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Aitana vuelve a ser top 1 en España: suben los reyes del streaming tras los Reyes Magos

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La segunda lista del año de Promusicae, que corresponde justamente a la semana post-Reyes Magos, es convulsa. Es la primera vez que tenemos delante el PDF de la lista mixta de ventas y streaming en España en una semana como esta, y las consecuencias son evidentes: se desploman los artistas más propensos a vender discos físicos, pues el periodo navideño ya ha pasado, y suben los reyes del streaming. Es lógico que tras pasar las compras navideñas, la importancia del físico decaiga y recuperen posiciones los artistas fuertes en streaming.

Así, Aitana recupera el número 1 con ’11 razones’, pero es que ‘El último tour del mundo’ de Bad Bunny sube desde el puesto 14 al 2 y ‘YHLQMDLG’ del mismo artista vuelve al top 10 cuando estaba en el número 29. Por su parte, la subida más fuerte de la semana es la de Myke Towers con ‘Easy Money Baby’ que pasa del puesto 55 al 26. También Ozuna sube del número 21 al 6 con ‘ENOC’ y Rels B pasa del puesto 28 al 13 con ‘La Isla LP’, alcanzando un nuevo máximo, pues fue un lanzamiento sorpresa de esta Navidad, sin edición física. Maluma sube del número 57 al 29 con ‘Papi Juancho’ y así decenas de ejemplos y reentradas, de Maka a Lana del Rey.

Por el contrario, hay quien cae muy lejos del top 10: los artistas más veteranos. Los grandes perjudicados por el mayor peso del streaming ahora que las ventas han caído son Raphael, que baja del número 4 al 18 con ‘6.0’; AC/DC, que pasan del 8 al 19 con ‘Power Up’; y Bruce Springsteen, que baja del 10 al 24 con ‘Letter to You’. El Barrio baja del 9 al 30 con ‘El danzar de las mariposas’.

Las únicas entradas de la semana son Eladio Carrión con ‘Monarca’ (puesto 14), Passenger con ‘Songs for the Drunk and Broken Hearted’ (75), Taburete con ‘Calçots & Mangos’ (81) y Ricardo Muti con la Filarmónica de Viena y el Concierto de Año Nuevo 2021 (puesto 92).

Entre los artistas que curiosamente casi no cambian de posición en esta semana tan movida, quizá porque presentan un buen equilibrio de ventas y streaming, destacar los curiosos casos de Antonio Orozco (3), Miley Cyrus (23), Billie Eilish (33) o Taylor Swift (37).

Cachitos: «sex symbols» también han sido Leonard Cohen y Barbra Streisand… y lo sabes

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Cachitos ha emitido este lunes el segundo episodio de su nueva temporada, dedicado a los artistas más deseados, a esos iconos convertidos en «sex symbols» de una generación… o de varias. Si el concepto parece un poco pasado de rosca, es que lo está: al fin y al cabo esto va del archivo documental de TVE, donde verás más veces el escenario de 300 Millones que una actuación de BTS, más que nada porque el único programa de televisión español donde los surcoreanos podrían ir a cantar a día de hoy es El Hormiguero, que no se conoce por ser un programa de actuaciones musicales.

Así, el visionado de ‘Cachitos Sex Symbol’ ha vuelto a ser especialmente estimulante por lo que el rotulista ha podido comentar sobre la imposibilidad de entrevistar a Pepa Flores; sobre la engañosa elegancia de Bryan Ferry de Roxy Music, que se casó con la ex de su hijo; sobre la afición de Paulina Rubio a la purpurina y a los «ventiladores industriales»; o sobre esa Shakira cuyos bailes y canciones «nunca te defraudarán… excepto si eres inspector de Hacienda». Alguien en la oficina de Cachitos debe tener especial predilección por Justin Timberlake porque dice que seguirá siendo «un zagal hasta cuando cambie las zapatillas por los mocasines». Nada que objetar.

Entre las curiosidades vistas en el último episodio de Cachitos, además de una Virginia Diaz que sale vestida y acicalada para dar las campanadas, se encuentra su sección dedicada a esos artistas «feapos» que no son especialmente guapos pero que «tienen un no sé qué», muy necesaria porque de ninguna manera se podría haber obviado en este episodio la existencia de Leonard Cohen, una persona capaz con su voz de «hipnotizar hasta a las gallinas», de Barbra Streisand o incluso de un sudoroso Barry White. Albert Pla, que aparece al principio del video, parece adelantar esta sección, pero no se sabe porque no vuelve a hacer acto de presencia en todo el programa.

Cumpliendo su propósito de sacar el pasado a relucir, ‘Cachitos Sex Symbol’ sorprende más cuando nos recuerda aquellos artistas ultra deseados que ya no están tan presentes en la conciencia popular, y no, no me refiero exactamente a Samantha Fox, la «reina de los calendarios», sino más bien a Wendy James de Tranvision Vamp, a Pat Escoin de Los Romeos o a ese Patxi Andión que dejaba embobada a la audiencia femenina y haría historia en el cine del destape.

‘Cachitos Sex Symbol’ deja cierta sensación de incomodidad cuando vuelve a poner sobre la mesa ciertos estereotipos asociados a las personas latinas que los artistas han paseado por el escenario de TVE, empezando por el mismo Ricky Martin, que es de Puerto Rico. Se nota que los vídeos son antiguos porque ni en un millón de años superarían el filtro de las redes sociales a día de hoy, afortunadamente. También se nota que hemos avanzado cuando eso de dar por hecho el atractivo de la madurez de Bertín Osborne o Julio Iglesias, pero no el de Marta Sánchez, Kylie Minogue o Vanesa Paradis en la actualidad, parece cosa del pasado. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? Y también absurdo…

Yarea toca fibras con su reflexión sobre el paso del tiempo

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Yarea es una joven cantante y actriz de Bilbao residente en Madrid que ya cuenta con varios singles publicados a sus espaldas: desde enero del año pasado ha lanzado ‘Creéme’, ‘Cacería’, ‘El duelo’, ‘Quédate’, ‘A veces’, ‘Tóxica’ y ‘desde dentro’. Su sonido hay que enmarcarlo en el pop influido por el neo-soul, el lo-fi hip-hop (sí, esto ya es un género) y el R&B contemporáneo, códigos a los que Yarea aplica melodías agradables y cálidas.

Bien, es lógico pensar que, ante esta descripción, Yarea no sea más que otra artista lo-fi que suene en la radio de Spotify de Natalia Lacunza. Si ya existe Rukowski, ¿para qué queremos más? Por lo menos hay que agradecer a la cantante que no se presente a la audiencia con su nombre en minúscula para dar una sensación de intimidad, de timidez, de música hecha en casa. Desde luego, sus canciones han sonado cada vez más confiadas, y ‘Volver’, hoy la «Canción Del Día», puede ser la mejor de todas.

‘Volver’, que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades, presenta todos los clichés del llamado «lo-fi» a secas: una base de hip-hop lenta, aletargada; una producción envolvente que incorpora las texturas de vinilo de rigor; percusiones dulces y una melodía de guitarra eléctrica tocada con delicadeza. ¿Alguien ha dicho «bedroom-pop»? Pero, si por algo llama la atención ‘Volver’ es por su bonita melodía escrita para tocar fibras, a lo que ayuda la voz de Yarea pero también su letra sobre el paso del tiempo, a pesar de que ella, que nació en el año 1997, cuenta solo 23 años.

«Volver es uno de los temas más íntimos que he sacado hasta ahora. Esta canción habla del paso del tiempo, de cómo sin darnos cuenta abrimos los ojos y todo lo que ansiábamos que llegara ya ha pasado» es la explicación que Yarea ha dado sobre la canción. Sin embargo, ‘Volver’ ya es suficientemente elocuente por sí sola: Yarea proyecta su melodía en ella con toda la confianza del mundo, y pasajes como «qué momento el de crecer, y darnos cuenta que tal vez, nunca nos arriesgamos suficiente» esconden una sabiduría que calaría en cualquiera. El vídeo ha sido montado a partir de imágenes de archivo de la infancia de Yarea: otra vez, cualquiera podrá sentirse identificado.

¿Cómo puede Dua Lipa seguir siendo la reina del pop en 2021?

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Dua Lipa ha confirmado que las caras b de ‘Future Nostalgia’ verán la luz próximamente. En redes se habla de una edición de lujo de ‘Future Nostalgia‘ titulada ‘Moonlight’ que saldría tan pronto como en febrero e incluiría algunos de los cortes que solo han podido escucharse en la versión remezclada del álbum, como ‘That Kind of Woman’. Parece que ‘Love is Religion’ no formaría parte del tracklist, pero sí temas como ‘We’re Good’, ‘If It Ain’t Me’ o ‘Not My Problem’.

La intención de Dua, a todas luces, es seguir en la cresta de la ola este año, sobre todo porque los conciertos no están en absoluto asegurados. Recientemente, The 1975 han cancelado su gira mundial, que empezaba en marzo, para dedicarse a escribir su nuevo álbum, y tanto Nick Cave como, desde España, Ginebras han tomado, en las últimas semanas, la decisión de cancelar las suyas. La de ‘Future Nostalgia’, que arrancaba la pasada primavera en España, ha sido pospuesta hasta en dos ocasiones, para finalmente comenzar el próximo mes de septiembre si todo va bien, en Liverpool, y concluir el mes siguiente en Madrid, cerrando el círculo abierto antes de la pandemia. Esto significa que Dua pretende alargar la etapa de ‘Future Nostalgia’ hasta bien entrado otoño, cuando el público ya se sabe el disco de memoria, el concierto transmitido por streaming ‘Studio 2054‘ ha arrasado y… ¿cuántos singles van ya? ¿Cuántas colaboraciones?

Lo cierto es el potencial está ahí para seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro. ‘Future Nostalgia’ no ha sido el disco del año solo por lo bien que se lo ha montado Dua de cara a promocionarlo con todas las de la ley, gozando de una infraestructura que muchos matarían para sí, incluido Harry Styles. El disco es muy bueno, quitando las dos últimas canciones, que tampoco son el sumum del terrorismo musical; y como tal sigue instalado en el top 10 de Reino Unido cuando va a cumplirse un año de su lanzamiento, mientras ‘Levitating’ con DaBaby sigue saboreando las mieles de ese éxito que tanto le ha costado obtener. Raro sería que Dua no quisiera dar una última coletada a la promoción del álbum álbum lanzando como single ‘Cool’, la que más sabor a despedida tiene por su sonido melancólico; o ‘Pretty Please’, la más «arty», con todo el potencial de recibir un vídeoclip popero tipo ‘This is How We Do‘; o ‘Love Again’, su favorita. Puede que ‘Future Nostalgia’ vaya a cumplir un año, pero las «eras» hoy en día no tienen por qué durar dos telediarios: que se lo digan a Ed Sheeran o a la misma Katy Perry.

