Inicio Blog Página 770

‘Harmony Hall’ de Vampire Weekend: ¿una canción necesaria en un mundo gris o un «mírame y no me toques»?

8

Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Vampire Weekend, avance de su nuevo disco ‘Father of the Bride’.

«No puedo evitar sentir un poco de decepción ante el regreso de Vampire Weekend. Y eso que ‘Harmony Hall’ viene bien cargada de todo eso que tanto me gusta de la banda: las gozosas mezclas -sin esconderse y sin vergüenza- de lo que sea que les pirre; aquí el Paul Simon acústico se junta con la fusión dance-rock del Madchester del 90 y un poco de los Stones; los arreglos gratuitos, sobreabundantes y maravillosos. Y la voz de Ezra Koenig, que suena tan cálida como es habitual. A pesar de sus virtudes, el principal problema de ‘Harmony Hall’ no es que sea larga; es que se hace larga. Es una canción muy bonita, pero quizás demasiado reiterativa y eso le resta el componente más inmediato y pegadizo. Quizás porque parece que no acaba de arrancar, el crescendo al final no es tal y todo mantiene la misma velocidad de crucero, en un tema que reclama un poco de subidón. ‘2021’ me parece una simple y bonita anécdota». Mireia Pería.

«Quizá cabría esperar algo más de espectacularidad de un regreso tan ansiado como el de Vampire Weekend. Tanto ‘Harmony Hall’ como ‘2021’ suenan a canciones «pequeñas», sin pirotecnia. Diría incluso que han sido masterizadas así de manera esforzada para que no suenen estruendosas. No cabe en ellas el ska-punk arrebatado, ni africanismo pop heredado de ‘Graceland’, ni la energía desbocada de los singles de ‘Modern Vampires of the City’. Sin embargo, hay algo genuino, intransferible, que este par de nuevas canciones de Ezra Koenig y compañía vuelven a imprimir: la sensación de que todo va a ir bien. Un positivismo inherente al grupo que, la verdad, es un valor a reivindicar en un mundo tan gris. ‘Harmony Hall’ casi suena AOR, con esa fusión de Lynyrd Skynyrd y ‘Screamadelica’. Tanto que uno está a punto de tirar la toalla, con esos previsibles coros gospel, cuando irrumpe esa frase, «I don’t wanna live like this / But I don’t wanna die». Nada más simple, pero tampoco más bonito e inspirador. ‘2021’, por su parte, es una coqueta miniatura, tan simple como preciosa –en su minuto y medio contiene coros de Jenny Lewis y un sample de Haroumi Hosono (Yellow Magic Orchestra)– es esa manera de apelar al paso del tiempo, sobre esa obsesión por proyectarnos hacia el futuro y olvidar el presente: «2021, ¿pensarás en mí? / Podría esperar un año, pero no creo que tres», canta Ezra. Si todo ‘Father of the Bride’ continúa por esta línea, no cabe duda de que seguiremos recurriendo a él dentro de 2 o 3 años, sí». Raúl Guillén.

«Algo me decía que 6 años después de ‘Modern Vampires of the City‘ (en serio ha pasado tanto tiempo, sí), Vampire Weekend no iban a volver con su canción más inmediata, con un nuevo ‘Diane Young’ o un nuevo ‘Cousins’. ‘Harmony Hall’, que parece tratar el tema del antisemitismo, se extiende durante más de 5 minutos entre guiños a ‘Screamadelica’ de Primal Scream (quizá demasiados) y también a sí mismos. El «no quiero vivir así, pero tampoco quiero morir» es lo mejor de esta canción, si bien algo que ya habían utilizado en el tema ‘Finger Back’ del disco anterior. Se ha acusado mucho a la banda de Ezra Koenig de estar conformada por pijos y no pasa nada si lo son, pero esta vez es cierto que les ha quedado una canción buena técnicamente y pulcra en sus arreglos… pero más para admirar en una vitrina que para tocarla o usarla de verdad». Sebas E. Alonso.

¿Qué te ha parecido 'Harmony Hall' de Vampire Weekend?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Morgan / Air

3

No deja de ser hasta cierto punto sorprendente que un grupo español cantando en inglés y en un estilo que se nutre básicamente de country, blues y rock de raíz norteamericana triunfe tantísimo en nuestro país como lo están haciendo Morgan. El secreto sólo es uno: Morgan no hacen nada que no hayamos escuchado antes, pero lo hacen muy bien. ‘Air’, publicado el pasado año, es la constatación de esa certeza.

