Guillo Rist era uno de los artistas más completos y prometedores de la pasada edición de OT, tanto por su ética de trabajo como por su desparpajo en el escenario. En su primer single fuera de la Academia, el artista catalán se sitúa entre el caos y el silencio con ‘MUTE’, uno de los temas más decentes de su promoción.
‘MUTE’ ya estaba dando que hablar antes de su lanzamiento, principalmente por los memes derivados de su portada. En esta, Guillo Rist intenta desprenderse del fondo blanco que ha plagado todos los lanzamientos de los concursantes más recientes de OT colocando su cara en primerísimo plano. El resultado, sin embargo, es innegablemente cómico.
Al margen de esto, la propuesta musical de Rist sí es seria. Siguiendo el estilo de BAJOCERO X, uno de sus claros referentes, ‘MUTE’ es una dramática canción situada de forma general en el urban, pero que tiene toques de techno, glitch y pop, por supuesto. La producción, a cargo de Scotty DK, es uno de sus puntos fuertes.
‘MUTE’ juega constantemente con los descansos, una de sus claves narrativas: «Me acojo al silencio», canta Rist en el estribillo. Es en esta parte de la canción en la que la música se reduce a un piano, para luego volver con todo tipo de ritmos, sintes y mucho bajo. En la parte final, el tema se convierte en todo lo contrario al silencio, con una mezcla envolvente a más no poder.
Una de las figuras detrás de la composición de ‘MUTE’ se trata de Yarea Guillén, a quien conocimos en 2022 a raíz de su debut, ‘Lombardía 22’. Esta firmó una colaboración con Dani Fernández este mismo año, ‘No dejaré de abrazarte’, que instantáneamente se convirtió en su mayor éxito.
La letra no está tan inspirada como el apartado musical, resultando algo genérica. El artista canta sobre sentirse «diminuto» y buscarse «en los espejos». Para él, el silencio es su lugar seguro: «No quiero que sepan lo que pienso / Que por dar ejemplo a veces miento / Que consejos buenos ya no tengo».
James Blake está de vuelta con su séptimo disco. Este se titula ‘Trying Times’ y estará disponible el próximo 13 de marzo. Hoy mismo ha lanzado su sólido primer adelanto, en el que el británico canta sobre la «muerte del amor» por encima de un lúgubre sample de ‘You Want It Darker’, la canción que anticipaba la muerte de Leonard Cohen.
«Hineni, Hineni / Estoy listo, mi Señor», cantaba Cohen en el tema de 2016. En este, el cantautor proclamaba estar listo para su fallecimiento dos meses antes de que ocurriese. Blake recicla en ‘Death of Love’ el sentimiento funerario de la canción de Cohen para reflexionar sobre unos tiempos en los que el amor no tiene tanto protagonismo. Sin embargo, al contrario que Leonard Cohen, no estamos preparados para desprendernos de ello.
Así, Blake lamenta «la muerte del amor» sobre un simple e hipnótico beat, ayudándose de su autotuneada voz. Se trata de otro flotante tema del británico, que con muy poco consigue entregar una pieza tan envolvente como pegadiza. La letra, por otro lado, da que pensar: «No sé como llegamos aquí», canta en las primeras líneas.
El artista parece estar aludiendo a toda la sociedad cuando cree posible que estemos «durmiendo» o «andando hacia la muerte del amor». Este describe un mundo en el que «todo se siente diferente» y en el que «la gente está perdiendo interés» en el amor: «Nunca ha parecido tan difícil / Decir lo que realmente piensas», asegura en el estribillo.
Tracklist:
1. Walk Out Music
2. Death Of Love
3. I Had A Dream She Took My Hand
4. Trying Times
5. Make Something Up
6. Didn’t Come To Argue (ft. Monica Martin)
7. Days Go By
8. Doesn’t Just Happen (ft. Dave)
9. Obsession
10. Rest Of Your Life
11. Through The High Wire
12. Feel It Again
13. Just A Little Higher
RAYE ha anunciado la llegada de su segundo álbum de estudio y avisa en su título de que será un proyecto esperanzador. ‘THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE’ saldrá a la venta el próximo 27 de marzo de 2026 con la monumental ‘WHERE IS MY HUSBAND!’ como lead single. Por el momento, podemos comentar su portada.
En esta, vemos a la artista británica sobre un fondo gris y deprimente, ataviada con un ostentoso vestido rojo, mientras tira de una cuerda para revelar el título del álbum. Nos recuerda directamente al concierto que dio el año pasado en Bilbao BBK Live.
JENESAISPOP estuvo presente y contó cómo RAYE tuvo que luchar contra -literalmente- los elementos durante su intervención: parones por la lluvia incesante, los rayos interfiriendo con el equipo, fallos del micro… Y aun así, la artista dio uno de los conciertos más memorables del festival.
La maestría de RAYE en el escenario llegará el próximo 13 de febrero al Palau Sant Jordi de Barcelona, como parte de la gira mundial de la británica, titulada ‘THIS TOUR MAY CONTAIN NEW MUSIC’. Las entradas ya están a la venta en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.
El día de hoy está marcado por la llegada de lo nuevo de Harry Styles, que encabeza nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend. También hay novedades de otros artistas interesantes como Jessie Ware, James Blake o Arctic Monkeys, con su primera canción desde hace 4 años.
El álbum más importante del día es el de Nacho Vegas y por eso ‘Vidas semipreciosas’ será nuestro Disco de la Semana. También hay álbumes de Lisasinson, Mika, Louis Tomlinson, Besmaya o Hens.
Otros artistas que tienen nuevo tema son Fred again.. junto a Young Thug, Cleo Sol, Courtney Barnett con Waxahatchee o Holly Humberstone. Atención al soul de Samm Henshaw, al baile de XG o al de Noah Baine. Los temas de Savages son unos inéditos de la edición de 10º aniversario de su pequeño clásico ‘Adore Life’.
Por otro lado muchos valores nacionales sacan álbum, como Yung Beef, Ana Mena, Blaya, mori con AMORE, Ronroneo con María Yfeu, Vangoura, Ladilla Rusa, Goa con Sticky M.A. o Guillo Rist de OT, que sorprende con una producción oscura.
Cambio radical en la carrera de Harry Styles. ‘Aperture’ no tiene nada que ver con el glam de ‘Sign of the Times’, ni con el funk sudoroso de ‘Watermelon Sugar’, ni con el synth-pop 80’s de ‘As It Was’. El primer single de ‘Kiss All the Time. Disco, Ocassionally’ es un claro punto y aparte y nuestra Canción del Día hoy.
Desarrollada en un entorno electrónico apto para el recogimiento, como tema electrónico ‘Aperture’ es más un single invernal que veraniego. Quizá por eso en la portada del álbum vemos una bola de espejos pero Harry está solo y el ambiente no es festivo. Podemos detectar elementos de house, pero también hay un góspel.
Aparentemente influida por Jamie XX, Caribou y Rüfüs du Sol, ‘Aperture’ en verdad está escrita sólo por Harry Styles junto a Kid Harpoon. Este es uno de sus autores de confianza, con quien desarrolló por ejemplo ‘As It Was’. Es decir, no se ha reunido con un productor nuevo para reinventarse, sino que ha querido hacerlo de mano únicamente de una persona de su entera confianza. Ni es una canción advenediza ni remotamente un producto de laboratorio: tiene alma.
El tema explica también por qué las imágenes de su gira de residencias ‘Together. Together’ está llena de besos de personas de diferente orientación sexual. «We belong together, it finally appears it’s only love» es el estribillo de la canción. Estamos ante una llamada «al amor» porque si no te «abres» no puedes dejar «entrar la luz».
Con más de 5 minutos de duración, las primeras quejas de la canción corresponden a su longevidad, y hay quien se pregunta si estamos tan sólo ante una «intro» al nuevo mundo de Harry Styles. Sin embargo, sería una «apertura» excitante, que nos hace querer escuchar entero ese ‘Kiss All the Time. Disco, Ocassionally’ que tendremos entre manos el próximo 6 de marzo.
