Kanye West ha llevado sus provocaciones más lejos de lo esperado en los últimos días, lanzando a la venta una camiseta con una esvástica impresa en el torso. Como consecuencia, su página web ha sido cerrada. Días atrás, el rapero había sido noticia por publicar una serie de mensajes antisemitas en su cuenta de X, tan explícitos que, en uno de ellos, repetía su admiración por Hitler (las siglas «HH» aparecían en la información de venta de la camiseta).
La industria musical está reaccionando a las provocaciones de West, pidiendo que se le deje de apoyar. Uno de los primeros artistas en denunciar el comportamiento de West ha sido Charlie Puth, que, en un stories de Instagram, se ha dirigido directamente a West, etiqueta mediante, para suplicarle que deje de sembrar odio en redes y de expresar mensajes «peligrosos».
Uno de los mensajes más duros contra Kanye West lo ha dejado Bonnie McKee, autora de los mayores éxitos de Katy Perry. También en un stories, McKee ha pedido directamente el veto al rapero, rogando que se le deje de «invitar a eventos o a alfombras rojas» y que los artistas «dejen de colaborar con él», al margen de que West esté pasando por un «brote psicótico» o no. McKee, asimismo, ha pedido que la gente deje de «comprar sus productos» y de invitarle a programas de televisión.
Otros dos conocidos productores del pop actual han denunciado a West por sus mensajes antisemitas. Savan Kotecha, autor de grandes éxitos de Ariana Grande o One Direction, ha comentado que «espero que la gente deje de discutirme cuando, en las sesiones, digo que Kanye está muy sobrevalorado. Kanye ha hecho mucho daño a este mundo y ha herido a gente muy buena». Cirkut, conocido por su trabajo con Lady Gaga o Kim Petras, ha promovido el «unfollow» a West en redes.
Más allá de la industria, el público también ha respondido a los ataques de Kanye viralizando un vídeo creado con inteligencia artificial en el que numerosas celebridades aparecen portando una camiseta con el mensaje «Fuck Kanye», una mano haciendo la peineta y una estrella de David en el centro. El vídeo está compuesto por deepfakes de figuras como Mark Zuckerberg, Drake, Adam Sandler, Scarlett Johansson y Steven Spielberg, y varias reproducciones del vídeo acumulan millones de likes y retuits.
Marisol Eichborn es una cantante y compositora de Mallorca que acaba de publicar el EP ‘Catarsis’, una cuidada colección de canciones que difuminan los límites entre el flamenco, la música de cámara, el soul, el spoken word o la electrónica ambiental más luminosa. Puede ser uno de los debuts más cuidados del año.
Eichborn, que empezó a componer canciones con 17 años, y formó parte de la banda riot grrrl Love Loba, colabora en esta nueva etapa de su carrera con el productor asentado en Barcelona David Fons. Juntos, Eichborn y Fons crean paisajes de ensueño para las historias biográficas de Eichborn, que en sus letras rememora su infancia (‘Sol’) o transmite los consejos sobre la vida que recibió de sus mayores (‘Ciudad de Nadie’).
Las producciones de ‘Catarsis’ se animan con breaks al estilo británico (‘Ciudad de Nadie’) o con ritmos que podemos asociar a un tipo de trip-hop industrial (‘Cuentos’). Brilla, sobre las bases, la expresiva voz de Eichborn, aparentemente influencia por las vocalistas de soul de épocas pasadas.
Llama la atención que Eichborn divide las pistas de ‘Catarsis’ por «capítulos», dándoles un sentido global y de narrativa, a la manera de ‘El mal querer’ de Rosalía. Y a una especie de nuevo flamenco apunta la mejor pista del EP y nuestra Canción del Día, ‘Raíces’, que cruza el pasado musical de Eichborn y el presente.
‘Raíces’ es una cuidadísima producción de flamenco con influencias electrónicas en la que conviven palmas y sintetizadores luminosos y que deviene en una sección rítmica que podemos asociar al chill out o al new age. Como decimos, las influencias de ‘Catarsis’ están borrosas, pero bien asimiladas.
La historia de ‘Raíces’, por otro lado, conecta con el pasado activista de Eichborn, de manera más o menos evidente o voluntaria. «Me quejo al policía, la rabia de María / Cuando sabe que pasa / Ya no puedo hacer nada» es un pasaje revelador. En la canción, la narradora acude a un «sacerdote» y sentencia que «el pecado de una niña no se mide con escote». En otro pasaje sobre la creación lírica, Eichborn parece encontrar refugio.
Kendrick Lamar es el protagonista musical de la semana gracias a su actuación en la Super Bowl, llena de dardos contra Drake, bastante evidentes, y políticos, más sutiles. Su intermedio en la Super Bowl es ni más ni menos que el más visto de la historia, con 133 millones de espectadores.
Billboard publica un top 10 con los intermedios musicales más vistos de la historia, en el que Usher queda en el puesto 2 con 123 millones, y Rihanna en el puesto 3, con 121 millones. No hay ningún misterio aquí: las actuaciones en Super Bowls más vistas de la historia son las 3 últimas. Cada una está siendo más vista que la anterior.
Por tanto, es más interesante observar lo que ha ocurrido en las listas de streaming, y ahí Kendrick Lamar sí que puede presumir de un gran dato. Ha recuperado el número 1 del Global de Spotify y eso es algo que no ocurre precisamente todos los años. Hasta 13 canciones de Kendrick aparecen en el top 200 de Spotify.
‘Not Like Us’, que primero parecía que iba a sonar en la Super Bowl, luego que no, y finalmente fue que sí, recupera el número 1 del Global de Spotify con más de 11 millones de streams en un día. ‘luther’ con SZA aparece en el puesto 3; ‘tv off’, que cerró el set, sube al número 8; ‘All the Stars’ con SZA al puesto 9; y ‘squabble up’ al puesto 13.
Otros temas que aparecen en el Global de Spotify son ‘HUMBLE.’ (29), ‘Money Trees’ (37), ‘peekabo’ (52), ‘PRIDE.’ (134), ‘Alright’ (140), ‘LOVE.’ (143), ‘hey now’ (162) y ‘euphoria’ (188). Unos sonaron en el set y otros no.
Estos datos son aún mejores si nos centramos en Estados Unidos: Kendrick Lamar ocupa el top 5 entero y suma hasta 26 temas en el top 200 local de la plataforma de streaming líder. Pero la noticia es cómo el intermedio de la Super Bowl ha logrado asentarse como un acontecimiento mundial. En España, por ejemplo, ‘Not Like Us’ llega al 41 de Spotify, lo que representa su máximo, y también aparecen otras 3 canciones en el top 200: ‘tv off’ (121), ‘luther’ (122) y ‘All the Stars’ (166).
En Youtube, la actuación de Kendrick Lamar suma 40 millones en 2 días, aunque tiene complicado, eso sí, superar el récord de Shakira y Jennifer Lopez, que han llegado a 321 millones de reproducciones en 5 años en el visor de Google.
A quien no le gusta ver el intermedio de la Super Bowl es a Noel Gallagher, que ha hablado de él con TalkSPORT, como recoge el NME: «No lo vi, lo quité. Había como 300 personas saliendo de un coche en los primeros 2 minutos. No me gusta el sinsentido del intermedio, suelen ser artistas que no me gustan. Nunca lo veo. No me interesa». Además, el co-líder de Oasis se mostró contrario a que se mezclen música y deporte: «Están tomando la Liga, tomarán la Champions, y en 20 años todo será un sinsentido».
Os recordamos que Kendrick Lamar y SZA actuarán en el Estadí Olímpic de Barcelona el próximo 30 de julio. Las entradas salen a la venta esta semana en Live Nation.
«Lady Gaga ha copiado a Elvis Crespo» no es la frase que espera nadie oír un día cualquiera de febrero de 2025, pero los astros se han alineado para que estos dos artistas puedan ser mencionados en una misma frase. Como se han percatado muchos fans en redes sociales, el videoclip de ‘Abracadabra‘ de Lady Gaga presenta similitudes con el videoclip de ‘Abracadabra’ de Elvis Crespo, que es seis años anterior. No solo ambos singles se titulan igual, sino que, en sus respectivos videoclips, tanto Gaga como Crespo lucen atuendos rojos muy parecidos.
Crespo, en redes, se ha tomado la coincidencia con humor y ha comentado que, en el vídeo de ‘Abracadabra’, Gaga sale «a la Crespo».
A Elvis Crespo le persiguen las comparaciones. La más famosa y viral, antes de la de Lady Gaga, era la que relacionaba al intérprete de ‘Píntame’ con Rosalía. En la portada de ‘Suavemente’, su gran éxito de 1998, Crespo se da un aire a Rosalía. O, mejor dicho, Rosalía se da un aire a Elvis Crespo. La comparación ha dado pie a multitud de memes, es comentada siempre que alguien pincha ‘Suavemente’ en una fiesta, y la propia Rosalía le ha dado bola fotografiándose al lado de un montaje que compara los rostros de ambos artistas.
