Hay discos que nunca pondría a una visita porque son para escuchar en soledad y hay otros que se prestan 100% a ello. Entre los últimos, los de Parcels. La banda australiana es especialmente querida en la Europa continental, quizá por su vinculación inicial con Daft Punk. Con ellos compartían su admiración hacia las guitarras de Nile Rodgers de Chic, y el gusto por las melodías bailables pero tranquilas, sin salidas de tono.
Su tercer álbum se llama ‘Loved’ porque tiene el cometido de «proporcionar alegría a la gente». La palabra «amor» aparece en el 25% de sus títulos. Tras algo tan estival como ‘Summerinlove’ encontramos otro tema llamado ‘Leaveyourlove’, en el que la frase «no quiero dejar tu amor» aparece repetida más de 20 veces.
Las melodías de Parcels son pura calma; suaves y agradables como los prados que la formación recorre en la portada. ‘Thinkaboutit’ es puro buen rollo, por poner un ejemplo. El disco ha sido escrito de manera individual por diferentes miembros, solo que después poniendo entre todos elementos en común, y se nota en el modo en que mantiene en todo momento una línea artística muy clara.
Patrick Hetherington se ha encargado de ‘Sorry’, un gran número construido a través de una caja de ritmos lo-fi, un teclado hipnotizante y esas guitarras tan disco, robadas de 1977. La letra es una lista de cuestiones que lamentamos («que el amor duela», «el caos que te produjo tu madre»), como ‘Yougotmefeeling’ de Noah Hill, lo es de «cosas que me haces sentir».
Esta última es una de las pocas canciones realmente bailables, pues ‘Tobeloved’ prefiere ir desarrollando una estructura in crescendo a través de un piano muy 70’s; y ‘Everybodyelse’, recrearse en la monotonía. Es todo un retrato de lo predecible que es la vida: «A veces estoy bien, y a veces me coloco. Como todo el mundo (…) Me enamoré y la jodí. Como todo el mundo». Y así todo el rato.
Una sensación, la de monotonía, que empapa todo el álbum. Al final te preguntas si la idea de la música de fondo implicaba algo necesariamente bueno. La única canción algo diferente es ‘Iwanttobeyourlightagain’, una composición de Patrick mucho más narrativa, hablando de la muerte del padre de alguien, de un montón de litros de vino blanco y de los tiempos en los que Parcels fueron «cool».
Florence + the Machine sigue presentando ‘Everybody Screams‘, el disco que publica en Halloween. El segundo single, ‘One of the Greats’, es una interesante reflexión sobre el lugar de Florence + the Machine en la industria musical y sobre su sacrificada presencia en ella. En sus palabras: «En este sueño hecho carne, soy una mujer que saca rendimiento a su locura».
‘One of the Greats’ también está atravesada por la tragedia: en 2023, Florence estuvo al borde de la muerte debido a un embarazo ectópico. Las alusiones a la muerte y a la resurrección en la canción son constantes. El estribillo repite como un mantra: «Los brazos bien estirados, de vuelta del mundo de los muertos». Sigue la línea temática de terror.
Pero el núcleo de ‘One of the Greats’ lo proporciona su satírica reflexión sobre la construcción del canon musical. Florence se pregunta a qué artistas se les permite ser «uno de los grandes» y lo hace a través de la figura de una mujer que planta cara al hombre en la cima. Ambos son artistas, pero probablemente también amantes, como sugiere esa frase en que Florence habla de ciertos hombres que temen a las mujeres poderosas.
En una cascada de frases que revelan que ‘One of the Greats’ fue originalmente un poema, Florence no se corta en uno de los mejores versos que ha firmado: «Estaré ahí arriba con el tío, y las otras diez mujeres, y los 100 mejores discos de la historia, debe estar bien ser un hombre y hacer música aburrida simplemente porque puedes; no me malinterpretes, soy fan tuya, eres mi segundo frontman favorito». Y concluye: «Y tú podrías tenerme si no me tuvieras miedo, es divertido cómo los hombres no consideran el poder sexy».
‘One of the Greats’, grabada en una sola toma, es un tema de rock pantanoso y distorsionado en el que participa Mark Bowen, guitarrista de IDLES. A diferencia de ‘Everybody Screams’, es elegante y contenido, aunque la tensión de sus guitarras deja entrever la «frustración» acumulada por Florence a lo largo de “los últimos 15 años”. “Al inicio de mi carrera fui ridiculizada de forma constante por mi expresión grandilocuente”, explica en una nota de prensa. “Me empujaron al centro de la atención solo para después decirme que no lo merecía”.
Doja Cat publica hoy nuevo disco, ‘Vie’, el mismo que presentará el año que viene en Primavera Sound, donde es una de las cabezas de cartel. ‘Vie’ es a todas luces el disco más ochentero de Doja Cat: el primer single, ‘Jealous Type‘, con su sonido a lo new jack swing, no engañaba.
A Doja le ha influenciado el pop negro de la época; nombres como Janet Jackson, Prince o la dupla de Alexander O’Neal y Cherelle (quien ya fuera reivindicada por Mariah Carey en ‘Glitter’) vienen a la mente escuchando el álbum. De hecho, diría que la melodía de ‘Strangers’ es la misma que la de ‘LUV‘ de Janet… solo que la producción lleva a ‘Control’ (1986).
Ritmos como los de ‘Cards’ o ‘Gorgeous’ -nuevo single- tienen la impronta de Jimmy Jam & Terry Lewis; y ya sabemos que al productor principal, Jack Antonoff, le encanta reproducir sonidos del pasado. Esta vez, logra una frescura innegable en temas como el delirante ‘AAAHH MEN!’, que parece de Prince… y de Jessie Ware. ‘Keep Me Dancing’ con SZA -único featuring- no es un mero intento de replicar el éxito de ‘Kiss Me Once’, sino que incorpora unos sintetizadores que encantarían a Bruno Mars.
‘Gorgeous’ es uno de los puntos destacados de ‘Vie’ gracias a una producción que une sensibilidades nostálgicas y actuales. El estilo sintético del R&B-pop de los 80 (pienso en Michael Jackson, Lionel Richie) dialoga con los códigos del rap y el trap, en esta co-producción de Jack Antonoff, George Daniel (The 1975) y Sounwave, entre otros, que explora la idea de belleza como crimen, pero que sobre todo transmite una gran positivismo.
A lo largo de 15 pistas, Doja no sostiene el hilo sónico de ‘Vie’ de principio a fin. Temas como ‘Act of Service’ o ‘Make It Up’ proponen un tipo de R&B más ordinario -y actual- que no habría desentonado en ‘Planet Her‘ (2021). Otros cortes como ‘Lipstain’ o ‘One More Time’ engrosan un repertorio que no iguala exactamente el nivel de ‘Jealous Type’ y de otros singles potenciales.
Y para los que pensaban que iban a echar de menos el rap de ‘Scarlet‘ (2023), en ‘Vie’ hay unas cuantas barras memorables: Doja no ha olvidado que es rapera, lo cual probablemente tampoco era una posibilidad en un disco lleno de black pop lujoso, con mucho eco al ‘I Feel for You’ (1984) de Chaka Khan.
The Hives siguen siendo la banda que recordabas. El séptimo disco del quinteto sueco, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, sigue manteniendo la potencia que ha caracterizado todos sus trabajos anteriores. Ellos están más decididos que nunca a mantener su título como una de las mejores bandas en directo del rock.
Después de ‘The Death of Randy Fitzsimmons’, The Hives no han perdido nada de tiempo, siendo la vez en la que más rápido han vuelto al estudio para crear un disco. Ya les sale de forma natural. Durante la entrevista con el batería Christian Grahn, este me asegura en varias ocasiones que están en plena forma. Solo hay que escuchar la canción titular o cualquiera de los singles disponibles para darse cuenta de que no lo dice por decir.
The Hives pasarán por España el próximo noviembre: el día 1 en el Sant Jordi Club de Barcleona y el día 2 en el Movistar Arena de Madrid.
Este es un disco explosivo. Habéis dicho que todas las canciones son singles. ¿Cuál fue vuestra primera idea al ir al estudio después de vuestro último disco?
