apostar por un beat de hip-hop acelerado que termina recordando a la música de proyectos de pop y hip-hop anglosajones como Lily Allen, Gorillaz o The Streets. Lo que separa a ‘GATO MALO’ de este sonido, claro, es la evidente influencia del tango en su base melódica, quizá porque Nathy es de Argentina y ambas pueden haber escrito el tema a partir de esta idea. Desgraciadamente, ‘GATO MALO’ no gana demasiado a partir de esta fusión de estilos ni suena especialmente interesante o fresco: más bien parece el primer single de cualquier triunfito.
Producida por Ovy on the Drums, ‘GATO MALO’ presenta una historia de desamor con dos protagonistas: Karol G es la chica a la que han roto el corazón, y Nathy es su amiga consejera, la que está a dispuesta a sacar las garras para que a su colega no la vuelvan a hacer daño. «Lo nuestro no le fue muy bien / Decíme en qué pude fallar / Si todo en mí te entregué / Y verte ya no podé más», lamenta Karol antes de que Nathy aparezca para poner los puntos sobre las íes: «Mamá no estarás llorando por ese mocoso / El que se quemó por los dedos por ser un goloso» es otra frase marca de la casa, y de hecho la autora de ‘Calambre‘ vuelve a ser lo mejor de una colaboración en la que aparece. Desgraciadamente, la suma de estos dos grandes nombres no ha dado lugar a un tema más grande incluso.
«Las tres canciones más brutales son ‘White Dress’, «Chemtrails» y ‘Yosemite’. Y que haga mi canción favorita de Joni Mitchell al final me conquista totalmente. Me decanto por ‘White Dress’ porque a la exquisitez absoluta de la composición (Antonoff y Del Rey sacan chispas juntos, lo siento Taylor: siempre te ganan) se suma esa increíble interpretación vocal. Caprichosa, fluctuante, pasando por diferentes moods… y yo no diría «afónica» como se dijo en JNSP, sino exquisitamente susurrante. Me da la impresión de que no es una toma con fallos y pérdida de voz que quedó mona, sino algo buscado, para expresar la fragilidad de su yo joven al que alude la letra. Esa es mi teoría. Dentro de la magia de la canción y su minimalista producción con esos detalles sutiles de fondo, casi como de diseño de sonido, está además ese momentazo en el que empotra en la métrica del verso una larguísima, imposible, frase («Down at the men in Music Business Conference»)… Me parece maravillosa esa salida de madre, muy Kate Bush, bellísima.
La letra me encanta también: habrá quien diga que la cantante rica y afamada que dice que quizá su época más feliz fue ese momento pre-fama es un cliché, la clásica romantización de los «viejos tiempos duros». Pero visto lo que la han bombardeado durante años (en Mojo hablaba de trauma), no lo veo tan raro, lo veo sincero, y forma un círculo perfecto con ‘For Free’ de Joni Mitchell en el cierre. Temáticamente tienen mucho que ver, pues habla desde la perspectiva de una música famosa que ve a un músico callejero y le parece que es mucho mejor y más auténtico que ella, que canta en sitios lujosos… Supongo que criticarán a Lana por esto también, pero me pregunto si a Joni le habrían criticado eso de ‘For Free’… lo dudo».
‘Tulsa Jesus Freak’, por Jordi Bardají
«Reconozco que no he cogido ‘Chemtrails Over the Country Club’ con demasiadas ganas, aunque también es verdad que me está costando escuchar más allá de las tres primeras canciones de la secuencia, que me parecen sobresalientes. ‘White Dress’ es un clásico, el single principal hay que recordar que también está muy bien, pero yo me quedo con ‘Tulsa Jesus Freak’ porque ofrece algo diferente. Una preciosa balada de aires country-folk que Lana canta acompañada de un efecto de autotune tan delicado y suave como una pluma, pero el tema además incorpora una base rítmica electrónica que recuerda a los momentos más sosegados de ‘Born to Die‘ (pienso en ‘Carmen’).
En la letra de ‘Tulsa Jesus Freak’, que incluye el sintagma «White hot forever», que es como se iba a llamar este disco, Lana saborea los dulces momentos que vive en una complicada relación amorosa en la que no falta el alcohol, y con referencias a la Biblia, a Jesucristo, a ‘Candle in the Wind’ de su amigo Elton John o al río Arkansas que atraviesa Tulsa, Oklahoma porque de Tulsa procede la persona a la que Lana probablemente dedica la canción (el famoso poli), obtiene una de sus composiciones más serenas, y a la vez más experimentales de su carrera. No me importaría escuchar más canciones en su estilo en el futuro».
‘Yosemite’, por Pablo Tocino
«Lana grabó ‘Yosemite’ en 2016 (de hecho no aparece acreditado Antonoff sino Rick Nowels), pero a última hora decidió excluirla de ‘Lust for life’ por ser “demasiado feliz”. A ver, en ese disco estaba ‘Get Free’, pero entendemos su point: ‘Yosemite’ es una bellísima canción que demuestra su habilidad para el optimismo y para el romanticismo de, ojo, una relación sana. Ayudan desde luego su estupenda melodía, la calidez en su voz y unos cuidados arreglos de cuerda y piano, a los que se sumarán una delicada percusión. Y mención aparte merece su excelente puente, que recuerda a otro de los mejores puentes de Lana, el de ‘Terrence Loves You’. Hay muchos temas destacables en “Chemtrails”, pero yo de momento me quedo con ‘Yosemite’».
‘Breaking Up Slowly’, por Sebas E. Alonso
«Supongo que ‘White Dress’ pasará a la historia como la mejor canción de ‘Chemtrails Over the Country Club’. Fue ‘Yosemite’ la composición que me logró meter en este álbum con su ambiente de hoguera en la línea de Nick Drake, Françoise Hardy, Joan Baez… en los últimos suspiros de los años 60 (y por extensión recordando también a los Goldfrapp de ‘Tales of Us’). Pero lo mejor de ‘Chemtrails Over the Country Club’ es cómo se crece sin rellenos en las pequeñas cosas y ahí ‘Breaking Up Slowly’ es la composición que me ha tocado la patata. ‘Breaking Up Is Hard to Do‘ siempre ha sido una de mis canciones favoritas, Lana del Rey conoce bien el trabajo de su autor Neil Sedaka porque ha llegado a grabar una versión de ‘Where the Boys Are’ y la referencia de la letra a Tammy Wynette tiene todo el significado. Canta Nikki Lane:
«¿Son estos mis años buenos o no he tenido ninguno en absoluto?
