Las mejores canciones del momento: abril 2019

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12 abril, 2019

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Hace unos días se anunciaba que habría disco póstumo de Avicii tras el suicidio del artista en 2018 cuando tenía tan solo 28 años. El primer sencillo de ese álbum que se llamará ‘Tim’ recibe el nombre de ’SOS’ y, pese a lo que pronostica su título, es una canción de corte optimista en la que Aloe Blacc habla sobre ser algo más “que amantes ocasionales”. Aloe Blacc ha sido elegido porque, al parecer, Avicii había dejado unas notas en las que decía que quería colaborar con él de nuevo tras el éxito de ‘Wake Me Up’.

Indica Blacc en un vídeo con el «cómo se hizo»: “Creo que ‘SOS’ se ha adelantado a su tiempo. Tim escribió la letra antes de enfrentarse a sus demonios y creo que es muy importante hablar de este tema y compartirlo, especialmente dada su visibilidad y su capacidad para llegar a tantos oídos y corazones. Quizá este tema ayude a la gente a pronunciar las palabras «Necesito ayuda»”.

En el mismo vídeo los co-productores Albin Nedler y Kristoffer Fogelmark, que ya habían trabajado con Avicii en ‘Pure Grinding’, hablan sobre su trabajo con Avicii. Según su sello, «las canciones estaban al 90%» cuando Avicii falleció en Omán el 20 de abril de 2018. Fogelmark comenta: «Después fue duro terminarlas… Me cuesta mucho incluso hablar de ello, pero queríamos completar la versión de Tim». Ambos usaron el programa Fruity Loops para «preservar cada una de las pulsaciones de Tim sobre las teclas del piano». «Tim tocaba de una forma muy particular, tanto el piano como el teclado”, comenta Nedler. “Sus dedos a veces caían sobre una tecla inesperada y eso le añadía un toque único y distintivo a su sonido. Las huellas de Tim impregnan literalmente todo ‘SOS’”.

Al mismo tiempo, se ha estrenado un vídeo para la canción que pese a su sencillez, está en la lista “trending” de Youtube. Se compone de mensajes de fans de Avicii que expresan lo que ha significado su música para ellos. El tema se ha situado directamente en el número 5 de la lista global de Spotify, y suma 5 millones de streamings en día y medio.

Suiza es favorita en Eurovisión por primera vez desde que ganó Céline Dion con el «dirty dancing» de Luca Hänni

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12 abril, 2019

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Desde que, de manera un tanto marciana, la canadiense Céline Dion ganara Eurovisión 1988 con ‘Ne partez pas sans moi‘, la trayectoria de Suiza en el certamen de la canción ha sido tirando a pobre, considerando las buenas posiciones que alcanzó en los 60 y 70. Especialmente en este siglo, no clasificándose para la final hasta en 11 ocasiones, y siendo el octavo puesto de Vanilla Ninja en 2002 su mejor clasificación.

Sin embargo ahora el tradicionalmente neutral país centroeuropeo, encrucijada de caminos, crisol de razas, imán de divisas, vuelve a estar entre los favoritos para ganar el festival según las casas de apuestas. Todo gracias a un chico de Berna llamado Luca Hänni. Hänni, siendo aún adolescente, en 2012 se hizo muy popular en su país al lograr ganar un talent-show de la televisión alemana, ‘Deutschland sucht den Superstar‘, siendo el primer participante menor y no alemán en lograrlo. Su primer single, ‘I Will Die for You’, fue número 1 en Alemania, Austria y su propio país.

Tras un par de álbumes de pop y ser el portavoz de su país en la edición de 2017 de Eurovisión, ahora representa a Suiza (en este caso, ha sido seleccionado de manera interna por la SRG SSR, la Sociedad suiza de radiodifusión y televisión) con ‘She Got Me’, un tema de pop disfrutón que se contagia de manera irremediable: su mezcla de R&B contemporáneo y arreglos de inspiración medio-oriental –esos vientos que ejercen de gancho en el estribillo–, resulta demoledor, sobre todo gracias a ese pre-coro en el que canta «she got me dirty dancin'». Precisamente eso, el «dirty dancing» que Hänni realiza en el vídeo y sus interpretaciones en directo, combinado con su buen porte, están maravillando al personal y ya han logrado situarle como el tercer candidato mejor colocado para ganar, según las casas de apuestas. Aunque aún debe superar su semifinal (participa en la 2ª, el 16 de mayo), por supuesto.

Calificación: 6/10
En los foros de Eurovisión se dice…: «Me flipa ese bailecito que se marca por el final cuando solo es música, si baila asi de bien en directo, eso es un chorro de votos», KikoCuadrado.
En las casas de apuestas: va tercera, y subiendo.

‘A quién te llevarías a una isla desierta’: Jota Linares triunfa en Netflix con el fracaso de una generación

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Pablo Tocino

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12 abril, 2019

“Probablemente seas una persona mediocre y del montón. No gastes tu tiempo en esforzarte o intentar ser especial y gástalo en asumir la realidad; así, aunque no seas del todo feliz, al menos no serás un desgraciado el resto de tu vida” dice el personaje de Eva Llorach en ‘Quién te cantará’. Tanto esta cinta como ‘Tu Hijo’ se han beneficiado enormemente de su emisión en Netflix, teniendo en la plataforma una segunda vida tras una primera con injustos resultados en taquilla. Mientras se debate si Netflix es enemigo o aliado del cine, lo que se puede decir es que ha ayudado a producciones como éstas, ni de coña low-cost pero sí más personales. Y en Netflix parecen tener claro que no solo están interesados en esa “segunda vida”, sino en impulsar una primera vida desde el principio: ‘A quién te llevarías a una isla desierta‘ no es la primera película producida por el gigante audiovisual, pero probablemente sí su mayor apuesta hasta el momento en este sentido. Partía con dos valores seguros ahora mismo como son María Pedraza y Jaime Lorente, ambos surgidos en los megaéxitos ‘La Casa de Papel‘ y ‘Élite’, y con otro valor seguro como puede ser una historia generacional… si está bien contada. Porque tenemos muchos ejemplos de lo contrario. Pero no es, en absoluto, este caso.

En eso influyen diversos aspectos, y uno de ellos es la persona que hay detrás. Jota Linares debutó el año pasado en el largo con ‘Animales sin collar‘, y ya tenemos su segunda película, que es a su vez una adaptación de la obra teatral con la que estuvo en Garaje Lumière, luego en Nave 73 y, finalmente, en el Teatro Lara. El gaditano, que ya en ‘Animales’ mostraba una mano considerable en la dirección de actores (especialmente con Natalia de Molina), confirma aquí su talento, llevando al extremo, para bien, a María Pedraza, Jaime Lorente, Pol Monen y Andrea Ros, el reparto protagonista. Los cuatro están estupendos, pero Andrea Ros y Pol Monen están espectaculares (la de Monen es su mejor interpretación hasta el momento, y eso que tenemos muy recientes ‘Amar’ y ciertos aspectos de ‘Tu Hijo’). Todos ellos se enfrentan a un doble reto con su intepretación, y no hablamos de lo que tiene que ver con los secretos que guardan, sino a la dualidad que surge de la propia naturaleza de la historia: su origen es una obra teatral, y ya sabemos cuál suele ser un comentario recurrente de los medios -y un temor recurrente del cineasta- cuando esto ocurre. “Es muy teatral”.

De esto quisieron huir Los Javis en ‘La Llamada’, por nombrar un caso español parecido, pero, aunque aquí se aprovecha la capacidad de salir del piso, Linares y Paco Anaya aciertan tomando la decisión contraria: no huye de su característica teatral, sino que la usa a su favor. Claro que hay momentos “muy teatrales” y esto podría espantar a algunos, como ocurría en las más o menos recientes ‘Agosto’ o ‘Solo el fin del mundo’, pero aquí la línea del exceso no se traspasa porque cuentan con una gran ventaja: la naturalidad de los personajes, y de sus intérpretes. Ése es el reto del que hablábamos: crudeza y dramatismo mezclados con momentos desenfadados de quienes podrían ser tus colegas. Has conocido a varias Martas y te crees a la Marta de María Pedraza, has conocido a varios Marcos y te crees al de Jaime Lorente, has conocido a varios Ezes y te crees al de Pol Monen, y, definitivamente, has conocido a muchísimas Celestes y te crees a la de Andrea Ros. Y quizás también los has sido. O lo eres. Porque aquí reside otra de las grandes fortalezas de la película: su retrato de los efectos de la crisis -y de las expectativas- en esa generación “perdida”, “fracasada”, “quejica”, etc.

