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Fallece Armando Manzanero, autor de la escalofriante ‘Somos novios’, tantas veces versionada

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Armando Manzanero ha fallecido a los 85 años de edad a causa de complicaciones derivadas de la covid. El cantante y compositor mexicano fue autor de ‘Somos novios’, una de las canciones más emblemáticas de la balada romántica latinoamericana, pues ha sido versionada decenas de veces tanto en español como en inglés bajo el título de ‘It’s Impossible’, por artistas como Perry Como, Elvis Presley, Andy Williams, Andrea Bocelli con Christina Aguilera, Mina, Luis Miguel o, más recientemente, Charlie Green con Danna Paola. En España, la versión de ‘Somos novios’ realizada por Rosa López y Manu Tenorio en el año 2001, durante la primera edición de Operación Triunfo, imprimiría la letra entera de la canción para siempre en la memoria de una nueva generación.

«Con mucho dolor lamento la muerte del maestro Armando Manzanero, uno de los más grandes compositores de México, sus canciones son parte definitiva de la educación sentimental de los mexicanos», ha informado la secretaria de Cultura de México, Alejandra Frausto, hoy a través de Twitter, en un mensaje que recogen medios como Europa Press o BBC.

El autor de otros clásicos de la canción mexicana como ‘Contigo aprendí’, ‘Esta tarde vi llover’, ‘Adoro’, ‘Voy a apagar la luz’, ‘Por debajo de la mesa’, ‘No sé tú’, ‘Felicidad’ o ‘Nada personal’, recibió el Grammy honorífico en el año 2014, y este mismo año ha sido reconocido por los Premios Billboard de la música latina.





Pablo Alborán / Vértigo

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«Fuimos la cama del domingo», «el vino me sabe a cicatriz», «si el abrazo no es tuyo me sabe a broma», «tu risa es la más bella de las fuentes», «vi cómo la cama vacía pudo ser letal», «el llanto que deja la almohada no se deja escribir», «por todas las palabras remaban nuestras ganas de volver»… Las letras de Pablo Alborán son tan estimulantes como ese primer interludio de ‘Vértigo’ en el que el artista observa: «uf, está alto, ¿eh?» antes de zambullirse en el agua. A veces es difícil dilucidar si una frase como «la bombilla gastada puede ser mi galaxia si pinta el perfil de tus piernas cruzadas» significa algo o no, si era necesario darle tantas vueltas a un imagen tan mundana, como si no pudiera extraerse poesía de la mundanidad misma; pero lo único certero al escuchar ‘Vértigo’ es que Alborán sigue siendo el mismo de siempre, y ahí está el amigo instalado en el número 1 de la lista de álbumes española, otra vez.

Al menos, Alborán se permite en ‘Vértigo’ experimentar en lo musical, con mayor o menor acierto. Como si fuera consciente de que, a estas alturas de su carrera, ya no tiene nada que perder, el malagueño ha presentado ‘Vértigo’ con ‘Si hubieras querido‘, un single lento, atmosférico, de ritmo downtempo, que ha pasado sin pena ni gloria por las listas de éxitos pero que ha sido un riesgo indudable en lo artístico. Dejando a un lado el sentimentalismo de ese texto que clama «cuántos universos hemos inventado, cuántas vueltas a estos cuerpos le hemos dado, no merecen nuestros labios tanto daño», un single místico, oscurete, de melodías vocales arábigas y hábil final repetitivo que alcanza el trance, no es lo que nadie esperaba del autor de ‘Solamente tú’.

Hay diversos estilos musicales en ‘Vértigo’ que hacen amena su escucha a pesar de la presencia en el disco de una serie de interludios que ni están bien integrados en la secuencia, pues parecen incorporados a ella simplemente por otorgar al elepé un aire de obra conceptual; ni aportan nada a la narrativa de un trabajo centrado principalmente en el desamor. ‘De carne y hueso’ es una decente aproximación a la bachata, ‘La fiesta’ fusiona melodías de bossa nova con una base rítmica ligeramente caribeña, ‘Dicen’ se atreve a reivindicar el dance-pop folki de Avicii cuatro años tarde… o antes de tiempo, y ‘No está en tus planes’ se sumerge en la música disco. Ninguna de estas canciones es ‘No vaya a ser‘ o ‘Saturno‘, pero al menos abren otras vías de exploración para el malagueño.

Aún así, Alborán sigue siendo en ‘Vértigo’ un experto baladista, además de un cantante melódico sin par en nuestro país. Sus letras siguen buscando las formas más rebuscadas para contar historias ambiguas, impersonales y que no transmiten absolutamente nada… pero algunas melodías y orquestaciones pueden poner los pelos de punta. Es el caso de ‘Hablemos de amor‘, que compensa lo pasteloso de su texto con una instrumentación que se vale de guitarras españolas y cuerdas para dirigirse hacia un final precioso con la incorporación de un acordeón, llevándonos a la Italia de los años 70. Y ‘Corazón descalzo’ lleva la marca melódica de Alejandro Sanz en el buen sentido, para sujetarla en un ritmo próximo al trip-hop de los 90. Incluso puede hacer pupa su reflexión sobre la fama por la vulnerabilidad que transmite: «¿quién se atreverá a quererme cuando no quede aplauso ni griten mi nombre?»

El hecho de que sea tan difícil ya no empatizar, que la música pop no tiene que ser un reality show; sino comprender siquiera lo que Alborán está cantando, por culpa de su afición a emplear florituras de lo más rocambolescas y azucaradas que esconden mensajes con muy poca chicha en realidad, sigue lastrando incluso baladas tan bien orquestadas como ‘Que siempre sea verano’. Así, ‘Vértigo’ no acercará demasiado a Alborán a nuevos públicos a pesar de que el potencial está ahí. Más bien contentará a los de siempre.

Calificación: 5/10
Lo mejor: ‘Si hubieras querido’, ‘Corazón descalzo’, ‘Hablemos de amor’
Te gustará si te gusta: Alejandro Sanz, Pablo López, Vanesa Martín
Youtube: vídeo de ‘Si hubieras querido’

Abierto a mediodía, nuevo ciclo de conciertos de Madrid, anuncia a M-Clan, Marlango, Manel…

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Nace en Madrid un nuevo ciclo de conciertos que se desarrollarán a media mañana. Abierto a mediodía es el nombre de este ciclo que tendrá lugar en el teatro EDP Gran Vía y que ya confirma fechas para los meses de febrero y marzo de 2021. Las entradas estarán a la venta a partir de mañana a través de los distintos canales oficiales.

La primera edición de Abierto a mediodía contará con la participación de M-Clan, Marlango, Manel, Juanito Makandé, Arnau Griso y Tu Otra Bonita, entre otros artistas por confirmar. Los tres primeros actuarán en febrero y los tres últimos, todos los cuales presentarán disco el año que viene, en marzo.

Todos los eventos se desarrollarán conforme a la normativa vigente en el momento de su desarrollo y siguiendo unos estrictos protocolos de seguridad y las indicaciones recomendadas por las autoridades sanitarias. ‘Abierto a mediodía’ nace para dar apoyo a las bandas y dar respuesta a la situación que vive el sector, dejando claro que la música no dejará de sonar.

ARTISTAS Y FECHAS
MClan – 13 de febrero – Teatro EDP Gran Vía
Marlango – 20 de febrero – Teatro EDP Gran Vía
Manel – 27 de febrero – Teatro EDP Gran Vía
Arnau Griso – 6 de marzo – Teatro EDP Gran Vía
Tu Otra Bonita – 20 de marzo – Teatro EDP Gran Vía
Juanito Makandé – 27 de marzo – Teatro EDP Gran Vía

Disco de la Semana: Paul McCartney supera la ansiedad del confinamiento con buen humor

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Paul McCartney se coronaba el Día de Navidad como número 1 de álbumes en Reino Unido gracias a la edición de su nuevo álbum, un ‘McCartney III’ que completa la trilogía de discos titulados con su apellido, y que va a ser nuestro «Disco de la Semana». El primero salía en 1970 inmediatamente después de la separación de los Beatles y el segundo salía en 1980 justo antes de la disolución de su proyecto Wings. Este tercer «McCartney» ha sido grabado en confinamiento y le une a aquellos que el artista ha sido el encargado de grabar todos los instrumentos completamente en solitario.

