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Ed Sheeran escucha a «Iron & Wine en la radio», pero recuerda a Bon Iver, en su nuevo single

Por
Jordi Bardají
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Ed Sheeran estrena nuevo single, ‘Afterglow’, después de que este fuera anunciado previamente por una emisora de radio británica a través de Twitter, y luego por él. La portada del tema es una pintura creada por el propio Sheeran que recuerda al trabajo de Jackson Pollock.

Se trata de una bonita canción acústica, sencilla, en la que manda el sonido de la guitarra y el de la voz de Sheeran, la cual ha sido pasada por el filtro del Prismizer (o un sintetizador de voz parecido), lo que hace que la canción remita de inmediato a la obra de Bon Iver. La letra es romántica, habla de estar «borracho de amor» con la persona amada e incluye una referencia a Iron & Wine «sonando en la radio». Por otro lado, el vídeo de ‘Afterglow’ simplemente muestra a Sheeran tocándola frente un paisaje rural, por lo que el artista podría estar anticipando esa era folki y lo-fi de la que hablaba hace unos años. De momento, el artista ha confirmado que ‘Afterglow’ no es el primer single de su próximo trabajo.

A pesar de que esto pueda parecer el «comeback» de Sheeran, lo cierto es que el artista no se ha ido jamás a ninguna parte: en 2019 publicaba un exitoso álbum de colaboraciones, por si le echábamos de menos después de firmar uno de los discos más exitosos de la pasada década, ‘Divide’, que vio la luz en 2017 pero siguió promocionando incansablemente hasta bien entrado el año pasado, a través de una gira mastodóntica que no nos perdimos. Luego anunciaba su retirada de los escenarios para descansar… pero de eso solo ha pasado un año.

Sheeran ha sido noticia en los últimos tiempos por estrenarse como padre, de lo que es fácil deducir que su nuevo material abordará la paternidad de alguna manera. El nombre de la criatura, Lyra Antarctica Seaborn Sheeran, daba que hablar por lo curioso del mismo.

Sophie Hunger / Halluzinationen

Por
Sebas E. Alonso
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Como si haber nacido en Suiza, pero haberse criado entre Reino Unido y Alemania, y vivir ahora en Berlín -dónde si no- le hubiera hecho ser un culo de mal asiento desde pequeña, Sophie Hunger no se casa con ningún estilo, ni con ningún idioma. En su séptimo álbum de estudio publicado este año -ahora acaba de sacar otro junto a Dino Brandao y Faber-, encontrarás canciones de todos los estilos, desde el rock teñido de electrónica de los Radiohead de los últimos años 90 y los primeros 2000, hasta la balada transcendental a piano de un Nick Cave.

La artista, que ha sido número 1 o número 2 en Suiza con todos sus discos desde 2008 y ha tenido una buena repercusión en Alemania sobre todo desde que ‘Supermoon’ (2015) fuera top 6, abre ‘Halluzinationen’ con un tema intimista dominado por un piano wurlitzer en el que se va introduciendo la electrónica. ‘Liquid Air’ nos habla de adicción al dolor y al alcohol, con multitud de inquietudes («puedo vivir en cualquier lado pero justo aquí no»). Tras un principio así de torturado, sorprende que encontremos en el álbum canciones próximas al pop o incluso bailables.

El tema titular, ‘Halluzinationen’, una canción de contradicciones («os odio, os amo y ya no me puedo defender a mí misma», entona en este caso en alemán), parece influido por Kraftwerk en el uso de sintetizadores. ‘Everything Is Good’ tiene el color en los teclados, la melodía saltarina y los beats suficientes como para haber transcendido a nivel internacional. Y ‘Alpha Venom’ es posiblemente la canción más relevante del álbum al hablarnos del machismo en la industria musical.

Escrita para una serie de la televisión alemana, sobre una actriz que lucha por sobrevivir en un mundo dominado por hombres, tiene algo de «teoría marxista y verdadero feminismo», como ha explicado en una entrevista reciente. «No olvides quién hace la música: soy yo quien hace la música», ha de reivindicar una y otra vez por razones por casi todos conocidas.

También hablan sobre la mujer con perspectivas diferentes ‘Maria Magdalena’ y ‘Rote Beeten aus Arsen’, esta última dedicada a una «mujer alemana» que nos hace daño, a la que se apela constantemente, mientras ‘Security Check’, «llorando en un taxi», parece aludir a una separación. Son todas canciones de espíritu libre en las que o bien un piano o bien un sintetizador pueden conseguir que entres definitivamente en el mundo de Sophie Hunger, en un trabajo rematado con la producción de Dan Carey (Fontaines DC, Kae Tempest). Hay un atractivo añadido: fue grabado todo en directo en una toma continua, en Abbey Road.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Everything Is Good’, ‘Hallutinationen’, ‘Alpha Venom’, ‘Liquid Air’
Te gustará si te gusta: Regina Spektor, Radiohead, PJ Harvey, Nick Cave
Youtube: vídeo de ‘Everything Is Good’

Dua Lipa cierra 2020 cantando sus singles y un tema navideño en la tele americana

Por
Jordi Bardají
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Dua Lipa ha sido la última invitada musical de 2020 en Saturday Night Live. Normalmente, un artista acude a este programa para presentar un trabajo que está a punto de salir o, en el caso de Adele, porque sí, pero Dua lo ha hecho para poner el broche de oro al que, sin duda, ha sido su año por varias razones.

Las canciones que ha cantado Dua Lipa en Saturday Night Live han sido ‘Don’t Start Now’, el primer single de ‘Future Nostalgia‘, y el gran bombazo de esta era, y ‘Levitating’, el último single extraído del disco que, después de un inicio titubeante en las listas de éxitos, ha remontado a lo grande gracias a un remix que incorpora la participación de DaBaby, uno de los raperos de moda. Es el éxito actual de ‘Future Nostalgia’ y permanece entre los temas más escuchados a nivel global.

Dua no ha dejado de participar en el típico «sketch» de Saturday Night Live y, junto a la presentadora Kristen Wiig, ha viajado hasta los años 40 para hacer una extraña versión de ‘It’s Not Right, But It’s Ok’ de Whitney Houston, incluyendo un típico bailecito de salón con los brazos cruzados.

Estos días, la cantante británica ha sido noticia por realizar otra aparición televisiva, en este caso para cantar ‘Christmas Is All Around’ con Jimmy Fallon. La canción es conocida por aparecer en varios sitios, sobre todo en la película ‘Love Actually’ cuando es interpretada por el actor Bill Nighy. Sin embargo, es una versión de una canción mucho más antigua, firmada por la banda de pop The Troggs y publicada en el año 1967.


BENEE quiere ser tan «kool» como Lily Allen… y lo consigue

Por
Jordi Bardají
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BENEE ha arrasado con la simpática ‘Supalonely’ con Gus Dapperton pero su primer disco ofrece sonidos bastante dispares en los que la joven neozelandesa plasma todas sus influencias. Una de ellas es el sonido de Lily Allen y Gorillaz, reflejado en el tema que más ha funcionado de manera espontánea al margen de los singles.

Y la referencia a Lily Allen tiene bastante más sentido de lo que parece, y no solo porque esta aparezca de hecho en el disco de la joven cantante: si ‘Kool’ habla de una persona a la que BENEE admira hasta el punto de querer ser ella, la letra puede interpretarse desde el punto de vista de un fan que se dirige a su artista favorito y, por culpa de los nervios, de su boca solo salen bobadas sin sentido. Le pasó a Stella Rose Bennett cuando conoció a la autora de ‘No Shame’ después de ejercerle de telonera en Nueva Zelanda: «cuando conocí a Lily Allen, nunca antes había conocido a ningún artista antes, y lo que le dije fue en plan… ¿tienes cinco años? Fue súper incómodo.»

‘Kool’ es una canción de pop de ecos funky que recuerda a la Lily Allen de ‘Alright, Still‘ y a los también mencionados Gorillaz… o a los Ting Tings más «groovy», los de ‘Soul Killing’. BENEE la escribe en su pequeño estudio casero y su letra no puede reflejar más esa ansiedad adolescente de querer convertirte en ese alguien al que idolatras por un día. «Hablas tan bien, tienes tanto control cuando caminas, estás afuera fumando, tu piel luce increíble, eres como un ángel, me encanta tu confianza, quiero sumergirme en tu vida». La cantante aclara que ‘Kool’ no versa tanto sobre «querer ser otra persona» literalmente sino sobre el deseo de vivir una vida «sin ansiedad» a través de los ojos de esta.

