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Zahara exorciza demonios en la rave de la gira de ‘PUTA’

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Zahara ha podido comenzar la gira de su nuevo disco ‘PUTA’ pese a que la pandemia no ha terminado, ya sabéis, con el público sentado, las mascarillas, la distancia de seguridad, el gel hidroalcohólico y todas esas cosas que esperamos que en un par de meses sean un mal recuerdo. En La Riviera de Madrid el show ha tenido que dividirse en 3 funciones para poder acomodar a la gente que ya tenía su entrada, pues se trata de un evento que se ha venido retrasando desde el año pasado. Foto: Vibra Mahou.

El primer show fue el sábado por la noche, el segundo el domingo a las 18.00 y el último el domingo a las 21.30. Da un poco igual cuál te tocara o que lo vieras en Granada de día el viernes: de un tiempo a esta parte hay un punto teatral en los espectáculos de la artista, con sus pequeñas sorpresas dentro de su modesto pero trabajado set (cabe hablar de SPOILERS, como esos paneles que se despliegan con la palabra PUTA durante ‘Ramona’) y su pequeño guión con todas y cada una de las canciones del disco. Un guión en el que no caben divertimentos como ‘Caída libre’ ni momentos para la autocompasión como ‘Con las ganas’, pero sí la fiesta y el desenfreno «rave» después de hora y media -casi 2- de exorcismos.

‘PUTA’, la gira, comienza como ‘PUTA’, el disco, con ‘flotante’, con Zahara encaramada en un set de batería que ocupa el centro del escenario. A ambos lados, tan sólo dos músicos, Martí Perarnau IV y Manuel Cabezalí, ambos entregados a varios instrumentos. Como los conciertos del proyecto paralelo de la cantante con Martí, _juno, este es ya un show básicamente de música electrónica, en el que incluso las viejas canciones son adaptadas al nuevo sonido. Es el caso de ‘Crash’, en la que ha desaparecido el rock y Zahara va sacando su vena de malota, o de ‘El deshielo’, que ahora parece una producción de Postal Service. Algún momento parece algo por pulir, como ese sample de percusión rara que se quedó como colgado entre ‘Inmaculada decepción’ y ‘El fango’, ambas completamente remozadas, pero el show es lo suficientemente aventurero como para mantener tu atención durante la casi veintena de composiciones.

Funcionan muy bien las diferentes partes. Zahara no ha renunciado a su vena más acústica, y logra ya solo gracias a su voz que ‘negronis y martinis’ sea un momento tan emocionante como en otras giras lo fue ‘Con las ganas’, con la ayuda únicamente de una guitarra. A continuación, lo mismo podemos decir de la versión a piano de ‘Guerra y paz’ con Perarnau IV ya habituado a su papel de Santi Balmes en esta canción. Pero la segunda mitad del concierto no puede ir por ahí y se entrega de lleno a la pista de baile en recuerdo de la Nochevieja en Berlín que pasó parte del grupo antes de la pandemia: la sucesión de ‘Joker’ con las dos bailarinas que también hacen de «roadies», ‘MERICHANE‘, ‘Hoy la bestia cena en casa’ (con mención a Pablo Casado y Ciudadanos en el día de la nueva foto de Colón) y ‘berlin U5‘, fue una locura y lo será ya del todo cuando el público pueda levantarse de la silla al completo, no solo los brazos.

El show no se cierra con este sacudir de viejos demonios, como todo apunta, sino que opta por una estructura circular con una especie de bis que en verdad no es tal porque no hay falsa despedida de nadie. Si habíamos comenzando oyendo una locución de ‘Maria de la O’ y ‘Ay pena penita pena’, el último número es una interpretación de la copla ‘Dolores’ escrita por la artista para sus abuelas, de espaldas al público, pero frente a 3 de los paneles que se han transformado en espejos, y en este caso portando un vestido hecho con retales de manteles de sus ancestros, bordado con el nombre de familiares. La dedicatoria es para el padre de Zahara, una vez más presente en la sala.

Es solo uno de los muchos detalles de un concierto en el que se puede hablar del final celestial de ‘La gracia’, de lo bien que queda ‘Médula’ a la batería o de la emocionada presentación de ‘Taylor’ mientras alguien grita «Taylor es mi canción» y otra persona grita «No, es la mía». A un concierto muy pensado y bien ejecutado -lo estará más en el futuro, aún se adivinan más posibilidades y puertas para la parte «rave», por ejemplo-, hay que sumar la relevancia de escuchar a tantísimas mujeres vitoreando entre canción y canción. Estamos acostumbrados a que esos momentos de asueto en los conciertos estén tomados por la testosterona y esta vez lo que se oyeron fueron muchas voces de mujeres gritando «te quiero», «gracias a ti» o «valiente». A estas alturas siendo muy evidente que ‘PUTA’ ha hecho historia por el modo en que ha afrontado asuntos como el maltrato, los abusos, el acoso escolar, la bulimia y la prevención del suicidio, ya es claro que a muchas mujeres parece haber servido para alzar también su voz. 8.

Kelly Lee Owens cancela en España debido a la pandemia… y a las condiciones post-Brexit

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Kelly Lee Owens anuncia hoy que cancela su gira europea continental, entre las que había 2 fechas en Madrid y Barcelona en noviembre, pospuestas desde el año pasado.

En el comunicado subido a redes la cantante habla de la frustración que le genera no haber podido presentar en vivo ‘Inner Song’ debido a la pandemia, pero añade un componente interesante a la ecuación. La cantante habla de “ansiedad” cuando habla de las consecuencias del Brexit.

Dice el texto: “cancelo por varias razones y dejadme ser totalmente honesta sobre por qué. La razón principal es por supuesto que la pandemia continúa. Eso además de la ansiedad de lidiar con países de manera individual en el mundo post-Brexit, y los impuestos extra que conlleva. Ambas cosas me han producido una enorme ansiedad. No cancelo cosas a la ligera, pero tengo que cuidar de mí misma”.

Continúa: “esto ha sido una gran decepción para mí, pues significa todo para mí tocar para nosotros, y no haber podido tocar ‘Inner Song’ ni una vez es muy doloroso”. La cantante indica que volverá a tocar en “Europa y Escandinavia” cuando sea más seguro y viable para ella. De momento, mantiene las fechas británicas.

Puedes recordar nuestra entrevista agradable e interesante con Kelly Lee Owens aquí, hecha en el momento en que ‘Inner Song’ fue nuestro “Disco de la Semana”. El álbum llegó a nuestra lista de los mejores discos de 2020.

MARINA / Ancient Dreams in a Modern Land

MARINA no ha solido hacer disco igual y ‘Ancient Dreams in a Modern Land’, el quinto de su carrera, es un paso adelante respecto al anterior, ‘LOVE + FEAR‘, en varios sentidos. Desde luego el cambio es radical: donde antes mandaba el blanco y negro y una sosez absoluta en producciones y estética, aunque algunas canciones de ese innecesario álbum doble eran muy dignas, como ‘Superstar’, ‘True’ o ‘Karma’, ahora hay color y una visión más delimitada y concreta en la que MARINA alterna lo personal con lo social y político sin andarse por las ramas. De manera interesante es un trabajo escrito al 100% por ella misma… y se nota.

Cuenta MARINA que escribió ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ durante el confinamiento, en una época en la que se sintió «enfadada conmigo misma por haber vivido la vida que había estado viviendo y que se nos ha forzado a vivir» porque «la vida antes de la covid no era sostenible y tampoco agradable». ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ mira a un pasado remoto y puro (el habitado por nuestros «ancestros») y aborda temas como el feminismo, la masculinidad tóxica, la salud mental, el racismo o el cambio climático pero también su propia ruptura en un disco que realmente no se decide a ser ni político ni personal, optando por una mezcla de ambas diferenciada en dos mitades.

Con contundencia se puede decir que MARINA ha callado bocas con los singles que han presentado su nuevo disco. ‘Man’s World‘ es un tema producido enteramente por mujeres en el que MARINA condena el heteropatriarcado y que ha ganado enteros con el paso de los meses hasta convertirse en uno de los más memorables que ha escrito. Es uno de sus mejores medios tiempos. Por otro lado, el pop-punk de ‘Purge the Poison‘ es blandito pero a la vez ultra pegadizo y carismático. El tema menciona el racismo, la misoginia, el capitalismo, las guerras, el techo de cristal, a Britney y a Harvey Weinstein para hacer un resumen de los males del mundo desde el punto de vista de la Madre Tierra (en el caso de Britney, cómo se trató su crisis nerviosa) que puede parecer demasiado acelerado, pero que vuelve a ser memorable.

Más sorprendente ha sido el bélico tema titular, que suena a una mezcla de ‘Uprising’ de Muse y ‘Womanizer’, pero a la vez 100% MARINA por la buena dosis de excentricidades vocales que contiene. La letra proclama que nuestros «ancestros lucharon por que nosotros pudiéramos tener una oportunidad en la vida», aboga por ser uno mismo y «no conformarse con las normas» y es espiritual, pero lo mejor es que la canción es vibrante y colorida como la portada del álbum. Su mejor «opener» desde ‘FROOT‘. Y ‘Venus Fly Trap‘ es el single más divertido de esta era: MARINA defiende que «nada en este mundo» la cambiará en una melodía tan teatral como de costumbre, a la vez que presume de ser «millonaria» y nos intenta colar que no está en esto «por la fama o el dinero». Quizá sí haya cambiado un poquito.

Como artista pop, está claro que MARINA sabe que su labor es comunicar un mensaje de la forma más directa posible. Y eso pasa por hacer canciones que se recuerden aunque sus letras pequen de ingenuas (canta que el «capitalismo nos ha hecho pobres») o tengan la misma sutileza que un vestido de Agatha Ruiz de la Prada. En ese sentido, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ cumple su cometido al menos gracias a sus singles: estés de acuerdo o no con lo que canta, sus letras se quedan en la cabeza. Algo que sucede también con un tema menor como ‘New America’, que MARINA escribió el día después del asesinato de George Floyd y que menciona el racismo, la «tierra robada» por la colonización e incluso la crisis agrícola.

