Sabrina Carpenter ha conseguido una orden de alejamiento contra un hombre que habría estado acosándola y que incluso habría intentado entrar sin permiso en su casa de Los Ángeles. De esta forma, un tribunal ha prohibido a William Applegate, de 31 años, estar a menos de 100 yardas (91 metros) de la artista, de su hermana o de la pareja de esta última.
La artista asegura que Applegate se presentó en su puerta e intentó abrirla a la fuerza el pasado 23 de mayo, pero posteriormente descubrió que el hombre había estado acosándola desde el 20 de abril. «Tengo miedo de lo que podría hacer si no es detenido por este tribunal», escribió Carpenter en su petición.
Después de que el hombre golpease al guardia de seguridad de la artista y este le pidiese que se fuese, este aseguró que conocía a Sabrina y que ella le estaba esperando, lo cual aparece reflejado en los documentos como algo «totalmente falso».
Sin embargo, el hombre regresó al vecindario durante los dos días siguientes. Applegate tiene previsto comparecer ante un tribunal el próximo 18 de junio: «Su delirante insistencia en que me conoce y en que yo le estaba esperando es un indicativo de una peligrosa e irracional fijación en mí», escribió Sabria en su declaración.
Ha costado, pero Kim Petras por fin es libre. Tras años sintiéndose maltratada por su discográfica, Republic Records, quienes han retrasado en innumerables ocasiones el estreno de ‘Detour’, la artista alemana (afincada en Los Ángeles desde hace una década) ha sido liberada de un contrato que cohibía su visión artística. Buena prueba de ello son esos álbumes anémicos y enormemente decepcionantes (‘Slut Pops’, ‘Feed the Beast’ y ‘Problématique’) que siguieron a sus más que prometedores comienzos, con esa ristra de fantásticos singles (‘Heart to Break’, ‘I Don’t Want It At All’, etc.), ‘Clarity’ y el proyecto de Halloween ‘Turn Off the Light’.
Por fortuna, Petras ahora toma un muy necesario desvío para volver a encauzarse en un camino mucho más interesante que el que estaba recorriendo en los últimos años. ‘Detour’, a diferencia de sus más cercanos predecesores, es 100% proteína.
Como sucede con la mayoría de discos que merecen la pena, la artista ha dejado de intentar hacer música para triunfar en favor de hacer lo que realmente le da la gana. Y eso no es, en ningún caso, renunciar al bop, sino hacerlos bajo sus propios términos. Simplemente en la canción que abre el proyecto y que le da nombre, ya puede apreciarse a Kim pasándoselo realmente bien con su música, siendo libre. “If you do it, do it hardcore”, dice sobre una enérgica producción electropop. El tema está lleno de pausas y giros que orbitan sobre un estribillo que presenta inmejorablemente el universo digital y caótico del proyecto.
Este primer corte nos recuerda que Kim es hija del hyperpop, amadrinada por la propia SOPHIE. En ‘Detour’ rescata el género en varias ocasiones, mezclándolo con otros sonidos propios del pop de principios de los 2010s. ‘Check It’ es un buen ejemplo de esto: un caramelo, con un gancho adictivo y sintetizadores juguetones. Muy conscientemente, Petras nos deja con ganas de más, de otro “check it check it check it”, pero prefiere que vuelvas a ella después, porque ahora es el turno del futurismo de ‘Polo’, un tema nada complaciente en una primera escucha que no deja de crecer y que muestra su versión más avant-garde. En la muy divertida ‘101’, recurre a una producción ruidosa y repetitiva donde prácticamente uno puede imaginarse el sonido de las llantas derrapando mientras la canción suena a todo volumen en el altavoz de un descapotable de alta gama.
Y es que Kim necesita la velocidad, y si no puedes alcanzarla, es tu problema. En el temazo electropop muy Charli XCX ‘Need for Speed’, ironiza sobre la fama y arremete directamente contra su antigua discográfica, a la que, según ella, solo le interesa el dinero. Igual de inmediata y efectiva es ‘I Like Ur Look’, en la que derrocha carisma. El disco termina con ‘Freak It’, una de las mejores canciones que ha firmado nunca, acompañada de un beat adrenalínico y agresivo que cuando rompe es una auténtica fiesta.
Pero no solo hay espacio para la rave en ‘Detour’, también para otros experimentos que Petras se arriesga a incluir en la secuencia y milagrosamente funcionan. Es el caso del folk elecrónico de ‘Jeep’, que suena totalmente diferente a cualquier cosa que haya hecho antes y demuestra que su desparpajo para defender sus canciones trasciende de géneros. Es mucho más polifacética de lo que cabría esperar. Algo parecido ocurre con la balada sentimental ‘Korea’, que cuenta con una de las producciones más interesantes del proyecto. Y más upbeat pero igualmente melancólica es ‘Brutalist’, en la que establece una metáfora entre el derrumbamiento de un edificio y su propia identidad, recordando los paisajes que veía cuando su familia la llevaba de pequeña al psiquiátrico y “no volvía siendo un hombre”.
Kim Petras toma la primera salida de la aburrida autopista en la que se encontraba y nos lleva por un camino alternativo muchísimo más emocionante, donde no hay límites de velocidad ni señales que interrumpan la marcha. En apenas media hora, ‘Detour’ reubica inmediatamente a la artista como una de las mejores popstars del momento.
Quevedo mantiene el número 1 en España por 5ª semana consecutiva con el excelente ‘El Baifo‘, aunque Bad Bunny aprieta subiendo al 2 con ‘Debí tirar más fotos’. En puntos, Benito tiene la subida más fuerte de la semana coincidiendo con sus 12 conciertos en España. ¿Subirá al puesto 1 la semana que viene? Apostamos a que sí tras actuar delante de 600.000 personas.
Fangoria han desaparecido del top 100 de discos después de tan sólo 4 semanas de permanencia. ‘La verdad o la imaginación‘ no solo es su primer disco que no logra ser número 1 en 20 años, sino que es el que más rápido ha caído. ‘Cuatricromía’ aguantó 67 semanas en lista según la base de datos de acharts. ‘Canciones para robots románticos’, incluso más: 77 semanas. Es decir, triunfaron durante más de un año. Incluso el más irregular ‘Absolutamente’ aguantó 16 semanas. Para encontrar un disco de Fangoria que durara tan poco en listas como el nuevo hay que retrotraerse a la era Subterfuge, cuando sus álbumes funcionaron más bien a modo de «sleeprs». Así ha sido el «chart run» de sus últimos discos en España durante el primer mes:
Absolutamente: 1-5-12-30-47
Cuatricromía: 1-2-5-14-17
Canciones para robots: 1-1-4-9-10
La verdad o la imaginación: 3-30-57-95-x
La sorpresa agradable es la llegada de ‘Ama’ de María Arnal a la lista. Llega exactamente al puesto 62 varios meses después de su edición. La razón es que acaba de publicarse al fin su edición vinilo, que entra al top 7 en la sublista de LP’s.
La entrada más fuerte en verdad es la de Nil Moliner, que llega al puesto 4 con ‘Nexo’. D. Valentino es top 6 con ‘Baby’ y hay una tercera entrada en el top 10: Los Diozes llegan al puesto 8 con ‘Mesón Masón’.
