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Harry Styles / Kiss All the Time. Disco, Occasionally

Cuando vi la portada del nuevo disco de Harry Styles me pareció que el cantante británico estaba bailando en el Basoa del Bilbao BBK Live, con la bola de discoteca haciendo de luna iluminando la oscuridad. Después recordé que el artista había sido avistado en el público del Kalorama Madrid asistiendo a un concierto de LCD Soundsystem, una de las bandas que inspiran el sonido de su nuevo disco.

Sorprende, al escuchar ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’, lo poco que el disco cumple con las expectativas de estas dos pistas visuales, aunque luego miras los créditos y lo entiendes un poco más, ya que vuelven a estar profundamente involucrados Kid Harpoon y Tyler Johnson, como en los discos anteriores de Styles. El mensaje es que Styles ha querido arriesgar, pero sin pasarse de la raya.

Llama la atención la cautelosa manera en que Styles habla en las entrevistas de sus experiencias en el mundo de las discotecas. Los clubs de Berlín han sido otra de sus influencias, y no hay que ser muy listo para entender lo que quiere decir Styles cuando cuenta que la música electrónica le ha permitido vivir experiencias “trascendentales” y “espirituales” en los clubs que ha frecuentado. El mensaje está implícito, y lo está también la propuesta musical.

Aperture’ ha sido un single sorprendente, entregado a la electrónica introspectiva, de exquisita línea melódica, pues Jamie xx y Floating Points son otros artistas que han inspirado al ex-integrante de One Direction. Pero el álbum después no es tan electrónico, ni mucho menos «disco», sino que recupera un poco de soslayo distintos sonidos del indie de décadas pasadas, como el dance-punk, el art-rock -la actuación de Styles en los BRITs tenía mucho de David Byrne-, los sintes a lo Future Islands en ‘Carla’s Song’ e incluso algo de pop clásico: atención a la cantidad ingente de cuerdas incluidas en los créditos.

El cambio de dirección es evidente y de agradecer, sobre todo porque ‘As It Was’ (2022) sigue petándolo tres años después y nadie quería más de lo mismo, pero sorprende lo poco lejos que llega Styles con estos nuevos sonidos, y eso que se ha convertido en runner.

El dilema que presenta ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ -aparte del expuesto en este título tan sumamente treintañero- es que las canciones son eficientes porque Styles trabaja mano a mano con profesionales, pero estas no cumplen con su promesa de riesgo. Una promesa materializada en ‘Aperture’ pero que después se diluye: la influencia de la electrónica es muy puntual y comedida, y las texturas sintéticas y orgánicas se conforman con evocar otras propuestas que sí son originales, pero sin explorarlas a fondo en absoluto.

Styles, con todos sus recursos, millones e influencia, podría haber colaborado con un productor de electrónica reconocido, ya que tan bien habla de gente como Four Tet, o habernos descubierto un talento nuevo, como ha hecho FKA twigs con Koreless, pero ha preferido contar con Kid Harpoon, su colaborador de confianza, para escribir las mejores recreaciones del sonido de otros artistas que se les han ocurrido.

Esta colaboración garantiza que Harry entregue canciones correctas y eficientes en lo compositivo, tanto cuando se visten de LCD Soundsystem en ‘Ready Steady Go’ como de Vampire Weekend / Talking Heads en la polirrítmica ‘Are You Listening Yet?’, o de disco triste en la sorprendentemente vulnerable ‘American Girls’, que examina la racha de uniones conyugales de sus amigos mientras él permanece soltero. Pero también significa que composiciones como ‘Pop’ suenen aburridamente cómodas. Styles no es el vocalista con más carácter, pero la paleta de sonidos nueva podría haberse estirado más. En su lugar, pisa sobre seguro y cohibe el potencial artístico de sus propias canciones, asegurando un producto comercialmente asequible, pero no demasiado interesante en lo artístico. Al final, que no haya hits «obvios» es lo de menos.

La gran ironía, por tanto, de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ es que los coros comunales y la energía bailable de piezas como la dance-punk ‘Season 2 Weight Loss’ -sobre convertirse en la mejor versión de uno mismo- o la disco-glam ‘Dance No More’, que visita Studio 54 por la vía de Jessie Ware y Prince, no dan tanto la talla de sus aspiraciones como las canciones que casi ni tocan la electrónica en absoluto. Lo que nos lleva a preguntarnos para quién es este disco entonces.

Porque resulta que, aparte de la sorpresa de ‘Aperture’ y de la melancolía sintética de ‘Carla’s Song’, las mejores canciones de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ son las orquestales y folk. Y ahí hay que hablar de la apacible ‘The Waiting Game’ -la primera que escribió Harry tras asentarse en Italia por un tiempo- y sobre todo de la chamber pop ‘Coming Up Roses’, donde las cuerdecillas pulsadas dibujan un sonido adorable. Esta canción es un intento de Styles de escribir una canción navideña, pero se convierte en una reflexión sobre las sensaciones agridulces después de una ruptura.

Es revelador que Styles cuente en una reciente entrevista -la de los runners- que lo pasó regular durante su anterior gira porque no terminaba de entender «qué aportaba de valor al mundo», mientras cada noche se bañaba en la adoración y los aplausos de su enorme audiencia. Da la impresión de que a Styles saberse un gran pop star, pero no tanto un autor con mirada propia como esos en los que se inspira, le genera cierto conflicto interno, y de ese conflicto parece nacer este agradable aunque insustancial cuarto disco.

Sarah Kinsley: «Para ser productora hay que ser un poco terapeuta»

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Conocimos a Sarah Kinsley hace unos años por su éxito viral ‘The King‘, aunque nosotros recomendamos también su espectacular single ‘Lovegod‘, muy representativo del estilo de pop orquestal que después encontramos en su debut de 2024, ‘Escaper’.

El perfil de Kinsley en el pop es especialmente interesante por dos motivos. El primero es su formación clásica. El segundo, su papel como productora de toda su música. Después de un 8 de marzo en el que varias mujeres artistas, como Alba Morena, han reivindicado el papel de las mujeres productoras en la música, Sarah Kinsley también tiene cosas que decir.

Nos las cuenta a raíz de la publicación de su EP ‘Fleeting’, donde, junto a su colaborador Jake Aron, evoluciona hacia un sonido más pop y electrónico que en cortes como ‘Truth of Pursuit’ remite claramente a la Kate Bush más viral.

Tu EP ‘Fleeting’ acaba de salir, y no ha pasado tanto tiempo desde tu debut ‘Escaper’. ¿Cuáles son tus sensaciones después del lanzamiento? ¿Están relacionados de alguna forma?
En realidad este es el quinto EP que publico. Me encanta el formato EP para lanzar música porque es más accesible para la gente. Estoy muy contenta: la recepción está siendo muy buena. Como compositora, normalmente no sé exactamente de qué tratan mis discos hasta que los termino. Este EP fue tomando forma durante muchos meses, y solo más tarde me di cuenta de que hablaba sobre el deseo y los anhelos, sobre todo cuando la gente empezó a señalar que esos eran los temas que aparecían en las canciones.

No sé si concebiste este EP como una simple colección de canciones o como la destilación de una visión concreta que querías expresar, pero de forma condensada.
Simplemente escribí canciones, como estallidos de emoción y de expresión basados en cosas que estaban ocurriendo en mi vida. De manera casi inconsciente, el EP fue tomando forma por sí mismo.

Aquí parece que exploras sonidos más sintéticos que en tu trabajo anterior. ¿Intentabas alejarte un poco del sonido de tu debut?
Mi colaborador Jake y yo fuimos mucho más audaces con nuestras decisiones, inclinándonos por sonidos de sintetizador que realmente destacan. La producción musical es complicada porque tienes que crear espacio dentro de una canción para que todo encaje. Cuanto más audaz eres, más riesgo corres de perder algunos de los elementos más sutiles, los que son más difusos o más difíciles de escuchar. En canciones como ‘Lonely Touch’ intentamos llevarlo lo más lejos posible para que se convirtiera en algo realmente grandioso. Hacía tiempo que no asumía ese tipo de riesgos, pero también se trataba de experimentar y divertirse.

¿Qué significa para ti ‘Truth of Pursuit’?
Esta canción trata sobre estar completamente atrapada por una persona. Creo que la infatuación es un sentimiento muy poderoso porque se disfraza de amor, pero en realidad no tiene intención de convertirse en amor. Ese estado emocional es muy intenso, y es algo que he experimentado muchas veces. Estaba escribiendo sobre la verdad de perseguir a alguien o algo y descubrir que, aun así, puedes acabar sintiéndote muy sola y vacía. La primera parte de la canción habla de quedar atrapada en ese sentimiento, y la segunda trata sobre la toma de conciencia de lo perjudicial que puede llegar a ser.