Otra de las lecturas que realiza BENEE de ‘Kool’ es que la persona a la que va dirigida es muy social, cuando ella no lo es tanto. Es más casera. No sorprende, por tanto, que el vídeo de ‘Kool’ muestre a la cantante viviendo la vida de otra joven como ella… a través del videojuego ‘Los Sims’. Por supuesto desde casa, en el recogimiento del hogar, que hay una pandemia ahí afuera.

Obama, fan de Jessie Ware, Phoebe Bridgers, Waxahatchee, Faye Webster…

Por
Jordi Bardají
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Barack Obama, el Pedro Sánchez estadounidense, ha vuelto a publicar sus listas de los libros, discos y películas que más le han gustado este año. En el apartado musical, su resumen vuelve a dejar nombres de lo más interesantes que no imaginaríamos en la playlists de Donald Trump, Pablo Iglesias o Isabel Díaz Ayuso ni en un millón de años. Una lista de lo más «cool» que Obama ha elaborado, eso sí, con la inestimable ayuda de su hija Sasha, la «gurú de la música de la familia». ¡Así cualquiera!

En primer lugar de la lista de Obama aparece nada menos que el ‘Savage Remix’ de Megan Thee Stallion y Beyoncé. ¿Alguien puede visualizar a Obama cantando eso de «I’m a savage / classy, bougie, ratchet / sassy, moody, nasty»? Es uno de varios temas de la lista en los que se percibe a Obama muy atento a la música que ha triunfado en las listas de éxitos en los últimos 365 días: también están ‘La difícil’ de Bad Bunny, el remix de ‘Levitating’ de Dua Lipa con DaBaby o ‘Franchise’, ese tema de Travis Scott que, este año, ha llevado a M.I.A. a alcanzar el número del Billboard para sorpresa de todos. No, él tampoco es fan de The Weeknd.

Como suele ser habitual en las listas de Obama, vuelve a haber en ella bastante que rascar en cuanto a su reivindicación de canciones que han gustado más a un público «alternativo»: Jessie Ware ha tenido que «acostarse» un momento para asimilar que ‘Rememeber Where You Are’, la pista que cierra su último disco, el segundo mejor de 2020 para nuestra redacción, aparece por aquí. ¿Nadie en la familia de Obama es más de ‘What’s Your Pleasure?’ También Waxahatchee asoma en la lista con ‘Can’t Do Much’ y Phoebe Bridgers lo hace con ‘Kyoto’. De Bob Dylan a Little Simz pasando por Faye Webster, así le ha quedado la lista al ex-presidente.

‘El desorden que dejas’: Bárbara Lennie, Inma Cuesta y Aron Piper son la droga de estas navidades

Por
Pablo Tocino
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En una escena de ‘El desorden que dejas’, el personaje de Bárbara Lennie explica a sus alumnos que tiene “una naturaleza muy adictiva”. Está hablando de sí misma, pero bien podría ser un guiño meta, porque a la nueva miniserie de Carlos Montero (cocreador de ‘Élite‘ junto a Darío Madrona) para Netflix le pasa como a las Pringles: te costará horrores limitarte a un solo capítulo y no devorar los ocho en estos primeros días. Su punto de partida es la llegada de una profesora coruñense a un pueblo para sustituir a la antigua encargada de Literatura, que se suicidó semanas atrás. “La nueva” empezará a obsesionarse con su predecesora, y con la posibilidad de que no se suicidase, sino de que fuese asesinada… y de que las mismas personas que acabaron con su vida la tengan a ella misma como nuevo objetivo. El arranque puede ser interesante, pero lo es más si os digo que las dos profes están interpretadas por Bárbara Lennie e Inma Cuesta, que el denostado Aron Piper os va a sorprender, y que, la verdad, resulta bastante refrescante que cada vez más los thrillers aprovechen las infinitas posibilidades que ofrece nuestro país, sin limitarse a Madrid y Barcelona. El siguiente paso es no tener que recurrir al “motivo de peso” de los thrillers, pero supongo que poco a poco.

‘El desorden que dejas’, que adapta un libro del propio Montero, engancha tanto como ‘Élite’, pero está orientada a un público más adulto. Es muy simbólico el uso de ‘Turnedo’ en una de las últimas escenas, y de una banda sonora que responde bastante a este target, empezando por supuesto por el tema de cabecera de Xoel López. La principal diferencia de la serie con respecto al libro es lo que para muchos ha sido el mayor atractivo de cara a plantearse verla: la presencia de Bárbara Lennie. En el libro, su personaje ni mucho menos comparte protagonismo con Raquel: solo sabemos de Viruca a partir de otros personajes. Pero comenta Montero en una entrevista reciente que precisamente fue el mundo de Viruca el que se quedó con ganas de explorar cuando la escribió, “porque era la parte que tenía que ver más con el deseo y el sexo, y cuando tuve la oportunidad de hacerlo serie dije “ésta es la mía””. Desde luego no se puede decir que no se haya quedado a gusto: además de la controvertida escena de la pintura, se retratan multitud de encuentros sexuales del personaje de Viruca, pero también del de Raquel, por no hablar del erotismo presente en las escenas que comparten Iago y Roi. Pero, más allá de los emoticonos de fueguitos y de alegrarnos la vista, Montero usa el sexo como vehículo para hablar de uno de los temas principales de la historia: la autodestrucción que comparten las dos protagonistas, una autodestrucción que se llevó (ya sea directa o indirectamente, que no queremos hacer spoiler) por delante la vida de una de ellas, y que amenaza con hacer lo mismo con la otra.

Es ahí donde reside una de las fortalezas de la serie, en ese juego narrativo entre Raquel y Viruca, y en el buen hacer de sus dos actrices. Aunque tenga debilidad por Lennie, reconozco que Inma Cuesta también se sale en una tesitura muy complicada: es la protagonista principal (al fin y al cabo, es la que está viva), pero para el espectador es más fácil empatizar e interesarse por el personaje de Viruca, que empieza mucho más carismático frente a lo paraíta que es Raquel. Esto, por supuesto, no se mantendrá así, y os sorprenderéis a vosotros mismos diciendo “qué heavy eres, Juana” a Viruca más adelante. Hay que destacar además el trabajo de Aron Piper, mil veces mejor como Iago que como Ander; el de su padre Alfonso Agra, y también el de Tamar Novas, Roque Ruiz e Isabel Garrido, aunque estos tres están lastrados por el comportamiento incomprensible de sus personajes, un problema que afecta a casi todos en mayor o menor medida, pero especialmente a sus Germán, Roi y Nerea. Muchos de los personajes parecen actuar de una u otra manera en función de lo que haga falta para la trama, y no tanto de sus propias motivaciones, que en ocasiones acaban siendo un poco anodinas para lo grave de ciertas acciones.

De hecho, se ha comentado mucho el tema de coger a actores no-gallegos para hacer de gallegos, y del acento más o menos acertado que resulta de ello -a los andaluces nos pasó hace poco con ‘Brigada Costa del Sol’ -, pero yo diría que los momentos en que tenemos que recurrir muy fuerte a la suspensión de incredulidad no son tanto por el acento como por lo que comento del comportamiento de los personajes, o del propio contexto de éstos. Por ejemplo, nadie se cree a cierto personaje hablando de cómo vive “en la miseria” y de que tiene los calzoncillos roídos (!!!), y las alusiones a la clase social flojean teniendo en cuenta que casi ningún personaje tiene una “humilde morada” precisamente. Lo mismo podría decirse de ese IES Novariz, del que al menos un personaje verbaliza que “es un colegio público pero no lo parece” (ya te digo yo a ti que no lo parece).

En definitiva, ‘El desorden que dejas’ no parece tener una intención realista ni destaca por el retrato de sus personajes (más allá del interesante juego de espejos entre Viruca y Raquel), pero sí funciona como un entretenidísimo thriller -esto no es fácil- al que os volveréis adictos durante sus ocho episodios, y con el que decir “OYOYOY” con cada giro de guión, o con cada vez que intuimos que el personaje de Bárbara Lennie va a liarla. En estas (atípicas) navidades que parece que vamos a pasar más que nunca en casa y sin mucha compañía, podemos distraernos escandalizándonos con la realidad que presenta ‘El desorden que dejas’ en vez de con la nuestra. 6,2.

Raphael desata la polémica con su concierto frente a «5.000 personas» en el WiZink Center

Por
Jordi Bardají
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Raphael ha ofrecido este sábado un concierto ante 5.000 personas (según las cifras que están siendo reproducidas por los medios generalistas) en el WiZink Center de Madrid que se repetirá hoy domingo. El concierto está siendo muy comentado por lo que implica que un evento de esta envergadura tenga lugar en mitad de la pandemia. De hecho, desde que Camela actuaran frente a 10.000 personas en el mismo recinto el pasado mes de marzo, antes de que se decretara el estado de alarma, no se había producido en España un concierto de esta magnitud. Marc Dorian reflexiona: «¿ya se pueden hacer conciertos de 5000 personas o solo Raphael?»