Otras entradas de la semana son las de Álvaro Díaz con ‘Omakase’ (13), Abhur con ‘Ultraswan’ (19), SFDK con ‘2001 odisea en el lodo’ e ‘Ilegales: 40 aniversario’ (85).
Olivia Rodrigo protagoniza la entrada más fuerte de la semana en España con el segundo single de su inminente disco, que sale el 12 de junio. Sin embargo, esa entrada no ha sido tan buena como las que ha tenido en Australia e Irlanda, donde es número 1, o Reino Unido, donde es número 2.
‘the cure‘ llega al puesto 24 en España, en sintonía con otros países europeos (top 16 en Holanda, top 23 en Suecia, top 43 en Francia) en los que el inglés no es la lengua materna. Coincidiendo con este lanzamiento, el primer single de este álbum, ‘Drop Dead‘, que en su momento fue número 14, reentra en el top 100, pues había caído ya. Su 4ª semana de permanencia la pasa en el puesto 92.
La lista de la semana está protagonizada por Bad Bunny, que tiene la subida más fuerte con ‘Baile inolvidable’ (17-5). ‘Nuevayol’ sube al top 6, ‘DTFM’ sube al 14, ‘Eoo’ al 20… pero la noticia es que reentra con un montón de viejas y nuevas canciones como ‘Café con ron’ (45) ‘Weltita’ (49), ‘Ojitos lindos’ (55), ‘Monaco’ (68) o ‘La canción’ (69), entre muchas otras. En total, coincidiendo con su llegada a España de gira, ocupa 21 de los 100 puestos de la lista de Promusicae.
Pese a ello, hay un par de entradas más. Lola Indigo llega al puesto 41 en compañía de Lucho RK con ‘El bachatón de la L’ y Farruko, Greeicy y Steve Aoki llegan al puesto 90 con ‘Yapaque’.
arrecí0, el grupo sevillano de pop punk despreocupado que nos empezó a conquistar con la hímnica ‘onvres’, ha lanzado su primer álbum de estudio. ‘ESTOY LLENA DE ODIO Y AMOR’ salió la semana pasada, pero ya ha demostrado ser cuna de otra tanda de divertidísimas canciones. En este sentido, ‘#DIFERENTE’ es la joya de a corona. Y la Canción del Día.
‘#DIFERENTE’ es toda una crítica, llenísima de humor, al panorama indie actual. arrecí0 empiezan el tema bromeando sobre esos grupos que tienen un «rollo tan distinto», que siguen siendo «un poco nicho» y que «si no fuesen de aquí les iría super bien». La letra es un cúmulo de clichés intencional que no hace más que aumentar y aumentar en intensidad. Además, es totalmente pegadiza.
En el estribillo, el grupo critica que el objetivo de todos estos grupos es «ser alternativo y diferente» a base de «mullet, tatus, bigote, dos pendientes y una totebag». Tienen hasta «solos de sitar». El guiño se redondea con el interludio hablado, en el que la vocalista se hace pasar por una locutora de radio: «Hola, soy Clara Triana de Radio Tren y hoy tenemos la misma mierda de siempre».
Mientras suenan unas notas de sitar, esta asegura estar cansada «de recibir veinte canciones indie que suenan igual», de inventarse «movidas para justificar que vuestra música es original» y termina con la mejor frase del tema, que también es una verdad como un templo: «Como vuelva a escuchar otro cantante con la voz de Diego Ináñez, voy a cometer un atentado». Le ponen el broche al tema mencionando a uno de los grupos que tiene la culpa de la misma situación que se critica: «Coño, es Izal, soy superfan».
Charli xcx se está encargando de ir avisando a sus fans sobre las expectativas que deberían tener respecto a su próximo disco, ‘Music, Fashion, Film’. Este ha sido anunciado hoy mismo junto con una portada en la que aparecen posando el músico John Cale, el diseñador Marc Jacobs y el director Martin Scorsese. Estará disponible el próximo 24 de julio.
Sabemos que ‘Music, Fashion, Film’ incluirá los singles ‘Rock Music’ y ‘SS26’, que se adentrará en el mundo del rock sintetizado y que no tendrá nada que ver con ‘BRAT’. De hecho, los dos singles ya publicados serán las dos primeras canciones del tracklist, que se compone de 11 cortes. El disco tendrá una duración de 30 minutos y 5 segundos.
La respuesta del público a los dos singles lanzados ha sido mixta y Charli lo sabe: «He hecho un disco y es muy diferente del anterior. Me encanta, pero puede que a ti no y no pasa nada», comenta la artista en un vídeo subido a TikTok. Charli no le echará en cara a ningún fan que no le guste el nuevo disco: «Es lo que significa tener preferencias personales».
El vídeo se ha subido a la plataforma horas después de celebrar un evento en Londres en el que la artista hizo una sesión de DJ junto a su marido, George Daniel, y en el que también mostró algún fragmento inédito que otro. Uno de los que más ha llamado la atención es el que ha sido mezclado con el remix de ‘Mean girls’ de Daniel: «Comprar unos zapatos… tarjeta rechazada», canta Charli.
Charli xcx says some fans may not like her upcoming album because of how different it is to ‘BRAT.’ pic.twitter.com/2hctTMgaxO
Jamás conseguir una entrada para un concierto fue tal infierno. Ni ofreciendo 12 conciertos en España, 10 en Madrid, y un par más en Lisboa, Bad Bunny satisfizo la demanda del público español. Yo en principio no conseguí entrada, un colega consiguió una suelta para el día 2, mi pareja una suelta para el día 14, una amiga otra suelta para el día 6… quiero decir que a este tour de Bad Bunny no se va cuando se quiere ni con quien se quiere, sino en soledad y cuando se puede.
Si la carrera de Benito Antonio Martínez Ocasio ya estaba enfilada desde el principio, la locura ha sido ya total especialmente desde ‘Un verano sin ti’ y este último disco, ‘Debí tirar más fotos’, 8 veces platino en nuestro país, y sumando: aún es top 3 un año y medio después de su edición. Si es que no reescala al número 1 con motivo de esta visita.
El show de presentación de ‘DTMF’ es exactamente lo que imaginabas dado el protagonismo de los instrumentos de viento en este último álbum. Si en el disco Benito daba voz a jóvenes músicos de entre 18 y 21 años de la Escuela de Música Ernesto Ramos Antonini, sita en San Juan, Puerto Rico, una portentosa banda le acompaña en la primera parte del set. Es ahí donde evidentemente van a sonar los temas más salseros, ‘Baile inolvidable’ y esa ‘Nuevayol’ que no sonará en Nueva York mientras gobierne Trump y exista el ICE, acompañadas de viejos éxitos como ‘Callaíta’. Esta, en segundo lugar, levanta al estadio, si es que alguna vez estuvo sentado. Ni un alma quedó sin corear aquello de «Si hay sol hay playa, si hay playa hay alcohol / Si hay alcohol, hay sexo, si es contigo, mejor».
