Jonas Brothers han entrado directos al número 1 de Estados Unidos con ‘Sucker’, su single de regreso, pues cabe recordar que el trío formado por los hermanos Nick, Joe y Kevin se disolvió en 2013. El dato será estupendo también en Reino Unido, donde las “midweeks” sitúan ‘Sucker’ en el número 7, por lo que parece que estamos ante el “comeback” del año de momento… pese a su supuesta copia a ‘Feel it Still’.
Sin embargo, en España el primer dato para ‘Sucker’ es un poco peor, pues el tema entra solo en el número 25 de la lista de singles española. Su vídeo ha durado poco entre los más vistos de Youtube España y la canción ocupa actualmente un discreto puesto 38 entre los singles más escuchados en España en Spotify. De todas formas, no tiene pinta que esta vaya a ser la cumbre de ‘Sucker’ en nuestro país.
En cualquier caso, la entrada más fuerte en la lista de singles no la firman los Jonas sino Maluma con ‘HP’, su canción por el empoderamiento femenino (en serio), que entra en el número 15. El resto de entradas son ‘I Can’t Get Enough’ de Benny Blanco, Tainy, Selena Gomez y J Balvin (41), ‘Si se da’ de Myke Towers y Farruko (55) y ‘Déjate querer’ de Lalo Ebratt, Sebastian Yatra, Yera y Trapical Minds (85).
Miss Caffeina son el nuevo número 1 de la lista de ventas española. Así, ‘Oh Long Johnson‘ da a los madrileños el primer número 1 en álbumes de su carrera, confirmando que se encuentran en su mejor momento profesional. En comparación, ‘Detroit‘ debutó en el número 3, mientras ‘De polvo y flores’ solo alcanzó el número 10.
‘Oh Long Johnson’ es también la entrada más fuerte en la tabla de streaming, si bien se sitúa en el número 7. También en streaming, Cecilio G entra en el número 15 con ‘Limabeatz Million Dollar Baby’, Solange en el 37 con ‘When I Get Home‘ (la cantante es top 7 en Estados Unidos y top 18 en Reino Unido con este álbum de R&B experimental), Lil Skies en el número 81 con ‘Shelby’, In Flames en el 83 con ‘I, the Mask’ y Jonas Blue en el 97 con ‘Blue’.
El resto de entradas en el top 10 de la lista de ventas las firman Marisol Bizcocho con ‘Lo nuestro’ (3) y Zenet con ‘La guapería’ (8). Y más allá de los primeros diez puestos, Bryan Adams entra en el número 16 con ‘Shine a Light’, Sole Giménez en el 18 con ‘Mujeres de música’ y Novedades Carminha en el 19 con ‘Ultraligero‘, una semana después de debutar en la tabla de streaming. Completan las entradas en la lista de ventas ‘Visto en el jueves’ de Rocío Márquez (21), ‘What a Time to Be Alive’ de Tom Walker (23), ‘I, the Mask’ de In Flames (32) y ‘Do Outro Lado do Azul’ de Andrea Motis (43).
Los días 18, 19 y 20 de abril se celebra en Benicàssim una nueva edición de SanSan Festival, con nombres tan atractivos en la primera línea de cartel como C. Tangana, La Casa Azul (para entonces su disco ya estará en la calle), Miss Caffeina (que justo hoy alcanzan su primer número 1 de ventas en España), Carolina Durante, Triángulo de Amor Bizarro, Love Of Lesbian, IZAL, Fuel Fandango, Rozalén, La Plata y un largo etcétera que puedes consultar en su web. Además, habrá una actuación sorpresa en uno de los escenarios. Sobre esta y otras cuestiones, hemos querido hablar con Roberto Recuero, director de operaciones del festival. ¿Obedece el hecho de que no pueda anunciarse ese nombre a las conocidas exclusivas entre festivales? Recuero habla más bien del encanto de ser uno de los primeros festis del año: «La programación de la artista sorpresa no tiene nada que ver con agendas o exclusivas. Siempre que hablamos de SanSan nos ha despertado esa emoción que te indica que ya arranca la temporada. Tiene un poco de vuelta al cole, de fiestas prenavideñas, de ese primer día y de esa primera vez, y esa emoción hemos querido trasladarla y compartirla con nuestro público en forma de actuación sorpresa. Es un homenaje a ese público al que se le eriza el vello cuando suenan esos acordes, ese público que vive como nadie esta bendita pasión por la música en directo. Un homenaje a la pasión y emociones que provoca la música. Un homenaje en forma de sorpresa, para despedir esta nueva edición de SanSan por todo lo alto y con una sonrisa».
Roberto ha dejado caer que la actuación sorpresa correrá a cargo de una artista femenina, aunque no se ha decidido en qué grado se van a dar más pistas. «No o sí. Ahora no sabemos qué hacer. Tenemos las mismas ganas de mantener la sorpresa hasta el último día como de decirlo ya a todo el mundo. Lo que sí tenemos claro es que sólo descubriremos de quién se trata el mismo sábado 20 de abril y en directo».
SanSan Festival se está posicionando muy claramente con la contratación de artistas nacionales. Preguntado sobre si para ellos es un distintivo editorial, Recuero indica: «Así es, si bien siempre incluiremos propuestas internacionales y toques de color, SanSan Festival tiene un marcado carácter nacional. De hecho, SanSan Festival es el referente nacional de los 3 grandes festivales que operan en el Recinto de Festivales de Benicàssim y entre los 3 nos respetamos la línea editorial». Eso sí, esa apuesta por lo nacional parece que ya no incluirá a Los Del Río, como sucedió hace unos años en el festival, pues ha habido cambios en la dirección de SanSan. ¿Acaso lo consideran un error? «El pasado diciembre de 2017 y ante la falta de recursos de la dirección, el festival pasó a manos de una nueva empresa. Este cambio en la dirección y la línea editorial ha dado lugar a este nuevo SanSan que se ha presentado este año. Pero si bien los cambios se aprecian por todos los lados, es cierto que
la diversidad en la programación es también una seña de identidad de la nueva dirección y este año podremos disfrutar de artistas tan antagónicos como Rozalén, C. Tangana, Zea Mays o La Pegatina».
Entre las últimas novedades comunicadas por el festival, está la realización de conciertos en la Playa del Pinar de Benicàssim en horario de día, entre las 12.00 y las 17.00. Se podrá entrar por supuesto con abono y también sin abono por 5 euros, con acústicos y dj sets por parte de algunos artistas del cartel, como La Casa Azul o Love of Lesbian. Dos artistas que seguro que ofrecen un espectáculo familiar. «El Beach Club es nuestra playa, nuestra terraza y nuestro espacio para empezar la jornada junto al mar y rodeados de amigos. Es un espacio desenfadado y como tal su programación está plagada de amigos que quieren compartir ese vermut con nosotros. Así cada jornada contaremos con un show acústico, un Dj set de un headliner que participa en el festival y las mejores sesiones de los djs locales. Además, como programación también ofrecemos actividades acuáticas como una ruta guiada en moto de agua».
Resulta curioso cómo el tiempo, las circunstancias y, por qué no, el azar hace que caigan grupos que parecían destinados a hacer historia en la música y otros, que parecían secundarios, nos sorprendan no sólo perviviendo sino haciéndose cada vez más importantes. Por ejemplo, en 2008, cuando se publicaba su debut ‘Antidotes’, Foals tenían que lidiar con sempiternas comparaciones con Bloc Party, que entonces estaban en lo más alto tras publicar sus dos primeros discos. Hoy, estos últimos hace tiempo que están disgregados, con proyectos paralelos totalmente intrascedentes, e incluso hay quien hace de menos los logros de su alabado debut ‘Silent Alarm’. En cambio el grupo comandado por Yannis Philippakis no sólo sobrevive sino que se ha convertido en el mayor (y único) exponente de rock de estadio de aquella generación, dejando atrás un reguero de nombres que se antojaban estelares como el grupo de Kele Okereke, Klaxons o The Futureheads (por no mencionar a segundones como The Maccabees, Late of the Pier o The Pigeon Detectives).
El caso es que, a lo largo de esta década larga, han ido dando un viraje no demasiado evidente hacia un sonido expansivo y contagioso, en álbumes como ‘Total Life Forever’, ‘Holy Fire’ y ‘What Went Down’ que, sin ser obras maestras indiscutibles, aglutinaban algunos momentos destacables que encontraban su mejor exposición en directos espectaculares. Esa comunión que logran con el público es su mayor baza y, aunque de nuevo no lo persigan de una manera demasiado descarada, esta primera parte de ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ (un segundo disco conectado, pero no necesariamente complementario, llegará en otoño) parece entregada a ese menester, por más que disimulen.