Cuando está a punto de estrenar su nuevo single ‘Aperture’ esta noche, Harry Styles ha anunciado una extraña gira. ‘Together. Together 2026’ será más bien una residencia que pasará por muy pocas ciudades del mundo, a lo largo de varias noches.
A falta de confirmar más shows según los conciertos se vayan agotando, la gran beneficiada será Nueva York. En el Madison Square Garden, con aforo para unas 20.000 personas, Harry Styles hará 30 shows entre agosto y octubre de este año.
Antes de eso estará 6 noches en Ámsterdam, 6 en Londres, 2 en Brasil y 2 en México. Finalmente se irá a dos ciudades australianas a dar 2 conciertos en cada una (Sídney y Melbourne). Entre los teloneros, gente como Jamie XX y Robyn, y leyendas como Shania Twain.
Lo más parecido que podemos recordar a esta gira es la residencia que Adele hizo en Las Vegas, seguida de una residencia en Múnich. En estos shows, Harry Styles presenta su nuevo álbum ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, que parece que será más electrónico, a la venta el 6 de marzo.
El Britpop fue una cosa bien diferente según a quién le preguntes, si a un acérrimo de Oasis o a un defensor de Pulp, y Robbie Williams tiene igualmente su propia visión. Su primer disco de estudio en una década recibe tan arriesgado nombre como ese, ‘BRITPOP’, resultando paradójico lo poco «britpop» que suena de un primer vistazo. Por momentos, parecemos estar más bien ante el gran disco de rock de Robbie Williams.
En esa línea va uno de los singles principales, ‘Rocket‘, una colaboración con Tony Iommi de Black Sabbath, que de «pop» no tenían nada. ‘Jesse & Joy’, los colaboradores de la balada ‘Human’, son mexicanos. Luego hay un tema llamado ‘Morrissey’, quien fue mucho anterior a todo aquello, y que además suena nada menos que electropop. Para que nos entendamos, el ex líder de los Smiths aparece reverenciado en una canción que debería haberse llamado ‘Robyn’. Y ahí estamos hablando de Suecia, como otras veces podemos hacerlo de Estados Unidos, Alemania y Canadá porque Le Tigre, Chicks on Speed y Peaches parecen las referencias de ‘Bite Your Tongue’ o ‘You’.
Es cierto, también hay referencias que son muy British. En ‘Pretty Face’, una preciosa canción de amor, dice tantas veces «hello» que parece Liam Gallagher al principio de ‘Morning Glory’. Y las cuerdas de ‘It’s OK Until the Drugs Stop Working’ son las mismas que Bernard Butler habría trabajado en Suede o con Duffy, inspirándose en los clásicos de los años 60. También podríamos emparentarlas con ‘The Universal’ de Blur.
Estos dos son algunos de los mejores momentos de un álbum que da unos cuantos bandazos porque el artista nunca ha sido demasiado bueno redondeando conceptos. Robbie solo ha sido un gran conceptualista cuando aceptó que su estupendo biopic estuviera protagonizado por un mono. Y el mundo ni siquiera quiso enterarse. Así que ha vuelto a lo que mejor sabe hacer: grandes estribillos.
Porque sí, el 13º disco de Robbie Williams no tiene tanto un gran resultado conceptual como temas que apabullan. ‘Spies’ alimenta la parte rock, como también ‘All My Life’ o ‘Cocky’, con la co-autoría de Gaz Coombes de Supergrass. ‘Pocket Rocket’ cierra en plan balada, y en medio, el asunto «Morrissey» termina resultando bastante divertido: «me gusta el cantante, es un poco excéntrico, hizo una entrevista y lo que quiso decir fue «estoy perdido, me siento solo»». Por si no fuera suficientemente surrealista, Gary Barlow está acreditado, de todas las que hay, precisamente en esta canción.
Y es que a lo mejor lo que a Robbie Williams le importa de verdad es hablar de sus gustos, de sus traumas y de su vida, da igual el estilo. De hecho, abundan las referencias a sus clásicos, como ‘Angels’, en un disco que asegura que es el primero que quiso hacer cuando se fue de Take That en 1995. Fue un gran año para el ‘BRITPOP’ y que esto se llame ‘BRITPOP’ puede entenderse como algo deliberadamente pomposo -porque a Robbie Williams siempre le ha encantado la pompa-. O como algo mucho más sencillo después de todo. Es «pop británico»… after all.
El bueno de Charlie Puth tiene un nuevo disco preparado. ‘Whatever’s Clever!’ está programado para el próximo 27 de marzo. Si el año pasado revelaba la notable ‘Changes‘, ahora ha subido a plataformas la segunda pista de un álbum que aún no tiene tracklist pero del que sabemos que estará compuesto por 12 canciones.
‘Beat Yourself Up’ mejora incluso la apuesta de ‘Changes’ y es nuestra Canción del Día hoy.
‘Beat Yourself Up’ es una canción escrita y producida tan solo por dos personas: una es Charlie Puth y la otra es BloodPop, conocido por su trabajo con Grimes, Madonna y Lady Gaga. En este caso, estamos ante un funk lleno de groove setentero: atención al bajo y a la sección de vientos, que conducen el videoclip. El tema provoca lo que producía el mejor soul de la época, lo mismo que sugiere su título.
Más chicle aún, Puth nos habla de alguien que «desde pequeño, ha cargado con el peso del mundo». El segundo verso habla de cómo te sientes «a los 17» y «haces lo que te dicen», mientras que «a los 23» pareces ser «lo que has vendido». Por suerte ahí está su madre para recordarle que «algunas cosas valen más que el oro».
Os recordamos que Charlie Puth actuará en Madrid en el próximo Mad Cool y también en el barcelonés Barts Festival.
Este mediodía se han publicado las nominaciones a los Oscar. La española ‘Sirât‘ tenía el reto de trascender categorías y finalmente sí ha logrado dos nominaciones, tanto a Mejor Película en Habla No Inglesa, como se esperaba, como en cuanto a Mejor Sonido. Quizá porque no partirá como favorita, Oliver Laxe ya ha declarado que hay que «disfrutar el momento».
‘Los pecadores’, dirigida por Ryan Coogler, logra hasta 16 nominaciones, haciendo historia como la máxima nominada de los 98 años de los Oscar. Otra gran aspirante es ‘Frankestein‘, que consigue 9 candidaturas, pero Guillermo del Toro no logra colarse en la categoría de Mejor Director.
A mejor película, como es habitual en los últimos años, aspiran hasta 10 cintas: ‘Una batalla tras otra‘, ‘Hamnet’, ‘El agente secreto’, ‘Valor sentimental’, ‘Avatar’, ‘Los pecadores’, ‘Marty Supreme’, ‘Bugonia‘, ‘F1’, y ‘Sueños de trenes’.
En mejor canción encontramos a ‘Golden’ de las Kpop Demon Hunters, así como ‘Sweet Dreams of Joy’ de ‘Viva Verdi’, el tema ‘Train Dreams’ de Nick Cave y Bryce Dessner para la homónima ‘Sueños de trenes’ y ‘I lied to You’ de ‘Los pecadores’. Como es tradición, Diane Warren está nominada por ‘Dear Me’ para ‘Relentless’, aunque hay que recordar que jamás ha ganado.
