Mala Rodríguez: «Soy muy feliz, me encuentro muy tranquila y a la vez más «mala» que nunca»

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29 mayo, 2020

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En los últimos días ha sido imposible visitar las redes sociales sin leer mensajes de denuncia por la muerte en Minneapolis de George Floyd, un ciudadano afroamericano que el pasado lunes moría a manos de un agente de policía blanco llamado Derek Chauvin. Tras detener a Floyd, el agente decidía arrodillarse sobre su cuello durante varios minutos hasta asfixiarlo, ignorando sus súplicas. La imagen de esta escena ha dado la vuelta al mundo, y en el día de ayer, multitud de saqueos y disturbios tenían lugar en Minneapolis y en otras ciudades de Estados Unidos en protesta por la muerte de este individuo de apenas 46 años, que, por cierto, era rapero y había colaborado con el conocido productor DJ Screw.

Entre los artistas que han lamentado la muerte de George Floyd en los últimos días se encuentran Beyoncé, Billie Eilish, Snoop Dogg, Justin Bieber, Cardi B, Madonna (que ha atacado a la policía con un sonoro «fuck the police»), Ariana Grande, Megan Thee Stallion, Garbage, Chance the Rapper, Janelle Monáe o Ellie Goulding; sin embargo, ha sido un tuit reciente de Donald Trump el que ha hecho saltar a Taylor Swift, una de las artistas americanas con más seguidores entre los partidarios de Trump por su pasado como cantante de country.

En el tuit, Trump ha llamado «delincuentes» a los protestantes por la muerte de George Floyd y amenazado con recurrir a las armas para espantarlos de las calles, en un mensaje que posteriormente ha sido marcado por Twitter por «incitación a la violencia». La autora de ‘Lover‘, que se posicionó políticamente por primera vez en 2018, provocando las burlas de un Trump que aseguraba entonces disfrutar de la música de Taylor «un 25% menos», ha decidido contestar al presidente directamente para darle su opinión, etiqueta incluida.

Ha escrito: «Después de azuzar las llamas del supremacismo blanco y el racismo durante toda tu presidencia, ¿ahora tienes las agallas de fingir superioridad moral antes de amenazar con violencia? «Cuando el saqueo empieza, los tiroteos empiezan?» Te echaremos fuera en noviembre». La cantante se refiere a las elecciones presidenciales de 2020, las cuales, sin duda, estarán marcadas por la pandemia, una absoluta tragedia para un país que se precia de contarse entre las mayores potencias del mundo y ha registrado más de 100.000 muertos.

After stoking the fires of white supremacy and racism your entire presidency, you have the nerve to feign moral superiority before threatening violence? ‘When the looting starts the shooting starts’??? We will vote you out in November. @realdonaldtrump

— Taylor Swift (@taylorswift13) May 29, 2020

boy pablo presenta su debut ‘Wachito Rico’ con dos singles entre el amor juvenil y la edad adulta

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29 mayo, 2020

boy pablo, una de las figuras más fulgurantes del llamado «bedroom pop» como demuestran sus espectaculares cifras en Spotify, que rondan los 30 y los 60 millones de reproducciones; y sobre el que os hablábamos hace un par de años, y más tarde debido a su confirmación a la que iba a ser la edición de este año de Tomavistas, pospuesta por el coronavirus, ha anunciado su primer disco.

El cantante noruego de origen chileno, de nombre real Nicolas Muñoz, y que a lo largo del último par de años ha triunfado con canciones como ‘Everytime’, ‘Dance, Baby!’, ‘Losing You’ o ‘Feeling Lonely’, y que en 2018 editaba el
EP ‘Soy Pablo’, ha llamado su disco ‘Wachito Rico’, una expresión chilena que se usa para describir algo «bonito» o «delicioso», y hoy lo presenta con un par de temas.

El primero es el enérgico ‘hey girl’, escrito «desde el punto de vista de un chaval que se enamora por primera vez y quiere mover ficha con esta chica, está nervioso pero al final se atreve a hablarle»; y el segundo es ‘I just wanna go home’, una balada interpretada junto a su compañera de clase Andrea, que habla sobre «hacerse mayor y dase cuenta de las responsabilidades que conlleva ser adulto». ‘Wachito Rico’ verá la luz el 23 de octubre.

Britney Spears revive la era ‘Glory’ 4 años después

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29 mayo, 2020

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Britney Spears ha sido noticia recientemente por varios motivos, desde su supuesta declaración comunista al incendio de su gimnasio por culpa de unas velas, sin olvidar el 20 aniversario de ‘Oops!…I Did It Again’, pero eso no significa que haya abandonado su carrera musical (que se sepa). De momento la ha dejado aparcada y, mientras ‘Toxic’ sigue triunfando en las plataformas de streaming y ‘Criminal’ se consolida en ellas como su hit tardío post-TikTok, la cantante ha decidido revivir la última etapa de su carrera, la de su álbum de 2016 ‘Glory’, que pasó bastante desapercibido aunque fue bien valorado por la crítica, con varias decisiones motivadas por los fans.

La primera ha sido cambiar la portada de la edición estándar de ‘Glory’ en las plataformas de streaming. Así, desde hace unos días, el álbum puede obtenerse en formato digital junto a la que iba a ser su cubierta original, un retrato de Britney arrastrada en el abrasador suelo de Las Vegas (donde entonces actuaba con su residencia de conciertos) recién liberada de unas cadenas (¿una metáfora de su vida?). La imagen es obra del fotógrafo David LaChapelle, que también se encargó del videoclip original de ‘Make Me…’, el cual, como esta portada, fue descartado.

Y la segunda decisión ha sido subir el bonus track ‘Mood Ring’ a las plataformas de streaming. Esta misteriosa producción de DJ Mustard en la onda de ‘Needed Me’ de Rihanna solo estaba disponible en la edición japonesa del álbum, pero la «demanda popular» ha provocado que por fin vea la luz en Spotify y sitios similares. Como curiosidad, ahora mismo la canción es número 1 en iTunes USA por delante de ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande, aunque sin presencia real en las playlists pertinentes, este panorama tan bizarro promete durar muy poquito.

Orville Peck inicia su etapa multinacional con ‘Glory in the West’… y un dueto con Shania Twain

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29 mayo, 2020

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Orville Peck, el cantante de country enmascarado, ha anunciado su primer trabajo para la multinacional Columbia Records, un EP ‘llamado ‘Show Pony’ que verá la luz el próximo 12 de junio. El artista, que está renovando el género gracias a su perspectiva gay, nada habitual ni siquiera hoy en día, da así un gran paso adelante en su carrera tras darse a conocer, la pasada primavera, con al álbum ‘Pony‘, editado por Sub Pop.

El EP incluye 6 temas, entre los que se encuentra el single ‘Summertime’, de entretenido vídeo floral. Aunque la gran curiosidad que ofrece este trabajo es ‘Legends Never Die’, un dueto con la mismísima Shania Twain. Sí, la artista de country femenina más vendedora de toda la historia. Otra curiosidad de ‘Show Pony’ es la pista final, ‘Fancy’, una versión del éxito de Bobbie Gentry.

El segundo adelanto de ‘Show Pony’ es un tema de título totalmente marca de la casa, ‘No Glory in the West’, un tema a la guitarra acústica, de hoguera, en la onda de los Elvis Presley y Johnny Cash más melancólicos. En su videoclip, Orville montando a caballo por un precioso paraje natural. Con un ojo a quienes allanaron el camino y otro al futuro, ¿ha nacido una estrella?

Mala Rodríguez se reinventa mirando al futuro con ‘Superbalada’

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29 mayo, 2020

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Mala Rodríguez se ha sacudido hoy los sietes años de espera tras ‘Bruja’ con ‘MALA‘, su esperadísimo nuevo álbum. Un disco en el que refleja a la perfección su ausencia de prejuicios y su visión cada vez más amplia dentro de las músicas urbanas. De hecho, entre temas con ecos jamaicanos y post-reggaetoneros, se ha atrevido hasta con una balada al piano como ‘Mami‘. Pero no ha abandonado, en ningún caso, el espíritu del hip hop más duro en el que se iniciaba a comienzos de siglo, como demuestra ‘Nuevas drogas’.