Si ‘North’ era un primer paso en el que se entregaban a las brumas de la Americana con una tesitura que nos recordaba a la de otros proyectos comandados por grandes voces, como Jesse Sykes & The Sweet Hereafter, Alabama Shakes o Nikki Lane, este nuevo trabajo, ya madurado por toda la banda al completo, rompe algunas barreras. En temas como ‘Oh Oh’, ‘Another Road (Gettin’ Ready)’ o ‘Flying Peacefully’ insuflan un brío soul y funk, potenciado con unos metales espectaculares, que les propulsa al dulce revivalismo pop (sí, pop) de Matthew E. White y sus colegas del colectivo Space Bombs (Natalie Prass incluida).

Otra barrera rota en ‘Air’ es el protagonismo que toma por primera vez la lengua española. Sí, ya sé que en ‘North’ se incluía ‘Volver’, pero era un bonus track, casi una outro, y no, no tenía la potencia emocional que derrocha ‘Sargento de hierro’: una tremenda balada-más-grande-que-la-vida, en la que Nina de Juan maneja la intensidad con una maestría al alcance de pocas cantantes en nuestra lengua, vivas o muertas. Y es que la madrileña es un auténtico portento, el gran valor que sostiene a Morgan. Porque, sin ella, la sensación es que canciones como el gospel de ‘The Child’, el dark-goth de ‘Be a Man’ o el crescendo de espectacular final de ‘Marry You’ podrían ser solo unas buenas aproximaciones al blues rock, tirando a genéricas. Pero ese timbre rasgado, que puede pasar de acariciarte a hacerte besar la lona en un KO, que suena absolutamente genuino, como si hubiera nacido y crecido en los bares de Nashville, convierte prácticamente todo lo que toca en oro.

Es cierto que ‘Air’ no es tampoco perfecto: el combo, aunque en general es exquisito en sus arreglos, en ocasiones tiene cierta tendencia a ponerse heavy (y aquí el sentido de “pesado” estaría muy bien traído) que da un pelín de pereza. Hablo de esos toques a lo Deep Purple de ‘Blue Eyes’ o de la tendencia progresiva de ‘Planet Earth’ (aunque el final pseudo-ambient, con tonos de batería agotándose incluidos, lo repara todo). Pero ni eso ni la excesiva recurrencia de algunos pasajes no es suficiente para enfangar el considerable ascenso que supone este disco para Morgan y, en general, para el pop rock español –opta, recordemos, al Premio Ruido 2019–.

Tras llenar prácticamente cada sala del país en la gira por salas que están desarrollando, Morgan presentan ‘Air’ este domingo, 27 de enero, en el Teatro Circo Price de Madrid –con todo agotado, tras hacerlo ya la pasada semana–; luego, el 2 de febrero, en la Sala Aliatar de Granada, y el 3 de febrero, en la Sala Hangar de Córdoba, serán las próximas oportunidades de verles en vivo.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Sargento de hierro’, ‘Another Road (Gettin’ Ready)’, ‘Oh Oh’, ‘Marry You’, ‘The Child’
Te gustará si te gusta: Alabama Shakes, Natalie Prass, Jesse Sykes & The Sweet Hereafter
Escúchalo: Spotify

Follarse los tabúes: ‘Sex Education’ es un retrato real de la adolescencia

14

Estas semanas circulaba un tuit paulocoelhesco que rezaba “la mejor época de tu vida fue en tercero de ESO y no lo sabías”. Además de los esperados “ohhh”, “REAL” y menciones varias a amigos, muchos (ejemplo) comenzaron a citarlo diciendo que por supuesto, que seguro que el mejor año de su vida fue aquel en que se encerraban en la biblioteca durante el recreo; en que dejaron de ir al instituto por el bullying; en que se odiaban cada vez que se miraban al espejo por TCAs o por homofobia interiorizada; incluso en que intentaron suicidarse. E ironizaban con que, probablemente, los que estaban de acuerdo con el tuit habían sido bullies, o mirado hacia otro lado en situaciones así. Lo que está claro es que la adolescencia es para muchos una etapa complicada, con problemas mucho más allá de “no sé lo que quiero, esa tía no me hace caso y encima mañana hay examen de Historia”. Y no hace falta irse a asesinatos en colegios exclusivos ni meter ciencia-ficción para hablar de lo complicada que puede ser la adolescencia: la realidad, si verdaderamente estás dispuesto a contarla sin tabúes, es suficientemente interesante, suficientemente graciosa y suficientemente dramática. Ese es el principal atractivo de ‘Sex Education‘: aunque en algunas cosas sigue teniendo los tics falsos de muchas serie teen, por lo general apuesta por ser lo más real posible. Y así, aunque muchas reseñas la han comparado con ‘Skins‘, la serie se acerca más a ‘Please like me‘, con una pizca del descaro de ‘Shameless‘, el sarcasmo de las menos conocidas ‘Awkward’ o ’10 things I hate about you’, y la ternura del primer ‘Glee‘. En este artículo os damos cinco razones por las que la serie es la mejor ficción teen que te puedes encontrar actualmente, y probablemente la mayor sorpresa de Netflix en cuanto a lo que esperábamos de ella y lo que nos ha dado.