Siempre hemos intentado hacer cada canción lo mejor que podemos en todos los discos, pero este se siente como si estuviese lleno de «bangers». Hemos tenido problemas eligiendo los singles porque podía ser cualquiera de ellas. Así que, de alguna manera, es intencionado. Siempre quieres hacer las mejores canciones posibles. Diría que sí y no a la vez. Hemos intentado hacer un gran disco, que al final ha acabado teniendo grandes canciones, por lo que cualquiera podría ser un single.
¿Y qué os ha hecho decantaros por estos singles?
Al principio, hace 20 años, nunca pensamos que ‘I Hate To Say I Told You So’ fuese un single. Así que siempre hemos preguntado a otras personas sobre las canciones que creen que deberían ser singles, porque resulta que somos bastante malos escogiéndolos. Y por eso, volviendo a tu pregunta anterior, para nosotros todas podrían ser singles, pero puede que haya gente que opine lo contrario. Todas las canciones son como hijos para nosotros, así que es muy difícil.
¿Qué crees que es importante para crear un buen single?
No lo sé, supongo que cuando empezamos, las canciones eran mucho más rápidas, así que… Muchos de nuestros grandes éxitos han sido a «mid-tempo». Parece ser el ritmo perfecto para que la gente nos aprecie más. Hacemos canciones más rápidas, hacemos canciones más lentas, pero a la gente le encantan las de «mid-tempo». Así que supongo que, en nuestro caso, para crear un gran éxito para estadios, diría que un buen comienzo es que la canción esté entre 130 y 145 BPMs.
«Nunca pensamos que ‘I Hate I Told You So’ fuese un single»
Después de 30 años en activo, ¿por qué habéis esperado tanto para hacer un disco con vuestro nombre en el título?
Antes del último disco hicimos una especie de descanso y el plan ya era hacer estos dos discos. Queríamos hacer ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ un poco más crudo, y eso es ‘The Hives Forever Forever The Hives’. Es un poco más, no sé, quizá no tan punk, pero al final resultó así. Parece que no podemos decidir de antemano qué hacer. Puedes ponernos cualquier tipo de canción y meternos a los cinco en una habitación, y va a sonar de cierta manera y la energía va a tener una cierta intensidad. Así que, no sé, simplemente ha salido así. Estamos en muy buena forma, en cuanto a tocar se refiere. Pasa mucho tiempo antes de que entremos en el estudio, pero cuando lo hacemos, somos bastante rápidos. Es básicamente darle a grabar y ya, porque estamos muy rodados y tenemos una visión muy clara de lo que queremos hacer. Así que no sé por qué hemos esperado tanto tiempo. No sé. Somos mayores. Siempre pensamos que hacemos un tipo de disco muy novedoso. Lo pensamos cada vez, pero la gente no parece estar tan de acuerdo. Como he dicho, siempre seguirá sonando como una cumbre.
¿Cómo os las habéis arreglado para manteneros en buena forma? Muchas bandas se vuelven un tanto obsoletas o rancias, pero no es vuestro caso.
Simplemente nunca hemos querido ir por ese camino. Siempre hemos dicho que cuando no podamos hacerlo, cuando ya no podamos mejorar más, si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre o lo que sea, simplemente lo dejaremos, porque eso no es divertido. No queremos convertirnos en ese tipo de banda, así que simplemente nos esforzamos al máximo. Siempre lo hemos hecho y seguiremos haciéndolo mientras exista esta banda.
¿Cómo sería un álbum mediocre para vosotros?
No sé, el que tenga canciones con las que no estamos contentos.
En la producción del disco han trabajado Mike D, de los Beastie Boys, y Josh Homme…
Hemos seguido trabajando con Pelle Gunnerfeldt, que ha producido muchos de nuestros discos, pero también hemos tenido ayuda de Mike D y Josh, aunque Josh no está en sí en el disco. Estaba al teléfono.
¿Al teléfono?
Sí, hablamos con él y le preguntamos qué opinaba y simplemente dijo que le parecía jodidamente genial, así que seguimos adelante. Mike D sí vino a Estocolmo y trabajamos con él en el estudio. Fue divertido. Es como un sueño hecho realidad, ¿no? Los Beastie Boys han hecho algunas de las cosas más geniales que se han grabado jamás. Así que tenerlo allí con su energía e incluso haciendo algunos coros en la canción fue muy divertido.
Habéis dicho que estabais bastante nerviosos al trabajar con él.
Por supuesto, es una leyenda. Cualquiera se pone nervioso al conocer a una leyenda. Incluso las leyendas se ponen nerviosas al conocer a otras leyendas (risas).
¿Cuál es tu canción favorita del disco?
Cambia de vez en cuando. A veces, cambia cuando las tocamos muy alto. La que realmente disfruté grabando y trabajando para que sonara perfecta es una canción llamada ‘Legalize Living’. Si tuviera que decir una, sería esa.
Para mí, la última canción, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, suena como una que os ha llenado mucho.
Queremos vivir para siempre. Y esta banda probablemente lo hará. Esa canción es como un himno, así que a la gente le va a encantar. Me pregunto qué pasará cuando la toquemos en directo.
Sois conocidos por la energía de vuestro directo. Te quería preguntar si ha sido así desde el principio.
Sí, siempre intentamos ser la mejor banda en el escenario. Es casi como un deporte. Si tocamos en festivales o lo que sea, si tocamos con otras bandas, simplemente tenemos que ser mejores. Lo que se queda en la mente de la gente cuando sale de un concierto nuestro es que fuimos los mejores. Esa es la idea. Solo queremos ser la mejor banda de la historia en el escenario.
Habéis tocado desde 2012 hasta 2023 sin descanso. Tenía entendido que tocar en directo pasa mucha factura. ¿Cómo lo habéis hecho?
De hecho, estuve hospitalizado durante un tiempo. Los demás siguieron tocando con diferentes baterías durante un año o dos. Justo cuando estaba a punto de recuperarme, llegó la pandemia, así que no pudimos tocar mucho durante ese tiempo. Bueno, hicimos el World Wide Web Tour y cosas así. Simplemente seguimos tocando. En cuanto paras, pierdes práctica al tocar. Estos últimos dos discos los hemos hecho muy rápido en el estudio porque estábamos en buena forma. Todos sabíamos qué hacer, cuándo hacerlo y cómo. Y sí, supongo que estamos en un buen momento. Siempre nos ha gustado dar conciertos, así que hemos tocado todo lo que hemos podido desde 1993. Y si es difícil, no lo sé. Es lo que hacemos. Simplemente no podemos dejarlo. No podemos tomarnos descansos de más de, no sé, dos meses. Ahora mismo estoy en casa, sentado debajo de este árbol, tomando una taza de café. Se está bien, pero ya tengo ganas de empezar la gira. Vamos a tocar en Finlandia en un par de semanas y después nos vamos a Japón y Australia, que llevamos mucho tiempo sin tocar allí.
¿Tocáis todo lo que os ofrecen?
Ahora podemos elegir un poco más (risas). Cuando empezamos, tocábamos en cualquier sitio. ¿Podéis venir a tocar a nuestra casa? Lo hacíamos. Dos personas en el público. Tocábamos en todos los sitios.
Como banda, ¿hay algún secreto para llevar tanto tiempo juntos y que os podáis llamar amigos cercanos?
Que no sabemos qué haríamos si no estuviésemos haciendo esto. Es lo que hemos hecho durante toda nuestra vida. Mis compañeros son más familia que amigos, llegados a este punto. Queremos hacer los mejores conciertos y discos posibles y, si estáis apuntando a lo mismo, sin importar lo lejos que esté, en algún momento vais a llegar allí.
«Si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre, simplemente lo dejaremos»
Empezando en los años 90, habéis presenciado el panorama del rock cambiar mucho durante todo este tiempo. ¿Cómo habéis vivido las diferentes opiniones sobre el estado del género?
Va por ciclos. Un año alguien dice que el rock está acabado, al otro dicen que ha vuelto por todo lo alto.
Lo llevan diciendo durante 20 años.