¿Cómo ha influido tu formación clásica en tu carrera como compositora?
Cuando era más joven nunca pensé que sería posible para mí convertirme en cantante. Cuando creces tocando música clásica hay caminos muy definidos: ir al conservatorio, tocar en una filarmónica, convertirte en directora, compositora, profesora o investigadora musical. Es un mundo muy lineal, y yo seguí ese camino durante los primeros 18 años de mi vida.

Luego fui a la universidad y de repente me encontré rodeada de músicos completamente distintos a mí. Eran mucho más libres en su forma de pensar: tocaban en sótanos, en iglesias, en conciertos DIY bastante salvajes. Me fascinó ese mundo. De pronto tenía delante dos caminos totalmente opuestos.

Al principio sentía que tenía que renunciar a quien era para convertirme en la artista que quería ser. Incluso me sentía un poco ridícula, porque toda mi formación clásica no me ayudaba realmente a entender cómo escribir canciones. Entendía la melodía y la armonía, pero estaba atrapada en todas las reglas y los binarios de la música clásica: qué acordes eran correctos, qué intervalos funcionaban… No sabía cómo conectar con la emoción. Estaba empezando a abrazar cosas que me habían enseñado a evitar, y con el tiempo me di cuenta de que esos dos mundos estaban mucho más entrelazados de lo que pensaba. Pero me llevó un tiempo entenderlo.

¿Te acercas a la composición intentando romper las reglas y expectativas que te dejó tu formación clásica?
Lo intento. Si me siento al piano, mi cerebro ya conoce todas las combinaciones posibles de lo que podría tocar para que suene bien, y a veces odio eso porque siento que no hay verdadera libertad frente a mi formación. Las progresiones de acordes “correctas” que tengo en la cabeza son muy occidentales y muy específicas. Así que ahora intento ser más libre con mi intención: quizá tocar algo que no esperaba o moverme en una dirección que mi yo más joven nunca habría tomado. Intento sorprenderme a mí misma, aunque no siempre es fácil.

¿Qué música escuchabas cuando crecías? ¿O solo escuchabas música clásica?
Tocaba música clásica todo el tiempo, pero en realidad no la escuchaba demasiado. Escuchaba mucha música de los años 70 y 80. Mi padre me ponía mucho U2, ABBA, The Carpenters o Foreigner… También había por ahí una cinta de Madonna.

Hay un vídeo viral de Mary J. Blige en el que se queja de que algunos colaboradores -entre ellos Diddy, pero vamos a ignorarlo- le quitan el alma a su música con la mezcla y la producción. ¿Cómo afrontas tú la producción intentando preservar esa emoción de la que hablabas antes?
Estoy bastante de acuerdo con lo que dice. Cuando trabajas con cien tomas de voz y muchas capas, se pierde mucha crudeza. Puedes salir del estudio completamente agotada después de trabajar así en una canción, toda la energía artística que tengas se te va en eso. Creo que al final todo se reduce a la intuición y a saber qué es lo que se siente correcto para ti, sin caer del todo en lo que se considera “presentable” o en lo que dicen tus colaboradores.

Pero tampoco sé si existe algo como ser demasiado crudo. Uno de mis músicos favoritos es Nick Drake, y todas sus grabaciones son imperfectas de alguna manera. Pero precisamente eso es lo que las hace perfectas para mí. La instrumentación es muy mínima y las canciones son muy íntimas, y eso es exactamente quien era él. Capturó el sentimiento porque se alejó de la perfección.

El porcentaje de mujeres productoras sigue siendo muy bajo. ¿Sientes una responsabilidad de ser visible en ese espacio?
Creo que es más importante que nunca. Incluso en el caso de alguien como Addison Rae, que solo tenía dos productoras mujeres, eso todavía sorprende a mucha gente. Yo siento una responsabilidad conmigo misma, pero también soy muy perfeccionista y muchas veces simplemente quiero hacerlo yo misma. Es un equilibrio complicado entre el tokenismo y la representación real.

«El 95% de los compositores que estudiaba en la universidad eran hombres blancos que habían muerto y que procedían de Europa del Este o de Inglaterra»

Catherine Anne Davies, que publica como The Anchoress, dice que gran parte de su trabajo como productora es actuar como una especie de terapeuta, y que las mujeres abren la vulnerabilidad en los artistas de una forma que los hombres no siempre consiguen. ¿Te sientes identificada con esa idea?
Estoy de acuerdo con esa idea de ser un poco terapeuta. De hecho, algunas de las personas con las que he trabajado también han acabado siendo casi mis terapeutas. No puedes hacer una canción con un artista sin entender realmente de qué trata y qué hay detrás.

¿Crees que la gente entiende realmente el trabajo de un productor?
Creo que las definiciones pueden ser confusas porque el papel del productor cambia mucho de un disco a otro. Yo trabajo con Jake y a veces llevo canciones que ya están bastante desarrolladas. En otros casos, el productor es prácticamente el cerebro detrás de todo. A veces el artista es la voz y el vehículo, mientras que los productores construyen todo lo demás.

También creo que a veces se le da demasiado crédito a alguien que no es el artista, pero si no estás dentro de la sala realmente no sabes quién tomó cada decisión. Dependiendo del caso puede infravalorarse o sobrevalorarse. A mí me gusta pensar que, la mayoría de las veces, es un proceso bastante equilibrado. El productor puede encargarse de encontrar el sonido, pero depende mucho del artista.

¿Por qué crees que hay tan pocas mujeres en roles de producción? ¿Qué haría falta para que la industria se pusiera al día?
Esto ocurre en muchas industrias, no solo en la música. Simplemente no se presenta como una opción. Cuando yo era más joven, si quería ser músico, lo que veía en películas o en los medios era que tenía que ser cantante, intérprete o una especie de vehículo para las ideas de otros.

El 95% de los compositores que estudiaba en la universidad eran hombres blancos que habían muerto y que procedían de Europa del Este o de Inglaterra. Hace cien años ni siquiera era una opción.

Creo que el hecho de que todavía sorprenda ver bandas femeninas o equipos deportivos femeninos dice mucho. El día en que deje de sorprendernos será cuando las cosas hayan cambiado de verdad. Se trata de animar y dar espacio sin tratarlo como algo excepcional: las productoras existen, y cada vez hay más que hacen su propia música o trabajan en otros proyectos como productoras o mezcladoras. Yo, al menos, me siento esperanzada y optimista de que las cosas van a cambiar en el futuro.

¿Es ‘Risk it All’ un nuevo clásico de Bruno Mars?

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Parte de la redacción evalúa ‘Risk it All’, el nuevo éxito de Bruno Mars:

«‘Risk It All’ es tan difícil de odiar como de amar y ese es su mayor defecto: es totalmente inofensiva. Para una canción que trata sobre aprender a volar, escalar montañas o nadar mares enteros por amor, despierta muy pocas pasiones. Todo lo que hay en ‘Risk It All’ está técnicamente bien, pero no propone nada que no hayamos escuchado antes, que a la vez es en lo que se podría resumir todo ‘The Romantic’.

Y es que ni siquiera es el refrito más interesante del LP. Ahí están otros como ‘Cha Cha Cha’ o ‘God Was Showing Off’, e incluso ‘I Just Might’, instrumentalmente más completos y con letras más inspiradas. Sí, ‘Risk It All’ estaba destinada a convertirse en un éxito mundial, pero también está condenada a ser un cliché de las bodas venideras». Gabri Carey

«Si ‘Die with a Smile’ era el clásico nupcial de Bruno Mars dirigido al mercado anglosajón, ‘Risk it All’ apela a la audiencia latina, siendo igual de buena. ‘Risk it All’ vuelve a ser una gran balada romántica, clásica hasta los huesos, pero ahora la estética apunta a Cuba en el ritmo de bolero, y a México en la presencia de un mariachi tocando metales.

Las trompetas de ‘Risk it All’ son claramente la mejor parte de la canción, introduciendo en los primeros segundos su melancólica melodía. El arreglo está escrito y tocado con un gusto exquisito, y aunque ‘Risk it All’ líricamente no da la vuelta más original al típico mensaje «moriría por ti», la composición melódica sí innova sobre lo que ya conocemos de Bruno Mars, resultando una grata sorpresa». Jordi Bardají

¿Qué te parece Risk it All de Bruno Mars?

