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Whitney / Candid

Por
Sebas E. Alonso
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De entre todos los grupos sobre la faz, Whitney es uno de los que pocos deseables en un disco de versiones, proyecto que suele ser tildado como holgazán por crítica y público. La banda de Max Kakacek y Julien Ehrlich (ambos ex Smith Westerns) ha explorado en sus dos álbumes hasta la fecha ‘Light Upon the Lake‘ y ‘Forever Turned Around‘ el folk de los 60, el soft-rock y el sonido Brill Buiding, así que tenía todo el sentido que dieran su propia interpretación de algunas de las canciones que les han influido o que han sido importantes para ellos. Ese parece el cometido de ‘Candid’, si bien la selección de las composiciones esconde algunas sorpresas.

El objetivo es claro cuando las canciones proceden de los años 70, como es el caso de los dos sencillos principales. Sus armonías vocales y la instrumentación clásica de Whitney son perfectas para la recuperación de un clásico perdido como es ‘Hammond Song’ del trío de hermanas The Roches, sobre la autorrealización de uno mismo frente a la dependencia del amor; y también para un clásico de John Denver, como es ‘Take Me Home, Country Roads’. Una melodía celestial que puedes canturrear después de una única escucha, dispuesta a acompañarte durante toda una vida. Waxahatchee está estupenda aportando las armonías vocales de una grabación que deja como curiosidad los primeros créditos de Kevin Morby como ingeniero de sonido, pues estaba confinado con ella al ser su pareja.

Los resultados también son maravillosos cuando Whitney tratan de hacer justicia a más canciones de aquellos tiempos como la que en 1972 nos hablaba de las virtudes de «reír» y «amar» y de los perjuicios de «llorar» y «mentir» (‘Crying Laughing Loving Lying’ de Labi Siffre). O cuando hacen parecer una canción de Damien Jurado de 2016 un tema que lleva escrito 50 años, algo que han conseguido cambiando los acordes del estribillo y añadiendo una «slide guitar» y un solo de trompeta a ‘A.M. AM’. Y más lejos van aún cuando la selección recurre a canciones que no pegaban tanto con este envoltorio.

La gran inesperada de ‘Candid’ es ‘Bank Head’. Ese bombo de la canción inicial de este álbum, que parece que contra todo pronóstico va a dar lugar a una remezcla techno (!!), procede de una producción de Kelela, en concreto una de las mejores de ‘Cut 4 Me’. El experimento, según un «track by track» que han compartido con prensa y fans, representa el sonido al que quieren conducirse en el futuro. Y también proviene del R&B ‘Rain’, un éxito muy moderado del grupo femenino de los 90 SWV que aquí han decidido mezclar con un tema de Jaco Pastorius, ‘Portrait of Tracy‘.

Otro trabajo de deconstrucción ha sido el realizado sobre el tema de ‘Strange Overtones’, una canción colaborativa de David Byrne y Brian Eno relativamente bailable que Whitney también han llevado a su territorio, en este caso con un protagonismo inusual del piano de Malcolm Brown en su parte final. Se trata de una composición que habla de la creación musical y que por tanto es una de las que mejor capta la esencia de ‘Candid’. Esta letra habla de «armonizar tonos raros», de «añadir un estribillo» a canciones que «lo necesitan» y de cambiar un tono si es preciso. Y no es que estas composiciones originales requirieran de mejora alguna. Es solo que es una gozada escuchar a Whitney recrearse en algunas de sus canciones favoritas, y aportándoles parte de su bellísima personalidad.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Hammond Song’, ‘Take Me Home, Country Roads’, ‘A.M., A.M.’, ‘Strange Overtones’
Te gustará si te gusta: Carole King, The Roches, Carpenters
Escucha: la versión de ‘Take Me Home, Country Roads’

Glasvegas confían en que hayamos reservado espacio para ellos siete años después

Por
Raúl Guillén
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Hace 12 años, Glasvegas debutaban con un celebrado álbum homónimo que aunaba ecos del pop de los 50, el muro de sonido de Phil Spector y el muro de ruido de sus compatriotas The Jesus and Mary Chain. Impulsados por un notable hype de la prensa británica, aquel disco del combo escocés se convertía en un sonado éxito de ventas sobre todo en Reino Unido, pero su repercusión llegaba mucho más allá: la mismísima Lady Gaga declaraba su amor por el grupo e incluso se mostraba accesible para una colaboración con ellos. Sin embargo, sus dos siguientes álbumes ‘Euphoric ///Heartbreak\\\‘ y ‘Later… When The TV Turns To Static‘ no lograron ni de lejos el mismo impacto comercial y parecían caer en el olvido para todos… excepto para ellos mismos.

Hace un par de días publicaban ‘Keep Me a Space’, su primer single nuevo en siete años, anticipo de ‘Godspeed’, un cuarto álbum cuya publicación se prevé (ahora de manera independiente, tras su paso por Sony y BMG) para abril de 2021. Una canción que, a tenor de lo escuchado, evoca su sonido original y parece esperar que, parafraseando el título de la misma, hayamos reservado un espacio para ellos. Aunque, en realidad, James Allan aclara en una entrevista con NME que es una canción inspirada por un primo al que estaba muy unido y al que no vuelto a ver desde que eran niños. No se refiere precisamente a su primo Rab (guitarrista) que junto con el bajista Paul Donoghue completa la formación de Glasvegas.

Allan también explica que el grupo no se ha ido nunca, y que si ‘Godspeed’ ha tardado en gestarse todos estos años es porque lo ha producido y mezclado él mismo, implicando el aprendizaje de técnicas de grabación, que ha desarrollado con un estudio portátil que le ha acompañado allí donde ha ido. En la misma charla con el rotativo británico, cuenta que las canciones de ‘Godspeed’ están unidas por la imagen de una persona que sale de su casa de noche y se lanza a conducir por calles y espacios vacíos que horas antes estaban repletos de vida. «Hay una especie de fe envuelto en ello, cierta desesperación, desesperación por experimentar ciertos sentimientos en tu vida. Hay confusión y búsqueda, y cualquier búsqueda implica fe», dice. Os dejamos con el audio de ‘Keep Me a Space’.

Chlöe’s Clue «maldice las penas que inundan el cuerpo» en el neo-cuplé ‘Pecados delicados’

Por
Raúl Guillén
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El pasado 17 de julio veía por fin la luz ‘Carmín y rubor’, tras varias demoras en su fecha de publicación. Hablamos del nuevo disco de Chlöe’s Clue, proyecto de la valenciana Raquel Adalid con el que puede dar un vuelco a su trayectoria para muy bien. Un disco valiente y personal que la confirma no solo como una gran compositora –algo de lo que ya presumía en el ya notable ‘Panorama‘– sino como artífice de un sonido muy peculiar y, sobre todo, de un papel como intérprete que la distingue como una propuesta única no ya en nuestro país sino también más allá de él. Por todo esto, y tras rumiar una y otra vez en los últimos meses primero los singles y últimamente el álbum completo, escogemos el tercer trabajo de Adalid como el Disco de la Semana.

Y comenzamos este periodo dedicado a ‘Carmín y rubor’ destacando como Canción del Día uno de sus singles, como ya sucediera con el tórrido bolero ‘Quémame‘, junto a los mexicanos Daniel, Me Estás Matando. Pero esta vez es una canción muy distinta en lo formal (como sucede casi con cada corte del disco) a aquella: se trata de ‘Pecados delicados’, una suerte de balada a piano que se extraía del trabajo hace ya unos meses y que, como un canto «canto/llanto ligero», Chlöe’s Clue cantaba acompañada de Víctor Elías –uno de los productores del disco, junto con Edu Figueroa– en una traslación al directo, casi teatral por la elección del atrezzo, la iluminación y el vestuario.

«Una balada agridulce encargada de maldecir las penas que, a veces, inundan el cuerpo» es como describe Adalid la canción, enfatizando esa pasión exacerbada. Al contrario de lo que sucedía con el corte titular del álbum (cuya versión final sí difiere notablemente del avance en formato acústico del mismo mostrado tiempo antes), en el caso de ‘Pecados delicados’ se mantiene esa pureza de la sencillez. Un esquema que acentúa, ya desde la dramática intro de piano, la aproximación a esa canción ligera que dominaba las listas de éxitos 40 años atrás. Por momentos, incluso remite a los viejos cuplés que causaban furor en la primera mitad del siglo XX, gracias a la interpretación vocal de Raquel, alternando desgarro y seducción para esculpir la pulsión sexual de la que habla la canción. Tanto las imágenes que emplea («el bingo», «la arena pegadita a a tu tez») como el lenguaje («fetén», «caprichito») contribuyen también a actualizar aquella picardía y pasión al lenguaje pop, que no se descuida en ningún momento puesto que el gancho melódico es, en todo caso, irresistible.

Raquel Adalid nos confesaba en una charla que publicaremos en las próximas horas que arde en deseos de, pese a las dificultades, trasladar al directo las canciones de ‘Carmín y rubor’. Y, de hecho, ya ha anunciado las primeras fechas para ello: comenzará el 22 de octubre en la Sala Galileo Galilei (plaza muy apropiada por su solera) de Madrid; y proseguirá ese periplo en su Valencia natal (6 de noviembre, sala Jerusalem) y en Barcelona (27 de noviembre, sala Sidecar).