El single principal del álbum es el juguetón ‘Find My Way’, un single de melodía muy pop y ciertos ecos setenteros casi glam, en el que encontramos a Paul McCartney acreditado en todos los instrumentos. Él toca la batería, el piano, el clavecín, la guitarra eléctrica, la guitarra acústica, por supuesto el bajo, un bajo sintetizado y un sintetizador Moog. De ahí el vídeo del tema con el plano dividido en varios momentos de estudio.

En cuanto a la composición, se trata de una melodía optimista que pretende sacar lo mejor de uno mismo incluso cuando los tiempos no acompañan. Toda una metáfora sobre lo que ha sido 2020 que se plasma de manera muy clara en el puente: «no solías tener miedo de días como estos / pero ahora te han superado todas tus ansiedades / déjame ayudarte, déjame guiarte / puedo ayudarte a encontrar el amor que tienes dentro de ti».

Una canción de «ayuda», por tanto, más prima en espíritu de ‘Let It Be’ que de la tensión de ‘Help!’, que avanza el buen estado de forma a nivel compositivo del artista tras el pequeño bache que supuso ‘Egypt Station’. En el que había sido su último largo hasta ahora, la mano de Greg Kurstin y Ryan Tedder le hizo flaco favor…

Lo mejor del mes:

Taylor Swift vuelve a ganar; Shawn Mendes se la pega

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Hits


El disco sorpresa de Taylor Swift, publicado de manera digital el pasado 11 de diciembre, ha sido un éxito comercial. Se trata del “disco hermano” de ‘folklore’, publicado también por sorpresa el pasado verano, y que de momento ha despachado nada menos que 3 millones de copias siendo a todas luces uno de los discos más relevantes de este año tanto desde el punto de vista comercial como desde el punto de vista crítico.

evermore’, el nuevo lanzamiento, que cuenta con colaboraciones medio underground como las de Haim o, de nuevo, Bon Iver y The National, ha sido número 1 en Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Australia. Pese a que la edición física ha tardado 1 semana en llegar al mercado, a tiempo, eso sí, para la Navidad, Mediatraffic estima que el álbum ha vendido casi medio millón de copias durante la primera semana. Ni que decir tiene que sus streamings han sido monstruosos y las 15 canciones de ‘evermore’ se han pasado por el Billboard Hot 100.

La segunda semana ofrece una trayectoria muy regular y el álbum tan sólo baja al puesto 2 en Reino Unido, se mantiene en el puesto 1 en Estados Unidos, y en Alemania sube del puesto 24 al puesto 6 al tener edición física. El millón de copias para ‘evermore’ seguramente sea una realidad mientras escribimos esto y la pregunta es si Taylor seguirá trabajando en este disco en 2021 para hacer de él algo tan exitoso como ‘folklore’ (nominado a los Grammy, recordemos), o simplemente estamos ante su “disco hermano”.

Flops


Cuando escuchamos ‘Wonder’ de Shawn Mendes daba la sensación de que el responsable de ‘Señorita’ venía a comerse el mundo esta Navidad, pero eso no ha terminado de suceder. El disco del artista publicado de cara a estas fechas de mayor consumo, también llamado ‘Wonder’, ha quedado incluso fuera del top 10 en mercados tan importantes como Reino Unido (top 12), Italia (top 15) o Francia (top 44).

En Estados Unidos sí ha sido número 1, pero llama la atención que en su segunda semana, el disco haya bajado hasta el puesto número 25, ahogado por los discos navideños. En Reino Unido, encontramos el álbum fuera del top 50 en su tercera semana de vida.

Es posible que Shawn Mendes remonte en 2021 cuando el huracán de villancicos haya pasado, pero ni ‘Wonder’ ni ‘Monster’ con Justin Bieber parecen haber entusiasmado demasiado. La primera está fuera de la listas y la segunda cae al puesto 62 en el Billboard Hot 100 y al puesto 64 en Reino Unido. El tema podría tener una nueva vida el año que viene (que se lo cuenten a ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, que el año pasado por estas fechas también caía de manera estrepitosa); pero lo ya seguro es que Shawn no ha logrado rentabilizar esta edición tan próxima a la Navidad. Viene de vender 3 millones de copias de su álbum homónimo, y de momento ‘Wonder’ lleva 216.000 según las estimaciones de Mediatraffic. Teniendo en cuenta que las ventas en enero son paupérrimas… ¿será capaz de llegar al medio millón?

‘Back to Your Heart’ es la emocionante balada que une a Nicolas Godin y Kate NV

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Si para algo sirve revisar la música que ha salido en un año es para descubrir obras que antes te habían pasado desapercibidas, quizá porque no encontraste el tiempo de acercarte a ellas en su momento, quizá porque ni siquiera recordabas que hubieran visto la luz. ‘Concrete and Glass‘ de Nicolas Godin era uno de los primeros lanzamientos musicales que nos dejaba este 2020 en el que aún no existía la pandemia, un trabajo publicado durante el mes de enero, y hoy recordamos una de sus mejores pistas, en la que casualmente participa la autora de nuestro «Disco de la Semana», la cantante y compositora rusa Kate NV.

En nuestra reseña de ‘Concrete and Glass’ señalábamos que «partiendo de un vocoder que nos habla de la búsqueda de una «casa de vidrio y hormigón», nos embarcamos en un viaje en ocasiones tan disfrutable como el propuesto junto a Kate NV: ‘Back to Your Heart’ es una canción que, al margen del edificio que la inspiró, nos lleva al conocido Brill Building en sonido y en su texto a un «hogar» que añoramos y al que queremos volver».

‘Back to Your Heart’ utiliza el concepto arquitectónico de ‘Concrete and Glass’ para aplicarlo a una canción de amor (o más bien desamor) en el que ese lugar al que queremos volver es el corazón de la persona amada. Metáforas espaciales o de construcción como «hay un lugar que solía conocer», «hay una casa que solía conocer» o «ahora cierras la puerta y estoy sola, lejos de tu corazón» son en realidad tan clásicas como la melodía de esta emocionante composición que aúna influencias del Brill Building por un lado, y del synth-pop más elegante por otro, dando lugar a la canción más pop a la que ha puesto voz jamás Kate NV. Una grabación que los mejores Tennis podrían haber cocinado si sustituyeran la estética vintage por la retro-futurista.

Las mejores canciones del momento: diciembre 2020

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Aunque media humanidad esté escuchando villancicos y la otra media playlists con las mejores canciones de 2020, diciembre también se merece su recopilación de grandes temas. Este mes hemos conocido los últimos discos de Avalanches o Taylor Swift; celebrado los editados este año por gente como SAULT o Yelle, infravalorados en su momento; o avanzado los que conoceremos en 2021, como ha sido el caso de los singles de Tulsa, Arlo Parks o Dorian. Además han renovado temas de hace unos meses con vídeos interesantes New Order y Soleá Morente, entre otros. Suscríbete a nuestra playlist con lo mejor del mes, aquí.

Tulsa / Autorretrato
The Avalanches, MGMT, Johnny Marr / The Divine Chord
SAULT / Free
Miley Cyrus / Gimme What I Want
New Order / Be a Rebel
Rigoberta Bandini / Cuando tú nazcas
Yelle / Un million
Edgär / You Don’t Know
Oklou / god’s chariots
Soleá Morente / Lo que te falta

Kali Uchis / aguardiente y limón
Arlo Parks / Caroline
Teyana Taylor, Junie, Rick Ross / Come Back to Me
The Avalanches, Cola Boyy, Mick Jones / We Go On
US Girls, Rich Morel / Santa Stay Home
Megan Thee Stallion / Body
Yung Beef, Pipo Beatz, Julianno Sosa… / Si mañana me muero
Miranda!, Javiera Mena / Entre las dos
Iseo & Dodosound / Atrapada
Dorian, Pimp Flaco / Dual

Burial / Chemz
Kate NV / Plans
Natalia Lacunza / Nuestro nombre
Nena Daconte / Hojas secas
BENEE / Kool
Miley Cyrus, Dua Lipa / Prisoner
Depresión sonora / Tú no me tienes que salvar
Dafne Castañeda / Si alguien pregunta
taylor swift / willow
shame / Water in the Well
Texas, Wu-Tang Clan / Hi

Aitana / 11 razones

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Cuando reseñé ‘Spoiler’, el debut largo de Aitana Ocaña, comentaba que tenía signos de mejoría con respecto al regulero EP ‘Trailer’. El disco contenía temazos (‘Me Quedo’, ‘Hold’), baladas en las que Ocaña se lucía (‘Con la miel en los labios’), y temas bastante dignos si atendías a melodía y producción y no tanto a la letra (‘Cristal’, ‘Barro y hielo’). El problema principal era la falta de personalidad -lógico al querer mostrar versatilidad tocando veinte palos a la vez-, así que si algo que hay que concederle a este ’11 Razones’ es que muestra mucha más coherencia que ‘Spoiler’. Pero claro, eso no es sinónimo de acierto. Apostarlo todo a un número puede salir muy bien o muy mal, y ’11 razones’ es más lo segundo.