Todos los nominados a los Oscar 2026
MEJOR PELÍCULA
Una batalla tras otra
Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Marty Supreme
El agente secreto
Valor sentimental
Los pecadores
Sueños de trenes
F1: La película
MEJOR DIRECCIÓN
Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra)
Chloé Zhao (Hamnet)
Josh Safdie (Marty Supreme)
Ryan Coogler (Los pecadores)
Joachim Trier (Valor sentimental)
MEJOR ACTRIZ
Jessie Buckley (Hamnet)
Emma Stone (Bugonia)
Kate Hudson (Song Sung Blue)
Renate Reinsve (Valor sentimental)
Rose Byrne (Si pudiera, te daría una patada)
MEJOR ACTOR
Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
Timothée Chalamet (Marty Supreme)
Michael B. Jordan (Los pecadores)
Ethan Hawke (Blue Moon)
Wagner Moura (El agente secreto)
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Teyana Taylor (Una batalla tras otra)
Amy Madigan (Weapons)
Elle Fanning (Valor sentimental)
Inga Ibsdotter Llilleaas (Valor sentimental)
Wunmi Mosaku (Los pecadores)
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Sean Penn (Una batalla tras otra)
Benicio Del Toro (Una batalla tras otra)
Jacob Elordi (Frankenstein)
Stellan Skarsgård (Valor sentimental)
Delroy Lindo (Los pecadores)
MEJOR CASTING
Una batalla tras otra
Hamnet
Marty Supreme
Los pecadores
El agente secreto
MEJOR GUION ORIGINAL
Los pecadores
Marty Supreme
Valor sentimental
Un simple accidente
Blue Moon
MEJOR GUION ADAPTADO
Una batalla tras otra
Hamnet
Frankenstein
Bugonia
Sueños de trenes
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
Valor sentimental (Noruega)
Agente secreto (Brasil)
Un simple accidente (Francia)
Sirāt (España)
La voz de Hind (Túnez)
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
Mr. Nobody contra Putin
Cutting Through Rocks
La vecina perfecta
The Alabama solution
Come See Me In The Good Light
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Arco
Las guerreras k-pop
Zootrópolis 2
Little Amélie
Elio
MEJOR MONTAJE
F1: La película
Una batalla tras otra
Marty Supreme
Los pecadores
Valor sentimental
MEJOR FOTOGRAFÍA
Los pecadores
Una batalla tras otra
Marty Supreme
Frankenstein
Sueños de trenes
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Frankenstein
Los pecadores
Hamnet
Marty supreme
Una batalla tras otra
MEJOR VESTUARIO
Avatar: Fuego y ceniza
Frankenstein
Los pecadores
Hamnet
Marty Supreme
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Frankenstein
Los pecadores
The Smashing Machine
Kokuho
La hermanastra fea
MEJOR MÚSICA
Bugonia
Los pecadores
Una batalla tras otra
Frankenstein
Hamnet
MEJOR SONIDO
F1: La película
Los pecadores
Una batalla tras otra
Frankenstein
Sirāt
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
«Golden» (Las guerreras k-pop)
«I lied to you» (Los pecadores)
«Train Dreams” (Sueños de trenes)
“Dear Me” (Diane Warren: Relentless)
Sweet dreams of Joy (Viva Verdi)
MEJORES EFECTOS VISUALES
Avatar: Fuego y ceniza
Los pecadores
F1: La película
Jurassic World: El renacer
Laberinto en llamas
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Butcher’s Stain
A Friend of Dorothy
Jane Austen’s Period Drama
The Singers
Dos personas intercambiando saliva
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
Butterfly
Forevergreen
The Girl Who Cried Pearls
Retirement Plan
The Three Sisters
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Todas las habitaciones vacías
Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
Children No More: Were and Are Gone
The Devil Is Busy
Perfectly a Strangeness
11 años después, Hilary Duff está preparada para lanzar un nuevo álbum. La cantante y actriz estadounidense no se ha roto la cabeza con sus adelantos. Mientras que ‘Mature’ fue un pop rock facilón sobre ver a un ex con una chica más joven que tú -muy ‘La sustancia’-, ‘Roommates’ es directamente cualquier canción de la Taylor Swift más pop. Eso sí, su talento como letrista no lo ha podido replicar.
«‘Roommates’ es una canción que habla de cuando la vida es la vida», cuenta Duff. «Es ese anhelo por una época más salvaje y libre, antes de que los días fuesen consumidos por vehículos compartidos, presupuestos, viajes al supermercado y viejas o nuevas inseguridades», remata. En papel suena muy bonito, pero la canción es tan profunda como una bio de Instagram.
Hilary canta sobre querer volver a los inicios de una relación que se ha vuelto un poco aburrida («No puedo mencionarlo sin causar un trauma a tu ego»). A esos momentos en los que la chispa brillaba con fuerza y un simple apretón de manos provocaba «mariposas». Sin embargo, la reflexión que hace Duff es que echa de menos follar más: «Detrás del bar, chupándotela / Llegar tarde a casa y despertar a tus compañeros de piso», canta en el estribillo.
Nada de malo en esto, faltaría más. El problema es cómo la letra trata el tema, como si la hubiera escrito una persona adolescente, y no alguien adulto: «La vida está ‘videando’ y la presión me está presionando», por ejemplo. Al final del estribillo hay un intento de reflexión confesional, pero acaba provocando un pelín de cringe: «Me estoy tocando mirando porno / Porque tú ya no me miras».
La música es innegablemente pegadiza, eso sí, pero es imposible no pensar en la Taylor Swift de ‘1989’, tanto por la producción como por la melodía elegida. Si ignoras completamente la letra, no está mal del todo. ‘Roommates’ será parte de ‘luck… or something’, el nuevo disco de Hilary Duff. Este estará disponible el próximo 20 de febrero.
Flea, icónico bajista de Red Hot Chili Peppers, está en medio del rollout de su esperado álbum debut, titulado ‘HONORA’. Poco o nada se parece a la música de su grupo, regresando a sus orígenes como trompetista de jazz a lo largo de 10 pistas que incluyen ‘A Plea’, el chocante primer single, y ‘Traffic Lights’, su brillante colaboración con Thom Yorke.
‘HONORA’, disponible el próximo 27 de marzo, apunta a ser uno de los discos más singulares del año y no solo por la deriva musical de Flea, sino por la gran calidad de los temas. ‘A Plea’ llamaba a la unión de la humanidad sobre una emocionante instrumentación de jazz. ‘Traffic Lights’, por otro lado, es críptica, sutil y sumamente abstracta. Perfecta para la voz de Thom Yorke.
Este no tarda demasiado en aparecer en la canción con frases tan difíciles de descifrar como «el todo o solo una parte» o «llámanos cuando estés harto». Es lo de menos, porque la atmósfera creada es lo que vende totalmente la canción. Esta no tiene grandes sobresaltos, ni una exagerada diferenciación de sus partes. Simplemente fluye, y da la sensación de que podría hacerlo durante mucho más que sus casi 6 minutos de duración.
‘Traffic Lights’ también representa un regreso parcial de Atoms for Peace, con Mauro Refosco participando en la percusión de la pieza. «Algo de ella me recordó a Atoms for Peace y se la mandé a Thom», cuenta Flea sobre la colaboración del vocalista de Radiohead.
‘HONORA’, compuesto en su totalidad por Flea, incluirá seis temas originales y cuatro versiones, entre las que se encuentran ‘Thinkin Bout You’ (Frank Ocean), ‘Maggot Brain’ (Funkadelic), ‘Wichita Lineman’ (escrita por Jimmy Webb) y ‘Willow Weep For Me’ (escrita por Ann Ronnell).
Tracklist:
Golden Wingship
A Plea
Traffic Lights
Frailed
Morning Cry
Maggot Brain
Wichita Lineman
Thinkin Bout You
Willow Weep for Me
Free As I Want to Be
Meghan Trainor ha dado la bienvenida a su tercera hija «gracias a nuestra increíble, supermujer gestante». La cantante ha dado la noticia a través de su cuenta de Instagram, junto a una serie de fotos con el bebé en brazos: «Siempre agradeceremos a todos los médicos, enfermeras y equipos que han hecho este sueño realidad», ha escrito.