Puede parecer un problema de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ la brocha gorda con la que aborda sus textos políticos, síntoma de que quizá no esté del todo preparada para hablar de ellos. Pero como artista pop se entiende que prefiera soltar titulares por doquier en lugar de profundizar en un tema concreto: MARINA no es experta en política ni pretende serlo. Pero precisamente sus textos políticos funcionan porque van a la yugular, lo cual es el propósito. Aunque también es verdad que, cuando MARINA se centra en un solo tema se suele lucir, como en ‘Man’s World’ o en la bonita balada ‘Highly Emotional People’, un homenaje a las emociones que a la vez aborda el tema de la masculinidad tóxica, y en el que una frase tan sencilla como «nunca te veo llorar» sobrecoge.

Precisamente esa masculinidad tóxica parece el motivo de la ruptura de MARINA con su ex, sobre la que canta en una segunda mitad muy inferior. MARINA lleva el peso emocional de la relación y, por lo que se intuye, es víctima de una infidelidad. En la olvidable balada ‘Pandora’s Box’ se muestra atormentada por la «guerra dentro de su cráneo» y en la intimista ‘Flowers’ empieza a ver algo de esperanza en su futuro. Pero son baladas enormemente anodinas, sin la garra de los singles. No se acercan ni un poco a la potencia emocional de ‘Happy’. Y ‘I Love You But I Love Me More’ simplemente es un sucedáneo de ‘Man’s World’ solo que dedicado a esa relación en la que de repente falta lo más importante: la confianza. Esto significa que exactamente la primera mitad de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ mola y la otra no. Se puede hablar de semi decepción: una pena que el disco entero no esté tan bien como los singles.

Wolf Alice anuncian gira en España y celebran su primer top 1 en Reino Unido

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Wolf Alice han anunciado gira española. El grupo presentará ‘Blue Weekend’ el 2 de marzo de 2022 en La Riviera de Madrid y el 6 de marzo en la sala Apolo de Barcelona. Las entradas se pondrán a la venta el viernes 18 de junio a las 10 horas en los puntos de venta habituales.

El tercer disco de Wolf Alice, que fue nuestro “Disco de la Semana” la semana pasada, ha arrancado su recorrido en listas con muy buen pie. ‘Blue Weekend’ es el nuevo número 1 de las listas británicas y además lo es con unas cifras muy saludables, en concreto las mejores que ha tenido ningún artista británico durante todo este 2021.

En simbología de una industria musical que parece que empieza a despertar (este mes vuelven dos gigantes como Lorde y Ed Sheeran), Wolf Alice han vendido 36.000 unidades de ‘Blue Weekend’ en tan sólo una semana, solo dentro de las islas británicas. De ellas, 15.000 han sido en vinilo. Esto les supone su primer número 1 en Reino Unido, pues como recordaréis el disco anterior quedó en el puesto 2 en medio de una agria polémica en la que Wolf Alice hicieron un comentario edadista sobre la persona que les arrebató el número 1, Shania Twain.

El grupo ha celebrado con champagne su victoria en un divertido vídeo para la Official Charts Company, y además cosecha un top 3 en Irlanda y un top 9 en Australia. Recientemente publicamos una entrevista con Wolf Alice en la que comentaban que aún no se habían gastado el dinero del Mercury Prize. «El dinero sigue almacenado en una cuenta, todavía no lo hemos tocado. Se nos han ocurrido algunas ideas sobre qué hacer con el dinero pero ninguna nos ha convencido de momento. Por ahora lo ahorraremos hasta que llegue una buena oportunidad de usarlo». Preguntados sobre si no lo habían invertido en algún proyecto musical, respondía Joff: «Posiblemente, sí. De momento dejaremos que nuestro sello se encargue de pagar ese tipo de cosas».

Jessie J suena a candidata a Eurovisión en ‘I Want Love’… ¿y podría serlo en 2022?

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Entre los varios «comebacks» que han dejado los últimos días se encuentra el de Jessie J. La cantante británica ha lanzado el primer single de su quinto álbum, que estará producido por Ryan Tedder de OneRepublic. Y si eso no dice mucho en principio, pues Tedder cuenta entre sus clientes a artistas tan dispares como Adele y Anitta, ‘I Want Love’ lo deja todo cristalino con su sonido disco 100% clásico.

Lejos de la modernidad de Dua Lipa o de la sofisticación de Jessie Ware, ‘I Want Love’ apuesta por un sonido disco más tradicional, más Gloria Gaynor, en el que tiene especial protagonismo la presencia de un intenso coro góspel, mientras las estrofas están marcadas por el trotón ritmo de una guitarra eléctrica. La letra relata el hallazgo de un amor que parecía perdido: Jessie no actuaba porque creía que él tenía «miedo», pero ahora que están juntos desea «perderse en al amor divino y compartirlo por siempre».

Solvente pero muy poco arriesgada en su composición disco, ‘I Want Love’ parece más bien una candidata de Reino Unido a Eurovisión 2022: la típica canción que se presenta al festival porque suena familiar pero no es especialmente buena. Podría estar dándonos una pista del futuro de Jessie J: como recoge La Vanguardia, el tabloide británico The Sun informa (o desinforma) que la BBC habría contactado a la artista para ofrecerle representar a UK en Eurovisión el año que viene y así no repetir el desastre de John Newman. Jessie J no ha comentado el rumor por el momento.

Una de las grandes vocalistas de su generación, Jessie J se encuentra en un periodo bajo en lo comercial después de que su último proyecto ‘R.O.S.E.‘ pasara desapercibido. Su último álbum de estudio propiamente dicho, ‘Sweet Talker‘, data de 2014. Este se presentó con un macrohit del tamaño de ‘Bang Bang’ con Ariana Grande y Nicki Minaj, pero el resto de sus singles no funcionó tan bien. Su posible presencia en Eurovisión podría revitalizar su carrera… si no quedara en último puesto.

Hay que recordar que Jessie ya tiene experiencia en el mundo de las competiciones musicales… y no porque fuera jueza en La Voz. En uno de esos extraños episodios de la historia del pop, hace unos años participó como concursante en un talent chino y ganó.

The Black Keys / Delta Kream

Últimamente The Black Keys parecen algo perdidillos. El fulgor de rock sabrosón de ‘Brothers’ o ‘El camino’ ya se percibía diluido en ‘Let’s Rock’, un disco aparente pero al que le faltaba brío. Como conscientes de su estancamiento, Dan Auberbach y Patrick Carney han querido hacer un reset. Y, para ello, han vuelto la vista atrás, a su adorado blues del Mississipi de los años 50 y 60, y han facturado un disco de versiones de figuras idolatradas: John Lee Hooker, Fred McDowell y, especialmente, Junior Kimbrough. Kimbrough era un bluesman que debutó en los 60, pero que anduvo desaparecido discográficamente hablando, hasta que fue recuperado para la industria en los 90. Él representa el grueso del disco: cinco de las composiciones son suyas.

Según relatan Auberbach y Carney, en ‘Delta Kream’ no hubo mucha premeditación. La sesión se planeó pocos días antes. No se ensayó y se grabó en dos tardes. En la fiesta les acompañan Eric Deaton, que había sido bajista de Kimbrough, y Kenny Brown a la guitarra. Pero lo que tendría que haber sido algo así como una jam-session celebratoria y jubilosa, se ha quedado en una mera transposición correctísima.

Ya el redoble y el riff con el que da la bienvenida el disco en ‘Crawling Kingsnake’ (original de John Lee Hooker, también cantada por The Doors) ya nos dice muy a las claras lo que vamos a encontrar: ese blues rock setentero a la manera de John Mayall o Eric Clapton. Entra muy bien y, mientras lo escuchas, piensas: «manido, pero no está mal». Pero hacia el final, la cosa se empieza a deshinchar. Porque The Black Keys parecen más preocupados en que «suene bien» (que suena) a que resulte excitante. Kimbrough también tenía esas morosas progresiones guitarrísticas, pero aquí las reproducen de manera pulcra. Demasiado pulcra. A eso hay que sumarle que a la voz de Auberbach le falta la garra suficiente para interpretar estos blues.

Por suerte, aún hay momentos que escapan del envaramiento y en los que se detectan visos de pasión, como el falsete de Auberbach en ‘Going Down South’, en la que sí generan una potente atmósfera ahumada y sexy, subrayada por un levísimo órgano Hammond, instrumento que no reaparece hasta ‘Mellow Peaches’, otra buena recuperación donde brilla la slide de Brown y en que la fuerza del blues se siente de veras. También resultan simpáticos el toque western y la pandereta de ‘Come and Go with Me’. ‘Poor Boy a Long Way from Home’ es estimulante con su trotón ritmo de tren y su guitarra descocada. ‘Stay All Night’ llega a ofrecer pasión y sexo, mientras que Dan rasga un poco la voz, pero se pierde el efecto entre filigranas, y al final Dan suena a que tiene más ganas de irse a dormir solo que acompañado.

‘Delta Kream’ es un disco correcto y agradable… pero poco más. Entre realizar versiones más respetuosas a la austeridad de las originales o llenar todo de riffs, oropeles y fuegos artificiales, The Black Keys han optado por una tercera vía que no incomoda pero que resulta insuficiente. Por supuesto que no esperas originalidad dadas sus premisas, pero sí algo más de pasión; sus versiones son demasiado faltas de personalidad como para destacar en un género de largo pedigrí y ya sobresaturado de oferta. Eso sí, si ayuda para descubrir a los originales, pues bienvenido. Y sí a Auberbach y a Carney dar unos pasos atrás les sirve para coger carrerilla y reencontrarse, mejor aún.

MØ se sumerge de lleno en los 80 en la revitalizante ‘Live to Survive’

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Hace un par de semanas MØ presentaba un nuevo tema que se movía entre lo facilón y lo irresistible. ‘Live to Survive’ es nuestra «Canción del Día» para este domingo. Se trata de una canción de beats electro que conecta directamente con los años 80 de manera pura y sin remilgos. Esto no es una actualización del sonido de ‘Fade to Grey’ o cantantes como C.C. Catch sino una visita a aquellos años. A través de la repetición, como convenciéndose a sí misma de que ella será capaz de sobrevivir a la ruptura de que nos habla («vivo para sobrevivir el dolor por tu amor, vivo para sobrevivir otro error»), MØ nos entrega una de sus canciones más efectivas en muchísimo tiempo. Este nuevo single de MØ cuenta con la producción del británico SG Lewis, que este año ha sacado su propio disco.

La cantante danesa que arrasara hace un lustro de la mano de Major Lazer con ‘Lean On’, y que después triunfara con otros éxitos como ‘Final Song’ o ‘Don’t Leave’ con SNAKEHIPS, vuelve con esta canción tras un parón de dos años. Este es el tiempo que ha pasado desde el lanzamiento de su último single suelto ‘On & On’ hasta ahora, si bien su último álbum de estudio, ‘Forever Neverland‘, data de un año antes, 2018.

