Este artículo incluye SPOILERS de ‘Deadpool & Lobezno’, la nueva película de Marvel protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh Jackman.
‘Deadpool & Lobezno’ está siendo un exitazo de taquilla. Solo en su primer fin de semana de estreno, la nueva superproducción de Marvel distribuida por Disney ha recaudado 205 millones de dólares en Estados Unidos y 438 millones en todo el mundo. ‘Deadpool & Lobezno’ se ha convertido, en solo un fin de semana, en la sexta película más exitosa de 2024.
‘Deadpool & Lobezno’ ha sido noticia también por su banda sonora, pues en una de sus escenas suena una canción tan difícil de licenciar como ‘Like a Prayer‘ de Madonna. Muchos no lo han conseguido.
Otros éxitos que incluye la banda sonora de ‘Deadpool & Lobezno’ son ‘I’m with You’ de Avril Lavigne o ‘You’re the One that I Want’ de John Travolta. Pero son otros dos clásicos los que se están llevando el gato al agua. Sobre todo uno.
‘Bye Bye Bye’ de *NSYNC se usa en la primera escena de ‘Deadpool & Lobezno’ y acaba de subir al puesto 11 de las canciones más escuchadas en todo el mundo, tras debutar en el 16. ‘Bye Bye Bye’ vuelve a ser uno de los mayores éxitos del momento, más de 20 años después de su estreno.
También tienen motivos de celebración los Goo Goo Dolls, cuyo ‘Iris’ suena en ‘Deadpool & Lobezno’ en una impresionante escena rodada a cámara lenta. ‘Iris’ ha llegado al puesto 32 del global de Spotify, aunque después ha caído fuera de las 50 primeras posiciones, hasta el 62.
Aunque ‘Deadpool & Lobezno’ sigue lógicamente liderando la taquilla mundial, el resto de canciones de su banda sonora no ha corrido la misma suerte que estas dos, ni siquiera ‘Like a Prayer’ a pesar de aparecer también en otra de las mejores escenas de la cinta, si no la mejor. Al menos, este es el caso… de momento.
No muchos artistas publican disco en estos primeros días de agosto. Se atreven a hacerlo Jack White y JPEGMAFIA -ambos anunciados por sorpresa-, Khalid o los Smashing Pumpkins. Además, Orville Peck amplía ‘Stampede‘ con la segunda tanda de canciones que quedaban por salir.
También se pueden escuchar desde hoy nuevos trabajos de Meshell Ndegeocello y Why?, o la edición deluxe del último de Kacey Musgraves.
Algunos artistas han anunciado nuevo disco esta semana, como Soccer Mommy, Porridge Radio o Father John Misty, quien edita recopilatorio. Otros han seguido adelantando sus próximos proyectos, como es el caso de Magdalena Bay o Confidence Man.
Caribou, en el plano electrónico, y FLO, en el R&B, firman también novedades destacadas este viernes. Se les suman Suki Waterhouse, stivijoes, The Softies, Aleesha, The Flints, Pom Pom Squad, MJ Lenderman, etcétera.
Britney Spears encara nuevo proyecto: su propio biopic, ha confirmado Variety. Universal Pictures ha adquirido los derechos de ‘La mujer que soy‘, el libro de memorias de Spears, y producirá una película basada en el texto con la colaboración de la cantante, «tras una competitiva subasta».
La adaptación a la gran pantalla de ‘La mujer que soy’ será dirigida por Jon M. Chu, director que, este año, estrena ‘Wicked’, con Ariana Grande y Cynthia Erivo en los papeles protagonistas. Marc Platt se encargará de producir la película.
Universal ya ha producido varios biopics, entre ellos, algunos tan exitosos como los de ‘Straight Outta Compton’ de N.W.A. u ‘8 Millas’ de Eminem.
Spears había anunciado en X que trabajaba en un «proyecto secreto» junto al productor Marc Platt, quien se encuentra detrás de sus «películas favoritas».
En ‘La mujer que soy’, Spears narra sus vivencias familiares, sus experiencias en la industria musical y su vida bajo la tutela de su padre, terminada en 2021. Las ventas globales del libro se estiman en 3 millones de copias.
Estos días, Spears ha sido noticia por publicar y luego borrar un mensaje condenando el videoclip de ‘Lucky’ de Halsey -canción que utiliza el estribillo de ‘Lucky’, el éxito de 2000 de Spears- por representarle «de manera superficial». Spears reculaba inmediatamente asegurando que no había escrito ella el mensaje, y que le «encanta» Halsey.
El nuevo remix de ‘BRAT‘ de Charli XCX es el de ‘Guess’, uno de los bonus tracks incluidos en la edición deluxe del disco y, sí, incluye la participación de Billie Eilish, destacada porque Eilish rara vez se ofrece a ser artista invitada en la canción de otro artista. Y mucho menos colabora con otras personas que no sean su hermano, Finneas (‘lovely’ con Khalid y ‘Lo vas a olvidar’ con Rosalía eran oficialmente dúos). ‘Guess’ es el primer proyecto de Eilish en el que la artista ejerce de «feauturing».
El remix de ‘Guess’ es fiel a la producción original de The Dare, tanto que no admite cambios sustanciales de ningún tipo. Se trata de una producción 100% electro, con ecos al ‘Technologic‘ de Daft Punk, sobre la que Charli -y ahora Billie- recitan sus respectivos versos.
Esta vez, ante el desafío de Charli («quieres ver el color de mi ropa interior»), Billie responde aportando una estrofa nueva. Billie no tiene que «adivinar» nada: ella misma compró las bragas que Charli lleva puestas, «en Tokio». Y si Charli piensa que Billie le tiene ganas, la americana confirma: «a Charli le gustan los chicos, pero sabe que me la ligaría».
El videoclip de ‘Guess’ -dirigido por Aidan Zamiri- sigue la estética de los clips de ‘Von dutch’ y ‘360’ primero, y después saca la cabeza al exterior. Billie entra en acción como una apisonadora, estrellando su tractor contra la casa de Charli, y después ambas estrellas se revuelcan en una montaña hecha de sujetadores.
El remix de ‘Guess’ es el quinto de ‘BRAT’, tras ‘Girl, so confusing‘ con Lorde, ‘360’ con Robyn y Yung Lean, y los dos de ‘Von dutch’ con Addison Rae y A.G Cook, y con Skream y Benga.
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Podcast: ‘BRAT’, el disco definitivo de Charli XCX
En 2013 se publicaron dos discos llamados ‘AM‘: uno incluía ‘I Wanna Be Yours‘ y el otro, ‘Señorita’. Pero, al contrario de lo que se piensa, ‘AM’ no fue el primer disco de Abraham Mateo, que, en 2009, con solo diez años, lanzó su debut homónimo tras su paso por ‘Menuda Noche’ (es impagable este vídeo con las versiones mini de dos estrellas pop de nuestro país).
Los programas de televisión de niños, ya sean de música, cocina o registradores de la propiedad, suelen ser una fábrica de juguetes rotos, y ése podría haber sido el caso de Abraham Mateo. De hecho, si los últimos diez años has vivido en España (y especialmente en Andalucía), es imposible que no hayas escuchado/hecho coñas con ‘Señorita’ y su “waticonteia”, por no hablar de otras gracietas-sin-gracia que mejor ignoraremos. Pero él no ha cejado en su empeño y ha seguido sacando temas y discos, entre ellos, alguna producción bastante interesante como la de ‘All the Girls (La La La)’, previa a ‘Loco enamorado’ y a su paso al reggaeton durante los últimos tres elepés. ‘Insomnio’ es su ¡séptimo! trabajo y, sin ser redondo, es quizás el disco en el que más control ha tenido. Es una buena noticia.
‘Insomnio’ confirma que Abraham Mateo tiene mucho talento. ¿Quizás, de no habernos dejado llevar por los prejuicios, habríamos ido viendo pequeños destellos de esto en sus anteriores trabajos? Puede ser. También es cierto que ‘Insomnio’ es un claro salto de calidad, y el cañaílla es consciente de ello: “Era importante hacer entender a la gente que esto es una nueva era, un renacer de algo que ha fluido solo. En este disco me he dejado ver más en la faceta de productor (…) es el disco más personal que he sacado hasta la fecha”, ha declarado hace poco.
La publicación reciente de ‘Tienes que saber‘, el adictivo tema con Naiara (sé que estoy un poco solo en esto, pero me parece la versión mejorada de ‘Quiero decirte’) donde la producción es 100% suya, nos ha hecho profundizar en este ‘Insomnio’ que de hecho incluye otra de sus producciones, la exitosa ‘Clavaíto‘ de Chanel (‘Tienes que saber’ podría perfectamente incluirse en un deluxe, incluso se hace referencia en la letra a un “insomnio crónico”).
