Polo & Pan, el dúo de productores francés compuesto por Paul Armand-Delille (Polocorp) y Alexandre Grynszpan (Peter Pan), publica hoy su nuevo disco ‘Cyclorama’, el cual ha sido concebido como «una odisea musical a través de las fases de la existencia humana, del nacimiento a la vida adulta hasta la muerte… y la trascendencia». El grupo es muy querido por su sonido de electrónica bailable veraniega y tropical, expuesto en su primer álbum ‘Caravelle‘ y en sus dos mayores éxitos, ‘Nanã’ o ‘Canopée’, y ‘Cyclorama’ continúa la tendencia con más buenos temas como este ‘Magic’ que hoy es la Canción Del Día.
Festivalera a más no poder, perfecta para bailar cuando se pone el sol, ‘Magic’ es también la pista más larga de ‘Cyclorama’ pero puede que sea la mejor, aunque no es demasiado representativa del largo pues su composición es la que más se basa en samples. En una entrevista con Polo & Pan que publicaremos próximamente, Alexandre recuerda que de hecho ‘Magic’ no iba a formar parte del disco pero que, cuando en 2019 la tocaron en el Chambord x Cercle Festival, cuando aún era un simple «DJ edit» con el que rellenar su setlist y no una grabación de estudio como tal, la gente se volvió loca y su sello le empezó a preguntar por ese temazo desconocido que habían presentado en directo.
‘Magic’ nace de dos canciones de las que Alexandre es fan. Por un lado, la intrigante ‘Telescope’ de Pino Donaggio, una de las canciones que forman parte de la banda sonora de la película neo-noir de 1984 ‘Body Double‘ de Brian De Palma, pero la versión que fascina a Alexandre en realidad es el remix del DJ holandés Young Marco publicado en 2013. Por el otro, ‘Magic’, uno de los mayores éxitos de la banda de rock escocesa de los años 70 Pilot, del que Alexandre se enamora cuando lo escucha en la banda sonora de la película de 1996 ‘Happy Gilmore’, protagonizada por Adam Sandler.
Si parecía absolutamente imposible que un grupo de soft-rock como Pilot sonara bien integrado dentro de una producción synth-noir de Pino Dimaggio, Polo & Pan consiguen que estos mundos casen a la perfección en una canción ensoñadora que se postula desde ya como una de las mejores de su breve carrera.
Ana Torroja y Alaska han estrenado su single conjunto ‘Hora y cuarto’ para terminar de una vez por todas con la supuesta rivalidad (que ya nadie recuerda) que enfrentaba a las dos artistas en la época de Mecano y Alaska y Los Pegamoides. Una rivalidad que, en realidad, había sido «impuesta», según ha contado Ana Torroja esta noche en El Hormiguero, porque se decía que los integrantes de Mecano eran «gente de bien» y los de Alaska «venían del underground». Puedes comentar la noticia en nuestros foros.
Completamente ajeno a las necesidades de las playlists actuales, ‘Hora y cuarto’ llama la atención porque tarda 1 minuto y medio en llegar al estribillo, cuando algunos temas de hoy en día duran exactamente eso mismo. El single que une a Ana Torroja y Alaska ha sido compuesto por Oscar Ferrer de Varry Brava y producido por Henry Saiz, Luis M. Deltell y Miguel Barros y presenta un sonido más o menos elegante que puede recordar a La Prohibida o a Fangoria y que se sitúa a medio camino entre el electropop y el italo disco tan de moda estos días. Un tema apañado que confirma que los registros de Ana y Olvido funcionan bien juntos, pero en el que hay poco que rascar en lo musical. Por otro lado, el videoclip es un desfile de «looks» entre la ciencia ficción y los años 60 por el que Mario Vaquerizo hace un inevitable cameo.
Sin que se termine de detallar ese disco que Torroja se encuentra preparando desde hace un tiempo, tal y como nos contó en una entrevista en la que aseguró que tenía 8 temas hechos, ‘Hora y cuarto’ es el último de una serie de sencillos que ha publicado últimamente, entre los que también se cuentan ‘Paraíso’, ‘Punto muerto’ con Miss Caffeina, ‘Mapa’ con Siddhartha, ‘Cuando tú me bailas’, ‘Ya me cansé de mentir’, ‘Ya fue’, ‘Antes’ y ese interesante ‘Llama’ producido por El Guincho y Alizzz.
Hoy 25 de junio salen los nuevos discos de Doja Cat, Tyler the Creator, Polo & Pan, el disco de Beny Jr. producido por El Guincho, Rauw Alejandro, John Grant, Lucy Dacus, Modest Mouse, Faye Webster, The Mountain Goats, Pabllo Vitar, Spellling, The Marías o el nuevo trabajo de SAULT que estará 99 días online, además de los EPs beadaboobee o la revelación trashi. También ve la luz la reedición de ‘Born this Way’ con versiones de sus pistas por parte de Kylie Minogue, Years & Years u Orville Peck, y la reedición de ‘Blue’ de Joni Mitchell por su 50 aniversario.
Entre los temas que salen hoy, no está de más recordar que el disco de Doja Cat incluye sendos duetos con The Weeknd (en la playlist) y Ariana Grande, si bien el single internacional del día es por supuesto el de Ed Sheeran. En el plano nacional, Ana Torroja y Alaska estrenan single conjunto, Alizzz presenta ‘Salir’, co-escrita por C. Tangana, y Bad Gyal es una de las tres artistas que aparecen en ‘BOBO’ junto a Mariah Angeliq y María Becerra. Es una versión reggaetón y cantada en español de ‘No Scrubs’ de TLC. Otro single destacado es el regreso post-Eurovisión de Barbara Pravi con ‘Le jour se lève’.
A lo largo de la semana han salido varios singles a la luz, como el que presenta el esperado segundo álbum de estudio de Damon Albarn o la versión de Miley Cyrus, Elton John y compañía de ‘Nothing Else Matters’ de Metallica que aparecerá en la mastodóntica edición de ‘The Black Album’ por su 30 aniversario. También han anunciado nuevos trabajos discográficos Tirzah o Nite Jewel. En portada hemos destacado los nuevos singles de Low, Helado Negro y Novedades Carminha.
En la playlist también es posible escuchar nuevas propuestas de Unknown Mortal Orchestra, Planningtorock (llamada ‘Gay Dreams Do Come True’), un remix de Sugababes por Blood Orange, WILLOW, Logic, Nao, Alfred García, Jazmine Sullivan, Nueve Desconocidos, LANY, Still Woozy, Viva Suecia o Semana Santa, entre otros.
A principios de julio, los días 1, 2, 3 y 4 se celebra en Mozota, Zaragoza el festival Bosque Sonoro con la presencia confirmada de artistas como Iván Ferreiro, Viva Suecia, La Habitación Roja, Iseo & Dodosound, Niños Mutantes, La Pegatina o Novedades Carminha. Los autores de ‘Ultraligero‘, uno de los mejores discos de 2019, publican precisamente hoy un pegadizo nuevo single llamado ‘Típica cara’ que es la Canción Del Día en estas páginas.
‘Típica cara’ es otro acierto de los Novedades Carminha más funky, pero en este caso para agregarle a la mezcla ciertos matices reggae que ya estaban presentes en ‘Jovan con la edad’, dentro de una instrumentación rica en percusiones y guitarras distorsionadas que remite directamente a la etapa ‘Ultraligero’, no tanto al sonido sintético tipo Awesome Tapes from Africa de ‘Mucho nivel’.
Igual de adictivo que tantos otros de sus singles, Carlangas cuenta a JENESAISPOP que, en ‘Típica cara’, han buscado indagar en la mezcla de reggae y funk de manera más profunda que nunca. «Buscábamos hacer una de esas canciones de verano que escuchar en la última hora de playa, cuando cae un poco el sol y te quedas de tranqui tomando cerveza con tus colegas». Aunque es una «continuación» del sonido de ‘Ultraligero’, también es un paso más allá.
La canción habla de esos encuentros con desconocidos a los que les suenas de algo, incluso con la mascarilla puesta. Cuenta Carlangas que esta situación ha afectado a la banda debido a su popularidad, pero que en realidad es «transversal». «Cuando el grupo empezó a salir en la prensa y a convocar a más gente, de repente muchas veces por la calle se nos quedaba la gente mirando, seguramente por habernos visto en alguna entrevista o en algún programa, y te decían que les sonabas de algo, como si fueras un primo lejano. La situación es absurda y queríamos reflejarlo en la canción». ‘Típica cara’ alude a estos encuentros desde el sentido del humor macarra que siempre ha caracterizado a la banda gallega. Carlangas canta, citando un posible encuentro: «La misma nariz, la mismas gafas, la misma actitud, la misma pinta de facha, eres igual y no te pareces nada, distingo a la gente con la cara tapada».
¿Estará ‘Típica cara’ en el próximo álbum de Novedades Carminha? No se sabe. Lo que sí es seguro es que la continuación de ‘Ultraligero’ está en el horno. «Estamos preparando un disco, estamos en proceso de grabación», señala Carlangas. «‘Típica cara’ parte de unas canciones que grabamos en marzo y todavía no sabemos si va a estar en el próximo disco o si va a ser un enlace entre el anterior, ‘Mucho nivel’ y el siguiente álbum. Tenemos que verlo en conjunto pero sí que hay una perspectiva de nuevo disco a la vista porque estamos en ello. Está muy avanzado».