También Crespo ha comentado la similitud en redes o incluso subido a un escenario. Además de desmentir que Rosalía sea hija suya, el cantante boricua llegó a pintarse el pelo de verde para que dejaran de compararle con la autora de ‘MOTOMAMI’. «Ahora quiero que me comparen con Karol G», expresaba el portorriqueño durante un concierto. Una persona apuntaba que se parecía, más bien, a Billie Eilish.
Crespo sigue instalado en el imaginario popular, por tanto, gracias a su icónica imagen y, sobre todo, a la pegada de ‘Suavemente’, éxito millonario de la música tropical. Una canción que, en cuanto entran sus primeros segundos, lleva a todo el mundo corriendo a la pista de baile. Es un éxito que no se deja de pinchar a día de hoy, ni en sesiones festivaleras, ni en fiestas caseras. Solo un dato: ‘Suavemente’ se acerca a los 400 millones de reproducciones en Spotify.
En los últimos años se han sucedido varias reivindicaciones de Crespo y ‘Suavemente’, explícitas o indirectas. La más notable es la de ‘Neverita‘ de Bad Bunny, cuyo videoclip recrea el de ‘Suavemente’, que era realmente inenarrable. Pero también sincero y divertido, de ahí que haya pasado a la historia. No es ninguna sorpresa que Benito sea fan de Crespo, un artista muy famoso en América Latina y en el Caribe que vivía su apogeo comercial cuando Benito era pequeño. Pero ‘Suavemente’ se sigue escuchando en reuniones familiares y fiestas, como si no hubieran pasado 27 años desde su lanzamiento. Crespo ha adaptado ‘Neverita‘ al merengue, a modo de agradecimiento.
En España la reivindicación de ‘Suavemente’ ha llegado a los medios de comunicación y al prime time nacional. El pasado mes de diciembre, durante una de sus intervenciones en La Revuelta, el cómico Jorge Ponce propuso sustituir el Himno Nacional de España por ‘Suavemente’, llevando a Grison a cantar la canción imitando la reconocible voz de Crespo. Para algunos, es precursor de Ozuna.
‘Suavemente’ ha sido celebrada por artistas de toda índole durante las últimas décadas. Fito Robles, vocalista de Siloé, la mencionaba como «guilty pleasure» en una entrevista con JENESAISPOP de 2016. «Me encanta bailarla», añadía. Y, aunque no ha sido confirmada por la autora, en ‘Dame beso // Muévete‘ de Kali Uchis la influencia de ‘Suavemente’ es evidente, y Uchis ha versionado ‘Suavemente’ en directo. Ese merengue energético ha influido al propio Crespo, que no ha dudado en replicarlo en la misma ‘Abracadabra’.
Sobre todo, ‘Suavemente’ se ha convertido en un himno festivo y de unión que no deja de ser pinchado en diferentes sitios. En 2019 sonó durante un concierto de Novedades Carminha, grupo ya extinto y conocido por su puesta en valor de la verbena. Unos años antes, en 2014, Meneo DJ mezcló ‘Suavemente’ con dubstep. Pero la cosa no va solo de ‘Suavemente’: en los archivos de JENESAISPOP aparece un relato según el cual Hinds cantaron ‘Bésame en la boca’ durante una prueba de sonido.
Y, de manera sorprendente, la meme-ficación de Elvis Crespo es anterior incluso a Rosalía. Algunos lectores recordarán que el vídeo de ‘Suavemente’ ya salió a colación de los memes inspirados por ‘Hotline Bling‘ de Drake, allá por 2015.
Por supuesto, Crespo ha aprovechado la oportunidad de mantenerse en la cresta de ola colaborando con artistas como Luck Ra en un cover de ‘Suavemente’, o con Steve Aoki en el hit EDM ‘Azuki’, en el que compartía elenco con Daddy Yankee y que se acerca a los 300 millones de streamings. El último álbum de estudio de Crespo, ‘Multitudes’, data de 2021. Casi 30 años después del debut de Crespo, seguimos hablando de este artista y, sobre todo, le seguimos escuchando.
Con los abonos y entradas individuales de Primavera Sound Barcelona agotados en tiempo récord… puede ser una muy buena idea viajar a Portugal. Primavera Sound Porto reproduce parte del cartel de Primavera Barcelona (faltan Chappell Roan y Sabrina Carpenter, pero no Charli xcx), y es una alternativa ideal para el que no quiera perderse la línea editorial de uno de los mejores macrofestivales del mundo, pero no le apetezca zambullirse en las multitudes de la edición barcelonesa. Primavera Sound Porto se celebra del 12 al 15 de junio en el Parque da Cidade, las entradas siguen disponibles, y qué decir de Porto, una ciudad preciosa que siempre vale la pena visitar. Comentamos 10 artistas clave que actúan en Primavera Sound Porto:
Charli XCX, sin Troye Sivan
El «brat summer» no para en 2025 sino que continúa, con Charli XCX volviendo a uno de sus festivales predilectos. A Barcelona traerá su SWEAT TOUR de la mano de Troye Sivan, pero en Porto se subirá al escenario sola para desgranar las icónicas canciones que han compuesto el Mejor Disco de 2024.
Central Cee
Uno de los raperos de moda en Reino Unido visita la Península Ibérica para presentar su álbum debut, ‘Can’t Rush Greatness’, que acaba de entrar en el número 4 de la lista de álbumes española. Conocido por hits como ‘Doja’ o ‘Sprinter’ con Dave, Central Cee ya se anotó un hit plurilingüe con ‘Eurovision’, en el que participaban artistas como el español Beny Jr.
Beach House
‘Space Song‘ es una de las canciones más virales de la historia. Aunque su excelente e impecable discografía es suficiente motivo para no perderse a Beach House -reyes absolutos del dream-pop- ni en Porto ni en Barcelona, donde además ofrecerán un concierto especial en la sala Razzmatazz, dentro de la programación de Primavera a la Ciutat.
Jamie xx
Mientras The xx sigue en pausa, aunque se sabe que sus integrantes se han reunido en un estudio de grabación, Jamie xx ha continuado con su carrera en solitario y 2024 ha visto el lanzamiento de su segundo disco, ‘In Waves‘, otro gran trabajo de electrónica bailonga y divertida pero también llena de detalles. Ha valido la pena esperar casi 10 años por él.
Fontaines DC
Tampoco se puede hablar de rock contemporáneo sin mencionar a una de las bandas clave de guitarras británicas, ya conocida a nivel global y llenando recintos tipo el Movistar Arena de Madrid. Hablamos por supuesto de Fontaines DC, que con su álbum ‘Romance‘ ha llevado su propuesta definitivamente al siguiente nivel. Miles de fans conectan con sus letras generacionales.
Haim
Sí, Haim se encuentran trabajando en su cuarto álbum: se sabe desde 2023, aunque el disco se esperaba en verano de 2024 y sigue sin salir. 2025 puede ser su año o no, pero ver a las hermanas Haim de nuevo en el escenario siempre es una gran noticia. Sus tres discos son excelentes, y el tercero acaba de ser distinguido entre los mejores del siglo XXI por Rolling Stone.
Michael Kiwanuka
Uno de las nombres exclusivos de Primavera Porto que no aparecen en el cartel de la edición barcelonesa es el de Michael Kiwanuka. La estrella del soul británica visita Porto para desgranar el contenido de su último álbum, ‘Small Changes‘, el primero que saca después de ganar el Mercury Prize.
Anohni and The Johnsons
Un comeback muy esperado en el pop anglosajón ha sido el de Anohni and the Johnsons, que además ha venido acompañado del lanzamiento de un álbum muy importante para entender las preocupaciones del siglo XXI: ‘My Back was a Bridge for You to Cross‘ puede ser su mejor disco, y sobre él pudimos hablar largo y tendido con su autora en una de las entrevistas más intensas que recordamos.
Magdalena Bay
Cualquier fan del pop no ha podido perderse el segundo disco de Magdalena Bay, ‘Imaginal Disk‘, un auténtico banquete synth-pop para ponerse las botas. Un álbum conceptual y épico, además, que ha enseñado al mundo que el pop puede ser mucho más aventurado de lo que nos pintan. Uno de esos grupos que deberían estar vendiendo millones.
Deftones Deftones es uno de los grupos de metal y rock más originales e influyentes de la historia. Solo hay que atender a la lista de bandas a las que han influido, y que incluye a superventas como Linkin Park o Paramore, y a grupos tan queridos como CHVRCHES o Deafheaven. ‘Ohm’, su último álbum, data de 2020, y parece que su décimo trabajo se acerca.