Así, aunque en ‘Insomnio’ Abraham se acompaña en la producción de nombres del urban y el pop como Garabatto (Lola Índigo, Quevedo, Luna Ki), Came Beats (Saiko), KICKBOMBO (Belén Aguilera, Vicco), Tunvao (Rels B, Luna Ki), Max Borghetti (Anuel AA, Mora), Rebbel (Pole) o Sherman Music (Maluma), además del cantante David Cuello (en cuyos créditos como productor encontramos una dupla curiosa: Danny Romero y Thalía Garrido); el mejor tema es otra de sus producciones firmadas a solas (repite tras hacerlo en su anterior trabajo con ‘Esta cuarentena’). Se llama ‘El amanecer’ y tiene sentido que cierre el disco, porque se distancia de lo escuchado en él y parece más el típico teaser de lo que escucharemos en el siguiente… y ojalá, porque el acercamiento al techno y una letra más centrada en lo hedonista le sienta como un guante. Por un momento, incluso, parece que Abraham va a decir “essspiraaal”, como en el mítico tema de Germán Bou.
También funcionan muy bien la inicial ‘Me acuerdo de ti’, ‘Bailarina’, ‘Riendo y llorando’ o el medio tiempo ‘Me quedaré’, donde Abraham entrega algún que otro verso tierno como “allí estabas tú cuando no estaba ni yo” o “me quedaré / hasta que sea viejito / ya ni pueda ver”. Además, ‘El emanecer’ viene precedida de la estupenda ‘Desgraciaíta’, una colaboración con Rorro (no, no es la tiktoker que tiene a medio país hablando de trad wife, fundy voice y demás conceptos importados de Estados Unidos, sino la interesante artista de la que os hemos hablado en otras ocasiones). Incluso, superado el shock inicial por atreverse a tocar ‘Maniac’, la verdad es que ‘Maníaca’ tiene su gracia. Sobre todo cuando te la defiende así de bien.
Que Mateo sea buen performer ayuda bastante. Porque, aunque hay unas cuantas canciones en ‘Insomnio’ que bajan el nivel del disco (‘Supermal’, ‘Me di cuenta’, ‘Incomplete’, ‘Falsos recuerdos’, ‘Billete de vuelta’ o incluso el pop-rock con Yatra ‘XQ sigues pasando’), y otras que, como ‘La Idea’, se quedan a la mitad por beber demasiado de su referente, los aciertos prometen. Y, como decimos, es de agradecer que, dentro de los artistas del mainstream en España, Abraham sea de los pocos que se propone servir coño cuando se sube a un escenario. Como pasa con Belén Aguilera (o con Paul Thin, quizás más similar en estilo), se nota que Abraham es un artista pop al que le encanta el pop. Y es un gustazo cuando eso ocurre.
Mucha gente sigue cuestionando su talento en base a las cosas que hacía/decía cuando era un crío. Ese motivo es un poco ridículo, pero, si Abraham sigue avanzando (por ejemplo, cultivando la faceta presente en los temas que cierran este ‘Insomnio’), su siguiente disco puede callar la boca definitivamente a cualquiera que se atreva a cuestionarle agarrándose a eso… lo cual sería aún más ridículo.
Los indicios de fraude electoral en Venezuela, tras la anunciada victoria de Nicolás Maduro, líder chavista, en las últimas elecciones generales celebradas en el país latinoamericano, el pasado domingo 28 de julio, han sumido a Venezuela en el caos social. Miles de venezolanos están saliendo las calles a protestar por la falta de transparencia en la emisión de los resultados electorales, mientras la policía se encuentra reprimiendo duramente las manifestaciones, que han dejado ya seis muertos y 700 detenidos. La oposición, capitaneada por Edmundo González, acusa a Maduro de esconder los verdaderos resultados de las actas electorales y, en España, exigen claridad tanto la derecha (PP) como la izquierda (Podemos).
En el mundo de la cultura no son pocos los artistas relacionados con la música que se han pronunciado sobre la situación política actual en Venezuela, pidiendo transparencia. Alejandro Sanz ha sido de los primeros artistas en cuestionar públicamente la victoria de Maduro. Ha afirmado que «nadie, con un mínimo de sentido común, se puede creer que Maduro ganó las elecciones», y ha tildado la situación de «abuso», apostillando que «lo de Venezuela no se llama democracia si no descaradocracia».
Residente, por su parte, ha pedido específicamente que se hagan públicos los resultados electorales, «mesa por mesa». Para el rapero, «es razonable pedir al gobierno de Venezuela que muestre los datos que en verdad acrediten el triunfo que ha proclamado, para que todo el mundo pueda creerles», y ha pedido a la «comunidad internacional» que intervenga exigiendo transparencia «para que se respete la decisión popular». Residente ha añadido que «el cansancio del pueblo venezolano se siente y se escucha en las calles» y que la población venezolana «pide cambios al actual sistema».
Rubén Blades, en declaraciones parecidas a las de Alejandro Sanz, ha citado los supuestos porcentajes obtenidos durante las elecciones, asegurando que «ese 51% vs 44% no se lo cree ni el pajarito que conversa con Maduro». Randy Malcom, integrante de Gente de Zona, ha comparado la situación política de Venezuela con la de Cuba, dando por cierto también el fraude: «Desgraciadamente, le arrebataron al pueblo de Venezuela el sabor a libertad y ojalá, no sea por 65 años más como los que va a cumplir la dictadura de Cuba. Me entristece ver como los sueños de libertad de millones se desvanece».
Más escueta, Nathy Peluso ha mostrado su apoyo a Venezuela también, destacando la «fuerza descomunal» y el «arte» de su población.
Arca, venezolana de nacimiento, ha acusado al gobierno de Venezuela de «dar a Maduro como ganador de manera fraudulenta» en unas elecciones que considera «amañadas». En una serie de mensajes, Arca ha pedido el «fin del régimen autoritario» de Maduro y ha exigido que el gobierno actual deje de «permanecer en el poder a base de modificar la Constitución y de defraudar» a los votantes. También ha pedido «cambio» para que Venezuela deje de ser «ese país corrupto del que todo el mundo emigra en busca de una vida mejor, desde hace ya más de una generación». Ningún país, afirma Arca, debería poder «salirse con la suya» después de cometer fraude electoral.
Otro famoso artista de Venezuela, Carlos Baute, también da por hecho que en Venezuela «hubo fraude», y critica la dura represión que se vive en las calles: «Matan jóvenes inocentes y se llevan preso al pueblo que alza la voz», escribe Baute, que se muestra «con ganas de cambios y sueños».
En 2024 ha pasado tiempo suficiente para que la nostalgia del «indie sleaze» vuelva a nuestras vidas. Se ha visto en la moda, se ha visto en el cine (‘Saltburn‘), y se ha visto en la música, pues a esa época remite ‘BRAT‘ de Charli XCX, quien estuvo allí -de adolescente- aunque lanzara su primer disco unos años más tarde. Justice pusieron al mundo a bailar en la época con ‘D.A.N.C.E.’ y su remix de ‘We Are Your Friends’ de Simian y, en los años siguientes, no solo no han parado, sino que han seguido evolucionando su excitante mezcla de electrónica y sonidos metaleros, reflejada en su propia manera de vestir.
Quizá cuando nadie lo esperaba, pues de hecho han pasado ocho años desde que editaron su último disco, ‘Woman’ (2016), Justice han publicado una de las mejores obras de su carrera. En ‘Hyperdrama‘, Xavier de Rosnay y Gaspard Augé suenan más Justice que nunca, pero también suenan mejor, solos o acompañados de sus amigos Tame Impala o Miguel, mientras la música ofrece un excitante viaje a través de diferentes ritmos y estilos que combaten por hacerse oír como si de una batalla en el espacio se tratase. Es el Disco de la Semana.
JENESAISPOP tiene ocasión de reunirse con Xavier y Gaspard un rato en el día que actúan en Primavera Sound, donde ofrecen uno de los conciertos destacados de la jornada. Xavier se muestra hablador y de hecho es quien contesta la mayoría de preguntas, mientras Gaspard prefiere mantenerse en segundo plano, escondido tras sus gafas de sol.
¿Por qué habéis tardado ocho años en sacar disco?
Xavier: No es que hayamos tardado ocho años, en realidad hemos estado ocupados con otros proyectos. El disco anterior, ‘Woman’, salió en 2016, la gira terminó en 2018 y, a continuación, publicamos ‘Woman Worldwide’, el disco en directo. ‘Iris’, la película del concierto, salió después. Cuando terminamos con todo esto ya era 2019. Después nos tomamos un descanso, Gaspard sacó un disco solo, ‘Escapades’… Empezamos a trabajar en este nuevo disco en 2020 y nos ha llevado tres años terminarlo. En realidad nunca hemos parado, las cosas llevan su tiempo y a nosotros no se nos da bien hacer múltiples cosas al mismo tiempo. Si hacemos la gira, nos ocupamos de la gira, y si hacemos un disco, nos ocupamos del disco. Y, al hacer todo nosotros solos, nos lleva más tiempo.