Y, en esa visión, María Rodríguez no deja de lado el futuro, al que parece enfocar en la impactante reinvención de sí misma que es ‘Superbalada’. Se trata de un medio tiempo impactante por varios motivos. Primero por una instrumentación que redunda en los ritmos caribeños que copan gran parte del disco que, a la vez, se ven envueltos por sintetizadores de tintes retro algo épicos (a lo M83, por ejemplo) que enfatizan las constantes subidas y bajadas de intensidad. Y después, por una de las interpretaciones vocales de La Mala más apabullantes de su carrera.

En ella, Rodríguez presume de su flow más reconocible, aderezado con cantes extrañamente dulces en ella. Pero ese perfil se va endureciendo a medida que la canción avanza y su tensión se acrecenta, hasta que explota en el estribillo con unos aflamencados «¡Camina! / ¡Y enciende la luz!», que son solo un aperitivo de un final absolutamente catártico con esos «¡Enciéndela!» repetidos con un desgarro insólito, espeluznante, que pone los pelos de punta literalmente.

En una entrevista que mantuvimos con María días atrás y que publicaremos en las próximas horas/días, nos hablaba de esta ‘Superbalada’: «Cuenta la historia de dos vampiros que están perdiéndose la vida porque se están destruyendo mutuamente. Ella se mira al espejo y no se ve reflejada, y quiere subir a la azotea, a la luz, pero le da miedo porque sabe que se va a quemar. Pero si no lo hace, se va a quedar ahí toda la vida como una vampira». Es tan obvio que es una alegoría de algo mucho más real, como que contiene versos realmente potentes que apuntan a una relación autodestructiva.

En cuanto a la producción, Mala recalca que ha estado muy involucrada en todo el proceso, y que esta canción en concreto dio muchas vueltas hasta que dio con el equipo y la base adecuadas. Finalmente fueron el productor radicado en Miami Franklin «El Médico» Rodriguez (que firma también la base y está implicado en varias canciones del disco) y un artista semidesconocido llamado Samuel Díaz (que resultaba ser el canario Equisman) los que supieron poner el color apropiado a esta historia de dos seres que, pese a «estar aquí atrapados», anhelan «ir a otro lugar y ser libres de verdad».

Lo mejor del mes:

Bilbao BBK Live se aplaza a 2021 y confirma a Bad Bunny, FKA twigs, Pet Shop Boys y The Killers

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29 mayo, 2020

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Como se había dejado entrever hace unos días, Bilbao BBK Live aplaza su edición de 2020, pasando a 2021, debido a «los problemas derivados de la crisis de la Covid-19». La organización puede confirmar, eso sí, la presencia de varios de los grandes nombres del cartel que esperábamos este año: Bad Bunny, Pet Shop Boys y The Killers siguen en cabeza, entre otros. Las nuevas fechas serán el 8, 9 y 10 de julio de 2021.

Atentos al comunicado: «En euskera no existe la palabra “enamorado”, existe “maiteminduta”, que se compone de dos palabras que hoy hablan por nosotros. Así que, aunque al decir Kobetamendi maiteminduta pensamos en «enamorado de Kobetamendi», en realidad estamos diciendo «herido de amor por Kobetamendi”. Porque así es como nos sentimos hoy, heridos al confirmar que este verano no tendremos Bilbao BBK Live 2020, pero enamorados de Kobetamendi, por todo lo que nos hace sentir. Sabemos que esta tristeza es compartida por las miles de personas que esperaban con ilusión su cita anual con la mágica montaña, que año a año nos espera impaciente y nos invita a evadirnos y dejarnos llevar por el goce pleno de la de música en directo. Nos sentimos muy unidos a ellas y desde aquí agradecemos su apoyo en estos momentos, y también el vuestro, los profesionales de los medios de comunicación. Cuidaos mucho, estamos deseando volver a veros en 2021».

La nota de prensa indica que «prácticamente todos los artistas han mostrado absoluta empatía y predisposición con la situación», y entre los confirmados aparte de los 3 indicados, están Bicep, Bomba Estéreo, Caribou, FKA twigs, Fontaines DC, Supergrass, El Columpio Asesino y León Benavente. Las entradas adquiridas son válidas para 2021, pero aquellas personas que no puedan acudir podrán devolverlas a través de la web del festival del 1 al 14 de junio de 2020.

Mujeres / Siento muerte

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29 mayo, 2020

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Nos habíamos acostumbrado tanto a grupos que irrumpen con fuerza y, en muchos casos, luego no hacen sino decaer, que ya casi parece una rareza el caso contrario. Un caso como el de Mujeres, que ha explotado comercialmente (dentro del ámbito underground o, como poco, alternativo) más de diez años después de su eclosión, con su cuarto disco ‘Un sentimiento importante‘ y, muy especialmente –nos contaban que vendieron en 24 horas de preventa lo que en dos meses con su anterior trabajo–, con su nuevo disco ‘Siento muerte’.

Tras aquel «todo o nada» que suponía su anterior disco, apostando por la melodía tanto como por la energía y, sobre todo, con la crucial adopción de la lengua castellana como medio de expresión, este quinto disco del trío barcelonés compuesto por Yago Alcover, Pol Rodellar y Arnau Sanz hace algo más que apuntalar esa exitosa apuesta. Y lo hacen a base de enlazar «cara A» tras «cara A», como ellos se proponen. Toma disco conceptual.

Si «Un sentimiento» era algo más dispar en su desarrollo, con temas muy enérgicos en contraste con algún que otro medio tiempo y hasta algún experimento, ‘Siento muerte’ no tiene la más mínima piedad y va a degüello hasta su mismo final, donde tan solo la bonita ‘Algo memorable‘ –en cierto modo, no sorprende que suenen tan bien en un perfil semiacústico– entrega algo de sosiego… e incluso ahí pugna por colarse una guitarra cargada de distorsión, que finalmente se armoniza con teclados y coros.

Armonía es otra de las cualidades que destaca en los actuales Mujeres. No quiere esto decir que hayan dejado de lado su perfil garajero y punk, ni mucho menos. De hecho, la propia canción que da nombre al disco es uno de los números más abrasivos y brutos de su carrera, totalmente desbocados en ese final que suena a martillo pilón percutiendo. Pero sí que ellos, con la asistencia de Sergio Pérez (Svper, Joe Crepúsculo), consiguen que su idea de guitarras, bajo y batería tronando como colchón para que sus irresistibles melodías, adornadas con cuidados coros, suenen de una manera equilibrada y cristalina.

Pero esto podría quedarse en nada si no acompañaran las composiciones… y vaya si lo hacen. Si cada vez estamos más acostumbrados a discos que son dos o tres singles (con suerte) brillantes rodeados de relleno más o menos acertado, podemos imaginar que no haya sido fácil escoger qué canciones destacar como adelantos. Porque sí, ‘Tú y yo‘, ‘Besos‘ y ‘Cae la noche‘ –que además suenan así al inicio, una detrás de otra– son auténticos pelotazos que pondrían de acuerdo a tu primo el fan de Black Lips, Thee Oh Sees y Ty Segall con tu tío (o abuelo, quizá) el fan de Los Sírex, Los Relámpagos y Los Salvajes. Pero el gancho de ‘A veces golpes’ (con esos «shuap-pa-ooo» que incitarán seguro al pogo descontrolado en sus shows), ‘El momento exacto’ (ídem con esos «oh, yeah!» y, especialmente, ese puente previo al solo), ‘Auténtico colapso’ (con un desarrollo melódico que, aunque no lo parezca, está lleno de giros y sorpresas) y ‘Todo bien’ («una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa» como mantra) les van a la zaga. Y no es un decir. Hasta ‘Un gesto brillante’ se convierte tras su engañosa intro pausada, en otro de sus «golpes de afecto».