¿Son estos buenos años realmente para todo el mundo?
No quiero vivir llena de arrepentimiento
No quiero acabar como Tammy Wynette».
A continuación entra el estribillo con más y más referencias a ‘Breaking Up Is Hard to Do’, y después Lana del Rey canta como si ella fuera la misma Tammy Wynette dirigiéndose a su esposo, «George». Tammy Wynette se casó 5 veces, 2 de ellas con sendos artistas llamados George: el cantante George Jones y el autor y productor George Richey. La canción se refiere a este último, porque fue su último marido, hasta su muerte, y el más conflictivo: «George fue arrestado ahí fuera / Creo que vamos a romper después de esto», dice Lana, metiéndose en el cuerpo de Wynette. En 1978, año de este último matrimonio, esta sufrió un secuestro y luego declaró que se lo había inventado porque no quería denunciar los malos tratos que sufría de su marido, algo que él negó. Todo esto sirve como metáfora para Lana del Rey para rebelarse contra las críticas sobre su no-feminismo. «No me mandes flores, como siempre haces / Es duro estar sola pero es lo correcto», es la conclusión de la canción.
¿Cómo acabó Tammy Wynette? ¿A qué se refiere la letra? La cantante fallecía en 1998 aquejada de varios problemas de salud tras haberse sometido hasta a 26 operaciones importantes a lo largo de su vida (apéndice, riñón, vesícula biliar, nódulos en la garganta… de todo). Adicta a los calmantes como tantas estrellas estadounidenses, terminó falleciendo en un sofá de su casa de Nashville mientras dormía a los 55 años. Una de sus hijas intentó vivamente que se condenara a George Richey indirectamente por su muerte, pero la causa fue desestimada».
“Más triste, más sola y más enfadada”. Esta frase, que recuerda a aquella portada de Terelu, podría ser de cualquiera de nosotros para referirnos a cómo nos tiene la situación actual, pero es también la que eligió Candela Peña para describir a la protagonista de ‘Hierro’ en esta segunda temporada. La serie de Movistar que os recomendamos hace dos años nos encandiló por varios motivos, pero quizás el principal era su protagonista: la jueza de Candela Peña podría estar investigando en El Hierro o en Coria del Río, que nos seguiría interesando por su actitud y su intuición. Pero es que además El Hierro es protagonista también de la serie y no solo circunstancia. Y es que además está el mano a mano con Díaz, ese co-protagonista interpretado magistralmente por Darío Grandinetti.
Todo eso volvemos a tenerlo en esta segunda temporada, y especialmente la serie se sale con el último punto que comentábamos: hay dos conversaciones entre Grandinetti y Peña que son una delicia (una a la mitad, otra muy cerca del final) y que sintetizan las diferencias entre sus personajes y, a su vez, qué es lo que les une y lo que hace que este amor/odio tenga sentido. “La vida, a veces, se vuelve muy cabrona” dice la jueza en otro momento crucial, y en eso estaría de acuerdo su némesis Díaz.
Y de nuevo tampoco decepcionan los secundarios: quizás el personaje de Iris Díaz queda más desdibujado, pero Kimberley Tell brilla más si cabe aquí, y es increíble lo que hacen las más pequeñas, Helena Sempere y Naira Lleó. Incluso la figura del “Big Bad” vuelve a ser un acierto, aunque sea complicado suplir a aquella Antonia San Juan pasada de vueltas. Aquí se ha optado por un ‘Superman II’: a falta de un sustituto, tres. Tenemos a Matías Varela como el empresario por el que comienza la trama de la temporada, al hijo de Samir (Enrique Alcides) recordando a Evan Peters en ‘Cult’, y desde luego al que se lleva la palma: Clara, el personaje interpretado por Celia Castro, a quien compramos desde su primera aparición en pantalla. A todo esto hay que sumar la cuidadísima ambientación y fotografía de la serie y una trama que, aunque es más dispersa que en la anterior, funciona cuando llegamos al desenlace (un puntazo ese paralelismo entre la lucha y la Bajada de la primera temporada).
En definitiva, los hermanos Coira (Jorge en dirección, Pepe en guión) vuelven a entregar un producto muy mimado que no inventa nada y aún así destaca y se hace con el cariño del público; no en vano, es la serie original más vista de Movistar. A pesar de ello, ya se ha confirmado que ésta será la última temporada: sus creadores no quieren saltar el tiburón y que aquella pequeña isla acumule más cadáveres que la laguna de ‘El Internado’. Lo cual tiene sentido en una serie que, sin renunciar al entretenimiento, prefiere el realismo al efectismo, la humanidad a lo procedimental. Prueba de ello es uno de los mejores momentos de esta segunda tanda, esa escena del coche coronada por un “¡yo qué sé, es la primera vez que me intentan matar!” que resume a la perfección el espíritu de ‘Hierro’ y los motivos por los que se va por la puerta grande. 7,5
«Yo ahora hago una música más convencional, más hit». Bad Gyal lo puede decir más alto, pero no más claro. Acaba de sacar un EP de 8 canciones y 20 minutos: 5 de esas canciones duran 2 minutos porque se lleva la canción corta de cara a las playlists de Spotify. La más larga dura 3 minutos y medio pero porque es el remix de ‘Zorra’ al que se ha subido Rauw Alejandro: antes de este, duraba 3.
El éxito de Bad Gyal es matemático, si bien en esa fórmula últimamente estaba empezando a resultar repetitivo el mismo mensaje, de ‘Zorra’ a ‘Pussy‘. Alba Farelo se ha currado un vídeo coreografiado para ‘Judas’, pero es ’44’ la canción nueva que le está haciendo los mejores números, debido a que es la que tiene mejor «flow» de su repertorio en bastantes meses, quizá desde ‘Alocao’, como mínimo desde ‘Zorra’. Es nuestra «Canción del Día».
Remitiendo a composiciones tan vibrantes y bien construidas como ‘Candela’, Bad Gyal despacha ’44’ sobre un buen beat de Izzy Beats y Supa Dups y un par de acordes 100% Jamaica, pero sobre todo con su típico chorreo de melodías espectaculares. Un verso con gancho da lugar a un buen pre-estribillo, que va dando paso a un estribillo mejor aún. Cuando ya tienes la canción grabada en el cerebro aparece Rema, que muy bien, ’44’ ya es la canción más escuchada en Spotify para él (para ella aún no), pero es a Farelo a quien hay que atribuir este nuevo festival de ganchos, en el que lo difícil parece fácil.
