«¿Quién quiere salvar el rock si puede estar de fiesta?» fue una de las preguntas más certeras de la música nacional en 2024 y la respuesta radica en la banda que la formuló. Viva Belgrado cerrarán la gira de ‘Cancionero de los cielos’ este sábado 3 de enero en La Riviera como parte de la programación de Inverfest. No solo será uno de los conciertos más importantes de su carrera, sino el comienzo de su nueva etapa.
‘Cancionero de los Cielos’ fue una de las mayores sorpresas de 2024. El screamo, el rap, el indie rock y el pop se mezclaron por completo en un proyecto redondo de principio a fin y que no solo elegimos como el segundo mejor LP nacional del año en su momento, sino como uno de los 20 mejores álbumes del año a nivel mundial. El tiempo solo ha hecho que mejore como el buen vino, con los temas tratados -aversión a la fama, incertidumbre laboral, crisis de creatividad- siendo igual de relevantes hoy en día.
La banda cordobesa dará por finalizada esta era el sábado 3 de enero, pero la fecha también será un comienzo. Tras la incorporación en 2025 de Cristina Sánchez al bajo y la marcha de Ángel Madueño después de 12 años con la banda, Viva Belgrado se despedirán en La Riviera del repertorio actual, que incluye temas tan apasionados como ‘Un Tragaluz’, ‘Gemini’ o ‘Vernissage’, y estrenarán alguna que otra canción nueva de su próximo disco.
Poco se sabe de este, además de que empezarán a grabarlo este mismo enero junto a los productores Ricky Falkner (Standstill, Berri Txarrak, Iván Ferreiro) y Jordi Mora (Cala Vento, Bunbury, La M.O.D.A.). La banda cuenta que será la primera vez desde 2016 en la que rompan el período de cuatro años entre disco y disco. Su particular versión de ‘Estrellas Místicas’, uno de los clásicos de Triángulo de Amor Bizarro, ha sido su único lanzamiento en 2025.
Las entradas anticipadas para el concierto de fin de gira de Viva Belgrado en La Riviera todavía están disponibles desde 18 euros (más gastos de envío) en la página web oficial de Inverfest. Además, Ezpalak y Mourn también se unirán a la fiesta como bandas invitadas.
Además del concierto de Mr. Kilombo mañana en La Riviera, que también termina gira, Inverfest ofrecerá en 2026 una parrilla de conciertos de lo más diversa para que la música en directo continúe durante los meses más fríos del año. Algunos de estos conciertos serán los de Destripando la Historia, Ariel Rot, Valeria Castro, León Benavente, Baiuca, Abraham Mateo, Carlos Ares, Luz Casal o Raül Refree & Niño de Elche.
Hay quien levanta la ceja cuando oye hablar de la reivindicación del folclore por parte de “esas modernas”, y en parte se entiende. Es cierto que existe una tendencia actual, y que hay músicos que se acercan al folclore simplemente por esa tendencia (también público eh, no solo músicos), comportando una aproximación más bien vacía. Pero desde luego no es el caso de Vicente Navarro, ni de otros muchos artistas que el propio Navarro menciona en una entrevista con Mondosonoro donde se habla de esta posible tendencia: “los artistas están siendo muy fieles a sí mismos a la hora de introducir el folklore en sus registros. Baiuca, Rodrigo Cuevas, Sanguijuelas del Guadiana… todos hacen gala de una identidad muy marcada y por encima de aquello de lo que beben está su propia firma. Si la revitalización del folklore acaba quedándose en algo pasajero, no dependerá tanto de los artistas como sí de las entidades e instituciones que nos apoyen”. Más claro, agua.
Y esas instituciones tienen aquí un proyecto que encajaría a la perfección con ese apoyo. Surgido en una residencia artística en el Centro de arte Conde Duque de Madrid, donde Vicente Navarro formó un espectáculo con 14 canciones manchegas a las que les dio su toque particular, el artista cuenta que quiso plasmar algunas de ellas en un EP para llegar también a la gente que no pudiese acudir, y que concibe este ‘Cantares de Llanura y Monte (CLM)’ como algo abierto donde podrían entrar en el futuro más canciones. Ya vimos su talento para unir folklore y electrónica en ‘Casi Tierra’ y ‘Las Manos’, sus dos largos, pero este EP sirve para asomarnos a una revisitación de temas ya existentes. Y de qué manera.
El proyecto se abre con ‘Gañanada’, un tema del folclore toledano sobre un gañán (quizás tú y yo no lo tenemos asociado a eso, pero básicamente un gañán es un chaval que trabaja en el campo) enamorado de una joven de clase alta, y contado desde ambos puntos de vista, incluso con un punto extra omnisciente. Como en otros cortes de este EP, se nos vienen a la cabeza por supuesto Maria Arnal o Rodrigo Cuevas, pero también James Blake; el uso de la electrónica que hace Navarro junto a su productor, el canario Carreño, es exquisito. Ya sea acercándose a un mayo (la estupenda ‘La primera vez que te vi’) o a una canción protesta (‘Homenaje’, compuesta a finales del franquismo), el autor de ‘En el río’ intenta darle una vuelta a todos estos temas, como el giro que hace en ‘A la Mancha’ llevándola del humor a la épica.
El premio en esto se lo lleva ‘El twist del autobús’, quizás la más inesperada del lote. Conectar con Castilla La Mancha es cantar un mayo o cantar sobre un gañán, pero también es versionar a Paco Clavel (“para mí, él, Almodóvar y Sara Montiel son la máxima representación del carácter y la herencia manchega”, cuenta Navarro).
Esta reducción a piano potencia la letra, de manera que, si no conoces el tema, te parece una canción preciosa con una narración clásica y sencilla, y, si la conoces, te quedas flipando con la manera en que se la lleva a su terreno que ni Amaia Romero. También impresiona la demostración vocal en el cover de ‘Romance de El Pernales’, una composición de finales del siglo XIX sobre un Robin Hood de la sierra de Albacete. Al parecer, la mitad de las canciones de ‘Cantares de llanura y monte (CLM)’ están grabadas con un micro 57, usado para los amplis de guitarra, lo que generaba un sonido más sucio que a Vicente le parecía un buen contraste con la belleza de las composiciones.
Ojalá esas instituciones que mencionaba Navarro le apoyen para que pueda continuar con más proyectos como éste, una auténtica gozada para el público. Y ojalá más público le descubra y ponga a Navarro por fin en el lugar que merece dentro de nuestra música. Méritos no le faltan para ninguna de las dos cosas.
Casi 6 años después de ‘Cute Tapes’, el primer proyecto de la Cutemobb, el colectivo catalán capitaneado por LEÏTI regresa con un nuevo álbum que arroja algo de luz en el panorama urbano nacional. ‘La Epifanía’ mantiene lo que destacaba de la primera entrega -grandes beats, flows y melodías- y añade tanto nuevas voces como temáticas más importantes. ‘Troya’ es la Canción del Día.
«Siguen entrando más aviones por Gaza / Y tú no paras de llorar», canta LEÏTI en las primeras líneas de su verso. Si algo brilla de las letras del colectivo es la profundidad y frescura que introducen en un género tan estancado como el reggaeton, sobre todo en España. Denunciar la presencia de «niños muertos en el mar» en una canción como ‘Troya’ está al alcance de muy pocos: «Accidentes ellos dicen / Pero accidente en verdad no es», continúa.
El beat de iseekarlo, formado por unos misteriosos acordes de guitarra y lleno de intrincados detalles, también deja espacio para un disfrute más banal gracias a un estribillo pegajoso desde la primera escucha. El tema, casi alcanzando los 6 minutos, incluye las intervenciones de Jesse James, Alu y O.S.O., este último siendo uno de los rookies del colectivo.
Cada uno de ellos tiene un estilo diferente que representa a la vez uno de los valores más importantes de la Cutemobb: la multiculturalidad. O.S.O. presenta un carácter vocal similar al de Quevedo, grave y fluido, pero destaca en buen gusto al cantar sobre que «no todo es como está escrito»: «Vive tu vida / Tú tienes el poder». Jesse James, con su clase londinense, y Alu, que añade afropop y dancehall a la mezcla, terminan de demostrar que la Cutemobb es internacional a todos los niveles.
Júlia Colom, desde Mallorca, es una de las nuevas voces de referencia del pop cantado en catalán, como demostró primero la aceptación de su debut, ‘Miramar’ (2023), donde la mitad de canciones eran tonadas tradicionales; y ahora el de ‘Paradís‘, un notable segundo disco compuesto principalmente por canciones originales, en el que Colom experimenta con sonidos vinculados al pop electrónico más actual.
Entre esas canciones se encuentra ‘Necessit‘, una de las Mejores Canciones de 2025 para la redacción de JENESAISPOP. A punto de presentar ‘Paradís’ en Madrid, el día 17 de enero, dentro del marco de Inverfest, conversamos con la de Valldemossa sobre este nuevo trabajo, la necesidad de referentes que se posicionen, y también del Benidorm Fest.
¿Qué buscas transmitir en ‘Paradís’? ¿Cuáles serían sus ideas principales?
Mi primer disco, ‘Miramar’, era muy teórico, porque era mi primer disco y quería que fuera una carta de presentación que me representara. En el disco mezclaba canciones originales con otras tradicionales. El segundo disco lo he afrontado poniéndome menos limitaciones conceptuales; he escrito desde la intuición, en lo opuesto a lo que hice en ‘Miramar’.
También era muy importante para mí que ‘Paradís’ tuviera una coherencia, y creo que lo he conseguido. ‘Miramar’ era muy ecléctico y terminé agotada de tener que explicar si yo, artísticamente, era una cosa u otra. En producción sí me limité mucho, aunque en concepto no tanto.
En las letras hablas de puertas que se abren, de una búsqueda de ti misma, de tu identidad. En canciones como ‘Sa nit i es dia’ parece que hables de una identidad que está en constante cambio.
En el disco hablo de buscar, de perseguir un ideal que no llega nunca, por eso se llama ‘Paradís’. Esta cuestión me atraviesa mucho porque me considero una persona muy conectada consigo misma y estoy en un punto de la vida en el que empiezo a preguntarme por expectativas vitales, qué se ha cumplido y qué no. Puede ser la edad, pero creo que es algo generacional. Llegas a una edad en la que empiezas a hacer un balance de tu vida. Muchos vemos que la realidad que esperábamos realmente no ha llegado.
En la teoría cultural se habla mucho de los futuros cancelados, una idea de Mark Fisher muy reproducida en los últimos tiempos. No sé si vas por ahí. Desde una perspectiva optimista está la idea de la utopía; Björk tituló así un disco.
Conozco ese disco. A mí lo que me parece peligroso es no reconocer una luz al final del túnel, no tener esperanza. Creo que hay que hablar de paraísos y menos de futuros cancelados, porque desde el pesimismo nos deprimimos y empezamos a pensar que ya no es necesario reivindicarnos en ningún sentido. Esa falta de compromiso realmente me preocupa y sí que veo que es muy generacional. Es difícil poner el pesimismo y la frustración sobre la mesa y a la vez hablar de utopías, pero creo que la vida tiene más sentido cuando te comprometes. Puede ser fuera de la música, no tiene que ser dentro del arte.
«La vida tiene más sentido cuando te comprometes. Puede ser fuera de la música, no tiene que ser dentro del arte»
Se habla de una necesidad de compromiso público; muchos artistas acaban en el punto de mira por no posicionarse públicamente sobre un tema. ¿Cuál es tu opinión?
No sé muy bien qué se ha de esperar de los músicos. Lo que sí creo es que hacen falta referentes que se comprometan; creo que no los hay, y eso no es bueno para nosotros como sociedad. ¿Los estoy señalando? No lo sé, no lo tengo claro. Pero sería muy bueno que la crítica y el compromiso público fueran algo normal y común. A mí me decepciona porque creo que hay cosas a las que no habría que darles tantas vueltas.
Algunos artistas operan desde una lógica capitalista que quizá no permite ese compromiso a escala pública. ¿El mercado impide ese compromiso?
Yo tengo mi propio espacio y mi pequeño público, pero a veces me da la sensación de que estoy siendo una pesada cuando cojo el micro y me quejo de algo. De repente me da por pensar que quizá tendría que cantar, dar las gracias y ya está, pero no puedo.
¿Qué peso ha tenido tu formación en el jazz y la canción tradicional en las canciones que compones?
La música de raíz forma parte de mi contexto familiar. Cuando tenía seis años fue mi abuelo quien me abrió las puertas de la canción tradicional, cuando me enseñó el ‘Cant de la Sibil·la‘. Tengo una familia tradicional en el sentido guay de la palabra, no en el sentido conservador, sino en el de conocer las tradiciones. Todas las tonadas que he cantado no las he tenido que aprender porque siempre las he conocido.
Escuchabas mucho Antònia Font de pequeña. ¿Cuál es tu disco favorito?
‘Alegria’ o ‘Batiscafo Katiuscas’. Para la mayoría de mallorquines, Antònia Font es la banda sonora de nuestra juventud.
En entrevistas comentas que has intentado hacer un disco apolítico, en el sentido de que el discurso político no se filtre en las canciones.