La cantante ha escrito un comunicado junto a la publicación en el que asegura que ella y su pareja, el acto Daryl Sabara, tuvieron «infinitas conversaciones con nuestros doctores durante este viaje y esta era la manera más segura para poder continuar aumentando nuestra familia». La fotografía que ilustra el post muestra a la cantante emocionada, y desnuda, en lo que parece ser una cama de hospital.
«Estamos en la luna, enamorados de esta preciosa niña», continúa Trainor. Esta termina el mensaje diciendo que ha dejado que sus dos hijos, Riley y Barry, elijan el segundo nombre de la niña: «Ahora vamos a disfrutar de este preciado tiempo en familia», concluye.
Las Stories del cantante comienzan con un comunicado: «Ante la negativa de la Fiscalía de España a permitirme ejercer mi defensa en el procedimiento y a propiciarme acceso formal a la denuncia, me veo obligado a pronunciarme públicamente», comienza. Este describe Instagram como «el único medio que me permite ejercer legítimamente mi derecho a la defensa y dejar constancia de la absoluta falsedad de los hechos denunciados».
La siguiente sucesión de Stories consiste en una serie de capturas de pantalla que supuestamente estarían mostrando conversaciones de WhatsApp entre el acusado y sus exempleadas, tanto durante el tiempo que estaban trabajando con él como después, tal y como se deduce de la última captura.
Recordemos que las mujeres que denunciaron los abusos de Iglesias en la investigación de elDiario.es y Univision Noticias habían usado pseudónimos. En las capturas del cantante este aparece teniendo conversaciones, unilaterales sobre todo, con contactos nombrados como Stephany Abreu, Stephany Low y María Alejandra Feliz.
Iglesias asegura que estas capturas evidencian «la incoherencia de las denuncias y la manipulación mediática» que dice estar viviendo: «Las comunicaciones después de irse demuestran que la información difundida carece de veracidad», ha escrito.
Estos mensajes comienzan con Abreu, supuestamente la fisioterapeuta que habría denunciado al cantante, deseándole las buenas noches: «Te quiero mucho y si necesitas algo de mi aquí estoy a tu entera disposición, gracias por tu paciencia y tus enseñanzas del día de hoy, todos los días a tu lado son valiosos para mí porque aprendo un poco más». Los mensajes están fechados a 20 de abril de 2021.
Los siguientes mensajes de Stephany siguen la misma línea, hasta que en septiembre de 2022 esta ya no aparece como «Stephany Abreu», sino como «Stephany Low». Esta le felicita el cumpleaños: «Siempre te recuerdo, con cariño. Atte: Stephany Abreu, tu fisioterapeuta por siempre».
En la última captura, la persona identificada como María Alejandra Feliz, la supuesta segunda denunciante, le envía un mensaje a quien parece ser una de las jefas del personal de la mansión: «Me gustaría desearle feliz año nuevo al señor, pero de seguro no quiere saber de mí…».
Esto de Julio Iglesias es una pataleta de una persona a la que nunca se ha cuestionado. Que haya o no mensajes no invalida ni hace que las situaciones denunciadas no se hayan producido pic.twitter.com/vqQcWTIcQ7
🗣️🎶 “Todo tienen un límite”: Julio Iglesias denuncia que Fiscalía de España no le da acceso a la denuncia en su contra y exhibe supuestos chats de WhatsApp con las mujeres que lo acusan de presuntas agresiones sexuales
‘Talk to Me’ se alza como el 6º tema de Robyn que logra ser número 1 en JENESAISPOP. Después de que ‘Dopamine’ quedara atascado en el top 3 por detrás de 2 canciones de Rosalía, su nueva apuesta, o ha convencido más, o se beneficia de no haber tenido tan feroz competencia. Los anteriores números 1 de Robyn en JENESAISPOP han sido ‘The Girl & The Robot’ con Röyksopp, ‘Indestructible’, ‘Do it Again’ con Röyksopp, ‘Monument’ con Röyksopp y ‘Missin U’. Curiosamente, ‘Dancing On My Own’ solo logró llegar a ser la 18ª canción más votada de la semana a mediados de mayo de 2010, cuando el top 1 eran cosas como Hot Chip o Triángulo de Amor Bizarro.
Pitchfork ha dado un giro completo a su modelo de negocio. Por primera vez en 30 años, el medio estadounidense ha lanzado una suscripción de 5 euros mensuales. No solo para poder ver las reseñas (de forma gratuita solo podrás leer 2 cada mes), sino también para poder escribir tu propia crítica. Al mismo tiempo, han hecho público el criterio que han seguido durante todos estos años.
Lo que empezó como un medio totalmente independiente, hoy en día es propiedad de Condé Nast (Vanity Fair, Vogue, GQ…). Es por esto que su reciente deriva comercial contrasta fuertemente con los inicios de la web, en los que no existía ningún tipo de caja de comentarios porque, simple y llanamente, a nadie le importaba. Lo importante era la nota y opinión del medio.
Debido a los tiempos que corren, con la irrupción de tecnologías como la IA, es cada vez más complicado tener un público fiel. La solución de Pitchfork es crear comunidad. ¿La mejor forma para ello? Pues permitir la interacción de los lectores, que ahora también pueden hacer que su opinión cuente a través de la ‘Audience Score’.
Por esto mismo, Pitchfork ha revelado los criterios supuestamente utilizados para sus tan comentadas puntuaciones. Por supuesto que los suscriptores del medio pondrán la nota que les parezca de acuerdo a sus propios criterios, pero el ejercicio de transparencia es, sin duda, divertido. A continuación, un repaso del criterio de Pitchfork y los discos que cuadran en él.
10 – 5: Discos «buenos»
10: «Una obra maestra, uno de los mejores discos de la historia»
Naturalmente, una nota tan redonda solo está reservada para lo mejor de lo mejor. Es también un ejercicio de predicción, ya que el 10 está reservado para aquellos proyectos que serán «cultural y estéticamente importantes dentro de muchos años, de alguna manera».
Aquí entran clasicazos como ‘Animals’ de Pink Floyd, ‘London Calling’ de The Clash o ‘1999’ de Prince. Otros, sin embargo, no son tan obvios: ‘Homogenic’ de Björk, ‘In The Aeroplane Over The Sea’ de Neutral Milk Hotel o ‘Fetch The Bolt Cutters’ de Fiona Apple, el disco más reciente en recibir un 10, también cuentan con esta puntuación.
9-1 – 9.9: «Un monumento, un clásico instantáneo»
Este puesto está dedicado para aquellos discos que suenen «adelantados a su tiempo», «atemporales» y que «inmediatamente pasen a formar parte del canon». ‘Eusexua’ de FKA Twigs, ‘Diamond Jubilee’ de Cindy Lee, ‘In Rainbows’ de Radiohead y ‘Norman Fucking Rockwell’ de Lana del Rey entran en la categoría.
El único disco de toda la historia de Pitchfork en conseguir una nota de 9.9 es ‘The Complete Motown Singles, Vol. 7: 1967’. Eso de «géneros enteros podrían ser creados con su estela» ahora tiene un poco más de sentido.
8.6 – 9.0: «Una gran declaración, merecedora de tu tiempo y energía, sin importar tu gusto»
Pitchfork asegura que un disco de estas características debe «trascender géneros, reclamar nuevo terreno» y ser una «obra de arte total e intencional». Es aquí donde entran dos discos de Rosalía: ‘El Mal Querer’, siendo el mejor valorado en la plataforma con un 8.8, y ‘LUX’, el más reciente.
Estos proyectos deben «poseer un aura que los convierte en vitales para su género, época o para la carrera del artista». Discos como ‘BRAT’, ‘The Life of Pablo’, ‘Blonde’ y ‘Debí Tirar Más Fotos’ cuadran bastante bien con esta descripción.
8.0 – 8.5: «Escucha esencial, entre los mejores discos del año»
Esta es una de las franjas en las que más discos han entrado en la historia de la plataforma, desde los primeros lanzamientos de Bad Bunny o los últimos de The 1975 hasta ‘Folklore’ de Taylor Swift o ‘MOTOMAMI’.