Otra posibilidad es que Dua Lipa se marque un Ariana Grande y decida lanzar su tercer disco en algún momento de este año, para terminar presentando los dos mediante la gira de ‘Future Nostalgia’. Esto es improbable puesto que implicaría organizar la gira prácticamente de nuevo al tener que añadir nuevos números, eliminar otros… ¿y quién asegura a Dua que la gente acudirá finalmente a su concierto cuando el virus sigue campando a sus anchas, aunque muchos miren a otro lugar? Es un rompecabezas pero el mercado de hoy dicta que los artistas deben publicar contenido constantemente, lo cual no puede venirles mejor puesto que no hay conciertos, y en esas está Dua: sus «caras b» están a la vuelta de la esquina y ella ha llegado a asegurar que tiene música suficiente para durar hasta 2022. Desde luego, la artista ha demostrado tener ideas de sobra para aprovechar el momento en que se encuentra sin necesidad (ni posibilidad) de pisar un escenario.

¿Otra vez Triángulo? Sí, otra vez Triángulo

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Esta mañana se ha anunciado el ganador del Premio Ruido, que concede la prensa musical española al mejor disco nacional del año, esta vez sin ceremonia por razones evidentes. Por segunda vez en los 6 años de historia de este galardón, el Premio Ruido es para Triángulo de Amor Bizarro. El cuarteto gallego ya triunfó en la ceremonia de 2017 gracias a ‘Salve discordia’ y vuelve a ser el caso con su álbum llamado casi como ellos, ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ‘. Definitivamente uno de los mejores discos de 2020.

El Premio Ruido ha sido ganado en otras ediciones por Rosalía, Niño de Elche, y el año pasado Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Con esta victoria Triángulo de Amor Bizarro igualan las dos victorias de Rosalía. Hay quien planteará si lo merecen. O si, mereciéndolo, habría sido una opción que lo recibiera otra persona que necesite más reconocimiento. Porque entre el Premio Ruido y los Premios MIN, ¿cuántos galardones acumulan ya Triángulo de Amor Bizarro?

Un par de músicos muy conocidos de nuestro país me comentaron en cierta ocasión, off the record, que en JENESAISPOP no no nos pensábamos mucho qué artista situar como el mejor nacional en nuestra lista de lo mejor del año, que como muchos sabéis, jamás distinguió de países. “Siempre ponéis a Triángulo como lo mejor y ya está”, fue más o menos la crítica de estas dos personas. Ciertamente, ‘Año santo’ fue disco del año para nuestra redacción en 2010 y, en otras dos ocasiones, la banda gallega fue la que más alto llegaba de las nacionales en nuestra clasificación anual, en 2016 y en 2020. No detecté envidia por parte de estos dos artistas, sino más bien un cuestionamiento de un cierto acomodo por nuestra parte.

El Premio Ruido, del que algunos miembros de JENESAISPOP participamos como jurado, es votado por decenas de periodistas musicales. Con sus más y sus menos, la selección de nominados que suele resultar tiene poco que envidiar a la que sale del Mercury Prize, si bien se echa de menos algo más de electrónica, urbana/trap o como queramos llamarlo y experimentación. Ojalá algunos de los colegas plumilla que más música escuchan quieran sumarse a la asociación Periodistas Asociados Musicales (PAM) para continuar enriqueciendo un premio que de momento ha mostrado su buen gusto con la lista de artistas reconocidos, desde Rosalía a Niño de Elche, palabras mayores de nuestra historia musical.

Triángulo de Amor Bizarro no fueron siempre la niña de los ojos de toda la prensa: nunca han sido por ejemplo el “disco nacional del año” para Rockdelux, que este 2020 se han decantado por ‘Lo que te falta’ de Soleá Morente. Mondosonoro ha dejado a los de Isa y Rodrigo en el puesto 2 en favor de ‘Bellavista’ de Viva Belgrado, y ABC en el mismo lugar en favor de ‘Bestieza’ de Los Enemigos. Muzikalia se decantaba por ‘Coplas del andar torcido’ de The New Raemon y Dod Magazine y Mindies por ‘Siento muerte’ de Mujeres, con Triángulo en torno al top 5 en estos últimos casos.

Crazy Minds sí estaba entre quienes elegían ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ’ como disco del año, y lo cierto es que son pocas las listas que han prescindido por completo de la banda gallega en sus listas de lo mejor de 2020. No son Vetusta Morla, Russian Red o León Benavente, esto es, artistas que alguna vez hayan repelido a la crítica. Aunque estoy seguro de que muchos periodistas musicales no votan en el Premio Ruido por dejadez o indiferencia hacia el formato, hay escasas voces que se alcen contra la banda gallega. Aunque parece que existen: sería interesante escuchar por qué no estuvieron entre lo mejor del año para medios tan longevos como El País, EFE EME o Binaural.

Hasta que alguien encuentre una crítica negativa sobre ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ’ online, parece claro que el grupo, sea el mejor o el 5º mejor, ha sabido renovar su discurso sin traicionar sus principios, disco a disco, sin que el último sea una excepción. Es como si cada álbum lo cogieran con más ganas que el anterior, como si los años no les pesaran ni tampoco la inestabilidad de la industria musical en España. Al contrario: parece ser un motor para ellos.

Su manera inteligente y poco común de abordar cuestiones sociopolíticas o el feminismo suma tanto como su producción abrasiva, ruidista y pop al mismo tiempo. ‘Vigilantes del espejo’, el primer single del álbum que nos ocupa, mantiene la frescura que sobre todo se ve en artistas noveles y debutantes, mientras ‘Fukushima’ o ‘Ruptura’ esconden una intención ligeramente más experimental. Por cada canción melódica como ‘Asmr para ti’ ofrecen una locura total como ‘Canción de la fama’, una de las más infravaloradas de esta era, en la que caben dardos contra los músicos de la rueda, menciones a los followers y a la propia prensa. Detrás de ella hay un discurso rico y ambiguo sobre la tontería que tenemos encima a día de hoy.

Así que habrá quien entienda al grupo como sobrevalorado, pero otros, los que sabemos que la línea entre aquellos músicos que pueden dedicarse profesionalmente a la música y los que no, es demasiado fina en nuestro país… lo que ansiaríamos sería que hubiera debate en Genius sobre qué han querido decir Triángulo de Amor Bizarro hasta con la última de sus comas. ¿Sobrevalorados? ¡Más bien no dan puntada sin hilo!

Os dejamos con el resto de 15 nominados al Premio Ruido. Merece la pena detenerse en todos ellos sin excepción. Fueron estos:
_BCN626‘ de _juno, el dúo compuesto por Zahara y Martí Perarnau IV;
Gran Pantalla‘ de Biznaga,
Sangre‘ de Futuro Terror,
The Prettiest Curse‘ de Hinds,
Sanación‘ de María José Llergo,
Siento muerte‘ de Mujeres,
Dolo‘ de Somos La Herencia,
Plastic Drama‘ de Belako,
Tragedia Española‘ de Confeti de Odio,
Ya dormiré cuando me muera‘ de Ginebras,
IV‘ de Los Estanques,
Días raros‘ de Melenas,
Lo que te falta‘ de Soleá Morente,
Coplas del andar torcido‘ de The New Raemon y
Bellavista‘ de Viva Belgrado.

¿Qué te parece la victoria de Triángulo de Amor Bizarro en el Premio Ruido?

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Conocerle no era quererle… pero la música de Phil Spector «durará para siempre»

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Lo normal es que las masas caigan rendidas a un artista o grupo de pop, a poder ser medio guapo, y que nadie mire los créditos de las canciones. Es inusual que un productor adquiera cierta notoriedad o relevancia social hasta llegar a copar los titulares de medio mundo, pero eso no fue nunca un problema para Phil Spector, aunque muchas veces fuera noticia por las razones equivocadas. Autor y productor de decenas y decenas de éxitos desde finales de los años 50, cuando solo era un chaval de 19 años, el artista logró hacerse un nombre que ha llegado mucho más allá que el de muchos de los intérpretes con los que trabajó o los grupos en los que estuvo involucrado. El nombre de Teddybears no nos dice tanto como el de ‘To Know Him Is To Love Him’, una canción versionada cientos de veces, desde los Beatles y Nancy Sinatra, hasta los tiempos contemporáneos de Amy Winehouse.

Pasan los años y continúan apareciendo canciones que replican al ritmo de batería de ‘Be My Baby‘, la música del artista ha continuado durante nuestro siglo siendo una referencia clarísima en la música, desde Glasvegas a Amy o en España el sello Elefant. No hay Navidad que no vuelva a sonar el disco ‘A Christmas Gift for You’. El problema es que, a medida que fue pasando el tiempo, su voz introduciendo la pista final ‘Silent Night’, iba dando cada vez más miedo que otra cosa: «hola, soy Phil Spector, es tan difícil expresar lo que siento», comenzaba explicando cual angelito, sin despertar ya ningún espíritu navideño.

Para los que rondamos los 40 años, o los 30 o los 50, es difícil recordar cuándo es la primera vez que escuchamos hablar de Phil Spector. Sus canciones simplemente siempre habían estado ahí. A lo sumo era motivo de comentario lo vasto de su repertorio, averiguar que también su mano era la que estaba detrás de ‘River Deep – Mountain High’ con Ike y Tina Turner, de la hipnotizante ‘He Hit Me (It Felt Like a Kiss)’ o de ‘Unchained Melody’ de los Righteous Brothers. Muy poco después del «revival» de esta canción tras aparecer en el taquillazo de ‘Ghost’, se publicaba una compilación llamada ‘Back to Mono’ (1991) que se transformaba en una reliquia para melómanos. Incluso los CD’s cotizan bien en Discogs.

Lo violento que era Phil Spector, el modo en que había usado las armas para presionar a los Ramones en el estudio o al mismísimo Leonard Cohen, hubo un día en que formó parte de la «leyenda». Se comentaban estas «anécdotas» como parte de su personalidad, de la gracia. Y eso que una de sus esposas, Ronnie Spector, había denunciado malos tratos en los 70 asegurando que temió por su vida en varias ocasiones. Antes de que el movimiento #MeToo removiera conciencias de verdad, todos sabíamos que Phil Spector era el ogro a evitar, pero durante mucho tiempo pareció dar igual. Phil Spector ha muerto a los 81 años tras haberse contagiado de covid-19, pero de alguna manera fue en 2009 cuando muchos le enterramos y nos despedimos de él, tras haber sido condenado por el asesinato de la actriz Lana Clarkson. Su versión de los hechos, que puede escucharse en este gélido vídeo, que el disparo fue accidental (también indicó que ella se suicidó) y que la policía no la asistió adecuadamente, fue desestimada y fue condenado a 19 años de prisión.