De la misma manera que creo que es importante comprometerse, creo que no hace falta que las letras tengan contenido político para que ese compromiso exista. Yo formo parte de una asociación de jóvenes con mis amigos y este tema no toca mi mundo musical, pero aun así está muy presente en mi vida. Luego hay letras hoy en día que ni siquiera tienen sentido lírico, a nivel político. Entre hacer pedagogía y que las letras no tengan ningún sentido, hay un término medio. Además, de los artistas más importantes conocemos todos los detalles de su vida personal. No es como antes, que conocíamos la música y unos datos puntuales; ahora lo sabemos todo, quién ha salido o dejado a quién, pero parece que dentro de esa vida el compromiso político no tiene tanto espacio.
«Hay letras hoy en día que no tienen sentido lírico, a nivel político. Entre hacer pedagogía y que las letras no tengan sentido, hay un término medio»
El disco es una fusión de canción tradicional con sonidos electrónicos muy actuales. Hay cosas que recuerdan a Caroline Polachek o PinkPantheress.
Es una fusión buscada. A mí me encanta el pop y estoy muy al día de lo que sale, de los discos que salen. Tengo mi biblioteca musical e inevitablemente hay cosas que me influyen. La producción es pop porque estoy conectada con eso, pero quizá mi forma de cantar es más «rural» porque vengo de ahí.
Antes hablabas de una búsqueda de unidad estética del disco. ¿Qué elementos lo hacen cohesivo, en tu opinión?
El proceso de creación del disco fue emocionante pero frustrante porque me puse muchas limitaciones para obtener esa unidad, pero me alegro de haberlas superado y de quedarme con lo que hay, que voz y guitarra española en primer plano, laúd y poco más. Todo lo electrónico ha sido muy intuitivo. Cuando poníamos un drum and bass o algo demasiado electrónico, lo llevábamos a algo más orgánico. Jugábamos hasta que me pareciera suficientemente orgánico, aunque el sonido realmente fuera electrónico.
‘Transformacions’ tiene un sonido casi medieval, pero luego Ouineta aparece cantando con su inseparable autotune; el efecto es gracioso.
El estilo medieval es totalmente la inspiración, y la presencia del laúd contribuye a esa atmósfera. Ouineta y yo somos amigas. Yo sabía que ella es brillante, pero pensaba que nuestros caminos musicales eran muy difíciles de unir. Cuando la vi actuar en Plaza Catalunya me decidí a escribirle, porque me encantó su show.
La nota de prensa dice que ‘Necessit’ tiene influencia del k-pop, aunque yo no se la veo. Cuéntame sobre esta canción.
Tiene una inspiración de la bossa nova y la samba, realmente. Quería escribir una canción que aportara algo de humor y diversión a mis conciertos. El reto era lograr un disco que no fuese todo tan dramático y triste, que no es fácil para mí porque cuando me pongo a escribir canciones a la guitarra me salen más baladas que otra cosa. Cuando escribí ‘Necessit’ tuve dudas en incluirla o dejarla fuera, porque creía que se alejaba del tono del disco, pero me di cuenta de que era la canción que necesitaba para aportar diversión y vitalidad a mis conciertos.
¿Cuál es la cronología de composición del disco?
‘Miramar’ lo estrenamos en Primavera Sound y ya en ese concierto nos pedían 45 minutos. Tocando ‘Miramar’ teníamos 28 o 30, el repertorio no daba para más, así que para la presentación tuve que escribir canciones nuevas para rellenar el concierto. Ahí nació el primer tema, ‘Gelosia’, que ha sobrevivido a todos los cambios hasta llegar al disco. Después iba escribiendo canciones y en los conciertos de ‘Miramar’ puntualmente las íbamos tocando.
«Que Tanxugueiras participasen en Benidorm Fest cantando en su idioma me da seguridad en el caso de que yo me presentara»
¿Qué significado tiene que ‘Sa Madonna’ sea la única canción tradicional del disco?
Sabía que si solo iba a meter una canción tradicional, iba a ser importante. ‘Sa Madonna’ es muy especial porque no es una canción que haya circulado en mi familia. A los 14 años formé parte de un proyecto folclórico; allí coincidí con Miguel Majoral, que es filólogo, activista, pagès y cantador conocedor de todas las canciones tradicionales mallorquinas. Se puso a cantar la canción en ese proyecto y yo me quedé completamente cautivada. Me enseñó la canción y desde entonces la he cantado en mis conciertos, pero nunca me ha dicho nadie que la hubiera cantado en el pasado, ni sus padres ni sus abuelos. Miguel puede ser el último transmisor real de esa canción, y para mí es especial haberle cogido el testigo. Y que Tarta Relena se sumaran fue la guinda.
¿Has pensado presentarte a Benidorm Fest? Ahora ya no tiene billete a Eurovisión, lo cual elimina el factor Israel. También es una plataforma que apuesta por las lenguas regionales.
No… (ríe). A mí me gustó mucho cuando fueron las Tanxugueiras. Si ellas han ido, me da seguridad pensar que yo podría presentarme cantando en catalán. Tampoco me he proyectado ahí al cantar en mi idioma, pero es muy bueno que participen artistas de todas partes de España y que representen lo que es el país, porque a veces parece que una ni forma parte…
¿No te ves representando a Mallorca?
Nunca me he metido en un concurso. Me da respeto lo que pueda pasar después de que se acabe el certamen, tanto si va bien como si va mal. Demasiadas cosas dependen de terceros, mientras que ahora la mayoría de cosas dependen de mi control.
El Diario ha pedido a Pedro Almodóvar, al igual que a otros 55 grandes cineastas españoles como Alejandro Amenábar, Oliver Laxe, Carla Simón o Isabel Coixet, una lista de las mejores películas del siglo XXI. Con los votos de todos, el medio ha confeccionado un top con las 25 películas más mencionadas. Aquí, la lista completa.
Además de enviar su lista particular, Almodóvar también ha sido el único director español en aparecer en el top final, con dos menciones. Las elegidas han sido ‘Volver’ y ‘Hable con ella’, aterrizando en las posiciones 18 y 8 de las mejores películas del siglo, respectivamente.
Cada cineasta debía elegir las 10 películas que más les había marcado en este cuarto de siglo, con el director manchego decantándose por obras maestras modernas, tales como ‘El Hilo Invisible’ de Paul Thomas Anderson, ‘Call me by your name’ de Luca Guadagnino o ‘Anatomía de una caída’ de Justine Triet. Tampoco le han faltado clásicos como ‘Ten’ de Abbas Kiarostami o ‘La ciénaga’ de Lucrecia Martel. ‘Sirat’, preseleccionada para los Oscar en cinco categorías, también ha sido incluida.
En cuanto a la lista final de las mejores películas del siglo XXI, el número uno lo ocupa la obra maestra de David Lynch, ‘Mulholland Drive’, lanzada en 2001. El podio lo completan ‘Deseando amar’ (2003) de Wong Kar-Wai y ‘La ciénaga’ (2001) de Lucrecia Martel.
El Diario ha estado publicando diversas listas para celebrar estos últimos 25 años de cultura. Ya están publicadas las de Los mejores discos del siglo XXI, elegidos por 91 expertos musicales, entre los que se encuentran varios miembros del equipo de JENESAISPOP, y de Los mejores libros del siglo XXI, elegidos por 21 librerías españolas.
Las 10 mejores películas del siglo, según Pedro Almodóvar
Ten (Abbas Kiarostami, 2002)
Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017)
Toni Erdmann (Maren Ade, 2016)
El Hilo invisible (Paul Thomas Anderson, 2017)
Amor (Michael Haneke, 2012)
La ciénaga (Lucrecia Martel, 2001)
Valor sentimental (Joachim Trier, 2025)
Drive my car (Ryūsuke Hamaguchi, 2021)
Anatomía de una caída (Justine Triet, 2023)
Sirat (Óliver Laxe, 2025)
Britney Spears ha estado activa en redes durante las fiestas navideñas, subiendo vídeos bailando o hasta una fotografía antigua de Brad Pitt. Sin embargo, la publicación que más ha dado que hablar es una en la que manda una sarcástica felicitación navideña a su familia, con la cual no ha compartido las fiestas.
«Feliz Navidad a mi preciosa familia, que nunca me ha faltado el respeto, nunca me ha hecho daño y nunca ha hecho nada completamente inaceptable o causado un enorme trauma, del tipo que no se puede arreglar», ha escrito Spears en su muro de Instagram. «A mi querida, dulce e inocente familia… Siento haber estado ocupada esta Navidad, pero pronto os veré y os sorprenderé», concluye.
Muchos han leído este mensaje como una crítica a sus allegados por celebrar la Navidad sin ella, en respuesta a la publicación de su hermana Jamie Lynn Spears. A mediados de la semana pasada, esta subió una foto con toda la familia junta, pero sin Britney.
Desde el fin de su tutela legal de 13 años en 2021, la autora de ‘…Baby One More Time’ ha estado separada de varios miembros de su familia y ha hablado en repetidas ocasiones, sobre todo en redes sociales, sobre el impacto negativo de este periodo en sus relaciones familiares. Según informa People, Britney ha pasado la Navidad junto a su hijo pequeño, Jayden James Federline.
El regalo navideño de Sabrina Carpenter ha sido, no la versión deluxe, sino la versión ‘Bonus Track’ de ‘Man’s Best Friend’. Esta incluye ‘Such A Funny Way’, descrita por la propia artista como una «catártica canción de colapso navideño». En ella, la cantante mantiene el humor y el sarcasmo de siempre a la vez que se aguanta las lágrimas. Es la Canción del Día.
La estructura de ‘Such A Funny Way’ no es nueva en la discografía de Sabrina, comenzando con una instrumental esquelética antes de revelar el estribillo en su versión más comedida. Sin embargo, la letra es lo suficientemente interesante como para mantenerte atento antes de que entre la percusión en el primer verso.
Carpenter ilustra lo de tomarse las cosas con humor en su máxima expresión, describiendo una relación totalmente fallida en la que su pareja pasa totalmente de ella. Sin embargo, ella lo ve de otra forma: «Debe ser que me quieres tanto que no encuentras las palabras», canta en la primera línea.
La artista consigue justificar de forma hilarante situaciones tales como que su pareja la mantenga «alejada de amigos o familia» o que no quiera la sudadera de la noche en la que se conocieron: «Qué adorable que me la devuelvas». Ante todo, no pierde el humor. «Tienes una forma tan peculiar de decir que me quieres, olvidándome más cada día», canta en el estribillo. Tal y como confiesa en la última línea, Sabrina se ríe por no llorar.
Juventude es el nuevo grupo que debes escuchar si te gusta seguir descubriendo la música kinki española a través de nuevas fusiones. Ángel y Nico forman este dúo de Sevilla que en 2025 ha publicado su disco de debut, homónimo, tras darse a conocer con varios singles a lo largo del año pasado. Entre ellos se encuentra ‘La Motillo’, una zarzuela psicodélica, pero el álbum encierra otras sorpresas como los teclados norteafricanos de ‘Los potrillos’, el garaje funk de ‘Dicen de ti’ o la locura total que es ‘Morir en primavera’. Detrás de la producción de ‘JUVENTUDE’ se encuentra Íñigo Bregel, productor y voz de Los Estanques, otro grupo conocido por recuperar la tradición de diferentes maneras.
Juventude es el protagonista de “Meister of the Week” de la jornada, y el tema que ha elegido han sido las capitales del mundo. Ángel y Nico comentan cuál es su capital favorita, cuál les ha sorprendido para bien o para mal y cuáles consideran sobrevaloradas o infravaloradas. En la conversación salen a colación Buenos Aires, Tiflis o Belgrado, pero también capitales más desconocidas como Antananarivo.
¿Por qué habéis elegido hablar sobre capitales?
Por la grasa que tienen, una grasa en la que queremos retozar.
¿Cuál es vuestra capital favorita y por qué?
Sin duda es Jerusalén Oriental.
¿Qué capital os ha sorprendido más, para mal?
A ver, Stalingrado es preciosa, nuestra favorita. Hay muchas más, todas las iglesias al final tienen un paso muy bonito, es difícil elegir. La capital que más nos ha defraudado, quizás, es Moscú.
¿En qué capital habéis dado vuestro mejor show y en cuál el peor?
Creo que coincide. Hemos tocado en la capital de Catalunya, genial, en la de Andalucía, superb, y en la de Portugal, preciosa. Somos jóvenes, nos quedan muchas capitales. Pero el mejor show fue en Madrid, en el 25 cumpleaños de la Ochoymedio. También fue nuestro peor concierto, porque íbamos con una tajada de melón que bim bam bom.
Si Juventude fuera una capital, ¿cuál sería? ¿Y cada miembro por separado?
Pues vamos a empezar uno por uno. El Chapo (Charlie, guitarrista) sería de Costa Rica, y no exclusivamente por la coincidencia de letra o de gustos. El Juanillo (batería) sería Tallín o Vilnius, porque el cabrón es muy rubio. El Angelillo (guitarra y teclados), como es un querubín, debería de ir al reino de los cielos, pero poniendo los pies en la tierra, quizás le cuadre más El Cairo. Al Nico (bajo) le pega una ciudad sucia e híper estimulada, como Tiblisi.