Lo mejor del mes:

Kiesza / Crave

Por
Jordi Bardají
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10

Kiesza arrasó en 2014 con el hitazo house-pop ‘Hideaway’, uno de los mayores éxitos de aquel año. Su primer disco, sin embargo, decepcionó a todos los niveles: fue un fracaso comercial, y en cuanto a su calidad musical se quedaba muy corto al incluir demasiadas baladas, dando lugar a un trabajo a todas luces precipitado para aprovechar el «hype» provocado por su single principal. Temas tan dignos como el bailable ‘Giant of My Heart’ se quedaban para siempre sin la atención que merecían.

Entonces, todo cambió para Kiesza cuando, en 2017, sufría un grave accidente de tráfico después de que un taxi chocara de forma colateral con el Uber en el que viajaba. El accidente provocaba a la cantante canadiense un grave traumatismo cerebral que por poco acaba con su carrera y la ha mantenido años apartada de la música para recuperarse. Entre sus experiencias vividas en todo este tiempo se encuentra pasar seis meses encerrada en una habitación a oscuras para curarse, de modo que no extraña que ‘Crave’, el primer disco de Kiesza en 6 años, y tan solo el segundo de su carrera, sea la explosión de luz y ritmos bailables que es. La cantante asegura de hecho que ha llegado a escribir canciones oscuras que hablan sobre su accidente, pero que para este largo ha querido «mantener las cosas animadas, ligeras y divertidas».

Como sugiere su título, ‘Crave’ es un trabajo entregado a la pasión. Ya era apasionada ‘Hideaway’ y las mejores canciones de este largo concilian drama y baile como pocas canciones en la carrera de la artista: narrando su reencuentro con el amor verdadero, ‘All of the Feelings’ es un excelente single de synth-pop ochentero que Carly Rae Jepsen, con menos poderío vocal, eso sí, habría convertido en un clásico de su repertorio y cuyo estribillo bordea el excorcismo en el mejor de los sentidos; ‘Crave’ hace uso de guitarras muy Bananarama para expresar un deseo más físico, casi incontrolable por su magnetismo, y en el fantástico pop-rock ochentero (es decir, con teclados) de ‘Can’t Be Saved’, Kiesza se marca otro estribillazo de los suyos para llevar esa pasión a lugares casi psicóticos: «te deseo, y me emociono solo al estar a tu lado, y me siento explosiva cuanto más me acerco a ti».

En este álbum de apenas 9 pistas y 32 minutos de duración, Kiesza arranca contándonos que «no tiene nada que demostrar» y que no va a «cambiar por nadie» en el bombástico electro-pop de ‘Run Renegade’, para terminar de lleno en la pista de baile con un ‘Dance with Your Best Friend’ que incorpora elementos de Giorgio Moroder, la Kylie Minogue más aficionada a Kraftwerk e incluso los Chemical Brothers. Las mejores canciones son las cinco primeras, incluida una adictiva ‘Love Me with Your Lie’ que remite a la Kiesza más house, la que todos conocemos, y las peores aparecen hacia el final: ‘When Boys Cry’ mezcla chasquidos y descargas eléctricas para terminar sonando a un sucedáneo descafeinado de ‘Walk Like an Egyptian’ de las Bangles, ‘Sky Ain’t the Limit’ redunda en las ideas synth-poperas del disco sin demasiado que ofrecer, y ‘Love Never Dies’ suena a la peor balada eurovisiva. Al final toca quedarse con el mensaje de ‘Love You with Your Lie’ y celebrar que Kiesza haya querido volver a la pista de baile después de pasar años tan duros. Es ahí donde ‘Crave’ ofrece sus mejores momentos.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘All of the Feelings’, ‘Can’t Be Saved’, ‘Love You with Your Lie’
Te gustará si te gusta: Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, The Weeknd
Youtube: vídeo de ‘All of the Feelings’

Ecos a Sheryl Crow, Hole… en la relajada y adictiva ‘Gasoline’ de Haim

Por
Jordi Bardají
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‘Women in Music Pt. III‘ de Haim ha sido nuestro «Disco de la Semana». Publicado en realidad el 26 de junio, el disco ha mantenido su llama con el paso de las semanas hasta confirmarse como un absoluto clásico de esos hechos para escuchar en bucle durante meses.

Ya hemos hablado en estas páginas sobre los estupendos singles ‘Summer Girl’, ‘Now I’m in It’ y ‘Hallelujah’, aquí relegados a la posición de «bonus track» a pesar de estar producidos por las mismas personas que el resto del álbum; y nos hemos detenido en dos de sus temas más sorprendentes por las influencias que presentan, la R&B ‘3am‘ y la reggae ‘Another Try‘. ‘Women in Music Pt. III’ es excelente por lo orgánico de sus melodías y su experimental producción, así como por lo variado de sus sonidos, pero también brilla en sus momentos más clásicos, como es el caso de ‘Gasoline’.

Una de las pistas de ‘Women in Music Pt. III’ más escuchadas en las plataformas de streaming al margen de los singles, ‘Gasoline’ es de hecho la canción del álbum que Este Haim, bajista de la banda, más emocionada está por estrenar en directo, como ella misma nos ha contado esta semana en una entrevista: ‘Gasoline’ es muy divertida de tocar. Como bajista, me encanta la línea de bajo que he escrito para esa canción, estoy muy orgullosa de ella». ‘Gasoline’ destaca a su vez por su sonido de soft-rock relajado, plasmado en unas melodías vocales e instrumentales que evocan un atardecer de verano y recuerdan a la Sheryl Crow de los 90, y la comparación no es nada casual: Sheryl es una referencia para Haim desde el principio de su carrera, y este mismo año la han versionado.

Con ecos a las baterías arrastradas de ‘Put Your Hand in the Hand‘ de Ocean y al estribillo de ‘Malibu’ de Hole, como han apuntado algunos oyentes en la sección de comentarios de Youtube -aunque la canción suena mucho más hipnótica y sedada de lo que puede sugerir su título- ‘Gasoline’ utiliza el símbolo de este líquido inflamable para volver a uno de los temas más recurrentes del álbum, la adicción insana a un amor al que la intérprete de la canción, Danielle, vuelve y una otra vez sin poder evitarlo.

El éxito de Harry Styles no toca techo

Por
Jordi Bardají
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Harry Styles firma esta semana el single número 1 en Estados Unidos con ‘Watermelon Sugar’. Es su primer top 1 en el país, lo cual siempre es más difícil para un británico como él, aunque se quedó cerca hace unas temporadas con ‘Sign of the Times‘, su single de debut en solitario, que fue top 4. De los integrantes de One Direction, solo uno había alcanzado el número 1 en la competitiva tabla estadounidense hasta este momento, y fue Zayn con ‘Pillowtalk’.

El éxito de ‘Watermelon Sugar’ ha sido de los que da gusto seguir: progresivo y orgánico. Bueno, más o menos, porque la promoción del tema también ha contado con sus estrategias comerciales pensadas para llevarlo a la cima, como descuentos del single en las plataformas digitales o el lanzamiento de cintas de casete o videoclips alternativos. Pero no puede pasarse por alto que ‘Watermelon Sugar’ se conoce desde mediados de noviembre de 2019, cuando era lanzado como single promocional de ‘Fine Line’ para después ser estrenado en ‘Saturday Night Live’ sin que pareciera más que un tema simpático más; y que este era lanzado como CUARTO single oficial del álbum el pasado 15 de mayo, en medio de la pandemia, pero obviamente con el verano en los planes. En España, el tema ha logrado el Disco de Oro sin pasar del top 95 de la lista de singles gracias a su resistencia en dicha tabla, y en Estados Unidos ha pasado algo similar: el tema lleva 20 semanas en lista, y en lugar de perderle el pulso a ‘Rockstar’ de DaBaby o a los diversos números 1 que ha conocido la clasificación últimamente, como ‘cardigan’ de Taylor Swift o ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé, ha resistido e ido escalando posiciones poco a poco hasta hacerse con el preciado top 1 sin necesidad de recurrir a tácticas desesperadas como el lanzamiento sorpresa, colaboraciones metidas con calzador o el «remix» de turno.

En tiempos en que un tema es número 1 global en tiempo récord para después ser olvidado (¿alguien sigue escuchando ‘Toosie Slide’ de Drake al margen de los adolescentes adictos a TikTok?), Harry Styles está demostrando que el éxito a la larga, que está sobre todo en manos del público, sigue siendo posible. ‘Fine Line’ es a día de hoy el séptimo disco más vendido del año en todo el mundo, ‘Watermelon Sugar’ es claramente una de las canciones del verano sin verano, y ‘Adore You‘ sigue sin apearse del top 100 de canciones más escuchadas a nivel global en Spotify sin pasar de la parte baja de la tabla. En Estados Unidos, el segundo single de ‘Fine Line’ resiste en el número 12 nada menos, habiendo salido en diciembre y cuando en Reino Unido es top 77. Es curioso que un primer single como ‘Lights Up’ no sea el que lidere una era (como hizo ‘Sign of the Times’), y tampoco ha arrasado en listas el baladón ‘Falling’ a pesar de sus millonarios streamings, pero la longevidad de ‘Fine Line’ y el hecho que su cuarto single haya logrado ser el más exitoso de todos es prueba de que Harry está aquí para quedarse.