Las medidas sanitarias activadas por el WiZink Center han incluido «test de antígenos a todo el personal, renovación completa del aire del recinto cada 12 minutos o doble separación entre butacas», según un comunicado publicado en su página web. El aforo ha sido reducido al 30% (un 10% menos del habitual) y separado en cuatro sectores de 1.200 personas cada uno. Manuel Saucedo, CEO de Impulsa Eventos e Instalaciones, sociedad que gestiona el recinto, ha explicado a El Confidencial que estos sectores «son espacios totalmente independientes, como si fueran cuatro recintos diferentes con 1.200 personas cada uno», y que también «hemos abierto casi todas nuestros puntos de entrada al recinto, y eso son casi 90 puertas para que los asistentes no se crucen al entrar». Ha indicado que «no solamente cumplimos las normas de seguridad de la Comunidad de Madrid, sino que las multiplicamos».

Por otro lado, Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid, ha defendido la realización del evento, explicando: «El concierto de Raphael cumple escrupulosamente las medidas. Las imágenes confunden: solo hay 30% de aforo. Si el contagio subiera en Madrid se suspenderían estos espectáculos. Pero es en el ámbito privado donde se registran más casos.

El concierto de Raphael ha provocado naturalmente un «escándalo» en las redes sociales, donde los usuarios comparten vídeos de dicho evento con indignación y estremecimiento a partes iguales. Hay quien anticipa que muchos de los asistentes acabarán en urgencias dentro de 14 días, quien critica que se puedan realizar este tipo de conciertos pero no viajar para reunirse con familiares por Navidad, y quien se toma la polémica a broma, como un usuario que señala: «Si lo llego a saber les compro una entrada para el concierto de Raphael a toda mi familia para reunirnos allí todos por Navidad».

Os dejamos con el comunicado oficial de WiZink Center sobre el concierto de Raphael:

El concierto recordó a las grandes noches de Raphael en el Wizink Center, aunque la situación provocada por el Covid-19 hizo que, salvo su música, todo fuese muy distinto a otras citas del artista de Linares en la capital. Raphael hubiese llenado el aforo del Wizink Center, y sin embargo, por protocolo sanitario sólo se le permitió un 25% de la capacidad total del recinto, y fueron 4.368 personas las que llenaron los asientos habilitados, cuando por normativa se hubiese podido activar hasta el 40% del aforo. Artista y recinto habían acordaron a la hora de programar el conciertos aplicar esta limitación.

La capacidad total del Wizink Center, que puede alcanzar un aforo de 17.400 personas, permitió además duplicar el distanciamiento entre los asistentes. La norma establece un asiento de distancia entre el público, mientras que en esta ocasión la distancia se duplicó hasta dos asientos, lo que representa más de un metro de distancia, e incluso no se usaron las filas de delante y detrás del público asistente lo que aislaba totalmente a los grupos de asistentes.

Como es habitual en los grandes conciertos, y más en estas circunstancias, días antes del concierto se celebró la reunión de Seguridad en la delegación de Gobierno de Madrid, en la que la Dirección de Seguridad del Wizink Center planteó el Plan de Seguridad del concierto, que recibió el visto bueno tanto de la delegación de gobierno, como de Bomberos, protección Civil y Policia Municipal.

Este Plan de Seguridad establecía, y así se hizo, que el recinto se iba a sectorizar, estableciendo módulos diferenciados de gradas: Goya, Felipe II, Fuente del Berro y pista, para limitar la movilidad de las personas. A cada uno de estos sectores se entraba por puertas diferencias, de las más de 50 que se abrieron para la ocasión, son sistemas de toma de temperatura, dispensadores del geles desinfectantes y control de entradas sin contacto físico. Lógicamente, era obligatoria en todo momento el uso de mascarilla y el público dispuso de un sistema informático para solicitar bebida y comida a sus asientos para evitar la circulación por los pasillos.

El protocolo de Seguridad también incluía un número adicional de informadores y acomodadores, tanto en el exterior como en el exterior, del recinto, para evitar concentración de personas, lo que hizo que la entrada, como la acomodación fuese muy fluida. Los cerca de 300 profesionales que trabajaron en la organización, horas antes de comenzar el concierto se sometieron a un test de antígenos para garantizar su estado. Los datos fueron incorporados al fichero de los test que está realizando la Comunidad de Madrid.

Atendiendo a informes sobre la propagación del virus en recintos cerrados, el Wizink Center modificó su sistema de ventilación, anulando la recirculación del aire y forzando la renovación completa del aire cada 12 minutos, lo que logra una calidad del aire IDA 2, cercana a IDA 1 (cuando por reglamentación bastaría con un IDA 3), es decir, muy similar al que podemos encontrar al aire libre. Para controlar la concentración de CO2, se realizaron también mediciones cada hora, con resultados en torno a las 600 ppm, muy próximos a los datos del exterior, también controlados, y que midieron sobre las 400 partículas por millón.

Al finalizar el evento, el acta del servicio de inspección de espectáculos, de la Policía Municipal, reflejó que el concierto se había desarrollado dentro de la más absoluta normalidad. El protocolo de Seguridad Sanitaria, en su momento, recogió las observaciones transmitidas por la dirección de Salud Pública de la Comunidad de Madrid y el Plan de Seguridad aplicado en para este concierto cumplió toda la normativa aplicable.

Las Ruinas / Arruinaos

Por
Mireia Pería
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Recapitulemos: Las Ruinas, el trío formado por Edu Chirinos, Toni López y Jaime Beltrán, anunciaron en su momento, a forma de chanza, que sacarían diez discos en diez años y después se separarían. Promesa cumplida. Y, para cerrar el círculo, decidieron que su décimo disco sería un directo, como toda buena banda de rock que se precie. Y, claro está, publicado por su sello de siempre, El Genio Equivocado. Este directo, ‘Arruinaos’, fue grabado los días 15 y 16 de marzo en la sala Vol del Poble Nou. Recoge de manera fidedigna el buen hacer de la banda en directo, pero también la complicidad de un público que los había visto cientos de veces (yo entre ellos). De hecho, Las Ruinas eran, más allá de su prolífica producción, su aún más prolífica presencia en los escenarios de Barcelona: Hi Jauh Usb?, Heliogàbal, Almo2bar, la propia Vol, etc.

El sonido de ‘Arruinaos’ tiene un puntito infame, pero eso también forma parte de su encanto: que suene como si realmente estuvieras en la sala Vol. Todo se escucha con un punto de baja fidelidad; las voces están demasiado altas respecto a los instrumentos y tienen cero tratamiento de posproducción. Edu, por ejemplo, suena a garganta desgañitada, a voz en cuello. Pero también llega toda la vibración, fuerza y alegría que desprendía su clásica formación de guitarra, bajo, batería, con su característico punk-rock que bebía del alternativo americano de los 80-90. Y sin respiro: las canciones aparecen encadenadas, sin freno, hasta encajar 23 temas en 54 minutos. Y resulta el recopilatorio perfecto de sus nueve discos anteriores. Aquí todo son hits «ruinosos», si se me permite el chiste: el punk-funk seco de ‘Piensa por ti mismo’, los quiebros Pixies/Breeders de ‘Lo que siento por ti’, los aires a Kiko Veneno de ‘Viva la Resolución’, Lou Reed paseándose por ‘Ramón y Cajal’ (la calle del Heliogàbal), la cumbre pop de Jaime, la estupendísima ‘Gabriel y Vencerás’… E ironía a patadas: la coña a costa de los músicos de rock plastas, cuadriculados y fans de Satriani en ‘Jam Session Man’, espantados ante cualquier cosa que suene a distorsión, el himno ‘Cerveza Beer’, en el cual, sí, consiguen que te veas en Joaquim Costa rodeada de lateros. Sus canciones atrapaban la realidad de su momento, de unas salidas nocturnas tan, pero tan concretas, que les podemos poner nombres y apellidos.