«Poderosos golpes de afecto», como reza la reconocible imaginería de Pol en la portada, en los que, gracias a esa luminosidad musical, destaca la voluntad de extraer belleza a través de sus letras (que parecen prístinas, pero están llenas de enigmas) sobre «un mundo que se destruye», tal y como indica una pequeña etiqueta en la cubierta de la edición CD. Halos de esperanza en el amor y en los sueños que, pese a todo, no terminan de desvanecerse en una situación cruel de precariedad, injusticia y falta de entendimiento. Porque cantando y bailando todo es mejor.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Tú y yo’, ‘Besos’, ‘Cae la noche’, ‘A veces golpes’… y así hasta el final.
Te gustará si te gustan: los primeros Black Lips, The Parrots, Los Sírex.
Escúchalo: ‘Tú y yo’ en Youtube, Bandcamp

Escucha lo nuevo de Lady Gaga, Rosalía & Travis Scott, Mala Rodríguez, Diplo, Gang of Four, Sr. Chinarro, Bunbury…

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29 mayo, 2020

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A tenor de la playlist Ready for the Weekend, parece claro que en este último viernes del mes de mayo parece que la industria de la música se ha desperezado definitivamente, sobre todo con la llegada de ‘Chromatica’ de Lady Gaga, pero también con la publicación del nuevo disco repleto de invitados estrella de Anuel AA. Hasta Ricky Martin ha regresado, con un EP también plagado de colaboraciones. Y en el ámbito nacional, Mala Rodríguez, Bunbury, Sr. Chinarro y Mujeres –nuestro Disco de la Semana– conforman un poker de lanzamientos igualmente importantes. Además Diplo (bajo su alias pseudo-country Thomas Wesley), Four Tet (con un proyecto de nombre completamente irreproducible e impronunciable, y no es un decir), Nicole Atkins, Sébastien Tellier, Deerhoof, Kygo, The Toxic Avenger, Frida Sundemo, Lil Yachty, Guaynaa, Freddie Gibbs & The Alchemist, el jovencísimo conjunto tweepop Fred Fredburguer, el joven trío británico Vistas, la mexicana Chiquis (con un ‘Playlist’ que incluye una inesperada revisión de ‘Jolene’ junto a Becky G), el exitoso powfu y el regreso de Jarabe de Palo tienen nuevas referencias en forma de álbumes o EPs.

Y si bien la semana había estado algo desangelada en cuanto a lanzamientos realmente fuertes –hemos destacado los singles de Melanie C, Maga, Rival Consoles, Cigarettes After Sex…–, a última hora de ayer Rosalía y Travis Scott entregaban su esperado single conjunto, ‘TKN‘. Ya hoy, la australiana Tones And I, Gang Of Four (el grupo británico anuncia la próxima publicación de un EP con las últimas grabaciones de Andy Gill, previas a su fallecimiento), The Flaming Lips, Bright Eyes, Dream Wife, Dellafuente, Nathy Peluso, Orville Peck, Rita Indiana, Chucho, Boys Noize, Ella Eyre, The Lemon Twigs, Soko, Maverick Sabre, Natos y Waor, Systema Solar, Feroe, Gabriel Garzón-Montano, Odina, boy pablo, Sevdaliza, Celeste, Duckwrth, Lois, Dolly Parton, Ilegales, Lenny Kravitz, Yung Beef, Raúl Querido, Elettra Lamborghini, la triunfita Anaju y muchos más.

No faltan curiosidades como un álbum en directo en los estudios Electric Ladyland de The Raconteurs, una versión de John Denver que reúne a Whitney y Waxahatchee, otra de Clara Luciani para un disco que homenajea a Guy Béart, un tema benéfico de Neil Finn con coros de nada menos que Christine McVie y Stevie Nicks (las Fleetwood Mac, de nuevo juntas en una grabación), más remixes de Róisín Murphy y The Killers, este a cargo de los británicos Clean Bandit.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Lady Gaga deja atrás AOR, folk, baladas y exabruptos en ‘Chromatica’, su disco más eurovisivo

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29 mayo, 2020

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Cuando los usuarios del foro de Lady Gaga titularon el hilo del nuevo disco «el parto más largo del mundo» seguramente no se esperaban que una pandemia retrasara el álbum incluso una vez anunciado, pero el caso es que al fin está en el mercado digital de manera oficial y, pese a lo que sucedía con el primer single ‘Stupid Love‘, sin filtraciones significativas. El álbum tampoco se ha pasado a la prensa, ni siquiera a la anglosajona, a tenor de la ausencia absoluta de críticas previas, probablemente para evitar filtraciones, a la caza del efecto sorpresa, y también para evitar a la crítica más sibarita, a la cual ‘Chromatica’ no se dedica.

Se venía diciendo tiempo que este disco de Lady Gaga sería más electrónico, y aunque SOPHIE es la gran ausente del álbum -y mira que habría encajado en ‘911’ o en un tema que decide llamarse ‘Plastic Doll’-, la producción de BloodPop y BURNS, con colaboraciones puntuales de Skrillex o Axwell, lo lleva a sonar claramente como una reacción a la era ‘A Star Is Born’. Es decir, los 6 millones de copias despachados por su banda sonora -y subiendo- no han sido una presión para la artista, aquí concentrada en recuperar el espíritu de sus inicios. Sé que hay guitarras porque las estoy viendo acreditadas en casi todos los temas en Tidal, pero parecen en segundo o tercer plano: el AOR de ‘Born This Way’, el folk de ‘Joanne’ y toda forma de balada quedan para otra ocasión. Un dato es que Elton John aparezca en la canción que va pasando de lo intimista al trance, y del trance al jungle, una ida de olla llamada ‘Sine from Above’.

También quedan atrás exabruptos que te tiran fuera del disco nada más empezar, como ‘Aura’, o a la mitad, como ‘Jewels ‘N Drugs’ y ‘Dancin’ In Circles’: este es el disco más cohesivo de Lady Gaga desde ‘Born This Way’, pero además es muchísimo más corto que este. Con solo 43 minutos de duración pese a las 16 pistas (hay varios interludios orquestados de corte narrativo), es el álbum más dinámico de la artista desde ‘The Fame Monster’. Como revelaba una interesante playlist oficial de influencias, que lamentablemente ha desaparecido de Spotify, el álbum está concentradísimo en el techno-house y en el piano-house (‘Free Woman’, ‘Enigma’) de principios de los 90. Nombres como Technotronic, Corona, C + C Music Factory o SNAP! vienen a la mente.

Aunque sabemos que BloodPop es muy capaz de ello, Gaga no ha puesto en todo esto un punto sofisticado a lo ‘Overpowered’ de Róisín Murphy, ni lo ha actualizado de manera sutil. Stefani quita el «future» a ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa para sustituirlo por su sello personal, más borrico, lo cual no tiene por qué ser negativo. ‘Overpowered’ no es que vendiera mucho ni recibiera premios después de todo, así que para qué imitarlo, ¿para que te inviten al Primavera Sound? Como decía nuestro compañero Jordi Bardají a raíz de ‘Stupid Love’, «suena desfasado pero eso no le impide ser muy divertido».

Por un lado, es cierto que esta entrega es mucho menos «Grammy material» que ‘Joanne’. Por otro, con una media de 3 minutos por tema, este es el disco que puede darnos este verano lo que Eurovisión no ha querido. El álbum empieza con un tema muy disfrutable, ‘Alice’, y termina con otro llamado ‘Babylon’ que se despide con toda la calma, entre referencias disco, góspel y un saxo que, si Gaga fuera española, diría que es un homenaje a ‘Deja de bailar’ de Dinarama (los tiempos en que Carlos Berlanga se obsesionó con el post-disco de principios de los 80). Ajenas a lo que pueda traer la crítica, canciones como ‘Replay’ tienen tan claro su cometido en esta vida como toda la discografía de Jimmy Sommerville.

Bunbury: «Estoy preparado psicológicamente para hacer algunas cosas por última vez»

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28 mayo, 2020

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Este viernes se publica ‘Posible’, el nuevo álbum de Enrique Bunbury, que ha tenido que ser retrasado debido a la pandemia del coronavirus. Se trata de un disco oscuro, electrónico y contemplativo que en su primera mitad aglutina los sencillos que hemos ido conociendo durante estas semanas, y en la segunda una serie de temas personales y críticos. Unos están llenos de confesiones. Otros podrían ser polémicos. Sobre todos ellos hemos preguntado al artista, que de nuevo ha optado por intercambiar con nosotros preguntas y respuestas vía e-mail, estirándose con las respuestas al menos, llegando a donde muchos otros no arriesgarían.