El sonido no acompaña en el Metropolitano, como por otro lado es habitual, y en verdad escucharemos mejor a Benito en la segunda parte del set, cuando tras un incómodo interludio de silencio, el artista se traslada a lo que se conoce como «La Casita», un segundo escenario al otro lado del estadio por el que suelen pasar famosos e influencers, y en cuyo tejado termina interpretando algunas canciones.
Ester Expósito, Ana de Armas, Martiño Rivas, Chiara Ferragni, Marta Ortega y algunos futbolistas fueron los invitados este sábado, mientras el domingo fue el turno de Los Javis y Judeline. Es en esa parte del set que suenan éxitos como ‘Tití me preguntó’ o ‘Yo perreo sola’, antes de que salte a escena el invitado sorpresa de la noche. El sábado Myke Towers pudo interpretar algunas de sus canciones, a destacar la fiesta desatada por ‘LALA’. 50.000 personas cantando sobre una comida de coño. Solo en un concierto de reggaeton.
O algo similar. Porque hace tiempo que las canciones de Bad Bunny saltan de un género a otro incluso dentro de la misma pista. En ese sentido ‘Safaera’ no podía faltar, representativa del sonido de esta década de los 20 y pionera como pocas. Como tampoco podía faltar la sencilla ‘Café con Ron’ con Los Pleneros de la Cresta, otra de las canciones que encapsulan el espíritu de esta gira: la fiesta latina, la alegría inherente de su cultura, la celebración con los demás, el baile incluso con gente que no conoces. En un momento dado Benito anima a «amarnos a nosotros mismos tal y como somos», a «olvidar el rencor del pasado». Todo su concierto pretende ser un oasis en este mundo de mierda, y lo consigue con creces.
La entrega del público es total cuando, de vuelta al escenario principal, suenan los últimos hits: ‘Ojitos lindos’ y sobre todo ‘La canción’ no pueden ser más emocionantes. Se acuerda de ‘Dákiti’. Cierran ‘Debí tirar más fotos’ y ‘EoO’ en plan bis.
El tedio solo cabe en el set cuando Bad Bunny pasa unos 15 minutos saludando a fans desde «La Casita». Y aun entonces es bonito ver cómo Benito abraza a un joven que no puede parar de llorar. Sin grandes trucos escénicos ni la pirotecnia de un concierto de diva pop, incluso resultando austero en ese sentido, este tour de Benito se ampara en la grandeza de su repertorio tras una década de carrera. Esto siempre fue de canciones. De hits. Y Benito tiene ya para completar hasta 3 horas de concierto.
La Casita está siendo el elemento más comentado, de momento, de los conciertos de Bad Bunny en nuestro país. Así, un usuario llamado Zaida ha publicado un anuncio falso en Idealista ofreciendo la vivienda por un millón de euros con el objetivo de denunciar la crisis de la vivienda.
Aunque en un principio la Casita fuese pensada como una reivindicación más de la cultura puertorriqueña, tan tratada en ‘Debí Tirar Más Fotos’, ha acabado implementándose en los conciertos del artista como un escaparate para algunas de las celebridades más importantes del mundo, junto a algunas afortunadas personas del público.
El anuncio ha sido ya retirado de la plataforma, pero su intención sigue siendo relevante. La Casita se ofertaba a 16.129 euros el metro cuadrado y se situaba en la calle Fernando Guanarteme, cercana a la playa de Las Canteras en Las Palmas de Gran Canaria. Esta es una de las zonas de la ciudad que más han sufrido los efectos de la especulación.
La descripción describe la Casita como un gran «concepto de marketing para el concierto de Bad Bunny», describiéndola como «exclusiva», «limitada» y «aspiracional». Es aquí donde el autor deja claro que el anuncio está pensado para denunciar la gran crisis de la vivienda en nuestro país: «Da la sensación de que formas parte de algo a lo que no todo el mundo puede acceder, pero al terminar el concierto te das cuenta de que fuera está pasando lo mismo».
«A este ritmo, una casita también será un lujo reservado para gente VIP», termina el anuncio. Al mismo tiempo, Amnistía Internacional también ha usado el símbolo de Bad Bunny para denunciar el tema de la vivienda: «Es más fácil entrar en la Casita de Benito que conseguir una vivienda digna», han sentenciado.
Todo esto se ha juntado con las numerosas críticas que está recibiendo el propio concepto de la Casita en el contexto de los conciertos de Bad Bunny, con muchos usuarios describiéndolo como una práctica machista: «Es una machistada histórica, pero como Bad Bunny os pone cachondas ninguna se queja», escribe Pausismo en X. José Mencía, en la misma red social, critica el hecho de que la estructura sirva «para que los ricos se sientan especiales delante de los pobres que pagaron la entrada».
Ha pasado un mes desde que Kid Cudi echase de su gira a M.I.A. por una serie de «comentarios ofensivos» que la artista incluyó en sus conciertos y que provocaron «una avalancha de mensajes de fans molestos por sus discursos». Ahora, la artista ha presentado una denuncia contra el rapero por ruptura de contrato.
M.I.A. acusa a Kid Cudi de saber de antemano sus creencias y reputación política antes de contratarla como telonera en su nuevo tour. Esto causó una «interferencia intencional con las relaciones contractuales» que hizo que «Live Nation rompiese su contrato». M.I.A. alega que esto hizo que no se abonase la garantía inicial de 2,8 millones de dólares.
Al empezar a leer el documento, recogido por Pitchfork, se acusa al rapero de que «M.I.A. fue eliminada para generar publicidad para la gira, que ha tenido dificultades con la venta de entradas». La demanda establece que la artista tenía «permitido decir lo que quisiese en el escenario» y que «hace responsable a Kid Cudi por la destrucción de sus derechos contractuales, oportunidades de negocio y reputación».
Además de la suma garantizada inicialmente, M.I.A. pide 75.000 dólares en daños compensatorios y la cobertura de sus costes y tarifas de sus abogados, además de un juicio ante jurado.
Dua Lipa y Callum Turner se han casado este domingo 31 de mayo en una ceremonia íntima, de la que la prensa se ha enterado el mismo día, celebrada en el Old Marylebone Town Hall de Londres, rodeados de un reducido grupo de familiares y amigos.
La noticia llega casi un año después de que la artista anunciara su compromiso en junio de 2025, confirmando una relación que se rumoreaba desde finales del año anterior.
The Sun, el tabloide que ha dado la exclusiva, informa de que la boda se ha celebrado con confeti a la salida de los recién casados, que han abandonado el lugar en un coche negro. Vogue aporta detalles sobre el vestuario: Dua Lipa, epítome de glamur, ha apostado por un look nupcial de Schiaparelli con traje blanco, sombrero y guantes, mientras que Turner ha elegido un traje azul marino clásico.
La pareja estaría ya preparando una segunda celebración en Palermo, Italia, según apunta la prensa británica, algo que no sorprende a quienes siguen de cerca a Dua Lipa, la “vacanza queen” en sus propias palabras.
Dua Lipa se encuentra preparando su próximo álbum de estudio, el cuarto, que será ya su primer disco tras su matrimonio.