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Calvin Harris, hemlocke springs… en Bilbao BBK Live 2026

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Bilbao BBK Live ha revelado la segunda tanda de confirmaciones de la 20ª edición del festival. Calvin Harris, DELLAFUENTE y hemlocke springs son los nombres más potentes, que se unen a los ya confirmados: Lily Allen, Robbie Williams, David Byrne, Alabama Shakes, Interpol, Charlotte de Witte… JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial del evento.

El festival, que celebrará su 20 aniversario durante los días 9, 10 y 11 de julio de 2026 en Kobetamendi, su recinto habitual, también ha ampliado su cartel con Westside Cowboy, el Vampirina Club de Metrika y D.Basto, la Hotcore Party de Taichy y amigos, La Paloma y BARRRK.

De esta forma, el festival bilbaíno vuelve a juntar en la misma edición una selección de nombres internacionales (Richie Hawtin, Belle & Sebastian, Nu Genea, Fatoumata Diawara…) con lo mejor del panorama nacional (Belén Aguilera, Ralpie Choo, Bb trickz, Depresión Sonora…). Las nuevas promesas también estarán en Bilbao BBK Live, desde CMAT hasta AMORE o Las Petunias.

Los bonos para el festival siguen a la venta en la web oficial del evento, con un precio promocional disponible hasta el martes 17 de marzo a las 11h.

Jack White, obligado a aclarar sus palabras sobre Taylor Swift

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Jack White está harto de la cultura del «clickbait». Así lo ha hecho saber en un comunicado, ahora borrado, en el que aclaró sus últimas declaraciones sobre Taylor Swift y su forma de escribir. Él le contó a The Guardian que le parece «un poco aburrido escribir sobre mí mismo». El público, por supuesto, ha interpretado que estaba llamando aburrida a Swift.

«Se ha vuelto muy popular la forma que tiene Taylor Swift de escribir sobre todo lo que tiene que ver con sus rupturas públicas, lo cual no me parece demasiado interesante. Creo que es un poco aburrido para mí escribir sobre mí mismo», declaró White en The Guardian. «Si es algo realmente doloroso, no voy a poner ahí esta cosa importante y dolorosa por la que pasé para que algún idiota en Internet lo pisotee», concluyó, explicando que prefiere escribir desde la perspectiva de un personaje.

Por supuesto, sus palabras fueron malinterpretadas. «No dije que la música de Taylor es aburrida o lo que sea que el clickbait esté intentando arrastrar», comenzó su comunicado. Mientras explicaba que simplemente dio su opinión respecto a cómo le gustaba escribir a él, con «personajes imaginarios» pareciéndole más interesantes que la realidad, White dejó claro que no era una crítica a Swift: «Estoy muy feliz de que haya tenido éxito con tantos amantes de la música a su propia manera».

«Simplemente porque diga que tengo una manera de hacer las cosas no significa que piense que todos tengan que hacerlo igual. Deberían hacer lo que funcione para ellos», se podía leer en el comunicado. Jack White acabó asegurando que el hecho de que se hayan sacado sus palabras de contexto le ha hecho tener «menos y menos ganas de hacer entrevistas» en una época en la que hay una «demanda masiva por el clickbait y el contenido».

Si «un cantautor debe morir», que lo haga riendo

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Esta semana, además de los nuevos discos de Bad Gyal, Morrissey o Harry Styles, se ha publicado el debut de O’Cristo, el proyecto del gaditano Cristóbal Colom, antes en Modelo de Respuesta Polar y Mañana. El álbum no puede tener un disco más llamativo, ‘Un cantautor debe morir’. Casi parece una metáfora de lo que encontramos en su secuencia en cuanto a producción musical. Sonido cantautor, sí, pero deconstruido.

Entre las influencias declaradas de 0’Cristo encontramos cosas como Silvio Rodríguez, pero también a Bon Iver. La tradición de Kiko Veneno se alterna con la generación Z de Guitarricadelafuente o incluso con gente tan oscura como Mk.gee. Esto explica que sus canciones estén sorteadas de detalles electrónicos, incluso pareciendo acústicas, como sucede en ‘La buena estrella’.

En este tema escuchamos a O’Cristo desangrarse («heredé la cicatriz de los ilusos, de los suicidas, del aprendiz»); es solo que después parece colorear las penas con arreglos tanto sintéticos como orgánicos. Recuerda mucho a Kiko Veneno el single ‘Subir las apuestas’ entonado junto a Kike Vera Fauna, que a su vez está unida en el tracklist a otro de los sencillos principales, ‘Conmigo y contra mí’.

También pone ese color el humor. Las frases a menudo son lapidarias: «hay que sufrir solo por quien lo merezca», dice ‘Subir las apuestas’. Por su parte, ‘La luna y el dedo’, una de las canciones más saltarinas, cuenta con un estribillo tan al límite como «cuesta respirar con la soga atada al cuello». Las melodías y el tono tienden a ver el vaso medio lleno.

El título ‘Un cantautor debe morir’ proviene del tema final, ‘Malagueña derrotada’. O’Cristo habla de la fantasía de la creación musical: «un cantautor debe morir por las mentiras de su boca / pedir perdón por mentir sería la derrota». Con algún guiño al desencanto político (‘Deshacer el mundo’) y algún instrumental (‘Bajo 0ºC’), O’Cristo completa un buen debut, exuberante, que más que al entorno cantautor, y con la producción de Turian Boy, remite a proyectos tan versátiles como Elastic Band.

O’Cristo actúa el 27 de marzo en la Sala Malandar de Sevilla y el 11 de abril en la Sala Clamores de Madrid. Detalles, en Instagram.


Chappell, Bieber y JENNIE: tres formas de lidiar con los paparazzi

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En 2026, los paparazzis siguen siendo el mayor incordio de una celebrity. Durante los últimos días, artistas como Chappell Roan, Justin Bieber y JENNIE han tenido que lidiar con las cámaras que les siguen a todas partes. Eso sí, cada uno de la manera más distinta.

Dua Lipa y su pareja, Callum Turner, se encontraban hace un mes en París, cuando de repente se vieron acorralados por un grupo de paparazzis a la salida de un restaurante. Después de que la popstar dejase claro que no tenían la noche para líos («No, no vamos a hacer esto»), la pareja optó por esperar a que pare la tormenta por sí sola, caminando entre flashes constantes.

Otras, como JENNIE, se lo han tomado con más calma al ser abordada por los fotógrafos durante la Semana de la Moda de París: «¿Puedo, por favor, tener mi día? Esto es muy estresante para mí», les pide a los paparazzis, claramente cansada. La reacción opuesta ha tenido Justin Bieber, enemigo público número 1 para este gremio por sus encontronazos en el pasado, tirándoles una botella de agua al salir de una cena con Hailey Bieber. Sin mirar, además.

Para su corto tiempo en la industria, Chappell Roan ha demostrado saber tratar a los paparazzi dándoles de su propia medicina. Durante sus días en París, ha hecho justamente esto. Al ser rodeada por cámaras, la autora de ‘The Giver’ ha asegurado sentirse «ignorada como humana» y ha decidido empezar a grabar a los propios paparazzi: «Así es como se siente», ha soltado.

Lo más surrealista del caso de Chappell es el fan, o suponemos que es un fan, que está esperando a que la popstar le firme el disco cuando, claramente, no es el mejor momento. Es tierno y triste a partes iguales, porque la cantante hace caso omiso totalmente. «¿Me puedes firmar, Chappell?», suelta esta persona. Chappell, a lo suyo: «Les he preguntado varias veces que se vayan y no lo hacen», le cuenta a la pantalla de su móvil. No queda claro que sea un fan o alguien que pretende vender la firma de Chappell posteriormente, pero su cara de decepción no parece fingida.

«Caer es la forma de volar» para Samuraï en ‘Los paracaídas’

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Samuraï, el proyecto de la madrileña Aroa Lorente, tiene listo su segundo álbum, que publicará Universal. Ha de ser el de consolidación tras los discos de oro obtenidos por sencillos como ‘Tirando balas’ y la balada ‘Palabra prohibida’.

También Samuraï es bien conocida por sus colaboraciones con La La Love You (‘El principio de algo’ es triple platino), Dani Fernández, Belén Aguilera o Leo Rizzi. ‘Los paracaídas’ es la mejor opción posible para encarrilar la nueva campaña y es nuestra Canción del Día hoy.

‘Los paracaídas’ se sitúa en una mañana en la que la artista «no está para hablar», en que «se le cruzan los cables» y se «siente mal» por dejarse llevar por esa voz (interior) que «por más que ignora no se va».

