Inicio Blog Página 69

10 imprescindibles de Monkey Week 2024

0

Ya queda menos para que se celebre la Alhambra Monkey Week, una de esas ferias de música que reúne a artistas e industria musical. Será en Sevilla entre los días 21 y 23 de noviembre. La organización comunica hoy una mala noticia: el Ayuntamiento de Sevilla les comunicó el jueves pasado (día 7 de noviembre) que les recortan dos horas de licencia en los escenarios principales con respecto al horario que tenían acordado desde febrero -reconfirmado posteriormente en mayo y septiembre- para la realización del festival. Por eso se ha demorado la publicación de horarios, ya disponible, y habrá más solapes que otros años.

La organización insiste en que el quid de la cuestión es «descubrir hoy la música del mañana», lo cual no quiere decir que no se cuide a talentos ya consolidados de la escena de medio mundo, o muy conocidos por estos lares. Estos son los 10 artistas imprescindibles que -más o menos, porque a gustos, colores- encabezan su cartel.

Triángulo de Amor Bizarro
Tras la marcha de Zippo, el grupo gallego es al fin un trío. Isa, Rodrigo y Rafa están recorriendo el país con una gira de XX aniversario en la que cada concierto es una aventura diferente. Unas cartas de tarot diseñadas por Wences Lamas deciden qué 2 discos interpretan cada noche, al completo y en orden. Para finalizar, un bis con «grandes éxitos». Nos acaban de dar todos los detalles en un podcast imperdible en el que repasamos toda su carrera.

Yerai Cortés
El nombre en todas las quinielas para montar la mayor fiesta de toda la Monkey Week es el de Yerai Cortés. Él es el protagonista del documental que, dirigido por C. Tangana, se presentó con enorme éxito en el Festival de Cine de San Sebastián. Al margen de su curiosa historia familiar, llena de secretos y disputas, ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’ lleva hasta una gran audiencia el talento de un artista que ha renovado el flamenco en solitario y junto a nombres tan dispares como Judeline, Ralphie Choo y Lola Índigo. Os dejamos con su sesión para Colors.

Alcalá Norte
Como ya es un cliché aseverar que Alcalá Norte son la revelación del año o la banda de moda, vamos con los datos. El grupo madrileño lleva 23 semanas en la lista de los vinilos más vendidos del país, pese a las dificultades de distribución de un sello tan pequeño como Balaunka, y a que muchas de las tiendas en donde se ha distribuido no computan en Promusicae. ‘La calle Elfo’, la adaptación de La Paloma ‘El rey de los judíos’ y por supuesto ‘La vida cañón’ volverán a ser los mejores momentos de ese show que ya han paseado por media España.

Ganges
Ganges ha ganado muchos puntos con la edición de su nuevo disco ‘SORA’. Su carrera ya había dejado pequeños hits como ‘Pensar en ti’ con Natalia Lacunza, la hipnótica ‘Solo me gustas cuando yo te gusto a ti’ o ‘6º’. Pero su última obra es la que mejor equilibra electrónica y letras confesionales, desde la contención y admiración de ‘Mirarte’ a la explosión de ‘FOTOLOG NOSTALGIA’.

Baiuca
Asentado desde hace un lustro como uno de los pioneros de nuestro país que han alternado folclore y electrónica, Baiuca presenta este otoño su nuevo disco ‘Barullo’. En él vuelven a encontrarse los samples y los beats bailables con las voces de la tradición gallega, como es muy visible en pistas como ‘Navajitas’. Antía Ameixeiras y el ex Novedades Carminha CARLANGAS están entre las voces invitadas de este nuevo disco de estudio, a falta de comprobar cómo será la presentación en vivo de esta gira.

Barry B
Cuando comience Alhambra Monkey Week la semana que viene, todo el mundo podrá estar ya disfrutando del esperado disco de debut de Barry B, ‘Chato’. Este verano ha arrasado su colaboración con Carolina Durante, ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’, y también se han presentado otras canciones tan efectivas como ‘El efímero arte de perdonar’ o ‘Joga bonito’. En ellas se combina el sonido Madchester con la electrónica, el indie lo-fi y la balada.

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba
Ver a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba en esta edición de Alhambra Monkey Week no solo es verlos totalmente en su salsa, pues la banda sevillana es favorita y amiga de la organización. También será verlos después de que su álbum de este año, ‘Bolsa amarilla y piedra potente’, alcanzara el número 1 de ventas de nuestro país, sustituyendo a la mismísima Beyoncé con ‘Cowboy Carter’. El grupo que alterna flamenco con rock psicodélico y progresivo ha sumado a su repertorio hits como ‘La fuente’ o ‘El chinche’.

Pony Bravo
Otro grupo indisociable de la historia de Sevilla es Pony Bravo, en su caso más marcado por esa mezcla de tradición y underground que percibimos de Triana a Smash. Eso sí, con un toque de humor que consagró temas tan divertidos como ’Noche de setas’ o ‘Mi DNI’. Este año han publicado su álbum ‘Trópico’, que incluye temas como ‘C’est Chic – C’est Bon’ y ‘Linda’, marcados aún por la psicodelia y el prog-rock, aunque ciñéndose a los metrajes que marca el pop.

Queralt Lahoz
En 2021 llegaba el disco ‘Pureza’ de Queralt Lahoz. Ahora la cantante ultima ya un nuevo trabajo largo programado para 2025. Su reciente colaboración con Toni Anzis o ‘Pedí perdón’, el single en solitario que lanzaba la pasada primavera, parecían presagiar que la cantante seguirá inmersa en los ritmos sensuales del R&B americano sin dejar de acariciar guitarras españolas, pianos y melodías mediterráneas.

Meridian Brothers
Alhambra Monkey Week ya no quiere ser un gran reclamo en cuanto a artistas internacionales anglosajones, pero sí suele contar con varios latinoamericanos. Los colombianos Meridian Brothers llegan a Sevilla para reivindicar su carácter pionero. En activo desde finales de los 90, el proyecto de Eblis Álvarez ha llevado la salsa, la cumbia y el vallenato hacia la electrónica o las músicas de otros lugares del mundo. Un buen ejemplo es su último álbum, ‘Mi Latinoamérica Sufre’, publicado este año como homenaje a la rumba congoleña de los años 70, el highlife ghanés y el afrobeat nigeriano, sin dejar de lado la cumbia, la champeta o los ritmos brasileños. Ahí va su Tiny Desk.

Un podcast con Monkey Week

No solo ‘La muerte os sienta tan bien’ en ‘Taste’ de Sabrina Carpenter

0

En plena explosión del gore en las pantallas (y en la taquilla), con éxitos como ‘La sustancia’, ‘Terrifier 3’ o ‘Smile 2’, el lanzamiento de ‘Taste’ hace un par de meses casi se puede ver como un adelanto de lo que estaba por llegar, la cuchilla que abrió la herida. No es casualidad que detrás de este videoclip esté un fan del género de terror como Dave Meyers, quien en 2007 dirigió el remake de ‘Carretera al infierno’ (1986).

El vídeo de Sabrina Carpenter es un borboteo de referencias a clásicos del cine sanguinolento. Rodado en clave de humor, ‘Taste’ tiene como principal fuente de inspiración la comedia ‘La muerte os sienta tan bien’, un hit de videoclub en los 90, poco valorada en su época más allá de los efectos especiales (la rodó Robert Zemeckis entre la saga ‘Regreso al futuro’ y ‘Forrest Gump’), pero convertida en película de culto gracias a su reivindicación por la comunidad LGTB+ estadounidense.

‘Taste’ se articula por medio de la pelea a cara de perra entre Sabrina y la actriz Jenna Ortega, convertida casi en icono del género tras las últimas de ‘Scream’, la serie ‘Miércoles’ o la reciente ‘Bitelchús Bitelchús’. Un enfrentamiento que remite a los personajes de Meryl Streep y Goldie Hawn en ‘La muerte os sienta tan bien’ y que incluye homenajes tan explícitos a la película como la del célebre agujero en el estómago o la del cuello en la guerra de vudú.

El resto de referencias van de lo topicazo –la escena de la ducha de ‘Psicosis’- y lo trillado –la Daryl Hannah tuerta de ‘Kill Bill’-, a lo friqui –el desfibrilador de ‘Scream 4’- y reivindicativo –la “muerte” por empalamiento en la valla de jardín de ‘Ginger Snaps’, joya de terror teen feminista con cada vez más adeptos.

Gracie Abrams sobrevive a una ruptura y arrasa con ‘That’s So True’

0

Gracie Abrams es el flamante número 1 de singles en Reino Unido con ‘That’s So True’. Es la primera vez que la artista californiana consigue tal hazaña. El tema ha ascendido a la cima tras 3 semanas de recorrido, y además avanza en un mercado tan complicado como España, donde sube del puesto 95 al 85 esta semana. Se está anticipando el que puede ser un éxito aún mayor que ‘I miss you, I’m sorry’ y ‘I Live You, I’m Sorry’ para esta amiga de Taylor Swift.

‘That’s So True’ es el retrato de un triángulo amoroso en el que Gracie Abrams se ríe de su ex, en concreto de su imagen dirigiendo piropos pedantes desde un sofá, y advirtiendo: “eres un idiota, ahora ya lo sé, tengo que decírselo a ella”.

Con esta línea, la artista intenta trazar una línea de complicidad entre la nueva novia de su ex y ella misma, aunque en un momento se da cuenta de que tampoco hay que pasarse. “Creo que ella me gusta, es tan divertida / Espera, creo que la odio, no he madurado tanto”.

Sin duda alguna, ‘That’s So True’ es una de las canciones más pop de Gracie Abrams. Pese a los créditos de co-producción de Aaron Dessner de The National, emparenta con la Taylor Swift más accesible, la de ‘Red’. A Taylor remite también lo meta, esto es, las referencias a otras canciones del mismo disco.

‘That’s So True’ presenta la edición deluxe de ‘The Secrets of Us’, el álbum que la artista ha publicado este mismo año. Situada como track 15, sucede a ‘Cool’ en la secuencia, canción con la que está relacionada a través de la referencia a ese sofá, que en ‘Cool’ está acompañado de una copita de vino (“te vuelves a sentar en tu sofá con una copa de vino”).