Exacto, y es una gilipollez. La buena música es buena música, y resulta que nosotros hacemos música rock. Hay bandas y músicos muy buenos en otros géneros. Y mientras haya calidad y algo único que atraiga a la gente, algo que les guste escuchar, vas a seguir haciendo lo que haces para siempre, supongo. Lo curioso de estar en una banda de rock durante tanto tiempo es que tienes generaciones de gente viniendo a tus conciertos. Los hijos, las madres, los padres… Tenemos mucha diversidad en nuestros conciertos, lo cual es divertido. Significa que estás haciendo algo bien.
También es una señal de que no te estás quedando estancado ni nada por el estilo. Con gente joven en los conciertos…
Totalmente. Hicimos una gira enorme en el Reino Unido teloneando a los Arctic Monkeys y tienen un público muy joven. Conseguimos muchos nuevos fans en esa gira, que fue super divertida. Tocar con los Monkeys cada noche, que son una gran banda, y ver a todos estos jóvenes disfrutar sus canciones… Creo que para muchos era la primera vez que oían hablar de nosotros, lo cual es raro, porque llevamos muchísimo tiempo por aquí, pero es divertido ganarte los corazones de la gente.
Cuando empezasteis, el rock era la fuerza dominante, pero ya no es el caso. ¿Cuáles son las bandas que os mantienen viva la esperanza? ¿Son más difíciles de encontrar?
Tienes a Amyl and The Sniffers, Viagra Boys… Todavía hay bandas muy buenas y crudas. Soy muy malo al recordar nombres, pero no creo que sea más difícil. Quizás no estén tanto en la radio mainstream o en TikTok, pero siguen ahí.
Hablábamos antes sobre conocer a leyendas y realmente habéis conocido a unas cuantas. Habéis tocado con AC/DC y The Rolling Stones, lo cual no es algo que puedan decir muchas bandas. ¿Cómo os eligieron?
Creo que fue cosa de boca a boca. Cuando tocamos con los Stones, estaban algo nerviosos por ir después de nosotros porque habían oído que éramos una gran banda en directo. Las hijas de Keith Richards estaban en el escenario, viéndonos tocar. Si te gusta la música, vas a encontrar bandas chulas para ir de gira con ellas. Supongo que les gustamos a The Rolling Stones y a AC/DC. Tener el rumor de ser una de las mejores bandas en directo de la historia, como nosotros tenemos, hizo que ellos quisiesen que nos encargáramos del calentamiento.
Después de la entrevista, tengo muchas ganas de veros en directo.
Te sorprenderá. Vas a salir de allí con una gran sonrisa en la cara, preparado para contárselo a tus nietos algún día.
Tras su entrada al puesto 2, ‘The Dead Dance’ logra ser lo más votado de la semana en JNSP, al obtener el 35% de los votos en las Stories de Instagram, frente al 32% de JADE. Sólo 6 votos las han separado. Se trata del 12º número 1 de Lady Gaga en nuestra web tras la buena aceptación de ‘Poker Face’, ‘Bad Romance’, ’Applause’, ‘Perfect Illusion’, ‘The Cure’, ‘Shallow’, ’Stupid Love’, ‘Rain On Me’, ‘911’. ‘Disease’ y ‘Abracadabra’. Curiosamente, ‘Die With a Smile’, el mayor éxito de la carrera de Lady Gaga no ha llegado a la cima. La artista desempata de Amaia o Florence y es la 2ª artista con más números 1 en JENESAISPOP de la historia, solo por detrás de la inalcanzable Lana del Rey.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Love of Lesbian ha comunicado que no participará en ningún festival vinculado al inversor pro-israelí KKR. «Desde Love of Lesbian queremos compartir con vosotros que hemos tomado la decisión de desvincularnos de los festivales en los que la empresa KKR tenga participación accionarial», dice el texto que ha sido difundido en el programa Mañaneros 360 de TVE. Como consecuencia de esta decisión, Love of Lesbian cancela su actuación en el festival Interestelar de Sevilla de 2026.
«Esta decisión es el resultado de una serie de debates internos que han requerido tiempo», explica la banda liderada por Santi Balmes. «No somos sun grupo que tome decisiones impulsivas; intentamos siempre construir una respuesta común, honesta y compartida. Y no mentimos: no siempre es fácil ya que somos plurales, imperfectos y con tantas dudas y miedos como cualquier otro».
Love of Lesbian, que ha pedido la libertad de Palestina, y condenado el genocidio nombrando a su perpetrador, Benjamin Netanhyahu, en festivales como el Cruïlla, añade: «Hemos necesitado tiempo y muchas conversaciones para tomar esta decisión que conlleva consecuencias que, a veces, no se ven a simple vista. En algunos conciertos pasados habíamos expresado nuestra postura sobre este genocidio del pueblo palestino, desde el altavoz que nos proporciona el escenario, intentando ser un pequeño caballo de Troya desde dentro. Pero ahora ha llegado el momento de dar el siguiente paso. Esta decisión, supone, inevitablemente, renunciar a algunos festivales con los que ya teníamos conversaciones avanzadas para 2026, pero creemos que la coherencia con lo que pensamos y sentimos ahora mismo debe prevalecer».
«Dicho sea de paso, queremos aclarar que siempre nos hemos sentido muy bien tratados por estos festivales», puntualiza la banda. «En realidad, esa fantástica relación forjada a través de los años, ha hecho que nuestra decisión haya sido aún más difícil porque conocemos a los equipos humanos que hay detrás de ellos y que nada tienen que ver con esta situación».
Love of Lesbian se suma, desde España, al boicot cultural contra Israel en protesta por el genocidio en Gaza y para presionar al gobierno israelí a detener la invasión. A escala internacional, Björk y Paramore, así como Hayley Williams en solitario, se han sumado a la campaña No Music for Genocide, que insta a los artistas a bloquear su música en todas las plataformas musicales israelíes y cuenta con el apoyo de unos 400 artistas. Recientemente, Massive Attack se ha unido a esta iniciativa y, paralelamente, ha anunciado que ha solicitado a Universal la retirada de toda su música de Spotify debido a los lazos militares de la empresa sueca.
El caso por terrorismo contra el rapero de KNEECAP, Liam Óg Ó hAnnaidh, ha sido desestimado debido a un error técnico en el procedimiento judicial. Según ha explicado el juez, Paul Goldspring, la acusación fue presentada desde el principio de manera incorrecta, por lo que ahora ha sido calificada como «ilegal» y «nula».
“Considero que estos procedimientos no se iniciaron en la forma correcta, ya que carecían del consentimiento necesario del DPP (Director de Procesamientos Públicos) y del AG (Fiscal General) dentro del plazo legal de seis meses», ha señalado el letrado.
Liam, cuyo nombre artístico es Mo Chara, había sido acusado de promover el terrorismo alzando una bandera de Hezbolá durante un concierto.
Mo Chara ha negado el cargo desde el inicio y lo ha calificado de político. A la salida de los tribunales, ha celebrado el fallo: Este proceso nunca fue sobre mí. Nunca fue sobre amenazas al público. Nunca fue sobre terrorismo. Siempre fue sobre Gaza, sobre lo que ocurre cuando te atreves a alzar la voz. Sus intentos de silenciarnos han fracasado porque nosotros tenemos razón y vosotros estáis equivocados».
Daniel Lambert, abogado de Liam, ha aplaudido también la decisión: “Hemos ganado. Liam Óg es un hombre libre. Dijimos que lucharíamos contra ellos y ganaríamos. Lo hicimos (dos veces). Kneecap no tiene cargos ni condenas en ningún país, jamás. La represión política ha fracasado. Kneecap está del lado correcto de la historia. Gran Bretaña no».
Michelle O’Neill, primera ministra de Irlanda del Norte, ha mostrado su apoyo a Mo Chara, afirmando que “estos cargos formaban parte de un intento calculado de silenciar a quienes se levantan y denuncian el genocidio israelí en Gaza». Según O’Neill, “Kneecap ha utilizado su plataforma en escenarios de todo el mundo para denunciar este genocidio, y es responsabilidad de todos nosotros seguir alzando la voz y oponernos a la injusticia en Palestina».