¿A qué capital veis más exportable vuestra música y por qué?
A Buenos Aires, porque tenemos muchos lololós que en pocos años cantarán las hinchadas del Boca y del River.
¿Cambiaríais una capital, por una ciudad diferente? ¿Cuál sería y por qué?
Sí. Creemos que Ankara no tiene ningún sentido. Estamos hartos de que Estambul sea solo una canción cliché para omitir el pasado glorioso de Constantinopla (vaya palabra guapa, o no?).
¿De qué manera veis que influye crecer o vivir en una capital, emprender una carrera musical?
En España o Francia es simple el beneficio: tienes trenes para todos lados. Es el agujerito de la aceituna. La playa queda igual de lejos hacia el norte, sur, este y oeste. Eso, al final, con todos los chiringuitos que se montan las empresas musicales, cuenta y mucho.
¿Qué capital os morís por conocer pero todavía no habéis podido?
Antananarivo o Paramaribo, la que ustedes prefiráis.
¿Qué capital consideráis subestimada o, al contrario, sobrevalorada?
Ulan Bator está muy sobrevalorada. Todos sabemos que es la capital de Mongolia, no hace falta que la pongan más en los trivial pursuits, en qué siglo estamos, por Dios. Sin embargo, ¿quién sabe dónde está Georgetown?
¿Qué capital visitaríais con ‘La Motillo’ sin dudarlo, y cuál ni muertos?
‘La motillo’ tiene que ir a Belgrado, para que se entienda de una vez la letra y ese rollito polka y emir kusturica que tiene. Jamás visitaríamos Ottawa porque hace mucho frío y se te congelan las piernas cuando vas conduciendo.
¿Las capitales han solido coincidir con las mejores ciudades que habéis visitado?
Que va, las mejores ciudades son los pueblos.
Si os tuvierais que perder en una capital sin móvil, ¿cuál sería?
Taiwán, porque allí tiene que ser to fácil conseguir uno nuevo.
Brigitte Bardot, icónica actriz y cantante de los años 50 y 60, ha fallecido a los 91 años. Así lo ha anunciado su fundación en un comunicado: «La Fundación Brigitte Bardot anuncia con inmensa tristeza el fallecimiento de su fundadora y presidenta, la señora Brigitte Bardot, actriz y cantante de renombre mundial, que decidió abandonar su prestigiosa carrera para dedicar su vida y su energía a la defensa de los animales».
Aunque no se ha revelado la causa de la muerte, la actriz francesa había sido hospitalizada en varias ocasiones durante los últimos meses. La última fue en octubre, cuando fue ingresada para una intervención quirúrgica a raíz de una «enfermedad grave».
Durante las décadas de los 50 y 60, Bardot se convirtió en todo un símbolo sexual gracias a dos escenas que han acabado formando parte de la historia del cine, como son el mambo del restaurante de Saint-Tropez en ‘Y Dios creó a la mujer’ (1956) y su monólogo desnuda en ‘El desprecio’ (1963).
Tras realizar su debut en el séptimo arte en 1952 con ‘Le trou normand’, Brigitte Bardot dejó el cine hace más de 50 años tras haber rodado 45 cintas, declarando en 1973 que estaba «harta de esa vida superficial». Su éxito como actriz incluso le permitió protagonizar una película titulada con su nombre, ‘Dear Brigitte’, en 1965. Sin embargo, tras su etapa como actriz decidió dedicar su vida completamente al cuidado de animales.
Su faceta como artista musical comenzó después de cantar el tema principal de la película ‘Una vida privada’ (1962), lanzando su primer EP al año siguiente. Bardot grabó la primera versión de la conocida y romántica ‘Je t’aime… moi non plus’ junto a Serge Gainsbourg en 1968. Sin embargo, fue Gunter Sachs, esposo de la actriz en aquella época, quien impidió que se publicase. Finalmente, en 1969 se lanzó la versión de Gainsbourg y Jane Birkin, su pareja.
Durante los últimos años, la vida de B.B. fue dominada por las polémicas, recibiendo multas por «incitar al odio racial» o propagando ideas antivacunas durante la pandemia.
En la semana del 12 al 18 de diciembre, las novedades discográficas en España han estado marcadas por la actualidad de Extremoduro: su disco ‘Se nos lleva el aire’, del último proyecto de Robe, sube del puesto 7 al 3 tras el cómputo global de la semana. Además, otros discos de Extremoduro suben o entran por primera vez en la lista, como ya hemos comentado.
Mientras Rosalía permanece en el número 1 con ‘LUX‘, el top 10 de discos en España recibe una única entrada: la reedición de ‘Wish You Were Here’ de Pink Floyd con motivo de su 50º aniversario. Su edición en vinilo ocupa el cuarto puesto en la tabla especial.
Operación Triunfo también deja nuevas entradas en lista tras la emisión de la gala final, en la que Cristina se proclamó ganadora. El disco de dicha gala debuta en el puesto 75, mientras que el CD de la gala 12 -la penúltima- entra en el 81. Un mejor resultado obtiene el disco en directo de la co-presentadora de Operación Triunfo 2025 y tercera finalista de Operación Triunfo 2017, Míriam Rodríguez: ‘Valió la pena fallar – Live Las Ventas’ abre en el puesto 23.
En cuanto a novedades reales, se registran dos entradas. Por un lado, ‘Latin Lover Songs – The Mixtape’ de C. Marí, en verdad un EP, entra en el número 45. Por otro, ‘Verano Saudade’, igualmente un EP de Judeline, se coloca en el 61.
Por último, hay que destacar dos entradas relacionadas con directos o reediciones. En el número 57, Sôber sitúan su disco ‘En vivo Las Ventas’, publicado con motivo de su 30º aniversario. Y en el 95, la banda británica de emo-rock Bring Me the Horizon aparece con la reedición de ‘That’s the Spirit’, que cumple una década.
El otro día vi un reel de Instagram que afirmaba que ya no existen artistas como Madonna, capaces de cambiar radicalmente de estilo de disco a disco. Allie X no es ese camaleón musical que siempre ha sido la Ciccone, pero sí se ha preocupado por ofrecer una propuesta diferente en cada proyecto, incluso encarnando un personaje distinto cada vez, pasando de la diva excéntrica de sus inicios a la sombra sin rostro de su álbum anterior.
En ‘Happiness Is Going to Get You’, su cuarto álbum, la canadiense Alexandra Ashley Hughes se convierte en The Infant Marie, un personaje que representa la “nostalgia y la exploración de los recuerdos”. Marie simboliza la unión -o colisión- de pasado y futuro que propone el disco: una diva pop que existe en dos líneas temporales a la vez. El cubo de cristal en el que toca el arpa representa esa distancia temporal: dentro, ella vive en el pasado, pero nosotros la observamos desde fuera, en el presente.
El concepto visual de ‘Happiness Is Going to Get You’ es simplemente genial, y me atrevo a decir que será copiado en el futuro por algún artista con menos talento. El contenido musical, por su parte, refleja ese personaje: la canadiense explora una paleta sonora particularmente orgánica, con canciones escritas al piano y posteriormente arregladas con cuerdas, clavicordios y otros instrumentos, aunque sin abandonar los teclados y los detalles digitales que dirigen el disco hacia el futuro.
Brillan especialmente los arreglos, la producción y, sobre todo, los conceptos líricos de las canciones; no tanto unas melodías vocales que resultan simplemente correctas y, en ocasiones, planas. Algunas piezas no temen exhibir sus influencias: ‘Hope You Hear This Song’ es un hechizo destinado a atormentar a una persona con una melodía pegadiza, pero funcionaría mejor si esa melodía no fuera prácticamente la de ‘Bitter Sweet Symphony‘ (1997) de The Verve.
Donde ‘Happiness Is Going to Get You’ funciona es en ofrecer un repertorio cohesionado y comprometido con su concepto, a pesar de su variedad. En el álbum conviven la oscuridad industrial de ‘Is Anybody Out There?’, una reflexión sobre el aislamiento existencial que sufre el personaje, impulsada por un estribillo armonizado que remite al estilo de Dirty Projectors, y el clavicordio de ‘Down Season’, la pieza más Tori Amos del disco, animada con castañuelas.
La mejor canción es ‘Reunite’, donde Allie X, de nuevo a golpe de clavicordio, plantea una reconciliación con su propio cuerpo, resentido desde hace años por una enfermedad crónica. No obstante, la letra admite una interpretación más universal, quizá dirigida a un amigo o familiar, especialmente pertinente en esta época navideña. ‘7th Floor’, en un estilo a medio camino entre el post-punk y el indie pop, es una de las más visuales: Allie X se imagina atrapada en un ascensor que sube y baja sin parar, simbolizando un bucle vital sin fin del que ella tampoco hace un esfuerzo por salir.
Otras metáforas bien traídas, ya sea sobre la industria musical -simbolizada en un ‘Uncle Lenny’ que deja a Allie X sin un duro- o sobre la importancia de mantener un espíritu infantil, en la alegre y muy -o demasiado- Belle & Sebastian ‘Stay Green’, se suceden en un disco compuesto principalmente por medios tiempos y baladas como la emotiva ‘Learn to Cry’, que suena relajado y elaborado a la vez.
Hay que ponerle mucho esmero para escribir arreglos orquestales como los de ‘Learn to Cry’, que además incluye un estupendo solo de guitarra eléctrica, o ‘It’s Just Light’, que cierra el álbum en clave trip-hop sin renunciar a los estilismos barrocos del conjunto. Aunque las melodías nunca parecen querer explotar, quedándose en un agradable punto medio, a Allie X hay que aplaudirle sus esfuerzos por crear discos con conceptos tan interesantes y tan bien desarrollados.
Celeste ha lanzado su segundo proyecto este 2025, recuperando la majestuosidad de las melodías sesenteras y de la chanson francesa. La cantautora británica así construye una monumental intro para ‘Woman of Faces’, nuestro Disco de la Semana. ‘On With The Show’ es la Canción del Día.
Solo podemos fantasear con lo que hubiese sido ‘On With The Show’ de haber incluido los arreglos orquestales de Robert Ames, descartados y descritos por Jeff Bhasker, productor del disco, como «demasiado vanguardistas». ¿Cómo puede ser esto algo negativo? Aun así, de epicidad la canción no va corta.
‘On With The Show’ empieza nada más que con la voz de Celeste y un piano que la acompaña, mientras la percusión se va sumando de forma puntual a la mezcla. El gran momentazo coincide con la frase «ahí está el oleaje de cuerdas», que marca en el momento en el que entran los violines en la canción.
Celeste canta sobre «mausoleos hechos de nacimiento, ladrillos y canciones», «coros en rabia constante» y cantos sobre «tulipanes» y «calderilla». La poética letra es evocadora y, justo cuando llega a su máximo nivel, en el que la cantante asegura tener la banda «bajo control», esta termina de forma abrupta junto con toda la canción. Redonda.
Unos cuantos sueños (Chimamanda Ngozi Adichie) Chimamanda Ngozi Adichie es una figura controvertida. Pero, claro, si eres una brillante intelectual africana de raza negra y familia rica, convertida en un icono del feminismo, cuyos discursos samplea Beyoncé y no temes meterte en todos los charcos que se te ponen por delante, como para no serlo. Más allá de polémicas (expuestas por mi compañero Jordi en este artículo), lo que es indudable es que Chimamanda –‘Medio sol amarillo’, ‘Americanah’- es una novelista fabulosa.
‘Unos cuantos sueños’ (Random House), su esperada nueva novela tras más de una década sin publicar ficción, no decepciona. Adichie narra la historia de tres pijas nigerianas y de la criada de una de ellas (personaje inspirado en la limpiadora de hotel que denunció la violación por parte de Dominique Strauss-Kahn), quienes cuentan en primera persona “unos cuantos sueños”: sus relaciones con los hombres, la maternidad, el poder económico, el colonialismo, la identidad africana y las contradicciones de una élite femenina atrapada entre el privilegio, las heridas que han dejado abiertas sus exparejas y el deseo de emancipación. Chimamanda se compra bebés como buena señorona rica, pero… qué bien escribe: qué manera de articular temas, hilvanar ideas y elaborar reflexiones. 8
El asesinato de los Aosawa (Riku Onda) Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída, además de guionista de cine y televisión. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente.