La pandemia puede hacer cambiar enormemente la percepción de un disco. Este directo de Las Ruinas se ha convertido, en mi caso, en el ejemplo más claro; de cómo un disco en directo divertido, fresco, pensado para celebrar la carrera de los barceloneses se convierte, por (mala) arte del virus, en un artefacto cargado de nostalgia y sentimentalismo. Porque todo aquello a lo que cantan, que vivimos con ellos, se ha esfumado. Queremos creer que no para siempre, que volverá. Pero vivimos inmersos en un impasse de duración incierta. Y ‘Arruinaos’ es una estupenda manera de recordar los no viejos tiempos que ahora parecen tan lejanos.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Lo que siento por ti’, ‘Piensa por ti mismo’, ‘Viva la resolución’, ‘Gabriel y Vencerás’, ‘Cerveza Beer’
Te gustará si: no sólo echas de menos el Hi Jauh Usb?, sino que echas de menos todos esos conciertos en salas pequeñas de grupos de tu ciudad a los que has visto cien veces y matarías por volver a ver cien veces más.
Youtube: el disco entero

The Avalanches llevan a Bacharach a la pista de baile de los 70 con MGMT y Johnny Marr

Por
Jordi Bardají
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The Avalanches han publicado un disco tan bueno que cuatro de sus pistas han pasado por nuestra sección «Canción Del Día» y ahora se suma a ella una quinta. ‘The Divine Chord’ se ha posicionado enseguida en el número 1 de canciones más escuchadas de The Avalanches en Spotify y no solo porque reúna en una misma producción a dos artistas tan queridos por el público como MGMT y Johnny Marr, conocido por ser el guitarrista de los Smiths.

‘The Divine Chord’ era el gran single de ‘We Will Always Love You‘ que The Avalanches se reservaban para el lanzamiento del álbum. Como ‘Music Makes Me High‘ es una producción de disco cósmico y psicodélico que nos lleva a las pistas de baile de los años 70, pero ahora para exudar un espíritu más inocente y celestial, tan religioso como puede indicar ese título que alude a un «acorde divino». La canción se basa en un sample de ‘It’s Love that Really Counts’, una canción de pop de 1962 grabada por las Shirelles y compuesta por Burt Bacharach y Hal David, y su maravilloso estribillo se basa en el de unos coros infantiles que han sido grabados para la ocasión. Pertenecen a The Yarra Voices, un coro infantil de Melbourne que, ya a finales del año pasado, declaraba encontrarse «grabando samples» para el nuevo álbum de la banda australiana.

También suena inocente la voz de Andrew VanWyngarden, y ‘The Divine Chord’ se queda a poquito de parecer una canción que podría haber aparecido en el álbum debut de MGMT, dada la presencia de sonidos lisérgicos en su producción. De hecho, es Andrew quien lleva esta producción a otro lugar gracias a su registro inconfundible, el cual también emite cierto aire de inocencia. Es imposible no creérselo cuando aborda esta letra en la que reconoce haber decepcionado a la persona amada hasta el punto de llegar a una ruptura. «Aún me acuerdo de ti, del modo en que soñaba contigo» canta antes de agarrarse a la esperanza: «puede que me convierta en la persona que creías que era, antes de conocerme». Es sublime cuando el estribillo apunta a unas «estrellas que se están reorganizando», como si el dolor de Andrew afectara al mismísimo cosmos.

‘The Prom’: ¿ha hecho Ryan Murphy el peor musical de los últimos años?

Por
Joric
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Ryan Murphy está liadísimo. Crear tres series -‘Hollywood’, ‘Ratched’, la segunda temporada de ‘The Politician’- y dos películas -‘Los chicos de la banda’, ‘The Prom’- en solo un año no lo aguanta ni Jess Franco en sus mejores tiempos. Los 300 millones que le dio Netflix para-lo-que-te-de-la-gana se han traducido en un puñado de obras menores que parecen salidas de una cinta transportadora de una fábrica californiana. Productos bien confeccionados y envasados, pero convencionales, repetitivos y desechables. Murphy convertido en marca comercial.

Estética (neo)camp, discurso LGTB+, manierismo metanarrativo, reivindicación de las actrices mayores… Todos estos elementos que hicieron de Murphy un creador a contracorriente en la ficción televisiva del siglo XXI, en el director que logró introducir con éxito un poco de colorida pluma en un universo audiovisual bastante grisáceo y recio, se ha transformado en una simple fórmula en 2020. ‘Hollywood’, ‘Ratched’ o ‘Los chicos de la banda’ tenían un pase (sobre todo la primera, que con sus fallos, me pareció muy disfrutable), pero ‘The Prom’ es pura decadencia.

Y eso que no empieza mal. La premisa argumental, adaptada del musical homónimo de 2016, tiene bastante gracia y resulta muy prometedora como sátira: cuatro actrices y actores de Broadway, en pleno declive profesional, deciden dar un impulso a sus carreras a través del activismo social. Para ello eligen apoyar el caso de una adolescente lesbiana de un “trumpista” pueblo de Indiana (el estado natal de Murphy), a la que han prohibido ir al baile de graduación acompañada de su novia.

Meryl Streep, sin duda lo mejor del filme, se hace enseguida con las riendas de la película y la sostiene ella solita durante la primera media hora. Los mejores números musicales y diálogos -sobre el fracaso, la hipocresía, el narcisismo de las celebrities- son suyos. Sin embargo, cuando se echa a un lado y emerge el protagonismo de una sosa Nicole Kidman (qué manera de fastidiar el número homenaje a Bob Fosse, también por culpa de una fallida puesta en escena llena de innecesarios cortes), una esforzada Jo Ellen Pellman (pero tan ñoña como abrazar un árbol) y un insufrible James Corden (su interpretación parece un cruce paródico-mariquita entre el televisivo Ross Mathews y el Eric Stonestreet de ‘Modern Family’), la película se viene abajo como un bizcocho sin levadura.

La dirección de Murphy tampoco ayuda. ‘The Prom’ parece rodada con prisas y siguiendo un rígido manual de instrucciones: números musicales colocados estratégicamente para el lucimiento de cada estrella, la mayoría bastante pobres, rodados sin imaginación y sin demasiado peso en la narración; interludios dramáticos con discurso inclusivo tan bienintencionado como poco sutil y elaborado (la excepción sería el número protagonizado por Andrew Rannells en el centro comercial); movimientos de cámara constantes y porque sí, con una lógica narrativa que recuerda al dinamismo postizo y atolondrado de ‘El Hormiguero’; y una duración, más de dos horas, que juega en su contra.

‘The Prom’ no es el peor musical de los últimos años. Ese “honor” sigue siendo para ‘Cats’. Pero sí el más anticuado, desganado y autocomplaciente. Más cerca de la fallida ‘Hairspray’ (2007) que de la estupenda ‘Glee’ (2009), del propio Murray. 4.

Taylor Swift se apunta otro top 1 en discos en UK, pero Mariah se queda el de singles

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Sebas E. Alonso
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‘evermore’, el disco sorpresa de Taylor Swift, hermano del anterior ‘folklore’, es el nuevo número 1 de las listas británicas, pese a que no existe aún en formato físico. Es su 6º disco en ser número 1 en Reino Unido convirtiéndose en la tercera artista femenina con más tops 1 en este país, tan solo por detrás de Madonna (12) y Kylie (8) y empatada con Barbra Streisand. Eso sí, el single ‘willow’ no ha podido provocar el doblete ni con los puntos de su vídeo y entra al número 3 contenido por ‘Last Christmas’ de Wham! en el número 2… y Mariah Carey, claro, que se mantiene en el top 1 con ‘All I Want for Christmas Is You‘, que alcanzaba la cima por primera vez la semana pasada después de 26 años aguardando.

Además, Taylor Swift coloca los 3 singles reglamentarios en la lista de singles: además de ‘willow’, ‘champagne problems’ llega al número 15 y ‘no body, no crime’ al puesto 19. En este último caso, otorga el 6º top 40 en singles a Haim. El mayor éxito de estas en Reino Unido sigue siendo… no su colaboración con Calvin Harris, sino ‘The Wire’, que llegó al puesto 16.

Debido a la ausencia de edición física, y de las fechas en que nos encontramos, ‘evermore’ ha tenido entradas muy modestas en mercados tan importantes como Alemania (24) e Italia (26); aunque no en Noruega (4), Holanda (4) , Irlanda (3) o Suecia (3).

«10 fotos»: FKA twigs conoce a Pikachu, Madonna se tatúa, Javier Calvo trepa paredes…

Por
Jordi Bardají
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Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.

Pi-FKA-chu

Cuando paseas por la ciudad y te encuentras con Pikachu. Y cuando tú eres FKA twigs. El encuentro no podía pasar desapercibido. La autora de ‘MAGDALENE‘ ha sido noticia estos días por otros asuntos más serios, pero antes nos regalaba esta curiosa instantánea en la que dos universos colisionan.

Madonna, «tintada por primera vez»

La autora de ‘Madame X‘ ha hecho muchas cosas en su vida, pero nunca se ha hecho un tatuaje. Dicen que hay una primera vez para todo y la artista ha esperado a cumplir 62 años para tintarse en la piel las iniciales de sus cinco criaturas. Ya no es «virgen» de los tatuajes.