Gracie Abrams construye así un microuniverso en el que tiene mucho que ver TikTok. El tema se ha viralizado en esta red social, especialmente como himno de supervivencia a través de ese puente en que ella decide “salir con vida” tras haberse “vuelto loca”: “dije que estaba bien, desde el mismísimo ataúd”, recuerda una vez superado el mal trago.

Triángulo de Amor Bizarro repasan sus 20 años de historia

0
Toño Chouza

Triángulo de Amor Bizarro son los nuevos invitados de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO. Aprovechando que están inmersos en una gira de XX Aniversario, hablamos con Isa, Rodrigo y Rafa sobre todos los álbumes de la banda y sobre ese tour en el que están repasando dos discos enteros por noche. Esta semana, en concreto los días 14, 15 y 16 noviembre actúan en la Sala Copérnico de Madrid (los beneficios del jueves irán para los damnificados por la dana), y el 13 de diciembre lo harán en el aniversario de Razzmatazz. Hay muchos más conciertos que podéis consultar en su página web.

En esta gira, Triángulo de Amor Bizarro se ponen en las manos de unas cartas de tarot diseñadas ad hoc por Wences Lamas. Son ellas las que deciden qué 2 discos suenan cada noche, completos y en orden. Después, también hay un bis con «greatest hits». El grupo nos habla con humor de qué álbumes son más difíciles de tocar al completo, a destacar casi todas las combinaciones que incluyen los tres últimos.

La banda nos habla de sus inicios con otra formación, recuerda la influencia de escuchar afrobeat en ‘Año santo‘, o lo inacabado del tercero, ‘Victoria mística‘. «Es un puzzle que no quedó resuelto, pero los discos siguientes no existirían sin él», explica Rodrigo. De alguna manera, cada álbum ha sido consecuencia de una pequeña crisis. «Cuando salen el disco y las giras, lo pasamos genial, y somos las personas más felices del mundo, pero para preparar el siguiente disco son momentos difíciles (…) Nos definimos en las crisis. Pueden ser crisis discográficas, crisis económicas, crisis de nazis… Al hacer un disco siempre nos pasa algo. Es nuestro funcionamiento». En cualquier caso, Rafa puntualiza en un momento: «Grabar un disco no es un proceso de diversión».

Salve discordia‘ y el llamado «álbum negro» parecen dos de los discos con que quedaron más satisfechos, y este, el quinto, pese a su asociación a la pandemia, es el trabajo del que la gente pide más canciones en directo. En el último hasta ahora, ‘SED‘, reconocen que «cada canción es de su padre y su madre pero tenía una unión», que es la temática en torno a la obsesión con la fama, la decadencia, las redes sociales, etcétera. Actualmente, están ideando ya su próximo sonido al tiempo que definen ‘SED’ como el «capítulo final de una época determinada del grupo». No hay que olvidar la marcha de Zippo, el teclista.

Los 75 minutos de conversación permiten también que hablemos de la deriva de la política actual. Dice Rodrigo: «Hace 8 años Trump ganó por manipulación. Pasaron gobiernos y no hicieron nada [contra eso]. Son oportunidades perdidas. Esto iba a pasar, es como lo de los bárbaros a las puertas: si no entran de una forma, entrarán de otra, pero algo tendrás que hacer. Si en esos 8 años no haces nada, todo está mucho peor. Todo está lleno de adolescentes nazis que no saben ni realmente el significado de ese término. Estás en una época oscura. ¿Nosotros qué podemos hacer como artistas? Discos cagándonos en Dios y en su puta madre».

También hablamos de Galicia, de las orquestas gallegas y de la música gallega. «El folk nunca fue una influencia. Nuestro folk era el rock and roll, que lleva en España mucho tiempo. El folk es un constructo: se le añaden cosas, ¿y cuándo deja de ser folk?», reflexiona Rodrigo. Isa carga contra las orquestas gallegas por su falta de paridad y por su carácter de «karaoke», y se considera más gallega que otros artistas que son acogidos en eventos gallegos: «Somos gallegos, llevamos toda la carrera en Galicia y tú estás tocando la gaita en la calle Pez», desafía. El grupo carga contra «la política de funcionariado», y contra la contratación de orquestas gallegas en lugar de apostar por otro tipo de bandas.

Karol G pide disculpas por la letra de ‘+57’

0

Karol G ha tenido un año irrepetible. La gira de ‘Mañana será bonito’, cuatro Bernabéus agotados, la canción del verano en España con ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’… Es una pena que la racha haya terminado con ‘+57’, una canción que demuestra la gran crisis de creatividad dentro del reggaetón y, hasta un punto, el cansancio del público.

Lo que debería haber sido un himno del reggaetón colombiano junto a sus grandes exponentes (Feid, Maluma, J Balvin, Blessd, Ryan Castro, DFZM y Ovy On The Drums) se convirtió rápidamente en una polémica en torno a su peliagudo contenido. Así lo contaba Rolling Stone en Español en su reseña viral: «Es gravísimo que, a estas alturas de la conversación sobre la narcocultura y la cultura de la violación, se sigan tocando libremente temas como la sexualización a menores en las canciones».

El comentario se refiere a una parte de la letra en la que Feid y Maluma cantan sobre una chica que es «mamacita desde los fourteen». Esa es realmente la única referencia al tema tocado por Rolling Stone. Tal y como menciona el artículo, en Medellín existe un problema creciente con el tráfico de menores. Normal que esa frase no sea bienvenida. Sin embargo, no sé quien se esperaba un cambio con ‘+57’.

Tras el revuelo, la propia Karol G ha pedido disculpas «de corazón» en sus Stories de Instagram. Ha empezado agradeciendo el apoyo a aquellos fans que «conocen mi proyecto, las intenciones de mi trabajo y las causas cercanas a mi corazón», para luego ir directa al grano: «Como artistas, estamos expuestos a la opinión pública, y a las interpretaciones individuales de personas que nos quieren y personas que difieren de lo que hacemos».

La colombiana asegura sentirse frustrada por la «desinformación» que ha traído la polémica y denuncia unos «post falsos que supuestamente he hecho y eliminado desde Twitter, cuenta que no uso desde hace más de 6 meses».

Respecto a la letra cantada por Feid y Maluma, la cantante asegura que, «desafortunadamente», se sacó de contexto: «Buscaba celebrar la unión entre los artistas y poner a bailar a mi gente», aclara. «Ninguna de las cosas dichas en la canción tienen la dirección que le han dado, ni se dijo desde esa perspectiva, pero escucho, me hago responsable y me doy cuenta que todavía tengo mucho por aprender», continúa.

Finalmente, y antes de volver a dar las gracias a sus fans «por su amor y apoyo incondicional», Karol se disculpa: «Me siento muy afectada y me disculpo de corazón».

La polémica línea, al igual que el resto de la letra, es un cliché absoluto del género. No sé si el fallo está más en la canción, siendo una oportunidad perdida para arrojar luz sobre la cultura colombiana y sus gentes, o en la libertad que ya de por sí tienen los artistas de reggaetón para soltar semejantes frases y que a nadie le importe.

‘+57’ no dice más barbaridades que la canción media del género, pero esta sí ha importado. Es como si los oyentes hubiesen despertado: ¿Esto es lo que he estado escuchando yo todo este tiempo? ¿Por qué Bad Bunny es el único capaz de hacer canciones de reggaetón decentes? A veces, ni eso.

Choca también que la iniciativa viniese de la propia Karol G, no ya por la sexualización de menores (tampoco puede controlar lo que escribe cada uno en su verso), sino por la mediocridad absoluta de la canción. Las notas de piano de Ovy On The Drums dan la sensación de haber sido recicladas 50 veces en 50 canciones diferentes y no hay ninguna línea melódica que consiga recordar mientras estoy escribiendo esto.

Si ‘+57’ ha servido para algo, es para evidenciar que hace falta una renovación dentro del reggaetón, que el público está cansado de que se digan frases sin sentido solo porque es lo que siempre se ha hecho y que, a veces, lo que hacen 7 artistas no dista mucho de lo que puede hacer solo uno.

Primal Scream / Come Ahead

El auge de la ultraderecha y la muerte del padre de Bobby Gillespie marcan el 12º disco de Primal Scream. Dos temas que lucen tan distantes convergen en una de estas 11 canciones, ‘False Flags’. Si el single principal ‘Love Insurrection‘ se cerraba con un discurso en italiano que gritaba el lema anti-fascista «viva el amor, no pasarán», esa otra composición de 8 minutos recuerda cómo nuestros ancestros se alistaron en el ejército siendo engañados: «Banderas falsas ondean, hombres jóvenes mueren por una causa que no significa nada, un engaño para nuestras almas».

La repetición de la historia interesa a Primal Scream en este primer trabajo en 8 años, los que han pasado desde ‘Chaosmosis‘. El viejo dicho «Aquellos que no entendieron la historia están condenados a repetirla» ha inspirado abiertamente letras como la de ‘Deep Dark Waters’. Otros textos nos hablan sobre «burgueses bastardos que roban» y sobre gente que no ha leído un libro en su vida (‘Innocent Money’).

‘Come Ahead’ supone además una reinvención más para el grupo de Manchester, que se sumergió en la cultura rave y en el góspel en ‘Screamadelica’ (1990), en el dub en ‘Vanishing Point’ (1997) y en la electrónica más espídica en ‘XTRMNTR‘ (2000). De manera totalmente improbable, un álbum con una temática tan truculenta como este, es también su entrega más funk y disco.

Construido a partir de bases rítmicas enviadas por el productor David Holmes, que recientemente también ha trabajado con Noel Gallagher, ‘Come Ahead’ deriva en ocasiones en el sonido Filadelfia, en el northern soul o incluso en la bola de espejos más kitsch. La idea les sienta bien en el sencillo principal ‘Love Insurrection’, con esas cuerdas que dotan a tan reivindicativa canción de cierto toque trascendente. Tampoco está mal ‘Innocent Money’, pues como tema anti-capitalista suena con estos arreglos como una parodia de las series de los 70 llenas de lujo. Léase ‘Hotel’ o ‘Vacaciones en el mar’.