‘El asesinato de los Aosawa’ (Salamandra) es un absorbente thriller que destaca por su atractiva y poco convencional estructura narrativa. Todo comienza en una fiesta de cumpleaños celebrada en un sofocante día de verano (el ambiente caluroso y húmedo impregna toda la novela): diecisiete personas, entre ellas seis niños, mueren envenenadas. A partir de ese suceso, la historia se abre a múltiples perspectivas, distintas líneas temporales y diversos puntos de vista, como si se tratara de un rompecabezas metaficcional: una joven interesada en el caso contacta con una escritora que escribió sobre ese caso que a su vez fue testigo de la masacre. Y eso solo es el principio… 8’1
El director (Daniel Kehlmann) Uno de los libros del año. La nueva novela del alemán Daniel Kehlmann ha encabezado gran parte de las listas de lo mejor de 2025, entre ellas las del New York Times o la BBC (en las españolas, no sé por qué, ha sido completamente ignorada). El autor de ‘La medición del mundo’ o ‘Deberías haberte ido’ ha hecho un retrato extraordinario del director G.W. Pabst, una especie de biografía novelada que intenta contestar a una pregunta que muchos se hicieron en su época: ¿por qué el prestigioso director que había encumbrado a Greta Garbo (‘Bajo la máscara del placer’, 1925) y Louise Brooks (‘La caja de Pandora’, 1929), que se había ganado el apelativo de “Pabst el Rojo” firmando la antibelicista ‘Cuatro de infantería’ (1930) y la izquierdista ‘Carbón’ (1931), y que había trabajado en Francia y en Hollywood durante la década de 1930, decidió regresar al Tercer Reich en 1939?
Kehlmann dibuja a Pabst como un hombre inseguro y conformista, que antepuso el compromiso con el arte y el interés personal al deber moral. ‘El director’ (Random House) explora ese pacto fáustico con el nazismo a través de una prosa ágil y cargada de tensión dramática, poniendo el acento en el conflicto interior de un artista atrapado entre la ambición, el temor y la necesidad de reconocimiento. 8’7
Las lunas antes del aterrizaje (Clemens J. Setz) Seguimos con literatura en alemán. Gracias a la editorial H&O están llegando a España los libros del matemático y filólogo austriaco Clemens J. Setz, autor que en 2021, con apenas 38 años, recibió el galardón más importante de la literatura alemana: el Premio Georg Büchner.
En ‘Las lunas antes del aterrizaje’, Setz reconstruye la vida de uno de esos personajes “más extraños que la ficción”: Peter Bender, aviador que combatió en la Primera Guerra Mundial y que más tarde se convertiría en uno de los más fervientes defensores del terrahuequismo, una teoría desarrollada en el siglo XIX que sostiene que la Tierra está completamente hueca y que su interior es habitable. A través de la visión distorsionada de la realidad de este personaje, Setz recrea, en forma de ingeniosa sátira, los acontecimientos más significativos de la Alemania de la primera mitad del siglo XX y traza un paralelismo con las teorías conspirativas actuales, desde el aparentemente inofensivo terraplanismo hasta el peligroso “gran reemplazo” supremacista. 7’7
Los ojos son la mejor parte (Monika Kim) Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Los ojos son la mejor parte’ (Seix Barral), de la coreana-californiana Monika Kim, es una mezcla enormemente eficaz de terror psicológico y gore oftalmológico (muy gráfico), atravesada por humor negro y una crítica sociopolítica centrada en los choques culturales y las luchas identitarias.
“¿Quién quiere el ojo?”. El título de la novela (fabuloso) remite a la costumbre coreana de comerse los ojos de los pescados: “son la mejor parte”. A partir de este detalle costumbrista, la autora construye un relato en primera persona (narrado por la asesina protagonista) sobre familias rotas, racismo y machismo cotidianos y furia reprimida, que avanza con la intensidad dramática de una psicópata que prueba por primera vez la sangre. El resultado es una exploración de los límites entre cordura y locura tan perturbadora y repulsiva como afilada y divertida. Como era de esperar, ya está en marcha la adaptación cinematográfica. La dirigirá la actriz Greta Lee (‘Vidas pasadas’, ‘TRON: Ares’), en la que será su debut como realizadora. 7’8
El asedio (Ben Macintyre) Ben Macintyre nunca decepciona. Con ‘El asedio’ (Crítica) vuelve a demostrar su asombrosa habilidad para combinar rigor documental con recursos narrativos propios del thriller. ‘Agente Sonya’, ‘Espía y traidor’, ‘Un espía entre amigos’… son libros de no ficción que se leen como la más trepidante de las novelas de espionaje e intriga. No es de extrañar que el equipo de ‘Slow Horses’ se vaya a encargar de adaptar para televisión este último.
El asedio reconstruye la operación de rescate organizada por las fuerzas especiales británicas en 1980 para liberar a los veintiséis rehenes retenidos en la embajada iraní de Londres. Con el apoyo de un completo apartado gráfico -mapas, planos del edificio, fotografías y esquemas de la intervención-, Macintyre desgrana los hechos desde múltiples ángulos (asaltantes, rehenes, fuerzas de seguridad, periodistas y responsables políticos) y perspectivas -geopolítica, psicológica, logística y humana-. El resultado es un relato extraordinariamente vívido, tenso y emocionante sobre un episodio clave del terrorismo internacional y del prestigio del SAS. 8
Golpe de luz (Rita Bullwinkel) Celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, conocida por ser la editora de la revista literaria McSweeney’s Quarterly. Nominada al Booker, finalista del Pulitzer y, el espaldarazo definitivo para muchos: a Obama le voló la cabeza. Y cuando Obama recomienda un libro es como cuando Stephen King alaba una obra de terror: los lectores se multiplican.
El caso es que Obama tiene muy buen gusto (King no tanto): ‘Golpe de luz’ (Sexto Piso), perdón por el chiste fácil, es la hostia. Bullwinkel narra las vidas -pasadas, futuras e imaginadas- de ocho boxeadoras adolescentes durante un campeonato que se celebra en Reno, la versión barata y sórdida de la ya de por si decadente Las Vegas. La novela se abre con el cuadro de los enfrentamientos y cada capítulo está dedicado a un combate. Es en ese espacio, dentro del cuadrilátero, donde la autora explora las interioridades de unos personajes extraordinariamente bien perfilados. El ring no es solo un escenario deportivo y de violencia física, sino también un espacio de revelación íntima donde, golpe a golpe, se condensan miedos, deseos y futuros posibles. 8’4
El accidente (Blanca Lacasa) Este año, la editorial Libros del Asteroide ha publicado dos debuts estupendos de autoras españolas, que además tienen más de un punto en común en cuanto a la temática: ‘Comerás flores’, de Lucía Solla Sobral, que estoy leyendo ahora mismo (y también recomiendo), y ‘El accidente’, de la periodista Blanca Lacasa, conocida por su ensayo ‘Las hijas horribles’ (Libros del KO, 2023) y por ser la vocalista del dúo Plastic d’Amour (la novela incluye playlist).
La prosa de Lacasa va como un pepino. ‘El accidente’ narra el vértigo del inicio de una relación romántica, el torbellino emocional que supone un enamoramiento y la irrupción de lo imprevisto, “el accidente”, con una precisión estilística asombrosa. A través de un uso muy creativo y poético de la tercera persona, de las metáforas y de las repeticiones, la autora consigue transmitir la intensidad obsesiva de los primeros días, esa mezcla de euforia, ansiedad y fragilidad en la que todo parece decisivo y provisional al mismo tiempo. El resultado es una novela que, en apenas 80 páginas, captura con exactitud casi física ese estado mental en el que amar es, sobre todo, perder el control. 7’7
Calabobos (Luis Mario) Si no tienes el oído muy hecho al acento norteño, de Cantabria o Asturias, seguramente te pase con ‘Calabobos’ lo que me ocurrió a mí con el ‘Panza de burro’ de Andrea Abreu: estuve en un tris de dejarlo, no entendía nada. No lo hice, claro, y a las cinco o seis páginas ya estaba metido en la historia y entendía todo como si fuera Rosana.
La excelente novela del cántabro Luis Mario destaca por su estilo: está escrita de forma oral, como “falan” los paisanos de los pueblos cántabros. Esa oralidad no es solo un recurso formal, sino la clave de la mirada del autor: contar la ruralidad desde dentro, con sus propias palabras, con sus mitos, cuentos, fantasías, costumbres y tradiciones. La metáfora es clara: las violencias que atraviesan el libro –contra los “maricones” y los “subnormales”- no siempre se presentan como estallidos, sino como una presión constante, asumida y normalizada. Al igual que la lluvia fina que da título al libro, empapan poco a poco, hasta que terminan calando. 7’9
Matate, amor (Ariana Harwicz) Ariana Harwicz publicó su debut literario en 2012. Apenas tuvo lectores. Fue a partir de la reedición de 2017, impulsada por sus pocos pero entusiastas seguidores, cuando ‘Matate, amor’ (publicada este año por Anagrama) empezó a ganar visibilidad. Sin embargo, el verdadero reconocimiento internacional llegó con la traducción inglesa, ‘Die, My Love’, nominada al Premio Booker, y con su adaptación cinematográfica, protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson, que consolidó la difusión de la novela en todo el mundo.
Definido como un “thriller campestre”, el libro está protagonizado por una mujer que vive en una casa de campo, cerca de un bosque, junto a su marido y su hijo recién nacido. A través de un intenso monólogo interior, construido con frases cortas en las que cada punto parece la marca de un disparo, el lector se adentra en la mente convulsa de una mujer acorralada: presa de un deseo insatisfecho, atenazada por un entorno opresivo, un marido anodino y un bebé vivido como una carga. Aunque al principio cuesta adaptarse a su ritmo y a ciertos modismos argentinos, pronto resulta fácil dejarse arrastrar por su intensidad lírica y desgarradora. Una novela breve para leer de un tirón, como un poema. 7’6
Perry Archangelo Bamonte ha fallecido a los 65 años. Así lo ha comunicado The Cure en su propia página web, en la que han rendido homenaje al guitarrista y teclista: «Es con una enorme tristeza que confirmamos la muerte de nuestro gran amigo y compañero de banda, que falleció tras una corta enfermedad en su casa».
Aunque no fue un miembro fundador del grupo británico, sí fue una «parte vital de la historia de The Cure», descrito por la banda como una persona «tranquila, intensa, intuitiva, constante y extremadamente creativa». La historia de Bamonte comienza con su hermano pequeño, Daryl, road manager, teclista ocasional de Depeche Mode y quien le introduce al mundo de la música.
Perry se unió al equipo de gira de The Cure en 1984 gracias a su hermano, que empezó a trabajar con la banda a principios de los 80. Bamonte actuó como asistente personal y técnico de Robert Smith hasta 1989, y con la salida del teclista Roger O’Donnell en 1990 acabó convirtiéndose en un miembro de la banda a tiempo completo. «Tocó la guitarra, el bajo de seis cuerdas y el teclado en ‘Wish’, ‘Wild Mood Swings’, ‘Bloodflowers’, ‘Acoustic Hits’ y ‘The Cure’, haciendo más de 400 conciertos a lo largo de 14 años», cuenta la banda.
Bamonte empezó como teclista, pero acabó siendo el guitarrista principal del grupo con la salida de Porl Thompson hasta 2005, año en el que Robert Smith convirtió The Cure en un trío junto a Simon Gallup y Jason Cooper. Su historia con la banda no llegó a su fin, reincorporándose en 2022 para tocar en otros 90 conciertos como parte de la gira ‘Shows of the Lost World’, «algunos de los mejores de la historia de la banda».
El espíritu navideño ha inspirado a The Lemon Twigs, la banda vintage por excelencia, a rendir homenaje, más que nunca, a The Beach Boys. No están solos en la ocasión, reclutando al grupo neoyorquino Tchotchke, también amantes de toda la música de los 60 y 70. Ademas, han inspirado el nombre de la canción. ‘Tchotchkes’ es la Canción del Día.
Un tchotchke es una palabra usada para describir un objetivo cuya única función es la de decorar, ya que no suele tener ningún valor monetario. Es lo mismo que una baratija, un souvenir o los típicos imanes que se compran de vacaciones. Esto es justo lo que piden Tchotchke, formada por Anastasia Sanchez, Eva Chambers y Emily Tooraen, en el estribillo: «Pequeños y adorables tchotchkes / Con personalidades / Que combinen con mi estilo», cantan.
Desde las melodías hasta los detalles de producción más minuciosos, la clara inspiración del villancico de The Lemon Twigs es la banda californiana autora de clásicos como ‘Wouldn’t It Be Nice’ o ‘Sloop John B’. De hecho, la primera voz que aparece en la canción recuerda directamente a la del joven Brian Wilson, fallecido este 2025.
Los falsettos y la percusión adicional típicas de los Beach Boys está en ‘Tchotchkes’, pero lo que mejor recrea el dúo estadounidense es la construcción de una satisfactoria y encantadora canción, sin llegar a ser una copia clara de ninguna canción. Desde luego, es una de las mejores canciones navideñas de los últimos años.
Miss Caffeina vienen de una de las épocas mas tumultuosas de su carrera. El resultado es ‘Buenasuerte’. El sexto álbum de Alberto, Toni y Sergio explora el duelo y la ruptura desde todos sus ángulos, desde la tristeza y la rabia hasta la ironía y, finalmente, la aceptación. ¿Cómo lo han hecho? Con electrónica, melodías clásicas y mucho compañerismo.
La banda, además, se sincera sobre trabajos anteriores como ‘El año del tigre’, el cual «no debería haber sucedido», o la incómoda visita al camerino de cierto artista. Hablamos con ellos sobre producir un disco con Pablo Rouss (después de varios discos con Max Dingel), las rupturas y el duelo que inspiraron el disco, los festivales de KKR o el Benidorm Fest.
