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Rigoberta Bandini adapta a los nuevos tiempos la inquietud del embarazo de ‘Cuando tú nazcas’

Por
Sebas E. Alonso
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La carrera de la barcelonesa Rigoberta Bandini sigue ascendiendo: en estos momentos tiene dos canciones entre los virales nacionales de Spotify y ambas pistas, ‘In Spain We Call It Soledad‘ y ‘Too Many Drugs’, superan ya el medio millón de reproducciones. La cantante actúa el 23 de enero en el Teatro Reina Victoria a las 12.00 de la mañana como parte del ciclo Madrid Brillante y quedan muy pocas entradas a la venta.

Su nuevo single es una versión, pero que le viene como anillo al dedo y a nosotros también, por varias razones. La cantante nos había anunciado durante una entrevista que preparaba una «cover» de Beethoven, pero finalmente lo que nos encontramos es una adaptación de Mocedades de Beethoven. El grupo liderado por Amaya adaptó el segundo movimiento de ‘La 7ª sinfonía’ del célebre compositor en dos ocasiones: en 1975 en el tema llamado ‘Dieron las doce’ como parte de su álbum ‘La otra España’, y en 1983 como parte de un disco llamado secamente ‘La música’.

A Rigoberta Bandini le viene que ni pintada la canción porque este año ha sido madre. Así lo explica ella misma en nota de prensa, donde se revela también que descubrió la canción entre los viejos vinilos de sus padres. «Entiendo la música como una rastreadora de emociones humanas y no me siento muy fiel a ningún género. Por eso no me da miedo explorar territorios aparentemente pasados de moda. Sólo quiero que la gente sienta cosas. Y nadie me puede negar que para eso Beethoven y Mocedades son muy buenos aliados».

Y a nosotros también nos va bien esta versión, para empezar porque no encontramos la original en las plataformas de streaming, pese a que sí hallamos el álbum de Mocedades ‘La vuelta al mundo de Willy Fog’ que se editó en el mismo sello, CBS, el año siguiente. Los caminos del mundo editorial son inescrutables, pero en cualquier caso, es también ocasión de disfrutar de una producción actualizada de la canción, que según su equipo ha tratado de incorporar guiños al reggaetón (su caja de ritmos típica) y al dubstep, recortando un minuto y haciéndola menos prog y más pop. Lo mejor sigue siendo la esencia de la composición, una letra inquietante sobre una melodía que no puede ser más tensa. ¿Estamos ante una canción gloriosa y bella o encierra realmente un punto terrorífico? De manera realista, ‘Cuando tú nazcas’ parece retratar el embarazo como un período lleno de interrogantes, dudas e inseguridad, no solo de felicidad y «gracia».

Rigoberta Bandini ha hecho unas ligeras modificaciones en la letra, prescindiendo de la cita a la Navidad, por ejemplo, y acentuando las referencias a la naturaleza. La canción es optimista, pues habla sobre la esperanza de traer a este mundo un bebé, pero sobrevuela la duda de que este mundo no sea mejor cuando ese niño «nazca». Detrás de frases como «ojalá puedas ver el sol y si aún existe el mar tan azul» y «ojalá que los bosques sigan donde están, que cuidemos siempre nuestro mar» se esconden la posibilidad y el temor de que no sea así, en lo que podrían ser referencias a su vez al cambio climático. Una canción, pues, llena de temores y preguntas que no ha perdido vigencia en estos 37 años.



Lo mejor del mes:

Dua Lipa, Billie Eilish, The Weeknd… suben al fin sus actuaciones en los AMAs a Youtube

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Sebas E. Alonso
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Esta noche se han celebrado los American Music Awards, más conocidos como AMA’s en Estados Unidos. En nuestro país no existe una gran tradición de seguir esta ceremonia, por lo que no tiene mayor interés mencionar que entre los grandes ganadores de la noche estuvieron Taylor Swift (“Artista del Año”, Mejor Artista Femenina, “Mejor Vídeo” por ‘cardigan’), The Weeknd en las categorías soul y R&B y BTS en las categorías de Mejor Grupo y Social Media. Dua Lipa pudo arañar el premio a Mejor Canción por ‘Don’t Start Now’ y para Lady Gaga fue el galardón en la subcategoría EDM.

Pero lo más interesante es ir localizando las actuaciones de la ceremonia, entre las que hay que destacar a Dua Lipa levitando en ‘Levitating’, a Billie Eilish presentando ‘Therefore I Am’, BTS con un popurrí, The Weeknd con ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’, Katy Perry con Darius Rucker con ‘Only Love’ en su primera actuación después de dar a luz, Megan Thee Stallion presentando ‘Body’… Muchas de ellas han sido subidas durante esta madrugada a Youtube. Todo el listado de ganadores y performers lo podéis consultar en Wikipedia.









Las mejores canciones del momento: noviembre 2020

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Sebas E. Alonso
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Este lunes reorganizamos nuestra playlist con lo mejor del momento, dominado por Kylie Minogue, que ha pasado recientemente por nuestra sección «Canción del Día» hasta en dos ocasiones con motivo de la edición de ‘DISCO’. También fueron «DISCO» de la semana Delaporte y Ela Minus. Han contribuido a que el mundo del pop sea más entretenido Ariana Grande, Baby Queen, Little Mix, Rina Sawayama y RAYE, mientras que el puntito rock nos lo ha dado Bessie Turner o la canción protesta de La Trinidad. En la sección folk tenemos a Maria Rodés con La Estrella de David, Eels y Adrianne Lenker.

Triunfan en nuestro país C. Tangana, Bad Bunny y Bad Gyal y deberían hacerlo aunque fuera a otro nivel los temas nacionales de El Último Vecino, Amatria, GUINEU, Novio Caballo y dani con La Casa Azul. Nos han entusiasmado las revelaciones de Maren y La Cebolla, cada una en un estilo completamente diferente.

Entre las canciones que dividieron a la redacción, pero que os presentamos porque tuvieron sus defensores, lo nuevo de Foo Fighters y lo nuevo de Billie Eilish. Completamos la playlist del mes con el hit ‘La nota’, beabadoobee y Miranda! con Javiera Mena.

Hot Chip, Jarvis Cocker / Straight to the Morning
Kylie Minogue / I Love It
Little Mix / Sweet Melody
Bessie Turner / Down 2
Baby Queen / Want Me
RAYE / Love of Your Life
C. Tangana, Niño de Elche, La Húngara / Tú me dejaste de querer
Joe Crepúsculo / Calaveras negras
El Último Vecino / Nostalgia
Amatria / Una voz
Maren / La estación espacial de Teruel
dani, La Casa Azul / Si te vas

La Cebolla, Negro Jari / A lo mío
Bad Gyal, Juanka / Blin Blin
Bad Bunny, Jhay Cortez / Dakiti
Delaporte, Arkano / Rica rica
Foo Fighters / Shame Shame
Ela Minus / el cielo no es de nadie
Rina Sawayama / XS
Billie Eilish / Therefore I Am
Ariana Grande, Doja Cat / motive
Myd / Together We Stand

Maria Rodés, La Estrella de David / Hacer el amor
Eels / Are We Alright Again
Adrianne Lenker / anything
La Trinidad / La Clase Media
beabadoobee / Emo Song
Manuel Turizo, Rauw Alejandro, Myke Towers / La nota
Miranda!, Javiera Mena / Entre las dos
Kylie Minogue / Miss a Thing
GUINEU / Putu Any
Novio Caballo, Viva Suecia, Axolotes Mexicanos / Celebritis

Robert Englund («Freddy Krueger») se une al reparto de ‘Stranger Things’

Por
Jordi Bardají
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‘Stranger Things‘ suma ocho actores a su reparto, confirma Variety. El que más sonará a todo el mundo es Robert Englund, conocido por su rol de Freddy Krueger en ‘Pesadilla en Elm Street’, lo que añade otro elemento de nostalgia más a esta serie llena de referencias nada veladas a la cultura pop de los años 80. Englund interpretará a Victor Creel, un personaje «perturbado e intimidante que es encarcelado en un hospital psiquiátrico por un asesinato horrible que cometió en los años 50».

Entre los nuevos nombres que se añaden al reparto de la serie hay que contar Tom Wlaschiha, conocido por su papel de Jaqen H’ghar en ‘Juego de Tronos’ y quien encarnará a un guarda de seguridad ruso llamado Dmitri que entablará amistad con Hopper. También asoma entre los nuevos nombres Jamie Campbell Bower (‘Sweeney Todd’), que interpretará a Peter Ballard, un «cariñoso hombre que trabaja de asistente en el hospital psiquiátrico». Por su parte, Mason Dye (‘Teen Wolf’) hará de Jason Carver, alguien que lo «tiene todo» hasta que los problemas vuelven a Hawkins, y Sherman Augustus dará vida al coronel Sullivan. Joseph Quinn (‘Overlord’), Eduardo Franco (‘Booksmart’) y Nikola Djuricko (‘Genius’) también se suman al elenco.

La cuarta temporada de ‘Stranger Things’ sigue sin fecha de estreno, pero se sabe que transcurrirá entre Estados Unidos y la Unión Soviética, entre Hawkings y Kamchatka, Rusia. La gran noticia, como ya es sabido, es que Hopper (interpretado por David Harbour) vuelve a la historia cuando se le creía desaparecido.