«Crossover»: Omar Ayuso y La Bien Querida

El actor de ‘Élite’ ha estrenado el tráiler de ‘Madrid se mata’, un corto sobre Madrid durante la pandemia, y la canción oficial de la película es una composición de La Bien Querida que solo podrá escucharse en dicho cortometraje. Ambos han celebrado su colaboración compartiendo este selfie. Y sobre Omar, Ana ha dicho que es «una fábrica de ideas, un hombre de acción y me encanta la gente así».

La alegría de Rina

La cantante británica ha tenido una de las respuestas más divertidas a la publicación de las listas de lo mejor del año. Su disco ‘SAWAYAMA‘ es número 7 en la lista de NME y la artista ha contestado entusiasmada: «muchas gracias, solía poner anuncios para buscar compañeros de banda en la revista. Y ahora mírala, todavía sin poder tocar en directo». Por lo menos queda la música grabada…

La preocupación de Maria Rodés

La autora de ‘Lilith‘, uno de los mejores discos de 2020, resume el sentir de los músicos durante la pandemia en este tuit lleno de incertidumbre: «En esta foto parezco una cantanta de villancicos preocupada por las celebraciones de Navidad: ¿Se harán? ¿No se harán? ¿Me dejarán tocar la pandereta?» No es para menos, no…

Kacey Musgraves, en ‘Barrio Sésamo’

La autora de ‘Golden Hour‘ está que lo tira últimamente y, después de colaborar con Troye Sivan y Mark Ronson en un remix de ‘Easy’, se ha embarcado en dos nuevos proyectos: aparecerá en la nueva temporada de ‘Barrio Sésamo’ y además doblará al inglés uno de los personajes de la nueva película de Studio Ghibli, ‘Earwig y la Bruja’. Kacey también cantará la canción principal de la película, ‘Don’t Disturb Me’ .

Caroline Polachek, en su mundo

La autora de ‘Pang‘ ha sido noticia estos días por estrenar su versión grabada de ‘Breathless’ de The Corrs, que irá incluida en el disco de remixes que saca en abril. Sin más novedades a la vista, la cantante ha decidido hacer un «update» a sus fans muy propio de ella: «si os preguntabais por qué no habéis sabido demasiado de mí últimamente, la razón es que no había wi-fi dentro del cisne». Al menos sabemos que, con este tipo de aves, puede comunicarse.

El «challenge» de Nathy

Sin comerlo ni beberlo, Nathy Peluso ha conseguido el mayor éxito de su carrera hace unas pocas semanas: su tema con Bizarrap acumula 42 millones de visualizaciones en Youtube y en Spotify va por los 16 millones de escuchas, por lo que ya ha hecho sorpasso con el que hasta ahora era su tema más oído, ‘No se perdona’ con Rels B. El «challenge» con el tema en TikTok también ha gustado mucho y aquí aparece Nathy marcándose los pasos correspondientes con sus amigas, Úrsula Corberó y Lali.

Javier Calvo trepa

Hablando de Úrsula Corberó, esta no aparecerá en el regreso -por un episodio- de ‘Física o química’, del que ya se conoce el tráiler y… ¿¿no pinta mal?? Javier Calvo, que ahora triunfa con ‘La Veneno’, sí participa en él, y esta información no tiene nada que ver con la foto que veréis a continuación, subida por el mismo Javier a su feed de Instagram, y en la que el director aparece trepando por unas paredes cual Spiderman. Talentos ocultos.

Xtina berrea para sus «haters»

Cada cierto tiempo surge un debate en las redes sobre la forma de cantar de Christina Aguilera, siempre tan dada a los alaridos incluso cuando pone voz a una canción navideña como la que acaba de presentar en la tele. En respuesta a las críticas, Christina ha subido la apuesta en un vídeo publicado a sus redes cantando con todo el poderío que la caracteriza. Por cierto, la autora de ‘Back to Basics’ cumple hoy 40 años. ¡Felicidades!

Iseo & Dodosound nos hablan sobre su nuevo single, ‘Atrapada’

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Jordi Bardají
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Iseo & Dodosound firman una de las novedades de hoy viernes con un nuevo single llamado ‘Atrapada’ que hoy es nuestra «Canción Del Día». Estamos ante el segundo sencillo publicado en 2020 por el popular grupo de dub y reggae navarro, pero donde ‘Quemando’ apostaba por un ritmo animadillo, el de ‘Atrapada’ es melancólico de principio a fin.

Mucho más envolvente y sintetizado también, pues incluso se da un aire con el ‘Hotline Bling’ de Drake, el nuevo sencillo de Leire Villanueva y Alberto Iriarte versa sobre la distancia que, este año, ha provocado la cuarentena. La distancia entre familiares, amigos, amantes… entre seres queridos en definitiva, inspira esta composición que va de un sentimiento de angustia general, haciendo referencia a las calles desiertas de Madrid; a uno más personal, al mencionar las «cuerdas rotas» de una guitarra o al incluir frases como: «cuando la herida no parar de sangrar puedo cantar, pero no puedo curar tu pena».

«Esta canción refleja un sentimiento colectivo de este último año, en el que no solo se ha visto damnificado el ámbito económico, sino también (y no menos importante) el social», explica la banda JENESAISPOP. «La distancia entre todos nosotros ha sido mayor que nunca, donde la única forma de comunicarnos ha sido a través del teléfono. ¿Dónde han quedado los abrazos? Hemos pasado un año lejos de nuestra familia (somos dos Navarros viviendo en Madrid), como muchas otras personas, y de eso habla ‘Atrapada’. A este 2020 se le tenía que dedicar o bien 1 minuto de silencio, o bien una canción. Y nosotras hemos elegido la segunda opción». La artista apunta: «Un buen amigo, al escuchar la canción, nos dijo que este tema «nos hace humanos», y puede que sea una forma sencilla pero acertada de describirlo. Creemos que este single tiene mucho de Leire y Alberto, plasmado musicalmente en Iseo & Dodosound, pero no dejamos de ser dos chavales que han pasado un año jodido, como todos».

‘Atrapada’ nace en septiembre después de un periodo de bloqueo: «Es curioso cómo, cuando en marzo empezó la pandemia, nuestra gente nos decía «qué bien, aprovecharéis entonces para componer un montón», cuando lo único que estábamos pensando era «qué está pasando en el mundo?», explica el grupo. «Las primeras semanas fueron de bloqueo creativo, como es normal, la inspiración no viene solo por tener mucho tiempo en casa (como era la situación de la cuarentena). Necesitas una paz mental que en aquellas semanas era imposible concebir. Pero poco a poco fuimos viendo que esto iba para largo, y adaptándonos a lo que se venía, empezamos a componer (a un buen ritmo, de hecho). Aún así, esta canción salió sin pensarlo, sin pretenderlo. Y viendo la letra, decidimos que adelantara al resto de material para publicarla ahora, que creemos que es cuando mejor puede venirle a la gente. Con este tema no solo diremos que esperamos que a la gente le guste, sino que en él encuentren cobijo y el calor de esos abrazos que tanto hemos necesitado este 2020».

La historia de ‘Atrapada’ llega enmarcada por la conversación telefónica entre Iseo y su madre, una fórmula similar a la de la base de ‘Nunca estoy’ de C. Tangana. La conversación es real y quedó grabada de manera accidental: Iseo terminó de grabar las voces de la canción y entonces llamó a su madre, sin pensar en que el micrófono seguía grabando. La llamada muestra a Iseo hablando con su madre a las tantas de la noche, cuando esta se encuentra cenando con su familia, buscando -quizá- ese tipo de charlas banales que se tienen en el día a día. Entre oportunas referencias a la «cuarentena» y a «corazones que también están en ERTE», otro acierto de Iseo & Dodosound y van…

Anaju canta la historia de un minero en su colaboración con Zahara y Mucho

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Jordi Bardají
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Anaju edita hoy un EP llamado como una de las palabras más siglo XXI que existen, ‘MOOD’, en el que es posible encontrar sus interesantes dos singles recientes, ‘Ese o ese‘ y ‘Rota‘. El primero estaba producido por BRONQUIO, que firma otro corte en el epé, ‘Si supieras’, y Raül Fernández «Refree» era la persona detrás del segundo.

Hay más nombres interesantes en el EP de Anaju. El tema ‘Carbón’ es una producción de _juno, esto es, el dúo musical formado por Zahara y Martí Pernarnau de Mucho que este mismo año ha publicado su debut largo, uno de los mejores discos de 2020. ‘Carbón’ lleva la firma inequívoca de ambos en producción (la mezcla de pianos y sintetizadores atmosféricos) y melodía, que no puede recordar más a la autora de ‘Santa’, sobre todo a sus momentos más dramáticos y sentimentales. La letra relata la trágica historia de una familia minera que «no consigue calentarse las manos tras el día de labor».