Lo de «follarse los tabúes» es literal: Antes que nada, vamos a aclararlo: trailer y título no hacen justicia a a serie. De hecho, yo me sorprendí bastante en el primer episodio porque con el anuncio imaginaba una serie más simple, de humor más basiquito y blanco, “vamos a decir cosas sexuales para llamar la atención pero sin realmente tratar nada distinto”, etc. Claro que cuando ya la primera escena de la serie es un tío fingiendo un orgasmo – y eso solo es el principio- ves que eso no va a ser así. Lo que nos lleva al título: el sexo está presente, sí, pero primando la frescura y el realismo, sin tabúes y sin tampoco caer en el morbo, sino tratándolo con naturalidad y humor. Así, hay mucho sexo, pero dejaos de sábanas por el pecho y polvos coreografiados: aquí hay sexo torpe, incómodo, cómico y, sobre todo, real. Todo esto combinado con un protagonista que a sus dieciséis años no se ha masturbado nunca, tratando en la serie incluso sus poluciones nocturnas. Y la falta de tabúes no solo se ciñe a esto: la forma en que se trata el aborto en un episodio es una de las mejores vistas en una ficción de este calibre (recordando a la forma en que lo hizo ‘Please like me’, de hecho).

Consentimiento no equivale a puritanismo: entre esos autodenominados-políticamente incorrectos-que-de-revolucionarios-tienen-poco existe una tendencia a considerar el debate que ha habido en los últimos años respecto al consentimiento como una ola de neopuritanismo, llevada por gente que no disfruta el sexo. Si algo está claro en ‘Sex Education’ es que no es nada pacata (en todos los capítulos hay sexo y desnudos) y que sus personajes disfrutan el sexo y, sin embargo, la serie demuestra que, sorpresa, esto se puede hacer incorporando ese debate, incluso en las escenas de más intimidad. La “educación sexual” que reciben hoy por hoy los adolescentes es, o el miedo a las ITS del colegio, o el machismo, los complejos y la supuesta perfección del porno… en cambio, ‘Sex Education’ presenta el sexo como algo a disfrutar, sin prohibición y sin oblicación, además de evitar escenarios forzados y rígidos roles. Todo esto sin perder un humor gamberro que recuerda al de esas hormonadas pelis ochenteras, pero sin el componente rancio (de hecho, aquí son Eric y Lily quienes representarían esa figura y, en cambio, son la antítesis de ese punto machito).

“Ultra-defensor-social, nadie se lo va a tragar:” parafraseando a Putochinomaricón, también es de alabar cómo ‘Sex Education’ no necesita ir de concienciada para mostrar sus valores. Sus ideas no están metidas con calzador para alcanzar cuotas ni dan la impresión de estar colocadas “por moda”, sino porque realmente están en la mente de su creadora Laurie Nunn y de sus guionistas. Los personajes, por tanto, también las tienen integradas -si va acorde con ellos- sin parecer robots (a su compi ‘Sabrina’ le pasaba un poco eso con Harvey). Puedes partirte de risa y, en el mismo episodio, ver cómo se trata la masculinidad de una forma que no recordábamos desde esa magnífica e infravalorada segunda temporada de ‘American Crime’, y que ambas cosas fluyan con normalidad.

