Chris Bailey ha fallecido este sábado 9 de abril. Tenía 65 años. Chris Bailey fue fundador, cantante y autor principal de The Saints, muy recordados por su single de 1976 ‘(I’m) Stranded’. El tema presentaba el mismo álbum llamado ‘(I’m) Stranded’, que se editaba en 1977.
El disco labró el camino para que aquel mismo año el sencillo ‘This Perfect Day’ alcanzara el top 40 de las listas británicas, pese a que la banda era australiana. Bajo estas líneas podéis encontrar su paso por Top of the Pops. Presentaba ya el que fue el segundo disco de The Saints, ‘Eternally Yours’.
The Saints llegaron a publicar 14 discos, pero sólo Chris Bailey sobrevivió como miembro permanente, lo que no impidió que también firmara algunos lanzamientos en solitario. Más de 40 músicos han pasado por The Saints a lo largo de la historia.
El comunicado de su muerte recuerda que “Chris vivió una vida de poesía y música y nos abandonó un sábado por la noche”. Para decir que nos “abandonó” su familia ha utilizado la palabra “stranded” en referencia al que fue su mayor hit.
El NME recopila los testimonios de varios músicos, especialmente australianos, a los que Chris Bailey ha influido. Jimmy Barnes ha dicho que se ha ido “uno de los mejores autores del país” y que The Saints “fueron punks antes del punk”. Algo en lo que también ha coincidido Lindsay McDowens. Warren Ellis ha dicho que Chris Bailey fue “uno de los mejores cantantes, y The Saints, una de las mejores bandas”. Por su parte, Dave Graney ha reivindicado “cuán perfectos fueron The Saints”, indicando que siempre le vio muy parecido a Chuck Berry.
La banda sonora de ‘Top Gun’ es uno de los mayores hitos de los 80, gracias a la despampanante grabación de Giorgio Moroder para la película. ’Take My Breath Away’ fue número 1 a su edición en 1986, con la interpretación de la banda Berlin, y dio a Moroder uno de los 3 Oscars que tiene.
Otra que tiene un Oscar, en concreto por la exitosa ‘Shallow’, será quien interprete el tema de la nueva película de ‘Top Gun’. La cinta se llamará ’Top Gun: Maverick’ y la canción de Lady Gaga se llama ‘Hold My Hand’. Así lo asegura el portal Lady Gaga Now, donde han compartido un vídeo de un cartel colgado en la calle, en el que se puede leer que Hans Zimmer y Harold Faltermeyer también están involucrados en la creación de la música de la película.
El estreno de ‘Top Gun: Maverick’ es inminente. En Estados Unidos se espera para el 27 de mayo de este mismo año, después de 3 años de retrasos en su rodaje y producción debido a la pandemia. En la película vuelve a aparecer Tom Cruise como capitán e instructor de vuelo. Uno de los nuevos pilotos será el teniente Bradley Bradshaw, hijo de Goose, al que se vio en la película original. Este querrá convertirse en un aviador tan bueno como su padre. Lo interpretará Miles Teller.
En 2017 tuvimos la suerte de entrevistar a Giorgio Moroder y le preguntamos por el éxito de ‘Take My Breath Away’. Esta fue su respuesta tras tararear la línea de bajo al teléfono: «Una de las cosas inusuales es el principio, la línea de bajo y la melodía después en la canción son la misma. Es inusual que la línea de bajo se convierta en la melodía principal de una canción. La producción creo que estaba muy bien y Terri Nunn de Berlin hizo un gran trabajo. A los productores de ‘Top Gun’ les encantó e inmediatamente nos dijeron que sí. Fue todo muy bien».
En cuanto a Gaga, hay que subrayar que hacer una película, en concreto ‘Ha nacido una estrella‘, fue la mejor decisión de su carrera. ‘Shallow’ se acerca ya a los 1.800 millones de reproducciones en Spotify, siendo la grabación más popular de toda la carrera de Lady Gaga, doblando a otros clásicos como ‘Bad Romance’ o ‘Poker Face’. Habrá que esperar para comprobar si ‘Hold My Hand’ es también una balada acústica, o un medio tiempo electrónico próximo al italo disco de ‘Take My Breath Away’. Un estilo que Lady Gaga registró por ejemplo en ‘Do What You Want’.
¡Vuelve la normalidad! Y vuelven John Frusciante, Rick Rubin y el sonido más clásico a los Red Hot Chili Peppers. Albricias sean dadas. ‘Unlimited Love’ debería llamarse ‘El regreso’. La historia del disco, por eso, no tiene mucha historia: los cuatro Peppers se juntan en el estudio de Rubin para componer, tocar, grabar y escoger entre más de cincuenta canciones. RHCP son unos currantes del Show Business, nos quieren decir. Pero un poco de holgazanería (y contención) tampoco le hubiera sentado mal al álbum. Diecisiete temas y 73 minutos se antojan excesivos, por más fan que puedas ser de la banda.
Claro que los discos de RHCP con Frusciante siempre tienden a la desmesura: ahí están las dos horazas de ‘Stadium Arcadium’ (2006) para demostrarlo.
No solo la duración es (presuntamente) achacable a Frusciante. Casi todo el álbum parece diseñado para lucir su guitarra, su brillo y personalidad. Y hay que reconocer que, sonar, todo suena muy bien. ‘Black Summer’ es la primera canción y el primer single. Su letra ecologista refiere el “verano negro” de Australia: los incendios que asolaron el país entre 2019 y 2020. Anthony Kiedis canta suave, el resto de la banda muestra su fenomenal destreza… Pero, paradójicamente, el crescendo del estribillo, en vez de agregar fuerza a la canción, la quita.
El segundo tema, ‘Here Ever After’ genera la suficiente energía rítmica y melódica para mantener la atención. En ‘Aquatic Mouth Dance’, el bajo de Flea abre majestuosamente. Tiene un estupendo deje de soul y funk, suaves vientos en el estribillo y un contenido desfase jazzy final; suficiente como para avivar la llama. La balada no-soy-lo-bastante-bueno-para-ti ‘Not the One’ no por más tópica es menos resultona. Lo mismo se puede decir de la zumbona ‘Poster Child’, todo un homenaje a los ídolos pop, por donde circulan tanto Duran Duran como Motörhead o Talking Heads. Una pieza de funky manida pero adictiva… Al menos al principio. Luego se convierte en demasiado repetitiva.
Y es que es a partir de aquí se hace evidente el gran problema del disco. Está lleno de riffs, detalles, giros y requiebros conocidos, reconocidos y reconfortantes. Pero nada sorprende, nada destaca, todo discurre plácido. Demasiado plácido. No hay un gran single, un gran himno, algo que marque la diferencia. Casi hemos de esperar a ‘White Braid & Pillow Chair’, la canción número 12, para reencontrarnos con una pieza lo suficientemente interesante. Con su aire de pop sesentas californiano y un final la mar de trotón, homenajea por enésima vez a, claro, California.
Por eso escuece un poco encontrar a continuación ‘One Way Traffic’, que parece una parodia del «clásico tema de los Peppers». Es demasiado simplona: esos pseudo rapeos, los eo-eo, la maquinaria haciendo lo de siempre… ‘She’s a Lover’ tiene una parte que atrae, pero otra que repele: ¿ese estribillo no recuerda demasiado a Maroon 5? La intro de ‘Veronica’ entra bien (¡ese riff!), pero el resto es demasiado sobado. De ‘Let ‘Em Cry’ se salva el groove de Flea y los vientos sofisticados, tan Burt Bacharach.
Red Hot Chili Peppers están emocionados por la vuelta de Frusciante; Frusciante está emocionado por volver con Red Hot Chili Peppers; los fans están emocionados por volver a ver a la formación clásica en directo; incluso les puede emocionar escucharles en pleno en ‘Unlimited Love’. Pero el anterior ‘The Gateaway’, con todos sus fallos, poseía algo que aquí se echa de menos: encanto. El único encanto de ‘Unlimited Love’ es volver a lo ya familiar. Es un disco agradable, ideal para escuchar de fondo, mientras te dedicas a otras cosas; un destilado de oficio que no tiene nada que sobresalte para mal… Pero tampoco para bien.
El JNSP Song Contest de nuestros foros sirve para descubrir canciones que no han conquistado las listas de éxitos, y es el caso de nuestra Canción del Día para este domingo. Presentada por narizsucia ganaba una de las ediciones recientes este absoluto temazo que de manera dramática no apareció en ninguna lista de mejores canciones de 2021. Ni siquiera en Les InRocks. Sin duda alguna, lo merecía.
Brö -de nombre real Elisa Brolli- es una joven francesa de 25 años que acaba de debutar con un EP llamado ‘Cassandre’. Entre sus influencias está el R&B, el soul y el funk, en alternancia con una electrónica minimalista, como se aprecia en temas como ‘Allumette’. También se nota a veces que ha escuchado bastante hip hop. De hecho, Eminem es el único artista citado en su biografía oficial, donde afirma que sus estudios de poesía, las batallas de gallos y su deseo de evocar su sexualidad sin complejos constituyen su personalidad.
La canción estrella es ‘Mauvais rôle’. Su progresión transmite exactamente lo que encontramos en la larguísima letra. Brö comienza recitando una serie de versos, pero sus fraseos se van acelerando más y más, para terminar adentrada en el caos. El último pasaje de la canción es vertiginoso, sumergiéndose en influencias synth-pop cercanas al trance o a Caribou, como metáfora de la historia que nos está contando.
