Paulo Londra era uno de los artistas latinos más exitosos del momento. Llegó a ser el argentino más escuchado en Spotify. Sus singles y álbumes llegaban al número 1 de las listas españolas y rompían récords. Sus cifras en las plataformas de streaming eran -y siguen siendo- astronómicas. Colaboraba con gente del tamaño de Ed Sheeran. Pero en el mejor momento de su carrera, allá por 2019, Londra desapareció del mapa sin dejar rastro.
En esta época de consumo musical voraz, el trapero Paulo Londra lleva casi tres sin sacar disco. Ni siquiera single. ‘Homerun‘, su último álbum de estudio, vio la luz en mayo de 2019, y su último sencillo publicado, ‘Party’ con A Boogie wit a Hoodie, llegó unos meses después, en septiembre. Desde entonces, la nada. Desierto. El motivo es legal: Londra ha estado durante dos años sumido en una disputa contra su productora, Big Ligas, por los derechos de sus canciones.
En 2020, el autor de ‘Adán y Eva‘ comunicó su separación profesional del productor Daniel Oviedo, conocido por el alias de Ovy on the Drums, y del presidente de la productora/discográfica, Cristian Kristo Salazar, conocido por el sobrenombre de KristoMan. Londra los acusó de haberle hecho firmar mediante engaños un contrato de exclusividad que les permitía aprovecharse injustamente de su trabajo y perjudicarle a él, un contrato que caducaba en 2025 y en el que además Londra no constaba como «socio/artista» real según descubrió después.
El músico contó entonces: «Kristo vino con unas fotocopias, una lapicera cara y un filmaker, y me dijo que íbamos a hacer un video para subir a las redes, y entonces nos hizo ponernos de espalda y me dijo que firme unas fotocopias mientras nos filmaban. Pensé que era un simple vídeo y nunca pensé que eso fuese un contrato». También detalló que Ovy y Kristo se añadieron a los créditos de ‘Nothing on You’, su colaboración con Ed Sheeran, de manera injusta: «Ni siquiera en la canción con Ed Sheeran logré puntos de autoría correspondientes. Kristo y Ovy se agregaron puntos de esta canción, siendo que no hicieron el beat ni mi letra. Lo único que querían era estar entre cualquier acercamiento de Ed Sheeran a mí para bloquearme e impulsar sus propias carreras».
En noviembre de 2021, el caso se resolvió en los tribunales de manera amistosa y, tras dos años de infierno, Londra ha anunciado recientemente su feliz vuelta a la música tras haber firmado un acuerdo millonario con Warner Music Latina. El argentino ha comunicado que está «feliz por esta nueva etapa», y ha señalado: «Esperé y pasé por mucho para poder hacer lo que amo. He pasado por malos momentos, ahora llega el tiempo de los buenos, por eso he empezado a disfrutarlo». 2022 será, por tanto, el año de regreso de Paulo Londra: su nuevo material sigue en el cajón, pero por lo menos ya no habrá que pasar dos años y una pandemia para escucharlo.
Fernando de la Flor pasó de Gente Joven a Ofrenda Floral con un EP titulado ‘Las flores no me odian’ en 2019, editado por Kocliko Records. Este ‘Las espinas’ sería su debut “largo” (y el debut del sello leonés Discos La Mona), a pesar de que apenas dure 25 minutos. Debería haber aparecido en octubre de 2021, pero las largas esperas en las fábricas de vinilo han retrasado su publicación hasta el pasado mes de febrero.
Fernando explicaba en una entrevista en el Diario de León que estas canciones son fruto del confinamiento y la desgracia familiar. Su padre falleció en la primera ola de la pandemia, y este disco es homenaje y duelo. Un duelo que es más alegría por haberle tenido que pena por la pérdida. Y aunque, dice, ‘Las espinas’ marque un punto y aparte en su vida, musicalmente hablando, recupera la senda de Gente Joven, de la que parecía haberse apartado levemente en ‘Las flores no me odian’. Aquí Fernando recupera su sonido más clásico, ese que entronca a Family con Vainica Doble en baja fidelidad, con todas esas características que nos enamoraron desde el principio: canciones en apariencia simples pero de enorme calado emocional, su manera de cantar susurrada, queda y emotiva, con la voz de Beatriz replicando gran parte de los versos y esa manera de escribir tan suya, que convierte cada letra en un romance. Aunque también hay deliciosos escapes de la ortodoxia floral.
El duelo se hace patente nada más empezar. La primera, en la frente: ‘Las espinas’, la canción, es un dechado de sensibilidad, simple y directo, que recoge de manera hermosa la pérdida de los seres queridos: “Qué miedito me da hacerme viejo / sin padres ni hijos”, arrancan Fernando y Beatriz, pero acaban con cierta alegría por haber podido compartir tiempo y espacio con las personas amadas. A continuación ‘El iglú’ es una de las mejores canciones que jamás ha escrito Fernando, obsesionante y sincopada, de estribillo recogido y embrujado. ‘Guindos y Plagas’, es muy Vainica Doble o Cecilia, tan llena de rancio abolengo setentero e hispánico. Aquí es Elle Belga quién acompaña a Fernando.
‘El Cuerpo extraño’ sería uno de los, precisamente, deliciosos “cuerpos extraños” del disco, bañado de techno-disco lo-fi a la New Order, y la canción que más y mejor retrata el confinamiento: “Recomendadme series / mientras agonizo en la cama”, relata irónico y tierno Fernando, en contraste con el expreso deseo final de poder salir a bailar. O ‘Doble ciego’, que tras un inicio también espacial, rompe en una alegría rumbera cantada por David Rodríguez de La Estrella de David a dúo con Beatriz. ‘Macarras’ o’ ‘Amason’ son clásicas del saber hacer de Fernando, aunque ‘Amason’ (con Daniel Flamaradas) arranque con un guiño a la canción americana.
El cierre del disco es tierno, con la casi juglaresca (a la manera de Magnetic Fields) y alegre ‘Álamo’, donde Fernando y Beatriz se despiden entonando: “sigue adelante con un caballo bajo guirnaldas, rojas y blancas de una verbena, por un camino claro y bonito lleno de estrellas». Un final dulce, que quiere alejar las penas. Y que nos deja, una vez más, la sensación de que Fernando sigue dando vueltas a su universo, ofreciendo siempre las mismas canciones… Pero qué bien y qué bonitas las hace. Y cada vez mejor.
Thom Yorke ha estrenado ‘5.17’, una de las dos canciones que ha cedido a la serie británica ‘Peaky Blinders’. La otra se titula ‘That’s How Horses Are’ y sale el 3 de abril. El creador de ‘Peaky Blinders’, Anthony Byrne, anunció el mes pasado que Yorke y Greenwood habían participado en la banda sonora de la serie, que emite ya su sexta y última temporada.
‘5.17’ es otra balada lánguida de Thom Yorke, y en este caso viene dominada por el sonido del piano y el de una cama de cuerdas que crean un ambiente de suspense. El sonido onírico de ‘5.17’ recuerda al de la banda sonora de ‘Suspiria’ firmada por Yorke o al de baladas de Radiohead como ‘Pyramid Song’, y su título puede hacer referencia a un versículo de la Biblia.
Yorke no es muy dado a publicar material en solitario, pero en los últimos tiempos sí ha editado un álbum a solas, ‘ANIMA‘, y después también ha participado en la banda sonora de la película de ‘Motherless Brooklyn’, estrenada ese mismo año, con otra balada al piano llamada ‘Daily Battles’.
La nueva canción de Thom Yorke llega en el mismo año que su nueva banda de post-punk, The Smile, ha de publicar su álbum debut. De momento los singles ‘You Will Never Work in Television Again’ y ‘The Smoke’ ya están disponibles en las plataformas, y en directo el grupo ha presentado otro puñado de canciones que permanecen inéditas.