Tras superar el abandono en busca de una vida tranquila del bajista Walter Gervers, miembro fundador (y el más equilibrado, dicen) del quinteto (será sustituido en directo por Jeremy Pritchard de Everything Everything), Philippakis y compañía aparentan buscar nuevos espacios sonoros. Por ejemplo ‘Exits’, primer avance de este trabajo, aunque resulta perfectamente reconocible en el empleo de esos arpegios de guitarra tan característicos (el elemento distintivo de aquello que llamábamos math-rock aún persiste), cambia el paso al no hacer explotar el tema de forma evidente, entregándose a una especie de hipnótica catarsis de repetición. Otros temas, como ‘Syrups’, resultan aún más sinuosos, construidos trabajadamente. Mientras que ‘Café D’Athens’ se enreda con intensos e interesantes arreglos de percusiones (marimbas y metalófonos), o las respectivas intro y outro, ‘Moonlight’ y ‘I’m Done With The World (& It’s Done With Me)’, que enmarcan el trabajo con contrapuntos ambientales.
Pero no nos engañan con estos elementos de distracción que, a la postre, no dejan demasiado poso: la chicha está en las canciones que, nada más escucharlas, uno ya se imagina siendo interpretadas en directo. Como si tuvieran perfectamente articulados sus mecanismos para llevar las canciones a ese plano –de hecho, es la primera vez que prescinden de un productor y se encargan ellos mismos–, no cabe duda que la adhesiva ‘On The Luna’ –que comienza directamente con su gancho–, la impetuosa ‘White Onions’ (en la que casi parecen Foals imitando a Foals) y, sobre todo, una ‘In Degrees’ que juguetea con el pop electrónico y lo bailable (evocando indisimuladamente a los Cut Copy más reconocibles) están destinados a generar el delirio en sus conciertos.
En esa mecanización de la faena, llega un punto en que se les va la mano: ahí está ‘Sunday’, que juega al cucutrás con esa cadencia lenta de su inicio –que recuerda a los Coldplay de ‘Parachutes’– para dar un giro housero en su ecuador, ofreciendo virtuales confettis y balones hinchables antes de encarar una recta final llena de “lololos” de manual –que recuerda a los Coldplay de ‘X&Y’–. Hacen muy bien Foals en aprovechar sus virtudes y explotarlas en sus extensas giras, pero si eso implica que salgan discos así de irregulares, con varios temas que ni sorprenden –hasta el planteamiento lírico «distopía metafórica de los males del mundo actual (léase «tecnología vs humanidad vs ecología»)» parece ya muy sobado– ni dejan huella en el oyente, quizá el peaje termine por ser demasiado alto. Esperemos ver si esa segunda parte de este ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ nos obliga a desdecirnos.
Foals presentarán ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ en nuestro país el próximo mes de julio, en sendos festivales: el Cruïlla de Barcelona y Low Festival de Benidorm (Alicante).
Calificación: 6,8/10 Te gustará si te gustan: TV On The Radio, Cut Copy, Coldplay Lo mejor: ‘In Degrees’, ‘On The Luna’, ‘Exits’, ‘White Onions’ Escúchalo:Spotify
Jonas Brothers están arrasando con su single de regreso, un ‘Sucker’ que, como se preveía, ha debutado directamente en el número 1 del Billboard Hot 100, repitiendo la hazaña de Ariana Grande con ‘7 rings’. Este es el primer número 1 en Estados Unidos para Jonas Brothers: ninguno de sus viejos éxitos, como ‘S.O.S.’, lo había logrado.
‘Sucker’ está siendo muy comentada también por su supuesto parecido con ‘Feel it Still’ de Portugal. The Man, uno de los más exitosos “crossovers” de 2017. De hecho, el propio grupo opina que la canción de Jonas Brothers es una copia de ‘Feel it Still’, aunque apunta que tampoco su canción era el colmo de la originalidad: “para ser justos, el estribillo de ‘Feel it Still’ suena muy parecido a ‘Please Mister Postman’ de las Marvelettes… que con todo el respeto del mundo usamos con el permiso del grupo, al que agradecimos por la oportunidad, como ha de ser”, ha escrito el grupo en Twitter. Efectivamente, los autores de ‘Please Mr. Postman’ están acreditados en ‘Feel it Still’.
Los autores de ‘Woodstock‘ incluso han compartido memes y mensajes de gente en Twitter que opina que ‘Sucker’ es una copia de su canción, reforzando su teoría. Sin embargo, han aclarado que no están “enfadados” con los hermanos, ya que son fans de algunas de sus canciones y en especial de los discos en solitario de Nick Jonas. No cuela, pero… ¿TAN parecidas son estas dos canciones?
To be fair, the chorus of Feel It Still sounds very similar to Please Mister Postman by the Marvellettes… Which we respectfully cleared and thanked them for every chance we got. As one does. @jonasbrothers
Seis años después de ‘Sólo muerdo por ti’ y una vez superado su miedo escénico, Mai Meneses ha vuelto a la actualidad con un nuevo disco de Nena Daconte llamado ‘Suerte’, encabezado por un single tan sólido como ‘Mi mala suerte’. La cantante se ha mudado de manera temporal a Dallas junto a su marido y sus dos hijos, pero pasa por Madrid para promocionar este álbum, antes de volver definitivamente a nuestro país el próximo mes de septiembre. Hablamos con ella sobre este disco que la muestra en plena forma como compositora, sobre sus controvertidas declaraciones sobre religión o sobre cuánto ha cambiado la industria en estos 6 años, y eso incluye tanto los festivales indies como OT. Foto: Sara Costa.
Me han dicho que esta entrevista tenía que ser hoy porque estás viviendo en Dallas, ¿y eso?
Estoy a caballo entre Madrid y Dallas. Para nosotros es una oportunidad de aprender inglés, de vivir la experiencia… pero no nos vamos a quedar allí. Yo más o menos me defiendo en inglés, pero he descubierto la barrera del idioma, hay mucho lenguaje no verbal que está en español y no me entiendo la gente. Para todas las cosas de papeleo, me bloqueo un poquillo. ¿Cuando dices «oportunidad» te refieres a que le ha salido algo a tu marido?
A los dos. Para mí está siendo una experiencia creativa, para pintar, hacer relatos cortos… cosas que no me daba tiempo a hacer normalmente. ¿Cómo es Dallas?
No vivimos en la ciudad. No es como Nueva York, tiene algunos rascacielos, hay algún barrio chulo como Design District, otro con tiendas artesanales… pero no me llama mucho.
¿Y musicalmente?
Hay una radio que es todo country y todas las canciones cuentan una historia larguísima. Parecen una peli, yo que soy mucho más escueta, de ideas sueltas… (risas) ¿Pero ponen country tradicional o de ahora?
Gente de ahora sobre todo, pero también antigua. ¿Algún descubrimiento?
No, que yo recuerde el nombre, no. No es mi estilo tampoco. La gente se va a Nashville a grabar, más bien…
Virginia Maestro, ¿no? Se lo ha tomado súper en serio.
El disco tiene 7 canciones. Has explicado que es tu número favorito, el disco se llama ‘Suerte’, el single ‘Mi mala suerte’… pero son solo 7 canciones. Roza el ser disco o no.
Es un EP casi (risas).
«Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses seguir sacando canciones de esta etapa»
Cupido han hecho un disco de 8 canciones, yo tengo un colega que dice que 7 es el mínimo para ser considerado disco, pero está ahí, ahí, entre 7 y 8.
Yo siempre he hecho discos muy cortitos, el primero dura como 40 minutos. Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses quería seguir sacando canciones que pertenezcan a una etapa. Ha cambiado todo mucho, casi todo el mundo escucha listas de reproducción. Cada vez menos gente se compra un disco entero.
¿Qué incluiría esa etapa que dices?
Todas estas canciones, las 7, y las que saque luego son de la misma etapa.
¿Entonces ya las tienes escritas?
No sé si las tengo. No, no las tengo (risas). Todavía no están hechas.
¿Cuándo has escrito estas 7 canciones?
Son del último año y medio desde que empecé a componer. A nivel personal estoy en una nueva etapa, ha despertado una nueva yo, más madura… Me conozco mejor, conozco mis miedos, mis debilidades, mis defectos. No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla.
¿Y por qué crees que ha sido esto?
He aprendido a amar mis errores, mis defectos, intento no ser tan radical conmigo misma. Tan machacona.
¿Pero por qué crees que ha sido?
No lo sé, la edad te vuelve más transigente contigo misma. Si no te quieres tú, ¿quién te va a querer? Vas aprendiendo.
‘Mi mala suerte’ es un poco un regreso a ‘Tenía tanto que darte’.
Me lo ha dicho mucha gente, yo creo que es por la base de instrumentos, por el punch rockero…
… o las voces infantiles.
Son mis sobrinitas, pero no estaba buscado. Salió así, la letra era un poco más dura y quería ponerle el contraste de los niños.
«No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla (…) De pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor»
En ‘Ya no somos niños’ tu voz sigue sonando aniñada, sigue sonando como siempre, es identificativa…
Cuando me enfrenté al micrófono, Paco Salazar, que es espectacular para grabar voces, no se puso a buscar micrófonos como suele hacer un productor. Paco te dice: «sé cómo cantas, este es tu micro». Quería que cantara de manera natural, como si hablara, sin impostar la voz. Como soy yo ahora. Eso ha conectado con mi forma de cantar de siempre. Yo he tenido la misma voz toda la vida y creo que me moriré con esta voz (risas).