BTS pueden ser número 1 simultáneo en Estados Unidos y Reino Unido con ‘Life Goes On’

Por
Jordi Bardají
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BTS han vuelto a lograr cifras récord con su nuevo single ‘Life Goes On’, publicado un día antes del lanzamiento de su nuevo disco, ‘BE’. El tema ya es top 2 en el top 50 global de Spotify, seguido por ‘Dynamite‘, el cual ya era un enorme éxito, y el vídeo suma cerca de 123 millones de visualizaciones en tan solo cinco días.

Esta semana, la banda de chicos surcoreana puede alcanzar con ‘Life Goes On’ un nuevo hito en su carrera: ser número 1 de Estados Unidos y Reino Unido de manera simultánea. El tema lo tiene difícil en el Billboard pues la música cantada en habla no inglesa no suele recibir demasiado apoyo de las playlists estadounidenses, pero desde luego no imposible, y aún sin lograr la posición de honor, es más que probable que el tema entre dentro del top 5 de la tabla mientras se espera que ‘Dynamite’ suba unas cuantas posiciones. En cuanto a Reino Unido, UK Official Charts titula hoy que ‘Life Goes On’ «desafía» con sus cifras el número 1 que mantiene actualmente Ariana Grande con ‘positions’. De conseguirlo, ‘Life Goes On’ daría a BTS su primer número 1 de singles en las islas británicas.

En ambos casos, el grupo no se va a quedar con los brazos cruzados ante la posibilidad de lograr este número 1 simultáneo, y esta misma semana ha aparecido en la televisión estadounidense interpretando el tema en la gala de los American Music Awards y también en el programa Good Morning America. Y esta misma noche, J-Hope, Jimin, Jin, Jungkook, RM, Suga y V se dejarán ver por el programa de James Corden, que se emite en Reino Unido.

Como su propio título indica, ‘Life Goes On’ es una canción optimista que habla sobre la posibilidad de encontrar la luz después de un periodo oscuro. La letra de esta balada -principalmente cantada en coreano- incluye una referencia implícita a la pandemia y a esa «primavera» que no fue, y también al poder sanador de la música. La producción de ‘Life Goes On’, por su parte, apunta a ese R&B-pop blandito con guitarras acústicas, lleno de luz y esperanza, que sonaba allá por 2008 y 2009 (pienso en ‘Hate That I Love You’ de Rihanna con Ne-Yo), si bien en este caso las voces han sido ligeramente robotizadas.

airu se inspira en el LSD de ‘Climax’ para reflexionar sobre la culpa

Por
Jordi Bardají
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airu, la banda de dream-pop de Bilbao liderada por Irune Vega, ha publicado este año el EP ‘Do It for the Catharsis’, trabajo que el sello Snap! Clap! Club (rebe, Chico Blanco, Stephen Please) editaba en formato casete el pasado mes de junio.

El EP se cerraba con un breve tema de apenas 1 minuto y medio que airu decide presentar ahora con un videoclip que estrenamos en JENESAISPOP. ‘Who Spiked the Sangría?’ es un corte de ese típico dream-pop atmosférico capaz de llenar un estadio con la reverberación de sus guitarras y ambientaciones, y recibe su título de ‘Climax‘ de Gaspar Noé, si bien su letra está escrita en castellano. En dicha escena, los protagonistas de la película «beben de una sangría en la que alguien había vertido a escondidas LSD».

Algo de ese viaje sideral narrado en ‘Climax’ es trasladado a imágenes en el vídeo de ‘Who Spiked the Sangría?’ dirigido por Irune Vega junto con los propios bailarines que lo protagonizan. Según la nota de prensa, el vídeo busca representar la «búsqueda de la culpa en una relación de dos», proponiendo una lectura metafórica de la pregunta planteada en el título de la canción, llevándola al conflicto de pareja. La nota añade: «Siendo evidente que la culpabilidad total no es atribuible a una sola persona, en el videoclip se muestra a los dos individuos desde una perspectiva a ratos íntima a la vez que violenta».

No obstante, el vídeo de ‘Who Spiked the Sangría?’ abandona la claustrofobia ravera de la escena en la que se inspira para situarnos en un entorno natural e idílico, en el que dos bailarines dialogan a plena luz del día, desde la tranquilidad de un día de verano. En el vídeo, «los dos protagonistas también llegan a disfrutar de su compañía, una dualidad de emociones a destacar por los autores».

airu ha sido una de las formaciones finalistas de la última edición de Movistar Rookies. A medio camino entre el jangle-pop y el dream-pop, la banda se dio a conocer en 2018 con los singles ‘You Cut Like Corn’ y ‘The Centre Cannot Hold’, agrupados bajo el título de ‘Honestly’, al que después se sumaron otros como ‘No Hands You Can Shake’, ‘A Bike Ride Away’ o el más escuchado en Spotify a día de hoy, ‘Me Sabe Casi Igual’.

Crítica: ‘Ese o ese’ de Anaju sorprende por la producción de BRONQUIO

Por
Jordi Bardají
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Anaju es una de esas concursantes salidas de las últimas ediciones de Operación Triunfo que están demostrando saber rodearse de los mejores. Si su primer sencillo oficial era un ‘Me iré’ producido por el dúo Vonzo que no disimulaba nada su intención de sonar al pop post-El Guincho por la vía de Rosalía, el segundo, ‘Rota‘, la reunía directamente con el mismísimo productor y co-autor de ‘Los ángeles‘, Raül Fernández Refree.

El tercer single oficial de Anaju ha salido estos días y se titula ‘Ese o ese’, como «SOS» porque Anaju interpreta en él a una persona que necesita por todos los medios reunirse con su persona amada. ‘Ese o ese’ es una producción de Santiago Gonzalo, más conocido como BRONQUIO, quien en los últimos años ha dejado definitivamente el underground para trabajar con algunos de los nombres destacados del panorama nacional, de Natalia Lacunza a Kiko Veneno pasando por Carlangas de Novedades Carminha. Su propuesta para Anaju es una base próxima a un tipo de indie-pop electrónico que, cuando ralentiza el ritmo, presenta un sonido que parece apuntar más bien al estilo de unos Cupido.

Hay quien sabe asimilar sus influencias (o al menos, aparentarlo) y quien no, y en el caso de Anaju hay que decir que la producción de BRONQUIO es lo más interesante de este ‘Ese o ese’ que también engancha gracias a su cuco estribillo… pero desde luego no a lo que pone sobre la mesa en ella su intérprete. En Operación Triunfo, Anaju destacó por su carisma y por su buen gusto a la hora de seleccionar canciones que presentar en las galas, pero nunca por poseer un timbre de voz demasiado interesante o con el que se pusiera hacer demasiado dentro de un estudio. Y en ‘Ese o ese’, la voz de Anaju es un lienzo en blanco sobre el que solo BRONQUIO consigue añadir algo de color.

El resultado es un contraste que no acaba de cuajar: donde BRONQUIO sí se acerca a los terrenos de lo perpetrado por Alizzz junto a Amaia, ofreciendo una producción interesante que logra sorprender hacia el final con la aparición de unas voces sampleadas como venidas de ultratumba, Anaju recurre a las afectaciones vocales típicas de los triunfitos (ese arrastre de las frases como cantadas «para adentro») en busca de una emoción que nunca termina de trasladarse a la grabación. Al final, ‘Ese o ese’ termina sonando a esa imitación de lo alternativo que tanto se está dando en los singles recientes de los concursantes del talent… y que tanto se termina notando.

Kali Uchis / Sin miedo (del amor y otros demonios)

Por
Sebas E. Alonso
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Las producciones de Kali Uchis son mágicas. En sus mejores momentos, encierran el poder del escapismo. Ha de ser por su surtido de teclados ochenteros, por lo atmosférico de sus trucos de estudio o por la sensualidad de su voz, pero muchas de las canciones que compusieron su primer disco oficial, ‘Isolation‘, tenían el poder de trasladarte a un planeta imaginario. Y lo digo tanto por pequeños éxitos como ‘After the Storm‘ como por producciones que enseguida cayeron en el olvido, por razones que no acierto a comprender, como la maravillosa ‘In My Dreams’.

Por eso era tan decepcionante que su segundo álbum se presentara con un tema como ‘¡aquí yo mando!‘. Su colega Rico Nasty (la de ‘Smack a Bitch’ y más recientemente ‘Own It’) es un gran fichaje, pero el mundo no necesita más temas de base trap random con unas líneas de empoderamiento, co-escritos encima por los 5 hombres de siempre, entre ellos Tainy, omnipresente dado el éxito de sus producciones junto a J Balvin y Bad Bunny. Esto es algo que habríamos esperado de Becky G, pero pedíamos más a Kali Uchis. Por suerte, nos lo ha dado.

‘Sin miedo (del amor y otros demonios)’ comparte con ‘MDNA’ de Madonna algo más que la compañía discográfica (Interscope) y cierta estética a medio camino entre Tarantino y Russ Meyer: también es un trabajo en el que sus singles no son representativos, que tiene mucho más que ofrecer que esas canciones que parecen haberse ideado para las radios o playlists de moda junto a algunos productores o personajes de éxito. En este último sentido, hay que reconocer que ‘la luz’ junto a Jhay Cortez sí es un tema bien conseguido, sexual y embriagador; que Jowell & Randy cumplen en ‘te pongo mal (préndelo)’ subiendo los BPM’s cuando empezábamos a necesitarlo; y que PARTYNEXTDOOR ofrece su voz más sensual -tipo Drake- en el R&B de ‘fue mejor’.