Los Enemigos están de gira tras los dos años de parón provocados por la pandemia, y por supuesto siguen presentando su disco ‘Bestieza‘, que salió a principios de aquel fatídico mes de marzo de 2020 y sobre el cual tuvimos oportunidad de hablar con la banda entonces, y cuya gira se hubo de posponer por la razón expuesta. Sin embargo, su regreso a los escenarios ha sido accidentado, al menos, en relación a uno de los conciertos programados en la gira.
El viernes, Los Enemigos tocaron en Santiago de Compostela y ofrecieron un concierto errático después que Josele Santiago se tomara dos veces su medicación por error, relata el grupo en un comunicado enviado por correo electrónico a los asistentes.
La doble toma de medicamento provocó una «reacción bomba» en Santiago, que mezcló letras de canciones y fue incapaz de terminar alguna canción durante el recital, informa La Voz de Galicia. No obstante, el grupo señala que Santiago «hizo todo lo posible para poder terminar el concierto a pesar de no encontrarse en las mejores condiciones», y el periódico gallego informa que el público se mostró mayormente comprensivo con la situación.
Ante las circunstancias, Los Enemigos se han disculpado con el público: «Después de dos años de espera anoche en Compostela no tuvimos nuestro mejor día. Somos muy conscientes de que no hicimos el concierto que os merecéis, y estamos muy jodidos por ello. Desde ya os pedimos disculpas».
Pero la cosa no se ha quedado en una disculpa y Los Enemigos han decidido compensar a la audiencia invitándola al bolo siguiente dado que «todavía hay capacidad para que muchos de los que estuvisteis ayer podáis disfrutar hoy», en referencia a los conciertos del viernes y el sábado. Además, el grupo ha anunciado que devolverá el dinero de las entradas a quien no haya podido o querido asistir al concierto del sábado. Un gesto que honra a Los Enemigos.
Omar Apollo es una de las nuevas estrellas del pop alternativo. Su single ‘Ugotme’ ha sido un éxito en las plataformas de streaming y especialmente su tercer trabajo ‘Apolonio’ le ha puesto en el mapa gracias a temas tan recomendables como ‘Want U Around’ o ‘Kamikaze’ que merodean un punto medio entre el pop, el funk y el R&B alternativo.
Tras haber colaborado con C. Tangana en ‘El Madrileño’, Omar está de vuelta este año con su cuarto álbum de estudio. ‘Ivory’ verá la luz el 8 de abril y cuenta ya con cuatro singles de adelanto: ‘Go Away’ salió el pasado mes de julio, la balada ‘Bad Life’ con Kali Uchis en noviembre, ‘Invincible’ con Daniel Caesar el pasado mes de febrero y ‘Killing Me’ es una de las novedades que ha dejado esta última semana.
Cuando aún se desconoce el tracklist oficial de ‘Ivory’ a pesar que queda tan solo un mes para su publicación, ‘Invincible’ pasa hoy sábado por nuestra sección «Canción Del Día».
Es una canción minimalista, en la que apenas una melodía de guitarra eléctrica íntima y un modesto beat electrónico que va emergiendo y sumergiéndose durante la grabación, acompañan a las voces de Caesar y Apollo, que cantan como dentro de una cueva, sumidos en la más absoluta oscuridad, abrazados por la reverberación. La canción transmite un enorme espacio, al que los intérpretes nos invitan con su voz.
El sonido de ‘Invincible’ quizá va acorde con su mensaje, pues la canción reflexiona sobre la muerte en el contexto de una relación. Caesar y Apollo terminan de manera inesperada dentro de una ambulancia y preguntan a su persona amada: «¿si me fuera, te darías cuenta?» Entre menciones a Frida Kahlo o al 2CB, ‘Invincible’ busca reconfortar en un momento de incertidumbre, y lo consigue.
Durante los últimos días las crónicas de la prensa se han deshecho en elogios hacia la gira de C. Tangana, ‘Sin cantar ni afinar’, con algunos medios incluso titulando que esta es «una nueva forma de llenar estadios». Dedicamos el nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, a tratar de dilucidar qué ha aportado la gira de El Madrileño a la historia de la música en directo, cuánto nos estamos dejando llevar por la emoción de volver a ver macroconciertos sin distancia de seguridad y valoramos las críticas negativas que también hemos escuchado en los últimos días en redes sociales.
Este es el orden del día:
-Los posibles referentes de este directo: de Kanye West a Alejandro Sanz
-La (im)probable influencia de Madonna (Diana Kunst) y… ¿Nine Inch Nails?
-Los conciertos sin mascarilla cuando todavía no está permitido
-La inesperada recuperación de ‘Antes de morirme’, sin Rosalía ni beef
-Los 30 colaboradores y los 20 pantallazos de créditos que nos ha pasado su promotora Get In
-Dolor y gloria: las críticas negativas en redes y comments, y las crónicas de la prensa generalista.
-¿De verdad hay gente que piensa que la prensa y Sony tienen poder para montar este hype sin fundamento?
-Puchito pulsa los botones del límite de la caspa: De ‘Lobo hombre en París’ a ‘Suavemente’.
-¿Soportaríamos un featuring de Alejandro Sanz? ¿Y de David Bisbal?
-Los nombres involucrados en el espectáculo: Pepe Gay de Liébana, Kigo, Gus Gómez, Leyla Rodríguez, Víctor Martínez… La reivindicación del talento nacional.
Sin embargo, ‘Voy a morir’ sigue siendo un gran tema, para el que hace tan sólo unos días Luna Ki estrenaba un videoclip, casi al mismo tiempo que estrenaba un nuevo single llamado ‘Febrero’. ‘Voy a morir’ es hoy nuestra «Canción del Día», pues no nos hemos olvidado nunca de los numerosos aciertos de la composición ni de su espíritu rockero por la vía de Rina Sawayama, parte de Poppy y parte de Grimes. Es difícil aquí dilucidar cuál de los dos estribillos es el mejor, si el rabioso de «voy a morir, voy a matar» o el de «Me he tomado una aspirina / Ya no voy al cole y he quemado un coche», distinto melódicamente y enérgico como un Red Bull.
Aunque el vídeo tiene sus coitus interruptus al alargarse demasiado, cuenta con su dirección artística muy reivindicable, y sobre todo con un punto de humor post-Benidorm Fest en el que vemos un montón de carteles de LUNA KI DESAPARECIDX, a la prensa especulando si se ha quedado mudx… y sobre todo a Luna Ki activando el botón del Auto-tune, un debate recurrente en la prehistoria, allá por el mes de enero de 2022.
«Al principio todo es muy bonito y te da una energía increíble, pero la verdad es que no es todo oro lo que reluce. Como todo tiene su parte buena y mala. Sin embargo, ante todo, hay que mantener los pies en el suelo porque esta situación no tiene por qué perdurar siempre». Foto: Michael Ferire.
Stromae nos dejaba esta declaración en una entrevista promocional tras ‘Racine Carrée’ en 2015, con motivo de una actuación en el FIB que no se produjo por enfermedad. Poco podíamos vaticinar que su tercer álbum tardaría casi una década en llegarnos. O que el artista incluso anunciaría su retirada. El caso es ‘Multitude‘ es una realidad, es de hecho nuestro «Disco de la Semana», y es una gozada escuchar al artista hablar sobre el mismo, dejando una retahíla de titulares.