¿Qué hacer cuando llegas a tu 7º disco? ¿Cómo renovarte después de álbumes como ‘Are We There‘ y ‘Remind Me Tomorrow‘? ¿Qué nuevo ofrecer a tu público? Sharon Van Etten se quitó mucha presión de encima cuando tuvo la idea de invitar a su banda a sumarse al proceso creativo, no solo al estudio o a la gira. Devra Hoff lleva tocando el bajo con ella desde 2018, al baterista Jorge Balbi le conoció a través de un amigo, y a Teeny Lieberson -piano, sintes, guitarras- llegó a través de conocidos de Nueva York. Se hacen llamar Sharon Van Etten & The Attachment Theory y la artista se entusiasmó con el proyecto desde que les salieran las dos primeras composiciones -‘I Can’t Imagine’ y ‘Southern Life’- en tan solo una hora. A partir de entonces se sintió especialmente inspirada.
Las referencias para estos Sharon Van Etten & The Attachment Theory han sido sobre todo británicas. La diversidad de influencias ha dado lugar a un álbum a veces post-punk, a veces más electrónico, pero siempre bastante alejado de lo que suele entenderse por el sonido cantautor. En todos los sentidos estamos ante un disco más de banda, y en concreto una en la que los teclados y los sintetizadores son muy importantes para crear atmósferas. Han tenido en el punto de mira a Joy Division o a Kate Bush, y además la productora Marta Salogni (Björk, Bon Iver, Animal Collective) quiso grabar en The Church, el viejo estudio de Eurythmics -de todas las bandas del mundo, Eurythmics-, porque es su favorito para mezclar texturas electrónicas y analógicas.
Los teclados producen por tanto un efecto lynchiano en muchas de las canciones -recordemos que Sharon Van Etten llegó a actuar en ‘Twin Peaks’-, incluso próximo a proyectos europeos como Stereolab. ‘Southern Life’ está más cerca de «Madchester» que del sur de Estados Unidos, y si hay que hablar de una banda americana de referencia, esa banda solo pueden ser Talking Heads en ‘I Can’t Imagine’.
La labor de grupo ha llevado a Sharon Van Etten a escribir menos textos sobre su vida personal, a pensar en temas más generales y universales, que aparecían en los debates del cuarteto. ‘Afterlife’ está inspirada en una fan llamada Ariel que seguía a la artista por diversos conciertos, pese a estar muy enferma. La chica terminó entablando una amistad con la banda y tristemente falleció. ‘Live Forever’ surgió en cambio tras un estudio sobre cómo revertir el envejecimiento a partir de los 50 años, aplicado a ratones, y que, junto al recuerdo de la película ‘La muerte os sienta tan bien’, llevó a Sharon Van Etten a plantearse si realmente quería ser eterna.
Dos composiciones se plantean si somos capaces de convivir con personas que piensan muy diferente a nosotros: ‘Southern Life’ y ‘Trouble’, la primera arriesgando a lidiar con el odio del sur, y la segunda citando «las burbujas en las que vivimos» y «las mentiras que nos contamos a nosotros mismos». Junto a esas preguntas sobre el devenir del mundo destaca el devenir de las propias grabaciones: el final de la noventera ‘Idiot Box’ es pura gloria, y también lo es el desenlace de la secuencia.
Casi la mitad de las pistas se extiende hasta los 5 o los 6 minutos, llevando a un final de álbum tan predecible como funcional, con esa ‘Fading Beauty’ que efectivamente suena «desvanecida» y esa ‘I Want You Here’ que por supuesto pasa por diversos estados. En este álbum que tanto bebe del mejor underground de los 90 (¡¡esa portada!!), era igualmente obligatorio contar con un contrapunto pop, y si ya ‘Afterlife’ fue una de las mejores canciones de 2024, este año podríamos sumar ‘Indio’, digna de los The Cure más accesibles.
Patti Smith ha anunciado que llevará el 50 aniversario del legendario ‘Horses’ a la carretera, pasando por Europa y Estados Unidos. Madrid es parte de la gira. De esta manera, el próximo 8 de octubre la artista estadounidense actuará en el Teatro Real de la capital.
Unas semanas después de sufrir un «mareo» durante un concierto en Brasil, Smith ha programado una gira que le llevará por siete ciudades europeas (Dublín, Madrid, Bérgamo, Londrés, Bruselas, Oslo y París) y nueve ciudades norteamericanas (Seattle, Oakland, San Francisco, Los Ángeles, Chicago, Nueva York, Boston, Washington D.C. y Filadelfia).
Las entradas para el concierto de Madrid saldrán a la venta este viernes 14 de febrero, en la web del Teatro Real. El concierto rememorará los 50 años del mítico debut discográfico de Patti Smith, lanzado el 10 de noviembre de 1975 y considerado uno de los discos más importantes de la historia.
Amaia presentando ‘Si abro los ojos no es real‘ y Empire of the Sun desgranando ‘Ask that God‘ se encuentran entre los nombres que se suman a la programación de Low Festival, que se celebra los días 25, 26 y 27 de julio en Benidorm.
Además, se adhieren al cartel Dorian, que presentarán ‘Futuros imposibles‘, uno de los Mejores Discos de 2024, el infalible rusowsky, los divertidísimos EZEZEZ, y nombres nacionales igualmente imperdibles como Levitants, Melifluo, Jordana B, Flash Show y S-Candalo.
En total son diez nombres los que se anuncian hoy en el cartel de Low, y que se suman a los ya anunciados Bomba Estéreo, The Kooks, Viva Suecia, Zahara, Carolina Durante, Xoel López, Siloé o Judeline.
Los abonos de tres días generales, VIP y VIP POOL están a la venta desde 64,99 euros solo hasta este domingo cuando subirá el precio (o antes si se agota el cupo), en LowFestival.com.
Azuleja es una cantante, coreógrafa y bailarina que mezcla influencias del pop, el hip-hop y el trap con samples de found sound y un punto cómico en letras e interpretación. No en vano, su álbum debut se apropia del término ‘C.R.I.N.G.E’ porque muchos son los momentos de este disco en que la madrileña Hajar Kaddouri Boudib se desinhibe a nivel emocional y musical.
Ahí está la pista titular, que parte de la épica sinfónica de ‘Viva la Vida’ para convertirse en una actuación de cheerleader venida de la nada. O ‘BIGFOOT’, que sobre una base de trap vierte todo tipo de sonidos y efectos. O ‘Cachonda’, que no es la típica balada a la guitarra. En absoluto.
‘C.R.I.N.G.E’ le da a la prom ballad ‘Caníbal’ o al drum n’ bass de ‘PIVONACCI’, pero en todos los casos exhibe una creatividad fuera de la norma, casi outsider. Azuleja colabora, de manera significativa, con el productor Roy Borland, y las 14 canciones de ‘C.R.I.N.G.E’ depositan todas las majaderías sonoras que se les pueden haber ocurrido, y más allá.
Roy Borland y Azuleja ya trabajaron juntos en ‘Mun’, un interesante single editado por Sony Music. Aunque su relación viene de atrás: ambos forman parte del estudio El Royale junto a Yero G y Teo Planell, quien ha dirigido el videoclip de ‘BIGFOOT’, la Canción Del Día de hoy.
‘BIGFOOT’ es una locura de susurros, trap beats, americanismos («come here and touch my body», «I’m getting really naughty», «you bitch»), voces manipuladas hasta lo irreconocible y efectos de flauta que llega a su punto álgido cuando Azuleja convierte la canción de repente en su propia clase de fitness. El videoclip, claro, es igual de imaginativo.
Azuleja presenta ‘C.R.I.N.G.E.’ próximamente en Madrid, como telonera de Mainline Magic Orchestra en la Sala Copérnico. Es el 14 de febrero.
Conoces a Marcelo Pantani por sus sesiones en lugares como Nitsa, Razzmatazz, Club Malasaña (Madrid), Paradiso (Ibiza) o Primavera Weekender. El DJ y productor ha publicado este fin de semana semana un tema llamado ‘Modern Cycling’, una producción más trance que va exactamente a 148bpm, aún emparentada con otras producciones suyas como ‘La Vita È Una Vacanza’, que era una especie de italodisco dark.
Haciendo honor a su nombre artístico y al título de este nuevo single, Marcelo Pantani ha decidido hablarnos de ciclismo en este nuevo capítulo de Meister of the Week, nuestra sección comisariada por Jägermusic. Y ojo, no quiere hablarnos de ciclismo a la antigua usanza, sino de una nueva visión que incluye moda y una estética más cuidada.
¿Por qué has escogido hablar de ciclismo en esta sección?
Porque me apasiona y me gustaba la idea de dar a conocer una visión diferente al concepto que creo mucha gente tiene, sustentado en la cultura popular y los iconos de hace igual ya 30 ó 40 años. Además, es algo que forma parte de mi identidad como artista; en mi proyecto hago muchas referencias a este mundo.
¿Desde cuándo viene exactamente tu afición? ¿Qué edad podías tener la primera vez que te interesaste y cómo fue aquello?