La artista comienza hablando de un día a día más o menos inocuo. La obligación de comer productos nacionales. Un concierto que se cancela. Poco a poco va introduciendo frases de peor color, como «la vida es rosa… solo cuando bebo». Pesa la presión social por que por ejemplo, «los matrimonios duren hasta que lleguen las arrugas». Después de reconocer la sensación de desempeñar «un papel equivocado» en esta vida, y clamar por la necesidad de «ser amado», Brö estalla. Ese verso agitado del minuto final es una protesta contra todas las cosas que nos agobian enumeradas en la canción, como no estar demasiado gorda, no ser demasiado masculina, o de nuevo, no abusar de la bebida.
«Soy lo peor» es una de las frases más repetidas de ‘Mauvais rôle’. Su vídeo prescinde de todo componente social a diferencia de lo que ocurre en la portada del EP. Parece recalcar que muchos de nuestros males son pura paranoia. Elisa Brolli lucha consigo misma en esta sencilla pieza llena de simbolismo.
El nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, está dedicado a RuPaul’s Drag Race. Para ello, invitamos a nuestro colega iFar, que fue quien en 2014 nos recomendó «RuPaul» mucho antes de que la moda rozara la saturación. Claudio cataloga el programa como «el fútbol de los gays». Repasamos la historia del concurso y hablamos del éxito de Drag Race España, sobre todo de esta segunda temporada que estamos siguiendo cada domingo, y que tan buenas críticas está recibiendo en el extranjero. Parte del orden del día es el siguiente:
-RuPaul, el personaje y la empresaria, Revelación o Timo. ¿Es buena o mala?
-La influencia del montaje de RuPaul’s Drag Race en programas posteriores como ‘Granjero busca esposa’.
-La reivindicación del programa de la pluma y la dignidad de las drag queens como performers en los garitos.
-La inclusividad trans a lo largo de los años: no siempre fue tan pionero RuPaul’s Drag Race.
-Concursantes históricas favoritas, como Valentina, pionera en el arte de llevar mascarilla.
-Los programas satélite y la franquicia que ha llegado a Holanda, Italia, Alemania… La edición más rara.
-El nivel de la edición española.
-La reivindicación de personajes LGTB+ tan importantes como la Ocaña.
-La calidad de las canciones de RuPaul, entre otras, el hit ‘Sissy That Walk’.
-La influencia de la cultura «ball».
-El paso de Lady Gaga y otras estrellas del pop por el programa.
Camila Cabello publica un tercer disco con los mismos aciertos y desaciertos que ‘Camila‘ y ‘Romance‘. En ‘Familia’ se alternan los temazos, como ‘Don’t Go Yet’, claramente una de las mejores canciones de 2021, con la balada insulsa. El obligado featuring latino, aquí con Maria Becerra; con el obligado featuring anglosajón, con Ed Sheeran. Al menos, eso sí, el «focus track» ha estado muy acertado, y ‘psychofreak’ es nuestra «Canción del Día».
‘psychofreak’ está apareciendo en la prensa porque contiene una frase dedicada a sus excompañeras de Fifth Harmony: «Lo siento, no me he podido concentrar en la película / todo el mundo dice que echa de menos a mi viejo yo / He estado en esto desde los 15 / No culpo a las chicas por cómo aquello decayó».
Dejando para otro día quiénes demonios pueden ser esas personas que echan de menos los días en que Camila Cabello estaba en Quinta Armonía, al margen de los vídeos de Desahogada, ‘psychofreak’ es mucho más que eso.
Ante todo, esta canción es una búsqueda de sí misma para Camila Cabello, que visiblemente agobiada, decide salir a tomar aire fresco. La letra muestra a una artista insegura, demasiado preocupada por Instagram y el wi-fi, literalmente alienada como un extraterrestre, y sintiéndose, en una palabra, «rara». A generar esa sensación contribuyen un fraseo muy poco melódico, bastante paranoide; y una producción bastante exquisita en este caso, obra de Ricky Reed y Tom Peyton.
La invitada en la canción en este caso es indispensable. WILLOW, que ya se ha quitado el apellido Smith de su padre Will Smith, se ha viralizado en TikTok en años recientes por su tema de 2015 ‘Wait a Minute!’. Suma ya 500 millones de streamings en Spotify. Recientemente, ha cantado también en el principal single actual de Machine Gun Kelly.
Aquí, aporta un tarareo un tanto Suzanne Vega y un excelente estribillo o post-estribillo, prácticamente lo mejor de la canción. WILLOW parece interpretar la voz interior de Camila Cabello que necesita salir, expresarse, para llevar a la artista por el camino del optimismo. «Ojalá fuera como todos los demás, pero no soy como nadie más», concluye su parte.
El sencillo vídeo editado para la canción cumple perfectamente su cometido, encerrado en un cuarto que parece emular una interrogatorio, una prisión, un psiquiátrico, o todo a la vez. Camila Cabello y WILLOW escenifican el terror de la paranoia, bajo la dirección de Charlotte Rutherford, quien ha trabajado con Halsey, Grimes y Lil Nas X.
Os dejamos también con la presentación de ‘psychofreak’ en Saturday Night Live. WILLOW acudió para interpretar su parte, hacer coros, tocar la guitarra eléctrica y poner todo su sentimiento. Camila Cabello se muestra muy determinada en el momento en que tiene que hacer la referencia a Fifth Harmony. También interpretó ‘Bam Bam’, sustituyendo a Ed Sheeran con tremenda fiesta latina.
Dizzee Rascal, desde hace dos décadas una de las figuras fundamentales de la escena musical en Reino Unido tanto en lo comercial como en cuanto a crítica, ha sido condenado por un incidente violento.
El artista ha sido encontrado culpable de agredir a su ex pareja Cassandra Jones. Según informa el prestigioso diario The Guardian, apoyó su cabeza contra la de ella y después la tiró al suelo durante una pelea en su residencia de South London, el 8 de junio de 2021. Los hechos sucedieron después de un altercado en cuanto a la custodia de su hija, cuando él estaba llevando a la niña de vuelta.
Según la jueza Polly Gledhill, al “haber perdido los papeles y usado la violencia”, tendrá que realizar servicios a la comunidad, ya que según el juicio “continúa situando la culpa en la Señora Jones, que es la víctima en este caso”. También tiene una orden de alejamiento que durará 12 meses y tendrá que respetar un toque de queda y llevar un dispositivo electrónico durante 24 semanas.
Pionero de la escena grime, Dizzee Rascal ganó el Mercury Prize con su debut de 2003 ‘Boy in da Corner’. Fue platino, al igual que su cuarto disco ‘Tongue n’ Cheek’ en 2009, este lleno de singles entregados al pop como ‘Dance wiv Me’ con Calvin Harris, ‘Bonkers’, ‘Holiday’ y ‘Dirtee Disco’. Los 4 fueron número 1 en singles en UK.
En la actualidad el artista tiene 37 años. Su último álbum data de 2020, un ‘E3 AF’ que pasaba ya más desapercibido.
Chanel continúa con la gira de promoción de ‘SloMo’, más que decidida a dejar a España en una buena posición en Eurovisión 2022. Como informa orgullosa RTVE, ha estado en la Gala Drag Queen de los Carnavales de Las Palmas de Gran Canaria, la Barcelona Eurovision Party, Los 40 Primavera Pop en Madrid y la London Eurovision Party, además de en la televisión portuguesa.
Anoche fue entrevistada en el programa Jinek de la cadena RTL y, acompañada de tan solo un guitarrista, la representante española ha entonado una version a pelo de ‘SloMo’. Una canción muy criticada por su letra supuestamente sumisa, tan genérica que en absoluto parecía sostenerse en este formato, pero que lo consigue. No hay más que ver la cara de los congregados en esta mesilla de debate para comprobar una vez más el talento de Chanel.
Stefan de Vries, colaborador en Jinek, ha declarado: «Chanel robó el corazón del público inmediatamente. Estaba sentado a su lado y me encantó su voz. Hizo una gran actuación». RTVE especifica que la cantante ha buscado el voto holandés, porque es uno de los más entusiastas de Eurovisión, aportando 5 millones de espectadores el año pasado.
A medida que todos los países han presentado sus canciones, Chanel, tan criticada en España, ha ido subiendo en las casas de apuestas. Rara vez la hemos visto fuera del top 10, la hemos visto mucho en torno al número 9, y ahora mismo es top 7.
En las listas oficiales de nuestro país, el tema abandonó el top 100 tras la fiebre producida por el Benidorm Fest. El apoyo de Los 40 Principales de momento no la ha devuelto a la lista oficial de Promusicae, y la encontramos en el puesto 193 de Spotify España. ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini es la única canción del Benidorm Fest que sobrevive en las listas oficiales, exactamente en el número 39, certificada como platino.
Aldous Harding es más que una simple cantautora. Es una artista vocal. Como Lana Del Rey, Nicki Minaj o Britney Spears, la neozelandesa juega con los múltiples registros de su voz e interpreta diferentes personajes que a veces ni siquiera parecen proceder de la misma persona. La voz de Aldous es un instrumento flexible que contrasta con el (aparente) clasicismo de su música. ‘Warm Chris’, su nuevo disco, explora este contraste a lo largo de sus 40 minutos de duración.
La voz de Aldous puede sonar ceremoniosa, como en ‘Fever’, aniñada como en ‘Lawn’, o directamente apitufada (de manera natural) como en ‘Leathery Whip’. A veces, como en ‘Passion Babe’, Aldous decide balbucear las palabras, como si estuviera borracha o estuviera recordando la letra in situ. Y en ‘Staring at the Henry Moore’ adopta un registro dulce y cálido… para luego cambiarlo a un tono nasal que no esperas.