Las colaboraciones con Sebastián Yatra (‘Corazón sin vida’) y Cali y El Dandee (‘+’), dos temas que hacen bueno al que hizo con Bisbal, son las excepciones en cuanto a estilo -no tanto en cuanto a temática, puesto que van acorde con los sentimientos de ruptura que se tratan en el resto del álbum. Por esa coherencia de la que hablábamos solo hay dos productores en el disco -a diferencia de en ‘Spoiler’-, Mauricio Rengifo y Andrés Torres, conocidos en todo el mundo por ser los creadores de ‘Despacito’, además de otros hits como ‘Échame la culpa’ de Luis Fonsi & Demi Lovato’, ‘Me Gusta’ de Anitta, ‘Cómo te atreves’ de Morat, o el propio ‘Teléfono’ de Aitana. Lo que sucede es que si tu apuesta va a ser por el pop rock dosmilero español tipo Pignoise, Despistaos, Belén Arjona, El Sueño de Morfeo, Pol 3.14, etc, igual lo mejor es rodearte no de hitmakers sino de aquellos con quienes esto sonase más auténtico.

’11 razones’ nos deja sobre todo con la pregunta de cómo demonios no está aquí ‘Tu foto del DNI’, la colaboración de Aitana con Marmi, bastante más digna y desde luego mucho más auténtica en ese espíritu ‘Física o química’ que parece tan forzado en el resto de temas. ‘No te has ido y ya te extraño’ y ‘Si no vas a volver’ suenan tan intercambiables como sus títulos sugieren, ‘-‘ presenta una extraña mezcla de guitarritas con base de los Chainsmokers, la colaboración con Beret (‘Estupidez’) es tan mala como podíamos imaginar, el rap de ’11 razones’ hace bueno al “spelling is fun!” que Taylor acabó quitando de ‘ME!’…

¿Qué se salva? Pues dos de las canciones matemáticas elevan el listón: ‘÷’, cuya producción (e incluso la letra) parece bastante más trabajada y ‘=’, cuyo acercamiento al sonido dosmilero suena más real, como le pasa también a ‘Cuando te fuiste’, la colaboración con Natalia Lacunza, a quien me creo bastante más en este tema que en sus últimos paseos por el underground.

En definitiva, ’11 Razones’ puede ser un tropiezo, no por su idea sino por su ejecución, pero en cierto modo es un acierto, porque supone apostar por la personalidad musical de Aitana, que era el principal fallo de ‘Spoiler’. Y una apuesta que puede ser buena, porque realmente ella se defiende estupendamente en este estilo, como demostraron ‘Tu foto del DNI’ o incluso los puntos altos de este álbum… pero el problema en este caso es más del material con el que cuenta.

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘=’, ‘÷’, ‘Cuando te fuiste’
Te gustará si te gusta: El Sueño de Morfeo, Pol 3.14, Despistaos

‘Lu Na’ une a Kate NV y a Nami Sato en una canción surrealista y mágica

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Kate NV es una de esas artistas que van a su bola hasta el punto de que dos discos de la artista no se parecen el uno al otro. Solo un culo inquieto como el de Ekaterina Shilonosova podía hacer un disco de ambient centrado en un único sintetizador y después uno de art-pop surrealista… viniendo de tocar en una banda de post-punk.

Room for the Moon‘, el Disco de la Semana, es un trabajo fantástico en el sentido literal de la palabra: el mundo de fantasía interesa a Kate NV, especialmente el plasmado en algunas series infantiles de dibujos rusas que veía de pequeña, como ‘Blue Puppy’, ‘Mary Poppins Goodbye’, ‘The Adventures of Buratino’, ‘Dot Dot Comma’ o ‘The Adventures of Elektronic’. La artista también cita entre sus influencias la película ‘An Ordinary Miracle’, de la que destaca la banda sonora compuesta por Gennady Gladkov. Más allá de la televisión, la música que influye a Kate NV también procede de los 70 y 80 pero ella cita especialmente artistas japoneses como Akiko Yano, Taeko Ohnuki, Chakra, Haruomi Hosono o Haniwa Chan.

‘Lu Na’, una de las pistas destacadas de ‘Room for the Moon’, incluye directamente un texto en japonés recitado por la artista Nami Sato, procedente de Sendai. Un tema de pop ochentero en el fondo, que en la forma va por otros derroteros: instrumentalmente construye un hipnótico tapiz sonoro a través de su diálogo de sintetizadores analógicos, bajos y percusiones metálicas, mientras Kate NV se limita a ejercer de corista dentro de su propia canción, al interpretar una serie de melodías vocales tarareadas que buscan la sinergia con el resto de instrumentos. Sin prisa pero sin pausa, Nami Sato va apareciendo en la composición para realizar un «spoken-word» que sitúa a un personaje «lejos en la mitad de la noche», y a otro «bailando con sus hombros balanceándose».

Si el onírico texto de ‘Lu Na’ (que significa eso mismo, «luna», en ruso y español) aporta otra capa surrealista a esta meticulosa grabación, su videoclip sube la apuesta para adentrarnos en una especie de programa infantil protagonizado por cuatro mujeres disfrazadas de gatito, una de las cuales se arranca a bailar «voguing» en varios puntos de la pieza. Sin dejar de aparecer en el vídeo, Kate NV cede el protagonismo a las cuatro bailarinas en este vídeo surrealista y «vintage» que mejora la canción un 200%.

Respuestas ganadoras del concurso ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’

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Hace unas semanas publicamos a través de nuestra tienda un libro llamado ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’ que puede disfrutarse de dos maneras: en orden cronológico o a través de un «viaje» de recomendaciones (o anti-recomendaciones) a pie de página. Planteamos un concurso entre los primeros compradores sobre su «viaje» favorito y nos han gustado tanto vuestras respuestas que hemos escogido 2 ganadores. 1 de ellos recibirá un pack de regalos sorpresa de la redacción y otro un segundo libro para regalar. Estas son las dos respuestas ganadoras:

Fran B. (Barcelona):
«Antes de nada queremos felicitaros por el libro, está muy bien redactado y es bastante adictivo para los que como nosotros, lo primero que hacemos todos los días es ver qué nuevos artículos ponéis en Jenesaispop o qué discos analizáis en la página. Yo he pedido un par de libros para regalar y acabé con uno en casa. De hecho, hemos tomado el libro como un juego en el que elegimos un número cada uno hasta tener una cifra que nos lleva a una página. Además nos ayuda a desempolvar muchos vinilos (el físico importa, ¿no?). Bueno, no tienen polvo pero aprovechamos para escucharlos y a la vez intentamos descubrir muchas de las propuestas que hacéis. Flipamos con algunas sugerencias tras terminar de leer sobre un disco. Nos están haciendo gracia muchos de los viajes propuestos. Otros juegos serán saber cuántos discos hemos escuchado, si los podremos escuchar o cuáles tenemos en físico (que no son pocos).

Sin ir más lejos, volvamos al juego musical. Empezamos con el número al azar y salió el 82, ‘Blackout’ de Britney Spears, pusimos el vinilo (lo pillamos hace poco de UO) y nos pusimos a leer la reseña. Al terminar nos fuimos de fiesta sin pijama y acábamos con C. Tangana… no lo soportamos y dimos media vuelta acabando en la buena dirección, llegamos a ‘Fever’ de Kylie 😊. ¡Qué recuerdos de adolescencia con ‘Fever’! Este fue uno de nuestros viajes favoritos hasta ahora. ¡Cuánta nostalgia nos estáis dando con este libro!».

