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Bad Gyal pasa por el confesionario de Rosalía

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Coincidiendo con los últimos días de la gira LUX TOUR por su lugar de origen, Barcelona, Rosalía ha compartido la versión de 18 canciones de ‘LUX’. Bajo el nombre «Complete Works», se ha compartido finalmente en plataformas la versión del álbum que se pinchó en las «listening parties» y se vendió en tiendas físicas.

Esto significa que al fin se puede escuchar en plataformas la extraña ‘Novia Robot’, que pone el punto feminista en el álbum, ‘Jeanne’ y ‘Focu ‘Ranni’, tema que se acompaña de un videoclip en plataformas de streaming. Y esto también supone la publicación de la versión dispar de ‘Dios es un stalker’, que recibe el simpático subtítulo «versión francotiradora».

Por otro lado, tras contar con Yolanda Ramos y Guitarricadelafuente en las fechas previas de Barna, Rosalía ha invitado a Bad Gyal a su tercer concierto de esta era en el Palau Sant Jordi. Era un momento muy esperado, pues a veces se ha intentado enfrentar a ambas artistas en redes, casi siempre sin ningún tipo de sentido.

Alba Farelo ha pasado por el confesionario antes de ‘La perla’, criticando a un ex que le sugirió ponerse más tetas, recibiendo el apoyo de Rosalía, quien ha invitado a advertir los «red flags» antes de que sea demasiado tarde.

LUX TOUR: el podcast

‘I Feel So Free’ devuelve a Madonna a las pistas techno-house

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Madonna da comienzo a la promoción de su nuevo disco ‘Confessions II‘ con el tema del que lanzaba un «teaser» hace unos días, ‘I Feel So Free’. Será la pista 1 del nuevo disco. No es un single del álbum -pues primero se publicaba que sí lo era, y después tal dato se borraba-, sino una bienvenida para el mismo.

Muy reminiscente de ‘Future Lovers’, el tema con sample de Donna Summer que abrió la gira ‘Confessions Tour’, la canción es una celebración absoluta de la pista de baile, en clave techno-house.

Desacelera los bpm’s en su momento de bajona («me cuesta mucho confiar en la gente, ¿me puedes culpar?»). Y enseguida recupera el ritmo cuando Madonna encuentra de vuelta la pista de baile («por eso voy a bailar»), donde incorpora un fabuloso sample como de máquina de escribir.

Con un doble estribillo muy pegadizo (primero «come and meet me on the dancefloor» y luego «I feel so free»), el tema supone la reconciliación con la pista disco-house tan anhelada por los seguidores de «Confessions I», dejando como única duda si esta era será la primera que no contendrá ninguna «reinvención» de la cantante.

El tema ha sido estrenado en Pride Radio, circulando después por Soundcloud -una de las plataformas favoritas de los dj’s- y 17 horas después ha aparecido en las plataformas de streaming. No dejéis de visitar nuestro foro de Madonna. Hierve.

Ca7riel y Paco Amoroso en La Revuelta: humor sin sintonía

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Ca7riel y Paco Amoroso han visitado esta noche La Revuelta, «mi amor» (como diría Catriel usando su coletilla favorita). Es la segunda vez que el dúo de Buenos Aires acude al plató de David Broncano; en esta ocasión, la excusa ha sido la presentación de su disco ‘Free Spirits‘, y la entrevista ha contado con un curioso cameo de Angy Fernández, que presenciaba la charla desde el palco.

Pero puede que la peculiaridad de Ca7riel y Paco Amoroso haya desbordado a David Broncano. Y ya es raro que se le perciba superado por un invitado, pero toda la entrevista ha estado extrañamente marcada por respuestas cortas y silencios incómodos. Ca7riel y Paco Amoroso, por un lado, y Broncano, por otro, han intentado sintonizar sus respectivos sentidos del humor, pero la cosa no ha terminado de cuajar, ni siquiera con las intervenciones de Grisón y Ricardo Castella bromeando sobre la falta de norte del episodio.

Y no es que hayan faltado intentos por que la charla remontara: Ca7riel ha tirado de bromas sexuales, apelando al sabor del semen o tocando un riff a la guitarra tan breve que lo ha titulado ‘Eyaculación precoz’, o reivindicando a su mentor, Sting. Ambos, vestidos algo así como científicos locos, armados con un tubo que chorreaba agua, han lanzado entradas al público, han exhibido su flexibilidad y han seguido el juego de un Broncano menos preparado de lo habitual, que recurría a trucos cómicos poco inspirados. O quizá Ca7riel y Paco Amoroso no han logrado desprenderse de cierta tensión y seriedad, pese a lo desenfadado y divertido de su disco.

Tyla y Zara Larsson son dos diosas pop en ‘She Did it Again’

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Tyla sigue presentando su disco ‘A-Pop’ y, esta vez, se ha asegurado de captar la atención de un público distinto al suyo, pero ya bastante masivo: el de Zara Larsson, estrella invitada en el single.

‘She Did It Again’ es una exquisita producción de corte dancehall y afrobeat, estilo que define la carrera de Tyla, pero no tanto la de Zara Larsson, más acostumbrada al pop bailable.

Ambas fluyen como peces en el agua en ‘She Did It Again’, evocando los puntuales aunque importantes momentos caribeños de Rihanna, e invocando ‘Oops!… I Did It Again’ de Britney Spears en la letra (como ya sugería el título), además de exudar sensualidad en sus interpretaciones vocales. ¿La única pega? Sus timbres son difíciles de distinguir, por lo que la personalidad de ambas no acaba de quedar demasiado definida en la grabación.

El videoclip intenta solucionar ese pequeño problema, funcionando como una especie de remake moderno del vídeo de ‘Beautiful Liar’ de Shakira y Beyoncé y a otros clips de pop icónicos.

Otros se están acordando, en realidad, del dueto de Rihanna y Shakira en ‘Can’t Remember to Forget You’. Por suerte, ‘She Did It Again’, en su estilo afrobeat, no es tan vinculable a esas tres canciones y se acerca más al concepto de pop global de nuestra época.

‘She Did it Again’ merece el éxito de ‘Chanel’, el último hit de Tyla, y de ‘Stateside’, el actual éxito de Zara Larsson con PinkPantheress.

RFTW: ZAYN, Anitta, M.I.A., Xoel López, Tokischa…

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Además del disco de Jessie Ware, que reseñamos ya en portada, salen hoy 17 de abril otros trabajos igualmente destacados: a subrayar los de Zayn y M.I.A., pero también los nuevos álbumes de Tokischa, Xoel López, Anitta, Luna Ki, Honey Dijon, Yeray Cortés, Tiga, Niña Polaca o Yaya Bey, así como el disco de remixes de Nine Inch Nails con Boys Noize.

La cosa no acaba ahí, ya que también están disponibles ya en plataformas nuevos álbumes de Kokoshca, Admire, Bedouine o Amma, hermana de RAYE. Y ya están disponibles en plataformas los temas de ‘LUX’ de Rosalía que eran exclusivos de la edición física.

La jornada deja dos singles de comeback notorios. Por un lado, el de Olivia Rodrigo, la Canción del Día de hoy. Por otro, el de Céline Dion, que publica su primera canción en seis años. Además, tenemos un destacado dueto de Tyla y Zara Larsson, un nuevo single de Sombr y el tema de Lana Del Rey para la banda sonora de ‘James Bond’, el videojuego en este caso. El single de Massive Attack y Tom Waits está disponible en Youtube, pero no en Spotify.

Entre los sencillos destacados de este viernes de lanzamientos contamos también con los de Kacey Musgraves, Lori Meyers, Lola Índigo ft. Lia Kali, Queralt Lahoz y SALMA, Not for Radio (cantante de The Marías), ADÉLA, Belén Aguilera, MUNA, Demi Lovato o Young Miko.