Lo cual tiene su gracia porque el proyecto se llama «Nena» Daconte. Aunque me da que tú no te ves tan aniñada…
¿La voz? No… (risas).
Vamos, que no la usas como contraste…
He querido cantar como soy yo sin hacer demasiadas florituras. Fue facilísimo grabar. Se nota que fumo, pero poco más.
¿En qué canción dirías que podemos notar que fumas? Yo no noto nada como si lo noté con el paso de Los Romeos a Lula…
No sé (risas). A veces me pasa y digo: «tendría que fumar menos».
‘La llama’ me ha recordado a Adele, a la que has citado alguna vez.
Bueno, sí, no es mi gran referente, pero con los niños escuchamos a Adele.
Es una balada un poco más anglosajona. He leído cómo querías evitar una macroproducción y en esta canción está muy bien cómo entra el banjo.
El banjo es idea de Paco, siempre identifica mi voz con el banjo, y le gusta ponerlo cuando graba conmigo. A mí lo más bonito de esa canción me parece el acorde flamenco que sale en el estribillo cuando no te lo esperas. La canción se va a un sitio que parece que no tendría que ir ahí. Esa parte es de Paco.
En la canción ‘En otra dimensión’ dices que «Me encantaría ser temeraria», ¿qué quieres decir?
«Y vacía». No lo sé, es una forma de hablar de lo prudentes que nos volvemos cuando somos mayores. Yo era muy loca, no me pensaba las cosas ni media vez. Ahora estoy más reflexiva, hasta al componer. Pienso mucho las frases. Antes tal cual me venía se quedaba. Ahora cambio mucho más y pienso mucho más.
¿Esto por qué es así? Porque hay gente de tu edad que, por el contrario, está viviendo una segunda adolescencia.
Me he vuelto prudente, no me gusta mucho tirar del hecho de ser madre, pero yo siempre soñaba con hacer puenting, y de pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor. Me he vuelto miedosa. Es algo como interno, ni siquiera lo piensas.
Has hablado sobre el miedo escénico que has padecido en otras entrevistas, ¿cómo lo identificaste exactamente?
Yo pensaba que todo el mundo me estaba criticando, y hasta lo escuchaba durante el concierto. Como que todo lo haces mal. Es una lucha constante hasta que termina el concierto, intentando que no te afecte. Pero no es real.
¿Y esto cuándo fue?
En la época de más conciertos, yo estaba muy cansada. En la época de más éxito de Nena Daconte, desde 2007.
«Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario»
Pero entonces hace muchísimo.
Yo tenía que cumplir contratos. La rueda no se puede parar. Hasta que pasaron 3 meses que estuve sin cantar y pensé: «qué alivio, qué bien me siento» y desaparecieron todos los demonios.
Pero entonces en los últimos dos discos, tú no estabas bien.
No… Siempre va a parecer que estoy bien pero la procesión la lleva cada uno por dentro.
¿Ahora cuánto tiempo hace que no te subes a un escenario?
No sé, no lo he calculado, pero una vez que te conoces, que admites que no eres perfecta, que no pasa nada porque la gente te critique… ya no conectas con la crítica ajena. Estoy más feliz y más tranquila.
¿Y cómo has llegado a este punto?
He hecho mucha terapia, he hecho meditación. Ayuda mucho la meditación para verte desde fuera: los problemas se desvanecen.
Te lo pregunto desde la inocencia más absoluta, yo pensé que por ejemplo Pastora Soler no iba a volver…
Son cosas internas, como pensamientos que se hacen muy fuertes que no te dejan disfrutar de la música. Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario.
Y ese terror nunca se ha reflejado en tus letras.
No, porque yo hablo del amor, del desamor, del paso del tiempo… pero no de problemas concretos.
Te lo pregunto porque tú misma has dicho que sueles componer desde tu peor momento.
Pero tampoco me siento y digo: «voy a componer sobre tal tema». Me viene una idea y me siento. Otra forma de componer es que cojo poesía de otra gente, una novela, sobre todo algún poema, una idea, y pienso cómo lo escribiría yo con otras palabras.
¿Algún autor concreto?
No, pues en general,Cortázar, Salinas, Neruda, los clásicos del cole (risas) No conozco la poesía del siglo XXI, salvo Ajo, la micropoetisa, que me encanta.
Dos de las letras que más me han gustado son ‘En otra dimensión’ y la de ‘Y qué’, ¿pero tú de qué letras estás más orgullosa?
La canción que más feliz y más positiva me hace sentirme es ‘Amanecía’. ‘Ya sé’ me gusta también, tiene un punto surrealista que me hace gracia.
«Quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada»
Has dado con una fórmula de pop-rock… «normal» que resulta que ahora mismo es original porque…
… no se estila. Todo el mundo está haciendo otras cosas. En este tiempo, he tenido mucho tiempo para pensar. Tenía una necesidad de volver a sentir amor por la música, de ilusionarme con el hecho creativo. De hacer un vídeo, con un bombo, ir a Madrid, a Barcelona… sin esperar que nadie lo vaya a ver. A nivel musical, tenía algún pianito, la guitarra y alguna base y le dije a Paco que quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada. Paco hizo el ejercicio de contenerse y yo creo que ha salido muy bien.
¿Cuál es la mayor dificultad a que crees que te enfrentas en esta nueva etapa?
Que llegue la noticia de que he vuelto. Ahora se usan mucho las redes sociales, en aquella época no eran tan fuertes, pero tampoco espero nada. Quería sacarlo y dejarlo ahí. Ahora estoy pensando en los conciertos, pienso cómo voy a hacer para que las canciones que tienen 10 años suenen como me gustaría, introducir una pequeña evolución, y que la gente escuche las canciones de una manera nueva.
«Las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional»
¿Crees que te han perjudicado las declaraciones sobre tus sentimientos religiosos o el famoso titular «Nena Daconte se casa con el community manager del PP»? Sobre todo en el underground.
Yo lo que creo es que las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional. Mis canciones no hablan de esto y es una información que no merece la pena.
¿Pero te arrepientes?
Tampoco me retracto pero no aporta, simplemente.
Volviendo a mi pregunta, ¿crees que te han perjudicado?
Yo creo que no aporta.
Hace poco he hecho una columna defendiendo a Morrissey porque en The Guardian se la han jurado por unas declaraciones apoyando el Brexit y a algunos políticos de derechas.
Yo creo que ya con su edad que diga lo que quiera, se la suda todo… Yo tengo ganas de llegar a ser abuela (risas) Hay una cosa que me gusta de Estados Unidos y es que la gente respeta las ideas de los demás, la religión, las ideas políticas… La gente dice hasta lo que gana. Hay un respeto por los demás, por lo menos en apariencia.
Bueno, en Estados Unidos hay muchos problemas sociales…
Sí, eso es un caos.
No sé cómo será Dallas.
Es bastante América profunda, pero depende del ambiente en el que te muevas.
«Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces»
En 2008, cuando ‘Tenía tanto que darte’, salían Vetusta Morla, comenzaba lo que se puede llamar indiemainstream… Todo este debate se ha perdido y el colmo ha sido OT, que ganara Amaia, una persona que va a actuar en un sinfín de festivales indies. Parece que se han derribado barreras…
Me parece perfecto, no hay diferencias de que el indie se supone que es lo bueno y lo comercial lo malo. En otros países no hay esa diferencia. Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces.
¿Tú te ves beneficiada por esta nueva coyuntura ahora que en festivales como Dcode, Río Babel o Sonorama actúan Bunbury, Bebe…
Raphael fue el que rompió las barreras, ¿no? Sí, por qué no.
¿Tienes un mánager que te está haciendo un «push» para ese sector?
Todavía no hemos pensado dónde vamos a ir, lo decidiremos poco a poco. Lo primero no van a ser 10.000 personas. Primero tengo que coger soltura con cosas pequeñitas.
¿Tienes la banda formada?
No, todavía no.
Porque a Madrid vuelves en septiembre.
Sí, te lo has estudiado bien…
Supongo que no has visto OT al no estar aquí…
No, estaba en Dallas. ¡Yo no he visto OT en mi vida! (risas)
«Mi primer disco en 2003 (se supone que) era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria»
Pero da igual, ¿qué te parece que antes fuera OT como lo peor y ahora sea un poco como «qué guay»?
Yo creo que todo son modas. Mi primer disco lo autoedité en 2005, en 2003 lo escucharon todas las discográficas y era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria.
¿Crees que te puede pasar algo así ahora, que este disco pase desapercibido y luego se reivindique?
Me encantaría, pero no, no creo… No lo sé. Las cosas han cambiado, la intención era reenganchar a la gente a la que le gustaba Nena Daconte, no ‘Tenía tanto que darte’, que es superguay, pero también las otras canciones, la gente más de base, ese público más pequeñito. Este disco es para ellos.
Es difícil porque ha pasado una eternidad de años para lo que es el mundo del pop…
Yo empiezo de cero y más mayor. Es todo más difícil, pero yo creo que el disco está muy guay, estoy supercontenta.
¿Has escuchado las producciones de Kim Fanlo?
Sí, hay cosas que he escuchado. Es un gran productor.