Gillian Anderson está espléndida, y eso no es lo importante: a ver, Gillian NUNCA deja de ser “lo importante”, pero para que me entendáis. Ella es maravillosa, pero está rodeada de un reparto tan entregado que consigue que no recomendemos la serie “porque Gillian está muy bien”. Todos están muy bien. Mención especial para Asa Butterfield, pero sobresalientes y notables por doquier en un casting que, siendo por lo general caras nuevas (todo lo “nuevas” que puede ser en un actor al que su repre le consigue un casting para Netflix, claro), brillan y saben sacar todo el jugo a sus minutos en pantalla. Pero sí, de Gillian qué decir. Los fans de ‘Expediente X’ ya sabemos que la británica domina registro dramático y cómico igual de bien, pero quienes la conocieron por ‘Hannibal’ se sorprenderán al verla aquí como pez en el agua.

El tamaño importa (cuidando los pequeños detalles): a los actores les ayuda también, claro, que el guión esté tan trabajado como aquí, y eso nos lleva al último punto. ‘Sex Education’ no quiere ser una serie de adolescentes más (ni una serie más), y se nota. Se puede ver desde la propia BSO (que incluye a Bikini Kill, Billy Joel, The Smiths –destacable el precioso momento de ‘Asleep’–, The Cure o Ezra Furman, ¡incluso ‘The Origin of Love’ de ‘Hedwig and the Angry Inch’!), el comentado realismo en las escenas de sexo y de intimidad y, en sí, el cariño y cuidado con que se transmiten sentimientos de adolescencias no-tan-perfectas. Entre ellos, la amistad tan pura y bidireccional entre Eric y Otis (a muchos les recordará a ‘Las ventajas de ser un marginado’, sustituyan a Frank-N-Furter por Hedwig), o el miedo que un adolescente gay siente cuando se acerca un grupo de chicos, aunque éstos tengan muy buenas intenciones, o el juicio preconcebido que profesores pueden hacer sin tener en cuenta tu situación personal o familiar. Más que una serie sobre sexo, ‘Sex Education’ acaba siendo una serie sobre lo que representa el sexo en nuestras vidas y nuestra sociedad. El sexo es un macguffin. Como dicen en Mashable, “la misma pregunta atormenta a todos los personajes: «¿por qué no puedo ser normal, por qué no puedo ser como los demás?»”. Debajo de tanto sexo está esa pregunta. Y esa pregunta ES la adolescencia. O al menos ha sido la de muchos de nosotros. 8,5.

Escucha lo nuevo de Carlos Sadness con Zahara, TOY, Julia Michaels & Selena Gomez, Ana Guerra…

13

Renovamos nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend» con una buena montonera de nuevos álbumes, entre los que no se cuenta la tercera entrega de Meghan Trainor, prevista para hoy pero de la que no hay rastro. Pero poco importa, puesto que hoy llegan trabajos tan destacables como los de Mucho, Rudimental, TOY, FIDLAR, Dawn Richard, The Dandy Warhols, Bloor Red Shoes, Swervedriver, los mexicanos Camilo Séptimo, Backstreet Boys, Bring Me The Horizon (que incluye un dueto con Grimes), el dúo barcelonés Retirada!, Marvin Jouno, Rosie Carney, Pau Vallvé, Nicola Cruz, además de un nuevo EP de Julia Michaels que supone el regreso de Selena Gomez, y el disco debut de Ana Guerra, con todos sus hits. Otros discos que se han publicado estos días, como el de versiones de Weezer, el EP invernal de Presumido, un nuevo álbum de los rockeros The Niftys o el largo de Better Oblivion Community Center, el nuevo proyecto de Conor Oberst junto a Phoebe Bridgers, también tienen cabida en nuestra playlist.

Por supuesto, el viernes también llega cargado de nuevos singles: Joe Crepúsculo, Lauv & Troye Sivan, Ruido Paraíso & La Bien Querida, Alizzz ft Jesse Baez & Paula Cendejas, Broken Social Scene, J. Cole, Las Odio, The Parrots, Lolo Zouaï ft Blood Orange, Lou Doilon ft Cat Power, Bonobo, Michel Cloup Duo, Clea Vincent, Labcho, Stephen Malkmus (adelanto de ¡un disco electrónico!), Daddy Yankee o Anteros presentan canciones. Se suman a aquellas de las que os hemos hablado durante los últimos días, como los regresos de Foals, Jenny Lewis, Vampire Weekend, Dido o Los Nikis. También son novedad interesante el tercer single de Monterrosa, cuyo vídeo estrenamos; el single de St Woods con vídeo de Anna Castillo; el tema con Grimes para el nuevo disco de Bring Me the Horizon, el tema brasileño de C. Tangana, la sintonía de ‘Fama: A Bailar’ a cargo de Lola Indigo o el nuevo tema colaborativo de Diplo junto al francés Niska, anticipo de un próximo EP. El de Major Lazer hace doblete, con una producción para El Alfa.