¿Qué significa para vosotros este disco? Sobre todo para los que no habéis sufrido una ruptura como Alberto. Para Alberto, me hago una idea…
Sergio: Es complicado, y ha sido intenso. Ten en cuenta que hay muchas canciones relacionadas con la ruptura se han ido haciendo después, y en particular la parte que he escrito yo, se suma a ese proceso de duelo, pero viene de otro lugar: viene de la pérdida de un familiar cercano. Lo que hemos intentado es redirigir un poco la energía y canalizarla a favor de la obra, para que hubiera unidad en todo el disco. Un concepto fuerte que parte de lo primero que trajo Alberto, hablando de las fases del duelo. A nivel emocional, 2023 y 2024 han sido dos años heavies… Ha sido intenso a nivel emocional.
Toni: A nivel personal, yo he conectado 100% con todas las canciones porque también he pasado justamente hace muy poco por eso. Recibir estas canciones me ha metido de lleno en toda la mierda que llevaba pasando el año anterior con la ruptura que tuve y demás. Personalmente estoy 100% conectado con todo.
Vaya, que yo pensé que era el disco post-divorcio de Alberto, pero en realidad habéis hecho una cosa sobre la pérdida más genérica sobre las fases del duelo…
Alberto: Nos tiramos tantas horas juntos en una furgoneta y nuestro proyecto es tan vocacional, con los tres hablando continuamente, que cualquier cosa que le pasa a uno al final se hace como problema de todos. Cuando yo pasé por una ruptura era el tema de conversación que teníamos todo el rato. Y cuando Sergio me enseñaba sus temas, yo decía: «¿Pero los has escrito sobre lo que me ha pasado a mí?». Y me decía: «No, habla de esto, pero sí que es verdad que lo he adecuado para que sea acorde al disco». Al final, todo el mundo pasa por una ruptura, se han hecho discos y discos sobre esto. Al final es como nuestra versión del duelo, de las fases y mezclado también con «este duelo es así porque también se tienen otro tipo de mochilas, sobre inseguridades y demás». Aunque individualmente cada duelo es diferente.
¿Cuáles fueron las primeras canciones que teníais escritas?
Alberto: ‘Argumento de mierda’ fue la primera que se hizo.
Sergio: Yo la primera que aporté fue ‘Debería estar brillando’. Luego, el puzzle se fue completando a medida que completábamos un concepto. ‘Intemperie’ para mí fue una manera de intentar redondear el concepto del disco con otra canción de pérdida muy clara, muy dolida y muy intensa.
Alberto: La diferencia con este disco es que en vez de coger las canciones que más nos gustaban o coger 10 canciones y meternos al estudio a grabarlas, teníamos muchísimas canciones en una carpeta. De ellas, grabamos las 5 principales. Cuando ya te plantas con 5 o 6 canciones, dices: «vale, el disco habla de esto, ¿qué más necesita? Y ahí puedes tirar de esas demos que teníamos, toda una carpeta de dramas (risas) O, directamente, componer más, como hizo Sergio.
A nivel tracklist, secuencia… habéis intentado dejar un mensaje como de optimismo, o divertido, al final? Porque el disco tiene sus valles….
Alberto: No, no tiene un orden muy concreto. Es más sónico como para que no te aburras o para que no haya demasiado beat seguido. A nivel narrativo las fases están totalmente desordenadas, porque nadie vive esto de una forma ordenada. De hecho, se repiten varias fases en un mismo duelo. Yo creo que la más positiva podría ser ‘Buena suerte’, que es como «vale, ya estoy superándolo, entiendo lo que pasa, te deseo buena suerte». Pero espérate, que ahora vienen otras nueve canciones en las que me voy a descargar.
Sergio: Es como la típica peli que empieza por la resolución, que te resuelve al principio que ha ocurrido algo, y tienes que ir viendo qué es lo que ha pasado a través del resto del disco.
¿Cuál sería la canción más película?
Alberto: ‘Hoy va a ser el día’, porque de hecho en el estudio nos pusimos una escena de ‘La Mesías’. Cuando Macarena García se toma un tripi y está como en una especie de rave, pero ya está totalmente desubicada y todo el mundo está muy feliz alrededor. Queríamos exactamente eso para ‘Hoy va a ser el día’. Y como que verlo visualmente nos ayudaba bastante a llevar la producción donde queríamos. Esta vez las letras son muy explícitas, con lo cual es más fácil imaginarte la peli. Otras veces hemos utilizado más metáfora y la gente no sabía de qué estábamos hablando.
«Cagarte en la madre del otro es supernatural y todo el mundo lo ha sentido en una ruptura»
¿Por qué habéis dejado un tema como ‘Que seas feliz’ para el final?
Alberto: Quitarle un poco de hierro a todo, porque es un disco muy intenso, sobre el drama que supone una pérdida en todas sus formas y terminar con algo de humor me parece que te hace decir «voy a escucharlo otra vez», porque además dura media hora. Cagarte en la madre del otro es supernatural y todo el mundo lo ha sentido en una ruptura, que igual dura cinco minutos o dura tres días, pero es un sentimiento súper humano y mola hacer canciones sobre eso.
Si no eres el destinatario de la canción…
Alberto: Claro, pero haberte enrollado con un banquero (risas)
Sergio: Con alguien que no te vaya a devolver la puñalada con una canción (risas)
Contadme cómo ha sido trabajar con Pablo Rouss después de varios discos con el mismo productor, Max Dingel.
Toni: Llevábamos cuatro años con Max, nos habíamos acomodado. Max nos sacaba muchas cosas buenas, pero ya nos hacía falta tener una visión de gente más joven que estaba haciendo cosas que nos gustaban muchísimo. El disco de Belén Aguilera nos flipaba, ‘Metanoia’. Nos apetecía cambiar. Ha sido guay trabajar con Pablo, porque aparte de que nos hemos reído mucho y hemos encajado personalmente, le dio sobre todo mucho protagonismo a la voz, a cómo se grababan las voces, cuántas cosas podía hacer la voz. Hay muchos adlibs, muchas cosas que molan de percusión hechas con la voz. Se nota el trabajo vocal que hay en el disco, gracias a él.
Alberto: Por ejemplo, en ‘Buena suerte’, el primer tema, solo hay un bajo. Lo demás es todo percusión y toma vocal. No es que seamos Björk en ‘Medúlla’, que era todo vocal, pero son cosas muy interesantes que no habíamos hecho hasta ahora. Mola que en 6º disco, alguien te presione para cantar de otra manera o cantar mejor o desde otro sitio. Y luego, mola verle producir porque se vuelve como loco, entra en una especie de trance y se le empiezan a ocurrir muchísimas cosas y es muy divertido. Hemos conectado con él un montón y el hecho de que le llevásemos tanta edad también era un plus. No entendemos muy bien el mirar con recelo a las nuevas generaciones.
«No entendemos muy bien el mirar con recelo a las nuevas generaciones»
¿Este disco para vosotros es un cambio tan radical respecto a lo que hacía Miss Caffeina? Si lo comparas con los principios es súper diferente, pero no sé si ha sido como una evolución más progresiva…
Sergio: Yo creo que sí que es progresivo. Tampoco veo un cambio muy heavy, aunque sí que hay cambio.
Alberto: Yo creo que este disco podría haber sucedido después de ‘Oh Long Johnson’. ‘El año del tigre’ fue un… No sé cómo decirlo sutil, pero fue un disco que no debería haber sucedido. Hay canciones que me gustan mucho de ese disco, pero…
Sergio: Es un poco Frankenstein.
Alberto: Es un poco Frankenstein, no era el momento de sacar ese disco. Hay algunas canciones que eran mejores en la demo que en la versión final. Estábamos pasando por cambios de formación, cosas personales… muy raro. Y creo que esto hubiese sido la consecuencia después de ‘Oh Long Johnson’.
Sergio: De hecho, si te fijas en los dos primeros singles de ese disco, ‘Punto muerto’ y ‘Me voy’, eran dos canciones que apuntaban a ese camino: minimalismo, electrónica, mucho más en esta onda de ahora. Pero la manera en que hicimos aquel disco, sin estar encima de la dirección creativa por todos estos frentes que teníamos abiertos, salir de la pandemia, estar en gira, movidas internas varias… Yo creo que nos desenfocó el trabajo. Mi sensación era que ‘Merlí’, ‘Prende’ y ‘Calambre’ eran el camino. Después creo que nos perdimos en tener que producir deslavazado, en varias tandas, porque de repente el productor podía o no, estábamos en mitad de una gira… Y creo que ahí perdimos un poco el rumbo, pero la brújula estaba puesta en ese sitio.
Ahora que mencionas Merlí, sí que echo de menos como un cambio radical como el que fue ‘Merlí’ como primer single…
Alberto: Eso está muy bien porque quiere decir que la gente espera que lo hagamos, no espera que saquemos el mismo disco todo el rato y es muy interesante. Pero, por ejemplo, ‘Debería estar brillando’, comparado con lo que hemos sacado justo anteriormente, a mí me parece bastante cambio…
A lo mejor no tenéis por qué cambiar, o sea, mira Viva Suecia. U Oasis. Hay bandas que no cambian.
Alberto: Tiene que ser natural. Si es lo que tú sabes hacer y quieres seguir ahí porque es tu motivación artística guay, pero la nuestra nunca fue esa.
Sergio: También creo que es más fácil percibir esto que acabas de decir, cuando vienes de un disco fundamentalmente de guitarras y las quitas todas, de repente. Ese cambio se siente muy fuerte, súper fuerte. Cuando ya has transitado el mundo sintes, el mundo más electro, el mundo del medio tiempo pop, que es un sitio donde estamos bastante a gusto… creo que las diferencias son más sutiles. Yo sí que noto una diferencia grande, sobre todo en dónde está la voz en este disco. Tener un productor español, que trabaja muy bien las voces, pero que es español, sintiendo lo que estás diciendo, te cambia la película 100%. Este tipo, Max, es encantador, pero es alemán. Y habla inglés. La parte emocional de cómo se hicieron las cosas era distinto. Yo creo que para mí ahí está la raíz de por dónde hemos cambiado con este disco a tope. La apuesta en este disco creo que ha sido la voz.
Alberto: De hecho, no hay ni una sola guitarra en todo el disco.
Sergio: Pero tampoco ni un arreglo de sinte de «lead». No hay ninguna melodía que tú digas «es una melodía de sinte». Tú sabes cómo empieza ‘Merlí’. Cuando vengas a este disco lo que vas a recordar es una melodía de voz, no una melodía de un sinte y todo ese trabajo es un concepto para que las letras estén en primer plano. Hay una historia aquí y es otro tipo de emoción. Creo que está muy logrado a nivel conceptual por Pablo, el saber retenerse, porque es muy fácil sumar cosas, y ahora estudiar no sé qué, pero ese retenerse y esa contención para poner la historia y las voces en primer plano es súper importante. Es un ejercicio de buen gusto, cuando lo que eliges es contar una historia, que es este disco.
Para vosotros, como músicos, ¿qué supone hacer una cosa tan electrónica?
Toni: A mí, diversión absoluta. Me parece súper divertido. Probar cosas nuevas siempre es bien y jugar y pasárselo bien mola.
Alberto, has dicho que la motivación no es innovar. ¿Cuál sería?
Alberto: Seguir la intuición, lo que nos apetezca en cada momento. Sí que es verdad que a lo mejor te rompes la cabeza para buscar una melodía que no has hecho y al final sigue sonando a tu típica melodía porque es tu identidad y es tu forma de escribir. Nosotros no hemos hecho cada disco pensando «y ahora tiene que ser súper diferente». O «se tiene que parecer al anterior». No creo que la motivación tenga que ser «ahora voy a hacer esto».
Pero tus referentes pop siempre viven de la reinvención. Es muy llamativo que tú, en realidad, estás como más esclavizado por la canción en sí…
Alberto: Hay canciones de este disco que podrían sonar a guitarra y voz y mira cómo suenan. Precisamente porque soy fan de Madonna y soy fan de Bowie y demás, esto de las esencias de los primeros discos, no me lo creo ni me ha gustado nunca. Y creo que va más conmigo el que cada disco sea totalmente diferente y tenga como incluso un imaginario diferente y una imagen diferente, por esto que estamos hablando. Pero buscarlo en exceso me parece que puede ser antinatural, que tiene que salir y te tiene que gustar.
Es un disco que viene de muchísimo dolor. ¿Cuál sería la canción que para vosotros es la más desgarradora o la más visceral o la más triste?
Alberto: Yo creo que ‘Argumento de mierda’, porque en todas hay como una esperanza en algún momento de la canción. No tiene por qué ser al final, igual hay un momento de esperanza, por ejemplo, ‘Hoy va a ser el día’ tiene un momento de intención de «voy a superar esto porque va a ser el día». Y de repente dice «me he encontrado una nota y se me ha venido todo abajo». Todo el disco funciona así, pero en ‘Argumento de mierda’, no hay ningún momento en el que hables de superación.