La escucha de ‘Warm Chris’ pone a prueba tu paciencia. En un primer acercamiento parece que la autora de ‘Designer’ se haga la rara, pero con las sucesivas escuchas descubres que disfruta explorando los diferentes timbres de su voz. Y, sin miedo, los aplica a unas canciones que tampoco buscan el camino fácil. El chamber-pop folki y minimalista de ‘Warm Chris’ parece convencional, pero Aldous siempre encuentra maneras de enrarecerlo, de incomodar. En el buen sentido.
‘Lawn’, el primer single, de maravilloso videoclip, por cierto, es alegre y animadillo. Su ritmo sincopado invita a bailar. La melodía es pegadiza. Sin embargo, Aldous la canta con una voz aguda que bordea lo «annoying». Su melodía también es extraña, igual que las de ‘Ennui’ o ‘Fever’. La guitarrita mareada de ‘Tick Tock’ transmite ese efecto en el oyente. Y estoy hablando de las canciones más accesibles del disco.
Incluso los momentos intimistas de este trabajo que ha vuelto a producir John Parish provocan extrañeza. En ‘She’ll Be Coming Round this Time’, una balada preciosa a piano, te queda muy claro que Aldous está imitando a alguien, pero no sabes a quién. Parece Karen Dalton. Luego Joanna Newsom. En ‘Warm Chris’, tan intimista, cada verso concluye con una reverencia de guitarra eléctrica que aparece como a destiempo.
La magia de ‘Warm Chris’ termina cuadrando en la cabeza, aunque cueste unas pocas escuchas. Y a favor de Aldous hay que decir que arriesga poniéndoselo difícil al oyente el lugar de fácil. Lejos quedan los tiempos de la dramática ‘Horizon’. Su música es el equivalente a encontrarte con una persona a la que conoces pero luego descubres que es otra persona que se parece en un 98% a la otra. El 2% restante se compone de las diferentes peculiaridades que hacen que su música sea memorable. Esas singularidades que hacen que su música primero incomode, y luego cautive.
Tampoco lo ponen fácil las letras. En ‘Warm Chris’ vuelven ser deliberadamente crípticas, cuando no absurdas y, aunque algunas parecen hablar más o menos claramente de relaciones fallidas (‘Lawn’) o de momentos de insatisfacción emocional (‘Passion Babe’), la propia Aldous prefiere que cada oyente saque sus propias conclusiones respecto a lo que significan.
Llaman especialmente la atención algunos pasajes. En ‘Fever’ observa a su amante en la oscuridad, en ‘Tick Tock’ afirma que quiere «una oficina en el campo», en ‘Warm Chris’ que le gusta «observar aviones de papel quemándose», en ‘Passion Babe’ se recuerda «casada y aburrida». En ocasiones, como en ‘She’ll Be Coming ‘Round the Mountain’, las personas narrativas cambian tanto que pierdes el hilo.
Pero no importa. En realidad, en otros casos, las letras solo proporcionan a Aldous una oportunidad para seguir explorando su propia voz, la entonación, los acentos. Acariciar cada palabra, o al contrario, dejarla descolgada delante del micrófono, parece más importante para ella que contar una historia convencional con métodos convencionales. Y esa es la gracia de ‘Warm Chris’, en todo su esplendor.
Pensábamos que Harry Styles desbancaría a su amiga Rosalía del número 1 de nuestra lista semanal, pero no. De momento ‘As It Was’ tiene que conformarse con el puesto 4. Es entrada directa al número 1 ‘Marchar’, el vídeo conjunto de Vicente Navarro y Rodrigo Cuevas que estrenamos en JENESAISPOP y que os seguimos recomendando encarecidamente. Foto: Carlos Menéndez.
‘Marchar’ es el tercer número 1 de JNSP para Vicente Navarro, tras ‘En el río’ y ‘Un llanto’, y el primero para Rodrigo Cuevas. ‘Veleno‘, su gran hit con Baiuca, quedó en el puesto 2 contenido en diferentes semanas por «Berlín» de Zahara y ‘V’ de Anne Lukin; y ‘Muñeira para a Filla da Bruxa’ quedó en el puesto 15. ‘Muerte en Motilleja’ quedó fuera del top 40 al no obtener votos suficientes del público cuando Cuevas era menos conocido. Os recordamos que los 10 candidatos a entrar en lista aparecen siempre al final de la playlist del top 40 en pos del descubrimiento de nueva música.
También llega al top 10 lo nuevo de Angel Olsen, y al top 20 ‘Una daixona de pols’ de Antònia Font y ‘Hold Me Closer’ de Cornelia Jakobs, un tema eurovisivo. La lista de entradas se completa con los temazos de Destroyer y Los Estanques con Anni B Sweet.
Joe Crepúsculo es de los pocos artistas que pueden fardar de tener en el mercado más de una decena de trabajos discográficos. Una carrera muy extensa que ha pasado por todo tipo de escenarios (literales e históricos) y que ahora continúa alimentando aún más con ‘Trovador tecno‘, su nuevo disco. Un disco rompedor en cuanto al sonido rock anterior con “Supercrepus II” y al hastío vital que a muchos nos ha inundado últimamente. Ganas locas de bailar en la pista al ritmo no solo del tecno sino también del bakalao o la rumba.
Una mezcla sonora con muchas influencias de aquí y allá que solo Joe Crepúsculo sabe poner sobre la mesa, utilizando con ingenio el sentido del humor y reflexionando sobre la realidad que nos rodea. Hablamos con él largo y tendido sobre este ‘Trovador Tecno’ que, además de ser el título de este nuevo trabajo, nos muestra efectivamente a una persona entregada al entretenimiento de los demás a través de la pista de baile. Las fechas de su gira, en Instagram. Foto: Pablo Zamora.
Tu penúltimo disco, ‘Supercrepus II’, salió en 2020 en mitad de la pandemia antes de no sé qué ola; y este último, ‘Trovador Tecno’, nos pilla en un momento global también bastante hostil y oscuro, en otro sentido. ¿Tienes ganas de lanzar un disco que no se tenga que enmarcar dentro de un momento histórico?
De lo que tengo ganas es de que no esté pasando algo importante todo el rato. Siempre pasan cosas importantes, siempre hay noticias, catástrofes, gente que lo pasa mal en el mundo… Pero apetece volver a como estábamos antes, la verdad. En cualquier caso, sí es verdad que siempre se puede ver una interpretación de por qué lanzas un disco. Una reacción a una guerra, a un momento… Con este trabajo, puede que haya un punto de reacción a querer volver a las salas, a la gente bailando, al sudor… Puede ser que sí.
También, yo soy una persona de contrastes. Veníamos de un disco de rock y tal vez no le hicimos todo el caso que pudimos. Pilló justo en el 2020. Y sí que apetecía mucho sacar un disco de bakalao y de tecno, de presentarlo con gente bailando en los festivales… Igual sí que, inconscientemente, buscaba volver a todo eso. Pero también creo que, desde la pandemia, tenemos la cabeza y la mente muy pendientes de pensar que siempre va a pasar algo catastrofista. Los medios de comunicación son un amplificador de todas las catástrofes: ellos ven que nos interesa pensar que va a pasar algo malo y saben que, cuando ponen una noticia así, vamos a picar.
Ojalá estemos saliendo de todo eso, pero aún hay muchas cosas ahí que nos quedan por medio: el cambio climático, las guerras, el hambre, las desigualdades sociales, de género… Pero no estaremos encerrados. Estaremos en una discoteca y tal vez la cuestión sea solucionarlo bailando.
Es verdad que es difícil no mover el pie al escuchar todo el disco, por lo que misión cumplida si has querido que la gente bailara. ¿Esta es la música que te gustaría escuchar de fiesta?
En el caso de que yo fuera a una pista de baile, sí. Pero como no salgo de discotecas, no sé muy bien qué suele sonar. Puede que sea un disco extraño o pervertido para eso. Yo en mi casa me pongo cumbia, Bob Dylan, Fleetwood Mac y ‘MOTOMAMI‘, el nuevo disco de Rosalía.
Pero sí me gustaría que una canción como ‘Así soy yo’ sonara en discotecas. Imagino que en un Ochoymedio puede quedar muy bien a las 3 de la mañana. Aunque no sé si pega, estoy un poco fuera. Veo más la interacción que hay en conciertos míos que en una sesión de noche. Tú que eres más joven, me lo podrás decir (risas).
¿Ya no sales de fiesta porque no te apetece o porque ya no encuentras tu espacio? A juzgar por este disco, parece que te gusta la noche.
Voy a las discotecas cuando toco en ellas y me quedo un rato después. Lo que no me gusta es salir por la noche. Esto va a sonar muy pureta, pero me encanta que una comida se alargue y aprovechar las horas del día. Cuando alguien me dice de quedar a las diez de la noche, me da bajón total. Pudiendo quedar antes, estar en bares guays, más baratos… y aprovechar la luz tan bonita que tiene este país.
«Desde la pandemia, tenemos la cabeza y la mente muy pendientes de pensar que siempre va a pasar algo catastrofista»
En ‘Trovador Tecno’ no solo hay, como su nombre indica, tecno, sino también fusiones con el bakalao, el eurodance, el pop, la rumba… Hay tintes a lo Camela o Ladilla Rusa. ¿Cuáles son tus influencias de la España más kitsch o cañí?
No me fijo en que algo vaya a sonar a algo, las influencias son inconscientes. Es muy complicado hablar de influencias. Me encantaría decirte cualquier cosa pero, al final, la influencia te puede venir de un anuncio de publicidad que acabas de escuchar o de ponerte a hacer ciertos acordes. En este disco pueden estar Los Chichos, la mákina valenciana, el acid house, el progressive tecno… ‘El Tren de la Bruja’ puede sonar a Camela, pero también es un híbrido de muchas melodías. ‘Tecnocasa’, por otro lado, siempre me ha recordado un montón a ‘Ni**as In Paris’, de JAY-Z y Kanye West. Hay referentes pero nunca intentamos sonar a algo.