Viene por mi padre, quien siempre ha practicado ciclismo, y recuerdo ir con él ya de niño a sus carreras, ver ciclismo con él en la televisión… Yo había competido en BTT de niño, pero muy random, no sabía ni por qué lo hacía, era como inercia porque me llevaba mi padre. No me apasionaba entonces, pero tampoco me desagradaba. Luego lo dejé cuando me enamoré del skate, su mundo y su cultura… donde estuve metido mucho tiempo.
¿Cómo volviste después?
Fue en 2017, cuando adopté mi nombre artístico “Marcelo Pantani” en homenaje a Marco Pantani. Ni siquiera me estaba interesando el ciclismo, pero había en mí algo interior ya. En ese momento era solo una inspiración, una línea de la que tirar para el storytelling de mi personaje. Fue más tarde, en 2019, cuando de repente empecé a obsesionarme con ese deporte.
Defiendes una visión moderna del ciclismo, ¿en qué consiste?
Pues sí, justo fue eso lo que me atrajo. Como te he dicho, yo venía del patín, donde, además del deporte en sí, hay mucha vinculación a todo lo estético y cultural. La ropa, los códigos, la música, la relación con el diseño, con la fotografía… Y justamente en el mundo del ciclismo en los últimos 6-8 años ha habido un cambio muy heavy en esta dirección. Veníamos de un deporte que estéticamente era bastante “feo”; la ropa y los accesorios estaban diseñados bajo
unos criterios más puramente funcionales, aerodinámicos, vistosos… y era más, simplemente, “una actividad física”. El ciclismo moderno va muy, muy ligado a la estética, el diseño y los elementos culturales que lo rodean. Eso ha sido el motor de cambio hacia esta nueva visión moderna. Como te he dicho, me recuerda muchísimo al boom del skate de hace 20 años.
¿Qué es lo que no te gusta de la vieja escuela?
Vestirse como una bolsa de Lacasitos con 28 colores fosforitos diferentes que te provoca epilepsia.
Dices que el ciclismo moderno va muy ligado a la estética, al diseño y los elementos culturales que lo rodean. ¿Nos puedes dar ejemplos de cosas estéticas que te gusten, bien sean, páginas de Instagram, marcas, referentes, uso en videoclips o algo así?
Sí, claro, por ejemplo para el Giro de 2020 y el Tour 2022 el equipo Education First, que viste ropa Rapha, hizo una colaboración con Palace Skateboards para diseñar toda la equipación tanto de los ciclistas como del staff, sacando unos diseños que rompían absolutamente con lo habitual. Rapha es una de las marcas pioneras en darle este valor estético a la ropa de ciclismo, y juntarse con Palace, que es como una marca muy fetiche del mundo del patín, fue una bomba. La verdad, era bastante risa escuchar a los comentaristas clásicos de TVE, señores de 60 años, que no entendían nada…
Luego, hay diseñadores haciendo muy buen trabajo como César Villalba, colaborando con distintas marcas, o Gregory Thorne con MAAP. La gente de Rose Racing Circle o Tekkerz son ejemplos de equipos con una filosofía más forward thinking y apostando mucho por la estética. Pas Normal Studios, un buen ejemplo a nivel creación de comunidad con su International Cycling Club, del que emanan figuras como Elias Gozal, quien también es un DJ increíble, o Jimbo Safi, con su manera de interpretar la cultura del ciclismo, toda una inspiración. Elliot con su videoblog @vc.letsgetit es un ejemplo también a nivel creación de contenido audiovisual. Por nombrar solo algunas ideas, seguro me dejo mil cosas más que me molan.
¿Por qué es tan emocionante el ciclismo, tú crees?
Es jodidamente emocionante, yo he llorado viendo ciclismo. Esto es importante: la gente cree que la movida va de 150 tíos durante 200 km intentando llegar el primero, pero no tiene nada que ver con eso. Es un deporte muy estratégico; una carrera ciclista es como una partida de ajedrez. Se corre en equipos, donde cada equipo lleva un líder que es el que igual opta a ganar.
El resto está “trabajando” para ese líder, protegiéndolo del viento, cerrando ataques de equipos contrincantes… Depende del tipo de carrera; hay muchos intereses simultáneos aparte de ganar la carrera. Las estrategias de equipo, cómo se despliegan y cómo las situaciones de carrera obligan a cambiar estas estrategias es lo que lo hace emocionante de ver, pero es un deporte complejo en el que hay que saber leer lo que sucede.
No es tan entretenido de ver para el ojo poco entrenado como puede ser motociclismo, por ejemplo. Luego, aparte, es
tremendamente apasionante la épica de este deporte. Es uno de los deportes de ultraresistencia más heavy, se pone el cuerpo al límite y algunos logros, y las historias tras ellos, son emocionantes.
La primera vez que vi una sesión tuya con todas las bicis tipo clase de spinning, flipé en colores. Fue en Primavera Weekender. ¿Cómo surgió esa idea?
Sí, haha, fue brutal. En el Primavera Weekender hemos estado 3 años curando un escenario con mis amiguis de Mainline Magic Orchestra. Es un escenario donde siempre intentamos ofrecer shows fuera de lo común, un poco en la línea surrealista del festival (tiene lugar en un resort temático medieval). Entonces se me ocurrió que, como el rollo que pincho, así enérgico y rápido, puede encajar muy bien en una clase de spinning, tenía todo el sentido montar un DJ
set donde yo pinchara mientras daba una clase de spinning. Nunca lo había hecho, ninguna de las dos cosas (risas).
¿Es muy cara de desarrollar, mudar todas esas bicis estáticas? ¿Hay que alquilarlas y transportarlas, no?
Fue increíble: teníamos 20 bicis estáticas, la gente iba rotando y tal, pero hubo una serie de hooligans en el frontline que se hicieron los 80 minutos de sesión pedaleando. Hubo que alquilarlas a un gimnasio, que estaban flipando porque no entendían nada. Nos hicieron firmar una fianza de la hostia… pero bueno, gracias a Primavera Sound por patrocinar siempre todas nuestras ideas más bizarras.
No es la primera vez que Gracie Abrams actúa en Madrid. En octubre de 2023, The Good Riddance Tour descubrió la ternura y sencillez de la cantautora al público español. Ese concierto se dio en La Sala del Wizink Center (ahora Movistar Arena), a pesar de que Abrams ya había aparecido en The Eras Tour. La llegada de 2024 lo cambió todo para ella: nuevo disco, nuevo éxito, nuevo setlist para los conciertos de Taylor Swift y nueva gira en solitario.
Qué buen recuerdo le tuvo que quedar a la estadounidense de la capital española para elegirla como primera parada de la etapa europea. Y cómo la hemos echado de menos aquí para ser la única ciudad con doble fecha. El reducido aforo de La Sala es solo una fracción de las 17.000 personas ante las que ha tocado Abrams en Vistalegre durante estas dos jornadas. La inmensa mayoría, niñas y chicas jóvenes. Además, un sector específico. El público de Abrams recibe ‘we can’t be friends’ como una fiesta total, pero el remix de ‘Girl, so confusing’ no lo canta ni Dios.
La experiencia de The Secret of Us Tour puede ser similar a la de The Eras Tour, pero a mucha menor escala. Los brazaletes de la amistad aquí se cambian por los lazos en el pelo, que abundan entre las asistentes. Hay una canción sorpresa que cambia en cada concierto y, definitivamente, muchas veces la música se siente como el lado B del cancionero de Taylor Swift. Sin embargo, sigue siendo una experiencia disfrutable porque Abrams gana en los pequeños detalles, que a veces son los más importantes.
Para ser la primera gira de anfiteatros de la artista, el escenario, amplio y adornado con un ventanal falso, esconde muchos secretos: una iluminación siempre cambiante y sorprendente, destellos, centelleos… Todo evoca al brillo y al esplendor. Esto se notó especialmente durante ‘Normal Thing’, cuya coordinación lumínica y dramatismo (Abrams terminó arrodillada) recordaron a las «estrellas de cine» de las que habla la canción.
El gran momento de atrezo del espectáculo llega cuando aparece la cama de la estadounidense entre el público. «Bienvenidos a mi cuarto», exclama la artista tras desvelar una réplica exacta de su habitación de toda la vida, con su mesita y lámpara de noche. «Aquí he escrito todas mis canciones», cuenta. Se trata de un emotivo instante acústico a piano y guitarra en el que suenan ‘Feels Like’ (el sábado fue ‘Mean It’), ‘Cool’ y ‘I miss you, I’m sorry’. Es un momentazo, pero ahora solo puedo pensar en la persona que le pasó una cámara a Gracie para inmortalizarlo y se encontró con que tenía la memoria llena. Gabriella Hughes
‘us’ y ‘Free Now’, con el público descontrolado, terminaron de remontar lo que había sido un show con bastante ritmo antes de que la sobredosis de baladas pudiese con él. En algún momento, alrededor de la mitad del concierto, se suceden tantas seguidas que roza el aburrimiento. Aun así, miro a mi alrededor y encuentro personas saltando. Igual es que el problema soy yo. A la preciosa ‘Friend’ y a ‘Gave You I Gave You I’, que iluminó todo el recinto, sí las salvaría.