La primera al menos la puedes copiar y pegar de otra entrevista (en serio). Es para nuestros lectores que no leen la prensa generalista ni te siguen habitualmente. ¿Qué tal estás? ¿Dónde has vivido el confinamiento?
¡Ay, te lo agradezco! Pero no hace falta copiar nada. Por de pronto aplaudo su buen gusto al no leer la prensa generalista, su salud mental lo agradecerá. Estoy razonablemente bien. En mi casa. En Los Ángeles. Supongo que, como todos, pasando días de mejor y peor humor. Unos más zen, otros más enfadado, otros más triste.

A nivel profesional está claro cómo te ha afectado, con el retraso de disco y gira, hasta de 1 año. ¿Pero cómo han sido estos dos meses para ti encerrado a nivel personal? ¿Has descubierto un lado de ti que desconocías? ¿Ha sido un bonito reencuentro contigo mismo, una manera de conocerte mejor o más bien desquiciante?
En principio, cuando aquí hablaron del «Lock Down», hablaron de dos semanas, así que pensamos que un retraso razonable del disco no sería tan terrible. Cuando empezaron a pasar los días y el encierro se alargaba, consideramos que el disco debía salir sí o sí. Finalmente el álbum se retrasó solamente un mes. La gira en cambio, sí que ha sufrido más. Normalmente, no salgo mucho. Me dedico a leer, pintar, escribir, tocar el piano o la guitarra… Básicamente, lo mismo que he hecho estos días de encierro obligatorio. Creo que tener un espíritu creativo e introspectivo, me ha ayudado a que este periodo no resultara extremadamente duro. Lo estoy sintiendo más por nuestra hija. Desde la perspectiva de los niños, está siendo aterrador. Puedes intentar hacer de Roberto Benigni en ‘La Vida es Bella’; pero quizás no soy tan buen actor o quizás la situación se cuele por todas las rendijas de nuestras vidas.

El disco parece dividido en 2, entre las canciones más accesibles y una segunda mitad menos accesible pero con un montón de frases lapidarias sobre las que te van a preguntar mucho. Lo sorprendente es que ese lado más «personal» que decía la promo se refiere sobre todo a tu yo social, ¿no? A tu vida como cantante de rock… ¿Es todo lo personal que puedes ser escribiendo o entendemos que ser cantante lo es todo para ti?
No había pensado en esos términos cuando escribía el álbum. Quizás lo parezca por canciones como ‘Como un millón de dólares’, en la que precisamente no hablo de mí. O quizás sea cierto que lo profesional y lo personal se entremezclan. Para mí, la creación, lo artístico, es uno de los pilares de mi vida, y simular como que ir a por el pan o las reuniones de padres del colegio de mi hija, forman parte sustancial de mi forma de ser y sentir, sería una boutade.

Sobre la cita a Nick Cave del single ‘Deseos de usar y tirar’, un par de preguntas: ¿cuál es el origen de ese «tú no eres tu pasado»? Pensé que podría ser alguna frase suya, pero no la localizo… A su vez, ¿puede ser una referencia a la presión que ejerce para ti Héroes del Silencio?
Siempre escuché que somos quienes somos por nuestras circunstancias, culturales, genéticas, nuestras vivencias y el peso de nuestras acciones pasadas. La frase a la que te refieres («Tú no eres tu pasado») me parece absolutamente liberadora. Pensar que eres capaz de sobrellevar, olvidar, vivir con acciones de tu pasado que han pesado y han estado en tu mochila durante tiempo, condicionando tus acciones presentes, me parece maravillosamente esperanzador. Todos tenemos heridas sin cicatrizar. El hecho de pensar que es posible, ya te permite vivir más ligero de equipaje. No pensaba necesariamente en haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud. De hecho hace ya tanto tiempo, que me parece otra vida, una encarnación anterior.

¿No es un poco raro que referencies a Nick Cave en uno de tus discos menos Nick Cave?
No sé. ¿Es raro citar a Nick Cave? y ¿Es este mi disco menos Nick Cave? Algunos dicen que es mi disco más oscuro. Yo sigo pensando que todavía no es lo suficiente.

«Haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud me parece otra vida, una encarnación anterior»

«Quizás no haya vivido como debiera / quizá haya bebido de más» es una frase de ‘Arte de vanguardia’. ¿Qué opinas de la relación del consumo del alcohol con el mito del rock’n’roll? ¿Se ha mitificado con lo destructiva que ha demostrado ser? Incluso no sé si estás siendo irónico o estás bromeando con un título tan de alto copete como ‘Arte de vanguardia’…
¡Ay, los mitos y costumbres! El alcohol, más que pertenecer al mito del rock’n’roll, pertenece a la dieta mediterránea. Es cierto que los británicos también empinan el codo de lo lindo, pero España está a un nivel muy competitivo. No necesitamos que venga Ozzy Osbourne a explicarnos los placeres de la Guinness. En mis textos siempre se cuelan bromas que supongo pertenecen al ámbito privado. Sé que mi carrera como humorista no ha sido lo suficientemente valorada y que tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto.

El cénit de esta canción es un momento muy autoafirmativo en el que reconoces que quieres «vivir tan al margen de todo como puedas». Me ha recordado a ‘Los asquerosos’ de Santiago Lorenzo. ¿Te representa ahora mismo o simplemente es una facción de ti?
No leí ‘Los Asquerosos’, ¿me la recomiendas? De todas formas, sí, «Vivir tan al margen de todo como pueda» me representa bastante. Intento ser consecuente con esa frase. Huyo de leer la prensa y ver telediarios. Intento recibir exclusivamente la información cultural que me interesa. Y tengo unos cuantos blogs que considero afines a mi sentir para informarme de los temas que me interesan. He comprobado que es muy sano para tu dieta evitar entrar en los debates de crispación política. Y puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump. Se podría decir que de política empiezo a ignorarlo todo.

«Tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto»

‘Como un millón de dólares’ parece una crítica a la obsesión con las apariencias y el egocentrismo. A la era Instagram, vaya, que hasta sale mencionado. ¿Te inspiras más en horrores que has visto de primera mano en el mundo de la fama o en lo locos que nos hemos vuelto con esta red la gente de a pie?
Los Ángeles, hasta ahora, ha sido lugar de peregrinación de muchos jóvenes con ganas de encontrar su hueco en el mundo de la música o del cine. Es (o era) un lugar donde podías acceder a desarrollar tu trabajo a cualquier nivel, desde lo más underground e independiente, al nivel máximo de glamour y celebridad. Y, cómo no, hemos visto a much@s venir con un propósito y distraerse con otros. La celebridad vacía, el querer mostrar algo que sólo existe en su instagram, es el pan nuestro de cada día. En cualquier ciudad del mundo, pero aquí, quizás ves de manera más radical, quién se contenta con la superficie y quién insiste en profundizar en el objetivo de su vocación.

En una línea parecida, ‘Los términos de mi rendición’ habla de quienes confunden «explotarse a sí mismo» con «realizarse». Afirmas haber «renunciado a demasiado en los últimos años» a cambio de un «modesto resultado». ¿Por qué te parece «modesto» el resultado? Ya en una entrevista anterior nos decías «me gustaría gustar a mucha más gente». Este mes han escuchado temas tuyos 2,6 millones de personas solo en Spotify, ¿a cuánta gente más te gustaría llegar?
Escuchando la obra ajena siempre parece que no has llegado a los niveles a los que aspirabas. A mí, por más que me esfuerzo, siempre me deslumbra (¡¡y deprime!!) el talento de tantos artistas a los que sigo y escucho con admiración y respeto. Todo resultado que consiga, con respecto a lo que escucho por ahí, siempre me parecerá modesto. Cierto es que tengo quien aprecia mi trabajo y estoy muy agradecido porque me permiten continuar aprendiendo y creciendo. Y sí me gustaría gustar más. Entiendo que, en realidad, a todos los músicos y artistas del mundo, lo que nos gustaría sería no disgustar a nadie, que todo el mundo apreciara el esfuerzo y cariño que pones en tu obra y que, quien te descubriera, te apreciara. Pero, no te pienses que vivo en el valle de los unicornios, sé que el mundo no es así. Y que lo que he conseguido es mucho más de lo que se considera un éxito standard.

«Puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump»

La última frase del disco es «tumbado en el parque me da la impresión de que no me pierdo ya nada». No sé si es un poco pesimista, hay algo de aceptación o es un poco como el meme de «old men yelling at cloud»… Por otro lado, es un pedazo de final de disco y de carrera si te diera por retirarte. Que ojalá que no, ¡pero es que suena a eso!
Creo que la canción tiene un poco de decepción, otro de esperanza y otro tanto de indiferencia. ¡No sabes cómo agradezco eso de «pedazo de final de disco o de carrera»! Viviendo los momentos que estamos viviendo, uno no sabe claramente qué es lo que nos espera a la vuelta de la esquina. No quiero ser pesimista, pero sí que estoy preparado psicológicamente para hacer algunas cosas por última vez.

Realmente es fascinante que con todo lo que hay aquí, el disco sea tan electrónico, ¿por qué has ido hacia ahí con todo este sentir? Hay partes un tanto New Order, Bowie (otra vez), Talking Heads, Talk Talk, Field Music, incluso Fangoria en el rollo electrobolero… ¿Quiénes han sido tus referentes esta vez?
¡No sabía que Fangoria hiciera boleros! ¡Tendré que revisar su discografía! No he tenido referentes claros a la hora de hacer este disco. Tampoco escucho mucha música de otras épocas en mi vida cotidiana. Escucho mucha música, pero casi siempre del año en curso. Por ejemplo, me han gustado mucho el disco de Billie Eilish y el último de Lana del Rey, o sea que a lo mejor fueron mi inspiración para este nuevo álbum.

A raíz del vídeo inspirado en ‘Twin Peaks’, ¿viste la última temporada? En caso negativo, ¿por qué? En caso afirmativo, ¿de qué manera la disfrutaste? ¿Te has documentado o has pensado mucho después en su posible significado o la has disfrutado más en lo estético y en disfrutar de Lynch?
Claro, vi la tercera de Twin Peaks, en su momento, que creo fue el 2017. Estoy deseando volver a verla, porque el recuerdo que tengo es el de ver algo poco común. Arte puro. Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón.

«Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón»

El comunicado de aplazamiento de gira es bastante duro, consideras «inaceptable» la «nueva normalidad» y explicas que los conciertos en formatos reducidos en «cuanto a aforos, distancias de seguridad» no te parece «viable» ni «realista». Es decir, no solo lo rechazas como opción personal, porque no te guste, sino que hablas en general, ¿verdad? Últimamente se apela a la imaginación por nuevos formatos, nuevas maneras de aproximarse a la música en directo, pero interpreto que para ti 1) no se va a dar y/o 2) eso no te puede parecer un concierto de verdad…
Es un comunicado de mi oficina de management, que suscribo totalmente. Es una opción personal. Mis giras tienen unas características concretas. Tenemos un tramo Latinoamericano, otro por Estados Unidos, otro por España y por Europa. Las diferentes normativas que van apareciendo en los distintos países y las que se intuyen, no parecen propuestas por gente que se dedique a la promoción de conciertos. Las dificultades en las fronteras para personal y carga, la reducción de aforos a un tercio, la distancia social… Por no hablar del autocine y otras medidas de ciencia ficción o de Grandes del Humor. Cada uno que haga lo que quiera, que para eso vivíamos en un mundo más o menos libre; pero con esas condiciones, mi gira es absolutamente inviable. Para empezar y para poner una causa que todo el mundo entiende, no es posible desde el punto de vista económico. Por no hablar de temas profesionales y logísticos que pueden escapárseles a algunos. Por otro lado, en mi opinión, debemos tener mucho cuidado con aceptar algunos cambios que nos pretenden colar como inapelables.

En una visión optimista de este asunto, ¿es posible que el público aprecie este año más el placer y el valor de la música grabada? Parece que durante años todo el foco ha estado en la música en directo, en la experiencia en directo, como si no hubiera trabajo detrás de todo lo demás.
A mí me gusta mucho la música en directo, pero si recapitulo, los discos que he escuchado me han dado mayor satisfacción que los conciertos a los que he ido.

«Hay mucho asusta-viejas. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros»

¿Qué crees que quedará de la industria si realmente no se pueden organizar conciertos hasta otoño de 2021 como sugieren algunos expertos y seguimos pasando de comprar discos o hasta de pagar por el streaming?
¿Expertos en qué? Hay mucho asusta-viejas en los mainstream media. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros. O sea que excepto Vetusta Morla, todos los demás deberíamos poder empezar nuestras giras en julio.

En estos tiempos en que todo es tan fugaz y pasajero, ¿crees que la gente seguirá queriendo ir en 2021 a la presentación de discos que han salido en 2020? No hablo de tu caso, que tienes una base de fans sólida, sino de más bien artistas de tamaño medio.
Ya, te entiendo perfectamente y tienes toda la razón. Supongo que tendremos que grabar más.

¿Tú mismo, crees que te apetecerá presentar este disco dentro de un año y medio? Sé que no son tus ritmos, pero son tiempos convulsos y raros. ¿Es hasta descartable que en octubre de 2021 tengas canciones grabadas nuevas?
Quizás antes.

Rosalía y Travis Scott estrenan ‘TKN’, su historia de «mamás» y «capos»

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28 mayo, 2020

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Rosalía estrena su nuevo single junto a Travis Scott, ‘TKN’, el cual estaba grabado -vídeo incluido- antes del confinamiento, pero que ha tenido que retrasar debido a la pandemia de la covid-19, porque no le parecía correcto publicar un tema así en esta circunstancia. En su lugar, lanzaba la balada ‘Dolerme’. El single aplazado había sido anunciado como un tema más orientado a las discotecas, y su vídeo es una producción de Canada de los tiempos en que en los videoclips se podía tocar a otras personas, como se puede apreciar en Instagram. Una reliquia en este momento.

Habla Rosalía: «Travis es un artista al que he admirado mucho desde el principio de su carrera y no me puedo imaginar un artista mejor con el que colaborar para esta canción». Según Sony, «los artistas nos advierten de que la confianza real solo se gana con el silencio», realzando la frase “you better not break the Omertà”.

El tétrico vídeo, pájaro muerto incluido, tiene una temática más particular que universal como ‘Juro que’. De alguna manera, podrían formar parte de la misma turbia historia por completar, quizá el tercer disco de Rosalía. Ahora pasamos de una prisión a un núcleo familiar donde hay «capos» y también encontramos a Rosalía como “mamá” de una tropa de niños.

‘TKN’, de apenas 2 minutos de duración, supone la oportunidad de Rosalía de alcanzar por primera vez el Billboard Hot 100 con el que es uno de los raperos más exitosos de Estados Unidos, el autor de ‘Astroworld‘. Hasta ahora la cantante catalana ha conquistado las listas latinas de Norteamérica, pero no las generales, ni siquiera tras haber actuado junto a Ozuna en los Premios MTV -donde presentaba ‘Yo x Ti, Tu x Mi’ y ‘Aute Cuture’- y en los Grammy -donde presentaba ‘Juro que’ y ‘Malamente’-. Veremos si esta canción en Spanglish, que han coproducido Rosalía, El Guincho, Sky (mano derecha de J Balvin) y Tainy (mano derecha de Bad Bunny) corre mejor suerte. Quizá, para ello, le falte algo de contexto…

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Kylie Minogue habla de ‘Kylie’, su nuevo álbum de «música disco madura»

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28 mayo, 2020

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Kylie Minogue, que hoy 28 de mayo cumple 52 años, ha confirmado en una entrevista con GQ que su próximo álbum, el decimoquinto de su carrera, llevará el título de ‘Kylie’. Es decir, como su debut de 1988. De mantenerse definitivamente este título, que no parece provisional, ‘Kylie’ sería el tercer trabajo de la cantante titulado con su nombre: su disco de 1994 se llamaba de hecho ‘Kylie Minogue’, y el de 1998, originalmente ‘Impossible Princess’, hubo de titularse de igual manera en Reino Unido ante la muerte de la princesa Diana de Gales. La práctica, en cualquier caso, no es nueva: otros artistas a lo largo de la historia publicaron varios álbumes homónimos a lo largo de sus carreras, de Aretha Franklin a Weezer pasando por Caetano Veloso.