KNEECAP es uno de los fenómenos musicales del momento salidos de Irlanda, y acaba de ser confirmado en la programación de Primavera Sound 2026.
Hoy 26 de septiembre se publican los esperados discos de Mariah Carey -el primero en 7 años- y Doja Cat, así como el segundo trabajo de la estrella revelación Olivia Dean. También ven la luz nuevos álbumes de Barry B, Zara Larsson, Cate Le Bon, Tú peleas com una vaca, Purity Ring o SPRINTS. Y si hace días salía el disco de JADE, hoy es el turno de otra Little Mix, Perrie.
La semana antes del huracán Taylor Swift, lanzan nuevo single también Florence + the Machine, Tame Impala -que anuncia shows en España- o FKA twigs, que detalla su disco ‘EUSEXUA: Afterglow’. En portada estos días hemos estrenado el nuevo tema de Turista Sueca.
El pop internacional deja estrenos destacados de Tate McRae o Ice Spice sampleando a M.I.A. y presentan disco The Temper Trap, Juana Molina o Danny Brown. Entre los temas favoritos de la redacción, ‘booboo2’ de yaeji junto a Underscores y Aliyah’s Interlude.
De la cosecha nacional hay mucho que rascar, ya que Amaia y Judeline lanzan su primera colaboración, Luna Ki estrena baladón y hay temas interesantísimos de Júlia Colom o Teo Planell que destacamos en la playlist. Además, vuelve Nadadora tras 15 años y hay singles de Ana Torroja y Chanel. Por su parte, Juanjo Bona se alía con Confeti de Odio.
Mel Blue, MINIÑO, Night Tapes a saco con el parecido a Fleetwood Mac o la colaboración de Daniel Caesar y Bon Iver son algunas de las recomendaciones que dejamos hoy, y que puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend», disponible en Apple Music y de momento también en Spotify.
Tame Impala ha compartido las fechas de la gira europea de ‘Deadbeat‘, su quinto disco. España es uno de los países afortunados: Kevin Parker presentará ‘Deadbeat’ el 7 de abril en el Movistar Arena de Madrid y el 8 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial.
Las entradas se pondrán a la venta en Fever a partir del 3 de octubre a las 10 horas para ambos conciertos. Además, se ha habilitado una preventa para fans a través de la web de Tame Impala.
‘Deadbeat’ se publica el 17 de octubre. Incluye el single tecno de 7 minutos ‘End of Summer‘, así como los más reconocibles ‘Loser’ y ‘Dracula’.
Si ‘Loser’ recuperaba la psicodelia guitarrera de los primeros álbumes de Tame Impala, ‘Dracula’ apunta a la sofisticación bailable de ‘The Less I Know the Better‘ o ‘Borderline‘. Como mínimo, la melodía es igual de instantánea y pegadiza.
Como pensada para Halloween, que se acerca, ‘Dracula’ habla de un amor disfrutado «en la oscuridad» de la noche y la producción disco-house incluye campanas y otros efectos halloweenescos. ¿Ha podido ser Kim Petras una influencia? Parker es Dracula, claro, porque «huye de la luz» para refugiarse en los brazos de la persona amada. En su papel de fugitivo, compara su carisma con el del «puto Pablo Escobar»… solo para incordiar a sus amigos: «Shut up, Kevin, just get in the car», le contestan.
‘Dracula’ está presumiblemente dedicada a Sophie Lawrence, esposa de Kevin Parker y madre de su hija, Peach, nacida en 2022 y que aparece en la portada de ‘Deadbeat’, sujetada por el australiano, en una tierna imagen diseñada en blanco y negro.
De vez en cuando, todo plumilla que lleve 20 años escribiendo sobre artistas, necesita un revulsivo que le renueve las ideas y le motive. Ese aliciente fue para los madrileños C. Tangana en torno a 2015, y el colectivo Rusia IDK lo está siendo durante esta década. La diferencia es que antes las cosas crecían más despacio. Antes la noticia era que Puchito tenía un viral y llenaba la Sala Caracol, con capacidad para 800 personas, 3 o 4 noches seguidas. Y ahora la noticia es que tienes un viral, alquilas el Movistar Arena, vas ampliando el espacio, y terminas vendiendo todas las entradas.
Ha sido el caso de rusowsky para lo bueno y para lo malo. Sus canciones llevan 5 años sonando: son los que tiene ya ‘Dolores’, una de sus grandes obras junto a Ralphie Choo. Pero no ha sido hasta este verano que ha pegado el petardazo definitivo con el viral de ‘malibU‘, que acaba de alcanzar el top 10 en España. ¿Ha tenido tiempo de preparar un show y oportunidad para así exhibirlo frente a 15.000 personas, cuando su debut largo ha salido hace tan sólo 4 meses?
Los primeros instantes, ruso titubea. Hay problemas técnicos: se proyecta un vídeo suyo vapeando sin el audio, el segundo tema no termina de sonar. «¿Problemas técnicos tan pronto? ¡Vaya coñazo!», exclama, haciendo alarde de su naturalidad. El público, que se lo estaba cantando todo desde el segundo 0, le apoya y aclama su nombre. Nadie pita. En ese momento, esta crónica se va a llamar «El cariño de toda esta gente salva el concierto de rusowsky». Por suerte, enseguida es capaz de salvarse a sí mismo.
Ruslán Mediavilla ha preparado a conciencia este concierto, de composición quizá inspirada en Kanye West. Hay proyecciones ocurrentes, 100% generación Z; una docena de músicos y coristas se sitúa en un alto al fondo del escenario, todos vestidos de blanco y con gafas de sol cual maniquíes; el mismo ejercicio de peluquería y vestuario de ruso es un meme en sí mismo. Una mezcla entre un pijama lleno de brilli-brilli y unas pantuflas que hubieran hecho las delicias de Carmina Barrios o Carmen Sevilla, y luego un traje de lentejuelas que ni Raffaella Carrá. De esta guisa, ese momento en que sube unos peldaños y los salta, cual estrella de música jevi, hasta en 4 ocasiones consecutivas, es delirante y entrañable a partes iguales. Ainhoa Laucirica
Los estímulos son tales que se van perdonando los problemas propios de alguien que obviamente nunca había llenado estos tamaños de estadio. El problema de audio regresa en una ocasión. La realización no debería hacer un zoom a una guitarra que no está sonando, sino a la que alguien sí está tocando. Cosas que se pueden corregir en el futuro, porque rusowsky ha venido para quedarse. Lo que no se puede trabajar, ni comprar, ni buscar, es la química entre artista y público, tan espontánea.
Cuando en el último tramo del setlist, ruso introduce ‘malibU’, dice que llega «el momento que todo el mundo está esperando». Su interpretación, con la letra proyectada sobre un fondo amarillo como el que ha identificado la era ‘DAISY’, es un delirio. Pero es que dudo que tanta gente la estuviera esperando, al menos en exclusiva. Ya habíamos visto muchos momentos mágicos antes, y a cuál más variado: el intimismo tipo bedroom pop de ‘4 DAISY’, el R&B futurista de ‘ALTAGAMA’, los beats entre el trap y el folclore de ‘pink + pink’. La gente no para de cantar cosas como «y si te digo, te quiero», «tengo su mirá clavada», de bailar cosas como ‘SOPHIA’.
También hay muchísimo amor para las canciones pre-‘Daisy’. Sobre todo para ‘mwah :3’, paradigma de la producción mutante, multigénero, sencillamente inclasificable del colectivo al que pertenece rusowsky, Rusia IDK. Un momento es una balada, al siguiente, un reggaeton. «Daría lo que fuera por decirte, que me dejes en paz, si me miras de esa forma, es imposible». Hablando de lo cual, fue muy significativo que sus colegas aparecieran como invitados. Tristán! fue el primero en una plataforma circular giratoria para ‘Cell’. mori solo se pasó a modo de wasap proyectado (también se exhibió un vídeo sobre el sello).