Y entre los lanzamientos menos mediáticos pero igualmente recomendables subrayamos los temas de Temples, Laaza, Kevin Morby, Russian Red, Me acuerdo de todo, nuestra recomendada Natanya, o el single de Naiara sampleando a Las Grecas.

Jessie Ware / Superbloom

«Classy» es la primera palabra que viene a la cabeza para describir lo que han sido los 6 primeros álbumes de Jessie Ware. La británica siempre lo tuvo, desde los tiempos de ‘Running’ y ‘Wildest Moments’, y con su reinvención de diva disco en ‘What’s Your Pleasure?‘ (2020), confirmada en ‘That! Feels Good!‘ (2023), subía al podio de las grabaciones con más estilo de la última década. ‘Superbloom’ podría cerrar una especie de trilogía, repitiendo con productores como James Ford y Stuart Price, sumando otros nombres como Barney Lister o Karma Kid.

El propósito de Jessie Ware ha sido crear un «mundo de fantasía y escapismo» lleno de «glamour y diversión» en el que «tener relaciones reales» y «apreciar el amor». El objetivo está plenamente conseguido, por ejemplo en ‘I Could Get Used to This‘, la invitación para entrar en este álbum. La artista ha sabido crear una vez más un espacio seguro, de sonido muy fino, con arreglos excelsos. Hay decenas de músicos acreditados entre violinistas, trompetistas, coristas… a destacar como curiosidad el desaparecido Jack Peñate en dos de los temas.

En cuanto a las historias, hay amor por su familia, y guiños a la familia elegida, además de algo de desengaño amoroso. Sus hijos aparecen en la desgarrada ’16 Summers’, en la que resucitan las comparaciones con Whitney Houston. Respecto a lo segundo, el tema sexy llamado ‘Sauna’ contiene jadeos y aparece después de un interludio titulado ‘Chariots of Love’. Curioso, porque Chariots era el nombre de la sauna gay más famosa de Londres, ya cerrada por la gentrificación, mítica en su momento.

Y respecto al despecho, una de las gratas sorpresas del álbum, ‘Don’t You Know Who I Am’, contiene la vehemencia de las grandes folclóricas, cuando escupe, llevada por los celos: «¿Pero es que no sabes quién soy? ¡Soy el amor de tu vida! (…) No te atrevas a decirme adiós». Pasión nivel Rocío Jurado.

Arrebatos así se agradecen en un álbum correctísimo, si bien algo plano y sumido en clichés: sabes a qué sonará ‘Mr Valentine’ desde antes incluso de que aparezca. Las referencias a Marvin Gaye, Chic, Shirley Bassey (‘Superbloom’), a la bossa (‘Automatic’, con intro del actor Colman Domingo) y a los Jackson 5 (‘Love You For’) son exquisitas. Es solo que los discos de Jessie Ware empiezan a recordar, no tanto a ‘Bad Girls’ o a ‘Diana’, como a trabajos menores de Donna Summer y Diana Ross.

Por eso es tan necesario un tema kitsch como ‘Ride’, con un sample imposible de la música para ‘El bueno, el feo y el malo’ que compuso Ennio Morricone. Sobre eso, Jessie Ware arrea a un cowboy al tiempo que le susurra «soy mala, hermosa, agarra mis caderas, mira cómo me muevo». Jessie Ware nunca había abrazado de esta manera lo «camp», el tiempo dirá si revelación o timo -hoy por hoy abogo por lo segundo-. De momento, era la única manera de mantener a flote una fórmula no sé si demasiado perfecta o demasiado agotada.

Olivia Rodrigo atina en ‘drop dead’: The Cure, indie 2000 y éxtasis adolescente

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El tercer disco de Olivia Rodrigo, previsto para el 12 de junio, promete ser uno de los grandes superventas de 2026. A un par de meses del lanzamiento de ‘you seem pretty sad for a girl so in love’, el mundo puede escuchar el primer adelanto del álbum, ‘drop dead’, que sigue la línea “indie” de sencillos anteriores como ‘deja vu‘, volviendo a recordar vagamente a otras cosas que siempre se te quedan en la punta de la lengua pero no logras ubicar.

‘drop dead’ menciona a The Cure, en concreto su éxito de 1987 ‘Just Like Heaven’, pero su mezcla de guitarras, teclados y cuerdas recuerda más bien al indie rock de los 2000. Antes de que te ofendas, conviene recordar que el productor de la canción, Dan Nigro, formó parte de una banda de indie rock de los 2000, As Tall as Lions, ya olvidada.

‘drop dead’ vuelve a confirmar que las líneas que antes separaban indie de mainstream ya no existen, pero es igual de evidente que la sucesión de buenas estrofas, puentes y estribillos de la canción vuelve a ser absolutamente óptima. La melodía vuelve a evocar la euforia romántica de Taylor Swift, a la que recuerda también su uso del vocoder.

Una euforia muy sentida y teenager, también, la que describe la letra de la canción, que retrata a Olivia “a punto de vomitar” por amor, extasiada, tan enamorada que si el chico le besa, “cae muerta”. ¿Se referirá a Cameron Winter, cantante de Geese, con quien la han pillado saliendo de un restaurante?

Además, canta cosas como “tengo la paranoia de que te he inventado” y se reconoce stalker de las redes: “Una noche estaba aburrida en mi cama, te stalkeé en internet, es intuición femenina”. De nuevo, Olivia performando histeria femenina, pero sin salirse de los códigos de Disney.

Y como la letra incluye una mención al Palacio de Versalles, Olivia ha tenido la fortuna de grabar el clip de ‘drop dead’ ahí mismo. Todo Versalles para ella sola, en este vídeo grabado en estilo casero.

d4vd, detenido por la muerte de Celeste Rivas

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D4vd ha sido detenido este jueves por el presunto asesinato de Celeste Rivas, la niña de 14 años cuyo cuerpo -desmembrado y en estado de descomposición- fue hallado en el coche del músico en un depósito de California el pasado mes de septiembre.

D4vd ha sido detenido sin derecho a fianza y su caso será revisado el 20 de abril para decidir si se presentan cargos. Su abogada asegura que el artista es inocente y que las pruebas demostrarán que no acabó con la vida de la menor. También ha señalado que aún no existe una acusación formal ni una denuncia penal, y que solo está detenido bajo sospecha.

El caso comenzó en septiembre de 2025, cuando la policía encontró restos humanos en descomposición dentro de un Tesla registrado a nombre de David Burke, mientras el cantante se encontraba de gira. La gira fue cancelada tras hacerse pública la identidad de la víctima. D4vd fue oficialmente señalado en la investigación en febrero de este año.

‘First Light’ recupera a la Lana del Rey más expansiva para 007

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Mientras continuamos esperando ‘Stove’, el disco de Lana del Rey que contendrá las canciones ‘Henry, come on’, ‘Bluebird’ y la divertida ‘White Feather Hawk Tail Deer Hunter’, la artista nos presenta una sorpresita aparte.

Se trata de una grabación llamada ‘First Light’ que nos devuelve a los tiempos de ‘Born to Die’. Y tiene su razón de ser: se trata de una composición compartida con David Arnold, empapada de sonido James Bond, por la sencilla razón de que se incluirá en un videojuego de 007 llamado precisamente como la canción, ‘First Light’.

‘First Light’, además de la pertinente orquesta de cuerda y vientos, incluye una potente sección eléctrica.

Hay que recordar que Lana ya había hecho al menos un intento de canción James Bond. Fue la grabación ’24’, contenida en ‘Honeymoon’. En verdad había sido compuesta para ‘Spectre’, pero perdiendo la batalla contra ‘Writing’s on the Wall’ de Sam Smith.