¿Alguna parte del disco se trabajó en la pandemia?
Xavier: Nada de nada… Empezamos a trabajar en el disco justo antes de la pandemia y, cuando llegó el encierro, detuvimos el trabajo. Nos vino bien aislarnos durante un par de meses, aunque sabemos que la pandemia fue horrible por otros motivos. Y cuando el encierro terminó, allá por julio de 2020, retomamos el trabajo en el disco.
Tame Impala no tiene featurings en sus discos, pero le gusta colaborar con otros artistas. ¿Qué destacáis de la faceta colaborativa de Kevin Parker?
Xavier: (Kevin Parker) tiene mucho talento como compositor y productor, pero lo que nos llama la atención de su música es que parece simple, pero no lo es. Cuando escucho un nuevo disco de Tame Impala, en principio me gustan una o dos canciones, pero, con el tiempo, me doy cuenta de que me gustan todas, y todas terminan formando parte de mi vida. Cuando le ves en concierto te das cuenta de que toca 20 canciones y de que todas son hits.
Las melodías que canta Kevin en ‘Neverender’ y ‘One Night/All Night’ parecen simples, pero cuando trabajas con él te das cuenta de todo el curro que tienen detrás, de toda la intuición natural que pone Kevin a las grabaciones. Con ‘Neverender’ nos volvía loco porque usaba una nota que no nos encajaba, pero después, mezclada con la música, tenía todo el sentido del mundo. En el disco a veces hemos repetido melodías de diferentes canciones para darle continuidad al conjunto, pero la melodía de ‘One Night/All Night’ va a su bola y no encaja con ninguna otra del disco.
‘Afterimage’ me parece una catedral sonora. ¿Qué me podéis contar de ella?
Xavier: ‘Afterimage’ nos tomó mucho tiempo resolverla. La base de la canción la apañamos enseguida, pero ninguna de las voces que probamos nos encajaba. Entonces, al final de la grabación, conocimos a RIMON y ella encontró la pieza de la canción que faltaba. El cambio de ritmo al final de ‘Afterimage’ se nos ocurrió más adelante. A veces das rápidamente con el concepto de una canción, pero hasta que la terminas pueden pasar dos años y medio.
He leído que todos los samples del disco los habéis creado vosotros. Gaspard, no sé si quieres contestar esta pregunta…
Gaspard: Hemos usado samples de otros temas, pero la mayoría de samples los hemos creado nosotros para poder hacer todo a nuestro gusto. Nos gusta crear nuestros propios loops y usarlos en la música porque añaden armonías y aspectos interesantes a las grabaciones.
Xavier: Creo que nadie ha entendido muy bien lo que hemos querido decir con esto. Cuando decimos que queremos que nuestra música suene como si usara muchos samples, lo que queremos decir es que estamos procesado la música sin parar. En ocasiones hemos usado samples, claro, pero en general trabajamos en una canción y la mezclamos, la importamos, la volvemos a mezclar, la procesamos una y otra vez.
Ponme un ejemplo.
Xavier: ‘Incognito’, por ejemplo, el loop principal es todo sintetizadores, salvo una parte que encontramos en internet. En ‘Incognito’ grabamos cuatro o cinco capas de sintetizadores, la mezclamos, la pasamos por diferentes procesos, la importamos, y repetimos este proceso varias veces hasta que era imposible diferenciar qué es un sample, qué no, dónde está el bajo… Queríamos que la grabación sonara así. Por eso todas las canciones del disco suenan tan compactas, la mayoría las hemos trabajado de esta manera.
Últimamente en el pop se samplean sin parar éxitos de los 80 y 90, como David Guetta fusilando el ‘Blue’ de Eiffel65.
Xavier: Una cosa es samplear y otra hacer versiones de mierda de éxitos antiguos.
¿No creéis que la industria necesita airearse un poco?
Xavier: No somos nadie para opinar sobre lo que necesita la industria. La diferencia, en mi opinión, está en lo que digo. Si sampleas ‘Blue’ es porque buscas un hit y usas una canción que es conocida. Nosotros creamos nuestros propios samples porque no queremos usar algo que ya está hecho y porque añaden una textura a la música que nos gusta. Y no opinamos nada de la industria, la gente puede hacer lo que quiera.
«No somos nadie para opinar sobre lo que necesita la industria»
¿Saben vuestros hijos qué es el “indie sleaze”?
Xavier: Lo sabrán pronto porque el revival no ha terminado. Imagino que para la gente de esa generación es lo mismo que para otros la época de la new wave o la música disco.
¿Qué recordáis de esa época? Vosotros estabais allí de hecho poniendo la banda sonora…
Xavier: Fue una época divertida. Lo que ocurre cuando formas parte de un movimiento, es que siempre surge un grupo de gente que decide que va a escuchar cierta música, vestir de cierta manera, comportarse de cierta manera… Es el «zeitgeist», no se puede explicar. Somos afortunados de haber estado en el lugar oportuno en el momento adecuado.
El country vuelve a estar de moda. ¿Qué opináis?
Xavier: Recuerdo que hace diez años sonaba una mezcla de country con beats de EDM… Nosotros somos muy abiertos de mente con la música, escuchamos muchas cosas. Country no es una de esas cosas, es una cosa muy americana, pero tiene que haber algo para todo el mundo. Y nos encanta el look de los artistas de country. Orville Peck me encanta, y me encanta su personaje.
Cada vez lleva la máscara más corta, al final se la terminará quitando.
Xavier: ¡Espero que no! Seguro que es guapo, pero el personaje es tan chulo…
¿Sabíais que era un artista de punk antes?
Xavier: Sí, no me sorprende porque no canta country como todo el mundo. Lo que quiero decir es, aunque en la música pasen cosas que no entendemos, nuestra posición es la de no juzgar.
WiZink Center ha publicado un comunicado en el que recrimina a Travis Scott, que acaba de traer su gira ‘Utopia’ a Madrid, los días 30 y 31 de julio, haber incumplido las «normas del recinto en materia de emisión de sonido», normas establecidas «para no afectar a los vecinos de los edificios próximos».
La amonestación de WiZink Center a Travis Scott consiste en que «previamente a una futura nueva actuación en el recinto madrileño», el rapero estadounidense «deberá asumir garantías extraordinarias de cumplimiento de las normativas internas».
El WiZink Center detalla que «tiene establecido por contrato con los promotores que alquilan el espacio un máximo de emisión de sonido de 102 dB en las bandas hasta los 100 Hz y un máximo de 105 dBA», límite que el rapero «ha incumplido alcanzando cotas de 120 dB en los subgraves». Según WiZink Center, Scott fue alertado repetidas veces de su infracción, «a través de sus promotores e, incluso, directamente a sus técnicos de sonido», pero que se superaron los límites de sonido en ambas fechas.
En el texto, WiZink Center recuerda que ha invertido una gran suma de dinero para aislar acústicamente el recinto, pero que «es necesaria la colaboración de los artistas y bandas» para reducir las emisiones «para no afectar al exterior» y también a los propios asistentes, cuya salud puede verse afectada por el impacto «nocivo» de un «volumen demasiado elevado».
El comunicado de WiZink Center pretende sobre todo ser una llamada al sector musical para que se respete la normativa medioambiental en los festivales y conciertos, «para que los conciertos, festivales o cualquier tipo de actuación musical, tanto en espacios cerrados como abiertos, y especialmente si son urbanos, sean respetuosos con el entorno y todos hagamos nuestros mayores esfuerzos para minimizar su impacto en el vecindario».
Jack White ha dado la sorpresa estos días lanzando un nuevo disco de una forma única: regalándolo con una compra en las tiendas Third Man Records, disponibles en Londres, Nashville y Detroit. Cabe destacar que Third Man Records fue fundada por White en 2001. Finalmente, el disco de White, titulado ‘No Name’, se publica de forma oficial este viernes 2 de agosto.
Algunos afortunados clientes de estas tiendas de discos se han encontrado recientemente una copia de un misterioso vinilo junto a su compra. La portada, sin información sobre el contenido aparte de una etiqueta en la que se podía leer «Sin nombre». Según Rolling Stone, el publicista de White tampoco era consciente de este lanzamiento sorpresa.
Al mismo tiempo, la estación de radio de Detroit WDET, situada en la misma calle que la tienda de Third Man Records, emitió el disco completo en directo, subiéndose a YouTube posteriormente. Aunque no se conoce si el disco tendrá un lanzamiento en físico más extendido, los suscriptores al servicio de Third Man Records también han recibido el disco en su correo electrónico.