Qué alegría tener a Demi Lovato de vuelta, conscientes de que hubo una noche en que casi la perdemos. El próximo 2 de abril, esto es, tan pronto como la semana que viene, publicará su nuevo álbum llamado ‘Dancing with the Devil’, y viene presentado hoy por el corte titular. Es, además, el tema principal del documental de Lovato para Youtube, en el que habla sin tapujos sobre sus adicciones y también sobre los abusos sexuales que ha sufrido.
Es el momento de escuchar el mensaje de Demi Lovato y la letra de ‘Dancing with the Devil’ es cruda y directa, pues apela al momento en que se autoconvencía de que tan solo sería «una raya blanca más» o a aquel en el que rezó por no estar llegando al final de sus días. La cantante ha interpretado el tema en directo y es realmente emocionante verla en perfecto estado de voz interpretándolo.
La elección musical es, en cambio, más discutible. ‘Dancing with the Devil’, bajo la producción de Mitch Allan, suena inequívocamente a James Bond, y es bastante extraño que en el momento de mayor crudeza vital de toda la carrera de Demi Lovato, haya elegido un sonido tan de película. La música de John Barry para la citada saga se caracteriza por su solemnidad, pero también por su ampulosidad. Hay acción, pero al poco tiempo la olvidas. No parece el fondo más adecuado para una canción que se arranca el corazón con la mano; más bien parece una grabación de Christina Aguilera (quien hasta parece presente en algún coro) de hace 5 o 15 años. ¿Cuántos hace que Conchita Wurst ganó Eurovisión con un corte de este estilo?
Sabiendo que Ariana Grande colabora en el álbum, es difícil no acordarse de cómo esta sorteó el momento más duro de su vida: su regreso al pop después de que 22 de sus fans murieran en un atentado terrorista tras un concierto suyo. ‘No Tears Left to Cry‘ aún es una canción sutil, futurista y profundamente emocionante. Tan buena que parece increíble que existiera, que pudiera salir a partir de aquel horror. Demi Lovato ha querido hacer algo más atemporal y personal, pero su opción suena añeja, a su lado. Por suerte, parece que habrá mejores cosas en el disco. En la reseña de Ew definen ‘Fifteen Minutes’ como un «banger» y ‘The Way You Don’t Look at Me’ como una «canción destacada».
Prelude
1. Anyone
2. Dancing with the Devil
3. ICU (Madison’s Lullabye)
The Art of Starting Over
4. Intro
5. The Art of Starting Over
6. Lonely People
7. The Way You Don’t Look At Me
8. Melon Cake
9. Met Him Last Night (feat. Ariana Grande)
10. What Other People Say (Demi Lovato & Sam Fischer)
11. Carefully
12. The Kind of Lover I Am
13. Easy (Demi Lovato & Noah Cyrus)
14. 15 Minutes
15. My Girlfriends Are My Boyfriend (feat. Saweetie)
16. California Sober
17. Mad World
18. Butterfly
19. Good Place
Tune-Yards han solido hablar sobre feminismo, racismo o clasismo en su música, pero el concepto de culpa blanca atraviesa especialmente sus dos últimos trabajos, ‘I can feel you creep into my privqte life’ y este ‘sketchy.’ que ve la luz hoy. El primero es el disco más oscuro del dúo formado por Merrill Garbus y Nate Brenner por sus coqueteos con el synth-pop, el dub o el art-punk, pero recibió críticas pobres por manifestar una evidente falta de inspiración en las composiciones. ‘sketchy.’ representa un relativo paso hacia la dirección correcta para Tune-Yards, al tratarse de un trabajo en el que el grupo recupera el color y la composición DIY tipo collage de sus inicios pero sin renunciar a su discurso actual.
Grabado antes de la pandemia pero completado después, lo que significa que algunas partes del disco, como las del saxofón, hubieron de ser registradas vía Zoom, ‘sketchy.’ ha sido presentado con un digno single llamado ‘nowhere, man’ en el que la estética lo-fi y bruta de los primeros Tune-Yards es aplicada a una composición sólida de soul-rock desquiciado, como manda su mensaje contra la ideología anti-abortista, mención a Bob Dylan incluida: «si no puedes escuchar a una mujer, ¿cómo puedes escribir su canción?». Mucho más clásico y sosegado, pero aún con influencias del free jazz, el segundo single ‘hold yourself.‘ subraya la responsabilidad de los padres (blancos) en el traspaso generacional de las opresiones: «intentaron criarnos, pero nos traicionaron».
En estas dos canciones, Tune-Yards recuperan la vitalidad perdida en el álbum anterior, a lo que también contribuye que el grupo ha buscado grabar con instrumentos en vivo, pero también componer libremente, sin hacer caso a las estructuras convencionales, e inspirándose en libros sobre la creatividad como ‘Creative Quest’ de Questlove u ‘Oblique Strategie’ de Brian Eno. El dúo suena como pez en el agua cuando retuerce a su manera los sonidos del funk-rock y el soul de los 70, y ‘make it right’, con su entramado de vientos, palmas y polirritmos imposibles, es lo más cerca que se queda de dar con un tema igual de enorme que ‘Water Fountain‘. Es el corte más eufórico del disco.
Pero ‘sketchy.’ no es un álbum eufórico. La música suena espontánea en su afán experimental, pero las melodías vuelven a ser farragosas en algunos puntos. La balada ‘hypnotized‘, que imagina un mundo desierto, sin humanos, que parece haber sido tomado por una autoridad cruel («me comí a tus bebés cuando los mantenías a salvo, lo llamé «seguridad» cuando te condené a la prisión y la violación»), no está mal, pero ‘silence pt. 1 (when we say ‘we’)’ es inaccesible a pesar de su propósito de «cambiar el mundo», ‘sometime’ es completamente anodina a pesar de sus juguetones coros y psicodélico diseño sonoro y lo único memorable de ‘my neighbor’ es que recuerda a la moda del chill-out de los 90.