Cuánto han tenido que pagar a Lana del Rey para que acepte involucrarse en un proyecto segundón de la película después de aquello no está escrito. Sin embargo, tan cierto es que la canción no se quita su sabor a cara B como que ofrece una faz de Lana expansiva, contundente, que casi ya no se recordaba (y se agradece).

  • Foro de Lana del Rey.

  • My New Band Believe / My New Band Believe

    La trayectoria de black midi fue corta, pero muy fructífera. Su existencia se enmarca tan solo entre 2019 y 2022, y en ese periodo, les dio tiempo a firmar tres álbumes más que notables y a ser uno de los máximos exponentes de la escena Windmill (que engloba a una serie de bandas de rock experimental que surgieron actuando en el homónimo pub londinense, como Squid o Black Country, New Road).

    Tras ‘Hellfire’, el grupo se separó y cada integrante tomó un camino distinto (tristemente, su guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin fallecía a principios de este año). Geordie Greep, el guitarrista y vocalista principal, debutaba en solitario en 2024 con el excelente ‘The New Sound’. La otra voz de la banda, la del bajista Cameron Picton, lanzaba ese mismo año un proyecto experimental llamado Camera Picture, con el que llegó a grabar tres mixtapes. Ahora regresa con un nuevo nombre y un nuevo grupo: My New Band Believe.

    El sonido que presenta Picton en esta ocasión es claramente identificable con este tipo de escena, pero se aleja del caos agresivo de black midi. En su lugar, ofrece paisajes melódicos mucho más accesibles e inmediatos sin perder ni un ápice la voluntad de experimentación que va tan arraigada a este particular movimiento.

    ‘Target Practice’ comienza la aventura como si de un musical se tratase, con unos preciosos arreglos de cuerda y repitiendo como un mantra la frase “don’t cry you deserve this”. La teatralidad es una de las principales características de un álbum que resulta tan ambicioso como íntimo, y esta primera pieza es una buena muestra de ello. Sus notas acústicas finales desembocan en la más barroca ‘In the Blink of an Eye’, que incluye flautas, saxofón, acordeón y percusión.

    Si algo define a ‘My New Band Believe’ es el eclecticismo musical que se encuentra en una misma canción y su capacidad para hacer a partir de ello un conjunto coherente. Picton demuestra sus enormes habilidades compositivas en temas tan complejos y fascinantes como ‘Heart of Darkness’, una aventura de 8 minutos que transita por todo tipo de lugares imprevisibles, y que tan pronto introduce una orquesta, como aparece un segmento de cuerdas minimalista. Son este tipo de canciones las que marcan un proyecto cuya desbordante creatividad nunca impide que haya una clara exposición de intenciones.

    En la balada ‘Love Story’, el artista muestra una escena cotidiana de una pareja, donde se preparan la cena y se preguntan cosas como “¿quieres arroz o judías esta noche?”. Algo que a priori no parece en absoluto emocionante, pero Picton se las arregla para generar intriga en la manera en la que cuenta la historia gracias a una producción inquietante y sugerente. Su voz susurrada y los delicados arreglos de viento generan momentos de gran belleza.

    ‘Actress’ también nos regala otro de los grandes números del álbum. Se abre con una instrumentación imponente y elegante que nos lleva a unos dispersos punteos de cuerda antes de que Picton comience a cantar con su peculiar falsete. No mucho después, la composición explota y aparece de nuevo esa teatralidad mencionada, que impulsa a la canción hacia algo realmente especial y emocionante.

    Quizá el mayor mérito de ‘My New Band Believe’ es mezclar cosas tan dispares y que su barroquismo nunca llegue a empachar. Las influencias de Picton son muy diversas y claras: cantautores indie rock y folk como Alex G o Sufjan Stevens, música clásica, teatro musical, el post-punk y la propia escena Windmill a la que pertenece. El resultado es por momentos muy bello, mezclando canciones que se elevan a la categoría de experiencia con otras que son simplemente (y no es poco) experimentos curiosos y bien ejecutados.

    Charli xcx declara «muerta la pista de baile» en su disco rock

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    Charli xcx es portada de la nueva edición de British Vogue, donde es entrevistada por la periodista británica Laura Snapes, la misma que suspendió su EP ‘Vroom Vroom’ en 2017 y después se arrepintió. La entrevista gira en torno al proceso de creación del octavo álbum de Charli, el esperado sucesor de ‘brat‘, que “aún no está acabado”, pero sí bastante avanzado, gracias a un trabajo colaborativo que implica a Charli y a solo dos personas más: A. G. Cook y Finn Keane.

    Charli confirma que su próximo disco será rock, aunque indica que lo será a su manera, y deja escuchar a Snapes un fragmento de una nueva canción de guitarra en la que declara que la “pista de baile ha muerto” (vaya, justo cuando vuelve Madonna) y que “por eso ahora hacemos rock”.

    La periodista describe otros temas inéditos, como uno en el que Charli recuerda sentirse una pop star en su habitación cuando era adolescente, combinando guitarra áspera y melodía dulce: “Puedo llevarte al cielo como si fuera 2007 / Estrella pop en mi dormitorio como si fuera 2007”, canta. En otro, recuerda una noche loca en el apartamento de una filósofa, donde reflexiona sobre la fugacidad de la vida: “Nada va a durar para siempre / Y nadie va a durar para siempre”.

    Snapes asegura que la música que ha oído del sucesor de ‘brat’ prescinde totalmente del autotune y pone la guitarra eléctrica y la voz cruda de Charli en el centro. Charli, que reconoce que después de casi 20 años en la industria ya poca música le motiva, admite que le parece “divertido dar la vuelta a la forma de la música rock”, aunque sospecha que a algunos oyentes no les convencerá la propuesta. Sus palabras sugieren que el tono de las canciones será íntimo y reflexivo. Es decir, el disco no será ‘Sucker‘ 2.0.

    El concepto del sucesor de ‘brat’ queda también vagamente planteado en la entrevista: la relación de Charli con su trabajo. “(El disco) va sobre reflexionar sobre cómo interactúo con el otro gran amor de mi vida junto a George: el arte. Y qué pasaría si eso me fuera arrebatado. Cómo no tendría un propósito, y cómo, para bien o para mal, el arte sí me da un propósito en la vida”.

    Sí que el nuevo EP de Alavedra está «Muy bien»

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    Entre los conciertos de este mes recomendados del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, está el de Alavedra. Actúan este viernes 17 de abril en el Café La Palma de Madrid. Seguro que estará a reventar.

    Ya seguimos al grupo de Dani (Daniel Belenguer), Xiri (Oriol Romaní), Ret (Albert Rams) y Genís Pena a través de cañonazos y canciones tan divertidas como ‘La jota del poliamor‘ o ‘La excusa perfecta’, esta extraída de su último álbum hasta ahora ‘Feliz a la fuerza‘. Y ahora se superan con un EP de 6 temas en el que casi cada tema podría ser nuestra Canción del Día.

    Con influencias como The Strokes (‘Confía’) y el rock surfero (‘Hay gente’), despuntan estribillos lanzados con cierto humor como «Hay gente que merece las cosas que le pasan». Siento especial debilidad por el «sing along» al que invita el corte con silbido llamado ‘Retiro’ («solo miro el móvil para no pensar!!!»), pero comenzando por el principio, seleccionemos como Canción del Día el primer single, ‘Dame un segundo’.

    En este caso, Alavedra se propusieron entregarnos «un himno fresco y divertido para los que no han superado a su ex, para desahogarse bailando y gritándolo a pleno pulmón». El ‘Joder no sé’ existencial de Carolina Durante se transforma aquí en un «Joder te quiero» lleno de inseguridades carpeteras.