A raíz de su nuevo single, Novedades Carminha han anunciado tres conciertos para 2022 en Santiago, Madrid y Barcelona, que se suman a los que realizará a lo largo de 2021.
2022
05/03/2022 – Multiusos Sar, Santiago de Compostela
12/03/2022 – WiZink Center, Madrid
19/03/2022 – Razzmatazz, Barcelona
2021
02/07/2021 – Las noches del Malecón, Murcia [SOLD OUT]
03/07/2021 – VESU, Oviedo
09/07/2021 – Crüilla Fest, Barcelona
10/07/2021 – Los veranos del Hípico, León
17/07/2021 Cultura es Vida, Palma de Mallorca
21/07/2021 – Turmalina, Cuidadela de Pamplona
29/07/2021 – Nits de Vivers, Valencia
05/08/2021 – Muelle 12, Alicante
06/08/2021 – Pop CAAC, Sevilla
04/09/2021 – Cranc Festival, Menorca
Estos días, La Fundación ha presentado la primera retrospectiva que se realiza en España sobre Bill Brandt, que se puede ver desde el 3 de junio hasta el 29 de agosto en la sala de exposiciones de la entidad, situada en la calle Recoletos 23, en Madrid, y Delaporte han sido los encargados de crear un tema en torno a su figura. Los autores de ‘Las Montañas’ presentan una composición casi instrumental, en la que Sandra tararea una melodía sobre una agitada base de electrónica que es posible emparentar a la obra de Atoms for Peace o Björk, pero que después se transforma en una producción bailable.
En el vídeo oficial de la canción, rodado en La Fundación, Sandra ejecuta una coreografía de danza interpretativa al tiempo que contempla las obras expuestas en la sala, para después encontrarse con un Sergio que se encuentra a los mandos de la música. A continuación, Sandra y Sergio intercambian roles: ella controla las máquinas y él se deja llevar por el éxtasis de la música mientras baila a través de la habitación. Finalmente ambos se reúnen frente a una de las obras más conocidas de Brandt, la cual muestra una figura que camina en un campo y se refleja en el agua de un lago, probablemente una metáfora de lo que son Delaporte: dos artistas que juntos forman una única fuerza.
Como explica La Fundación, la muestra de Bill Brandt «reúne 186 fotografías positivadas por el propio (fotógrafo), que a lo largo de casi cinco décadas abordó los principales géneros de la disciplina fotográfica: reportaje social, retrato, desnudo y paisaje. El recorrido, dividido en seis secciones, trata de mostrar cómo todos estos aspectos –en los que la identidad y el concepto de «lo siniestro» se convierten en protagonistas– confluyen en la obra de este ecléctico artista que fue considerado, ante todo, un flâneur. Un «paseante» en términos similares a los que lo fue su admirado Eugène Atget, a quien siempre consideró uno de sus maestros».
En la exposición, las fotografías exhibidas «se complementan con escritos, algunas de sus cámaras de fotos y distinta documentación, entre la que destaca una entrevista que ofreció al final de su vida al canal de televisión británico BBC en 1983, así como publicaciones ilustradas de la época».
Britney Spears ha comparecido este 23 de junio en un tribunal de Los Ángeles por vía telemática para hablar sobre su tutela. En su testimonio, de 24 minutos de duración, la cantante ha pedido el fin de dicha tutela con la garantía de que «no deba ser evaluada» como lo ha sido constantemente durante los últimos 13 años y ha asegurado que se siente «deprimida» y «traumatizada» por su situación y que quiere «recuperar su vida». Ha declarado que le gustaría casarse y tener un bebé pero que su equipo la ha obligado a implantarse un DIU en contra de su voluntad para evitar que se quede embarazada y ha manifestado que «desearía denunciar a toda su familia» y que «su padre y todas las personas que llevan su custodia deberían estar en la cárcel».
En la declaración, Britney relata que su equipo le obligó a emprender la residencia de conciertos ‘Domination’ en contra de su voluntad y que, cuando se negó a hacerla, se le sustituyó su medicación habitual por litio «de la nada». También asegura que realizó una gira de 2018 ante la amenaza de que si no la hacía iba a recibir una demanda. En otro punto, la cantante compara su situación de dependencia actual con la trata porque la custodia le obliga a «trabajar en contra de mi voluntad, quitándome mis pertenencias, mi tarjeta de crédito, mi dinero, el teléfono, mi pasaporte y poniéndome en una casa donde trabajo para las personas que viven conmigo». La transcripción completa del testimonio de Britney, aquí.
En redes, artistas como Justin Timberlake, Karol G, Halsey, Mariah Carey, Cher o Garbage, que han apelado a su single ‘The Men Who Rule the World’, han mandado su apoyo a la autora de ‘Blackout’.
Durante 13 años, el padre de la artista, Jamie Spears, ha sido el encargado de controlar sus finanzas y todos los aspectos de su vida, pero se desconocía si Britney había solicitado explícitamente el fin de dicha tutela. Una nueva exclusiva de The New York Times firmada, entre otras personas, por la directora de ‘Framing Britney Spears‘, ha confirmado que la cantante lleva años intentando salir de ella.
Los documentos obtenidos por el periódico estadounidense indican que Britney considera que la tutela se «ha convertido en una herramienta opresiva y controladora contra ella» y que está «harta de que se aprovechen de ella» porque «es quien trabaja y se gana el dinero pero todo el mundo está en su nómina», refiriéndose a que Britney paga con el dinero que gana no solo a sus propios abogados, sino también a los de su padre.
En dichos documentos, Britney defiende que Jamie nunca ha sido la persona adecuada para llevar su tutela debido a sus problemas de ira y con el alcohol y asegura que, con la excusa de la custodia, le ha forzado a trabajar en contra de su voluntad, incluso a actuar cuando tenía una fiebre de 40º, uno de los «momentos de vida donde más miedo he pasado»; e incluso que la obligó a entrar en un centro de rehabilitación «por motivos exagerados» para «castigarla por haberse defendido y haber protestado durante unos ensayos». La cantante asegura que cualquier error cometido dentro de la tutela «produce graves consecuencias» y que esto le hace tener «miedo».
Por otro lado, Britney manifiesta que su padre limitó su paga a 2.000 dólares semanales pese a ganar millones gracias a su residencia en Las Vegas y denuncia que está «obsesionado» con ella hasta el punto de que no le permite «hacer amigos» sin su aprobación ni tampoco hacer cambios en su casa como «cambiar el color de la despensa de su cocina» porque los considera un gasto innecesario. Tampoco tiene acceso a su tarjeta de crédito. En un punto de los documentos obtenidos por The New York Times, Britney presenta una lista de sus «logros recientes», lo que incluye «giras y lanzamientos de discos», para defender que a ella «no le pasa nada».
En los últimos días, Britney ha manifestado en Instagram que «no tiene ni idea» de si volverá a actuar porque se encuentra en «un momento de transición en su vida». Su residencia en Las Vegas concluyó en 2017 y su última actuación en directo fue en 2018.
Poco antes de que ‘What’s Your Pleasure?‘ cumpla un año de vida, Jessie Ware ha decidido reeditarlo con una serie de canciones inéditas con las que recordar por qué este fue uno de los mejores discos de 2020, exactamente el segundo para la redacción de JENESAISPOP solo por detrás del de Dua Lipa. Es un paso acertado porque ‘What’s Your Pleasure?’ es uno de esos álbumes que han mejorado (más si cabe) con el paso del tiempo hasta confirmarse como una auténtica obra maestra del pop de nuestros tiempos. A veces hay que confiar en el tiempo para saber si un disco está hecho para perdurar en el ídem, y tiene toda la pinta de que ‘What’s Your Pleasure?’ lo va a hacer. Y más ahora que han abierto las discotecas, ese lugar donde se desarrolla todo este glamouroso álbum dedicado al hedonismo y a la noche.
Las canciones inéditas de este ‘What’s Your Pleasure? (The Platinum Pleasure Edition)’ son peores que las del disco principal, como es obvio pues sino habrían terminado en aquel. Sin embargo, y sin querer desmerecer a nadie, algunas de estas canciones en realidad son bastante buenas y serían verdaderos hitazos en el repertorio de ciertos artistas semi underground (o sin el semi) que alguna vez han coqueteado con la música disco, como Nite Jewel o Class Actress. ‘Please‘ da tal dosis de voguing que suena como la hermana pequeña de ‘What’s Your Pleasure?’, la canción, o quizá como su hermana gemela, ‘Impossible’ suma drama a la misma ecuación resultando igual de pegadiza y ‘Hot N’ Heavy’, producida por SG Lewis y no por James Ford aunque no lo parezca, es otro hit de disco-pop decadente cuyo gancho onomatopéyico (los «ooh ha ha ha») es todo un acierto. ‘Overtime’, canción favorita de los fans que data de 2018 (!!!), es de hecho el single que inició esta etapa disco en la carrera de Jessie Ware, y sus matices electro y acid siguen siendo los más agresivos de todos.