Ralphie Choo, cada vez más metido en su papel de sex symbol, descamisado, como llegando del after-party del día después porque así de futurista es todo lo que toca este sello, generó grandes vítores en ‘BBY ROMEO‘ y ‘GATA’, esta última sorteada de memes de ídems. Los abrazos que se daban ambos artistas eran bonitos de llorar. Se les veía eufóricos. Fue precioso ser testigo -JENESAISPOP como medio oficial del evento- de lo que han conseguido sin el apoyo de radiofórmulas y al principio tampoco de las plataformas de streaming. Solo gracias al boca a boca, y al buen gusto de un público muy joven, a menudo estigmatizado por los medios. En este show solo se respiraba buen rollo, nada de «nosequién, hijo de puta». Si acaso «La Zowi Puta».
Y es que hubo más invitados sorpresa para poder llegar a los 90 minutos de concierto. Yo no sé si traerse a Latin Mafia desde México, para cantar un par de frases de ‘neo roneo’, mereció la pena. Yo no haría 20 horas de avión y aeropuertos para esto. La Zowi sí exhibió todo su carisma y devoró su propia cámara en ‘sukkKK!!’. Pero quienes terminaron de levantar al estadio -en sentido figurado, porque todo Dios pasó todo el concierto en pie- fueron Las Ketchup. A su parte en ‘Johnny Glamour’ sumaron un vibrante y 100% orgánico ‘Aserejé’ mientras rusowsky saboreaba el escenario, consciente de estar viviendo un momento histórico. Insisto: el ‘Aserejé’ en el Palacio de los Deportes, en pleno 2025.
Este momentazo, que ocurrió después de las colaboraciones con Ralphie, ‘mwah :3’ y ‘malibU’, enfilaron un final de concierto de órdago. Ralphie volvería para ‘Dolores’ y tras un par de brevedades más, todo el mundo se uniría a un playback de ‘VALENTINO’ que más que un bis, fue una outro para la celebración colectiva. «Hace tiempo que esto rebasó todas mis expectativas», dijo el artista. «Ha sido uno de los días más felices de mi vida. Lo voy a llevar siempre en mi corazón». Y nosotros, ruso, y nosotros… 8.
Justo cuando Confeti de Odio ha anunciado su disolución, su líder, el cantante y autor madrileño Lucas de Laiglesia, aparece acreditado como compositor en ‘Así soy ahora’, el nuevo single de Juanjo Bona, ex concursante de Operación Triunfo 2023.
Bona ha publicado este año un disco absolutamente recomendable, ‘Recardelino‘ (2025), influenciado por la música folclórica de Aragón, su tierra. Magallón, su pueblo, es citado en las letras, y vuelve a aparecer en ‘Así soy ahora’, un tema sobre el anhelo del hogar. En su casa, Bona cocina migas, «charra» con sus abuelos y se olvida de los problemas.
La conexión de ‘Así soy ahora’ con Magallón es coherente con el repertorio de Juanjo Bona. Su amor a la tierra es un tema que ya había explorado en ‘Mis tías‘ o en la preciosa ‘Moncayo‘.
Después, es cierto que algunas rimas suenan excesivamente naíf, tanto por su literalidad («Aquí sentí mucho terror, también me dieron mucho amor») como por su uso de expresiones coloquiales («Lo que más deseo, es que no me hagáis otro feo»).
La frase «Lo que quiero es quedarme en Magallón» concluye cada estribillo sabiendo a jingle publicitario. A esta apreciación contribuye el estilo musical: ‘Así soy ahora’ es un pop-punk blandito que Confeti de Odio habría convertido en un himno de su famoso patetismo lírico. Quizá tendría algo más de garra en su voz.
Bona, que actualmente concursa en ‘Masterchef Celebrity‘, continúa su gira de teatros: su próxima actuación es el 10 de octubre en Salamanca.
Amaia y Judeline han sorprendido esta semana anunciando su primera colaboración. Su estrategia ha sido publicar dos imágenes de ambas jugando al ajedrez, cara a cara. Solo este jueves se ha revelado el título de la canción, ‘Com você’, y su lanzamiento durante la medianoche.
‘Com você’ («contigo» en portugués) es una bossa nova de ensueño, escrita a medida para las voces de Lara Fernández y Amaia. Ambas le cantan a una persona amada, de la que no se quieren separar: Judeline, en su estilo, habla de una «noche divina», referenciando un amor casi místico. Amaia, por su lado, entrega un juego de palabras muy propio de ella: «Quiero que quieras quedarte en mi vida / Puedo controlar tu mente si me miras». El estribillo une las dos voces en un mantra de «la la las».
‘Com você’ es una canción co-escrita por Carlos Ares, y producida en un estilo que devanea entre la bossa clásica y la rumba chill. La melodía referencia directamente la de ‘Amores como el nuestro’ (1992) de Jerry Rivera y su autor, Omar Alfanno, está debidamente acreditado. Se trata de la canción en la que se basó ‘Hips Don’t Lie’ (2006) de Shakira.
Vídeos como el de ‘Com você’ recuerdan al mundo que efectivamente es el siglo XXI. Dirigido por Daniel Dalfó (colaborador habitual de Amaia y ex pareja) y Carlos Marcenaro, muestra a las dos artistas interpretando la canción en espacios elegantes y futuristas, y destaca por su uso de efectos especiales en tres dimensiones, añadiendo un elemento de surrealismo al clip.
Tras ‘Marco’ (2024), los Moriarti, el prolífico trío creativo formado por Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi y Jon Garaño, regresan con ‘Maspalomas’, una película dirigida por los dos primeros que se centra en Vicente (José Ramón Soroiz), un hombre gay de 76 años que acaba de separarse de su pareja desde hacía más de dos décadas y que vive plácidamente en la localidad canaria, llenando sus días de sexo, playa y despreocupaciones.
Todo cambia cuando sufre un accidente que le hace tener que regresar a San Sebastián y ser ingresado en una residencia de ancianos. Allí, sus libertades se limitan hasta el punto de verse obligado a volver al armario y a renunciar a todo por lo que un día luchó.
La cinta comienza con un prólogo atrevido e hipnótico, donde los cineastas filman de forma inquietante esos cuerpos que se desean en medio de las dunas o en la furtividad de un cuarto oscuro. Esa fuerza narrativa consigue dejarte pegado a la butaca desde el primer minuto hasta que aparece el título de la película en pantalla. A partir de ahí, la película deriva en otra cosa muy diferente, trasladándose al frío aséptico de un centro de mayores en el País Vasco.
Goenaga y Arregi exponen a través del personaje de Vicente las dificultades e inseguridades a las que aún se enfrentan las personas mayores LGBTQ+, la exclusión social con la que a menudo tienen que vivir para no ser juzgadas. Al hacerlo, los directores recurren a subtramas que abren muchos frentes narrativos, pero que, en su gran mayoría, no terminan de funcionar.
La discrepancia política entre el protagonista y Xanti (Kandido Uranga), su compañero de habitación, por ejemplo, está retratada de una manera brusca y poco creíble, mediante diálogos poco orgánicos y explicativos. También la relación que se va estableciendo entre ambos a lo largo del metraje deja unas cuantas incongruencias en su desarrollo. Una verdadera lástima, ya que Xanti es un gran personaje sobre el papel, una suerte de antagonista que refleja mucho de lo que Vicente quiere ser y que, por sus propios miedos, es incapaz.
Mejor construida está la subtrama con su hija (Nagore Aramburu), con quien no ha tenido apenas contacto en 25 años. Hay una conversación entre ambos que logra un momento de emoción genuina, no solo gracias a las fantásticas interpretaciones de ambos actores, sino a la mirada sensible de los cineastas, que muestra una verdadera pasión por lo que se está contando. Es por ello por lo que ‘Maspalomas’ resulta tan frustrante, porque pese al evidente cariño de los creadores hacia sus personajes y su plena implicación en su importante temática, está excesivamente recargada de detalles que en lugar de aportar matices, emborronan el foco (la trama del cuidador de la residencia, ambientarla a principios de 2020, los gags humorísticos etc.).