El origen de ‘Carbón’ hay que trazarlo en la estancia de Anaju en la Academia de Operación Triunfo de este mismo año. La artista cuenta a Los40 que ‘Carbón’ nace de su propósito de asimilar el sentimiento de ‘Catalina’ de Rosalía, canción que le tocó presentar en una de las galas del programa. Explica: «Carbón no es una historia directamente mía, es una historia que yo me inventé para poder defender la canción de Catalina en la gala de Operación Triunfo. Entonces, esa historia está traducida a canción sobre una niña llamada (de esta manera)». Anaju apunta que ‘Carbón’ «trata un tema de amor pero desde el punto de vista de una familia», ya que es «la historia de una niña que narra lo que le pasa a su padre».

Eminem publica disco por sorpresa y se disculpa con Rihanna en ‘Zeus’

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Eminem publica hoy viernes una edición «de lujo» de su disco editado a principios de este año que de hecho incorpora un disco entero de canciones nuevas en las que caben colaboraciones con Dr. Dre o Ty Dolla $ign. Es la segunda parte de ese trabajo inspirado en la obra de Alfred Hitchcock que no ha aparecido en demasiadas listas de lo mejor del año, pero que tampoco ha pasado desapercibido en las comerciales: el álbum ha vuelto a ser un éxito y su single principal ha dado al artista otro macrohit.

Publicado por sorpresa, como el reciente ‘Music to Be Murdered By’ y ‘Kamizake‘, el nuevo trabajo de Eminem incluye un corte llamado ‘Zeus’ que está siendo uno de los temas más comentados de la mañana debido a que, en él, el rapero se disculpa con Rihanna por una canción que se filtró a finales de 2019 en la que decía «ponerse del lado de Chris Brown» en relación a la agresión de este a la cantante del año 2009. La frase en concreto era: «deja que aporte mi opinión: yo estoy del lado de Chris Brown, también daría una paliza a cualquier zorra». La canción, grabada precisamente en 2009, aparecía dos años después en un disco de B.o.B con una letra diferente.

En ‘Zeus’, la pista 14 de ‘Music to Be Murdered By – Side B’, Eminem rapea: «me disculpo sinceramente con Rihanna por esa canción que se filtró / lo siento, Rih, no pretendía hacerte ningún daño / pero, en cualquier caso, fue un error por mi parte». Por otro lado, el sonido sentimental de la canción recuerda al de ‘Love the Way You Lie’, otra composición en la que el artista pide perdón por su tendencia a abusar física y psicológicamente de las mujeres… y en la que aparecía la misma Rihanna como artista invitada.

En realidad, el sencillo que presenta el nuevo trabajo de Eminem es otro: ‘GNAT’ presenta otro de sus raps imposibles espetados a la velocidad de la luz y otro de sus vídeos payasetes, en este caso con referencias al coronavirus y a las armas.

Escucha lo nuevo de Paul McCartney, Marlango, Rels B, L Kan, Najwa con Kase.O…

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Hoy viernes 18 de diciembre publica por sorpresa Eminem su nuevo disco, tal y como hacía a principios de año con ‘Music to Be Murdered By‘. El nuevo trabajo del rapero está relacionado con aquel pues supone su «cara b», que no sus caras b. También puede escucharse desde hoy el nuevo disco de Paul McCartney, la tercera parte de su trilogía iniciada hace 40 años, una colección de canciones de Maggie Rogers previas a ‘Alaska’, y esta semana ha visto la luz un disco de Mica Levi. En el plano nacional, Pablo López edita largo con título épico y Anajú un primer EP que incluye muchos de sus singles lanzados hasta el momento. Además, Soto Asa (del sello La Vendición) lanza su tercer trabajo largo con colaboraciones de Bad Gyal o La Zowi.

En cuanto a singles sueltos, ya hemos comentado la versión de The Corrs por Caroline Polachek producida por pC Music o la nueva burrada de cupcakKe. En realidad, tres de los temas destacados que salen hoy viernes son covers: por un lado, La Bien Querida se apropia de ‘Soy rebelde’ de Jeanette; por el otro, Él Mató a un Policía Motorizado y Carolina Durante unen fuerzas para reivindicar ‘Espacio vacío’ de Séptimo sello, y ojo a la perversión del ‘Santa Claus is Comin’ to Town’ perpetrada por Najwa y Kase.O, llevada al español.

También puedes escuchar en nuestra playlist de novedades el nuevo single de Rels B, que se da un aire a un tema de Nathy Peluso, con la que ha colaborado; y lo nuevo de Carlos Sadness, Iseo & Dodosound, Modo Avión, Kinder Malo y Pimp Flaco o Alba Reche con Cami.

Molchat Doma / Monument

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Molchat Doma es una banda de new wave, synth-pop y post-punk de Minsk, la capital de Bielorrusia, que este año ha visto cómo una de sus canciones se viralizaba de manera masiva a través de TikTok. Las 43 millones de reproducciones que acumula ‘Судно’ («Sudno») a día de hoy son el sueño de cualquier artista emergente y la canción, dedicada al poeta y geólogo ruso Boris Ryzhy, quien se suicidó a los 26 años, es un tiro de post-punk tenebroso que merece todo el éxito que ha recibido.

Sin ser exactamente un grupo emergente, pues su primer disco vio la luz en el año 2017, seguido por el segundo en el siguiente, el trío formado por el cantante Egor Shkutko y los músicos Roman Komogortsev (guitarra, sintetizadores, batería) y Pavel Kozlov (bajo, sintetizadores) publica su tercer largo a través del sello neoyorquino Sacred Bones, conocido por editar el trabajo de artistas tan interesantes como Zola Jesus, Jenny Hval o Lust for Youth. Compuesto a principios de año, durante el primer confinamiento, ‘Monument’ es otro estudio del sonido de The Cure, Joy Division o Bauhaus con incursiones ocasionales en la pista de baile, que entretiene por lo que tiene de familiar y de apto en esta época tan incierta… y la que nos espera.

Las composiciones de Molchat Doma, cuyo nombre significa «casas en silencio», el cual ya evoca una imagen de un lugar que antes fue habitado, pero que ahora ha sido abandonado, llevan títulos tan propios del género en el que incurren que parecen autoparódicos: «ahogarse», «condenado»… Hasta hay una pista llamada «no tiene gracia». Sin embargo, las canciones de Molchat Doma suenan sinceras y genuinas incluso cuando no se tiene el traductor delante para entender las letras, debido a la pasión con la que sus autores las abordan. La desesperación de una canción como ‘Не Смешно’ («ne smeshno»), que suena 100% a los The Cure de ‘Faith’, como buena parte del álbum, es palpable e imposible de fingir, y el ritmo disco a medio tiempo de ‘Обречен’ («obrechen») suena tan apesadumbrado como esa letra que habla sobre «heridas que tendré que curar por toda la eternidad».

‘Monument’ se abre con un corte de casi 6 minutos llamado ‘Утонуть’ («utonut'») que se queda cerca de ser un pepinazo y por el que asoman influencias muy obvias de Kraftwerk en su entramado de sintetizadores y percusiones mecanizadas. Y la música de baile sintética de los años 80 está muy presente en un tema llamado abiertamente ‘Дискотека’ («diskoteka») que el grupo dedica sin misterios al poder sanador de este lugar («no me importa lo que paso conmigo después, yo sigo bailando»), y en el que se envuelve de sonidos que remiten a grupos como Soft Cell. Sin embargo, en el álbum mandan ante todo las sensaciones del post-punk más adusto y desangelado de finales de los 70 y principios de los 80 -esas melodías de guitarra tristonas, esas baterías gélidas- y el espíritu de Ian Curtis está muy presente en la voz Egor Shkutko… aunque decir esto parezca una obviedad.

Igual de obvias son unas letras que hablan de desilusión, soledad, desamor e incertidumbre ante una existencia vacía de significado que parece derretirse como nieve en la ciudad: sí, los grises paisajes post-soviéticos parecen nutrir las atmósferas de estas canciones, como la propia cubierta del disco sugiere. En ‘Ответа Нет’ («otveta net»), el intérprete, encerrado en su «triste apartamento», tan solo que lo único que es capaz de oír es el «crujido del suelo» al caminar, clama: «canta una canción triste conmigo, no tiene sentido, ¿pero acaso algo lo tiene?»; en ‘Звезды’ («svezdy») culpa insistentemente a la persona amada por tener el «corazón malherido», y en ‘Утонуть’ incluso llega a rogarle que le «deje ahogarse en paz». Supere o no Molchat Doma la repercusión del viral, lo cierto es que su música sigue teniendo sentido.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Utonut’, ‘Obrechen’, ‘Discoteka’, ‘No smehsno’
Te gustará si te gusta: The Cure, Joy Division, Motorama, Depresión Sonora
Youtube: vídeo de ‘Diskoteka’

Taylor Swift y Haim se meten en un lío muy gordo en ‘no body, no crime’

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Jordi Bardají
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Taylor Swift volverá a ser número 1 en Estados Unidos y Reino Unido de manera simultánea con su nuevo disco, ‘evermore‘. Una de las canciones del disco que más están gustando de manera espontánea -y con razón- es la colaboración con Haim, que llega muchos años después de que se sepa que las cuatro comparten una amistad.