Bastante mejor que el álbum reeditado de Dua Lipa, pues el cribado de canciones ha sido muchísimo más exigente, pero muchísimo más, ‘What’s Your Pleasure? (The Platinum Pleasure Edition)’ incluye un corte bailable bastante menor llamado ‘Eyes Closed’ y un par de baladas de esas que nos recuerdan de dónde viene Jessie Ware, que es de renovar el R&B-pop gracias a maravillas como ‘Running’ o ‘Tough Love’. ‘Pale Blue Light’ es otro de esos baladones de soul-pop sofocantes y apasionados que tanto le gusta hacer, pero en este caso hay que esperar a que llegue su escalofriante puente góspel para que cale de verdad; y ‘0208’, producida por Kindness, llama la atención por su exquisita y envolvente producción, que remite a los tiempos de aquello que se llamaba «R&B alternativo», mientras la melodía podría ser de la Janet Jackson más seductora. El disco se cierra con un interesante remix de ‘Adore You’ por Bibi Zhou y Sihan, pero si para algo existe esta reedición es para que escuches la original si es que no lo habías hecho antes. Nunca es tarde pero ¿a qué demonios estás esperando?
Hace unos meses os hablamos de ‘Smiling with No Teeth‘, el sensacional debut largo de Genesis Owusu, que a pesar de ser lanzado en esta época tan extraña, está consiguiendo que el australiano llegue a oídos de cada vez más personas fuera de la isla. Hemos podido conversar con él sobre este disco, con el racismo y la depresión como temáticas principales, pero también sobre su camino hasta él, y sobre lo que viene a continuación.
En los créditos del álbum para producción encontramos a Andrew Klippel, Dave Hammer, Harvey Sutherland y Matt Corby. Pero he leído que esta vez querías producirlo de una manera más clásica, como con una banda, ¿no?
Sí, teníamos una banda, las únicas canciones que no se hicieron con la banda fueron ‘Black Dogs’ y ‘Easy’, pero el resto las hicimos con la banda, en un pequeño estudio en el que estuvimos juntos durante seis días, creando como 20 horas cada día… fue maravilloso.
Tus primeras canciones fueron las del EP ‘Cardrive‘, en 2017. ¿Cómo las ves ahora? ¿Te siguen representando?
Sí, sí. Soy consciente de que para mucha gente, especialmente de fuera de Australia, este álbum será lo primero que conozcan de mí, pero estoy muy contento de ‘Cardrive’. Lo escribí cuando estaba en el instituto.
Yo soy uno de los que te ha descubierto con este disco, pero después escuché ese EP, y me gustó mucho… estoy flipando con esto de que lo escribiste en el instituto.
(ríe) Muchas gracias. Lo escribí entero entre 2014 y 2015, aunque se lanzara en 2017, así que tenía como unos doce años. A ver, evidentemente no está tan refinado ni tan elaborado como este álbum, pero yo siento que consigue encapsular un momento en mi vida que fue muy importante. Sigo tocando canciones de ese EP porque siguen significando mucho para mí.
Hace dos años lanzaste ‘Good Times’, que sigue siendo tu mayor hit en plataformas de streaming. ¿Por qué crees que es?
Porque creo que es muy fácil de escuchar, y no necesita contexto ni nada. Tiene como una vibra muy positiva, este rollo chill de fiesta, no sé… yo creo que es por eso, básicamente cualquiera puede escucharla.
El hilo conductor del disco es ese uso de los “black dogs” como metáfora tanto del racismo como de la depresión, y del nexo entre ambos. He leído además que era un término que usaban para insultarte cuando eras pequeño. ¿Cómo fue el proceso hasta llegar a esa idea que unía todo esto?
Siempre me han gustado mucho los álbumes conceptuales, mis favoritos siempre eran los que tenían este tipo de historias o de hilos conductores, ¿sabes? Así que tenía claro que mi primer disco tenía que ser así. Pero no sabía de qué iba a ser exactamente… solo escribía, escribía y escribía. Escribía sobre depresión, escribía sobre racismo, y el término “black dog” aparecía una y otra vez. A medida que escribía más, el tema y el concepto alrededor del cual se vertebraba el disco se volvía más y más claro. Cuando llevaba como 2/3 del disco ya lo decidí.
Muchas veces la gente que sigue una religión la usa básicamente como excusa para ser racista
Has comentado que una inspiración para todo esto fue el estupendo ‘To Pimp a Butterfly‘ de Kendrick Lamar. ¿Cuál dirías que es tu tema favorito de ese disco?
Uf, es que es mi álbum favorito, es una pregunta muy difícil. Déjame pensar… ¿quizás ‘Wesley’s Theory’? También podría decirte ‘U’.
Hablemos de ‘I Don’t See Colour’. He leído que es el inicio del segundo capítulo del disco, ¿no?
Sí, digamos que es el puente entre el “black dog” de la depresión con el “black dog” del racismo; este último empieza en esa canción.
Me parecen brillantes los versos de la canción en los que se habla del nexo entre racismo y religión: “the burning of a bush told me I was great / but the burning of a cross told me to play it safe / cause somehow my actions represent a whole race” (“el fuego en un arbusto me dijo que yo era maravilloso / pero el fuego en una cruz me dijo que tuviese cuidado / porque de alguna forma mis acciones representan a toda una raza”).
Muchas gracias, la verdad es que a mí también me gustan bastante esas líneas. Para mí fue muy interesante hacerlas, quería contar cómo muchas veces la gente que sigue una religión la usa básicamente como excusa para ser racista. Subvierten estos textos y estas ideas que se supone que representan amor e igualdad… y las convierten estas nociones malvadas de odio.
Como has dicho, esta segunda parte del disco es muchísimo más directa y clara sobre la opresión y el racismo, y es mucho más política; se llegan a mencionar a los neonazis en ‘Whip Cracker’, que quizás sea mi favorita. Me gusta mucho cómo esta canción captura lo que supone ser una minoría en este sistema, y cómo decides aquí representar de forma sarcástica ese estereotipo que se te va a asignar igualmente.
Sí, sí, totalmente, era mi intención… ‘Whip Cracker’ es quizás la canción más directa y más “in your face” del disco, básicamente lo que hace es tirar ese velo, esa cortina al suelo, eliminar la fachada, decir “esto es lo que hay, no hay escapatoria”. Es como un puñetazo en tu cara. Me alegro de que te guste porque en mi caso es una de mis favoritas del disco también.
Además de por la letra, por ese giro que hay a mitad de canción, donde se vuelve funk-rock sin dejar de ser bastante dura.
Es que es muy inesperado todo, como muy libre, ¿no?, y también muy “que te follen” (ríe) esos dos minutos finales que básicamente son locuras con ese fondo funk y punk… ‘Whip Cracker’ es una de mis canciones favoritas, pero además esa parte es una de mis partes favoritas del disco en sí.
Creo que en el disco se mezcla la honestidad de las letras al hablar de racismo y depresión, y una sensación de autenticidad, con un tono poético en muchos de los versos, como el que mencionábamos antes de ‘I Don’t See Colour’.
Siempre me ha encantado la poesía, pero me ha llevado un tiempo encontrar ese equilibrio, ¿sabes? Qué bien que se aprecie, porque me ha costado. Mis primeros trabajos creo que eran demasiado poéticos, como que la gente ni entendía de qué estaba hablando (ríe) y singles como ‘Good Times’ son demasiado directos, no hay ningún misterio a su alrededor. Pero creo que aquí he alcanzado ese equilibrio.
Hablábamos antes de lo político que se volvía el disco. ¿Cómo ves la situación política actual? No te hablo de Australia únicamente, sino en general; aunque poquito a poco hemos ido avanzando en derechos, ¿no parece que ahora nos acercamos, si es que no lo estamos ya, en una época de retroceso? No sé qué sensación tienes tú.
Sí, sí, entiendo a qué te refieres… y desde luego muchas veces parece que estamos en el fin del mundo (ríe) Y puede serlo, la verdad. Pero, ¿sabes qué te digo? Que no pienso rendirme, pienso disfrutar del viaje. Quizás estas cosas necesitan ocurrir, en cierto modo es como que tiene que haber explosiones para que la gente despierte, para que aparezcan nuevos valores o se afiancen valores y maneras de pensar. Creo que eso es lo que está pasando, estamos pasando por un momento muy violento y tumultuoso, pero la noche siempre es más oscura antes del amanecer (ríe) Estamos atravesando por lo peor para llegar a un lugar mejor, creo yo.
La salud mental sigue siendo tabú pero la única forma de romper con eso es hablar de ello
En nuestra web, cada día recomendamos una canción y hablamos del artista en cuestión, es una sección llamada “Canción del Día”. ‘The Other black Dog’ fue la canción elegida por nuestro director hace unas semanas. ¿Qué puedes contarnos de ella?
Fue muy emocionante, porque es la que introduce el “black dog” como personaje, también con su videoclip. Es una canción muy implacable, parece que nunca va a terminar, cogí mucha inspiración para ella a través de Outkast, en términos de energía sobre todo.
También has dicho sobre la canción que explora la lucha entre “un espíritu de resistencia y esperanza” y otro espíritu de vacío y fealdad, y que ambos espíritus son en realidad tú mismo. Me parece muy interesante eso, se suele hablar de manera muy simple cuando hablamos de alguien que tiene depresión, como que solo tiene uno de esos dos espíritus, no se entiende que tiene los dos.