A veces la música de ‘sketchy.’ es suficiente para mantener interesado al oyente, como el funk grimoso de ‘homewrecker’, pero otras prefieres ponerte en repeat el minuto de «silencio» (literal) que el dúo ha colocado en la mitad del álbum para invitar a la reflexión y al descanso de estas letras políticas que a veces pueden ser brutales en su preocupación por la violencia racial. Cuando llega el pantanoso trip-hop orgánico de ‘be not afraid.’ y Tune-Yards siguen indagando en el tema de la culpa blanca, te preguntas por qué no hacen más canciones como ‘make it right’ que te alegren un poco el día aunque hablen de temas serios. ¿Cómo pretenden llegar a la gente si sus discos se siguen atragantando?
Parte de la redacción evalúa ‘Peaches’ de Justin Bieber con Daniel Caesar y Giveon, actual número 1 global en Spotify.
«Con la salvedad de una colaboración ya olvidada junto a Ariana Grande, que fue número 1 en Estados Unidos, y ‘I Don’t Care‘ con Ed Sheeran, que fue número 1 en Reino Unido; Justin Bieber no se apuntaba ningún top 1 relevante desde la era ‘Purpose’. Nada del disco ‘Changes’ ni ahora ‘Justice‘ lo había conseguido. Pero ‘Peaches’ podría cambiar esa suerte. Y es que por primera vez en mucho tiempo, Justin Bieber no aburre con épicas y chillidos, sino que entrega una canción fresquita de 3 minutos, amparada en esa moda de hip hop, funky e indie que tanto se está viendo en gente como Peach Tree Rascals o en España, Cupido. Me reafirmo más por cada día que esto siga en el top 1 global de Spotify: ojalá todo el disco hubiera sido como esto». Sebas E. Alonso.
«Que ‘Justice’ es la era de postureo de Justin Bieber es obvio desde que le vimos haciendo de obrero sufrido en dos de sus últimos videoclips. Que haya tenido las narices de meter a Martin Luther King en este tinglado es más inexplicable. ‘Peaches’ es otro ejercicio de postureo pero hacia el sentido del humor, del que Bieber carece completamente a tenor de… toda su carrera.
Una canción desesperada por hacer gracia (ese estribillo «recojo mis melocotones en Georgia, mi maría la saco de California») y también por captar cierto público medio alternativo con ese sonido a medio camino entre el funky, el indie-pop y el bedroom-pop que tan de moda está en Youtube, pero que termina sonando a reducto de lo que Anderson .Paak o Steve Lacy hacen mucho mejor, con más sutileza, más elegancia y más naturalidad, que es lo que la falta a Bieber por todos lados. Y su videoclip… ¿no será Scooter Braun definitivamente el peor mánager del mundo?». Jordi Bardají.
Entre los discos que salen hoy al mercado y que os hemos presentado en «Ready for the Weekend» está el debut de la cantante Ana Arsuaga, más conocida como Verde Prato. Desde el País Vasco, Verde Prato juega en la liga de los proyectos que se sumergen en el folclore para transmitir cosas, pero en su caso la pincelada es más ancestral, abstracta y tenue que la de Maria Arnal i Marcel Bagés o Rodrigo Cuevas. Mucho más amparada en la voz y menos en el baile que, por ejemplo, el disco de Delorean sobre Mikel Laboa.
El disco ha sido grabado y producido por Jon Aguirrezabalaga (We Are Standard) y recibe el nombre de ‘Kondaira eder hura’ (“Aquella bella historia”), hablándonos de «un muchacho que abandona su pueblo para irse a la ciudad». Oficialmente, «con un lenguaje sencillo, las letras de las canciones reflejan la perspectiva de cada uno de los diferentes personajes que lo ven marchar», versando sobre el amor, la familia, la amistad, los miedos, las ausencias y el deseo.
‘Kondaira eder hura’ incluye joyas como la canción inicial y reptante ‘Amaren kanta’, a capella como ‘Haurraren kanta’ o su sucesora ‘Aitaren kanta’, con un triste piano y sintetizadores próximos a aquello llamado witch-house. Pido disculpas por seleccionar como «Canción del Día» la única canción en castellano del disco de 7 pistas, pero ‘Neskaren kanta’ es la más exótica. Hay un deje medio portugués en melodía e incluso dicción, y la interpretación vocal de Verde Prato es preciosa, 100% a capella… hasta que entra un ritmo medio reggaetón («papi, papi» son extrañamente las primeras palabras del tema), y el teclado más juguetón de todo el mini LP, lo cual es curioso porque estamos hablando de la última canción de la secuencia.
Lo que no impide que la grabación mantenga su poso melancólico-misterioso y su voluntad poética, con palabras tan poco comunes en el pop como «rostro», «importuna» o «reposo».
Ibon Errazkin (Single, Le Mans) está entre los fans, como informan desde su sello. Estas palabras son suyas: “Las primeras veces que escuché el disco se me vinieron a la cabeza los momentos más abstractos de Siouxsie (ciertas canciones de «Kaleidoscope»), el folk de clausura de Emmanuelle Parrenin y su «Maison Rose», o incluso una Lana del Rey en modo medieval. Pero no parecen tanto influencias como coincidencias. «Kondaira eder hura» es ante todo un disco personal, un disco envolvente y misterioso para sumergirse y escuchar en bucle, y una presentación inmejorable para una artista llamada a hacer grandes cosas”.
Hoy 28 de marzo ven la luz los nuevos trabajos discográficos de Sen Senra (que reseñamos en portada), Karol G, Albany, The Antlers, Major Lazer (una reedición de ‘Music is the Weapon‘), Eddy de Pretto, tune-yards, Noga Erez, Dolo Beltrán de Pastora o Evanescence (su primer álbum en 10 años). También es el día en que llegan a las plataformas los nuevos álbumes de Alba Reche, serpentwithfeet, Xiu Xiu, RRUCCULLA, Peach Tree Rascals, un trabajo orquestal de Floating Points, 24kGoldn o Ben Howard.
En cuanto a singles sueltos, a destacar el nuevo de Lil Nas X con referencia a ‘Call Me By Your Name’, la colaboración de Fuel Fandango y María José Llergo, el anunciado regreso de Demi Lovato, el popero tema de Studio Killers con Kim Petras, lo nuevo de Calavera con Amaral, otra colaboración de C. Tangana con Albany además de la de Sen Senra o el remix de ‘The Look’ de Metronomy por MGMT. Para curiosos y/o atrevidos, Juan Magán se apunta al sonido The Weeknd.