Pero la verdadera buena noticia es que Kali Uchis nos ofrezca unas buenas dosis de ese R&B onírico, que solo podía haber sido creado en el siglo XXI, entonado en un Spanglish que fluye con naturalidad, entre cerezas, aguardiente y Cherry Cola, como sucede en ‘aguardiente y limón’, en la que la repetición de la palabra «miel» llena de autocoros esconde efectos afrodisíacos. Los teclados de ‘telepatía’ invitan como pretenden a intentar hacer el amor a distancia, ‘de nadie’ atrapa a pesar de ese extraño verso «me dicen bipolar (…) pero soy real» y ‘no eres tú (soy yo)’ contiene un arreglo burbujeante que logra mantener el listón alto en la segunda mitad del álbum.

Algunas de estas co-producciones es verdad que son de Tainy, pero o bien este se niega a acudir en modo piloto automático, o bien es Kali Uchis quien retuerce voces o altera el pitch para ofrecer cosas diferentes. Al fin y al cabo es ella sola quien escribe y produce el tema final, una fantasía vocal a medio camino entre James Blake y Arca. Con la venezolana comparte también cierto gusto telenovelero que va más allá de unas letras que nos hablan de amor, sexo y religión. Se tortura ‘vaya con dios’, el tema trip-hop con ideas tomadas de ‘Sour Times’ y ‘Glory Box’ de Portishead, de esta manera: «Me duelen los ojos de mirar sin verte / Es que te quiero tanto, digo tu nombre rezando / Tú mi ángel y mi santo / No sé si lo volveré a ver, vaya con Dios».

Más allá de eso, Kali Uchis se adentra en sus raíces latinas pese a haber nacido en Virginia (sus padres son colombianos) para reivindicar nombres como Los Zafiros, Los Terrícolas o La Lupe, además de a Gabriel García Márquez. Uno se queda con ganas de que desarrolle lo explorado en ‘la luna enamorada’ y sobre todo su versión de ‘qué te pedí’, que termina justo cuando parece que va a aparecer la verdadera pupa. Pero son solo intro e interludio en esta historia de sensualidad en la que caben multitud de influencias y colores. Sexo sobre sábanas de seda, y después cierta resaca, melancolía, vacío. El sonido, el mundo Kali Uchis.

Calificación: 8/10
Te gustará si te gustan: lo mismo James Blake que Bad Gyal, lo mismo Bad Bunny que SZA
Lo mejor: ‘la luz’, ‘telepatía’, ‘aguardiente y limón’, ‘la luna enamorada’
Escúchalo: ‘telepatía‘

Justin Bieber acude a la llamada de Shawn Mendes cargado de victimismo

Por
Jordi Bardají
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Shawn Mendes publica su nuevo disco el 4 de diciembre. El artista ha ido a por el grueso de las ventas navideñas fechando el álbum en este mes y también con un dramático primer single de adelanto que suena inspirado en Coldplay. Más a saco ha ido Shawn todavía publicando un segundo single que ha contado con la colaboración de su compatriota Justin Bieber, dando lugar a la gran colaboración de la semana al margen de la de Miley Cyrus y Dua Lipa. El tema ya se encuentra entre los 10 más escuchados de Spotify en todo el mundo.

‘Monster’ llega cinco años después de que Bieber declarara durante una entrevista de radio que «no sabía quién era» Shawn Mendes, marcándose un «Mariah» de libro probablemente igual de impostado. Ahora que Bieber por fin sabe quién es el autor de ‘Treat You Better’, el tema que les une suena un poco intoxicado por el espíritu que ha movido algunos proyectos recientes de Bieber, como el documental sobre ‘Changes’ o el single ‘Lonely’, el de un lavado de imagen abordado desde el victimismo.

El tema conjunto de Mendes y Bieber se dirige abiertamente a los seguidores que ponen a las estrellas «en un pedestal» para después «derrumbarlas» con críticas. «Me llenáis de confianza, digo lo que hay en mi pecho, y cuando derramo mis palabras me rompéis en pedazos hasta que no queda nada», canta Shawn antes de plantearles «qué pasaría si tropiezo, qué pasaría si caigo» para concluir que estos seguidores les llamarán «monstruos» si no se dejan pisar y contestan a los ataques.

Más explícito, Bieber dedica su verso a los primeros años de su carrera, que inició cuando era tan solo un adolescente: «tenía 15 años cuando el mundo me puso en un pedestal, tenía grandes sueños de hacer conciertos y crear recuerdos, tomé malas decisiones haciéndome el guay porque me sentía irritado por su envidia», canta. En la siguiente frase, el canadiense afirma que «asume la responsabilidad de todo lo que hecho», para después invocar sus «buenas intenciones» y apuntar con el dedo al adversario: «me lo echas en cara como si tú fueras perfecto». El artista concluye que ha aprendido a perdonar, a pesar de que la canción desprenda un poso de rencor.

Musicalmente, ‘Monster’ no suena tan pueril como su letra… pero solo porque estamos ante una balada de soul-pop tan blandita e inofensiva como cualquiera de John Legend o la propia ‘Stuck with You’ de Ariana con Bieber que este año alcanzaba el número 1 en Estados Unidos. Al margen de las posiciones comerciales que alcance ‘Monster’ en los próximos meses, nos quedamos con el «monstruo» de Paloma Faith de calle.

‘Body’ de Megan Thee Stallion se te pegará aunque la odies

Por
Sebas E. Alonso
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Megan Thee Stallion va a consolidar esta semana su carrera musical a juzgar por las excelentes críticas que está recibiendo su esperado disco de debut, ‘Good News’, tras toda la atención mediática que había acaparado con EP’s y mixtapes como ‘Suga’ o antes ‘Tina Show’. ‘Good News’ será nuestro Disco de la Semana durante estos días.

El álbum incluye como traca final el remix de ‘Savage’ con Beyoncé y sencillos dados a conocer con anterioridad como ‘Girls in the Hood’ y ‘Don’t Stop’, pero el tema que se está promocionando estos días es ‘Body’. Para ella se acaba de estrenar un vídeo ultra sexualizado con cameos de celebrities, modelos y actrices como Taraji P. Henson, Blac Chyna y Jordyn Woods, pero sobre todo con nalgas que suben, bajan, botan, se abren y se cierran. Además es el tema que Megan Thee Stallion ha interpretado esta noche en los American Music Awards, sobre unas escaleras. Es nuestra “Canción del Día”.

‘Body’ es una de las composiciones con menos co-autorías de ‘Good News’, con apenas 3 nombres en sus créditos, entre ellos por supuesto el de Megan Pete: nada que ver con las 23 personas que aparecen en los créditos de ‘Circles’. Como habréis adivinado a estas alturas, ‘Body’ es un tema en el que la artista presume de su cuerpo, de sus curvas y de sus «grandes tetas» con frases tan explícitas como: «Body crazy, curvy, wavy, big titties, lil’ waist». Asimismo referencia la «cuarentena» pues esta canción ha sido escrita este mismo año, y está dando bastante que hablar con una frase en la que se referencia ‘Tiger King‘ y a la activista felina Carole Baskins («All them bitches scary cats, I call ‘em Carole Baskins, ah»).

Pero ante todo ‘Body’ es una producción que podría haber realizado Timbaland, grave e inmediata, perfecta para mover el culo del que Megan tanto presume, y marcada por un sample de gemidos, que ni el Gainsbourg de ‘Je t’aime, moi non plus’ y ‘Bonnie & Clyde’. Se te pegará por mucho que la odies.


Lo mejor del mes:

‘Prisoner’: ¿la canción perfecta para la voz de Miley Cyrus o una decepción?

Por
Sebas E. Alonso
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Una opinión a favor y otra en contra del single de Miley Cyrus con Dua Lipa, ‘Prisoner’.

«Miley Cyrus no esconde influencias, las subraya. El nuevo disco que publica esta semana incluirá versiones de Blondie y Cranberries y, desde el principio, cuando presentaba el primer single ‘Midnight Sky’ hablaba de lo que ha significado para ella Joan Jett. Después, ha presentado una remezcla del tema con Stevie Nicks. Claramente tiene en mente mujeres fuertes y que han devaneado entre el pop y el rock. ‘Prisoner’, el single que ya triunfa en el global de Spotify (en lugar de bajar tras el hype inicial, está subiendo), recuerda al rock que se hacía en los años 80. La melodía recuerda a ‘Physical’, sí, en el año en que Dua Lipa se ha inspirado tanto en el célebre vídeo de gimnasia de Olivia Newton-John que hasta ha sacado una canción así llamada. Pero el sonido es mucho más AOR. Entre guiños a ‘Gloria’ y ‘Beat It’, el grupo de productores The Monsters & Strangerz y Andrew Wyatt ayudan a terminar de elaborar una producción idónea para el lucimiento vocal de Miley Cyrus. Ni baladas tipo ‘Wrecking Ball’ ni EDM de guitarrita tipo ‘Malibu‘: este es el tipo de música que mejor sienta al timbre ronco de la cantante». Sebas E. Alonso.

«‘Prisoner’ me parece poquita cosa para dos superestrellas como Dua Lipa y Miley Cirus. De la unión de ambas una espera un macrohit al nivel, mínimo, de ‘Rain on Me’. Pero, ay, no. Al principio la cosa promete, aunque todo suene a mil veces escuchado (base, melodía, estribillo). Pero se queda en mero revival bastante sobado. Se echa de menos algo que destaque, que haga remontar el vuelo de una cosa tan aparatosa y, a la vez, tan plana y repititva. Y por más que rasgue la voz y grite Miley, por más feísmo y lesbian chic pueblen el vídeo, no lo puedo evitar: me aburre». Mireia Pería.

¿Qué te ha parecido el dúo de Miley Cyrus y Dua Lipa?