En cuanto a las rarezas más interesantes, ayer conocíamos el tema que Dua Lipa estrena para una banda sonora, o un descarte del último álbum de Florence + the Machine. También encontramos un split de Apartamentos Acapulco con los argentinos Bestia Bebé –de gira por España estos días–, un inédito en castellano de Nat Simons, la canción que Zahara y Carlos Sadness prestan para la comedia ‘Bajo el mismo techo’, al actor Idris Elba cantando en un single disfrutón de Wiley y Stefflon Don o una versión de Fiona Apple por parte de King Princess con la colaboración de… ¡Fiona Apple! Aunque sobre todo cabe destacar la canción que Beck, como Billie Eilish, ha creado inspirándose en ‘Roma’ de Alfonso Cuarón.

Billie Eilish y Lildami, entre las entradas en ventas en España

0

La lista de ventas española sigue coronada por Manuel Carrasco con ‘La cruz del mapa’, seguido por Rosalía, que sube del puesto 5 al puesto 2 con ‘El mal querer’. La entrada más importante es la de Billie Eilish, que ha sacado una edición limitada de ‘Don’t Smile at Me’, situándose en el número 12. Además, la joven cantante se mantiene muy fuerte en streaming con el mismo disco, alcanzando un nuevo máximo, el puesto 25. Cada vez está más claro que va a ser su año, como se podrá ver en su concierto en el Sant Jordi Club de marzo, para el que están las entradas agotadas.

Otras novedades son el ‘Concierto de Año Nuevo 2019’ de Christian Thielemann (número 22) y el cantante de música urbana Lildami con ‘Flors emntre visqui’ en el puesto 78 (además de número 61 en streaming albumes). La subida más fuerte en ventas es ‘Sweetener’ de Ariana Grande, que ya fue top 1 en España en su semana de salida y ahora pasa del puesto 59 al puesto 29.

En streaming, Bad Bunny continúa en el número 1 con ‘X 100pre’ seguido de Ozuna con ‘Aura’, esta semana noticia por haber pedido perdón por grabar un vídeo porno, y Rosalía con ‘El mal querer’ (top 3 esta semana). La única entrada, Lildami aparte, es Juanito Makandé con ‘El habitante de la tarde roja’ en el número 79.

Beck aporta ‘Tarantula’, con coros de Feist, al disco de música inspirada por ‘Roma’

4

Roma’, de Alfonso Cuarón, es una de las grandes películas que nos ha dejado el año 2018 y que está marcando un antes y un después a muchos niveles: tras ganar los Globos de Oro los galardones a Mejor pelicula extranjera y Mejor dirección, esta semana ha alcanzado un hito en los Oscar, al ser la película producida por una plataforma de VOD y de habla no-inglesa que más nominaciones (ha obtenido 10, entre ellas a Mejor película) ha conseguido en la historia de estos premios.

Pero el filme de Netflix, sobre todo, ha producido una importante huella en los espectadores, lo cual incluye a otros artistas. Por eso, después de que conociéramos la canción que Billie Eilish compuso sobre una de las escenas más destacadas del film mexicano, ahora Sony anuncia la próxima publicación de un álbum completo con canciones inspiradas en el film. El disco, que se pone a la venta el 8 de febrero, incluye la canción de Eilish, pero también otras de nombres muy importantes: Patti Smith, DJ Shadow, Laura Marling, UNKLE, Ibeyi, Jessie Reyez y hasta la hija del director, Bu Cuarón, aportan temas al disco.

También Beck, que acaba de lanzar como single ‘Tarantula’, su aportación a este álbum. No se trata de un tema original, sino que es una versión de un tema del grupo indie de los 80 Colourbox que, junto a miembros de AR Kane, formaron luego M/A/R/R/S, lanzando el histórico ‘Pump Up The Volume’. El trabajo de Beck, en todo caso, dista enormemente del original: aunque la melodía es la misma, está protagonizado por grandes arreglos orquestales y corales, en los que, según Pitchfork, ha participado la mismísima Feist. ¿Significa esto que, después de ‘Colors’, Hansen vuelve a su faceta ‘Morning Phase’?