En otras ocasiones el desconcierto es considerable, pues lo que nos cuentan no encaja tanto con cómo nos lo cuentan. El ejemplo más visible es ‘Ready to Go Home’, un góspel que deriva en funk y el tema más explícito sobre la muerte del padre de Bobby. «Cuando mi momento llegue, estaré preparado», dice la canción, festiva como una salida del armario, sin que adivines si nos está introduciendo en un álbum combativo y listo para tomar las calles, o uno que acepta su triste sino, 100% conformista.

Hay canciones problemáticas, y otras directamente insignificantes, como ‘Melancholy Man’ o ‘Circus of Life’. Tampoco embriagan los 9 minutos finales de ‘Settlers Blues’, con un Bobby Gillespie que quiere parecerse a Leonard Cohen y no llega a ser Richard Hawley. En verdad, donde más cómodos sentimos a Primal Scream es en el sonido mediterráneo de ‘Deep Dark Waters’, sobre la crisis de credibilidad de Europa desde la II Guerra Mundial; o en ‘False Flags’. No tan lejos de los primeros Primal Scream que un día conocimos. Será la fuerza de la costumbre.

Sonia y Selena, Melody, Chica Sobresalto, K!NGDOM, Kuve… a Benidorm Fest 2025

1

RTVE ha anunciado los 16 artistas y grupos que participarán en la cuarta edición de Benidorm Fest, que se celebrará entre el 28 de enero y el 1 de febrero. El ganador representará a España en Eurovisión el 17 de mayo en Basilea, Suiza.

Carla Frigo, cantante y «creadora de contenido» de Barcelona, es la primera confirmada en Benidorm Fest 2025. Frigo participará con ‘Bésame’, una canción «fina, elegante y muy explosiva». La cantante hispano-holandesa Celine Van Heel, segunda confirmada, aparecerá en Benidorm Fest con la primera canción de su carrera, ‘La Casa’.

En tercer lugar se ha confirmado a Chica Sobresalto. Conocida por su paso por Operación Triunfo 2020, Maialen ha explicado el significado de su candidatura ‘Mala feminista’, una canción que habla de «la culpa»: «En esta industria, a las mujeres nos ponen palos en las ruedas y se nos exige que estemos empoderadas». A continuación se ha anunciado a Daniela Blasco, que traerá a Benidorm el «himno» ‘Uh na na’.

El primer participante masculino confirmado es el canario David Afonso. Su propuesta es ‘Amor barato’ y es «una canción que mezcla música latina con otros estilos». La cantante, compositora y productora madrileña DeTeresa, autora del chotis tecno ‘PIRULÍ‘, se subirá al escenario cantándole a ‘La Pena’ con una canción producida por ella misma, con la que reivindicará la labor de las mujeres productoras.

Henry Semler es otro de los confirmados. Nacido en Estados Unidos aunque criado en España, Semler presentará la canción ‘No lo ves’. El octavo artista confirmado es el cantante, bailarín y multiinstrumentista J KBello, que apuesta por una canción llamada ‘VIP’. El primer grupo confirmado es K!NGDOM; el trío de pop electrónico presenta ‘Me gustas tú’, tras haber intentado participar en las tres ediciones anteriores. El pop colorido de KUVE también se suma al certamen con ‘Loca por ti’, una canción que habla «del amor verdadero, del necesario».

Lachispa es la primera artista de flamenco confirmada en Benidorm Fest: la ex corista de Rosalía cantará ‘Hartita de llorar’. Conocido por su «vanguardismo electrónico», el ex jinete profesional Lucas Bun presenta ‘Te escribo en el cielo’, una canción dedicada a su madre, fallecida el año pasado. MAWOT, el proyecto de tecnopop de Roberto Comins, conocido por su trabajo en el ámbito de la producción, apuesta por ‘Raggio di sole’.

Se rumoreaba la participación de Melody en Benidorm Fest. Finalmente se confirma que la intérprete de ‘El baile del gorila’ vuelve a la primera plana musical sumándose al certamen. Participará con ‘Esa diva’, una canción que habla de que «todos somos divas». Otra Melodía, la que se esconde detrás del alias Mel Ömana, presentará ‘I’m a Queen’ con una composición de temática similar: «Todos tenemos una reina dentro», explica.

Otro grupo hito del pop español, Sonia y Selena, intérpretes del éxito del verano inmortal ‘Yo quiero bailar’, se suma a Benidorm Fest. ‘Reinas’ será la propuesta de Sonia y Selena, «una canción muy nuestra».

La rueda de prensa ha estado marcada por el recuerdo a la catástrofe en Valencia por la DANA; entre los artistas que han mandado apoyo a Valencia se encuentra la subcampeona de Eurovisión Junior Sandra Valero, que procede de Benetússer, una de las localidades afectadas.

Las 16 canciones de Benidorm Fest 2025

Carla Frigo – Bésame
Celine Van Heel – La Casa
Chica Sobresalto – Mala Feminista
Daniela Blasco – Uh Na Na
David Afonso – Amor barato
DeTeresa – La Pena
Henry Semler – No lo ves
J KBello – VIP
K!NGDOM – Me gustas tú
KUVE – Loca por ti
Lachispa – Hartita de llorar
Lucas Bun – Te escribo en el cielomawot –
MAWOT – Raggio di sole
Mel Ömana – I’m a Queen
Melody – Esa diva
Sonia y Selena – Reinas

Weezer anuncia concierto en Barcelona en 2025

0

Weezer ha pasado 2024 celebrando el 30 aniversario de su icónico álbum de 1994, el de la portada azul. En Estados Unidos, la gira The Voyage to the Blue Planet acaba esta semana en Phoenix.

Weezer empezará 2025 cruzando el océano para tocar una serie de conciertos en Reino Unido y Europa. En España la gira -sin aparente relación con el Blue Planet Tour- pasará por Barcelona, en concreto por la sala Razzmatazz, el 9 de julio. La banda telonera, Bad Nerves, procedente de Essex, te gustará mucho si te gusta el rock de garaje: atención a su single ‘Can’t Be Mine’.

Las entradas para el concierto de Weezer en Barcelona estarán disponibles a partir de este viernes 15 de noviembre a las 10 horas en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. Habrá preventas desde Live Nation-S.SMusic a partir del miércoles 13 de noviembre a las 12 horas, y desde Live Nation a partir del jueves 14 de noviembre a las 10 horas, en Livenation.es. El precio es de 60 euros + gastos.

Haz caso a Chappell Roan y escucha a Junior Varsity

0

No sé cuántas bandas pueden llamarse Junior Varsity. Según Google, unas cuantas, entre ellas, una banda emo fundada en 2002. «Junior Varsity» es un término utilizado en el ámbito deportivo universitario, especialmente en Estados Unidos, por lo que tiene sentido que un grupo joven norteamericano lo utilice, aunque no sea especialmente original.

Es el caso de esta otra banda llamada Junior Varsity surgida hace pocos años. Junior Varsity, grupo fundado en 2019, lleva desde ese año dándose a conocer en las salas de conciertos de Estados Unidos. De hecho, el trío formado por Greg Varteresian, Zach Michel y la cantante Brooke Danaher fichó por Warner Music entonces sin haber publicado una sola canción. Entre sus seguidoras en Instagram se encuentra Chappell Roan.

También en 2019, Junior Varsity apareció en los medios generalistas por vandalizar el signo de Hollywood dibujando una vaca en la primera O de la palabra. El mismo día, el grupo publicó su primer single, ‘Cold Blood’. Las guitarras de ‘Cold Blood’ -de corte californiano- han terminado definiendo el sonido de Junior Varsity.

Las canciones de Junior Varsity desprenden esa frescura universitaria del emo, el college rock y el grunge de épocas pasadas. Su mezcla de guitarras y sintetizadores se hace notar en el single ‘Cross the Street’ -que contiene cantos de animadora- y el muro de sonido de ‘New York’. También es evidente en el single que se ha extraído del nuevo EP de Junior Varsity, publicado estos días.

No puede ser más emo ese estribillo «quiero entregarte mi corazón» de ‘Give My Heart’, y tampoco su mezcla de guitarras y sintetizadores. Esta vez, una base programada lo-fi forma la base de la canción, mientras los punteos de guitarra eléctrica se funden con ella. Digamos que ‘Give My Heart’ ya es más Postal Service que Death Cab for Cutie. Forma parte del nuevo EP de Junior Varsity, ‘My Star’, ¿adelanto de un próximo LP que pueda llegar en 2025?




Duki toma la lista de singles española

2

Myke Towers y Benny Blanco siguen liderando la lista de Singles España con ‘DEGENERE. En segundo lugar, Quevedo, que se recupera de la entrada de ‘DURO’ en el puesto 18 la semana pasada. El resto de entradas, prácticamente, pertenecen a Duki, que acaba de lanzar su cuarto disco, ‘AMERI’.

La canción del argentino que mejor ha funcionado es su colaboración con Myke Towers, ‘Nueva Era’, directa al número 5. También han entrado ‘Imperio’ (#15) con Judeline, ‘Constelación’ (#21) con Lia Kali, ‘Buscarte Lejos’ (#24) con Bizarrap, ‘Vida de Rock’ (#32) con Milo J, ‘Trato de estar bien’ (#36) con Morad, ‘Brindis’ (#37) con Headie One, ‘Hardaway’ (#46) con YG y Eladio Carrión, ‘Cine (#56), ‘Ameri’ (#62), ‘No Drama’ (#75), ‘Wake Up & Bake Up’ (#86) con Arcángel y Wiz Khalifa, y ‘Un Día Más’ (#98) con YSY A.

Además, Cano entra en el número 45 gracias a ‘Se Pone Las Nike’, uno de los hits de su último disco, ‘TRIANA’. Por otro lado, el single con sabor a Brasil de The Weeknd y Anitta no ha funcionado demasiado bien. ‘São Paulo’ entra en el número 78 de la clasificación. Al límite de la lista, en el puesto 100, entran Feid y Joyce Santana con ‘Ferxxoko’.

Duki deja a The Cure sin top 1 en España

0

Dos generaciones se enfrentan esta semana en Discos España. ‘La Jauría’ de Dani Fernández, que ocupaba el primer puesto la semana pasada, queda relegado al tercer puesto. Duki y The Cure ocupan ahora las dos mejores posiciones de la lista. El argentino, con ‘AMERI’, se queda con el número 1, mientras que ‘Songs Of A Lost World’ entra en segundo lugar.