El pegadizo estribillo justifica el título de la canción, asegurando que «caer es su forma de volar». La producción de la canción, de ánimo ochentero, aunque a la vez orgánica en su cometido de tema pop-rock, es el contrapunto a las mañanas tristes de Samuraï, haciéndola ciertamente volar sin «paracaídas». Las guitarras acuosas incluso remiten a los Smiths: si esto lo hubiera producido una cantante de pop internacional, solo podría haber sido Ladyhawke.

En cualquier caso, el tema logra ser edificante, pues como dice la nota de prensa, estamos ante «una afirmación de resiliencia donde el salto al vacío se transforma en acto de fortaleza personal». «Nadie dijo que fuera easy», recuerda.

Samuraï ha colgado el cartel de «entradas agotadas» en algunas paradas de su nueva gira, como Zaragoza, A Coruña, Alicante o Granada. El tour pasará próximamente por Bilbao (13 de marzo), Valencia (20 de marzo), Murcia (27 de marzo), Málaga (28 de marzo) y de nuevo Valencia (3 de abril). Detalles, en Ticketmaster.

Separar obra y artista: la semana de Rosalía y Timothée Chalamet

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Rosalía y Timothée Chalamet tienen algo en común, aparte de su cercana relación con Kylie Jenner y su dominio del francés: esta semana han liado una buena con sendas declaraciones en los medios. Rosalía, durante una charla con la escritora Mariana Enríquez, ha defendido separar obra de artista, y no se le ha ocurrido mejor ejemplo que Pablo Picasso, planteando que solo quien le hubiera conocido en persona o convivido con él tendría potestad para juzgar sus acciones. Y Chalamet, bueno, lo suyo ha sido un poco más divertido: el actor ha dicho en una entrevista que la ópera y el ballet no le interesan a nadie, enfadando a la ópera, al ballet, a Doja Cat y a muchos de sus seguidores.

La indignación ante las palabras de Rosalía y Chalamet ya implica una separación entre obra y artista: admiramos la obra, pero descubrimos que la persona puede expresar ideas cuestionables en entrevistas, e incluso contradecir los preceptos de su propia obra artística.

Es claramente el caso de Rosalía, cuyas palabras parecen poner en duda testimonios de mujeres contra Picasso probados durante décadas, para justificar su consumo artístico. Aquí la separación entre obra y artista me parece especialmente peligrosa: podemos dejar a un lado, olvidarla por un rato, si queremos, cierta información con tal de anteponer nuestro disfrute de una obra, aunque esa información seguirá ahí asomando, pero cuestionar esa información es más peliagudo. Las acusaciones contra Picasso están ampliamente documentadas: decir que era un «perla de mucho cuidao» se queda corto.

El asunto de Chalamet es similar, ya que muchos han descubierto con sus palabras que detrás de ese muchacho afable que ven en las películas se encuentra un persona que puede meter la pata en las entrevistas. Aquí, al despreciar públicamente dos disciplinas artísticas que no entiende ni le interesan, solo por ser supuestamente menos lucrativas que el cine. Doja le pone los puntos sobre las íes recién salida de la ducha:

El eterno debate sobre separar obra y artista suele ocuparnos durante un rato, hasta que nos olvidamos de él otra vez. Siempre me ha parecido un dilema extraño, quizá falso o, como mínimo, confuso. Los propios artistas repiten a menudo que cuando lanzan una canción, un disco o una película, la obra deja de pertenecerles y pasa a ser del público. El artista la empuja al mundo para que circule y viva de forma autónoma. En ese sentido, la obra ya nace separada, sin que nadie lo cuestione.

Quizá de lo que hablamos, en realidad, es de separar artista de persona, pero entonces nos damos cuenta de que esta separación es imposible, porque ambas facetas están intrínsecamente conectadas, son la cara de una misma moneda.

Recientemente he recuperado el disco ‘Dangerous’ (1991) de Michael Jackson y, en palabras de Rosalía, «me lo he disfrutado», he apreciado su propuesta artística y sus innovaciones musicales, pero he sido consciente en todo momento del contexto que rodea al cantante. ¿Cómo se puede escuchar ‘In the Closet’ y no caer en segundas lecturas? Este contexto ha influido mi consumo del disco, se ha posado ahí como una sombra, y con Picasso igual: es posible apreciar el Gernika, porque la obra existe por sí misma, pero disociar al autor de la persona es imposible, además de una tarea inútil. Entonces, toca lidiar con la incómoda realidad de que la gente horrible crea obras maestras, igual que las crea la gente buena.

@filonews El Teatro Colón respondió a los comentarios de Timothée Chalamet contra el ballet y la ópera 👉 El actor se hizo viral durante un evento de CNN y Variety junto a Matthew McConaughey. 💬 "No quiero trabajar en el ballet o en la ópera, donde es como: 'hey, mantengamos esto vivo aunque ya a nadie le importe'", dijo. 📣 En ese marco, el Teatro Colón compartió un video de sus propuestas artísticas: "Nos importa, we care ". #TeatroColón #TimotheeChalamet #Ballet #Opera #FiloNews ♬ sonido original – Filo.news

Es en vano separar a Picasso de la persona, igual que lo es disociar a Michael Jackson de las acusaciones por pederastia, a J.K. Rowling de su transfobia o a Nicki Minaj de su deriva ultraderechista. Todos y cada uno de nosotros consumimos arte de personas deleznables por decisión propia, entrando en conflicto con nuestra propia moralidad, y todos y cada uno decidimos hacerlo guiándonos por nuestro propio compás moral, colocando el límite donde consideramos conveniente en el momento. Pongo otro ejemplo personal: detesto profundamente la deriva TERF de Róisín Murphy, pero mi vínculo con su música es profundo y, de momento, cuando me apetece, que es menos que otras veces, la sigo escuchando. No la he bloqueado de plataformas ni he quemado sus discos. Me reservo el derecho a hacerlo, eso sí.

En realidad, las palabras de Rosalía y Chalamet ponen en evidencia esas mismas contradicciones que todos intentamos encajar como un puzzle imposible cuando decidimos consumir cultura de seres humanos a los que no apreciamos. Lo contrario a eso es imponer una censura a nuestro propio consumo, pero esa decisión, aunque loable, sigue siendo personal y subjetiva. La pena es que Rosalía parece incurrir en un discurso algo reaccionario, no sé si muy reflexionado, que parece pretender provocar porque sí, cuando el debate en el centro es otro. Cualquiera puede gozar la obra de Picasso sin dejar de tener en cuenta ciertas cosas que complican su figura. De hecho, debería ser siempre así.

Y en cuanto a Timothée Chalamet, el actor simplemente se ha relajado demasiado en una entrevista y se arrepiente de sus palabras en el segundo cero. Pero quizá la polémica ha servido para que sus fans se quiten las gafas de la admiración y empiecen a entender que Chalamet no tiene por qué parecerse a los personajes que interpreta en las películas.

El éxito de ‘Stateside’ llega al fin a España

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Los singles de Bruno Mars han sido todo un éxito en Estados Unidos, con ‘Risk It All’ entrando en el número 4 y ‘I Just Might’ volviendo al número 1 del Billboard Hot 100.

En España, sin embargo, no han tenido tanta pegada. El primero de estos ha debutado en la lista española en el número 35, mientras que ‘I Just Might’ ha subido al puesto 45 desde el 84, en el que se encontraba la semana pasada.

El resto de la lista de Promusicae no ofrece demasiados cambios. Saiko, junto a Sinaka, Kennat y Benja Valencia, encuentran su lugar en el número 53 de la lista con ‘FLAITEERA’. Melendi, por otro lado, ha presentado su comeback con el single ‘Fecha de caducidad’, que aterriza en el puesto 67 de la lista.

En las últimas posiciones entran Ya Ice Dilan con ‘Dichavate’ (#82) y Pinkpantheress junto a Zara Larsson con el remix de ‘Stateside’ (#85). Es decir, el éxito de esta canción, reciente número 1 global en Spotify, llega al fin a nuestro país.

‘Stateside’ también está arrasando en las listas estadounidenses, subiendo esta semana hasta el puesto 7 del Hot 100 y otorgando a la artista británica su segundo hit en el top 10 de la lista de Billboard. En Reino Unido, donde las normas no suelen permitir a los «featurings» de remixes acreditarse en las listas, ‘Stateside’ ha sido top 3. Eso sí, solo encontramos a PinkPantheress y no a Zara Larsson acreditada.

Bruno Mars, top 3 en Discos España; Leire Martínez se desploma

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Bruno Mars es la entrada más fuerte de la semana en la lista española de discos. Es otro signo más del gran éxito de su último disco, ‘The Romantic’, con el que está destinado a conseguir el número 1 en Estados Unidos. En los puestos más altos de la clasificación también han entrado ‘DEADLINE’ de Blackpink, en el número 5, y ‘Lúa’ de Andrés Suárez, en el 6.