En este disco colaboran tanto las míticas cantaoras flamencas Las Negris como dani, artista revelación dentro del nuevo pop. ¿En el mundo de Joe Crepúsculo conviven ambos estilos?
Sí, totalmente. Si hay algo que pueda definir este disco es que es un abanico muy amplio. Hay sentido del humor, pero también hay emoción. Cosas tristes y cosas muy alegres. Y ahí las colaboraciones se ponen sobre la mesa. Me flipa todo lo que dani está haciendo, y aparte de sello también compartimos productor, Aaron Rux. Con Las Negris lo vimos clarísimo. Las veíamos cantando, dando palmas y haciendo esos jaleos. Con Diego El Ratón fue más tardío, coincidimos en el Sonorama de Ibiza y le enseñamos la maqueta que le gustó mucho. Con Abel (de Los Vinagres) fue curioso porque fue de las primeras canciones que hicimos del disco (‘Pensar el tiempo’), y también me gusta porque tiene ese punto más rockero mezclado con el electro. Hay mucha disparidad en cuanto a colaboraciones, pero hace que el disco sea más redondo.
«La palabra “indie” es equívoca. ¿Hidrogenesse es indie, también? Porque, para mí, no. Ni Baiuca, por ejemplo»
Parece que poco a poco te vas despegando más y más de esa etiqueta de “indie” que algunos te pusieron hace ya más de una década. ¿Reniegas de ella o piensas que te ha dado mucho?
Para empezar, la palabra “indie” es equívoca. Empezó como algo independiente pero ahora lo basan en un estilo musical. Llamar indie a grupos como Novedades Carminha, que son mucho más rock… Yo nunca me he sentido identificado con esa etiqueta; pero por otro lado, he tocado en festivales de indie. Y hay una cosa que está clarísima, que lo ves en Spotify: los grupos similares que escuchan tus fans. La gente que escucha mi música, escucha grupos indies. Entonces no puedo decir que yo no lo sea del todo, pero… ¿qué es lo que pasa? Que yo siempre he considerado que, estilísticamente, estaba fuera. A mí siempre me ha gustado la música latina, el bakalao, he podido hacer house o una rumba… Siempre dentro del pop.
Entonces, me da la sensación de que el indie es un cajón donde se mete lo que no es heavy metal, ni rock, ni punk, ni urbano. Todo lo que no quepa ahí, es indie. ¿Hidrogenesse es indie, también? Porque, para mí, no. Ni Baiuca, por ejemplo. Pero, claro, los metes en ese cajón porque no caben en los otros. Parece que indie nos suena mejor para hablar de Love Of Lesbian, Izal o Dorian, pero para otros grupos se nos queda raro. Es la etiqueta que nos ha dado la sociedad y la crítica musical.
Y tú, ¿en qué cajón te meterías?
Si yo pudiera elegir, yo rompería con todos los cajones. Pero eso lo dicen todos los músicos, a nadie le gusta que le digan que es una cosa. Arcade Fire dirán que no son rock. Todo el mundo quiere tener su cajón propio y pensar que, dentro de su asunto, está rompiendo la pana y destejiendo los géneros.
«Me hace mucha ilusión que Rosalía y C. Tangana estén llevándose el gato al agua con esas propuestas»
¿Qué artista o grupo nacional te parece que esté rompiendo con algo?
Tenemos ahí a Rosalía y C. Tangana que, dentro de su personalidad, están rompiendo el mainstream. Están siendo ellos mismos y triunfando. A mí personalmente me gustan muchísimo los dos. Me hace mucha ilusión que ambos estén por allá llevándose el gato al agua con esas propuestas tan guays. Pero también tenemos a mucha gente muy interesante por aquí: Baiuca, Los Estanques, Chico Blanco, Hidrogenesse…
En ese sentido, ¿echas de menos algo de autenticidad o riesgo en el panorama musical actual?
Es que no sé muy bien qué es el riesgo. El riesgo depende mucho de las modas. Creo que los jóvenes están haciendo lo que tienen que hacer: sus rollos utilizando la tecnología. Todo el mundo se arriesga a su manera. Lo que es más divertido es cuando la gente se hace mayor y quiere parecer joven (risas).
Me hacen bastante gracia el título del disco y algunos de canciones como ‘Tecnocasa’ o la propia ‘Happy Birthday’. Es como si el sonido o la atmósfera del disco fueran oscuros, pero a la vez con un lado de guasa, como de reírse de todo. ¿Hay sentido del humor en este disco? Ahora que todo parece tan solemne y serio…
Puede ser que haya un punto oscuro. Pero el humor siempre está ahí, es inherente a mi música. Me gusta que haya un humor divertido e inteligente. Yo quería que el disco fuera solar, que tuviera luz del día. Hay algún rasgo oscuro como ‘El Tren de la Bruja’, pero siempre hay una luz final. ‘Tecnocasa’, aunque hable de unos jóvenes que están intentando vender unos pisos y no lo consiguen, se lo están pasando bien. Así como en ‘Supercrepus II’ o en ‘Disco Duro’ había muchas sombras, creo que aquí siempre hay una luz en todos los temas. En ‘Brindar’, por ejemplo, hay una melodía muy feliz para contar una despedida.
Entre tanto zapatilleo también hay algún mensaje social profundo en canciones como ‘Vamos a limpiar’, en la que hablas de la higiene mental; ‘Velo de Maya’, sobre la incapacidad de llegar a la realidad de las cosas, o en ‘Sol y sombra’, en la que hablas sobre “la degradación de la luz en nuestro país”. ¿Cómo le hablas a la sociedad actual desde tu música?
A mí lo que me gusta hacer con la música es poner, como dicen los catalanes, de peus a terra (pies en la tierra). Ser consciente de las cosas. Igual soy un poco pesimista por pensar que la música no es una herramienta para cambiar el mundo. Creo que el mundo se cambia más desde arriba, votando, con unas políticas… Mi intención con la música es hacer pensar a la gente. Puedes estar bailando pero, de repente, hay una frase que te chirría y te hace pensar.
Me hacía mucha ilusión por ejemplo hablar en ‘Velo de Maya’ de Schopenhauer. Él era muy fanático de Kant, y él hablaba de nuestra imposibilidad de conocer el mundo. Sobre todo porque nuestras sensaciones no pueden penetrar en lo que es la verdadera realidad. Entonces, lo que separa nuestras percepciones de la realidad es el Velo de Maya. Me hacía ilusión hablar de ese velo y de ese marco ideal en las relaciones y en el amor. Nos imaginamos cómo es una persona y nos hace enamorarnos. Es llevar un poco el idealismo a todo eso. Tampoco quería profundizar mucho en ello pero quería dejar cuatro pinceladas.
En cuanto al título, ¿alguna vez te has sentido como ese trovador o ese payaso triste que tiene que entretener dentro de la música?
Los que hacemos conciertos lo somos todo el rato. De alguna manera lo hacemos, yo con mucho gusto. Pero a veces te das cuenta de que estás ahí en la fiesta, tus amigos hace mucho que no te ven, tu concierto sirve como motivo de fiesta… Pero tú estás juntando ese concierto con el anterior y el siguiente. Con el paso del tiempo te das cuenta de que sí eres el entretenedor y no puedes estar todo el rato arriba. A mí me gusta hacer referencia a la labor de los trovadores de hacer de la música algo popular. Me flipa que una canción se haga popular.
También está esa cosa de los mesteres: el mester de juglaría, de clerecía… El de clerecía es más religioso pero el de juglaría es el divertido, el guay. Es hacer un homenaje a todo esto. Creo que, ahora con esta gira tan larga que tenemos por delante de salas y festivales, me siento como un trovador dentro de la noche y del bakalao. Hacer que la gente se divierta. También puede que se gire la tortilla y que todo eso se vuelva en tu contra. Que te agote y te vampirice. Pero eso no lo tiene por qué saber la gente…
Después de tantos discos, ¿hay algo que quede en el tintero por decir o hacer?
Sí, aún no he dedicado todo un disco a baladas. Me encanta el rollo crooner. Creo que ya empiezo a tener una edad de tener una propuesta más seria, de ir con piano de cola y llevar un traje. Tarde o temprano tendrá que darse eso.
Lo que está claro es que no te da miedo arriesgar o seguir tus instintos a la hora de hacer música. ¿Crees que le has perdido el miedo al fracaso?
Te podría decir que sí, que le he perdido el miedo. Pero no es verdad. Estamos siempre mirando si van bien las cosas, y claro que hay miedo al fracaso. A que no le guste a la gente. Si no le tuviera miedo al fracaso, me daría igual si algo funciona o no. Me lo quedaría en casa y no lo sacaría. Si saco un disco, quiero que a la gente le guste y quiero que vaya bien. Todos tenemos ese afán, incluso la gente que aspira al malditismo. Puede que haya perdido miedo al fracaso, pero está ahí como un perro que te mira, tiene hambre y un día te va a morder. En algún momento, siempre fracasamos. A todos los músicos nos va a pasar que nos va a ir mal. Pero a mí me gusta ser sincero y pasármelo bien haciendo lo que hago; y creo que es más importante fracasar haciendo lo que quiero, que no triunfar haciendo lo que no me apetece. Así que, si este disco fracasa, yo estaré contento porque era lo que quería hacer.
Este fin de semana las celebridades y los usuarios de redes sociales han sido llamados a hacer un vídeo de apoyo a Ucrania bajo el hashtag #StandForUkraine. Entre los artistas que han participado en la acción están Måneskin, Billie Eilish o Madonna.