La descripción apunta a una «maestría del oficio», «parte del zeitgeist» y a «tomar grandes riesgos». ‘MAYHEM’ de Lady Gaga, el debut de Addison Rae, ‘Blackout’ de Britney y ‘Ray Of Light’ de Madonna son algunos de los discos que podemos encontrar por aquí.
7.6 – 7.9: «Excelente disco, altamente recomendado»
En esta pequeña sección, Pitchfork apuesta por una gran descripción que incluye a los «mejores de la clase» de cada género y aquellos discos que «no tienen ninguna canción mala». Palabras mayores. ‘Fever’ de Kylie Minogue, al igual que ‘The Fame Monster’ y ‘Born This Way’ de Lady Gaga, entran en esta categoría.
7.0 – 7.5: «Muy buen disco, recomendado»
Según Pitchfork, discos como ‘Suck It And See’ de Arctic Monkeys, ‘Eternal sunshine’ de Ariana Grande o ‘Ye’ de Kanye West no tienen ningún momento «soso». Otros, como el primer disco de Billie Eilish, ‘American Idiot’ de Green Day o ‘Midnights’ de Taylor Swift o bien «van demasiado a lo seguro y lo ejecutan todo muy bien» o «toman algunos riesgos pero no consiguen que quede redondo».
6.6 – 6.9: «Buen disco, con algunos problemas, pero merecedor de tu atención si te gusta el artista o el género»
Reservado para aquellos discos que «empiezan fuertes y se van desinflando» o que «incluyen algunas canciones que no dicen nada a la vez que tiene un puñado de momentos destacables».
Una de las elecciones más polémicas para esta categoría será, sin duda, el último disco de Billie Eilish, ‘HIT ME HARD AND SOFT’. También entran ‘The Tortured Poets Department’, ‘Teenage Dream’ de Katy Perry, ‘Demon Days’ de Gorillaz o ‘Starboy’ de The Weeknd.
6.0 – 6.5: «Bastante bueno, no genial, con algunos problemas inevitables, pero interesante»
Parece ser la categoría reservada para los fans del artista o del género. Es por eso que algunos discos que han entrado aquí de forma razonable son ‘Reputation’ de Taylor, ‘Fine Line’ de Harry Styles, ‘Kiss Land’ de The Weeknd o el segundo disco de The 1975. Otros como ‘Rodeo’ de Travis Scott, ampliamente influyente en el trap estadounidense, chocan un poco más.
5.6 – 5.9: «Decente»
Estos discos tienen «algunas cosas a su favor, pero un puñado de problemas empañan la experiencia». ‘The Life of a Showgirl’ de Taylor, ‘Some Sexy Songs 4 U’ de Drake o ‘Utopia’ de Travis Scott cuadran bastante bien con la descripción del medio.
5 – 0: Discos «malos»
5.0 – 5.5: «No muy bueno, pero tampoco un desastre total»
Aquí ya entramos en el territorio de los discos directamente malos. No sorprende nada ver por aquí el disco de colaboraciones de Ed Sheeran, ‘Funk Wav Bounces Vol. II’ de Calvin Harris o ‘SWAG II’ de Justin Bieber. Sin embargo, también entraría ‘Born To Die’, el debut de Lana del Rey. A mucha gente esto no le sentará nada bien.
4.0 – 4.9: «Bastante malo»
El último lanzamiento de Tame Impala entra aquí, pese a que todos sus discos anteriores habrían cuadrado con las mejores franjas.’Currents’, con un 9.3, sería el disco mejor valorado del australiano. ‘Deadbeat’, por otro lado, no ha corrido la misma suerte.
Otros discos que entran aquí, y que no hacen levantar ninguna ceja, son ‘143’ de Katy Perry, ‘Play’ de Ed Sheeran’, ‘Changes’ de Justin Bieber o ’21st Century Breakdown’ de Green Day.
3.0 – 3.9: «Muy malo»
Los discos de esta franja son tan «incompotentes» que hasta cuesta encontrarlos, por suerte. El disco en vivo de Green Day en su era de ‘American Idiot’, titulado ‘Bullet In A Bible’ sería uno de ellos. Otros que hemos podido encontrar son ‘Love Is Hell, Pts. 1 & 2’ de Ryan Adams o ‘If the Ocean Gets Rough’ de Willy Mason.
2.0 – 2.9: «Terrible»
Ed Sheeran es un artista odiado y querido a partes iguales, y desde luego que nadie consideraría ninguno de sus proyectos una obra maestra, pero incluir ‘Divide’ en esta categoría parece excesivo. Es el mismo LP que tiene una de las canciones más exitosas de la historia. ‘Shape Of You’, obviamente. Sin embargo, que también esté aquí el último disco de Lil Wayne sí tiene bastante sentido.
1.0 – 1.9: «Sintomático de algún problema más grande en la música o el mundo»
No puedo decir nada en relación a la descripción con discos como ‘Dust’ de Muggs o ‘Mirror Eye’ de Psychic Ills, porque para eso los tendría que haber escuchado. Sin embargo, la inclusión de ‘Anthem of the Peaceful Army’ de Greta Van Fleet es una de las que más sentido han tenido en toda esta lista.
0.0 – 0.9: «Ningún valor»
Si dijese que conozco alguno de los discos incluidos en esta categoría estaría mintiendo descaradamente. ¿Qué es ‘Feel No Fade’ de Push Kings? ¿Y ‘Uterus And Fire’ de Old Time Relijun? ¿Cómo se va a llamar un disco «útero y fuego»? Hay grandes artistas, como John Frusciante y Sonic Youth, que pueden fardar de tener un disco con un 0 en Pitchfork.
Carlangas ha reclutado a Leiva para el primer adelanto de su próximo disco. El artista gallego, exmiembro de Novedades Carminha, ha empezado a preparar el camino para el sucesor de ‘Carlangas’ y ‘Bailódromo, Vol. 1’ con un reconfortante rock ‘n’ roll en el que la Ley de Murphy es protagonista. ‘Podría ser peor’ es la Canción del Día.
Cuando piensas que todo va mal, ¿no te hace sentir mejor saber que todo podría ir peor? Esta es la máxima desde la que parte Carlangas en los versos, en los que describe sus desdichas. Desde tenerlo todo para nada hasta plantearse la mudanza a «sitios absurdos»: «Mil excusas para no verte, diploma olímpico en autoboicot», canta.
Leiva le sigue el juego en el segundo verso, que se lo queda para él completamente, con frases como «lo dejo todo si me dices ven» o «aquí acabé y no sé ni cómo». Al final, resume la canción justo antes de entrar en el estribillo, elevado gracias a unas esperanzadoras trompetas: «Quiero tenerte a mi lado siempre / Estuvo mal, podría ser peor».
El videoclip, dirigido por Natalia Ferviú, le encuentra un segundo significado a la canción de la forma más divertida. Intentemos no perdernos en la queja cuando pasa algo que no nos conviene, como un horrible corte de pelo. Carlangas, con la cabeza y la barba llenas de espuma de afeitar, se señala a sí mismo mientras da la lección: «Podría ser peor».
Kim Petras está en problemas. La artista alemana ha publicado una serie de tweets en los que explica la situación actual con su sello, Republic Records, con quien lleva trabajando desde 2021. Asegura que está «cansada de no tener control sobre mi vida o mi carrera» y, según indica, habría pedido la salida de su discográfica.
Ya en 2022, Petras también vivió un caso de secuestro discográfico que se trasladó a las redes: «He escrito canciones como para llenar tres discos. He llorado durante meses sin parar. Intento no tirar la toalla». Ahora, la cantante asegura que su disco «lleva hecho 6 meses», pero su sello se niega a dar una fecha de salida o a «pagar a mis colaboradores por su trabajo».