¿Qué as en la manga puede guardar Harry de cara al otoño, cuando el potencial veraniego de ‘Watermelon Sugar’ se haya disipado como es lógico? Sin descartar la posibilidad de rodar videoclips de alto presupuesto con las medidas sanitarias en regla, como ha hecho Taylor con ‘cardigan’ contando con todo tipo de profesionales a su disposición, Harry podrá seguir exprimiendo ‘Fine Line’ hasta que el pueblo quiera, probando con temas como ‘Golden’, ‘Cherry’ y ‘Sunflower, Vol. 6’, los tres más escuchados en Spotify al margen de los singles, o quizá relanzando ‘Falling’ de cara a la Navidad (si por mí fuera, habría vídeo para la rabiosamente sexy ‘She’). No hay que olvidar que, si todo va bien, la gira ‘Love On Tour’ arranca el próximo 29 de septiembre en México y termina el 31 de octubre de 2021 en Nueva York, conque a ‘Fine Line’ aún le queda cuerda para rato: más o menos un año.

¿Es ‘cardigan’ la mejor canción de ‘folklore’?

Por
Sebas E. Alonso
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Parte de la redacción evalúa ‘cardigan’, el más improbable número 1 en el Billboard Hot 100 de Taylor Swift.

«Habíamos reseñado ‘exile’, habíamos reseñado la preciosa ‘august’… ¿pero qué pasa con ‘cardigan’? ¿No va a ser realmente el verdadero clásico de ‘folklore‘? Las reticencias iniciales tenían mucho que ver con The National: co-escrita por Aaron Dessner y producida en solitario por este, cuenta con una línea de piano que llega a ser un poco más The National y revienta. Una vez comprobado que en ‘folklore’ hay cosas más diferentes y es ante todo un álbum 100% Taylor Swift, podemos volver con más calma a ‘cardigan’ y afirmar que finalmente sí es su mejor canción. Mientras ‘exile’ lleva demasiado escrito en la frente «hola, somos Taylor Swift y Justin Vernon y queremos hacer el hit crossover indie-mainstream de la próxima Navidad», ‘cardigan’ cuenta con bazas más sutiles y por tanto más interesantes. La canción recurre a la infalible imagen de una triste chaqueta abandonada debajo de una cama, que alguien rescata, como metáfora de encontrar el amor. Estructuralmente, cuenta con un estribillo en el que se menciona el título del tema, otro melódico en el que no y una frase que se repite de manera recurrente («cuando eres joven, la gente asimila que no sabes nada»). La letra se rebela contra esta última frase en un tercer verso algo distinto («yo sí lo sabía todo cuando era joven / sabía que te maldeciría para siempre»), y finalmente ofrece un clímax («sabía que volverías a mí» repetido por 4), si es que tal cosa no es la mencionada línea de piano de la canción. ‘cardigan’, una de las tres canciones sobre un triángulo de amor adolescente del álbum, siendo las otras ‘august’ y betty’, habla de la huella que deja el primer amor, y su complejidad disfrazada de sencillez le hace a esto mismo una enorme justicia». Sebas E. Alonso.

«Que Taylor Swift es fan de Lana Del Rey lo imaginábamos desde que básicamente escribió una canción de Lana Del Rey llamada ‘Wildest Dreams’, y lo sabemos a ciencia cierta desde que, en la gala Women in Music de Billboard del año pasado, declaró que Lana era la artista más influyente de la última década. Y ella es la primera que se ha dejado influir por las melodías sedadas de la autora de ‘Love’, como puede comprobarse en el single principal de su nuevo disco, ‘cardigan’. No es mi tema favorito de ‘folklore’ en absoluto: su mensaje «cuando eres joven asumen que no sabes nada» es esencial en su carrera, y el uso de la imagen del cardigan como metáfora del amor está bien traída, pero el tema suena demasiado a Lana para mi gusto. Y en cualquier caso, me quedo con la versión «cabaña iluminada por las velas» que ha salido después». Jordi Bardají.

«El ‘folklore’ de Taylor Swift me hace tilín del tramo que va de ‘mirrorball’ a ‘mad woman’. ‘cardigan’ me temo que no está incluida en este grupo. Es bonita, pero hay un momento en que mi cerebro se desconecta. Quizás porque la introducción y el puente me resultan algo farragosos, quizás porque el piano de Aaron Dessner me recuerda demasiado a The National, quizás porque el estribillo no me parece lo suficientemente bueno. Siento como si Taylor buscara la emoción en exceso, emoción que soy incapaz de sentir con ‘cardigan’, a pesar de sus aparentes cualidades; emoción que sí encuentro fácilmente en otras canciones de ‘folklore’». Mireia Pería.

Troleo doble: Adele «no sabe» dónde está su disco, Rihanna «lo ha perdido»

Por
Jordi Bardají
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Adele y Rihanna, dos de las artistas de música pop más exitosas de la actualidad, unidas por un mismo destino: el incierto lanzamiento de sus respectivos nuevos álbumes. Este año se cumple un lustro desde que la cantante británica editara su último álbum hasta la fecha, el superventas ‘25‘; y dentro de medio año ‘Anti‘ cumplirá exactamente el mismo aniversario.

Los fans de ambas se preguntan una y otra vez dónde están los discos que supuestamente tenían que sacar este año: Adele dijo en una boda que el suyo salía en septiembre, información que era finalmente desmentida por su mánager; que indicó que el disco saldría «cuando estuviera listo»; y Rihanna confirmó en Instagram que su álbum, que será de música reggae, aunque ha llegado a hablarse de dos discos distintos que la artista estaría preparando, saldría en 2019… para después no saberse nada más.

Ahora, Adele y Rihanna han decidido, el mismo día, trolear a sus seguidores sobre sus nuevos discos. ¿O no están troleando? Ante el interrogante de un fan que se pregunta «dónde está su álbum», Adele ha respondido que «si te soy sincera, no tengo ni idea»… de lo que se deduce que está bromeando o que en absoluto y que no tiene el álbum ni medio terminado o que su sello mantiene el disco secuestrado por alguna razón. Por otro lado, y ante exactamente la misma pregunta de una fan que lleva persiguiéndole años (la pregunta, no la fan), Rihanna ha sido más canalla y ha contestado: «lo he perdido». Esto poco después de asegurar, durante una rueda de prensa reciente relacionada con su nueva línea de cosmética, que el álbum saldrá «más pronto de lo que mis fans piensan».

En el mismo vídeo, Rihanna afirma que «no ha dejado la música de lado», que esta sigue siendo «su primer amor» y que no puede esperar a sacar algo «de lo que esté realmente orgullosa», y esta puede ser la razón principal por la que los discos de Adele y Rihanna parecen tan aparcados. Siendo justos, debe ser difícil crear un disco lo suficientemente bueno como para tardar otros cinco años en sacar el siguiente. Y seguro que no se hacen ‘Hellos’ y ‘Works’ todos los días. ¿Habrá habido algún contratiempo con los sellos de los que el público no tenga constancia? Todo preguntas, algún troleo, y pocas respuestas…

Miguel Bosé apoya una manifestación contra el uso obligatorio de mascarillas

Por
Jordi Bardají
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Miguel Bosé, Ministro de Asuntos Conspiranoides, es noticia después de apoyar en sus redes una manifestación contra el uso obligatorio de las mascarillas que tendrá lugar este domingo 18 de agosto en la Plaza de Colón de Madrid. El cantante, que reside en México, está pasando el verano en Madrid, por lo que cabe preguntarse si acudirá a esta manifestación.

En Twitter, el autor de ‘Papito’ ha compartido el comunicado de la manifestación, una serie de diapositivas en la que se explica el motivo de este encuentro: «Estamos en total desacuerdo con la obligación de llevar mascarilla a todas horas y en todos los lugares públicos, nos parece una medida desproporcionada y sin justificación científica», dice el texto. Sin embargo, el anuncio anima a los manifestantes a acudir al encuentro con mascarillas «para que no puedan acusarnos de rebrotes, de disolver la manifestación o arrestarnos, o para que no puedan dividirnos y enfrentarnos» y porque «así podrán venir las personas que tengan problemas de salud previos o edad avanzada, o que simplemente piensen de otra manera».

La intención de todo esto, afirma el mensaje, es que «sumemos un millón de personas como en Berlín (allí no eran obligatorias las mascarillas) y que se escuche el clamor de la ciudadanía libre, para que no sintamos que nos han puesto un bozal». El vídeo anima a la gente a escribir proclamas en sus mascarillas para usarlas como «pancartas», en concreto cosas como «dióxido de cloro» o «Vil Gates«.