Jay-Z ha vuelto a los escenarios después de cinco años como cabeza de cartel del Roots Picnic de Filadelfia. La actuación ha incluido un repaso de más de 30 canciones a lo largo de 90 minutos, con apoyo de The Roots y apariciones de invitados como Jazmine Sullivan, Meek Mill o Bilal.
El momento más comentado de la noche ha sido el “freestyle” a capela de cuatro minutos que se marca el rapero tras abrir con ‘Hovi Baby’. Una improvisación no ensayada previamente en la que Jay-Z lanza shade a tres figuras clave del rap actual que le han atacado en el pasado: Kanye, Nicki Minaj y Drake.
La frase (supuestamente) dirigida a Drake, “Them crackers got your publishing checks, go talk tough to them, don’t talk success to me”, hace referencia a los derechos editoriales, a los ejecutivos blancos en posiciones de poder en la industria musical («crackers») y a la obsesión del canadiense por el éxito comercial.
Sobre Nicki Minaj, el rapero parece aludir a su relación con Kenneth Petty, al que se refiere como el “Ken” de Nicki (en referencia al personaje Ken de Barbie, tiene sentido porque Nicki es la Barbie del rap). La mención a los “republicanos MAGA” es ya blanco y en botella.
También lanza Jay-Z una respuesta directa a Kanye West por sus comentarios del año pasado sobre Beyoncé y sus hijos: “¿Has oído hablar de los niños prodigio? Mis hijos son algunos de ellos, ¿es que no tenéis ninguna vergüenza?”.
Pese a las pullas, el repertorio de Jay-Z incluyó varios temas de ‘Watch the Throne‘ (2011), su álbum conjunto con Kanye West, como se puede apreciar en Setlist.fm.
Hace unos días Joshua Idehen presentaba este álbum en la madrileña Sala El Sol. Fue un gran concierto armado por su excelente humor y su enorme capacidad comunicativa. Nada más aparecer, bromeó: «voy a volver al camerino y cuando salga quiero que me recibáis imaginando que soy la Dolly Parton negra». En otro momento, quiso ser «un sacerdote». Definitivamente ejerció de gurú cuando emplazó a toda la sala a gritar «Choose Yourself» durante el tema así llamado, como propuesta de valorarnos, de querernos, de perdonarnos a nosotros mismos.
Contienen las canciones del británico de origen nigeriano una gran carga social, también. Su viral más improbable es un tema de «spoken word» llamado ‘Mum Does the Washing’ que va mucho más allá de cuestionar el heteropatriarcado. El tema explica el capitalismo, el comunismo, el socialismo, el feudalismo, el colonialismo, el ateísmo y el sistema religioso, entre otros, a través de la pregunta «quién hace la colada». En el capitalista, estafas a tu madre 50 céntimos. En el religioso, tu madre te hace la colada y tú a quien agradeces es a Dios.
La canción sigue retorciéndose cubriendo modernidades como el «mansplaining» («tu madre te hace la colada pero tú le explicas cómo se hace aunque nunca la hayas hecho»), el patriarcado («tu madre no existe, la colada se hace sola misteriosamente»), las terfs, los distintos tipos de feminismo -incluido el hombre feminista- o hasta el surrealismo. Divertida y poliédrica, ‘Mum Does the Washing‘ contiene una letra que lleva unas cuantas escuchas entender del todo, y recuerda que Joshua Idehen era, antes de todo esto, un poeta. De hecho la idea original procede de un poema de 2015 -a veces ha usado hilos de Twitter como inspiración- y el tema ‘My Love’ viene de otro poema de 2009.
Para musicar todo esto, el artista ha contado con el DJ y productor Ludvig Parment que por ejemplo ha construido esta grabación en torno a algo parecido a un sample muy distorsionado y corto de ‘If I Were a Richman’. Pero en general, Ludvig lleva las ideas de Joshua Idehen muy lejos del «spoken word», a la pista de baile, con influencias como el breakbeat, el neo-soul o el UK Garage. Así, algunas de estas canciones podrían haber sido temas de The Streets (‘Could Be Forever’), Disclosure (‘This Is the Place’) o incluso Amy Winehouse (el «reprise» de ‘Everything Everywhere All At Once’, con Sara Brannas). La indicación musical más habitual que Joshua pide a Ludvig es «¡hazla más house!»
Esto conlleva que el fondo musical suene un tanto manido, a menudo le faltan capas, detalle, misterio. Joshua Idehen tiene la generosidad de decir que «Joshua Idehen es un dúo como Sade era un grupo», pero aquí el carisma lo pone él en unas letras que cuentan multitud de historias. El «banger» ‘It Always Was’ recuerda los tiempos en que iba con su amigo Benji a las discotecas en un coche destartalado. ‘Could Be Forever’ une las historias de un vecino con demencia y un limpiador de baños que en su país de origen era dentista. ‘Brother’ reflexiona sobre la masculinidad, y así sucesivamente.
De hecho, Idehen también es feliz dando voz a otras personas que admira. En el interludio ‘What You Need to Hear’ cede el protagonismo a una poetisa sueca que le encanta, Charlotte Manning, preguntándole qué es para ella la amistad («quienes me recuerdan quién soy cuando yo no me acuerdo»). Y la pista final se compone de extractos de personas a las que han cuestionado qué es la redención. Joshua Idehen luce tan buena gente que no solo nos deleita con su voz sino que nos hace escuchar a los demás. Al mundo.
Ariana Grande ha entrado directamente en el número 1 del global de Spotify con ‘hate that i made you love me‘, su nuevo single aparentemente dirigido a la sección más tóxica de sus fans: “¿Tengo la culpa de que me hayáis dado vuestro corazón? No lo creo”, canta en un verso.
Con 8,78 millones de reproducciones en su primer día, ‘hate that i made you love me’ arranca con una cifra inferior a la de ‘yes, and?‘, que marcó 11,2 millones, pero superior a la de ‘positions’, que registró 7,6 millones. En cualquier caso, hay que tener en cuenta el aumento de suscriptores en la plataforma durante el último lustro: ‘thank u, next‘ alcanzó los 6,1 millones en su primer día y se consideró el mejor debut de su carrera y todo un fenómeno.
A la espera de descubrir la longevidad de ‘hate that i made you love me’, una vez pasado el hype que tanto influye en las escuchas del primer día, ningún otro single de Grande ha dividido tanto a fans, público y también a los medios. Medios como como Daily Mail han titulado categóricamente que los fans “odian” la canción y han recopilado reacciones negativas, intentando construir una narrativa de backlash que ignora la corriente de opiniones positivas o, como mínimo, ambivalentes. Vulture, por su lado, ha declarado el single «uno de los peores» de su carrera.
Grande, no se sabe si ignorando las críticas o reaccionando a ellas, ha compartido una sucesión de reacciones positivas a la canción por parte de fans, tiktokers e influencers, algunas visiblemente sobreactuadas, quizá para contrarrestar el supuesto aluvión de críticas negativas, que de momento contrasta con los números iniciales, al menos en lo que respecta a la curiosidad que ha generado el tema.