En la misma charla, la cantante australiana explica que se encuentra trabajando en un nuevo álbum de «música disco madura» porque «también la gente adulta necesita divertirse». El confinamiento le ha motivado a componer canciones «escapistas», y a la artista no se le escapa que la música disco, así como el sonido del pop de los primeros años 2000, está protagonizando actualmente un «revival» en las listas de éxitos gracias a artistas como Dua Lipa, Lady Gaga o Doja Cat. La artista asegura estar explorando estos sonidos en su nuevo álbum.

La noticia de un regreso de Kylie a la música disco, después de su incursión en el country con ‘Golden’, no puede ser más positiva para quien cuente ‘Fever‘ entre los mejores discos de pop de la historia, o tenga en similar estima trabajos como ‘Light Years‘ o ‘Aphrodite‘. Es prácticamente inconcebible entender la música disco contemporánea sin Kylie Minogue, a quien Dua Lipa ha citado como su mayor influencia, y con las canciones adecuadas, Kylie podría volver a dejar su huella en el «zeitgeist», como ya ha hecho tantas otras veces.

Lady Gaga y BLACKPINK, elegancia gélida en el house noventero de ‘Sour Candy’

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28 mayo, 2020

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Lady Gaga publica su nuevo disco, ‘Chromatica’, este mismo viernes 29 de mayo. Sin embargo, la cantante ha decidido adelantar unas horas ‘Sour Candy’, su colaboración con la girl band coreana BLACKPINK, quizá con razón del masivo seguimiento que los grupos de pop surocoreanos tienen en todo el mundo.

Esta producción de apenas 2 minutos y 38 segundos de Bloodpop y BURNS, dos de los responsables principales de la música de ‘Chromatica’, vuelve a presentar un ritmo de house noventero clásico, como ya ha hecho el éxito ‘Rain on Me’ junto a Ariana Grande. Sin embargo, el estilo de ‘Sour Candy’ es un poco más radical, más pensado para la pista de baile, y, por sonido, puede remitir a ‘Swish Swish’, el hit house de Katy Perry y Nicki Minaj de 2017. Al contrario de lo que se rumoreaba, ‘Sour Candy’ NO samplea ‘Maneater’ de Nelly Furtado, pero sí destaca por dejar totalmente el protagonismo a las surcoreanas en su primer minuto.

En las últimas horas, debido a una temprana filtración (todavía no es 29 de mayo ni en Australia ni en Nueva Zelanda, ni tampoco en Corea del Sur) varios títulos de canciones de ‘Chromatica’ están siendo «trending topic». En nuestros foros ya hay debate abierto en torno al álbum, que sucede a ‘Joanne‘ y a la exitosísima etapa de Gaga con ‘A Star is Born‘.

Hidrogenesse / ¿De qué se ríen los españoles?

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28 mayo, 2020

¿Es una casualidad que hayan coincidido en fecha de publicación ‘A Steady Drip, Drip, Drip‘ de Sparks y ‘¿De qué se ríen los españoles?’ de Hidrogenesse? Seguramente sí, porque el destino es así de retorcido y puñetero cuando quiere. Pero qué feliz y apropiada coincidencia, que maestros y discípulos publiquen nuevos discos a la vez, y que sus escuchas sirvan para comprobar hasta qué punto pueden entrelazarse artistas de distintas generaciones. Y si puede que el disco número 24 de los hermanos Mael no sea el mejor de su carrera pero sí sirve para certificar su carácter incombustible y su genio, aunque este trabajo de Genís Segarra y Carlos Ballesteros se pueda entender como poco más que una anécdota, lo cierto es que, en su ámbito y dimensión, es equiparable en estatus a ese trabajo de sus confesos referentes.

Porque sí, estamos ante un trabajo que se enmarca como parte de una exposición dedicada a 100 años de humor absurdo en España, partiendo de la obra literaria y audiovisual de Ramóm Gómez de la Serna hasta los memes de Internet, pasando por Berlanga, Gloria Fuertes, Martes y Trece, Chiquito de la Calzada o Muchachada Nui. Carlos y Genís recibieron el encargo de dar soporte musical a una de las etapas de la exposición, dando lugar a cuatro piezas que suenan como una única pista y que condensan, en unos 12 minutos, todas esas distintas etapas del chiste «en contra de la lógica y de la realidad», como ellos mismos cantan. Es lo que se concentra en la cara A del maxi que han editado, convirtiendo este trabajo tan singular en otro eslabón de su discografía, apenas un año después de ‘Joterías bobas‘ y conectando con otras obras temáticas de su carrera como ‘Un dígito binario dudoso‘.

Desde el punto de vista sintético de cara a la exposición, es estupendo, en tanto que se las ingenian para condensar el amplísimo trasfondo de la expo en tiempo récord. Especialmente gracias a la propia canción ‘¿De qué se ríen los españoles?‘, que a ritmo de «disco novelty» y con la ayuda de artistas cercanos (discípulos, a su vez, de la visión pop del dúo barcelonés) como Marc Ribera (Doble Pletina) y Elsa de Alfonso, prácticamente glosa el espíritu de la exhibición con apenas algunas pinceladas, citando a Faemino y Cansado, Unamuno, Eugenio o sampleando un cacareo de Gómez de la Serna. Y, de paso, dan una pista de hasta qué punto ese absurdo ha influido en su propia carrera, repleta de figuras delirantes y desconcertantes entre la fantasía y la cotidianidad.

El que lo titula es el gran tema que se extrae de este disco, pero sus satélites dan también cuenta de su capacidad para crear algo fascinante de una cosa tan peregrina como las onomatopeyas de un célebre sketch del añorado Pepe Rubianes, en este caso poniéndose el disfraz de Moroder para crear una pieza de electrónica espacial… que es un perfecto preámbulo a la fanfarria de organillo de ‘Empanadilla de Móstoles’, que contrapone su tono solemne con frases de Chiquito, Martes y Trece o Los Ganglios. En esos vaivenes, el desopilante ‘Pasodoble de los esqueletos‘ de Miguel Mihura y Daniel Montorio no suena nada marciana, sino todo lo contrario: coherente en extremo.

La cara B de ‘¿De qué se ríen los españoles?’ sí se queda en poco más o menos que una curiosidad. Quizá destaque, por insólito, el monólogo armonizado de la menos reconocida María Dolores de la Fe, escritora y humorista canaria que defendía con chanza que Colón era una mujer. El a capella y la base instrumental de organillo de «Empanadilla» son accesorios, mientras que la versión «swinging london» del corte titular se agradece, fundamentalmente, como recordatorio de ese espíritu que alimentaron Saint Etienne (entre otros) a principios de los 90. Pero son complementos que se agradecen para dar entidad como maxi-single a este ‘¿De qué se ríen los españoles?’ cuya existencia está justificada, aunque solo sea para recordarnos de la fortuna que tenemos de vivir el tiempo de Hidrogenesse.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘¿De qué se ríen los españoles?’, ‘Pasodoble de los esqueletos’, ‘Empanadilla de Móstoles’
Te gustará si te gustan: Sparks, Chico y Chica, Joe Crepúsculo.
Youtube: medley de ‘¿De qué se ríen los españoles?’

C. Tangana y Alizzz aprueban el ‘Nunca estoy’ de Anajú, pero eso no la mete en la final de Operación Triunfo 2020

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28 mayo, 2020

Quedan, por suerte creo yo, dos galas para que se termine esta extrañísima y desangelada edición de Operación Triunfo. Desangelada porque la crisis de la Covid-19 devino en parón que se diría un coitus interruptus… si es que en algún momento del desarrollo inicial del talent-show hubiéramos sentido algo de excitación. No ha sido así. Pero en fin, hay que acabar lo que se empieza, y anoche la gala 11 de OT 2020 nos dejaba sus tres primeros finalistas.