Al margen de que el mensaje de la manifestación desoye el consenso científico (aquí el informe de la Organización Mundial de la Salud sobre la importancia del uso de mascarillas, fechado del 5 de junio), es falso que en Berlín, donde los contagios son inferiores a los de España, salieran a la calle «1 millón» de personas a manifestarse contra su uso: la cifra real se aproxima a las 15.000.

5 descubrimientos del Atlántida Film Festival

Por
Joric
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Una de las funciones de los festivales de cine es dar a conocer obras de autores poco conocidos fuera de sus países de origen. Te recomendamos cinco películas del Atlántida Film Festival realizadas por tres directores y dos directoras a quienes hay que seguir muy de cerca

A son (Mehdi M. Barsaoui)

Atención a este director. Su debut en el largometraje es un drama tan bien construido y maduro, con un guión tan sólido (escrito también por él mismo), que no parece que sea una primera película. ‘A son’ (premio al mejor actor en el festival de Venecia para el francés Sami Bouajila y premio del público en la Seminci) se ha comparado con el cine de Asghar Farhadi. Y es cierto que se parece. Barsaoui utiliza las estrategias narrativas del thriller psicológico para confeccionar un vibrante drama de pareja, lleno de elipsis y giros inesperados, que funciona también como alegoría política (la historia está ambientada en Túnez durante la revolución de 2011) y denuncia social: la pervivencia de las estructuras de pensamiento patriarcales entre la población más liberal, el lastre de la moral religiosa en temas como el adulterio o la donación de órganos, el choque ideológico entre el progresista norte y el reaccionario sur… Una prometedora opera prima de un cineasta que dará que hablar. 8’5.

System Crasher (Nora Fingscheidt)

Otro debut impactante. Con su primer largometraje de ficción, Nora Fingscheidt ha arrasado en los premios del cine alemán y fue elegida para ir a los Oscar. Aunque eso sí, una parte importante de este éxito se lo debe al protagonismo de Helena Zengel, una prodigiosa actriz infantil que ya ha sido fichada por Hollywood (está rodando ‘News of the World’, la nueva película de Paul Greengrass protagonizada por Tom Hanks). La niña, que tenía diez años durante el rodaje, es capaz de soportar ella sola todo el peso dramático de la película. Y eso, en un drama social tan intenso como este, es mucho peso. ‘System Crasher’ es algo así como ‘Hermano mayor’ en clave de cine de autor (es patente la influencia estilística de los hermanos Dardenne). La historia de una niña asalvajada, abandonada por su madre, y su relación con el “hermano mayor” que el sistema le facilita para intentar “domesticarla”. Aunque en ocasiones se pasa de efectista y estridente, la película funciona bastante bien gracias a su enérgica puesta en escena y a la interpretación de su protagonista. Lo próximo de Fingscheidt será un thriller para Netflix con Sandra Bullock como actriz principal. 7’5.

I Was I Am I Will Be (Ilker Çatak)

Si ‘System Crasher’ fue la gran ganadora de los premios del cine alemán, ‘I Was I Am I Will Be’ fue la gran perdedora. Pero no por ello es peor película. El segundo largometraje del berlinés Ilker Çatak es un estupendo drama romántico protagonizado por dos personas pertenecientes a mundos completamente opuestos: una madura piloto de avión alemana con problemas de salud (una excelente Anne Ratte-Polle, conocida por la serie ‘Dark’) y un joven kurdo que trabaja de gigoló en la turística Marmaris y busca emigrar a Europa a través de un matrimonio de conveniencia. A pesar de mezclar elementos con mucha carga sensiblera –enfermedad, inmigración, xenofobia-, ‘I Was I Am I Will Be’ nunca cae en la sobrecarga melodramática. Al contrario, explora con mucha delicadeza y profundidad psicológica la relación entre un hombre y una mujer muy alejados socialmente pero muy cercanos sentimentalmente. 8.

Moffie (Oliver Hermanus)

Oliver Hermanus lleva una década rodando cine. Sus obras se han presentado en Locarno (‘Shirley Adams’), Cannes (‘Skoonheid’) o Venecia (‘The Endless River’). Sin embargo, en España es un gran desconocido. Sus películas apenas se han podido ver en festivales especializados en cine africano. ‘Moffie’, también estrenada en Venecia, es el primer filme del director sudafricano que tiene un estreno mayoritario. La película ilustra las memorias del escritor André Carl van der Merwe, en las que narra su experiencia en la mili a principios de los 80, cuando Sudáfrica estaba en guerra contra las fuerzas comunistas de Namibia y Angola. La mayor virtud de ‘Moffie’ (“maricón” en afrikáans) es su capacidad para denunciar el racismo, la homofobia y la brutalidad del ejército sudafricano durante el apartheid a través de un punto de vista muy eficaz: la mirada tímida de un recluta que ha aprendido desde niño a apartar los ojos de lo que “no se debe mirar”. La tensión entre el deseo y el miedo, entre el impulso amoroso y el instinto de supervivencia, consigue inyectar intensidad emocional y cohesión dramática a un drama que a veces se pierde entre homenajes algo artificiosos a clásicos del género bélico como ‘La chaqueta metálica’ o ‘Apocalypse Now’. 7.

Sister (Svetla Tsotsorkova)

Una de las joyas escondidas del Atlántida Film Festival. Svetla Tsotsorkova llamó la atención hace cuatro años en el circuito festivalero con ‘Thirst’ (2015), un brillante debut que se pudo ver en San Sebastián, y con el que consiguió estar nominada en los premios del cine europeo. Con su segunda película, ‘Sister’, también presentada en el festival vasco (esta vez con premio en la sección Nuevos Directores), la autora búlgara ha vuelto a demostrar que es una de las directoras más prometedoras del cine europeo. La historia de ‘Sister’ gira alrededor de una mentirosa, una adolescente (interpretada por la magnética actriz no profesional Monika Naydenova) que trabaja en un pequeño taller de alfarería junto a su madre y hermana, y que utiliza la mentira para dar color y emoción a una existencia gris y rutinaria. Cuando uno de estos embustes se le vaya de las manos, revelará las verdades que se mantenían ocultas en su entorno doméstico y social. Tsotsorkova confirma su talento para combinar el relato naturalista, poniendo especial énfasis en la filmación del trabajo diario de las tres mujeres, con el drama intimista. Lo dicho, todo un descubrimiento. 8.

Dani Rovira comunica que ha superado su cáncer

Por
Jordi Bardají
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Dani Rovira anuncia que ha superado el cáncer que le fue diagnosticado hace medio año, y que el actor revelaba padecer el pasado 25 de marzo, durante la etapa más restrictiva de la cuarentena. El tipo de cáncer al que se ha enfrentado el protagonista de ‘Ocho apellidos catalanes’ es el Linfoma de Hodgkin.

«Hoy es el primer día del resto de mi vida. ¡ESTOY CURADO!», ha comunicado el actor en Instagram. «Todo acaba y todo empieza hoy. 6 meses de subida a una de las montañas más duras a las que me he enfrentado, pero al fin llegué a la cima y, creedme, las vistas desde aquí son preciosas y reveladoras». Y añade: «Nunca terminaré de agradecer a todas las personas (familia, personal sanitario, amigos, conocidos y desconocidos) que, de una manera u otra, han aliviado y ayudado en mi subida a esta gran escarpada. El ser humano es, de raíz, maravilloso y he podido comprobarlo».

Rovira agradece a su pareja, la actriz Clara Lago, «por compartir el peso de la mochila, los avituallamientos y por estas irrepetibles vistas» y «por la luz en la noche y la silla en el camino, y por no soltarme» y dedica esta noticia a «todos los que siguen subiendo cordilleras» y también a «todos los que, a pesar de darlo todo, no lo consiguieron». El artista también tiene unas palabras de recuerdo para el fallecido Pablo Ráez: «Va por ti, querido amigo, héroe y profeta. Gracias por guiarme, Pablo. Tu mensaje y tu lucha sigue más presente que nunca». El actor reflexiona: «Estoy enamorado de la vida. No soy mejor que nadie pero, de lo que estoy seguro es de que el Dani que ha llegado a la cima, es infinitamente mejor que el que hace un año andurreaba por llanuras sin importancia».