‘no body, no crime’ es la canción que une a Taylor Swift y a las hermanas Haim (tanto la primera como las segundas han firmado dos de los mejores discos de 2020 para nuestra redacción) pero no es la típica colaboración entre dos artistas que se admiran. Es verdad que Danielle, Alana y Este se limitan a hacer coros -de manera muy prominente, eso sí- en este gracioso medio tiempo de country-pop-folk clásico producido por Aaron Dressner y la propia Taylor, pero su protagonismo en dicha composición no se queda ahí.

La propia Este, la bajista de la banda, es una de las protagonistas de la letra y su nombre es la primera palabra que escuchamos en ella. ‘no body, no crime’ narra la historia del asesinato de Este después de que esta acuse a su marido de haberla sido infiel, pero después es Taylor quien decide vengar la muerte de esta asesinando a su viudo, aprovechando que posee una «licencia de navegación desde los 15 años» (lo cual es cierto) y que ha «limpiado suficientes casas para saber cómo cubrir la escena de un crimen». La coartada de Taylor: «las hermanas de Este estaban conmigo».

La propia Taylor ha explicado el origen de ‘no body, no crime’ y de la colaboración, así como la decisión de que Este forme parte de la historia: «La colaboración surgió poco después de escribir yo una canción bastante oscura sobre un misterioso asesinato, en la que uno de los personajes se llama Este porque ella es esa amiga que tengo a la que le encantaría aparecer en una canción de este tipo». La artista indica que, ultimando la letra de ‘no body, no crime’, envió un mensaje de texto a Este en el que le hacía escoger su restaurante en cadena favorito de una lista que le había sugerido. Poco después, Taylor reveló a Haim la existencia de ‘no body, no crime’ y Haim aceptaron cantar en ella, entusiasmadas.

En cuanto a la demora de esta colaboración, Taylor ha dicho: «No sabemos muy bien por qué ha tardado tanto en suceder: hemos girado juntas, hemos tocado juntas en directo, hemos hecho coreografías como si estuviéramos en un campamento de verano, pero ha tenido que surgir una canción sobre vengarte del asesinato de tu amiga para dar nosotras este paso». Taylor señala que el lanzamiento de ‘no body, no crime’ confirma que ella es la «cuarta hermana Haim».

Vota por tus discos y canciones del año

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Jordi Bardají
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Publicadas nuestras listas en las que repasamos la mejor música de 2020 (discos y canciones), como siempre llega el momento de que la audiencia haga oír su voz y reivindique ese disco de Grimes que no ha aparecido en nuestra lista, ese de Miley Cyrus que tampoco, o ese trabajo de «folk nórdico acústico» de Myrkur que tantas buenas reseñas ha recibido pero que, por H o por B, no ha terminado haciéndose un huequito en nuestras páginas.

Los usuarios habituales de los foros podéis dejar vuestro top 5 de discos y canciones del año en este hilo. La fecha límite para votar es este viernes 18 de diciembre por la noche. Los que no seáis usuarios de los foros podéis mandarnos vuestro top 5 siempre mezclando nacional e internacional a jenesaispop@gmail.com hasta el domingo 20 de diciembre a las 23.59.

Podcast: JNSP y ‘Hoy empieza todo’ charlan sobre los discos de 2000 a 2010

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Jordi Bardají
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JNSP ha acudido esta mañana a ‘Hoy empieza todo’, el programa de Ángel Carmona en Radio 3, para presentar el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’ editado por el director del site Sebas E. Alonso, disponible en nuestra tienda. La conversación ha girado en torno a algunos de nuestros discos favoritos incluidos en él, de Amy Winehouse a The Flaming Lips pasando por Mala Rodríguez, Arcade Fire, LCD Soundsystem o… paramos para no hacer más spoilers. Puedes escuchar el podcast a continuación, o desde la web de Radio 3.

Caroline Polachek moderniza ‘Breathless’ de The Corrs

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Jordi Bardají
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Caroline Polachek está celebrando el primer aniversario de ‘Pang‘, uno de los mejores discos de 2019, con el lanzamiento de una serie de remixes que verán la luz agrupados en un álbum el próximo 16 de abril. Algunos de ellos, los firmados por Toro y Moi, George Clanton, la revelación Oklou y umru, ya pueden escucharse en las pertinentes plataformas, así como la versión de 10 minutos de ‘The Gate’ que salía hace unas semanas.

El álbum, llamado ‘Standing At The Gate: Remix Collection’, se cerrará con una versión de ‘Breathless’ de The Corrs, la cual Polachek cantó durante la gira de ‘Pang’ a lo largo del año pasado. La grabación está producida por Danny L. Harle de PC Music y, si en su momento había quien aseguraba que la canción sonaba a una «Enya industrial», hoy cabe confirmar que estaba en lo cierto. La versión de ‘Breathless’ de Polachek sigue la dirección artística de ‘Pang’ en la que ya confluían, de manera improbable pero no imposible, estéticas futuristas y medievales, por lo que la inclusión en su repertorio de la canción, con sus melodías inspiradas en el canto tirolés (al que tanto recuerda la voz de Polachek en más de una ocasión), tiene todo el sentido del mundo.

‘Breathless’ ha cumplido 20 años este verano y recientemente ha sido reivindicada por Taylor Swift. Fue el número 1 logrado por The Corrs en Reino Unido y también el único single de la banda que entró dentro del top 40 de la lista de éxitos estadounidense, ya en 2001, llegando a ser nominado a un Grammy.

The Avalanches / We Will Always Love You

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Jordi Bardají
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The Avalanches no van a aparecer en muchas listas de lo mejor del año -sí lo hace en la nuestra– por haber publicado su nuevo disco un 11 de diciembre. Será una injusticia parecida a la que sucedía con FKA twigs el año pasado: ‘We Will Always Love You’ es otra obra maestra de la formación australiana (ahora un dúo formado por Robbie Chater y Tony Diblasi) que publicó su primer disco en el año 2000 para editar el siguiente 16 años después. El disco suma ya tres de tres maravillas de la música pop basada en el sample (en este caso se han vuelto a usar «cientos y cientos» de ellos) de esas capaces de hacer redescubrir la música a cualquier melómano, y solo cabe celebrar que esta nueva entrega no haya tardado una adolescencia entera en salir. Sus autores explican que lanzar ‘Wildflower’ en 2016 les dio carta blanca para por fin ser una banda típica y no «aquella que publicó un gran debut hace 20 años». Ya no hay tiempo que perder.

El concepto de ‘We Will Always Love You’ se basa en la «historia de amor entre Ann Druyan y Carl Sagan, comunicadores de ciencia cuyos escritos y programas de televisión trajeron los misterios cada vez más profundos de la astronomía y la astrofísica a la audiencia masiva». Un amor tan grande que llegó al espacio literalmente gracias a que el «Disco Dorado» que enviaron allí, a través del astronave Voyager, incluía grabaciones de las ondas cerebrales de Druyan capturadas un día después de que Sagan le pidiera matrimonio. Conmovidos por esta historia, The Avalanches han grabado un disco sobre «la muerte, la vida en el más allá, las estrellas, los seres celestiales y sobre todo lo que hay ahí afuera» pero, sobre todo, sobre el amor, ese sentimiento indestructible capaz de perdurar cual «radiación cósmica en el espacio». Druyan, quien iba a aparecer en el álbum pero canceló su reunión con el grupo un día antes de reunirse con él en el estudio de grabación, es la persona que aparece en la portada del largo, en una imagen de ella que ha sido convertida a audio y luego otra vez a imagen, quedando un retrato espectral de la científica. La imagen funciona como metáfora de lo que el disco ofrece: como tantos samples usados por The Avalanches a lo largo de su carrera, extraídos de canciones grabadas por personas que fallecieron hace muchos años, la imagen de Druyan ofrece una versión erosionada, distorsionada, fantasmagórica incluso, de su humanidad, pero aún presente.