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Descubre música italiana actual de mano de Delaporte

Por
Sebas E. Alonso
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‘Las montañas’ de Delaporte es nuestro «Disco de la Semana», momento que hemos aprovechado para pedir al al dúo una playlist con su música italiana favorita de los últimos 5 años (más o menos), aprovechando la procedencia original de Sergio. Cosmo, una de las penúltimas estrellas de la música italiana, y de quien Delaporte ya nos habían hablado en una entrevista anterior, aparece con su pista ‘L’amore’ -con una base cercana al techno-house pero un estribillo eufórico, edificante, casi eurovisivo- y más adelante con un remix de un tema llamado ‘Tristan Zarra’ del mismo disco, cuyo nuevo nombre lo dice todo: ‘No Polizia In Our Raves’.

Entre los grandes descubrimientos de la lista está el elegante revival de techno onírico de L I M, el proyecto de la productora Sofia Gallotti (atentos a ‘Comet’ los seguidores de Luomo y Olive); y en un lado más contemplativo encontramos ‘Anima Lattina’ del dúo Coma_Cose. El tema de Lorenzo Senni -que ha estado en nuestro país varias veces– le puede interesar lo mismo a los seguidores de PC Music que a los de Oneohtrix Point Never. Muy distinta es la propuesta de LIBERATO, también vista en Sónar, con un ‘GUAGLIÒ’ que empieza en plan Mad Decent y termina en modo jungle. Nada que ver con lo de la rapera y performer MYSS KETA, tan apta para un Festival Paraíso como para un Orgullo donde todavía sigan sonando los Vengaboys.

La gran sorpresa de la playlist son las cosas más alejadas del sonido Delaporte. Clap! Clap! no tiene nada que ver con ‘Clap Clap’ -la canción-, sino que se entrega a los sonidos tradicionales tanto como en Galicia Baiuca (Paul Simon es fan); y sobre todo hay cierto gusto en la playlist por la psicodelia sesentera, como se aprecia en la propuesta de Giorgio Poi, y un poquito en la de Frah Quintale. Incluso el fondo en teclados y coros del tema de Iosonouncane, que va incorporando vientos, palmas y otros recursos en el calculado crescendo de ‘Stormi’ remite a la misma década; como el tema de Calcutta y las flautas del corte de Joan Thiele, antes de entregarse a un ritmo más R&B y a una base más easy listening. Algunos de ellos te gustarán si te gustan… las influencias de Tame Impala.

La playlist se completa con el techno del remix de Deborah de Luca de ‘Prumesse’, un tema de Enzo Dong y Franco Ricciardi, y las guitarras lo-fi de ‘La Domenica’ de Giovanni Truppi. Os advertimos que la playlist no ha apostado siempre por los temas más populares de cada artista, por lo que si alguno os llama la atención, os invitamos a ahondar en su discografía.

Vermú / Cancionero estoico

Por
Sebas E. Alonso
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«No tengo nada que ofrecerte, ¿son tus ídolos la carne de cañón?». Esto plantea la letra de ‘Los campos amarillos’, una de las canciones contenidas en el debut de Vermú, el último fichaje de El Tragaluz, el sello madrileño que nos descubrió a Vicente Navarro y luego publicó el último álbum de Karmento.

La verdadera pregunta que queda en el aire es si la banda manchega tiene algo que «ofrecerte» si tus «ídolos» son gente como Los Planetas, o más recientemente Viva Suecia, a los remite esta composición que termina con una frase graciosa que podría haber escrito Sr Chinarro el día que este quiso acercarse a la tradición: «coplas me pides que cante / y yo solo sé decir «¡ay, ay, ay!». ¿Quieren Vermú ser populares en playlists y festivales, o quiere su líder Daniel Toboso -gran apellido, ¿será real?- ser un cantautor de culto como Antonio Luque?

Como sus compañeros de discográfica, Vermú son mejores cuanto más se acercan a la tradición española tanto en melodía como en ritmos. Es lo que sucedía en el single de presentación ‘Canto alegre’, que si hubiera habido festivales este año quizá reconoceríamos mejor con el nombre de «Aguanta el estirón», pues ese es su lozano estribillo; o ‘Éxodo’, en el que el grupo se acerca a los ritmos de una jota.

También les diferencia una prosa un tanto alicaída, lo que incluye varios recitados, como ese que dice «te busco, te encuentro y entiendo por qué llaman red a las redes sociales» en ‘Los veranos son cortos’, un tema que incorpora un fragmento de un poema de Antonio Márquez «El borriquillo». José Ángel Valiente es después el autor reivindicado en ‘Caudal y acervo’, mientras otras letras, en general sobre el amor y sobre la vida (de manera visible ‘Éxodo’ habla con celos y rabia de alguien que se ha ido a vivir «al puto Madrid»), no se cortan en incluir referencias sociopolíticas. Tenemos la «sede de VOX» y una «calle llena de traperos» en ‘El más listo de la tierra’, y también «roqueros y comunistas con el pelo al cero» en ‘Caterpie’.

‘A la virgen’, con cierta influencia del post-punk británico, puede tener sus posibilidades, como hermoso es el atardecer al que nos transmite el desarrollo instrumental final de la mencionada ‘Caterpie’. Pero es en canciones con un pie en la tradición española donde Vermú terminan de conquistarnos, pues solo Dios Jota sabe cuándo volverán los de Floren, Banin y Eric, y seguro que el grupo puede probarlo en esos escenarios gratuitos, en las plazas de dos pueblos de Madrid (Aranjuez y Torrelaguna) que les aguardan los días 28 y 29 de noviembre como parte del ciclo Sesión Vermú.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Canto alegre’, ‘Los veranos son cortos’, ‘Éxodo’
Te gustará si te gusta: Los Planetas, Ornamento y Delito, Viva Suecia, Nacho Vegas
Youtube: vídeo de ‘Canto alegre’

Por qué ‘La Nota’ ha sido un merecido número 1 en España

Por
Jordi Bardají
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La «Canción del Día» de hoy en nuestras páginas es una que la población española tiene actualmente muy presente en sus vidas, pues acaba de ser número 1 de singles en España… y a día de hoy se mantiene entre las más escuchadas del país. Se trata de ‘La Nota’, el nuevo tema de reggaetón de Manuel Turizo, Rauw Alejandro y Myke Towers, tres nombres archiconocidos por cualquiera que siga de cerca el género musical más bailado hoy en día en el mundo: el primero es autor del macrohit ‘Desconocidos’, al segundo le has escuchado a solas (‘Tattoo’) o con Lola Indigo (‘4 besos’), y al tercero hay que atribuir la estupenda ‘La curiosidad’. Entre todas ellas, estas canciones suman reproducciones en streaming que harían desmayar a cualquiera.

‘La Nota’, también entre las canciones más reproducidas en el mundo en Spotify, en torno al puesto 20, es una de esas composiciones de reggaetón que apelan a las emociones más que a sacudir el pandero en la pista de baile. Está más en la onda de ‘Te boté’ que de ‘China’, más en la de ‘Si se da’ del propio Myke Towers y Farruko que de ‘Taki Taki’, más en la de ‘Hasta que Dios diga‘ que de ‘Safaera’, más en la de ‘Ay Dios Mío!‘ que de ‘Blanco’. En los últimos tiempos, este tipo de reggaetón melancólico, de tempo ligeramente ralentizado, arrasa en las listas de América Latina y España, y dos ejemplos recientes muy claros son ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj (aquel tema que hablaba de una «depresión tonta») y ‘Caramelo‘ de Ozuna. Puede que a menudo las producciones de estas grabaciones no sean tan enriquecedoras como la de ‘Soliá‘ de Bad Bunny y que los bombos queden más cerca de la vulgaridad de Anuel AA que de la sofisticación de J Balvin, pero las melodías siguen estando hechas para encoger el corazón aunque sea un poco, y lo cierto es que lo consiguen.

En el caso de ‘La Nota’, la sombra de ‘Te boté‘ es alargada, pero a espera de que el tema sea remezclado con un remix de 10 minutos en el que participe todo artista de reggaetón imaginable, resulta igualmente adictiva. No, no es una canción romántica en absoluto pues la letra relata una infidelidad, y está dedicada a la devoción que sus intérpretes sienten por una mujer y a la que esta siente por el sexo en general. Frases como «tú y yo tenemos un problema serio, ven pa’ hablarte claro, dejemos el misterio, si tienes novio hagamos un adulterio, y si eres seria yo me voy en serio» ni reúnen las mejoras rimas que se pueden escuchar ni están hechas para emocionar a nadie, pero entre referencias a un deseo insaciable («sabe que despierta el deseo carnal, hasta no comerme no se va a calmar») y políticas («ella quiere que la nota se le suba, porque dice que e’ libre como Venezuela y Cuba»), la composición musical de ‘La Nota’ está hecha para hipnotizar.

Meister of the Week: Casero recuerda las mejores entregas de ‘Catfish’

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Jordi Bardají
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«Cállate, no me hables, no me cuentes cómo estás» está siendo una de las frases clave del pop independiente de las últimas semanas. Gabriela Casero, antes escondida bajo el nombre de Mow, ha triunfado en las plataformas de streaming con canciones como ‘Cuanto más’ e ‘Islas desiertas’ y, tras la buena aceptación de ese ‘Cállate’ junto a Russian Red, ahora anuncia un álbum nuevo para el 4 de diciembre bajo el paraguas de El Segell, en el que el sello Morr Music (el de Lali Puna) es una referencia explícita. Casero es la nueva invitada de «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, y escoge hablarnos sobre ‘Catfish’, el programa en el que durante 8 temporadas se ha jugado con este concepto relacionado con los perfiles «fake» encontrados en internet. ¿Quién miente y quién no?