Dos de ellos fueron elegidos por el jurado. Sí, siguen ahí. Lo sabemos por la exagerada carcajada que se echó Natalia Jiménez a costa de una caída fortuita de Anajú. Una de esas finalistas estaba cantada: Nia es imponente en lo vocal, versátil y capaz de cantar y bailar como muchas artistas de alto nivel no pueden. Pero hay que decir que en su interpretación de ‘Halo’ ayer estuvo bastante plana, solo sacándonos del sopor al final. Un efectista vestido de espejos buscaba lograr algo similar a lo que hizo Amaia con ‘Shake It Out’ en 2018… pero no ocurrió. En todo caso tiene futuro… o eso pensábamos hasta que hemos sabido que su primer single, que se estrena este viernes, está producido por Kike Santander. Nos tememos lo peor.

La gran sorpresa, y no para bien, llegaba con la insólita elección por parte de los expertos del segundo finalista: Hugo, que se salvó de la expulsión hace apenas una semana, pasa a optar a ganar el concurso, en detrimento de otros concursantes que han mostrado más regularidad, seguridad y condiciones. Y que, además, no disfrutan con peleas ilegales de cánidos. Todo porque se atrevió a cantar ‘La leyenda del tiempo’ de Camarón de la Isla con una banda en directo. Fue una apuesta valiente, ante la que ni los más expertos estarían a la altura. Tampoco lo estuvo él, pese a su entrega, preso sobre todo de unos nervios que le lastraron en lo vocal.

Ambos fueron destacados por delante de Maialen –que estuvo tan resuelta y magnética como acostumbra con una versión jazz-latina-rag time bastante random (un clásico de las selecciones de Manu Guix y Noemí Galera) de ‘Should I Stay or Should I Go’– y Flavio (salvado in extremis de la expulsión ante Hugo). Sin embargo, los profesores no eligieron a ninguno de estos dos, sino a Eva, que hizo una efectista (y poco más) versión de ‘Nothing Else Matters’ de Metallica. Fue bastante sorprendente, dado que, pese a presentarse como una de las concursantes más prometedoras, su progresión ha sido más bien decepcionante.

Justo lo contrario que Samantha, que tras diversas zancadillas a lo largo de toda la edición salió bastante airosa de cantar y bailar nada menos que ‘Freed from Desire’, y sobre todo Anajú (otra que estrena single este viernes; veremos) que, yendo de menos a más, se marcó una magnética interpretación de ‘Nunca estoy‘, el reciente número 1 en España de C. Tangana. Y eso que había manifestado no encontrarse cómoda con ella.

Sus mismos autores acudían a las redes para aprobar esta versión: Pucho preguntaba dónde había que votar a la maña (ignorando que la dinámica del concurso no va así en esta fase) y Alizzz les daba «sus dieses». Pero ninguno de los responsables del concurso apostó por ella. Tampoco el realizador que, en un bonito plano cenital en el que Anajú parecía a punto de la lágrima cuando moría la canción, decidió que era más interesante pasar a un innecesario plano general del escenario. ¡Buen trabajo! Anajú, en todo caso, aún tiene ciertas opciones de cubrir una de las dos vacantes que serán elegidas por el público en la semifinal de la semana que viene. Ese, Puchito, será el momento de enviar el SMS.

Jarabe de Palo vuelven con ‘Eso que tú me das’ y con su primer disco en 6 años, ya online

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28 mayo, 2020

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Jarabe de Palo han sorprendido este martes 26 de mayo publicando su nuevo disco, ‘Tragas o escupes’. Es el primer álbum de material inédito de la banda desde 2014, año en que publicó ‘Somos’, si bien en los últimos años han llegado al mercado diversos recopilatorios o incluso un álbum grabado en directo junto a la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Es, por tanto, el primer trabajo original de Jarabe de Palo desde que su cantante, Pau Donés, fuera diagnosticado de cáncer de colon en 2015, enfermedad de la que sufría una recaída en 2017, razón por la que el artista anunciaba entonces su retiro temporal de la música.

El primer single de ‘Tragas o escupes’ es el son cubano de ‘Eso que tú me das’, que rápidamente ha convertido a Jarabe de Palo en «trending topic» tras su estreno, y continúa entre los vídeos más vistos actualmente en Youtube España. El vídeo muestra a un Pau Donés acompañado de sus músicos y contento por expresar el mensaje de gratitud de la canción, que dedica a todas las personas que le han apoyado en el momento más difícil de su vida.

«Estamos acostumbrados a ser escuchados, que no a escuchar. Nos gusta mucho pedir y recibir, mucho más que a dar, y rara es la vez que damos sin esperar nada a cambio», explica Donés en un comunicado. «Lo que me ha pasado últimamente es justo lo contrario, he recibido mucho sin pedir ni esperar nada. Cosas buenas, muy buenas: cariño, afecto, respeto, amor, de gente a la que conocía y de gente a la que no. Muchos eran, como dice mi amigo Mikel Erentxun, amigos desconocidos que con sus palabras de aliento me hicieron superar momentos difíciles. Gente supongo que de todo tipo (amigos desconocidos) que quisieron ayudarme y que precisamente por no conocernos, no esperaban nada de mí».

Carly Rae Jepsen ha compuesto «todo un disco nuevo» durante la cuarentena

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28 mayo, 2020

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Carly Rae Jepsen acaba de publicar ‘Dedicated Side B’, una colección de canciones que no llegaron a formar parte de ‘Dedicated‘, su último álbum de estudio hasta la fecha. El álbum incluye producciones esperadas de Jack Antonoff, Ariel Rechtshaid o Patrick Berger y una colaboración de Dev Hynes, entre otras cosas.

Pero Carly no se ha pasado la cuarentena simplemente hurgando en sus viejos descartes: la cantante canadiense ha confirmado haber compuesto «todo un disco nuevo» durante el confinamiento, como recientemente han hecho Charli XCX o Boy George. En un podcast, la autora de ‘I Really Like You’ ha explicado que ha estado colaborando con su productor Tavish Crowe por Zoom, y que juntos han hecho un álbum «muy diferente» y «divertido». En una entrevista anterior con The Guardian, la artista ya declaraba haber compuesto un «pequeño álbum» durante el confinamiento, de canciones muy diferentes las unas de las otras.

En el mismo podcast, Carly destaca las ventajas de componer música por vía telemática: «Escribes diferente de esta manera. Tienes más tiempo para meditar las decisiones que as a tomar y tienes más tiempos para distanciarte de la canción aunque sea por un momento». Si Charli ha podido entregar un álbum en pocos meses, ¿será Carly la próxima en hacerlo?

Rival Consoles musicaliza esbozos abstractos en su nuevo disco, del que adelanta ‘Articulation’

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27 mayo, 2020

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Rival Consoles, es decir, el productor de electrónica británico Ryan Lee West, ha anunciado nuevo disco, que llegará dos años después del notable ‘Persona‘, su notable homenaje a la película homónima de Ingmar Bergman.

‘Articulation’ vuelve a presentar un interesante concepto, ya que se compone de pistas que Rival Consoles ha compuesto basándose en esbozos abstractos dibujados y coloreados por él mismo. El título del álbum es un homenaje reconocido a la pieza electrónica de Gyorgi Ligeti de 1956, ‘Artikulation’, para la que más tarde, en los años 70, Rainer Wehinger proporcionaría una «transcripción visual» que sería aprobada por el propio compositor. Una composición ilustrada fascinante, como muestra este fascinante vídeo..

«Encuentro que, a veces, la música electrónica batalla consigo misma para decir algo con integridad porque la tecnología y la producción pueden meterse en medio fácilmente», ha explicado Rival Consoles sobre sus dibujos. «Creo que el propósito de muchos compositores de electrónica es encontrar una balanza entre la visión de una idea y el poder que ofrece las posibilidades de un ordenador. Con papel y bolígrafo puedes componer y re-pensar ideas sin que la tecnología se meta e medio, así que para mí (dibujar) es una manera útil de refrescar el proceso».

El primer avance de ‘Articulation’ es el titular, un tema minimalista que volverá a gustar a fans tanto de Jon Hopkins como de la última Kelly Lee Owens.

Río Babel, aplazado a 2021, confirma a Residente, C. Tangana, Bad Gyal, Rayden…

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27 mayo, 2020

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Río Babel pasa a 2021, como tantos otros festivales este año debido al coronavirus. El festival madrileño celebrará su próxima edición finalmente los días 1, 2 y 3 de julio de 2021 en Madrid y vuelve a confirmar en su cartel a Residente, C. Tangana, Bad Gyal, Rayden y Louta. Todas las entradas ya adquiridas serán válidas para 2021. El festival ha habilitado un formulario que permanecerá disponible hasta el 12 de junio, para que el público rellene en caso de desear canjear la entrada o de solicitar el reembolso.