Pero tampoco te ves en lo que hace…
No, yo creo que ha tirado a algo más superproducido. Pero no por eso voy a dejar de pensar que es un gran productor.
No sabes lo que le ha parecido lo que has hecho ahora.
No.
Como instrumentista, en estos años, ¿has cambiado tu manera de componer?
A nivel composición, siempre he sido guitarra y piano y he seguido igual, no he aprendido a tocar el chelo (risas).
Lo digo por si no te has mudado con el piano a Dallas…
Este disco está más hecho en guitarra, pero había canciones ya hechas aquí. Compongo igual, ahora conozco más acordes, me he puesto las pilas. El piano lo conozco entero pero la guitarra no. Ahora al papel en blanco me enfrento de manera más reflexiva, como te decía, pienso cada frase y hasta intento que algunas cosas rimen (risas).
¿En qué canciones podemos percibir esos otros acordes que antes no manejabas?
En ‘Amanecí’ no, ‘Ya sé’ no, ‘En otra dimensión’ no… (risas) ¡Es en lo nuevo que estoy haciendo! (risas)
Ana Guerra acaba de llegar de Miami y se ha pasado por La Resistencia, el programa de David Broncano, para presentar su disco ‘Reflexión‘.
Aunque las entrevistas de Broncano suelen alternar momentos divertidos con otros incómodos, Guerra se muestra en su salsa en el programa, y es ella la que incomoda al presentador y cómico en varios puntos de la entrevista, por ejemplo cuando firma su CD y apunta que le pondría algo más personal, pero que no le conoce tanto ya que no le ha venido a saludar antes, “como hace Pablo Motos en El Hormiguero”. Broncano a duras penas sale del paso: “es verdad, yo es que prefiero no conocer a la gente”.
En la entrevista, Guerra habla sobre sus viejos estudios de flauta travesera, de nuevo adelantando a Broncano con una broma que incita aplausos del público: “cuando quieras te enseño a tocar bien la flauta”, dice, antes de guiñar un ojo al presentador. La cantante recuerda también su paso por el programa de Juan y Medio, que da lugar a una broma bastante turbia, o un pequeño accidente (si es que se le puede llamar así) de moto que ha sufrido recientemente.
Por poco Broncano olvida de realizar a Guerra su famosa pregunta sobre cuánto dinero tiene en el banco, de la que Guerra sale del paso más que airosa: “si no te doy ni la hora, te voy a dar el dinero de mi cuenta”. La entrevista concluye con la visita de Jorge Ponce.
Joan as Police Woman, el proyecto de indie-rock de la estadounidense Joan Wasser, muy querido por fans de artistas como Rufus Wainwright, Cat Power o Bat for Lashes y por discos como ‘The Deep Field‘, ‘The Classic‘ o el reciente ‘Damned Devotion’, publicado en 2018, ha anunciado un disco recopilatorio en el que repasará su carrera, que presentará en una gira que le traerá a España en junio.
‘Joanthology’, que sale el 24 de mayo, “recopila treinta de las mejores canciones” de Joan as Police Woman, explica la nota de prensa, “junto con material raro e inédito de la artista”. Será “una colección que reúne los primeros quince años remarcables [sic] de su trayectoria componiendo y grabando una música que desafía toda categorización”. Según el texto, “esta compilación revela su total entrega a la experimentación y su vasto conocimiento y amor por la música de todo tipo”.
Wasser estará en Barcelona y Valencia presentando ‘Joanthology’. En concreto, la artista actuará el 15 de junio en el Ram Club de Valencia y el 16 de junio en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona. La entrada en ambos casos está disponible a un precio de 16 euros + gastos. El concierto será en formato íntimo, y en él Wasser actuará acompañada únicamente de piano y guitarra. ‘Joanthology’ se presenta con un tema nuevo, ‘What a World’, que os dejamos.
Dido ha solido hacer canciones de pop bastante minimalistas, tirando de una electrónica modestilla y elegante, a veces incluso de ritmos próximos al trip-hop, al synth-pop o al ambient. Su nuevo disco, ‘Still on My Mind’, publicado este viernes 8 de marzo, halla a la británica de nuevo en todos estos registros, acompañada como siempre de su hermano y productor, Rollo Armstrong. Pero el álbum guarda al menos una sorpresa notable, y esta aparece al principio del disco, en la pista 3.
‘Hell After This’ llama la atención desde los primeros segundos gracias a su parca base electrónica, a su vez bastante animada, pero sobre todo a la presencia de una trompetas bastante latinas. Estas ideas evolucionan hacia una canción abiertamente pop, en comparación con lo que suele hacer Dido sobre todo, pues algunos de sus elementos -los “ah ah ahs”, el modo en que la melodía de “hell after this” se curva ligeramente hacia arriba- parecen tan pensados que podrían haber salido de un “songwriting camp”. Personalmente, la melodía me parece inspirada en el tango, aunque la canción claramente busque ser otra cosa.
Acompañada también de una sutil guitarra acústica y de un coro góspel, Dido consigue en ‘Hell After This’ expresar una euforia muy particular y no tan habitual en su discografía, sin salirse de los parámetros de la canción pop minimalista que, como hemos dicho, la británica suele practicar. La letra parece hablar de un ligue de una noche (“si voy al infierno después de esto, voy a disfrutarlo cuanto pueda, no recordaré tu cara después de esto”) pero ‘Hell After This’ suena tan comedida, compuesta y entera como siempre ha hecho Dido, si bien ahora más pop.
La actual edición de ‘Fama A Bailar’, el talent-show de danza que ahora acoge Movistar+, se caracteriza por incluir en cada programa una o varias actuaciones en directo de artistas pop, tanto de corte mainstream como alternativo. Ayer mismo, lunes 11 de marzo, actuaron en el mismo programa Greeyci –intérprete de uno de los temas más sabrosones del pasado verano, a la que hace poco veíamos a dúo con Bisbal– y Carolina Durante, la actual sensación del panorama indie nacional.
Tal y como avanzó el grupo en Instagram, por medio de su batería Juan Pedrayes, el grupo madrileño abría el programa interpretando en directo ‘Joder, no sé‘, primer single de su álbum debut, recientemente anunciado. Y, como dijo Juan, ellos no bailaban, «pero la peña de aquí sí». Es decir, tal y como suele suceder con las actuaciones en directo del programa, algunos de los concursantes realizaban una coreografía en torno al cuarteto. El efecto fue desconcertante a la vez que cómico, haciendo parecer al grupo (que se mostraron muy solventes, pero algo más rígidos que en los directos que les conocemos) como un pulpo en un garaje –de hecho el plató del programa parece justo eso–, sobre todo por unos pasos de baile que en realidad poco tenían que ver con música y letra. Bueno, sí: cuando Diego canta «estoy en plena forma», a alguien se le ocurrió que los bailarines corrieran alrededor de eso. ¿Era un homenajes a las coreos del mítico Giorgio Aresu? Quizá.
El sello Sonido Muchacho publicará en las próximas semanas (¿meses?) ‘Carolina Durante‘, primer largo del grupo de Madrid, después del pelotazo que dieron el pasado año con ‘Cayetano’ y ‘Perdona (ahora sí que sí)’, versión de Marcelo Criminal interpretada junto a Amaia de OT2017, provocando un hype pre-debut que no recordábamos por aquí desde… ¿Los Planetas?
Con todo el derecho del mundo, probando holgadamente su tirón para con las masas, Vetusta Morla se convierten en nuevos cabezas de cartel de la 25ª edición del Festival de Benicássim. El FIB anuncia esta mañana que el grupo madrileño engrosa su programación con un concierto muy especial, único, dicen, que se centrará en su álbum debut ‘Un día en el mundo‘. Un disco que cumplía recientemente 10 años, y cuya efemérides celebraban con sus fans abarrotando el WiZink Center de Madrid. Este show, según la nota de prensa del festival, también se centrará en ese trabajo, pero incluirá otras «sorpresas» que lo convertirán en un concierto «exclusivo».
EL FIB también anuncia una serie de fiestas previas denominadas Midnight By FIB que se celebran antes del grueso del festival. Estas pre-parties están organizadas junto a dos clubes locales, Buddha y Casablanca, y se celebrarán en las noches del lunes 15, martes 16 y miércoles 17 de julio, contando con DJs y sets de Dave Rowntree (Blur), Carl Barât (The Libertines), IDLES (DJ Set), DJ Dan & Special Guests (Propaganda), Maadraassoo, Rocket DJ, Carlos Bru y DJs del Festival. El FIB 2019 amplía así hasta una semana completa sus eventos.
Los conciertos principales del FIB se celebrarán en su recinto habitual del 18 al 22 de julio, contando como grandes ganchos con Kings of Leon, Lana del Rey (ambos, en sus únicos conciertos en España este año) y el recientemente anunciado Fatboy Slim. También conforman la oferta The 1975, Franz Ferdinand, Jess Glynne, George Ezra y Kodaline, además de nombres del panorama nacional como los citados Vetusta Morla, La M.O.D.A. o Belako. Los abonos de 4 días con acampada incluida siguen a la venta en la web del festival.