“Ése es el problema, creernos especiales. Y que nadie tenga huevos para venir y decirnos que a lo mejor no lo somos.”, dice Celeste en un momento de la película que recuerda a la frase de Eva Llorach con la que abríamos la reseña. “Las promesas son una mierda porque te recuerdan lo que no eres”, dice en otro. Ambas son una patada en la boca al rollo “cuando quieres algo de verdad, el Universo conspira para que lo consigas”. Como la patada en la boca que se llevaron muchos jóvenes que, tras años de oír que si persigues tus sueños los conseguirás aunque partas de la nada sin un mísero, o que si estudias y te preparas tienes un futuro, acabaron descubriendo que nada de eso era seguro (ni siquiera el MIR de Marcos ofrece una estabilidad como la de antes, y os lo dice un médico). Y que quizás lo único seguro es que habían vivido en una burbuja. Y salir de una burbuja duele. Toda burbuja tiene que estallar, y aquí ese momento surge a partir del juego que da título al film, desencadenado por lo que parece ser el Síndrome del Impostor de Eze. De ahí en adelante, los cuatro protagonistas salen de una burbuja distinta (Marta es quien describe esto de forma más explícita), y además salen de una burbuja común generacional. ‘A quién te llevarías a una isla desierta’ nos cuenta ese proceso en que los residentes del 9ºB dejan de entreabrir los ojos para abrirlos del todo, y cómo no les gusta lo que ven. Cómo les parece una mierda, sencillamente. Y lo cuenta con una sensibilidad y maestría que hace que queramos estar muy atentos a los próximos proyectos de su director y de su reparto. 8.

Fuerza nueva se suman al Viernes de Dolores con ‘La cruz’, revisión libre de ‘La saeta’ de Machado

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12 abril, 2019

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Desde luego, no se puede decir que Fuerza nueva estén lanzándonos los adelantos de su álbum, que hoy sabemos prevé ver la luz el próximo 12 de octubre, Día de la Virgen del Pilar, Fiesta Nacional nada menos… aunque este año cae en sábado. El caso es que, si el proyecto que surge de la suma de Los Planetas y Niño de Elche se presentó con ‘Los campanilleros‘ haciendo una reflexión sobre la Navidad, más tarde presentaron ‘Santo Dios‘ en el Día de Andalucía para tratar los nacionalismos. Y hoy, Viernes de Dolores con el que da comienzo oficialmente la Semana Santa, asaltan la cuestión de la secularidad o el carácter popular de estos festejos en ‘La cruz’.

La canción se trata de la primera en la que cantan al unísono Paco Contreras y Jota, y está fuertemente inspirada en ‘La saeta’, el famoso poema de Antonio Machado que Serrat convirtió en icono popular, adaptado por cantaores como Camarón o EL Lebrijano y, en fin, un símbolo adoptado por las Hermandades (especialmente las sevillanas) como un himno. A partir de ahí, con una interesante conexión con ‘Sign of the Times’ de Prince, Pedro G. Romero plantea en otro extenso y jugoso texto la pertinencia de la celebración de la Semana Santa por parte del pueblo, cualquiera que sea su ideología y creencia. Mención aparte para la portada de Javier Aramburu, que sustituye con bastante guasa el rótulo «INRI» en lo alto de la cruz por «INDIE». Os dejamos con el interesante texto –que concluye citando un grafitti que decía «Cristo murió para salvar el turismo»– y la pieza visual de Andrés Duque con el que presentan la canción.

«Cruce de caminos. El grupo intentaba aparcar en la parte alta de Sanlúcar de Barrameda y mientras encontraba sitio, escuchaba el CD de Prince, Sign of the times, a toda pastilla. Por las ventanillas del coche y sin saber su procedencia -los altos muros de las bodegas hacen de ese barrio histórico un laberinto- llegaban las notas de cornetas y tambores de una banda que estaba ensayando para la Semana Santa. En un momento perfecto se ajustaron las marchas de la caja con The cross, el tema que clamaba en nuestros altavoces. El ajuste era prodigioso. Los tientos de la banda daban la relación de ajuste y desajuste que Prince tanto valoraba en la Saeta de Miles Davis, de Sketches in Spain, que para el músico de Minneapolis había servido de inspiración. Indudablemente Gil Evans está evocando un ensayo y es eso lo que interrumpe la voz-trompeta de Davis. Aparcamos el coche y, ya caminando, buscamos a la banda. Un minuto de silencio precedió al encuentro del parque donde ensayaban y nuestra llegada coincidió con el arranque, ahora en acierto completo, de la popular marcha La saeta basada en la canción de Joan Manuel Serrat sobre el poema de Antonio Machado. Todos, al unísono, acompañamos con el estribillo funky: “…the cross”.

Durante mucho tiempo, los sevillanos, con su ombliguísmo portentoso, pensaban que Serrat había copiado la melodía de la misma marcha sevillana. Pero no, en realidad este himno oficiosos de la Semana Santa sevillana (para los pasos de Virgen ya está Amarguras de Font de Anta) fue una adaptación de distintas bandas que desde finales de los años 70 (Ayamonte, Arahal, Sanlúcar la Mayor) culminó en 1988 con la grabación del mismo tema por la Banda de la Hermandad de Jesús Despojado (actualmente Virgen de los Reyes), quienes ya la habían interpretado a las puertas de la Iglesia de San Román, cuando todavía salía de allí la Hermandad de los Gitanos. Después, el indudable tarareable pop del catalán, la posibilidad de ponerle una letra a la marcha y, como guínda, la versión del tema de Camarón de la Isla hicieron lo demás. La Hermandad de los Gitanos lo convirtió en un himno y por extensión pasó a cualificar el aspecto más populista de las semanas santas andaluzas, así, en general. Los años de la transición política en España fueron un importante renuevo para las músicas y ceremoniales semanasanteros. Si La saeta tiene un origen secular, figúrense Ione que viene de la opereta Los últimos días de Pompeya. El film Por la gracia de Dios de Carlos Teillefer, rodado en Málaga a finales de los años 70, da buena cuenta de esto. Hasta El pueblo unido jamás será vencido es versionado por los “gitanos” malagueños.

En realidad la discusión sobre si se trata de una fiesta secular o sagrada está de más. Otra cosa es repensar lo que significa religioso en ese ritual y si hay alguna correspondencia entre la fiesta que se organiza y las verdades teológicas de la Iglesia Católica que las ampara. Puesto que si por la derecha, el poder de las Hermandades es un verdadero desafío a la jerarquía Católica, por el lado de la izquierda, y no solo desde la Teología de la Liberación, estos rituales representan una toma del espacio público por parte de expresiones populares que reclaman en algarabía su parte de lo sensible. Todavía impresionan esos testimonios de viudas de represaliados rojos durante la guerra civil, que cuentan como sólo en las procesiones de Semana Santa podían hacer público su dolor, llorar abiertamente su desgracia y encarársela así a las fuerzas vivas que entonces ostentaban el poder.

Y desde luego, no puede resultar más paradójico que el poema de Antonio Machado (inspirado en la letrilla que su padre, Demófilo, recopilara como saeta en El Alosno) sea una refutación abierta de ese mismo ritual, de esa Semana Santa populista que muestra imágenes torturadas de toda forma y manera. ¿Un poema contra la Semana Santa convertido en su himno oficioso? Efectivamente, aunque el poema figure en Campos de Castilla, su publicación original en 1914 en un dossier titulado Semana Santa en Sevilla de la revista Mundial Magazine pretendía ser un poco eso, una china en el zapato. La propia música del poema pide todo lo contrario de la marcialidad y patetismo de una marcha procesional y, sin embargo, miren la paradójica maravilla. EL brasileño Raimundo Fagner intento recuperar, dentro del tema del propio Serrat, ese espíritu propio del poema, alejado del canto de plañideras. En Lágrimas de cera, El Lebrijano quiso cambiar también su carácter y darle al texto otra alegría (con arreglos cursis y espantosos lamentablemente), pero no fructificó. Y es que, lo bueno de La saeta de Machado es ponerla a contrapelo, como quería Walter Benjamin, usando los materiales hegemónicos de la historia contra los mismos que los detentan. Eso es lo que consigue el himno procesional, convertir la envarada teología en verdadera acción litúrgica. Porque no se crean, los ultras sevillanos han excomulgado a Machado por ello. El propio Antonio Burgos (sí, el mismo de las camisetas “Odio a Antonio Burgos”) destiló todo su gracejo y chascarrillos contra la memoria del poeta a costa de la confusión –imperdonable para el capillita de pro- entre Nazareno y Crucificado. Y son muchos los sevillanos que cuando se encierra la Soledad de San Lorenzo, todavía el Sábado Santo, dan por terminada la fiesta de forma que no aceptan ese final impostado por la jerarquía católica que es el Resucitado. Otros, sí, aceptan que resucitara, sí, pero solo para poder volver a crucificarlo al año siguiente y justificar así el continuado ritual cíclico. Así que no, no anduvo sobre la mar. Y ellos, en Semana Santa, no se marchan de vacaciones a la playa. Ni a la mar ni a ningún otro sitio. Como rezaba un popular stencil que adornaba muchos muros de Sevilla alrededor de la imagen “grafiteada” de un paso con Cristo Crucificado: MURIÓ PARA SALVAR EL TURISMO».