La autora de ‘Ray of Light‘ ha decidido versionar ‘Your Song’. El movimiento es bastante curioso pues le une a Elton John una larguísima relación de amor/odio. El autor de ‘Your Song’ se ha mofado en numerosas ocasiones de Madonna por hacer playback en la Super Bowl, o incluso la ha llamado «stripper de feria». En otra ocasión, Elton John se preguntó, sobre un premio Q de mejor artista en directo para Madonna, desde cuándo se premiaba un playback. El equipo de la cantante tuvo que hacer un comunicado indicando que Madonna no hacía playback en sus conciertos.
En aquella ocasión en que Madonna y Elton John competían por el Globo de Oro a Mejor Canción y ganó ella por ‘Masterpiece’, la cara de él fue un poema. Su marido salió a defenderle atacando la credibilidad de los Globos de Oro tan pronto como en 2012. Madonna se refería entonces jocosamente a la relación de amistad/enemistad que mantenían: «Espero que (Elton) me hable durante los próximos dos años. Es conocido por enfadarse conmigo. No sé, es un genio y le adoro. Ya ganará otro premio, yo no me siento mal».
Y ahora en este nuevo vídeo en el que Madonna dice que la música debe unir a la gente, en referencia a la letra de ‘Music’, se ha sentado con su hijo David al piano para improvisar una versión a dúo de ‘Your Song’. Dice que es una de sus canciones favoritas. David Banda, que es, de sus 6 hijos, el que comenzó su carrera como futbolista en Lisboa, ya recibió un crédito como co-autor en uno de los temas de ‘Madame X’, ‘Batuka’.
Por otro lado, Madonna también ha sido noticia esta semana por asustar a los usuarios de TikTok -y a sus fans también- por subir un vídeo a esta red social en primer plano, sin filtros y ligeramente perjudicada, al ritmo de uno de los tropecientos remixes de ‘Frozen’ salidos y por salir.
El vídeo era “trending topic” entre comentarios de haters y sus propios fans decepcionados preguntándose dónde quedó la Madonna de disciplina férrea que en 40 años de carrera ni una sola vez fue sorprendida ni borracha ni drogada. Comentaron el vídeo personalidades de toda índole. La comentarista política británica Dominique Samuels se preguntaba «por qué las estrellas no pueden envejecer con dignidad». Añadía: «en su lugar Madonna se está convirtiendo en un gato. Qué triste de ver».
El líder de opinión de extrema derecha Mike Cernovich recalcaba que “la humillación de Will Smith y ahora lo de Madonna exponen el vacío del hedonismo. Lo han tenido todo, al menos lo que el mundo llama “tenerlo todo”. Dinero. Fama. Compañeros sexuales sin límite. Y todos decaen antes que nosotros, como cuerpos sin alma implotando en sí mismos lentamente”.
El cómico Tim Young tuiteaba, obteniendo 22.000 likes: «Madonna luce bien para su edad, si su edad es la de viejo vampiro de 2700 años que come bebés y pequeños animales vivos». Se abría por tanto el enésimo debate sobre edadismo y envejecer dignamente, en el que la Ciccone es la primera que parece buscarlo, cual verdadera adicta a la polémica, como ya tratamos en nuestro podcast sobre Madonna.
— Dominique Samuels (@DominiqueTaegon) April 5, 2022
The Will Smith humiliation and now that Madonna video exposes the emptiness of hedonism. They had it all, at least what the world calls “having it all.” Fame. Money. Unlimited sexual partners.
And they decay before us, as a body without a soul slowly implodes into itself.
Jack White está intentando muy fuerte que ningún ser sobre la faz de la tierra se quede sin saber que este viernes 8 de abril ha sacado un disco en solitario, ‘Fear of the Dawn’. Lo presentaba con un single llamado ‘Taking Me Back‘, al mismo tiempo que anunciaba otro disco ‘Entering Heaven Alive’. Este otro se espera para el 22 de julio.
Aparte de promocionar como “focus track” para las playlists de novedades del mundo ‘What’s the Trick?’, el artista estuvo en Detroit para animar la primera noche de los Tigers de la temporada. Tocó el Himno Nacional con su guitarra mientras el público lloraba con el corazón en la mano. Tras apoyar a su equipo de béisbol, por la noche comenzaba la gira de presentación del disco. Y allí decidió casarse sobre el escenario, para sorpresa de sus seguidores y de la propia novia.
Olivia Jean, de Black Belles y ahora artista en solitario, había ejercido de telonera del show de Jack White. Cuando este iba por ‘Hotel Yorba’ de los White Stripes decidió proponerle matrimonio a Olivia.
Como informa Ultimate Classic Rock, el set acababa con ‘Hotel Yorba’, pero entonces volvieron a modo de bis Jack White, su madre, Olivia Jean y el padre de esta, junto al co-fundador del sello Third Man Records Ben Swank, quien ofició la ceremonia. Ejercieron de testigos los bajistas de ambas bandas.
12 días ha tardado la Academia de Cine en anunciar sus medidas contra Will Smith en la noche de los Oscar. El actor se levantó de su asiento y abofeteó al humorista Chris Rock después de que este hiciera una broma sobre la alopecia de Jada Pinkett-Smith, comparándola con la Teniente O’Neil.
Después de que la opinión pública haya condenado tanto a Will Smith por optar por la fuerza delante de decenas de millones de espectadores, y también a Chris Rock, por hacer humor sobre el físico y la enfermedad de las personas, la Academia ha tomado una decisión.
El comunicado del presidente de la Academia, David Rubin, y su consejera delegada Dawn Hudson indica: «No se permitirá la asistencia del señor Smith, física o virtual, a ninguno de los eventos o programas de la Academia de Hollywood, incluidos, pero no exclusivamente, los Oscar».
La Academia pide perdón por no haberse “encargado de la situación de manera adecuada durante la emisión”. Dicen: “Era una oportunidad de ser un ejemplo para nuestros invitados, espectadores y la familia de la Academia delante de todo el mundo, y nos quedamos cortos, faltos de preparación para este imprevisto”.
Según TMZ, la Academia mintió cuando afirmó que había pedido a Will Smith abandonar el recinto tras propinar el bofetón y antes de recoger su Oscar. Dicen que fue lo contrario, que el productor Will Packer le dijo que se podía quedar.
Así concluye la «investigación formal» contra Will Smith, sin que quede claro si podrá optar a ser nominado para ganar más Oscar, después de que en la noche de la ceremonia se hiciera con uno por ‘El método Williams’. Will Smith, que ya había comunicado que renunciaba a la membresía de la Academia, ha dicho ahora que acepta la expulsión.
En el podcast de ‘MOTOMAMI’ lloriqueábamos porque Rosalía no había ofrecido entrevista a los medios musicales del país. Ella, siempre dos pasos por delante, ha hecho algo mejor que hablar con la prensa musical: conceder una entrevista a un músico, Jaime Altozano.
Jaime Altozano realizó en 2018 un análisis concienzudo de ‘El mal querer’ que ha recibido 7 millones de visitas, siendo comentado por la propia Rosalía. Ahora la cantante se ha sentado con él para analizar ‘MOTOMAMI‘ en toda su complejidad, un disco que Altozano define como un «collage extremo».
El músico y productor pone como ejemplo las 4 melodías de ‘HENTAI’, partiendo de una idea de Frank Sinatra, pero con cierta cadencia flamenca, explicando cómo se beneficia del uso de melismas o cómo se han creado las «metralletas» a partir de drums de reggaetón en toda su sequedad y dureza. Altozano analiza particularmente cómo Rosalía usa la voz, quitando frecuencias agudas a los instrumentales, para dejar su voz en primer plano muchas veces sin efectos, desnuda, como ella aparece en la portada de ‘MOTOMAMI’. Pone como ejemplo ‘Candy’.
También explica cómo se ha fomentado la voz de niña de ‘Bizcochito’ en búsqueda de la inocencia infantil, lo cual se ha conseguido subiéndole el pitch. O el modo en que las voces tratadas por ‘DIABLO’ expresan el sentir de sus «haters». En un momento delirante y horripilante a partes iguales, el montaje de Altozano usa bases de ‘MOTOMAMI’ contrapuestas a esos tuits y opiniones sobre el disco tan tóxicos que hemos visto superar todo límite de la vergüenza ajena.
La artista, que reconoce que hay mucho de autoafirmación en el álbum, por ejemplo en ‘Bulerías’, comenta: «Hay cosas que digo: «ojalá no lo hubiera visto». Te quieres tapar los ojos. Estar expuesto en una industria como esta puede ser agresivo, muy hostil. Por eso suena muy seco todo en el disco. Quería trasladar a valores musicales la hostilidad, lo agresivo que puede ser este entorno en el que me he encontrado de golpe en estos dos últimos años». La cantante afirma que quiere «ser quien es con orgullo» y asegura que aún lleva sus propias redes (tradicionalmente le ha ayudado su hermana).
Coincide con nosotros Jaime Altozano en que ni ‘La fama’ ni la ahora tan exitosa ‘Candy’ son la canción clave del disco, sino ‘Saoko’. El productor explica que es esta la que reúne todas las técnicas de grabación renovadoras que se han usado a lo largo de ‘MOTOMAMI’ y afirma que «una canción que tiene una batería de jazz, chops, no tiene estribillo y solo usa un beat de reggaetón de 40 segundos no puede ser comercial». Altozano asegura que ‘Saoko’ es el emblema de la transformación de Rosalía y asienta un «estandarte en la manera de componer» del que él está aprendiendo mucho.
Rosalía, que afirma haber disfrutado mucho esta entrevista para hablar de música, pues en las entrevistas le suelen preguntar por otras cosas, confirma que ‘Yeezus’ de Kanye West ha sido una influencia monumental en el desarrollo de este disco, como se aprecia en los diferentes «collages».