Absolutamente. Una de las cosas que quería expresar en eesta canción, y en realidad en todo el álbum, es que hay niveles en esto, no es “oh, tiene depresión, todo es triste, todo tiene que ser totalmente triste todo el tiempo”. La gente que tiene depresión vive su día a día de forma “normal” la mayor parte del tiempo, y se ríen con chistes, y lloran con películas, etc. Todo eso quería expresarlo en el álbum, no solo en las letras, sino también a nivel musical, por eso estos sonidos tan agresivos que de repente son funky, y de repente son sexys, o más chill.
Cada vez más artistas hablan de salud mental en sus canciones, pero realmente sigue siendo un tabú en nuestra sociedad, ¿no? No sé qué opinas tú.
Sigue siendo un tabú, desde luego… pero creo que la única forma de romper eso es empujar y hablar de ello. Cuando estaba haciendo este álbum, y en general cuando hago música, intento quitarme cualquier cosa del exterior sobre lo que escribo, o cómo se va a recibir, sino concentrarme en lo que estoy haciendo y en de qué quiero hablar. Y si a la gente le gusta, guay; si no, pues no, pero yo estoy contento por haberlo hecho como yo quería.
Éste es posiblemente un punto de inflexión en tu carrera, al menos a nivel internacional. ¿Cuál es la mayor enseñanza que te llevas de estos primeros años?
Ser fiel a mí mismo. Parece un tópico, pero es que es así, me pongan en la radio o no, me escuche mucha gente o no, creo que he conseguido ser fiel a quien soy y a lo que quiero hacer, y eso es lo más importante y lo más beneficioso que me llevo. Al final, la gente valora la autenticidad en la música, y que no suenes como otro artista.
Por último, un clásico de este año: ¿cómo ha afectado la pandemia a este disco?
Pues mira, creo que la pandemia lo ha hecho mejor, aunque suene extraño. Se nos cancelaron muchos eventos internacionales, muchos conciertos, y eso fue horrible, pero también nos dio tiempo para sentarnos y mirar con detalle todo lo relacionado con el álbum.
Low han anunciado que su nuevo disco ‘HEY WHAT’ sale el 10 de septiembre vía Sub Pop Records/Popstock!. Es uno de los regresos más esperados en el ámbito del indie-rock ya que ‘Double Negative‘, su anterior trabajo, fue uno de los mejores discos de 2018 para numerosas publicaciones como la nuestra, e incluso ha sido considerado uno de los mejores álbumes de la pasada década. Lo cual es mucho decir teniendo en cuenta que el grupo de Duluth empezó en esto a principios de los años 90 y que lleva 25 años en activo… Y lo que significa, a su vez, que sigue en plena forma.
De hecho, ‘Double Negative’ parece haber marcado la dirección de este nuevo álbum porque el primer adelanto, ‘Days Like These’, suena como una versión más extrema y oscura de lo ofrecido en aquel disco. El tema arranca con una melodía a cappella, tan clara y tan sumamente pop que parece sacada de una de esas «songwriting camp» con las que se fabrican los hits de hoy en día. Casi puedes visualizar a Ryan Tedder grabando la maqueta para pasársela a los Jonas Brothers. Pero luego Low hacen de las suyas sumergiendo esta melodía en una capa de distorsión tremendamente incómoda y perturbadora. El tema concluye con una coda de sonidos celestiales que contrasta con lo escuchado previamente.
Si Low suenan más pop que nunca es a propósito: la nota de prensa subraya que cada una de las 10 pistas de su nuevo álbum ha sido compuesta «a partir de su propio gancho». Esta explica también que el disco, el tercero en ser producido por BJ Burton, «se centra en el método propio de artesanía de Low, moviéndose con la fe de encontrar nuevas formas de expresar la discordia y el placer que derivan de estar vivos con el propósito de convertir la dualidad de la existencia en himnos que compartir». A continuación os dejamos con el vídeo de ‘Days Like These’, dirigido por Carlos Rene Ayala, y con la secuencia de pistas del largo.
Tracklisting:
1. White Horses
2. I Can Wait
3. All Night
4. Disappearing
5. Hey
6. Days Like These
7. There’s a Comma After Still
8. Don’t Walk Away
9. More
10. The Price You Pay (It Must Be Wearing Off)
Entre las novedades nacionales destacadas que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades se encuentra el nuevo single de La La Love You. ‘El Día de Huki Huki’ es el segundo adelanto del próximo álbum de la banda madrileña después de ‘La canción del verano’ y cuenta con la colaboración de la cantante gallega dani en la parte vocal y de Carlos Sadness en arreglos.
La presencia de «Tropical Jesus» en ‘El Día de Huki Huki’ tiene su sentido porque la canción, que samplea una diálogo de ‘Blue Hawaii‘, la película de 1961 protagonizada por Elvis Presley, apuesta por un sonido de pop-punk tropicalete perfectamente definido en el sonido serenamente rasgado de las guitarras eléctricas, tan propio del surf-rock. Por su parte, la autora de ‘veinte‘ y recientemente de la canción destacada ‘Me da igual’ se limita a hacer coros.
A pesar de que ‘El Día de Huki Huki’ es una canción compuesta en un formato de banda de rock, el pop veraniego de los 60 parece una referencia en ella no solo en la melodía, que no desentonaría en el cancionero de los primeros La Casa Azul, sino también en ciertas percusiones tipo palmas y sobre todo en la letra, poblada por referencias al «mar de la Polinesia», al «brillo turquesa del cielo» o a una frase 100% Dúo Dinámico como «toda la noche en vela bajo la luna llena, para decirte que yo te quiero, nena».
Pero lo mejor de ‘El Día de Huki Huki’ es el que el grupo es capaz de salir completamente airoso de dos rimas como «la luna llena nos dice «Aloha» / ay cuidadito cómo te coja» y «nada es más guay / que tú y yo aquí en Hawaii». Otro grupo no lo haría, pero La La Love You consigue que suenen encantadoras o, como mínimo, posmodernas en su asimilación de ese habla seductor pero naíf que hoy en día suena anacrónico.
El tercer álbum de La La Love You, que editará Subterfuge pero que del que se desconocen los detalles, es muy esperado después del éxito de su single ‘El fin del mundo’, que se anticipó por pocos meses a la pandemia y ha obtenido el Disco de Oro, una hazaña nada fácil para un grupo de dicho sello. En 2020, La La Love You ganaron el Premio MTV a Mejor Artista Español. El grupo actúa el 11 de julio en el Monumental Club de Barcelona y el 17 de julio en el IFEMA de Madrid, entre otras muchas fechas.
Olivia Rodrigo ha alcanzado el número 1 mundial con dos de los sencillos del notable ‘SOUR‘, primero ‘drivers license’ en los primeros días del año, y últimamente con ‘good 4 u’, que también ha sido top 1 global gracias a sus millonarias cifras en Estados Unidos, Reino Unido y también muchos otros territorios como Australia, Austria, Canadá, Alemania, Holanda… Entre los mercados grandes a su bola, como siempre los países europeos herederos del latín: España (top 13), Francia (top 21) e Italia (top 29).
Aprovechando que estamos en un mercado reggaetonero, donde ‘good 4 u’ solo puede tener un alcance limitado, preguntamos a varios miembros de la redacción si ‘good 4 u’ es realmente la canción más interesante que incluye ‘SOUR’.
«Que ‘good 4 u’ está siendo un éxito absoluto en todo el mundo está claro, pero también me parece claro el motivo por el que Olivia Rodrigo lanzó ‘driver’s license’ y no esta canción para presentarse e iniciar todo este fenómeno: ‘driver’s license’ tenía ese “algo” que ‘good 4 u’ no tiene. Y, aunque ‘deja vu’ seguía a la sombra de su predecesora, no llegaba a sonar genérica… porque ‘good 4 u’ es un temazo, pero un temazo genérico, exceptuando momentos más inspirados como el de la terapeuta. ‘traitor’ podrá gustar más o menos (a mí me encanta), pero es 100% honesta, y representativa de ese “mi verdad” de Olivia, y quizás por eso se está colando en muchos tops sin ser single. A Olivia Rodrigo se le han sacado mil comparaciones con otras artistas, algunas más justas y otras menos. Pero en el caso de ‘good 4 u’ me parecen completamente lógicas, porque suena más a refrito que a una personalidad propia». Pablo N. Tocino.
«Siento un poco de vergüenza cuando alguien que no es un verdadero rockero se presenta como tal ante el público, me da igual que se llame Olivia Rodrigo o The 1975, y a la abominable ‘People’ me remito. Miley Cyrus lleva en la sangre a Fleetwood Mac, a Blondie y a Billy Idol, y por eso su último álbum mola tanto. Y por eso ‘good 4 u’ y el primer corte de ‘SOUR’, ‘brutal’, no pueden ser lo mejor que Rodrigo tiene que ofrecernos. Si ‘drivers license’ era una canción demasiado Billie Eilish y demasiado Lorde al mismo tiempo como para marcar su terreno, donde percibo a Olivia Rodrigo mejor equilibrada es en ‘deja vu’, por mucho que no haya alcanzado el mismo éxito. ‘déjà vu’ es una canción de despecho sobre un ataque de celos, en la que entre teorías sobre lo que hace su ex pareja con su nueva novia, se cuelan referencias a ‘Uptown Girl’ de Billy Joel y a ‘Glee’. Y lo bueno es que la producción tipo popurrí, propia de la mencionada serie, acompaña a ese grado de locura, pasando de lo onírico, con unas estrofas que casi juegan con el dream pop, a la histeria máxima, entre maravillosas guitarras distorsionadas que parecen sintes o al revés, y esa batería grabada deliberadamente de mala manera. Junto a la cincuentera ‘happier’ e ‘enough for you’, representa la vertiente más interesante en lo musical de Olivia Rodrigo». Sebas E. Alonso.