Sin demasiadas novedades en cuanto a fórmula, pues volvemos a encontrar en él samples de todo tipo, desde las Shirelles hasta Steve Reich pasando por Alan Parsons Project, sintonías de series infantiles o incluso canciones de artistas tan contemporáneos como Frank Ocean o Leon Bridges, ‘We Will Always Love You’ tampoco sorprende por los sonidos musicales de los que se nutre (el soul, la música disco, el easy-listening, el hip-hop, el downtempo, etc.) pero sí por el elevado número de artistas invitados que presenta su secuencia y por su envergadura, al componerse de 25 pistas. Algunas de ellas son interludios pero su presencia en el álbum solo enriquece su concepto: en ‘Solitary Ceremonies’ habla la peculiar compositora y clarividente Rosemary Brown para intentar comunicarse con el difunto pianista Franz Liszt; ‘Star Song.IMG’ es la transcripción sonora de una imagen de la actriz Barbara Payton, a la que The Avalanches dedican la pista 2 del álbum porque, como uno de sus integrantes, tuvo problemas con el alcoholismo; y la final ‘Weightless’ reproduce una transmisión de radio enviada desde un conocido observatorio astronómico de Puerto Rico que contiene «información sobre la humanidad» pasada a código binario.

La manera que encuentran The Avalanches de llevar su sonido hacia adelante en ‘We Will Always Love You’ es construir sus canciones no solo mediante samples, sino también mediante instrumentaciones aportadas por ellos mismos en el estudio, y la presencia de artistas invitados se debe a que sus voces eran más fáciles de encontrar que las de un sample concreto. Así, The Avalanches da en el álbum con combinaciones extrañas pero maravillosas en más de una ocasión: la animada ‘We Go On’ enfrenta la voz apitufada de Karen Carpenter (eterna musa de la tristeza disfrazada de felicidad) con la de Mick Jones de The Clash para crear una pequeña joya de disco-pop contemporáneo que remite al trabajo de KAYTRANADA; ‘Reflecting Light’ es una balada conmovedora que alterna la voz de Vashti Bunyan sampleada de uno de sus discos con los sermones de Sananda Maitreya (antes Terrence D’Arby) y, para colmo, la escalofriante ‘Wherever You Go‘ se atreve a incorporar sonidos de una serie de dibujos húngara para acompañarlos con la voz de Neneh Cherry y CLYPSO… antes de pasar a la discoteca de la mano de Jamie xx. Una serie de delirios que solo podían haber salido de la cabeza de The Avalanches pero que funcionan.

Precisamente las voces infantiles son recurrentes en ‘We Will Always Love You’ por lo que tienen de nostálgico, inocente y puro y ofrecen un interesante contraste con los paisajes psicodélicos que el largo ofrece. Y de estas mismas voces salen algunas de las melodías más sublimes del largo a pesar de que, en algún caso, procedan de grabaciones que han sido previamente manipuladas para sonar de esta manera. ‘Hammond Song’ de The Roches era una canción grabada por tres adultas, pero suena aniñada en manos de The Avalanches para ejercer de coro a Blood Orange en el tema titular, poniendo los pelos de punta con su precioso estribillo; ‘The Divine Chord’, en la que participan MGMT y Johnny Marr, integra este tipo de voces, en su caso saqueadas de ‘It’s Love That Really Counts’ de las Shirelles, dentro de una producción mucho más disco y setentera, pero sin perder un ápice de melancolía; y ‘Oh the Sunn!’ utiliza la misma fórmula para llevar la voz abatida de Perry Farrell de Jane’s Addiction a un lugar más cósmico.

En el universo de estilos y voces que ofrece ‘We Will Always Love You’ queda la sensación de que The Avalanches han buscado hacer un disco que solo transmite felicidad y nada más, como si fuera una droga que no admite la entrada en el cerebro de sentimientos negativos. Tanto las texturas envolventes de ‘Until Daylight Comes’ con Tricky como la indescriptible euforia que transmite ‘Music Makes Me High’, que transforma el tema igual de titulado de Salty Miller en una fantasía cósmica, corroboran esta apreciación. Este espíritu guía temas que pasan más desapercibidos como ‘Overcome’ o un ‘Gold Sky’ en el que Kurt Vile suena algo desubicado en el mundo de ‘Last Train Home’ de Pat Metheny Group, pero también otros en los que los ritmos bailables están completamente ausentes. No puede transmitir más paz ‘Interstellar Love’ con Leon Bridges y ‘Running Red Lights’ con Rivers Cuomo y Pink Siifu es otro pedazo de single que cantar a todo pulmón en los festivales que se avecinan. Lejos de empalagar con su estudio sobre el amor humano, The Avalanches han conseguido hacer un disco que conquistaría hasta a los extraterrestres.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘We Will Always Love You’, ‘The Divine Chord’, ‘Interstellar Love’, ‘Wherever You Go’, ‘We Go On’, ‘Reflecting Light’, ‘Music Makes Me High’, ‘Running Red Lights’
Te gustará si te gusta: Air France, Caribou, Four Tet
Youtube: vídeo de ‘The Divine Chord’

cupcakKe pide que le des una «hostia con la polla» en su nuevo single

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cupcakKe vuelve antes de que acabe el año en que ha arrasado -sobre todo en Estados Unidos y Reino Unido- una canción que no puede llevar más su firma en cuanto a contenido lírico y vocabulario: ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion ha triunfado gracias a su letra híper sexual y explícita… pero no se nos ha olvidado que cupcakKe ya se había especializado en este tipo de canciones unos cuantos años antes.

Como ‘WAP’, el nuevo single de Elizabeth Harris presenta título monosilábico, ‘Gum’, además de un sonido medio siniestro y trapero muy similar al del éxito de Cardi y Megan. Lo mejor de ella vuelve a ser la letra, tan burra como esperas de la autora de ‘Ephorize‘: la palabra «pussy» aparece en ella un total de 10 veces y «dick» un total de 14, pero la rapera vuelve a ganarnos sobre todo con frases como «dame un hostia con la polla», «deja que abra mi mandíbula y te chupe los huevos», «me agacho en tu polla como si estuviera en público», «destrúyeme la garganta» o «mi coño está tan frío que debe ser descongelado».

La historia de ‘Gum’, que llega después de ‘Elephant’, ‘Lemon Pepper’ y ‘Lawd Jesus’, tres sencillos publicados por la artista a lo largo del año, llega con final accidentado. Una de las frases de la letra relata que «anoche no la pudo sacar, porque sin querer le comí la polla con un chicle en la boca». Entre comparaciones con Destiny’s Child y el 11 de septiembre, tal cual, otro tema marca de la casa de una cupcakKe a la que nos alegramos ver de vuelta, después de haber pasado por momentos muy complicados.

Mica Levi publica disco por sorpresa… y uno de los títulos de canción más largos de la historia

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Mica Levi, conocida por sus bandas sonoras para películas como ‘Jackie‘ o por ser líder de la banda Good Sad Happy Bad (antes Micachu and the Shapes), publica disco por sorpresa. Se titula ‘Ruff Songs’ y está disponible en las plataformas de streaming al completo. Además, ya pueden verse videoclips para los singles ‘Wings’ y ‘Pain’.

Pero la curiosidad que encierra ‘Ruff Songs’ se encuentra en otra de sus canciones. Porque si creías que Fiona Apple era la reina de los títulos largos, una de las pistas de ‘Ruff Songs’, la número 7, se titula con una historia de varias líneas, la cual aparentemente explica un sueño en el que Jimi Hendrix conduce a Mica hasta Brasil.

Como si Mica buscara precisamente superar a Fiona o entrar en algún libro de hitos, la canción se titula ‘A plain clothed Jimi Hendrix drives me to Newcastle. For some reason the trip will take 3 days and he is going to do it for £150. He drives really smoothly and only listens to one album which is by someone with Joy in their name. Joy’s music is covers of classic rock songs but with all the edge smoothed off. We arrive in Brazil and I impress someone because I say obrigado. The same person asks me to find them an intern. I don’t think I can but I try. I am nervous in the girls changing room and play trap songs loud off my phone”. 107 palabras las de este título frente a las 90 del disco Fiona: gana Mica por goleada, sin superar en ningún el caso el titulazo de 156 palabras de un álbum de la banda británica Chumbawamba.

El de Mica Levi sí puede ser el título de canción (que no disco) más largo de la historia. Este récord se le atribuye actualmente a la cantante Christine Lavin por el título de 97 palabras de su canción ‘Regretting What I Said to You When You Called Me 11:00 On a Friday Morning to Tell Me that at 1:00 Friday Afternoon You’re Gonna Leave Your Office, Go Downstairs, Hail a Cab to Go Out to the Airport to Catch a Plane to Go Skiing in the Alps for Two Weeks, Not that I Wanted to Go With You, I Wasn’t Able to Leave Town, I’m Not a Very Good Skier, I Couldn’t Expect You to Pay My Way, But After Going Out With You for Three Years I DON’T Like Surprises!! Subtitled: A Musical Apology’.



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