¿Por qué has elegido hablar de Catfish?
Estaba entre Catfish y el ASMR, pero el ASMR ya estaba cogido, así que me quedo con este programa que me ha dado tantas alegrías. Me entretiene un montón y me hace mucha gracia.

¿Cuándo descubres el programa y qué episodio te hace engancharte a él?
Yo creo que desde el primero me enganché, a veces me olvido de que existe y cuando lo busco hay un montón de episodios nuevos y es lo mejor. Empecé a verlo cuando empezaron a poner la MTV en la tele hace años.

¿Has seguido el programa ya después en Youtube?
Al principio lo veía en la tele si lo pillaba, pero con el tiempo ya lo busco yo.

¿Te han hecho «catfish» alguna vez? Puedes no contestar esta pregunta si así lo prefieres.
Pues sí, una vez, pero me di cuenta muy rápidamente y ahora es una de mis historias favoritas para contar. Hubo mucha vergüenza propia y ajena.

La estructura del programa suele ser la misma: leen el mensaje de la persona víctima de un «catfish», la conocen en persona, investigan si hay trampa o no… finalmente las dos personas se conocen, y después el programa vuelve a entrevistarlos seis meses después para ver cómo les va, solo o a uno de ellos dependiendo de cómo termine la historia. ¿Cuál es tu parte favorita y por qué?
Me gusta más el principio que el final, el final suele ser muy anticlimax. Es lo más cutre ahí en el jardín de atrás de una casa echándole en cara a alguien que ha engañado a no sé quién y que tiene que cambiar y dejar de hacer eso… A mí me gusta la parte en la que salen contándolo y todavía no se sabe si algo de eso es verdad o no.

Hay un episodio en que una persona está convencida de que está hablando con Katy Perry. ¿Lo has visto?
Lo he visto sí, jajajaja llegan a mandarle un vídeo de Katy Perry diciéndole que no es ella realmente y el tío sigue convencido, pensando que Katy quiere mantener la relación en secreto. Madre mía.

También hay uno en que una mujer engaña a una chica que ha perdido a su padre, haciéndose pasar por este. ¿Lo recuerdas?
Me acuerdo de uno en que un hombre le dice que es su padre y luego que no y luego que sí y que no y al final no era, una cosa muy rara. Y hay otro en que una mujer dice que puede hablar por el padre que murió y cuenta cosas de él y por alguna razón todo el mundo en ‘Catfish’ está muy asombrado con ella y piensan que es verdad.

¿Recuerdas un episodio de ‘Catfish’ que te emocionara o enterneciera especialmente?
Todos me dan un poco de pena porque si ya te ves en la situación de tener que llamar a ‘Catfish’ para ver si te están engañando es que eso no parece tener mucho futuro… pero hace poco vi uno en que después de 8 años de conversaciones se encontraban y todo era verdad y maravilloso y se prometían y todo.

¿Eres más de Nev o de Max? ¿Por qué?
NEV, me gusta mucho lo friki que es, pero con seguridad, me parece muy atractivo. Aunque tiene pinta de ser un poco muermo.

¿Cuál es el «catfish» más impactante y tenso que recuerdas?
Un tío que había estado haciendo catfish a otro y cuando llegó estaba súper agresivo y no paraba de gritarle. ¡¡El catfish al catfisheado!! Parecía que le quería pegar y todo. No tenía sentido alguno aquello.

¿Cuál consideras el episodio más mítico?
Para mí uno en que un tío había conocido a una mujer trans y estaba como preocupado por eso al principio pero al final ella le gusta y llama a Catfish para ver si ella es real. Pero a la vez él se está haciendo pasar por otra persona (que es su primo). Llegan ahí, ella está en plan «pero si eres totalmente distinto» y de repente ella confiesa que en realidad no es trans y que entiende que la haya engañado… y él confiesa que ella sólo le gustaba porque le pagaba las cosas (?????) Y ella le dice que de todas formas pueden ser amigos.

¿Crees que ‘Catfish’ tiene un punto de concienciación más allá de lo morboso? Se tratan temas como el lupus, la pedofilia, el cáncer, etc.
Yo creo que no, al final siendo un reality tiene que tratar con temas de la realidad. Igual puede ser útil para concienciar de cosas relacionadas con la orientación sexual y normalizar situaciones o preferencias pero en el resto lo dudo.

¿Algún episodio en que estuvieras completamente convencida de que hubiera trampa y luego no?
Muchos, pero hubo uno en que yo creía que era el hermano con peluca haciéndose pasar por un punki y resultó que no.

Si ‘Catfish’ hubiera sido una influencia para tu carrera, ¿en qué canción o de qué manera lo habríamos notado?
Aún puede pasar, pero supongo que en una en la que yo fuera víctima de alguno, no me veo yo haciendo catfish a nadie de momento…

Adrianne Lenker / songs

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Jordi Bardají
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Entre quienes opinan que Adrianne Lenker es una de las artistas más interesantes del momento, llegando a percibir un sutil fondo de terror en algunas de sus canciones, y quienes piensan que simplemente hace «folk llorero para deprimirse en la cabaña del árbol viendo crecer líquenes», me posiciono en un punto intermedio: ni Big Thief ni su música en solitario me parecen la octava maravilla ni me parece que su música ayude más a dormir que una pastilla de Dormidina. ‘songs’ vuelve a ser un trabajo de folk puro como una mañana de niebla en la montaña -aunque con reservas, como veremos más adelante-, en el que Adrianne despliega su gusto por las metáforas naturales en letras sencillas y poéticas, pero en el que también se pone tremendamente personal y explícita cuando quiere, abriéndonos una puerta hacia episodios de su vida que muchos se guardarían para sí.

El germen de ‘songs’ hay que localizarlo en marzo de este año: el mundo se interrumpe por el coronavirus, incluida la gira de Big Thief, y Lenker decide aprovechar su tiempo libre yéndose a una cabaña situada en el oeste de Massachussets para desconectar y «sanar» del estrés de las giras. Su hermana vive en la cabaña de al lado así que el aislamiento se le hace menos duro de llevar. Sin intención alguna de grabar un nuevo álbum, pero aún acompañada de una guitarra que va tocando de vez en cuando, la artista empieza a «conectar» con el lugar pues la reverberación de las notas en el espacio lo hace sonar como el interior de ese mismo instrumento. Poco más de un mes después de mudarse a la cabaña, Adrianne llama a su colega y productor Philip Weinrobe para proponerle grabar una serie de canciones «que suenen como si estuvieran en el interior de una guitarra acústica». Este es por supuesto el instrumento principal de ‘songs’, un trabajo que también se deja acompañar de los sonidos de la «madre naturaleza» para presentar unas composiciones en las que Lenker suena tan conectada con su propio espíritu como con el entorno que la rodea.

La canción más representativa del sucesor de ‘abysskiss‘ en este sentido es ‘zombie girl’, en la que Lenker dialoga con el silencio después de despertar de un sueño. «Vacío, cuéntame sobre tu naturaleza, puede que no te haya entendido en todo este tiempo, porque te lleno de preguntas, te lleno de explicaciones, te lleno de música», canta la artista con toda la ternura del mundo. Su voz, de apariencia frágil pero provista de una emotividad desgarradora, expresa una sabiduría veterana a pesar de contar la cantante apenas 29 años. Solo con esta sabiduría puede haber nacido una composición tan bella como ‘ingydar’ en la que Lenker habla sobre el paso del tiempo casi como si hubiera muerto hace largos años. Entre referencias al «ámbar cristalino», a los «arándanos» y a un «libro leído a medias», la cantante sentencia que «todo consume y es consumido» porque, en declaraciones a una revista, «todo nace y decae simultáneamente, y todos crecemos y nos convertimos en algo, y a la vez nos dejamos de convertir y morimos simultáneamente». Nada nuevo: solo la muerte da sentido a la vida, pero pocos transforman este pensamiento en canciones igual de bonitas.

Pero es en las canciones más personales de ‘songs’ donde Lenker deja de ser la Emily Dickinson del siglo XXI capaz de percibir universos dentro de una gota de lluvia para mostrarse como una persona humana, con claroscuros. Su ruptura con la cantante Indigo Sparke inspira varias pistas del largo, como una ‘anything’ de jadeante melodía que pasa de narrar una escena pastoral a situarnos en medio de una discusión familiar, que Lenker tiene con su suegra nada menos (como nos ha indicado un lector en los comentarios, el pasaje sobre unos dientes de perro que muerden a la artista tiene más pinta de ser literal que metafórico). Y si ‘come’ es una composición contemplativa, triste, decorada con el sonido de un riachuelo, en la que Lenker se pone en la piel de una madre que pide a su hija que la «ayude a morir», siempre con unas imágenes del mar en su cabeza que no pueden sonar más liberadoras, ‘heavy focus’ consigue sonar contenta a pesar de precisamente situarnos en un cementerio, por el que Lenker y su pareja pasean recordando viejos tiempos.