Por si sirve de algo, la valoración inicial de los lectores de JENESAISPOP en la encuesta se divide claramente entre “Me ha encantado, otro acierto” (46%, 189 votos), “Está OK!” (39%, 159 votos) y “No me ha gustado, decepción” (16%, 64 votos), lo que sugiere una recepción mayoritariamente positiva, aunque bastante dividida, con una ligera inclinación hacia las opiniones favorables. Os invitamos a comentar el tema en el foro de Ariana Grande en JENESAISPOP.
‘Décollage‘ está siendo el Disco de la Semana en JENESAISPOP. Se trata de un estupendo nuevo trabajo de la banda francesa Requin Chagrin, asociada a ese subgénero del indie-rock conocido como «reverbcore», caracterizado por su sonido extremadamente reverberizado y melancólico heredero del dream-pop, el post-punk el shoegaze, pero identificable como estilo propio, también.
En este álbum, el proyecto liderado por Marion Brunetto profundiza en ese sonido evocador y cinematográfico, como señala Jaime Cristóbal en su crítica, a través de bangers como ‘For You’, nuestra Canción Del Día de hoy.
‘For You’ era uno de los temas destacados de la reseña y también uno de los sencillos oficiales del álbum. Sobresale por «su riff de guitarra al estilo de los grandes maestros galos del pop romántico twangy ochentero, Indochine». No es una referencia casual: el líder de la banda, Nicola Sirkis, edita a Requin Chagrin a través de su sello. Todo queda en casa.
La letra de ‘For You’ dibuja una imagen emocional marcada por la incertidumbre, el aislamiento emocional y el anhelo de encontrar una guía. Así lo sugieren versos como «Au bord du monde» («en el borde del mundo»), «Tu nous laissais dans l’ombre» («nos dejabas en las sombras») o las referencias a un mundo que se derrumba presentes en frases como «tout s’effondrera» y «tout s’écroulera».
El estribillo desarrolla el contraste entre oscuridad y luz que vertebra toda la canción. De los tonos azules y negros de «dans le bleu, dans le noir», asociados a la soledad y la desorientación, se pasa a una imagen luminosa que representa el encuentro con alguien capaz de servir de guía: «Fais la lumière, tes yeux comme un phare». Marion canta algo así como «trae la luz, tus ojos son como un faro», convirtiendo a esa figura en un punto de referencia en medio de la incertidumbre.
Es curioso que Chiara Oliver conciba ‘no fue real’ como el final o “resumen” de una etapa y no el comienzo, dado que es su álbum debut y estilísticamente propone un marcado cambio de dirección. Las guitarras siguen ahí, pero ahora cambian el idioma: ya no evocan el punk-pop de los dos mil, sino el indie-folk y pop alternativo anglosajón más sombrío que ha dominado el pop alternativo en el último lustro.
Oliver, que es menorquina británica, ha podido tener en su moodboard a artistas como Holly Humberstone, Lizzy McAlpine o la Taylor Swift más folk, pero más allá del name-dropping, lo que ofrece ‘no fue real’ -disco que ha sido top 2 en España- es una colección de canciones bien construidas en composición y atmósfera que forman una buena alianza con su reconocible timbre vocal, cuya nasalidad siempre me ha recordado a la de Nini Fabi de HAERTS, incluso en Operación Triunfo.
El conjunto es sólido, si bien avanzado el disco se echa en falta un mayor rango melódico y letras más memorables, porque aunque el estilo de Oliver es diarístico, sus textos están plagados de lugares comunes románticos, que aunque sinceros y honestos de su parte, terminan creando un conglomerado de frases narrativas bonitas en apariencia, pero que raramente aterrizan frases memorables.
En ese sentido funcionan singles como ‘Puzzle’, con su sentido estribillo “no me puedo ir, porque fui feliz”; el también single ‘Margaritas’, en un estilo próximo al pop-rock alternativo; y otras sorpresas. Ahí caben el country-pop de ‘Lo siento x ser yo’, con un estribillo muy definido, y ‘2+2=5’, que logra cerrar el álbum con bastante solidez, arrimándose a un sonido muy próximo a Cigarettes After Sex -a los que evoca también la correcta pista titular- e incluso al shoegaze en su atinado crescendo. Y no, no es un cover de Radiohead.
Rimas como “por qué nos engañamos, si se ve que no encajamos”, “no estás aquí, pero eres parte de mí”, “te dejas ardiendo aquí, no volverás a por mí” o “cuando nadie nos ve, te tengo contra la pared” construyen un disco sobre el desamor sincero, aunque plagado de clichés, y la densa narrativa casualmente termina contando muy poco. Mientras, las canciones pronto entran en un estado de agotamiento melódico, y pistas como ‘Una más’ o ‘Un minuto +’ suenan redundantes en melodía y sonido; hay que lamentar que Oliver interpole ‘Kiss Me‘ de Sixpence None the Richer solo para escribir una canción que es solo una sombra de aquella.
Ciertas ideas de producción -sobre todo vocal, en temas como ‘Una más’ y ‘Me & My Girls’- hacen sonar la voz de Chiara extrañamente enlatada, recordando a los peores tiempos de Vale Music, de repente. Pero que esta crítica no lleve a engaño: ‘no fue real’ es otro ejemplo de lo muchísimo que el pop surgido de OT ha avanzado desde aquella dura época, para bien. Simplemente, se agradecerían canciones más definidas o, al menos, con el mismo potencial de la jazzística y adorable ‘Parte de mí’.
Desde este domingo 31 de mayo hasta el 20 de septiembre podrá verse la nueva instalación de Björk en la National Gallery of Iceland, un proyecto llamado ‘Echolalia’ que transforma el museo en una experiencia inmersiva donde se reinterpreta su música dentro de un espacio expositivo.
La muestra está centrada en versiones regrabadas y espaciales de dos temas de ‘Fossora‘ (2022), ‘Ancestress’ y ‘Sorrowful Soil’, ambas dedicadas a la memoria de su madre, fallecida en 2018, y pensadas para escucharse en el entorno de la instalación junto a piezas visuales.
El gran reclamo, como ya había adelantado la propia Björk, es el adelanto de su nuevo single ‘Nerve Bloom’, que formará parte de su próximo álbum de estudio previsto para 2027, en una versión primigenia. El tema ha podido escucharse por primera vez dentro de la exposición, acompañado de visuales inéditos. Escucha un avance bajo estas líneas.
Además, se presenta una nueva imagen de Björk creada específicamente para ‘Echolalia’, donde aparece con una especie de red de nervios rodeando el rostro. La autoría no está confirmada oficialmente, aunque en Reddit se especula con que podría ser obra de la artista polaca Natalia Kleszczewska, algo que por ahora no ha sido confirmado.
Una cuarta sala acogerá la exposición ‘Metamorphlings’ de James Merry, con una selección de los tocados que ha creado para Björk a lo largo de los años.
Ha pasado un mes desde el estreno de ‘Cochinas‘ en Prime Video y no puede decirse que la serie se haya instalado en la conversación popular, aunque su distribución bajo suscripción limita en parte ese alcance. Y eso que la premisa resulta original: una ama de casa a finales de los noventa abre un videoclub de cine porno para evitar la ruina económica mientras su marido permanece en coma tras ser atropellado.