Aunque sabíamos por sus redes sociales que Eva Amaral y Juan Aguirre habían pasado las últimas semanas inmersos en un proceso de grabación, no esperábamos que anunciaran tan pronto como hoy la publicación de un nuevo álbum de Amaral. Lo han hecho con un vídeo-teaser que han mostrado en sus redes sociales, en el que el dúo hace un dibujo en time-lapse que, lleno de colores, representa el título y quizá el espíritu de este nuevo trabajo, llamado ‘Salto al color’. En el texto que acompaña al clip, se dan algunos datos sobre el octavo trabajo de estudio del grupo de Zaragoza: se publicará después del verano y contendrá 13 canciones originales del dúo.
Del título de este nuevo trabajo podemos deducir una tendencia a melodías más luminosas, obviamente –el tuit con el que han mostrado el vídeo habla de una «zambullida al color»–. Y, si atendemos a la música que suena en el vídeo –aunque puede que sea simplemente coyuntural, pero en un momento puntual parece oírse la voz de Eva–, también podríamos deducir que podría ser más electrónico y con percusiones exóticas. ¿Habrá inspirado al grupo la pasada colaboración de Eva con La Pegatina? Esperamos que pronto algún single de adelanto confirme su próxima dirección.
Será, además, su primer álbum con grabaciones de estudio para Sony Music, compañía con la que anunciaron un nuevo acuerdo contractual, lanzando ya con ellos el directo ‘Superluna’, que daba cuenta de su última gira. Hasta entonces, Amaral habían emprendido una etapa de autoedición en la que publicaron sus últimos trabajos, tras la culminación de su contrato con EMI: ‘Hacia lo salvaje’ (2011), ‘Nocturnal‘ (2015) y ‘Nocturnal Solar Sessions‘ (2017) –un disco con versiones diferentes a las originales contenidas en su anterior trabajo– han sido los discos publicados en su propio sello, Discos Antártida, que además han supuesto su total consagración desde el punto de vista artístico.
Tal y como ha comunicado su familia en un escueto mensaje en Facebook, el batería de sesión Hal Blaine ha fallecido a la edad de 90 años. Blaine perteneció a un conocido grupo de músicos de sesión llamado The Wrecking Crew, que, en el área de Los Ángeles, interpretó la parte instrumental en numerosas obras de Sonny & Cher, The Mamas & the Papas, The 5th Dimension, Frank Sinatra o Nancy Sinatra, además de ejercer de «músicos fantasma» en los primeros pasos de The Byrds y The Monkees, así como «ejercer» de Beach Boys en el icónico ‘Pet Sounds’.
Su currículum incluye la base musical de decenas de números 1 en las listas de singles de Estados Unidos, como ‘Mr. Tambourine Man’ (la versión de The Byrds), ‘Strangers In The Night’, ‘These Boots Are Made for Walking’, ‘I Get Around’, ‘Aquarius’, ‘I Got You Babe’, ‘You’ve Lost That Lovin’ Feeling’, ‘(They Long to Be) Close to You’ o ‘Bridge Over Troubled Waters’, además de canciones igualmente míticas que no lo fueron como ‘Mrs. Robinson’, ‘California Dreamin’, ‘Wichita Lineman’ o ‘San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)’.
También fueron conocidos por hacer real el famoso «muro de sonido» de Phil Spector, siendo los músicos de confianza para sus grabaciones. Como por ejemplo la del mítico ‘Be My Baby’ de The Ronettes, incluyendo su característica entradilla de batería, que como contamos en este artículo de hace una década, no sólo ha sido versionada hasta la saciedad sino que se ha empleado infinidad de veces para dar inicio a canciones de Camera Obscura, R.E.M., The Jesus and Mary Chain, The Cure, Amy Winehouse, Taylor Swift, Deerhunter, The Magnetic Fields, The Beach Boys (es la canción favorita de Brian Wilson) o incluso The Beatles.
Curiosamente, esa entrada fue, en realidad un accidente, tal y como Blaine confesó en una entrevista con The Wall Street Journal de 2011: “Se suponía que debía tocar un ritmo más del tipo «boom-chicky-boom», pero se me enganchó la baqueta y surgió como «boom, boom-boom chick». Simplemente me aseguré de cometer el mismo error cada pocas barras». ¿El accidente más feliz de la historia de la música? Os dejamos con una actuación de 2017 de Ronnie Spector, en la que invitó a Blaine al escenario para interpretar precisamente esta canción.
Tenía que pasar. Tenía que llegar el día en que alguien confundiera a James Blake y James Blunt. Al fin y al cabo sólo 3 letras separan el nombre de estos artistas a los que, eso sí, separa un abismo en su manera de entender el pop. La cuestión es que no le ocurrió a mi prima Paqui, sino que le sucedió al CEO de Kiss FM –una estación de Bahamas llamada así, no la emisora española de hits del pasado– y nada menos que en Twitter, por lo que la cosa no ha quedado sólo en un lapsus sin importancia.
Básicamente porque el propio autor de ‘Assume Form’ retuiteó el mensaje que celebraba el 13er cumpleaños de ‘You’re Beautiful’, el megahit de Blunt, diciendo «Hola, soy yo, el cantante de ‘You’re Beautiful’. El cachondeo de la red social del pajarico azul ha sido inmediato, y han participado de él numerosas celebridades, como Geoff Barrows (Portishead), que definió la confusión como algo «maravilloso», pasando por el productor SOHN, que le vacila diciendo «siempre pensé que diste un gran giro después de aquella canción», Amber Coffman, o la pareja de Blake a la que está dedicado buena parte de su último disco, la actriz Jameela Jamil, que se parte. Por supuesto, también responde el aludido, James Blunt, conocido por su ingenio como tuitero. En su caso, responde al tuit de Blake que «ojalá» fuera Blake el cantante de ‘You’re Beautiful’, sin estar claro si porque le admira… o porque está hasta el orto de su hit.
Blake publicaba a principios de este año el citado ‘Assume Form‘, un álbum más luminoso de lo que nos tenía acostumbrados con colaboraciones de Travis Scott o Rosalía, cosechando notables críticas (aunque no todas). Lo presentará en nuestro país en Primavera Sound 2019. Por su parte James Blunt publicó en 2017 ‘The Afterlove‘, un disco en el que pretendió modernizar su sonido con toques justinbieberescos, y que presentó en la pasada edición de Arenal Sound.
Los créditos de ‘Yeezus‘, la obra maestra editada por Kanye West en 2013, ocultaban tal ristra de decenas y decenas y decenas de co-productores y beatmakers tras su carcasa de CD transparente que de hecho casi terminabas preguntándote quién no se pasó por allí para aportar algo. En cualquier caso, Gesaffelstein, entonces un muchacho de 25 años, fue uno de los afortunados al aparecer como co-productor de dos pistas, la icónica ‘Black Skinhead’ y la penúltima, ‘Send It Up’. El proyecto del francés Mike Lévy publicaba su debut en solitario aquel mismo año, pero era en 2018 cuando lograba mayor reconocimiento popular al acreditarle The Weeknd como «featuring» en dos de las seis canciones de su EP del año pasado, el medio olvidado ‘My Dear Melancholy,‘.
Ahora Abel Tesfaye le ha devuelto el favor, y aunque la jugada les ha quedado rara debido a esa polémica letra en la que el hombre detrás de The Weeknd intenta disuadir a la chica que le gusta de su homosexualidad o bisexualidad de manera penosa («dices que podrían gustarte las chicas (…) bien, pues tráete a una amiga / puede montarte la cara / mientras yo te follo»), melódicamente y en cuanto a producción, ‘Lost in the Fire’ sí es un hit. Quienes llevamos años diciendo que los textos de Tesfaye sobre drogas, sexo, fama y hacer «promo» son un cuadro, no nos vamos a llevar ahora las manos a la cabeza, aunque solo sea porque nos hemos malacostumbrado a sus tontadas.
‘Hyperion’ es, además, un disco mucho más elegante que todo eso, moviéndose entre la electrónica más oscura, el italo más dulce y el gusto por el terror de gente como John Carpenter. Más pop y menos techno que ‘Aleph’, Gesaffelstein casi siempre está aquí cerca de la banda sonora perfecta para una película nocturna de ciencia ficción, como muestra el arranque de ‘Humanity Gone’, cuyo título lo dice todo y que como pista final llega a extenderse hasta los casi 11 minutos; la tenebrosa ‘Reset’, de resquicios techno; o la tensísima ‘Ever Now’. Incluso cuando suena luminoso, como sucede con ‘Forever’ junto a The Hacker y Electric Youth, esa positividad pareciera estar pendiendo por completo de un hilo, recordando sensaciones experimentadas con Chromatics.
El artista se ha rodeado de otras estrellas además de estas últimas y el propio Tesfaye. Pharrell, como ya demostrara junto a otros franceses, los ilustres Daft Punk, a su vez también co-productores de ‘Yeezus’ (ya veis que aquí todo queda en casa), aparece perfectamente cómodo en un número retro como es ‘Blast Off’; mientras es una gozada escuchar a Haim en un registro más frágil y electrónico. Apenas se reconoce a las hermanas Alana, Este y Danielle, pero todas están acreditadas (como Andrew Wyatt) en ‘So Bad’. «Vine aquí a morir, me quedé por la vida / llegué como una tonta, pero me fui sabia», repite la letra refutando el juego de contrastes contenidos en este álbum.