Lo bien que se desenvuelve la cantante en el escenario, con una confianza total, ya sea con la guitarra, sin ella, al piano o tirada en el suelo, es admirable. Sobre todo, cómo se comunica con su público. Da la sensación de que les canta a ellas y ellos directamente. De tú a tú. Después de admitir que se siente «honrada por compartir el escenario» con Dora Jar, Gracie recuerda a sus fans que este se trata de un «lugar seguro para juntarse y sentirlo todo».
Abrams irradia naturalidad y cercanía. Se ríe mientras canta al leer un cartel en el público, regala una reverencia al guitarrista cuando es el momento del solo, habla con los asistentes constantemente y se deja ver como una persona normal que mantiene un álbum de recortes. Alguien quizás colecciona recortes con su cara. Ella, los dibujos y cartas de sus fans: «Las leo y lloro», confiesa. Quizás ese es el secreto mejor guardado de Gracie Abrams: hacer que te veas a ti en el escenario.
Kanye West ha vuelto a llamar la atención del mundo posteando una serie de mensajes ofensivos en su cuenta de X, algunos abiertamente antisemitas, como «soy un nazi, y ahora qué» o «amo a Hitler». Todos ellos escritos siempre en letra mayúscula, con intención provocativa.
En otros tuits, West -que ahora se hace llamar ye- ha afirmado que «todas las personas blancas son racistas» y ha acusado a las «personas judías» de utilizar a Kendrick Lamar. Además, ha señalado a Taylor Swift por supuestamente aparecer cantando ‘Not Like Us’ durante la Super Bowl. Para West, esta imagen es una afrenta a la «cultura negra» y, la canción, un peligro para la carrera de Drake, al que no nombra directamente.
Pero West también ha salido en defensa de una persona: Diddy. Ha pedido su libertad, mientras Sean Combs permanece encerrado en prisión, acusado de múltiples violaciones y abusos.
West, finalmente, ha desactivado su cuenta de X, no sin antes agradecer a Elon Musk haberle permitido «desahogarse» en esta red social. «Ha sido muy catártico usar el mundo como caja de resonancia. Fue como un viaje de ayahuasca», ha señalado el rapero. No está claro si West ha abandonado X de nuevo por motivación propia, o sugerido por el magnate sudafricano.
West ha sido noticia últimamente por varios motivos. En primer lugar, su aparición en la alfombra roja de los Grammy ha dado mucho de qué hablar. O, mejor dicho, la de su esposa, Bianca Censori, quien se presentó al evento prácticamente desnuda. En declaraciones posteriores, West afirmó ejercer «dominio» sobre su esposa a través del dinero, dando a entender que Censori acepta esta dinámica de poder.
En segundo lugar, West ha declarado en un podcast haber sido diagnosticado de autismo, señalando que su trastorno bipolar ha sido un diagnóstico erróneo.
Melody ha sido una de las protagonistas inesperadas de la última edición de los Goya al aterrorizar la alfombra roja cantando sin parar ‘Esa diva‘ a todo periodista que se cruzaba en su camino. Ahora, tiene un nuevo éxito que celebrar.
‘Esa diva’ valiente, poderosa, además entra por primera vez en la lista de Singles España, en el puesto 29. No es un dato excelente para una canción ganadora de Benidorm Fest, pues ‘Zorra’ ascendió al puesto 5 tras ganar el certamen por estas mismas fechas (aunque el tema ya había entrado en lista previamente). ‘Esa diva’ no está acaparando el debate social como logró el himno de Nebulossa, pero, al menos, en los Goya se ha anotado un momento meme. En Spotify España, ‘Esa diva’ se mantiene en el 66, es decir, ni sube disparado, ni se desploma. Parece que esta será la tendencia de la canción. Después de Eurovisión, quién sabe.
Bad Bunny sigue dominando la lista de singles de España, para sorpresa de nadie. ‘NUEVAYOL‘, en concreto, continúa pegada al número 1 por segunda semana consecutiva. Eso sí, ahora, Yorghaki y Alleh comen terreno a Benito con ‘Capaz (Merenguetón)’, que sube al 2 (el tema ya había sido número 1).
La subida más fuerte de la semana en la lista de singles española se la anota Benson Boone con ‘Beautiful Things’, que sube del 99 al 62 tras su presentación en los Grammy. El gran éxito de Benson Boone ya había sido top 14 en España.
En el 44 abre el single ‘Cruz’ de Trueno y Feid. Es un simpático funky medio rapeado medio cantado que ya supera los 11 millones de streamings en Spotify.
El resto de entradas son aún más tímidas. Entre las que más nos interesan, Lady Gaga coloca ‘Abracadabra‘ en el puesto 52. El dato es ligeramente mejor que el de ‘Disease’, que no pasó del 58. ‘Abracadabra’ ya es un hit global, y seguramente este no será su peak en España.
Tampoco hay grandes noticias para The Weeknd: aunque el canadiense coloca su disco, ‘Hurry Up Tomorrow‘, en el top 4 de álbumes, la cosa es diferente en cuanto a singles. ‘Cry for Me’ rasca un puesto 76 en España, siendo el único de The Weeknd presente en todo el top 100 español. Ningún single realmente está moviendo el disco a nivel global, lo cual tiene mérito, pues este sexto LP de Abel Tesfaye acaba de dar al artista la mejor «opening week» de su carrera.
Finalmente, Amaia: como comentamos en el repaso a la tabla de Discos España, ‘Si abro los ojos no es real‘ es top 3 en España, y dos de sus temas individuales se cuelan en la lista de singles: ‘M.A.P.S.‘ entra en el 64 y ‘Auxiliar’ en el 79. Además, ‘Tengo un pensamiento‘ se mantiene en el 60.
El top 10 de Discos España se renueva sustancialmente, aunque sin novedades en el número 1 de la lista, que sigue liderada por Bad Bunny. En el 2 entra directa Chiara Oliver -exconcursante de Operación Triunfo 2023- con su segundo EP, ‘La última página’. Esto significa que Chiara ha vendido más que Amaia y The Weeknd en España, al menos, de momento. Oliver sabe lo que es desplomarse de todo el top 100 de discos después de 4 semanas, así que está por ver cómo aguanta este nuevo lanzamiento.
Amaia coloca en el número 3 su tercer disco, ‘Si abro los ojos no es real‘, continuando el descenso secuencial de su discografía: su segundo disco, ‘Cuando no sé quién soy‘, entró en el 2, y su primer disco, ‘Pero no pasa nada‘, entró en el 1. Amaia coloca dos temas en la lista de singles, ‘M.A.P.S‘ (64) y ‘Auxiliar’ (79), y mantiene el single ‘Tengo un pensamiento‘ (60).
The Weeknd ha arrasado en Estados Unidos y Reino Unido con su nuevo disco, ‘Hurry Up Tomorrow‘, que se está promocionando como la despedida de The Weeknd, y está disponible en una variedad de formatos. En España, ‘Hurry Up Tomorrow’ abre en el puesto 4. El dato es ligeramente inferior a los obtenidos por ‘DAWN fm‘, que fue top 2, y ‘After Hours‘, que fue top 3, aunque mantiene la buena tendencia de estos últimos lanzamientos. Ni ‘Starboy‘ (39) ni ‘Beauty Behind the Madness‘ (23) lograron posiciones tan altas, en una época en que Promusicae todavía no había fusionado las listas de ventas físicas y streaming.
Otra novedad dentro del top 10 la protagoniza el rapero Gloosito con la entrada, en el puesto 5, de su disco ‘EUROSLiME ⚕️’. Gloosito, rapero y productor de Collado Villalba, Madrid, ya había colocado su disco ‘Global’ en el puesto 48, en 2022, y su proyecto ‘S.U.V.’ en el 28, en 2024. Con ‘EUROSLiME ⚕️’, Gloosito evidentemente logra su mejor posición histórica.
Y todavía no hemos acabado con el top 10: la última entrada la firma otra estrella del rap nacional, Recycled J, que coloca su ambicioso álbum doble, ‘San Jorge’, en el puesto 7. Jorge Escorial Moreno tampoco se aleja de su tendencia reciente, pues ‘Casanova‘ había sido top 6 en 2024.
Otras entradas en lista son ‘Hotel Morgan’ de Morgan en el 32, ‘The World of Hans Zimmer – Part II: A New Dimension’ en el 42 y ‘The Summer Portraits’ de Ludovico Einaudi en el 75.
Finalmente, hay que comentar dos entradas propiciadas por la última edición de los Grammy. Beyoncé, ganadora del Álbum del año, reaparece en lista con ‘Cowboy Carter‘, en el número 76 (el disco entró en el número 1 de «ventas» en su primera semana). Y Doechii, a punto de convertirse en la rapera de moda, aparece por primera vez en la lista de álbumes española con su mixtape, ‘Alligator Bites Never Heal‘, ganador del Grammy a Mejor álbum de rap. El disco abre en el 88.