A aquel juicio Phil Spector acudió con un surtido de looks inenarrables y todavía eran los tiempos en que parecía pertinente hacer una broma sobre ello aunque una vida se hubiera perdido para siempre. Aún faltaba algún lustro para la era de la cancelación. El doble sentido de «He hit me (and it felt like a kiss)» había tenido tanta gracia como aquellos gags sobre maltrato de Martes y 13 que hoy simplemente no podemos soportar ver. Britney Spears también le sacó cierto partido.

Pero hoy, a la muerte del productor, no tenemos una larga lista de artistas lamentando su fallecimiento, comenzando por Paul McCartney y terminando con Alex Turner o Lana del Rey. Lo que nos queda es una serie de obituarios amargos, como los que han realizado para The Guardian Laura Snapes y Alexis Petridis, centrándose en su historial de abusos o concluyendo que su «música trajo tanta alegría a nuestra vida, como miseria a quienes le conocieron».

En muchos sentidos, la noticia de la muerte de Phil Spector dejaba a los seguidores de su «muro de sonido» sin saber qué sentir. Nunca se entendió cómo alguien que podía crear canciones en general tan revitalizantes, edificantes y hermosas, decoradas con el amor de un puto árbol de Navidad, podía esconder una cara tan siniestra. ¡Pero si nunca he sentido tanto amor como escuchando las canciones que ÉL escribió! Finalmente ha sido la propia Ronnie Spector quien ha acudido a Instagram para darnos la luz que necesitábamos. La persona que tuvo que aguantar el peor de los maltratos y estuvo a punto de perder la vida a sus manos (se dice que le llegó a comprar un ataúd con tapa de cristal, para seguir amenazándola de muerte) nos invita en 2021 a separar a la persona del productor, pues al menos a sus ojos es posible.

En su cabeza, parece estar perfectamente delimitado cuando se refiere a él como «un productor brillante» pero «un marido asqueroso». «Cuando trabajaba con Phil Spector, cuando le observaba creando en el estudio de grabación, sabía que estaba trabajando con el mejor de todos. Lo controlaba todo, dirigía a todo el mundo. Guardo tanto amor de aquellos días (…) Desafortunadamente, Phil no fue capaz de vivir y comportarse fuera del estudio de grabación. Se imponía la oscuridad, se dañaron muchas vidas». Pero continúa: «Todavía sonrío cuando escucho la música que hicimos juntos, y siempre lo haré. La música durará para siempre». Gracias de corazón, Ronnie, por ayudarnos a ordenar un par de cosas en nuestro interior un día como hoy.

Zayn / Nobody is Listening

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Zayn es, de los integrantes de One Direction, el que peor ha llevado la fama y el estrés propiciados por haber formado parte de la exitosa boy band. Y el artista ha manifestado su deseo de vivir una vida lo más normal posible de varias maneras: ha realizado declaraciones explícitas al respecto, pero también ha optado, en lo musical, por echarse a un lado: afectado de ansiedad, Zayn no da conciertos, muy a duras penas ofrece alguna entrevista y las canciones que ha sacado de un tiempo a esta parte, como ‘Entertainer’ o ‘Let Me’, han podido estar bien, pero nunca han sido bombazos.

Hay que encomiar a Zayn por intentar sobrevivir en una industria que le ha podido crujir el alma en más de una ocasión; al fin y al cabo, crecer en el ojo público no es fácil, menos cuando tienes 20 años, y no todo el mundo lo sabe llevar. Además, puede que Zayn no promocione su obra como es debido por culpa de la ansiedad que sufre, pero de contenido sus fans van sobrados: su último disco contenía casi 30 canciones.

‘Nobody is Listening’ continúa en la tendencia del anterior: canciones de R&B-pop discretas, tranquilas, para escuchar un poco de fondo, nada ambiciosas. Para oírlas mientras te fumas un porro, una de las aficiones de Zayn («mi cerebro vive en el cannabis», canta en la primera canción del disco), están bien, pero la ambición depositada en estas composiciones se acaba ahí. Y eso no está mal per se, pero para la fama de la que goza el artista, para lo sólida que es su base de fans, es normal exigir más. Los singles del disco, ‘Better’ y ‘Vibez‘, en su asimilación de los ritmos lo-fi hip-hop de moda, son totalmente olvidables, y la cosa no mejora muchísimo.

Si lo mejor que se puede decir de ‘Better’ es que utiliza la melodía de ‘You Light Up My Life’ de Kasey Cisyk, pues la leve distorsión que se ha aplicado a su base rítmica no es la más apetecible del mundo; lo más interesante que puede argüirse de ‘Nobody is Listening’ es que, al menos, no se encierra en los sonidos mencionados para abrirse a otros caminos. Un Zayn irreconocible rapea al principio de ‘Calamity’, que se sirve de sonidos típicos del noir jazz para hablarnos de la ansiedad que sufre, desvelándonos el verdadero significado del título del álbum; ‘Sweat’ se inspira en las «slow jams» de R&B de los años 80, evocando a Janet Jackson; y la agradable balada final, ‘River Road’, con sus guitarras rasgueadas como a desgana, nos lleva más atrás en el tiempo, a los años 60, los de ‘Moon River’.

Más allá de estos ejercicios de estilo que realmente no descubren canciones demasiado perdurables, Zayn ofrece alguna melodía bonita en ‘Unfuckwitable’, de letra empoderadora («estoy harto de los amigos y los amores falsos, ya no tengo tiempo de mentir, yo soy todo lo que necesito para inspirarme»), o ‘Tightrope’, que incorpora un pasaje en urdu de ‘Chaudhvin Ka Chand’ de Mohammed Rafi. La mejor canción del disco, ‘Connexion’, es la más melódica, y sin ser una maravilla, demuestra que a Zayn no le hace falta sacar otro ‘PILLOWTALK’ para que su música sea interesante. Con su voz, una guitarra y poco más es suficiente. Desgraciadamente, ‘Nobody is Listening’ no es suficiente.

Calificación: 4/10
Lo mejor: ‘Connexion’, ‘Unfuckwitable’, ‘Sweat’
Te gustará si te gusta: Post Malone, Ariana Grande, Sabrina Claudio
Youtube: vídeo de ‘Vibez’

La «canción sin sentido» de shame aprovecha sus 2 minutos de duración

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shame es otro de esos grupos que han conseguido imprimir el sonido punk macarra y crudo de The Fall, Wire o Pere Ubu en el cerebro de las nuevas generaciones gracias a temazos como ‘Concrete’, ‘One Rizla’ o el reciente ‘Water in the Well’. Su nuevo disco, ‘Drunk Tank Pink’, representa una evolución del primero: del «instituto pasamos a la universidad», en palabras de Charlie Steen, con todo lo que ello conlleva.

Las letras de ‘Drunk Tank Pink’ , el Disco de la Semana en nuestras páginas, pueden ser más contemplativas que antaño, como demuestra la de ‘March Day’, en la que Steen declara no querer salir de la cama porque el mundo es un desastre, pero no por ello son menos potentes. Las rimas perfectas de Steen, que pueden evocar la simplicidad de un poeta como Y.B. Yeats, siguen tan claras y punzantes como siempre, aunque a veces «no tengan sentido», como sucede en ‘Great Dog’, hoy la «Canción Del Día».

Si composiciones como ‘Snow Day’ o la mencionada ‘Water in the Well’ reflejan el sonido madurado de shame, producto de que el grupo terminó agotado de las giras durante la promoción de ‘Songs of Praise’, como le pasó a Fontaines D.C., ‘Great Dog’ apuesta por una energía hiperactiva, adolescente, para darse por acabada antes siquiera de alcanzar los 2 minutos de duración. Un chute de adrenalina post-punk en el que Charlie Steen se queda a gusto en lo vocal y que recurre a un truco clásico: cuando parece que se ha acabado, espera unos segundos de silencio para volver y disparar toda su tralla final.

Si ‘Great Dog’ contrasta, dentro de la secuencia de ‘Drunk Tank Pink’, como el tema que le precede, el medio tiempo ‘Human, for a Minute’, dentro de la canción también se da un contraste entre el sonido enérgico y bruto de la música y el carácter más reposado de la letra, la cual Steen reconoce es «absurda», pues dice que la canción versa sobre «las ventajas de robar y sobre la belleza de los perros». Dos personajes pasean en esta canción en la que Steen interpreta la frase «un buen escritor escribe, un gran escritor roba», un axioma polémico pero atribuible a diversos autores incluso desde finales del siglo XIX.

El pop vuelve a la Casa Blanca: el hijo difunto de Biden provoca la reunión de New Radicals

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Exitosos durante un par de semanas de 1998, New Radicals son uno de los grupos sobre los que más gracia hace volver de vez en cuando. Cosas de la nostalgia, e incluso para quien quiera huir de la misma, una de las historias más curiosas que nos ha dejado la industria del pop.

Gregg Alexander, vendido como compositor a finales de aquella década de los 90 como el nuevo Mick Jagger o el nuevo Paul McCartney, triunfaba con un hit llamado ‘You Get What You Give’, en el que cargaba contra Beck, Hanson, Courtney Love y Marilyn Manson por ser «fakes». La fama le duraría poco más de 15 minutos y New Radicals terminarían separándose después de solo un álbum, que tuvo a bien llamarse «Tal vez a ti también te han lavado el cerebro», del cual el segundo single, ‘Someday We’ll Know’, sonó… pero tampoco mucho.

Hoy en día, Spotify identifica a New Radicals como «one hit wonder»: ‘Someday We’ll Know’ tiene 15 millones de streamings (y es la segunda más escuchada de la banda), frente a los 222 millones de su mayor hit. Eso sí, tal cifra muestra que esta producción no es que haya sido precisamente olvidada: permanece en la imaginería popular y, de hecho, la gente continúa poniéndosela. Además, hay que apuntar que el estilo compositivo de Gregg Alexander es perfectamente reconocible en las canciones que hizo para otras personas, principalmente ‘Life Is a Rollercoaster’ de Ronan Keating, pero también ‘The Game of Love’ de Santana, que terminó ganando un Grammy, o la música de la conocida y disfrutable película musical ‘Begin Again’.