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Hoy es el primer día del resto de mi vida. ¡ESTOY CURADO! Todo acaba y todo empieza hoy. 6 meses de subida a una de las montañas más duras a las que me he enfrentado, pero al fin llegué a la cima y, creedme, las vistas desde aquí son preciosas y reveladoras. Nunca terminaré de agradecer a todas las personas (familia, personal sanitario, amigos, conocidos y desconocidos) que, de una manera u otra, han aliviado y ayudado en mi subida a esta gran escarpada. El ser humano es, de raíz, maravilloso y he podido comprobarlo. Gracias, compañera, por compartir el peso de la mochila, los avituallamientos y por estas irrepetibles vistas. 🧡 Gracias por la luz en la noche y la silla en el camino. Y por no soltarme… 🦦 🦦 Va por todos los que siguen subiendo cordilleras, y por todos los que, a pesar de darlo todo, no lo consiguieron. Estoy enamorado de la vida. No soy mejor que nadie pero, de lo que estoy seguro es de que el Dani que ha llegado a la cima, es infinitamente mejor que el que hace un año andurreaba por llanuras sin importancia. Y va por ti, querido amigo, héroe y profeta. Gracias por guiarme, Pablo. Tu mensaje y tu lucha sigue más presente que nunca. #siemprefuerte

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Las encantadoras paradojas de Sufjan Stevens en su single pop

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Sebas E. Alonso
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De un single de 12 minutos sobre ‘America’ en el que mucha gente intuía que sobraban 5, hemos pasado a uno de los singles más decididos que se recuerdan a Sufjan Stevens. ‘Video Game’ tiene una melodía hasta facilona, carece de la estructura tan compleja de ‘Chicago’ y de sus recovecos y no puede ir más al grano en el uso de beats, sintetizadores y mensaje.

El beat parece de los Radiohead de ‘Idioteque’ (aquellos que estaban enamorados de Aphex Twin y el sello Warp), mientras que luego la canción evoluciona en sus sintetizadores hacia los territorios de los Kraftwerk más melódicos (los de ‘Das Model’). Por melodía, ‘Video Game’ también podría haber sido un tema de OMD o Junior Boys. O quizá también Depeche Mode, a los que parece apelar cuando repite aquello de «I don’t wanna be your personal Jesus». Pero todo esto lo hace para criticar el sistema desde dentro: es una canción pop que elogia ir a contracorriente.

‘Video Game’, un título que parecía tener ya el copyright de Lana del Rey, es una canción sobre ser uno mismo frente a la moda de lo que impongan los demás. La negativa de Sufjan Stevens a «seguirte el juego» o el de la mayoría es el motivo principal de la composición, afirmando que prefiere «hacer su vida cuanto más sencilla, mejor», y refiriéndose explícitamente a huir de la idea de ser el centro de atención. «No quiero ser el centro del universo / no quiero formar parte de esa vergüenza».

En esa línea podemos intuir que Sufjan Stevens podría estar cuestionando a la generación del ego de Instagram. Youtubers, TikTok et al. Por eso es un plus que haya contado para el videoclip con Jalaiah, la adolescente que creaba precisamente en TikTok el baile «Renegade»: ella misma cuenta con 26 millones de seguidores en dicha plataforma y 650.000 seguidores en Instagram. Interpretable como una deliciosa paradoja, pero a su vez como una reivindicación de que aparecer en TikTok no significa que no estés siendo tu mismo, el sencillo videoclip logra multiplicar los posibles significados de lo que parecía una sencilla composición.

Lo mejor del mes:

Katy Perry estrena el vídeo de ‘Smile’ y habla con The Guardian sobre su infancia, fracasos y acusación de acoso

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Sebas E. Alonso
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‘Smile’ es otra de esas canciones de Katy Perry que ha sido un rotundo fracaso en las listas, pero a su vez se resiste a morir por completo, como también sucediera con ‘Daisies’. Justo cuando se daba por finiquitada, se ha crecido en las emisoras de radio británicas y es la 2ª canción más radiada de dicho país, de momento sin efecto en el top 100 oficial.

Para intentar llevar ‘Smile’ hacia algún lado, se ha estrenado un vídeo para la canción en el que se reincide en la imagen de “payasa” de esta era. Con animaciones, tartazos y mucho color, Katy Perry recupera a la artista que vimos en ‘Birthday’ o ‘This Is How We Do’, pero sin añadir mucho más. Con todo, al menos hay más promoción para el disco que sale en 2 semanas, y estando embarazada de 9 meses.

Más interesante que este vídeo circunstancial es la entrevista que publica The Guardian con la periodista Laura Snapes, que también escribe para Pitchfork. En la charla se habla sobre el fracaso de ‘Witness’, que Perry comenta con un “nadie puede hacerte creer o sentir algo que tú ya no te crees. Si te sientes de una manera y le añades un poco de salsa, arderá en llamas”, reconociendo que la depresión le llevó a no querer “ni salir de la cama”. También habla de pensamientos suicidas “cuando Brand (Russell) decidió terminar su matrimonio por mensaje” (en 2012, realmente antes de ‘Prism’, 2013)).

El climax que supuso hacer la Super Bowl también le supuso una crisis, porque no sabía qué hacer después -ciertamente ha sido una de las mejores de la historia– y habla igualmente del modo en que considera que no tuvo una infancia, al estar demasiado influida por la religión, y asocia el apropiacionismo de la primera parte de su carrera “a la ausencia de una educación” apropiada en su juventud. Cuando se compara su meltdown con el de Britney en 2007, dice: «Cualquiera en un centro de atención tan intenso entiende que la cuerda floja se vuelve cada vez más y más estrecha, y que con una palabra o un mal funcionamiento de tu vestido, todo pueda explotar».

En la parte más controvertida de la entrevista, responde a la pregunta de supuesto acoso sexual a uno de los chicos que aparecían en el vídeo de ‘Teenage Dream’, al cual sacó supuestamente el pene en frente de dos amigos de ella. La respuesta de Katy es: “creo que vivimos en un mundo en el que cualquiera puede decir cualquier cosa. No quiero decir “culpable hasta que se demuestre lo contrario», pero no ha habido un sistema de comprobaciones y equilibrios, solo un titular que vuela. No hay investigación”. Dice que no ha comentado nada antes por respeto al #MeToo: “no quiero contribuir al ruido, quiero contribuir a la verdad”. Cuando Snapes le pregunta si las acusaciones era inciertas, toma aire y contesta: “no comento todas las cosas que se han dicho sobre mí, porque si entro ahí, toda mi vida sería un juego de verdad o mentira. Es una distracción para el movimiento real”.

Entre lo poco que se habla sobre el disco, Snapes indica que “varias pistas que van sobre alternar dolor con hedonismo dejan en segundo plano el crecimiento (de la artista) ganado con tanto esfuerzo, aunque el disco encuentra alivio en la catarsis de la euforia”.

Washed Out / Purple Noon

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Sebas E. Alonso
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La chillwave tiene toda la pinta de pasar a la historia como una de las modas más perecederas de la historia del pop reciente. No es un hazmerreír como el witch-house, pero ha dejado pocos clásicos que puedan ser reivindicados por generaciones venideras. Entre las excepciones podría estar en todo caso Ernest Weatherly Greene Jr., hombre detrás de Washed Out y autor por tanto de ‘Within and Without‘. Su nuevo álbum ‘Purple Noon’ pasa de los experimentos del anterior ‘Mister Mellow‘, que empezaba con un ataque de tos que no fue precisamente célebre o infame, para volver al sonido con el que todos identificamos a Washed Out.

La jugada podía haber salido muy bien por una cuestión de tiempo y contraste: no hay nadie sonando de esta manera a día de hoy y ha pasado el número suficiente de años como para una reivindicación de todo aquello. ‘Purple Noon’ es además un álbum cercano a lo conceptual que narra «el dolor en una relación en la que las cosas están empezando a desmoronarse», el relato ordenado de la historia de una pareja desde que se conoce hasta que rompe.

El primer tema, ‘Too Late’, recuerda el día que los dos se conocieron: «cuando te pedí fuego / pensé que eras un poco tímida / yo era un poco reservado pero pude ver en tus ojos que era el momento / y nuestra noche no se había terminado». Sin embargo, la mayoría de temas retrata una relación bastante tóxica, anticipando una ruptura de un par de personas que solo ha conocido la decadencia. Tan pronto como en la segunda canción, ‘Face Up’, escuchamos: «no necesitas mentir / necesitamos decirnos adiós». La tercera ‘Time to Walk Away’ dice: «no quiero pelear otra vez / estoy harto de estos juegos a los que jugamos». La quinta apela específicamente a una infidelidad, y así sucesivamente.

Musicalmente, ‘Purple Noon’ es un álbum nada apasionado, tenue como lo fue toda la chillwave, sin un solo exabrupto en el que nadie rompa un plato o un beat. ‘Time to Walk Away’ es muy claramente la mejor canción del álbum, cediendo algo a los guiños balearic para optar por uno más jamaicano y una melodía preciosa, evocadora, nostálgica de los tiempos (breves en este caso) en que todo iba bien. Pero en general el álbum es sosegado de más, como una metáfora sobre una relación monótona y aburrida. En ese sentido se lleva la palma ‘Game of Chance’, puro chill Ibiza de principios de los 90, con una guitarra mal grabada, reminiscente de alguna mala canción de Sting de la época.