Brigitte Laverne / Disco china

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12 abril, 2019

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Como decía cuando hablaba de ‘Culpable y feliz‘ un par de semanas atrás, había cierto misterio en el hecho de que canciones como ‘Tinder Love’, ‘Crush On You’, ‘Can’t Take It No More’ o ‘Touch’ no hubieran sido más celebradas pese a ser bien redondas y mostrar buen gusto instrumental y melódico. Su autora, Brigitte Laverne (de nombre real Alexia Taulé), se mostraba como una chica encandilada por la BSO de ‘Drive’ y los sonidos sintéticos propios de los 80, que envolvían su EP debut en una bruma de claroscuros que evocaba a Moroder.

Como una paradoja, ese primer adelanto de este nuevo trabajo, ‘Disco China’, nos daba la clave de esa incertidumbre: esa canción, ‘Culpable y feliz’, cabalgaba sobre guitarras más marcadas y ruidosas y baterías reales (que en realidad ya aparecían, aunque más sutiles, en ‘Wasted‘) rememorando, más que a la peli de Nicolas Winding Refn, a una de Jon Hughes. O, trasladándonos al panorama nacional, aproximándose a un power pop que no remite tanto a Airbag o Los Vegetales (que también) como a Los Romeos de Patrizia Escoin. Y quizá la «culpa» la tenga una producción de acabado un tanto amateur, más propia de los últimos 80 que de nuestros días, desluciendo un puntito el conjunto. Pero ese tono entre la candidez (de sus melodías dulces) y lo perverso (de sus letras tan directas que se podrían interpretar como crueles) de aquel memorable y efímero grupo de Castellón tiene eco, quizá involuntariamente, de manera encantadora a lo largo de casi todo este mini-álbum de 7 canciones. Emerge sobre todo en ‘Déjame en paz’ y ‘Que gane el mejor’, donde se equilibra ese sonido retro característico de los teclados de Alexia, el punkpop de los Ramones (o de Sigue Sigue Sputnik, teniendo en cuenta la estética de los sintes) y el puntito en plan Los Planetas de ‘Vas a verme por la tele’ por sus pendencieras letras de venganza sentimental.

Letras que, como gran baza, están interpretadas por primera vez en español y que, como la propia Taulé apunta en nota de prensa, presumiblemente servirán para empatizar mucho más con su público potencial. Porque, además, pese a ser, según ella, lo que más le ha costado sacar adelante de este disco, están realmente bien: bien construidas, eludiendo la poesía chirriante y con un léxico razonablemente rico (pese a rimar «canciones» y «emociones»). Pero, sobre todo, no se andan por las ramas: el sexismo en la música (aludida en frases como «mejor calla / las chicas callan» en ‘No lo haces nada mal’; algo que una vez nos dijo no haber padecido… aún), lo bueno y lo malo de girar con un grupo (‘Disco china’), lo fútil de la juventud (‘Te crees muy eterno’) y emociones íntimas son bastante concretas.

En todo caso, lo que más deslumbra de ‘Disco china’ es la inmediatez con la que se ejecuta, como si Brigitte Laverne describiera musicalmente un paseo en una montaña rusa trepidante, con melodías arrebatadoras prácticamente de cabo a rabo (especialmente en su primera mitad). Los 21 minutos que transcurren desde ‘Bienvenido al realismo’ (que lleva a reflexionar en cuánto de ska tenían los primeros Depeche Mode) a la potente ‘No lo haces nada mal’ (en la que chirrían un poco esos «oh-uh-oh»s) vuelan gracias a canciones redondas que, además de sólidamente estructuradas, poseen esa vibración especial, ese pellizco que engancha sin remisión. Y encima, con un portadón que nos recuerda un poco a ‘Hora de aventuras’ y otro poco a Simon Hanselmann. Triunfada.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Culpable y feliz’, ‘Disco china’, ‘Te crees muy eterno’, ‘Bienvenido al realismo’
Te gustará si te gusta: Los Planetas más punkpop, las BSOs de John Hughes y recuerdas a Los Romeos.
Escúchalo: Spotify.

Escucha lo nuevo de The Chemical Brothers, PJ Harvey, Tame Impala, Anni B Sweet, LSD, Avicii…

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12 abril, 2019

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Este viernes en Ready for the Weekend son protagonistas el nuevo álbum de The Chemical Brothers, la banda sonora que ha despachado PJ Harvey para un montaje teatral de ‘Eva al desnudo’, el álbum debut de LSD (Labrinth, Sia & Diplo) y los nuevos singles de Tame Impala, Anni B Sweet y el adelanto del álbum póstumo de Avicii, una ‘SOS’ cantada por Aloe Black.

Hay más nuevos álbumes interesantes que disfrutar desde hoy: Enric Montefusco, Anderson .Paak, la Spice Girl Emma Bunton, Damien Jurado, los interesantes Fontaines D.C., Evripidis and His Tragedies (en griego esta vez), Bruce Hornsby (en un álbum con la colaboración de Justin Vernon, Bon Iver), JJ CAle (álbum póstumo), Bibio, Solo Astra (la mitad de Cupido que no es Pimp Flaco) y Glen Hansard publican disco. Además, hay nuevos EPs de los reyes del K-pop, BTS, Linda Guilala, la promesa Omar Apollo, Broken Social Scene (la segunda parte de la serie que están publicando este año) y The Juan Maclean, mientras que el pop francófono está de especial enhorabuena con el nuevo trabajo de Roméo Elvis (el hermano rapero de Angèle) y los debuts de proyectos tan interesantes como el dúo Ofenbach o los proyectos más alternativos Pépite y Hyacinthe.

Junto a singles que hemos conocido esta semana de Mark Ronson & Lykke Li, La Prohibida, Yeasayer, Lola Índigo, La Prohibida, ANTIFAN & C. Tangana, Lil Uzi Vert (doble single de regreso) o Aitana & Morat, también tenemos canciones de Ellie Goulding, Silversun Pickups, The Raconteurs, P!nk, Fuerza Nueva (la alianza musical de Los Planetas y Niño de Elche), Morrissey, Richard Hawley, Cristina Quesada, Rels B, Anna of the North, The Ballet, Local Natives, Norah Jones, Los Chikos del Maíz, McEnroe, Bleached, Cayucas, Floridablanca, Faye Webster, Now, Now o Nerea Rodríguez (OT 2017). Además destacamos canciones de promesas como Amyl & The Sniffers, Vic Mirallas, Girl Ultra, Marsella o Lolo Zouaï.

También destacan hoy el nuevo álbum en directo de Pet Shop Boys, ‘Inner Sanctum’, las primeras canciones para la BSO de la temporada final de ‘Juego de Tronos’ (de The Lumineers y Maren Morris) y remixes para singles de Robyn y Khalid.

BTS se divierten con su amiga Halsey en el colorido y espectacular videoclip de ‘Boy with Luv’

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12 abril, 2019

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BTS han estrenado el esperado nuevo videoclip de ‘Boy with Luv’, su colaboración con Halsey, que promete batir récords de visualizaciones como ya hiciera en su momento el de su tema ‘Idol’, pues solo su avance de 45 segundos acumula a cinco días de su lanzamiento 27.111.430 visualizaciones en Youtube. No es de extrañar, pues Halsey también se encuentra en el mejor momento de su carrera después de haber sido número 1 en Estados Unidos con su balada ‘Without Me’, por lo que el vídeo, más que llegar, ha aterrizado como un meteorito dispuesto a arrasar con todo. Actualización 13 de abril: el vídeo ha alcanzado los 78 millones de visualizaciones en Youtube en sus primeras 24 horas, pulverizando el record previo ostentado por el también grupo de k-pop BLACKPINK.