Entre las personas que continuaron escuchando ‘You Get What You Give’ estaba Beau Biden, el hijo de Joe Biden, el que será a partir de esta semana el nuevo presidente de Estados Unidos. Así lo cuenta el propio Joe Biden en su libro ‘Promise Me, Dad’: «durante el desayuno, Beau a menudo me hacía escuchar el que creo que era su himno personal, ‘You Get What You Give’ de New Radicals. Aunque Beau nunca dejó de luchar y su voluntad de vivir era más fuerte que la de la mayoría, creo que sabía que este día iba a llegar. La letra de la canción dice: «este maldito mundo se puede caer en pedazos. Estarás bien, sigue tu corazón»», dice el texto, como recoge Rolling Stone. Es por ello que New Radicals van a reunirse, por primera vez en 21 años, para actuar en la toma de posesión del cargo de Joe Biden, junto a otros artistas como Lady Gaga, Bruce Springsteen, Justin Timberlake y Foo Fighters, en su caso en memoria de Beau, que falleció a consecuencia de un cáncer en 2015, a los 46 años.

También la revista norteamericana recoge las impresiones de Gregg Alexander sobre este regreso que adivinamos fugaz. «Si hay una cosa en la Tierra que posiblemente podría reunirnos como banda, aunque fuera por un día, es la esperanza de que nuestra canción pueda ser un pequeño faro de luz en tiempos tan oscuros». También en sus palabras hay un mensaje de esperanza por la «unidad y la normalidad» por parte de Biden y Kamala, quien también ha utilizado la canción en sus mítines. Pase lo que pase con Estados Unidos y New Radicals, cuyo único miembro permanente fue Gregg Alexander, por lo que ardemos en deseos de comprobar qué músicos habrá por allí, el acto simbolizará el retorno del pop a la Casa Blanca, tras el período oscuro que ha representado Trump. Recordemos que Trump se despidió amenazando con revelar secretos de Lady Gaga, y toda su relación con la música fue utilizar ciertas canciones sin permiso de gente como Neil Young o Tom Petty, cuyos herederos denunciaron. Parece que vuelve la era de las playlists con buena música, que tan buen resultado dio a Obama.

Goya 2021: ‘Adú’, ‘Las niñas’ y ‘Akelarre’, las películas más nominadas

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‘Adú’, con 14 nominaciones, y ‘Las niñas‘ y ‘Akelarre’, con 9 cada una, son las películas más nominadas en la próxima edición de los premios Goya, que se celebra el 6 de marzo en Málaga con Antonio Banderas y María Casado como anfitriones de la ceremonia. Ángela Molina recibirá el Goya de Honor.

Otras películas que suman numerosas nominaciones en los premios Goya son ‘La boda de Rosa’ con 8, ‘Black Beach’ con 6, y ‘Ane’ y ‘Sentimental’ con 5 cada una. Aspiran a 3 candidaturas ‘El inconveniente’, ‘Historias lamentables’, ‘Los europeos’, ‘No matarás’ y ‘Explota, explota‘. Alejandro Sanz y Rozalén compiten en la categoría de Mejor canción original, la primera por su trabajo en ‘La boda de Rosa’, el segundo por su canción para ‘El verano que vivimos’.

MEJOR PELÍCULA

– Adú
– Ane
– La boda de Rosa
– Las niñas
– Sentimental

MEJOR DIRECCIÓN

– Salvador Calvo por Adú
– Juanma Bajo Uloa por Baby
– Iciar Bollain por La boda de rosa
– Isabel Coixet por Nieva en Benidorm

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

– David Pérez Sañudo por Ane
– Bernabé Rico por El inconveniente
– Pilar Palomero por Las niñas
– Nuria Giménez Lorang por My Mexican Bretzel

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

– Amaia Aberasturi por Akelarre
– Patricia López Arnaiz por Ane
– Kiti Mánver por El inconveniente
– Candela Peña por La boda de Rosa

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

– Mario Casas por No matarás
– Javier Cámara por Sentimental
– Ernesto Alterio por Un mundo normal
– David Verdaguer por Uno para todos

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

– Jone Laspiur por Ane
– Paula Usero por La boda de Rosa
– Milena Smith por No matarás
– Griselda Siciliani por Sentimental

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

– Adam Nourou por Adú
– Chema del Barco por El plan
– Janick por Historias lamentables
– Fernando Valdivielso por No matarás

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

– Juana Acosta por El inconveniente
– Verónica Echegui por Explota, Explota
– Nathalie Poza por La boda de Rosa
– Natalia de Molina por Las niñas

MEJOR ACTOR DE REPARTO

– Álvaro Cervantes por Adú
– Sergi López por La boda de Rosa
– Juan Diego Botto por Los europeos
– Alberto San Juan por Sentimental

MEJOR GUION ORIGINAL

– Alejandro Hernández por Adú
– Claro García y Javier Fesser por Historias lamentables
– Alicia Luna e Iciar Bollain por La boda de Rosa
– Pilar Palomero por Las niñas

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

– David Pérez Sañudo y Marina Parés Pulido por Ane
– Bernardo Sánchez y Marta Libertad Castillo por Los europeos
– David Galán Galindo y Fernando Navarro por Orígenes secretos
– Cesc Gay por Sentimental

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

– Anatomía de un dandy
– Cartas mojadas
– El año del descubrimiento
– My Mexican Bretzel

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

– Corpus Christi
– El oficial y el espía
– El padre
– Falling

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

– El agente topo (Chile)
– El olvido que seremos (Colombia)
– La llorona (Guatemala)
– Ya no estoy aquí (México)

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

– Adú
– Akelarre
– Black Beach
– Las niñas

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

– Adú
– Akelarre
– Black Beach
– Nieva en Benidorm

MEJOR SONIDO

– Adú
– Akelarre
– Black Beach
– El plan

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

– Biografía del cadáver de una mujer
– Paraíso en llamas
– Paraíso
– Solo son peces

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

– 6 de decembro
– A la cara
– Beef
– Gastos incluidos
– Lo efímero

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

– Blue &Malone: Casos imposibles
– Homeless Home
– Metamorphosis
– Vuela

MEJOR MONTAJE

– Adú
– Black Beach
– El año del descubrimiento
– Las niñas

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

– Adú
– El verano que vivimos
– La boda de Rosa
– Las niñas

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

– Adú
– Akelarre
– Baby
– El verano que vivimos

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

– Adú
– Akelarre
– Black Beach
– Historias lamentables

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

– Adú
– Akelarre
– Explota, explota
– Orígenes secretos

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

– Akelarre
– Explota, explota
– Las niñas
– Los europeos

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

– Adú
– Akelarre
– Black Beach
– Las niñas

Muere Phil Spector: adiós al polémico e influyente productor, uno de los mejores de todos los tiempos

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Phil Spector ha muerto este sábado a los 81 años de edad en la cárcel de Stockton en la que residía desde el año 2009, cuando fue condenado a 19 años de prisión por el asesinato de la actriz Lana Clarkson. El fallecimiento se ha producido por causas naturales.

Spector fue uno de los músicos más influyentes de la historia de la música por su invención de la técnica de producción de estudio «Wall of Sound», mil veces replicada a lo largo de las siguientes décadas por artistas de todo pelaje, de los Beatles a Mariah Carey pasando por todo el shoegaze de los años 90, y por su producción en algunos de los éxitos de pop más emblemáticos de los años 60, como ‘Be My Baby’ de las Ronettes, ‘Unchained Melody’ de los Righteous Brothers, conocida por las siguientes generaciones tras su aparición en ‘Ghost’; o ‘He’s a Rebel’ de las Crystals, o todo el disco de canciones navideñas ‘A Christmas Gift for You From Phil Spector’, que sigue siendo escuchado a día de hoy. Publicado el 22 de noviembre de 1963, el mismo día del asesinato de de J.F. Kennedy, este álbum es considerado uno de los mejores de todos los tiempos: ‘Sleigh Ride’ de las Ronettes, ‘Santa Claus is Coming to Town’ de las Crystals o ‘White Christmas’ de Darlene Love están aquí.

Al margen de los éxitos comerciales que pudiera producir, el mayor logro de Phil Spector fue la invención del «Muro de Sonido», una fórmula de producción de estudio que consiste en agregar a la grabación numerosas capas instrumentales de un mismo instrumento para lograr un efecto de densidad o riqueza (al contrario de lo que suele pensar, este efecto no se obtiene subiendo el volumen de los instrumentos a su máxima potencia hasta alcanzar el punto de distorsión, sino añadiendo capas). Brian Wilson de los Beach Boys era un gran aficionado a la técnica, lo cual es perceptible en el sonido de ‘Pet Sounds’ o de ‘Good Vibrations’, y entre los grupos de shoegaze que han reconocido a Spector como influencia se encuentran My Bloody Valentine, Cocteau Twins o Spiritualized.

El primer éxito número 1 firmado por Phil Spector, logrado en 1958, es ‘To Know Him Is to Love Him’ de los Teddy Bears, su banda de entonces. El tema está inspirado en la muerte del padre de Spector, que se suicidó cuando él solo tenía 10 años. En adelante, Spector produjo singles de más o menos éxito como ‘Pretty Little Angel Eyes’ de Curtis Lee o ‘I Love How You Love Me’ de las Paris Sisters, hasta que en 1961 conoció a Lester Sill y juntos crearon la discográfica Philles Records, a través de la cual verían la luz los primeros éxitos de las Crystals, Connie Francis, Ike & Tina Turner o Bob B. Soxx & the Blue Jeans, en el caso de estos dos últimos grupos, con Spector ya solo a los mandos.

Tras unos años de inactividad profesional y de reclusión, pues Spector se retiró de la industria de la música tan pronto como en el año 1966 debido al pobre recibimiento obtenido por sus producciones de entonces, entre ellas ‘River Deep – Mountain High’ de Ike & Tina Turner, la cual Spector consideraba su mejor obra, en 1969 volvió a la palestra para producir ‘Let it Be’, el último álbum de estudio de los Beatles, que fue un enorme éxito comercial. El productor volvería a trabajar con algunos Beatles en los años siguientes, por ejemplo, para co-producir los dos discos más míticos de John Lennon, ‘John Lennon/Plastic Ono Band’ e ‘Imagine’, o también ‘All Things Must Pass’ u ‘The Concert of Bangladesh’ de George Harrison. A finales de los años 70, y tras sobrevivir un grave accidente de coche, Spector asumió las labores de producción de dos discos polémicos, ‘Death of a Ladies’ Man’ de Leonard Cohen y ‘End of the Century’ de los Ramones, antes de desvanecerse del ojo público para el resto de las décadas siguientes.