Pablo S. (Madrid):
El libro me llegó hace apenas una semana y lo estoy devorando a conciencia. En cuanto lo abrí fui directo a las últimas páginas, buscando mis discos favoritos, y he vuelto a devorar ‘X100PRE’, ‘El Mal Querer’, ‘thank u next’, ‘when we all fall asleep’, ‘Ídolo’ y tantos otros… Soy bastante joven y conozco muy poquitos discos de la primera mitad del disco (salvo los más comercialotes tipo ‘Parachutes’, ‘Back to Black’, ‘Blackout’…) Me he llevado gratísimas sorpresas: me habéis descubierto a The Avalanches, ¿Mala Rodríguez hacía ya música en el 2000? Me siento retratado por ‘The Opposite of Hallelujah’, qué preciosidad el estribillo de ‘Qué nos va a pasar’ (¡la conocí en un concierto de Amaia!)…

Pero el viaje que destaco es el que une ‘La Revolución Sexual’ (conocía lo obvio) y ‘We Are The Pipettes’ (ni idea de quiénes eran). Me lo estoy pasando pipa descubriendo las letras de ellas («if you think that this is cruel, then you should see what my friends do», en ‘One Night Stand;’ «he knows about the sonic spectrum dammit, but he don’t know if it’s groovy», en ‘ABC’); y no me puedo creer lo mucho que me reconozco en las canciones de La Casa Azul (me quedaría a vivir en ‘El momento más feliz’; a pesar del tono videojuego, ‘Mis nostálgicas manías’ me duele a nivel ‘Liability’; lo mismo ‘Esta noche solo cantan para mí’). No sabéis lo que agradezco tener el libro y poder ir descubriendo en profundidad tantos (para mí) nuevos discos y artistas. Y lo bien que me viene distraerme ojeándolo de vez en cuando. Millones de gracias».

U.S. Girls tienen uno de los mejores villancicos de 2020

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Entre los villancicos alternativos que este año hemos oído a artistas alternativos como Phoebe Bridgers, se han apuntado un tanto definitivamente U.S. Girls con una producción llamada ‘Santa Stay Home’. Perfectamente apta para el repertorio de Saint Etienne o Cults, con un ritmo un tanto Motown y un arreglo sintético que podría haber pertenecido a Raffaella Carrá, ‘Santa Stay Home’ merece un hueco entre las mejores composiciones de U.S. Girls. En un momento dado, el vibrato incluso recuerda al de Duffy.

Líricamente también es interesante, pues este tema de Meg Remy es el dardo envenenado que cabía esperar por parte de esta artista que tan crítica ha sido siempre con el capitalismo y la política estadounidense. La letra de ‘Santa Stay Home’, un título más pertinente imposible, sugiere a Santa Claus que se quede en casa y empiece a «conocerse a sí mismo» en lugar de salir a repartir regalos y promover la idea de que el consumismo es necesario para encontrar la felicidad. Sobre todo porque, como expone Remy en la canción, el mundo continúa abocado al abismo debido al desastre ecológico. «Los vertederos se desbordan en todo el mundo”, “ambos polos se derriten», «las estaciones se mezclan» y la deforestación provoca graves crisis medioambientales («dejad los árboles en la tierra») en el mundo pero Santa Claus actúa «como si en el Polo Norte no llegaran las noticias». El mensaje último de Remy es que «los regalos no significan una mierda» y que «la vida es el regalo». En palabras de la artista: «cuando uno se pone a pensar en ello, Santa Claus es un tío muy raro y la Navidad no tiene puto sentido».

Lo que sí tiene sentido es que, como decimos, ‘Santa Stay Home’ es un estupendo tema pop que, con los arreglos típicos de la canción navideña popular -el tema tiene ecos a las girl groups de los 60 que tanto inspiran a U.S. Girls, como las Ronettes- engancha y mucho. Especialmente contagiosas son las armonías vocales de ‘Santa Stay Home’, así como su ritmo y melodía de piano. No es tan frecuente escuchar canciones políticas que consigan dejar claro y cristalino su mensaje sin abandonar el sentido del humor y una sensibilidad pop comprensible por todo el mundo, y ‘Santa Stay Home’ es una de esas canciones. Y ni siquiera toca el tema de la covid: quizá porque era demasiado obvio, y ya había otros problemas antes.

U.S. Girls ha publicado este año ‘Heavy Light‘, un nuevo disco con influencias del funk, el R&B y la música disco de los años 60 y 70, en el que Remy volvía a tocar temas que le preocupan como el feminismo, el cambio climático o el capitalismo. Sebas E. Alonso, Jordi Bardají.

The Microphones / Microphones in 2020

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Phil Elverum abandonó el alias The Microphones para abrazar el de Mount Eerie en 2003. Phil enviudó en 2016 y dedicó a Geneviève Castrée, su esposa fallecida, ‘A Crow Looked at Me’ (2017) y ‘Now Only’ (2018). Phil se casó de nuevo en 2018 con Michelle Williams, pero poco después se separaron.

Tras todo este periplo vital, Elverum ha decidido recuperar el nombre de The Microphones, ha forzado el sustrato confesional sobre el que basa su música hasta el paroxismo y ha parido su obra más ambiciosa. Y uno de los discos más singulares de los últimos años: ‘The Microphones in 2020’ es su autobiografía musicada. Pero, en vez de desgranar su vida en un formato convencional de unos diez temas, Phil ha tejido su discurso en una única canción de 44 minutos, donde narra su historia con Microphones, su relación con la música y sus sentimientos. La experiencia desborda lo musical; para captar plenamente esta obra, la manera óptima es seguirla a través del vídeo-álbum que él mismo creó y colgó en youtube; una sucesión de sus propias fotografías (más de 800) con la letra sobreimpresa, que van guiándonos por el camino de la canción, que dialogan con la música y con nosotros.

Musicalmente, ‘Microphones in 2020’ es muy honesto, aparentemente sencillo. No es una suite, no es una sinfonía, no es una pieza con varios movimientos. Es realmente una canción de 44 minutos. Sin abandonar las formas de cantautor folk, está articulada como un mantra, construida sobre el rasgueo de una guitarra acústica, que dibuja una línea melódica que apenas se abandona; una estructura cíclica que, cada tanto, sube y rompe en una especie de estribillo, donde se potencia una frase, una idea para, a continuación, retomar la salmodia. Su introducción musical dura más de siete minutos, siete minutos en que se suceden fotografías de paisajes sin mucho sentido y rostros borrosos. Hasta que llega un pequeño sobresalto y Elverum arranca a recitar/cantar, con una voz monótona en apariencia, pero en la que se palpa la emoción contenida. Y los rostros en las fotos se hacen nítidos. Y descubrimos a Phil en esas imágenes. Y empieza a explicar su situación actual: «El verdadero estado actual de todo es: insisto en no morirme, el sol insiste en salir». A continuación, canta qué le llevó a hacer la música que hacía, rememora sus sensaciones, las experiencias compartidas con amigos, las giras, el cambio de Microphones a Mount Eerie…

Otros rostros emergen (¿Geneviève?). El tempo sube, entre los 11 y los 15 minutos todo se intensifica, un sonido algo perturbador se cuela a los 22, cuando Elverum explica qué y quiénes le espolearon: «Fui a ver a Stereolab. Estuvieron tocando el mismo acorde durante quince minutos y algo en mí cambió». La música mimetiza sus esfuerzos de entonces, hay pequeñas pausas y cambios apenas perceptibles. Pero también hay saltos atrás, hacia la niñez que le construyó como artista, o flashbacks sobre su juventud, vestidos apenas con distorsión: «When you’re younger every single thing vibrates with significance» («cuando eres joven, cada cosa vibra con un sentido»). Hay un pequeño aparte, con la guitarra apenas, en que cambia la melodía. Un momento de ruptura, de serenidad, unos minutos que rompen con la tónica, ahondan en un mar de aguas tranquilas. Hasta que en el minuto 29, retorna al mantra que ya no abandonará.