JENESAISPOP distribuye para España esta entrevista promocional del artista que, pese a la frialdad del formato, es interesante en la revelación de muchas curiosidades en torno a la grabación del álbum. Comenzando por que, pese a que este largo será recordado siempre por la promoción televisiva de ‘L’enfer’, un tema que habla sobre el suicidio, Stromae no lo considera un álbum personal. «Tengo problemas con ella, porque todavía no sé exactamente de qué va la canción. Quizá sobre nuestros demonios, nuestro lado oscuro, con el que tenemos que lidiar a veces, los momentos difíciles por los que pasamos, especialmente dentro de nuestras cabezas».
En 2015 Stromae nos decía que no veía que su música hablara de temas tan personales: «Bueno, sí, pero no tanto como desde fuera se puede llegar a pensar. Siempre intento ser lo más impersonal posible. Soy como una esponja que intenta absorber todo lo que ocurre a mi alrededor, aunque ya te digo que si hablara solamente de mis cosas resultaría mucho menos interesante para la gente». Y ahora en 2022 se mantiene en sus trece: al escribir letras con Orelsan, como ya había hecho en ‘Racine carrée’, Orelsan le dijo algo interesante, que estaba viendo en él «algo glorioso, algo combativo». Stromae explica ahora: «Me resultó interesante porque yo no me había dado cuenta. Pensé: «esto va de curarme, es una batalla contra la enfermedad, pero no quería que fuera demasiado personal. No estoy interesado en hacer un disco ultra-personal. Hay algo de mí en él, es inevitable, pero cuando escucho un disco que es demasiado personal, no me conmueve de verdad. Así que en cuanto a lo de curarme, pensé para mis adentros: «no estás solo en la lucha de una enfermedad». Y por eso pensé que el disco tenía sentido».
Por si alguien está pensando qué discos personales no le gustan al artista, desde luego no se refiere precisamente a Adele, porque Stromae es tan fan que llegó a pedirle que colaborara en el álbum. Al final, no hay ningún featuring: «Tenía que tener sentido. A veces, creo que sé dónde va un álbum y me aferro a ello. Quizá incorrectamente. Y los «featurings» que me ofrecían no eran realmente… no encajaban en la dirección artística del álbum, que era una mezcla de inspiraciones alrededor del mundo. Al final, los invitados no iban a encajar realmente. Además, el aspecto folclórico y tradicional tenía que estar presente en los featurings si es que tenía que haberlos. Sí mandé una petición, que no iba en la dirección correcta, así que fue totalmente estúpida, a Adele. Mostró algo de interés, pero no pasó. Y al final me di cuenta de que estaba totalmente fuera de la línea del disco. Soy tan fan, que podría haber encontrado una manera de que encajara. ¡Habría encontrado una manera!», bromea finalmente.
«Adele mostró algo de interés por salir en el disco, pero no pasó. Y al final me di cuenta de que estaba totalmente fuera de la línea del álbum»
En cuanto a lo de «glorioso» y «combativo» seguro que tiene que ver ese principio, con ‘Invaincu’ y el final con ‘Bonne Journée’. «Tiendo a grabar primero las pistas y luego las pongo en orden: «esto va aquí, esto va allá». Las ordeno solo cuando ya las tengo grabadas. Pero lo de abrir con ‘Invaincu’ era obvio. Tenía que abrir el disco, pero seguro. También abrirá los conciertos en directo. Es muy combativa, así que es genial como intro. Después intentamos alternar las canciones enérgicas y las más tranquilas, para terminar bien arriba. Seguro que hay muchos temas que no son exactamente alegres, pero me parecía importante terminar ‘Multitude’ arriba con ‘Bonne Journée’, para decir que hay días buenos y cosas positivas, también. La vida no siempre es complicada».
Un tema ‘Bonne Journée’ que aparece justo después de ‘Mauvaise Journée’: «Así es la vida, yo no he inventado nada. Solo transcribo lo que he vivido y lo que todos vivimos. No hay subida sin caída, como digo en ‘Bonne Journée’. Básicamente si no tuviéramos altibajos, nos aburriríamos mucho. Es parte de la vida (…) Tenía la vieja creencia de que el dolor produce el mejor trabajo. Ahora sé que lo opuesto también puede ser verdad. Ahora trabajas y trabajas. Punto. No hay ningún secreto: tienes que trabajar». Además, trata de contrarrestar música alegre y letras tristes y viceversa: «Mi música es brillante de manera natural porque eso me gusta, y me gusta compensarlo, porque la música brillante con letras alegres resulta en un cliché. Intento hacer lo opuesto y hablar de cosas más profundas. Me gusta la paradoja entre esas dos cosas».
«Tenía la vieja creencia de que el dolor produce el mejor trabajo. Ahora sé que lo opuesto también puede ser verdad»
Pese a que la referida entrevista anterior ya manejaba canciones de un entonces hipotético tercer disco, realmente no fue hasta 2018 y 2019 que se puso con lo que ha resultado ‘Multitude’ y se dijo a sí mismo: «Vale, vas a hacer esto». Y además lo tuvo que hacer abandonando lo que denomina la «tendencia natural» de muchos artistas a trabajar de noche, cuando «nadie te molesta»: «Me obligué a mí mismo a empezar a trabajar de 9 a 17 todos los días. Tener un hijo me obligó a hacerlo porque tenía que dejarle en la guardería. Así que lo de trabajar hasta las 7 de la madrugada y luego dormir todo el día ya no era posible. Me dije: «esto es nuevo para mí, pero hagámoslo». Tuve que trabajar duro para no volver al mal hábito de no irme a la cama y hacer las cosas a las horas correctas. Hacer un trabajo serio con una rutina estricta, como la de muchos escritores cuando están haciendo sus libros. Que se levantan a las 6 de la mañana y empiezan a escribir».
La influencia de tener un hijo se nota en la de veces que aparece la palabra «caca» en el disco, y no solo en ‘C’est que du bonheur’, que habla sobre pañales: «Sí, un poco me ha influido ser padre. Ver cómo mi hijo reacciona a ciertas pistas. No me intimidaba escribir como padre. Hablo sobre cagar en el álbum. Y mi hijo tiene mucho que ver en esto. Literalmente he tenido caca en las manos y eso obviamente salió en las letras. Orelsan me dijo: «igual no deberías poner tanta caca en el álbum, pero yo respondí que no me importaba ni me molestaba. Se ha convertido en parte de mi vida, y eso es todo».
«Hablo sobre cagar en el álbum. Y mi hijo tiene mucho que ver en esto. Literalmente he tenido caca en las manos y eso obviamente salió en las letras»
Componer las letras es lo más difícil para Stromae. De hecho, por ello continúa cantando en francés, aun sabiendo que eso limitará su alcance: «Musicalmente es fácil viajar por todo el mundo. En cuanto a las letras, es más difícil. Estoy un poco encasillado porque hablo francés, y mi lengua materna es el francés. Y creo que, para ser lo más honesto posible, y expresarte lo mejor posible, se te da mejor en tu lengua materna. Ni mi español ni mi inglés son lo suficientemente buenos como para escribir en esos idiomas. Estoy encasillado. He intentado traducir mis letras a otros idiomas, pero no mucho. Me divierto mucho componiendo, pero escribir letras es más duro. Pero cuando al final las canto, estoy muy orgulloso de ellas y encuentro mucha satisfacción en ello».
Aunque no siempre sale bien, y hay una composición animalista que no ha pasado el corte: «Para una canción de este disco, intenté hacer lo que ya había hecho en ‘Humain á l’eau’ de ‘Racine carrée’, en la que me pongo en la piel de indios americanos que viven de manera mucho más tradicional que nosotros a día de hoy, y nos culpan de lo que le hemos hecho al planeta. Era como una canción ecologista. Y en este caso he intentado hacer lo mismo con animales que se enfadan con nosotros por comérnoslos, y así. La idea era genial, pero una vez que la escribí, quedaba muy mal. Empecé con la letra y traté todo tipo de instrumentos, pero no funcionó, así que la dejé. Hay cosas que quedan muy bien en el papel, pero luego puestas quedan como un sombrero viejo. Así que es mejor evitar temas que todo el mundo quiere que trates».