La cantante indica que tras ‘Los Ángeles’ y ‘El mal querer’ quería hacer algo más divertido: «Otros proyectos tienen un tono muy solemne, eran temáticas como “espérate que me siento”. No había cabida para el humor». Esta vez quería hacer algo distinto, en el disco que Altozano entiende además como el más personal de su carrera, pues los otros dos contaban historias de otros. Algo en lo que ella concuerda: «hablo de aquí y ahora en estos 3 años. Tiene mucho diario personal». Bajo estas líneas os dejamos con la entrevista editada por Altozano con sus explicaciones aparte y también con la entrevista completa.
La Casa Azul tendrá que lidiar siempre con el sambenito de entregar supuestamente una y otra vez la misma canción. Como compositor y productor fan de la música de las últimas 6 décadas, él sabe que en los matices está la diferencia. Y esta canción es diferente. Los referentes parecen los mismos, las tonalidades no lo son.
‘No hay futuro’, hoy nuestra «Canción del Día», comienza como una grabación de su venerado Nino Bravo -esa percusión-, con una melodía tenue que domina las estrofas cual fuerza oculta. Hay partes que parecen estar musicando una película de giallo, y todos sabemos que la música de La Casa Azul no ha tenido nunca como referente el cine de terror. Ese puente es ultra Giorgio Moroder, de los que copiaron sin piedad Daft Punk, antes y después de grabar ‘Giorgio by Moroder’ con Moroder, pero también aparecen otras influencias como Beach Boys, Cerrone, Donna Summer, The Zombies y la película ‘Barbarella’.
Con esos palabras que solo pueden utilizar él y Fangoria («un puto crash terminal», «umbilical», «reducto»), Guille Milkyway vuelve a mostrarse atrapado entre el pesimismo y el optimismo como si no hubiera escala de grises. Esta sólo reside en la música, pues mientras él grita que ‘No hay futuro’, que ‘No hay futuro’ y que «no lo hay», la música sugiere a veces todo lo contrario.
O como mínimo, es una llamada a la necesidad de aprovechar el momento en ese frenético pre-estribillo. A buscar otro sitio, a lo que apelan ese vídeo y esas fotos promocionales de Luis Domingo en las que Guille vuela por los aires. «Tiene que haber algún lugar / Algún reducto / Algún océano vital / Éste ya no es mi mundo / Es un puto snow crash terminal».
En el año entero que ha pasado desde ‘Entra en mi vida’, La Casa Azul nos ha entretenido colaborando por ejemplo con Soleá Morente en una adaptación de Raffaella Carrà absolutamente maravillosa. La versión de ‘No pensar en ti’ que se presentó en Cachitos ya dobla en streamings a la original.
PRÓXIMOS CONCIERTOS DE LA CASA AZUL
14 DE ABRIL – BENICÀSSIM
SAN SAN FESTIVAL
22 Y 23 DE ABRIL – MADRID
LA RIVIERA
(SOLD OUT)
6 DE MAYO – ARMILLA
EN ÓRBITA FEST
11 DE JUNIO – TALAVERA DE LA REINA
CAPITAL FEST
17 DE JUNIO – SABADELL
FESTIVAL OBSERVA
16 DE JULIO – VILAGARCÍA DE AROUSA
ATLANTIC FEST
29 DE JULIO – OLIVENZA
CONTEMPOPRÁNEA 2022
5 DE AGOSTO – VALENCIA
NITS DE VIVERS
14 DE AGOSTO – ARANDA DE DUERO
SONORAMA
16 DE AGOSTO – SANCTI PETRI
CONCERT MUSIC FESTIVAL
20 DE AGOSTO – TAVERNES DE LA VALLDIGNA
FESTIVAL MEDITERRÁNEA
Bilbao BBK Live, Tomavistas, Melona Fest, Fan Futura… son solo algunos de los festivales en que podrás ver a VVV [Trippin’you] este año, tras haber pasado ya por ejemplo por uno de los más vanguardistas, el MIRA. Presentan su tercer disco, publicado en los últimos días de 2021, bajo el nombre de ‘Turboviolencia’.
El trío madrileño formado por Elinor Almenara, Adrian Bremner y San Fierro no tiene miedo a consentir la denominación de neo-bakala en lo que parece una de las escasas pinceladas de humor en el concepto de la banda. Porque este es un proyecto marcado por el existencialismo, en el que no es casualidad que hayan escogido como productor a Diego Escriche de La Plata.
Es evidente que el post-punk siempre ha sido una influencia para VVV [Trippin’you], sobre todo en unos textos que jamás podrán huir del nihilismo ni del romanticismo por mucho que lo intenten. Su líder Adrián Bremmer tiene el mismo tono tristón de un Ian Curtis o en España Germán Coppini. Canta hacia dentro como para atacar el lugar del que proceden todos sus males. La música, en cambio, es otra cosa, correspondiéndose con esa loca playlist de influencias que realizó para Veinte20.org, donde aparecían indistintamente HEALTH y Tino Casal, The Prodigy y Caterina Barbieri, Crystal Castles y TR/ST.
Tal es la sensación de caos escuchando ‘Turbolencia’ que rebuscar entre las posibles influencias de VVV [Trippin’you] es un divertimento. Uno no sabe si por ahí saldrán Einstürzende Neubauten y Throbbing Gristle o más bien El Último Vecino. Reconforta comprobar que en redes siguen a gente tan dispar como Miqui Puig, LVL1 y PUTOCHINOMARICÓN, porque la sensación que deja ‘Turboviolencia’ es que les interesa todo. Todo lo que haya servido para expresar la mierda de nuestro interior.
Hay varios guiños al drum&bass en el álbum, siendo uno de los más gráficos el minuto final de ‘Matar el tiempo’. Tras haber afirmado «Añoro estar hecho pedazos, hecho pedazos por ti», el cantante se pone a gritar extasiado que «nunca fuimos especiales», hasta que se desata toda una tormenta de beats como forma de expresión y lamento. También está ‘Monstruo’, en la que toca el piano otra revelación interesante, Bune. En este caso próxima a las ambientaciones humeantes del trap, retrata lo que sentimos «al mirarnos en el espejo a las 5 de la mañana, sabiendo que seguiremos de fiesta hasta las 5 de la tarde». Y ese algo es «Odio el monstruo que puedo llegar a ser».
Elinor Almenara se encarga de uno de los momentos más melódicos, ‘Amianto’, y salta a la vista que ‘Hiedra verde’ y ‘Odiar frontal’ iban a competir en popularidad con temas de anteriores discos como ‘Destrucción‘, ‘Invierno nuclear’ y ‘Ya no tienes miedo’. Otras veces, dejan que predomine la sensación de «rabia», «inseguridad» y «dolor» en unas composiciones sangrantes que pueden pecar de explícitas (toda esa droga en ‘Nadie es leal’) y no sé si decir de un exceso de desbarajuste.
‘Turboviolencia’ es como estar viendo el programa de Ferreras con el volumen apagado y los subtítulos puestos, mientras un activista ucraniano grita por la libertad desde tu muro de Instagram, escuchas un vinilo de Joy Division, y además tu hermano está con Chimo Bayo a tope en la habitación contigua. Pero tampoco es que de pulir todo esto pueda salir nada mejor. ¿No es VVV [Trippin’you] uno de esos grupos llamados a alterar la paz?
La semana que viene las aguas vuelven a su cauce para SanSan Festival. Después de haber tenido que aplazar una edición a octubre por la pandemia y de una cancelada en 2019 por tormentas, SanSan Festival se celebrará con normalidad en Benicássim al fin durante la Semana Santa como acostumbraba. JENESAISPOP es medio colaborador. Foto: Nerea Coll.
Parece que definitivamente habrá suerte para SanSan, y la previsión meteorológica en Weather.com es buena tras las «lluvias débiles» previstas para el miércoles. Las posibilidades de lluvia se reducen a la mañana del jueves 14, y son bajas durante el fin de semana: en torno al 10% el viernes 15 y el sábado 16. Con el cielo «mayormente soleado», las temperaturas alcanzarán los 22º.
Ya os hemos hecho 10 recomendaciones de artistas que ver en SanSan, y ahora el festival acaba de revelar sus horarios. Lo que incluye el jueves 14 a La Casa Azul -con nuevo single bajo el brazo- a las 22.00 entre Califato 3/4 y Crystal Fighters. La Bien Querida, Kase.O, Rozalén, Tanxugueiras y Fuel Fandango actuarán de manera consecutiva entre 20.00 y 3.00 el viernes 15 de abril.
Y el sábado 16 veremos a Karavana y Kokoshca a primera hora de la tarde, al gran Rojuu a las 21.30 en parte en horario coincidente con Dani Martín. Y a Niña Polaca, Shinova, Rocío Sáiz y Hinds actuar desde algo antes de la medianoche hasta altas horas de la madrugada, antes del cierre «fin de fiesta» a las 4.00 con 2 Many DJ’s.
En este artículo realizamos 5 recomendaciones sobre Benicàssim al margen del festival, sin duda uno de nuestros lugares favoritos del país para realizar una escapada de unos días.
Paseo Marítimo, Villas, Torreón
Hay 2 zonas de Benicàssim por las que todo festivalero tiene que darse una vuelta: los alrededores del ayuntamiento y la Parroquia de Santo Tomás, esto es, el centro neurálgico del pueblo; y el Paseo Marítimo, que une el Torreón -visita obligada, es el gran punto de referencia- con el Hotel Voramar. La zona es completamente peatonal, produciendo un paseo muy agradable, sobre todo por la noche, acogiendo además algunas de las mejores playas y restaurantes.