Los sintetizadores más siniestros que aparecen levemente en el primer y en el último tema, y también el medio tiempo ‘Reckless Desires’ despuntan en un álbum que, teniendo en cuenta la temática, no debería dejar tan indiferente. Extendiéndose 42 minutos que parecen 50, sí incluye otro pequeño highlight hacia su final. Cuando te estás quedando traspuesto, soñando que estás tirado en una hamaca en algún país remoto al que jamás podrás llegar por restricción de vuelos, aparece en penúltimo lugar ‘Hide’ para resucitarte, con cierta cadencia de italo disco y un bonito punteo más en la vena de New Order.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Time to Walk Away’, ‘Hide’, ‘Reckless Desires’, ‘Too Late’
Te gustará si te gustan: Sade, Toro y Moi, Neon Indian
Youtube: vídeo de ‘Time to Walk Away’

Muere la madre («nunca «mamá» o el horroroso «mam» de Mánchester») de Morrissey

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Sebas E. Alonso
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Morrissey había pedido hace unos días a sus seguidores a través de Morrissey Central que rezaran por que su madre se recuperara, pues estaba muy enferma. «No hay mañana. No os pido nada más, porque podría no haber mañana», pedía desesperado, responsabilizándola de «todas las cosas buenas que le han motivado en la vida». Finalmente, Elizabeth Anne Dwyer ha fallecido lamentablemente y será enterrada en Dublín, pues la familia del autor de ‘Irish Blood, English Heart’ procedía de allí y no de Mánchester.

El artista no es el tipo de autor que dedica canciones o discos a sus seres queridos, por lo que quizá no quepa esperar un disco personal al respecto en el futuro, pero no podemos pasar por alto la importancia que ha tenido su madre en la carrera del que es uno de los autores más interesantes y peculiares de todos los tiempos. Era habitual que Elizabeth Anne acudiera a multitud de conciertos de Morrissey y por supuesto aparece en su popular e imprescindible ‘Autobiografía’.

El artista le dedicaba un precioso pie de foto para una instantánea de 1975 («mi madre siempre en mi corazón) y sin revelar mucho sobre ella, pues el libro solo muy sutilmente revela escenas de su vida más personal, en un momento muy divertido y mordaz marca de la casa, la definía de la siguiente manera: «Madre es madre, nunca mamá (o el horroroso «mam» de Mánchester); glamurosa como nadie, y además, otras cosas».

La maternidad aparece en las letras de Morrissey, pero más bien como parte de una historia ajena o ficticia, como es el caso de ‘This Night Has Opened My Eyes’ de los Smiths, sobre un embarazo adolescente, o ‘Mama Lay Softly On the Riverbed’ (en ‘Years of Refusal’). Pero no se puede pasar por alto que Morrissey utilizó el recurso de llorar en los brazos de una madre por mal de amores, o sencillamente como consecuencia de la soledad, en la preciosa letra de ‘I Know It’s Over’, una de las canciones incluidas en la obra maestra de los Smiths, ‘The Queen Is Dead’ (1986), y la que mejor viene al caso. Para todos sus seguidores, una escena que ha marcado su carrera.

Morrissey ha publicado este año un buen álbum llamado ‘I Am Not A Dog on a Chain‘ que ha pasado desapercibido por la pandemia, por su mal momento de popularidad y por su cuestionable elección de los singles, pero con temas tan reivindicables como ‘Jim Jim Falls‘.

Sanidad decreta el cierre en toda España de discotecas, salas de baile y bares de copas «con o sin actuaciones musicales en directo»

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JNSP
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Salvador Illa, ministro de Sanidad, ha comparecido este mediodía en rueda de prensa para anunciar una serie de medidas con las que controlar la expansión del coronavirus en toda España. Son un total de 11 medidas urgentes con las que el Gobierno pretende confrontar la grave ola de rebrotes del covid-19 que está sufriendo el país: en las últimas 24 horas, las comunidades han reportado 2.935 nuevos positivos, más los 7.550 atrasados que han sido incorporados a posteriori.

Las medidas afectan directamente al ocio nocturno. Se «decreta el cierre de discotecas, salas de baile y bares de copas con o sin actuaciones musicales en directo en todo el territorio de España», en palabras textuales de Illa, y se prohíbe fumar al aire si no se respeta la distancia de seguridad de dos metros. Además, el horario de cierre de los establecimientos será a las 01.00 como máximo y no podrán admitirse nuevos clientes a partir de las 00.00. Otra de las medidas pretende garantizar que se respete la distancia de seguridad mínima de 1,5 metros en los locales para el servicio en barra y para el consumo de mesa. A su vez, Illa ha remarcado la importancia de «no reunirnos con grupos de más de diez personas» y de «mantenerse con grupos de convivencia estable» para ayudar a contener la expansión del virus.

Como informa El Diario, otra medida pensada para los eventos culturales es la «obligación de que los eventos de ocio o culturales multitudinarios tengan la obligación de hacer una evaluación de riesgos epidemiológicos antes de celebrarse». De este modo, las «comunidades van a emprender cribados de pruebas PCR en áreas concretas o centros específicos donde la incidencia de la enfermedad pueda ser más acuciante».

Parece que los conciertos al aire libre no se verían afectados, pero parte del sector musical ha comentado la noticia con tristeza e indignación, recordando que los brotes no se han producido en los conciertos. Lola Indigo ha dicho: «#laCulturaesSegura y los conciertos han tenido unas medidas ejemplares, asi como nuestro publico ha sido responsable, respetuoso y consciente, basta ya por favor». Antonio Luque de Sr Chinarro ha indicado: «Me parece llamativo que lo primero que haya hecho el ministro de sanidad en su intervención de hoy es equiparar DJ’s y grupos de música. Insano, más que llamativo (…) Por lo demás cualquier norma es absurda en España. Por lo que he podido ver se puede incluso volar sin mascarilla. Lo más que te pasa es que te riñe una azafata o azafato. Como reñían a los que iban hablando por el móvil hasta que la cobertura se perdía en las alturas».

Desde la Sala Oxido han enviado un comunicado comentando que no les afectan las medidas porque ya estaban cerrados. “La cultura es segura pero no nos han dejado demostrarlo”. Por su parte, Shinova tienen que cancelar el concierto que ofrecían esta noche, pese a que la norma ni ha entrado en vigor: «Esto es difícil… estamos llegando a Alcalá la Real, pero acabamos de conocer que el ayuntamiento ha decidido cancelar nuestro concierto debido a las medidas propuestas por el gobierno. Prometemos venir en cuanto sea posible. Lo sentimos muchísimo».

Liz Fraser de Cocteau Twins producida por la mano derecha de Charli XCX: escucha ‘Cannibal’ de Jónsi

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Jordi Bardají
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Cuando Jónsi de Sigur Rós compartía hace unas semanas los detalles de su segundo disco en solitario, que se titula ‘Shiver’ y sale el 2 de octubre, sorprendía con la revelación de dos colaboraciones tan interesantes como las de Robyn y Elizabeth Fraser, cantante de Cocteau Twins. La primera aparecerá en un tema llamado ‘Salt Licorice’ y la segunda lo hace en ‘Cannibal’, que ya puede escucharse.

Se trata de una balada dramática al modo «in crescendo» marca de la casa, pero en la que el protagonismo de Liz Fraser, para disgusto de los fans de Cocteau Twins, se limita a hacer coros y poco más, los cuales no pueden sonar más propios de los autores de ‘Heaven or Las Vegas’, por otro lado: parece que A.G. Cook los haya sampleado para este corte. Una colaboración muy esperada, en cualquier caso, pues Fraser está prácticamente retirada de la música: en los últimos años ha seguido colaborando por aquí y por allá, y por ejemplo ha aparecido en temas de Sam Lee (‘The Moon Shines Bright’), The Insects (‘She Moves Through the Fair’) o Massive Attack (‘Silent Spring’), pero no ha sacado single en solitario desde que editara ‘Moses’ en 2009. En 2017 apareció en una charla con John Grant para hablar del álbum de Cocteau Twins de 1988, ‘Blue Bell Knoll’: una de muy pocas apariciones públicas que suele hacer.

Por otro lado, Jónsi ha dejado unas curiosas declaraciones sobre el lanzamiento de ‘Cannibal’ y su vínculo a los autores de ‘Lorelei’. Ha dicho que, cuando Sigur Rós estaban empezando, «siempre nos comparaban con Cocteau Twins y eso no me gustaba nada, porque odiaba que fuéramos comparados con nadie». El artista indica que todo cambió cuando se aficionó a Cocteau Twins «hace unos dos o tres años», momento en que descubrió que las comparaciones eran razonables.

María Escarmiento y Damien buscan su canción del verano con la martilleante ‘Dive’

Por
Jordi Bardají
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María Escarmiento ha durado poquito en la lista de álbumes española con ‘Sintiéndolo mucho‘, su EP de debut, que solo ha salido en streaming. Una pena porque el disco incluye temas de reggaetón oscuros tan dignos como ‘Baladón’ o ‘La bomba’, pero parece que la propuesta de María Villar no saldrá del «underground» de momento.

Pasando página, la cantante madrileña es la artista invitada en el nuevo single de Damion Frost, su compañero de edición de Operación Triunfo, quien lanzara hace unos meses su single de debut, el relajado ‘Push it On Me‘, con el nombre artístico de Damien porque quería distanciarse musicalmente del concurso. La propuesta que une a ambos es un tema de reggaetón contundente llamado ‘Dive’ en el que María utiliza su acento latino postizo y Damien canta en inglés, pues es de ascendencia británica aunque se ha criado en Tenerife. El videoclip veraniego de ‘Dive’ ha sido rodado en una piscina y cuenta con la presencia de otra triunfita, África, y sobre todo de mucha gente en bañador. Eso sí, parece que el tiempo no acompañó demasiado durante el rodaje.