Disponible de forma online, el disco deja claro que es obra de Jack White, con una serie de potentes temas de blues y rock con sus reconocibles riffs.
El esperado segundo disco de Jamie xx, ‘In Waves‘, se publica el próximo 20 de septiembre repleto de interesantes colaboraciones, entre ellas la de Robyn en ‘Life‘, la de todos los xx en ‘Waited All Night’, y también la de los Avalanches en el nuevo single que se acaba de dar a conocer.
En ‘All You Children’, Jamie xx y los Avalanches -el dúo australiano formado por Robbie Chater y Tony Di Blasi- unen fuerzas sampleando dos joyas desconocidas de los años 70, por un lado, ‘Dance Poem’ de la poeta estadounidense Nikki Giovanni y, por otro, las voces de un disco infantil hebreo, en concreto las de un tema llamado «el vestido de Sabbat».
‘All You Children’ vuelve a ser una producción excitante de Jamie xx con la que el productor británico crea magia a través de los dos samples citados, por supuesto mano a mano con los Avalanches. En ‘All You Children’ el texto recitado de Giovanni, que invita a «bailar, juntarse y dejar de llorar», suena ya no tierno, sino imperativo. Parece hecho para acabar en una producción como esta, diseñada en el estilo del techno-house clásico.
En la Canción Del Día de hoy, las voces aniñadas de «el vestido de Sabbat» aportan el acabado «Avalanches» a ‘All You Children’, tanto que los Avalanches, tan fans de este tipo de sonido, ya habían usado este sample anteriormente, en su tema de 2016 ‘Sunshine‘, incluido en ‘Wildflower‘.
Como recordaréis, Jamie xx y los Avalanches ya habían colaborado en ‘Wherever You Go’, tema incluido en el último álbum de los australianos, ‘We Will Always Love You‘ (2020).
La lista de álbumes de España sigue encabezada por Karol G y su ‘Mañana será bonito‘, disco que ha vuelto al número 1 con razón de los recientes conciertos de Karol G en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid, a pesar de que cuenta con más de un año de vida. En el puesto 2 se mantiene ‘La libreta roja’ de Chiara Oliver, y en el 3 entra el nuevo EP de Cruz Cafuné’, ‘blu€s’, que aparece casi en su totalidad también en la lista de singles.
El top 10 deja otras dos entradas y ambas pertenecen al género k-pop. Stray Kids, en primer lugar, coloca su disco ‘Ate’ en el puesto 6. Y en el 8 aparece Jimin con ‘Muse’. Jimin, integrante de BTS, es el actual número 1 de la tabla global de Spotify con ‘Who’.
En 26ª posición aparece por primera vez el lista el nuevo disco de Pablo López, un directo llamado ‘Pab10 Lopez en Conciert10’.
Una de las entradas más interesantes de la lista la firma Childish Gambino con su nuevo disco, ‘Bando Stone & the New World’. Donald Glover, que alguna fuera número 1 de visitas en Youtube España con el videoclip de ‘This is America‘, coloca «Bando Stone» en el puesto 89 de la tabla de álbumes española. Es uno de los peores datos comerciales de «Bando Stone» en general, pero también es un pequeño éxito para Childish Gambino en España, pues ninguno de sus discos había entrado antes en lista.
El mejor dato de ‘Bando Stone & the New World’ es un empate en Canadá y Noruega en el puesto 17. En Estados Unidos, el disco ha entrado en el puesto 16, por detrás del top 5 de ‘«Awaken, My Love!»‘; y en Reino Unido ha quedado en un puesto 33.
Las dos últimas entradas en la tabla de álbumes española pertenecen también a trabajos originales. Por un lado, Deep Purple, el gigante del hard rock, sitúa ‘=1’ en el 42, y Danny Ocean coloca su nuevo EP, ‘Venequia.’, en el 76.
Esta semana la lista de Singles España presenta interesantes novedades. No en el número 1, sin embargo, que sigue representado por Karol G con su ‘Si antes te hubiera conocido’, una de las claras canciones del verano de 2024. ‘Potra salvaje‘ de Isabel Aaiún sigue en el 2 y ‘Goteras’ de Omar Montes y JC Reyes en el 3.
Cruz Cafuné acapara varias entradas en la lista de Singles España con su nuevo EP, ‘blue$’. Cinco de sus seis cortes aparecen en lista: ‘La raíz d€l mal’ entra en el puesto 43, ‘Do it for th€ Gram’ en el 60, ‘Rang€ Rov€r’ en el 65, ‘M€ntiras’ en el 67 y ‘Casado con el ju€go’ en el 97. El único tema de ‘blue$’ que no entra en lista es una intro de 40 segundos.
La entrada más fuerte en lista la firma Rauw Alejandro con ‘Déjame entrar’, que debuta en el puesto 39. Después, Abraham Mateo y Naiara colocan ‘Tienes que saber‘, su prometido single conjunto, en el número 49 (Naiara ya había debutado en la tabla de singles con su versión de ‘La gata bajo la lluvia‘, en el puesto 91).
Unas posiciones por debajo, en el 86, coloca Sevdaliza su actual éxito internacional, ‘Alibi‘, junto a Pabllo Vittar e Yseult. Vieja conocida de los festivales de vanguardia, Sevdaliza está logrando este verano el mayor éxito comercial de su carrera.
‘Mis tías’, el single de Juanjo Bona escrito junto a El buen hijo, supone la última entrada de la semana en la lista de singles española, saludando desde el puesto 98. Bona ya había sido número 1 en la lista de álbumes española con su recopilatorio de Operación Triunfo.
La curiosidad de la semana la protagoniza La Oreja de Van Gogh, que vuelve a meter ‘Rosas’ en la lista de singles tras la aparición sorpresa de Amaia Montero en un concierto de Karol G en Madrid. ‘Rosas’ ya coronó la lista de Promusicae en 2003, y ahora entra en 70ª posición.
Esta misma semana, Charli xcx desvelaba el inesperado remix de ‘Club classics’ con BB trickz durante su Boiler Room en Ibiza. Hoy, ha hecho un teaser de otra colaboración. Aunque no se ha revelado el artista que acompañará a la británica en ‘Guess’, muchos usuarios afirman que es obvio que se trata de Billie Eilish.
«Quieres adivinar el color de mi ropa interior / Quieres saber lo que tengo montado ahí abajo», cantaba Charli en la canción, que llegó con la versión extendida de ‘brat’. De ahí que la portada del remix, que es lo único que ha subido la cantante a redes, muestre a las dos artistas enseñando su ropa interior. Aunque de primeras podría ser cualquiera, todo apunta a que se trata de Billie Eilish.
La prueba más clara a favor de la cantante de ‘LUNCH’ está en los anillos que esta porta y que aparecen en la portada, con numerosos usuarios señalando la obviedad en el post de Instagram. Por otro lado, el inconfundible estilo de Eilish también cuadra con lo que vemos en la imagen. De ser así, Charli xcx tiene otro pelotazo entre manos después del gran éxito de ‘Girl, so confusing’ con Lorde.
Dentro del mundo del country, Zach Bryan es uno de los nombres más importantes de la actualidad. Su forma de escribir, con el corazón en un puño, y su expresiva voz han conseguido auparle a lo más alto de las listas del género. Tan solo un año después de su álbum homónimo con el que se presentó a un público más mainstream, llega ‘The Great American Bar Scene’, el quinto trabajo del prolífico cantautor de Oklahoma.
La estructura es muy similar a la de su anterior proyecto, comenzando con un poema y transitando por diferentes estilos relacionados con el country y americana como el heartland rock o el folk alternativo, y contando con artistas invitados en varias pistas. La colaboración más significativa en esta ocasión es la de Bruce Springsteen, invitado de honor en ‘Sandpaper’ y una de las influencias más evidentes de ‘The Great American Bar Scene’. Sus voces se compenetran con armonía en un corte que logra converger los estilos de ambos con fluidez. Otra de las voces que se unen al viaje de Bryan es John Mayer en ‘Better Days’, una agradable y sentida balada country sobre mantenerse positivo ante la inminente llegada de días mejores.
En ‘Pink Skies’, el dúo Watchhouse acompaña al cantante en una poderosa y devastadora canción de country tradicional sobre asistir al funeral de un ser querido. John Moreland y Noeline Hoffman completan la lista de colaboradores regalando sus voces a ‘Memphis; The Blues’ y ‘Purple Gas’ respectivamente. Esta última destaca por el precioso contraste entre la voz grave de Bryan y la dulzura de Hoffman de forma parecida a su ‘I Remember Everything’ con Kacey Musgraves.