A lo largo del Paseo se pueden observar varias de las villas señoriales que se construyeron entre finales del siglo XIX y principios del XX. Hemingway pasó por allí, como muchos otros escritores, como contaba El País en un reportaje hace unos años. Estas villas fueron lugar de veraneo para la burguesía valenciana y catalana, lo que propició que se conociera Benicàssim como el “Biarritz valenciano”. Algunas tienen una historia muy interesante, otras más turbias, pero sin duda son uno de los atractivos del pueblo en sus diversos estilos modernista, colonial… En la imagen principal superior del artículo, Villa Elisa.
Restaurantes, Bares, After
La oferta gastronómica de Benicàssim está muy por encima de la media respecto a otros pueblos costeros. Es habitual ver comer a festivaleros, artistas y periodistas en un restaurante especializado en arroces con vistas al mar llamado Belumar. La relación calidad-precio es excelente y el personal es agradable. En el pueblo, también es recomendable la arrocería Les Barraques, inspirado en las barracas valencianas. En el Paseo Marítimo, una opción para cenas es el Restaurante As Villasofía, instalado en una antigua villa, situado frente al mar y con una carta muy cuidada. Otro restaurante muy popular es Playachica.
Después de 2 años de pandemia, no me atrevo a realizar recomendaciones concretas sobre pubs, tascas y discotecas, pero los pubs suelen concentrarse en torno a la Plaza de los Dolores, las tascas en torno a Carrer la Pau y el resto de espacios cercanos a la Antigua Estación de Trenes. La discoteca Casablanca sigue operativa según su Instagram, aunque la mejor opción para festivaleros es preguntar por los afters a la salida del Recinto de Conciertos. La apertura del bar de los Karts de madrugada hasta la hora del desayuno y mucho más allá ha dejado momentos históricos. Si está cerrado, suele haber opciones en las naves próximas al Recinto. El Boom cerró por la covid-19 según su Facebook, pero el sitio al que hay que ir suele ir variando de año a año, y suele ser próximo al Recinto.
La Vía Verde, Rutas en bicicleta
Benicàssim cuenta con 15 kilómetros de carril bici, siendo una de las localidades ideales para desplazarse con bici propia o alquilada, además por lo llana que es, en general. Especialmente significativa es La Vía Verde, un recorrido de 6 kilómetros que también se puede hacer a pie, y que une Benicàssim con Oropesa. Va desde la Playa de Voramar de Benicàssim hasta la Playa de la Concha de Oropesa del Mar, e incluye varios puntos de interés, entre túneles y torres. Existen varios servicios de alquiler de bicicletas, tanto por parte del ayuntamiento, en algunos hoteles, tiendas de bicis, y algunas webs ofrecen incluso el reparto de la bicicleta a domicilio. Esto es, te llevan la bici a tu hotel o a tu apartamento, tú les indicas cuándo devolverla y al final pasan a recogerla.
Playas, Nudismo
Algunas de las playas más populares de Benicàssim son la Voramar, Heliópolis, Almadraba y la playa del Torreón. En la foto bajo estas líneas veis la Playa els Terrers. A medio camino de la mencionada Vía Verde que une Benicàssim con Oropesa, hay una playa nudista tipo ‘El desconocido del lago‘, a la altura de Torre Bellver, antiguamente muy frecuentada por el público gay, en los últimos años más familiar. Es más accesible en coche, pero también accesible en bici o a pie, aunque no en chanclas. Aconsejable llevar cangrenjeras para el baño, e imprescindible llevar una botella de agua fría, pues te encontrarás básicamente en medio de la nada.
Desierto de Las Palmas, Senderismo
El mismo consejo sobre el agua es recomendable para este punto. A medida que te aproximes al recinto de conciertos, verás indicaciones un tanto desoladoras sobre el «Desierto de Las Palmas». No es un desierto propiamente dicho, aunque en ocasiones, por temperatura, consienta las comparaciones, sino una sierra cercana al mar con montañas de hasta 720 metros. Se trata de un Parque Natural con varias rutas de senderismo recomendadas, desde la más fácil a la más complicada (Ruta de las Agujas de Santa Águeda), y donde hay monasterios, ermitas y miradores del Desierto. A destacar el Convento Carmelita y las ruinas del Antiguo Monasterio Carmelita.
Andalucia Big es el nuevo proyecto de Mad Cool en Andalucía, en colaboración con la Junta y el Ayuntamiento de Málaga. El proyecto se divide en tres: un foro internacional para profesionales del sector musical, un ciclo de conciertos por las provincias andaluzas y un festival de música que tendrá lugar el próximo mes de septiembre en Málaga, en concreto del 8 al 10 de septiembre. Será dos meses después del propio Mad Cool.
Andalucia Big Festival (sic, sin tilde) tendrá lugar en la playa de Sacaba. El cartel del gran festival está compuesto por Muse, Jamiroquai, Vetusta Morla, Biffy Clyro, Years & Years, Michael Kiwanuka, Paolo Nutini, Stereophonics, Run the Jewels, Los Planetas, Kurt Vile, Kevin Morby, 091, Lucy Dacus, Yard Arct, Morgan y Ghouljaboy, entre otros que podéis ver en el cartel. Especialmente significativa es la presencia de Jamiroquai porque será su único concierto del año no en España, sino en Europa.
En cuanto al ciclo de conciertos, se avanza «que tendrá lugar las semanas previas al festival y que pasará por varias provincias andaluzas». De momento no se han dado más detalles, pero podéis permanecer atentos a su página web. En ella se indica que los abonos de 3 días estarán a la venta «próximamente».
Andalucia Big Festival se va a celebrar tan solo 1 semana después de Cala Mijas. Este otro festival de la promotora Last Tour reunirá también en Málaga del 1 al 3 de septiembre a enormes nombres internacionales. Arctic Monkeys y Kraftwerk encabezan un cartel también espectacular del que os hemos hablado en varios artículos. Es decir, si Mad Cool y Bilbao BBK Live (Last Tour) ya compiten el mismo fin de semana de julio, ahora lo harán estos otros dos festivales en Málaga de las mismas promotoras, con tan sólo unos días de diferencia.
Por su parte, en cuanto al foro internacional, «Andalucia Music Forum» nace como una «feria internacional para profesionales de la industria musical que quiere convertirse en el encuentro profesional más importante del sur de Europa», en lo que parece una referencia a Monkey Week y BIME. Será «un foro que proporcionará oportunidades directas de networking y que aspira a ser un espacio donde unificar metas y objetivos del sector».
Y lo cierto es que es el caso. Debido a la emergencia ucraniana tras la invasión de Rusia, el trío liderado por Beth Gibbons y Geoff Barrow va a ofrecer un concierto especial para 1.200 personas en beneficio de War Child. En este caso se especifica que será por la población ucraniana y también por Yemen, donde «millones de niños aún viven una situación de emergencia de ayuda desesperada a causa del conflicto». El concierto va a ser el 2 de mayo en Bristol y será la primera actuación de Portishead desde hace 7 años.
Será un concierto de 6 horas en el que también estarán los Idles, Billy Nomates, Katy J Pearson, Heavy Lungs y Wilderman. El cartel ha sido diseñado por Robert del Naja de Massive Attack. Para poder asistir hay que registrarse en esta web. Solo 1.200 ganarán pero todos los registrados podrán ver el show online. También se pueden realizar donaciones de unos 12 euros.
Portishead no publican álbum desde ‘Third‘, que fue el mejor disco de 2008. Sí han realizado giras entre 2011 y 2015, sobre todo por festivales. Esperemos que este concierto significa que les está picando el gusanillo.
Pink Floyd tienen nueva canción. Con la formación compuesta por David Gilmour, Nick Mason, Guy Pratt y Nitin Sawhney han entregado una canción llamada ‘Hey, Hey, Rise Up!’ cuyos beneficios van a ir a la Fundación Humanitaria Ucraniana. Pink Floyd han grabado el tema este 30 de marzo.
El tema reivindica que “nuestra gloriosa Ucrania ha sido contrariada”, pero “se levantará”. La voz pertenece a Andriy Khlyvnyuk de la banda de Ucrania Boombox, la cual se había negado a actuar en Rusia desde 2014, cuando estallara la guerra de Crimea. Su toma vocal procede de un post en Instagram en el que canta este himno patriótico desde una plaza de Kyiv, como se cuenta en la descripción de Youtube.
La banda autora de ‘The Wall’ siempre ha tenido grandes inquietudes políticas, pero es que además David Gilmour tiene una nuera y nietos ucranios, y ha dicho: «Nosotros, como muchas otras personas, hemos sentido la rabia y la frustración de este acto cruel que supone que un país independiente, pacífico y democrático sea invadido y su gente sea asesinada, por parte de una de las mayores potencias del mundo».
Se considera ‘Hey, Hey, Rise Up!’ la primera grabación original de Pink Floyd desde 1994 cuando publicaron ’The Division Bell’, pues ‘The Endless River’ (2014) se hizo a partir de retazos de ese mismo disco.
Este domingo 10 de abril se celebra en plan tardeo en Razzmatazz la fiesta COMMON PEOPLE, con intención de tener cierta regularidad. Se trata de una fiesta de los creadores de A Saco, en especial del venerado DJ Amable, en la que no faltarán muchas de las canciones que identificaron sus sesiones en los años 2000. A través de MixCloud nos comparte un sample de lo que podría sonar en esta fiesta que tiene lugar a lo largo de seis horas, de 18.00 a 0.00, y en la que estará acompañado por Bilbadino. Foto: Amable.Org.