Igual puede echarse en cara a Gesaffelstein haber querido tocar demasiados palos desde que ‘Hyperion’ se abre con su corte titular remitiendo a la electrónica primigenia de Kraftwerk o su paisano Jean Michel Jarre, con quien ha colaborado, hasta el final; pero la verdad es que todo lo que toca, lo toca bien. Su segundo disco nos advierte que lo mismo puede seguir dedicándose a producir hits internacionales, siempre que no dé con letristas que hagan irradiables sus producciones, como desarrollarse como compositor para la gran pantalla.
Calificación: 7,9/10 Te gustará si te gusta: Apparat, Daft Punk, John Carpenter, Chromatics Lo mejor: ‘Lost In The Fire’, ‘Blast Off’, ‘Reset’, ‘Forever’ Escúchalo:Spotify
Los noruegos KEiiNO han conseguido lo que no tantos concursantes de Eurovisión logran: que su canción se haga viral. Publicada el 8 de febrero, ‘Spirit in the Sky’ ocupa actualmente el número 2 en la lista de las canciones más virales de Spotify en el mundo, y supera las 1.200.000 reproducciones en esta plataforma. ‘Arcade’ de Duncan Laurence, que va primera en las apuestas, va por la mitad de escuchas.
No se sabe cuánto les va a durar a KEiiNO el viral, pero lo seguro es que ‘Spirit in the Sky’ tiene muchas posibilidades de triunfar en Eurovisión. La canción es bailable y atrapa a la primera, pero sobre todo es épica en el sentido más eurovisivo de la palabra, aunque también es cierto que su producción dance suena bastante pasada de moda en 2019. Además de una melodía 100% escandinava, en ‘Spirit in the Sky’ destaca lo que suena como unos cantos vikingos, que otorgan al tema cierta personalidad. En cualquier caso, el top 10 parece seguro para ‘Spirit in the Sky’ y en las apuestas va 9ª.
‘Spirit in the Sky’ además esconde en su letra sobre “espíritus” y “auroras boreales” un mensaje de igualdad y respeto al prójimo muy acorde con el, ejem, espíritu de Eurovisión, que además el grupo expresa a través de referencias a la religión sami. La canción es una “historia sobre los hombres y mujeres valientes que han luchado y siguen luchando por el derecho a ser RESPETO y AMADO por la persona que eres” y la presencia de espíritus en la canción se debe a que, en la mencionada religión, existen “espíritus” que ayudan a una persona en momentos difíciles, y que “pueden llegar en forma de animal”. La portada original de ‘Spirit in the Sky’ representa el “espíritu animal” de los tres integrantes de KEiiNO, el rapero sami Fred Buljo y los cantantes Alexandra Rotan y Tom Hugo. Calificación: 7,5/10 En los foros de Eurovisión se dice: “No a la canción noruega tan desfasadísima” – Johnny_Utah; “es divertida, un schlager nórdico raruno” – Guarrona En las casas de apuestas: número 9
Enfrentarse a un documental como ‘Leaving Neverland’ es duro para cualquiera que haya crecido escuchando la música de Michael Jackson. El testimonio de Wade Robson y James Safechuck, el primero ganador de un concurso de imitadores del artista y el segundo salido del conocido anuncio de Pepsi con el propio Jackson, supone la destrucción última de nuestra propia inocencia, la renuncia a una parte importante de nuestra infancia y la asunción de que el que fuera uno de los mayores iconos del siglo XX era un ogro. Igual que yo recuerdo cómo se me cayó la baba viendo el vídeo de ‘Bad’ por primera vez tras el escaparate de una tienda con decenas de televisores sintonizados con TVE, otros recordarán cómo tenían que taparse los ojos cada vez que se emitía el vídeo de ‘Thriller’ o cómo entonaban sus primeros pasos de baile al ritmo de ‘Billie Jean’. Por eso está siendo tan habitual estos días leer comentarios despectivos hacia los dos narradores, que en su momento negaron que tales abusos existieran incluso delante de un tribunal, o hasta leer cómo algunos fans niegan los hechos como si hubieran estado escondidos dentro del propio Neverland. Nadie quiere creer que esto pudiera pasar, pues que Michael pudiera cometer las violaciones relatadas -recordemos que James Rhodes pidió no quitarles hierro llamándolas «abusos»- en ‘Leaving Neverland’ es demasiado doloroso, ¿pero quién puede saber a ciencia cierta quién dice la verdad?
Michael Jackson fue a los tribunales en dos ocasiones acusado de abusos por dos menores, Jordy Chandler, a principios de los 90, y Gavin Arvizo a principios de los 2000. En el primer caso llegó a un acuerdo económico extrajudicial con la familia; y en el segundo, fue absuelto por falta de pruebas. El director de ‘Leaving Neverland’ no ha conseguido dar con ninguno de los dos, pues el primero se emancipó jurídicamente de sus padres y cambió de identidad, y el segundo ha querido permanecer en el anonimato. Este documental, dividido en 2 capítulos de 120 minutos cada uno, se compone fundamentalmente de entrevistas con Robson y Safechuck, que han cambiado su testimonio, y con sus familiares más allegados, lo que se acompaña de algunas imágenes documentales de Michael Jackson entre la gira de ‘Bad’ y su muerte en 2009.
James Safechuck y Wade Robson, cuya denuncia ante un tribunal fue desestimada por haberse hecho más de 1 año después de la muerte de Michael, realizan un relato muy parecido de su relación con Jackson y de su entorno, un mundo de parque de atracciones y tiendas de campaña que en una ocasión se describe como de «porno y chuches». Michael, «un niño de 9 años» según una de sus asistentes en la época en que rondaba ya los 30, es dibujado como un tipo rodeado de todos los lujos imaginables, pero solitario y excéntrico, sin un solo amigo de su edad con el que relacionarse. Acompañado entonces de niños de diverso origen, incluso durmiendo en la misma cama, parece presentar el perfil tipo de depredador sexual, solo que en su caso con el poder suficiente como para mantener a los padres apaciguados en el dormitorio de al lado. Está siendo muy cuestionada la decisión de Dan Reed de no dar voz en su documental a ningún heredero de Michael Jackson para poder dar otra versión de los hechos (o en su defecto incluir un rótulo indicando que no han querido hablar con él), pues si el documental de ‘Whitney’, que trataba otro tipo de abusos, pudo llegar a Bobby Brown, ¿por qué Reed no? Pero es que más extraña todavía la falta de contextualización de ‘Leaving Neverland’.
Dice Reed que ha querido centrarse en lo que los abusos han podido representar para estas dos víctimas y sus familias, pero se da la circunstancia de que el verdugo elegido no es anónimo, sino una figura pública y alabada por millones de personas. Por eso es tan raro que apenas se mencione un par de veces de pasada que «Michael no tuvo infancia» sin que se ahonde ni se pase por encima de su propia historia, no como atenuante sino como fondo básico para lo que debería ser un «documental». En un mundo en el que la gente se pregunta si quien ha muerto es Prince Royce cuando muere Prince, el contexto presentado por Reed ante la audiencia generalista es tan vago que un visionado de ‘Leaving Neverland’ puede resultar bastante extraño dentro de un par de décadas, cuando cada vez menos personas sepan quién fue Michael Jackson: vemos al artista en pósters y estadios, pero no hay mención alguna a los Jackson 5, o hasta en qué grado su propia infancia le fue arrebatada como estrella infantil explotada, terminando por llevarle a una muerte prematura. Tampoco es relevante para Reed, por ejemplo, aquel polémico documental en que Michael reconocía dormir con niños, aunque de manera inofensiva; o el modo en que tuvo hijos.
‘Leaving Neverland’ recuerda unos hechos sucedidos a finales de los 80 y principios de los 90, con un protagonista que falleció hace 10 años y los pone sobre la mesa en pleno debate #MeToo. En ese sentido, como documental no parece muy bien enfocado. Hay un largo camino por recorrer para concienciar al público sobre la realidad de los abusos infantiles, una realidad que siempre ha estado ahí por mucho que la gente haya querido mirar hacia otro lado. Recientemente se ha sabido que en dos colegios de Madrid los abusos sexuales se prolongaron durante 3 décadas entre los años 60 y los años 90. ¿Cómo puede haberse consentido esto? ¿Cómo es posible que ni instituciones, empresas, amigos, familiares, sospecharan nada en cualquiera de estos dos casos tan lejanos? ‘Leaving Neverland’, ni extendiéndose hasta los 240 minutos de duración, quiere ir de lo concreto a lo general para tratar de ahondar en esta problemática de la sociedad, pero tampoco profundiza en el caso particular de Jackson para tratar de averiguar de verdad qué pasó y por qué dentro de aquellas habitaciones. Ni mucho menos ha planteado cuáles son los intereses empresariales comunes de Robson y Safechuck, si es que estos existen o son un delirio de la familia del artista que también tienen sus intereses económicos a su vez como herederos. En cualquier caso el documental se acerca, al prescindir de una de las dos partes, a otros formatos o géneros periodísticos como la entrevista o el reportaje, siempre limitándose únicamente al caso de estas dos familias.