Sin embargo, en la lista de vinilos los británicos se llevan el oro, mientras que Duki ni siquiera aparece en la tabla. Durante estos días, en JENESAISPOP hemos repasado algunos discos esenciales de la discografía de The Cure, al ser su último trabajo nuestro Disco de la Semana. Los elegidos han sido ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, ‘The Head On The Door’ y ‘Pornography’.

Ilegales consiguen meter la reedición de ‘Agotados de esperar el fin’ en el número 9 de la lista. Originalmente, el segundo disco del grupo asturiano fue lanzado en 1984. Solo hay dos entradas más en el resto de la clasificación. Una es ‘Creer y Luchar’, el último disco de Sínkope, que entra en el número 24. La otra es el disco navideño de Niña Pastori, ‘¡Feliz Navidad¡’, en el puesto 38.

‘The Great Impersonator’ se ha recuperado ligeramente de una entrada a mitad de tabla la semana pasada, cuando se quedó con el número 39. Ahora, Halsey ha subido al puesto 23, consiguiendo el mayor incremento de ventas de la semana.

Porridge Radio / Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me

Con ‘Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me’, Porridge Radio llegan a su cuarto álbum. La banda de Brighton que lograra una nominación al Mercury Prize por su disco de 2020 ‘Every Bad‘ lanza ahora un trabajo sobre desamor, marcado por las largas giras y sobre todo por una relación que se ha roto, la de la cantante Dana Margolin.

Los temas de «Clouds In The Sky» no se conforman con preguntas cliché como «¿por qué te has ido?» o «¿qué nos ha pasado?», sino que van más allá. Algunas de estas letras nacieron como poemas, por lo que muchas de las canciones rehuyen incluso del estribillo, recurriendo más bien a la repetición de una frase al final del texto, como es el caso de ‘Pieces of Heaven’, que termina con el mantra «estoy cansada de desearte». Antes, había «conducido a los suburbios donde terminan los cuentos de hadas» para hablar con frustración «de los sitios a los que nunca iré, de las cosas que nunca te diré». En la línea, ‘A Hole in the Ground’ lleva dicho título por esta preciosa metáfora: «me quito toda mi ropa y corro hacia tu casa, donde en lugar de una puerta hay un agujero en el suelo».

Para contribuir a la belleza de las imágenes sugeridas, se ha contado con la producción de Dom Monks, quien ha tratado antes con gente del perfil de Big Thief y Laura Marling. Dana Margolin tiene un timbre parecido a Courtney Love y muchas de sus composiciones rugen como el grunge. Es el caso, muy visiblemente, de la cruda ‘Anybody’. Sin embargo, si algo caracteriza el álbum es el uso sutil de los teclados, las trompetas y las cuerdas. Pequeños arreglos que pueden inclinar la balanza hacia los terrenos de Stereolab (‘A Hole In the Ground’) o The Vaselines (‘God of Everything Else’).

Es esta una composición poderosa, cargada de cierta sed de venganza («no necesito saber dónde estás / te arrastrará mi ola»), si bien en las canciones de ‘Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me’ conviven indistintamente la sensación de fuerza y la de debilidad. Incluso dentro de la misma canción: ‘Sleeptalker’ comienza a piano, prácticamente a capella, y termina como una grabación de rock. La muy Beth Gibbons ‘In a Dream I’m a Painting’ asegura «nada me entristece ya, todo me hace feliz», mientras la melodía nos sugiere exactamente todo lo contrario.

Si como en otras ocasiones, Porridge Radio pueden resultar algo lánguidos en su sonido noventero en un mundo lleno de Phoebe Bridgers, hay que reconocer que el álbum sabe cerrar por todo lo alto, dotando esta obra de cierto hilo narrativo. ‘Sick of the Blues’ es la mejor canción de esta tanda al levantarse literalmente contra su propia autocompasión. Es una de las más repetitivas, una de las menos complejas y a la vez una de las que mejor funcionan. «Estoy cansada de la tristeza, me he enamorado de la vida de nuevo», grita Dana Margolin mientras nos la imaginamos pateando la silla en la que, llorosa, había empezado a componer este álbum.

stivijoes: «Aunque no seas fan del terror, es casi obligado engullir ‘Uzumaki'»

0

stivijoes se ha anotado uno de los éxitos más inesperados de los últimos tiempos: ‘Terapia’, millonario en streamings ya antes de su remix con Xavibo. Una canción confesional que, paradójicamente, habla del valor de la amistad por encima de los números.

Fichado por Sonido Muchacho, el artista ha seguido publicando singles como ‘Se siente bien’, el estupendo ‘Solo’ y el bailable ‘MENTIROSO’, todas de alguna manera vinculadas con ‘Terapia’. Temas que Raúl Rodríguez Orgaz -su verdadero nombre- ha ido acabando con Anxo Ferreiro, ex Novedades Carminha, masuno o St Woods. stivijoes es el nuevo invitado de Meister of the Week, nuestra sección comisariada por Jägermeister, y el artista ha querido hablarnos de una de las grandes joyas de la novela gráfica, ‘Uzumaki’.

¿Por qué has escogido hablar de ‘Uzumaki’ de Junji Ito?
Ha sido una mezcla entre mi obsesión con el mundo del manga que lleva presente desde que soy pequeño, la expectación por la nueva serie homónima, y Halloween, que ahora que lo pienso la verdad es que no soy muy fan, bueno, y del terror tampoco (risas)… A pesar de eso, ‘Uzumaki’ sigue siendo una verdadera obra maestra y necesito recomendársela a todo el que lea esto.

¿Cuándo la descubriste?
Pues hace un par de años. Conocía la obra de hace mucho más, ya sabes, por lo menos en Japón es una obra de culto, de esas que, aunque no seas fan del género, estás casi obligado a engullir. No dejaban de salirme por Pinterest e Instagram paneles de la novela, paneles increíbles que me quedaba mirando sin parar, aunque no supiera de qué trataba nada de eso. La cuestión es que por cosas de la vida a mi tatuador de confianza en ese momento le dio muy fuerte por Junji Ito y él sabía que a mí todo ese rollo me encantaba, así que por el mero hecho de que él quería tatuar alguna ilustración de ese mismo autor, me propuso hacérmelo gratis. Claro, yo le dije que sí sin pensarlo y me encontré en una carrera contrarreloj para leerme ‘Uzumaki’ antes de tener para toda la vida uno de los dibujos más característicos de la obra (risas). Y me encantó, no podía despegar la mirada de las páginas, bueno, y ahora no puedo despegar la mirada de mi estómago, donde tengo uno de los paneles más característicos, ¡para siempre! El de la chica con la espiral en la cara.

¿Qué te gustó más del libro, la parte de terror o el costumbrismo social?
Como ya he dicho antes, no soy un gran fan del terror, en ninguno de sus formatos, ni cine, ni series, ni libros y desafortunadamente tampoco manga. Pero sin duda, el terror de ‘Uzumaki’, donde todo parece más una moraleja que simplemente relatos de miedo porque sí, hizo que la obra me encantara y que me leyera cada capítulo uno detrás de otro. Por otro lado, creo que la gracia de toda la historia reside en ese costumbrismo, donde el pueblo parece aceptar esa obsesión por las espirales y no quiere darse cuenta de que están relacionadas con todo lo sobrenatural que va ocurriendo a medida que avanza la trama.

¿Cuáles son los elementos más significativos de ‘Uzumaki’ para ti? ¿Los relatos entrelazados? ¿La obsesión de personajes con fenómenos sobrenaturales?
Eso: las “lecciones” o “moralejas” de cada episodio conclusivo, donde se conecta ese terror causado por las espirales con obsesiones que tienen los personajes que van apareciendo. Los novios a los que no les permiten estar juntos así que acaban entrelazados, literalmente, para toda la eternidad; la chica que solo quiere llamar más y más la atención y acaba siendo consumida físicamente por su pelo; o la chica que se obsesiona por haber sido rechazada y ese mismo pensamiento acaba absorbiéndola hasta no dejar nada de ella.
Acción reacción, simple pero eficaz, me encanta.

¿Qué te parece Junji Ito como dibujante en sí, al margen de la construcción de personajes, etc.?
Es justo lo que me enamoró antes de empezar a leerlo, el detalle en los trazos, el horror perfectamente ilustrado, los paisajes, y la representación de las emociones en las caras de los personajes. Todo se fusiona a la perfección y crea ese estilo tan particular al que no le quieres quitar el ojo de encima, y vas encontrando cosas nuevas en cada panel.

¿Algún otro trabajo suyo que destacar? ¿O de artistas similares?
Aquí me pillas, en cuanto a Junji Ito no he salido de ‘Uzumaki’, y como el terror no es santo de mi devoción tampoco he investigado mucho más allá. Siempre puedo utilizar el comodín de recomendar ‘Berserk’, no he podido terminarla, pero sí que puedo decir que desprende un poco esa vibra de oscuridad y horror en gran parte de sus páginas.

¿Estás al tanto de la adaptación que se hizo en cine de Uzumaki? ¿Qué te parece la nueva serie de Max?
Pues no tenía ni idea de que había una live action de ‘Uzumaki’, no tiene muy buena pinta, pero no me importaría echarle un vistazo. En cuanto a la serie nueva, tengo sentimientos encontrados. El primer capítulo es una obra maestra, el ritmo es perfecto, las decisiones artísticas acertadísimas, como mantener el blanco y negro, o respetar el estilo de dibujo del autor, y la animación es un 10. El problema viene a partir del segundo capítulo, que es hasta donde he visto yo, la calidad baja en picado y todo pierde un poco de sentido, se siente desordenado, puede que tenga que ver con que el director del primer capítulo se acabó bajando del carro y tuvieron que tirar de lo que tenían. Pobre Junji Ito, por lo que he visto siempre acaban estropeando sus obras cuando las llevan a la pantalla.

¿Qué te parece el boom de terror que se suele vivir en torno a Halloween?
No es que lo odie, pero no lo disfruto, soy una persona muy vergonzosa y me cuesta disfrazarme, y como ya he comentado, el terror no es lo mío, no acabo de llevar muy bien la sensación del miedo, y si por otro lado no está bien hecho, tampoco disfruto del intento fallido. Pero bueno, lo respeto y me encanta la implicación y la ilusión de la gente por esa época.