Esa fijación con el pasado puede ser el talón de Aquiles de Adrianne Lenker. Y no solo porque canciones como ‘anything’ o especialmente ‘half return’, que recuerda su niñez en Minneapolis observando la «blanca nieve» delante de su casa, evoquen con sus hipnóticos entramados de guitarra a la Joni Mitchell más acústica, sino porque la obsesión de ‘songs’ con la pureza de ese folk de antaño que aún no había sido corrompido por el futuro lo hace sonar irónicamente anacrónico, y su pureza menos pura, por tanto, más artificial. Obviamente canciones como ‘two reverse’ serán hermosas escuchadas tanto hoy como dentro de 30 años, pero tengo ganas de escuchar un disco de folk que sea posible de situar solo en el año en que vivimos, que no nazca de la nostalgia por tiempos no vividos. Como canta Lenker en ‘dragon eyes’: «As the coastline is shaped by the wind / As we make love and you’re on my skin / You are changing me». Mientras esperamos a que llegue un disco de folk que «cambie» las cosas, o que al menos lo intente, disfrutaremos de estas bonitas canciones.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘two reverse’, ‘ingydar’, ‘anything’, ‘zombie girl’
Te gustará si te gusta: Jessica Pratt, The Tallest Man on Earth, Joanna Newsom, Vashti Bunyan
Youtube: vídeo de ‘zombie girl’

Juliana de Miranda! y Javiera Mena viven el misterio del amor «a pesar de él»

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Jordi Bardají
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Miranda! prepara un nuevo disco según El Planeta Urbano, del que la banda argentina ha presentado tres canciones a lo largo de este último año. El primero era el rockero ‘Casi feliz’, el segundo era ‘Luna de papel’, ya decididamente synth-pop, y el tercero es uno de los temas que puedes escuchar desde este viernes en nuestra playlist de novedades.

‘Entre las dos’, hoy nuestra «Canción Del Día», es una misteriosa composición sustentada en una base de medio tiempo con tintes disco y house que puede recordar a ciertas producciones de Nicolas Jaar o Nicola Cruz. El ambiente nocturno, liberador, pero también intrigante, lleno de mariposas en el estómago, de ‘Entre las dos’ es el idóneo para presentar la historia de un romance entre dos mujeres que consuman su amor en secreto, mientras un personaje masculino mira hacia otro lugar, ajeno a lo que está ocurriendo. «Apretújame, este es el momento, a pesar de él, pronto nos veremos», dice el primer verso.

Como es obvio, el protagonismo de Alejandro Sergi en la historia de ‘Entre las dos’ es periférico, si bien él es quien aparece acreditado en la producción de la canción junto a Cachorro López. Son Juliana Gattas y Javiera Mena las protagonistas de esta composición en la que plasman su deseo de explorar un «misterio» que «quieren descubrir» mientras «él mira desde su ventana afuera, lejos de la cama».

Sia contesta a las críticas por fichar a una actriz neurotípica como protagonista de su nueva película

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Jordi Bardají
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Sia está siendo objeto de críticas en las redes sociales después de trascender que su nueva película, ‘Music’, narrará la vida de una joven autista encarnada por Maddie Ziegler. La actriz y bailarina no padece autismo y cierto sector de los seguidores de la australiana señalan su fichaje en la cinta como capacitista, y la acusan de haber negado a una persona autista representar a este colectivo.

Una crítica ha expresado: «esto es totalmente inaceptable y no hay excusas que valgan, deberías haberlo pensado antes de permitir que una persona no descapacitada y neurotípica represente al colectivo con necesidades especiales. Es increíblemente ofensivo, como lo es la infantilización del personaje». Otros apuntan a la asociación de Sia con la polémica organización Autism Speaks, conocida por sus posturas en contra de las vacunas o sus discursos de odio precisamente sobre el autismo. Los ataques a ‘Music’, cabe señalar, se basan en el tráiler de la película que ha sido estrenado esta semana, pues la totalidad de la cinta podrá verse en cines a partir del próximo mes de febrero.

Sia, que ha declarado su propósito de investigar las críticas dirigidas hacia Autism Speaks, no se ha quedado callada y ha defendido su película. La cantante ha explicado que trabajó con una actriz que se encuentra en el espectro autista, pero que está encontró la experiencia «desagradable y estresante», por lo que decidió contar con Maddie. Más enfadada, la artista se ha mostrado «FURIOSA» por que el público critique la película sin haberla visto, y ha escrito: «En el reparto he contado con trece personas no neurotípicas y con tres personas trans, y ninguna de ellas representa papeles de prostitutas o drogadictos, sino a doctores, enfermeras y cantantes. Puta pena me da que nadie haya vido la maldita película. Mi corazón siempre ha estado en el lugar correcto».

En otro mensaje, Sia ha señalado: «Creo que la película es hermosa y que hará más bien que mal. Si me equivoco lo pagaré el resto de mi vida». Como hemos comentado, esta semana ha sido anunciada la banda sonora de ‘Music’, de la que ya puede escucharse el cuarto single, ‘Hey Boy’.

Entrevista a Aluna: «Quiero que la gente viva la unidad que existe en mi música en la vida real»

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Jordi Bardají
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Aluna Francis ha publicado este año su primer disco en solitario, un ‘Renaissance‘ en el que pone sobre la mesa los diversos estilos de música que la han inspirado, desde el dancehall hasta el UK Garage, con el propósito de reivindicar sus raíces y otorgarles el lugar que merecen en la industria actual. Hablamos con Aluna sobre su disco y sobre los cambios que quiere ver en la industria.

¿Cómo vives estos días tan extraños después de que tu disco haya salido?
Me puedo adaptar a lo que sea porque siempre he tenido que hacerlo. Mi vida nunca ha sido la misma así que estas nuevas circunstancias no me condicionan demasiado. Me las tomo como una oportunidad para crecer y para enfocarme en mí misma.

El disco presenta una gran influencia de la música jamaicana. ¿Has querido explorar tus orígenes?
Soy medio jamaicana. He crecido con música jamaicana y me viene natural. El propósito del disco no ha sido volver a mis raíces sino expresar toda el rango de mi herencia cultural desde la música que escuchaba de pequeña a la que he escuchado después. El disco tiene afrobeats en ‘Don’t Hit My Line’, garage en ‘Ain’t My Business’, indie-punk o como quieras llamarlo en ‘Whistle’, luego ‘Back Up’ es una canción pop, ‘Off Guard’ es más trap…’Renaissance’ es un álbum de música dance que explora las diferentes maneras en las que la gente baila alrededor del mundo. No tiene que ver con una exploración cultural en el sentido teórico del término, es ante todo un trabajo dedicado a la pista de baile.

También es un trabajo muy personal, se nota que has querido plasmar tus influencias pero desde un punto de vista diferente.
En el disco puede escuchar qué tipos de bases me gustan. En el disco mezclo beats de culturas de todo el mundo e intento que suenen como lo hacen en mi cabeza.

¿Qué relación estableces entre esta exploración de sonidos y la ropa y estética del álbum?
He buscado plasmar ese choque de culturas que se da en Reino Unido, donde las culturas están muy disgregadas, no se juntan. Me he inspirado específicamente en dos monarquías, la africana y la británica, porque ambas básicamente construyeron el mundo pero, culturalmente, en las islas británicas, siguen separadas. Mi intención con el álbum ha sido mostrar qué aspecto tendrían ambos mundos si se juntaran. La ropa que llevo en las fotos del álbum está hecha para la ocasión.

¿’Don’t Hit My Line’ o ‘Ain’t My Business’ van a ser single?
En principio no porque si no el disco tendría 8 singles, lo cual no es malo per se… Pero son de mis favoritas.

¿Cuál es tu balada favorita del disco?
‘Whistle’ o ‘Surrender’. La primera te lleva como en un viaje flotando en el río, y la segunda te devuelve a la tierra y habla sobre asuntos muy reales, es muy personal. Depende de mi estado de ánimo.

«El dancehall y el afrobeat son increíblemente influyentes y deben ser tratados con respeto por los festivales y las plataformas de streaming»

¿Estás contenta con la recepción del disco o sientes que el trabajo de verdad empieza ahora?
Estoy muy contenta tanto con la música como con la recepción pero antes quiero trabajar en hacer cambios en la industria de la música y que esta más inclusiva. Quiero que la gente que escucha mi música viva el sentimiento de unión que existe en ella en la vida real, en el mundo. Con lo que no estoy contenta es con las circunstancias en las que sale mi música. Por eso quiero cambiarlas.

¿Cuáles son esas circunstancias?
Por ejemplo, el dancehall y el afrobeat no gozan del respeto que merecen ni tampoco están en un primer plano en las plataformas de streaming ni en los carteles de festivales. Estas músicas son increíblemente influyentes en la música pop hoy en día y los artistas deben ser tratados como tal. Es inaceptable que si yo saco una canción de «dancehall» en las plataformas de streaming digitales esta salga después en una playlist de «miscelánea». Por esta razón a las personas que les gusta mi música le costará encontrar cosas parecidas fácilmente, y quiero que mis hermanos y hermanas, quienes hacen este tipo de música también, tengan la mismas oportunidades que yo más allá de aparecer en los festivales y playlists de música dance.

«Las grandes empresas piden consejo a personas negras para incrementar su diversidad de cara al público, pero luego no las pagan»

Hace poco publicaste un comunicado en el que denunciabas el trato que has recibido en la industria de la música. Te dirigías a los hombres blancos que trabajan en la industria para que te mostraran el respeto que mereces. ¿Ha habido algún cambio después de tu mensaje?
Sí y no. He podido conversar abiertamente sobre estos temas con algunas personas que han sido lo suficientemente valientes para hablar conmigo. Las demás supongo que no se sienten preparados para hablar sobre racismo. Hay que ser un poco maduro para hablar sobre racismo, sobre todo con alguien que puede haberlo recibido de tu parte.