MØ explica que ‘Live to Survive’ va sobre «levantarte después de sufrir el choque de una relación tóxica a alguien o algo» y señala que, con la canción, busca recordar a la audiencia que la «vida es un baile de altibajos constante y que esos momentos bajos son válidos, que estamos aquí para sobrevivir el dolor y para recomponernos una y otra vez». La nota de prensa promete que más nueva música de MØ es «inminente» pero no confirma si la artista prepara nuevo disco.

Lo mejor del mes:

Oklou: «Rosalía y yo estamos en contacto y adoraría trabajar con ella»

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Entre los discos que merecían más repercusión de la que la pandemia les permitió se encuentra ‘Galore‘, la «mixtape» de debut de la cantante y productora francesa Oklou. Publicado en septiembre de 2020, aunque iba a haber salido antes, ‘Galore’ es una adictiva colección de canciones de ambient-pop minimalista, delicado y etéreo en las que subyace un espíritu gótico y romántico. La música de Marylou Mayniel mira tanto al pop contemporáneo como a las fórmulas de la música clásica -ella es estudiante de conservatorio- y ‘Galore’ supone la mejor cristalización de su talento hasta la fecha. Este domingo 13 de junio, Oklou presenta ‘Galore’ en un concierto por streaming que en España podrá verse a partir de las 21.00 horas a través del canal de Boiler Room en Youtube. Buen momento de recuperar nuestra entrevista con esta artista que cuenta entre sus fans a Rosalía o Caroline Polachek.

¿Cómo ha sido el último año para ti? ¿Afectó la pandemia a la grabación de ‘Galore’?
El último año ha sido muy intenso. Profesionalmente ha sido fascinante pero personal y emocionalmente ha sido agotador. La pandemia no afectó en la grabación del disco porque el tracklist y la mezcla ya estaban atados en marzo de 2020. Solo postergó el lanzamiento unos meses, lo cual fue positivo para el proyecto porque todavía requería mucho trabajo en la parte visual.

¿De qué manera tus estudios musicales académicos han influido en tus composiciones? En ‘Galore’ hay melodías que recuerdan a la música clásica.
He pasado mucho tiempo estudiando y tocando música clásica, perfeccionando lo que se llama el «fraseo» y cultivando mi propia expresión a través de las interpretaciones de esas piezas. La música clásica forma parte de mi construcción y de mi percepción como artista y siempre se manifiesta en todo lo que hago de manera natural. Al principio quería combatirlo, me quería liberar de los automatismos y de las inclinaciones naturales que tengo a la hora de escribir líneas melódicas que suenan clásicas, pero ahora estoy aprendiendo a transformarlo en algo especial y personal. En ‘Galore’ creo que lo he conseguido.

Me parece fascinante el trabajo de refinación que hay que hacer durante el proceso creativo

¿Cómo fue el paso de estudiar en un Conservatorio a hacer música puramente electrónica?
Siempre he estado en contacto tanto con la música de conservatorio como con la música electrónica, nunca he dejado moverme en diferentes ambientes y de experimentar hasta que al final he escogido un camino y una energía que perseguir o una escena de la que formar parte. En mi adolescencia trabajé en un club y me pasaba ratos indagando en la colección de discos. Me daba mucha curiosidad el «presente» seguramente porque el conservatorio se centra más en el pasado. La transición sucedió de manera natural a lo largo de los años, cuando poco a poco fui dejando de tocar instrumentos acústicos para centrarme en el ordenador.

Tu EP ‘The Rite of May‘ ya avanzaba algunas ideas presentes en ‘Galore’, como las voces ligeramente distorsionadas o las melodías de sintetizador limpias y oníricas. ¿Qué aprendiste de escribir ese EP que has aplicado en tu mixtape de debut?
Sobre todo he aprendido a trabajar codo con codo con mi amigo, (el ingeniero) Lucien Oriol. Él me ha enseñado lo valioso que es trabajar con alguien a quien conoces tan bien. En cuanto al sonido del disco, con perspectiva puedo destacar cosas que ya no haría. En ‘The Rite of May’ todavía estaba buscando mi sonido sin saber dónde apuntar. No me estoy desentendiendo de aquel EP con la típica frase «es que era joven» pero, visto con distancia, puedo apreciar qué cosas de ese EP molan y cuáles no.

¿Te tuviste que deshacer de algo para que ‘Galore’ fuera el disco que querías?
Al principio teníamos una playlist con 17 maquetas, y redujimos ese número a 10 u 11. Me parece fascinante el trabajo de refinación que hay que hacer durante el proceso creativo. Hay que usar filtros para purificar. Te tienes que hacer preguntas a ti misma como «¿realmente necesitas esto?» o decidir por qué ciertas decisiones no son correctas. Tienes que clavar lo que quieres decir en lugar de pensar en lo que te gustaría estar diciendo. Es un trabajo de inspección bastante duro.

Oneohtrix Point Never es una de tus principales influencias. ¿Cuáles son tus canciones o discos favoritos? ¿Has escuchado su trabajo con The Weeknd?
No soy la mayor especialista en Oneohtrix pero sí es una de mis mayores influencias. Me gusta especialmente su álbum ‘R Plus Seven‘ porque algunas pistas me conmueven de maneras muy inesperadas; y también me gusta su proyecto de «eccojams» como Chuck Person. Su trabajo actual, tanto con The Weeknd como en su último disco, queda más cerca del pop. En ‘Magic OPN‘ creo que ha seguido arriesgándose e intentado llevar su sonido a nuevas direcciones. Lleva 10 años de carrera a sus espaldas y me parece inspirador que siga corriendo riesgos, te guste o no su música.

De hecho tú has dicho que lo que escribes son canciones pop, lo cual es obvio en ‘Galore’. ¿Cuáles son tus mayores influencias?
Gorillaz desde que era pequeña, también Frank Ocean, Frank Ocean y seguramente Frank Ocean. No son tanto nombres concretos sino álbumes, escenas o incluso sensaciones las que me inspiran. Algunos álbumes que he escuchado recientemente son los de Tame Impala, Justin Bieber y PARTYNEXTDOOR. También Caroline Polachek, Bladee, ML Buch, A.G. Cook…

god’s chariots‘ es una de las pistas destacadas. ¿Realmente se inspira en la mitología griega?
En realidad no. La mayor referencia de ‘god’s chariots’ se encuentra en la letra y en la energía de la canción, y es un poema de Charles Bukowski llamado ‘Spring swan’. Habla de la muerte y de la soledad, de los cisnes y del carruaje de Dios… Es un texto que me inspira desde hace varios años. ‘god’s chariots’ habla sobre sentirse tan sola que te vuelves loca, relata un instante en el que coges fiebre por culpa de las interacciones que tienes solo en sueños. Quería capturar la misma belleza presente en la desesperación que desprende el poema de Bukowski.

Asturias suena como el nombre de un pueblo fantástico habitado por criaturas que son mitad humanas, mitad estrellas

Cuéntame sobre ‘unearth me’. ¿De qué habla esta canción? Tiene un ritmo de trap…
Esta canción habla sobre una relación complicada que está estancada en una dinámica destructiva. A veces la pasión en una relación significa que esta no es sostenible y tanto ‘unearth me’ como todo el álbum relata la historia de un amor que se acaba. El ritmo de trap es una de las pocas cosas que cambiaría del disco. No me siento conectada con todos los sonidos presentes en la canción, pero se me sugirió que incorporara un ritmo contundente, lo hice y aunque la canción me gusta igualmente, no es lo que yo busco. Adoro la música trap pero no es lo que me conmueve en mi interior así que no voy a volver a usarla.

España forma parte de ‘Galore’. Hay un tema llamado ‘asturias’ y parte del disco se grabó en Peñalba, Aragón. ¿Cuál es tu conexión con Asturias?
El interludio ‘asturias’ se titula así porque la artista invitada, Zero Castigo, es de allí. Cuando me dijo que era de Asturias me encantó la sonoridad de la palabra. Asturias suena como el nombre de un pueblo fantástico habitado por criaturas que son mitad humanas, mitad estrellas. Lo mismo me sucedió con la palabra ‘galore’, que para mí suena como el nombre de una nave espacial.

Adoro la música trap pero no es lo que me conmueve en mi interior así que no voy a volver a usarla

¿Aún consideras ‘galore’ una «mixtape» en lugar de un álbum?
Oficialmente es una mixtape pero la gente lo llama álbum, lo cual me satisface. Pero por razones aburridas es una mixtape.

Supongo que sabes que Rosalía es fan de tu música. ¿Te gustaría trabajar con ella?
Nunca tendría la pretensión de decir que Rosalía es fan pero llevamos un tiempo en contacto y sé que ha estado atenta a lo que he estado sacando, lo cual es un honor para mí porque ella es una inspiración enorme. Adoraría producir para ella o con ella, o hacer cualquier cosa con ella.

¿Cómo surgió el remix de ‘Fever’ de Dua Lipa? ¿Y el de Caroline Polachek?
El de Dua Lipa fue una cosa de contactos, lo cual es normal en este grado de la industria. Nunca he hablado con ella ni con Angèle y seguramente no fuera decisión suya que yo remezclara la canción. Caroline me pidió que remezclara ‘Door’ y me alivia saber que mi experimento le ha gustado.

Paloma Mami: «En un par de años mi disco se va a entender mejor»

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Paloma Mami aparece en mi pantalla a través de Zoom en un balcón. A mitad de la conversación, oigo pájaros y de pronto aparecen unas vistas preciosas. Pregunto «pero dónde estás». Puerto Rico es su respuesta, y pese a alguna interrupción tipo «lo siento, estoy jugando con mi perro, me está mordiendo (Risas)» y ese momento en que asegura que se está quedando sin batería en el portátil pero sin hacer además de enchufarlo en ningún lado, puedo mantener una conversación interesante con la artista.

No parece haber tenido ‘Sueños de Dalí‘ la repercusión esperada, pese a ser un disco interesante y distinto, que en cualquier momento podría dar un pelotazo como le ha pasado a Kali Uchis gracias a TikTok. Hablamos con Paloma Mami sobre todo ello y la cantante nos avanza una serie de remixes y colaboraciones, la primera de ellas resultando ayer ‘Qué rico fuera’ junto a Ricky Martin aunque en el momento de la charla no se pudiera decir.