    La gran baza de la canción -aparte de narrar lo que se define como un «ataque de celos»- es contar con unas estrofas que parecen el estribillo, y viceversa. Cuando crees que el tema ya lo ha dado todo («así que lo siento, te quiero mucho…»), llega la parte de «Se me hace grande / Siento un gran vacío / esto solamente me ha pasado contigo», que suena con dos melodías diferentes a lo largo de estos 2 minutos y medio escasos de composición. Trucos de artistas que no son ya precisamente noveles para que la canción suene en bucle.

    Massive Attack con Tom Waits, y contra el ICE, en su primer single en 6 años

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    Massive Attack han presentado su primer single en seis años y se trata de una inusual colaboración con Tom Waits. ‘Boots on the Ground’ es una crítica al belicismo e inspirada en las protestas contra las redadas del ICE en Estados Unidos.

    La canción llega pocos días después de que Robert del Naja, uno de los integrantes del dúo, junto a Grantley Evan Marshall, fuera arrestado en Londres durante una manifestación pro-Palestina.

    Preguntas retóricas como “¿para qué sirve un marine?” dan paso en ‘Boots on the Ground’ a otras que reflejan de forma más explícita la denuncia de la canción, como “This is a fucking ass machine gun war”, aunque la letra de Waits aún admite cierto toque de humor en pasajes como “brown, mean, and young, dumb and full of cum” o esa rima que alude a unas “grandes tetas”. Sin duda, Waits contribuye a rebajar el tono serio de la canción, cuya producción es igualmente pesada y sombría.

    La repetición de la frase «Boots on the ground» estructura el tema, mientras que versos con alusiones bélicas como “We trim your hedges, we fight your wars” y “Born shiny bullets in an army of ants” marcan el tono de la pieza, que cierra con una imagen recurrente en el tema: “All that they found was his boots on the ground”.

    ‘Boots on the Ground’ se acompaña de una película creada en colaboración con el fotógrafo estadounidense thefinaleye, un montaje audiovisual que pretende reflejar un momento histórico en Estados Unidos “aún sin nombre”, pero marcado por las “mayores protestas públicas de la historia del país” relacionadas con la oposición a las redadas del ICE y el aumento del autoritarismo.

    La cita de Olivia Rodrigo y el cantante de Geese, Bad Gyal con Belén Esteban…

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    Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes en las últimas semanas.

    Hilary Duff, en TIME 2026
    Hilary Duff ha sido elegida como una de las personas más influyentes de 2026 por TIME. La artista ha lanzado un nuevo disco este año, ‘luck… or something’, que refleja su madurez personal.

    C. Tangana es padre
    Con esta tierna foto, la fotógrafa Rocío Aguirre ha anunciado el nacimiento de su primer bebé. El padre es El Madrileño, es decir, C. Tangana. Pucho ha respondido la publicación haciendo referencia a un licor italiano dulce, mientras Alizzz se ha postulado como tío: «Mi sobri».

    Guitarricadelafuente se confiesa a Rosalía
    Rosalía es muy fan de ‘Spanish Leather’ y Guitarricadelafuente vive en Barcelona, así que la reunión de ambos cantantes era inevitable. Guitarricadelafuente ha sido el invitado al confesionario de Rosalía en el Lux Tour y le ha contado la historia de su primer rollo con un chico sevillano, cuando tenía 19 años. «Lo hice o si no, no salía del armario hasta los 40», ha declarado.

    @20m Guitarricadelafuente se confiesa con Rosalía en su segundo concierto de Barcelona #rosaliavt #rosalia #rosalialuxtour #barcelona ♬ sonido original – Periódico 20minutos

    Olivia Rodrigo y Cameron Winter, de cita
    TMZ ha obtenido estas curiosas imágenes de Olivia Rodrigo y Cameron Winter, cantante de la banda de indie rock Geese, saliendo sonrientes de un restaurante. Olivia lanza single este viernes, ‘drop dead’.

    @tmz

    💖🪿Olivia Rodrigo might have a new muse because she was spotted on a cozy dinner date with Cameron Winter … and yeah, sparks were flying. FULL STORY AT THE LINK IN BIO. 🎥: BACKGRID

    ♬ original sound – TMZ

    Tráiler de Ariana Grande
    El 26 de noviembre se estrena en cines ‘Focker in Law’, la nueva película de la saga «Los padres de…», en la que Ariana Grande actúa junto a Ben Stiller y Robert DeNiro. Grande encarna el personaje de Olivia Jones, la novia del hijo de Greg Focker, personaje de Stiller.

    Bad Gyal y Belén Esteban
    Recientemente, la gira de ‘MÁS CARA’ de Bad Gyal ha pasado por Madrid y, cómo no, Belén Esteban ha sido una de las asistentes destacadas. Así ha posado junto a Farelo entre bambalinas.

    Charli XCX ultima algo en el estudio
    Parece mentira que Charli XCX pueda tener casi listo ya un nuevo álbum de estudio, tras el fenómeno ‘brat’ y el reciente lanzamiento de ‘Wuthering Heights’, pero todo apunta a que es así. La artista ha subido una serie de imágenes desde el estudio en París, donde ha grabado durante 10 días, y ha explicado que se siente «muy inspirada».

    Nathy Peluso no usa Ozempic
    Tras el concierto gratuito de Nathy Peluso en la Plaza Catalunya de Barcelona, algunos han insinuado que la artista se estaría inyectando Ozempic. Ella no da crédito, así que ha respondido con un «comunicado» en forma casi de rap. 100% Peluso.

    Christina Aguilera promociona un producto capilar usando peluca
    Mientras trabaja en su próximo disco, Christina Aguilera también promociona varios productos, entre ellos un champú reparador. Muchos han advertido la ironía de que lo haga mientras lleva una peluca que se nota a leguas.

    Breve encuentro: Grimes, PinkPantheress, COBRAH y Horsegiirl
    Acabamos con una imagen perdida de Coachella, el breve encuentro de estas cuatro divas del pop electrónico alternativo: Grimes, PinkPantheress, COBRAH y Horsegiirl. Grimes comenta que el encuentro es “accidentalmente bíblico”.

    Live Nation USA actuó «como monopolio» en el caso Taylor Swift

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    El caso ganó mucha atención a raíz de la gira The Eras Tour de Taylor Swift, cuando muchos fans tuvieron problemas para comprar entradas y se quejaron de los elevados precios. Esto hizo que las autoridades en Estados Unidos investigaran a Live Nation y su plataforma Ticketmaster por posibles abusos en el mercado.

    Un jurado de Nueva York ha determinado que Live Nation USA actuó como un monopolio en el sector de los conciertos. Según la decisión, la empresa utilizó su poder para controlar cómo se organizan los eventos, imponer condiciones a recintos y artistas, y encarecer las entradas para ganar más dinero.

    «El jurado ha concluido que Live Nation incurrió en prácticas monopolísticas al inflar el precio de las entradas de los conciertos y abusar de su posición de dominio del mercado», informa El País, «definiendo las condiciones de uso de los recintos donde se celebran los espectáculos en directo y amenazando a los agentes y artistas que no se sometían a sus condiciones con sacarlos del circuito de sus recintos».

    Aunque el Gobierno de Estados Unidos intentó llegar a un acuerdo con la compañía para cambiar algunas prácticas, varios estados decidieron seguir adelante con el juicio. El jurado consideró que ese acuerdo no era suficiente para solucionar el problema.

    Ahora, la empresa podría enfrentarse a una gran multa y a nuevas medidas para limitar su control del mercado. Incluso se plantea separar Live Nation y Ticketmaster para evitar que tengan tanto poder en la industria musical.

    En España, la gira de Taylor Swift no fue operada por Live Nation, sino por otra promotora, Last Tour. La ticketera de Madrid fue Ticketmaster, mientras en Lisboa se encargó Seetickets.