Lo que sí choca al escuchar ‘Boy with Luv’ y ver su vídeo es que la colaboración de Halsey es totalmente anecdótica (aunque en la versión del álbum, es ella sola quien canta el estribillo). De hecho, aunque la artista es la primera persona que vemos en el vídeo, en este caso su parte en la canción se limita a hacer coros en el estribillo, y solo hacia el final. BTS son los absolutos protagonistas tanto en ‘Boy with Luv’, un tema muy pop con gancho “oh my my my”, como en su colorido vídeo lleno de baile y cambios de escenografía -además de algún efecto especial- en los que vemos a los siete miembros del grupo bailar en una cafetería, delante de un edificio azul o en la entrada de un parque de atracciones. Halsey está ahí como podría no haberlo estado, pero por lo que se ve en el vídeo, se lo pasa en grande cantando y bailando con BTS.

‘Map of Soul: Persona’, cuyo audio encontrarás bajo estas líneas, es el sexto EP de BTS y sucede a los álbumes ‘Love Yourself: Tear’ y ‘Love Yourself: Answer’, ambos lanzados en 2018. Además de Halsey, Ed Sheeran aparece como co-autor en la pista 4, ‘Make it Right’. Por su parte, Halsey continúa trabajando en la continuación de ‘hopeless fountain kingdom‘, su álbum de 2017. La cantante, que también ha triunfado recientemente con sus singles junto a Benny Blanco (‘Eastside’) y YUNGBLUD (’11 Minutes’) ha dicho que el disco representa “una lección sobre perdonarme a mí misma” y que será “ruidoso”.

La Canción del Día: ‘Tape’ es otra joya pop no tan perdida del disco de Parcels

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12 abril, 2019

Los australianos Parcels publicaron el año pasado un disco tan bueno en su amalgama de influencias que iban de Fleetwood Mac a Kraftwerk o el “French touch” pasando por Hall & Oates o la canción de la Brill Building; que sigue siendo posible encontrar en él canciones capaces de obsesionarte cuando menos lo esperas. Y es que más allá de singles obvios como ‘Withorwithout’, ‘Tieduprightnow’ o ‘Lightenup’ el álbum reunía una serie de “album tracks” estelares como ‘Everyroad’ o ‘Tape’, una canción que no llegamos a mencionar en nuestra valoración original del álbum (como otras varias), pero que tiene todos los ingredientes para ser una de las favoritas de los fans (así lo atestiguan sus escuchas en Spotify). Y parece que de Parcels también, pues ‘Tape’ es la canción que han decidido potenciar ahora con un videoclip.

‘Tape’, que nos habla de una relación romántica fallida, de la que el narrador de la letra parece querer salir cuanto antes, ya bastante perjudicado (“me he arriesgado para recuperar aquello que te llevaste de mí, y volví con un trozo de celo”), tiene el ritmillo de una canción de indie-pop tipo ‘Burning’ de The Whitest Boy Alive, pero a su vez solo podría ser de Parcels. Están presentes sus habituales punteos funky y armonías vocales al servicio de una melodía pop irresistible, y están también los sintetizadores elegantes y con cierto cariz cósmico que usan elegantemente a lo largo del álbum. Pero lo que hace de ‘Tape’ una canción que incita a escucharla una y otra vez es su curiosa composición.

La pista 4 del debut de Parcels es una canción pop clásica, compuesta por sus versos y sus estribillos. Pero los australianos sorprenden en ella con un par de decisiones. En primer lugar, su gancho principal no es su estribillo como se podría esperar, sino una melodía de clarinete (aunque suena como un acordeón) totalmente random que aparece al principio de la canción, separando a modo de interludio las dos partes de ésta compuestas por los versos y el estribillo. Así, ‘Tape’ conoce una primera cumbre cuando prácticamente acaba de empezar. Y la segunda viene después, tras el segundo estribillo. A partir de ahí, Parcels llevan el tema hacia arriba, haciéndolo explotar al final, en un “outro” que potencia el elemento electrónico de la canción, inyectándole energía.

Una canción divertida de analizar y sobre todo de escuchar esta ‘Tape’ que, como decíamos, Parcels han decidido que sea el nuevo avance de su espléndido álbum debut. Su videoclip ha llegado esta semana y lo protagoniza una súperfan de Parcels llamada Penelope, tan animada con el ritmo de la canción que no se ha quitado el albornoz de la ducha cuando ya está bailando en un concierto de la banda, acaparando la atención de los asistentes. Hay “plot twist” aunque curados estamos de espanto. Dirige Carmen Crommelin.

Anitta habla de mierda (literalmente) y de su “cara Frankenstein” en La Resistencia

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12 abril, 2019

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Anitta continúa su periplo promocional por España tras su extraño paso por el programa de Josep Pedrerol y su última parada ha sido La Resistencia, donde la cantante brasileña ha dejado una visita más surrealista si cabe, aunque también más divertida.

Empezando por el gran momento en que Anitta, que sabe perfectamente dónde se ha metido, parece desconectar completamente de David Broncano hasta que este le llama por el nombre y ella responde “ah, yo”, la primera parte de la conversación entre Anitta y el presentador se centra en la mierda, literalmente. Anitta reconoce a Broncano que su equipo le ha informado que acudir a La Resistencia significa “hablar mierda y mierda” y esta declaración resulta en una conversación de 6 minutos sobre la caca, incluyendo una historia de Anitta en la que casi se caga encima después de ingerir demasiadas bebidas energéticas. Llegado el minuto 8.00 aparece de por medio el término “culo de perro”.

Por suerte, la charla de Anitta y Broncano continúa hacia otros temas un poco más bonitos y la autora de ‘Kisses‘ recuerda los tiempos en que cantaba en una iglesia durante su juventud en un barrio humilde de Río de Janeiro, aunque ella misma interrumpe el tema cuando descubre la teta de silicona colocada en la mesa de Broncano. La cantante entonces bromea (suponemos) sobre su pasión por la cirugía estética y dice que se ha hecho “incontables” operaciones y que su cara es “todo Frankenstein” (no está de más recordar que Victor Frankenstein era el científico, no el monstruo). En el final de la entrevista, Broncano pregunta a Anitta sobre su dinero y sobre el sexo que ha tenido en el último mes y esta contesta solo a la segunda pregunta: “tienes que comprender que este mes ha sido carnaval en Brasil”.

‘Presiento’ de Aitana y Morat, a por el top 1 y el récord de streamings de ‘Con altura’

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12 abril, 2019

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Mientras algunos esperábamos su colaboración con C. Tangana como agua de mayo, Aitana anunciaba en cambio un nuevo single inédito junto a los exitosos Morat. Ese tema ha llegado a las plataformas digitales tan pronto ha llegado la medianoche y recibe, como ella había avanzado, el nombre de ‘Presiento’. Así lo introducía ella misma en las redes sociales: «Hay presentimientos que es mejor ignorar. Algunas veces vale más vivir la aventura y dejar que la suerte nos guíe. Por ahora, mientras esperamos a que todo empiece, nosotros presentimos que os va a gustar esta canción».

Y esta madrugada, por fin, se lanzaban single y vídeo. No es ninguna sorpresa que es la típica canción a la que nos han acostumbrado ya estos colombianos: una canción de pop melifluo que ahoga su base folkie (a la que aún aluden sus coros) con una producción estándar del pop 2019, con ritmo reggaetonero pero suavecito, mientras grupo y solista se reparten voces sin más. El clip, dirigido por Lyona, traslada a Morat y Aitana a una representación teatral pseudo-infantil, con los chicos como piratas a bordo de un velero y la chica como una princesa sirena. ¿Podría ser todo más blanco? ¡Ay!

‘Presiento’ avanza la reedición del último disco de Morat y cabe preguntarse si la banda permitirá a Aitana a su vez incluirla en ‘Spoiler’, el que será su gran disco largo tras el aperitivo que supuso ‘Trailer’. También está por ver si este nuevo tema logra el número 1 en España al que se ha acostumbrado Ocaña con ‘Lo malo’, ‘Teléfono’ y ‘Vas a quedarte’ (compuesta, por cierto, por dos Morat). Tendrá que derribar nada menos que a ‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho, que justo acaba de batir un récord de streamings diarios en Spotify España que hasta entonces había pertenecido a Aitana. Por si sirve de pista, de momento su vídeo oficial se acerca a las 200.000 visitas tras las dos primeras horas de publicación.