Ya nos avanzaste el año pasado cómo sería tu disco, pero ahora hemos visto que no es el típico disco de reggaetón ni el típico disco con un poco de salsa o folclore latino… Tiene un sonido particular. ¿Cómo lo definirías?
El sonido es muy particular porque es mi sonido, es muy único, muy yo. Todas las canciones salieron de manera muy natural con los productores.

¿Hay algún estilo que tú crees que prime sobre los demás, o algo que hayas querido evitar, como hacer el típico disco de reggaetón, o de trap, o de música urbana…? ¿Has evitado featurings?
Desde el principio, cuando lo estaba planeando, quería algo muy distinto a todos los discos que están afuera. Específicamente porque soy una artista nueva quería que me conocieran a mí misma sola, antes de conocer cómo sueno con otro artista. Tenía eso en mente y quería ser fiel a ese pensamiento.
¿Te parece un disco de nuevo R&B?
No me gusta ponerme en un género, me encantan todos. Es fusión de R&B, trap, hip hop, reggaetón… Estilos, música, géneros, de todo…

En los discos de hoy en día, al final se ponen como bonus tracks colaboraciones, singles pasados… Parecía que al final saldría ‘Fingías’, o el tema con C. Tangana, pero no…
No. Quería contar una historia completamente nueva. Quise empezar de cero porque la música que tenía fuera, era distinta a lo que yo sentía cuando empecé el disco. Ni siquiera ‘Not Steady’. Estoy en otra etapa. Soy una persona muy distinta a cuando hice todo eso.

¿En qué has cambiado?
Personalmente, mentalmente he crecido, más que nada he aprendido. Cuando empecé tenía 18 años, no sabía nada de la música ni de trabajar en el estudio y ‘Not Steady’ era como la primera canción. Después de ese año aprendí mucho de producción, de mi voz, de cosas que me gustan. Por eso en este disco pude ser más libre y hacer lo que yo quería.

Con este disco quería contar una historia completamente nueva

¿Qué canción de este disco te ha hecho aprender más desde el punto de vista de la producción?
Hay tantas… Con ‘I Love Her’, con ‘Que Wea’… ahí es cuando encontré un sonido específico que quería hacer. Aprendí mucho de The Stereotypes en la producción y en ‘Que Wea’ con NOVAWAV, que son un dúo de productores mujeres increíbles. Pude conversar con ellas y aprendí un montón.

Has escogido las canciones más trap y hip hop, pero que no se quedan en eso, ¿no?
Sí, es mucho más que trap y hip hop. Es una mezcla muy específica. Le digo música del futuro. Tal vez no se entienda, pero en un par de años se va a entender mejor. Es muy distinto al mundo latino. Es diferente, también está la mezcla de inglés y español. La primera vez que lo han escuchado… yo sé que mis fanáticos no se esperaban esto.

Yo sé que mis fanáticos no se esperaban este disco

¿Crees que en el futuro se harán menos discos con featurings? ¿O tú estás abierta a ellos también?
100%. Quise hacer esto porque era mi primer disco, mi presentación al mundo. Quiero que me conozcan a mí. Pero en el futuro, sí. Ahora estoy colaborando con otro artista y estoy muy feliz.

¿Con una persona en concreto estás colaborando?
Con mucha gente, con artistas, pero no lo puedo contar (risas).

Me gusta mucho la sensación de «goteo» conseguida en ‘Goteo’. No sé si fue un efecto buscado o cómo salió.
Eso fue El Guincho. Él me mostró esta pista, yo le mostré mi temática, encontró ese efecto, me lo mostró y dije como «guau». Lo hizo increíble, fue todo muy «guay», como dicen ustedes (risas).

Quería algo muy distinto a todos los discos que están afuera

Luego está ‘Dreams’, que es como un interludio, pero dura lo mismo que un tema normal…
Quería hacerlo interludio porque es como una pausa en el disco. Que se sepa que esta canción es como un momento de tranquilizar todo y de estar «calm». Es como una canción de meditación, me relajo mucho con eso. La hice en esta casa, escuchando los pájaros, en el balcón. Es mucha paz, la pausa, «calm».

Tu disco tiene beats que se pueden bailar, pero no es algo tan bruto como Diplo, ¿por qué tiene este «mood» el álbum?
Soy una persona muy chill, me gusta prenderme con mi tema de trap, pero aun así no es algo tan loco. Me gusta escuchar esa música en verdad.

El álbum tiene una línea vocal muy particular, con efectos, cambio de registros… Al principio pensé que salían otras personas, pero no: eres tú todo el rato. Háblame sobre ello.
(risas) Salió de explorar mucho, como dije antes. Fue experimentar con diferentes rangos, voces, sonidos que podía hacer. En ‘I Love Her’ hice como 10 voces, grabé para el coro voces muy distintas. Escuchándolas por separado me sentía como una loca (risas). Suena raro pero lo quería hacer, y luego quedó súper cool. Me gusta eso, que pude hacer como diferentes personajes.

¿Interpretas a varios personajes en el disco?
Sí, claro, en ‘I Love Her’ hice como un personaje, lo hice desde el punto de vista de un hombre. Es lo que tenía en mi mente. Cada canción era distinta. Algunas son más personales y otras son historias creadas en el momento. Esa es la magia para mí de la música, que puedo ser cualquier persona que quiero ser ese día.

C. Tangana nos dijo que esperaba más éxito de alguna canción suya (NdE: la de Natti Natasha). Que fue muy bien, pero que esperaba que fuera mejor. ¿A ti también te ha pasado con alguna de tus canciones, que esperabas más éxito?
Bueno, sí… Todos los artistas piensan eso con su música. Todos queremos lo más que se puede, pero con el tiempo yo espero… Soy una persona que creo que todo pasa por algo y en el tiempo correcto. Si una canción mía no ha recibido el éxito, yo creo que lo va a tener pronto, o en un año, o algún día lo va a tener.

Dime una, por ejemplo.
‘Que Wea’. Yo creo que todas las canciones del disco en este momento no se van a entender pero en un año lo van a entender completamente. No se puede ver una pintura una vez solamente.

¿Has hecho ya el vídeo de tus sueños, o por la pandemia no ha podido ser? ¿Cuál sería tu favorito?
No sé, no lo he sacado aún. Aún tengo muchos proyectos que quiero hacer con mi vida, yo siempre estoy muy involucrada, pero no he tenido oportunidad por la pandemia. Tuvimos que trabajar con lo que pudimos, pero estoy muy feliz con todo lo que ya pude hacer.

¿Es frustrante sacar un debut en estas condiciones? ¿Lo has pasado mal?
No, no lo he pasado mal, pero obviamente querría estar en vivo cantando las canciones. Soy paciente y eventualmente podré cantar con mis fanáticos. Lo espero, lo espero.

¿Tienes ensayos y cosas cerradas ya?
Supuestamente en agosto tenía show en México, ese va a ser el primer show volviendo.

Háblame de la portada del álbum: se llama ‘Sueños de Dalí’, pero son más como tus sueños personales, ¿no?
Tengo muchas razones, pero una de las razones es porque Dalí era alguien que tenía una mente muy loca, a otro nivel. A todos sorprendía siempre lo que hacía. Yo creo que cuando una persona sueña tiene pensamientos locos, de fuera de este mundo. Si Dalí dibuja eso consciente, y son unas cosas locas, pensé que sus sueños tenían que ser más aún más locos. Por eso son sueños míos, locos, pero al nivel de Dalí.

¿Vas a trabajar más este disco o vas a pasar página ya con canciones nuevas?
Voy a seguir trabajando esto, con remixes y otras cosas, y también haciendo otras cositas.

Remixes con artistas, featurings, quieres decir.
Sí.

Rostam / Changephobia

Rostam Batmanglij abandonó Vampire Weekend en 2016 y desde entonces ha prosperado más si cabe como productor hasta convertirse en uno de los más importantes de su generación. Mucho se habla de Jack Antonoff pero el trabajo de Rostam en el último disco de Haim, que recibió una nominación a Álbum del año en los Grammy, y en el debut de Clairo es de esos que hacen historia. Gracias a estos dos álbumes y a sus puntuales colaboraciones con Frank Ocean, Solange, Charli XCX o Carly Rae Jepsen, Rostam está dejando su marca en el tiempo.

Es difícil describir exactamente qué hace tan especial su sonido Rostam, pero podemos empezar diciendo que es un artesano del estudio. Al artista le encanta filtrar el sonido de sus baterías, hacerlas sonar porosas, ásperas; lo mismo se puede decir de las guitarras eléctricas y acústicas y también es aficionado a jugar con las texturas y a enrarecer el sonido de los sintetizadores y de todos sus instrumentos en general. Rostam ha convertido canciones excelentes como ‘Sofia‘ de Clairo o ‘I Know Alone’ de Haim en pequeñas maravillas de la producción de estudio capaces de derretir el cerebro. Lógicamente, lo que tuviera que ofrecer en su segundo álbum en solitario era de gran interés.

Tres años después de ‘Half-Light‘, un álbum en el que Rostam destacaba como productor más que como compositor para sorpresa de nadie, la tendencia vuelve a repetirse en ‘Changephobia’. En este caso, el músico se vale de su gusto por el pop-rock de carretera y por el jazz de gente tipo Charles Mingus o Thelonious Monk para ofrecer una colección de canciones levemente eufóricas y serenas en las que se nota que viene de producir ‘Women in Music Pt. III’. Se nota, por ejemplo, en el doo-wop de ‘Next Thing’, que parece una continuación de ‘Los Angeles’ en sonido y temática, o en la producción de cortes como ‘These Kids We Knew’, sobre el cambio climático, o ‘To Communicate’, en el que Rostam ha buscado en verdad replicar el sonido de los Zombies.

Las melodías, eso sí, son bastante menos memorables que las de aquel disco con algunas excepciones. ‘In the Back of a Cab‘ ha demostrado ser un single estupendo en el que su atemporal melodía aparece envuelta en percusiones tipo grapa, 100% Rostam; y ‘4Runner’ es una de esas canciones de pop-rock eufóricas y luminosas hechas para escuchar durante un viaje en carretera que hablan de ídem. Entre los momentos más jazzy de ‘Changephobia’ que vale la pena comentar, ‘Unfold You’ enternece con su bonita instrumentación y con su historia sobre un reencuentro doméstico, en el que Rostam y su pareja terminan tirados en la nieve.