‘The Microphones in 2020’ es un disco exigente. Rehuye la escucha casual y requiere toda la atención. Es un esfuerzo más próximo a la experiencia literaria que a la musical. Y, aun así su melodía (sus inflexiones), se quedan en tu cabeza, te asaltan en cualquier momento. Es un viaje fascinante en que Phil trata de encerrar sus recuerdos para que no se le escapen. También es una reflexión sobre el arte, sobre qué le empuja a la creación. Pero, sobre todo, este disco/canción/experiencia habla del tiempo; el tiempo, que no se para, que todo lo cambia. Por eso ese título, tan aparentemente trivial, ‘Microphones in 2020’. Porque este es el reflejo de quién era Phil Elverum cuando lo grabó con 41 años. Sin embargo, ese «yo» ya era otro cuando lo editó. Y también será otro cuando nosotros hayamos finalizado el trayecto. «I will never stop singing this song. It will last forever», canta, antes de rematar con un: «De todos modos, todas las canciones que he escrito van de lo mismo, básicamente».

Calificación: 8/10
Te gustará si te gusta: Mark Kozelek/Red House Painters
Escúchalo/míralo/léelo: Youtube

Escucha lo nuevo de Kanye West, Four Tet, Coldplay, Playboi Carti, Eddie Vedder…

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El día de Navidad es la fecha elegida para algunos lanzamientos largos. Saca 2 discos Four Tet, ‘Parallel’ y ‘871’, ambos disponibles en Bandcamp; sale el nuevo de Playboi Carti con colaboraciones como la de Kanye West; un nuevo EP religioso de este bajo el nombre de Sunday Service; o el disco de Rubi Rose con colaboraciones como Future y PARTYNEXTDOOR. Puedes escuchar parte de ellos en nuestra playlist de novedades semanal de cada viernes, «Ready for the Weekend«.

Entre las novedades más llamativas de la semana ya hemos compartido lo nuevo de Ed Sheeran o Burial, pero también hay pistas nuevas de Coldplay (un bonus track de su último álbum), DARKSIDE, Dent May o Anitta. Completamos la playlist con una cara B de SZA, la versión que Eddie Vedder ha hecho de Bruce Springsteen y el tema colaborativo de Yves Tumor.

‘Chemz’ de Burial samplea a Ne-Yo y a Wolf Alice para terminar el año en la rave

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Burial vuelve como cada Navidad con un nuevo lanzamiento que vuelve a no ser un disco largo. El nuevo 12″ de William Bevan se compone de los temas ‘Chemz’ y ‘Dolphinz’ y saldrá en formato físico el próximo 21 de abril. ‘Chemz’ es el tema disponible desde ya en la página de Bandcamp del productor británico y es nuestra «Canción Del Día»

La nota de prensa de Hyperdub explica que ‘Chemz’ es una producción «pegadiza, eufórica y mimada que funciona tanto como una premonición desquiciada de la felicidad post-pandemia y como demoniaco flashback de éxtasis pasados». Por esta grabación de 12 minutos y medio de duración, en la línea de los últimos estrenos de Burial en cuanto a tiempos-, pasan ritmos y capas melódicas que beben del hardcore, el UK garage, el jungle, el rave e incluso el eurodance para construir un «monstruo que ha ingerido varias canciones y las ha incorporado a su dilatado cuerpo», y que no podría llevar más la marca «rave británica de los 90» ni aunque quisiera.

‘Chemz’ es una producción típica de Burial por su estructura dividida en episodios, por la presencia en ella de samples vocales fantasmagóricos que, en este caso, suenan como si se hubieran quedado atrapados dentro de un aparato tecnológico, y por su ambientación nocturna y urbana que evoca un Londres distópico. Sin embargo, también sorprende por su carácter hedonista, pues los ritmos no pueden sonar más urgentes, como si quisieran aprovechar el tiempo perdido de este año en el que no ha habido discotecas; y sobre todo por la selección de samples usados.

A lo largo de este viaje hacia el ombligo de la noche londinense se escuchan fragmentos de ‘Sexy Love’ de Ne-Yo, de ‘Don’t Delete the Kisses’ de Wolf Alice, de ‘Head Over Heels’ de Allure con Nas y de ‘Bad Girl’ de Linda Ross; pero también otros extraídos de referencias mucho más oscuras, desconocidas por el oyente casual, como un DJ set que Burial ofrece en 2010 en Barcelona. Las letras vuelven a ser románticas y despreocupadas porque lo que importa en ‘Chemz’ vuelve a ser entregarse a la liberación que ofrece la pista de baile.

Burial ha sido noticia estos días por lanzar un par de temas nuevos firmados junto a Thom Yorke y Four Tet, los llamados ‘Her Revolution’ y ‘His Rope’.

Kate NV / Room for the Moon

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Kate NV es una aficionada a los programas de televisión infantiles de los 70 y 80 por su componente artesano y naíf. En especial, le inspiran las «decoraciones falsas» que poblaban aquellos espacios, hechas a mano con materiales como el papel o la esponja y mucho más «cercanas» que los planos digitalizados de hoy en día. Su nuevo disco, ‘Room for the Moon’, es un viaje de fantasía a otra época en la que la visión de lo mágico no era creada por un ordenador.

La música de ‘Room for the Moon’ recuerda al art-pop de Kate Bush, Grace Jones, Sparks… pero también a artistas japoneses como Miharu Koshi o Yasuaki Shimizu. El pop ruso y japonés de los 70 y 80 es una referencia citada por la misma nota de prensa, la cual explica que el álbum «conjura recuerdos no vividos de la música y televisión» de aquella época, a pesar de que la propia Ekaterina Shilonosova asegura que el sonido del disco se inspira en los viejos programas de animación soviéticos que veía de pequeña, como ‘Marafon’, que titula una de sus pistas. De hecho, es un escándalo lo viejo que puede llegar a sonar ‘Room for the Moon’ aunque sea a propósito: todo el disco desprende un aroma vintage en el reverb de baterías y guitarras, en el color de los sintetizadores y en la prominente presencia de saxofones y marimbas, que engañaría a cualquier trivia humana.

El pop de Kate NV no habita el mundo actual ni falta que le hace. Entrar en ‘Room for the Moon’ es como caer por el hoyo de ‘Alicia en el país de las maravillas’, la versión televisiva rusa de 1981, y vivir una experiencia impredecible en la que gobierna un surrealismo lleno de color que no obedece a estructuras ni códigos convencionales. En el disco, la voz de Kate NV es solo un instrumento más en este universo sin estribillos marcados y en el que «la música dicta las reglas» y las palabras son solo una «capa adicional y abstracta». Si ‘Plans‘, el single más accesible del álbum, con un punto a la Kate Bush de ‘The Dreaming’, y otro a los Japan de ‘Tin Drum’, reflexiona sobre el mundo moderno, ‘Du Na’ opta por dedicar sus casi 7 minutos a mimar instrumentalmente, sin palabras, el universo de saxofones y percusiones ufanas que construye, y que podrían ser 20.

Algunas capas instrumentales de ‘Room for the Moon’ recuerdan a las experimentaciones ambientales con el sintetizador Buchla realizadas por Kate NV en ‘для FOR’, su segundo disco, pero este es ante todo el disco de pop que cabía esperar de la artista después de ‘Binasu’. Las canciones de ‘Room for the Moon’ son más densas pero también más memorables. La exuberante ‘Not Not Not’ atrapa de inmediato aunando con urgencia sintetizadores retro, marimbas y bajos de post-punk que recuerdan de dónde viene esta artista, y no puede ser más cautivador el «spoken-word» en japonés de Nami Sato en ‘Lu Na’, otro de los singles. Las composiciones de ‘Room for the Moon’ pueden ser tan misteriosas como ‘Marafon 15’, en la que Kate percibe el «atisbo de un recuerdo fugaz», tan hipnóticas como ‘Sayonara’ y tan absurdas como ‘Ça Commence Par’, cuya letra contiene una especie de adivinanza gastronómica.