A lo largo de 19 pistas y poco más de una hora de duración, el artista hace gala en numerosas ocasiones tanto de su excelente escritura íntima y pasional como de su buen gusto en las producciones. Las canciones a menudo transitan por lugares comunes del country, pero la manera en la que Bryan narra estas nostálgicas historias de la América profunda es siempre conmovedora y profunda.
En la larga carretera por la que nos lleva el artista, aunque no es continuamente apasionante, encontramos varias cimas bien altas. ‘Oak Island’ es una de las más evidentes, una canción que deslumbra con una narración sobre huidas, persecuciones familiares y peleas de bar. La producción es excelente: una intensa y vibrante aventura con percusiones juguetonas, ligeros toques de violín y frenéticos riffs de guitarra.
La maravillosa balada ‘28’ también ofrece uno de los momentos más emocionales y devastadores del proyecto, donde Bryan reflexiona sobre su traumático pasado y celebra la tranquilidad y el amor que le da su actual pareja. A su vez, es difícil no sentirse conmovido con la melancolía tan sincera de ‘Mechanical Bull’ o de la canción titular. Mientras en ‘American Nights’, el artista se inclina más al rock tipo Springsteen, en una canción que suena tan clásica como contemporánea y que merece ser cantada en grandes estadios.
En ‘The Great American Bar Scene’, Zach Bryan no busca desmarcarse de todo aquello que hizo de su álbum homónimo en un éxito. La fórmula es la misma, pero lejos de agotarse, el artista demuestra el estado de gracia artístico en el que se encuentra. Dentro del proyecto hay canciones más inspiradas que otras, pero el nivel como compositor y letrista que aquí alcanza en sus momentos más álgidos, no deja lugar a dudas de que estamos ante un cantautor destinado a hacer cosas (aún más) grandes.
Tres niñas murieron ayer tras ser apuñaladas durante una fiesta temática de baile y yoga inspirada en Taylor Swift en Southport, al noroeste de Inglaterra. Las tres víctimas mortales tenían 6, 7 y 9 años. La niña de 9 años ha muerto en el hospital a causa de sus heridas. Ocho niños y dos adultos permanecen hospitalizados. Ambos adultos, y cinco de esos niños, se encuentran en estado grave.
Se ha arrestado a un chico adolescente de 17 años como supuesto perpetrador del ataque. Se le acusa de asesinato e intento de asesinato. Según informa la policía, el detenido ha sido identificado «incorrectamente» en redes sociales, con muchos usuarios relacionando el crimen con un ataque islamista.
De esta manera, manifestantes de extrema derecha han usado hoy esta información falsa como excusa para traer «violencia y desorden» a las calles de Southport, enzarzándose en enfrentamientos con la policía. Esto ha ocurrido durante una vigilia pacífica en memoria de las víctimas del terrible ataque. Los manifestantes, según medios locales, han tirado ladrillos a las mezquitas locales, prendido coches en llamas y empleado la violencia física.
La policía también ha informado de que muchas de las personas envueltas en el altercado no son locales, por lo que han tenido que viajar hasta Southport para unirse a los destrozos. La red se ha llenado de vídeos de los sucesos y uno se ha hecho especialmente viral. En el clip, uno de los extremistas es golpeado en la entrepierna con una roca.
Swift publicó un mensaje en redes expresando su «shock» por la tragedia. «No puedo dejar de pensar en el horror del ataque de ayer en Southport y estoy completamente conmocionada. La pérdida de vidas y de inocencia, el horrible trauma inflingido en todas las personas que estaban allí, en las familias y en los profesionales de emergencias. Solo eran niñas en una clase de baile. No tengo palabras para expresar mis condolencias a estas familias». Más tarde, se ha sabido que dos fans de la cantante han lanzado un fundraiser para ayudar a las familias afectadas por la tragedia.
Rioters just set an industrial wheelie bin alight and rammed it at police riot shields. Officers charged back but then retreated. pic.twitter.com/ParTbxrTES
Santander Music celebrará su edición más internacional los próximos 2, 3 y 4 de agosto en la maravillosa Península de La Magdalena. Junto a los conciertos de Louis Tomlinson o Honey Dijon, tampoco faltarán los mejores nombres del panorama nacional, como pablopablo o Mikel Izal. Estos son los artistas imprescindibles que debes ver.
Todavía quedan abonos generales, a un precio de 69 euros, y entradas de día a 45 euros. Además, con precio reducido el domingo, en la jornada de Brunch Electronik. Disponibles en la web del evento.
Louis Tomlinson
El ex miembro de One Direction, una de las boy bands más exitosas de la historia, es el plato fuerte del festival cántabro. En 2022, el cantante británico lanzó su segundo disco, ‘Faith In The Future’, por lo que en Santander podremos disfrutar de temazos como ‘Out Of My System’ o ‘Bigger Than Me’, al igual que de los gritos de las directioners, seguramente.
Honey Dijon
La DJ y productora estadounidense es una de las apuestas de house más excitantes del momento. Ha actuado alrededor de todo el mundo y a finales de 2022 lanzó ‘Black Girl Magic’, uno de nuestros discos favoritos de ese año. Recientemente, colaboró con Jamie xx en la canción ‘Baddy On The Floor’. Todo esto lo presentará el domingo en Brunch Electronik.
Mikel Izal
El compositor y cantante pamplonés es uno de los nombres más sólidos del pop-rock nacional. Tras su paso por IZAL, emprendió una exitosa carrera en solitario que nos ha brindado ‘El miedo y el paraíso’, su primer LP. Tras ser operado de urgencia en el menisco recientemente, ha estado presentando sus últimos conciertos en muletas, como ya vimos en Low. Aun así, no faltará espectáculo ni himnos como ‘Copacabana’ o ‘El paraíso’.
pablopablo
Protegido de C. Tangana, a quien ha acompañado en el ‘Sin Cantar Ni Afinar Tour’, es una de las promesas más excitantes de nuestro país. Pablo Drexler ya nos conquistó con su último lanzamiento, la emocionante ‘Mi Culpa’, y seguirá haciéndolo con su directo. ‘Otra Vida’ y ‘Sidekick’, junto a Guitarricadelafuente, también son esenciales.
Ginebras
Magüi, Sandra, Raquel y Juls siempre regalan uno de los conciertos más divertido y eléctricos de cualquier festival gracias a himnos como ‘La Típica Canción’ o ‘Paco y Carmela’. Tampoco bajan el nivel en ‘¿Quién es Billie Max?», su segundo disco, que lo presentarán en La Magdalena este viernes.
Alba Morena
La compositora y productora salouense no es de los nombres más conocidos del cartel, pero eso no significa que su directo sea menor. De hecho, es uno de nuestros favoritos. Con un vozarrón y un humor enormes, Morena presentará las canciones de ‘Yo te quiero pero’, que cobran otra dimensión en vivo.
Sen Senra
El artista gallego trae algo interesante con cada lanzamiento. Recientemente, lanzó la mágica ‘Hermosa Casualidad’ junto a Aitana y ‘Ataúd’ como parte del macroproyecto de ‘PO2054AZ’, dividido en tres volúmenes de los cuales solo hemos recibido uno.
Dani Fernández
Al igual que Tomlinson, Dani Fernández también fue integrante de una boy band antes de tomar su propio camino. En este caso, de Auryn. Estará en Santander presentando los temas de ‘La Jauría’, disponible el próximo 25 de octubre.
La La Love You
Nadie alcanza el éxito de la noche a la mañana, pero lo de La La Love You estuvo de cerca. ‘El Fin del Mundo’, su colaboración con Axolotes Mexicanos, lleva en las listas españolas desde hace 104 semanas, y no parece que se vaya a ir dentro de poco. ‘No se te puede dejar nada’ es su último lanzamiento.
Aiko el grupo
Un grupo con raíces cántabras no podía faltar en nuestra lista, aunque solo sea por dos de sus integrantes. Teresa, Lara, Bárbara y Jaime se han hecho un hueco en la escena underground gracias a canciones tan divertidas, irreverentes y llenas de distorsión como ‘A mí ya me iba mal de antes’ o ‘Arroz con ketchup’.
Hace más de 2.000 años, el Circus Maximus era el mayor estadio del Imperio romano, con capacidad para más de 150.000 personas. En 2024, es un concierto de Travis Scott. La superestrella del trap ha regresado a España por primera vez en 6 años con dos fechas exclusivas en el Wizink Center de Madrid, y todavía hay entradas para hoy.
Primitivo. Tribal. Rachetas y ragers only. Los conciertos del rapero de Texas tienen un ambiente único y una reputación ganada a pulso, pero no necesariamente positiva. Hace casi una semana, las 85.000 personas que asistieron a la fecha de Scott en Milán saltaron tanto que las autoridades italianas recibieron numerosas llamadas preguntando si estaba produciéndose un terremoto. En agosto de 2023, en la ubicación del Circo Máximo original, los pogos fueron tan potentes que se registró un temblor de magnitud 1.3 en la escala de Richter.