A partir del comienzo de siglo, el nombre de Spector rara vez sería asociado a su trabajo musical: sus intentos de producir discos de Céline Dion y Starsailor no fueron a buen puerto, aunque el músico sí produjo el single ‘Silence is Easy’ de estos últimos; que fue top 10 en Reino Unido; y en el año 2003 el músico, que solía llevar armas de fuego consigo, fue acusado de asesinar a la actriz Laura Clarkson. Ya no sería posible hablar de Spector sin mencionar este siniestro capítulo de su vida. Spector fue condenado a prisión en el año 2009, y entre rejas pasaría el resto de sus días. El recopilatorio ‘Back to Mono‘, publicado en 1991, reúne sus mejores obras.



Yung Beef / Sonrisas

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En su crítica de ‘Perreo de la muerte 2’, nuestro compañero Raúl Guillén comentaba el paréntesis que había tenido Yung Beef, especialmente atendiendo al ritmo con el que se habían sucedido el año anterior ‘ADROMICFMS 4’, ‘El Plugg‘ y ‘Traumatismo Kraneoencefálico’. Pero esa velocidad parece que se ha vuelto a retomar: en más o menos un año hemos tenido el mencionado ‘Perreo de la muerte 2’, ‘Shishi Plugg’ junto a Pablo Chill-E y Mononoke, ‘Perreo de la muerte 2.5’ y ahora estas dos mixtapes: ‘Sonrisas’ y ‘Lágrimas’, ocupándonos en esta ocasión de la primera. Todo esto sin contar colaboraciones con otros artistas (está reciente ‘Mala’, en el sensacional ‘Coupé’ de Soto Asa) y distintos singles propios como ‘Southside’, además de estar preparando para los próximos meses ‘ADROMICFMS 5’ y ‘El Plugg 2’.

Con tanto material continuamente, sería lo esperable que la calidad bajase, pero qué va: ‘Sonrisas’ es otro ejemplo del tremendo talento del granadino. Próximamente publicaremos también la crítica de ‘Lágrimas’, pero os adelantamos que, aunque en la producción hay mucha diferencia, no son las que cabría suponer por su título: hay sonrisas y lágrimas en ambas mixtapes… lo cual no es de extrañar teniendo en cuenta que ambas cosas siempre han convivido en la discografía de Yung Beef. Este doble lanzamiento es, al fin y al cabo, la materialización de una de sus señas de identidad.

Para la producción de ‘Sonrisas’ Fernando ha vuelto a contar con Paul Marmota, que aplica aquí toda su experiencia en electrónica experimental y reggaeton gélido. Y es que esa es una de las palabras clave: cuando reseñé ‘ADROMICFMS 4’ hablaba de ‘Inferno’ como una “curiosidad”, una “incursión en el reggaeton donde Yung Beef sale victorioso”. Lo de que salió victorioso está claro, pero lo de “curiosidad” cae por su propio peso: esto ya no es una pequeña incursión. No esperéis, eso sí, reggaeton al uso (lo más cercano es la divertidísima ‘Pa Lante’, con momentos grandiosos como “tú me tira en anónimo / pa que no se entere el fuckboy de tu novio / pero ya lo nuestro es obvio”). El resto sigue un barniz que bebe de varios estilos y del que se está hablando como “reggaeton psicodélico”: buena definición, que yo extendería a “reggaeton + parálisis del sueño” (para bien).

Yung Beef además sabe de quiénes acompañarse: en la producción tenemos a Paul Marmota (añadiendo en ‘Dinero’ a Brodinski, con quien ya había trabajado previamente en temas como el magnífico ‘Cold Turkey / Solté tu mano’), pero para compañeros en lo vocal ha tenido buen ojo también. Así, tenemos a El Javielito en ‘Bien y mal’, ALEX FATT en ‘Pa Lante’, El Habano en ‘King Shit’, el neoyorquino 645AR estrenándose en el castellano con ‘Dinero’, el melancólico mano a mano con Rosella en ‘Triste’ y quizás el dueto más eficaz: Kaydy Cain en ‘Pantera’. Mientras Cain dice que “rulé un blunt con tu papel de víctima” o rima “Plaza Elíptica” con “gimnasia rítmica”, Fernando se luce con esa mezcla de chulería y autoconsciencia que tan bien se le da: “cuando estoy con mi mujer pienso en mis putas / cuando estoy con mis putas pienso en mi mujer / la que es puta no se pué esconder”.

Y es que, además del estupendo trabajo en la producción, especialmente reseñable en el trallazo triste (o simplemente oscuro) ‘Demencia’ o en la inmediatez de ‘Dinero’, lo realmente grande de ‘Sonrisas’ vuelve a ser la habilidad de Fernando para mezclar en sus letras vulnerabilidad y honestidad (“estoy muerto / mami, yo creo que es eso / lágrimas en vez de besos”, “yo te traté bien y mal / pero al menos yo te traté / cuando nadie más te quería tratar”, “no tengas miedo de ser diferente / si haces lo que la gente / te ves más frágil”) con referencias cotidianas (“tú estabas solita llorando, escuchando a Rauw Alejandro”), puntos de humor (“le digo uwu y se lo meto” -su mente- en ‘Uu Uuu’, “tú sabes que el tren solo pasa una vez / chu-cu chu-cu, bebé” en la preciosa ‘Cielo’). Aunque no conozcas nada de su trabajo anterior, si eres de esas personas a las que les vuelve loco cuando Bad Bunny se pone soft en ‘Amorfoda’ o ‘Haciendo que me amas’, tienes que escuchar esta nueva colección de temas – y de ahí seguramente pases motu propio al resto de sus trabajos. ‘Sonrisas’ demuestra (otra vez) que Yung Beef sigue siendo uno de los artistas más interesantes de este país.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Cielo’, ‘Bien y mal’, ‘Pantera’, ‘Estoy muerto’, ‘Demencia’, ‘Uu Uuu’
Te gustará si te gusta: Kelman Duran, Lana del Rey, Bad Bunny, Yung Lean, Nicolas Jaar, Corbin, Albany, Tove Lo, Lil Peep, Kaydy Cain
Escúchalo: Spotify

‘Los espabilados’ puede ser la mejor canción de Alfred García, a pesar del sermón

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Alfred García ha publicado estos días su anunciado nuevo single, ‘Los espabilados’. Se trata de la canción principal de la serie dramática igualmente titulada que está a punto de estrenarse en Movistar+ y que ha sido dirigida por Albert Espinosa. La fecha de lanzamiento de la serie, que narra las aventuras de cinco adolescentes que han escapado un centro psiquiátrico, es el día 29 de enero.

Escrita, compuesta y producida por Alfred, ‘Los espabilados’ es una canción dramática en la que parecen confluir dos de las mayores influencias del artista, por un lado, Leiva y, por el otro, David Bowie. En lo instrumental estamos ante una grabación de pop-rock con guitarras acústicas y eléctricas y, en lo melódico, ante una composición dramática y apasionada, escrita a partir de un «in crescendo» muy bien resuelto. El principal reclamo de la canción, en mi opinión, es la voz de Alfred: su carismático timbre y su actuación vocal asertiva se diferencian muy claramente de lo que se ha solido escuchar en la cosecha OT. Su pronunciación de la palabra «espabilados» puede hasta descolocar un poco… para bien.

No solo melódicamente ‘Los espabilados’ se postula como la mejor canción de Alfred. La letra vuelve a no ser la mejor, pero ciertos tics de ‘1016‘ parecen haberse corregido para dar lugar a un texto más claro y maduro. El estribillo «somos los espabilados, los que no sabemos nada, pero armamos supernovas en tu mente» es memorable al instante, y aunque las imágenes poéticas a las que recurre el artista para expresar emoción, de nuevo fijadas en lo natural pero sin lugar para los matices, vuelven a no ser las más imaginativas («lluvia y frío cuando marchas», «siempre brotas verde», «llevas lejos la montaña»), tampoco dan ganas de pulsar «stop»… hasta que llega el sermón del final, con Alfred sufriendo un trastorno de identidad disociativo que preocupa más que emociona. Los «la la las» del final, que gustarían a Harry Styles, compensan el desliz.

Perfume Genius vuelve a acertar acercándose a los 80 en el single que presenta su disco de remixes

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Perfume Genius ha anunciado un álbum de remezclas de ‘Set My Heart on Fire Immediately‘ que verá la luz el 19 de febrero. Uno de los mejores discos de 2020 ha sido remezclado por artistas como A.G. Cook, Jenny Hval, Westerman, Planningtorock, Jaakko Eino Kalevi o Actress sin que su secuencia original de 13 canciones haya sido alterada en absoluto.

‘Immediately Remixes’ incluye el remix a lo Kylie de ‘On the Floor’ por Initial Talk, y se presenta oficialmente con el de ‘Your Body Changes Everything’ por Boy Harsher. El dúo de synth-pop de Georgia, conocido por temas como ‘Pain’, ‘Motion’ o ‘LA’, lleva el corte de ‘Set My Heart On Fire Immediately’ totalmente a su terreno -el del cold wave y el electro-pop de los años 80- para hacerlo sonar como inspirado en los ritmos mecánicos de Orchestral Maneuvres In the Dark o los primeros Depeche Mode. Una revisión a lo pastiche de ‘Your Body Changes Everything’ que crea un interesante contraste entre la contundencia de la base rítmica y la misteriosa melodía de Mike Hadreas. Su «can you feel my love» suena, de repente, extasiado, mientras en el tramo final de la producción se recupera la técnica del «fade out» para dejar con ganas de más.

El artista ya había explicado que ‘Your Body Changes Everything’ habla sobre la fluidez de género. «Me siento tanto masculino como femenino en mis relaciones, pero cuando me siento más masculino, no me siento menos femenino», ha contado. «A veces no se tiene eso demasiado en cuenta, y terminas aprendiendo que esa dinámica que te lleva de un lado a otro no existe. Al final, llevas a tus relaciones todas esas reglas y dinámicas en las que supuestamente debes encajar, en lugar de dejar que el ritmo siga su curso. La canción va sobre estar abierto a lo que pueda pasar sin traer toda esa basura contigo».

El vídeo de la remezcla de ‘Your Body Changes Everything’ es una alucinación suburbana inspirada en ‘Videodrome’ de David Cronenberg y en ‘Poltergeist’ de Tobe Hooper, tal y como ha explicado Hadreas en la nota de prensa oficial. En el vídeo, el actor Brandon Gray se enamora perdidamente de una alienígena a la que ve a través de su televisor, interpretada por la modelo Teddy Quinlivan. Una historia de amor imposible situada en el contexto de un confinamiento vivido en pleno verano, y que busca reflejar los sentimientos de ansiedad y «disociación» experimentos por tantos durante la pandemia.