Tampoco es que se sienta muy cómodo como abanderado eterno de causas al haber tratado la androginia, el machismo o el racismo, ni quiere que le asocien a la canción con moralina: «Mi cuñada me lo dice a menudo, que mis canciones tienen moraleja al final. No me gusta mucho la cuestión moral. Si fuera creador de videojuegos, inventaría un juego completamente abierto a un montón de finales opcionales. Encuentro difícil concluir una canción diciendo esto o aquello. Todo lo que hago al final de ‘Bonne Journée’ es decir que el humor es un punto de vista y que no hay necesidad de que sea bueno o malo. Es mi conclusión y ni siquiera es real. Es solo un análisis químico de nuestras emociones. Es decir, que el buen humor es solo un punto de vista. Te sentirás bien sobre algo un día a causa de que estés de buen humor y mal porque estés de mal humor».
Su hermano Luc, que produce temas como ‘Mon Amour’ y ese ‘Bonne Journée’ (esta última con sample de Alfredo Coca), le ha ayudado a buscar los instrumentos adecuados por todo el mundo, barajando múltiples ideas, como el ehru (violín chino). «Hay un simulador de erhu en GarageBand que suena bastante bien, pero no es lo mismo que el erhu real. Guo Gan, el tipo que contactamos, se llama a sí mismo «El Maestro del Erhu», y tiene un don. Luego, el tipo que ha tocado en ‘Solassitude’, en 3 tomas, ya lo tenía. Había practicado, pero es que era muy bueno. Conocimos a Alfredo Coca, que toca el charango boliviano. Es arquitecto de profesión, pero toca el charango también. Y también es el Maestro del charango en Bolivia. Estaba en Bruselas por un festival de Bolivia, y mi madre, que está muy integrada con la comunidad boliviana de Bruselas, conoce a un montón de bolivianos. Así supimos que estaba allí y quedamos. Y también tuvimos a alguien tocando el ney, una especie de flauta turca. Un tipo llamado Selman que trabaja mucho con productores de trap y drill. Y trabajamos con Moon Willis, un compositor y productor británico que conocí a través de Julien Peretta en un momento en que estaba escribiendo para otra gente. Me dijo que Moon Willis me quería conocer y resultó ser un gran conocedor de la world music».
«Es ridículo lo egocéntricos que somos sobre la world music»
Y sí, enseguida matiza el concepto «world music» hablando de lo que representa la «mezcla» en su música. «Seas negro o blanco, la mezcla es parte de la raza humana. Me interesa la mezcla. Parece obvio. La mezcla es parte de nosotros, parte de mí. Es lo que intento mostrar con este disco. La parte más grande del trabajo no era apuntar a un país en particular y decir: «esto es reggaetón, esta es la pista de salsa, esta es la pista de hip hop. Quería que fuera como ‘Fils de joie’, en la que oyes un ritmo de baile funk con un cuarteto de cuerda, un clavecín y creo que es inesperado y un poco diferente. Es ridículo, como ya he dicho muchas veces, lo egocéntricos que somos sobre la world music. Quiero decir, que para un boliviano, la música francesa es world music. Y para nosotros, lo es la boliviana. Ahí es donde debería estar la diversión. Una pista que me lleve a Asia puede no ser asiática en absoluto. Es solo que sus melodías pentatónicas me llevan a Asia o a otros lugares como Etiopía o el Oeste de África. También se usan en América Latina. Las melodías pentatónicas se usan en Norteamérica. Creo que es divertido ver dónde todo se cruza».
«El de Billie Eilish, delante de un ordenador, es el mejor concierto que he visto en mucho tiempo. Hace años que no experimentaba un impacto tan grande»
Sobre sus inspiraciones esta vez, hay de todo, incluyendo a «la cantante americana Billie Eilish»: «Me ha inspirado DJ Alex, un DJ argentino, sobre todo en el «groove» de ‘Santé y ‘C’est que du bonheur’, es un groove ligeramente fuera de ritmo, como un reggaetón de 3 compases. Él inspiró eso. Hizo algo de cumbia y remixes de reggaetón o cumbia. Y muchos artistas de afropop, como Davido y Burna Boy. La artista americana Billie Eilish, a quien escuché un montón. Cuando vi su concierto, que duró una hora en streaming, pensé: «joder, hace años que no experimentaba algo así, un impacto sonoro y visual tan grande. Fue el mejor concierto que he visto en mucho tiempo. Sobre todo delante de un ordenador. Hacer un concierto en una sala es mucho más fácil. Pero en un ordenador, los espectadores pueden distraerse fácilmente. Pero no me moví en una hora. Era como un videoclip de una hora. Qué bien hecho».
Ahora el que nos aguarda es su directo, que en España podremos ver en Bilbao BBK Live, además de a The Killers, Pet Shop Boys, LCD Soundsystem, Moderat, J Balvin y Nathy Peluso. Pero de momento lo está preparando y no ha condicionado la elaboración del disco. Y eso que no hay featurings. «No pienso mucho en ello. Solo algunas cosas. ‘Bonne Journée’ por ejemplo o ‘Mauvaise Journée’, en la que sabía que tendría que cantar en un sofá, un sofá en el que pareciera completamente deprimido. Con mucho sufrimiento en el estribillo. Tengo flashes así, que se van situando cuando empiezo a construir el concierto. Que es lo que estamos haciendo ahora mismo».
‘King’ de Florence + the Machine asciende al número 1 de lo más votado de JENESAISPOP, representando su 7º top 1 en la historia de nuestro site después de ‘You’ve Got the Love (xx remix)’, ‘What The Water Gave Me’, ‘Breaking Down’, ‘Sweet Nothing’ con Calvin Harris, ‘What Kind of Man’, ‘Queen of Peace’ y ‘Too Much Is Never Enough’.
La entrada más fuerte del top 40 está protagonizada por Black Country, New Road y esta es una frase que nunca habría esperado escribir. Alegría. También llegan al top 20 Stromae y Belle & Sebastian. Las entradas nacionales están protagonizadas por Rufus T. Firefly y La Plata.
Amaia ha estrenado ‘Bienvenidos al show’. Es el cuarto adelanto oficial que se extrae de su segundo disco, ‘Cuando no sé quien soy’, que verá la luz próximamente en una fecha aún por determinar, y del que ya se conocían los singles ‘Yo invito’, ‘Quiero pero no’ con Rojuu y ‘Yamaguchi’. Romero presentará el disco en una gira por España.
‘Bienvenidos al show’ es el tema que abre el disco, y también el que incluye la frase que lo titula, en un verso que reza: «Fue una pesadilla / pero ahora me abrazo a ese dolor / que a veces lo bello / aparece cuando ya no sé quién soy».
Como apertura de álbum, ‘Bienvenidos al show’ es una declaración de intenciones: empieza en clave de balada a piano, contexto en el que Amaia reflexiona sobre su propia madurez («ya no soy una niña / tampoco soy mayor»), pero inmediatamente se transforma en una animada producción de indie-pop marcada por soniditos de videojuego, por la que Amaia vuelve a volcar algún que otro gritito de terror, quizá como expresión del miedo del que habla la letra, provocado por las expectativas a las que se enfrenta la navarra tras su paso por Operación Triunfo («están todos esperando / Me da miedo que haya tanta expectación»). En la canción, Amaia se debate entre ese miedo y la seguridad de perseguir su propio camino, aludiendo a unas modas que le son ajenas.