Por otro lado, el lema de «No es un moshpit si no hay heridas» que Travis canta en ‘STARGAZING’ cobró un lado macabro en noviembre de 2021, después de que una estampida colectiva durante su concierto en el festival de Astroworld, su propio evento, dejase diez fallecidos y más de 300 afectados.
Con este background, sigue habiendo personas que prefieren el caos de la pista a la tranquilidad de la grada, pero hay un porqué. Los conciertos de Travis Scott no van tanto sobre la música, sino sobre la experiencia, y para algunos la de anoche seguramente fuese una de las más intensas de su vida. Estos son los gladiadores del siglo XXI. ¿El anfiteatro? Un Wizink Center acomodado con una pantalla absurdamente grande donde normalmente estaría el escenario, que ha sido trasladado al centro de la pista en forma de plataforma alargada imitando las ruinas de ese paraíso perdido que Scott sigue buscando.
La estructura remite directamente a su intentona de actuar en las pirámides de Guiza, con unos grabados de extraños personajes al estilo del multidisciplinar George Condo. Este también se encargó del apartado artístico de ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’, y los parecidos son ciertamente razonables. «Pero si parece una peli, por favor, qué locura», exclamaba atónito un asistente al presenciar lo que habían montado.
Media hora antes del circo, se nota el hype en el aire. Lo único que se ve en la pista son las cabezas de los valientes y el movimiento de los abanicos a toda máquina. Dos horas después, todos estos jóvenes inundarían los puestos cercanos al Wizink, sedientos de agua. «¿Coca-Cola? ¿Nestea?», preguntaba un vendedor. «No, no, solo agua», insistía un chico que parecía salido de la guerra. La aparición de Chase B, hypeman y DJ, advertía del inminente comienzo del show. Este no es nada menos que espectacular.
«Saludos desde Utopia. Antes de que empiece el espectáculo, abrid esa mierda», dice una voz femenina animando a los asistentes a partirse la cara, amistosamente, desde el primer minuto. A la vez, unas infernales letras rojas en las que se lee ‘CIRCUS MAXIMUS’ aparecen en la pantalla. Inmediatamente, vemos a Travis, en su atuendo de quarterback salido de Mad Max, dirigirse al escenario con toda la calma hasta que sale volando al escenario mientras suena la caótica percusión de ‘HYAENA’.
Es un momento muy intenso en el que solo importan las llamas, que inundan tanto la base como el techo del recinto, y los botes del público. ‘THANK GOD’ y ‘MODERN JAM’, que llenó la sala de vivos colores, se suceden de seguido, con la voz de Travis siendo una amalgama perfecta de reverb y autotune.
En el primer momento de calma, Travis es sorprendentemente gracioso: «Qué tal bebé», suelta antes de mandar amor a la ciudad de Madrid. «Este es el hogar del toro, el hogar de los matadores, el hogar de los ragers». Scott habla de manera acelerada, como ansioso, pero en un tono normal, por lo que no se le entiende del todo bien. «Se suponía que íbamos a ir a un estadio, pero no llegamos a tiempo». Los vecinos del Bernabéu han tenido suerte.
El resto de parones se dieron a favor de conectar más con el público. Una de las estrategias de Travis para conseguir esto consiste en alumbrar con el foco a diferentes secciones de las gradas para ver de cerca a los asistentes en la pantalla. Cuando veía a alguien sentado, no seguía el show hasta que la persona se levantase, llegando hasta abuchearlos delante de todo el Wizink. «Que alguien les diga que se levanten de una puta vez», refiriéndose a una pareja sentada en las gradas más altas del recinto. Puede ser brusco, pero es divertido. Claro, cuando mandaba levantar las manos o cantar una parte, no quedaba otra que obedecer por miedo a ser humillado. Por otro lado, también sacó a cuatro personas a bailar con él en el escenario ‘sdp interlude’ y ‘Type Shit’.
El concierto es un repaso a toda su carrera, incluyendo canciones tan tempranas como ‘Upper Echelon’ o ‘Mamacita’, pero con el foco puesto en ‘UTOPIA’. Algunas como ‘Praise God’, que empezó con un bang que sacudió todo el recinto, o ‘Antidote’, que dejó literalmente 10 segundos, son acortadas a servicio del show. Tampoco faltan clásicos como ‘90210’, fácilmente su mejor canción, o ‘BUTTERFLY EFFECT’, uno de los momentos en los que la pirotecnia fue protagonista. A propósito de esto, el fuego es lo mínimo que hay en cada set. De ahí, hasta el momento de locura absoluta desatado con ‘FE!N’. Cualquiera que tenga un problema de fotosensibilidad o epilepsia, mucho cuidado. Yo nunca he sufrido nada de este tipo, pero las luces son extremadamente potentes.
Este es uno de los momentos de mayor intensidad del concierto, con Travis pinchando el tema cinco veces seguidas, a cada cuál más arrolladora. Las canciones de más hype son las que más se benefician de la interminable energía del estadounidense. Sin embargo, los momentos más reflexivos, como el de ‘MY EYES’, también conseguirán satisfacer a los fans que disfrutan íntegramente de la música.
Las casi dos horas de concierto se pasan como si nada. Después de la fiesta colectiva con ‘goosebumps’, el set llega a su fin con ‘TELEKINESIS’. Llegados a este punto, y en grada, es normal estar sudando a tope. No me quiero imaginar estando en pista. Vemos a Travis cantar el tema con SZA y Future mientras la cámara le sigue hasta su camerino, pasando por todas las salas internas del Wizink. Es una gran forma de irse disimuladamente. Travis Scott sigue buscando Utopia. De momento, sin éxito, pero le está quedando un viaje apasionante.
Judeline sigue presentando los temas que formarán parte de su esperado álbum debut, que saldrá en 2024 a través de Interscope Records y Sonido Muchacho. ‘Mangata’ es oficialmente el primero de esos adelantos, e ‘INRI’ el segundo. Se desconoce si ‘Zahara’ o ‘Canijo’ formarán parte del proyecto.
En ‘INRI’, Judeline sigue mezclando estilos y referencias. La base -firmada a cuatro manos por Mayo, Tuiste, Browni y Rob Bisel- se inspira en el afrobeat, uno de los géneros de moda. La voz susurrada -insignia de Judeline- no renuncia al filtro urbano que ha definido el siglo XXI. Y los ecos andaluces de las percusiones recuerdan que Lara Fernández procede de Cádiz.
La riqueza de ‘INRI’ es evidente también en un letra que incluye referencias a la cultura árabe. En el texto, Judeline se dirige a un «habibi» que la tiene enamorada (la figura del «habibi» ha estado presente últimamente en temas de Mushkaa o La Cebolla). Este chico habla «dariya», es decir, árabe marroquí o magrebí. Con su «habibi», Judeline se quiere casar. Canta que es el «plan de Dios». Otro matiz, el religioso.
Sin ir más lejos, la palabra «INRI» es sigla de la inscripción latina «Iesus Nazarenus Rex Iudaeorum», que se traduce al español como «Jesús Nazareno, Rey de los Judíos» (de esta inscripción nace la expresión «para más inri»). Judeline viene a decir que la unión con su «habibi» cuenta con aprobación divina. En el estribillo, canta «bendecida por el INRI». Antes usa la expresión «hali hali ya», que, parecido al «yeli yeli», puede ser una referencia al canto gitano de honor a la novia.
La historia de amor divino de ‘INRI’ se lleva al siguiente nivel en un videoclip rodado en Andalucía, lleno de imágenes impresionantes y cargado de iconografía religiosa.
A menudo en la industria musical, se habla de burbuja festivalera. Cada vez que un festival deja de celebrarse o cuando pensamos en la cantidad de eventos que coinciden entre sí, incluso durante el mismo fin de semana. Pero parece que por cada festival que deja de celebrarse, como Paraíso, nace otro nuevo, como Kalorama. Algo de lo que hablamos en el nuevo episodio del podcast ALGO CAMBIÓ… que JENESAISPOP realiza en colaboración con Fundación SGAE.
Su director, Rubén Gutiérrez, nos trae unas cifras recién salidas del horno, sobre lo que se recaudó en 2023 en los festivales de nuestro país. A diferencia de otras artes escénicas, los números pre-pandemia ya se han recuperado: «La respuesta es un rotundo sí. Tenemos un incremento de asistencia del 15% en las cifras en 2023, respecto a 2022. Esto nos sitúa por encima de lo que había en pandemia. En recaudación estamos un 40% más en ingresos vía taquilla que en 2019. La gente dedica su dinero a esta alternativa frente a otras. La parte de salas también crece y ya se está poniendo al mismo nivel que en 2019».