La nota de prensa informa que ‘Dive’ es un tema que «levanta a un muerto» y una posible candidata a canción del verano por su ritmo y vídeo, «una fiesta de sol, agua y perreo». La canción es una producción de Mike Witt con la que María se «acerca a sonidos menos oscuros en una canción apta para todo público, directa y efectiva». El vídeo ya es top 1 en lo más visto de Youtube España.

Catherine Anne Davies grita contra los «tíos listos» junto a Bernard Butler en ‘Sabotage’

Por
Sebas E. Alonso
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Bernard Butler, el que fuera miembro de Suede durante los dos primeros discos, y a la postre co-productor de artistas de corte clásico como Duffy, también tiene una carrera propia que atender (¿alguien recuerda la maravillosa ‘Stay’?. Su nuevo paso artístico es un disco llamado ‘In Memory of My Feelings’, sale el 18 de septiembre y es un trabajo conjunto con Catherine Anne Davies, conocida por estar al frente del proyecto The Anchoress, a medio camino entre Bat for Lashes y Fleetwood Mac.

Ya conocíamos un primer avance de este disco conjunto, la arisca balada a piano ’The Breakdown’, que ahora adivinamos que es más bien una intro de 2 minutos para el álbum, porque el verdadero sencillo parece a todas luces este. ‘Sabotage (Looks so Easy)’ es un temazo inmediato de 3 minutos de duración, presto para escuchar totalmente en bucle. Si The Pretenders acaban de volver con un buen disco, ‘Hate for Sale‘, que carecía de un hitazo que les terminara de hacer volver a la primera plana (‘The Buzz’ está bien pero no lo ha sido), esta podría haber sido dicha canción.

De hecho, Patti Smith y Chrissie Hynde son los referentes estéticos claros, según las propias palabras de Davies: “Hay gente que edifica a otra. Altruista y constructiva. Y luego están los vampiros de energía que han perfeccionado el arte de la destrucción. Esta canción es sobre la masculinidad tóxica; llamo a mi Patti Smith y Chrissie Hynde interiores para hacer una peineta a cada hombre que se ha hecho la víctima cuando se les ha retado».

La letra de la canción es tan certera por tanto como su ritmazo de batería, arrancando directa a la yugular: «Si Juana de Arco fue una mártir, tú dirías que lo has pasado peor / Crees que estás por encima de nosotras, crees que eres más listo, pero sé lo que te pasa / Esta vida de mártir no es mi idea de pasarlo bien». El estribillo repite, llamando al «sabotaje», aunque -ojo- no al «golpe de estado»: “Sabotage looks easy, but this is not a coup d’état”.

Este es el tracklist del álbum que sale en septiembre:
The Breakdown
Ten Good Reasons
Sabotage (Looks So Easy)
In Memory Of My Feelings
I Know
Judas
No More Tears To Cry
The Waiting Game
The Patron Saint Of The Lost Cause
FOH
Live To Tell
The Patron Saint Of The Lost Cause (Harmonium Version)

Lo mejor del mes:

Escucha lo nuevo de Sufjan Stevens, Miley Cyrus, Biffy Clyro, Dua Lipa, IDLES, Burna Boy…

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Jordi Bardají
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Hoy 14 de agosto los grandes lanzamientos vienen en forma de single, no tanto de álbum. A lo largo de la semana hemos podido escuchar el cacareado remix de ‘Levitating’ de Dua Lipa con Madonna y Missy Elliott producido por The Blessed Madonna, cuyo lanzamiento se adelantaba un día; así como los nuevos sencillos de Sufjan Stevens (un popero ‘Video Game‘ que abre nuestra playlist de novedades), Future Islands o IDLES (el gran ‘Model Village‘).

Por otro lado, hoy ve la luz ‘Midnight Sky‘, el nuevo single de Miley Cyrus, ya entre lo más comentado del día en las redes. También Drake adelanta su esperado nuevo álbum con ‘Laugh Now Cry Later’ junto a Lil Durk, The Killers comparten otro avance del disco que lanzan la semana que viene con ‘Dying Breed’, The Flaming Lips hacen lo propio con ‘Will You Return/When You Come Down’ (su álbum ‘American Head’ sale el 11 de septiembre) y Alicia Keys presenta el enésimo single de ‘ALICIA’ con ‘So Done’ junto a Khalid. Otros singles interesantes que irrumpen hoy en el mercdo son los de Elderbrook, Juancho Marqués ft. Daniela Garsal, Damien ft. María Escarmiento, que buscan su canción del verano con la martilleante ‘Dive’; o Alaina Castillo.

En cuanto a álbumes que salen hoy, hoy están de celebración Burna Boy, cuyo ‘Twice as Tall’ incluye colaboración con Chris Martin de Coldplay; los rockeros Biffy Clyro; Gloria Estefan, que reinventa algunos de sus éxitos en clave brasileña en ‘BRAZIL305’; Kiesza, que al fin publica su segundo disco, seis años después del primero; Whitney, que lanzan disco de versiones; Rumer o el rapero Lil Mosey. Por su parte, Orville Peck edita al fin su esperado EP, que incluye colaboración con Shania Twain.

Phoebe Bridgers reafirma su «odio» por Eric Clapton, al que llama «mediocre» y «racista»

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Sebas E. Alonso
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Uno de los momentos más extraños del último disco de Phoebe Bridgers -y hay bastantes, la mejor canción habla sobre cancelar un concierto en Japón o no– es una frase contra Eric Clapton en el tema ‘Moon Song’. La letra de este tema dice que «Odiamos ‘Tears in Heaven’, pero es una pena que su hijo muriera».

La cantante, que está siendo una de las sensaciones del año tras alcanzar el top 6 en Reino Unido con este nuevo largo llamado ‘Punisher‘, y recientemente ha presentado un videoclip para la canción más Sufjan Stevens del disco, ‘I Know the End‘, ha sido preguntada por ‘Moon Song’ en Double J. Allí ha dicho que no ha tenido ninguna reacción por parte de Eric Clapton ni de su equipo y que tampoco le importa. «No es que nuestros diagramas de Venn estén muy conectados. Despotrico contra Eric Clapton porque creo que su música es extremadamente mediocre, pero también es un famoso racista. A veces creo que la gente es demasiado problemática para ser cancelada o no es lo suficientemente relevante para ser cancelada. Quiero decir que ni siquiera saldría en las noticias si dijera que es racista a día de hoy, porque dijo algo racista en los 60 o en los 70. La letra de la canción iba a ser «odiamos a Eric Clapton». Es de hecho un poco peor ahora, porque ahora es sobre la canción del bebé muerto, la cual es una canción que rompe el corazón. Si tuviera que elegir una canción de Eric Clapton, esta es una de las que de hecho me gustan, así que es como una mentira que hay en el disco, pero suena más poético».

Phoebe Bridgers se está refiriendo a unos comentarios racistas que Eric Clapton hizo en un concierto en 1976. Como recuerda este artículo de The Quietus, lo que Eric Clapton dijo en aquel show es que era abiertamente «racista», se metía con los «jodidos saudíes tomando Londres», alababa al conservador Enoch Powell como posible primer ministro y llamaba a la «Gran Bretaña blanca» de manera larga y extendida, pidiendo que los «negratas» fueran expulsados del país.

Eric Clapton se ha disculpado varias veces por la declaración a lo largo de las décadas, asociándola al elevado consumo de drogas y alcohol que consumía cada día desde primera hora de la mañana. Entre otras cosas, declaró: «autosabotée todo de mi propia carrera. Tenía mucho miedo de ser quién era, me daba mucha vergüenza ser quién era, como alguien medio racista, lo cual no tenía ningún sentido. La mitad de mis amigos eran negros, salía con una mujer negra, y defendía música negra».

44 años después de una de las declaraciones más desafortunadas que un músico haya hecho jamás, podemos preguntarnos si hay que perdonar la gravedad de sus palabras -o no porque… ¿exactamente cuánto hace de que considero sus palabras «medio racistas»?-; si hay que cancelar a Phoebe Bridgers por la superficialidad de sus declaraciones sobre «el bebé muerto»; o si nos quedamos con Nick Cave. Ajeno a esta polémica, esta semana ha escrito, en respuesta a una de esas preguntas que le suelen hacer en su web, sobre la cultura de la cancelación, a la que ha definido como «la antítesis de la misericordia». Dice en un largo texto que merece la pena releer: «La corrección política ha crecido hasta convertirse en la religión más infeliz del mundo. El otrora honorable intento de reimaginar nuestra sociedad de una manera más equitativa ahora encarna todos los peores aspectos que la religión tiene para ofrecer (y nada de su belleza): la certeza moral y la justicia propia, despojada incluso de su capacidad de redención. Se ha vuelto bastante literal, la mala religión se ha vuelto loca».