«Quiero continuar autofinanciando mi propia música. Es por ello que he pedido formalmente que Republic Records me eche», ha publicado en X. La mismísima Kesha ha respondido a este tweet compartiendo su propia experiencia: «Me he pasado muchos años luchando por mis derechos».
Esta describe la situación como una «tragedia que tenemos que parar de repetir» y asegura que «ver a otra mujer darse cuenta de que la ‘jaula de oro’ sigue siendo una jaula no es una victoria».
En unos mensajes posteriores, la artista argumenta que ganó un Grammy hace 2 años (Mejor Interpretación de pop de dúo/grupo por ‘Unholy’), que su música es «TEA» y que aun así no consigue apoyo: «Si no es una trend de TikTok o un revival de los 80 con queerbaiting a estos sellos no les interesa», asegura.
My album has been done for 6 months but my record label has refused to give me a release date or pay my collaborator’s for the work they’ve done
I’m tired of having no control over my own life or career. I want to continue to self fund and self curate my own music. This is why I have formally requested to be dropped by @RepublicRecords
I won a grammy 2 years ago…….. the music is TEA. Still no support . If it’s not a tiktok trend or 80s revival queerbaiting shit these labels have no interest in supporting.
I spent many years fighting for the rights to myself. Watching another woman realize that the 'golden cage' is still a cage isn’t a victory—it’s a tragedy we have to stop repeating. Freedom isn’t a privilege; it’s a birthright. I hear you, I’m sorry Kim.
Después de varios retrasos, a finales de octubre veía la luz ‘Soulost’, el nuevo disco de Alice Wonder. Un trabajo conceptual que narra el viaje de iLa, un personaje que parte en busca de una estrella, recorriendo un abanico de emociones que Alicia Climent Barriuso transforma en canciones de estilos diversos: en el álbum conviven sonidos de pop electrónico, glam, house, grunge o hasta góspel, pero todos hilados a través de una historia narrativa con principio, nudo y desenlace.
Alice Wonder presentará ‘Soulost’ el 24 de enero en Madrid, dentro del ciclo de Inverfest. Durante una reciente entrevista, nos cuenta que cerrar la grabación de ‘Soulost’ no ha sido fácil, y comenta sorprendida el nuevo Benidorm Fest.
El año pasado me contabas que tenías el disco listo, pero tardó unos cuantos meses más en salir. ¿Qué pasó?
En abril pensaba que lo tenía todo atado, pero me fui dando cuenta de que quedaban cosas, y las he estado trabajando.
Algunos temas que comentabas están, como «Traición». ¿Has añadido temas, quitado o trabajado más la producción?
Los episodios estaban claros al final. Han entrado y salido temas; hay canciones que decidí no acabar porque el disco no lo pedía. «La droga más suave del mundo» la trabajé hasta casi el último día.
¿Qué transmite el título de ‘Soulost’?
Lo tenía de estado de WhatsApp; me daba “SoundCloud vibes”. Es un título que llevo años guardando. Cuando empecé a hacer el disco, pensé que quería titularlo así, porque si no, ya no volvería a hacer un disco con un título tan “teenager”. Teenager profundo, quiero decir, en plan alma perdida.
¿Entiendes este disco como una obra que tiene una sensibilidad adolescente?
Para mí es el paso de la adolescencia hacia la madurez, hacia una madurez consciente.
Durante la creación del disco te sentiste perdida. ¿El disco refleja el momento en que te encuentras ahora o es algo del pasado?
Es reflejo de mi momento actual. He estado muy perdida haciéndolo; he sentido caos.
¿Qué fue tan caótico?
Con la mezcla tuve muchos problemas; probé seis mezcladores diferentes. El disco se retrasó porque literalmente no sonaba bien. Las canciones tienen que sonar bien y convivir con el resto del disco. Por otro lado, lo empecé en Italia, pero lo he acabado en España, sola. Y ahí tuve momentos de agonía, pensando que no sería capaz de terminarlo sola. He grabado mucho sola por primera vez, deseando que fuera suficiente, pero con mucha presión.
Mr. Monkey, el productor italiano, entra al principio del disco. ¿Pero sale de la grabación?
No sale, pero él está en Italia. Yo tenía algunas peticiones de cambio que, al final de tanto proceso, él ya no cede. Me da sus consejos desde allí, y la presión me lleva a acabar el disco sola, como una niña que copia los deberes de otra persona.
«Este disco es el paso de la adolescencia hacia la madurez, hacia una madurez consciente»
Las canciones están ordenadas por fases emocionales. ¿Ha habido un esfuerzo por que tengan sentido dentro de la secuencia musical?
Sí. Para la producción del disco tenía una guía de los episodios y las emociones, y por eso los colores se iban con la emoción de la canción. Son emociones: unas más caóticas, más misteriosas, más bucólicas, más enfadadas… Las emociones inspiraron la producción. Así diseñamos un renacer, una caída a los infiernos, un momento más monótono…
«No sé si es un disco fácil o complicado de digerir»
En «El despertar» hay un momento góspel. Coméntame este tema, ¿cómo acabas los arreglos?
Es mi canción favorita del disco. Es súper especial porque desde que la compuse sabía que quería meterle un coro grande, y eso ya era un reto que nunca había hecho. Además, me imaginaba una producción bastante clara, que se fue desarrollando mientras la producía. Esta es la única que hice yo sola al completo. El personaje de ‘Soulost’ se pasa todo el disco buscando una estrella, y la canción narra el momento en que la encuentra.
¿Qué reacción esperas de la gente?
Yo pensaba que era un disco más fácil de lo que ahora creo que es. Son canciones ligeras, pero no sé si es un disco fácil o complicado de digerir.
¿Te refieres a que es inaccesible?
No son canciones de toda la vida, grabadas al uso. Es una propuesta bastante creativa que puede encajar con alguien o no. A mí me gusta mucho.
¿No esperas que conecte con la gente de forma masiva?
Tengo la intuición de que puede conectar, pero a la vez me sorprendería que eso ocurriera. Me parece que es suficientemente masticable para un oyente mainstream, pero también suficientemente misterioso para un perfil más nicho.
Hablando de la mezcla, ¿estudias las mezclas de canciones que están en playlists, por ejemplo? ¿Qué tipo de mezcla funciona en playlists o radio, o te da igual?
No escucho playlists. En mi cabeza, las canciones de este disco son súper de playlists, pero quizá de géneros diferentes. La mezcla del disco está hecha intentando que sea lo mejor para la canción.
¿Disfrutas más de grabar un disco o de subirte al escenario?
El momento de creación lo disfruto mucho, pero tocar las canciones en vivo para mí es como volver a nacer; les das una segunda vida. Una cosa es hacer ropa y otra verla puesta en alguien: ahí es donde cobra vida. Cerrar las canciones puede ser un coñazo, pero tocarlas en directo es la parte disfrutona.
«Por respeto al pueblo palestino, tener lo mínimo que ver con un país que está haciendo esto es lo mínimo»
¿Qué tipo de directo preparas? ¿Será igual de conceptual que el disco?
Voy con banda, pero quiero hacer algo narrativo y teatral, sin que se vaya demasiado de madre. Me apetece llevar el viaje inmersivo del disco al show, que sea un viaje real por las aristas del alma.
Hace poco se viralizó una entrevista donde hablabas de tu no binarismo. Te preguntan mucho, no hay tantos referentes públicos en España que se reconozcan como no binarios. ¿Cómo llevas que te pregunten tanto?
Me pilla de sorpresa, pero veo normal que me pregunten, porque tengo una estética muy non-binary y no hay tantos referentes.
¿Qué opinas de que RTVE haya abandonado Eurovisión por el tema de Israel?
Me parece bien. Dice mucho de este país no ir a Eurovisión, y es un honor que hayan tomado esa decisión. El pueblo israelí no tiene culpa, pero ir ahí y hacer como si nada sería la actitud más falsa que se puede tener ante la situación actual. Por respeto al pueblo palestino, tener lo mínimo que ver con un país que está haciendo esto es lo mínimo.