«Respondiendo a la pregunta del titular, no, ‘good 4 u’ no merece ser el mayor éxito de Olivia Rodrigo porque la artista ha presentado temas mucho más interesantes que este corte de pop-punk blandurrio que hace sonar a Avril Lavigne como Marilyn Manson. ‘brutal’ también es rockera, pero tiene mucha más garra, ‘deja vu’ musicalmente tiene más matices y el sonido Fiona Apple de ‘jealousy, jealousy’ está muy bien traído, mientras ‘drivers license’ es un baladón incontestable sean cuales sean sus influencias. El disfraz rockero le sienta muy bien a Olivia Rodrigo para expresar toda esa rabia adolescente que hay en su interior, pero no se puede pasar por alto lo que está ofreciendo como autora, que son unos textos llenos de autoconsciencia y patetismo mucho más honestos de lo que jamás ofrecieron los primeros cuentos de hada de Taylor Swift. Me queda un poco lejos el drama teen de una balada como ‘traitor’, que convierte en tragedia griega el hecho de que su ex se haya ido con otra en dos días, a lo que solo puedo responder «chica, get over it: está claro que te mereces algo mucho mejor». No se sabe si Olivia va a evolucionar en una cosa súper comercial o en otra más honesta y alternativa, pero me muero de ganas por averiguarlo». Jordi Bardají.
SanSan ha anunciado que su próxima edición, la de este año, se celebra los días 29, 30 y 31 de octubre en Benicàssim. Eso sí, de momento se pondrán a la venta unas 10.000 entradas a la espera de la evolución sanitaria, aunque se espera que de aquí a octubre la ocupación se vaya ampliando hasta llegar a un máximo de 25.000 asistentes, la mitad de la capacidad del recinto.
Quedan confirmados en el cartel de SanSan Vetusta Morla, Amaral, Love of Lesbian, Dorian, Xoel López, La M.O.D.A, Sen Senra, Rayden, Carlos Sadness, Elyella, La La Love You, Varry Brava, Travis Birds, Cala vento, Delaporte, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Arco, Tu Otra Bonita, Ginebras, Mujeres, Chucho, Cariño, Arde Bogotá, The Niftys, Axolotes Mexicanos, Karavana, Repion, Tú no existes, Maren, Rocío Saiz o Cora Yako (foto), entre otros.
El próximo 1 de julio se anunciará otra gran incorporación y la programación de Djs, y en septiembre se revelará el artista sorpresa de esta sexta edición. También se sumará al cartel el grupo ganador del concurso musical “Groc Talent” que organiza SanSan Festival en colaboración con el Villarreal CF con el objetivo de apoyar el talento emergente.
Damon Albarn ha estrenado ‘The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows’, el primer single de su segundo álbum de estudio, que el sello Trangsressive Records editará el 12 de noviembre bajo el mismo título. El primer avance es el corte titular, que no puede quedar más lejos de la adictiva ‘Mr. Tempo’. Albarn presenta, en este caso, una composición ambiental, oceánica, en el estilo de unos Sigur Rós, y en el que Damon canta acompañado de arreglos de cuerda y piano de corte neoclásico, por los que también asoma una voz femenina que acompaña a la principal.
La última noticia que se tenía relacionada con la carrera de Damon Albarn en solitario era precisamente que el artista preparaba un proyecto de directo llamado ‘The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows’ que iba a empezar en 2020, pero todos sabemos cómo acabó aquello. Las fechas de este concierto inspirado en la naturaleza, también materializado en disco, finalmente han sido pospuestas a 2022.
01 The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows
02 The Cormorant
03 Royal Morning Blue
04 Combustion
05 Daft Wader
06 Darkness to Light
07 Esja
08 The Tower of Montevideo
09 Giraffe Trumpet Sea
10 Polaris
11 Particles
‘Don’t Forget Your Neighborbood‘ de Cola Boyy es una de las mejores canciones del verano. Producida por The Avalanches es una de esas canciones de neo-disco que elevan el alma gracias a su capacidad para capturar una nostalgia serena y feliz. Es también una oda a los pequeños barrios en la que el californiano Matthew Urango aboga por no dejar que las ambiciones te hagan olvidar tus raíces: «lucha por tu pueblo, no lo dejes ir, haz que sea más que un simple recuerdo». Esta frase, acompañada por un acorde de piano house que podría durar horas, convierten esta grabación en una de las pequeñas obras maestras que ha dejado 2021 por ahora.
La decepción de ‘Prosthetic Boombox’, el debut de Cola Boyy, es que ninguna canción iguala el impacto de la primera, lo cual en el mundo del pop es de todo menos una novedad. Los singles están para captar la atención y este lo ha conseguido con creces. ¿Para cuándo un disco entero producido por los australianos? La buena noticia es que el álbum ofrece otras cosas a las que vale la pena prestar atención. Con ‘Prosthetic Boombox’, Urango ha querido hacer un disco variado, que sonase como una emisión de radio donde la música disco, el funk, el R&B y el soul son los estilos principales, y ha logrado hacer un trabajo que, dentro de los sonidos que toca, suena personal y honesto.
La meta de ‘Prosthetic Boombox’ es el escapismo, lo cual queda muy reflejado en cortes tan divertidos como ‘Mailbox’, 100% Prince, o el desenfadado ‘You Can Do It’. Como canta Urango en el escalofriante single de soul psicodélico ‘Kids Born in Space’ con Andrew VanWyngarden de MGMT, el artista se basta de la música para «soñar» y escapar del mundo real, que tan hostil le ha sido pues Urango nació con espina bífida y escoliosis y ha conocido de primera mano la discriminación de la sociedad. En este tema, Urango relata las dificultades que ha vivido desde pequeño debido a su discapacidad («no tienes que caminar, no tienes que hablar, ellos ya te están mirando fijamente, cada día es lo mismo») pero solo para declarar que él sigue adelante y que «no vivirá en la sombra de nadie».
Vuelve a haber un sentimiento de no querer rendirse por nada del mundo en ‘Song for the Mister’, una canción de soul-pop tan elegante, tan exquisita, que solo podía haberla producido Nicolas Godin de Air (productor también de la maravillosa ‘Back to Your Heart‘ con Kate NV), y en la que Urango captura esa sensación de no ser aún lo suficientemente maduro para la vida adulta («pagaré todas las facturas, nos alimentaré, me la ganaré de vuelta, no me rendiré»). Muchas veces las letras ponen sobre la mesa que la oscuridad no se ha ido a ninguna parte, como cuando, en la acongojante balada funk ‘Got the Mile’ Cola Boyy recuerda los tiempos en que, sentado en las gradas de un pabellón, «soñaba con aquello que nunca podrá ser»; pero la música claramente busca expresar otra cosa, canalizar ese dolor a través de la música.
Así, ‘Mailbox’ es claramente el corte más hedonista del largo y ‘Don’t Forget Your Neighborhood’ el más eufórico y emocionante, pero Cola Boyy se permite también coquetear con el french house en ‘Roses’ u, otra vez, con la música disco en ‘Mink’, mientras el R&B-pop de ‘For the Last Time’ es otro ejercicio retro estupendamente resuelto. Era de esperar que un álbum llamado ‘Prosthetic Boombox’, en cuya portada se pueden ver dos cosas muy a simple vista, por un lado, a Cola Boyy tocando su guitarra acústica y, por el otro, una pierna prostética colocada en una mesa, presentara una visión colorida de este mundo que no ha sido fácil para su autor. Aparte de lo personal que suena ‘Prosthetic Boombox’, el hecho de que este disco exista es revolucionario en sí mismo.
Mientras C. Tangana vuelve al número 1 de la lista de álbumes española con ‘El Madrileño‘ y Olivia Rodrigo queda en el puesto 2 con ‘SOUR‘, el artista de rap, flamenco y reggaetón de Valencia Nyno Vargas firma la entrada más importante de la semana con ‘El efecto Nyno… Continuará’, que aparece en el número 9.
A continuación, Maroon 5 colocan ‘JORDI‘ en el número 11, una de las mejores posiciones logradas por el disco en las listas, pues no queda tan lejos del resultado obtenido en su mercado principal, Estados Unidos, donde ha entrado en el número 8; y es mejor dato incluso que el británico (19). ‘JORDI’ de hecho debuta más arriba que ‘Red Pill Blues‘ (14) pero más abajo que ‘Overexposed‘ (5). Ni cabe decir que ‘Beautiful Mistakes’ con Megan Thee Stallion está cargando con todo el peso del disco, pues es una de las canciones más escuchadas actualmente a nivel global.
‘No Gods No Masters‘ de Garbage entra en el número 35 de la lista de álbumes española. Sin acercarse ni de lejos a su top 5 en Reino Unido (y top 2 en Escocia), es curiosamente el mejor dato obtenido por el disco en la Europa continental con la excepción de Suiza (13). En Francia no ha pasado del número 40 y en torno a esta posición ha quedado el álbum en Italia (63) o, volviendo a las islas, Irlanda (42).