Kendrick Lamar y SZA traerán su gira conjunta, el Grand National Tour, al Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona el miércoles 30 de julio. Será la única fecha de la gira en España, que, en su tramo europeo, visitará un total de 13 ciudades este verano.
Las entradas para el Grand National Tour en Barcelona se ponen a la venta el próximo 14 de febrero a las 9 horas en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, y se abrirán dos preventas los días 12 y 13 de febrero, también a las 9 horas.
Kendrick Lamar ha sido el gran protagonista del intermedio de la Super Bowl, celebrado este domingo. SZA, su compañera de sello y colaboradora musical, ha sido la única artista musical invitada al show. Juntos han cantado sus éxitos ‘Luther‘ y ‘All the Stars’.
En el Grand National Tour, Lamar presenta su último disco, ‘GRX‘, y SZA el suyo, una reedición de ‘SOS’ titulada ‘SOS Deluxe: LANA‘ que esta noche se ha ampliado con cuatro cortes adicionales. Kendrick colabora en el disco de ella, y ella en el de él.
Por otro lado, no es la primera vez que Lamar y SZA actúan en España. A Lamar se le pudo ver en 2023 en Primavera Sound Madrid o antes en el Cruïlla. A SZA, el año pasado, en el Primavera de Barcelona.
GRAND NATIONAL TOUR, EN EUROPA:
Jul 02 – Colonia, Alemania – RheinEnergieSTADION
Jul 04 – Frankfurt, Alemania – Deutsche Bank Park
Jul 08 – Glasgow, UK – Hampden Park
Jul 10 – Birmingham, UK – Villa Park
Jul 13 – Amsterdam, Países Bajos – Johan Cruijff ArenA
Jul 15 – París, Francia – La Défense Arena
Jul 19 – Cardiff, UK – Principality Stadium
Jul 22 – Londres, UK – Tottenham Hotspur Stadium
Jul 27 – Lisboa, Portugal – Estadio do Restelo Jul 30 – Barcelona, España – Estadi Olímpic Lluís Companys
Ago 02 – Roma, Italia – Stadio Olimpico
Ago 06 – Varsovia, Polonia – PGE Narodowy
Ago 09 – Estocolmo, Suecia – 3Arena
La Super Bowl de este domingo 9 de febrero se ha saldado con una actuación histórica de Kendrick Lamar durante el famoso «Halftime Show». Pero Lamar no ha sido el único protagonista de la velada celebrada en Nueva Orleans. También ha dado de qué hablar Taylor Swift, que asistió al evento para ver jugar a su pareja, Travis Kelce. Y fue abucheada.
La cuenta de fans TheSwiftSociety comparte el vídeo del momento en que las cámaras del recinto del Caesars Superdome graban a Swift sentada en las gradas y el público empieza a rugir en abucheos. La cara de Swift, que progresivamente va percatándose de la situación, es un poema. No le queda otra que sonreír incómodamente, hasta que el griterío termine. A su lado mantiene a sus amigas y colaboradoras Ice Spice, a la derecha, y las tres hermanas de HAIM, a la izquierda.
Donald Trump, que estaba en el evento, se ha atribuido el abucheo. En concreto, a sus fans, de los que dice que «MAGA no perdona». En su línea, avivando el odio. En redes sociales, el ahora presidente de Estados Unidos ya había expresado su «odio a Taylor Swift» después de que la autora de ‘The Tortured Poets Department‘ comunicara su apoyo a Kamala Harris. Por si fuera poco, la jornada acabó en derrota para Kelce, pues los Chiefs perdieron contra los Eagles.
Trump puede ser ese tema en que Swift y Kelce no concuerden. Swift es evidentemente anti-Trump, y Kelce… ha celebrado públicamente la visita de Trump a la Super Bowl. «Es un gran honor» fueron sus palabras, pronunciadas hace pocos días.
Swift vuelve a ser protagonista de la Super Bowl, un año después de su comentada visita al partido de 2024, cuando dejó unas imágenes de ella besando a Travis Kelce que circularon por redes y noticiarios de todo el globo. Entonces, Swift descansaba del Eras Tour: la gira más exitosa de la historia finalizaba el pasado mes de diciembre, después de un largo e intenso año.
La aclamación crítica, varias reediciones, un fantástico concierto especial, y su paso por diferentes festivales a lo largo y ancho del globo, convirtieron ‘Galore‘ de Oklou en uno de los discos de pop clave del último lustro. El que ha pasado desde 2020, exactamente. Fue en el año de la pandemia donde la francesa Marylou Mayniel se dio a conocer al gran público, anotándose luego colaboraciones con Dua Lipa (en un remix de ‘Fever’) y Caroline Polachek (en el rol de telonera).
‘Galore’ sentó las bases del sonido de Oklou (se pronuncia «Okay-Lou») hibridando producciones de ambient-pop minimalistas, flotantes, de ensueño, con un sentido de la melodía inspirado en sus estudios de música clásica. Había un aire impresionista en sus fraseos, y una clara influencia medieval en melodías y arreglos que después se reflejaba en arte y videoclips. La influencia contemporánea era excepcional: Oklou se arrepentía de usar un ritmo de trap en ‘unearth me’ y, en una entrevista con JENESAISPOP, prometía no usarlo nunca más.
De manera incomprensible y por caprichos de la industria, ‘Galore’ se considera un mixtape y no el álbum debut de Oklou, a pesar de su cuidado concepto y de su éxito.
‘Choke Enough’, el debut oficial de Oklou, llega cinco años después de ‘Galore’ con una propuesta similar pero diferente, como la otra cara de la moneda. En ‘Choke Enough’, Oklou ya no es la «diosa de la noche solitaria» que saludaba en ‘god’s chariots’, sino una persona madura que ha decidido bajar de las nubes y asentarse en la tierra. Marylou, que ahora mismo está embarazada, sale en portadas y vídeos de ‘Choke Enough’ acompañada de diferentes personas, y la realidad de la vida inspira sus nuevas composiciones, que se abren más que nunca a la luz. Eso sí, el sonido «fantasioso», «infantil» y como de otro mundo de su música prevalece.
‘Galore’ influyó a artistas de nueva hornada como Dora Jar, a la que le encantan las «nanas hyperpop» de Oklou. Nunca nadie ha descrito mejor el estilo de la autora de ‘The Rite of May‘ (2019) y, en ‘Choke Enough’, Oklou entrega un nuevo repertorio de canciones de cuna digitales, en su estilo tan personal e identificativo. Sus composiciones siguen siendo melódicamente ricas, tan inspiradas en la música clásica como denota la melodía ascendente de ‘ict’ («ice cream truck»). Y sus producciones conservan el líquido minimalismo de siempre, pero adoptando nuevas formas.
La banda sonora de videojuego parece una inspiración en varias pistas, como la inicial ‘Endless’, que suena como un zambullido en las profundidades del mar. La canción se abre a un «infinito» de posibilidades, marcando el camino al resto de canciones. Durante la travesía de ‘Choke Enough’, Oklou reduce a su mínima expresión estilos como el trance en la maravillosa pista titular, el eurodance en la original ‘Harvest Sky’, o el ritmo caribeño en la delicada y adictiva ‘Obvious’, en la que unos acentos de trompeta aportan el contrapunto terrenal, humano, a la extrema artificialidad de texturas y voces. La acción, aquí, no está en los beats, sino en los mil detalles a descubrir.
Contribuyen a la experiencia estética de ‘Choke Enough’ especialmente las esmeradas producciones diseñadas por Oklou junto a su mano derecha, Casey MQ, no tanto unas letras que hablan en abstracto sobre asuntos del mundo real. ‘Family and Friends‘ -que incorpora una flauta, conectando con el medievalismo del álbum anterior- parece una canción biográfica y universal, pero se inspira más bien en las «preguntas sin respuesta» de la vida. De manera oportuna, atraviesa las canciones de ‘Choke Enough’ una constante sensación de intriga y sigilo, muy evidente en la translúcida producción de ‘Thank You For Recording’ o de la mencionada ‘Choke Enough’, que, con su extraño título, reflexiona sobre «aquellas situaciones caóticas a las que nos prestamos para sentir algo».
Funcionaría mejor el concepto de ‘Choke Enough’ si las letras fueran más claras y directas. Por eso, el mensaje universal de ‘Take Me By the Hand‘ se transmite a la perfección a la vez que la canción -con sus influencias UK garage e hyperpop- logra ser una de las más inmediatas de la carrera de Oklou. El artista invitado, Bladee, aporta el otro punto de vista en una canción que habla de la necesidad de conectar físicamente cuando hablar ya no es una opción.