¿Crees que prestamos suficiente atención al terror japonés en Occidente?
Creo que no prestamos la suficiente atención al arte japonés en general, y con eso incluyo al terror, es una pena porque tienen ideas súper frescas, que aquí en Occidente se han visto o poco o nada, pero seguimos quemando lo que ya conocemos y a lo que estamos acostumbrados. Imagino que pasar ese umbral de comodidad es complicado, y enseguida criticamos o nos cerramos en banda. ¡Poco a poco!

El manga tiene muchos seguidores, ¿pero crees que alguna vez llegará al público generalista, masivo ahora que todo se está globalizando y artistas orientales tienen más y más visibilidad?
Eso espero, la verdad, por lo menos se empieza a sentir de esa forma, ¿no? ‘One Piece’, ‘Shingeki no Kyojin’, ‘Jujutsu Kaisen’, cada día es más y más gente la que consume anime, se popularizan series y películas animadas japonesas a niveles descomunales, cuando antes costaba mucho más y se tenía una visión muy diferente. Es cuestión de tiempo que con el manga pase lo mismo, es el siguiente paso, trasladar todo ese interés que está surgiendo por el anime, al formato papel, al manga. De verlo a leerlo, y cuando ocurra la gente se dará cuenta de cuantas historias fascinantes más hay por descubrir en este formato. No hay prisa, que se tomen su tiempo. Todo llega (risas).

‘Alone’ es una de las mejores canciones de la historia de The Cure

0

Un vistazo a los temas más escuchados de The Cure revela que la gente de a pie prefiere su lado más luminoso. ‘Friday I’m In Love’ y ‘Just Like Heaven’ son sus piezas más celebradas. ‘Boys Don’t Cry’ no puede ser más saltarina gracias a su icónico riff. Un arsenal de bandas sonoras y referencias en la cultura popular han asentado estas canciones en el imaginario de varias generaciones.

Sin embargo, en su regreso a los álbumes de estudio después de 16 años de espera, Robert Smith ha apostado por su lado más gótico. ‘Alone’ era el primer adelanto de ‘Songs of a Lost World’, un álbum marcado por el fallecimiento de varios familiares y desde ya podemos decir que una de las mejores grabaciones de la historia de The Cure.

Como otras grandes composiciones de su carrera, ‘Alone’ cuenta con una intro instrumental larguísima. Durante 3 minutos y medio tan solo oímos baterías, guitarras eléctricas y, sobre todo, una sencilla pero preciosa línea de teclado cercana a los territorios de Angelo Badalamenti. Ahí lo mejor no es el piano que gotea de vez en cuando, sino esa nota final de sintetizador en la rueda de acordes, que vuela y te lleva consigo a otro lugar.

La letra comienza con una referencia al poema titulado ‘Dregs’ de Ernest Dowson, publicado en 1902 de manera póstuma, pues el autor del decadentismo falleció en 1900 antes de cumplir 33 años. Era un poema sobre la adicción al alcohol («dregs» son «posos, residuos»), que hablaba de la muerte y de la sensación de pérdida.

Allí había una línea que decía “este es el final de todas las canciones que un hombre canta”, que Smith adapta en “este es el final de cada canción que cantamos”. Un final que es un principio para el álbum, no precisamente en su expresión más optimista porque “las esperanzas y los sueños se han esfumado”.

Si hacia el final Robert Smith se pregunta por el destino del mundo que se nos ha robado y que solo fue “un sueño”, el grueso del texto lamenta “estábamos seguros de que nunca cambiaríamos”, solo para que de repente “todo se detenga”.

El artista ha explicado que ha dado muchas vueltas al regreso de The Cure y no hace falta que lo jure. Sin embargo, desde que fue capaz de crear ‘Alone’, supo que el álbum estaba en camino y que además se abriría con esta pieza. Un retrato de la “soledad” que sus fans más siniestros ya han agradecido, y que por suerte parece que tendrá un contrapunto en un futuro álbum de The Cure, más optimista.

Robbie Williams anuncia un único concierto en España

0

Robbie Williams anuncia hoy su gira para 2025, pasando por ciudades del Reino Unido, Irlanda y Europa el próximo verano. En España nos ha tocado un show en Cornellá, Barcelona. Doctor Music informa de que será la única fecha en nuestro país.

La gira ‘Robbie Williams Live 2025’ dará comienzo en Edimburgo el 31 de mayo. Seguirá con conciertos en Londres, Manchester y Bath, antes de cruzar a Europa con fechas en países como Irlanda, Francia, Alemania, Italia, Suecia y España. Esto último sucederá el sábado 5 de julio en el RCDE Stadium de Cornellà.

Las entradas para el concierto de Robbie Williams en Barcelona estarán a la venta el viernes 15 de noviembre a las 11:00h a través de doctormusic.com, entradas.com y tickets.robbiewilliams.com. El precio de las entradas será de 60, 80, 125 y 150 Euros para las entradas de asiento reservado en grada y de 90 y 150 Euros para las entradas de pista (gastos de distribución no incluidos). Se podrá adquirir un máximo de 6 entradas por compra.

Además, desde el 1 de enero podrá verse en cines la película biográfica musical de Robbie, ‘Better Man’. La banda sonora saldrá en digital el 27 de diciembre, y en físico, más adelante.

Sobre la gira, Robbie ha declarado: “Esta gira va a ser la más atrevida hasta la fecha; estoy deseando veros el próximo año. Habrá canciones de la película ‘Better Man’, y también algo de música nueva… pero eso ya os lo contaré más adelante”.

Las fechas de la gira ‘Robbie Williams Live 2025’ son:
31 de mayo – Scottish Gas Murrayfield Stadium, Edimburgo, Reino Unido
6 de junio – Emirates Stadium, Londres, Reino Unido
11 de junio – Co-op Live, Manchester, Reino Unido
13 de junio – Royal Crescent, Bath, Reino Unido
19 de junio – Parken Stadium, Copenhague, Dinamarca
22 de junio – Johan Cruyff ArenA, Ámsterdam, Países Bajos
25 de junio – VELTINS-Arena, Gelsenkirchen, Alemania
28 de junio – TW Classic, Werchter, Bélgica
30 de junio – Heinz von Heiden Arena, Hanóver, Alemania
2 de julio – La Défense Arena, París, Francia
5 de julio – RCDE Stadium Cornellà, Barcelona, España
9 de julio – Red Bull Arena, Leipzig, Alemania
12 de julio – Ernst-Happel-Stadion, Viena, Austria
17 de julio – Stadio Nereo Rocco, Trieste, Italia
21 de julio – Waldbühne, Berlín, Alemania
22 de julio – Waldbühne, Berlín, Alemania
26 de julio – Olympiastadion, Múnich, Alemania
1 de agosto – Darius and Girėnas Stadium, Kaunas, Lituania
3 de agosto – Mežaparks, Riga, Letonia
7 de agosto – Stockholm Stadion, Estocolmo, Suecia
10 de agosto – Deutsche Bank Park, Frankfurt, Alemania
13 de agosto – Forus Travbane, Stavanger, Noruega
16 de agosto – Granåsen, Trondheim, Noruega
23 de agosto – Croke Park, Dublín, Irlanda
7 de septiembre – O2 Arena, Praga, República Checa
9 de septiembre – TAURON Arena Kraków, Cracovia, Polonia
12 de septiembre – MVM Dome, Budapest, Hungría
20 de septiembre – Olympiastadion, Helsinki, Finlandia

Taylor Swift, Ariana… premiadas en una correcta gala MTV EMA

0
LE SSERAFIM actúan en los MTV EMA

Esta noche se ha emitido una nueva gala de los MTV Europe Music Awards, que se ha celebrado en Mánchester, por supuesto dejando algún homenaje a los recientemente reunidos Oasis. Taylor Swift, la más nominada de la noche, se ha llevado 3 de sus 7 candidaturas, las de Mejor artista, Mejor vídeo por ‘Fortnight’ con Post Malone y Mejor directo. Swift, que se encuentra realizando las últimas fechas del Eras Tour, ha agradecido a sus fans los premios en un vídeo grabado desde la gira. Ariana Grande y Sabrina Carpenter, con 5 nominaciones cada una, se han llevado Mejor artista de pop y Mejor canción, respectivamente.

Sobre el escenario han actuado los nueve nominados, estos son, Benson Boone, Le Sserafim, Peso Pluma, Pet Shop Boys, RAYE, Shawn Mendes, Teddy Swims, Tyla y The Warning. Rita Ora, anfitriona, ha estado muy simpática, se ha puesto decenas de atuendos diferentes y ha reservado un momento para recordar, muy emocionada, a su colaborador y amigo recientemente fallecido, Liam Payne.

Benson Boone, que ha abierto la ceremonia presentando sus éxitos ‘Slow it Down’ y ‘Beautiful Things‘, ha sido el primer galardonado de la noche y ha recogido el premio a Artista revelación. La segunda artista en subirse al escenario ha sido Tyla, que ha cantado sus éxitos ‘Water’ y ‘Push 2 Start‘, ofreciendo una actuación llena de coreografía.

En una gala ágil alternando actuaciones y premios, casi sin momentos para aburrirse, The Warning han ofrecido sobre el escenario el rock duro de ‘Automatic Sun’, y RAYE ha traído a toda su orquesta para bordar ‘Oscar Winning Tears’ y ‘Body Dysmorphia’, esta segunda en una versión irreconocible. Shawn Mendes ha actuado a su guitarra pegado para cantar ‘Heart of Gold’, aunque le ha fallado el volumen del micrófono.


Ha sido adorable ver a Neneh Cherry y Mabel, madre e hija, introducir juntas el premio a Mejor artista de hip-hop, que lo ha recibido Eminem, otro de tantos artistas nominados que no han podido personarse en Mánchester. Peso Pluma ha aceptado la luna a Mejor artista latino: el único nominado en esta categoría presente en la ceremonia no iba a irse sin premio. Tras el show de Teddy Swims con ‘The Door’ y su macrohit ‘Lose Control’, Olly Alexander ha presentado el premio a Mejor canción, que se lo ha agenciado, como hemos dicho, Sabrina Carpenter por ‘Espresso’.