Lo demás es un proceso largo porque estamos hablando de racismo estructural. Hay que ser tenaz, saber organizarse y sobre todo dedicarle muchísimo tiempo de tu vida a este problema para poder combatirlo y ahí es donde la gente, tanto negra como blanca, se asusta. Algunas personas negras temen que otras se rindan, y algunas personas blancas tienen miedo de ponerse a trabajar de verdad. Ha habido pequeños cambios en la industria en los últimos tiempos, pero cierto problemas de fondo siguen ahí. Por ejemplo, sigue siendo necesario que se contrate a personas de color en la mayoría de empresas que ofrecen los servicios de música en streaming, que son mayoritariamente blancas incluso dentro de la categoría de música dance, que es donde yo me enfoco. No considero que una persona blanca pueda especializarse en el incremento de la diversidad de una empresa solo desde su perspectiva. Puede que lo llegue a ser si pide ayuda a otras personas de color, pero yo he ofrecido esta ayuda gratis y sin ver un duro y esto no es suficiente. Hay que pagar a las personas para que hagan este trabajo. He visto a muchas personas negras ser utilizadas por las grandes empresas de los servicios de streaming que les piden consejo para incrementar su diversidad de cara al público, pero que luego no las pagan. Es un trabajo de consultoría no remunerada.

Estas son las cosas que ocurren sin que nadie se entere….
Yo no hablo en las redes sociales sobre los cambios que quiero ver en la industria porque no tiene sentido. Lo que hago es trabajar con gente, levanto organizaciones, conecto a personas… y en algún momento pasaré a la acción. Como mujer negra quiero ver más apoyo hacia las mujeres negras en la industria de la música, y de este problema solo se van a preocupar las mujeres negras. He tenido muchas conversaciones con gente y estas nunca han incluido a las mujeres negras. Siempre se las deja de lado.

Finalmente, entiendo que AlunaGeorge no os habéis separado. ¿Sabes si George ha escuchado tu disco?
Sí, AlunaGeorge sigue en pie. Y sí, sigo en contacto con George, él me manda mensajes de vez en cuando, cuando publico música. ¡Le gusta! Y sobre todo lo que gusta verme disfrutar.

Maria Rodés y La Estrella de David conservan la fe en «hacer el amor cada noche»

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Sebas E. Alonso
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Cuando todavía no nos hemos recuperado de ‘Lilith‘, que se editaba hace muy poco y era nuestro «Disco de la Semana» recientemente, Maria Rodés ya está en otra cosa, lo cual tiene sentido pues este discazo se concebía en realidad para un espectáculo ideado el año pasado.

Hoy se anuncia un disco conjunto entre Rodés y La Estrella de David, el proyecto de David Rodríguez que hace un par de años volvía como loco al underground patrio con un álbum llamado ‘Consagración‘ en cuya portada aparecía tirando la basura. El nuevo disco colaborativo sale en 2021, lo han llamado ‘Contigo’ y publica Elefant, lo cual tiene algo de justicia poética por aquello de los albores del indie (de Bach Is Dead a Beef) y donde tanto han referenciado los proyectos chico-chica a lo largo de las décadas. De momento el primer adelanto que conocemos hoy se llama ‘Hacer el amor’, casi como aquel éxito de Dinio, si bien adentrándose en los territorios de la música country. Es hoy nuestra «Canción del Día».

En el vídeo, los She & Him patrios aparecen interpretando esta estupenda melodía en un bosque. Su búsqueda del amor, casi con la misma belleza melódica que encerraba ‘Un nuevo, nuevo amor’ de Jonston, es peculiar. Ambos en plan dúo, a la vez, más que en un diálogo pimpinelesco, confían en encontrar un amor que trascienda “la pasión” si es que “eso existe”. Por si fuera poco difícil, ambos confían al final en encontrar a alguien con el que “cada noche hacer el amor”. Una idea casi cómica que dio lugar a un capítulo sublime de ‘Las chicas de oro’ en el que el personaje más insospechado era el que precisamente cada noche había mantenido relaciones sexuales -y satisfactorias- con su marido: no era Blanche Devereaux, sino Rose Nylund.

Entre bonitas armonías vocales, pedal-steel y la complicidad de estos dos viejos conocidos, ‘Hacer el amor’ nos avanza un disco que prevemos deambulará entre lo romántico y lo divertidillo.

Lo mejor del mes:

Sólo le podía pasar a Taburete: que Santiago Abascal te felicite por tu trabajo «libre» y «disidente»

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Sebas E. Alonso
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Taburete continúan estrenando singles de su tercer álbum, el que promete hacer honor a su nombre bajo el título de ‘La broma infinita‘. Esta semana entre las novedades del día hallamos una canción llamada ‘Brindo’ en la que el grupo parece cuestionar el orden establecido, pero solo lo parece, pues su intención sociopolítica es mucho más tímida que la del autor de ‘La gran broma final’.

El tema ha chiflado al ya de por sí siempre engorilado Santiago Abascal, líder de VOX, que ha escrito en Twitter: «Yo también brindo por todos los artistas libres, los que se atreven a disentir, los que no escriben ni cantan al dictado de nadie». Taburete, adalides de la libertad según el líder de la ultra-ultraderecha española, se han atrevido aquí a ofrecer otro batiburrillo de referencias incasables, de ‘V’ a ‘Truffaut’ (‘Los 400 golpes’) pasando por -me atrevo a apuntar- ‘Rebelión en la granja’ y ‘The Wall’. Lo cual no es ningún disparate si atendemos a lo más interesante que pasa en esta canción, que no son los metales ni los vientos, sino la voz de Willy Bárcenas, cada vez más empeñado en acercar su timbre a la canción melódica de los años 70, sonando de manera bizarra -en su acepción anglo y castellana- como un cantautor anti-franquista de aquella década.

La canción ‘Brindo’ no se puede disociar de cierta intencionalidad política, como en un signo u otro ‘La casa de papel‘, pues por algo se ha estrenado al mismo tiempo y no antes que un videoclip en el que los buenos tratan de salvar el mundo, pero la canción es lo suficientemente ambigua, cuando no vaga, como para no ser desechada de ninguna inocua playlist de Spotify. Cual letra de Izal un tanto impenetrable, tanto que al final te quedas más o menos igual de lo que estabas, ‘Brindo’ «mira al mundo desde su balcón» para brindar «por la luz al amanecer en cualquier ciudad» y matar «al león del vacío que nos falte hoy», sea lo que fuere esto último. Su pasaje más claro es aquel en el que defiende su manera de hacer música («brindo por todos los hijos del soul / y por el vecino que nos denunció / por nuestra manera de hacer rock and roll»). Por lo demás, un cúmulo de sintagmas insignificantes desperdigados, de «besos» a «mesas para dos», cuando no contradicciones deliberadas del tipo intenso: «Si probablemente no soy abstemio, hoy lo seré más». ¿De verdad tiene algo que ver esta letra con la presentación del tema en Instagram? Dice así e insiste el mismo texto en la descripción de Youtube: «Peones en el tablero, titiriteros de los que moldean a su gusto las circunstancias, presos de la telaraña esperando escuchar el sonido que hace la fiera cuando intuye cerca a su presa, jugadores sin un as bajo la manga. Así nos ven quienes juegan, así nos brindan quienes nos bailan; jaque mate por la escuadra».

El vídeo en cambio es más nítido: está hasta subrayado. Sitúa a los protagonistas -disfrazados de músicos- en una misión, la de librar al mundo de unos reptiles que quieren «extinguir la especie humana». La escena en la que se descubren los verdaderos planes de los malos es digna de atender usando el “pause”: los planes de los malos son, además de “extinguir la especie humana”, “hacer las naciones desaparecer”, “asustar con una catástrofe”, faltar a “la verdad porque no importa” o crear “un nuevo orden mundial para la crisis del clima pacíficamente o con violencia”.

¿Qué opinará esta persona de haberse convertido en un referente para VOX? En 2019, Willy Bárcenas contó en el programa de Risto Mejide que nunca había votado al PP ni tampoco a VOX, como recoge la COPE: “No he votado al PP, nunca he votado al PP. Y soy de derechas”. Respecto a Abascal, indicó: “No voto a VOX, creo que es un partido que tiene sentido por cómo ha salido por lo de Cataluña, por la corrupción, por la irrupción de Podemos. No me parece mal”. Su rencor hacia el PP por el trato a Bárcenas, padre, es evidente en muchas de sus frases («Nos han usado como una pelota, tanto desde el PP como desde la Oposición, pero no sólo a mi padre, sino a toda mi familia. Mi madre salió de la cárcel gracias a la fianza que reuní con mis amigos, y mi madre es inocente al 100%”», decía el año pasado). En noviembre de 2019, fecha de las últimas elecciones, se negaban a revelar su voto en Vanity Fair y preguntados por la diversidad de voto en el mundo Taburete respondían con una pulla a Ciudadanos:
Willy: «Sí, aquí hay de todo, de Podemos, del PP, de Vox…»
Antón: «Creo que también del PSOE».
Willy: «Menos de Ciudadanos, en Taburete hay de todo».

Escucha lo nuevo de Lana Del Rey, James Blake, BTS, Megan Thee Stallion…

Por
Jordi Bardají
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Hoy viernes 20 de noviembre ven la luz los esperados discos de BTS y Megan Thee Stallion, así como los de Miki Núñez, Jaime Cullum, powfu, Saint Jhn, Zabala, Cora Yako, Lindstrøm, Cabaret Voltaire, Juan Perro o The Cribs. Kali Uchis ha publicado el suyo a mitad de semana, y también pueden escucharse ya el nuevo EP de RAYE o un directo de Leiva.