Tracklist de ‘Music Inspired By The Film Roma’:
“Tepeji 21 (The Sounds of Roma)” – Ciudad de México

“Wing” – Patti Smith

“Tarantula” – Beck

«When I Was Older” – Billie Eilish

“Psycho» – Bu Cuarón

“On My Knees” – UNKLE featuring Michael Kiwanuka
“Con El Viento” – Jessie Reyez

“Marooned” – El-P & Wilder Zoby

“Cumbia del Borras” – Sonido Gallo Negro

“La Hora Exacta” –  Quique Rangel

“Cleo Who Takes Care Of You” –  Ibeyi

“We Are Always Alone” – DJ Shadow

“Between These Hands” – Asaf Avidan

“Those Were The Days” – Laura Marling

“Roma” – T Bone Burnett

Ana Guerra canta ‘Bajito’ en El Hormiguero y Pablo Motos se lo toma como algo personal

5

Tras hits como ‘Lo malo’, con Aitana, y ’Ni la hora’, con Juan Magán, la triunfita Ana Guerra ha publicado hoy su álbum debut ‘Reflexión’. Que es más bien un mini-álbum, ya que cuenta con 9 cortes incluyendo una versión acústica del single con Juan Magán y el ya conocido remix de ‘Lo malo’ con Greeicy y Tini –sendas ex-estrellas infantiles Disney–. Lo de “reflexión” va más por la cosa de que estas canciones reflejan mucho cómo es ella que porque reflexione. Aunque ella aparece pensativa en su portada, reflejándose en varios espejos. ¿Lo pilláis?

Así lo explicó ayer en su enésima visita en un año a El Hormiguero de Antena 3, donde además interpretó en directo el single principal del disco, ‘Bajito’. El tema disfrutón producido por DalePlay trata sobre buscar intimidad con otra persona, de “hablar así, bajito”. Sin embargo, Pablo Motos pareció tomárselo como algo personal: en una especie de broma perpetrada en los ensayos de la actuación que Motos subió a su perfil de Instagram, el presentador del programa hacía que bailaba, vestido con la misma bata de encaje que la cantante canaria. Y cuando ella canta “bajito” él replica “¿es a mí?” Comiquísimo todo.

En esta charla Pablo Motos, un poco sin venir a cuento, destacó que la homosexualidad es una manera natural de amar porque se ha comprobado que se daba en más de 1500 especies de la naturaleza. “Que se sepa”, dijo antes de hilar de manera confusa, si no ofensiva, e interrogar a Ana Guerra: “hablando de nuevas formas de amar” –espera, ¿¿qué??– “¿tú qué opinas del poliamor?” Suponemos que Pablo lo preguntaba por la orgía con Los Javis que se exponía en el clip oficial de, precisamente, ‘Bajito’. La participante en OT 2017, tras resoplar, aseguró estar a favor porque cree en la libertad sexual. “Ser libre te hace ser más feliz”, concluyó.

Brian May de Queen rectifica en su defensa a Bryan Singer, acusado de abuso sexual por 4 hombres

23

Bohemian Rhapsody’, el biopic de Freddie Mercury, ha sido uno de los éxitos cinematográficos de 2018, estimándose una recaudación global de casi 800 millones de dólares, una salvajada. Incluso ha sido premiada, sorpresivamente, en los Globos de Oro. Cuando se disponía a recibir otro premio, otorgado por la asociación GLAAD –entidad que destaca la aportación de obras en la lucha por los derechos LGTBI– ha sido descartada a última hora. La razón es que su director –aunque fue despedido por Fox Entertainment antes de que finalizara el rodaje, con gran escándalo– Bryan Singer ha sido acusado por hasta cuatro hombres de abuso sexual, según ha destapado un artículo del medio The Atlantic.

Uno de esos supuestos abusos descritos no es nuevo, puesto que una de las presuntas víctimas ya denunció en 2017 que el director de ‘Sospechosos habituales’ y varios films de la saga ‘X Men’ le violó en el año 2003, cuando el sujeto contaba con 17 años. El reportaje de esta web ha investigado varios casos similares denunciados contra Synger. De hecho, citando a una estrella de Hollywood que no revela su identidad, en el mundo del cine se suponía que el siguiente tras Harvey Weinstein sería este realizador.