Miley Cyrus se inspira en Nicks, Jett y Harry en ‘Midnight Sky’

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Jordi Bardají
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Una semana después de compartir su teaser, Miley Cyrus ha publicado su nuevo single de regreso, ‘Midnight Sky’. Se trata de un medio tiempo de cierto inicio electro y desarrollo ochentero, que ha sido producido por Andrew Watt y Louis Bell. En el vídeo, Miley aparece como una cantante de club entre bolas de espejos, colores y claroscuros y guiños a su discografía anterior.

La canción está oficialmente «compuesta a partir de todo un crisol de experiencias vividas por Cyrus este último año». El vídeo ha sido dirigido por ella misma, y para su realización, «se ha inspirado en iconos musicales femeninos como Stevie Nicks, Joan Jett o Debbie Harry, quienes han formado parte de sus influencias más importantes desde el principio».

El tema, de influencias disco, llega cuando va a cumplirse un año desde el lanzamiento del último single de Miley, el baladón ‘Slide Away‘, lanzado tras su divorcio de Liam Hemsworth. Que entonces viera la luz este corte ajeno al supuesto nuevo disco de Miley que iba a salir en 2019 levantaba las sospechas sobre la continuidad de este proyecto que a todas luces ha sido aparcado a lo largo del último año por alguna misteriosa razón. La artista iba a publicar tres EPs de 6 canciones cada uno a lo largo del año pasado que conformarían su séptimo álbum de estudio, pero hasta ahora solo ha visto la luz uno de ellos, ‘SHE IS COMING‘, mientras el resto, ‘SHE IS HERE’ y ‘SHE IS EVERYTHING’, siguen guardados en un cajón. El álbum completo recibiría el clásico título de ‘SHE IS MILEY CYRUS’, cual disco de country de los años 50.

La posible razón por la que ‘SHE IS MILEY CYRUS’ ha sido dejado en «stand-by» durante el último año es el mediocre desempeño comercial de ‘Mother’s Daughter‘, el single principal del EP ‘SHE IS COMING’, y de ‘Slide Away’ en la lista de éxitos estadounidense, si bien ambos sí han funcionado dignamente en streaming. En redes, la artista ha seguido usando el hashtag #SHEISCOMING e indicado que «vuelve pero esta vez en serio», por lo que parece que el proyecto sigue en pie, aunque seguramente con un listado de temas distinto al que indica la Wikipedia anglosajona. Este podría incluir de hecho la colaboración inédita de Miley con Dua Lipa, pues la primera acaba de colgar una foto de ella junto a la autora de ‘Future Nostalgia‘ y el productor Andrew Watt en el estudio.

Drake vuelve al sonido clásico, junto a Lil Durk, en ‘Laugh Now Cry Later’

Por
Sebas E. Alonso
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Cuando Drake compartió un conjunto de rarezas llamado ‘Dark Lane Demo Tapes‘, avisó de que este verano publicaría nuevo disco. A un mes de que termine el periodo estival, continuamos sin saber nada sobre el sucesor de ‘Scorpion‘, pero al menos esta noche sí ha compartido el primer single de dicho proyecto, que parece que se va a llamar ‘Certified Lover Boy’ y no ‘Skeleton King’.

El single es finalmente una colaboración con Lil Durk, rapero con 5 discos a sus espaldas, y no con Bruno Mars, como se rumoreaba, que recibe el nombre de ‘Laugh Now Cry Later’. El tema tiene influencias de R&B y trap, pero con unos arreglos de metales de corte clásico que nos llevan en cambio a los tiempos en que Drake sonaba a Kanye West (‘Miss Me’ en ‘thank me later’, 2010). En el vídeo vemos a Drake bajando de un cochazo, practicando deporte, conduciendo una moto acuática, buceando, siendo derribado o llorando. Como es habitual, otro «this is all about me».

El 14 de agosto llevaba siendo desde hace semanas la fecha rumoreada para el lanzamiento del nuevo disco de Drake. De hecho, hay quien pensaba que Katy Perry retrasaba su nuevo álbum para no coincidir con dicha edición. Durante toda esta semana, la prensa se ha hecho eco de este rumor, indicando que Bruno Mars sería la estrella invitada, incluyendo el NME, que suele estar bien informado. La fuente de la que se servían en este caso era OnSmash, donde indicaban que la canción con Bruno Mars sería el anticipo del álbum antiguamente conocido como ‘Skeleton King’, ahora previsto para el 28 de agosto -de nuevo, llamado a coincidir con ‘Smile’ de Katy Perry-. El NME informaba también de que el ingeniero de sonido de Drake decía el 28 de julio en Instagram que el álbum estaba terminado «al 90%», pero que habría que esperar aún por el «último 10%», sin especificar cuánto. Más infundados eran los rumores que apuntaban a una colaboración entre Drake y Ariana Grande.

2020 ha sido un año entretenido para Drake. Si extraída de ‘Dark Lane Demo Tapes’, ‘Toosie Slide’ lograba convertirse en el 7º número 1 para el cantante en el Billboard Hot 100, hace unas semanas que ha aparecido en un par de temas nuevos de DJ Khaled, un ‘Popstar’ que ha conseguido ser número 3 en Estados Unidos y un ‘Greece’ que le mostraba en un registro vocal irreconocible. Con ellos, ha roto el récord de artista con más tops 10 en la historia del Billboard Hot 100, al sumar 40, superando a Madonna, que tenía 38, y a la que dedicó un tema llamado ‘Madonna’, tal cual, antes de que ambos improvisaran una patochada de actuación en Coachella que probablemente acabó con su amistad. Con la carrera que le queda por delante, y con su adicción al estudio (llegó a sacar 120 singles en 10 años), ni que decir tiene que tal récord tiene nombre durante unos cuantos años.

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TMRW MIDNIGHT 🤍

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Se busca a Dua Lipa en el remix de ‘Levitating’, se busca a Madonna en su videoclip

Por
Sebas E. Alonso
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Dua Lipa ha estrenado al fin el remix de ‘Levitating’ en el que participan Madonna y Missy Elliott. La nueva remezcla de ‘Levitating’ extraída de un disco de remixes de lujo para ‘Future Nostalgia’, que saldrá el día 28 de agosto con más colaboradores como Gwen Stefani, Mark Ronson y Jamiroquai, está producida por The Blessed Madonna (antes The Black Madonna), y esta se la ha llevado totalmente a su terreno.

En efecto, The Blessed Madonna es realmente la principal protagonista de esta remezcla de superestrellas, pues como era de prever, se ha llevado totalmente a su terreno la composición, prescindiendo de su carácter disco-funky, que por otro lado ya era de 10 sobre 10, y no tenía margen de mejora. Lo que la canción pierde en comercialidad lo gana como oscuro banger de corte entre el electro y el techno: parece difícil que Radio One, principal objetivo de Dua Lipa, y las playlists de moda la asuman, pero sí está llamada a convertirse en una joya perdida de todas las implicadas. Pues además, Missy por supuesto mejora el rap de Dua («Suck my breasts like Betty Boop»), que era el punto más flojo de la canción (dentro de que no tenía ninguno).

Si en la remezcla a duras penas se oye a Dua Lipa más allá de la primera estrofa, al menos ella sí es la protagonista del videoclip. El vídeo, con cierto regusto a covid-19 (aislamiento, distancia de seguridad, pobreza de recursos), está protagonizado por Dua, su pareja, y una serie de jóvenes atraídos por cierto componente mágico y onírico. Missy Elliott ha podido rodar unas cucamonas para su parte, pero Madonna no, quizá porque como muestra de vez en cuando en Instagram, continúa lesionada de rodilla y tobillo y utilizando muletas.

La recepción al remix ha sido convulsa, como podéis comprobar en encuesta y comentarios bajo estas líneas. The Blessed Madonna se ha llevado la peor parte en este caso, pues es la productora, y hay quien le ha puesto en Twitter que «Dios se encargará de ella«. Los seguidores de Dua, Madonna y Missy comparten ya un «remix» del tema tal y como se entiende hoy (un añadido de voces sobre la original y ya), mientras el del disco ‘Club Future Nostalgia’ apela a los clubs de techno a la antigua usanza.

Sobre la gestación de la canción, Dua Lipa revelaba en una entrevista reciente que estaba trabajando con The Blessed Madonna en una remezcla para ‘Levitating’, cuando se le ocurrió comentar que quienes quedarían bien en ella serían Madonna y Missy Elliott. Se atrevió a consultar con su mánager con la esperanza de que al menos una de las dos dijera que sí, y finalmente consiguió a las dos. El invento supone el reencuentro de Madonna y Missy Elliott después de que esta apareciera en la mítica actuación de MTV que reunió a Madonna morreándose con Britney Spears y Christina Aguilera. En general, Elliott acudió al rescate de Madonna en aquella época para un par de remixes de ‘American Life’, con los que no pasó absolutamente nada pese a que corría el año 2003, y solo habían pasado unos meses desde que ‘Work It’ era número 2 en el Billboard Hot 100. Desde el punto de vista comercial, este no tiene pinta de correr mucha mejor suerte.

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