Entre la montaña de singles que llega hoy a las plataformas de streaming hay que hablar de dos colaboraciones de altura: por un lado, la de Miley Cyrus y Dua Lipa en ‘Prisoner’ y, por el otro, la de Shawn Mendes y Justin Bieber en ‘Monster’. Además, Lana Del Rey sorprende (o no tanto) estrenando una versión de ‘Summertime’ de Gerswhin cuyos beneficios irán destinados a apoyar a las filarmónicas de Los Ángeles y Nueva York, y James Blake vuelve a aburrir a los muertos con una nueva balada al piano. Ava Max firma otra de las novedades de la semana con ‘My Head & My Heart’, que samplea un conocido hit eurodance de los 90, ‘All Around te World’ de ATC, y Anajú vuelve con una ‘Ese o ese’ producida por BRONQUIO que suena a Cupido.

A lo largo de la semana hemos podido escuchar también los nuevos singles de MARINA, un ‘Man’s World’ creado enteramente por mujeres; y Bleachers (Jack Antonoff) tanto a solas como junto a Bruce Springsteen, además de nuevos adelantos de los álbumes que Sia y slowthai publican en febrero. A todos ellos se suman nuevas entregas de Rigoberta Bandini, GLAS, Dolo Beltrán de Pastora, Chico Blanco, Selecta con Don Patricio, shame, Tierra Whack, Cecilio G, Dirty Projectors, Taburete, Haerts, baio (Chris de Vampire Weekend), Maria Rodés con La Estrella de David o una versión de ‘Beautiful’ de Christina Aguilera por Macy Gray.

Rosalía, Bad Bunny y J Balvin ganan Grammy Latinos… pero no los principales

Por
Sebas E. Alonso
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Esta noche se ha celebrado una nueva edición de los Grammy Latinos. Entre los ganadores encontramos a Rosalía, que ha triunfado junto a Ozuna, pues ‘Yo x ti, tú x mí’ ha podido hacerse con dos premios, a Mejor Canción Urbana y Mejor Fusión Urbana (ya veis que la palabra “urbana” solo ha desaparecido de los Grammy principales), pero no en solitario. ‘Dolerme’ estaba nominada a mejor canción de pop-rock, categoría en la que ha perdido contra ‘La canción de las bestias’ de Fito Páez.

Encontramos también entre los triunfadores de la noche a Bad Bunny y J Balvin, que fácilmente podríamos catalogar como los reyes actuales de la música latina… pero cual Kanye West en los Grammy más internacionales, lo hacen en sus subcategorías asignadas, no en las categorías importantes. Los premios de verdad relevantes han estado impregnados de un aroma conservador, algo inaudito a juzgar por el momento que vive la música latina en todo el globo, con ‘Dakiti’ situada en el número 1 global de Spotify pese a estar entonada en castellano. En este mismo mundo, es donde una serie de manos negras han decidido que ‘Contigo’ de Alejandro Sanz es la Mejor Grabación del Año, imponiéndose a cosas como ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj, ‘Vete’ de Bad Bunny y ‘China’ de Anuel AA, Daddy Yankee y Karol G con Ozuna y J Balvin, tres clásicos de la música latina de 2019 y 2020 le pese a quien le pese. Y no vamos a negar que Alejandro Sanz ha arrasado con ‘#ELDISCO’, pero en este caso ha ganado con una versión de Joaquín Sabina. Una versión de Sabina no de una canción perdida, sino de una de sus composiciones más populares, incluida en el clásico del artista ‘Yo mí me contigo’, un álbum multiplatino en los 90, que no necesitaba más reconocimiento. Pero quién sabe, quizá el plan sea premiar una versión a piano de ‘Vete’ en 2041, hecha por la Aitana del futuro.

Hay que alegrarse por que Natalia Lafourcade se haga con otro Grammy Latino, en este caso nada menos que el Mejor Álbum del Año por ‘Un canto por México, vol. 1’, pero es noticiable que se hayan quedado sin premio ‘YHLQMDLG’ de Bad Bunny y ‘Oasis’ de J Balvin y Bad Bunny. Quizá no ha sido buena idea poner ambos a competir entre sí y además contra ’Colores’ de J Balvin. De hecho, de manera sorprendente, este último es el ganador del premio a Mejor Disco de Música Urbana, siendo muy holgadamente el menos ambicioso e innovador de los tres.

En cuanto a la Canción del Año, un pionero como Residente se hace con el premio, pero lo hace con una canción retrospectiva y profunda, ‘René’. Difícil en este caso discutirlo, pues el premio a Canción del Año -diferenciado de Grabación- está para cosas así de hermosas.

Entre el resto de ganadores están Bad Bunny en Mejor Actuación de reggaetón por ‘Yo perreo sola’, Ricky Martin en Mejor Álbum de Pop (dejando sin premio a Aitana), Mon Laferte con Mejor Canción de Rock por ‘Biutiful’ y Cultura Profética por Mejor Disco de Música Alternativa por ‘Sobrevolando’. Carlos Vives y Rubén Blades se han hecho con la Mejor Canción Tropical por ‘Canción para Rubén’.

A falta de que emerjan las voces que en otras ocasiones han hablado de la marginación del reggaetón en unos premios, os dejamos con un enlace a todos los ganadores, que incluye un galardón para ‘TKN’ como Mejor Vídeo. En la ceremonia actuaron José Luis Perales, Karol G presentando ‘Tusa’, Carla Morrison con Ricky Martin, J Balvin con ‘Rojo’, Anitta con ‘Más que nada’ y ‘Me gusta’ y Bad Bunny con ‘Bichiyal’ y ‘Si veo a tu mamá’, entre otros.

BENEE / Hey u x

Por
Jordi Bardají
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BENEE ha publicado su debut con el propósito de demostrar que tiene más que ofrecer que un single simpático como ‘Supalonely‘ que ha triunfado gracias a la suerte de haberse hecho viral en TikTok. ‘Hey u x’ es el trabajo de una joven de 20 años que ha sido absorbida casi por defecto por la cultura del «bedroom pop» pero que no está dispuesta a encasillarse, aunque su apropiación de ciertos sonidos no cristalice aún en una identidad musical clara.

Vaya por delante que ‘Supalonely’ es una absoluta monada de canción que está llamada a dejar una marca generacional debido a su temática: la soledad «millennial». En ese sentido puede considerarse una de las canciones dedicadas a la soledad más divertidas que se han escrito en los últimos tiempos… dentro de que no puede sonar más agridulce. Los «la la las» de su estribillo son tan irresistibles como olvidable es la colaboración en ella de Gus Dapperton, quien está haciendo mejores cosas por su cuenta. De hecho, uno de los grandes interrogantes que plantea ‘Hey u x’ es lo discreto de sus colaboraciones: Grimes canta y produce en una canción sin dejar demasiada huella y Lily Allen aparece en otra como podría no haberlo hecho. Ni los ritmos de house noventero, muy Azealia Banks, de ‘Sheesh’ que después se pasan al jungle ni el trap-pop despechado de ‘Plain‘ -en el que la rapera Flo Milli sí logra despuntar con su verso- se pueden contar entre lo mejor del disco, lo cual deja en bastante buen lugar a Stella Rose Bennett después de todo.

‘Hey u x’ se abre con dos animadillas composiciones de «bedroom pop» que evocan a unos Real Estate poperos. ‘Happen to Me’ habla sobre ciertos miedos que atormentan la cabeza de la artista neozelandesa, como morir en un accidente de avión o en un incendio dentro de su propia casa, y ‘Same Effect’ introduce el tema principal del álbum: el amor, en este caso para expresar la clásica historia de un chico del que Stella está enamorada porque no es como los demás. Son los mejores temas del disco en este estilo -además de ‘Supalonely’- ya que, más adelante, medianías como la muy Clairo ‘A Little While’ u ‘All the Time’ con Muroki (no es Oliver de The xx aunque lo parezca) acaparan una segunda mitad más discreta que nunca llega a remontar.

Entre los aciertos de ‘Hey u x’ hay que hablar de ‘Snail’. BENEE, ante el exitazo de ‘Supalonely’, decide que su siguiente paso será publicar una canción escrita desde el punto de vista de un caracol que se pregunta por qué los humanos se encierran tanto dentro de sus casas. Pero lo mejor de ‘Snail’ es su producción electrónica que puede ser deudora de la PC Music o no, pero que se sustenta en unos beats pixelados inspirados en el 8bit de lo más juguetones. Y luego está ‘Kool’, que recuerda a la primera Lily Allen, también a los Ting Tings de ‘Soul Killing’… pero sobre todo a Gorillaz. Una pegadiza canción de hip-pop que BENEE utiliza para expresar su admiración por una persona más «guay» que ella… mientras ella no hace más que darle vueltas al coco encerrada en su habitación. No me extraña que tengas tantos miedos, Stella, ¡si no sales de tu casa!

Si BENEE vive en un perpetuo aislamiento físico y mental en ‘Hey u x’, el colmo de esta situación llega en ‘Night Garden’, canción que solo presenta este título porque narra la historia de un acosador que observa a la artista por la noche, escondido en la penumbra de un jardín. Es una composición abiertamente inspirada en Wu-Tang Clan de la misma manera que ‘Winter’ se vale de los sonidos del grunge para elaborar una bonita canción de la mano de la prometedora Mallrat. ¿Convencen estos buenos temas de que BENEE ha llegado para quedarse? No del todo, pero al menos sí reflejan el interés de una artista por habitar los estilos con los que ha crecido, a su manera. De la portada mejor no hablamos.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Happen to Me’, ‘Supalonely’, ‘Snail’, ‘Kool’
Te gustará si te gusta: Foster the People, Lily Allen, The Ting Tings
Youtube: vídeo de ‘Kool’

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