‘Cochinas’ parte de esta idea para, a través de la ucronía o el “what if”, reimaginar la España mojigata de los noventa. El enfoque es deliberadamente exagerado y sarcástico: un barrio de Valladolid como epicentro de una hipotética liberación sexual protagonizada por mujeres y no hombres, cabeceras que parodian películas porno con apariciones de Daniela Blume, y un humor cargado de referencias locales, incluidos guiños fuera de tiempo a Isabel Pantoja.
La serie no esquiva la desnudez explícita, presente en varios episodios, de manera más o menos divertida, pero no termina de explotar todo lo que su planteamiento promete. Aunque la comedia creada por Carlos del Hoyo e Irene Bohoyo y dirigida por Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Núria Gago funciona en su ligereza, con un juego constante sobre el sexo en múltiples formas, cuerpos, edades y perfiles, en determinados momentos recae en un enfoque didáctico y moralizante que la vuelve más blanda de lo esperado, especialmente en sus últimos capítulos.
Un par de ejemplos de ese enfoque aparecen en la escena de sexo gay o en la intervención de Nines (Malena Alterio) dentro de una película porno, donde reclama no humillar a las mujeres y que el consentimiento solo exista si es libre. El mensaje es pertinente y necesario -más aún en un contexto en el que plataformas como Pornhub han restringido ciertos contenidos que promueven el abuso-, pero termina pecando del excesivo subrayado propio de tantas series actuales. En el proceso se echa en falta algo del ingenio, la irreverencia y el pulso gamberro que su premisa sugería.
Se ha escrito -y se seguirá escribiendo- sobre la obsesión contemporánea -en mi opinión ya enfermiza- de la cultura audiovisual actual con la nostalgia prefabricada. ‘Cochinas’ la sortea solo en parte: su argumento es ingenioso, pero el resultado final sigue atrapado en un engranaje que recicla códigos conocidos sin llevarlos del todo al extremo, en ocasiones forzando el humor mismo. En ‘Cochinas’, la nostalgia se usa como lubricante estético para deslizar al público a través de la historia, pero no para incomodar. Al final, ‘Cochinas’ no reinterpreta tanto el pasado como lo hace más confortable. El discurso puede sonar actual, pero se echa en falta menos sensación de serie «people pleaser».
Ni la comedia desatada que algunos medios han querido ver, ni una obra valiosa solo por su intención, ‘Cochinas’ se sostiene gracias a su fotografía, su premisa, su brevedad y un reparto solvente, con buenas actuaciones de Celia Morán como Chon, Álvaro Mel como Agustín y la predecible historia de triángulo amoroso protagonizada por Nines, Mariano (Chani Martín) y Enric, el guaperas interpretado por Albert Baró, al que recordarás por su aparición en un videoclip de Tame Impala. Por lo demás, el guion resulta irregular, alternando aciertos cómicos, momentos emotivos y tramos más planos, y la serie deja una sensación final de obra más contenida de lo esperado.
El beef sobre si la música de baile se ha pasado de moda o no se ha pasado de moda se decanta en JNSP a favor de lo segundo: Madonna y Sabrina Carpenter mantienen el número 1 con el 39% de los votos en la final de Instagram, mientras Charli XCX llega al 26% con ‘SS26’. Como curiosidad, Madonna y Charli comparten sello (Warner), equipo creativo de vídeos (Torso) y hasta agencia de estrategia (Special Offer).
La segunda entrada más fuerte es la de Olivia Rodrigo con ‘the cure’, aunque lejos de los puestos de cabeza, mientras Kesha y Julieta Venegas quedan a las puertas del top 10.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Con ‘Love Me Not‘ aún situada en las listas globales, rebasando los mil millones de reproducciones y convertida, por tanto, en una de las mayores sorpresas musicales de los últimos años a nivel comercial, Ravyn Lenae anuncia su regreso discográfico con un nuevo álbum que podrá escucharse a partir del 7 de agosto y que recibe el título de ‘Blue Island’.
Esa “isla azul” es un lugar metafórico al que Lenae ha vuelto “una y otra vez durante el último año”, según cuenta en un escrito. Dice que es un lugar “definido por el movimiento, el desamor, el deseo, la confianza, la soledad, la libertad, la incertidumbre y el crecimiento”, y que el disco explora “la extraña manera en que los recuerdos y el cambio conviven uno al lado del otro”.
Con el primer single, ‘Handle’, Ravyn ha tenido que aguantar críticas de algunos fans que le piden que “no se olvide de que es artista de R&B”. Ravyn ha contestado: “Soy lo que quiera ser en el momento que yo considere; no proyectes sobre mí”.
La razón es que ‘Handle’ es un single guitarrero que, de alguna manera, responde al éxito de ‘Love Me Not’ pero sin copiar su fórmula. Realmente estamos ante un tema mucho más rítmico y agresivo, próximo al neo-grunge que está marcando el pop alternativo actual. En la letra, Ravyn canta sobre una relación inestable, afirmando que quizá ella sea “más de lo que puedes aguantar”.
‘Handle’ es un potente primer adelanto de ‘Blue Island’, en el que destaca el contraste entre la ligera voz de Lenae y la energía de las guitarras. Con ecos al grunge electrónico de los noventa, que fusionaban guitarras y sintetizadores, el tema marca una evolución clara para Ravyn, pero consigue proponer una estética diferente a la de su trabajo anterior.
Hace cuatro años, el guionista y director noruego Kristoffer Borgli dejó a medio Cannes con el culo torcido gracias a la negrísima ‘Sick of Myself’ (2022). Entre quienes quedaron fascinados con la película estaba Ari Aster. El director de ‘Beau tiene miedo’ lo apadrinó como productor en su desembarco en A24. Su debut en Hollywood cumplió con las expectativas generadas: ‘Dream Scenario’ (2023) era una sátira enormemente singular y sugerente sobre la viralidad, la cultura de la cancelación y el narcisismo contemporáneo.
Sin embargo, sobre aquella película planeaba constantemente la sombra de Charlie Kaufman. Su mezcla de surrealismo kafkiano y angustia existencial remitía inevitablemente al autor de ‘Estoy pensando en dejarlo’ (2020), hasta el punto de que podía percibirse más como una brillante variación de ese imaginario que como el resultado de una mirada plenamente personal.
Con ‘El drama’, también producida por A24 (y de nuevo con Ari Aster como padrino en la sombra), Borgli parece haber alcanzado otro nivel. Por un lado, ha logrado atraer a dos grandes estrellas de Hollywood como Zendaya y Robert Pattinson (ambos excelentes), señal inequívoca de que ya no es únicamente una promesa del circuito indie, sino un autor con capacidad para sacar adelante proyectos de alto perfil dentro de la industria estadounidense.
Por otro, la película confirma una personalidad mucho más reconocible y propia. Siguen presentes la sátira social, la crueldad emocional y el humor incómodo que definían sus trabajos anteriores, con ecos de Ruben Östlund o Yorgos Lanthimos, pero ahora aparecen articulados a través de una voz menos dependiente de referentes externos (por mucho que haga guiños a Louis Malle o Bergman) y mucho más segura de sí misma.