En ‘Bienvenidos al show’, Amaia promete «fiestas» y «amor» y avisa que puede haber «descontrol» y «alguna obsesión», quizá como indicativo de lo que encontraremos en su disco, en el que se mostrará «triste y a la vez de subidón». ‘Bienvenidos al show’ encapsula ambos sentimientos con la ayuda de varios colaboradores ilustres: además de Alizzz se pasan por aquí Rigoberta Bandini, Xabi de La Oreja de Van Gogh y Lucas Vidaur aka Confeti de Odio.
El vídeo de ‘Bienvenidos al show’ es circense y se ha rodado en el Circ Històric Raluy de Barcelona. Amaia espera entre bambalinas a que comience el espectáculo, y acompañada de payasos y acróbatas, presenta su canción.
Ya son pocas las compañías internacionales que siguen operando en Rusia con normalidad, y el sector del entretenimiento es uno de los que en mayor medida ha castigado al país abandonando sus oficinas o bloqueando el acceso de los habitantes a sus plataformas. En un plan que ha redactado el Kremlin para hacer frente a todas estas sanciones, una de las medidas que apunta de frente a la música es la legalización de la piratería en todo el territorio ruso.
El documento se llama ‘Plan de acción prioritario para garantizar el desarrollo de la economía rusa en condiciones de presión de sanciones externas’, y acaba de un plumazo con los derechos de marca, autor y patente de empresas que provengan de países contrarios al Kremlin. El documento especifica que cualquier persona que piratee el software de estas compañías estará libre de responsabilidad civil y penal siempre y cuando sigan existiendo las sanciones contra Rusia.
En el sector musical, las empresas que han suspendido relaciones y operaciones en el país son, hasta la fecha: Sony Music Group, Warner Music Group, SoundExchange, Kobalt, Fuga, Downtown, Universal Music Group, Live Nation y Oak View Group. Además, las plataformas TikTok, Spotify y YouTube van detrás de cualquier forma de propaganda del Kremlin. Youtube ha bloqueado los medios financiados por el país en todo el mundo, TikTok ha prohibido subir contenido en territorio ruso para proteger a sus usuarios de posibles penas y Spotify, además de abandonar sus oficinas rusas, también ha eliminado todo el contenido de RT y Sputnik.
Mucho se está hablando sobre el inesperado y repentino declive que está viviendo Telecinco en audiencias, y la cadena se está apoyando todo lo que puede en el gancho que producen la historia de Rocío Carrasco y su difunta madre para competir contra Atresmedia. Esta noche Telecinco pisa fuerte y emitirá ‘Deluxe Especial. Mujeres cantan a Rocío Jurado’, el concierto que se celebró el 8M en el WiZink Center de Madrid en honor a Jurado, donde cerca de una veintena de mujeres artistas versionaron algunos temas de “la más grande”.
Rigoberta Bandini, Tanxugueiras, Beatriz Luengo, Bebe, Pastora Soler, Soleá Morente, Ruth Lorenzo y Edurne están entre las artistas que rinden homenaje a Rocío y a todas las mujeres en un concierto conducido por Isabel Jiménez y Mercedes Milá, además de la propia Rocío Carrasco, por supuesto. Todos los beneficios obtenidos en el evento van dirigidos a la Fundación Ana Bella, que lucha contra la violencia de género y a favor de la igualdad de derechos entre hombres y mujeres. En el concierto tampoco falta el ‘Ay, Mamá’ de Rigoberta Bandini.
Al ver las dificultades que está teniendo Telecinco para no caer en audiencia, ya hay quien habla del principio del fin de Sálvame después de tantos años sin dar tregua. Pues los empeñados en derrocar el programa estrella de Mediaset deben saber que Sálvame está lejos de desaparecer. Es normal que en momentos en los que la actualidad política crea un interés y una preocupación mucho mayor que el entretenimiento, los espectadores tiendan a consumir otras cadenas como La Sexta y Antena 3, más conocidas por centrarse y analizar la actualidad política.
Ed Dowie es el arquetipo de esos artistas que en UK llaman «off the radar». Y sí, ‘The Obvious I’ escapó de muchos radares cuando salió en 2021, pero los meses pasan y persiste, obstinadamente, en mi recuerdo y reproducciones. Sigue siendo un disco brillante en el que este excéntrico artista ha querido (según sus palabras) “crear algo que refleje la turbulencia de este período, pero sin sumarse a ella”. Un planteamiento que lleva a cabo con total éxito, porque este es un álbum melódicamente adictivo, pero con gotas de melancolía. Reflejo de un surreal mundo personal, pero con suficientes alusiones a tiempos -y sentimientos- revueltos.
Su estructura también es peculiar: la cara A presenta canciones en su mayor parte pop, y en la B predominan piezas más reposadas, con secciones cercanas al ambient. ‘Then Send Them’ funciona como contundente presentación de esa primera mitad: elementos orquestales, motivos de synth-pop, y una voz (¡esa voz!) un poco Belle and Sebastian, un poco chico de coro inglés, cantando sobre surreales imágenes quizá post-apocalípticas (“las autopistas y sus barreras acumulan musgo… un fuego fuerza a los marineros a volver a la costa”), todo canalizado a través de una excelente melodía. Y sin embargo, a mitad de canción se incorporan sintetizadores que interfieren en ese tono pastoral, introduciendo inquietud, y mezclados a un volumen inusual en una producción “normal”. Son detalles que conforme nos adentramos van sugiriendo que no estamos ante un disco de pop sin más, que hay una corriente subterránea de cierta oscuridad, y que Dowie es un artista con poso, que no encajaría en cualquier sello (esto lo edita Needle Mythology, proyecto personal del crítico musical Pete Paphides).
A lo largo de toda esa primera mitad se suceden las maravillas: ‘The Obvious I’, con esas armonías y vocación de himno (aunque sea a una serie de recurrentes fracasos depresivos – “vuelvo a caer en un pozo… me topo con mi obvio yo”). O ‘Red Stone’ y sus chinescos motivos de sinte muy China Crisis pero voces salidas de la psicodelia 60s. O ese otro hit imaginario de un año 2021 que no viviste (porque no conocías este disco) que es la enorme ‘Number Eight Wire’, que suena como si Erasure se aliasen temporalmente con Stuart Murdoch. En ella Dowie consigue que un estribillo tan chocante como “Paranoid dyspepsia / Paranoid dyslexia” suene pop.
La segunda parte del disco empieza con ‘Under the Waves’, que es parte precioso interludio instrumental, parte balada al (fantasmagórico) piano. ‘Dear Florence’ es otro ejemplo de su gran talento con las melodías, una pieza de synth-folk que sonaría como inspirada en tiempos de guerra si no fuera porque las caprichosas y oníricas letras saltan de “armas sumariamente a la espera” o “someter a un control a otras naciones” a versos como “destapando vejaciones con un pelo naranja ceniciento / Hermano, donde puse el desorden éste desapareció para el verano / se marchó a entornos inciertos”. Un tipo de letras de un surrealismo no tanto posmoderno (a lo Adam Green) sino más romántico y evocador (a lo Paul Roland). ‘The Island’ es otra gran pieza de la que por cierto se lanzó videoclip recientemente. El cierre con ‘Robot Joy Army’ recupera el músculo pop del comienzo, ese bonito contraste de tecno pop y voz angelical.
‘The Obvious I’ es un ejemplo perfecto de este interesante punto de la historia en el que el sonido de los 80 ha pasado por tantas regeneraciones y mutaciones que está totalmente normalizado como un lenguaje musical actual más, que ha perdido completamente las connotaciones retro. Quizá hasta deberíamos de dejar de llamarlo “80s”. Esto es válido igualmente para las propuestas ultracomerciales de The Weeknd como para fascinantes álbumes de autor como este. Un disco que posiciona a Ed Dowie entre los más interesantes bichos raros de las islas británicas, gente como Modern Studies, Erland Cooper, Alabaster DePlume o Cate Le Bon.