En ‘Room for the Moon’, Kate NV ha creado una panorámica de surrealismo, absurdo, teatro, color y sueños que solo podía haber salido de su cabeza. Y si no era suficiente con mencionar a la autora de ‘Hounds of Love’ dos veces, el tema final, ‘Telefon’, despeja el ambiente como ya lo hacía ‘The Morning Fog’ en la obra maestra de la británica, para llenarlo de luz y esperanza. La melodía más bonita de todo el disco se encuentra posiblemente en esta canción. Lo que sucede antes es un viaje caleidoscópico que intriga, fascina, maravilla y aterra a partes iguales y que parece salido de otro tiempo y también de otro mundo.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Not Not Not’, ‘Du Na’, ‘Sayonara’, ‘Plans’, ‘Lu Na’, ‘Telefon’
Te gustará si te gusta: Kate Bush, Japan, Klaus Nomi, Talking Heads, Yasuaki Shimizu, Plastics
Youtube: vídeo de ‘Marafon 15’

Aitana coloca todo su disco en la lista de singles española

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Como hemos comentado, Aitana no ha hecho el disco más vendido de la semana a nivel copias físicas, pero desde luego sí ha hecho el más escuchado en las plataformas de streaming y es capaz de colocar todo su disco en el top 100 de singles español.

Así, ‘Cuando te fuiste’ con Natalia Lacunza entra en el número 30; ‘- (Menos)’ con Álvaro Díaz y POLE. en el 33, ‘Estupidez’ con Beret en el 51, ‘No te has ido y ya te extraño’ en el 55, ‘x (Por)’ en el 71, ‘÷ (Dividido)’ en el 84, ‘= (Igual)’ en el 86 y ‘Si no vas a volver’ en el 92. Por otro lado, el single que da título al disco sube del 45 al 15, ‘Corazón sin vida’ con Sebastián Yatra sube del 42 al 20 y ‘+ (Más)’ con Cali y El Dandee se mantiene en el 43.

En realidad, la entrada más fuerte de la lista la firman Myke Towers y Juhn con ‘Bandido’, que se coloca en el puesto 28, aunque es ‘Bebé’ de Camilo y El Alfa el tema que más ha subido en escuchas, pasando del 26 directamente al 9.

El resto de entradas en lista las firman Pablo Alborán con ‘La fiesta’, en el 73 (el malagueño es número 1 en la lista de álbumes); y Daddy Yankee y Marc Anthony con ‘De vuelta pa’ la vuelta’, en el 96.



Pablo Alborán adelanta a Aitana en el número 1 de la lista de álbumes española

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Pablo Alborán firma el nuevo número 1 de álbumes en España con ‘Vértigo’. El artista adelanta a Aitana en la posición de honor a pesar de que los streamings de este son más altos, presumiblemente gracias a las ventas físicas, pues ningún single de ‘Vértigo’ ha calado por separado y solo ‘La fiesta’ se estrena esta semana en la lista de singles, mientras ‘Si hubieras querido’ vuelve en el puesto 56.

De no ser por Alborán, Aitana firmaría hoy su segundo disco número 1 en España, ya que ‘Spoiler’ alcanzó esta posición en el año 2019 cuando las listas de álbumes de Promusicae se dividían en una rama de ventas y en otra de streamings. Esto no significa que ’11 razones’ no pueda alcanzar el número 1 de álbumes la semana que viene, si bien cabe recordar que Alborán ha sido listo posponiendo su disco a una fecha más cercana a la Navidad, época en la que más discos se compran. Y desde luego se presume a su público mucho más clásico y comprador de discos que el de Aitana, por generación más familiarizado con los servicios de streaming. Pronto publicaremos nuestra valoración de ’11 razones’.

Como la semana pasada no fue precisamente floja en cuanto a lanzamientos nacionales, Bunbury es otro de los protagonistas de esta semana al colocar ‘Curso de levitación intensivo‘ directamente en el puesto 3. Es el segundo disco que publica Enrique en este año en el que no ha habido conciertos, después de ‘Posible‘.

La última entrada del top 10 la firman Stay Homas con ‘Agua’. Así de lejos ha llegado la broma de estos tres muchachos -ya curtidos en los escenarios catalanes- que montaron un grupo durante el confinamiento para después recibir una atención mediática que ni ellos mismos esperaban y que no se limitó a la península ibérica. Después de ‘Desconfination‘, Stay Homas han llegado a su segundo disco, un ‘Agua’ que esta semana entra en el número 9 de la lista de álbumes española.

Como dato curioso, el disco más vendido de la semana al margen de las entradas ha sido ‘En tus planes‘ de David Bisbal, el primer gran lanzamiento de 2020, pues se atrevía a salir un 3 de enero. Llegado el 23 de diciembre sigue habiendo ganas de regalar este disco, que escala 30 posiciones en la lista para situarse en el número 4, tras ser reeditado.

En cuanto al resto de entradas, ‘Ninguna ola’ de La M.O.D.A. entra en el número 23, ‘Origen’ de Funambulista en el 35, ‘Viva Carlos Cano’ de Carlos Cano en el 51, ‘Bag of Trix’ de Roxette en el 57, ‘Maldiciones’ de Maka en el 59 y ‘Lola Versus Powerman and the Moneyground, Pt. 1’ de The Kinks en el 97.

C. Tangana: a debate lo que ha dicho, o lo que ha querido decir, sobre Rosalía

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C. Tangana es noticia a raíz de una entrevista que ha concedido a Rockdelux en la que ha hablado sobre sus últimos movimientos artísticos y también sobre Rosalía. Antón Alvárez y la autora de ‘El mal querer‘ han sido pareja, numerosos análisis de letra y vídeo de ‘Tu me dejaste de querer’ apuntan que la canción describe la ruptura entre ambos, y El Madrileño explica en Rockdelux que encuentra estas interpretaciones facilonas y agotadoras. Sin embargo, sus palabras están trayendo cola por lo que pueden estar implicando según a quién preguntes.

Las declaraciones de C. Tangana que han levantado polémica pertenecen a un vídeo de la entrevista publicado por Rockdelux, en el que puede verse un extracto de la misma, y han sido las siguientes: «Citar a Rosalía como referencia ahora mismo es aburridísimo. Es como «me gusta la Coca-Cola: pues muy bien. Molaba hace cuatro años cuando no la conocía nadie. ¿Por una mujer vestida de rojo, en serio? Yo entiendo que la gente esté obsesionado con Rosalía porque yo también lo he estado hace cuatro o cinco años… ¿pero ahora? La gente llega tarde a las cosas, pero ya se le pasará: la gente dejará de ver a Rosalía en las manchas del gotelé».

Las palabras de C. Tangana pueden obedecer a un rechazo circunstancial hacia la música contemporánea: al fin y al cabo, el autor de ‘Mala mujer’ ha dedicado los últimos años de su carrera a documentar una obra que estará basada en la música tradicional española y latinoamericana, por lo que Rosalía difícilmente habrá sido una referencia estrictamente musical, sí conceptual pues ‘El mal querer’ seguía la misma fórmula aunque sus referencias pudieran ser otras; y además Antón está implicado en ese disco como co-autor.

Más allá de esta observación hay quien percibe en las palabras de C. Tangana una actitud velada de machismo por su parte hacia el éxito de Rosalía: «C. Tangana no ha superado la ruptura con Rosalía y le da rabia que ella tenga más éxito (que él)», señala un tuit que suma 4.000 «me gusta», 1.200 retuits y 224 comentarios. Por otro lado, El País se moja con un opinativo firmado por Manuel Jabois en el que este afirma no ver ningún «ataque» de C. Tangana hacia Rosalía en sus declaraciones, sino «cansancio de que cada vez que saque algo él, se le pregunte o compare con ella». En nuestros foros se entiende que «él no dice «Rosalía molaba hace cuatro o cinco años» sino que citarla como referencia ahora no tiene sentido porque está presente en todas partes», si bien hay quien percibe un tono «displicente» en sus palabras a pesar de que estas puedan ser razonables.

Con intención de evitar «sensacionalismos», Rockdelux ha abierto al público su entrevista completa con el artista, antes solo accesible mediante suscripción. En ella, C. Tangana responde en realidad a una pregunta sobre las playlists que este ha creado para cada uno de sus últimos singles, poniéndolos en contexto, y en los que no aparece Rosalía a pesar de que ‘El mal querer’ parezca un punto de partida obvio para ‘El Madrileño’. Antón empieza reflexionando: «Digamos que Rosalía es demasiado contemporánea como para que citarla como referencia tenga gracia, pero todo el tiempo que he pasado en el estudio con ella es una de mis principales referencias en la música. Si tú lees lo que yo decía de Rosalía hace cuatro años, encontrarás respuesta a absolutamente todo».