‘El drama’ funciona muy bien como anticomedia romántica. A través de la pregunta “¿Conocemos realmente a nuestra pareja?”, Borgli retuerce progresivamente los códigos clásicos del género, en su vertiente romance con bodorrio que deriva en apocalipsis nupcial, hasta transformarlos en una inquietante y negrísima comedia dramática sobre la obsesión, la paranoia afectiva y la imposibilidad de acceder por completo a la intimidad del otro.
La puesta en escena refuerza constantemente esa deriva psicológica. Mediante un montaje especialmente juguetón con la temporalidad, Borgli combina con enorme habilidad y de forma muy divertida lo real con lo imaginado, aquello que el personaje de Pattinson proyecta sobre su prometida. Palabras, recuerdos o pequeños gestos cotidianos adquieren así una dimensión casi paranoica, como si cualquier detalle pudiera esconder una amenaza futura.
De ese choque entre romanticismo y paranoia, entre el amor y sus límites, nace el humor de la película. Borgli confirma así su talento para extraer incomodidad y comicidad de las miserias emocionales de la vida contemporánea, consolidándose como el gran rey actual de la sátira cringe.
A los fans del pop les encanta meterse con Jack Antonoff por su homogéneo trabajo con artistas tan diversas como Taylor Swift, Lana Del Rey o Sabrina Carpenter. Al mismo tiempo, nadie puede negar la química que han demostrado en clásicos como ‘Out of the Woods‘, ‘Venice Bitch‘ o ‘Please Please Please‘. Por eso está claro que en la música de Bleachers falta algo.
Ese vacío es más evidente que nunca en ‘everyone for ten minutes’, el nuevo trabajo de Jack Antonoff con su banda, y lo que falta es el talento compositivo que aportan las artistas -normalmente femeninas- que colaboran con él. Esto no significa que las canciones de ‘everyone for ten minutes’ sean un despropósito, sino que resultan bastante endebles y vacías, sobre todo en comparación con el trabajo de producción.
La atmósfera es gris y difusa: baterías lejanas, saxofones humeantes, voces multiplicadas, guitarras acústicas, algún órgano Hammond y, por supuesto, la influencia inconfundible de Bruce Springsteen en la instrumentación y las melodías. El disco recorre el AOR y el heartland rock, pero casi siempre da la sensación de que Antonoff intenta capturar la esencia de los clásicos sin llegar a alcanzarlos del todo.
Y eso que lo intenta. No solo en el detalle textural de la música, sino en unas letras claramente biográficas. Canciones con cierta dimensión como ‘dirty wedding dress’ no hablan tanto de su boda con Margaret Qualley como de las personas importantes en tu vida y de aquellas que “quieren un pedazo de tu alma, pero son efímeras”. Antonoff lo resume como canciones de amor que acaban siendo sobre “cómo la vida es un poco más tolerable porque amas a alguien”.
Las composiciones son muy narrativas y personales: hablan -aunque no estrictamente- de su hermana fallecida en 2002 (en ‘i can’t believe you’re gone’), de su relación con la música (“hago la música que quiero”), de la industria musical (“mi amigo me enseñó sus oyentes mensuales”) o utilizan imágenes tan visuales como “entré en un Wawa en Filadelfia en el 2000” o la tierna rima: “estoy hecho de música de la costa este, estoy hecho de fantasmas del pasado / y he estado ido desde que tenía 15 años, desafiando a mi alma a estrellarse”, que dibujan una imagen de los recuerdos muy vívida.
Pero aunque las letras son visuales y detalladas, el músculo melódico no acompaña. Mientras piezas como ‘the van’ destacan por su vibra de Motown indie, ‘we should talk’ por su incursión en el disco-rock (con ese pasaje “compartimos un cerebro en 2012”, que es toda una alusión a Fun.), o ‘you and forever’ por su aire al Boss, ninguno de los temas resulta especialmente atractivo para los fans que encumbraron éxitos como ‘Rollercoaster’. Quizá no era la intención, pero el disco parece demasiado concentrado en captar una vibra y menos en comunicar de forma accesible.
Esto es evidente desde el principio con la melancólica apertura de ‘Sideways’, cargada con todo el estilo AOR, después explorado en la ochentera ‘dirty wedding dress’, pero sobre todo es evidente en lo indistinguibles que resultan unas canciones de otras. Con toda la obsesión por los discos cohesivos que domina la prensa musical, hay que celebrar que ‘everyone for ten minutes’ lo sea, pero aunque Antonoff ha firmado piezas muy diferenciadas junto a otros artistas, parece que su proyecto personal es más un pasatiempo.
El mismo día que la gira de reencuentro de La Oreja de Van Gogh celebraba su primera fecha en el Movistar Arena de Madrid, Laaza daba el concierto «más grande que hemos hecho hasta la fecha» en la sala El Sol. A juzgar por algunas de las reseñas que se han ido publicando hoy, parece que hay quien se ha arrepentido de ver al grupo donostiarra. Lo de Laaza, en cambio, fue un regalo para todos.
La propuesta de Laaza se define muy bien atendiendo a las dos primeras canciones que escuché al entrar en la sala, en los momentos previos al concierto: ‘Eugene’ de Sufjan Stevens y ‘Días de verano’ de Amaral. El cantautor sonó más de una vez, mientras que la artista de Zaragoza repitió tema para despedir a los asistentes del recinto. El folk de Laaza tiene la sensibilidad y carga emocional del primero, pero está tan en consonancia con su generación como la segunda.
Así empezó a despuntar en redes la joven artista, cantando snippets de canciones que ni había publicado en ese momento y que hoy conocemos como ‘Primer Amor’ o ‘Juan Antonio’. Con esta, Laaza dejó claro que no se trata de una canción que signifique «muerte a los hombres», tal y como gritó alguien desde el público, sino «muerte al patriarcado»: «Me incomoda profundamente que por ser una figura pública a la gente le dé por pedirte favores sexuales por Internet», denunció.
Sus vídeos alcanzaron la viralidad, aparte de por las llamativas letras, por su inquietante aura pastoral. Esto se transmite al directo desde el momento en el que la artista de Castel de Cabra (Teruel) aparece en el escenario con un vestido blanco para cantar ‘De ciudad’. Uno no se espera escuchar una voz tan mágica nada más empezar, pero es imposible no sentir escalofríos. Laaza no es cualquier artista de Instagram o TikTok, y el pedazo de aplauso que se alarga después de esta primera canción así lo demuestra.
Laaza es puro sentimiento durante la interpretación, pero en cuanto empieza a hablar con el público su lado más dulce sale a relucir. El contraste es tan brusco como el de una luz encendida y apagada. Le acompañan en el escenario un guitarrista y un teclista, mientras los coros y las percusiones, incluso más modernas que en la versión de estudio, se disparan por los altavoces. El potencial de su directo es inmenso. Concretamente, este se compuso de canciones inéditas, temas recién estrenados y lanzamientos pasados, para sus fans más fieles.
Una de las que están por salir, titulada ‘1984’, dejó a la sala en silencio durante varios segundos después de ser terminada, mientras salíamos del trance. Absolutamente bello. Llegados a este punto, y hasta donde alcanzaba a ver, yo era el único de la sala con el móvil en la mano. Cada vez que terminaba un tema, los aplausos duraban más y más. Todos rendidos ante Laaza.