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Presiento 🧜🏻‍♀ Abril 12 @morat

Una publicación compartida de AITANA (@aitanax) el 8 Abr, 2019 a las 12:08 PDT

Mark Ronson estrena su tema junto a Lykke Li, ‘Late Night Feelings’

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12 abril, 2019

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Mark Ronson ha triunfado en los últimos meses junto a Miley Cyrus en ‘Nothing Breaks Like a Heart’. No ha sido un hit del tamaño de ‘Uptown Funk’, pero sí ha sido lo suficientemente sólido como para aguantar en las listas durante meses, superando los 200 millones de streamings a nivel global en Spotify y los 100 en Youtube. Desde que Ronson concediera entrevistas de promoción sobre su nuevo álbum se dijo que este incluiría un tema nuevo junto a Lykke Li y al fin ha llegado el día de escucharlo, varios meses después por cierto, recibiendo el nombre de ‘Late Night Feelings’.

Se trata de una canción de disco soul de corte clásico pero bastante fresco, con unas leves pinceladas tropicales y unas elegantes cuerdas. La canción, co-escrita por Ronson y Lykke, cuenta con co-producción de Picard Brothers, unos productores de Los Ángeles que han trabajado con Beck o Diplo. Además de presentar la canción, por fin Ronson ha dado detalles del álbum en el que se incluye tanto esta canción como el single con Cyrus. Se titula exactamente así, ‘Late Night Feelings’, se publica el día 21 de junio, su portada es la que veis encabezando estas líneas y contiene otras colaboraciones importantes como las de Camila Cabello, Alicia Keys, Angel Olson, King Princess, o Diana Gordon, entre otras.

Tracklist de ‘Late Night Feelings’:
1. Late Night Prelude
2. Late Night Feelings (feat. Lykke Li)
3. Find U Again (feat. Camila Cabello)
4. Piece of Us (feat. King Princess)
5. Knock Knock Knock (feat. YEBBA)
6. Don’t Leave Me Lonely (feat. YEBBA)
7. When U Went Away (feat. YEBBA)
8. Truth (feat. Alicia Keys & The Last Artful, Dodgr)
9. Nothing Breaks Like A Heart (feat. Miley Cyrus)
10. True Blue (feat. Angel Olsen)
11. Why Hide (feat. Diana Gordon)
12. 2 AM (feat. Lykke Li)
13. Spinning (feat. Ilsey)

La Prohibida avanza su nuevo disco con ‘Ruido’, de nuevo compuesta por Víctor Algora

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11 abril, 2019

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La Prohibida estrena hoy el primer avance de su nuevo disco. Se trata de ‘Ruido’, un medio tiempo electropop que como algunas canciones de su álbum anterior, ha sido escrito por Víctor Algora. Entre aquellos temas estaba el single ‘La colina luminosa’ y también ‘Baloncesto’, que con 1,4 millones de reproducciones en Spotify terminó siendo el mayor éxito de la carrera de ambos, aún pinchado a día de hoy en las mejores fiestas, más lo que le queda.

‘Ruido’ es un tema ligeramente más reposado que, no obstante, también se entrega al estribillo pop acompañado de una letra sobre los vaivenes del corazón: “intento hablarte pero estás ausente”, dice en un momento, mientras el coro repite “todo lo que hay en tus ojos es ruido / remordimientos, arena y granizo / todo lo que viene de ti / todo lo que me hace sentir es humo”.

El vídeo que se presenta al mismo tiempo que la canción, bajo la dirección de Hugo López y producido por Storner Pro, presenta a La Prohibida en un escenario industrial, quizá en relación a la frialdad de la que habla la composición.

De momento no hay más datos sobre la fecha de publicación del nuevo álbum de La Prohibida, si bien podéis seguir todas sus novedades a través de las redes sociales, donde justo hace unos días aparecía en una gala precisamente junto a Víctor Algora.

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con @victor_algora 🎵 Por más actos organizados por @srpacotomas como el del miércoles pasado, recordando la memoria histórica del activismo LGBTI, gracias a todos los participantes y asistentes ❤️

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Alejandro Sanz hace un himno, quizá involuntario, contra las críticas al apropiacionismo

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11 abril, 2019

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¿Recordáis que Rosalía participó no hace tanto en un homenaje a Alejandro Sanz en los Grammys latinos? No se ha subido oficialmente a Youtube, parece haberse querido borrar del mapa, pero existir, existió: la cantante interpretó acompañada de orquesta el tema ‘Cuando nadie me ve’.

Como si quisiera devolverle el favor, Alejandro Sanz ha incluido un tema en su nuevo álbum, ‘#ElDisco’, que parece tratar el tema del apropiacionismo cultural. Se llama ‘Te canto un son’ y es el mejor del álbum. Madrileño pero hijo de andaluces, madrileño pero residente en Miami, el cantante ha construido una metacanción bastante simpática sobre hacer el estilo que a uno le dé la gana, al margen de cuál sea su lugar de origen. Entre referencias a su mayor hit, ‘Corazón partío’, Alejandro nos cuenta, sin contradicción aparente: «Soy un flamenquito en La Habana» y «Soy de Cádiz, te canto un son». Y hay algo de esos estilos, incluso de música urbana, en esta notable producción que me ha hecho olvidar en dos compases el dúo con Camila Cabello. Esto es precisamente lo que esperaba de los dos y no me lo dieron.

Si bien la referencia al apropiacionismo parecía un «blanco y en botella», lo cierto es que en realidad en las entrevistas promocionales del disco, Alejandro Sanz no está tirando por ahí. Sí presume de «ser ciudadano del mundo» y «de todos lados», pero en realidad, con este tema, como ha declarado a Europa Press, está celebrando la potencia de la cultura latina en el mundo del pop, y el orgullo de tener familiares que provienen «de Cádiz desde 1735». “Soy latino gracias a Dios. Es una cultura potentísima. En la música latina la gente mete el reguetón y el trap, pero realmente hay una música latina que está ahí detrás que es impresionante. Todo el folclore argentino, todo lo que pasa en el Caribe o en Colombia, toda esa música es fascinante. Hay tanta gente haciendo cosas buenas”. Además, añade que el triunfo de cantar en español frente al inglés no se debe a los que ahora son número 1 sino a los que «llegaron antes».

Rocío Márquez saca casi todo el partido posible a los Teatros del Canal presentando ‘Visto en El Jueves’

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11 abril, 2019

Entradas agotadas con días de antelación para la presentación de ‘Visto en El Jueves‘ en los Teatros del Canal de Madrid, como parte de la programación del Festival Arte Sacro. Aunque el día y la hora no son aptos para «workaholics» (miércoles, ocho casi en punto de la tarde), la expectación es máxima para el estreno del nuevo espectáculo de Rocío Márquez. La magnificencia de este hermoso espacio de excelente acústica contribuye a la creación de un «hype» que no se disipa cuando las cortinas se abren y la artista onubense aparece sobre las tablas. Cinco focos y un par de sillas y taburetes conforman la sencilla pero vistosa escenografía, un tanto lorquiana, que dejará todo el protagonismo en los textos y en la voz de Márquez. Foto: último ensayo una hora antes de abrir puertas.

Rocío aparece por el lateral izquierdo con un tema de ‘Visto en El Jueves’ en el que se alterna el «spoken word» con lo cantado. Se trata de ‘Llegar a la meta’ y la elección no es baladí: la artista quiere depositar todo el protagonismo en la palabra para reflexionar sobre nuestro apego a los objetos y al mercado, como explicará luego. «Ahora todas las palabras son de la publicidad» dice el texto del poeta Antonio Orihuela en uno de sus momentos más llamativos. Los objetos por los que sí siente afecto la cantante son los discos que compró en el mercadillo sevillano de los jueves. Allí descubrió las canciones que han terminado dentro de este álbum, gestado a partir de su descubrimiento de Canito cuando colaboró con él en una adaptación de ‘Luz de luna‘ para el espectáculo de Leonor Leal ‘Naranja amarga’.

Parte de la ruptura del disco -sin ser esto una obra de Niño de Elche- es la reducción musical a la guitarra de Canito y la percusión de Agustín Diassera y eso es precisamente lo que vemos en su directo, con momentos incluso en el que solamente toca uno de los dos. Uno de los más visuales se produce cuando interpreta sola junto al guitarrista, sentado delante de ella, ‘El último organito’, escenificando su violencia de «vecinas muertas» y «novias encerradas»; mientras que las percusiones de Diassera son el único instrumento que oímos durante ‘Empezaron los cuarenta’, en la que la cantante elogia, a través de un poema original de Moreno Galván, a los primeros cantautores del flamenco por su cuidado hacia las letras.