En los últimos días hemos podido escuchar los regresos de Jungle, Andy Stott, John Grant, beabadoobee, Espanto o Baiuca con Rodrigo Cuevas. Todos ellos están presentes en la playlist junto a las nuevas propuestas de Verde Prato, Ganges, Georgia Anne Muldrow, Jenny Hval, Lisasinson, Salvador Sobral, Rothrigo, Slush Puppy, Real Estate o Gallant con Brandy, entre muchísimos otros.
En 2017, cuando Chloé Zhao se dio a conocer con la extraordinaria ‘The Rider’, muchos nos hicimos la misma pregunta: ¿de dónde había salido esta directora? ¿Quién era esta mujer que, hoy, tres años después, ha ganado el Globo de Oro, es la gran favorita para ganar el Oscar y ha rodado la última de Marvel, ‘Eternals’? Chloé Zhao nació en Pekín en 1982, donde apenas tuvo acceso a las películas de Hollywood (su director favorito era Wong Kar-wai). Hija de un rico industrial, estudió en un internado en Inglaterra, se graduó en ciencias políticas en Los Ángeles y estudió cine en Nueva York, con Spike Lee como profesor.
Luego se fue a vivir a Dakota del Sur, uno de los estados más rurales y menos densamente poblados de Estados Unidos. Allí, en una reserva india, rodó su primera película, ‘Songs My Brothers Taught Me’ (2015). Aunque apenas tuvo recorrido más allá de los festivales (Sundance, Cannes), el filme se coló por sorpresa entre las nominadas a la mejor primera película en los Spirit Awards. Luego, con ‘The Rider’, todo cambió: se convirtió en la gran estrella emergente del cine independiente. Premios, halagos, estrenos en todo el mundo, y una llamada telefónica: Frances McDormand quería producir su siguiente película.
La actriz, que acababa de ganar su segundo Oscar por ‘Tres anuncios en las afueras’ (2017), vio en Zhao la directora perfecta para realizar la adaptación de ‘País nómada’ (Capitán Swing, 2020), el ensayo de la periodista Jessica Bruder. Y Zhao, acostumbrada a trabajar con actores no profesionales, vio sin embargo en McDormand a la actriz ideal para protagonizarla. Por edad, 63 años (la mayoría de los “nómadas” del libro son gente mayor que ni encuentra trabajo ni puede jubilarse). Por experiencias vitales (McDormand creció en ambientes rurales y obreros del Medio Oeste). Y, obviamente, por sabiduría interpretativa (la actriz lleva todo el peso del filme).
Esta combinación de talentos ha resultado perfecta para la película, la ha equilibrado de la mejor manera. Por un lado, la agreste presencia de McDormand, con sus canas, sus arrugas y su aire de antiestrella, ha rebajado los efectos del lirismo de puesta de sol a lo Terrence Malick al que tiene tendencia Zhao, y que se hubieran exacerbado con una actriz más glamurosa (de hecho, hay un cierto abuso en el filme del primer plano “bonito”). Y, por otro, la decisión de la directora de rodar con actores no profesionales y con recursos propios del documental, ha hecho que la actriz se esfuerce por mimetizarse con el ambiente, por no destacar como intérprete, por ponerse a la altura de sus compañeros consiguiendo así un verismo extraordinario.
El resultado de este juego de contrapesos es fabuloso. ‘Nomadland’ es una combinación enormemente armónica entre la denuncia política (los devastadores efectos de la crisis de 2008 y la erosión del estado del bienestar rooseveltiano por las políticas neoliberales) y el drama intimista (las heridas emocionales que arrastran muchos de estos “nómadas”), entre el viaje exterior (con ecos del western, el trascendentalismo thoreauiano y la contracultura beatnik) y el interior (el camino vital del duelo y la sanación espiritual), entre la evocación del espíritu de los colonos del salvaje oeste y la constatación del desamparo de las víctimas del capitalismo salvaje.
No sé si Frances McDormand ganará su tercer Oscar como mejor actriz principal (es una de las categorías más reñidas, aunque suena cada vez con más fuerza Carey Mulligan por ‘Una joven prometedora’). Pero como productora, ya puede ir preparando el discurso. 8,5.
Baiuca, muy querido en la escena electrónica nacional (e internacional, México y París se encuentran entre las ciudades que más le escuchan en Spotify) por su visión bailable y avanzada del folclor gallego, que tanto nos conquistara en su debut ‘Solpor‘, publicará este año su nuevo disco ‘Embruxo’, del que ya se conoce el vibrante single ‘Luar’ con Lilaina. Hoy, el productor gallego estrena el segundo avance del proyecto, ‘Veleno’, un tema que cuenta con la colaboración de Rodrigo Cuevas, muy conocido en el último año por su disco con Refree, ‘Manual de cortejo‘, una de las actualizaciones mas interesantes que se han hecho en los últimos tiempos de la música tradicional española, en su caso asturiana, como corroboran sus nominaciones a diversos premios.
Una de las canciones que podrás escuchar este viernes en nuestra playlist de novedades, ‘Veleno’ es otra delicia de Baiuca que mezcla electrónica y tradición pero que, gracias a la participación de Cuevas, incluso bordea la definición de pop. La música de ‘Veleno’ alberga diversas influencias, pues si la base rítmica puede vincularse al deep-house, la instrumentación incorpora cuerdas místicas, percusiones orgánicas, vientos de inspiración celta e incluso el sonido de un riachuelo para profundizar en el mismo título del álbum. Por su parte, Rodrigo Cuevas interpreta un texto 100& folclórico no exento de mala baba («por el filo de una espada se pasea una culebra / No tiene tanto veleno / como tienes tú en la lengua») que extrae fragmentos de ‘Jota del que si que’ de Nuevo Mester de Juglaría y de ‘Cantares De Tordoia’ Xabier Díaz y Adufeiras de Salitre, para armar una letra que alterna castellano y asturiano. Un estupendo tema cuya única pega es que no sorprende demasiado: Baiuca y Cuevas dan lo mejor de sí mismos, pero sin ofrecer nada que no hayamos escuchado de ellos por separado. ¿Quizá no era el momento de arriesgar?