    Anitta y Shakira no chocan en ‘Choka Choka’, pero tampoco sirven

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    Anitta y Shakira han sacado esta semana su primera colaboración, que formará parte del próximo disco de la artista brasileña, ‘EQUILIBRIVM’. Inspirada ampliamente en los ritmos del funk carioca, ‘Choka Choka’, por desgracia, resulta totalmente olvidable.

    Es difícil que una canción que está ligeramente por encima de los dos minutos de duración se haga repetitiva, pero es el caso de ‘Choka Choka’. Tampoco dan ganas de que la canción dure más. Esto se debe a unos versos y estribillos que no presentan demasiadas variaciones en letra o melodía y que, de forma individual, tampoco son demasiado interesantes. Sí que convence más el puente, minimalista en la percusión, pero es tan breve que acaba siendo una anécdota dentro del tema.

    Anitta canta sobre una mujer «acelerada» que «no se comporta» y que «lo que puedan pensar ya no le importa». Es de esas que «le dices ‘hola’ y ella te responde ‘chao'». Es decir, un cliché andante. Shakira, por otro lado, canta sobre un «lobo» que está «animado» y hace una referencia a su propia canción: «Es una loba y es una mujer / No se conforma hasta conseguir lo que quiere».

    Lo más curioso del tema es que la única que canta en español en algún momento del tema es Anitta. Todas las intervenciones de Shakira, sin embargo, son en portugués. Incluso cuando intercalan versos en la misma estrofa, Shakira no suelta ni una palabra en español. Eso sí es un soplo de aire fresco.

    Marc de Dorian: «Muchas veces las bandas se separan porque no se han comunicado las cosas bien»

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    Hace dos o tres décadas, por ejemplo cuando Fangoria se declararon en quiebra, habría sido imposible que una banda como Dorian diera conciertos para 10.000 o 15.000 personas. El libro que el periodista Álex Serrano publica tras realizar más de 40 entrevistas a los miembros del grupo y a distintas personalidades de la industria es por supuesto en primer lugar una biografía de Dorian. Pero al mismo tiempo también es un retrato de cómo ha cambiado el pop español en este lapso.

    En ‘A cualquier otra parte‘ se pone en contraste la Barcelona de Amable y Sideral con la Barcelona de Rosalía, sin perder de vista lo que ha ido sucediendo en el resto del país e incluso más allá, pues Dorian han vivido en Madrid, en Londres, y además han pasado largos períodos en América para tratar de conquistar parte de aquel mercado. En este libro no solo se recuerda o se rinde homenaje a bandas como Love of Lesbian o Klaus&Kinski, sino que se analiza cómo pasamos de los tiempos de la piratería y lo que en positivo supuso para multitud de artistas -por su capacidad para llegar al público más fácilmente- al imperio del streaming.

    ‘A cualquier otra parte’ define la esencia de Dorian cuando concluye cosas como que «hablar de emociones sin cinismo podía ser subversivo». Y refleja también la importancia de influencias como The Cure cuando cita: «Robert Smith había conseguido algo que Marc quería aprender: convertir la tristeza en algo hermoso». No esquiva el que fue un secreto muy bien guardado, que Marc y Belly fueron pareja sentimental, no solo profesional, ni tampoco su ruptura. Habla igualmente de la vida de otros miembros, como Lisandro, que vino a España sin papeles, y tenía que pasar la frontera de España a Francia a pie.

    Charlamos con los co-líderes de Dorian Marc y Belly, que han supervisado el libro «para ver si había algún descuadre de años», y están encargándose personalmente de la promoción.

    A veces me ha parecido leyendo el libro que incluso lo habíais escrito vosotros. ¿Ha habido algo de censura o de autocensura al ser un libro aprobado por Dorian?
    Belly: En la primera toma de contacto que tuvimos con el autor, dijimos que era importante que no fuera un masaje. Nosotros nos íbamos a abrir en canal, íbamos a contar todo y queríamos que (Álex) se sintiera libre para explicar lo bueno y lo malo, porque si no, ¿qué gracia tiene? Eso no tiene interés para nadie. Yo tenía dudas de si podría capturar la historia del grupo, al no ser amigo mío ni haber tenido contacto previo con la banda. Pero creo que nos ha captado muy bien, sobre todo los inicios, cómo nos conocimos, qué había alrededor… Yo me siento representada. La verdad es que tengo que decir que me enterneció mucho.
    Marc: Nos describe muy bien, psicológicamente.

    ¿Se consiente la aparición de vuestros fracasos en un libro así? Hay un aspecto crítico, por ejemplo cuando se habla de ‘Ritual’…
    Marc: ‘Ritual’ es el álbum que mejores críticas se llevó, tanto en España como en América Latina. La crítica lo abrazó a saco, pero el público no.

    … pero si habláis de reconocimiento crítico, no se reconoce el «fracaso» como tal…
    Belly: Yo nunca lo voy a sentir como un fracaso total.
    Marc: Para nosotros ‘Ritual’ fue un éxito artístico. Es verdad que es un álbum un poco deslavazado en cuanto que toca muchos colores, le falta a lo mejor un hilo conductor, pero hay voluntad de abrir paleta. Nos apetecía jugar con la música. ¿Qué pasa? Que muchas veces tu público te quiere ahí: encerrado. Le pasa a muchas bandas. Yo creo que es un tira y afloja. Las bandas tienen que hacer lo que les apetece en cada momento. Ahora bien, creo que el libro expresa claramente que ‘Ritual’ fue un álbum que el público de Dorian no abrazó y lo dice sin tapujos.

    «Muchas veces tu público te quiere ahí: encerrado»

    Una de las cosas más bonitas que he leído en el libro es el trabajo de salud mental que habéis hecho vosotros como pareja o expareja. Habláis de «técnicas de comunicación no violenta». ¿A qué os referís?
    Marc: No discutir, construir, no empezar las frases por la palabra «no»: «¿No te has dado cuenta de que hiciste esto?». Expresar las cosas desde tus sentimientos, no sentando cátedra sobre lo que tú piensas que el otro ha hecho. No es lo mismo decir «el otro día cuando dijiste esto en público yo me sentí mal porque creo que no es así»… que decir «El otro día en esa fiesta te comportaste como un imbécil». Esto son técnicas que hemos ido adoptando en el grupo porque esto es como una especie de familia para bien y para mal, y las bandas muchas veces se separan y nadie sabe por qué. Incluso ni siquiera te lo pueden explicar luego en entrevistas posteriores cuando hacen sus discos en solitario.

    ¿Por qué se separan a veces las bandas? Porque no se han comunicado las cosas bien, se van enquistando malentendidos, celos, pequeñas envidias o salidas de tono para las que luego no se ha verbalizado ninguna disculpa. Y, por ejemplo, una de las máximas que tenemos es que cuando a alguien se le va la pinza, cosa que puede suceder perfectamente, un mal día lo puede tener cualquiera, automáticamente tiene que pedir disculpas al resto o al miembro del grupo con el que se haya pasado. Y siempre lo zanjamos con un abrazo. Automáticamente ese problema desaparece. Tienes una carga de dopamina o endorfinas o lo que sea, y se olvida ese problema, siempre con una buena disculpa. Es que si no lo haces así…
    Belly: Yo he tenido que aprender mucho, sobre todo en el local de ensayo, porque soy muy vehemente y a veces he faltado al respeto, sin darme cuenta, sin quererlo, pero me he dado cuenta con el tiempo. Ahora ya soy más madura. O al menos busco la manera educada de decir las cosas.