Rex Orange County llega a su cuarto disco convertido en una de las mayores estrellas alternativas para las nuevas generaciones gracias a éxitos como ‘Loving is Easy’ o discos como ‘Pony‘. Sus cifras en Spotify asustan, y ‘Who Cares?’ contiene otro puñado de canciones de pop despreocupado (o no tanto) que escuchar en bucle, como la esperanzada ‘KEEP IT UP’ o la reconfortante ‘AMAZING’. Alex O’Connor, la persona tras el proyecto, nos atiende desde Nueva York, cobijado de la nieve, para hablarnos sobre el álbum, su experiencia en la industria, o sobre su amigo Tyler, the Creator.
¿Qué significa para ti publicar tu cuarto disco?
Estoy encantado. Estoy aquí para quedarme y aún quiero sacar más discos, ya tengo varias ideas. Prefiero sacar álbumes que singles así que me alegro de que la gente siga escuchando mis proyectos cuando ya voy por el cuarto.
Escribiste el disco en 12 días, en Amsterdam. ¿Te sentiste especialmente inspirado?
Más bien llevaba un tiempo sin estar inspirado. Durante la pandemia empecé un proyecto distinto, en el que aún estoy trabajando, y entonces surgió la idea de componer ‘Who Cares?’ de manera bastante espontánea. Me apetecía salir de Reino Unido, viajar por Europa y hacer algo diferente, así que mi amigo y bajista Joe McLaren y yo nos fuimos a Ámsterdam y allí nos reunimos con Benny Sings, el productor, y los tres juntos hicimos el disco.
«Me he preocupado demasiado por la opinión de los demás. En este disco he intentado ser más libre»
¿Eres defensor de la frescura y la espontaneidad más que de darle demasiadas vueltas a un proyecto?
Creo que hay un momento y un lugar para todo. Yo me he pasado años trabajando en algún disco, pero esta vez quería que fuese diferente, más espontáneo, me apetecía darle tantas vueltas.
¿Te inspiró estar lejos de Reino Unido?
Cuando viajas a un sitio por un número de días concreto y te marcas una fecha límite para terminar un trabajo, eso te hace ser muy productivo.
El título del disco es irónico, ¿verdad? En las letras se te nota preocupado por varias cosas.
Es 100% irónico. Por un lado transmite ese mensaje despreocupado, tipo «me la suda», que todos hemos dicho aunque no sea verdad. Pero el título también es una pregunta que me hago a mí mismo en relación con mi música: ¿quién valora lo que estoy haciendo? Obviamente si nadie lo hiciera no estaría hoy aquí sacando música y hablando contigo… Yo he solido estar demasiado preocupado por la opinión de los demás, por cómo la gente va a percibir mi trabajo, y componer un disco desde esta mentalidad es muy difícil. Con este disco he intentado ser lo más libre posible.
En la letra de ‘Worth It’ pareces desencantado con la industria de la música. ¿Es así?
En realidad la canción habla sobre mí, sobre la persona que era y la que soy, recuerda los tiempos en que me sentía deprimido y no tenía ganas de estar vivo… Sentía que me había vuelto loco y no dejaba de preguntarme qué había cambiado en mí, a quién había que culpar… Pero la segunda parte es más positiva, expresa que sí «vale la pena» vivir, y que hay que intentarlo porque nadie es perfecto. No habla sobre la industria, pero el hecho que la hayas interpretado así, desde su perspectiva, da sentido a lo que hago. Realmente puede interpretarse también desde ese punto de vista, y mentiría si dijera que la música no me ha hecho perder la cordura en alguna ocasión, ahora que se ha convertido en mi trabajo.
«Es raro tener 17 años en esta industria porque trabajas con personas adultas a las que no conoces»
En algunas letras hablas de estar rodeado de “gente a la que no conoces” y de gente que “te dice lo que deberías hacer”.
En la industria de la música he conocido personas a las que quiero y en las que confío, pero también otras con las que no pasaría un minuto más de mi vida. Es raro tener 17 o 18 años en esta industria porque trabajas con un montón de personas adultas a las que no conoces, y yo he aprendido a lidiar con ello a la fuerza, porque realmente nadie te prepara para ello.
Uno de tus colegas en la industria es Tyler, the Creator, que colabora en el disco. ¿Qué admiras de él?
Tyler es él mismo sin pedir permiso a nadie, y sabe muy bien lo que quiere.
A los dos os gustan mucho las cuerdas tipo easy-listening de los 60. Cuando conversáis sobre música, ¿de qué habláis?
Hablamos mucho de acordes, él es muy fan de la armonía, y hablamos mucho sobre los acordes que usa Stevie Wonder, o sobre los cambios de acorde inesperados que usamos en nuestras canciones. Nos gusta mucho la misma música. Tyler es lo más y estoy muy contento de que esté en el disco.
Hoy salen los nuevos discos de Rex Orange County (pronto entrevista), Jenny Hval, Tigre y diamante, Stay Homas, SFDK, Luis Fonsi o Álvaro de Luna. También se editan el disco de remezclas de Hidrogenesse y el recopilatorio de Franz Ferdinand.
Algunos de los singles más interesantes salidos en los últimos días los firman también Sigrid con la emotiva ‘It Gets Dark’, Everything Everything con su nueva locura art-pop, Floating Points con su nuevo rompepistas tecno llamado ‘Vocoder’, Superorganism con su simpático single de regreso, Niño Mutantes con su «primera copla post-ventanas» o Tove Styrke con su nuevo tema cantado a grito pelado.
Siguen avanzando sus inminentes álbumes Omar Apollo, Melody’s Echo Chamber, Sunflower Dean, The Black Keys, Sondre Lerche, Jewel (confirmada en el American Song Contest) o Kae Tempest o Aldous Harding, y entre las curiosidades que deja la playlist, Ethel Cain versiona ‘Everytime‘ de Britney Spears y se la lleva a su terreno gótico y etéreo.
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Rosalía publica su nuevo disco ‘MOTOMAMI’ exactamente dentro de una semana, y la maquinaria promocional en torno al proyecto ya está funcionando a todo motor: este sábado la catalana actúa en Saturday Night Live y antes ha tenido tiempo de pasarse por el programa de Jimmy Fallon, en la que ha sido su primera visita a un «talk show» estadounidense.
La cantante se ha mostrado encantada de estar en el programa, tan risueña que parecía ella una espectadora más, como si hubiera llegado al plató después de haber sido absorbida por la tele. Ha enseñado a la audiencia a pronunciar su nombre correctamente, ha contado que el título de ‘MOTOMAMI’ alude a una energía y ha sugerido que Fallon también puede ser un «motopapi». Cuando la emisión aún no ha terminado, al final de la entrevista Rosalía coge y se va, algo inusual en el programa.
A la manera de Úrsula Corberó, que visitó el programa también por primera vez hace unos meses, Rosalía ha contado una anécdota relacionada con otro artista y compañero de profesión. La cantante explica que Harry Styles le escribió para comunicarle que le gustaba su canción ‘Dolerme’ y, entre mensajitos de «te quiero» y «yo también te quiero», desvela que quien recibió los mensajes de Harry fue otra persona.
En otro punto de la entrevista, Jimmy emite el vídeo de TikTok en el que Rosalía muestra parte de la composición de ‘SAOKO’ en el estudio. No hay mención al single siguiente, ‘CHICKEN TERIYAKI‘, que acaba de entrar en la lista de singles española, en el número 20.