La semana no ha resultado tan agradable para ‘Historias de aquella niña’, el debut en solitario de Leire Martínez. El esperado disco entró directamente al tercer puesto de la lista, pero ha caído hasta el puesto 22 y lo más probable es que siga bajando durante las próximas semanas. ‘LUX’, por otro lado, se mantiene en el número 4 con el mayor incremento en ventas esta semana.

En la primera mitad de la clasificación también recibimos los discos de Antonio José (‘Luz’) en el número 9, Hades66 (‘EL SEI66EIS’) en el 11, Gorillaz (‘The Mountain’) en el 13, La Ludwig Band (‘Pel barri es comenta’) en el 17 y 8belial (‘El príncipe’) en el puesto 47.

Mitski y sus gatitos consiguen su puesto en el número 63 de la lista con ‘Nothing’s About To Happen To Me’, mientras que Paul McCartney & Wings y Hey Kid completan la semana con las entradas de ‘Man On The Run’ (#89), a propósito del último documental del ex Beatle, y ‘Bienvenidos a nuevos lugares’ (#90).

‘Save Me Tonight’ podría ser un hit de Jennifer Lopez… en 2011

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El último lanzamiento de Jennifer Lopez junto a David Guetta no le va a sonar nuevo a nadie. No solo porque la superestrella lo haya estado cantando en su última gira mundial, sino porque pertenece a otra era del pop.

El EDM de ‘Save Me Tonight’ está construido para ser todo un hit, pero no es probable que lo sea fuera del contexto de un concierto de Jennifer Lopez. De hecho, el vídeo oficial de la canción se trata de un montaje de su performance en la gira ‘Up All Night’, mucho más espectacular que el propio tema.

‘Save Me Tonight’ tiene la estructura, el feeling y la repetitiva letra propias de canciones como ‘On The Floor’. Su house pasado por el filtro del pop pudo haber sido todo un acierto por aquella época, pero en pleno 2026 su lanzamiento parece más como un regalo a los mayores fans del artista, más que una propuesta seria.

¿La bailaríamos si sonase en una discoteca? Por supuesto. Más allá de eso, no tendrá mucho recorrido, excepto para los más nostálgicos del pop. La letra, en la que Lopez canta sobre el «toque» mágico con el que alcanzará la salvación, tampoco va a maravillar a nadie: «Estoy buscando algo / Que me haga sentir algo / Que no puedo ignorar».

Lero, en Girando Por Salas, mola porque no tiene una historia de éxito

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La de Lero es una historia con la que todo el mundo puede conectar, justamente porque está lejos de ser una historia de éxito. Desde su debut en 2020, el joven artista extremeño ha lanzado dos discos -‘Planetas’ (2023) y ‘Arena’ (2021)- y está a punto de presentar el tercero. Al margen del éxito comercial, la propuesta de Lero brilla por sí misma.

El artista de Monterrubio de la Serena, un pueblo de 2000 habitantes al sur de Badajoz, no encaja en ningún sitio. De eso justamente trata su propuesta, desde las letras hasta su ecléctico estilo musical. Sí que se podría comparar a los universos de stivijoes, por su constante ‘oversharing’, o Delgao, por su mezcla de estilos urbanos, pero Lero tiene su propio mundo interior.

La canción que abre su primer disco, ‘Desueño’, es un gran ejemplo de su música, comenzando con un audio que se siente personal a más no poder y una dulcísima melodía acústica, muy indie pop, solo para ser interrumpido por una base de trap suave. Aquí ya se vislumbraban los caminos sónicos a los que aspiraba Lero, que describe sus canciones como «feliztristes» de forma muy acertada.

Si comparamos aquella canción con su último sencillo, la diferencia es abismal. En ‘Lunes al sol’, sigue estando la guitarra indie y el toque urban en el delivery vocal, pero ahora la mezcla no levanta ninguna ceja. El momentazo de la canción llega con el gran sample de ‘Kids’, el icónico himno de MGMT, que Lero reconvierte de forma magistral.

El extremeño tampoco se ciñe a géneros o estilos concretos en ‘Caparica’ o ‘Mississipi’, en las que opta por una base de reguetón para acompañar un tema de indie pop. ‘Si hablaba de ti’, por ejemplo, define muy bien la propuesta de Lero mezclando lo contemplativo del indie con la inmediatez lírica del hip hop. En la breve ‘El rey de la montaña’, por otro lado, Lero abraza su lado más sensible: «Ahora mis canciones al fin sonarán», promete.

Este año, Lero forma parte de la programación del circuito Girando Por Salas, creado para facilitar a los artistas emergentes la posibilidad de tocar en salas fuera de su comunidad autónoma. Por esto mismo, el extremeño estará presentando sus canciones en diferentes recintos del país a partir de finales de marzo, comenzando por A Coruña.

Conciertos de Lero:
Sábado, 28 de marzo – FERROL (A CORUÑA) – Sala La Room
Sábado, 2 de mayo – LAS PALMAS DE GRAN CANARIA – Sala Faro
Viernes, 22 de mayo – TOLEDO – Sala Pícaro
Sábado, 23 de mayo – CIUDAD REAL – Sala Nice
Viernes, 29 de mayo – MURCIA – Sala Revólver
Sábado, 30 de mayo – ALMERÍA – Sala ClasiJazz

Lo de Harry Styles en Netflix: pros y contras

El nuevo disco de Harry Styles es mono. El único problema es que en su portada había una bola de espejos. Y el álbum nos ha dado muy poco de eso. El álbum se llama ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally‘, pero nunca imaginamos que lo de «occasionally» sería tan ajustado.

Se ve en ‘One Night In Manchester’, el directo que se ha subido este domingo a Netflix dos días después de grabarse en la ciudad británica. Harry Styles salta al escenario con planos cerrados, nada generales, con el montaje en principio incluso ocultando las dimensiones del arena para 20.000 personas donde el concierto tiene lugar. Por momentos la realización quiere convencernos de que estamos ante una grabación íntima, que incite tanto a la introspección como ‘Aperture’, primer single y, ejem, tema de «apertura».

Harry Styles interpreta el disco en orden, en principio sin concesiones al pasado. Antes del concierto nos advierte de que este no va a ser el montaje de su próxima gira. Es decir, vamos a ver algo escenográficamente muy austero. Simplemente es una interpretación con banda de todas las canciones de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’, aunque en un mundo dominado por el playback, lo de «simplemente» debería ir entrecomillado. La versión intimista de ‘Coming Up Roses’, del piano a las cuerdas, está entre los momentos destacados de un set 100% orgánico, muy cuidado en coros e instrumentación, gran parte de ella a cargo de mujeres.

Styles es un frontman encantador, que destaca por su elegancia y sus peculiares movimientos. Recuerda ser consciente de que es un privilegiado, parece saber muy bien dónde está, más tarde apelará a la necesidad de amor y bondad en un mundo «caótico» lleno de guerras. «La bondad es poderosa», reclamará en los últimos minutos del show, y ese es el mensaje que apuntar de todo esto.

El gran pero del concierto es la batalla que las nuevas canciones van a tener que lidiar con las viejas, que aparecen a modo de bis. «You know it’s not the same as it was» es un estribillo llamado a volverse en contra de Harry Styles. Nada puede equiparar a la locura que ‘As It Was’ todavía desata entre el público. El artista se arrodilla y calla cuando llega el momento de «Harry, you’re no good alone». También destacan los vientos en ‘Watermelon Sugar’. O la épica sublime de ‘Sign of the Times’, la canción con la que empezó todo (sorry, One Direction).

Como para tratar de que ‘Aperture’ tenga una oportunidad de acompañarlas en su setlist a través de los tiempos, Harry Styles la vuelve a interpretar por segunda vez, dando al show una bonita estructura circular. Y después, ‘Aperture’ suena una tercera vez mientras acompañamos a Harry entre bambalinas y aparecen los nutridos créditos del concierto. Hacer sonar un tema 3 veces en 90 minutos eran trucos radiofónicos para asentar un tema que estaba peleando por hacerse un hueco. Ahora tenemos los especiales de Netflix.

Bad Gyal / Más cara

«Me he permitido crear desde el disfrute, hacer los géneros que me gustan y que yo misma consumo». Esta es la máxima del segundo álbum oficial de Bad Gyal: hacer un disco «disfrutón» y publicarlo en los tiempos en que asoman los primeros rayos de sol de la temporada primavera/verano.