    «Cuando escribí ‘Cualquier otra parte’, Belly me acababa de echar de casa a hostias»

    También está el debate de la honestidad. En el libro se ve que no te gustó el tema ‘A cualquier otra parte’ cuando Marc te lo presentó. Imagina que por ser «nice», no lo mejoras con arreglos y producción, como hiciste…
    Belly: A ver, no somos tan «nice» (risas) Todavía no hemos llegado a ser tan «nice». Marc y yo tenemos un pálpito creativo, lo defendemos con uñas y dientes. Eso sigue estando.
    Marc: Una cosa que aprendimos de Phil Vinall, que era el productor con el que trabajamos, y que murió este año, es que «todo se tiene que demostrar». No vale decir «esto yo no lo haría, porque es una mierda». Di si tienes una idea. Muchas veces te das cuenta de que no tienes razón y otras veces es «Bien, te lo dije». Con respecto a ‘Cualquier otra parte’, también es normal que Belly estuviera cabreadísima. Cuando escribí la canción me acababa de echar de casa a hostias [NdE: en sentido figurado]. No podía decir «qué canción más preciosa» (risas) o «Qué guay, Marc. Me encantará escuchar tu nueva canción».
    Belly (risas): Sí que pienso que es una canción preciosa, pero que si hubiera salido tocada con una guitarra acústica, para mí hubiera tenido un punto ñoño.
    Marc: Es verdad que mejoró con esa base indietrónica tan bonita que hicimos con Maxi Ruiz. Tiene esa guitarra new-wave. Cómo está construida la canción es más que la composición base. ¡Pero puedo entender que Belly no tuviera ningunas ganas de oírla!

    ¿Hay algo de pudor en el libro? Sabemos que Belly se ha casado, pero el libro no cuenta si Marc fue a la boda.
    Belly: Sí, pinchó en mi boda.
    Marc: Me han dicho «¿Y tú cómo pinchas en la boda de tu ex? Y yo: «porque la quiero». Siempre la voy a querer. Quiero lo mejor para ella.
    Belly: Si no sale algo en particular, no es porque nos hayamos callado, sino porque a lo mejor no nos hemos acordado…

    Uno de los momentos más impresionantes del libro es cuando contáis que sufristeis un atraco.
    Belly: Esto no lo hemos contado mucho.

    Hay muchas cosas que no habéis contado mucho…
    (risas) Marc: Sí que sufrimos un asalto muy salvaje, con armas de fuego, llegando al hotel a las dos de la mañana después de un concierto en Lima. Es verdad que acababa de pasar lo del secuestro exprés de Delorean en México, se montó un pollo en todos los telediarios, y no queríamos que se estigmatizara a Perú.

    ¿Por eso aparece en el libro, como entre paréntesis, que en el país hay muchas desigualdades?
    Belly: Pero es que hay que entenderlo. No digo que sea bueno. Para nosotros fue bastante traumático, nunca nos había pasado algo así y sufres por tu vida, porque te pueden matar y esto es así. Pero hay que entenderlos también. Son países con unos dirigentes políticos que han fomentado esto.
    Marc: Es una triste realidad, allí a todo el mundo le han asaltado alguna vez en su vida o conoce a alguien muy cercano al que le ha pasado. Por un lado somos conscientes de eso, y damos gracias de que no nos pasó nada tan extraordinario porque nadie murió. Y por otro lado, no queríamos estigmatizar a Perú, que es un país que amamos y no queríamos que empezara a salir en todas partes con ese sensacionalismo de los telediarios.

    El libro habla del entorno político que os ha rodeado: de la crisis de 2008 hasta la de la vivienda. Salen también Pedro Sánchez y el Caso Koldo. ¿Pero luego no analiza tanto en qué canciones vuestras está esa parte más social, no?
    Belly: Yo creo que es bastante completo, pero claro, siempre echarás alguna cosa de menos. Yo soy música y me hubiera gustado que se hablara más de música en algunos momentos, pero podía ser un tostón insoportable para alguna gente. Yo creo que en ese sentido está bastante equilibrado.

    También he echado de menos una mención a la trilogía de vídeos con que presentasteis ‘La ciudad subterránea’. Fue muy innovador en un momento en que Youtube estaba explotando.
    Marc: Fue una manera también de que la gente se detuviera y se escuchara tres temas de una tacada. Es una estrategia para decir: «Oye, prestad atención no solo al single principal, sino a las tres canciones en bloque. Y si de aquí ya te pones a escuchar el disco entero, pues fantástico, fue como una manera de enganchar a la gente para que escuchara más contenido del álbum».

    El libro plantea cuestiones un poco raras, como cuando ve algo de IDM en vuestra música o cuestiona si ‘El mal querer’ es «el disco más importante del indie español o su sentencia de muerte». ¿Cómo va a ser «indie» Rosalía si la edita la división internacional de Sony?
    Belly: No recuerdo muy bien esa cita, pero sí considero que Rosalía surge de la nada. Llama la atención de grandes sellos, pero había hecho un trabajo previo en salas pequeñas. Recuerdo que había tocado en Barcelona y por ejemplo, que Eric le había hecho el sonido en la Sala BeCool. Es una tía que sale de abajo.

    Una de las cosas más marcianas del libro es vuestra aventura en Londres como After After Hours. Me ha flipado el remix que hicisteis para Franz Ferdinand.
    Marc: Iba a entrar en un maxi oficial de Franz Ferdinand, pero al final pillaron el remix de M-83 y el de Tiga porque son más famosos.
    Belly: Fue muy heavy, porque es que iba todo súper bien, te lo juro. Estábamos felices, la cosa iba para arriba.
    Marc: Cenábamos con gente de XL, de Mute… Íbamos a saco, pero las chicas eran muy conflictivas, pero mucho, mucho, mucho. Lexy era una «squatter», no tenía arraigo y Carly venía de familia jamaicana con problemas de bebida en su abuelo y en su padre. Y ella también. Ahora está sobria desde hace varios años.

    El viejo éxito de Justin Bieber que vuelve a la cima de las listas

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    Justin Bieber es el gran beneficiado comercial del primer fin de semana de Coachella. Su actuación ha sido la más comentada por su originalidad -puso vídeos de YouTube de sí mismo y cantaba por encima- y su impacto se está reflejando en las listas diarias de Spotify, donde Bieber acaba de escalar al número 1 global con una canción de hace casi 15 años.

    Se trata de ‘Beauty and the Beat’, su colaboración con Nicki Minaj que, en un estilo de pop EDM, dominó las listas en 2012. ‘Beauty and the Beat’ acaba de superar las escuchas de ‘SWIM’ de BTS y ‘Babydoll’ de Dominic Fike, previos números 1 globales, escalando desde el tercer puesto.

    Bieber ya había colocado casi una decena de temas dentro del top 50, pero la noticia es que estos siguen subiendo tres días después. No solo ‘Beauty and the Beat’ sube al 1, sino que ‘Confident’ sube al 6, ‘Daisies‘ sube al 7, ‘Baby’ al 8 y ‘Eenie Meenie’ con Sean Kingston al 10. Es decir, Bieber firma ahora mismo cinco éxitos dentro del top 10 global gracias a Coachella.

    Además, ‘Sorry’ ocupa el puesto 15, ‘Love Yourself’ el 18, ‘What Do You Mean?’ el 37, ‘Let Me Love You’ el 40 y ‘Never Say Never’ el 42. Eso ciñéndonos a los temas que ya habían entrado, porque ahora ‘STAY’ también entra en el 32.