Por si te las perdiste: 5 estrenos de 2020 para ver en plataformas

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La sorpresa indie de la temporada, la película “pedófila” de Netflix, un oscurísimo drama psicológico nórdico, una historia de amor muy, muy marciana, y la comedia más triste del año. 5 peliculones estrenados el año pasado en plataformas que han pasado un poco desapercibidos.

Sound of Metal (Darius Marder)

Ha hecho menos ruido que el estreno de la última de Sofia Coppola (‘On the Rocks’, en Apple TV+), pero ‘Sound of Metal’ merece un buen redoble de tambor (no tanto la de Coppola, aunque no está mal). El debut en el largometraje de Darius Marder (guionista de ‘Cruce de caminos’ y de la próxima de Derek Cianfrance, ‘Empire of the Summer Moon’) es una de las sorpresas indie de este año, un fabuloso drama sobre un batería de doom metal que comienza a quedarse sordo. Gracias a un extraordinario diseño de sonido (a cargo del ingeniero Nicolas Becker, que ha trabajado en títulos como ‘Gravity’ o ‘La llegada’) y a la impresionante interpretación del británico Riz Ahmed (promete arrasar en los premios de cine independiente y ya suena para los Oscar), la película consigue transmitir perfectamente la angustia del protagonista y describir, con sensibilidad pero sin excesos melodramáticos, su difícil camino hacia la aceptación. Un camino plagado de obstáculos psicológicos, sociales y sentimentales. 8’5.
Disponible: Amazon Prime Video

Guapis (Maïmouna Doucouré)

Una de la mejores películas de 2020. De triunfar en los festivales de Sundance y Berlín, a ser linchada en las redes sociales tras su estreno en Netflix. Ese ha sido el extraño camino recorrido por el debut de la directora Maïmouna Doucouré. Tras la metedura de pata de la plataforma con el burdo cartel promocional (por el que pidió disculpas), ‘Guapis’ fue acusada de hacer apología de la pedofilia. En realidad, el filme es todo lo contrario. A través del protagonismo de una niña de once años franco-senegalesa y de familia musulmana tradicionalista, la directora construye un intenso drama, tan duro como tierno, sobre las dificultades de crecer en un entorno dominado por el choque cultural, la precariedad económica, la desatención familiar y la hipersexualización de la infancia. Es una denuncia muy incómoda porque obliga al espectador a ver a niñas perreando y haciéndose selfies obscenos, pero también muy valiente por mostrar de frente una realidad que no se debería ocultar. 8’5.
Disponible: Netflix

Reina de corazones (May el-Toukhy)

Estrenada en cines justo antes del confinamiento, ‘Reina de corazones’ (premio del público en Sundance) no tuvo el recorrido comercial que merecía. Su estreno en internet y dvd nos permite disfrutar de este intenso drama nórdico, gélido en las formas pero volcánico en su contenido, protagonizado por uno de los personajes femeninos más complejos y sugestivos vistos últimamente (interpretado de forma extraordinaria por Trine Dyrholm). En la línea del cine de Thomas Vinterberg (quien aparece mencionado en los créditos como asesor), la cineasta danesa May el-Toukhy narra una turbia historia de ambiente burgués donde el orden, el estatus y las apariencias ocultan una realidad tejida de insatisfacción, hipocresía y crueldad. Un relato lleno de secretos y claroscuros, que le sirve a la directora para reflexionar acerca del poder -su uso y abuso- y sobre la normalización social de determinadas conductas sexuales según sea la edad y el género de sus protagonistas. 8.
Disponible: Movistar+

La reina de los lagartos (Burnin’ Percebes)

Junto a ‘My Mexican Bretzel’, ‘La reina de los lagartos’ es la película española más (gozosamente) singular de este año. Tras un lustro dedicados a la (post)comedia más esquinada, subterránea y youtubera (‘Searching for Meritxell’, ‘IKEA 2’, ‘Da Suisa’), Fernando Martínez y Juan González lograron asomarse brevemente a las salas comerciales con esta comedia romántica y de ciencia ficción, rodada en celuloide (en Super-8, lo que le da una textura a medio camino entre la película casera y el underground sesentero), y con actores conocidos: Bruna Cusí, Miki Esparbé, Javier Botet… ‘La reina de los lagartos’ es una encantadora historia de amor entre una madre soltera y un amante muy peculiar. Un tierno romance veraniego tan heterodoxo como sus influencias: ‘E.T. el extraterrestre’, los reptilianos de ‘V’, el cine de Ulrich Seidl, los kaiju-eiga cutres, e incluso el ‘Monte de Piedad’ de La Bien Querida. 7’5.
Disponible: Filmin

Thunder Road (Jim Cummings)

Otro estreno que pasó completamente desapercibido. En 2016, un desconocido Jim Cummings ganó el premio al mejor cortometraje en el festival de Sundance con ‘Thunder Road’, una obra maestra del posthumor. Partiendo de ese corto, un discurso fúnebre en plano-secuencia tan hilarante como patético, tan conmovedor como incómodo, Cummings ha realizado (y escrito, editado, musicado y protagonizado) un largometraje con el mismo título. ‘Thunder Road’, que hace referencia a la canción de Bruce Springsteen, es un retrato tragicómico de un policía de pueblo depresivo y con dificultades para relacionarse en sociedad. A través de la narración de sus problemas laborales, sentimentales y de dicción, Cummings despliega una enorme variedad de registros dramáticos y cómicos. No todos funcionan igual de bien. Pero tiene tantos de genialidad que no importa que el conjunto sea algo irregular. Cummings tiene nueva película: ‘The Wolf of Snow Hollow’, una mezcla de terror y humor con hombres lobo que promete muchísimo. 7’5.
Disponible: Movistar+

La M.O.D.A. / Ninguna Ola

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La Maravillosa Orquesta del Alcohol han decidido ponérselo definitivamente difícil a sus seguidores y oyentes casuales con ‘Ninguna Ola’, su nuevo álbum. David Ruiz, cantante y letrista de la banda burgalesa, ha explicado que su intención con el disco ha sido que este «refleje lo que somos, que no pierda nuestra identidad, pero que nos quite miedos», y de quitar va la cosa porque el largo no puede sonar más austero. ‘Ninguna Ola’ reduce el discurso de La M.O.D.A. a su mínima expresión para sacar a relucir todas sus carencias.

Hay que aplaudir a La M.O.D.A. por no haber querido hacer lo de siempre en este ‘Ninguna Ola’ que ha sido producido por Raúl Fernández «Refree», con quien David Ruiz ya se había asociado en su proyecto paralelo, nostalgia.en.los.autobuses. Quizá era el momento de reinventar de alguna manera su sonido bohemio, tabernero, arraigado en el folk-rock y en instrumentos como el acordeón o el banjo, además de la guitarra. En el disco no solo manda un sonido instrumental realmente esquelético que a veces parece pobre, como sucede en el estribillo de ‘La vuelta’, que no se sabe si suena maquetero a propósito o no; o en toda la composición de ‘Un bombo, una caja’, que se titula así por algo; sino que algunos instrumentos buscan deliberadamente el feísmo de un Tom Waits, como ocurre en la mencionada ‘La vuelta’, aunque sin la gracia de este último.

La austeridad de ‘Ninguna Ola’ significa que el disco ya no ofrece ninguna oportunidad de escapar de la voz de David Ruiz, siempre tan afectada y teatral para luego cantar cosas que te dejan con cara de no pillar una ecuación; ni mucho menos de las letras de la banda, que vuelven ser totalmente suis generis. A menudo los sintagmas que utiliza Ruiz, como los de ’93compasses’, son confusos, misteriosos («anoche cae sobre la escena, solo está abierto el hospital»); cuando no espeluznantes («se oyen manos tendidas pero no puedo verlas»). Cuando Ruiz canta, en ‘Regresso à vida’, sobre «tres cuerpos peleando por un solo espacio» o cuando añade que «nadie quiere despedirse», ni analizando la letra dentro de su contexto se sabe de qué está hablando.

Aficionado a utilizar metáforas que solo él comprende, Ruiz deja en ‘Ninguna Ola’ una serie de pasajes que pueden significar mil cosas y ninguna al mismo tiempo: «tonos verde y azul turquesa iluminan la montaña de diversión; y droga» es tal cual una frase que aparece en el single ‘Conduciendo y llorando’, que entre otras igual de incomprensibles como «tráfico es una cría suplicando clemencia desde las tripas de un león» o «sombras, esa es la nueva sintaxis de las bombas», bordea el surrealismo. En ‘Ninguna ola’, una canción puede empezar de una manera para luego no desarrollar su planteamiento inicial en absoluto, como sucede en ‘Barcos hundiéndose’, que empieza planteando una posible crítica a la crisis de los refugiados («hay personas que niegan a otras poder tener un hogar») para luego claramente dedicar su tiempo a la toxicidad de las redes sociales. Al final esa frase inicial termina por no aportar nada.

Lo mejor que se puede decir de las canciones de ‘Ninguna Ola’ es que sus textos invitan al análisis. También que la música a veces toma caminos inesperados, como los nítidos teclados que emergen en ‘Bandera sin color’, por la que a su vez asoman ecos post-punk; o los punteos y ritmos a lo Radiohead de ‘Barcos hundiéndose’. Si la mano de Refree se nota en algo, es en lo espaciosas que suenan las canciones, en lo mucho que los instrumentos respiran. Lo peor es que sus melodías intensas escritas con el propósito de arrancar una lágrima a la fuerza al oyente seguirán gustando solo a sus fans y que su raquítico diseño de sonido no descubre ni una instrumentación especialmente interesante ni mucho menos canciones que dejen huella.

Calificación: 2/10
Lo mejor: los 20 primeros segundos
Te gustará si te gusta: Guitarricadelafuente, Pablo López, Izal
Youtube: vídeo de ‘Conduciendo y llorando’

No es Zahara quien incomoda en la angustiosa ‘Merichane’

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Una nueva generación de fans descubría la música de Zahara gracias a la interpretación en OT de ‘Con las ganas’. La cantante, que había pasado página de aquella canción hace rato, consentía reencontrarse con ella, aunque quien la seguía de cerca sabía que en ese lapso se había ido transformando en otro tipo de artista. Tras el punto de inflexión de ‘Santa‘, ‘Hoy la bestia cena en casa‘ se transformó en un himno capaz de llevar parte de su contenido a pancartas de las manifestaciones del 8-M. Era feminista, una composición de supervivencia, pero además una producción electrónica y una canción muy divertida. Foto: Sharon López.