El videoclip de ‘Veleno’ es otra maravilla visual de Adrián Canoura, colaborador habitual de Baiuca, quien sitúa a Cuevas en el norte de Galicia, en las zonas de Xove y Viveiro, próximo a un ritual de brujería. Un videoclip enigmático, de tonos fríos, con alguna conexión a ‘Twin Peaks’ o ‘Midsommar‘, que cautiva también por su representación de un entorno rural vetusto y mágico. El director explica: «Era un reto poner en imágenes el imaginario de ‘Veleno’, sobre todo al tratarse de una concepción más figurativa que los anteriores clips. La idea era desarrollar la historia perdida del Célebre Manuel, ahondar en estas leyendas de tradición oral y en la construcción de la cultura espiritual e inmaterial que existe en el paisaje del folclore gallego. Sobre todo de esta figura «humana» que no deja de inquietar a todos los que reflexionan sobre él».
Sen Senra parece uno de los grandes damnificados por la pandemia en España: era un artista en crecimiento a punto de dar el salto cuando se desmoronó el mundo. ‘Sensaciones‘ se publicó en las últimas semanas de 2019, pudimos llegar a ver una tímida presentación en vivo para prensa y amigos, pero el artista no pudo desarrollarse como habría correspondido en una gira propiamente dicha ni mucho menos en festivales. Sus seguidores, eso sí, continuaron creciendo. Como se pudo comprobar en cuanto pudo actuar en Madrid, las entradas volaron, el pase en un teatro de la ciudad hubo de triplicarse y el delirio colectivo fue de frotarse los ojos: vítores por cada acorde de R&B al aire, por cada gesto, por cada vez que el artista se quitaba una capuchita. Con casi un millón de oyentes mensuales en Spoti, no cabe duda de que Sen Senra está muy arriba, pero la pregunta es dónde estaría de no ser por la pandemia.
Para ayudarnos a averiguarlo, y a falta de un disco realmente redondo, pues ‘Sensaciones’ presentaba una segunda mitad algo farragosa, el proyecto ideado por Christian Senra presenta un conciso EP, aún en Sonido Muchacho, pero lanzado en asociación con Universal, prueba de que grandes cosas han sucedido y más grandes cosas aguardan. Quedando en tierra de nadie la estupenda ‘Nada y nadie’, una de las mejores canciones de 2020, ‘Corazón cromado’ sí reúne algunas de las grabaciones que Sen Senra ha venido publicando durante los últimos meses, algunas de las cuales han crecido mucho con el paso del tiempo. También hay un par nuevas, una de las cuales cuenta con la colaboración sorpresa de un tal C. Tangana.
Entre las que ya conocíamos, me ha terminado generando una especial debilidad (y también al público a tenor de sus números), ‘Wu Wu’ junto al colombiano Feid. Es una de sus composiciones más tórridas, con permiso del primer corte de este EP, ‘Perfecto‘ (la de «Me lo paso tan bien cuando estoy jodiendo»), perfectamente desarrollada en cuanto a ganchos, ahora que Sen Senra cita en las entrevistas a gente como Santana. Tanto el «no hay ninguna que tenga tu mismo nivel» como el «tienes todo el wu wu» encandilan como los punteos del mítico guitarrista.
El nuevo single ‘Sublime’, en la estela del The Weeknd que se dejó producir por Daft Punk cuando estos existían, es de las canciones de Sen Senra que se arriesgan a caer en la mímesis de lo internacional (como en ‘Sensaciones’ sucedía con ‘Tal vez no sea suerte’ y su inspiración en Kanye West), pero la verdad es que el registro le sienta de maravilla y se trata de una producción muy necesaria para dinamizar el álbum. Una producción, la de ‘Sublime’, que ha realizado él completamente en solitario, por cierto.
Aunque seguramente todas las miradas se centren en el tema colaborativo con El Madrileño, en el que también se han involucrado Alizzz por parte de este y Anxo Ferreira como es habitual en el caso de Christian. ‘Qué facilidad’ no es el hit más obvio que han tenido ni Sen Senra ni C. Tangana. Lo que sí es es una canción divertida, crápula, sobre un after de mala muerte, que evoluciona de un tímido inicio jamaicano hacia una guitarra disco mejor acabada que la de ‘Guerrera’. «Aquí nadie va pa casa» y «Es mejor cualquier garito que irme pa casa y dormir solito», dice con guasa C. Tangana en otro contrapunto divertido muy necesario en el universo sangrante de Sen Senra.
Y luego está lo de la particular ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’, que no en vano ocupa la posición central de este EP. La primera sensación es de desconcierto, pues Sen Senra parece haber desperdiciado un arpegio de sinte buenísimo que pedía ser un hit a gritos, con una grabación que opta en cambio por lo experimental. La impresión definitiva es que se trata de una canción llena de magnetismo y momentos mágicos, definitivamente encauzada por su buen vídeo. “Hice lo que hice porque quise, sin pensar en nada más”, dice, siendo una de sus muchas declaraciones de intenciones, como las que encontramos en la balada final ‘Me valdrá la pena’, una canción de autoafirmación, en la que se anima a sí mismo y a sus seguidores a apostar y arriesgar. La música suena tortuosa porque lo ha pasado mal, pero el mensaje final es esperanzador. Quizá porque en el fondo sabe lo que en esta vida le espera.
Mónica Naranjo ha sido fichada por Netflix España para presentar un nuevo reality de citas en el estilo de ‘La isla de las tentaciones’. La autora de ‘Lubna‘ se puso al frente de la primera edición de este programa que, copiando al dedillo el formato de ‘Confianza ciega’, dejó bastante que desear, y posteriormente declinó presentar la segunda aparentemente debido a que Mediaset y ella no alcanzaron un acuerdo económico favorable para ambos. La cantante fue sustituida entonces por Sandra Barneda. Parece que con Netflix ha llegado a mejor puerto.
El nuevo reality sigue sin título, se rodará en Ibiza a partir del próximo mes de junio y, si bien ni Netflix ni la productora del programa, Fremantle (‘Got Talent’, ‘Mask Singer‘) han detallado todavía su formato exacto ni su mecánica, Mónica Naranjo no ha podido ser más clara al respecto después de subir una imagen de ella en sus redes acompañada de la frase «pronto habrá más que imágenes para ti», su frase estrella en ‘La isla de las tentaciones’. Junto a esta, el hashtag #ACF. El Periódico sí indica que la «nueva apuesta de Netflix en el género de la telerrealidad contará con algunos elementos de ‘Jugando con fuego’, uno de sus formatos internacionales más exitosos, en el que los participantes que tienen sexo pierden».