«Dice mucho de este país no ir a Eurovisión»
¿Qué opinas de que se dé un premio de 150.000 euros?
¿Al que gane? ¿En serio?
Sí, y un viaje a Miami.
Me parece muy fuerte. Pues enhorabuena al que gane, yo no tenía ni idea. Estoy flipando, me dejas a cuadros.
No sabía que era tan importante ir a Miami en 2026, pero esa es la situación.
Pues… a Miami. ¡Hay muy buenos productores ahí!
Este mes se ha cumplido el 10º aniversario de la muerte de David Bowie. También de su último disco, que salió tan solo dos días antes de su deceso. Aquel ‘Blackstar‘ fue uno de los álbumes mejor considerados de 2016 y además uno de los más vendidos, despachando 2 millones de copias. Sin embargo, no es tan común que los artistas de hoy en día citen aquel trabajo concreto de Bowie como un personal favorito, ni que el público lo recuerde especialmente. Hasta el punto de que ninguna canción de los dos espléndidos y últimos trabajos del artista aparecen entre sus temas más escuchados en Spotify ni en Apple Music. Por eso, dedicamos el nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO a poner en valor ‘Blackstar’. Como sabéis, ya realizamos otro podcast sobre los 10 mejores álbumes de Bowie hace 4 años y aún podéis escuchar ese otro episodio en ivoox.
Para renovar el discurso y evitar los lugares comunes invitamos al periodista Noel Ceballos (GQ, Los Hermanos Podcast), que recientemente ha destacado en redes ‘Blackstar’ como uno de los discos fundamentales de su vida. Ceballos destaca las cualidades musicales del álbum, que contó con músicos de jazz experimnetal, al margen de que estemos ante una especie de testamento o no. Si el álbum anterior ‘The Next Day’ (2013) podía entenderse como un compendio de los mejores Bowies, el nuevo estilo de ‘Blackstar’ (2016) puede entenderse como su «trascendencia»: «Su creatividad estaba en ese momento en un mundo de muerte, decadencia, pero también trascendencia. También hay espacio para la esperanza. La idea era seguir hasta donde llegase», aclara en referencia a las declaraciones de Tony Visconti, según las cuales Bowie llegó a confiar en seguir y grabar más canciones, y en principio no pensó en este álbum necesariamente como el último.
Continúa: «‘Blackstar’ es la trascendencia, es más metafísico. Está definiéndose como un ser mortal, cuando todos los arquetipos que había trabajado a lo largo de su carrera eran todo lo contrario: superhéroes, alienígenas, superestrellas… El Duque Blanco no podía morir. No es alguien que te imagines contemplando su propia mortalidad y aquí se mostró más humano que nunca. Es el Bowie más humano, pero a su vez es más ocultista. Hay como ritos secretos, salmos oscuros de algún evangelio negro… sale con una Biblia negra en el videoclip. Nos deja instrucciones cifradas para que al cabo de 10 años sigamos dándole vueltas a lo que significa».
Sobre el vídeo de ‘Lazarus’, que sí grabó en noviembre de 2015 cuando le comunicaron que el cáncer era terminal, indica: «Hay una teoría y es que estaba haciendo lo que se llama «Ars moriendi», la representación de su propia muerte, para ayudarnos a comprenderla cuando el momento llegase, porque él la llevaba en silencio. Era un secreto que estaba enfermo. A través de esas canciones y de esos videos tan explícitos, estaba organizando su propio velatorio. Me parece algo muy bonito».
En cuanto a la elección de ‘Blackstar’ como nombre para el álbum y como single principal del álbum, debatimos sobre sus significados: «Es el paso previo al agujero negro. Es puro tránsito, algo que no llega a su destino. Si se vio a sí mismo como una estrella negra, es muy buena definición. Como en la exposición de «David Bowie Is», que al final no comisarió, pero por la que terminó paseando (…) Quizá se vio a sí mismo como alguien que no llega a su propio destino, porque el propio cambio era su auténtica naturaleza». En otro momento, añade: «En ‘Blackstar’ habla literalmente de una reencarnación. Hay una transubstanciación, no sabemos exactamente de quién, pero dice que algo cambió el día que murió. Habla de que trasciende y vuelve convertido en otra cosa. Él quería seguir jugando a engañarnos. Y este es su último juego porque no sabes si está engañando o siendo sincero, si está creando un personaje real o ficticio. Son las ganas de jugar de una persona que sabe que se está quedando sin tiempo para ello».
Asimismo, hablamos a lo largo de esta hora de conversación de qué otros eventos de 2016 marcaron el mundo. Si pensamos en que en el universo del pop nos dejaron también Prince, Leonard Cohen y George Michael, y sumamos que en política se votó el Brexit y Trump ganó sus primeras elecciones presidenciales, es imposible no concluir que hubo un antes y un después en el mundo. «Fue el último año del internet bueno», bromea Noel en un momento de este episodio.
Harry Styles está a tope con su nueva era. La semana pasada, el artista británico anunciaba la llegada de su esperadísimo cuarto disco. Esta misma tarde, podemos poner nombre al primer single. Este se llama ‘Aperture’ y estará disponible este viernes 23 de enero.
Poco más se sabe de la canción, más allá de que formará parte del próximo álbum del artista británico: ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’. Este llegará a las plataformas el próximo 6 de marzo. Se conoce que contará con 12 canciones y que estará coproducido de nuevo por Kid Harpoon, colaborador de confianza de Styles.
Los primeros rumores del LP llegaron tras la aparición de unos misteriosos carteles en diferentes ciudades del mundo, con mensajes como «we belong together» o «see you very soon».
Arctic Monkeys lanzan su primera canción en 4 años. El tema llamado ‘Opening Night’ formará parte de un disco destinado a recaudar fondos para la ONG War Child que saldrá el 6 de marzo.
El tema sigue por el camino tranquilo y contemplativo que Arctic Monkeys tomaron en los álbumes posteriores a su histórico hit ‘AM’. Aquí no hay un estilo particular: la canción empieza electrónica al modo de Depeche Mode o NIN. Después se convierte en un tema medio post-punk -tanto en su vena balada como en su vena agitada-, en la estela de Siouxsie o los primeros The Cure.
La melodía está entre sus más decadentes, pero a su vez es más certera que la de muchos números de sus dos últimos discos. ‘Opening Night’ va a algún lado porque, como dicen por ahí, es como un telón que nadie sabe si se está abriendo o se está cerrando. Podría ser un single de éxito, trabajado con un buen vídeo, promo, actuaciones; o podría caer en el olvido, como canción benéfica que es.
Lo seguro es que no podría ser más Arctic Monkeys en sus imágenes de «dados cargados rojos y blancos». Ni tampoco en su juego seductor («tienes algo en la cabeza, pues yo también, desde aquí puedo verlo»). Ni en general en todo el concepto ‘Opening Night’ que no puede resultar más teatrero, más Alex Turner. «Por favor, no te enamores de todo la primera noche», dice, o «nada más empezar», jugando con el doble sentido de la fama -que aparece en otro pasaje- y lo romántico.
Los rumores sobre una nueva canción de Arctic Monkeys empezaron a circular a principios de mes, cuando War Child publicó un mensaje en Instagram con el que daban a entender que un disco benéfico estaba en desarrollo. «Un grupo de artistas está trabajando en algo importante en apoyo de War Child», se leía en el post.
Como es normal para el grupo británico, poco se ha sabido de ellos desde el lanzamiento de ‘The Car’ en 2022.
Guitarricadelafuente ha llegado a Tiny Desk. El artista de Benicasim ha protagonizado la última entrega del formato de NPR y ha sacado a relucir el lado más folk de su último disco, ‘Spanish Leather’, el quinto mejor lanzamiento del año pasado para los lectores de JENESAISPOP.