Otra entrada destacada en lista, aunque para mal, es la del disco de Marina, que aparece en el número 54, dos puestos por debajo que el de Migos (52). El paso de ‘Ancient Dreams in a Modern Land‘ por las listas de éxitos está siendo modesto: su tope en Reino Unido ha sido un número 17 y en Estados Unidos ha entrado por los pelos (92), mientras en territorio como Alemania (43), Finlandia (33) o Irlanda (27) ha quedado muy lejos del top 10. No ha ayudado que no se haya lanzado vinilo al mercado de este trabajo.
Metallica, la gran confirmación que ha dejado el nuevo (y polémico) cartel de Mad Cool 2022, celebrarán el 30 aniversario de ‘The Black Album’ lanzando un álbum de versiones en el que han invitado a decenas de artistas a versionar las 12 pistas que incluye su mítico trabajo de 1991. ‘The Metallica Blacklist’ sale el 10 de septiembre en formato digital y el 1 de octubre en formato físico e incluye hasta 12 versiones de ‘Nothing Else Matters’ y un total de 52 pistas nada menos.
Entre los artistas invitados en ‘The Metallica Blacklist’ se encuentra Miley Cyrus, que ya trabajaba en su propio álbum de versiones de Metallica, y quien interpreta ‘Nothing Else Matters’ junto a Elton John, entre otros artistas, en una cover que ya puede escucharse y que, en principio, pertenecía a su proyecto, pero que ha terminado en este.
Entre los artistas invitados hay que mencionar algunos tan improbables (en principio) como J Balvin, The Neptunes (el grupo de Pharrell Williams y Chad Hugo), Mon Laferte, Juanes o el saxofonista Kamasi Washington, así como a St. Vincent, Royal Blood, Alessia Cara, Phoebe Bridgers, My Morning Jacket, Dave Gahan de Depeche Mode, Weezer (que también publicaron su «black album»), Mac DeMarco, Cage the Elephant, Portugal. the Man, IDLES, Rodrigo y Gabriela o Moses Sumney, entre muchísimos otros.
Este es el tracklist completo de ‘The Metallica Blacklist’:
Alessia Cara & the Warning – Enter Sandman
Mac Demarco – Enter Sandman
Ghost – Enter Sandman
Juanes – Enter Sandman
Rina Sawayama – Enter Sandman
Weezer – Enter Sandman
Sam Fender – Sad but True (Live)
Jason Isbell and the 400 Unit – Sad but True
Mexican Institute of Sound Feat. La Perla & Gera Mx – Sad but True
Royal Blood – Sad but True
St. Vincent – Sad but True
White Reaper – Sad but True
Yb – Sad but True
Biffy Clyro – Holier Than Thou
The Chats – Holier Than Thou
Off! – Holier Than Thou
Pup – Holier Than Thou
Corey Taylor – Holier Than Thou
Cage the Elephant – the Unforgiven
Vishal Dadlani, Divine, Shor Police – the Unforgiven
Diet Cig – the Unforgiven
Flatbush Zombies Feat. Dj Scratch – the Unforgiven
Ha*ash – The Unforgiven
José Madero – The Unforgiven
Moses Sumney – The Unforgiven
J Balvin – Wherever I May Roam
Chase & Status Feat. Backroad Gee – Wherever I May Roam
The Neptunes – Wherever I May Roam
Jon Pardi – Wherever I May Roam
Sebastian – Don’t Tread on Else Matters
Portugal. The Man Feat. Aaron Beam – Don’t Tread on Me
Volbeat – Don’t Tread on Me
The Hu – Through the Never
Tomi Owó – Through the Never
Phoebe Bridgers – Nothing Else Matters
Miley Cyrus Feat. Watt, Elton John, Yo-yo Ma, Robert Trujillo, Chad Smith – Nothing Else Matters
Dave Gahan – Nothing Else Matters
Mickey Guyton – Nothing Else Matters
Dermot Kennedy – Nothing Else Matters
Mon Laferte – Nothing Else Matters
Igor Levit – Nothing Else Matters
My Morning Jacket – Nothing Else Matters
Pg Roxette – Nothing Else Matters
Darius Rucker – Nothing Else Matters
Chris Stapleton – Nothing Else Matters
Tresor – Nothing Else Matters
Goodnight, Texas – of Wolf and Man
Idles – The God That Failed
Imelda May – The God That Failed
Cherry Glazerr – My Friend of Misery
Izïa – My Friend of Misery
Kamasi Washington – My Friend of Misery
Rodrigo Y Gabriela – the Struggle Within
‘Todo de ti‘ de Rauw Alejandro sigue siendo la canción más popular en España una semana más, seguida por ‘Yonaguni’ de Bad Bunny en el número 2 y por ‘Qué más pues?’ de J Balvin y María Becerra, que sube del 9 al 3. Se confirma nuevo hit para el colombiano cuando parecía algo perdido con sus últimos lanzamientos. Completan el top 5 ‘Loco’ de Justin Quiles, Chimbala y Zion & Lennox y ‘Pareja del año’ de Sebastián Yatra y Myke Towers.
La noticia que deja esta semana la lista de singles española no es qué canción entra en ella sino cuál NO lo hace, y en este caso hay que hablar de Lorde. Las posiciones comerciales de ‘Solar Power’ hasta la fecha han sido modestas, con la salvedad de su Nueva Zelanda natal, donde ha sido número 2; Irlanda, donde ha sido número 11, o Reino Unido, donde ha llegado al número 17, pero en Estados Unidos no ha pasado del 64, el resto de entradas tampoco han sido para tirar cohetes y el tema ya no aparece en el top 50 de Spotify Global.
En el caso de España, ‘Solar Power’ queda fuera de todo el top 100 de singles español cuando ‘Green Light’ llegó a ser número 13. Claro que era una canción bien distinta: parece que el minimalismo hippy de ‘Solar Power’ no ha calado en nuestro país, a lo que hay que añadir que gran parte de la gracia que tiene la canción se encuentra en su ingeniosa letra, y ya se sabe que en España tenemos un poco de alergia al producto anglosajón, a menos que se llame Olivia Rodrigo.
En cuanto a las entradas, la nueva sesión de Bizarrap con Eladio Carrión aparece en el número 15, la nueva colaboración (¿cuántas van ya?) de RVFV y Omar Montes, ‘No quiero amor’, lo hace en el 35, ‘Otro fili’ de J Balvin y Jhay Wheeler en el 51, el remix de ‘Fiel’ de Wisin con Jhay Cortez, Anuel AA, Los Legendarios y Myke Towers saluda desde el 59 y, finalmente, el trío de Lérica, Beret y Lalo Ebratt coloca ‘Hamaca’ en el 82.
Helado Negro ha anunciado que su nuevo disco sale el 22 de octubre. ‘Far In’ será su primer lanzamiento para el sello 4AD y contará con las colaboración de los recomendables Buscabulla, así como de la compositora y modelo Kacy Hill y de Benamin.
‘Gemini and Leo’, el primer adelanto de ‘Far In’, es un corte de pop veraniego con tintes psicodélicos y bastante más contundente de lo que ha solido practicar el artista ecuatoriano-estadounidense. La base tiene un poso funk y el tema incorpora un arreglo de cuerdas que se acerca a lo cinematográfico pero, ante todo, en ‘Gemini and Leo’ manda el espíritu relajado y veraniego que ha solido caracterizar al sonido de Helado Negro, como el mostrado en su disco ‘This is How You Smile‘, en realidad más cercano al folk sin abandonar la electrónica.
El vibrante vídeo animado de ‘Gemini and Leo’, bajo estas líneas.
01 Wake Up Tomorrow (ft. Kacy Hill)
02 Gemini and Leo
03 Purple Tones
04 There Must Be a Song Like You
05 Aguas Frías
06 Aureole
07 Hometown Dream
08 Agosto (ft. Buscabulla)
09 Outside the Outside
10 Brown Fluorescence
11 Wind Conversations
12 Thank You for Ever
13 La Naranja
14 Telescope (ft. Benamin)
15 Mirror Talk
trashi es una banda de Murcia compuesta por el cantante Sergio Nicolás, la guitarrista Luz Abril, el bajista Luis Morera y la batería María Lázaro. Juntos forman uno de esos grupos que solo podían haber nacido en el contexto de lo que se denomina «bedroom pop» pero su música no se circunscribe a ese estilo o movimiento, sino que suena más ambiciosa.
Un ejemplo es ‘Quiero dormir contigo’, el single de Natalia Lacunza en el que aparecen como artistas invitados, pero que suena 100% a ellos y de hecho es su mayor éxito hasta la fecha. Una mezcla de melodías power pop y guitarras indie-pop y post-punk que solo podría haber salido en el siglo XXI pues hace un uso prominente del autotune. Lo mismo sucede en el pop-punk sintético de ‘ya nooo’ y en otros cortes destacados como ‘no me ves:(‘ o ‘dime que si’, más new wave.
Sí, trashi es uno de esos grupos que titula todas sus canciones en minúscula, pero queda comprobado que su sonido no termina de caber en la etiqueta de bedroom pop, si es que esta tiene algún significado a día de hoy: es posible percibir en sus canciones influencias del pop-rock sintetizado que se hacía en Reino Unido en los años 80 en instrumentación, ritmos y melodías, pero pasado por los filtros actuales del trap (el uso de autotune) y la autoproducción.