Con esta noticia hay que decir que Mónica Naranjo sigue centradísima en su carrera televisiva después del éxito de ‘Mónica y el sexo’ y de la primera edición de ‘La isla de las tentaciones’. Lo que no significa que haya abandonado la música en absoluto: en 2020 publicó el segundo volumen de su proyecto ‘Mes Excentricitès’ y se sacó de la manga un temazo que nadie esperaba gracias a su versión en castellano de ‘Never Trust a Stranger’ de Kim Wilde. Su lanzamiento más reciente es una versión remasterizada de su tercer álbum de estudio ‘Minage’ por su 20 aniversario.
El islandés Daði Freyr ha sido para muchos el ganador moral de Eurovisión 2020 -cancelado por la crisis de la covid- después de que el tema que presentaba, ‘Think About Things’ y su absurda coreografía se viralizaran durante la cuarentena. Había curiosidad por averiguar cuál sería su propuesta para la edición de este año, que sí se va a celebrar. Y no decepciona, en parte porque Freyr ofrece exactamente lo que se esperaba de él, en parte porque incluso se supera.
’10 Years’ es el tema con el que Daði Freyr representará a Islandia en Eurovisión en mayo junto a la banda Gagnamagnið («plan de datos»), en la que toca su mujer, Árný Fjóla Ásmundsdóttir. Este «dato» es importante porque ’10 Years’ está dedicada a la relación que ambos mantienen desde hace efectivamente «10 años», y la letra es una carta de amor de él hacia ella. «Llevamos juntos una década, y sigo queriéndote cada día más» es el mensaje con el que empieza esta composición nada parca después en ñoñerías tipo «no me convertí en mí mismo hasta que te conocí», «cada día nuestro amor encuentra nuevas maneras de crecer», «me gusta todo sobre ti» o «eres tan fascinante que no recuerdo la última vez que me aburrí».
La canción, que va 8ª en las apuestas, por delante del electro-swing de Malta, la balada llorica de Suiza, el indie-rock dosmilero de Italia o el pop llenaestadios de Suecia, entre otros, sigue la línea disco de ‘Think About Things’ pero, mientras la melodía busca más bien el dramatismo clásico de ‘I Will Survive’, la música presenta un sonido de sintetizadores más actual y electrónico que recuerda a bandas tipo Metronomy. Lo mejor, sin embargo, es que ’10 Years’ vuelve a no tomarse a sí misma nada en serio, como demuestra la actuación en directo que ha preparado el grupo para la ocasión y en la que Daði Freyr y compañía vuelven a hacer de las suyas, mientras el videoclip oficial aún ha de ver la luz.
El bailecito de ‘Think About Things’ hace acto de presencia en el directo de Daði Freyr og Gagnamagnið pero su anecdótico protagonismo sugiere que el islandés no ha buscado un nuevo viral a la desesperada. En realidad, su carisma y gracia naturales hacen el resto para armar una actuación que, a propósito o no, parece reírse del circo que Eurovisión representa, como Chikilicuatre pero con talento. Ahí están ese inicio orquestal solemne, casi fúnebre, que no pega nada; esos teclados futuristas que echan chispas como Katy Perry, o esa entrada en escena de un coro infantil con la que de repente te parece estar viendo un gag de Monty Python. Sumándole a lo cómico que la canción es buena, Daði Freyr merece a todas luces ganar Eurovisión 2021.
Sobre su vuelta a Eurovisión, que este año se celebra en Países Bajos, el cantante ha declarado: «Estoy muy emocionado. La razón por la que competí en Söngvakeppnin 2020 es intentar experimentar de primera mano Eurovisión con la compañía de Gagnamagnið. Siempre hemos querido saber cuán lejos podemos llegar en la competición y esto no será diferente este año». Puedes comentar ’10 Years’ o todo lo relacionado sobre Eurovisión en nuestros foros.
Sónar sigue los pasos de Primavera Sound y anuncia que su edición de 2021 pasa a 2022 por causas de fuerza mayor, como ya sucediera el año pasado. El festival de música avanzada de Barcelona pasa a celebrarse los días 15, 16, 17 y 18 de junio de 2022. Hacen «inviable» la celebración del evento este año «los datos sanitarios, las restricciones de movilidad y la falta de una normativa que regularice a día de hoy la organización de grandes eventos».
A pesar de la postergación de Sónar, la organización del festival anuncia dos nuevos festivales en Barcelona que se celebrarán este otoño, del 27 al 30 de octubre de 2021. Por un lado, AI and Music Festival se centrará en las aplicaciones y retos de la inteligencia artificial en la creación musical; por el otro, SónarCCCB presenta una «versión ampliada, presencial y más musical, en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), con diferentes escenarios dedicados a la música en vivo así como a las conferencias, workshops, debates y presentaciones de Sónar+D».
Señala Sónar en nota de prensa que ambos festivales «tendrán formato híbrido, predominantemente presencial», que «Ee total habrá más de 60 actividades, en su mayoría presenciales, y también otras exclusivas online, con el objetivo de proponer contenidos específicamente diseñados para las audiencias digitales.
Finalmente, el festival indica sobre las entradas: «Los compradores de entradas y acreditaciones profesionales de 2020 y 2021 serán contactados por email el próximo 10 mayo con toda la información sobre las ventajas que obtendrán si deciden conservar su ticket para 2022, así como los detalles para solicitar el reembolso de su importe, si así lo desean, a partir del 12 de mayo».
beabadoobee, el proyecto de la filipina criada en Londres Bea Kristi, tiene nuevo EP preparado para esta misma primavera tras su disco de debut, ‘Fake It Flowers‘, editado hace tan sólo unos meses, y que no logró dejarnos otro hit como ‘Coffee’. El EP se llama ‘Our Extended Play’ y ha sido escrito y producido en compañía de Matty Healy y George Daniel de The 1975.
La propia beabadoobee presenta ‘Last Day On Earth’ de la siguiente manera: «Trata sobre todas las cosas que habría hecho si hubiera sabido que íbamos a tener que encerrarnos y que el mundo iba a cambiar como lo ha hecho. Fue escrito poco después del primer confinamiento principal y líricamente soy yo reflexionando sobre cómo seria si todos hubiésemos sabido de antemano lo que iba a pasar. Todas las cosas que habría hecho si hubiera sabido que era el último día de nuestra vieja normalidad. Escribí y grabé el EP en una granja con Matty y George de The 1975 en el campo. Fue realmente agradable poder crear juntos, mi primera vez escribiendo y grabando en ese tipo de entorno. Quería experimentar con los sonidos y los sonidos aún más y el EP para mí tiene un sentimiento de unión a él … cómo todos nos hemos juntado en él».