‘Merichane’ sigue una línea parecida de tan peculiar grabación. Ha desaparecido el humor, porque lo que denuncia es grave, pero lo primero que percibimos en ella es una producción inspirada en la electrónica ochentera. Prácticamente todo lo que oímos son los sintetizadores y las programaciones de Martí Perarnau IV como muestran los créditos de Tidal, pero lo que vamos hallando en el fondo, estupefactos, es un cúmulo de confesiones de la pluma de la artista, que pueden resultar incómodas de oír al espectador… cuando a quienes deberían avergonzar, quienes deberían sentirse incómodos, son quienes las provocaron.

Zahara trata de exorcizar viejos fantasmas en la que trata de ser una canción de huida. Una huida de la persona que fue cuando abusaron de ella, de la persona que fue cuando la explotaron, de la persona que fue cuando la acorralaron, de la persona que sufrió trastornos alimenticios. El tiempo dirá si esta canción enmarcable en el movimiento #MeToo que ya han sentido como suya cientos de mujeres que hicieron de este vídeo un «trending topic» este jueves y un viral en Youtube durante este fin de semana, sirve en lo personal a su autora. En el plano artístico, ‘Merichane’ es otro logro ideado por una artista que ya ha mostrado en el pasado tanta facilidad para expresar pasión y desgarro, como cabeza fría como conceptualista.

Tomando como nombre el apodo de «la puta del pueblo», ‘Merichane’ alterna una producción oscura con una melodía y estructura un tanto asfixiantes: por cada vez que crees que va a llegar el estribillo o la canción va a terminar, a «liberarse», se añade una estrofa, una confesión más, que continúa sumergiendo al oyente en el desasosiego, paradójicamente atrapándolo. El vídeo dirigido por Guillermo Guerrero tampoco es lo que parece, tal y como sucedía en primera instancia con la producción de la canción. Lo que vemos es un cúmulo de referentes estéticos y coreográficos que nos hacen pensar en Beyoncé, Madonna y Lady Gaga. Lo que hay es una mujer tratando de escapar del abuso.

‘Caos y magia’, un libro inusual sobre un grupo tan inusual como The KLF

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En 2012 el escritor experto en contracultura John Higgs publicó un libro sobre The KLF llamado ‘Caos y magia’. El dúo no ha publicado nueva música desde entonces -ni se la espera-, pero sí ha ofrecido novedades que, involuntariamente o todo lo contrario, han contribuido a alimentar el mito. En 2017 terminaban los 23 años de silencio que prometieron, se anunció un evento, sacaron un libro, se presentó el proyecto de «mumuficación» -una pirámide de ladrillo con cenizas de sus seguidores muertos– y ahora se ha estrenado un documental llamado como aquel evento, ‘Welcome to the Dark Ages’, al tiempo que la música de The KLF ha llegado por primera vez de manera legal a las plataformas de streaming. La compilación de hits ‘Solid State Logik 1‘ es nuestro «Disco de la Semana».

Desvinculado de plataformas como Netflix o incluso Filmin, es decir, por supuesto al margen del sistema, y desprovisto de subtítulos siquiera en inglés, ‘Welcome to the Dark Ages‘ es un documental difícil, y lo que es peor, superficial y anecdótico. Las voces que oímos en el mismo no dan buena cuenta de la profundidad que puede llegar a tener el discurso de KLF. Aunque no recoja esta última deriva de la banda, el libro ‘Caos y magia’, que en España llegó a su tercera edición en 2016 de mano de Libros Walden (cada edición fue de un color), continúa siendo la mejor manera de acercarse a intentar comprender qué había detrás de The KLF, si es que el propio grupo tenía alguna idea al respecto.

Lo habitual en los libros sobre artistas es que recurran a su infancia y adolescencia para tratar de comprender y explicar su trayectoria. El origen irlandés de Morrissey, el origen humilde de Brett Anderson, el precoz interés por la literatura de Patti Smith han sido los bastiones que nos han ayudado a comprender mejor sus biografías y autobiografías. Pero es que ‘Caos y magia’ no es una biografía al uso: apenas nada se nos cuenta sobre la vida personal de Bill Drummond y Jimmy Cauty. El objetivo del autor es enmarcar su obra y sobre todo el acto en el que quemaron un millón de libras en los ámbitos artístico, sobre todo filosófico, teológico e incluso político y económico de los siglos XX y XXI.

En los últimos años ha habido novedades en el mundo de The KLF pero ‘Caos y magia’ ya contenía las claves para tratar de comprenderlas: el uso reiterado del número 23 en su imaginería y el uso de la pirámide que tan importante ha terminado siendo en su discurso son algunas de las cosas sobre las que el libro se orquesta. John Higgs profundiza en el impacto del trabajo de Robert Anton Wilson y Robert Shea en la obra de The KLF, incluso cuando estos solo habían leído una parte muy pequeña de la trilogía ‘The Illuminatus!’ (1975).

Vinculando la obra del dúo con el dadaísmo, el discordianismo (una antirreligión que se reía de otras religiones, convertida en religión al fin y al cabo) y la atracción por la «magia» y el «caos» que terminan dando título al libro, Higgs elabora tesis profundamente enriquecedoras, no necesariamente excluyentes (la «contradicción» es una de las ideas más celebradas en el libro) y además lo hace de manera relativamente ligera y hasta en alguna ocasión, medio divertida. Porque sí, aquí también hay cameos de los abogados de ABBA, las cuatro doncellas de Lucifer, ‘El hombre de mimbre’, la opinión de Alan Moore, las decenas de temporadas de la serie británica ‘Doctor Who’ y la fotocopiadora vinculada al asesinato de Kennedy. Y la línea que separa lo fascinante de lo descacharrante es muy fina. Algo que se aprecia perfectamente en ese al menos doble final que no excluye la posibilidad de que The KLF simplemente fueran «un par de gilipollas» quemando dinero. Un libro sobre música pop bastante inaudito que consiente y requiere de una segunda lectura como pocas otras obras sobre músicos se han hecho. 9.

Bunbury apoya una manifestación que entrecomilla la «pandemia» y habla de «supuesta vacuna»

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El 23 de enero se celebra una manifestación en Madrid organizada por el colectivo Humanos Conscientes y Libres, formado por diversas asociaciones a su vez, que en su web ha colgado un manifiesto con 7 puntos fundamentales. En primer lugar, piden la recuperación de derechos, «el derecho a la libertad de expresión, opinión, movimiento y reunión que bajo el pretexto de una emergencia sanitaria nos han sido arrebatadas, así como del derecho a trabajar, cuya suspensión está causando la ruina de la pequeña y mediana empresa nacional».

​El colectivo pide en otros puntos «abrir un debate científico y plural acerca de la «pandemia»» (esto último entrecomillado), cuestionan «el uso obligatorio de mascarillas»; piden la actuación de la justicia para «depurar responsabilidades por lo sucedido en residencias de ancianos», en concreto por «los delitos de «homicidio por omisión del deber de socorro» y «eutanasia activa» mediante sedaciones, fármacos experimentales y protocolos» que este colectivo considera «mucho más nocivos que la propia enfermedad». Y entre otras cosas, piden la «soberanía como individuos para decidir sobre nuestro propio cuerpo respecto a la supuesta vacuna».

Como informa Mondosonoro, Enrique Bunbury ha grabado un vídeo en apoyo a la protesta del 23 de enero, indicando que no puede acudir porque está grabando un concierto. Sus palabras en dicho vídeo subido a Youtube por un usuario son: “En este 23 de enero (…) me gustaría participar en esta marcha por la libertad, coincidiendo en todo lo básico con vuestros argumentos. Parece que hay que recordar nuestras libertades (…) la de expresión, de movimientos, de reunión, la médica, que es tan importante, y por supuesto, el derecho al trabajo. Son casi tan obvias que me parece una vergüenza repetirlas en voz alta, vivir un momento en el que están en entredicho. Me gustaría estar ahí presente, todo mi apoyo. Esto no puede continuar, os mando un fuerte abrazo. Que se oigan todas las voces de todos los que estamos radicalmente a favor de la libertad».

Bunbury, que ha generado una gran controversia este año por su postura sobre la pandemia y las teorías de la conspiración, ha publicado recientemente un disco en el que también trata el tema de soslayo, llamado ‘Curso de levitación intensivo‘, con temas como ‘La gran estafa’.

Einstürzende Neubauten / ALLES IN ALLEM

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El 2020, a pesar de todo lo fastidiado que ha sido para el mundo en general y la música en particular (y espérense, que en este 2021 vienen curvas), ha estado bien repleto de lanzamientos. Tantos, que siempre hay discos destacables que se quedan en el tintero, sin reseñar. Uno de ellos es el regreso de los fundamentales Einstürzende Neubauten. El combo industrial liderado por Blixa Bargeld no sacaba disco desde 2014, cuando editaron el vanguardista, incómodo y fascinante ‘Lament’, sobre el estallido de la Primera Guerra Mundial. Coincidiendo con la salida de ‘ALLES IN ALLEM’, el pasado mes de mayo, Einstürzende Neubauten se rindieron finalmente al streaming y regresaron con un disco bastante accesible y convencional. Todo lo convencional que Blixa Bargeld y los suyos pueden ser, claro.

Por lo que comentó Blixa en las diferentes entrevistas que concedió a medios españoles, este no es un disco sobre Berlín, aunque lo pudiera parecer, ni tiene ningún cariz temático. Tampoco fue creado durante ni para la pandemia. Fue autofinanciado vía micromecenazgo y su lanzamiento estaba programado desde mucho antes antes del confinamiento. Pero la COVID-19 impidió realizar todos los actos que la banda tenía programados para sus «supporters» (que no fans) coincidiendo con la salida del álbum: conciertos, una ruta turística por Berlín con el propio Blixa de guía… Es así como, una vez más, las circunstancias modifican la percepción de un disco. Porque escuchado en la situación actual, sientes que Einstürzende Neubauten sí parecen querer poner en orden sus ideas sobre la actual crisis sanitaria y social en Europa. ‘ALLES IN ALLEM’ refleja cierta resignación. La banda hace una pausa para observar el panorama y pensar «¿qué vendrá ahora?». No en vano, y si el traductor de google no me engaña, ‘Alles in allem’ viene a significar «Considerándolo todo».

Esto se traduce en un disco bastante sobrio y contemplativo. Sin embargo, su arranque es tan apabullante que hace esperar otra cosa. ‘Ten Grand Goldie’, el tema inicial, no es sólo la mejor canción del álbum, sino que ha de ser declarada ya como clásico de la banda. Todo un trallazo de blues entrecortado, ritmo tribal, con atmósfera de película de suspense, pausas dramáticas y un estribillo grandioso, definitivo. A partir de aquí ya no vamos a encontrar nada que golpee tan directo. Todo transcurre por parajes algo tenebrosos y góticos, aunque sin resultar desoladores, ya que todos los temas encierran cierta luminosidad. Son paisajes sonoros creados para reflexionar, no para enajenar, repletos de un instinto melódico sosegado. Los flecos de agresividad también asoman, pero muy tímidamente. Sí que los Neubauten siguen siendo fieles a sus armas de expresión habituales: instrumentos fabricados con desechos, texturas sonoras creadas a partir de ensayo y error… y, por encima de todo, la expresiva voz del mago Blixa dirigiendo el conjunto. Aunque no domines el alemán, sólo su entonación, su modulación, la manera en que amasa o escupe las palabras, bastan para captar el espíritu de cada tema.