    Cierra el top 50 ‘YUKON’, pero el top 200 revela otras entradas. ¿Tienes curiosidad por saber cómo han envejecido los clásicos de Bieber? ‘That Should Be Me’ ocupa el 52º puesto, ‘Ghost’ el 53, ‘Favorite Girl’ el 63, ‘Company’ el 92, ‘One Less Lonely Girl’ el 108, ‘Somebody to Love’ el 114 y ‘One Time’ el 118. Sorprendentemente, el lead single ‘Boyfriend’ es el que más bajo aparece, en el número 133. En la mayoría de casos, los temas escalan un puñado de posiciones respecto al día anterior. En el lado negativo, el paso de Bieber por Coachella no parece que vaya a relanzar el repertorio de ‘SWAG‘ salvo un par de temas.

    Holly Humberstone / Cruel World

    El segundo disco de Holly Humberstone -que parece el tercero, pero ‘Can You Afford to Lose Me?‘ era una recopilación de singles- viene a consolidar su propuesta artística abrazando formas de pop más accesibles. ‘Cruel World’ conserva su particular estilo gótico-romántico, pero ahora lo alterna con ritmos disco, excursiones electrónicas y ecos de dream-pop, proponiendo su álbum más completo y asequible, aunque aún demasiado aferrado a su “moodboard” de referencias.

    Lana Del Rey puede ser una de ellas dado el título, aunque desde luego el realismo brutal de la autora de ‘Florida Kilos’ y su estilo melódico no tienen mucha continuidad aquí, salvo quizá en la balada de ecos slowcore ‘Die Happy’, que apunta más bien a un sentimentalismo adolescente dada su letra (“morir contigo es morir feliz”) y su inspiración en ‘Drácula’ y en los relatos de ‘La cámara sangrienta’.

    Pasajes exaltados y emocionales como “They tell you that you feel too much / Euphoria right down to the crush” de ‘To Love Somebody’ -en un estilo parecido al de MUNA o HAIM- señalan más bien al dramatismo performativo de Taylor Swift, pero Humberstone se diferencia gracias a las atmósferas vagamente claustrofóbicas de sus producciones, trabajadas junto a Rob Milton, y que hacen que piezas como la muy Bleachers ‘Drunk Dialling’ o la fantasmagórica ‘Blue Dream’ transmitan un estado psicológico taciturno y confuso, aunque las letras no capten sus mismos matices.

    Por eso destacan negativamente frases pretendidamente humorísticas pero forzadas como “I’m gonna shake my nonexistent ass to this shitty song”, de la por otro lado no muy remarcable ‘Drink Dialling’, mientras el retrato de la “sad girl” en la orquestal balada final, de cadencia de vals, ‘Beauty Pageant’, de bonita melodía, resulta algo estereotipado, propio de la Olivia Rodrigo de hace dos discos.

    Donde ‘Cruel World’ convence es en ofrecer un repertorio de canciones relativamente sólido, sobre todo en la primera mitad, no tanto en la segunda, que se atreve a usar ritmos abiertamente disco en ‘To Love Somebody’ y ‘Cruel World’, siendo ‘White Noise’ ya totalmente sintética y pop, armada con un estribillo de oro que utiliza el cliché de la ruptura (“Since I lost my baby, all I wanna do is cry, and cry”) para transformarlo en un estupendo momento de catarsis.

    Los tenues teclados usados en estas canciones y las percusiones titilantes de ‘Cruel World’ aportan texturas interesantes, siempre manteniendo el estilo melancólico de la artista, mientras la destacada ‘Make It All Better’ experimenta con el «drum and bass» en su sección final. Es una grata sorpresa dentro de un disco que afloja tuercas en su segunda sección, donde las incursiones a lo Bon Iver / Jack Antonoff ( ‘Red Chevvy’) o pianísticas (‘Peachy’) no pasan de correctas.

    Gana puntos la estructura de ‘Cruel World’, ya que el disco se abre con una intro orquestal inspirada en el ballet, concluye con las cuerdas de la mencionada canción final, y tiene el buen gusto de separar las dos mitades del álbum con una canción acústica, ‘Lucy’, una nana a la guitarra inspirada en sus hermanas, aunque no tan afilada en su estilo narrativo (resultan banales sus reflexiones sobre ser una “mujer joven en el mundo moderno”) pero sí inspirada en lo compositivo.

    ‘Going Shopping’ de The Strokes, al menos, es divertida

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    Muchos fans de The Strokes no han quedado del todo contentos con el primer adelanto de su próximo disco, el anticipado ‘Reality Awaits’, que estará disponible el próximo 26 de junio. Esto se podría achacar al autotune de Julian Casablancas, a la «simpleza» de la composición o incluso a la duración del tema, que quizás no debería haber pasado de los 3 minutos y medio. Al menos, ‘Going Shopping’ es divertida. Es la Canción del Día.

    El tema llegó por primera vez a los fans de la banda vía casete. Poco después, ‘Going Shopping’ ya estaba rulando por Internet, solo para que la banda lanzase la canción de forma oficial al día siguiente de enviar las cintas.

    Producida por Rick Rubin, ‘Going Shopping’ es todo un jam veraniego que no pretende complicarse más de la cuenta. Justamente, como el narrador de la propia canción. En lo musical, el tema destaca por su estética retro, sobre todo en los teclados y en el tono distorsionado y ochentero de los dos solos de guitarra que hay. Si vamos a asumir que todo está perdido, al menos que suene bailable.

    «Cuanto peor se pone la realidad, menos quieres oír sobre ella», canta Casablancas en el primer verso. El artista neoyorquino está pintando una clara imagen sobre la mentalidad imperante en 2026, mencionando persecuciones con «palabras en vez de garras», la dificultad de ser solidario «cuando tienes cosas guays que perder» y la construcción de «castillos con los huesos de árboles muertos».

    Casablancas se desmarca de todo esto y se rinde a la alineación moderna. Él solo quiere «ir de compras», ser un «zombi de 7 pies» y escuchar su canción favorita en el centro comercial. Así lo canta justo antes de entrar en el estribillo, todo un ‘earworm’: «Me voy al campo / No demasiado lejos / Estoy perdiendo la cabeza».

    Al final, la banda neoyorquina está utilizando el clásico recurso de hacer una canción que suena feliz y animada con una letra con toques apocalípticos. Aquí también hay sitio para el edadismo, con Casablancas cantando sobre sí mismo: «He estado pensando en lo que quiero decir, pero ahora soy un hombre viejo / Al menos, eso es lo que me dicen».

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    La ruptura de Lena Dunham con Jack Antonoff implicó a una «popstar adolescente»

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    Lena Dunham ha publicado su segundo libro de memorias, el sucesor del polémico ‘Not That Kind Of Girl’ de 2014, y ha dado muchos detalles respecto a su ruptura con Jack Antonoff en 2018. En concreto, respecto a la «estrella del pop adolescente» con la que Antonoff estuvo pasando tanto tiempo.

    En ‘Famesick’, Dunham también da detalles sobre su relación tóxica con la productora de ‘Girls’, Jenni Konner; acusa al actor Adam Driver de un comportamiento «verbalmente agresivo, condescendiente y físicamente imponente» en set y también reflexiona sobre las acusaciones de abuso sexual infantil que recibió a raíz de una historia con su hermano que incluyó en su primer libro.

    Dunham cuenta que, cuando su relación empezó a deteriorarse, el productor empezó a pasar mucho tiempo con una «estrella del pop adolescente». Esta relata cómo la encontró «despatarrada en nuestro sofá, llorando en el regazo de Jack mientras él le decía que ‘tus años adolescentes son para experimentar’ en un tono tan reconfortante que casi me hizo llorar».

    También asegura haberse sentido «como un fantasma» cuando les veía juntos, a lo que Antonoff le habría respondido esto: «Solo estás enfadada porque no quiere ser tu amiga». «Y él tenía razón», aclara Dunham en el texto. «Era demasiado ajena a todo como para estar celosa de ella», cuenta sobre la popstar, que supuestamente se refería a Dunham como «Tía Lena». Todo apunta a que esta popstar se trata de Lorde, artista con la que Antonoff trabajó en ‘Melodrama’ en 2017.