Busta Rhymes, en su primera aparición en una gala de los MTV Europe Music Awards, ha actuado y aceptado el premio a Icono global de manos de Little Simz. «Es la primera vez que me dan un premio MTV», ha declarado el rapero. En su discurso, Rhymes ha recordado la influencia que ha ejercido en su carrera LL Cool J, presente en la gala, y ha rememorado sus inicios en la banda Leaders of the New School.

La mejor actuación de la noche puede haber sido la de Pet Shop Boys, que han presentado un montaje futurista para interpretar ‘All the young dudes’ y ‘West End Girls’. LE SSERAFIM, en la foto, han dado coreografía con su performance de ‘Chasing Lightning’ y ‘Crazy’, mientras Peso Pluma, vestido de esmóquin, ha compartido escenario con Estevan Plazola para entonar su éxito ‘Hollywood’.



Entre las artistas galardonadas se encuentra también Lola Indigo, que se ha llevado el premio a Mejor artista español.

En otras categorías de género, Jimin se ha llevado el premio a Mejor artista k-pop, Calvin Harris el de Mejor artista de electrónica, Liam Gallagher el de Mejor artista de rock y Tyla el de Mejor artista R&B.

Palmarés MTV EMA 2024

MEJOR CANCION
Ariana Grande – we can’t be friends (wait for your love)
Benson Boone – Beautiful Things
Beyoncé – TEXAS HOLD ‘EM
Billie Eilish – BIRDS OF A FEATHER
Chappell Roan – Good Luck, Babe!
Sabrina Carpenter – Espresso – GANADORA

MEJOR ARTISTA
Beyoncé
Billie Eilish
Post Malone
RAYE
Sabrina Carpenter
Taylor Swift – GANADORA

MEJOR ARTISTA REVELACION
Ayra Starr
Benson Boone – GANADOR
Chappell Roan
LE SSERAFIM
Teddy Swims
The Last Dinner Party
Tyla

MEJOR ARTISTA AFROBEAT
Asake
Ayra Starr
Burna Boy
Rema
Tems
Tyla – GANADORA

MEJOR ARTISTA LATINO
Anitta
Bad Bunny
KAROL G
Peso Pluma – GANADOR
Rauw Alejandro
Shakira

MEJOR ARTISTA ALTERNATIVO
Fontaines D.C.
Hozier
Imagine Dragons – GANADOR
Lana Del Rey
Twenty One Pilots
YUNGBLUD

MEJOR ARTISTA HIP-HOP
Central Cee
Eminem – GANADOR
Kendrick Lamar
Megan Thee Stallion
Nicki Minaj
Travis Scott

MEJOR ACTUACIÓN EN DIRECTO
Adele
Coldplay
Doja Cat
RAYE
Taylor Swift – GANADORA
Travis Scott

MEJORES FANS
Anitta
Ariana Grande
Beyoncé
Billie Eilish
Chappell Roan
Charli xcx
Katy Perry
LISA – GANADORA
Nicki Minaj
Sabrina Carpenter
Shawn Mendes
Taylor Swift

MEJOR ARTISTA DE REINO UNIDO E IRLANDA
Central Cee
Charli xcx
Chase & Status
Dua Lipa
Hozier
RAYE – GANADORA

MEJOR VÍDEO
Ariana Grande – we can’t be friends (wait for your love)
Charli xcx – 360
Eminem – Houdini
Kendrick Lamar – Not Like Us
LISA ft. Rosalía – NEW WOMAN
Taylor Swift ft. Post Malone – Fortnight – GANADOR

MEJOR COLABORACIÓN
Charli xcx & Billie Eilish – Guess featuring Billie Eilish
Future, Metro Boomin & Kendrick Lamar – Like That
Lady Gaga, Bruno Mars – Die With A Smile
LISA ft. Rosalía – NEW WOMAN – GANADORA
Peso Pluma, Anitta – BELLAKEO
Taylor Swift ft. Post Malone – Fortnight

MEJOR ARTISTA POP
Ariana Grande – GANADORA
Billie Eilish
Camila Cabello
Charli xcx
Dua Lipa
Sabrina Carpenter
Taylor Swift

MEJOR ARTISTA ROCK
Bon Jovi
Coldplay
Green Day
Kings of Leon
Lenny Kravitz
Liam Gallagher – GANADOR
The Killers

MEJOR ARTISTA K-POP
Jimin – GANADOR
Jung Kook
LE SSERAFIM
LISA
NewJeans
Stray Kids

MEJOR ARTISTA DE MÚSICA ELECTRÓNICA
Calvin Harris – GANADOR
David Guetta
Disclosure
DJ Snake
Fred Again..
Swedish House Mafia

MEJOR ARTISTA R&B
Kehlani
SZA
Tinashe
Tyla – GANADORA
USHER
Victoria Monét

MEJOR PUSH
Ayra Starr
Chappell Roan
Coco Jones
Flyana Boss
Jessie Murph
Laufey
LE SSERAFIM – GANADORA
Mark Ambor
Shaboozey
Teddy Swims
The Warning
Victoria Monét

MEJOR ARTISTA ESPAÑOL
Ana Mena
Belén Aguilera
Dani Fernández
Lola Indigo – GANADORA
Mikel Izal

MEJOR ARTISTA ESTADOUNIDENSE
Ariana Grande
Beyoncé
Kendrick Lamar
Sabrina Carpenter
Taylor Swift – GANADORA

Pixies / The Night the Zombies Came

¿Ha sido buena idea que los Pixies publiquen disco por Halloween? Casi podríamos plantear: ¿les ha merecido la pena sacrificarlo a tal fecha? De un lado, tiene sentido. Las letras surrealistas de Frank Black siempre tuvieron un punto terrorífico. Tienen un tema llamado ‘Wave of Mutilation’ con referencias a Charles Manson y ‘Debaser’, a ‘Un perro andaluz’. De otro, está comprobado empíricamente que lo que escucha la gente en Halloween es ‘Thriller’, ‘Toxic’, ‘Zombie’, alguna banda sonora de John Carpenter… y no sé si hay mucho espacio para un disco nuevo de los Pixies en una jornada medio festiva.

La broma tiene gracia en parte. Hay varias referencias a «zombies» en estas letras, lo cual insisto en que encaja muy bien en su imaginario, y justo el tema que se llama ‘Jane (The Night that Zombies Came)’ es uno de los mejores en esta segunda etapa de los Pixies. Sobre todo porque, con su batería y musicalidad a lo Phil Spector, paradójicamente suena navideña. A medio camino entre Halloween y estas semanas venideras.

Otro gran hallazgo de este álbum no es un regreso a los temas más rugientes de sus obras maestras de finales de los 80 y principios de los 90. Es frustrante que los nuevos Pixies, ahora con nueva bajista, teclista y corista, Emma Richardson, no estén dando precisamente con un nuevo ‘Here Comes Your Man’. ‘You’re So Impatient’ es un single más efectivo que brillante, con su carraspeo, sus referencias rock, su estribillo facilón. Pero ‘Chicken‘ es una composición más notoria.

Se trata de una balada de estribillo intenso, sobre un pollo decapitado. Tal como lo estáis oyendo. «Simplemente estoy dando vueltas, y otras veces me siento como un actor de peli de zombies, buscándote de ciudad en ciudad / una amante que no me vaya a matar». Pixies en estado puro, en verdad.

El resto de las canciones de ‘The Night the Zombies Came’ pelea por defender una identidad a través de guitarras dream pop (‘Primrose’), más bien glam (‘Motoroller’), cambios de tempo (‘Hypnotised’), referencias etílicas (‘Johnny Good Man’), y finalmente a través de alternar una pista lenta (‘Mercy Me’) con una rockera (‘Oyester Beds’, ‘Ernest Evans’). Su único objeto es que estas últimas parezcan más bangers de lo que son.

Al final, los Pixies han cumplido su cometido de entretenernos durante un día, bien sea Halloween o aquel en el que tengamos tiempo de darle una oportunidad, para olvidarlo todo íntegramente, 24 horas después.

Los «club classics» de A.G. Cook parten el MIRA 2024

0

Las 19.30 no es hora para ver en directo uno de los principales reclamos de MIRA 2024, Kim Gordon. La mayor parte del público no llega al festival hasta unas horas después, perdiéndose la presentación de ‘The Collective’, el peculiar segundo disco en solitario de la fundadora de Sonic Youth, que acaba de ser nominado a un Grammy.

Gordon, una de las personas más cool del planeta, presenta hierática el repertorio de un disco que sobrepasa tranquilamente los límites del trap y el grunge, trayendo a MIRA ese raro show de rock que no es solo de rock. Gordon sigue aferrada a la guitarra eléctrica como en la época de Sonic Youth pero, esta vez, los beats distorsionados de su disco arrasan el escenario.

No termina de despegar el show de Robin Fox, centrado en una electrónica destilada y pura, de corte extremo y minimalista. La sincronía de música y luces láser es atractiva, pero la música nunca encuentra el rumbo y se queda en una improvisación abstracta que no se crece. El inicio es denso, con bajos profundos que obligan a protegerse los oídos, y, aunque Robin añade progresivamente texturas y ritmos, el show se acaba haciendo anodino.

La propuesta de Rafael Toral es diferente. La aparición de la imagen de un pajarito en la pantalla del escenario DICE (como la de la portada de su disco ‘Spectral Evolution’) descoloca al público de inicio, y lo que sigue es un show de pura música ambient brillante y reluciente. Toral, sentado tocando su guitarra eléctrica, inunda el ambiente con sus tonos profundos, llenando de luz la oscuridad.

Pasadas las 22.00 de la noche emerge en el escenario el gran reclamo de la jornada, A.G. Cook, que presenta su ‘Britpop’ particular levantando al público con sus beats de hyperpop machacones. En ocasiones se pierde la textura PC Music en favor de un diseño puro y clínico, pero los beats son tan potentes que levantarían a un muerto. Por supuesto, la voz de Charli xcx emerge varias veces a lo largo del show, pero es la entrada de ‘Club Classics’, en su versión original, la que lleva al público a la euforia total.