Márquez se ciñe, hasta el bis, únicamente a canciones de ‘Visto en El Jueves’, pero su generosidad explicando cómo descubrió cada composiciónn, a través de qué artista, cómo fue cambiando una letra de «no quiero a nadie» a «no sigo a nadie» para terminar por transformarla por completo, o cómo ha ido modificando los palos de cada hallazgo, pasando por malagueñas, serranas y peteneras hasta acabar cantando el cuplé por bulerías de ‘Se nos rompió el amor’, logran que el ritmo no decaiga. Hay momentos más prestos para el jaleo, como ‘Trago amargo’; otros más preciosistas, como ‘Andalucía’, pero en todos brilla la impresionante voz de Rocío Márquez, que se lleva más de un par de espontáneas ovaciones del respetable. Solo puede pedírsele algo más de movimiento sobre el escenario, como había medio prometido el inicio del espectáculo, lo que colateralmente podría acercar el show a su vez a un público más joven; pero cuando se decide a cantar como bis sin ningún tipo de enchufe ‘A mis niños’ –unos fandangos de Julián Estrada («Yo quiero enseñar a mis niños a querer y a perdonar / y a que luchen por un mundo, de tolerancia y de paz»)–, en los que la única percusión son las manos de Agustín golpeándose la tripa, la entrega y la pertinencia de su proyecto son absolutas. 8.

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Sencilla pero preciosa puesta en escena para la presentación de #vistoeneljueves de @rociomarquezoficial en los @teatroscanal #festivalartesacro Imágenes del último ensayo una hora antes de abrir

Una publicación compartida de Jenesaispop (@jenesaispop) el 10 Abr, 2019 a las 12:48 PDT

Sí, los «Corrs» de Montenegro podrían ser los últimos en Eurovisión 2019

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11 abril, 2019

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Entre quienes acuden con pocas opciones a Eurovisión 2019 está el grupo D mol, que representará a Montenegro con un medio tiempo buenrollista llamado ‘Heaven’ que va último en las apuestas.

Y es por algo, el grupo trata de dar una imagen celestial, casi sectaria en ese uso pulcro del color blanco en las escenas finales del videoclip. Musicalmente parecen los enésimos Corrs que se pasan por el festival y la canción hasta se puede pegar. Sin embargo, a la ñoñería totalmente fuera de tiempo del tema, hay que sumar un buen kilo de confusión cuando una de sus protagonistas opta por abrazarse demasiado a un caballo, mientras uno de sus compañeros dice nosequé sobre un día que estaba «desnudo» en algún lugar.

Ni lo suficientemente bonita para ser entrañable, ni lo suficientemente kitsch para tener doble lectura, la canción de Montenegro tiene pinta de repetir los malos resultados de este país en el festival. En 8 ocasiones no se han clasificado para la semifinal, y solo 2 han llegado a la gran final, quedando en no muy buena posición (13ª y 19ª). Sin duda, de cara a las apuestas, no ayuda que estemos ante un país impopular en Eurovisión.

Calificación: 3/10
En los foros de Eurovisión se dice…: «Su puesta en escena es interesante y diferente aunque no sé, también es un poco cuadro», marcecar.
En las casas de apuestas: va última

Las 10 razones que explican los datos récord de SanSan Festival y el buen estado del pop español

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11 abril, 2019

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La semana que viene, sí, en Semana Santa, se celebra una nueva edición de SanSan en Benicàssim. La nueva dirección del festival parece haber sido un éxito y desde la organización advierten que las cifras de asistencia serán récord, pues 35.000 personas asistirán en Benicàssim a esta 6ª edición. Se acerca el sold out: los abonos VIP y Gold ya están agotados, y el 80% de abonos ya estaba vendido a principios de esta semana, cuando a su vez se ponían a disposición del público las últimas 1000 entradas de día. Las de viernes ya han volado. En este artículo analizamos qué ha podido llevar al éxito de esta edición. Os recordamos que, como informamos recientemente, el sábado actuará alguien sorpresa y es una chica.

Love of Lesbian, cabeza del viernes

Las primeras entradas en agotarse han sido las del viernes. ¿Quién actúa este día y aparece en el cartel en primer lugar con letras bien grandes? Love of Lesbian. Puede que la banda de Santi Balmes no esté siendo noticia por nuevos singles de éxito o por la continuación de ‘El poeta Halley‘, que salió en el lejano 2016. Sin embargo, el grupo se las arregla para seguir siendo noticia habitualmente. Recientemente han anunciado la celebración de los 10 años de ‘1999’ y además han participado junto a Iván Ferreiro en su homenaje a Mecano, versionando ‘La fuerza del destino’. Os dejamos con un tema para una banda sonora también reciente, ‘El astronauta que vio a Elvis’.

C. Tangana, «on fire»

C. Tangana acude con multitud de nuevos singles bajo el brazo. Ya la presentación de ‘Ídolo’ y ‘Avida Dollars’ era generosa en pelotazos comerciales como ‘Mala mujer’ o ‘Llorando en la limo’, pero es que desde entonces no han dejado de sucederse temas de éxito como ‘Bien duro‘, ‘Booty’, ‘París’, ‘Pa llamar tu atención’ o ahora un tema con ANTIFAN. Todas no caben ya en su repertorio, pero seguro que sí serán hit todas las que suenen.

Izal, todavía en el top 10 en España con ‘Autoterapia’

Si Love of Lesbian han puesto un granazo de arena para que las localidades del viernes se agoten, apostamos a que las próximas en caer serán las del sábado: es el día que tocan Izal. El alcance comercial de ambas bandas no toca techo y para muestra un dato: 56 semanas después de su edición, ‘Autoterapia‘ es nada menos que top 7 de streaming álbumes en España. Traducimos: la gente lo continúa escuchando como si hubiera salido hace un mes en lugar de hace un año. ¿Alguien creía que era un error que un festival como SanSan se centrase en los grupos nacionales?

Miss Caffeina, tras su primer top 1 en España

También el sábado encontramos en el cartel a Miss Caffeina, que justo acaban de lograr su primer número 1 de ventas en España con su notable nuevo álbum, ‘Oh Long Johnson‘, del que se han extraído temas con tan buena acogida como ‘Merlí‘ o ‘Prende’. Sumados a viejos hits como ‘Mira cómo vuelo’ o ‘Detroit’, seguro que producen algunos de los momentos más divertidos y bailables de SanSan.

La Casa Azul, en plena forma

Tenías dudas sobre la llegada ‘La gran esfera‘ y nosotros también. Tuviste dudas sobre la calidad de este disco de La Casa Azul y nosotros también. Sin embargo, la edición del álbum ha dejado buenas noticias para todos y Guille Milkyway no ha decepcionado ni mucho menos: de hecho está entusiasmando con nuevos temas (himnos) como ‘El final del amor eterno‘ o ‘El colapso gravitacional‘. Su nuevo álbum ha sido top 4 de ventas en España (su mejor marca histórica), en la segunda semana continúa bien posicionado en el top 10 y es por algo.

Carolina Durante, algo más que «the next big thing»

Decía mi compañero Raúl Guillén que no recordaba tanto hype por el debut largo de un grupo novel español desde los tiempos de Los Planetas. Sin duda, la banda que publicaba ‘Cayetano’ en Sonido Muchacho y ahora distribuirá su debut en Universal acude a SanSan con la alfombra roja bien puesta. Hace poco se les vio llenar 2 veces seguidas el OchoyMedio, con capacidad para entre 1000 y 1200 personas, y eso fue antes de la edición de singles como ‘Las canciones de Juanita’ o ‘Joder, no sé’.

Triángulo de Amor Bizarro, Cala Vento, Los Punsetes… el verdadero underground

Todo este desfile de streamings millonarios y entradas muy altas en la lista de ventas española no significa que el festival haya dado la espalda a grupos que siempre han pertenecido al underground y jamás han intentado colar un single en Los 40 Principales. En ese sector encontramos a bandas tan exitosas, queridas y con tantos fieles como Triángulo de Amor Bizarro, Cala Vento, Los Punsetes o también La Plata, The Parrots o Morgan, quienes acaban de arrasar en los Premios MIN. Esperemos que no falte este himno de Semana Santa que justo ahora cumple un año.

Las Chillers y Monterrosa, «Girl Power» y valores LGTB+

Las Chillers y su descacharrante repertorio de versiones populares, de Rebeca a Rocío Jurado pasando por Mecano y Laura Pausini, ya llevan un par de temporadas actuando en plazas y escenarios de hasta 10.000 personas. Ahora empiezan a no poder ir a ningún lado sin el proyecto paralelo de su cantante, Rocío Sáiz. Monterrosa han publicado un estupendo mini LP llamado ‘Latencia‘ que contiene singles tan efectivos como ‘Fauna‘ o ‘Me manipulaste’.