Recientemente hemos dedicado un episodio de nuestro podcast a repasar la trayectoria de R.E.M. y por todos es conocido hasta qué punto se ha celebrado el 30º aniversario de la edición de ‘Nevermind’ de Nirvana. Son dos de los grupos que suenan en esta sesión que puedes escuchar sobre estas líneas, y en la que no faltan representantes del Britpop tan dispares como Oasis o Suede, ni tampoco cosas anteriores y posteriores a los 90. De hecho, uno de los mejores momentos de esta sesión «nostálgica» es cuando suena el bootleg de MGMT con un tema de Echo & the Bunnymen 25 años anterior.
Entre clásicos nunca olvidados como ‘Brimful of Asha’, también encontramos representación de lo que ha sido la música más próxima a este estilo de los 2000 y los 2010, y además de los mencionados MGMT encontramos a gente como Yeah Yeah Yeahs, The Killers o Arcade Fire. Todo esto y mucho más podréis encontrarlo este domingo en COMMON PEOPLE. Las entradas anticipadas están a la venta.
Los teasers en las redes sociales de Rammstein dejaban ver que habían invertido en una clínica de belleza con el nombre de ‘Zick Zack’. Sus fans incluso tuvieron la opción de llamar a la línea telefónica de «Zick Zack» para pedir una cita, saber más sobre la clínica o incluso hablar con un equipo de expertos.
El resultado es el vídeo que acaban de estrenar y que no ha tardado en convertirse en “trending topic” por su retrato de los horrores que pueden ser los resultados de una operación de cirugía estética. En las Antípodas de esa Samantha Hudson que reivindica a Manuela Trasobares y asegura que se «va a operar todo», este vídeo habla desde el punto de vista del desaguisado que puede ser la reconstrucción y la reconstrucción de la reconstrucción.
Por si el vídeo no fuera lo suficientemente gráfico, la letra de ‘Zick Zack’ habla de «pechos que son demasiado pequeños», de «silicona», de «quitar dos costillas», de «bótox en el cerebro» y de «penes que vuelven a ver el sol», entre otras cosas que os podéis imaginar, pues son así de explícitas.
Oficialmente, según su sello Universal, ‘Zick Zack’ habla de la “tendencia compulsiva del individuo hacia la auto-optimización, a veces mediante la alteración radical de la apariencia visual por medio del bisturí”. Ya pueden elegir su opción: bisturí, ¿revelación o timo?
De manera chanante, en un intento por burlarse de aquellos obsesionados con la eterna juventud, Rammstein publican una revista de estilo adolescente llamada «Zick Zack Magazine». Tiene 32 páginas con historias, fotos y entrevistas sobre el tema «más bonito, más grande, más duro» (es una referencia a la letra de la canción), así como una columna de cartas de los lectores llamada «La caja de bótox del Dr. Flake», un póster XXL, seis pósters y 30 pegatinas exclusivas de Rammstein.
El CD sencillo de 2 pistas se incluye con la revista. Son el tema principal y una remezcla de Boys Noize. También habrá un vinilo de 7″. Ambos formatos físicos saldrán a la venta el 14 de abril. Aquellos en Berlín también pueden ir este sábado 9 de abril a un quiosco pop-up de AlexanderPlatz donde se venderán ambas cosas desde las 10 de la mañana hasta las 14.00 o hasta agotar existencias. El álbum ‘Zeit’ sale el 29 de abril.
Una de las canciones de ‘Trovador tecno’, el nuevo disco de Joe Crepúsculo, va sobre unos trabajadores de Tecnocasa. Unos chavales que no paran de montar fiestas en los pisos que enseñan. Dice el tema que «no venden nada, pero tienen dance» y en ese momento entra el subidón. La canción se llama ‘Tecnocasa’ y Crepus la promociona con el uniforme de la compañía: traje y corbata verde, la que ellos se quitan en la canción, para festejar.
Como en ‘Pisciburger’, sobre esas piscinas con más cerveza que agua; o como con la cafeína de ‘Mi fábrica de baile’, Joël Iriarte va a conseguir con este nuevo álbum que ciertas cosas no las volvamos a ver igual. Sobre el papel, ‘Trovador tecno’ es un álbum hedonista que se inspira en el nacimiento del género en Chicago y Detroit. También en el desarrollo sui generis que ha tenido en nuestro país, desde la Ruta del Bakalao a las gasolineras de Camela. Pero sobre todas las bases, Crepus tiene algo interesante que decir. Por algo llama a los pioneros del tecno «trovadores» y «poetas líricos de la música disco».
Mi manera favorita de disfrutar de ‘Trovador tecno’ es la superficial. Entender el álbum como una colección de trallazos que te hacen sentir que vas «a 220» kilómetros por hora como sugiere el single ‘Carreteras de pasión’, tan divertido en su volantazo melódico del medio minuto final. El trance, el acid y sobre todo el house de ‘Paranoia’, ‘Jose House’ y ‘Vamos a limpiar’ nos devuelven de nuevo a la inolvidable ‘Show Me Love’, recientemente reivindicada lo mismo por Charli XCX que por Daddy Yankee.
Crepus le mete zapatilla a lo Chimo Bayo a todo aquello, como ya había hecho en otros puntos de su carrera. Lo bueno es que nunca lo había hecho de manera tan concienzuda. Ni los Fangoria que se presentaban como bakalas en ‘No sé qué me das’ lo desarrollaron a lo largo de todo aquel disco, ‘Naturaleza muerta’, ni mucho menos Camela. Ojalá todas las canciones de ‘Diez de corazón’ hubieran sido más como ‘El calor de mi cuerpo’ y ‘Cuando zarpa el amor’, y menos como ‘Niña, ¡cómo te quiero!’. ‘Trovador tecno’ no da tregua, siendo uno de los discos más makineros -para bien- que se recuerdan.
Este disco es la consecuencia inconsciente de las ganas de fiesta que nos ha dejado la pandemia, pues el artista no reconoce este álbum como una reacción consciente al hecho de no haber podido salir con normalidad durante los últimos dos años. Asegura que ya no sale tanto como antes, y además continúa situando entre sus referencias el hip hop (‘Niggas in Paris’, en particular). Tampoco reconoce aquí una reacción a ‘Supercrepus II‘, un álbum completamente infravalorado de pop-rock, de influencias ricas y variadas, de Genesis a Supertramp, que no se pudo desarrollar de manera adecuada debido a la pandemia… y a que la sombra de ‘Mi fábrica de baile’ era cada vez más y más alargada.
Se puede entender este álbum como todo lo que querían los seguidores de ‘Mi fábrica de baile’ y aquel disco ‘Baile de magos’ tampoco fue en 2013. Pero en verdad Joe Crepúsculo parece más esforzado en cuidar el mensaje de cada composición que en emular el éxito de su gran hit. En un «canción por canción» compartido en redes sitúa a Bob Dylan y no a OBK como mayor influencia de ‘Pensar el tiempo’. ‘Velo de maya’ es el tema más influido por el drum&bass y a la vez por sus estudios de Filosofía, pues habla del «concepto filosófico que tanto atrajo a Schopenhauer, es decir, nuestra incapacidad de llegar a la verdadera realidad de las cosas». ‘Vamos a limpiar’ no habla de ponernos la música a todo volumen para limpiar nuestras casas, sino de limpiar nuestro interior y, de manera más superflua, limpiar nuestros móviles de basura digital.
Esa otra manera de escuchar ‘Trovador tecno’, la de intelectualizar las canciones de Joe Crepúsculo, deja el peligro de no saber qué hacer con ese ‘Happy Birthday’ que recuerda al engendro que parieron juntas Madonna y M.I.A. Al menos ellas lo dejaron como bonus track. Pero al margen de cuán profundo sea el acercamiento o el sentido último de estas canciones, rara vez dejamos de estar frente a un disco muy, muy divertido, a buen seguro uno de los discos del verano 2022.
Y es que funciona en casi todos sus propósitos. Es verdad que ‘El tren de la bruja’ es de lo mejor del álbum. Se trata por un lado de la reivindicación de la música de feria, siempre tan denostada, lo que incluye un sample de las trompetillas de las atracciones. Y por otro sí que es una canción con un mensaje claramente edificante. «A las brujas no hay que tenerles miedo, hay que tener miedo a tener miedo”, propone Crepus. Es por la suma de ambas cosas que la canción funciona tan bien, y a ese puente de teclados épicos me remito. En la línea, ‘Así soy yo’ es la típica parodia social del artista, sobre el síndrome de Peter Pan, que te hará reír aunque te represente: “Así soy yo / Un niño en un cuerpo de señor / Por eso dame barra libre, por favor”.
Si esta canción habla de tardeo, ‘Jose House’ lo hace sobre la típica persona decadente con que topas en un after (si es que no lo eres tú mismo). Y al final, el disco termina con un tema de ligoteo a dúo con dani. Dice ‘Brindar’ que “nos vamos a besar pero no nos vamos a ver nunca más”, sobre lo que parecía que iba a ser una bachata.
Volviendo al principio del dilema, otra de las mejores canciones de ‘Trovador tecno’ es la que plantea si merece la pena tanto pensar: «Es mejor no pensar, porque me roba tiempo». Podemos debatir si estas canciones harán mella en nuestra búsqueda de la madurez o de ser mejores personas. Menos cuestionable es que el artista ha construido otro disco sólido más, en el que juega muy bien las cartas del bakalao, pero también otras menos visibles. Hay un arpegio en ‘Tecnocasa’ que es más que nada Mike Oldfield, la referencia de ‘Paranoia’ tiene la hondura de Underworld y vuelve a integrar el punto flamenco estupendamente con Las Negris y Diego el Ratón en ‘Sol y sombra’. Es a través de todas estas buenas ideas que el debate más profundo queda abierto para todes.
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