Dentro de un repertorio muy equilibrado que deja momentos brillantes (‘Obvious’) y otros más tenues (‘Plague Dogs’ se inspira en la película animada del mismo nombre), destaca por necesidad la pista final, ‘Blade Bird’, un especie de homenaje brit-pop, guitarra acústica mediante, que es, a la vez, una preciosa canción de amor. Pero, aún arrimada a la estética cyborg de rigor, ‘Blade Bird’ no puede sino recordar a otra gran canción muy similar del pasado reciente, ‘Delete Forever‘ de Grimes. Como la canadiense, Oklou brilla entregando un mundo paralelo en el que refugiarse. Un mundo a la vez familiar y tan futuro que es imposible imaginarlo. A menos que te llames Oklou.
Uno de los jóvenes talentos que veremos este año en Mad Cool, en este caso el mismo día que Olivia Rodrigo y St Vincent, es la chilena Akriila, nombre de guerra de Fernanda Sepúlveda. Se trata de una de las artistas emergentes de la música latinoamericana de los últimos años, que ya se ha paseado por Primavera Sound o Río Babel.
Entre sus referentes están Ana Tijoux, Clairo, Tokischa y Michael Jackson, aunque en su caso tira más hacia lo urbano. Si una de esas influencias se nota en su música, sería claramente la de Tokischa.
Su debut de 7 canciones ‘001’ en 2023 y sobre todo ‘epistolares’ en 2024 la pusieron en el mapa. Este último disco acumula streams millonarios a través de colaboraciones con FaceBrooklyn y Juicy BAE (‘epitafio’), pepinacos como ‘superficial’ o la acústica ‘carta a mi papá’. Otra faceta de Akriila.
También había en ‘epistolares’ una canción tronchante llamada ‘POPPER’, encabezada por su grito de guerra «Hot gays listen to AKRIILA», y cuya letra decía: «Y yo que traje popper y gatitas con joyitas, en mi cabeza suena POP, POP, POP».
Su nuevo single se llama ‘sexo virtual’ y es otra demostración de que los «hot gays listen to Akriila» a través de la frase «Y que bueno que salí maricón», lo cual es una referencia a Álex Andwandter, como aclara la misma letra, en concreto al tema ‘Ahora somos dos‘.
‘sexo virtual’ es en verdad una canción bastante reggaetonera, construida sobre el gancho «me hice las uñas por ti», destacando igualmente la frase «hasta me haría el culo por ti». Y eso no es incompatible con una melodía totalmente melancólica, un tanto ‘Antes de morirme’ en esos «Antes que me vaya yo a morir, enséñame una foto»; y muy contagiosa en sus «otra vez, otra vez, otra vez…»
Se trata además de una producción compartida con Dinamarca, productor nacido en Chile y criado en Suecia, a quien conoces de sus grabaciones junto a rusowsky, pero también probablemente por un CV en el que caben Shygirl, Ms Nina, Paloma Mami, Dellafuente, Ralphie Choo, Isabella Lovestory y Villano Antillano, entre otros.
Pero más gente ha actuado esta noche en la previa al partido, como ha sido el caso de Lady Gaga, quien ya ofreció una de las mejores Super Bowls de la historia. La artista está dominando las listas con ‘Abracadabra‘, que ya ha llegado al top 6 oficial en Reino Unido, y alcanzaba el top 2 en el Global de Spotify según datos del pasado viernes. Sin embargo, en esta ocasión ha recuperado una vieja balada.
En honor de las víctimas del atentado terrorista de Nueva Orleans, el cual dejó 14 víctimas en Año Nuevo, Lady Gaga ha recuperado su tema ‘Hold My Hand’, el que escribió para la banda sonora de ‘Top Gun’. Su actuación rodeada del pueblo, puede verse en el Youtube oficial de la NFL.
Ninguno de los singles recientes de The Weeknd ha conseguido ser número 1 en las listas. El que mejor le ha ido ha sido ‘Timeless’ con Playboi Carti, que ha sido top 4 en UK y top 3 en Estados Unidos, pero hay que recordar que ‘Sao Paulo’ con Anitta quedaba en el puesto 21 en UK y en el puesto 77 en Estados Unidos; por no hablar de que ‘Dancing in the Flames’ incluso se ha quedado fuera del álbum tras sus tibios resultados, cuando encajar por estilo, encajaba perfectamente.
Pues bien, esto no ha sido impedimento para que el álbum ‘Hurry Up, Tomorrow’ funcione como un tiro. Es el nuevo número 1 en el Billboard 200 de Estados Unidos con cifras espectaculares, las mejores desde el último de Taylor Swift. Ha vendido 490.500 copias en su primera semana, por lo que es ni más ni menos que el mejor debut histórico de The Weeknd. Supera las 444.000 copias que lograba ‘After Hours’ y triplica lo que movió ‘Dawn FM’ en su primera semana.
Este es el histórico de The Weeknd en Estados Unidos:
Trilogy — 86K (#4)
Kiss Land — 95K (#2)
Beauty Behind The Madness — 412K (#1)
Starboy — 348K (#1)
My Dear Melancholy, — 169K (#1)
After Hours — 444K (#1)
Dawn FM — 148K (#2)
Hurry Up Tomorrow — 490.5K (#1)
Como informa Billboard, es el 5º número 1 en la lista para The Weeknd. En este caso, ha sido importante la edición física de 11 canciones que se ha sacado en CD, vinilo y cinta, cuando la edición digital tiene el doble de temas. 183.000 unidades han sido descargas digitales pero se han vendido 99.000 cd’s, 77.000 vinilos y 1.000 cintas en Estados Unidos.
Además, ‘Hurry Up Tomorrow’ también es número 1 en Reino Unido, Australia, Noruega, Alemania, Nueva Zelanda, Irlanda, Holanda y Bélgica. En Italia ha quedado en el puesto 2. En Reino Unido sabemos que ‘Hurry Up, Tomorrow’ ha vendido 33,694 unidades: 7.400 cd’s, 6.600 vinilos, 2.500 descargas, 150 cintas y 17.000 puntos de streaming. La posición española se conocerá esta tarde: ¿habrá podido The Weeknd con Amaia y Bad Bunny en nuestro país?
En cuanto a nuevos singles, ‘Cry for Me’ ha logrado colarse en el top 8 en Reino Unido. En el Global de Spotify llegó a ser número 5 pero ya está a la baja en el puesto 24. Nuestra favorita ‘Open Hearts’ llegó al número 22 en el Global de Spotify y ahora aparece en el puesto 111, tras 9 días de vida.
Kendrick Lamar ha sido el nuevo protagonista de la Super Bowl, interpretando un popurrí de clásicos como ‘HUMBLE.’ o ‘DNA’ en versión reducida, junto a temas más recientes como ‘squabble up’. Su show puede interpretarse simplemente como una sucesión de «grandes éxitos», más bien austera, y así ha lucido ante decenas de millones de espectadores. Sin embargo, la importancia estaba en los detalles, y los dardos sobre Estados Unidos y Trump, equiparados a Drake, se han sucedido uno detrás de otro.
El rapero ha aparecido sobre el coche de la portada de ‘GNX’, su último disco, para interpretar la inédita ‘Bodies’. Cuando esta ha terminado, ha soltado una de las claves del set: la referencia a Gil-Scott Heron y su «La Revolución no será televisada». Ha dicho Lamar: «La revolución está a punto de ser televisada. Escogisteis el momento correcto pero al tipo equivocado», en lo que solo podía ser una referencia a Trump, aunque desde luego queda abierto a las interpretaciones.
En otro momento -justo antes de ‘Euphoria’- se ha podido leer en el graderío «WARNING WRONG WAY» en lo que parecía otra referencia a las recientes elecciones en Estados Unidos.
Por si fuera poco, ha presentado el show el actor Samuel L Jackson -conocido por su activismo– caracterizado como Tío Sam y cuestionando la actuación por ser «demasiado ruidosa, demasiado imprudente, demasiado ghetto». El Tío Sam en la cultura estadounidense es la viva personificación del país, de su bandera, y desde luego no era negro en su origen, situado en el siglo XIX. Era otro claro guiño político de una Super Bowl empapada de bandera nacional.
La actuación de Lamar ha estado casi siempre acompañada por una corte de un centenar de bailarines, vestidos con los colores de la bandera de Estados Unidos. De hecho, han llegado a formar dicha bandera en la primera mitad del show, durante ‘HUMBLE.’. Y no es casualidad que todos los bailarines fueran negros. Para más inri, una persona se coló en el escenario portando una bandera de Palestina y Sudán.
Para Kendrick, reírse de Drake es tan importante como el movimiento Black Lives Matter. Su diss track contra él, premiado en los Grammy, ‘Not Like Us‘, se ha hecho de rogar, con Kendrick bromeando que iba a darle a «América» lo que quería y dejando sonar unos acordes, pero finalmente interpretando otros temas antes. Su frase exacta ha sido “Quiero tocar vuestra canción favorita, pero ya sabéis que les encanta demandar”, en referencia a la denuncia que le ha puesto Drake a su propio sello y a Spotify por promocionar ‘Not Like Us’, «ilegalmente», según sus palabras.