Hay una gran película dentro de ‘Maspalomas’ que nunca llegamos a ver. Son demasiados los cambios estilísticos en su puesta en escena y demasiadas las ideas a medio cocinar para lograr un todo satisfactorio, pero es imposible no ver que también hay mucho corazón detrás de cada uno de sus planos. Es la honestidad con la que los cineastas se acercan a lo queer en la tercera edad, la mirada desprejuiciada a la vida sexual de las personas mayores, lo que eleva un filme que nos deja deslumbrantes destellos de lo que podría haber sido.
La argentina Juana Molina ha anunciado que su nuevo disco se llama ‘Doga’ y sale en breve, el 5 de noviembre. El álbum viene acompañado de esta preciosa portada, mientras el single, ‘Siestas ahí’, de título polisémico, diría que es más bien gatuno.
Este es el primer álbum de Juana Molina desde 2017. El punto de partido de ‘Doga’ fueron una serie de conciertos de improvisación junto al teclista Odín Schwartz en 2019. La idea era tocar «como si estuvieran en casa», sintetizadores y secuenciadores. Los shows fueron únicos, pero luego Molina retomó algunas de las ideas que habían salido, junto al productor Emilio Haro. Ese otro trabajo se hizo entre 2022 y 2024.
Esta será la secuencia del disco, con títulos tan ilustrativos como ‘Uno es árbol’:
01 Uno Es Árbol
02 La Paradoja
03 Desinhumano
04 Caravanas
05 Siestas Ahí
06 Indignan a un Zorzal
07 Va Rara
08 Miro Todo
09 Intringulado
10 Rina Soi
The Cure y Doja Cat presentando sus nuevos discos, Addison Rae por primera vez en España, los regresos de The xx y My Bloody Valentine, Gorillaz de nuevo en nuestro país… encabezan el cartel de Primavera Sound 2026, que se celebra días 4, 5 y 6 de junio en el Parc del Fòrum. JENESAISPOP es media partner. Massive Attack y Skrillex aparecen también entre los primeros nombres confirmados en el anuncio publicado hoy.
En 2026 el Primavera Sound acogerá las presentaciones de algunos de los mejores discos del último año, como ‘Black Star‘ de Amaarae, ‘Essex Honey‘ de Blood Orange, ‘Spanish Leather‘ de Guitarricadelafuente, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You‘ de Ethel Cain o ‘I’m Only F*cking Myself‘ de Lola Young. Todos ellos están confirmados junto a MARINA y JADE: sus nombres aparecen juntos en el cartel, una probable referencia a aquella concursante de Operación Triunfo 2017. JADE es el actual DISCO DE LA SEMANA en JENESAISPOP.
PinkPantheress, que lo está petando con ‘Illegal‘, y Ravyn Lenae, que lo está petando con ‘Love Me Not‘, figuran también entre los nombres confirmados, así como Dijon, que presentará su discazo ‘Baby‘, los iconos de Rusia-IDK Ralphie Choo y rusowsky o las rockeras favoritas del indie actual Wet Leg. Artistas del pasado y presente como Slowdive, Smerz, Father John Misty o Ashnikko engrosan el cartel.
La venta general comenzará el 30 de septiembre a las 11 horas. En esta fase, el abono general tendrá un precio de 350 euros + tasas, mientras que el abono VIP mantendrá el precio de 545 euros + tasas. Toda la información sobre las diferentes modalidades de entradas está disponible en la web del festival.
Entre las ausencias destacadas, las de Lorde y Rosalía, favoritas del festival, y cuya presencia muchos asumían dado que presentan nuevo disco. Tampoco traerá Oasis a Primavera Sound su gira de regreso.
¿Cuánto tiempo puede seguir dedicando la crítica musical a discos que reciclan una y otra vez el sonido guitarrero y ruidoso de Pavement, Dinosaur Jr. y Sonic Youth? Wednesday, la banda de Carolina del Norte autora de ‘Rat Saw God‘ (2023), se ha desmarcado de sus competidores gracias a las desgañitadas interpretaciones vocales de su líder y vocalista, Karly Hartzman, y a su afinidad por escribir letras llenas de historias truculentas, que rara vez se escuchan en la música popular.
Véase por ejemplo ‘Townies’, una pieza emblemática de Wednesday por su fusión de country y noise, que recuerda de esta manera una amistad adolescente:
«Met you in the neighborhood you had
Connects to get us high and then
You sent my nudes around
I never yelled at you about it
‘Cause you
…
Died»
Las letras de Hartzman impactan porque exponen escenas traumáticas de forma natural, casi apática, como cuando en ‘Wound Up Here (By Holdin On)’ describen el descubrimiento de un cadáver en un riachuelo, inspirada en una historia real, o cuando en ‘Pick Up that Knife’ relatan la manera en que está a punto de acabar con todo, porque hasta el más mínimo inconveniente la desborda. En esta misma pieza, amenaza: «Un día acabaré con la zorra que hay dentro de mi cabeza». En otro verso recuerda la vez en que «vomitó en el pogo de un concierto de Death Grips».
Hartzman extrae oro tanto de sus propias relaciones personales (la pantanosa ‘The Way Love Goes’) como del true crime (los asesinatos de Murdaugh inspiran la inquietante ‘Carolina Murder Suicide’). Ella podría decir que su propia existencia es un crimen: «Wednesday Bleeds» es la frase que surge de juntar nombre de banda y título de disco, porque sus letras e historias no pueden ser más sangrantes.
Y sangrantes también son las texturas distorsionadas que Wednesday han obrado esta vez junto al productor Alex Farrer, puras hemorragias sonoras que explotan, se retuercen y se estrangulan de forma despiadada, pero que no olvidan la ternura de un álbum al fin y al cabo dedicado a una persona fallecida, Gary King, y a su espacio Haw Creek, epicentro de la escena local de Asheville, donde se ha grabado el álbum.
‘Bleeds’ llega además marcado por la ruptura sentimental entre dos de sus integrantes, Hartzman y MJ Lenderman, quien tiene su propia y exitosa carrera en solitario (Lenderman seguirá grabando con Wednesday, pero no acompañará al grupo en sus directos). La fusión de noise y country vuelve a señalar la senda del álbum, con ‘Reality TV Argument Bleeds’ abriendo paso en modo slacker, después la preciosa ‘Elderberry Wine’ apuntando a la atemporalidad del country clásico, y piezas como la liviana ‘Phish Pepsi’ o la mencionada ‘Pick Up that Knife’ uniendo los dos estilos.
Es sumamente referencial la propuesta de Wednesday en el aspecto musical, pues revisa con suma atención el trabajo de bandas de los noventa que asentaron un estilo: a Wednesday les inspira el ruido clásico de Sonic Youth, la distorsión melódica de Dinosaur Jr., el filo rasposo de Hole y por supuesto cierto trasfondo de country extraño y polvoriento. Sin embargo, el trabajo sonoro de ‘Bleeds’ es espectacular, y las historias de Hartzman piden ser escuchadas y contadas.
Nuestro último podcast versa sobre Benidorm Fest. Su director, César Vallejo, nos responde cuestiones sobre el futuro del certamen durante más de una hora. Entre otras, si al presidente de RTVE José Pablo López le gusta Eurovisión.
Hoy el mismo José Pablo lo ha dejado claro en la Comisión Mixta de Control Parlamentario. Allí se ha viralizado en redes su larga respuesta a los ataques de Vox («No estamos para blanquear ni exaltar el franquismo»), pero también ha hablado largo y tendido de Eurovisión. Ante la pregunta planteada sobre la participación de España, formulada por un Senador del Grupo Parlamentario Vasco, ha dicho: “Como eurofán que soy me duele muchísimo no emitir Eurovisión, pero hay cuestiones que están por encima del entretenimiento”, ha zanjado, como informa Vertele.
José Pablo López ha explicado que se ha llegado a la decisión ya votada de que España no participará en Eurovisión si lo hace Israel, tras desoírse varias de sus peticiones a la UER. “Si hemos llegado a este punto es porque hemos agotado previamente una serie de negociaciones y propuestas que vemos que caen en saco roto con la política que se viene desarrollando en la UER. Por supuesto que hay alternativas para que Israel no participe sin que sea expulsada por la Unión Europea de Radiodifusión. Cuando se produjo la invasión rusa en Ucrania, a Rusia se le expulsó de Eurovisión y de la UER. En este caso nadie ha planteado que se expulse a la televisión israelí de la UER, simplemente se ha pedido reiteradamente que no se le dé visibilidad en el concurso».