Indica en otro momento: «La recuperación de los festivales ha sido rapidísima. Los festivales están haciendo unas políticas que son tendentes a sostener. Están viviendo un crecimiento sostenido, no explosivo. Algunos limitan el aforo, crecen por días pero con aforos más pequeños… Algo que aprendimos en 2008 fue a no pensar en pelotazos, sino a mantenerlos. Se está creciendo de manera sostenida. ¿Que cambiamos de ocio en el futuro? Puede ocurrir. Pero la sensación es que estamos lejos de que ocurra».
Además, añade: «La aportación en recaudación de los festivales es similar al de otros sectores culturales enteros. Eso en aportación macroeconómica, pero también muchos festivales aportan una parte profesional, como por ejemplo BIME, Sónar, Primavera, Monkey… parece que Mad Cool lo hará en ediciones venideras. Eso sirve para que todo el sector se reúna, se analice, se pongan en contacto artistas con mánagers… Se genera un crecimiento de mejoras en la parte profesional».
En la primera mitad del podcast Claudio M de Prado nos recuerda el primer festival de música que se celebró en España. Fue el llamado «festival de la cochambre». Recordamos festivales pioneros de España como FIB y Doctor Music, y a continuación entrevistamos a Imarú Aledo y Willy Blesa, dos de los directores de Tomavistas Festival. Su línea editorial, con nombres tan queridos como Los Planetas, Alizzz o Dinosaur Jr salen a colación; también sus cambios de recinto, del Parque Tierno Galván a IFEMA o ahora La Caja Mágica. Ambos nos hablan sobre cómo han conseguido establecer una marca propia, a pesar de que las instituciones no lo han puesto siempre fácil debido a las quejas de los vecinos.
Nos dice Aledo: «Siempre defenderé los festivales como parte del patrimonio. Patrimonio cultural e industria. Generas una riqueza, un gasto por persona. Pones la ciudad en boca de todo el mundo».
Concuerda Blesa, que añade: «Benicàssim era una fantástica ciudad de playa, pero no era una ciudad mundialmente conocida, como ahora mismo. Y esto pasa con el Sonorama, y con otras citas que dan voz a pueblos y ciudades completamente desconocidas. Tiene que haber campaña de concienciación. En Levante sí hay una oficina centralizada de recolección de talento y funcionan muy bien. Hay ayudas, normativa homogénea. Juegan las mismas cartas (a diferencia de lo que ocurre en Madrid). En Madrid hemos visto que vienen inversiones de fuera, y aquí hay lluvia de millones. Y a veces es bueno: «¿qué hay de lo mío?», plantea también sacando a colación el papel que está jugando últimamente el Santiago Bernabéu.
Ice Spice, además del nombre más pegadizo de rap actual, es una de las grandes estrellas en ascenso del pop en Estados Unidos. Un EP de 23 minutos, ‘Like…’, ha sido suficiente para impulsarla a las grandes ligas, y Isis Naija Gaston (su verdadero nombre) acumula ya cuatro nominaciones a los Grammy y cuatro singles top 10 en Estados Unidos. Todos colaboraciones, eso sí, con Taylor Swift, PinkPantheress y Nicki Minaj.
Por su cuenta, un pedazo de viral en forma de ‘Munch (Feelin’ U)’, y otro puñado de éxitos, han allanado el terreno para el lanzamiento del primer disco oficial de Ice Spice, ‘Y2K!’, un trabajo que dura menos incluso que el EP anterior y que no supone ninguna revolución, aunque tampoco ningún desastre.
En ‘Y2K!’ (siglas de “año 2000”, Isis nació un 1 enero, el día oficial de la resaca), Ice Spice se aferra a los ritmos del drill típicos del Bronx que la han catapultado a la fama y también a su peculiar flow medio gritado, medio balbuceado, que define su estilo. Una manera de rapear que gusta a algunos y horroriza a otros: ambos tienen razón.
Los mejores temas de ‘Y2K! ya los has escuchado. En ‘Think U the Shit (Fart)’ la mezcla de sintetizadores nucleares y barras escatológicas va como un tiro. En ‘Gimmie a Light’ Ice Spice se anota otro acierto sampleando a Sean Paul mientras lleva los “pantalones bien apretados”. La última sorpresa, ‘Did it First’ con Central Cee, habla de cuernos y venganza mezclando Jersey club y voces procesadas en el estilo glitch, en la mejor producción del disco.
El corte final, ‘TTYL’, con ese bajo distorsionado capaz de volarte las pestañas, apunta a una dirección experimental pero lo hace demasiado tarde, en un disco lleno de bases duras pero no tan sorpresivas. En ‘Phat Butt’ el bajo es tan “gordo” como el “culo” de Ice Spice, y lo mejor de ‘Popa’, aparte de sus trompetas, es que la letra sirve de oda al beso negro (“popa” significa “culo” en ruso). No es ‘Anaconda‘, pero no está mal.
El flow de Ice Spice, junto con su acento neoyorquino, aporta gancho a los cortes, más que las bases de RiotUSA y compañía. Es ella y no a Travis Scott a la que queremos escuchar en ‘Oh Shhh…’ rapeando bobadas como “In the party them clappers is clappin’ / in the party them slappers is slappin’”. Sobre todo, sus versos gritados pueden ser graciosos. Cuando Ice Spice rapea “Let’s be real, who bigger than me? / Who littier too? / That’s why I could take your boo” en ‘Gimmie a Light’, da ganas de imitarla y parodiarla. Y eso es bueno.
Ice Spice no posee la destreza rapeando de Kendrick Lamar o Azealia Banks. En realidad, a veces suena más cerca de Iggy Azalea a pesar de ser del Bronx. Y la cortísima ‘BB Belt’ deja un juego de palabras que no debió salir de su blog de notas: “I’m miss poopie, but I never smell”. Sin embargo, su flow está siendo influyente, también su sonido y, sin ella, en España no existiría Bb trickz.
A pesar de sus aciertos, un disco tan corto como ‘Y2K!’ no se debería permitir incluir cortes de relleno y, en el ecuador del tracklist, ‘Bitch I’m Packin’ con Gunna y ‘Plenty Sun’ bajan el nivel compositivo a pesar de presentar ambos un flow diferente por parte de Ice Spice, más susurrado. Cuando lo mejor de un álbum de debut son los singles que ya conocías, solo queda esperar que el disco siguiente represente un verdadero paso adelante.
El Juzgado de Instrucción 19 de Madrid ha imputado a Nacho Cano y a otras dos personas por supuesta contratación ilegal de inmigrantes para el espectáculo musical ‘Malinche’. Cano está acusado de cometer dos delitos contra los derechos de los trabajadores y de favorecimiento de la inmigración ilegal. Cano y el resto de investigados serán llamados a declarar ante la jueza Inmaculada Iglesias, quien ha abierto diligencias contra los tres acusados.
Cano fue detenido el pasado 9 de julio por la Policía Nacional acusado de irregularidades en la contratación de los bailarines de su espectáculo inspirado en la historia de América Latina. En una rueda de prensa, Cano acusaba a la policía y al Gobierno de su detención.
Cano ha negado en todo momento las acusaciones mientras buena parte de sus bailarines le ha apoyado y han interpuesto denuncias contra la Policía por «coacciones y falsedad documental». El abogado de Cano ha asegurado que “todas las personas que están contratadas como becarios están de forma regular en España». Lesly, la bailarina que supuestamente ha interpuesto la denuncia, ha declarado sin embargo que el equipo de bailarines se encontraba en «condiciones pésimas» trabajando en España.
LEXXE es una cantante proveniente de Long Island, Nueva York que compagina su faceta de bailarina (ha danzado en teatro, cine, musicales y burlesque) con la musical. Con raíces en Puerto Rico, Alexis Lucena lleva publicando música oficialmente desde 2017, y esta semana se edita su nuevo single, ‘LABYRINTH‘. Antes ha publicado los EPs ‘Meet Me in the Shadows’ (2019) y ‘Santa Sangre’ (2023) y multitud de sencillos.
Entre ellos se encuentra el reciente ‘Disco Witch’, un tema puramente pop inclinado hacia el sonido de los ochenta que representa muy bien el sonido de LEXXE. Es la Canción Del Día.
Sintetizadores de neón y melodías más grande que la vida pueblan la discografía de LEXXE. A veces esos sintes se arrugan evocando el electroclash de principios de los 2000, como en ‘Santa Sangre’. Otras se sumergen en la noche recordando al The Weeknd más atormentado, como en ‘High for This (Sweet Dreams)’. No han faltado en la carrera de LEXXE los homenajes: una de sus canciones más escuchadas es una reveladora versión de ‘Stand Back’ de Stevie Nicks. Por ahí van los tiros.