Las historias de ‘Changephobia’ se puede decir que son más universales que lo que pretenden sus canciones. El título alude por supuesto a ese miedo al cambio, que Rostam ha superado para ver un futuro brillante delante de él, y ese cambio ha pasado por ejemplo por aprender a «comunicarse». En varios momentos del disco, Rostam saborea esos instantes pequeños pero sublimes que pasa con su pareja, ya sea en la cama o en un taxi de camino al aeropuerto, incluso cuando reconoce no estar seguro de que esta relación «debiera funcionar». Las composiciones, sin embargo, a veces son demasiado pequeñas y no para bien, sobre todo en una segunda mitad más floja en la que cortes como ‘Bio18’ pasan sin pena ni gloria. Y seguro que alguna de las artistas con las que Rostam ha trabajado habría elevado el experimento drum ‘n bass y grunge de ‘Kinney’ a algo mucho más próximo a un hit…

Christina Rosenvinge no se arrepiente de nada en ‘My Life Again’

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Karen’, la película de María Pérez Sanz que deconstruye ‘Memorias de África’ prescindiendo de toda la trama amorosa, que tan importante no fue en la vida de Karen Blixen, llegaba a tu cine favorito hace unos días muy protagonizada por Christina Rosenvinge.

La cinta contiene 2 canciones originales de la artista, 1 de las cuales debería entrar en la carrera de los Goya, si bien hay que apuntar lo random que suele ser la selección de esta categoría, por razones desconocidas. En cualquier caso, las dos composiciones son sencillas pero de gran calado: ‘Camino a casa’ es un tarareo de cierta inspiración Western, que ejerce de banda sonora, y ‘My Life Again’ se podría parecer un poquito a un concepto de canción pop. Es nuestra “Canción del Día” hoy.

Christina Rosenvinge vuelve al inglés en esta composición, lo cual tiene sentido cuando estamos revisitando ‘Out of Africa’, con una letra de carácter retrospectivo y autoafirmativo (“si pudiera vivir mi vida otra vez, creo que haría exactamente lo mismo”), que aparece hacia el final de ‘Karen’. Las breves composiciones para los Oscar escritas por Sufjan Stevens y otra Karen, Karen O de Yeah Yeah Yeahs, podrían haber ejercido de guía, aunque por su carácter bucólico y pastoral, son nombres más remotos los que vienen a la mente, como Vashti Bunyan a principios de los 70, o incluso más lejanos en el tiempo.

Christina Rosenvinge nos hablaba durante una entrevista reciente del proceso de composición de este tema, y también sobre la valentía de su protagonista, retratada en la letra de esta canción. «Cuando María me dice que quiere que haga la música, le digo: «tengo una canción sin letra, como de los años 30, y no me cabe una letra en castellano porque además desmerecería esa melodía». No sabía qué hacer con ella. Se me había ocurrido dos o tres meses antes y es perfecta para esto».

Al personaje de Karen lo ve así: «Desde muy joven tiene muy claro que es dueña de su destino. Ella quiere llevar una vida apasionante como la de su padre, que había combatido en guerra, había viajado.. y eso es lo que la lleva a la aventura africana. No quiere llevar una vida burguesa de pequeña sociedad. Quiere vivir a lo grande. No es feminista de palabra, no forma parte de una comunidad, no establece lazos con otras mujeres… pero es feminista de facto. Es una llanera solitaria».

Lo mejor del mes:

Olivia Rodrigo venderá un par de millones de su nuevo disco; Twenty One Pilots, no

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Hits
Dos grandes lanzamientos coincidieron en fecha de edición a finales del mes de mayo. El gato al agua se lo ha llegado ‘Sour’, el punto de inflexión en la carrera de la chica Disney Olivia Rodrigo. Era muy evidente por las cifras que dejó desde el primer día ‘drivers license’, pero por si alguien lo dudaba el álbum ha sido un número 1 mundial: top 1 en Estados Unidos, en Reino Unido, y otros mercados… Además, la cantante continúa en el puesto 2 en los dos casos citados.

Mediatraffic estima 678.000 unidades vendidas a nivel mundial en 15 días, pero es que el éxito del nuevo single ‘good 4 u’, número 1 del global de Spotify desde hace rato, garantiza una vida muy longeva para este lanzamiento. Si ‘deja vu’ tuvo un paso en principio más modesto por las listas, no ha sido el caso de esta producción tipo Avril Lavigne y ya sabemos que ‘Sour’ estará con toda seguridad entre lo más vendido de todo 2021. La prueba definitiva es que no solo ‘good 4 U’ y ‘deja vu’ sino el track ‘traitor’ aparecen esta semana en el top 5 de singles de Reino Unido, lo que constituye un nuevo récord para una chica. Queda aún mucho hit por venir si su equipo se organiza.

Flops
En la otra cara de la moneda, Twenty One Pilots, que sí saben lo que es vender millones de copias de sus discos: ‘Vessel’ despachó 3 millones a nivel global tras su edición en 2013, ‘Blurryface’ fue su gran hit vendiendo 6,5 millones desde 2015, y ’Trench’ pudo salvar los muebles rondando 1,5 millones de copias en 2018.

Pero el nuevo trabajo de la banda, ’Scaled and Icy’, un cambio de sonido en gran medida, más luminoso y optimista como se veía desde el single ‘Shy Away‘, no ha gustado. El disco no ha podido arañar ningún número 1 a nivel internacional, pero ya no por culpa de Olivia Rodrigo, porque su máximo en UK y USA ha sido un puesto 3. Top 6 en Francia y Alemania y top 9 en España, el álbum vendía tan sólo 126.000 unidades en todo el mundo en su primera semana.

Le va a costar mucho llegar al medio millón de unidades, salvo que pase algo, pues su paso por las listas parece que va a ser muy fugaz. En Reino Unido el álbum ha pasado del puesto 3 al puesto 24 y del puesto 24 al puesto 50 en un par de semanas. En Estados Unidos, ‘Scaled and Icy’ ha caído del número 3 al número 22 en su segunda semana. Parece que a sus seguidores les ha gustado muy poquito su giro estilístico pues ahí va un dato: a días de haber editado su nuevo álbum, las canciones más escuchadas en Spotify de Twenty One Pilots continúan siendo viejas: ‘Stressed Out’, ‘Ride’ y ‘Heathens’.

Måneskin dejan a Dua Lipa y CHVRCHES sin un nuevo top 1 en JENESAISPOP

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No era la favorita de Eurovisión en nuestra redacción, pero sí del público que le dio la victoria y le está dando un éxito millonario a nivel internacional: ‘ZITTI E BUONI’ está siendo una de las improbables canciones del verano y es también la favorita de los lectores de JENESAISPOP esta semana. El tema de Måneskin es el más votado estos días y nuestro nuevo número 1.

Dua Lipa no puede repetir el número 1 que ya consiguió en nuestra lista con ‘New Rules’ (5 semanas), ‘Don’t Start Now’ (4 semanas), ‘Physical’ (8 semanas), ‘Break My Heart’ (1 semana) y ‘Levitating’ (1 semana). ‘Love Again’ no es de momento el 6º top 1 para Dua Lipa en nuestro top y ha de conformarse con el puesto 3 por detrás también de ‘Voilà’, la canción francesa de Eurovisión.

CHVRCHES y Robert Smith protagonizan también una destacada entrada en el número 5, y hay que recordar que la banda de Lauren Mayberry también ha sido número 1 en JNSP varias veces: con ‘Lies’, ‘Under the Tide’ y ‘Clearest Blue’.

En el top 20 entran Billie Eilish y Wolf Alice, mientras Mø, JUNGLE, ViVii e Idoipe lo hacen en la mitad baja. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 ZITTI E BUONI Måneskin Vota
2 2 2 2 Voilà Barbara Pravi Vota
3 3 1 Love Again Dua Lipa Vota
4 5 4 2 The Wrong Place Hooverphonic Vota
5 5 1 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
6 1 1 3 Selección natural Chica Sobresalto Vota
7 7 7 2 deja vu Olivia Rodrigo Vota
8 3 2 4 Please Jessie Ware Vota
9 6 1 6 berlin U5 Zahara Vota
10 9 9 2 Like I Used to Angel Olsen, Sharon van Etten Vota
11 18 11 2 Famoso en tres calles Carolina Durante Vota
12 10 5 4 Me voy Miss Caffeina Vota
13 17 9 5 Tiroteo Marc Seguí, Pol Granch Vota
14 8 2 5 Veleno Baiuca, Rodrigo Cuevas Vota
15 30 1 5 V Anne Lukin Vota
16 16 1 Lost Cause Billie Eilish Vota
17 17 1 Smile Wolf Alice Vota
18 11 2 6 Your Power Billie Eilish Vota
19 28 19 2 Via Torino Cabiria Vota
20 39 1 10 Momentismo absoluto Fangoria Vota
21 33 1 33 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
22 31 1 36 Levitating Dua Lipa Vota
23 23 1 Live to Survive Vota
24 22 2 7 How Does It Feel London Grammar Vota
25 34 12 4 Motorbike Leon Bridges Vota
26 4 4 3 Iba a decírtelo Soleá Morente Vota
27 21 21 3 Love Is Alone GusGus, John Grant Vota
28 28 1 Talk About It JUNGLE Vota
29 29 1 Summer of 99 ViVii Vota
30 26 1 21 MERICHANE Zahara Vota
31 12 5 8 Kiss Me More Doja Cat, SZA Vota
32 16 2 10 MONTERO (Call Me By Your Name) Lil Nas X Vota
33 23 2 20 Perra Rigoberta Bandini Vota
34 13 2 8 Purge the Poison Marina Vota
35 25 1 11 White Dress Lana del Rey Vota
36 37 2 15 Ingobernable C. Tangana Vota
37 14 14 2 Regresando a la ciudad Kokoshca Vota
38 36 14 6 Rocky Trail Kings of Convenience Vota
39 15 8 4 Al final abrazos Mujeres, Cariño Vota
40 40 1 El jilguerillo Idoipe Vota
Candidatos Canción Artista
Solar Power Lorde Vota
Me da igual dani Vota
Shiseido Los Punsetes Vota
Great Mass of Color Deafheaven Vota
You Regard, Troye Sivan Vota
Everytime I Cry Ava Max Vota
Pasadena Tinashe, Buddy Vota
The Turning of Our Bones Arab Strap Vota
Beautiful Beaches James Vota
Racist, Sexist Boy The Linda Lindas Vota

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‘Possessor Uncut’, la película ultragore del hijo de Cronenberg que arrasó en Sitges

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No es la primera vez que el hijo de un icono del cine fantástico triunfa en el Festival de Sitges. El ejemplo más conocido es el de la hija de David Lynch, Jennifer, que recibió premios por ‘Surveillance’ (2008) y ‘Chained’ (2012). Hace dos años, Panos Cosmatos, hijo de George P. Cosmatos (‘Rambo’, ‘Leviathan’), ganó como mejor director por ‘Mandy’. Y, haciendo memoria, Lamberto Bava, hijo de Mario, ganó el premio al mejor guión con ‘Shock’ (1977), y Juan Luis Buñuel el de mejor director con ‘Cita con la muerte alegre’ (1973). E incluso podemos incluir a Duncan Jones, el hijo de David Bowie, que ganó con ‘Moon’ (2009). ¿Acaso su padre no es un emblema del fantástico con filmes como ‘El hombre que cayó a la Tierra’ (1976), ‘El ansia’ (1983) o ‘Dentro del laberinto’ (1986)?