El presidente espera que la UER recapacite estas semanas y no sea necesario llegar a la votación de diciembre. «Espero que por el bien de la UER no tengamos que llegar a este punto de someter a toda la estructura a la tensión de una votación final por la decisión de unos directivos que no han asumido sus responsabilidades y no han dado un paso al frente en este punto».
Y es que además, López cree que Israel puede ganar en 2026, si se repiten las circunstancias de 2024 y 2025: “todos somos conscientes de que el Festival de Eurovisión no es un mero festival de canciones, es algo más que un festival de canciones. La carga política que tiene es enorme y buena prueba es lo que ha sucedido en los últimos años. Lo sabemos todos, lo sabe la UER, lo sabe Israel y por eso se utiliza políticamente. Y por eso, si nada cambia, es muy probable que la canción que represente Israel pueda alzarse con el triunfo este año en el Festival de Viena”.
En cuanto a las polémicas decisiones de la UER, se explaya: «Realmente sorprende el argumentario que en este momento está desplegando la UER para defender la presencia de la televisión pública de Israel, porque es una televisión que, de manera manifiesta, de manera continua, está apoyando todas las actuaciones del ejército de Israel en Gaza».
Yung Prado, el proyecto de música electrónica de Nil Roig, miembro de La Élite y del colectivo Mainline Magic Orchestra, prepara nuevo disco, y el primer adelanto ya está disponible: ‘Pensando en ti’ es la Canción Del Día de hoy.
‘Pensando en ti’ es otra divertidísima producción de Yung Prado influenciada por el techno-house de los noventa. La adrenalítica base, llena de detalles sonoros, es un absoluto rompepistas. La letra, literalmente una meditación: Nil ha conocido a una persona y no se la saca de la cabeza.
El videoclip de ‘Pensando en ti’ ha sido dirigido por Jayk Darvishian y grabado en Nueva York con un teléfono móvil. Sin embargo, Nil asegura que nunca ha visitado la ciudad.
Yung Prado ha presentado ‘Pensando en ti’ recientemente en el Nitsa Club de Barcelona, en un show que ha formado parte de su set «All Night Long». Las siguientes fechas del set son el 27 de septiembre en el Club Malasaña de Madrid y el 1 de noviembre en el Studio IIII de Berlín.
Indica la nota de prensa que «los sets All Night Long de Yung Prado se han consolidado como auténticos rituales de clubbing, donde el artista despliega toda su narrativa sonora a lo largo de la noche». El último disco de Yung Prado, ‘Yung Pradito‘, data de 2022.
Robyn publicaría nuevo disco próximamente, informa Stereogum. El medio estadounidense cita declaraciones del productor y colaborador de Robyn, Klas Åhlund, realizadas la semana pasada en el podcast sueco Nordmark Pod, en las que Ahlund confirma la inminente llegada de un nuevo disco de Robyn. Sus palabras, traducidas del sueco al inglés por el colaborador de Stereogum Scott Lapatine, son: «Acabo de completar un nuevo álbum de Robyn que va a salir. ¡Muy emocionante! Estoy muy orgulloso de él».
De momento Robyn no ha confirmado las declaraciones de Åhlund, pero la autora de ‘Dancing On My Own’ tampoco es dada a interactuar con medios en comunicación en redes sociales.
Robyn no ha estado apartada de la música todo este tiempo. Solo en el último año se ha dejado caer en canciones de Jamie xx (‘Life‘) o Charli xcx (el remix de ‘360’). Sin embargo, su último álbum de estudio, ‘Honey‘, cumple ya siete años.
Tampoco ha esquivado Robyn los escenarios, y recientemente ha participado en el concierto de 50 aniversario de Saturday Night Live, donde actuó junto a David Byrne, o en un concierto de Gracie Abrams.
‘Honey’, el último álbum de Robyn, data de 2018. Entonces, sucedió a ‘Body Talk‘ (2010) nueve años después del lanzamiento de este disco.
Cariño, el popular trío madrileño, ha comunicado recientemente la marcha de una de sus integrantes, María Talaverano, quien no había participado en los conciertos de verano de Cariño de 2025, como confirma Sonido Muchacho a JENESAISPOP. Todos los conciertos estivales de Cariño de este año los han realizado Paola Rivero y Alicia Ros.
Esto había generado confusión entre sus seguidores. Ahora, en un comunicado, Cariño confirma que María no forma parte de Cariño desde mayo y que «ha sido una decisión personal suya». El grupo, ahora integrado por Paola y Alicia, pide «paciencia, entendimiento y respeto» y aclara que Cariño continuará en activo a pesar de la separación.
María, a través de la cuenta de su proyecto valverdina, ha reaccionado al comunicado mostrando cierto desacuerdo con la versión ofrecida por sus ex-compañeras. “¿Entendimiento, paciencia y respeto para quién? Perdón… «, ha expresado en un un tuit inicial. Después, se ha explayado: «No tengo fuerza para conflictos. Quiero paz y ser feliz. Pero, por respeto a mí, quiero puntualizar que no es justo llamarlo «decisión propia». Eso implica que es solo responsabilidad mía. Este comunicado es unilateral y no tuve oportunidad de dar mi opinión. Gracias por entender”, ha escrito la artista.
‘Tanto por hacer‘, el último álbum de Cariño como trío, vio la luz el pasado mes de noviembre. Cariño ha firmado también los discos ‘Movidas‘ (2018) y ‘CARIÑO‘ (2022), y en su formación original ha llegado a actuar en el festival californiano Coachella.
JENESAISPOP entrevistó a Cariño en abril de 2025, desde el festival SanSan de Benicàssim. Acudieron a la charla Paola y María.
Tyler, the Creator hace honor a su “apellido”. Con su último álbum publicado este verano, el notable ‘Don’t Tap the Glass’, el rapero ha lanzado otro videoclip. Pero no de una canción nueva, sino de ‘Darling, I’, incluida en el disco anterior, ‘Chromakopia‘. Y el clip lo dirige el propio cantante.
En ‘Darling, I’, Tyler despliega una serie de viñetas de estética retro, cada una filmada con un estilo distinto y protagonizada por una sucesión de cameos de celebridades. El vídeo arranca en una estación de autobuses que evoca los años 50. El conductor del Scenicruiser de 1954, un icono del transporte en Estados Unidos, es el también rapero Teezo Touchdown. Y el que mantiene una discusión telefónica es el actor Lionel Boyce, conocido por la serie ‘The Bear’.
A partir de ahí, el vídeo ofrece variaciones sobre un mismo escenario: la estación de autobuses.
Tyler sentado en la acera como un skater ochentero junto a Chase Infiniti (joven actriz que promete dar mucho que hablar cuando se estrene ‘Una batalla tras otra’, la nueva película de Paul Thomas Anderson); Tyler llegando en limusina, vestido de pijo a lo Carlton Banks, acompañado por la actriz Nia Long (quien inició su carrera en ‘El príncipe de Bel-Air’); Tyler en la sala de espera con la máscara del videoclip ‘Noid’ y la comediante Ayo Edebiri, también célebre por ‘The Bear’; Tyler comprando billetes con la televisiva Lauren London, viuda del rapero asesinado Nipsey Hussle; y un Tyler “sin corazón” despidiéndose de la modelo Orione Strohhacker.
El único episodio que se aleja de ese leitmotiv es el que recrea una reunión de las Panteras Negras, la organización socialista y antirracista que a finales de los 60 se convirtió, según el director del FBI, J. Edgar Hoover, en “la mayor amenaza para la seguridad interna del país”. Tyler aparece caracterizado como un miembro del grupo, acompañado por Willow Smith, hija de Will.
La australiana aleksiah fue una de las artistas que más nos gustaron en la pasada edición de Primavera Pro. Nos conquistó con la inmediatez tipo HAIM de sus canciones, y un poquito también con su guitarra con forma de corazón. ‘The Hit’ y ‘Clothes Off’ son buenas composiciones suyas por las que empezar.