De las cenizas de Indómitos, trío vigués que desarrolló su actividad en la pasada década, surgió a finales de 2014 Selvática, proyecto que iniciaron Manu G. Sanz y Paula Vilas mientras vivían en Río de Janeiro y que se materializó en su debut ‘Un mundo extraño‘ (2015), grabado en Galicia con músicos amigos. Un disco repleto de guitarras abrasivas a medio camino del post-punk y el rock garajero, pero con la melodía como eje primordial, acentuando el peso de estas en ‘Canciones cariocas‘ (2016) y empleando cada vez más los metales (Saxos, concretamente) como complemento a las guitarras en ‘Seres abisales‘ (2017).
Ahora el quinteto (lo completan Luismi G. Almuíña, guitarra, Brais Otero, bajo y saxo, y Daniel Nicolás –tercer miembro de Indómitos, por cierto, que ha vuelto al redil–, a la batería) tiene preparado para publicar su cuarto largo, ‘Macumba’, que será co-editado por Orphan Records y Discos de Kirlian (que han auspiciado su carrera desde su anterior proyecto) el próximo 18 de marzo. Prometen que vuelve a estar repleto de «sus ya clásicas guitarras surferas, letras oníricas y saxos desquiciados», aplicados a nuevas canciones más «directas y dinámicas».
Hoy en JENESAISPOP estrenamos la primera muestra de ello con el clip oficial de ‘Quién es la sombra’, que efectivamente encaja en esa descripción, aunque está repleta de subidas y bajadas de energía desplegada por guitarrazos bien fieros que estallan en su estribillo, conducidos por la voz de Manu y que entona una letra inspirada por el trabajo del padre de la psicología analítica, Carl Jung. El clip, que combina imágenes en alto contraste de los miembros del quinteto con lo que parecen instantáneas de viejas máscaras de carnaval o ritos religiosos, disparadas a toda velocidad junto a guiños gráficos nuevaoleros, contrastando colorismo con un toque siniestro.
El 29 de marzo llega a los cines de Estados Unidos ‘Dumbo’, el re-make de la famosa película animada de Disney por Tim Burton, cuyo tráiler se desvelaba hace unos meses. Esta vez, la película será en 3D, pero la canción principal seguirá siendo ‘Baby Mine’.
Compuesta en 1941 por Frank Churchill y Ned Washington, que hicieron música y letra, respectivamente, e interpretada por Betty Noyes, la preciosa balada de ‘Dumbo’ fue nominada a un Oscar a Mejor canción en 1941, si bien perdió contra ‘The Last Time I Saw Paris’, de la película ‘Lady Be Good’. El tema volverá a sonar en 2019 gracias a la nueva versión de ‘Dumbo’ y lo hará en voz de una de las bandas más importantes del momento, Arcade Fire. Su versión ya está disponible y es fiel a la preciosa composición original.
Arcade Fire publicaron su último disco en 2017, un ‘Everything Now’ que produjo reacciones encontradas en crítica y público, pese a la calidad de singles como ‘Signs of Life’ o la propia ‘Everything Now’. Eso sí, la gira fue como siempre espectacular. Los siguientes pasos de Arcade Fire son hoy un misterio, pero de momento su versión de ‘Baby Mine’ los mantendrá en el candelero: ¿alguien duda que ‘Dumbo’ será una de las películas más taquilleras de 2019?
Amaia Romero confirmaba hace unos días que se encuentra grabando en Argentina, en concreto en Buenos Aires, donde además tenía tiempo de pasarse por el concierto de sus admirados 107 Fauna. A la navarra le quedan máximo dos meses de estancia en la capital argentina (si es que se queda este tiempo), pues a principios de mayo inicia una gira de festivales que la llevará por varios puntos de España hasta agosto. El mes siguiente, en septiembre, “como muy tarde”, su primer disco debería ver la luz, según declaraciones del presidente de Universal, Narcís Rebollo, que recogía el mes pasado El País, añadiendo: «Estoy muy contento, el otro día estuve escuchando con ella nueve temas y me gustaron mucho, os va a sorprender».
Visto que Amaia parece tener su álbum bastante avanzado, pues empezó a trabajar en él hace meses con Refree en Nueva York, y ahora en Argentina (se rumorea que con Eduardo Bergallo, productor de Él Mató a un Policía Motorizado, y que sigue a Amaia en Instagram, aunque ella a él no), es de esperar que alguna de sus nuevas canciones suene en los conciertos que tiene programados para este año. De hecho, es oficial: cuando WARM UP la confirmó, la nota de prensa decía claramente que «las nuevas composiciones de Amaia se escucharán en #WARMUP2019 antes que en ningún otro sitio». La pregunta del millón es si habrá al menos un single antes o el público habrá de presentarse «de vacío», esperando ‘Un nuevo lugar’ y su ristra de versiones habituales.
Parece mentira pero, en septiembre se cumplirán dos años desde que Romero entró en Operación Triunfo y, aunque Rebollo ha asegurado que Amaia prepara al menos 10 canciones para su disco, también ha apuntado que su proceso de trabajo es lento ya que se está implicando en todos los aspectos de su composición. Cabe preguntarse si, para entonces, ‘Un nuevo lugar’ seguirá teniendo un hueco en el álbum, o ya no. Lo cierto es que como pista final tiene todo el sentido del mundo, pero quién sabe si el disco que supuestamente llega en septiembre se parece un poco a lo que es ahora.
‘Buen viaje’, el single de regreso de Anni B Sweet, que nos tiene totalmente fascinados, es el nuevo número 1 de JENESAISPOP, desplazando a Pet Shop Boys. Entre las novedades de la semana, hay que hablar de las entradas de ‘Prende’ de Miss Caffeina, ‘Now That I Found You’ de Carly Rae Jepsen, ‘Supermán’ de Delaporte y ‘Almeda’ de Solange, esta última colándose por poco en el mismísimo número 40. Esta semana nos despedimos del single metalero de Grimes, ya con más de 10 semanas en lista y en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades.
Shura confirmó las altas expectativas artísticas despertadas en su año de eclosión, 2015, con ‘Nothing’s Real‘, uno de los mejores trabajos musicales de 2016 para muchos, incluida nuestra web. No está tan claro que la respuesta comercial a aquel álbum haya sido tan positiva puesto que parece que su relación contractual con Universal ha llegado a su fin, y Aleksandra Lilah Denton inicia ahora una nueva etapa en el mundo independiente.
Lo hace en el sello norteamericano Secretly Canadian –que cuenta en sus filas con nombres como ANOHNI, Jens Lekman, Stella Donnelly, serpentwithfeet y un largo etcétera–, que acaba de anunciar su fichaje publicando el primer single de su nuevo proyecto. La canción se titula ‘BKLYNLDN’ (es decir, «Brooklyn London») y es un medio tiempo de inspiración neo-R&B creado junto a su colaborador habitual Joel Pott (ex-Athlete, también productor de George Ezra y co-autor de ‘Skyfall‘ de Adele) y que se caracteriza por una instrumentación minimalista que reserva una sorpresa para su minuto final. Su vídeo oficial presenta imágenes de dos mujeres en una situación íntima, inspiradas por la escultura ‘El beso’ de Rodin según la descripción del clip. Su idea es “desafiar al espectador a contemplar la verdadera esencia del amor romántico entre dos personas, sin importar su género”.
Aunque parecía haber desaparecido desde que en 2017 visitara nuestro país gracias a varios festivales, el año pasado la británica reaparecía de manera discreta, colaborando en el último disco de Tracey Thorn y en el disco que celebraba 10 años de ‘The Con’ de Tegan & Sara, además de firmar remixes para AURORA, Gordi, NIMMO y los prometedores Barrie. Ya en 2019, volvía a emplearse como remixer para TS Graye, además de participar en ‘Love Theme‘, una de las canciones del segundo disco de Tourist.
Vampire Weekend han vuelto tras 6 años de ausencia descolocando al personal, como Solange. ‘Father of the Bride’, que sale el 3 de mayo, es claramente uno de los discos más esperados de 2019, pero los avances de él publicados hasta el momento están empezando a preocupar, a reajustar unas expectativas que antes se presumían por las nubes. En nuestra noticia sobre sus dos últimos singles, ‘Sunflower’ con Steve Lacy y ‘Big Blue’, un comentarista aseguraba que el disco no sabe si le “va a encantar” o “va a ser una decepción”, ya que “es un disco muy largo pero tres de los adelantos suman 5 minutos nada más”, mientras otro sentenciaba: “Me encantan Vampire Weekend pero todo alrededor de este disco tiene muy muy mala pinta. Ojalá me equivoque”.