Sergio: No hay alivio.
Alberto: Habla de lo crudo que es porque esta canción la escribí dos días después de mi ruptura gorda, después de estar 15 años con una persona y compartir una familia y compartir un hogar y tener que saber quién eres tú de repente en singular, sin la otra persona al lado, se asemeja mucho a la pérdida física de alguien o el fallecimiento. Al final es «vale, ahora soy yo sin esta persona al lado».
«Escribí ‘Argumento de mierda’ dos días después de mi ruptura gorda, después de estar 15 años con una persona y compartir una familia»
También has dicho «este es el disco que siempre he querido hacer». Pero claro, no sé si merece la pena, implicando tanto drama y tanto dolor…
Alberto: Sí, siempre merece la pena. Pero me refería más al tipo de producción y al tipo de canción y al tipo de concepto. Más que el que siempre he querido hacer, el que yo hubiese hecho si lo hubiese hecho solo. Yo no siento la necesidad de hacer algo ahora en solitario porque esto es lo que me gusta, lo que yo hubiese hecho solo. Me siento bastante conectado con este disco, y no me pasó con el anterior.
Eso no es lo que decías en aquel momento.
Alberto: (risas) Ya, ¿qué te voy a decir? ¿Cómo te convenzo del disco?
¿Cómo es que te metes con Lou Reed y Lana del Rey en ‘Extra’?
Alberto: No, con la Lana del rey no me meto… Simplemente dio la casualidad de que la persona era muy fan de Lana del Rey. Y con Lou Reed tampoco, porque realmente soy súper desconocedor e ignorante de su discografía, y lo que tú me dijiste: igual de repente cojo un disco y me flipa. Igual que descubrí a Bowie muy tarde, igual descubro a Lou Reed muy tarde, pero hace más referencia a los estereotipos de lo que te tiene que gustar como músico creíble y músico respetable y las referencias que tienes que tener visualmente, musicalmente y todo esto, que nunca me han interesado.
Es una canción sobre no sentirse bienvenido y sobre la responsabilidad de esa persona que te hace sentir «no bienvenido». Porque muchas veces puedes caer en el «jo, fíjate, me miran de esta manera o no me aceptan en este círculo o no entienden mis referencias». Y como que te estás analizando tú, echándote tú la responsabilidad y no, la otra persona también puede hacerte sentir de una manera. Y cuando te das cuenta de esto es súper liberador, porque me puede afectar en algún momento concreto, pero también disfruto de ello. Ya sé que no encajo en lo que tú crees que es un músico, perfecto, pero tengo toda la libertad para hacer lo que me dé la gana.
«A mí me parece muy bienvenido que tú me hables de Lou Reed y de los Stones, pero si yo te empiezo a hablar de las Spice o de Britney Spears… Tú sabes el tipo de mirada, ¿no?»
¿Hay algo de sentir que no perteneces a un grupo social, o complejo de inferioridad?
Alberto: No de inferioridad, porque yo tengo muy claro lo que a mí me gusta y que estoy haciendo lo que a mí me gusta. Es más incomprensión que inferioridad. Esta canción viene de muchas situaciones durante toda nuestra carrera. Y esto quiero hablarlo personalmente porque no quiero implicar a mis compañeros, que igual no lo han sentido tan heavy como yo. Pero ha habido muchos momentos a lo largo de nuestra carrera en que tú sientes que te miran con desconfianza porque no eres el típico músico que tiene una guitarra colgada y que se tira todo el día hablando sobre los Stones. Claro, a mí me gustan las Spice y me gusta Madonna, entonces, en una conversación con alguien que me está hablando de tal, a mí me parece muy bienvenido que tú me hables de Lou Reed y de los Stones, pero si yo te empiezo a hablar de las Spice o de Britney Spears… Tú sabes el tipo de mirada, ¿no?
Claro, para eso está JENESAISPOP.
Esta canción nació por una situación en la que el cantante de un grupo que a nosotros siempre nos ha gustado mucho, que no te voy a decir cuál es, vino a vernos al camerino en un festival y nosotros íbamos justo a salir a tocar. Íbamos totalmente vestidos de vinilo, que fíjate qué tontería, ¿no? Que es solo ropa. Entonces, salimos del camerino a hablar con él y todo el rato nos hablaba, pero nos miraba así, de arriba abajo, como si fuésemos putos extraterrestres. Igual mis compañeros no se daban cuenta, pero yo me sentía como «joder, me estoy sintiendo como un poco analizado». Y eso me hizo escribir al día siguiente esta canción.
¿Los demás estabais contentos con los vinilos?
Toni: Yo, total, sin ningún tipo de problema…
Sergio: Yo creo que no lo sentimos porque Alberto tiene, obviamente, por su recorrido vital, un radar mucho más desarrollado para eso. Alberto lo nota mucho más rápido. Yo no me di ni cuenta. A mí me da igual..
Alberto: A mí me han preguntado: «¿Tú escribes las canciones?». «Claro, ¿qué te hace pensar que no?».
¿Cómo habéis vivido el tema de los festivales KKR?
Alberto: Pensamos en hacer un vídeo como explicando la situación, pero justo nos entrevistó MondoSonoro y lo dijimos todo ahí. Nuestra situación fue muy difícil porque obviamente estábamos en contra del genocidio y estábamos en contra de todo lo que estaba pasando y nos enteramos muchísimo tiempo después de que cinco festivales en los que tocábamos estaban ligados a KKR.
Sergio: Festivales contratados en el 24…
Alberto: Y de repente nuestra situación era «¿Qué hacemos? ¿Cancelamos y nos enfrentamos a cinco demandas?» El incumplimiento de contrato no podemos afrontarlo. No tenemos ni el dinero, ni la energía, ni nada, sobre todo el dinero. Y entonces fuimos, tocamos, entendimos que a lo mejor la gente entendía que nuestra situación era difícil, que yo creo que no… Y decidimos esperar a que pasasen esos festivales para hablar del tema. Cuando estás ligado contractualmente a algo, tú no puedes… Además, teníamos un hándicap: una banda muy pequeña es como «vale, pues no vengas y no te pagamos». Una banda muy grande a lo mejor tiene dinero para enfrentarse a una demanda. Pero nosotros, que somos medianos, pero que te cubrimos una hora del festival y se llena, si te decimos que no tocamos, nos vas a demandar y, de hecho, le pasó a otra banda muy similar a nosotros que empezaron a amenazarles en plan «tú sabrás». Nuestra situación es que a partir de ahora, que sí que tenemos el control porque no hay ningún contrato firmado para el verano que viene, miraremos muy detenidamente con quién firmamos y con quién no.
¿Lo del Benidorm Fest lo tenéis como cosa a olvidar como ‘El año del tigre’ o para nada?
Toni: ¡Fue súper!
Alberto: Nosotros disfrutamos a topísimo. Eso sí, no hubo ningún efecto. Ni tuvimos más escuchas, ni nos hundió la carrera, ni nada. Pero fue divertidísimo y lo disfrutamos.
Sergio: Aprendimos muchas cosas también. A la hora de llevar nuestro show, de salirnos de nuestro círculo de festivales, círculo indie y tal, a estar en un sitio donde podamos llevar una imagen y un escenario, una puesta en escena tan heavy como es la televisión y con tantos medios y pantallas y cosas que hacer.
Alberto: Conocimos a artistas de otro tipo.
Sergio: El tema de los bailarines…
Alberto: … Que se vienen de gira con nosotros ahora, y va a ser como más otro rollo.
Sergio: Nos llevamos un aprendizaje heavy.
¿Por qué creéis que no tuvo un efecto, como tú dices, ni bueno ni malo?
Alberto: Yo ahora con el tiempo pienso que la canción no gustó. Cuando los participantes son desconocidos, no hay expectativa, pero con nosotros no sé qué pensaba la gente. Quizá un ‘Mira cómo vuelo’. Y luego, cuando escuchas la canción, se queda como «meh». Y yo creo que la canción no les moló del todo.
Sergio: Sí, la canción yo creo que en el contexto en el que se expuso… Creo que no hubiera sido lo mismo si la hubiéramos presentado nosotros o de otra manera. En el caso que se expuso yo creo que a nuestro nicho le gustó, tiene sus escuchas, tiene tal, la tocamos en directo, tiene su feedback… La hemos estado tocando hasta ahora en directo, aunque no sé si en el siguiente repertorio está…
Alberto: No (risas)
Sergio: Pero durante todo este verano la hemos estado tocando.
Alberto: De todas maneras, nosotros teníamos varias opciones. Era la que queríamos. O sea, si vamos al Benidorm Fest, íbamos con ese rollo. No queríamos ir con un ‘Mira cómo vuelo’ para hacer una puesta en escena de playback de rock.
Sergio: También nos ayudó a que después, RTVE confiara en La Vuelta. Yo la experiencia me la disfruté muchísimo. Este año repito con otro proyecto.
Alberto: Es un temazo increíble.
Recuerdo, Alberto, que te atreviste a escalar en directo… ¿Era necesario?
Alberto: Necesario no era, pero visualmente quedaba bien. Me acuerdo de estar tumbado en la primera semifinal, en esa movida de que iba a empezar, tenía unos nervios de flipar, no tenía aire, me quedaba sin aire de los nervios. Fíjate si hemos cantado veces y hemos dado conciertos, pero es como una experiencia totalmente diferente. Sin aire, yo pensaba: «¿quién me manda a mí subirme a esto?» El haber organizado esta mierda… Era como un momento nada más empezar la canción, pero fue genial, fue divertidísimo.
Morrissey parece tener un nuevo disco entre manos, pero no es el que te piensas. La semana pasada, el excantante de The Smiths anunció que había firmado con Sire Records tras dejar Capitol Records «voluntariamente». Para muchos, significaba la llegada del eternamente atrasado ‘Bonfire Of Teenagers’. Sin embargo, Morrissey ha publicado un tracklist que parece indicar lo contrario.
La lista de canciones publicada en redes y en la web de Morrissey no incluye ‘Rebels Without Applause’, el single del disco lanzado en 2022, ni ninguna de las canciones filtradas del LP. Es decir, todo indica a que Morrissey ha publicado el tracklist de un disco completamente diferente.
Morrissey llegó a hablar el año pasado de un disco inédito regrabado en Francia en 2023, que bien podría ser al que pertenece esta lista de canciones. Algunas de estas incluyen títulos como ‘The Monsters of Pig Alley’ o ‘Make-Up Is A Lie’. En cuanto a ‘Bonfire of Teenagers’, anunciado en 2021, se llegó a revelar que Miley Cyrus e Iggy Pop aparecerían en el disco, pero Cyrus finalmente dio marcha atrás por una desavenencia con alguien del equipo del británico.
En otro orden de cosas, recordamos que Morrissey visitará nuestro país en 2026 con tres conciertos exclusivos: el 12 de marzo en el Palau de les Arts de Valencia, el 14 de marzo en el Auditorio de Zaragoza y el 16 de marzo en el Cartuja Center de Sevilla.
Tracklist:
‘The Monsters Of Pig Alley’
‘Headache’
‘Make-Up Is A Lie’
‘The Night Pop Dropped’
‘You’re Right, It’s Time’
‘Kerching Kerching’
‘Zoom Zoom The Little Boy’
‘Lester Bangs’
‘Boulevard’
‘Many Icebergs Ago’
‘Amazona’
‘Notre-Dame’
La industria musical descansa en Navidad, pero hoy 26 de diciembre aún asistimos a lanzamientos especiales de Guitarricadelafuente -una preciosa jota- o, en un plano más underground, Rebe, que lanza una nueva entrega de su serie navideña. Además, Sabrina Carpenter edita en streaming uno de los bonus tracks de su último disco, ‘Man’s Best Friend‘; Rocío Márquez se marca un ‘Fandango’, y tanto Artemas como Carlota Flâneur presentan nueva música. ¡Feliz Navidad y próspero 2026!
Igual que Sabrina Carpenter, que ha lanzado hoy mismo la edición deluxe de ‘Man’s Best Friend’, o The Lemon Twigs, uno de los artistas nacionales más destacados del año ha decidido entregar a sus fans un regalito por Navidad. Guitarricadelafuente vuelve a sus inicios tradicionales con ‘En la noche más fría’, la Canción del Día y su villancico particular.
Álvaro Lafuente ha tenido el mejor año de su carrera. ‘Spanish Leather’ ha acabado consiguiendo un puesto en todas las listas de los mejores discos nacionales del año y seguirá trayéndole éxitos en 2026. Para culminar, ha lanzado por sorpresa un sencillo que recuerda más a ‘Agua y Mezcal’ que a ‘Full time papi’.
Producida por Raül Refree, ‘En la noche más fría’ es una pieza acústica diseñada para disfrutar en estas fechas tan señaladas. Su instrumentación y melodía toma inspiración en la jota aragonesa, mientras que la letra está inspirada por la víspera navideña y por el imaginario propio de Guitarricadelafuente.
Este menciona lugares como Punta Umbría o instrumentos como la zambomba, típica de los villancicos: «Cuando el frío más penetra, más arde el corazón mío», canta en el estribillo. Más elementos se suman a la mezcla durante la canción, juntándose con un precioso coro que pone el lazo final.