Después de escuchar sus impresionantes habilidades vocales con una jota navarra tradicional y con su versión de ‘La Jardinera’ de Violeta Parra, después de todo un concierto de folk-pop, lo único en lo que podía pensar era en, posiblemente, estar viendo el principio de algo muy grande. Algo que quizás dentro de unos años cobre un valor especial. ¿Las personas que presenciaron los inicios de Rosalía en salas pequeñas serían conscientes de lo que estaban viendo? ¿Lo habrían visto venir de alguna forma? No sé, pero Laaza va para largo.
Bb trickz ha ido a tope con las referencias a The Cardigans en su último single, ‘a la mala’. El tema no solo samplea claramente el riff principal de ‘My Favourite Game’, sino que su videoclip también está ampliamente influenciado por el de la banda sueca. Además, la canción no está mal.
‘a la mala’ está producida por Hudson Mohawke, conocido por su trabajo con Kanye West en ‘Yeezus’, Drake, A$AP Rocky, Pusha T o Danny L Harle. Así, el sample de ‘My Favourite Game’ es reconocible desde el primer segundo y es lo que redondea la canción, junto con la interpretación de Belize.
Esta rapea sobre lo «malvá», «depravá» y poco «santa» que es, siguiendo la línea de interpretación de sus últimos singles. De esta forma, Bb trickz se aleja del estilo que ha mantenido durante la mayor parte de su corta carrera, con el que solía usar su voz al natural, sin apenas forzarla. En ‘a la mala’ es todo lo contrario, mostrando un delivery medio gritado que puede resultar molesto, sin duda, pero también resulta menos monótono.
La referencias a ‘My Favourite Game’ continúan con el videoclip. En el original, Nina Persson se echaba a una carretera del desierto en un viaje que acababa de forma fatídica. En tres de los cinco finales originales, de hecho, la artista acababa muriendo. Bb trickz, por otro lado, mezcla la idea del vídeo de The Cardigans con la trama de una película de Tarantino, secuestrando a gente o robando gasolineras, pero con el mismo escenario. Al final, Belize se queda toda la pasta.
Mallorca Live celebra su edición 2026 a mediados de junio. JENESAISPOP volverá a ser medio oficial del evento, y como tal, subraya qué no debéis perderos los días 12 y 13 de junio. Os recordamos que el domingo 14 de junio hay una fiesta con David Guetta para la que ya se han vendido el 80% de las entradas, es decir, pronto habrá «sold out».
The Prodigy
El gran aliciente del cartel de Mallorca Live es el regreso de The Prodigy, tras su recordada actuación de 2018. ‘The Fat of the Land’ sigue siendo uno de los álbumes más referenciados de los 90 -suena por ejemplo en la actual rave de Zahara-, que defenderá, junto a otros éxitos, Liam Howlett. Tras la desaparición de Keith Flint, le acompaña Maxim Reality.
The Libertines
Otras leyendas que nadie debe perderse el mismo 12 de junio son The Libertines. El grupo de Pete Doherty y Carl Barât revolucionó el rock de los primeros 2000 con sus dos primeros álbumes, y ahora vuelve a las islas… ¡por primera vez en 20 años! Será su debut en Mallorca Live.
Viva Suecia
Asentados como uno de los grandes superventas del país tanto por su álbum anterior ‘El amor de la clase que sea’, disco de platino, como por el actual ‘Hecho en tiempos de paz‘, aún en el top 50 nacional medio año después de su edición y ya disco de oro, Viva Suecia darán uno de los conciertos más concurridos del viernes 12 de junio.
Cypress Hill
En la música del siglo XXI, y en particular en la década de estos nuevos años 20, es signo de nuestros tiempos mezclar todo con todo. Eso casi que ya lo hicieron Cypress Hill desde finales de los 80, con una mezcla imposible de rap, rock y latino que deslumbró especialmente en los escenarios en los años 90. Eran los tiempos de ‘Black Sunday’. Actúan el sábado 13.
Aitana
El sábado 13 también será el día de Aitana, que hace un par de años colapsó por momentos los accesos de Mallorca Live a eso de las 21.00 de la noche, por lo que la organización decidió retrasar su arranque 10 minutos. Esta vez actúa de noche, de 23.30 a 1 de la madrugada, en sintonía con una carrera y sonidos cada vez más maduros. A la contención en ‘6 de febrero‘ me remito.
Kaiser Chiefs
La diversión en la madrugada del sábado al domingo estará marcada por el rock etílico de Kaiser Chiefs. Nunca faltarán en su setlist clásicos como ‘Everyday I Love You Less and Less’ -la canción que inspiró ‘Padam Padam’ sin que casi nadie se diera cuenta-, ‘I Predict a Riot’ o ‘Ruby’… ni tampoco la gran respuesta del público.
rusowsky
Tras llenar el Movistar Arena de Madrid él solito, rusowsky podría ser un cabeza de cartel en cualquier festival de nuestro país por derecho propio. De momento le encontramos en Mallorca Live formando un «sándwich» entre el concierto de Cypress Hill y el de Aitana. Defenderá virales como ‘malibU’.
Lia Kali
Otra que pronto podría pasar a encabezar carteles es Lia Kali, que suma 4 millones de oyentes mensuales, más allá de sus colaboraciones con Rels B o Lola Indigo. Tanto su debut ‘Contra todo pronóstico’ como su última obra ‘Kaelis’ han pasado meses en la lista de ventas española; y su poderío en vivo ha quedado muy patente, por ejemplo en su emocionante paso por GALLERY SESSIONS.
Belén Aguilera
Justo el fin de semana que se celebra Mallorca Live ya estará en el mercado el nuevo EP de Belén Aguilera. Tras la que puede ser su gran obra maestra conceptual, ‘Anela‘, Belén presenta 6 canciones nuevas que pululan entre el electropop, el drum&bass y el pop de cámara. Estamos en un festi, así que no faltarán los hits.
León Benavente
Entre los conciertos siempre técnicamente impecables, el de León Benavente. Su último álbum data ya de hace 2 años, lo que deja especial espacio para centrarse en éxitos como ‘Ser brigada’ o ‘La ribera’. Últimamente se les han posicionado especialmente en plataformas ‘La canción del daño’ y ‘Amo’.
Standstill
La gira de reunión de Standstill -tras 9 años de silencio- continúa con la celebración del 20º aniversario de su clásico ‘Vivalaguerra’, que tanto abrió el camino a formaciones tan dispares como Vetusta Morla o Viva Belgrado. Allí encontrábamos canciones tan carismáticas como ‘¿Por qué me llamas a estas horas?’. Todo ello sin dejar de reivindicar temas de otras obras como ‘Adelante, Bonaparte (I)’.
Depresión sonora
Presente en las listas de los mejores discos de 2025 con ‘Los perros no entienden internet‘, Depresión sonora continúa con su gira de presentación. En ella no falta la reciente ‘Cómo será vivir en el campo’, joyas perdidas como ‘Vacaciones para siempre’, que suele utilizar para cerrar; y guiños a su pasado, por ejemplo ‘Como todo el mundo’. Os dejamos con su paso por KEXP.
Cargando ...