‘mal mal’, uno de los temas que puedes escuchar en la playlist actualizada de Sesión de control, supone una pequeña evolución para trashi: su ritmo de disco-rock con guitarras es asociable a grupos tipo Phoenix o Two Door Cinema Club, mientras el rasgar de dicha guitarra por momentos sí es muy bedroom pop. Nada de esto funcionaría, sin embargo, sin una melodía buena, y hay que decir que trashi saben hacer que una canción suya se quede en la cabeza. ‘mal mal’, hoy la Canción Del Día, puede ser su mejor propuesta hasta la fecha.
Los Pekenikes son un nombre esencial en la historia del pop español, especialmente por sus éxitos con instrumentales como ‘Los cuatro muleros’ o ‘Hilo de seda’, aunque por sus filas pasaron cantantes de manera efímera, incluyendo personajes tan importantes como Antonio Morales ‘Junior’ o Juan Pardo. Sin embargo, sería uno de los instrumentistas de la banda -Félix Arribas, batería- quien pondría voz a su mayor éxito cantado, la sublime ‘Cerca de las Estrellas’.
La evolución del grupo madrileño desde sus comienzos en 1961 es sumamente interesante, y corre en paralelo a las modas sonoras de cada momento de la década: fuerte influencia de los Shadows y el sonido beat en los primeros años, que se va abriendo hacia mediados de la década a influjos del soul instrumental de bandas como Booker T & The MGs o el sonido del pop sofisticado americano del sello A&M. Un elemento esencial en esta evolución hacia la sofisticación la tuvo el productor Rafael Trabucchelli, el gran arquitecto -junto al arreglista Waldo de los Ríos- del célebre Sonido Torrelaguna, desde los legendarios (y desaparecidos) estudios madrileños del sello Hispavox. En su elegida senda como combo instrumental, la cantidad de ideas imaginativas e instrumentaciones inusuales (desde lo exótico a lo clásico) con las que Waldo y Trabucchelli vistieron las composiciones de Los Pekenikes desde que empezaron a hacerse cargo juntos de sus producciones en 1965 es realmente espectacular: cuando el sonido de base rock/garage no era suficiente, se recurría a exuberantes orquestaciones estilo MOR americano, arreglos de metales a lo Tijuana Brass, aires de música clásica española, y hasta ocasionales toques orientales.
Todo este arsenal de recursos acercaba también los mejores momentos de sus dos primeros LPs a otro interesante territorio muy en boga por entonces, el del pop barroco anglosajón. Sin embargo la llegada de la psicodelia en 1966 y su popularización en 1967 tardaría un poco más en notarse en su discografía: ocurriría con la gestación durante 1968 de su tercer álbum, ‘Alarma’, el mismo año de explosión definitiva que en casi todo el pop mainstream la Europa continental.
Las producciones de Hispavox se caracterizaron siempre por su calidad de nivel mundial, conseguida gracias a lo bien diseñados y construidos que estaban el Estudio I y II del sello (el estudio II tenía capacidad para una orquesta sinfónica completa) y a lo avanzado de sus equipos de grabación. Pero desde 1967 la cosa había mejorado todavía más: los estudios contaban con la primera mesa Neve de 48 canales del país y una grabadora Lyrec de 12 pistas que abría enormes posibilidades. Este nuevo avance tecnológico permitió soñar más ambiciosamente en algunas de las piezas que formarían ‘Alarma’.
Así pues cuando Alfonso Sáinz (miembro fundador de Los Pekenikes junto a su hermano Lucas) trajo una nueva composición titulada ‘Cerca de las estrellas’ -inspirada como tantas otras piezas de pop de la época en la carrera espacial- las condiciones técnicas para crear lo que se convertiría en una pequeña obra maestra de la psicodelia española estaban ya al alcance. Félix Arribas, su batería, nos cuenta parte de la gestación: “en el estudio solíamos trabajar estrechamente con el ingeniero de sonido Mike Llewellyn-Jones, pero para entonces le había sustituido otro ingeniero más joven, un inglés de nombre Alan. Con él nos entendíamos mejor porque era más de nuestra generación. Para ‘Cerca de las estrellas’ queríamos un efecto de voz así tipo flanger, o phaser, pero entonces no había de nada, no existían esos efectos. Alan construyó un aparato allí mismo, en el estudio, con los pocos medios que tenía, para recrear ese efecto. Lo usamos también en la canción ‘Nostalgia’, ahí se percibe más claramente”. El arreglo de batería de Félix en la canción es también esencial: un peculiar ritmo con cencerro y chaston en las estrofas, que explota con fabulosos redobles a un ritmo casi breakbeat en los estribillos, ayudado de sus singularísimo doble bombo (fue el primer baterista español en utilizarlo, inspirado por Bobby Clark en un concierto de Vince Taylor en Torremolinos años atrás).
Pero antes de ningún ritmo, la canción comienza de forma totalmente mágica, con un hipnótico arpegio de guitarra y solo octavado de Tony Obrador, recién llegado por aquel entonces a la banda para sustituir a Lucas Sáinz, que acababa de ser llamado a filas (ese problema endémico del pop español de los 60 hasta los 80). Y durante el arpegio, a modo de puntuación métrica sonora, una nota que se repite a cada compás, mecánicamente, casi como un pulso electrónico. Félix Arribas nos confirma que es un armónico de guitarra (!) tocado repetidamente… “como el sonido del sónar de un submarino”. Durante años me he preguntado si habría alguna relación con esa otra nota de guitarra repetitiva, la de ‘Contact’ de Serge Gainsbourg para Brigitte Bardot, grabada el mismo año, también de temática espacial y con experimentos sonoros de alguna manera similares, pero parece que fue más bien una típica coincidencia, algo que flotaba en el aire en la época y ambas producciones recogieron. Félix nos confirma que por su parte no hubo ningún tipo de inspiración.
Cuando el solo concluye su melodía, le responde una sensacional sección de vientos sobre la que Arribas nos da un dato fascinante: el arreglo no lo hizo Waldo de los Ríos, que no participó en esta canción en particular, sino el propio grupo, en concreto del recién llegado Tony Obrador, a quien se le ocurrió esa sensacional respuesta melódica con los metales. Tras esa intro atmosférica, totalmente fabulosa, entra al fin la voz de Félix cantando suave, distinto, con un estilo muy inusual para la época, revistiendo ese “buscaré otro mundo lejos del sol / en las estrellas” de un algo hipnótico y muy delicado.
Los elementos de rock ácido se suceden: llega el primer solo con espectacular fuzz, y después de la siguiente parte vocal, un interesantísimo puente de arpegios y voces confundidos en una bruma lisérgica, emborronados con un sonido de drone, tan característico de la psicodelia de influencia india implantada por los Beatles, que a falta de otros medios se grabó con una armónica:
Los últimos compases de ‘Cercas de las Estrellas’ los cierra otro increíble solo de guitarra con fuzz, del brillante Tony Obrador, un elemento solista cuya furia contrasta con las delicadas partes vocales antes mencionadas. Como anécdota, Félix recuerda cómo se decidió que él la cantase: “Es cojonudo, porque la canción la llevamos preparada al estudio pero no se había decidido quién la cantaría. En los ensayos yo la cantaba para mí… porque yo con mi anterior grupo los Silver’s ya cantaba. El caso es que Trabucchelli montó una especie de casting para que cada un cantáramos unos pocos versos, Alfonso, Ignacio, Tony… después de pasar todos dijo ‘me quedo con Félix’”.
El disco se lanzó en 1968 con gran éxito, envuelto en una bonita portada que muestra una cápsula del Proyecto Gemini, una foto que para poder ser utilizada, nos comenta Arribas, “Hispavox tuvo que pedir permiso a la NASA, y todo”.
En ese canon de canciones inspiradas por la conquista del espacio, en una horquilla que comienza quizá con ‘Telstar’ de los Tornados (1962) y llega a su apogeo con ‘Space Oddity’ en 1969, es fascinante comprobar que un año antes, 1968, Los Pekenikes crearan esta pieza magistral, en mi opinión la cumbre del Sonido Torrelaguna. Su apreciación décadas después no ha hecho más que aumentar, y destaca una formidable versión del sueco Ebbot Lundberg & The Indigo Children en 2016, reconvertida al inglés como ‘Falling from Heaven’, y dedicada a la memoria de Alfonso Sáinz, fallecido en 2014.
‘Cerca de las estrellas’ suena en el episodio #382 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Lorde ha anunciado los detalles que quedaba por conocer de su nuevo disco, ‘Solar Power’, estos son, fecha de edición y tracklist. El disco sale el 20 de agosto y la secuencia de pistas es la que veréis a continuación. Se revelan un total de 0 colaboraciones, como ha venido siendo habitual en la discografía de la cantante neozelandesa. También se ha anunciado una gira para el año que viene, que en España solo tendrá una parada y es la conocida por todos, la de Primavera Sound.
1 The Path
2 Solar Power
3 California
4 Stoned in the Nail Salon
5 Fallen Fruit
6 Secrets From a Girl (Who’s Seen It All)
7 The Man with An Axe
8 Dominoes
9 Big Star
10 Leader of a New Regime
11 Mood Ring
12 Oceanic Feeling
Bonus Tracks:
13 Helen of Troy
14 Hold No Grudge
Hoy 21 de junio iba a ser el día en que se iba a lanzar oficialmente ‘Solar Power‘, el nuevo single de Lorde. Sin embargo, debido a las filtraciones que se estaban produciendo en la red, la cantante neozelandesa se veía obligada a adelantar su estreno unos días antes. Con él llegaban las comparaciones con George Michael y, sobre todo, con Primal Scream, hasta el punto de que Lorde ha revelado que Billy Gillespie fue contactado para darle el visto bueno a la canción, debido a su parecido con ‘Loaded’, y a pesar de que Lorde reconocía no haber escuchado a Primal Scream «en su vida.