Sidonie es uno de los grupos españoles que más ha hecho por derribar prejuicios en torno a la música popular, pasando del rock psicodélico de sus inicios a abrazar el pop -en todas sus facetas- en sus lanzamientos posteriores. No es casualidad que ‘Carreteras infinitas’, su mayor éxito de la era streaming, llegara cuando el grupo llevaba más de una década en activo.
Marc, Axel y Jes, el trío detrás de Sidonie, propone ahora un cambio idiomático al presentar su primer disco enteramente escrito en catalán, ‘Catalan Graffiti‘, un claro homenaje a sus influencias y una especie de retorno a sus raíces, también. Hablamos con Sidonie en un bar de Barcelona sobre ‘Catalan Graffiti’, lo que ellos entienden como «cultura catalana» o su experiencia teloneando a los Rolling Stones, entre otras cosas.
¿Cómo lleváis los días de promo?
Marc: Al ser tres mejor, se reparten mejor los bajones que tenemos cada uno de nosotros, que acostumbran a ser bastantes. Si alguno fuera un artista en solitario, se bloquearía, porque tampoco es normal hablar de uno todo el santo día. Cuando estábamos en Sony nos contaban cotilleos de artistas, y nosotros preguntábamos mucho. Nos contaban que muchos artistas en las entrevistas se bloqueaban, lloraban, les daban ataques de ansiedad y abandonaban la promo a medio hacer.
Y eran solistas. Vosotros os apoyáis entre vosotros.
Jesús: Es bonito cuando detectas cuando uno está mal y con el bajón, y el otro te apoya, y yo a ellos.
Marc: Nosotros nunca estamos del todo bien, pero el monstruo de tres cabezas tiene una salud, un humor y va tirando.
Este es vuestro disco 11 u 12, que son muchos. ¿De qué manera os refrescáis creativamente para llegar hasta aquí? Al margen del cambio de idioma, me refiero.
Marc: En el disco anterior, ‘Marc, Axel y Jes‘, volvimos a un pop muy básico, con acordes simples y letras sencillas. Teníamos ganas de volver a hacer un disco con el mismo planteamiento, y entonces aparece el catalán, y el cambio de idioma nos lleva a escribir otro tipo de melodías y letras que hablan de la adolescencia y la infancia. Recuerdo estar en el local intentando escribir una canción en italiano, y pensé que podía ser buena idea cambiar al catalán, que se parece un poco al italiano, e igualmente te lleva a un romanticismo diferente al castellano.
Axel: Marc, a través del uso del catalán, ha podido conectar con su infancia, y a Axel y a mí, como amigos, nos ha ayudado a ver las letras de Sidonie sin la «tela» del castellano, que era una máscara y te impedía ver nítidamente a tu amigo. Cuando en ‘OVNI 84’ habla de su infancia o en ‘Mentira’ de su adolescencia, como oyente y como amigos le estamos quitando un filtro; al cantar en catalán todo llega de una forma más directa, es como ver al Marc de niño y adolescente de forma muy clara.
¿Habéis aprendido a tocar diferente?
Axel: No hemos aprendido, ha salido solo.
Marc: Yo he aprendido a cantar diferente. Cuando hablas en catalán, la forma de respirar, usas el diafragma de forma diferente; en inglés me salía voz de cuello, por ejemplo le pasa a Bob Dylan, Joaquín Sabina o Liam Gallagher, pero David Bowie o Rosalía cantan desde todos lados. El catalán me ha hecho cantar canciones de una forma que desconocía ser capaz físicamente.
¿Habéis probado pasar canciones antiguas vuestras al catalán a ver cómo suenan?
Marc: Es una gran tentación; esto se hacía mucho en los 60. El otro día Axel me pidió traducir ‘Sé’ al catalán y era patética, era horrible. Vaya trabajo el de traducción, es loquísimo. Es un trabajazo que ahora mismo no voy a hacer.
Cuando decís que en catalán vuestras canciones suenan más suaves y amables, ¿es una cuestión fonética o psicológica?
Marc: Ambas. Cuando cantas en inglés o castellano eres otro personaje, y como cantante yo siempre soy un personaje. El inglés es la música que he mamado toda la vida, las primeras canciones en Sidonie en castellano me sonaban a Los Secretos y no nos gustaban, aunque ahora es un grupo que adoramos. En catalán las letras ganan una ternura especial.
¿Por qué habéis decidido cantar en catalán ahora?
Axel: Tiene que ver con buscar el cambio, no estancarse, no creer que el inmovilismo nos va a ayudar. Por eso hicimos ‘El fluido García’ después de ‘El incendio’, por ejemplo.
Marc: No me sale escribir una canción en catalán pensando que ahora el catalán lo peta y tengo que escribirla. No soy estratega. Pero sí sé cuándo el grupo tiene algo que ofrecer. Cuando Sidonie empezó, sabía exactamente lo que el grupo podía ofrecer; yo venía de escuchar mucho Radio 3 y era capaz de detectar una producción española a los tres segundos, y Sidonie reivindicaba una producción de disco que sonara bien. La capacidad de entender el «zeitgeist»… los artistas tenemos que ser intuitivos, y Sidonie lo tuvo cuando empezó su carrera. Mozart hoy lo estaría petando haciendo reggaeton, el tío lo tendría ahora como lo tenía hace siglos.
Axel: Es fácil que un artista crea más en sí mismo y se anime a enseñar su obra cuando percibe que está pasando algo en la industria en lo que puede intervenir.
‘Dua Lipa, Moreneta de Montjuic’. Este es el título de una canción inédita de vuestro nuevo disco. ¿Qué me podéis contar, por favor?
Marc: Antes de escribir canciones con cara y ojos para este disco nos salieron unas cuantas canciones horribles intentando imitar a Adrià Puntí o a Manel, y esta fue uno de esos experimentos. Inspirada por una peña que sale al Apolo, les cierra la discoteca y, como tienen ganas de after, se van a Montjuic de rave y coinciden con la grabación de un videoclip de Dua Lipa (nde: se refieren al vídeo de ‘Illusion‘), y están tan colocados que al verla la confunden con la Virgen. Creo que alguien tendría que desarrollar esta idea y convertirla en una obra de teatro o al menos en un corto (ríe).
¿Es un disco de homenajes a otras cosas?
Marc: Sí, pero jugamos con el público. En festivales hemos tocado ‘Et puc odiar molt més’ y la hemos fusionado con ‘Just Like Heaven’, porque comparten acordes, y solo una persona la ha reconocido.
Axel: Pensábamos que venía el momentazo del festival y… no.
Marc: Parece que el público de los festivales indie españoles ya no escucha la misma música que nosotros. Con lo que han generado Viva Suecia, Izal, Siloé, Shinova… con eso ya son autosuficientes. Ya no hace falta ir a buscar a The Cure ni a los Smiths.
Axel: Si hubiéramos tocado esa canción en los 90 la gente la habría ovacionado. Pero ahora hay mucha gente que no sabe qué es The Cure.
«Nuestra forma de entender la cultura catalana pasa por rechazar la idea de que la lengua determina nuestra identidad como cultura catalana»
¿Sois transparentes con vuestros referentes para compensar el uso del catalán?
Axel: Nosotros vamos con todo. Este cambio ha llegado cuando ha llegado, es una ñoñería pero es una decisión hecha con el corazón. No necesitamos hacer nada que compense el uso del catalán porque lo hacemos sin miedo. Somos conscientes de a lo que nos exponemos con este disco, sabemos que en Cataluña la recepción será diferente a fuera de sus fronteras, quizá por prejuicios. Pero sabemos que esto puede ocurrir y estamos convencidos de nuestra idea. Y nos emociona que, sabiendo cuál es la realidad, cuando tocamos fuera de Cataluña estamos aportando un pequeño grano de arena a la defensa del catalán en la cultura musical de este país, que no es solo Cataluña.
Alizzz criticaba en ‘Qué pasa nen‘ que no se le considerara cultura catalana porque cantara en español o en un catalán castellanizado. Lluís Llach decía: «Nadie te quita el derecho de sentirte catalán ni tampoco eso es un menosprecio a tu trabajo. Harás cultura catalana cuando utilices lengua catalana. Si utilizas la lengua castellana haces cultura castellana desde Cataluña, cosa legítima». ¿Qué opináis?
Axel: Nosotros hemos cantado en inglés y castellano. Muchas veces hemos sentido que no se nos ha reconocido como grupo catalán por cantar en otros idiomas. Nosotros nos entendemos como grupo catalán y en concreto barcelonés. No sonaríamos como sonamos si no hubiéramos crecido en Barcelona y veraneado en el Alt Empordà. Creo que poco a poco se ha entendido que Sidonie es un grupo catalán que hace música catalana, y que ahora además ha sacado un disco cantado en catalán. Pero nuestra forma de entender la cultura catalana pasa por rechazar la idea de que la lengua determina nuestra identidad como cultura catalana.
Marc: A un pintor no le preguntarías si hace cultura catalana o no, a Dalí o a Tàpies o a Miquel Barceló, porque no utilizan directamente una lengua, pero nadie cuestiona que sean cultura catalana.
A Rosalía le han caído palos por poner en ‘LUX‘ a la Escolanía de Montserrat a cantar en castellano.
Marc: No entiendo las hostias que le han caído, que tampoco serán tantas, pero Rosalía sí que es radiadora de cultura catalana a lo bestia.
Axel: Estas críticas estarán olvidadas en nada y lo que no se va a olvidar, no solo el disco sublime que ha hecho, sino su reivindicación de la cultura catalana.
¿Qué opináis del último disco de The Cure?
Marc: Nos encanta, es muy bueno. Me daba pereza escucharlo, pero el bajista de Los Punsetes, que no sé si sabéis quién es (nde: Luis Fernández, director de Sonido Muchacho y co-director general de Universal Music Spain), me dijo que «si no escuchas, estás muerto para mí».
Me suena que intentan recrear el sonido de sus discos de los ochenta.
Marc: Para mí bienvenido ese sonido. La última canción, ‘Endsong’, nunca he llorado más con una canción de The Cure que con esa canción.
¿Cuál es el mejor disco de los Beatles?
Todos: ‘Revolver’.
Jesús: Cuando entré a Sidonie lo hice tocando ‘Eleanor Rigby’.
«Los músicos vamos de flipaos cuando hacemos entrevistas y parece que seamos seres especiales, cuando somos proletariado»
Os inspira la fórmula de Brill Building. A nivel técnico, ¿qué hace estas canciones tan brillantes?
Marc: Los compositores y productores no iban de flipaos, iban a currar, se ponían traje y trabajaban de 9 a 5 en un despacho. ‘Be My Baby’, probablemente la mejor canción de la historia, se escribió así. Yo soy así, no me gusta el caos ni soy compositor de noche ni de drogas; lo he intentado pero no me ha funcionado. Me encanta el horario de oficina. Ir al Brill Building era mi trabajo soñado: eran matrimonios, el marido hacía la música y la mujer las letras, o al revés. Los músicos vamos de flipaos cuando hacemos entrevistas y parece que seamos seres especiales o tuviéramos un ángel, cuando somos proletariado.
¿Cómo fue telonear a los Rolling Stones?
Marc: Mick Jagger nos eligió para telonear a la banda, y habla con la promotora del concierto y manda un whatsapp de voz preguntando cómo se pronuncia el nombre del grupo. La promotora se lo explica y responde «vale, bien, es un nombre de chica francés, ¿no?» Antes del concierto nos avisan de esto, y ahí quedó la cosa. Se interesó por el nombre de la banda. Y la noche del concierto tocamos, lo vivimos todo como una niebla por las emociones que hacen que lo vivas sin ser consciente de que estás ahí. Acaba el concierto, empezamos a ver el conci de los Rolling Stones desde las gradas y de repente Mick Jagger agradece a «SIDONIE» -pronunciándolo perfectamente- por el concierto. Entonces entendimos por qué había preguntado a la promotora cómo pronunciar el nombre.
¿Cómo visteis al público de los Rolling Stones?
Marc: Cuando crucé la pasarela los fans se putearon, y nos cayó una buena bronca del equipo técnico porque estaba prohibido, pero nos dio igual.
Jesús: Ponía por todos lados «NO, NO, NO».
Marc: Hay fans muy frikis que van a todos los conciertos y nos miraban con cara de querer matarnos. Y, por cierto, Mick Jagger me regaló una púa.
Cometa, revitalistas del glam y el power rock de los 60 y 70, suman otro himno a su colección de clásicos perdidos en el tiempo. En ‘La era artificial’, la banda madrileña reflexiona sobre los tiempos que corren y el lugar que ocupan las canciones en un mundo que se queda «sin alma» y «sin corazón». Es la Canción del Día.
‘Fanfarria clandestina’, el debut discográfico del grupo, entró en nuestra lista de los Mejores Discos de 2024. En el primer single de su nueva etapa, Queen y Bowie siendo sus mayores referentes, pero el material también es igual de bueno.