Finalmente, el propio C. Tangana ha compartido su punto de vista en redes: «Todo lo que digo de Rosalia en la entrevista de Rockdelux es respecto de la obsesión de los medios y los fans en encontrar conexiones y referencias en mis vídeos y canciones. Todo el mundo sabe que admiro la carrera de Rusa desde el día 1 hasta hoy. El hecho de que estéis dramatizando y sacando titulares demuestra vuestra obsesión con el morbo: ojalá algún día le prestéis esa atención a la música».

Judge My Spotify, la página web que evalúa tu lamentable gusto musical

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Por si no fuera suficiente con que las estadísticas anuales de Spotify Wrapped te descubran que has escuchado a Kim Petras más de lo que eres capaz de reconocer, la revista digital The Pudding ha lanzado una página web que evalúa tu «mal gusto musical» y te hace «bullying» por tus hábitos de escucha de Spotify con comentarios sarcásticos. Dos ejemplos son «has estado escuchando much a BTS últimamente, ¿te encuentras bien?» o «eres demasiado moderno para tu propio bien, ¿sabes que hay más música previa a 2019?» Y estos son de los amables.

La página, Judge My Spotify, se basa en un algoritmo creado a partir de «dos millones de indicadores de buen gusto musical objetivo que incluyen reseñas de Pitchfork, recomendaciones de tiendas de discos y páginas secundarias de Reddit de las que nunca has oído hablar». La inteligencia artificial creada por Mike Lacher y Matt Daniels analiza tus escuchas de Spotify registradas de los últimos años, y seguidamente realiza un glosario de tus escuchas complementado con estadísticas que determinan cuán «básico» es tu gusto musical o con frases-largas-escritas-en-guion que comparan tus escuchas con las de una persona de aficiones preocupantes.

Un ejemplo de los resultados de Judge My Spotify son los compartidos por el periodista Arturo Paniagua, gracias a quien hemos descubierto esta página al compartirla él en Twitter. El algoritmo determina que es «otro fan loco de Love of Lesbian», que quizá va siendo hora de escuchar otra cosa que no sea Miss Caffeina y que «se le nota el rollo Generación Z».

5 libros para regalar y leer estas navidades 2020

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Simón (Miqui Otero)

La nueva novela de Miqui Otero (‘Hilo musical’, ‘La cápsula del tiempo’) tiene más ingredientes, texturas y temperaturas que un plato de un restaurante pijo como en el que se forma Simón, su protagonista. Es una novela de iniciación, de realismo decimonónico, de Barcelona, generacional, social, pop, posmoderna… Utiliza diversas técnicas, de la novela epistolar (hay un capitulo narrado por medio de correos electrónicos) a la autorreferencial (aparece el propio autor firmando libros). Y está llena de referentes, del Castroforte del Baralla de Torrente Ballester o las historias de Susan Eloise Hinton (‘Rebeldes’, ‘La ley de la calle’), al sacacorchos de ‘Amor a quemarropa’ o el vídeo de los farloperos de las hipotecas de Periodista Digital. Pero no es ningún mejunje. Es alta cocina. Todos los ingredientes están perfectamente elaborados y emplatados para lograr su objetivo: ofrecer una ambiciosa, brillante y emotiva crónica social de la Barcelona de los últimos 25 años, un viaje desde el optimismo olímpico de 1992 al desesperanzado 2017 del procés, los atentados yihadistas y la precariedad sistémica. 8.

El infinito en un junco (Irene Vallejo)

Que un ensayo sobre la invención de los libros en el mundo antiguo, escrito por una autora poco conocida, se haya convertido en un éxito editorial era más improbable que ver a Trump reconociendo su derrota electoral. Pero ha ocurrido. El sorprendente éxito de ‘El infinito en un junco’, que ganó en noviembre el Premio Nacional de Ensayo, es un ejemplo de la vigencia del boca-oreja en tiempos de recomendaciones algorítmicas. También es la constatación de que muchas veces no es tan importante el tema de un ensayo (o el argumento de una novela) como la forma en la que está escrito y expuesto ese tema. ¿A cuántos lectores de ‘La España vacía’ les interesaba especialmente la geografía humana antes de leer el superventas de Sergio del Molino? ¿Y a cuántos de ‘Sapiens’ la paleontología o la antropología? La filóloga Irene Vallejo ha escrito un ensayo que se lee como una novela de aventuras. O una novela (es muy significativo que ganara el premio Ojo Crítico de narrativa) con el peso intelectual y divulgativo de un ensayo. Un entretenidísimo viaje por la historia del libro, lleno de insólitos desvíos, instructivas escalas, reflexivas paradas y reveladoras conexiones con el presente. 8.

Exhalación (Ted Chiang)

Hace cuatro años, a Ted Chiang solo lo conocían los más friquis de la ciencia ficción. En España, sus premiadísimos relatos habían sido publicados por la editorial especializada Alamut con el título ‘La historia de tu vida’. Pero en 2016 todo cambió. Denis Villeneuve realizó ‘La llegada’, basada en un cuento de Chiang (el guión fue nominado al Oscar), y Barak Obama eligió ‘Exhalación’, el segundo volumen de relatos (publicado este año en castellano por una editorial tan alejada del género como Sexto Piso), como una de sus lecturas preferidas. De la noche a la mañana, este semidesconocido informático neoyorquino se convirtió en uno de los autores de referencia de la literatura contemporánea. Y no es para menos. Las narraciones de Chiang son sorprendentes y cautivadoras. Se alejan del enfoque distópico dominante, y proponen reflexiones enormemente lúcidas y edificantes sobre conceptos como el libre albedrío (el primer relato es una obra maestra), la ética de la inteligencia artificial o la fragilidad de nuestros recuerdos. Los temas de la ciencia ficción de siempre vistos desde una óptica diferente. 8,5.

Berlín (Jason Lutes)

En 2018, el guionista y dibujante Jason Lutes publicó la última parte de ‘Berlín’, su ambiciosa trilogía sobre la caída de la república de Weimar y el ascenso del nazismo. Completada la monumental obra, en la que trabajó a lo largo de 22 años, se publica ahora su edición integral. Un excelente volumen que incluye los tres libros, más contenido adicional como bocetos y estudios, una entrevista al autor y una muy útil guía de referencias y fuentes de inspiración de una novela gráfica que destaca por su exhaustiva documentación. ‘Berlín’, dibujada en blanco y negro y con un estilo muy claro, recrea el clima político, social y cultural de la república de Weimar a través de las historias cruzadas de varios personajes. Por medio de esta multiplicidad de voces, Lutes consigue reflejar este periodo clave de la historia de la capital alemana desde muchos ángulos: del activismo político en las calles a la vida nocturna en cafés y cabarets, de los barrios obreros a las mansiones aristocráticas, de la tolerancia y libertad sexual al antisemitismo y el ultranacionalismo. De la democracia a la dictadura. 9.

¡PAM! (Miguel Noguera)

Así, como dando un golpe en la mesa -¡pam!- llega el nuevo libro de Miguel Noguera. El séptimo en solitario desde su ya clásico ‘Ultraviolencia’ (2011). Un libro grande y gordo, que sigue la línea –mismo formato y estructura- del anterior ‘Clon de Kant’ (2018): guardas con imágenes explicadas en notas, un prólogo muy loco y divertido protagonizado por un tal Damián, un cuerpo central con ideas ilustradas y textos ad hoc, y un montón de notas (y notas de notas) casi a lo Foster Wallace. La única novedad es que esta vez salen muchas mujeres… No, es broma. Solo salen las viejas de siempre. La única novedad, digo, es que muchos de los dibujos están coloreados. Un cambio que, en algunas de las ideas, sobre todo las que tienen que ver con cuestiones anatómicas o fisiológicas, aporta un grado de realismo casi escatológico. Por lo demás, ‘¡PAM!’ es, afortunadamente, lo mismo de siempre: un conjunto de ocurrencias chorras, ideas divertidas, ideas aún más divertidas y auténticos golpes -¡pam!- de genialidad. 8.

Dafne Castañeda habla de «suicidio virtual» en ‘Si alguien pregunta’

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Dafne Castañeda es una joven peruana que se dio a conocer en un grupo de punk llamado Fábula y ha publicado un EP llamado ‘Una banda que no se formó’ y más recientemente ‘Posguerra’, disponible en las plataformas de streaming, de Spotify a Bandcamp. Abriendo este lanzamiento, encontramos ‘Si alguien pregunta’, la última ganadora del JNSP Song Contest de nuestros foros, presentada por el usuario Neoxma. Es nuestra “Canción del Día” hoy.