Pero la autora de ‘Melodrama’ no va a dejar pasar el solsticio de verano, que se produce hoy mismo, sin dar más detalles sobre su esperado nuevo trabajo discográfico. De hecho, la artista ha explicado que el «calendario natural» da pistas de lo que se avecina, lo que invita a mirar fechas importantes que se producirán durante el verano del Hemisferio Norte, y desde ya puede verse en su página web el adelanto de algo llamado ‘Solstice’ del que se desconocen más detalles. Parece que Lorde quiere inaugurar la temporada estival.
El adelanto se compone simplemente de un vídeo de unos pocos segundos en el que aparece Lorde meditando en la playa detrás de una mesa de flores, plantas y arbustos hecha con leña. Detrás de ella se ve una tienda de campaña rudimentaria, entre otras cosas. En los foros se especula que puede ser su nuevo single y que habrá más novedades el día de las Fiestas Juninas, el jueves 24. Está claro que la estética ‘Midsommar‘ parece una referencia en esta nueva era.
Maroon 5 dejaron hace rato de ser una banda de pop-rock para convertirse en un conglomerado de autores y productores centrado en la pegadiza voz de Adam Levine -y en lo que sea que hace el resto de integrantes- que se dedica a fabricar y lanzar hits de pop blanditos y solventes que buscan la comercialidad del momento. La razón por la que son tan exitosos es porque sus canciones están diseñadas para ser adictivas, y la razón por la que son tan odiados es porque nadie percibe autenticidad en ellas. Han pasado por las manos de demasiadas personas. En ‘JORDI’, su nuevo disco, casi 50.
‘JORDI’ se titula en homenaje a Jordan Feldstein, mánager de Maroon 5 de toda la vida que falleció en 2017 por un ataque al corazón. La relación entre el título del álbum y su contenido empieza y termina en el single ‘Memories’, lanzado en 2019. Es un tema que refleja muy bien esta dicotomía amor/odio que existe con Maroon 5. La canción se supone que debería ser emocionante, conmovedora, pero suena tan sumamente calculada que solo causa rechazo. Es la fórmula clásica de Maroon 5: ellos mastican las emociones hasta convertirlas en un puré insípido, y el público consume sus canciones masivamente porque tienen un efecto narcótico. De ahí que el titular de uno de los pocos artículos que se ha atrevido a defenderles declare que Maroon 5 hacen canciones para gente que está «demasiado cansada para sentir algo».
Como no se le puede pedir peras al olmo, ‘JORDI’ vuelve a ser un buen disco de pop sin una personalidad marcada pero funcional, en el que incluso es posible percibir una cierta unidad en la producción evocadora y atmosférica de las canciones. ‘Sugar‘ era un single excelente, pero también era un single excelente de Katy Perry, y Maroon 5 no ven la necesidad de buscar un sonido propio cuando el que fabrican es tan exitoso. La balada ‘Beautiful Mistakes’ con Megan Thee Stallion podría ser de cualquiera, pero funciona y reconozco que la estrofa de «holding on» es bonita, y ‘Nobody’s Love’, otro de los singles que se dieron a conocer hace tiempo, con esos licks de guitarra tan ochenteros, está OK. Es olvidable, pero cuando la escuchas no te dan ganas de salir corriendo.
Esta es la tendencia que sigue ‘JORDI’ desde el principio hasta el final. ‘Lost’ es otro single pegadizo, muy sintético, de base lo-fi pero no, que probablemente olvidarás una vez la hayas escuchado. ‘Lovesick’ tiene un punto Motown que sienta bien a la voz de Levine y Stevie Nicks aparece haciendo coros en una ‘Remedy’ que no, no está a la altura de su leyenda, pero quizá no iba a estarlo nunca. La balada ‘Echo’ con blackbear es atmosférica sin perder de vista la eficacia de un gancho que usa un «eco» en el estribillo. Y ‘Seasons’ es la apuesta de Maroon 5 por el sonido de trap y bedroom-pop de moda desde hace años. Otra vez no es exactamente una mala canción. ¿Cómo iba a serlo con tanta gente involucrada?
Más desaprovechada está H.E.R. en ‘Convince Me Otherwise’: ella canta de lujo pero la canción, que trata de emular un sonido de pop-rock de los 80, no es memorable, y Bantu puede agradecer a Maroon 5 abrirle a una audiencia masiva en ‘One Night’, pero este pseudo-dancehall es anodino y repetitivo. Tampoco necesitábamos escuchar al fantasma de Juice WRLD en ‘Can’t Leave You Alone’.
En este largo que habla sobre todo de la necesidad de apoyarse en el amor para superar la incertidumbre o la depresión, Adam Levine vuelve a ejercer de vehículo de unas canciones que se conforman con existir en el contexto de pop actual. Los artistas colaboradores pasan para saludar, pero no son esenciales. Maroon 5 tienen con ellos eso en común.
Después del éxito de Madrid Brillante y los Sábados y Domingos Brillantes se anuncia Festival Brillante, nuevo festival de Madrid que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de septiembre en Chapinería, localidad en la Sierra Oeste de Madrid que se encuentra a 50 km de la ciudad (a 40 minutos de la capital). El festival, que será diurno, apuesta por un formato campestre donde, además de conciertos, se podrá disfrutar de comida local, artesanía y deporte al aire libre. Abonos, aquí.
El cartel de la primera edición de Festival Brillante cuenta con nombres tanto nacionales como internacionales, entre ellos Los Planetas, Sen Senra, Ed Maverick, Panda Bear, Maria Arnal i Marcel Bagés, Mujeres, Aiko el grupo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Oklou, con la que hemos hablado recientemente a raíz de su disco ‘Galore’; Depresión Sonora, El Último Vecino, Alondra Bentley, Soleá Morente e Ikram Boulum.
Además de estos artistas quedan confirmados en el primer cartel de Festival Brillante también Axolotes Mexicanos, Marcelo Criminal, Chavales, Tronco, Rojuu, Bratty, 9ckles, Bikôkô, Capricornio Uno, Chill Mafia, Crblx, El Buen Hijo, La Paloma, Las Dianas, Marta Knight, MILC, Morreo, Pinpilinpussies, SIMONA, Tarik Rahim, Tarta Relena, Zephyr Bones y Yana Zafiro.
Para llegar a este enclave madrileño habrá lanzaderas a disposición de los asistentes, así como servicios de transporte público y también un parking habilitado para vehículos privados.
Sons of Kemet, el grupo de jazz de Londres formado por el saxofonista, clarinetista y compositor Shabaka Hutchings, al frente también de The Comet is Coming; el tubista Oren Marshall y los percusionistas y baterías Seb Rochford y Tom Skinner, lleva una década al frente de la vanguardia del jazz británico. Especialmente aclamado fue su tercer disco, ‘Your Queen Is a Reptile’, que denunciaba el racismo en la Monarquía británica muchos años antes del escándalo Meghan Markle y que, en 2018, fue nominado al Mercury Prize.
El grupo debutó en el año 2013 con el galardonado ‘Burn‘ y más adelante publicó un segundo álbum llamado ‘Lest We Forget What We Came Here to Do‘ que también fue aplaudido por la crítica. Su sonido se ha solido caracterizar por dar lugar a una fusión de «jazz modal y free jazz con ritmos y modalidades africanos, dub caribeño o timbres propios de Oriente Medio» con otros sonidos como el hip-hop o el dancehall. Si el cuarteto tiene un claro precedente en Pharoah Sanders, autor este año junto a Floating Points de un álbum sobresaliente, hay que decir que Sons of Kemet también han publicado obras en el sello Impulse!, el cual también ha trabajado con el veterano músico.
Este año, Sons of Kemet han vuelto a la actualidad musical con ‘Black to the Future’, que será el Disco de la Semana en estas páginas. Un trabajo que el grupo ha pensado como «un poema musical para la invocación del poder, la memoria y la sanación» y que «representa un movimiento hacia la redefinición y la reafirmación de lo que significa luchar por el poder negro». El grupo explica que ‘Black to the Future’ es uno de esos álbumes que se entienden mejor dentro de su contexto, pero añade que el «mensaje universal sigue siendo el mismo, que para que la humanidad evolucione debemos repensar qué significa ser negro e ir hacia el futuro».
Entre los cortes destacados de este álbum se encuentra el single ‘Hustle’, que cuenta con la interpretación vocal de Kojey Radical y con coros de Lianne La Havas. Kojey «recita duro en el tema más jamaicano, de dub oscuro y asfixiante pero pegadizo» del disco, explica Mireia Pería en la reseña del álbum que publicaremos próximamente. «En ‘Hustle’ el dolor colectivo (el tema menciona los barcos de esclavos) se funde con el individual («he nacido en el barro y tengo el espíritu de lucha en mi interior», pero también se muestran dispuestos a demostrar su coraje: “You can test my spirit, but don’t test my patience”».
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