La artista ha revelado hace poco el tracklist oficial de ‘MOTOMAMI’, conformado por 16 pistas, y anteriormente desvelaba la portada, que el programa de Jimmy Fallon ha mostrado difuminada.
Mientras Dua Lipa afronta demandas por supuesto plagio de ‘Levitating’ y continúa -al fin- con la gira de ‘Future Nostalgia’ que en un par de meses llegará a nuestro país, la cantante tiene más ases en la manga. El nuevo es una colaboración con la rapera de éxito Megan Thee Stallion.
‘Sweetest Pie’ es la canción que junta a Dua y Megan bajo una ligera producción pop inspirada en el «Miami bass» de los 80 y 90. La primera asume un papel dulce y celestial («¿alguna vez has estado en el cielo?», «me tienes en las nubes») y la segunda uno más salvaje y duro y, entre otras cosas, rapea sobre tener el «coño apretadito» o sobre usar su «culo como almohada».
Por otro lado, el videoclip de ‘Sweetest Pie’ es un auténtico «horror vacui» de efectos especiales dirigido por Dave Meyers. Megan aporta el concepto de este vídeo se debate entre el paraíso, el apocalipsis y la quema de brujas (con venganza includia). Un vídeo entre la fantasía CGI y la tripofobia por el que vemos árboles con forma de mujer o paredes llenas de culos que botan, entre otros millones de cosas.
La rapera ha triunfado con su álbum ‘Good News’, también con sus colaboraciones con Cardi B y Maroon 5, y a finales de 2021 se encargaba de publicar un recopilatorio que incluía el macrohit ‘Thot Shit’ y hasta 20 de sus conocidos freestyles de Youtube, normalmente entre 1 y 3 minutos de duración, casi todos en torno a los 2. El título de tal recopilatorio era ‘Something for Thee Hotties’ y continúa en la parte baja del Billboard 200 cuatro meses después de su edición.
Madonna ha sido una de las afortunadas a las que TikTok les ha hecho un “trend” viral con alguna de sus canciones, en este caso ‘Frozen’. La idea de Sickick de integrar la melodía de ‘Frozen’ dentro de una base de trap ha gustado a la audiencia y el tema suma ya 36 millones de streamings en Spotify.
Madonna ha querido seguir surfeando la ola del viral y ha decidido lanzar otro remix del éxito de 1998 junto al artista nigeriano Fireboy DML, conocido por su éxito llamado ‘Peru’. Sin mayor misterio, el remix consiste en una primera mitad de Madonna (extraída de la grabación original) y después en unos versos completamente nuevos de Fireboy DML.
El remix de ‘Frozen’ iba a recibir también su propio tratamiento visual, y el videoclip en cuestión ya está disponible en Youtube. Es tan insustancial como el remix, y simplemente muestra a Madonna y a Fireboy DML interpretando la canción frente a una pantalla que proyecta imágenes de fuego, carreteras o de sus rostros. En otros planos, Fireboy DML se arrodilla ante Madonna o coge a la artista por la cintura, y Madonna exhala humo delante de la cámara.
En otro orden de cosas, la artista ha decidido no callarse y alzar su voz en relación a la guerra entre rusos y ucranianos, dando todo su apoyo a estos últimos y atacando a Putin en un video que ha subido a su cuenta de Instagram al ritmo de ‘Sorry’. Además, ha compartido otras publicaciones y algunas stories que ya han expirado, en los que utilizaba un cuadro del artista español Jesús Arrúe para criticar al presidente ruso. La obra fue pintada hace unos días y compara a Putin con Hitler.
Hoy viernes 11 de marzo JENESAISPOP dj’s estaremos poniendo canciones en la primera fiesta de LA NACIONAL, es decir LA NACIONAL I, organizada por El Cuerpo del Disco en la Sala El Sol de Madrid. Las entradas anticipadas están a la venta en Dice por 16 euros, incluyendo consumición. La fiesta es de 23.45 a 6.00 y nuestra sesión es de 2.00 a 3.15.
JENESAISPOP pondrá en lista de puerta a los 3 primeros que envíen un mail a jenesaispop@gmail.com indicando qué canción NACIONAL quieren escuchar esta noche. Las entradas son individuales. Con esta sesión de LA NACIONAL I, desde El Cuerpo del Disco quieren «reivindicar la música de baile nacional que tanto tiempo ha sido apartada de las pistas de baile y denostada por los djs». Según la nota de prensa, se abarcarán «todas las épocas y estilos, siempre y cuando se puedan bailar». La sesión incluirá boogie español, disco de los 70, Spanish House del 88 al 92, Sonido Valencia, y corrientes actuales como las traídas por el colectivo Mareo Life o Mainline. Los JENESAISPOP dj’s representaremos el pop más bailable de los últimos años, del más refinado al más mamarracho, pasando por todo lo intermedio: de La Casa Azul a Delaporte, de Alizzz a Rigoberta Bandini, de Rosalía a Las Bistecs, de PUTOCHINOMARICÓN a Rakky Ripper, entre otras muchas sorpresas.
La idea de la fiesta es dar rienda suelta a las filias más retro de los organizadores, conectándolas con las corrientes más actuales. El objetivo es «sacar a la música española del disco-pub y llevarla a la discoteca». Por El Cuerpo del Disco estarán VIGENTE y YAYO & ELOI, y también pinchará Alex Casas de Disco Bambinos. La semana que viene os daremos más detalles antes de la fiesta del viernes 11, pero os recordamos que las entradas ya están a la venta.
Ben Bridwell está hasta los h**vos. De su ex-mujer. De sus compis de banda. Del mundo. ‘Things Are Great’, el primer disco de Band of Horses en seis años, llega con novedades en este sentido. Bridwell se ha divorciado, no solo de su mujer, sino también de algunos compañeros de grupo; ha hecho cambios en la formación y, sobre todo, se ha puesto a él en el centro. Ha dirigido la producción del disco con la ayuda de colaboradores como Jason Lytle (Grandaddy) o Dave Fridmann (Flaming Lips), ha tirado uno previo a la basura porque no lo consideraba suficientemente bueno y, harto de lidiar con las opiniones de los demás, se ha prometido perseguir única y exclusivamente su visión, sin pedir permiso.
La libertad sienta bien a Band of Horses. ‘Things Are Great’ puede parecer otro disco más de la banda estadounidense, y lo es, pero por sonido parece mirarse en sus inicios más que en tiempos recientes, y el gusto de Bridwell por la melodía sigue intacto. ‘Warning Signs’, que ya «avisa» sobre el divorcio, abre el disco con una melodía tan elástica como una bailarina de gimnasia rítmica; el estribillo «no es suficiente» de ‘In Need of Repair’ es puro Band of Horses y triunfará en los directos y da igual que ‘Coalinga’ fusile el sonido de Arcade Fire: como cierre de disco funciona.
Otro cambio importante que ha asumido Bridwell en este nuevo disco tiene que ver con las letras. Cuenta el artista que estaba harto de tener que meditar mil metáforas para poder transmitir sus sentimientos sin herir a los demás, y en ‘Things Are Great’ habla de manera bastante franca sobre su matrimonio o sobre su relación consigo mismo, a veces sin filtros. Sin ir más lejos, la apacible ‘In the Hard Times’ describe una discusión («crees que no voy a abandonar la violencia y los teatros que montas») y en ‘Aftermath’ lidia con una pelea mientras sufre «ataques de pánico». Cuando cuenta que cae por las escaleras con un bebé en brazos, no sabes si es verdad o ficción.