Brandon Cronenberg ya estuvo en Sitges con su debut, ‘Antiviral’ (2012). Con ‘Possessor’, su segunda película (estrenada en Movistar+ en su versión “sin cortes”, supongo que por algunas escenas de sexo y violencia explícitas), ha dado un salto cuantitativo (premio al mejor director y película) y cualitativo: es mucho mejor que su fallida primera película. Si Cronenberg padre empezó haciendo cine de autor disfrazado de cine de serie B (‘Vinieron de dentro de…’, ‘Rabia’, ‘Cromosoma 3’), Cronenberg hijo hace todo lo contrario: películas con argumentos de serie B envueltas en papel de cine de autor.

Esto era muy evidente en ‘Antiviral’, que parecía una versión estilizada pero pretenciosa y vacía del universo cinematográfico de su padre. En ‘Possessor’ también se nota algo esa afectación narrativa un poco inocua, el uso de un ritmo parsimonioso y unos planos demasiado solemnes para lo que realmente está contando: un sencillo thriller de ciencia ficción articulado sobre la idea de la “posesión” de otro cuerpo con fines criminales a través de la tecnología.

Sin embargo, en ‘Possessor’ sobresalen mucho más las virtudes que apenas vimos esbozadas en ‘Antiviral’: un notable sentido visual, lleno de plasticidad y expresividad (el filme tiene mucho de viaje psicotrópico); una estupenda dirección de actores, siendo el duelo psíquico entre Andrea Riseborough y Christopher Abbott de lo mejor de la película; y una apreciable capacidad para crear tensión dramática, consiguiendo mantener la atención del espectador hasta el final. Además, incluye una imagen bastante perturbadora que podría ser una fabulosa careta para lucir el próximo Halloween.

Por cierto, aunque esté feo decirlo hablando de una película de su hijo, que ganas de ver la próxima de David Cronenberg: ‘Crimes of the Future’, una nueva versión -aunque parece que muy libre- de su película homónima de 1970, que va a rodar este verano con Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart y Scott Speedman como protagonistas.

Bad Gyal sucumbe al disco de oro de ’44’ estrenando su vídeo, y anuncia gira

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Bad Gyal tiene un disco nuevo en el mercado llamado ‘Warm Up’ que continúa en el top 50 de los álbumes más populares en España 11 semanas después de haber alcanzado el top 5 en su semana de salida.

El minidisco de 8 pistas incluye hits pasados como ‘Zorra’ (el remix), ‘Blin Blin’ y ‘Aprendiendo el sexo’, pero se promocionaba con 2 vídeos para sendas canciones nuevas: ‘Pussy’ y ‘Judas’. Ninguna de las dos ha funcionado especialmente, pero sí de manera espontánea la llamada ’44’, que ya seleccionamos en su momento como “Canción del Día” y que ha sido certificada como disco de oro en España pese a no haberse promocionado tanto como ‘Pussy’.

Al fin Bad Gyal sucumbe al éxito de esta canción de pop que conecta con temas pasados como ‘Candela’, y estrena un sencillo videoclip que ya encontramos rondando el top 10 de las tendencias de este viernes en Youtube España. Chorros de agua en biquini en unas aguas que ni Ofelia y telas de un verde semitransparente son el atrezzo de esta colaboración con Rema. Además, se aprovecha para comunicar las fechas de presentación de la cantante.

19 JUN | CASA SEAT – BARCELONA, ES
26 JUN | CALAFELL BEACH FESTIVAL – CALAFELL, ES
2 JUL | METROPOLI FEST- GIJÓN, ES 
3 JUL | PASSA TEMPO – BETANZOS, ES 
9 JUL | SUNSET FESTIVAL – MURCIA, ES
10 JUL | BIG SOUND- VALENCIA ES 
30 JUL | RÍO BABEL – MADRID, ES 
31 JUL |  FESTIVAL SONICA – CASTRO-URDIALES, ES 
7 AGO | PORTA FERRADA – ST FELIU DE GUÍXOLS, ES
13 AGO | PRENDE BENIDORM – BENIDORM, ES 
14 AGO | CRAZY URBAN FESTIVAL – TORREVIEJA, ES [ SOLD OUT ]
15 AGO | CAVIAR FESTIVAL – FUENGIROLA, ES 
20 AGO | DSOKO FEST – CÁDIZ, ES 
9+10 SEP | NITS DEL FORUM (PRIMAVERA SOUND) – BARCELONA, ES 
12 OCT | PILARES – ZARAGOZA, ES 

Lorde captura en ‘Solar Power’ la esencia de ‘Loaded’, con el visto bueno de Primal Scream

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Lorde había anunciado la llegada de una novedad suya llamada ‘Solar Power’ para el 21 de junio. Sin confirmar que se trata de su nuevo single, la noticia daba la razón a los rumores que se han podido leer en los foros en los últimos días y que también apuntan a la existencia de un segundo tema llamado ‘Mood Ring’ cuyo destino se desconoce por ahora.

Debido a las filtraciones que estaban teniendo lugar en la red, el lanzamiento de ‘Solar Power’ se ha adelantado al 10 de junio, día de eclipse solar. El tema ha sido producido por Jack Antonoff, cuenta con los coros de Clairo y Phoebe Bridgers y supone un cambio radical en el sonido de Lorde para adentrarse en sonoridades más folk-pop y setenteras.

‘Solar Power’ recuerda a singles de George Michael como ‘Freedom ’90’ pero también tiene cierta querencia al ‘Screamadelica’ de Primal Scream y es un corte totalmente dominado por la guitarra acústica hasta que entran baterías y coros. Tanto se parece a ‘Screamadelica’ que Lorde ha tenido que pedir permiso a Bobby Gillespie para sacar la canción, como ha declarado en Apple Music y recoge el NME. “Nunca había escuchado a Primal Scream en mi vida. Me dijeron que les echara un ojo. Escribí la canción a piano y después me di cuenta de que sonaba mucho a ‘Loaded’. Es una de esas cosas locas de los antepasados espirituales de una canción. Así que se la enseñamos a Bobby Gillespie y me dijo que le encantaba. Me dijo: “ya sabes, estas cosas pasan, has capturado la vibración que nosotros hace unos años». Y me dio su bendición”.

El videoclip ha sido rodado en una playa: no hace falta decir más. O sí, porque si ‘Solar Power’ parece un «lead single» extraño de primeras, atención a la ristra de frases memorables que deja la letra. Lorde arranca cantando que «odia el invierno» y que suele «cancelar todos los planes» pero que, cuando llega el verano, «algo se apodera de mí». Describe sus mejillas rosadas como si fueran «melocotones maduros», apunta que su chico está «tomando fotos detrás de ella» y dice que se siente como una «Jesucristo más guapa». Más adelanta lanza su móvil al mar.

La neozelandesa ha aprovechado el accidentado lanzamiento de ‘Solar Power’ para confirmar que su nuevo disco se titula de la misma manera y que la portada que pensábamos que era la del single, de hecho es la del disco. El álbum es una «celebración del mundo natural y un intento de inmortalizar los sentimientos profundos y trascendentes que me vienen cuando al aire libre». Puedes comentar todo sobre Lorde en nuestros foros.

¿Qué te parece 'Solar Power' de Lorde?

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Garbage / No Gods No Masters

Imaginad alguien tan despistado como para pensar que Garbage se van a beneficiar del clima sociopolítico para publicar ahora su disco más político. Ellos que hablaron sobre las libertades en ‘Stupid Girl’, que nos descubrieron qué significaba la palabra ‘Queer’, que reivindicaron la igualdad total en ‘Androgyny’… Si ver simplemente a Shirley Manson sobre un escenario o en un videoclip era polisemia pura: cuántas cosas significó para el feminismo, cuántas para la comunidad LGBT+. ¿De verdad a alguien le sorprendió, con la llegada de los blogs y las redes sociales, conocer sus opiniones explícitas sobre el mundo?

Sin que Garbage hayan sido nunca un grupo planfletero, sus cartas siempre han estado sobre la mesa, y ‘No Gods No Masters’ es el álbum más explícito al respecto, que llega al mercado cuando el público más lo ha demandado. Cuando lemas como «ni una más» están calando en la sociedad, cuando ya no se pasa por alto ninguna denuncia por abusos, cuando se está tomando conciencia del daño que ha hecho el heteropatriarcado a nuestra manera de pensar. De eso va el primer single y el tema que abre el disco, el complejo ‘The Men Who Rule the World’, en el que el «violador» apelado se refiere a todos los hombres que han dañado al prójimo o al medio ambiente, donde Shirley Manson entona sentencias tan contundentes como «los hombres que dominan el mundo lo han jodido pero bien» o «las mujeres que abarrotan los juzgados son acusadas de putas».

Nunca han sido los textos de Manson amigos de grandes sutilezas, ni son tiempos propicios para eufemismos, y temáticas muy parecidas emergen en canciones como ‘Godhead’, con frases como «si tuviera polla, ¿me engañarías? / si tuviera polla, ¿me la chuparías?» o «llámame zorra, soy una terrorista», en clara alusión a la opinión de la extrema derecha sobre el movimiento feminista. ‘Flipping the Bird’ es una «peineta» contra el mansplaining y el manspreading inspirada en una conversación en un podcast con Liz Phair.