‘Más cara’ no es tanto un álbum que lleve a Alba Farelo a otro nivel artístico, como uno al que recurriremos mucho más de lo que en su semana de lanzamiento nos pensamos. Exactamente lo mismo que ocurrió con ‘La joia‘, aún en la lista de ventas española tras 100 semanas de permanencia, y certificado como disco de platino.

El segundo álbum de Bad Gyal empieza a tope, con un primer cuarto de vértigo en el que encontramos el nuevo single homónimo; ‘Un coro y ya :)’, que recupera el sonido R&B de finales de los 90 y principios de los 2000, asistida por un bajo espléndido; el hit ‘Da Me’, de vídeo excelente y rimas divertidísimas, algunas elípticas; o el merengue de ‘Noticia de ayer’. Una bomba rítmica y melódica en la que Farelo pasa página de alguien que la jodió, tirando de calle.

También en ese tramo encontramos un reggaeton old school vibrante llamado ‘Te daré’ que nos lleva a los tiempos de pioneros como Don Omar y Daddy Yankee.

Lo malo es que después el disco se va entregando a un sonido más genérico, rara vez sorprendente. Hay fórmulas agotadas en un disco de 19 pistas para cuando llegan cosas como ‘Perro’ y ‘Gatitas’. Ojalá más merengue, R&B y guiños a otros ritmos, pero la guaracha de ‘Fuma’ -uno de los dos temas co-producidos por Danja- es una excepción en un océano de producciones latinas algo básicas para situarse en 2026.

Los dúos se los goza, eso sí, especialmente los hechos con chicos -dice que necesitaría un manual para ser bisexual-. Tanto ‘Choque’ con Chencho Corleone (producida por Luny Tunes), como ‘La iniciativa’ con J Alvarez y ‘Última noche’ con Ozuna están entre lo mejor de ‘Más cara’. La química con todos ellos es evidente y no es de extrañar que Bad Gyal se sienta en su «prime» cantando sobre «condones» y «hierba» junto a un miembro de Plan B. Ese es el cometido de esta artista en este mundo.

Sus barras, además, están donde siempre. Los anhelos ultra «horny» de ‘De por vida’ («Mi única relación es con el alcohol»), los lemas de ‘Fa$hion Killa’ («Comprar caro no da clase») y los juegos «de to, tototó, tototó» de ‘De to’ hacen difícil averiguar cuál, de todas estas, será nuestra canción del verano particular. Y es que con Bad Gyal nunca se sabe. Mientras ‘Chulo pt 2’ sigue pegada, otros no hemos superado aún lo del culo empapao en Don Julio.

Russian Red, sensual en ‘Mentirosa’, detalla mini residencia

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Russian Red ha desvelado más detalles de su nueva era, ‘Rojo relativo’, que engloba el nuevo material musical de Lourdes Hernández y también la celebración de una serie de conciertos concebidos para recintos pequeños que formarán parte de una mini residencia. Este espectáculo se ha diseñado a imagen de «cabaret místico, elegante y surrealista». De momento se han confirmado 6 fechas en total entre el Café Berlín de Madrid y en El Molino de Barcelona.

El nuevo concierto de Russian Red se basará en el repertorio de ‘Rojo relativo’, que Hernández irá publicando por volúmenes, «canción por canción». Curiosamente, la nota de prensa oficial no habla tanto de álbum, como de «proceso musical» ligado al nuevo show.

El primer adelanto de ‘Rojo relativo’ recibe el título de ‘Mentirosa’ y ya puede escucharse. La sensual balada evoca el sonido ensoñador, melancólico y romántico de la primera Jeanette, pero en realidad se basa en ‘Se te olvida‘, el famoso maricahi de Javier Solís de 1960, el cual es una referencia melódica transparente en la grabación de Russian Red. Aunque, en ‘Mentirosa’, el tratamiento de la producción evoca una estética lynchiana y decadente, mientras Lourdes se define a sí misma no como embustera, sino como «increíble». «Yo no sé mentir, solo imaginar», canta la artista.

*Residencia Madrid – Café Berlín*
Sábado, 21 de marzo (estreno)
Sábado, 18 de abril
Sábado, 23 de mayo
Sábado, 13 de junio

*Residencia Barcelona – El Molino*
Viernes, 29 de mayo
Sábado, 30 de mayo

Lola Indigo revela su show ‘Romance de 1 Noche de Verano’

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Citando el ‘Romance sonámbulo’ de Lorca, Lola Indigo ha revelado las fechas de su nuevo show, ‘Romance de 1 Noche de Verano’, compuesto mayoritariamente por sus conciertos programados en festivales para 2026. “Nuevo año, nuevo show, nuevo tour”, ha escrito la artista.

Aunque Mimi Doblas no ha confirmado que la llegada de este nuevo espectáculo implique nueva música, parece que, al menos, la era Dragón queda definitivamente atrás, tras la celebración de ese Metropolitano que tantos dolores de cabeza le dio.

En total son 17 fechas para este nuevo show de posible inspiración gitana, aunque EuropaFM indica que faltan fechas por anunciar.

El ‘Romancero sonámbulo’ es el que incluye los versos «Verde que te quiero verde, verde viento, verdes ramas» y que Lola Indigo ha adaptado recientemente en directo, basando en la versión del Manzanita.

Romance de 1 Noche de Verano:
Tecate Emblema – México – 17 de mayo
GRX La Feria – Granada – 30 de mayo
Siente La Plaza – Almería – 6 de junio
Sevilla Icónica – Santalucía Sevilla Fest – Sevilla – 11 de junio
Los Conciertos del Parque – Asturias, Gijón – 19 de junio
O Son Do Camiño – Santiago de Compostela – 20 de junio
Bigsound – Valencia – 27 de junio
Rock in Rio – Lisboa – 28 de junio
Granca Live Fest – Las Palmas – 3 de julio
Bigsound Barakaldo – Bilbao – 4 de julio
Cook Music Fest – Tenerife – 16 de julio
Share Festival – Barcelona – 24 de julio
Doñana Music Experience – Huelva – 7 de agosto
Marenostrum Fuengirola – Málaga – 14 de agosto
Concert Music Festival – Cádiz – 15 de agosto
Concert Music Festival – Cádiz – 16 de agosto
Los Conciertos de la Muralla – Alcalá de Henares – 5 de septiembre

Franz Ferdinand, al ejército israelí por usar ‘Take Me Out’: «Sois asesinos»

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Franz Ferdinand se han declarado «asqueados» y «furiosos» después de que las Fuerzas de Defensa de Israel (IDF) hayan usado su canción de 2003, ‘Take Me Out’, en un vídeo propagandístico que muestra imágenes de aviones de combate, explosiones y a un soldado israelí celebrando los ataques del país contra Irán, que han dejado ya cientos de muertos. La leyenda de la publicación dice “Operación León Rugiente: así se hace”.

Ha sido Alex Kapranos, vocalista de Franz Ferdinand, quien se ha pronunciado sobre el perverso uso de su canción en el vídeo, señalando: “Estos asesinos belicistas están usando nuestra música sin nuestro consentimiento. Esto nos provoca tanto náuseas como furia. Aunque, en realidad, es algo bastante típico, ¿no? Llegar pavoneándose y tomar lo que no es suyo con una arrogancia vil…”

Es efectivamente «bastante típico» que tanto la Casa Blanca como las IDF usen canciones de pop en sus vídeos, dándoles inquietantes segundas lecturas. Recientemente, Kesha ha condenado a Trump por usar su éxito ‘Blow’ en un vídeo y una frase sobre «ser esposada» de ‘Big Boy’ de SZA servía a la Casa Blanca también para promover al ICE y sus detenciones.

Otros artistas víctimas de las malas artes de la Casa Blanca han sido Radiohead y Sabrina Carpenter, quienes han criticado duramente el uso que se han realizado de sus canciones y tomado medidas legales contra ello. SZA ha sido una de las pocas artistas que ha ido un poco más allá, señalando la intención «rage bait» de este tipo de publicaciones, es decir, su uso como «anzuelo» en redes para que los artistas piquen y comenten los vídeos, ampliando sus visualizaciones.

A raíz de las palabras de Kesha contra el «depredador» Trump, el jefe de comunicación de la Casa Blanca, Steven Cheung, se burlaba de los artistas por seguir «picando» a las provocaciones del presidente de Estados Unidos, pero lo cierto es que tienen dos opciones, o pronunciarse o quedarse callados.

La mayoría de los artistas ha firmado contratos con discográficas que autorizan la licencia de sus catálogos a plataformas como TikTok o Instagram, lo que permite que cualquier cuenta -incluida la del ejército israelí- use sus canciones sin autorización previa y con intención maliciosa. Por eso, incluso Taylor Swift, que es dueña de los másters de sus propios temas, no pudo impedir que la Casa Blanca utilizara ‘The Fate of Ophelia’ en un video “patriótico”.