El ejemplo perfecto sería ‘Möbliertes Lied’, con unas suavísimas líneas sintetizadas dibujando la melodía, breves crescendos y efectos de sonidos leves que van construyendo la atmósfera. O la dulce ‘Taschen’, una especie de banda sonora colgada sobre cuerdas para films existencialistas. Los Neubauten incluso alcanzan cotas de balada triste en ‘Alles in Allem’, la canción homónima, de fuste clásico a pesar del sonido de metal afilándose que la reviste. Donde la fórmula resulta especialmente atrayente es en ‘Wedding’; la repetición de la palabra que le da título acaba creando otro estupendo estribillo que haría palidecer de envidia a Nick Cave. El pulso industrial y experimental sólo aparecen en la espectral ‘Zivilisatorisches Missgeschick’.

Aun sosegados, Einstürzende Neubaten siguen siendo Einstürzende Neubauten. La melancolía y reflexión que emana ‘ALLES IN ALLEM’ está lejos del terrorismo sónico en que podía incurrir la banda antaño. Pero mantienen intacto el instinto de la libertad artística, del idealismo. Y por eso este es un disco hermoso.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Ten Grand Goldie’, ‘Möbliertes Lied’, ‘Taschen’, ‘Alles in Allem’, ‘Wedding’
Te gustará si te gustan: Nick Cave, Swans, Protomartyr, Agnes Obel.
Escúchalo: el mejor tema en Youtube.

Fallece a los 69 años Sylvain Sylvain de los New York Dolls

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Sylvain Sylvain, guitarrista de los New York Dolls, una de las bandas de rock más influyentes que surgieran en la década de los años 70, ha muerto a los 69 años a causa de un cáncer, ha confirmado su familia en un comunicado.

«Como la mayoría de vosotros sabéis, Sylvain batalló contra el cáncer durante los últimos dos años y medio. Aunque luchó con valentía, ayer falleció por esta enfermedad», explica el comunicado publicado en Facebook. «Aunque lamentamos su pérdida, sabemos que ahora está finalmente en paz y libre de dolor. Por favor, escuchad a tope su música, encended una vela, decid una oración y enviemos a esta hermosa muñeca en su camino».

El mismo texto recuerda que Sylvain Sylvan nació en El Cairo, pero que a los 10 años su familia y él se trasladaron a Nueva York. De adolescentes, Sylvain Sylvain y sus colegas de instituto, Billy Murcia, Arthur Kane, David Johansen y Jerry Nolan formaron los New York Dolls para convertirse en una de las bandas pioneras del punk-rock, el glam-rock y el new wave anglosajón, y también de la subversión de género en el mundo del rock, pues sus integrantes eran conocidos por su androginia a la hora de vestir.

A principios de los años 70, New York Dolls publicaron dos discos que, aunque no fueron éxitos comerciales, han resultado tremendamente influyentes en décadas posteriores, ‘New York Dolls’ (1973) y ‘Too Much Too Soon’ (1974). Se considera que estos discos allanaron el terreno para la posterior aparición de bandas como Ramones, Blondie, Television o Talking Heads. En 1977, la banda se disolvió. Años más tarde, Johansen y Sylvain reunieron a la banda para publicar, en 2006, ‘One Day It Will Please Us to Remember Even This’, uno de los discos que más han tardado en salir de la historia: 32 años. A este le siguieron ‘Cause I Sez So’ (2009) y ‘Dancing Backward in High Heels’ (2011).

‘Comerte entera’ lleva la «insensatez» de C. Tangana a nuevos lugares

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C. Tangana publica nuevo single de título que hará tilín a Armie Hammer. ‘Comerte entera‘ es el cuarto avance de ‘El Madrileño’, ese nuevo disco de Antón que sigue sin ser anunciado oficialmente a pesar de que los tres primeros adelantos han alcanzado el número 1 de singles en España y puede que ‘Comerte entera’ corra la misma suerte… o no.

Sin que la audiencia esté entendiendo, de primeras, que está ante otro 10 sobre 10 en el repertorio de C. Tangana como lo son ‘Nunca estoy‘, ‘Demasiadas mujeres‘ y ‘Tú me dejaste de querer‘, quizá por lo difícil que era componer una cuarta canción igual de buena que esas tres, aunque no hay que subestimar a nadie; ‘Comerte entera’ vuelve a mostrar a C. Tangana y a Alizzz en estado de gracia por varias razones, en este caso acompañados de Victor Martínez en la producción, y del conocido cantante y guitarrista brasileño Toquinho en la grabación, pues este proporciona coros. Una decisión de lo más lógica, la de colaborar con Toquinho, si se tiene en cuenta que la melodía de ‘Comerte entera’ se basa muy abiertamente en la de ‘Insensatez’ de Tob Jobim y Vinícius de Moraes, estándar de la bossa nova que Toquinho llegó a grabar en los años 70 acompañado del segundo, uno de sus mejores amigos.

‘Comerte entera’ no deja de ser otro ejemplo de la modernización de la música tradicional que podrá escucharse en ‘El Madrileño’. La melodía de bossa nova suena hasta sobada de primeras, sin embargo, como ‘Tú me dejaste de querer’ ha demostrado, C. Tangana y Alizzz saben muy bien qué hacer con las melodías que manejan para que suenen nueva. El primero, convertido definitivamente en cantante melódico, por si lo de ‘Un veneno‘ le pareció una anécdota a alguien; vuelve a dejar frases memorables tipo «no puedo más que pensar en tu culo al pasar, rebotando», y el segundo sigue haciendo sus habituales virguerías a la producción, envolviendo la voz de Antón en un robusto filtro de vocoder y ofreciendo un beat duro y agresivo que contrasta con la dulzura de la melodía, como ya sucedía con ‘Nunca estoy’. ¿Quizá la influencia del funk carioca en ‘Comerte entera’ hay que buscarla en el patrón rítmico de la canción, más que en los sonidos que ya presentaba ‘Pa’ llamar tu atención‘?

Desde luego, el «surtido de ibéricos» al que aludía C. Tangana en los días previos al estreno de ‘Comerte entera’ es posible encontrarlos en el videoclip de la canción, en el que vemos, por un lado, al artista en una cocina tallando ajo, rodeado de tomates, uvas y de un jamón ibérico; y, por el otro, o a dos monjas usando un patinete. Por otro lado, la actriz Bárbara Lennie ejerce de interés romántico de Antón en este videoclip dirigido por Little Spain por el que aparece, de manera nada disimulada, un cuadro de C. Tangana que podría ser la portada de ‘El Madrileño’.

Selena Gomez inaugura etapa latina con un discreto single firmado por 8 personas

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Selena Gomez vuelve. Cuando acaba de cumplirse un año desde que lanzara ‘Rare‘, su último álbum de estudio hasta la fecha, la artista tejana regresa con un nuevo single que es el primero de dos que lanzará estos días, a la manera de ‘Lose You to Love Me’ y ‘Look at Her Now’. El primero es ‘De una vez’ y ya puede escucharse, y el segundo es ‘Baila conmigo’, una colaboración con el cantante de reggaetón portorriqueño Rauw Alejandro que estará disponible próximamente.

Lejos de representar una anécdota en la carrera de Selena, ‘De una vez’ avanza el que será su próximo trabajo discográfico, que estará cantado en español. Es, en palabras de la cantante, «el comienzo de algo que durante mucho tiempo había querido explorar».

Un leve ritmo de reggaetón, similar a lo que suele hacer Karol G, proporciona la base de este tema de melodía melancólica y producción envolvente pero mensaje esperanzador, en el que Selena nos cuenta que ha superado una dura ruptura y que su corazón ha «sanado» y está a prueba de balas. A pesar de no alcanzar ni los 3 minutos de duración, quedándose en los 2 minutos y 36 segundos, y no de ser una composición especialmente sofisticada, ‘De una vez’ ha sido escrita por hasta 8 personas distintas según los créditos de Spotify, entre ellas la propia Selena y Marco Masís, quien no es otro que TAINY, productor principal de la grabación. ¿Es ‘De una vez’ un tema tan discreto como parece en las primeras escuchas, o esconde una magia aún por desbloquear?

Escucha lo nuevo de Zayn, Foo Fighters, Sia, Sleaford Mods, Ashnikko, shame…

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2021 empieza definitivamente hoy con una serie de potentes lanzamientos que puedes escuchar desde ya mismo en nuestra playlist de novedades actualizada. Si la semana arrancaba, no con el viral de Olivia Rodrigo, al que hoy responde su amigo Joshua Bassett; sino con el estreno del nuevo single de Lana Del Rey, a lo largo de los últimos días han presentado nuevas propuestas tanto Mogwai como Sen Senra. Este mismo jueves veía la luz, por sorpresa, el sorprendente nuevo single de Zahara, y unas horas después, era posible escuchar el nuevo tema de influencias bossa de C. Tangana junto a Toquinho.

El viernes deja más novedades suculentas, entre ellas los nuevos discos de Zayn, Sleaford Mods, YOU ME AT SIX y shame, los nuevos epés de Death Cab for Cutie y Fickle Friends, la nueva canción de Selena Gomez que inaugura etapa latina y el remix de ’34 + 35′ de Ariana Grande con Doja Cat y Megan Thee Stallion. Hay nuevos temas de Stereolab (que adelantan su disco de rarezas), DaBaby, Axolotes Mexicanos o Bejo y nuevas colaboraciones de The New Raemon con David Cordero y Marc Clos y de Marc Seguí con Pol Granch.

Si te sorprende la falta de remezclas similares entre las novedades de la semana, que sepas que Perfume Genius acaba de anunciar un álbum de remixes de su último trabajo, y ojo porque el tema que presenta, un remix de ‘Your Body Changes Everything’ por Boy Harsher, se pega. Es uno de tantos singles que han salido esta semana de cara al viernes, entre los que cabe destacar también lo nuevo de Foo Fighters, que siguen avanzando su próximo álbum; Sia con Burna Boy, un remix de ‘Hey Boy’; Baby Queen, la reciente «Canción Del Día» de la israelí Noga Erez.