«¡Venga Washington!», suelta Guitarrica en el clímax de ‘Full time papi’. La curradísima propuesta de Álvaro Lafuente ha optado por abrazar el lado más puro de sus composiciones, con un equipo de 8 músicos y múltiples cuerdas. A la vez, se ha preocupado por mostrar la versión más fiel posible a las canciones originales. Esto es evidente en el uso de la zanfona y del requiebro electrónico en este primer tema.
Este directo, pese a todas las texturas digitales del LP, destaca los elementos orgánicos de las canciones de ‘Spanish Leather’. Ahora se entiende mucho mejor que Guitarrica describiese su estilo como «folk». ‘Tramuntana’ resulta tan preciosa y emocionante como ya lo era en la grabación, incluyendo además la intro de ‘Sonata nº9 de los heavies de Gran Vía’. Otras, como ‘Poses’, se benefician de la falta de autotune.
Sobre esta, el artista la describe como una pieza «especial» y explica que la escribió «pensando en no esconder quién eres, ser honesto y estar orgulloso de tus poses, que son las que nos hacen únicos».
A$AP Rocky es el Bruno Mars del hip hop. Han pasado 8 años desde el lanzamiento de su último disco y en ese tiempo la música ha sido la última de sus preocupaciones: ha tenido tres hijos con Rihanna, se ha librado de la justicia sueca, se ha enfrentado a 20 años de prisión en su país, y ha continuado ampliando su experiencia en la moda y el cine. Aun así, es capaz de vender 130.000 vinilos de ‘Don’t Be Dumb’ antes de su salida, casi asegurándose el primer puesto en el Billboard 200 y con las predicciones apuntando a 200.000 unidades vendidas.
La versión final de ‘Don’t Be Dumb’ incluye a Tim Burton como artífice de la portada y Danny Elfman como coproductor -porque lo pone en los créditos-, pero a lo largo de estos años el proyecto ha estado a punto de salir en múltiples ocasiones y ha sido cancelado todas estas veces a causa de diferentes filtraciones. Rocky se niega a lanzar estos temas, por lo que nunca sabremos si esta es realmente la mejor versión del esperado LP. Teníamos la certeza, gracias a excelentes singles como ‘HIGHJACK’ y ‘Tailor Swif’, de que los años de inactividad no habían hecho efecto en él, y esto sigue siendo cierto en el disco final.
El artista de Harlem se describe en el podcast de The New York Times como un «autoproclamado hombre del Renacimiento» inspirado por el «expresionismo alemán». «Soy Him Burton», dice en un momento dado. Si entras a ‘Don’t Be Dumb’ con estas expectativas, vas a acabar decepcionado. También se refiere a sí mismo como un «genio creativo», y sí que se encuentran destellos de esto en su cuarto disco.
La música es un reflejo fiel de la portada, representando las diferentes personalidades creativas de Rocky a lo largo del tracklist. Este empieza con las contundentes ‘ORDER OF PROTECTION’, ‘HELICOPTER’ y ‘STOLE YA FLOW’, que encuentran al rapero neoyorquino manteniendo su narcótico estilo, influenciado en gran medida por el rap sureño. Sin hacer nada nuevo, deja claro que sigue siendo el tío más ‘cool’ de la industria. «La mamá de mi hijo, Rihanna, así que no nos preocupamos», suelta en otro tema más dirigido a Drake, que ya ni sabe de dónde le vienen los puñales.
Esta primera sección provoca una sensación de homogeneidad que, por suerte, se va diluyendo a medida que avanza el álbum. ‘PLAYA’ es el primer cambio de ritmo real en el LP, con unos psicodélicos coros de Thundercat y la sensación de estar escuchando al Rocky más clásico. Otras, como ‘NO TRESPASSING’ o ‘STOP SNITCHING’, resultan redundantes. Los múltiples géneros de los que hablaba Tim Burton durante la promo del álbum comienzan a relucir a partir de la segunda parte, mucho más experimental y estimulante que la primera.
Ahí están la ultracaótica ‘STFU’, que suena como juntar a Playboi Carti con la versión más agresiva de Fred again..; la nada punky ‘PUNK ROCKY’, que muestra la faceta más alternativa del artista; y ‘AIR FORCE (BLACK DEMARCO)’, una de las mejores piezas del LP. Los amantes del primer single seguro que estaban deseando que todo el disco sonase como esta. La parte de ‘BLACK DEMARCO’, nombrada así por Mac, cambia un atareado beat de rage por una hermosa sección de psicodelia melódica. Es el Rocky de ‘Sundress’, con las revoluciones bajadas.
Refiriéndose a todo lo que le ha ocurrido durante estos años, A$AP cuenta en The Popcast que es lo que le ha brindado «nuevo material sobre lo que rapear». En las manos de un buen director daría para una película, pero Rocky no le saca partido en ningún momento. Hay que esperar hasta el mismísimo final del disco, a excepción de las dos canciones extra, para escuchar su verso más interesante. Y apocalíptico, todo sea dicho.
Este declara que «es difícil cantar», a la vez que menciona el «calentamiento global», la «guerra» y la actual «alarma mundial». Jessica Pratt, que ha acabado en la misma canción que will.i.am, es más directa en su verso cantado: «Sin libros para leer, todos estamos pegados a las pantallas». En el apartado de colaboraciones imposibles también hay que mencionar a Damon Albarn cantando sobre los adlibs de Westside Gunn en ‘WHISKEY’, una bizarrada que oscila entre lo disfrutón y lo desconcertante. ‘ROBBERY’ es igual de loca con su sample de Thelonious Monk, pero cae en el lado de la genialidad.
‘Don’t Be Dumb’ es más ordenado que su predecesor, ‘TESTING’ (2018), a la vez que mantiene sus inquietudes experimentales. ¿Es tan rompedor como seguramente se piensa A$AP Rocky? No, ni de lejos. ¿Ha merecido la pena la espera? En líneas generales, sí. Desde luego, nos recuerda que A$AP Rocky sigue siendo una de los artistas más comprometidos con el oficio. Después de tanto tiempo, es como si nunca se hubiese ido.
Esta semana se ha publicado el que Universal considera el tercer single del primer álbum de Martin. Lo definen oficialmente como el «adelanto de un trabajo profundamente personal, construido a partir de recuerdos, emociones y paisajes que marcaron su infancia y adolescencia». ‘Otro verano’ es exactamente eso, aparte de la canción más bonita que ha sacado Martin desde ‘El destello‘. Es nuestra Canción del Día hoy.
La letra va narrando los veranos de sus 15, 16, 17, 18, 19 y 20 años, desde los días en que «ya no podía regular su temperamento» hasta los días en que ya no se reconocía a sí mismo. Hay un despertar sexual («la mirada de un chico en la playa»), muchas dudas («Me di cuenta de que no entendía nada») para finalmente pasar a ser otra persona.
Eso se revela al final de la canción con la estrofa que comienza: «El verano de mis 20 años / Toda mi familia reunida celebrando / El cumpleaños de alguien que ya no soy yo / ¿Qué hago yo aquí?», y termina lamentando «otro verano que nos escapa de las manos», en referencia a la pérdida de la infancia y la inocencia.
Musicalmente es evidente la co-autoría y producción de Hidrogenesse en el tipo de sintes y teclados, recordando al proyecto de Genís Segarra incluso en el tratamiento vocal dado a la parte «está todo documentado». Pero precisamente la canción logra ser muy Martin, en tanto que está narrando su evolución como persona, en esa parte refiriéndose exactamente a su paso por Operación Triunfo («El verano de mis 19 lo sabemos todos / está todo documentado»).
Universal avanza que esta canción es muy representativa del universo lírico y sonoro de un disco que todavía no ha sido anunciado. Parece que tal álbum no estará tan enfocado hacia las listas de éxitos y las playlists de moda, como a retratar quién es Martin como artista.
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