Por eso, a artistas como Kapranos, Kesha o Radiohead solo les queda expresar públicamente su repudio e indignación al uso que el ICE o las IDF realizan de sus canciones, con esa “arrogancia vil” a la que Kapranos precisamente alude. Al menos Sabrina Carpenter logró que la Casa Blanca borrara un vídeo del ICE tras tacharlo de «vil y asqueroso», pero esto desgraciadamente no suele ser lo habitual.

Gorillaz debutan en SNL tocando un tema nuevo y un clásico

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Tras las recientes presentaciones de Geese, Cardi B y Mumford & Sons en Saturday Night Live, este sábado ha sido el turno de Gorillaz. El grupo de Damon Albarn ha actuado en el programa estadounidense para presentar su nuevo disco, ‘The Mountain‘. No es solo la primera vez que una banda virtual pisa ese escenario, sino también la primera vez que lo hace Damon Albarn. Oasis no puede decir lo mismo, ya que el dúo de hermanos Gallagher actuó en Saturday Night Live en 1997.

Durante la noche de Gorillaz hubo un gracioso cameo de Harry Styles, que ha publicado disco este viernes, durante el monólogo de Ryan Gosling, quien fue también la persona encargada de introducir a Gorillaz antes de cada canción. Styles apareció sentado en las gradas para recordar que participará en el show la semana que viene como artista invitado y presentador.

Volviendo a Gorillaz, el grupo tocó un tema nuevo, ‘The Moon Cave’, y un clásico del año 2000, ‘Clint Eastwood’, y ambas actuaciones sumaron decenas de músicos sobre el escenario, porque, además de artistas invitados, en ‘The Moon Cave’ participaron coristas y un ensemble de cuerdas. ‘The Moon Cave’ contó con Asha Puthli, Black Thought y Anoushka Shankar, y ‘Clint Eastwood’ con el rapero Del the Funky Homosapien, quien aparecía en la grabación original hace más de dos décadas. Mientras Homosapien rapeó, Albarn tocó la melódica, una especie de teclado soplado similar al acordeón.

‘boyfriend’ es el bop con que conocer a 2charm

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“Nunca estarás solo en Barcelona” es uno de los títulos del disco de 2charm, el dúo de dos “encantadores” chicos australianos que se ha dado a conocer en el último par de años con un sonido que se debate entre el indie-techno-pop, el EDM de los 2010s y el hyperpop. Tim Nelson y Sam Netterfield, naturales de Brisbane, crean música inspirada en artistas como Skrillex o SOPHIE, y que colaboren con figuras como Ninajirachi tiene todo el sentido al escuchar sus canciones.

Cualquiera que esté versado en pop australiano recordará que Tim y Sam fueron integrantes de la banda Club Sport, cuyo disco ‘Jesus at the Gay Bar’ (2023) alcanzó el número 1 en la lista de álbumes australiana. Hablando de cosas gays, Tim y Sam están casados.

Su nuevo proyecto, aparte de su matrimonio, es 2charm, con el que lanzan pegadizas y desenfadadas canciones de pop electrónico que coquetean con diversos estilos modernos, incluyendo el dubstep, el house y el baile funk. Su disco ‘star scum city’ se puede escuchar desde finales de febrero e incluye temas de ecos indie-house como ‘pregorative’, ‘invisible wings’ o el citado más arriba.

Aunque el verdadero single que debes conocer de 2charm es ‘boyfriend’, que supera ya el millón de escuchas porque es el mejor que han publicado hasta ahora. Por eso es la Canción Del Día para hoy lunes.

‘boyfriend’ sitúa a dos personas coqueteando en una fiesta, inseguras de si la otra está interesada: “No sé qué decir, tú empiezas a acercarte a mí, mis ojos me delatan, te miro con ternura”. La producción musical tiene una clara inspiración house-pop, pero las voces están subidas de tono, pareciendo emitidas por el dibujito animado que decora la portada del álbum.


Una mujer, detenida por disparar contra la casa de Rihanna

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Una mujer de 30 años ha sido detenida como sospechosa de haber efectuado alrededor de diez disparos contra la casa de Rihanna en Beverly Hills (Los Ángeles) desde su vehículo, según informan medios como The Guardian o TMZ.

El tiroteo se produjo el domingo y las autoridades respondieron al aviso a la 1:21 PM, momento en el que detuvieron a la sospechosa. Según fuentes policiales, los disparos se realizaron desde el otro lado de la calle, frente a la entrada de la propiedad.

Rihanna se encontraba en el interior de la vivienda durante el incidente. De acuerdo con medios locales, una de las balas llegó a atravesar una de las paredes de la casa, aunque no se han reportado heridos.

Por el momento se desconoce si su pareja, el rapero A$AP Rocky, y sus tres hijos estaban con ella en el momento del suceso.

Tres brillantes novelas gráficas hechas por mujeres

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‘Malas ideas’, por Carlota Juncosa

‘Malas ideas’ es un curioso relato documental sobre el grafiti y el arte urbano callejero. Ya se percibía un estilo propio en el primer trabajo de Juncosa, ‘Carmen de Mairena. Un intento de biografía’, y aunque ‘Malas ideas’ es su tercer trabajo, es el primero que se presenta en formato gráfico al 100%. En ‘Malas ideas’ la autora recurre a dos recursos para moldear el relato: por un lado a las entrevistas, y por otro a su experiencia personal en la Barcelona de los años 90. Ambos caminos permiten reflexionar y proporcionar recuerdos bastante divertidos a los grafiteros más ilustres; y a los profanos, un paseo lleno de conocimientos muy jugosos.

En su contra, un dibujo poco llamativo, que recuerda al de Liv Strömquist y que puede que espante a los más prejuiciosos. A favor, un sentido del humor y una habilidad para hacer accesible un tema que podría resultar árido, lo que es de agradecer y nos deja atentos a futuros proyectos. 7,5.

‘Santa carencia’, por Cecilia Vårhed


Es justo reconocer a La Granja Editorial esta primera publicación de la sueca Cecilia Vårhed. Entre otras cosas, por la audacia de retratar a una nueva generación pletórica de sensibilidades. Sin tintes autobiográficos, recoge cómo interactúan un grupo de amigos, cómo deambulan en el ámbito social y sentimental, donde las vivencias individuales se convierten en colectivas.

‘Santa carencia’ nos habla de citas fallidas y procrastinar, de cierta dependencia entre colegas. Entre los personajes, un experto en citar podcasts y marcas deportivas sin interesarle el deporte lo más mínimo. Una flipada en internet que dice que tirar comida “le da glamour”. Una amante poliamorosa que decreta lo que es feminista y lo que no. Y Amor, la protagonista, una veinteañera que busca trabajo y acaba de romper con su novio. Con humor y nostalgia, presenciamos situaciones absurdas y otras que producen vergüenza ajena.

Es inevitable la conexión, en cuanto a chispa narrativa, con Simon Hanselmann, sin llegar a su alto voltaje. Y en cuanto a la paleta de colores, con la reciente ‘Fungirl’ de Elizabeth Pich. Pero su carta ganadora es sin duda su potencial gráfico: la utilización de las deformaciones corporales exageradas de sus protagonistas, los paisajes psicodélicos, la luz en precisos encuadres y los referentes al manga convierten ‘Santa carencia’ en gracia bendita. 8.

‘En vela’, por Ana Penyas


La valenciana Ana Penyas, Premio Nacional del Cómic 2018 por ‘Estamos todas bien’ -por primera vez entregado a una mujer tras 11 entregas anteriores masculinas– busca dar respuesta en esta nueva entrega a una pregunta que siempre nos ronda: ¿Qué nos quita el sueño?

Cerca de un episodio de ‘Equipo de Investigación’ por Glória Serra, la autora trata la precariedad laboral, la hiperconexión digital, las desigualdades económicas y por supuesto el consumo de barbitúricos por la sociedad actual. Lejos de un titular de prensa amarilla, ‘En vela’ aborda todas esas problemáticas con pocos textos y viñetas sutiles, porque la imagen vale más que mil palabras. Evita así la sobrecarga de testimonios, manteniendo al lector conectado con la historia.