A partir de la presentación de British Murder Boys, centrada en un techno elegante y oscuro, el MIRA entra en su fase final. Sobre todo, las diferentes acepciones de la palabra «techno» van teniendo cabida durante la noche, pero son las texturas acid de People You May Know las que introducen al público en un trance sin salida. Después, los ritmos encolerizados y retorcidos de Toccororo llevan a los asistentes al averno. Un hipnótico remix de ‘Eusexua‘ de FKA twigs se deja caer en el cierre de MIRA Festival.

Bad Gyal da pistas de una colaboración con Rosalía

0

Bad Gyal empezaba 2024 publicando su esperado álbum debut, ‘La Joia‘, un disco que ha llevado su personal sonido de inspiración jamaicana al siguiente nivel. Y Alba Farelo acaba el año de manera sorprendente, dando a entender que una colaboración con Rosalía podría estar cerca.

Bad Gyal ha hablado en el pasado de su intención de trabajar con Rosalía. En una entrevista reciente, Farelo ha comentado haber colaborado con todas las mujeres poderosas de la industria, como Karol G, Anitta o Tokischa, menos con la MOTOMAMI original, que es catalana, como ella.

Durante el paso de Bad Gyal por el pre-show de Los 40 Music Awards, a Farelo le preguntan si le «gustaría» colaborar con Rosalía. Entonces, a la autora de ‘Fiebre’ le da la risa tonta y, sin entrar en detalles, cautelosa, contesta: «El que calla otorga». Entre líneas se lee que el dueto de Bad Gyal y Rosalía está en camino, aunque no existe confirmación oficial.

Bad Gyal acaba de ganar un premio de Los40 en la categoría de Mejor artista urbano. Actualmente, Farelo triunfa con ‘Duro de verdad Pt. 2‘, su bachata con Los Sufridos, que ha llegado al número 2 en España. Últimamente ha sido invitada a La Revuelta.

‘Aquamarine’ es el dulce trance de Addison Rae

0

2024 también ha sido el año de Addison Rae. ‘Diet Pepsi‘, a pesar de su sonido deudor de Lana Del Rey, ha conseguido irrumpir en el top 50 de Spotify Global, tras unos meses de dudas (ahora está en el puesto 60, su pico ha sido un puesto 28). Además, Rae acaba de aparecer en las nominaciones de los premios Grammy por el remix de ‘Von dutch’ de Charli xcx junto a A.G. Cook (aunque el premio se lo llevaría A.G. Cook, autor de la remezcla).

Mientras ‘Diet Pepsi’ se afianza listas (el tema ha llegado a los top 10 de Reino Unido, Irlanda, Países Bajos y Singapur), otro single de Addison Rae merece la atención del mundo. ‘Aquamarine’ es la Canción Del Día para hoy domingo.

‘Aquamarine’ recupera un sonido pop-dance típico muy nostálgico, típico de finales de los 90 e inicios de los 2000. La producción está hecha a dos manos por Luka Kloser y Elvira Anderfjärd, es decir, es de fabricación sueca, y es tan «acuática» como sugiere su título, de color turquesa. Addison es, en cualquier caso, la primera compositora acreditada.

Pero la música de ‘Aquamarine’ también es referencial (como lo era ‘Diet Pepsi’). En concreto, sus destellos de eurodance hacen pensar en otras obras igual de bailables y atmosféricas de Madonna (‘Nothing Really Matters‘), Britney Spears (‘Breathe on Me‘) o Kylie Minogue (‘Fragile‘). Sobre la base, Addison Rae canta una melodía de ensueño que sumerge a la artista en un dulce trance.

Un tema de «autodescubrimiento», según Addison Rae, ‘Aquamarine’ da pop del bueno sin comerse demasiado la cabeza. Su videoclip no olvida que Addison viene de tiktok, pero incluye una coreografía callejera que recuerda al de otro clásico vídeo de los 2000, ‘Forever More’ de Moloko.

The Cure / Pornography

0

“En comparación, Ian Curtis es el tío más gracioso del lugar”. “Esto es el equivalente auditivo a un dolor de muelas”. “Es el sonido de una banda destrozándose a sí misma y llevándose a todo el mundo consigo”. Las críticas de ‘Pornography’ en su momento (éstas son de Rip It Up, Rolling Stone y Alternative Press) no fueron especialmente buenas. Eran las únicas canciones de sus conciertos donde la gente se piraba o incluso les tiraba cosas, según contaría luego Robert Smith, explicando que la época de creación del disco fue una de las peores (si no la peor) de su carrera… y, sin embargo, considera que hacer el disco fue “el punto clave de mi vida”. Cuenta: “Había perdido a todos mis amigos, sin excepción, era una persona monstruosa y egoísta. Y en ese momento tenía dos opciones: rendirme definitivamente y acabar con todo, o hacer un disco sobre lo que tenía dentro e intentar sacarlo de mí. Canalicé todos los elementos autodestructivos de mi personalidad en la creación de algo, y descubrí que se podía crear algo incluso a partir de la nada, del pozo. En ese momento habría sido muy fácil hacerme un ovillo y desaparecer”. Afortunadamente, no lo hizo. Y, afortunadamente, la crítica acabó cambiando de opinión sobre ‘Pornography‘, ahora mismo un disco de culto, uno de los favoritos de los fans, y del propio Smith. Tiempo después, Lol Torhurst lo consideraría incluso “lo mejor que hemos hecho”.

Su cuarto disco (en cierto modo tercero, si tenemos en cuenta que apenas tuvieron control creativo en su debut) es también el primero de una trilogía no consecutiva a la que Smith daría forma después: junto a ‘Disintegration‘ (1989) y a ‘Bloodflowers’ (2000), formaría los directos de ‘The Trilogy Concerts’ en Berlín. Los tres tienen un contenido especialmente oscuro, pero sin duda es ‘Pornography’ el que se lleva la palma. Y no, no habla de porno. “Al igual que ‘Killing an Arab’ no era una canción racista”, ironizaba Smith, “’Pornography’ habla más bien de la obscenidad de la violencia, de la explotación y de los abusos de poder”.

Está claro que estamos ante un disco denso, y no solo porque únicamente haya dos canciones por debajo de los cuatro minutos y medio (excediendo tres de ellas los seis minutos). Su sello estaba bastante preocupado por el desempeño comercial que podría tener este trabajo, entre ese título y la falta de singles obvios, así que presionaron para darle una mínima pátina de single a ‘The Hanging Garden’, quizás la más accesible. Pero las preocupaciones demostraron no ser necesarias, alcanzando los de Crowley por primera vez el top 10 de las islas. Es curioso que el productor elegido para este disco, Phil Tornalley (que luego sería su bajista durante un tiempo), fuese artífice de otro éxito más adelante: escribió ‘Torn’ junto a Nathalie Imbruglia.

Tornalley y la banda estuvieron mano a mano en la creación de la atmósfera de este disco, que NME calificó como “Phil Spector pero en el Infierno”. Distorsión, psicodelia, synthpop, guitarras siniestras, una percusión que parecía perseguirte, y un tinte no ya oscuro sino asfixiante desde la primera canción, la excelente ‘One Hundred Years’. No se puede decir que oculte sus intenciones un disco que comienza diciendo “it doesn’t matter if we all die”. La cara A se completa con la psicodelia de ‘A Short Term Effect’, el mencionado single ‘The Hanging Garden’ y otra maravilla, ‘Siamese Twins’. Ésta podría ser -no pun intended- la gemela malvada de la posterior ‘Pictures of You’: con un comienzo similar, rápidamente nos vamos a la decadencia que domina el disco, con el ritmo y los golpes de la batería recordándonos a los de un ritual.

Es increíble que Robert Smith no fuese el vocalista original de The Cure, no ya por sus looks, no ya porque acabase siendo el único miembro de la formación original, sino por su tan característica y tan imitada manera de interpretar, que aquí es clave para que todo sea aún más asfixiante. Su voz es una guía, pero una guía por pasajes que funcionan como la bajada al Infierno de ‘Apocalypse Now’. La cara B, de hecho, comienza directamente con un monstruo: ‘The Figurehead’ toma su inspiración de una calavera que se llevaron del manicomio abandonado en el que habían rodado un videoclip (esta frase podría formar parte del ‘Celebrities‘ de su vocalista, pero es real). Las repeticiones de “you mean nothing” o “I will never be clean again” suenan aún más desesperadas en la voz de Smith.

El británico citó como influencias Siouxsie and the Banshees, el debut de Psychedelic Furs, ‘El paraíso perdido’ de Milton y libros de psicoanálisis (?), pero la mayor influencia parecía ser la rabia y la depresión que le rodeaba. “Las letras van desde observaciones extremadamente personales sobre amigos y gente de mi entorno, a rants generales sobre la futilidad de todos y de todo, pasando por los horrores que había dentro de mí… es difícil explicar esas canciones, hay varias capas de ideas que lógicamente no tenían conexión entre sí”, comentaría luego en un fanzine. En ‘Cold’ hay versos como “a shallow grave, a monument to the ruined age / ice in my eyes and eyes like ice don’t move / screaming at the moon, another past time”.

Y luego está el corte titular, una de sus canciones menos accesibles. “A hand in my mouth, a life spills into the flowers / we all look so perfect as we fall down (…) one more day like today and I’ll kill you / a desire for flesh and real blood” es una de las perlitas de un tema que mezcla unos diálogos de la película de Fritz Lang ‘You Only Live Once’ con promos de la BBC reproducidas al revés, con los propios instrumentos de la banda y la voz de su cantante distorsionadas.

Por momentos, ‘Pornography’ parece directamente una alucinación. Sin embargo, la única luz del disco parece estar al final de este corte y, por tanto, al final en sí. Robert Smith parece salir mínimamente a flote para decir que debe “luchar contra esta enfermedad” y “encontrar una cura”. La mención velada al nombre del grupo puede hacer referencia también a lo que supuso el propio disco, ya que, como él decía en las declaraciones que recogíamos al principio, quizás el líder de The Cure no seguiría aquí si no hubiese vomitado todo esto. Quizás a veces necesitemos vomitar para poder seguir adelante. Aunque nadie lo entienda.