‘La era artificial’ es una expansiva balada que parte desde unas notas de piano y culmina con coros, guitarras eléctricas a lo Brian May y la sensación de que el tema podría seguir creciendo eternamente.
En la letra, la banda se pregunta qué habrían pensado «los reyes del glam» de la era digital, en la que «preferimos vivir del instante antes que cantarle a la eternidad». En una época en la que la IA hace parecer que «las canciones se mueren» y que «todo da igual», Cometa dan importancia a las «baladas de amor» y a lo humano: «Cuesta imaginar que en 100 años o más no quedará nada real en la era artificial». El «la la la» final es el toque maestro que faltaba.
Como cada año desde 2022 publicamos las listas con la mejor música del año en formato físico. En esta ocasión, el Anuario 2025 puede adquirirse por adelantado en versión digital por 3,99€, mientras que la tirada impresa incorpora como novedad la encuadernación en tapa dura y comenzará a enviarse algo más tarde de lo habitual, a partir de enero, por 19,95€. Os recordamos que hay paquetes conjuntos de ambas ediciones con coste reducido de 20,95€.
En un año que ha empezado y terminado a lo grande, con lanzamientos de Bad Bunny y Rosalía, no es ninguna sorpresa que ambos ocupen lugares privilegiados en las dos listas. El top 10 de canciones los incluye en posiciones destacadas, y también se compone de éxitos del pop tanto nacionales (‘Malibu’) como internacionales (‘Abracadabra’). No olvidamos ‘Tengo un pensamiento’ de Amaia, que acaba de cumplir un año: la lista va del 1 de diciembre dal 30 de noviembre.
Sin olvidar temas publicados en los últimos meses del año, como ‘Where Is My Husband!’ de RAYE, la lista de canciones constata que 2025 ha sido un gran año musical no solo en el plano mainstream (Chappell Roan o Sabrina Carpenter figuran dentro del top 10), sino también en aquel que roza lo alternativo, con estrenos destacados de divas como FKA twigs, MARINA o Addison Rae, estrellas del indie como Turnstile o Blood Orange, y revelaciones de la talla de Barry B o Rochelle Jordan.
En 2025 hemos dado la bienvenida de nuevo a Robyn, Stereolab o Justin Bieber, hemos descubierto a Rose Gray, Nourished by Time o Dexter in the newsagent, hemos seguido siendo muy fans de Belén Aguilera, HAIM o Pulp, y hemos asistido al ascenso de Olivia Dean, Geese o Lola Young. Os recordamos que la edición física extiende la lista hasta 105 canciones.
Una librería pirata ha afirmado haber descargado 86 millones de canciones de Spotify, con planes de compartirlas en torrents, ha informado Billboard. Según el grupo, esto representa el 37% del catálogo de Spotify, pero el 99,6% de las reproducciones.
El primer torrent publicado contiene metadata (portadas, títulos y artistas) del 99,9% de las 256 millones de pistas de Spotify, y el grupo planea liberar los 300TB de archivos de música más adelante. Anna’s Archive -así se hace llamar- afirma que su objetivo es crear un archivo de preservación musical; en esta primera acción, ha priorizado las canciones más populares en Spotify.
Spotify, al tanto de las acciones de Anna’s Archive, ha suspendido cuentas que han participado en descargas ilegales e implementando nuevas medidas de seguridad para prevenir este tipo de ataques. Google ha afirmado haber eliminado recientemente 749 millones de enlaces a dominios de Anna’s Archive por reclamaciones de derechos de autor.
¿Pero qué es Anna’s Archive? Se trata de un motor de búsqueda de bibliotecas “shadow” (bibliotecas digitales no oficiales) de código abierto, creado por una persona que usa el seudónimo Anna, y surgido después de que las autoridades intentaran cerrar Z-Library en 2022.
El sitio recopila información de varias fuentes como Z-Library, Sci-Hub o Library Genesis (LibGen). Se describe a sí mismo como “la biblioteca verdaderamente abierta más grande en la historia de la humanidad”, y su objetivo es catalogar todos los libros existentes y facilitar que estén disponibles digitalmente para todo el mundo. Ahora, pretende extender esta misión a la música.
La canción que titula este disco describe a «una mujer de mil caras / Trabaja muy duro solo para que al final la aparten / ¿A quién le importa realmente cómo es ella? / Es curioso ser así / Para ser mujer debe asumirlo / “Elige un estilo elegante y lúcelo”’. Y si aceptamos la suposición de que como mínimo algo tendrá de autobiográfica, sus versos parecen retratar muy bien la personalidad multifacética de Celeste pero también sus dificultades (quizá también las de la coautora de la canción Hayley Gene Penner) para encajar en una industria que sigue tratando mal a las mujeres con una visión artística propia.
En noviembre Celeste explicaba al NME que el productor del disco -Jeff Bhasker- no le había dejado utilizar los arreglos orquestales de Robert Ames que habían grabado “por ser demasiado vanguardistas”. ¿Cómo habría sido ‘LUX’ si el sello de Rosalía no le hubiese dejado crear con libertad, o usar los arreglos nada convencionales de Caroline Shaw? Celeste no ha tenido esa suerte con su sello (Universal), y es importante contextualizarlo antes de pasar a analizar ‘Woman of Faces’.
Porque estamos ante un disco fabuloso, pero que quizá podría haber sido todavía más interesante y complejo. Lo primero que llama la atención al oírlo es lo diferente que es del single que Celeste lanzó a primeros de año, un tema de pop oscuro que sampleaba a Death In Vegas. Es algo que conecta una vez más con las múltiples caras de esta artista, capaz de ese tipo de piezas (de las que asegura en la entrevista que tiene un montón) y esta obra tan diferente, de tono sombrío y austero, instrumentada con cuerdas, piano y poco más. Con percusiones casi testimoniales (en la pieza inicial, ‘On With the Show’, y ya nada hasta el cierre del álbum) que convierten a la voz de Celeste en el elemento completamente central del disco. Si hay que buscar lo positivo de la controvertida producción de Jeff Bhasker, podría muy bien ser eso: a lo largo y ancho del disco el timbre y matices de Celeste se aprecian y degustan de manera cristalina y deliciosa.
Ocurre en los pasajes vocales más dramáticos y en los más delicados, y de ambos hay mucho aquí, porque compositivamente ‘Woman of Faces’ se enclava en la mejor tradición de la canción melódica francesa o italiana (y de su mejor adaptadora al mundo anglosajón, Dusty Springfield). Sin embargo algo tiene el timbre singular de Celeste -y cómo está producida la voz– que hace que el disco suene contemporáneo, y no algo forzadamente retro. En muchos momentos del disco no podía evitar pensar en si este era el tipo de canción que Duffy y Bernard Butler estaban intentando hacer en 2008 con ‘Rockferry’.
Y esa trascendencia del pastiche nostálgico debe también mucho a las letras: imaginativas y poéticas, y a la vez ancladas en la experiencia humana: es, a su manera, una revisión actual de cómo se escribía en la era dorada de la ‘chanson’ francesa. Por cada verso de fresca y misteriosa poesía (“Y la sinfonía sigue y sigue y sigue / En mausoleos hechos de nacimiento, ladrillos y canciones / Aquí es donde los recién nacidos parpadean”, en ‘On with the Show’) hay una frase mundana y directa con la que identificarse plenamente en las tribulaciones de la vida: “A veces las cosas van como quiero / otras se me escapan de entre los dedos / a veces, si me fijo bien, hay cosas buenas en mi vida” (‘Sometimes’) o “Si toda mi vida sin ti es un poema para que aprenda / entonces sin duda emergeré de una pieza” (‘Happening Again’).
No son ejemplos aislados: el disco es un festín para amantes de las letras, las cuales se conjugan a la perfección con una música exuberante, placentera sin ser complaciente, y el otro elemento crucial de estas nueve canciones: una andanada de melodías de lo mejor de este año. Piezas como ‘Keep Smiling’, o ‘Time Will Tell’ resuenan a clásicos preexistentes, y son sin duda recombinaciones de antiguas moléculas melódicas que cantó hace seis décadas quizá Mina, o Juliette Gréco, o Gene Pitney… pero logran el raro triunfo de no recordar a nada en particular (aunque ‘People Always Change’ fusila la tonada de ‘Merry Christmas, Mr Lawrence’ sin acreditarla, no así el motivo de piano que adaptan de Phillip Glass).
‘Happening Again’ es otra de las grandes melodías de este disco, y muestra algunos de los momentos más osados de los arreglos de cuerda de Rosie Danvers –de los que que sólo puede decirse que son excepcionales– imprimiendo un carácter único y orgánico que está en constante juego en confrontación y conjugación con la voz versátil –hipnótica– de Celeste. Voz que pasa con facilidad pasmosa del susurro al quejido, y de él a ese crujido como de saxofón viejo que impregna todo el disco y da vida a las letras. De tonos que revelan su ascendencia r&b pero mucho más su ADN como oyente adolescente de Ella Fitzgerald o Billie Holiday.
La cascada de cuerdas disonantes de la partitura de Danvers que suena intermitentemente en esa pieza muestra quizá lo que pudo haber sido el enfoque más atrevido de Robert Ames. Gotas de riesgo arreglístico que aparecen ocasionalmente en el disco, que por momentos recuerdan las portentosas orquestaciones de la arreglista trans Angela Morley para Scott Walker, y –como señalaba antes– que quizá apuntan a lo que el disco perdió de vanguardista, precisamente en este año de giros cruciales en esa dirección.
Hacia el final el nivel de melodías no baja lo más mínimo, incluso en esa ‘Sometimes’ que es más claramente Carol King-esca, pero que aporta arreglos novedosos con leves sintes de curioso timbre. A estas alturas del disco también te puede dar por pensar con cierta nostalgia amarga que este sería quizá el tipo de disco que Amy Winehouse podría haber estado haciendo en 2025.
El cierre de ‘Woman of Faces’ es inesperado: ‘Could Be Machine’ –una queja sobre la «agresividad sutil» del mundo digital– se sale súbitamente de los presupuestos estéticos del disco, con una base rítmica agresiva entre el dance y el thrash metal, y cantada mucho más r&b. Podría sonar fuera de lugar, y sin embargo produce una inesperada satisfacción para los oídos, como un estallido emocional de puro desahogo, cercano ya el final. Después del tono más reflexivo anterior cobra un extraño sentido en el arco narrativo del disco.
La culminación con ‘This is Who I Am’ vuelve al tono contemplativo original, pero recupera la batería, que en combinación con la orquestación muy cinematográfica y una secuencia de acordes descendente sitúa su fabulosa melodía en un contexto muy trip hop. Rodeada de ese seductor fondo musical, Celeste canta algo que suena a triunfo final (o esperanza) en la reivindicación de su identidad artística: “Manda los caballos blancos / Porque parece que he agotado éstos veleidosos juegos míos / He tenido suerte, porque sólo tú quizá puedes ver mi verdadero yo / Sólo tú puede decirles que yo soy así”.
Chimamanda Ngozi Adichie es una figura controvertida. Pero, claro, si eres una brillante intelectual africana de raza negra y familia rica, convertida en un icono del feminismo, cuyos discursos samplea 
Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída, además de guionista de cine y televisión. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente.
Uno de los libros del año. La nueva novela del alemán Daniel Kehlmann ha encabezado gran parte de las listas de lo mejor de 2025, entre ellas las del 
Seguimos con literatura en alemán. Gracias a la editorial H&O están llegando a España los libros del matemático y filólogo austriaco Clemens J. Setz, autor que en 2021, con apenas 38 años, recibió el galardón más importante de la literatura alemana: el Premio Georg Büchner.
Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Los ojos son la mejor parte’ (Seix Barral), de la coreana-californiana Monika Kim, es una mezcla enormemente eficaz de terror psicológico y gore oftalmológico (muy gráfico), atravesada por humor negro y una crítica sociopolítica centrada en los choques culturales y las luchas identitarias.
Ben Macintyre nunca decepciona. Con ‘El asedio’ (Crítica) vuelve a demostrar su asombrosa habilidad para combinar rigor documental con recursos narrativos propios del thriller. ‘
Celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, conocida por ser la editora de la revista literaria McSweeney’s Quarterly. Nominada al Booker, finalista del Pulitzer y, el espaldarazo definitivo para muchos: a 
Este año, la editorial Libros del Asteroide ha publicado dos debuts estupendos de autoras españolas, que además tienen más de un punto en común en cuanto a la temática: ‘Comerás flores’, de Lucía Solla Sobral, que estoy leyendo ahora mismo (y también recomiendo), y ‘El accidente’, de la periodista Blanca Lacasa, conocida por su ensayo ‘Las hijas horribles’ (Libros del KO, 2023) y por ser la vocalista del dúo 
Si no tienes el oído muy hecho al acento norteño, de Cantabria o 
Ariana Harwicz publicó su debut literario en 2012. Apenas tuvo lectores. Fue a partir de la reedición de 2017, impulsada por sus pocos pero entusiastas seguidores, cuando ‘Matate, amor’ (publicada este año por Anagrama) empezó a ganar visibilidad. Sin embargo, el verdadero reconocimiento internacional llegó con la traducción inglesa, ‘