Además, Kendrick también ha portado un collar con la mítica «a minor» de la letra (en posible referencia a que a Drake le gustan menores). “Say Drake, I hear you like ‘em young” está siendo el nuevo meme; aunque lo más fuerte ha ocurrido cuando ha sonado ‘Not Like Us’ y se ha podido ver en el escenario a la tenista Serena Williams, ex de Drake, bailando, dejando uno de los momentos de la noche.
La gran invitada ha sido SZA para una interpretación del hit actual ‘luther’ y ‘All the Stars’, esta última gran hit de la banda sonora de ‘Black Panther’, con todo lo que esta representaba en cuanto a la comunidad negra.
Finalmente, el set de Kendrick Lamar ha servido por supuesto para promocionar su último disco ‘GNX’. Además de ‘squabble up’ y de ‘luther’ con SZA, han sonado fragmentos de ‘Man at the Garden’ y ‘Peekaboo’, y se ha reservado un protagonismo especial para ‘tv off’, que ha cerrado con la participación de DJ Mustard. El vídeo de esta Super Bowl puede verse en el Youtube oficial de la NFL, aunque no se permite su inserción en páginas webs.
A man performing during the Kendrick Lamar halftime concert at #SuperBowl LIX unfurled a Palestinian flag and was chased off stage and finally tackled and removed by security. #SBLIX#Palestinepic.twitter.com/sU8jl1eyE3
En la 39ª edición de los Goya, el premio a Mejor Película ha sido, por primera vez en su historia, ex aequo: tanto el equipo de ‘El 47’ como el de ‘La Infiltrada’ se han llevado el gato al agua. A mi juicio, ‘El 47’ es una de las mejores películas españolas de este año y justa merecedora del galardón; ‘La Infiltrada’, no tanto. Pero no significa que lo último de Arantxa Echevarría, sobre la historia real de una policía infiltrada en ETA, esté exento de méritos.
Desde luego, ‘La Infiltrada’ ha sido un taquillazo como pocos: solo superada por la entrega de este año de ‘Padre no hay más que uno’, sus más de 8 millones de recaudación la convierten en la película española más taquillera de la historia dirigida por una mujer. Y además siendo un thriller, que en lo nacional no es siempre un género tan agradecido como sí puede serlo la comedia “blanca”.
Una de las razones de este éxito se encuentra en su directora: Echevarría es una curranta nata capaz de sacar adelante con solvencia encargos (‘La familia perfecta’, ‘Politicamente incorrectos’ ) y sus propias apuestas (‘Carmen y Lola’, ‘Chinas’). La conexión con el público siempre ha estado en mente, pero esta cinta es claramente la confirmación.
Porque ‘La infiltrada’ no se avergüenza en ningún momento de su intención comercial, y eso no afecta a su impecable factura técnica, ni a las interpretaciones de los siempre estupendos Carolina Yuste (probablemente una de las actrices más naturales de nuestro país) y Luis Tosar. Destaca especialmente el manejo por parte de Arantxa de una tensión que nunca llega a desaparecer, sobre todo desde la aparición de cierto personaje.
Por otro lado, se echa de menos una propuesta formal más arriesgada, algunos momentos de clímax quedan a medio gas, y, sobre todo, la construcción del entorno de ella deja la sensación de que podría haber sido mucho más interesante. Todo esto sin entrar en el aspecto maniqueo de la historia (cómo se retrata la cotidianeidad de unos y otros o, incluso, la violencia sexual en unos y en otros), que hubiese agradecido un acercamiento más punzante tratando el tema que trata.
En definitiva, aunque ‘La infiltrada’ deja la sensación de que podría haber sido mucho mejor, son innegables también sus virtudes. Y está claro que el público, que ha ido en masa a verla, las ha visto muy bien.
Hace unas semanas Eva Amaral fue al podcast que James Rhodes tiene en la Cadena SER y este tuvo a bien pincharle aquel momento en que la cantante enseñó las tetas en Sonorama 2023. En 30 segundos la artista se mordió los labios, tragó saliva, se llevó la mano a la boca, se rascó la nariz, y también un ojo. Al final resopló y le dio la risa. Mucho se habló de sus tetas, de su dedicatoria a otras cantantes, pero el momento funciona incluso solo con audio, sin imagen, porque lo más emocionante ocurrió cuando Amaral gritó «!Somos demasiadas!» y se escuchó responder con vítores a la parte femenina del respetable, en su plenitud.
Eva cuenta que jamás pensó que esa presentación en vivo de su tema ‘Revolución’ tuviera tal repercusión, lo cual no dice nada bueno de nosotros como sociedad, pero sí de su valentía. Para bien o para mal, ha sido una parte relevante de la historia de Amaral, y viene al caso porque la libertad es uno de los temas principales de ‘Dolce Vita’, el nuevo disco del dúo.
El single ‘Rompehielos’ gasta una estrofa en repetir un montón de penosos arquetipos machistas: «Te dirán que estás chalada, que no llegarás a nada, que pareces enfadada, y sonriendo estás más guapa». El álbum se abre con un tema llamado ‘Libre’, un obvio alegato en favor de la libertad hasta la muerte, con un requiebro interesante («ese lado oscuro del que tantas veces huyo es parte de mí»), una guitarra clásica y una percusión diferente.
Y el disco también recuerda a quienes no pudieron vivir con esa sensación de libertad, como el padre de la artista durante la dictadura de Franco (‘En el centro de un tornado’) o el cantautor Víctor Jara (‘Podría haber sido yo‘), asesinado tras el golpe que auparía a Pinochet en Chile, 1973.
«Dolce Vita», aparte de una referencia al clásico de Federico Fellini, representa un «universo perfecto» en el que olvidar lo brutal y lo cruel que nos puede resultar el mundo. Es una composición exultante y llena de vida, en sintonía con el mensaje positivo que nos dan piezas como ‘La suerte’ o la final ‘Pájaros’. «Hemos tenido suerte de vivir para contarlo», dice una. «Todo tiene un ciclo y ahora mismo estamos vivos», presume la otra.
La sencilla prosa de Amaral ha funcionado desde el principio por su habilidad para componer buenas melodías y arreglarlas cada vez mejor. Citan a The Jesus & Mary Chain en este disco, como en muchas entrevistas a Wilco, pero no se acercan tanto a estos, y jamás a los primeros. Simplemente dignifican el pop español clásico como otros no terminan de conseguir. Ahí hace mucho la bonita voz de Eva Amaral, también su buen gusto para producir guitarras y baterías, para aportar arreglos que sumen y no abrumen, y esta vez, para evitar los fallidos experimentos de ‘Salto al color‘.
‘Ahí estás’ es el single más destacable entre los 6 que han presentado ‘Dolce vita’, y ‘Los demonios del fuego’ sería directamente una de las mejores canciones de su carrera de no ser por la caída del estribillo: las estrofas tienen mucha más fuerza. De la misma manera que uno se pregunta si el álbum esconde un «sleeper» como los de antaño, hay que apuntar que ‘Eso que te vuela la cabeza’, ‘Tal y como soy’ -con ese pizpireto teclado- o ‘Hasta que la música se acabe’, con su divertida mención a Nirvana, podrían elevar el número de sencillos a 9.
Incluso las canciones que parecen más débiles tienen su enjundia. ‘La unidad del dolor’ es una extraña composición que parece rezumar sensualidad, versa sobre ciertos placeres de la vida, en contraposición a aquello que nos distrae, y quizá por ello adopta diferentes formas entre pianos ligeros y beats alocados. En el revival del pop español de los 2000 también hay clases y clases y Amaral son los que más y mejor siguen trabajando su sonido.
Desde la primera imagen, un travelling lateral que parece sacado de una película de Wes Anderson, el videoclip ‘M.A.P.S.’ (del álbum ‘Si abro los ojos no es real’, nuestro Disco de la Semana) deja claro cuál va a ser su eje temático: la dualidad entre opuestos. Esto es: una sala de espera de una clínica de psicoterapia adornada con una pintura que parece la expresión de la mente de un psicokiller.
Esta dialéctica articula todo el clip de la canción en que Amaia se dirige a su madre. Desde el punto de vista de la puesta en escena, se puede observar a través de recursos como la pantalla partida, la utilización de los espejos (todo un clásico en este tipo de alegorías), el contraste lumínico y de textura fotográfica entre la Amaia buena y la Amaia mala, el distinto dinamismo que se imprime a las escenas de una y otra por medio del montaje y el trabajo de cámara…
En cuanto al contenido, el vídeo recoge la tradicional iconografía, en su vertiente naif, de la doble maligna: vestimenta oscura, cejas y cuernos demoniacos y retórica antisocial un poco a lo “Ser malos! Buenas noches colegas”. Un diálogo visual entre el “bien” y el “mal”, entre la imagen exterior como construcción social y los demonios interiores como conflicto personal, que está en sintonía con el discurso de la canción y se puede trasladar a la propia música de Amaia: ráfagas de luz estroboscópica destellando en un dulce y apacible atardecer.