El trabajo de Penyas está estructurado en seis noches y un día. Entre medias, dos páginas mudas nos muestran cómo dormían nuestros antepasados o distintas capas sociales. Las representaciones visuales de los personajes demuestran un dominio milimétrico del medio, a la par que innova y evoluciona respecto a su obra anterior ‘Todo bajo el sol’. El uso de tonos oscuros le dan un punto único, y los momentos oníricos sirven para desatar la experimentación y la creatividad de la autora. 8,2.

paco te quiero / hay un pez naranja en el suelo del metro

Ir a la escuela de cine no siempre resulta en una profesión tras las cámaras, pero estar rodeado de gente con inquietudes artísticas propicia la creación, incluso si esta no está particularmente relacionada con la disciplina que estás aprendiendo. En ese contexto surge paco te quiero, cuando cinco amigos estudiantes de cine en Barcelona deciden probar a hacer un grupo de música. Algo más tarde, se incorporaría un sexto miembro. Lo que empezaba como un mero divertimento sin mayores pretensiones, se ha acabado convirtiendo en un proyecto con una identidad propia, que tras varios EPs, ha desembocado en un álbum debut titulado ‘hay un pez naranja en el suelo del metro’, que ilusiona, y mucho, tanto por lo que ofrece, como por el enorme potencial que se vislumbra.

El primer disco de la banda barcelonesa presenta un sonido tan sólido que pareciera que llevaran muchos más años tocando juntos. Manejan unas referencias muy claras: el indie-rock de los 90 (viene a la mente Teenage Fanclub, por ejemplo) y el power pop de finales de los 2000 y principios de los 2010s como The Pains of Being Pure at Heart o Alvvays, con quienes comparten especialmente su gusto por las melodías dulces acompañadas de distorsiones instrumentales.

Pero lo que realmente resulta refrescante en el proyecto es que han sabido adaptar estas influencias a su propia realidad. Nunca parece que lleven un disfraz ni que se estén esforzando por imitar a ningún grupo en particular. Si paco te quiero suenan así, es porque ahora mismo no podrían sonar de otra manera.

Buena parte del mérito lo tienen unas letras que saben dar con la tecla perfecta para ser emocionales y profundas cuando tienen que serlo, pero también para ser divertidas cuando conviene. A veces todo dentro de una misma canción. Es particularmente brillante el contraste entre la preocupación real de la narradora ante el círculo en el que se mueve una de sus amigas y la sátira que se hace a cierto tipo de individuos cuarentones depredadores de chicas veinteañeras en ‘tus amigos’. “Tus amigos van de aliados, pero después de un gintonic se han olvidado” es una de las grandes frases que cantan Gloria y Lucía, con un tono entre lo socarrón y lo dramático que le sienta de maravilla a la ya de por sí excelente composición, cargada de capas y capas de sonido distorsionado. “Creo que te equivocas cuando dices que los tienes calados”, culminan, dejando a la producción en punto tenso.

Muchas de las canciones reflejan las experiencias propias de tener veintitantos en una gran ciudad y en un mundo que cambia muy deprisa. Las relaciones frustradas y complejas se reflejan en canciones como ‘600,000’, donde se narra la imposibilidad de olvidar a alguien. El tema nos traslada mediante un insistente teclado y un eufórico estribillo rockero, a un entorno muy concreto de gente con tote bags que bebe vino comentando la última película que han visto en la filmoteca. En ‘te quiero, te quiero’ se exploran los celos sobre un atmosférico manto de instrumentos enmarañados. Mientras que la batería de ‘qué más da’ impulsa unos versos que retratan el hastío existencial provocado por una relación fallida, hasta explotar en un estribillo cargado de sentimiento.

El cansancio vital ante las imposiciones de la vida moderna está reflejado en ‘cansada’, una canción dividida en dos, con una primera parte guiada por una sugerente línea de guitarra y una segunda en la que acaba por entregar otro efectivo número de power pop. La crítica a la gentrificación aparece en ‘cuando despierto’, en una ciudad donde desde la ventana ya no se ve el parque en el que la protagonista jugaba de pequeña, ahora solo se ven enormes bloques de hormigón. Esta melancolía, que tiene un espacio importante en el disco, a veces también se presenta con mucho sentido del humor, como en la estupenda ‘lo olvidarás’: “Me cogías la mano y me la apretabas en un pogo del Chavalada, al salir del Helio fumábamos mil cigarros, nos pedían fuego los indie-guarros”.

Dos de los mejores momentos aparecen juntos en la mitad de la secuencia. Por un lado, la oscura ‘iPhone’, una canción sobre el vacío que pueden provocar los líos de una noche, engalanada en una instrumentación densa e inquietante; y por otro, la majestuosidad shoegaze de ‘sólo contigo’, el corazón del álbum. Una canción que transporta a otra época, como si alguien la hubiera guardado en un cajón en los años 90 y no se hubiera descubierto hasta ahora. Muy en la línea de Slowdive, Drop Nineteens y otras bandas de dream pop de la época, que enfocaban el género hacia lugares más melódicos que, por ejemplo, My Bloody Valentine.

En ‘hay un pez naranja en el suelo del metro’, paco te quiero logran una labor muy complicada. Su música es abiertamente referencial, pero su personalidad sobresale en cada una de las canciones que lo conforman. Los temas que se tratan y su manera de acercarse a ellos logran capturar de manera brillante las preocupaciones de la gente joven de hoy en día, sin olvidarse nunca de ser divertidos. Como resultado, les ha quedado un primer disco precioso.

Nebulossa, Bruno, Ava y 1111, en el top 40 de JNSP

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Rosalía recupera el número 1 de JNSP con ‘Reliquia’ con el 37% de los votos, frente al 32% obtenido por Martin con ‘Otro verano’ en la final de Instagram. La entrada más fuerte es la de Nebulossa, seguida de la de Bruno Mars. Ava Max y los noveles 1111 también logran colarse en el top 40, pese a no tener la promoción que está obteniendo ‘Risk It All’.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 3 Reliquia Rosalía Vota
2 1 1 7 Otro verano Martin Vota
3 3 3 2 Dying for You Charli XCX Vota
4 10 1 20 Nuevos recuerdos Martin Vota
5 9 5 2 T AMARÉ Tony Grox, LUCYCALYS Vota
6 5 5 2 White Feather Hawk Tail Deer Hunter Lana del Rey Vota
7 7 7 3 Lucky Again Lykke Li Vota
8 8 1 Vogue Nebulossa Vota
9 8 2 6 I Could Get Used to This Jessie Ware Vota
10 6 6 2 TICTAC Maria Arnal Vota
11 14 3 5 So Easy (To Fall In Love) Olivia Dean Vota
12 22 12 4 Homewrecker sombr Vota
13 13 1 Risk It All Bruno Mars Vota
14 4 2 6 Aperture Harry Styles Vota
15 30 11 3 I’ll Change for You Mitski Vota
16 11 8 4 A veces Ana Torroja Vota
17 12 4 4 Opalite Taylor Swift Vota
18 18 1 8 Talk to Me Robyn Vota
19 19 1 Kill it QUEEN Ava Max Vota
20 19 1 18 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor Vota
21 29 5 57 M.A.P.S. Amaia Vota
22 15 5 5 Streets of Minneapolis Bruce Springsteen Vota
23 27 17 4 DANCE… Slayyyter Vota
24 31 19 3 Hasta Jesús tuvo un mal día Ca7riel & Paco Amoroso, Sting Vota
25 23 1 17 La Perla Rosalía Vota
26 20 5 7 Orange County Gorillaz, Bizarrap, Kara Jackson Vota
27 40 2 9 Despierto amándote Miranda!, bailamamá Vota
28 13 13 3 Una muerte ideal Rodrigo Cuevas, Grande Amore Vota
29 16 16 5 Caught in the Blink of an Eye Ladytron Vota
30 30 1 La línea de puntos 1111 Vota
31 17 10 4 Ya no llueve dani dicostas Vota
32 26 18 4 Immortal Love MIKA Vota
33 21 4 8 I Just Might Bruno Mars Vota
34 36 3 16 Dopamine Robyn Vota
35 24 5 6 Opening Night Arctic Monkeys Vota
36 25 8 7 TENTACION Ralphie Choo Vota
37 32 29 3 God’s Lonely Man Anna Calvi Vota
38 39 19 5 L.U.C.K.Y. Fcukers Vota
39 28 2 22 com você Judeline, Amaia Vota
40 35 23 4 The Scythe The Last Dinner Party Vota
Candidatos Canción Artista
Sacrificio Triángulo de Amor Bizarro Vota
El hombre planeta Alcalá Norte Vota
Los paracaídas Samuraï Vota
AURAAA marquitos Vota
Mala mía María José Llergo Vota
What You Want Angèle, Justice Vota
Brutus Em Beihold Vota
Silently Puma Blue Vota
Lo dejé pa mañana CURRO Vota
American Girls Harry Styles Vota

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