Rozalén, La Pegatina y Fuel Fandango: bye, bye, prejuicios

Las cifras que va a dejar SanSan ponen sobre la mesa quién va ganando: si los puretas del indie o los que están luchando contra las barreras y los prejuicios en el mundo de la música. Esta semana entrevistábamos a Fuel Fandango. Nos decía Nita: «Como público me llama más la atención un festival con rock, electrónica, flamenco y reggae que uno con una cosa sola». Y para quien quiera ver algo «diferente» aquí lo tendrá: de la fiesta popular de La Pegatina, reforzado por Operación Triunfo 2018; al cancionero buenrollista de Rozalén, reforzada por Operación Triunfo 2017 y nada menos que cabeza de cartel de este festival el jueves.

La playa, su escenario y Benicàssim

Desde luego no se puede pasar por alto que el pueblo de Benicàssim tiene décadas de experiencia en acoger festivales gracias al FIB y al Rototom y que cientos de miles de españoles conocen sus infraestructuras, cómo llegar, dónde comer bien en el pueblo y dónde encontrar la mejor playa. SanSan explotará las cualidades de este pueblo tan querido por muchos de nosotros celebrando una fiesta en la playa por la mañana con dj sets y acústicos, donde no faltarán algunos miembros de Love of Lesbian, Ramón Mirabet o Guille Milkyway. Horarios, aquí.

Amaia y Carolina Durante actuarán seguidos en Warm Up; Miss Caffeina y Putochinomaricón, de madrugada

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11 abril, 2019

Se acerca la celebración del Warm Up de 2019, ya solo quedan los últimos 2000 abonos a la venta (el lunes además hay cambio de precio) y hoy se anuncian los horarios de este festival del que JENESAISPOP es medio colaborador. Todos los ojos están puestos en la presentación del disco de Amaia Romero, pues el festival murciano será la primera puesta en escena de sus nuevos temas y la cantante no se hará de rogar: actúa el viernes 3 de mayo a las 20.50, en el mejor horario posible, ese en el que empiezas tu show de día y lo acabas anocheciendo. Inmediatamente antes, también de día, podrás ver a Javiera Mena (18.20) y Zahara (19.45), mientras que de manera chanante, Carolina Durante actuarán justo cuando Amaia termine a las 21.55 en el escenario de al lado. Se desconoce si habrá colaboración en ‘Perdona (Ahora sí que sí)’, pero por si alguien se lo pregunta, Marcelo Criminal, su autor, actúa en el escenario pequeño a las 18.15.

Entre los artistas que podrás ver por la tarde el sábado están La M.O.D.A. (19.25), Teenage Fanclub (20.30) y Novedades Caminha (21.35).

Entre quienes lo harán de madrugada, el viernes será el caso de Two Door Cinema Club (1.20) y Roosevelt (2.35); mientras el sábado lo harán La Casa Azul (23.55), Vetusta Morla (1.00), Miss Caffeina (2.35) y Putochinomaricón, que ha sido programado nada menos que a las 4.35. Os recordamos que durante toda la semana se podrán ver conciertos gratuitos en Murcia de gente como Cupido, Lagartija Nick, Hidrogenesse, Kokoshca o Alexanderplatz. Más información, aquí.

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‘Dua Lipa’, canción dedicada a la británica, es justo como querríamos que fuera su próximo single

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11 abril, 2019

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Es bien sabido que Dua Lipa está trabajando a tope en su segundo álbum tras un debut que superó todas las expectativas (sobre todo comerciales) puestas en él gracias a singles como ‘New Rules’ y ‘IDGAF’. La artista británica se la juega en ese álbum, y por eso se está rodeando de artistas como Nile Rodgers, con el que la veíamos recientemente en el estudio. “Aún no he decidido el tracklist, pero todas serán canciones con las que podrás cantar» decía esta semana de manera parca a la revista Elle, estableciendo su objetivo de lanzamiento a finales de este año o principios de 2020. «Haces canciones para que cante la gente, pero también para contar una historia confiando en que alguien se sienta igual», ampliaba no diciendo gran cosa, en realidad.

Sin embargo Dua Lipa también es noticia porque alguien le ha dedicado una canción y, lo que es aún mejor, es bastante buena. ‘Dua Lipa’ (je) abre el EP debut de una joven artista sueca que se hace llamar AMWIN (nombre real, Amanda Winberg) y es exactamente como desearíamos que fuera ese hipotético single de adelanto de su nuevo trabajo: un absoluto banger, con la querencia de house 90s de ‘One Kiss’ o ‘Electricity’ pero con un barniz de contemporaneidad que remite a las producciones de Danny L Harle, con un pre-coro y un estribillo realmente irresistibles.

Es un poco tramposa porque, aunque se titula así y su divertida letra referencia a Dua Lipa como modelo, en realidad AMWIN habla de lo loca que le vuelve una persona. Lo que sí evoca directamente a la intérprete de ‘Blow Your Mind (Mwah)’ es su vídeo oficial, en el que con cierta mala baba mantiene esa actitud aparentemente fría y lánguida por la que la británica se ha hecho también conocida. A pesar de todo, Winberg no deja lugar a duda con sus declaraciones sobre ella: “Dua Lipa es la hostia. Está superbuena, es realmente guay y la mayoría de la gente, creo yo, harían lo que fuera por ella», que es lo que canta al principio de la canción.

Winberg, que ahora tiene 22 años, participó en un talent-show de su país cuando tenía 18, en 2015, donde demostró que además de cantar como Lady Gaga podía rapear como Iggy Azalea. Y es que esa es una de sus grandes bazas: tras unos inicios de pop más estándar en 2016 con temas como ‘Goodbye‘ o ‘Shutdown‘, ha pasado a emplear su flow de una manera más audaz y maliciosa en singles como ‘Uber’ («fóllame y vístete, tu Uber está fuera»), ‘DeLorean’ («cogería esa puta de vuelta al 99 / y me follaría a DiCaprio cuando mejor estaba») o ‘Living Mistake’ («no me calmo, no puedo sentarme / soy el conejo de Duracell / giro como La Máscara, Jim Carrey») sean una auténtica bomba, todos contenidos en ‘AMWIN In Wonderland’. ¿Estamos ante la próxima Tove Lo?

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

‘Guava Island’, la película de Childish Gambino y Rihanna, se estrena este sábado en streaming

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11 abril, 2019

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Llevamos meses oyendo hablar del proyecto ‘Guava Island’: el pasado verano, Rihanna y Donald Glover –también conocido en su faceta musical como Childish Gambino– eran avistados en Cuba filmando algo. En aquel momento no se sabía muy bien si se trataría de un videoclip o qué, pero ya a finales de 2018 Glover proyectaba un tráiler de la película que filmaron entonces, coincidiendo con su actuación en un festival musical en Nueva Zelanda.

Y, por fin, parece que este fin de semana será el momento de poder ver este thriller protagonizado por ambas estrellas del pop. Además de poder ver la película en el canal de Youtube de Coachella este sábado, 13 de abril (justo en la jornada en la que Childish Gambino ejerce de cabeza de cartel de este macroevento), Glover ha explicado en su cuenta de Twitter que, inmediatamente después de su actuación, también estará disponible de manera gratuita en Prime Video, la plataforma de VOD de Amazon. En ‘Guava Island’, recordamos, Rihanna es la pareja de un cantante-buscavidas, Glover, que, en medio de una especie de fiesta local similar al carnaval, se mete en problemas con un capo mafioso (Nonso Anozie, de ‘Juego de tronos’) de la isla caribeña en la que se desarrolla la acción. Está dirigida por el japonés Hiro Murai, colaborador habitual de Glover tanto en vídeos de Childish Gambino como en la premiada serie ‘Atlanta’.

Casualmente (o no), semanas atrás una aparente filtración indicaba que Rihanna esta misma semana (el viernes 12 de abril en Portland, concretamente) la de Barbados comenzaría una serie de apariciones en vivo, si bien esos datos han desaparecido tan misteriosamente como llegaron. Por su parte, Childish Gambino reaparecía el pasado año tras el alabado ‘»Awaken, My Love!»‘ con una ‘This Is America‘ que supuso uno de los puntos culminantes en el pop de 2018 y le llevó a ser uno de los grandes triunfadores en los últimos premios Grammy. Más tarde lanzaba un single veraniego con canciones tan certeras como ‘Feels Like Summer‘, para después no volver a piar discográficamente.

im going to be showing “Guava Island!” on saturday for free after my performance.