La feliz convivencia de Bicep y The Body en MIRA 2024

11
Alba Rupérez

Un año más el MIRA Festival trae a Barcelona una programación dedicada a las artes digitales a través de distintas disciplinas. En el line-up de MIRA están a la misma altura los nombres de Kim Gordon y el barcelonés Marc Vilanova, cuya obra ‘Cascade’ es una de varias instalaciones que pueden disfrutarse en el recinto de la Fira. En este caso, una pieza de cuerdas iluminadas que hipnotiza.

El MIRA es otro festival pequeño/mediano que ofrece una alternativa muy necesaria a la cultura del macrofestival y la masificación; es un escaparate de apuestas novedosas, interesantes y de vanguardia, en algunos casos muy raras de ver en España, que revela la importancia de apostar por un modelo de festival asequible y abarcable que ofrezca una experiencia íntima.

Vale la pena llegar temprano al recinto para descubrir las diferentes propuestas no estrictamente musicales de MIRA. Destaca la instalación inmersiva ALTAR de Oscar Zabala, que cubre de un plástico rosa chicle uno de los espacios de esta edición que después acogerá DJ sets, produciendo un efecto onírico. De fondo, un hilo de música ambiental invita al público a la relajación horas antes de que se imponga la electrónica. En medio, una pantalla imagina un portal hacia otra dimensión.

A eso de las 20.30 el público está ya listo para recibir a Lorenzo Senni y su electrónica disruptiva, la que propone en su álbum ‘Scacco Matto’ (2020). La música de Senni soluciona sus crescendos con derrapes y resbalones continuos, ofreciendo una equilibrada e impredecible mezcla de melodía y ruido. Más que dance deconstruido, es dance destruido en el mejor de los sentidos. Aunque las visuales de Senni no son las mejores de esta edición. Sin visuales, Nadah El Shazly es puro enigma tirando de sí misma y de su banda, incluyendo una arpista. La artista mezcla música tradicional egipcia y electrónica en una batalla continua de cantos apasionados y bases futuristas y épicas.

Uno de los platos fuertes del viernes se llama Bicep: el dúo británico, con un slot de 1 hora y media, es el principal reclamo de la jornada antes del DJ set de tres horas de cierre de Craig Richards. Volviendo a Bicep, el dúo de Belfast formado por Andrew Ferguson y Matthew McBriar (el segundo, en su retorno a los escenarios tras su operación del verano) da el baile house y techno -genérico, para ser francos- que el público necesita en ese momento, junto a unos visuales y juegos de luces asombrosos. Aunque habría sido grato ver un live de Bicep en lugar de un DJ set, con el dúo la fiesta no decae.

Leafhopper

El valor de MIRA pasa también por ofrecer propuestas que sería muy difícil de otra manera ver en España o incluso en Europa. Es un regalo poder ver a The Body en vivo levantando su épico ritual de doom metal demoledor. En MIRA, The Body presenta su disco junto a Dis Fig, ‘Orchards of a Futile Heaven’, y entrega la alternativa más lúgubre posible a las pistas de baile inundadas de electrónica del resto del evento. En especial es imposible apartar la mirada de una Dis Fig que, sobre el escenario, se convierte en una chamana del terror.

A altas horas de la noche, de un lado el remanso de paz de Aire, que lleva al MIRA por un viaje de ambientaciones vaporosas y etéreas, permite tomarse un respiro antes de la intensidad techno que se avecina. Y, del otro, el mítico µ-Ziq vuelve locos a los asistentes tirando su cartera de breakbeats infalibles. Hoy sábado continúa el MIRA con actuaciones de Kim Gordon o A.G. Cook.

Finneas / For Crying Out Loud!

6

Finneas Baird O’Connell se ha hecho un hueco en la industria por las producciones para su hermana Billie Eilish, pero también para otros artistas como Tove Lo o girl in red. En cambio, su carrera en solitario no termina de conquistar al público ni a la crítica, al menos no de la misma manera. Su debut largo ‘Optimist‘ (2021) no gustó nada a mi compañero Jordi, y con este ‘For Cryin’ Out Loud!’ casi que tengo que darle la razón, aunque haya una leve mejoría.

Seamos honestos: si no conociésemos sus producciones para otros, quizás no juzgaríamos la música de Finneas de la misma manera (también es cierto que, si no conociésemos sus producciones para otros, quizás no escucharíamos). Pero es que es llamativo cómo la misma persona que nos da, no ya las producciones de su hermana, sino de ‘bikini porn’ por ejemplo, para su propio disco la plantea de manera tan convencional. No es que esté mal, pero (salvo excepciones como la segunda parte de ‘Sweet Cherries’) es bastante intrascendente al lado de sus otras producciones. Y algo similar pasa con las canciones en sí: no es que estén mal, pero si a esas producciones se les suman unas melodías y letras no especialmente inspiradas, por mucho que Finneas tenga una voz bonita, el resultado es esto. En sus mejores momentos puede acercarse a los temas de Harry Styles, pero en realidad orbita todo el rato más cerca de Niall Horan, para entendernos.

El tema letras no ha tenido mucha mejora desde el anterior disco, y ahí tenemos eso de “I’ve been waiting for ya like you’re Sunday morning / like you’re coffee pourin, I want more of you” en ‘What’s it gonna take to break your heart’ (con coros de Lucy Healey), que resulta un tanto aburrida. O ‘Same Old Story’, donde parece que Finneas quiera ser Damien Rice. El álbum es más uptempo que el anterior, adentrándose en el soft rock en temas como ‘2001’ (donde, en cierto momento, la melodía recuerda a ‘Rain’ de Mika), y puede recordar bastante a Rex Orange County o incluso a Coldplay en temas como ‘Lotus Eater’, una de las mejores del largo.

También funciona bien ‘Starfucker’, pese a lo raro de iniciar el álbum con una temática así, o ‘Cleats’, en la que cuenta su amor no correspondido por una amiga lesbiana en el instituto con bastante gracia y ternura: “but it’s all the same to you / when she’s standing in your room / on and endless afternoon / and the summer’s over soon”. Aunque la mejor es ‘Family Feud’, curiosamente sobre su hermana Billie. “And you’re only twenty-two / and the world is watching you / judging everything you do (…) and you’re only twenty-two / and there’s nothing I can do / I made mistakes, you’ll make ‘em too”, canta Finneas en una canción que incluye referencias a Pepper (el perrito que ambos tenían y que murió este verano). Nos llega como una composición realmente honesta mientras habla de ese crecimiento compartido y de que ambos “somos adultos ahora”.

Pero, en general, al escuchar ‘For Cryin’ Out Loud!’ uno no puede evitar acordarse de ciertas declaraciones de El Guincho sobre Björk de las que hablábamos hace poco. ¿Quizás Finneas es un productor excelente para otros artistas, pero bastante menos infalible a la hora de hacer un disco entero de temas propios? Puede que en unos años su tercer disco nos haga tragarnos nuestras palabras, pero, por ahora, es lo que parece.

¿Está bien enfilada esta era de The Weeknd?

2

‘Hurry Up Tomorrow’, de The Weeknd, aún sin fecha de edición, ha dado a conocer tres singles. Os ofrecemos una opinión a favor sobre ellos, otra en contra, así como la posibilidad de votar.

«Tengo mucha curiosidad por el nuevo disco de The Weeknd, y sus singles tienen bastante ‘culpa’ de esto. ‘Dawn FM’ era más o menos continuista con respecto al estupendo ‘After Hours’, pero los adelantos que hemos tenido hasta ahora de ‘Hurry Up Tomorrow’ no pueden ser más distintos entre sí. ‘Dancing in the Flames’ sí que puede ser la más parecida, de nuevo muy eficaz en esa mezcla de optimismo y melancolía (esta vez más balanceada hacia lo primero), pero luego ‘Timeless’ recuerda más a la época de ‘Starboy’, con un trap elegante y más oscuro, y unos coros finales que recuerdan un poco al ‘Mylo Xyloto’ de Coldplay.

Tanto por esto como por la mencionada oscuridad, tiene sentido que lo siguiente haya sido ‘Sao Paulo’, quizás un pastiche, quizás la más interesante de las tres, porque no habíamos visto nunca a The Weeknd en esta tesitura. Lleva a su terreno el sonido de Anitta, se acerca también al de ella, y por el camino queda un sonido que, sobre todo en su parte, resulta una mezcla entre el Guetta de los 10s y Die Antwoord. Si se lo trabaja bien, puede que estemos ante un disco bastante completo de Abel Tesfaye». Pablo N. Tocino.

«Poco sabemos de ‘Hurry Up Tomorrow’, última parte de la trilogía que Abel Tesfaye comenzaba con ‘After Hours’ y continuaba con ‘Dawn FM’. Ambos discos mostraban una gran solidez y coherencia sonora. Lo que conocemos de la tercera secuela es todo lo contrario: tres sencillos que no nos dan ninguna pista del sonido que ofrecerá en esta ocasión el artista, y que tampoco incitan a querer descubrirlo.

El primer adelanto, ‘Dancing in the Flames’ muestra al The Weeknd más abiertamente comercial y menos inspirado: para un artista que ha firmado algunas de las mejores canciones synthpop de los últimos años, es decepcionante encontrarse con un número de pop bailable tan blandito y pasado de moda que podría haberlo firmado One Direction.

Afortunadamente, ‘Timeless’ con Playboi Carti es bastante mejor, donde Tesfaye se pasa al trap con una producción sugerente y oscura con un innegable “flow”. No será el tema más creativo de su carrera, pero ofrece retazos de lo que mejor sabe hacer.

El último giro de volante que ha visto la luz es una colaboración con Anitta (con forma de sample), quizá la canción más arriesgada que ha lanzado el artista en los últimos tiempos. Arrimándose al funk brasileño, el resultado es sin duda interesante, aunque no del todo satisfactorio. Es una canción que parece construida a parches, que encuentra dificultades para funcionar como parte de un todo. Se agradece el riesgo pero es inevitable no levantar la ceja ante sus confusos cinco minutos que no parecen tener demasiado que decir.

Tanto ‘After Hours’ como ‘Dawn FM’ dan motivos para confiar en la visión artística de The Weeknd, pero el inminente ‘Hurry Up Tomorrow’ genera muchas dudas. Escuchando estos tres singles, el principal sentimiento que a uno le invade es la indiferencia». Fernando García.

¿Qué single o singles recientes de The Weeknd te han gustado?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...