En ‘Disco Witch’, LEXXE se entrega a la pista de baile e invita al oyente a «alejar el dolor» bailando. A la vez la canción personifica la pista de baile, convirtiéndola en una «bruja» con poderes, y funciona como alegoría de una noche de pasión: «El suelo puede ser nuestra pista de baile», «la luna y las estrellas pueden ser nuestra bola de espejos», canta Alexis.
Para ‘Disco Witch’ LEXXE elige un sonido efectivamente ochentero, repleto de sintetizadores brillantes, en una de esas canciones de pop eufóricas que parecen querer tocar la luna con el dedo. Fans de Carly Rae Jepsen, Dagny o MUNA no se la deberían perder.
‘Disco Witch’ es el nuevo adelanto del próximo álbum de LEXXE, que será «conceptual» y estará poblado por diversos «personajes», entre ellos esta «bruja de la disco».
Después de 14 años, Low Festival sigue siendo una de las mejores apuestas musicales del verano. La organización para los buses ha ido como un tiro, con buses de línea especiales rumbo a la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm y de vuelta. Asimismo, para combatir el calor, el recinto disponía de varios puestos de hidratación que, por supuesto, nunca estaban vacíos. Sin embargo, el buen rollo, tanto de los trabajadores como de los asistentes, es lo que ha gobernado durante toda la edición, culminando en una última jornada que ha sido pura alegría y en la que los conciertos de los escenarios pequeños han superado a los peces gordos del día. En 2025, Low Festival celebrará su 15 aniversario los días 25, 26 y 27 de julio.
Crystal Fighters, La Casa Azul y Arde Bogotá han sido los grandes nombres que han encabezado el cartel dominical. La banda de ‘Love Natural’, con la que se despidieron por todo lo alto, dieron el concierto más festivalero que he visto en un festival, valga la redundancia. Con esa mezcla de música del mundo, pop y electrónica que roza lo demodé, consiguieron mantener un hype que fue poco a poco, pero continuamente, in crescendo en todos los niveles.
De primeras, tanto la música como las voces se oían extremadamente bajas, hasta el punto de no entenderse nada. Aun así, las canciones sonaban muy fáciles de memorizar y cuando se solucionó lo del volumen esto se confirmó. La calidad de las canciones también aumentó según avanzaba el set, todo sea dicho. Mi escepticismo desapareció poco a poco a medida que veía el baile constante y colectivo de los asistentes, hasta que formé parte de ello. Cualquier duda desapareció con la respuesta del público al “¡Crystal!” de Sebastian Pringle. Tras haber recibido réplicas bastante tibias durante el resto del concierto, el último “¡Fighters!” de la gente fue el más rotundo. Prueba de que había sido un éxito.
Ayer, la gente solo quería bailar y estar en paz. Después de la sobredosis hippie de Crystal Fighters, Carlos Sadness, que parecía la cara B de aquel concierto, y La Casa Azul vinieron como anillo al dedo. Sin embargo, todas estas pautas se habían establecido a primera hora de la noche con La Plazuela en uno de los mejores ratos de esta edición del Low. El Indio, el Nitro y su equipo no salieron al escenario conjuntados, como hacen en sus propios shows, pero poco importó, porque se trajeron talento de sobra.
Un concierto único por naturaleza. ¿Dónde más vas a ver flamenco, G-funk y una sesión de tecno saliendo del mismo escenario? Así, el dúo granadino hace honor al nombre de su disco ofreciendo una primera parte centrada en el roneo y el funk para terminar con un set de DJ que remezcla sus temas más electrónicos. Véase ‘Tangos de Copera’ o ‘Mira La Niña’. En la primera sección entran canciones como ‘La Tarara’, dedicada a las abuelas de Andalucía, el banger de ‘Péiname Juana’, ‘LA PRIMAVERA’, con visuales de Lola índigo, o la pacífica ‘Soulseek’. Era la mejor hora para disfrutar de la alegría que brinda La Plazuela, con el sol débil y a punto de caer, pero presente. Se trata de un directo dinámico e imprevisible tanto para los que conocen el grupo como para los que se han encontrado con ellos por primera vez, aderezado con unos momentos instrumentales tan buenos que te harán poner caras sin darte cuenta.
Rafa Galán
A lo largo de las tres jornadas de Low, no han faltado grupos de guitarras, desde Pixies y Suede hasta Los Planetas. Esto continuó en su último día. El solapamiento de El Buen Hijo y Arde Bogotá fue como David contra Goliat. Desde el primer día, estaba claro que los murcianos iban a tener el público más numeroso del festival por la simple razón de que siempre lo tienen. En cuanto terminó la fiesta tropical de Carlos Sadness, la inmensa marabunta de gente que se dirigía al escenario Vibra Mahou confirmó lo que se sospechaba. Fue un llenazo absoluto, desde la pista hasta las gradas.
Al otro lado del recinto, los fans incondicionales de El Buen Hijo ignoraban el tirón de Arde Bogotá en el escenario Radio 3. Eran la resistencia. Y sí, pude ver los dos conciertos, o al menos lo importante de cada uno. ‘Me Lapidaría’ es la primera canción de la banda madrileña, adelantando el fresco chorro de pop rock generacional y adictivas letras que proponen. Tras la presentación de ‘Viene Y Va’, pasan a la parte de “los clásicos”. ‘El pop es la muerte’ y ‘El Hombre del Tiempo’ destacan por su inmediatez y potencia. Uno de los momentos más brillantes del show es la versión de ‘Niños del Edén’, de La Pandilla, en la que Marcos Frías suelta la guitarra por un momento. Justamente, es la canción en la que su voz brilla con más fuerza y en la que más cómodo se le ve. Mientras tanto, la sombra de Arde Bogotá acecha, con algunos asistentes comentando acertadamente que, en los descansillos entre tema y tema, se oyen los ecos de los miles de personas apelotonadas en el escenario principal.
No hay ninguna canción que el público no cante a pleno pulmón. En especial, ‘Virtud Y Castigo’, una de las canciones más coreadas de cualquier festival. Es una melodía muy simple, pero se vive como si fuese Queen. Lo mejor de Arde Bogotá es que están abriendo la puerta a que otros grupos de rock, posiblemente más atrevidos, vivan el mismo éxito. No puede ser algo aislado, ¿no? ¿O es que su éxito radica justamente en la facilidad para el oyente? Arde Bogotá pueden ser muchas cosas, pero desafiantes no. Lo más rompedor que han dicho es “mandemos a la mierda el horóscopo”. Me sorprendió mucho que el vocalista Antonio García se refiriese a su grupo como una “boy band”. Según él, la “misión exclusiva” de Arde Bogotá es “bailar con vosotros”. Si esto es así, no tengo más que decir.
Rafa Galán
La gran sorpresa de la noche fue Barry B, colega de algunos de los artistas más excitantes del panorama, como son Ralphie Choo, rusowsky o Teo Planell. Lo primero que se oye es un remix del ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ de ABBA mezclado con drill, avisando de que su sonido va a ser difícil de clasificar. Barry sale al escenario con un exceso de carisma, listo para soltar letras tan bonitas como “a caballo entre olvidarte y guardar cada momento antes de que sea tarde” y tan llenas de canallismo como “no suelo hablar de esto, pero he vuelto a recurrir a los Kit Kats”. “Domingo ya, ¿eh?”, suelta de repente. En realidad ya era lunes, pero a las 2:30 de la mañana es normal no saber en qué día se vive.
Barry mezcla los géneros como quiere. En un momento dado, canta un tema inédito que es una mezcla de glitch, trap y hardstyle, inspirando los bailes más raros y liberadores que he visto en el Low. Desde el primer momento, su manejo del público es sublime, manejándolo a su gusto. Le salió bien, porque cada vez había más gente en la primera fila. Uno de los mejores momentos fue «Yo pensaba que me había tocado Dios», que JENESAISPOP vio debutar en Bilbao BBK Live junto a Diego Ibáñez de Carolina Durante. Exitazo. Todo el mundo se la sabía. El estilo del arandino es tan variado que hay algo para todo el mundo. Aunque sea a las 2, a las 3 o a las 4 de la mañana, Barry B ofrece un potentísimo espectáculo. ¿Lo mejor? Solo puede ir a más.
El top 1 de JENESAISPOP sigue inalterable. Charli xcx y Lorde conservan el puesto de honor con ‘girl, so confusing’, esta vez con más del 43% de los votos en X. Kesha y Kylie simplemente cambian posiciones y Katy Perry se mantiene en el número 4 con ‘Woman’s World’. Las entradas hay que buscarlas más abajo. Cigarettes After Sex quedan a las puertas del top 10 y hacia la mitad de la lista entran Primal Scream y Clairo. stivijoes protagoniza la única entrada nacional esta vez.
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