«Han sido y son meses muy difíciles para todos, y la industria de la música es uno de los sectores más perjudicados por esta crisis», explica el festival en su comunicado. «Nosotros particularmente, dejamos atrás cerca de un año de trabajo, esfuerzo y sobre todo la ilusión por disfrutar contigo de esta experiencia musical de ensueño. No obstante, esto solo es un adiós temporal y fortuito. Queremos mirar con una sonrisa al futuro».

«En 2021, nos encontraremos nuevamente con los artistas, los técnicos, los proveedores, el personal de seguridad, de taquillas, de limpieza, de catering, los food trucks, toda esa gran familia que hace posible este evento. Y como no, ya soñamos con reencontrarnos con vosotros y con la música, nuestra gran pasión, como telón de fondo».

Beyoncé logra su 7º número 1 en EE UU gracias al remix de ‘Savage’

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27 mayo, 2020

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‘Savage Remix’, la canción que ha unido a la rapera Megan Thee Stallion y a Beyoncé, en una remezcla de un single original de la primera que ya era un éxito, pero que ha elevado el tema en aproximadamente un 200%, sin que el original fuera desdeñable en absoluto; es el nuevo número 1 de singles en Estados Unidos. Es la tercera vez en la historia que dos mujeres negras copan esta clasificación, la última de la cuales fue la victoria histórica de dos raperas, Doja Cat y Nicki Minaj, con el remix de ‘Say So’ hace tan solo dos semanas.

El de ‘Savage Remix’ es el primer número 1 en Estados Unidos para Megan, y el séptimo para Beyoncé en solitario. La autora de ‘Lemonade‘ alcanzó esta posición con ‘Crazy in Love’ con Jay-Z y ‘Baby Boy’ con Sean Paul en 2003; ‘Check on It’ con Slim Thug e ‘Irreplaceable’ en 2006; ‘Single Ladies (Put a Ring on It)’ en 2008, y el remix de ‘Perfect’ de Ed Sheeran en 2017. Antes, Destiny’ Child lo hicieron con ‘Bills Bills Bills’ en 1999; ‘Say My Name’ e ‘Independent Women Part I’ en 2000, y ‘Bootylicious’ en 2001.

Curiosamente, ‘Savage Remix’, que lamentablemente se quedará sin videoclip a la altura al menos por ahora, es solo la séptima canción interpretada por dos mujeres solistas que alcanza el número 1 en el Billboard en toda la historia. La última fue obviamente ‘Say So’, pero antes fue el turno de ‘Fancy’ de Iggy Azalea y Charli XCX, en 2014; ‘S&M’ de Rihanna y Britney Spears, en 2011; ‘Lady Marmalade’ de Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya y P!nk, en 2001; ‘The Boy is Mine’ de Brandy y Monica, en 1998; y ‘No More Tears (Enough Is Enough)’ de Barbra Streisand y Donna Summer, en 1979.

‘Desde otro lugar’ de Maga se precia de ser un «radiante himno a la nostalgia»

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27 mayo, 2020

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Maga han sido actualidad recientemente tras la publicación de ‘Sistemas binarios‘, el primer libro de Miguel Rivera, en el que ha quedado dignamente plasmado el imaginario del grupo.

Hoy, Maga vuelve de verdad, con su primer single en varios años. ‘Desde otro lugar’ está inspirada en ‘Rayuela’ de Julio Cortázar, libro sobre el que Miguel Rivera y Javi Vega conversan hace 20 años en una piscina comunitaria del extrarradio de Sevilla, como cuenta la nota de prensa. «Cuenta Javi que la primera escucha de aquel tema le trasladó a las películas en Super-8, sin audio, imágenes mudas en las que desfilan familiares inmortalizados en una vida feliz e infinita». El tema traslada a los integrantes de Maga a aquella conversación: “Y volvió a aparecer la rayuela que ilustraba la primera edición del famoso libro de Cortázar que dio nombre a nuestra quimera. En ella se parte de la Tierra y tras tirar una piedra a cada una de las nueve casillas sin rozar la raya consigues nada más y nada menos que llegar al cielo”.

Esa anécdota tan emotivamente narrada vertebra con esas imágenes son reproducidas, no sin cierta paradoja (aunque quizá el confinamiento no haya dado muchas más opciones), en el mundo virtual en 3D, al estilo ‘Los Sims’, que ha dirigido, producido, guionizado y animado el mismo trío sevillano. Conectando con ese flashback inesperado, la letra de ‘Desde otro lugar’ clama con añoranza desde su estribillo «¿A dónde va la vida, la parte que no vuelve, / la que manda mensajes siempre desde otro lugar?», coherente con la idea de «radiante himno a la nostalgia» que da Maga del single.

Lo hace sobre una producción que, aunque sea fiel al rock colorista e imaginativo que caracteriza a los autores de ‘Diecinueve’ o ‘Agosto esquimal’, tiene un punto espacial que conecta con muchos pasajes de ‘Astronauta‘ de Zahara (donde Rivera hacía un dueto) y ‘Universo por estrenar‘ de Anni B Sweet, que nada casualmente hace coros en esta canción. No en vano la canción ha sido grabada en los Estudios Pimodán de Lori Meyers, donde Noni (pareja de Anni, a la sazón) también aporta teclados. Pero además, junto a ese carácter retro, contrasta la pátina de contemporaneidad que dan unos coros autotuneados en la recta final, repleta de fascinantes giros armónicos.

‘Desde otro lugar’ es el primer single del nuevo disco de Maga, que sucederá a ‘Salto horizontal‘ pero del que aún se desconocen los detalles. Maga emergieron en el panorama independiente a principios de este siglo con la trilogía homónima identificada como ‘(blanco)’ (2002), ‘(negro)’ (2004) y ‘(rojo)’ (2006). Tras unos años de aparente desaparición, en 2010 regresaban con dos álbumes casi seguidos, ‘A la hora del sol‘ y ‘Satie contra Godzilla‘, previo a la posterior celebración del 15º aniversario del debut del grupo, que fue regrabado con colaboradores como Iván Ferreiro, Julio de la Rosa, Zahara o The New Raemon, entre otros.

Lo mejor del mes:

Melanie C vuelve a ser «Sporty Spice» en el vídeo de ‘Blame it On Me’

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27 mayo, 2020

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Melanie C ha re-dirigido su sonido definitivamente hacia los ritmos del electropop y, por ejemplo, en 2016 publicaba un single estupendo llamado ‘Anymore’, que presentaba su hasta ahora último álbum de estudio publicado hasta la fecha, ‘Version of Me’. La ex Spice Girl prepara su continuación para este otoño.

El primer single ha sido el discotequero ‘High Heels’ con Sink the Pink, después ha sido el turno del elegante ‘Who I Am’, que ha sorprendido por su videoclip nostálgico, en el que las etapas de la carrera de Melanie C son expuestas en un museo, al modo de una visita literal al pasado. Y el tercer avance de este nuevo trabajo de Melanie C que sigue sin título oficial acaba de ver la luz, se titula ‘Blame it On Me’, vuelve a ser contundente en su giro electrónico y también presenta videoclip con guiños al pasado.

Como el último clip de Paloma Mami, a la que hoy entrevistamos, el vídeo de ‘Blame it On Me’ se basa en clásicos videojuegos de lucha tipo ‘Street Fighter’ y muestra a Melanie C batallando cara a cara contra su contrincante, pero también contiene referencias a la etapa de Melanie C como «Sporty Spice», al éxito de Spice Girls ‘2 Become 1’ o al icónico grito de guerra de las chicas, «girl power»,

Según la nota de prensa, ‘Blame it On Me’ es «un explosivo tema de pop moderno a base de melodías disco y electrónicas, que reflexiona sobre la toxicidad de una larga relación y el duro camino hasta lograr empoderarse y defenderse una misma. Con este single, la artista parece haber evolucionado en su música, pero a la vez revisita sus raíces».

Owen Pallett / Island

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27 mayo, 2020