¿Qué han conseguido beabadoobee y parte de The 1975 al sentarse a crear juntos en una granja? Ni más ni menos que lo que tienen en común: la querencia por las guitarras de Johnny Marr en los Smiths a mediados de los 80 o algo después, The Sundays.
beabadoobee busca y encuentra en ‘Last Day on Earth’ una canción alegre pese a que en la letra contrastan los tarareos «Shoop-doo-doo, shoop-doobie-doobie-doo / Shoop-doo, shoop-doobie-doo, oh yeah» con las referencias a la sangre y la muerte: «Lo has hecho (o lo conseguiste) / Es tu último día en la Tierra / Mataste a alguien anoche / y quemaste una iglesia». Una letra agridulce a lo Morrissey aunque más naíf, con un pie puesto también del lado del Lou Reed más pop.
El vídeo ha sido dirigido por el francés Arnaud Bresson (James Blake, Headie One), y narra una noche de diversión en sintonía con lo que contaba beabadoobee. Entre posters de AC/DC, Metallica y Nirvana, asistimos a una fiesta casera de las de antes, en la que vemos a la cantante junto a unos jóvenes enrollándose, pinchando vinilos, soportando plastas que te entran, fumando muchísimos cigarros, follando en un coche, o jugando al juego de la botella. Al final, un mensaje esperanzador en forma de avioncito de papel.
John Grant, autor de maravillas como ‘Queen of Denmark‘ y ‘Pale Green Ghosts‘ una vez aparcado su grupo The Czars, tiene nuevo disco. El sucesor del irregular ‘Love Is Magic‘ saldrá el 25 de junio y viene presentado por la canción titular ‘Boy from Michigan’.
‘Boy from Michigan’, que contendrá un tema llamado ‘The Only Baby’ publicado hace un par de meses, es un disco que ha sido producido en compañía de Cate Le Bon aunque por lo sintético que continúa sonando este primer sencillo, pareciera que quienes siguieran por ahí detrás a cargo de los beats fueran sus colegas de GusGus.
El artista explica que en este proyecto se ha inspirado en aquellos tiempos en que tenía 11 años, iba a mudarse de Colorado a Michigan y su mejor amigo tuvo a bien advertirle que tuviera cuidado con «el mundo de ahí fuera». Indica en la nota de prensa: «Así que la canción es sobre la transición de la niñez a la vida adulta, sobre la simplicidad y la inocencia de la niñez, y sobre el mal despertar que tiene lugar a menudo cuando uno cruza esa línea hacia la vida adulta. También es sobre idealizar el pasado, lo cual puede ser peligroso».
El consejo de su amigo puede percibirse claramente en el cambio de acordes del estribillo («Beware when you go out there / They’ll eat you alive if you don’t take care…), mientras las estrofas mencionan algunos recuerdos de la infancia como una visita al parque en verano o un aparatoso accidente de coche que terminó incendiado. Anécdotas entonadas con cierta indiferencia sobre una base de sintetizadores y metales a medio camino entre Talking Heads, el último David Bowie y, finalmente, a la altura del «spoken word», las bandas sonoras de Giorgio Moroder.
Un single de más historia que melodía, estribillo aparte, y por tanto no la mejor manera que se nos ocurre de abrir un álbum tras el pequeño traspiés que supuso el álbum anterior. Pese al continuismo respecto a grabaciones anteriores, la aparición de Cate Le Bon como co-productora y no a los coros o a los créditos como co-autora parece la sorpresa de esta era. La autora de discos como ‘Mug Museum’ (2013), ‘Crab Day’ (2016) y ‘Reward’ (2019), que no fueron curiosamente producidos por ella misma, sí ha producido para otros artistas como por ejemplo Deerhunter.
1. Boy From Michigan
2. County Fair
3. The Rusty Bull
4. The Cruise Room
5. Mike And Julie
6. Best In Me
7. Rhetorical Figure
8. Just So You Know
9. Dandy Star
10. Your Portfolio
11. The Only Baby
12. Billy
Renovamos nuestra playlist con “Las mejores canciones del momento” con algunos de los temas de nuestros “discos de la semana” recientes, esto es, Maria Arnal i Marcel Bagés, Lana del Rey, Sleaford Mods, C. Tangana y Nick Cave. También hemos conocido novedades jugosas de los álbumes más y menos próximos de La Casa Azul, Zahara, Laura Mvla, girl in red, Silk Sonic, Los Pilotos, Joana Serrat, Wolf Alice, Espanto, Japanese Breakfast o Peach Tree Rascals, en este último caso un EP que sale este viernes.
Ya están de hecho en la calle los de Nick Jonas, The Anchoress y La Prohibida; y no olvidamos las alegrías que nos dio a finales de 2020 Kali Uchis, ahora viral, como merecía. Gracias, TikTok. Completamos la playlist con canciones que nos han gustado entre mucho y muchísimo de la gran Babi, Betacam, Porter Robinson, Deb Never, Glüme, Julien Baker, Ashe con FINNEAS y No Rome junto a Charli XCX y The 1975.
Babi / Incondicional
Porter Robinson / Look at the Sky
girl in red / Serotonin
Laura Mvula / Church Girl
Nick Jonas / This Is Heaven
Los Pilotos, Pedrina / Cenizas en el piso
Japanese Breakfast / Be Sweet
Deb Never / Someone Else
Sleaford Mods / Nudge It
Peach Tree Rascals / Leave Me
Lana del Rey / White Dress
Maria Arnal i Marcel Bagés / Ventura
C. Tangana / Ingobernable
La Casa Azul / Entra en mi vida
Zahara / Taylor
Silk Sonic / Leave the Door Open
Kali Uchis / telepatía
The Anchoress / The Art of Losing
Wolf Alice / The Last Man on Earth
Joana Serrat / Pictures
Betacam / Lo único que tengo
Nick Cave, Warren Ellis / White Elephant
Xenia Rubinos / Did My Best
All diese Gewalt / ANDERE
La Prohibida / Determinista
Espanto / Fiesta sorpresa
No Rome, Charli XCX, The 1975 / Spinning
Ashe, FINNEAS / Till Forever Falls Apart
Glüme / What Is a Feeling
Julien Baker / Hardline
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