Si el segundo single y la canción titular ‘No Gods No Masters’ aparece influido por las revueltas de Chile, otras canciones ofrecen diferentes prismas: ‘Waiting for God’ habla de injusticia social, ‘Uncomfortably Me’ habla sobre inseguridad en una misma y ‘The Creeps’ reincide en lo mismo versando sobre la vergüenza que sintió Shirley Manson cuando la expulsaron de Interscope en 2009. Por su parte, ‘A Woman Destroyed’ se inspira en la película de Ana Lilly Amirpour ‘Una chica vuelve a casa sola de noche‘, que no es lo que parece por su título, sino una peculiar cinta vampírica estrenada en el Festival de Sitges que devuelve el cine independiente a una canción de Garbage, como viene sucediendo desde los primeros discos. Se salen de la temática general, aunque no es muy difícil imaginar cierta conexión, un par de pistas como ‘Anonymous XXX’, sobre sexo anónimo, y el tercer single ‘Wolves’, sobre un conflicto interior.

¿Cómo están orquestados musicalmente tan ricos mensajes? Garbage han querido aproximarse al sonido Roxy Music y Talking Heads en compañía del productor Billy Bush (marido de Shirley y técnico de la banda desde 1998), y ofrecen novedades musicales hasta cierto punto a través de la presentación del álbum ‘The Men Who Rule the World’, con el sonido de cajas registradoras y máquinas tragaperras; arrimándose a New Order como nunca habían hecho en ‘Flipping the Bird’; o a Depeche Mode en el solvente ‘No Gods No Masters’. Pero sin alejarse de manera dramática del redil: se habría agradecido que arriesgaran un poco más, pues en ‘Wolves’, ‘The Creeps’ y ‘Godhead’ encontramos a los Garbage de toda la vida, que tan bien se han venido desarrollando en discos como ‘Strange Little Birds‘.

La banda, eso sí, no renuncia a canciones desestructuradas como las que han trabajado siempre. Las nuevas son ‘A Woman Destroyed’, una canción que Shirley ha soñado, y la final ‘This City Will Kill You’, que según ellos mismos ha sido todo un ejercicio de composición por su falta de estribillo como tal. ¿Son estas canciones tan rupturistas como ‘Hammering in My Head’? Probablemente no. ¿Te mantiene esta secuencia lo suficientemente atento como para que te preguntes con cierta excitación qué puede pasar en la pista siguiente? Ese dinamismo se ve muy bien cuando ‘Godhead’ emerge después de ‘Waiting for God’, o cuando ‘Flipping the Bird’ sale tras ‘A Woman Destroyed’. Hay cosas que Garbage siguen haciendo muy bien, mucho mejor que muchos coetáneos americanos (Smashing Pumpkins, Weezer, No Doubt…) y británicos (Manic Street Preachers, Suede…).

Megan Thee Stallion se supera con el inenarrable vídeo de ‘Thot Shit’

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Por si no había suficiente con el «culorde» de ‘Solar Power’, Megan Thee Stallion ha sacado un vídeo lleno de traseros que botan y botan y botan para su nuevo single ‘Thot Shit’, una de las novedades que puedes escuchar desde hoy viernes en nuestra playlist de Spotify actualizada.

Pero hay más: en ‘Thot Shit’ Megan recupera a su alter ego rubia Tina Snow para hacer una crítica a la misoginia, en este caso representada en un señor diplomático de la tercera edad que escribe un comentario «hater» en el vídeo de ‘Body’ y procede a masturbarse en la oficina con la foto de su familia delante. Según la nota de prensa, la canción «celebra a las mujeres que disfrutan y que hacen lo quiere cuando quieren sin que les importe lo que los críticos tengan que decir».

En el vídeo, Megan y su grupo de bailarinas hacen la vida imposible a dicho señor de diversas maneras: le perrean por todas partes, se comen su comida, le amargan el baño y le atropellan con un tractor. Como diría Tatiana de Gran Hermano, no le dejan en puto paz. El vídeo es un delirio continuo desde que Megan aparece en escena hasta el final.

Y es que, aparte de esa bailarina que perrea durante tres horas delante de un coche de policía, hay que destacar ese surrealista último plano en el que el mencionado ejecutivo aparece con su boca convertida en una vagina. No sabemos si el director Aube Perry se habrá inspirado en ‘Pieles‘ de Eduardo Casanova o en algún video de Tommy Cash pero lo parece. Buena manera de hacer flipar al personal cuando parecía que en el vídeo estaba ya todo dicho.

Primavera Sound 2022 agota todas las entradas

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Primavera Sound 2022, que se celebrará durante casi 2 semanas en junio del año que viene, ha agotado entradas para su dos fines de semana gracias a su mastodóntico cartel, al que recientemente se ha sumado Phoenix, en concreto el sábado 11 de junio en el Parc del Fòrum. La nota de prensa invita a pensar en novedades discográficas por parte de los autores de ‘1901‘, cuando dice que «su repertorio ya es una explosión de color y endorfinas», pero añade: «¿Pistas de su séptimo disco, que ya están grabando? Permanezcan atentos a su perfil de Instagram».

El festival anuncia: «Las entradas para Primavera Sound 2022 Barcelona – Sant Adrià se han agotado. En poco más de una semana, el festival ha vendido las 200.000 entradas que aseguran el lleno en cada una de las seis jornadas en el Parc del Fòrum a razón de 80.000 personas por día. Estas cifras inapelables confirman que el nuevo formato del festival ha sido recibido de forma entusiasta por el público. Una confianza que también han demostrado la inmensa mayoría de poseedores de entradas para la edición de 2021, que han mantenido sus tickets para el año que viene». El plazo de devolución de entradas sigue abierto hasta el 15 de junio. Si se liberan nuevas entradas se distribuirán a través de la lista de espera de DICE, a la que todavía es posible apuntarse.

En su comunicado, Primavera Sound destaca el poder de atracción internacional del festival:»Más de 100.000 personas viajarán desde 126 países diferentes hasta la que será la primera gran cita de la temporada europea de festivales post-pandemia».

Clairo recibe a Lorde de corista en la acústica ‘Blouse’ y anuncia disco

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Clairo, icono el bedroom-pop, definitivamente se ha convertido en una autora de primera categoría a la que esa etiqueta se le ha quedado demasiado pequeña. ‘Immunity‘ fue uno de los mejores discos de 2019 gracias a sus maduras canciones y la interesante producción de Rostam y había mucha curiosidad por averiguar cuál sería el siguiente paso de la artista estadounidense.

Aprovechando que ha salido el single de Lorde en el que hace coros junto a otra superestrella del rock alternativo como es Phoebe Bridgers, aunque tiene pinta todo de haber sido un movimiento de márketing orquestado, Clairo ha anunciado su disco. ‘Sling’ verá la luz tan pronto como el 16 de julio. Está inspirado en su perra Joanie, cuya patita asoma en la portada del largo.

Cuenta la cantante que cuidar de su mascota le ha hecho reflexionar sobre su relación con la paternidad y sobre lo que esta significaría para ella. Así, el álbum presenta el «vistazo a un mundo en el que me he dado cuenta de que la vida doméstica era lo que me faltaba».

Y doméstica, intimista, suena el primer avance ‘Blouse’, que ha sido producido por Jack Antonoff, el hombre que lo hace todo, pero que se compone básicamente de voces, guitarra y un tímido arreglo de cuerdas. Un corte pastoral, de cantautora en el sentido estricto de la palabra, en el que casi se puede escuchar el espíritu de Sybille Baier o de Elliott Smith en su melodía. La propia Lorde, por cierto, hace coros en ella: todo queda entre amigos.

De momento se conoce el listado de canciones oficial de ‘Sling’, pero sí se sabe que ‘Blouse’ será la pista 5 de un total de 12. Clairo, por cierto, es una de las tropocientas artistas confirmadas en el cartel de Primavera Sound 2022.

Lo mejor del disco de MARINA eran los singles

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Este viernes 11 de junio se publica el esperado nuevo álbum de Marina Diamandis, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’. El conflicto es evidente en la primera escucha: ‘LOVE + FEAR‘ podía parecer un trabajo demasiado poco arriesgado, demasiado vainilla, pero contenía una serie de canciones bastante memorables de las que no hay tantas en este nuevo disco… y no solo porque sea bastante más corto. Se vuelve a dar que lo mejor eran los singles, los cuales han sido publicados en orden de mejor a peor, y los cortes restantes son puro material para fans.

Destacan la balada a piano ‘Highly Emotional People’, que suena a una Kate Bush despojada de artificios, y el pop-rock épico de ‘I Love You But I Love Me More’, pero de las 6 pistas inéditas 4 son de hecho baladas y ninguna toca tanto la patata como ‘Happy’, ‘Lies’ o ‘Handmade Heaven’, aunque la final ‘Goodbye’ llama la atención por su estribillo atropellado. La apocalíptica ‘New America’ no está mal, pero da la sensación de que el componente dramático y «over the top» de las melodías de MARINA prevalece por encima de unas composiciones que se conforman con ser correctas.

En los foros hay opiniones de todo tipo: para algunos ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ es el mejor disco de MARINA en años, para otros otro disco de MARINA más. Eso sí, nadie parece tener la sensación de encontrarse ante lo peor que ha hecho. Se subraya para bien la nítida producción de las canciones, el color de las mismas y por supuesto las melodías, y para mal unas letras que hablan de política y sociedad con un mensaje de brocha gorda que no es especialmente motivador.

Como sucedió con la promoción de ‘FROOT‘ previamente al lanzamiento de este álbum, cada single que lo ha ido avanzando estos días ha sido prácticamente un universo en sí mismo: del drama de ‘Man’s World‘ hemos pasado al punk-pop de ‘Purge the Poison‘ y de este al Muse meets ‘Womanizer’ del corte titular.

Estos días, la cantante británica ha publicado un cuarto y último adelanto que vuelve a diferenciarse por su cuenta. ‘Venus Fly Trap’, cuyo título alude a un tipo de planta carnívora, desprende ese drama teatral, exagerado, desenfadado e incluso cómico que podía percibirse en los primeros dos discos de Marina, especialmente en el primero. Suena como si el personaje espabilado y excéntrico de ‘I Am Not a Robot’ se hubiera casado con esa Electra Heart que reflexionaba sobre la fama, pero por una vía pop-rock más convencional.