Bridwell no necesita metáforas para transmitir hastío vital en ‘Tragedy of the Commons’, otras de las pistas lentas destacadas, pero esta figura retórica sigue siendo clave en el imaginario de Band of Horses, y el estupendo primer single del disco se decide titular ‘Crutch‘ en lugar de «crush» porque, para Bridwell, las relaciones también son como «muletas» que nos ayudan a caminar en la vida. Bridwell «dependía» de su relación como de una muleta y, una vez su matrimonio ha terminado, nos lo ha decidido contar en una de las canciones más pop jamás escritas por la banda.
La energía de ‘Things Are Great’ puede ser tan hostil que, en algún punto del disco, Bridwell manda «a callar» a todo el mundo, pero curiosamente las composiciones de Band of Horses siguen reconfortando tanto como lo hacen ‘In the Hard Times’ o la nostálgica ‘Warning Signs’, en la que Bridwell recuerda mejores tiempos en su vida, en concreto su nacimiento. El single ‘Crutch’ y la garajera ‘Lights’ aportan energía entre tanto medio tiempo, pero las mejores canciones de Band of Horses siempre mantienen un poso de ternura. 18 después de su debut, Band of Horses siguen ofreciendo lo que se espera de ellos pero, como Spoon, además lo hacen bien.
Uno de los festivales a la carrera por ser el primero de la temporada es el WARM UP Estrella de Levante, en la ciudad de Murcia, que este año vuelve sin restricciones los días 29 y 30 de abril al recinto de Fica. Hoy se han confirmado los últimos diez artistas que completan el cartel del festival, donde se pueden leer varios de los principales nombres del panorama nacional actual como Alizzz, Zahara, Maria Arnal i Marcel Bagès, Fangoria , Sen Senra o Rigoberta Bandini. Hasta este domingo 13 de marzo a las 23:59h los tickets de día cuestan 35€ y los abonos generales 65€, pero a partir de la semana que viene los precios subirán. Las entradas están ya a la venta en su web y en entradas.com.
De esta manera, el viernes 29 de abril será el turno de Bastille, Digitalism, Fangoria, Lori Meyers, Rigoberta Bandini, Sen Senra, La Femme, Maria Arnal i Marcel Bagès, Cupido, Ginebras, Krystal Klear, Samantha Hudson, Arde Bogotá, Confeti de Odio, Maren, Rakky Ripper, Mavica, Hoonine y Flash Show djs.
El sábado 30 de abril pasarán por los escenarios de WARM UP Estrella de Levante IZAL, Miles Kane, Mura Masa, The Vaccines, Trentemøller, Zahara, Ojete Calor, Alizzz, Georgia, Shinova, Elyella, Pional, Triángulo de Amor Bizarro, La La Love You, Nunatak, Morreo, Pájara Rey, Irenegarry y Yana Zafiro.
En una entrevista que ha ofrecido Grimes a Vanity Fair, la artista ha revelado que Elon Musk y ella son padres de una segunda hija desde diciembre. La niña, llamada Exa Dark Sideræl Musk o símplemente Y, ha nacido vía gestación subrogada tras las dificultades y problemas de salud que vivió la cantante en su primer embarazo.
La recién nacida es la primera hermana de X Æ A-12, un niño que ha estado demasiado expuesto a la sociedad, dice Grimes. De hecho, la artista no tenía intención de hacer pública la noticia de su segundo bebé, pero los lloros de Y dentro de la casa llamaron la atención del entrevistador. La segunda hija llega en un momento donde Musk y Grimes no parecían estar juntos (según lo que dictan los valores tradicionales sobre cómo debe ser una pareja), pero Grimes aclaró la situación explicando que “probablemente me refiera a él como mi novio, pero tenemos una relación abierta. Vivimos en casas distintas. Somos mejores amigos. Nos vemos constantemente”. “No espero que el resto de las personas lo entiendan”, añadió.
La artista también habló sobre el LP en el que está trabajando, ‘Book 1’, que incluirá una colaboración con The Weeknd e Illangelo llamada ‘Sci-Fi’. En enero de este año pudimos escuchar el primer adelanto del álbum gracias al single ‘Shinigami Eyes’, basado en el manga ‘Death Note’. Según Vanity Fair, el futuro disco de Grimes recuerda a ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’ de The Smashing Pumpkins pero bajo las influencias de Beyoncé y su ‘Lemonade’.
Parece que este año sí que es ese en el que podemos planear nuestro verano sin miedo a que nos cancelen los festivales o nos pongan restricciones de aforo y de movilidad. Uno tras otro, los organizadores van anunciando sus largos carteles son un positivismo que no se respiraba desde hacía tres años, y el último ha sido el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gasteiz. El festival celebrará el 20 aniversario de su primera edición los días 16, 17 y 18 de junio en Mendizabala.
Patti Smith, The Offspring, Emmylou Harris, Social Distortion o Suzi Quatro son algunos de los grupos y solistas que podrán disfrutar los amantes del rock, además de artistas que no suelen pisar suelo español como Jerry Cantrell, Hiss Golden Messenger, The Afghan Whigs e Israel Nash. Eso sí, Azkena no deja de lado las figuras nacionales y locales, entre las que destacan Soziedad Alkoholika, Morgan, Ilegales y Delirium Tremens.
Uno de los mayores atractivos del festival, el Trashville, también vuelve con sus propuestas más salvajes del frenopático del rock and roll. Las entradas del Azkena Rock Festival saldrán a la venta el lunes 14 de marzo a las 9:00 desde su página web, donde también se puede consultar toda la información acerca del alojamiento. Las entradas para la edición suspendida en 2020 siguen siendo válidas este verano.
¿Vuelven The xx en 2022 con nuevo álbum? Es posible. Nada está confirmado, pero en 2020 Romy Madley Croft afirmó que el grupo se encontraba trabajando en un nuevo disco, y en 2021 emergieron imágenes del trío tocando en el estudio.
Mientras tanto, Oliver Sim, vocalista y bajista de la banda, se lanza a publicar su primer single en solitario este misma semana. Desde hoy es posible escuchar ‘Romance with a Memory’, un tema que trae un sonido bastante alejado del de The xx o incluso de la pista de baile. Se aproxima al art-rock, también un poco al trip-hop, al sonido Gorillaz… y tras su atareada producción se encuentra Jamie xx. ‘Romance with a Memory’ llega acompañado de un «lyric video» de temática monstruosa que está protagonizado por los «monstruos, asesinos y queers favoritos» de Oliver, estos son Charity Kase, Gena Marvin, HoSo Terra Toma, Luke Fernandez y Yovska.
El vídeo de ‘Romance with a Memory’ tiene que ver directamente con el nuevo podcast que presentarán los integrantes de The xx en Apple Music a partir de este mismo jueves. Oliver, Romy y Jamie se turnarán para presentar cada uno un programa en el espacio llamado ‘Interludes Radio’, y el primero lo presentará Oliver y traerá un concepto relacionado con el terror. Este programa inaugural contará con la participación de, ojo, Florence Welch o Elton John, entre otros.
Oliver Sim era el único integrante de The xx al que quedaba por sacar material propio: Jamie xx publicó un álbum histórico en 2015, ‘In Colour’, que sigue siendo el último hasta la fecha; y Romy no solo ha colaborado puntualmente con varios artistas, sino que desde hace rato se encuentra trabajando en un álbum que será «muy divertido» en sus propias palabras, y del que ya se ha podido escuchar un single estupendo de sonido ibicenco, ‘Lifetime‘, a la postre una de las mejores canciones de 2020. Claro que, dos años después, el destino de este disco es incierto.
‘I See You’, el último álbum de The xx por el momento, vio la luz en 2017, y fue otro trabajo esencial en la discografía del trío británico que tanto enamoró a la audiencia con su debut homónimo de 2009 y después con su continuación, ‘Coexist’, lanzado en el lejano 2012.
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Pintor/Artista (@jesusarrueart)