Tras haber destacado con su EP ‘Cry About It’, aleksiah ha lanzado un nuevo single que todos los suscritos a la playlist READY FOR THE WEEKEND habréis descubierto ya. ‘Punch Drunk Love’ es nuestra Canción del Día hoy.
El tema es una reacción a la depresión, como explica ella misma: «‘Punch Drunk Love’ vino de una interacción con unx amigue (usa el pronombre «they»), era su cumpleaños y quería ir a bailar y celebrar a un club queer muy famoso de mi ciudad. Una semana antes me habían diagnosticado depresión, así que a pesar de todo lo que quiero a esta persona, no me apetecía bailar».
La canción por tanto habla sobre «intentar ser feliz y quizá encontrar el amor cuando crees que el mundo se te está cayendo encima». Escrita por Alexia Damokas 100% en solitario, trabajó su sonido ochentero junto al productor Chris Collins, indicándole que quería que sonara «tan tonta como fuera posible».
En cuanto a su vídeo, la misma línea. No una fiesta queer, pero casi. Los vídeos de Jane Fonda haciendo gimnasia durante los 80 son la inspiración del director Conor Mercury, para un lanzamiento del que lo mejor que puede decirse es que cumple con creces todos sus objetivos.
La artista se embarga en noviembre en una gira que recorrerá Reino Unido y parte de Europa, sin parada en España.
Pablo Alborán publica el 7 de noviembre su nuevo disco. Como este álbum se llama ‘KM0’, alguien ha tenido la idea de presentarlo… pues en el Kilómetro 0 de la Puerta del Sol. Bueno, enfrente.
Según Warner, 15.000 personas acudieron al concierto gratuito, y 100.000 más han conectado a través de TikTok. Sonaron nuevos temas como ‘KM0’, ‘Vámonos de aquí’ y el que salía ayer mismo, ‘Mis 36’. También, su clásico ‘Saturno’.
No hay mención en la nota de prensa al experimento lanzado hace unos meses, de nombre ‘CLICKBAIT’. Tampoco se conoce la secuencia del álbum, aunque está en pre-venta. De momento desconocemos qué lugar podría ocupar aquello en ‘KM 0’, pero ojo porque Warner define el disco de la siguiente manera (las negritas son nuestras):
«Sin duda, es el álbum en el que el artista ha desplegado una paleta de colores más amplia dentro su repertorio. El tracklist está repleto de grandes canciones; emocionantes, sinceras y orgánicas. Un repertorio en el que podemos encontrar sonidos de vanguardia y en el que el artista explora nuevos terrenos, asumiendo de nuevo, no solo la autoría de todas sus canciones, sino también la producción y arreglos de la mayoría del álbum».
No obstante, desde ‘CLICKBAIT’, Pablo Alborán ha reculado y ya no ha rapeado en el resto de singles. ‘KM0’ vuelve a ser una balada muy Alejandro Sanz, como lo es ahora ‘Mis 36’. La primera era más de guitarra acústica (aunque tuvo versión a piano). La segunda, más directamente Malú/Cadena Dial.
La que más se ha salido de la tónica, ‘CLICKBAIT’ aparte, es ‘Vámonos de aquí’, de tintes country, y en colaboración con Indiara Sfair. ¿Hemos escuchado ya toda la «vanguardia» del disco de Pablo Alborán o más «sorpresas» del tipo ‘CLICKBAIT’ nos aguardan?
Recién inaugurado el otoño, regresa Flores en el estiércol (ya en Apple Music), dejando atrás la onda estival -un poco «a «la gornú»- de la anterior selección de canciones. Fiel a su espíritu, la nueva actualización de la playlist no deja de lado álbumes editados en los pasados meses que valen mucho la pena y que, por ambiente y sensibilidad, no parecían tener cabida en la compilación de agosto. Hablo, por ejemplo, del último trabajo de Rocío Márquez -el bastante experimental ‘Himno vertical’, pero también de la doble colaboración (‘Luminal’ y ‘Lateral’, publicados simultáneamente a inicios del pasado junio) entre un veterano como Brian Eno y un joven talento como Beatie Wolfe.
Igualmente, tenemos un sorprendente giro bailable de Elbow en ‘Audio Vertigo’, el notable segundo disco de Carlos Ares, ‘La boca del lobo’ -que hace unos días completaba con un tema extra, ‘Collar’-, BIG SPECIAL -imprescindibles si te gustan tanto Sleaford Mods como IDLES- o trabajos de proyectos europeos tan desconocidos como interesantes, como los de Domenique Dumont, Ora the Molecule o el joven jazzista Pablo Torti.
Pero, dada la intensísima actividad editorial que, como cada año, nos trae septiembre, esta vez FEEE está copada de muestras de nuevos álbumes lanzados en las últimas semanas: de ‘Allbarone’, nuevo disco de Baxter Dury -entregado a una pista de baile tan gozosa como decadente-, a ‘Trouble’, regreso de la venerable ex-Raincoats Gina Birch -atención a ‘Causing Trouble Again’, su himno sobre iconos femeninos tan empoderados como, en consecuencia, denostados-, pasando por trabajos largos del francés Myd, Rata Negra -otra vez, hay que agradecer a Sonido Muchado su reivindicación-, TOPS, Joy Crookes, The Beths, Royel Otis, Water From Your Eyes, Hand Habits, Jens Lekman, Onda Vaga, Anna Tivel, Odetto, Mei Semones o James Yorkston, que vuelve a publicar un álbum con Nina Persson (The Cardigans), sumándoseles además Johanna Söderberg, de las hermanas First Aid Kit.
Y me gustaría señalar en particular ‘Traces of You’, el primer álbum en 14 años de Ivy, el proyecto comandado por Dominique Durand, cuya trilogía de discos del 95 al 2000 se nos quedó bien guardadita en el corazón a algun@s. Perdón, se me ha metido algo en el ojo…
Si por algo se caracteriza «Flores…» es, también, por aunar sin complejos a nombres noveles o muy poco conocidos, con (más o menos) veteranos de la escena musical. Así, entre los adelantos de nuevos discos que verán la luz en próximos días o semanas, encontramos conviviendo a Mavis Staples (esta vez con composiciones de Kevin Morby o Cass McCombs), Jeff Tweedy (Wilco), Vanessa Paradis, Santiago Auserón (mucha atención a su ‘Irenita’, con ecos de folclore mediterráneo oriental), Alabama Shakes, Spoon, Lupe Fiasco, Soulwax, Cate Le Bon, Club 8 (que llevan tantos singles lanzados este año que podríamos hablar de un álbum doble), The Antlers y John Maus, con artistas tan interesantes como Silica Gel (el K-Pop puede ser también audaz y sorprendente, como demuestran en su single junto a Japanese Breakfast), Sprints, Just Mustard (que cuenta con Robert Smith entre sus fans), Kelly Moonstone, bar italia, Sharp Pins, Monte Ventura, C.Y.M. (que es la suma de Chris Baio -Vampire Weekend- y Michael Green -Fort Romeau-), Florence Road, Terror Milk o Srta. Trueno (la argentina no es precisamente una novata, pero su espaldarazo no ha llegado hasta que ha colisionado con la escena de Granada y aparecido en el álbum de J. en solitario: su próximo disco, lo ha producido Antonio Luque, Sr. Chinarro).
Y por cerrar esto, señalar algunas curiosidades que, por irresistibles, han encontrado hueco en esta playlist, como el EP de versiones conjunto entre Iron & Wine y Ben Bridwell (Band of Horses) que, entre otros clásicos, adaptan ‘Luther’ de Kendrick Lamar & SZA; el grandioso tema que Little Simz presta a la película ‘Steve’, en cuyo casting figura como secundaria junto a Cillian Murphy, Tracey Ullman o Emily Watson; otro fantástico ejercicio de simbiosis de Repion, esta vez con Bum Motion Club; o la enésima demostración de talento para aunar riesgo y comercialidad de Danny L Harle, en una ‘Starlight’ que cuenta con la ya popular Pink Pantheress y hace revivir el espíritu de la llorada Sophie Xeon.
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