You can watch it here @ https://t.co/kJT2Rf8LF1

— donald (@donaldglover) April 11, 2019

“Yo quiero lo que ha tomado ella”: WOOZE divierten recordando a los primeros Franz Ferdinand con un punto arty

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11 abril, 2019

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WOOZE es una de esas bandas que buscan no pasar desapercibidas. En realidad un dúo compuesto por el británico Jamie She y el surcoreano Theo Spark, WOOZE es todo color y extravagancia en sus imágenes promocionales y también en sus videoclips, a veces tan surrealistas como el de ‘Party without Ya’ y otras inspirados en los videojuegos de los 90 (‘Ladies Who Lunch with Me’) o en los karaokes de Seúl con los que Theo y Jamie reconocen estar obsesionados (‘Hello Can You Go’). La banda actúa el sábado 13 de abril en la sala Razzmatazz de Barcelona (entradas, aquí).

Surgida a principios de 2017 del colectivo de Brixton Muddy Yard Collective, la música de WOOZE se ha empapado de cultura coreana desde sus inicios, cuando sus integrantes empezaron a componer canciones inspiradas en la música tradicional coreana así como en el synth-pop japonés de los 80, al tiempo que abrían su sonido a las diversas influencias anglosajonas que finalmente parecen primar en sus divertidas canciones, que recuerdan tanto a los primeros Franz Ferdinand como a The Hives, con un punto colorido y explosivo que alude a bandas del tipo Everything Everything o Django Django.

Probablemente la mejor canción de Wooze hasta la fecha es ‘I’ll Have What She’s Having’, que ya promete por su título, pero además es un hit perdido de Franz Ferdinand en el mejor de los sentidos, algo que también puede decirse de ‘Party without Ya’ o de la más rockera -Led Zeppelin es otra influencia reconocida de la banda- ‘Hello Can You Go’. En todos los casos, asoman por las canciones de WOOZE también un espíritu abiertamente psicodélico y con cierto poso arty a la Bowie o Devo, por lo que no extraña descubrir que el nombre del grupo sea, explica, un anglicismo de la palabra coreana para “espacio exterior” (우주). Aunque no hace falta irse muy lejos para comprender que WOOZE es, en definitiva, una fiesta.

La Canción del Día: ‘Future’ es el mejor homenaje que whenyoung podían hacer a un amigo que se suicidó

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11 abril, 2019

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A principios de este año, en nuestro especial Revelaciones 2019, destacábamos al trío irlandés whenyoung como uno de los posibles nombres a perseguir en este año. El grupo, compuesto por la cantante y bajista Aoife Power, el guitarrista Niall Burns y el batería Andrew Flood, procede de Limerick. Lo cual no implica que haya que compararles forzosamente con sus compatriotas The Cranberries (a punto de publicar su último disco tras la muerte de Dolores O’Riordan). Pero es que, quizá porque singles como ‘Sleeper’ poseen un poso folk, porque ‘Given Up’ o ‘Pretty Pure‘ poseen la electricidad vibrante de ‘Dreams’ (que no en vano han versionado), o porque la voz de Power tiene un timbre asombrosamente cercano en ocasiones al de Dolores (diría que hasta se parecen físicamente), la semblanza es inevitable.

En cualquier caso, el sonido de whenyoung, generalmente muy enérgico, con melodías grandes y un toque 80s que les aproxima a coetáneos como The 1975 o Pale Waves, es lo bastante distintivo como para que puedan brillar sin necesidad de evocar a The Cranberries. La prueba es el primer single oficial (que no adelanto, porque semanas atrás mostraron la igualmente atractiva ‘Never Let Go‘) de su álbum debut, ‘Reasons to Dream’, que se publica el próximo 24 de mayo.

Se trata de ‘Future’, una canción que, explica el grupo, rinde tributo a Billy, un amigo común muy cercano que decidió quitarse la vida. A él dedican la canción al final de su vídeo oficial, un emotivo clip en blanco y negro en el que Aoife parece se dirige a un niño acosado con evidente pavor a los chicos de su barrio que le acosan y agreden. Un miedo que desemboca en tristeza e ira. «Es una persecución / te rastrea / y cuesta tanto tener un respiro / se mueve rápido / te resquebraja / hasta que te pliegas sobre ti mismo», canta Power en el potente pre-coro. Sin embargo ‘Future’, como su propio nombre indica, es una canción que pese a la nostalgia y el dolor («Una última cosa: / ¿qué cantabas cuando bailábamos, / cuando soñábamos?) arroja luz (sobre todo en su melodía y energía) y esperanza en frases como esos «mira al futuro / se está invirtiendo» del estribillo o los «arrojaron estrellas hacia arriba / (ahora) brillan sin descanso» del puente.

Tracklist de ‘Reasons to Dream’:
Pretty Pure
Never Let Go
The Others
A Labour of Love
You’re Grand
Blow up the World
Blank Walls
Future
In My Dreams
Heartbroken
Something Sweet

Rosalía, Lykke Li, Bring Me The Horizon, Metronomy… en la jornada inaugural de Mad Cool 2019

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11 abril, 2019

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No contentos con ampliar su cartel con nombres de la talla de Lauryn Hill (en la que será la primera actuación de su carrera en Madrid), MARINA, Gossip, Cat Power, Let’s Eat Grandma o Empire of the Sun entre otros muchos, Mad Cool anuncia hoy que amplía su oferta musical (que ya incluía a The Cure, The National, The Smashing Pumpkins, o Bon Iver, entre otros muchos) a un día más: el miércoles 10 de julio, se celebrará una Welcome Party que, más que una fiesta, será una jornada más de conciertos.

Una jornada de conciertos que además, trae nombres importantes: Rosalía y Bring Me The Horizon son los cabezas de cartel de esta jornada, a los que se suman hasta 16 nombres que incluyen a Lykke Li, Metronomy, The Cat Empire, Don Broco, The Amazons, Viagra Boys, Whispering Sons, Griz, The Parrots, Anier, Fusa Nocta, Blake y FAVX. A diferencia de en otras ediciones, cuando se celebró en una sala de la ciudad de Madrid, este año se desarrollará en 4 escenarios del propio Espacio Mad Cool de Valdevebas-IFEMA de Madrid, donde tendrá lugar el grueso del festival entre los días 11 y 13 de julio.

Eso sí, esta Welcome Party será un evento un aforo reducido a 50.000 personas, cuyo acceso se puede obtener aparte del abono del festival, si bien contar con este ofrece un descuento, siendo gratuita para abonos VIP y usuarios de la promoción Mad Cool Lovers. Esta jornada está patrocinada por Banco Santander, de modo que los poseedores de sus productos ofrecen mayores descuentos y prioridad para la adquisición de entradas. El mecanismo será el siguiente:

Hoy, 11 de abril, a las 14.00 h: promoción especial para nuevos clientes y clientes de la cuenta Smart del Banco Santander. Solo disponible a través de madcoolfestival.es:
– 1.000 tickets para nuevos clientes que se abran una cuenta Smart y adquieran la tarjeta. PVP: 15 €*. Abonarán 5 € y obtendrán un código de reserva que podrán hacer efectivo cuando hayan recibido su nueva tarjeta, abonando los 10 € restantes. Una entrada por tarjeta.
– 1.000 tickets para clientes de la cuenta Smart del Banco Santander que ya dispongan de su tarjeta. PVP: 15 €*. Una entrada por tarjeta.

Lunes, 15 de abril, a las 12.00 h. Fin de la promoción especial con PVP de 15 €* para nuevos clientes y clientes de la cuenta Smart del Banco Santander. Inicio de una preventa exclusiva para nuevos clientes y clientes de la cuenta Smart del Banco Santander con PVP de 30 €*. Esta preventa exclusiva podrá adelantarse en fecha en caso de agotar los 2.000 tickets iniciales en promoción especial y finalizará el viernes, 19 de abril, a las 11.59 h.

Viernes, 19 de abril, a las 12.00 h. Venta al público en general.
– Socios Mad Cool: 30 €*. Solo a través de www.madcoolfestival.es.
– Todos aquellos que ya dispongan de un abono de tres días: 30 €*. Disponible en Madcoolfestival.es, Ticketmaster y Festicket.
– Resto del público: 35 €*. Disponible en Madcoolfestival.es, Ticketmaster y Festicket.

GRATUITA.
– Todos los que ya dispongan de su entrada y/o abono VIP Mad Cool Festival 2019 podrán acceder con su pulsera durante la jornada del miércoles.
– Los compradores de la promoción especial Mad Cool Lovers recibirán su entrada vía e-mail para la Welcome Party.
*(PVP: € + gastos de gestión)

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Rosalía, Metronomy y Lykke Li, entre otros, en la welcome party de @madcoolfestival el día 10 de julio. Será también en Valdebebas

Una publicación compartida de Jenesaispop (@jenesaispop) el 11 Abr, 2019 a las 2:52 PDT

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