    Dunahm recuerda una pelea enorme en la que la pareja decidió tomarse un descanso, pese a seguir viviendo en la misma casa. Las bases de la relación eran ambiguas y Dunham, según cuenta, tenía cuidado respecto a estar con otras personas, observando «ciertos límites». Al mismo tiempo, escribe que «si hubiera querido, quizás habría visto que Jack no los estaba observando tan detenidamente como yo».

    Poco después, Dunahm reconectó con un amigo de la infancia: «Decidí en ese momento que lo único que podía salvarme era ser deseada». Esta relata que se vieron algunas veces antes de terminar definitivamente la relación con Antonoff, comenzando una aventura de tres meses que terminó con un compromiso matrimonial que nunca se llevó acabo: «Estaba colocada cuando dije que sí», cuenta la actriz y escritora.

    Arlo Parks, Slayyter y Fcukers, top 10 en JNSP; Ye, solo top 40

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    Martin recupera el número 1 de nuestro top semanal coincidiendo con la edición de su nuevo álbum ‘La insolación‘, inspirado en el libro homónimo de Carmen Laforet. Las entradas más fuertes, directas al top 10, son las de Arlo Parks, Slayyter y Fcukers. Más abajo encontramos a Bad Gyal, Gelli Haha y Ravyn Lenae con Dominik Fike. Kanye West logra una entrada muy modesta en el top 40 con ‘ALL THE LOVE’.

    Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

    Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
    1 39 1 12 Otro verano Martin
    2 1 1 2 Click Clack Symphony RAYE, Hans Zimmer
    3 40 8 10 A veces Ana Torroja
    4 4 1 Get Go Arlo Parks
    5 5 1 BRITTANY MURPHY Slayyyter
    6 6 1 Lonely Fcukers
    7 7 7 2 Carry On Jungle
    8 4 4 5 American Girls Harry Styles
    9 2 2 3 Death of Love James Blake
    10 8 8 4 Freaks Haute & Freddy
    11 9 1 8 Reliquia Rosalía
    12 14 3 5 El hombre planeta Alcalá Norte
    13 17 2 5 Sacrificio Triángulo de Amor Bizarro
    14 21 14 4 Dry Spell Kacey Musgraves
    15 10 10 2 Play Me Kim Gordon
    16 16 1 Choque Bad Gyal, Chencho Corleone
    17 17 1 Klouds Will Carry Me To… Gelli Haha
    18 18 1 Reputation Ravyn Lenae, Dominik Fike
    19 24 10 6 Risk It All Bruno Mars
    20 13 7 8 Lucky Again Lykke Li
    21 16 7 5 Mala mía María José Llergo
    22 20 3 7 Dying for You Charli XCX
    23 22 21 4 The Monsters of Pig Alley Morrissey
    24 6 6 3 Toco madera Jorge Drexler
    25 3 3 3 Be With You Muse
    26 5 5 2 Caen imperios Mujeres
    27 19 19 2 Surfboard Tokischa, Skrillex
    28 12 12 2 Tell Me (U Want It) underscores
    29 26 1 23 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor
    30 18 5 7 White Feather Hawk Tail Deer Hunter Lana del Rey
    31 25 19 4 Esto no es amor Hofe, Natalia Lacunza
    32 36 2 11 Aperture Harry Styles
    33 33 1 ¿Quién necesita un amor? Evripidis and His Tragedies
    34 34 1 ALL THE LOVE Kanye West
    35 35 1 Sungazer The Temper Trap
    36 32 13 6 KiLL iT QUEEN Ava Max
    37 23 4 6 Vogue Nebulossa
    38 33 32 3 Goo Goo Ga Ga CA7RIEL & Paco Amoroso
    39 29 6 7 TICTAC Maria Arnal
    40 37 5 62 M.A.P.S. Amaia
    Candidato Canción Artista
    COLLAPSE PHASE KÁRYYN
    House Tour Sabrina Carpenter
    Going Shopping The Strokes
    Déjalo ir Martin
    Mundo hostil Ginebras
    idk idk Jim Legxacy
    Turnaround 54 Ultra
    L in Lover LIZ
    Traffic Lights Flea, Thom Yorke
    Traffic Lights Flea, Thom Yorke

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    Madonna detalla ‘Confessions II’ y avanza ‘I Feel So Free’

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    Madonna ha confirmado finalmente el lanzamiento de ‘Confessions II’, un nuevo disco que se podrá escuchar a partir del 3 de julio, sirviendo como secuela a su disco superventas de 2005 ‘Confessions On a Dancefloor’. La portada muestra a Madonna posando de frente con un velo púrpura tapándole el rostro. La información oficial confirma que existe un «mix continuo» del álbum, siguiendo el concepto del «Confessions» original.

    En el canal oficial de Madonna en YouTube está disponible un adelanto de 1 minuto de un tema nuevo titulado ‘I Feel So Free’.

    En los días previos al anuncio, la artista hizo lo que suelen hacer muchos artistas cuando están a punto de anunciar algo importante: borrar todas las publicaciones de su perfil de Instagram. Además, subió una nueva foto de perfil que durante unas horas solo se podía ver de forma borrosa; parecía una imagen de estudio en la que Madonna aparecía con el pelo rubio y, por lo poco que se distinguía, con un atuendo blanco.

    En las horas previas, la rumorología acerca del nuevo álbum de Madonna alcanzó niveles de delirio colectivo, centrándose en una posible colaboración con Sabrina Carpenter, que supuestamente se presentaría el 17 de abril en Coachella, donde Carpenter es cabeza de cartel por segunda semana consecutiva.

    Los rumores también apuntaban a un supuesto título del disco, algo parecido a «MAD-HOUSE», y a un posible single con un sample de ‘Good Life’ de Inner City o ‘Your Love’ de Frankie Knuckles. Muchos de estos rumores fueron desmentidos, mientras otros siguieron circulando, apareciendo y desapareciendo durante los últimos meses.

    La fina línea entre la información «insider» y la invención absoluta volvió a desatar la locura en los foros de JENESAISPOP, al mismo tiempo que Popjustice anunció su cierre, dejando a sus usuarios anglosajones sin un espacio donde comentar la nueva era de Madonna.

    ‘LUX TOUR’: el podcast

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    Sharon Lopez

    LUX TOUR‘ invadió la Semana Santa en Madrid, desplegando en tan señaladas y significativas fechas 4 de sus conciertos. Ahora que la gira ha llegado a Barcelona, publicamos nuestro análisis sobre aquella primera semana de la gira en España. Claudio M. de Prado define el tour como un «cultural reset». La periodista Paloma Rando nos ayuda a diseccionar todos los entresijos del LUX TOUR de Rosalía. Referencias pictóricas, teatrales, de las artes escénicas, tales como ‘El Aquelarre’ de Goya, ‘La Gioconda’, la Venus de Milo, pero también ‘El lago de los cisnes’ o ‘Cisne negro’.

    Cuestionamos algunas de las polémicas sobre supuesto playback y el no acceso a fotógrafos, así como la sensación austera que dejaba el show en comparación con la excesiva pompa de otros conciertos similares. ¿Se viene una era nueva de minimalismo en el mundo del pop? Damos detalles sobre la directora de orquesta de la gira, los coreógrafos y los bailarines.

    Hablamos de invitados como Aitana o Metrika, al tiempo que adivinamos quiénes podrían ser las artistas invitadas en Barcelona. Además, el podcast incluye también un featuring de Juanra Sanz y Bernardo Pajares del podcast Arte Compacto, que nos explican su experiencia como parte del show durante la versión de ‘Can’t Take My Eyes Off You’.