Marina ha explicado que «muchos de nosotros nos hemos reprimido para ser aceptados a lo largo de nuestra vida, con la consecuencia de que nos hemos hecho pequeños para que los demás se sientan cómodos», y ha señalado que ‘Venus Fly Trap’ celebra ser dueña de una misma así como la confianza y la alegría que se sienten cuando eres realmente libre». En este caso, la libertad a la que alude Marina proviene de no haberse amoldado a las demandas de «Hollywood». En concreto, canta que no está metida en el juego de la música «por el dinero o por la fama» -aunque no se le olvida mencionar que es «millonaria»- e insiste en que nunca dejará de ser «ella misma».

Doja Cat estrena la oscura ‘Need to Know’ y detalla su disco, con The Weeknd o Ariana

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El nuevo disco de Doja Cat saldrá tan pronto como el viernes 25 de junio, lo cual viene a querer decir que quedan tan sólo dos semanas para su edición… y que llega muy poquito tiempo después de que hayamos visto un vídeo extraído del largo anterior, en concreto el correspondiente a ‘Streets’.

El álbum que sucede al más que exitoso ‘Hot Pink’ se llama ‘Planet Her’ e incluirá el pelotazo actual ‘Kiss Me More’ con SZA, tan reminiscente de ‘Say So’, pero sólo para cerrar la secuencia.

‘Planet Her’, con fotos de David LaChapelle, va a traer colaboraciones con Ariana Grande y The Weeknd, la primera de estas dos recibiendo el curioso título de ‘I Don’t Do Drugs’. También habrá «featurings» de Young Thug y de JID. Eso sí, antes de todo esto, lo que podemos escuchar es el sencillo ‘Need to Know’, que ya puedes escuchar en nuestra playlist semanal «Ready for the Weekend».

Abiertamente producido por Dr. Luke ya sin la utilización de ningún alias (como con el que firmaba su producción en ‘Say So’), ‘Need to Know’ es un oscuro tema de trap-pop con sintetizadores ambientales de fondo en el que Doja adopta una personalidad de rapera extravagante parecida a la de Nicki Minaj. En la letra se dirige a un chico cuya «polla es un 10 sobre 10».

‘Woman’
‘Naked’
‘Pay Day (feat. Young Thug)’
‘Get Into It (Yuh)’
‘Need To Know’
‘I Don’t Do Drugs (feat. Ariana Grande)’
‘Love To Dream’
‘You Right (with The Weeknd)’
‘Been Like This’
‘Options (feat. JID)’
‘Ain’t Shit’
‘Imagine’
‘Alone’
‘Kiss Me More (feat. SZA)’

RFTW: Kylie Minogue versionando a Lady Gaga, Jessie Ware, Maroon 5, Sleater-Kinney, Joana Serrat…

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Hoy viernes 11 de junio salen nuevos discos de Marina, Garbage (el Disco de la Semana en estas páginas, pronto crítica), Sleater-Kinney, Maroon 5, Joana Serrat, Islands, Danny Elfman, Christina Rosenvinge (la banda sonora de ‘KAREN‘), Jessie Ware (la reedición de su excelente ‘What’s Your Pleasure?’), Migos, Delaporte, Mujeres, Todrick Hall, King Gizzard & the Lizard Wizard o El Hijo.

Entre los singles destacados de hoy el viernes, el nuevo de Doja Cat, que acaba de anunciar disco, y el de Clairo, que ha hecho lo mismo. ‘Blouse’ cuenta con coros de Lorde, quien también presenta single con coros de Clairo y Phoebe Bridgers. Ambos están producidos por Jack Antonoff y este estrena hoy nuevo adelanto de su proyecto Bleachers. La sorpresa del día la da Kylie Minogue, que ha participado en el disco de revisiones de ‘Born this Way’ de Lady Gaga para versionar ‘Marry the Night’.

Hoy viernes llega también un nuevo tema de Noel Gallagher’s Flying Birds, y otro «comeback» a comentar es el de Jessie J, que vuelve en plan diva disco. Además, Ricky Martin y Paloma Mami estrenan colaboración, Saint JHN y SZA su tema para la nueva película de ‘Space Jam’, Megan Thee Stallion prepara ya nuevo disco con el lanzamiento de ‘Thot Shit’, Nicki Minaj se sube a un tema de Polo G y El Guincho produce un tema de Beny Jr.

A lo largo de la semana han visto la luz también nuevos singles de Los Punsetes y de Ava Max, así como los de Lucy Dacus o Tkay Madza. A ellos se suman hoy Marshmello, H.E.R., Beach Fossils, Nao, Peggy Gou, Yebba, José González (sigue adelantando el disco que publica en septiembre), Tones and I o Fasenuova, entre otros.

Garbage / Version 2.0

En 1998 grupos como The Prodigy y The Chemical Brothers ya se han convertido en superventas. El número 1 logrado por ‘The Fat of the Land’ en Estados Unidos ha sido destacado en todos los medios especializados, porque la hazaña no estaba al alcance de los grupos de Brit Pop. Tocaba dar un paso más. Garbage partían con ventaja para tener cabida en aquella generalidad llamada «electrónica», pues ya en su debut se habían resistido a ser un grupo post-grunge, y seguir esa línea para ellos fue un proceso más natural que para Smashing Pumpkins hacer ‘Adore’, para R.E.M. hacer ‘Up’, o para The Cardigans hacer ‘Gran Turismo’. Discos, los tres, notables, por otro lado.

Viniendo de canciones como ‘Milk’ o ‘As Heaven Is Wide’, para ellos el punto que conecta los dos primeros álbumes, Garbage solo tuvieron que apretarse un poco las tuercas. Buscaron hacer un disco en el que fueran referencia tanto Radiohead -que habían sacado ‘OK Computer’ el año anterior- como Björk -que iba por su obra maestra ‘Homogenic’-, pero también clásicos como Beatles, Beach Boys y Frank Sinatra. Lo dijo la propia Shirley Manson apelando en Billboard a un álbum «muy diverso, que se fuera a los extremos», mientras Butch Vig explicaba que las canciones llegaban a tener 120 pistas con diferentes capas y samples, aunque al final optaran por mezclar en cinta analógica. Querían combinar la alta tecnología y «la baja», «el sonido de hoy y las memorias de oro de ayer».

Ciertamente ‘Version 2.0’ suena como un disco más extremo que el primero. Ellos mismos explicaron que en su debut se estaban conociendo como personas, aún estaban buscando su identidad y aprendiendo a estar a gusto con Shirley y viceversa, mientras que este otro disco es el fruto de una mayor «camaradería y sentido de la comunicación». Si el primero es una toma de contacto, este es una obra que asienta esas bases de su sonido en varias direcciones: parte del público percibe que el grupo ha dado un paso «demasiado electrónico», lo cual igual no tenía mucho sentido en el año en que se editaba un recopilatorio tan chulo como el de Depeche Mode ‘(Singles 86-98)’, pero llegó a circular como chascarrillo entre el público… justo cuando este álbum contenía instrumentos de cuerda acreditados en ‘The Trick Is to Keep Breathing’: Jon J Vriesacker tocó el violín y Karl Lavine, el violonchelo.

El magnetismo como grupo es incuestionable en la cantidad pornográfica de singles que llegaron a publicarse. ‘Push It’ puede presumir de ser una de sus grabaciones más complejas, desde su inspiración en ‘Don’t Worry Baby’ de Beach Boys con el beneplácito de Brian Wilson, hasta su hipnótico riff, pasando por su parte más distorsionada en honor a la letra que habla de un «ruido» que te «vuela la cabeza». Todavía lo sigue haciendo a día de hoy. Y ‘I Think I’m Paranoid’ era seguramente todo lo que soñaban Butch, Duke y Steve cuando buscaban específicamente una chica para su grupo: carisma, sensualidad y un punto de actitud libre como el viento, impredecible. En el vídeo no sabías si Shirley te iba a besar, a devorar o a devorarse a sí misma, como parece cuando se mete el puño por la boca.

Las cosas no se quedaron ahí: la tarareable ‘Special’ y su vídeo galáctico dirigido por Dawn Shadforth definían lo que ha de ser un gran tercer single, y ya en 1999 llegaba como cuarto ‘When I Grow Up’. Puede parecer una canción tonta, pero no lo era. En verdad habla sobre la gran mentira de la madurez («cuando crezca, seré estable» frente a la posibilidad de que tal cosa nunca llegue a pasar), y justo cuando parece que está acabada, añade una tercera estrofa y una outro que representan el verdadero cénit de la canción, como se pudo comprobar en sus enérgicos directos.

Hubo más: ‘The Trick Is To Keep Breathing’ fue sencillo también, en España alguien decidió lanzar a las emisoras ‘Temptation Waits’ para celebrar que el disco llevaba un año en listas (fue un insólito platino por aquí, ¡qué tiempos!), y falta por mencionar la fantástica balada de cierre ‘You Look So Fine’. Stéphane Sednaoui dirigía el histórico vídeo inspirado por Ingmar Bergman y «algún tipo de película de samurais», con Shirley Manson definitivamente convertida en una de las/los cantantes más carismáticos de los años 90.

Originalmente titulado ‘Sad Alcoholic Clowns’, ‘Version 2.0′ se creó con un material que habría dado «para 5 álbumes de música». Las ideas están muy bien condensadas, sin apenas pasos en falso (¿’Dumb’? ¿’Sleep Together’?) y desplegando una amalgama de sexo (‘Temptation Waits’), locura («Paranoid»), depresión (‘The Trick Is to Keep Breathing’, dedicada a una amiga de Shirley) y cuestiones sociales (‘Medication’ va sobre el sistema médico americano), que era imposible que no calara en la generación post-grunge.

Quizá la canción que mejor conjugue todo sea ‘Hammering in My Head’. No fue uno de los 6 ó 7 singles, pero sí se convirtió en una de las favoritas de sus directos, condensando muchas de las inquietudes expuestas en el álbum. Está la liberación sexual junto a una persona cuyo nombre desconoces, la obsesión que «martillea la cabeza», la paranoia asociada al disco desde los mismos vídeos promocionales… todo ello con una desestructura sorpresa en la que escuchamos a Shirley Manson cantar como diva pop, narrar, susurrar, jadear, recitar. Escucharla hablar de un «tren bala» que va «de Tokio a Los Ángeles» como adormilada es un resumen del delirio de este disco. Un delirio que funciona muy bien. ‘Version 2.0’ no igualó por muy poco los 4 millones de copias despachados por ‘Garbage’, que ha pasado a la historia como su gran clásico, como se vio muy bien cuando hubo que organizar reediciones y giras de 20º aniversario hace unos años. Pero no fue por falta de aptitudes.