‘Si alguien pregunta’ encierra la magia de los Goldfrapp más folkies: en lugar de invitar a la paz, da un poco de miedo, a lo que contribuyen esos sintetizadores gélidos que se van incorporando a la grabación, la seca percusión, los metales y ciertos efectos de tipo «fantasmagórico».

La canción habla de un retiro, una huida “de Lima” donde una de las cosas principales de las que escapar es la red, entendemos que las redes sociales, pues se llega a hablar de “suicidio virtual”. Eso sí, “ocasional”. La canción plantea quién nos echará de menos mientras desaparecemos en ese retiro en el que superar el “dolor” y plantear “el perdón”.

Si en esta canción emerge algún modulador vocal, eso mismo encontrarás en otras pistas de ‘Posguerra’, como ‘Antes de nacer’, a medio camino entre la moda tropical, las sonoridades trap y el bedroom pop; o en ‘Lo digo de verdad’.

Lo mejor del mes:

Podcast: Carmona y Sebas charlan sobre Lorde, Lana, Adele, Fiona, Kanye, Rosalía… en ‘Hoy empieza todo’

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Hoy ha sido la segunda parte de la presentación del libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘, autoeditado desde JENESAISPOP y disponible en nuestra tienda, en ‘Hoy empieza todo’ de Radio 3. Tras el repaso a los años 2000-2010 de la pasada semana, ha sido el turno de pinchar algunas canciones entre 2010 y 2019, y charlamos sobre Lorde, Lana del Rey, Adele, Fiona, Kanye… Puede escucharse a través del podcast de Radio 3. En estos momentos estamos trabajando en los pedidos realizados en los últimos días y os informamos de que el lunes 28 anunciaremos medidas para que todos tengáis vuestro pedido antes de Reyes. Permaneced atentos y para cualquier duda, recordad que estamos disponibles en tienda@jenesaispop.com.

Junglepussy / JP4

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«Mi problema es que me gusta una buena rallada mental» es una de las frases que pueden escucharse en el nuevo disco de Junglepussy, la rapera de 27 años de Brooklyn que se daba a conocer hace un lustro con la locura de campanillas de ‘Bling Bling‘ para después postularse como heredera de Tyler, the Creator en la adictiva ‘Trader Joe‘, su mayor éxito hasta la fecha. La frase pertenece a ‘Telepathy’, un tema de ritmos tribales e industriales próximos al trabajo de Death Grips o al de Kanye West en ‘Yeezus’ y producido por Dave Sitek de TV On the Radio en el que Shayna McHayle vuelve a dejar claro su discurso: a ella no se la puede comprar.

La inconformidad de Junglepussy con la industria a la que pertenece se hace patente en otra de las producciones que Dave Sitek firma en ‘JP4’, el cuarto trabajo discográfico de la artista. En el entramado de percusiones metálicas y guitarras eléctricas de ‘What You Want’, la rapera sentencia: «no me puedo permitir socializar, me costará mi salud mental, prefiero estar al margen de la industria como si fuera Kelis». Las letras de Junglepussy reivindican el amor propio frente a los sistemas de opresión que afectan particularmente a las mujeres negras en el sector de la música como el machismo, el racismo o el colorismo, y su lugar en los márgenes de este mundo le permiten habitar una serie de producciones harto creativas que dan la espalda a las modas.

En ‘JP4’, Junglepussy deja atrás los sonidos más amables inspirados en el soul, el easy-listening y el hip-hop de la vieja escuela que mandaban en su disco anterior para sumergirse en un universo contaminado y perturbador que puede dar tanto yuyu como su portada. Las ralladas mentales de Junglepussy no se limitan a la corpulenta ‘Telepathy’: el disco se abre con una composición totalmente alucinada y pesadillesca en la que Shayla clama que «hay sitios en los que simplemente no pertenece» para después lanzar una crítica hacia quienes valoran el trabajo de las mujeres negras una vez estas han muerto; y en en el trip-hop infecto de ‘Spiders’ vuelve a mostrar su versatilidad musical y su personalidad como rapera poseedora de un «flow» incisivo y autoritario al que es imposible no prestar atención.

Como tampoco es posible ignorar las letras de Junglepussy por su dimensión política pero también por su sentido del humor. En ‘Morning Rock’, que aúna un ritmo trap con pianos y soniditos de videojuego, la rapera se graba cepillándose los dientes para prácticamente escupirle la pasta en la cara a ese hombre que no se hará los deberes de revisar su propias conductas tóxicas: «qué desperdicio de pasta dental, me cepillo lo dientes solo para sonreírte en la cara, ¿por qué tengo que sonreír para que tú estés cómodo? ¿Por qué tengo que enseñarte cómo me debes tratar?» ¿Puede ser más básico este hombre? Sí, parece que es fan de los Beatles. El trapero single ‘Main Attraction’ es un desafío constante: «te debió doler cuando te pasé la cara por el fango».

Pero si hay algo que Junglepussy goce más que sacarle los colores a ciertas personas, es tirarse flores a sí misma. El amor propio es un tema integrado en su discurso desde que publicara un disco llamado ‘Pregnant with Success’ y, en el júbilo enturbiado de ‘Out My Window’, que cuenta con una producción exquisita en la que asoman ecos al pop de los años 60, la artista reflexiona: «me acabo de acordar de cuanto me di cuenta de que soy la puta ama, era un día bonito, los pájaros piaban y esas mierdas». Una propuesta, la de esta rapera de genial nombre artístico, que antepone la autoestima, la justicia y la creatividad por delante de lo que sea cómodo o comercial, y que sigue evolucionando en este estupendo largo.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Telepathy’, ‘Main Attraction’, ‘Morning Rock’, ‘What You Want’
Te gustará si te gusta: Lil’ Kim, Missy Elliott, Azealia Banks
Youtube: vídeo de ‘Main Attraction’

nodisco. crea tiros de pop inspirado por Max Martin y Morrissey

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‘Nodisco’ es el título de una de las canciones de ‘Speak and Spell’, el primer disco de Depeche Mode. También es el nombre artístico (aunque escrito en minúscula y con punto final) del cantante y compositor canadiense Chris Toufexis, quien, en el último año, ha dado el paso de publicar sus primeras canciones a las plataformas de streaming.

Cuenta Toufexis que decidió lanzar su primer single ‘Thoughts from Your Car’ después de sufrir un ataque de ansiedad que coincidió con un periodo de su vida en que sentía que debía tirar la toalla con la música porque «no veía oportunidades para mí ni conocía a nadie en la industria». La primera versión de la canción sonaba a un cruce entre New Order, Joy Division y Morrissey, a quien Toufexis cita entre sus principales influencias; pero la grabación final gustará a seguidores de los Bleachers más enamorados de Bruce Springsteen. Un tema eufórico de cabo a rabo, de esos hechos para cantar a pleno pulmón desde un descapotable en marcha, que aboga por «ignorar las noticias» pero que sobre todo habla sobre «sentirse perdido y sobre no saber qué hacer con tu vida, pero eso está bien porque al final encontrarás tu camino: yo lo hice».

El camino de nodisco. está más claro en su cabeza de lo que parece: sus temas están hechos para triunfar en las playlists poperas de Spotify porque él se inspira abiertamente en la metodología de Max Martin, una persona a la que admira por «romper varias barreras sónicas incluso dentro de una misma canción», a pesar de que sus letras estén enfocadas en temas como el amor, la soledad o la salud mental. Se nota que el canadiense busca hacer canciones que puedas recordar por encima de todo y no solo por el tontorrón gancho «I’m f-f-f-fond of you» de ‘Fond’; sino porque sus mejores composiciones suenan bien asentadas en los sonidos del momento: con su mezcla de guitarras acústicas y ritmos R&B, Toufexis parece quere decir que es posible sonar a Bruno Mars y a FINNEAS al mismo tiempo, y ‘Moonlight In My Bedroom’ lleva en su ADN los códigos de ese synth-pop comercialote por el que son conocidos Carly Rae Jepsen, Lauv, joan o Troye Sivan.