Después de firmar el excelente ‘Modern Vampires of the City‘, ¿alguien esperaba estas reacciones? Está claro que ‘Harmony Hall’ es una buena canción, aunque en redacción ha dividido… pero el resto no tanto. ‘2021’, ‘Sunflower’ y ‘Big Blue’ son tres canciones breves, que a duras penas pueden considerarse canciones, pues aunque tienen sus buenos momentos (la melodía de ‘Big Blue’, por ejemplo), son claramente experimentales. Esto no puede ser lo mejor de ‘Father of the Bride’, ¿verdad? Ezra Koenig ha de tener mejores cosas guardadas bajo la manga en el primer disco del grupo tras la marcha de Rostam Batmanglij.
De momento se está notando su ausencia… ¿o es que la moda de la “mediacanción” está empezando a llegar demasiado lejos? Y si va a ser así todo, ¿no habría sido mejor idea lanzar todo el álbum a la vez como el año pasado hicieron Arctic Monkeys con ‘Tranquility Base Hotel & Casino‘? Porque quizá todos estos adelantos mensuales planteados mejoren y mucho dentro del conjunto, ¿pero quedará alguien escuchando para cuando llegue el mes de mayo?
Tampoco ha puesto las cosas fáciles la portada de ‘Father of the Bride’. Su cutre diseño tipo años 90 es claramente intencionado, pero muchas ganas de ir a comprar el disco no da. Vampire Weekend ha solido hacer portadas bastante decentes, pero esta rompe totalmente con esa tendencia. “Es la portada más fea que he visto en años”, ha escrito un lector en los comentarios. En nuestros foros los usuarios opinan prácticamente lo mismo. Claro que es solo una portada, lo preocupante es la música: este disco de 18 canciones y 59 minutos ha de tener al menos un segundo ‘Harmony Hall’, porque como el resto de pistas sea como las demás, el bajón puede ser mayúsculo.
Madonna sigue utilizando las redes soc… bueno, básicamente su desatada cuenta de Instagram, para ir desvelando los avances de su próximo disco. Por ejemplo, así hemos conocido que en él ha trabajado (y, quizá aún sigue haciéndolo, visto el ritmo) con Mirwais, Mike Dean o Maluma, así como varios artistas de múltiples disciplinas y menos populares, que ha conocido durante el tiempo que ha estado viviendo en Lisboa.
Y así, seguimos conociendo otras novedades relacionadas con el álbum, como que está trabajando en un videoclip del mismo con una realizadora y fotógrafa española: en un vídeo de su perfil de Instagram, en el que vemos a dos jinetes montando sendos corceles por una playa (referenciando además la letra de ‘Like A Prayer’), etiqueta a Diana Kunst. Directora nacida en Madrid cuyo nombre habíamos citado como autora de piezas para Elastic Band o Russian Red & Miranda Makaroff, su nombre alcanzaba más altas cotas de reconocimiento más recientemente, gracias a trabajos como ‘Caballo ganador‘ de C. Tangana, ‘Fukk Sleep‘ de A$AP Rocky ft FKA Twigs, y ‘De aquí no sales – Capítulo 4. Disputa‘, el último vídeo que se ha extraído de ‘El mal querer’ de Rosalía.
Por otro lado, Madonna ha elaborado una playlist de Spotify para el Día de la Mujer y en ella aparecen dos canciones de Rosalía, ‘De aquí no sales’ y ‘Di mi nombre’. La lista incluye también temas de Patti Smith, Siouxsie and the Banshees, Björk, Nina Simone, Christine and the Queens o Lana Del Rey.
En cualquier caso, no parece que el mencionado clip esté relacionado con el que hace unos días se supo que estaba filmando en Los Ángeles, y que contaría con la participación de varias drag queens y cuyo contenido se antoja «político». Imaginamos que en unas semanas –los rumores dicen que el primer single de este disco podría publicarse a finales de abril o primeros de mayo– saldremos de dudas.
Jonas Brothers han entrado directos al número 1 de Estados Unidos con ‘Sucker’, su single de regreso, pues cabe recordar que el trío formado por los hermanos Nick, Joe y Kevin se disolvió en 2013. El dato será estupendo también en Reino Unido, donde las “midweeks” sitúan ‘Sucker’ en el número 7, por lo que parece que estamos ante el “comeback” del año de momento… pese a su supuesta copia a ‘Feel it Still’. 
Miss Caffeina son el nuevo número 1 de la lista de ventas española. Así, ‘
Resulta curioso cómo el tiempo, las circunstancias y, por qué no, el azar hace que caigan grupos que parecían destinados a hacer historia en la música y otros, que parecían secundarios, nos sorprendan no sólo perviviendo sino haciéndose cada vez más importantes. Por ejemplo, en 2008, cuando se publicaba su debut ‘
Jonas Brothers están arrasando con su single de regreso, un ‘Sucker’ que, como 
Ana Guerra acaba de llegar de Miami y se ha pasado por La Resistencia, el programa de David Broncano, para presentar su disco ‘
Joan as Police Woman, el proyecto de indie-rock de la estadounidense Joan Wasser, muy querido por fans de artistas como Rufus Wainwright, Cat Power o Bat for Lashes y por discos como ‘
Dido ha solido hacer canciones de pop bastante minimalistas, tirando de una electrónica modestilla y elegante, a veces incluso de ritmos próximos al trip-hop, al synth-pop o al ambient. Su 
La actual edición de ‘Fama A Bailar’, el talent-show de danza que ahora acoge Movistar+, se caracteriza por incluir en cada programa una o varias actuaciones en directo de artistas pop, tanto de corte mainstream como alternativo. Ayer mismo, lunes 11 de marzo, actuaron en el mismo programa Greeyci –intérprete de uno de los temas más sabrosones del pasado verano, a la que hace poco veíamos a dúo con Bisbal– y 
Con todo el derecho del mundo, probando holgadamente 
Aunque sabíamos por sus redes sociales que Eva Amaral y Juan Aguirre habían pasado las últimas semanas inmersos en un proceso de grabación, no esperábamos que anunciaran tan pronto como hoy la publicación de un nuevo álbum de 
Tal y como ha comunicado su familia en un escueto 
Tenía que pasar. Tenía que llegar el día en que alguien confundiera a 
Los créditos de ‘
Los noruegos KEiiNO han conseguido lo que no tantos concursantes de Eurovisión logran: que su canción se haga viral. Publicada el 8 de febrero, ‘Spirit in the Sky’ ocupa actualmente el número 2 en la lista de las canciones más virales de Spotify en el mundo, y supera las 1.200.000 reproducciones en esta plataforma. 
Enfrentarse a un documental como ‘Leaving Neverland’ es duro para cualquiera que haya crecido escuchando la música de Michael Jackson. El testimonio de Wade Robson y James Safechuck, el primero ganador de un concurso de imitadores del artista y el segundo salido del conocido anuncio de Pepsi con el propio Jackson, supone la destrucción última de nuestra propia inocencia, la renuncia a una parte importante de nuestra infancia y la asunción de que el que fuera uno de los mayores iconos del siglo XX era un ogro. Igual que yo recuerdo cómo se me cayó la baba viendo el vídeo de ‘Bad’ por primera vez tras el escaparate de una tienda con decenas de televisores sintonizados con TVE, otros recordarán cómo tenían que taparse los ojos cada vez que se emitía el vídeo de ‘Thriller’ o cómo entonaban sus primeros pasos de baile al ritmo de ‘Billie Jean’. Por eso está siendo tan habitual estos días leer comentarios despectivos hacia los dos narradores, que en su momento negaron que tales abusos existieran incluso delante de un tribunal, o hasta leer cómo algunos fans niegan los hechos como si hubieran estado escondidos dentro del propio Neverland. Nadie quiere creer que esto pudiera pasar, pues que Michael pudiera cometer las violaciones relatadas -recordemos que James Rhodes pidió no quitarles hierro llamándolas «abusos»- en ‘Leaving Neverland’ es demasiado doloroso, ¿pero quién puede saber a ciencia cierta quién dice la verdad?
De las cenizas de Indómitos, trío vigués que desarrolló su actividad en la pasada década, surgió a finales de 2014 
El 29 de marzo llega a los cines de Estados Unidos ‘Dumbo’, el re-make de la famosa película animada de Disney por Tim Burton, cuyo tráiler 
Amaia Romero 
‘Buen viaje’, el single de regreso de Anni B Sweet, que nos tiene totalmente fascinados, es el nuevo número 1 de JENESAISPOP, desplazando a Pet Shop Boys. Entre las novedades de la semana, hay que hablar de las entradas de ‘Prende’ de Miss Caffeina, ‘Now That I Found You’ de Carly Rae Jepsen, ‘Supermán’ de Delaporte y ‘Almeda’ de Solange, esta última colándose por poco en el mismísimo número 40. Esta semana nos despedimos del single metalero de Grimes, ya con más de 10 semanas en lista y en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar 
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Vampire Weekend han vuelto tras 6 años de ausencia descolocando al personal, 
Madonna sigue utilizando las redes soc… bueno, básicamente su desatada cuenta de Instagram, para ir desvelando los avances de su próximo disco. Por ejemplo, así hemos conocido que en él ha trabajado (y, quizá aún sigue haciéndolo, visto el ritmo) con