Esto, obviamente, se ha convertido en un escándalo que ha salpicado también, en cierto modo, a Brian May, guitarrista de Queen y co-productor de ‘Bohemian Rhapsody’. Cuando una usuaria de Instagram le indicó que debía dejar de seguir a Bryan Singer en esa red social «por todo lo que ha hecho», May contestó algo airadamente a esa mujer que se metiera en sus asuntos y no le dijera lo que tenía que hacer. Y que, por encima de todo, defendía la presunción de inocencia del director de su película. Horas después, May escribía un nuevo comunicado, de nuevo en Instagram, disculpándose directamente con esa persona que “sólo quería protegerle” por las formas. Aunque también corrige su postura y dice que sólo seguía a Singer porque trabajaba con él en un proyecto, y que no reparó en que, incluso después de despedirle como director, debía dejar de seguirle. Pero que ahora sí dejaba de hacerlo.

Ver esta publicación en Instagram

Dear Folks – I was shocked and saddened to realise what I had done by my hasty and inconsiderate IG reply to this lady yesterday. I’ve posted an apology to her in the ‘reply’ box, but it seems to have disappeared – so I’m going to try to repeat it here, to be clear. ———- Dear Sue, I’m so sorry that I responded to your post so snappily and inconsiderately. My response was a result of my perception that someone was telling me what to do. I now realise that I was completely wrong in thinking that. You were actually just trying to protect me, for which I thank you. I am mortified to discover the effect my words produced. I had no idea that saying someone was innocent until proven guilty could be interpreted as “defending“ Bryan Singer. I had absolutely no intention of doing that. I guess I must be naive, because also it had never occurred to me that ‘following’ a person on Instagram could be interpreted as approving of that person. The only reason I followed Bryan Singer was that we were working with him on a project. That situation came to an end when Mr Singer was removed during the shooting of the film, but I suppose unfollowing him never occurred to me as a necessity. Now, because of this misunderstanding, I have unfollowed. I’m so sorry. This must have caused you a lot of upset. I wish I could take the comment back, but all I can do is apologise, and hope that my apology will begin to make amends. Sadly, this is all very public, but since I snapped at you in public, it’s only fitting that I should apologise in public. I’m going to try to follow you so we can communicate privately if you want. With love – Bri. —— I should add that this is also a sincere apology to anyone else out there that I inadvertently offended. No such offence was intended and I will be more careful in future. Bri

Una publicación compartida de Brian Harold May (@brianmayforreal) el

Youngr te gustará si te gustan Roosevelt, Yuksek, Phoenix, M83, Moby…

3

Youngr es el proyecto de Dario Darnell, que aparte de ser hijo de August Darnell, el líder de Kid Creole and the Coconuts, se ha hecho un nombre en la escena de baile gracias a su gusto por el pop sintético, el dance con más alma de los años 90 o el electropop más atemporal. Es de Manchester pero su sonido se expande hacia diferentes lugares, siguiendo la filosofía millennial.

En su haber cuenta con el disco irónicamente titulado ‘This Is Not An Album’, que por mucho que él diga tiene la consistencia de un largo, y también con un EP llamado ‘Obsession’ en el que aparte del corte titular, encontramos un ‘Heaven’ que juega con las guitarras y el dance como lo hicieron los mejores hits de Moloko; y un ‘Stronger’ que le vincula al sonido Moby de finales de los 90. De hecho, ‘Honey’ podría ser también una referencia en uno de los cortes de su disco, ‘Give It Up’, también cercano a Fatboy Slim.

‘This Is Not An Album’ reunía temas como los disco-funky ‘Ooh Lordy’ y ‘Out of My System’ (aunque no otros de sus hits, de título tan cinematográfico como ‘Drive’ y ‘Lost In Translation’), junto a una grabación de su miniviral evocador y bailable ‘Sweet Disposition’ (no os perdáis el vídeo bajo estas líneas). Completaban el disco guiños al M83 más accesible como ’93’ o temas en la línea del trabajo de Roosevelt, como la irresistible ‘September Sun’. Este finde presentará muchas de sus canciones en la Sala 1 de Razzmatazz Clubs, Barcelona, en concreto el sábado 26 de enero. Será el cierre -de momento- de una larga gira que le ha llevado por Estados Unidos, Malasia, China, México, Guatemala, Alemania, Reino Unido o Francia. Detalles, aquí.

La Bien Querida grita ‘¡Milagro!’ para Ruido Paraíso y anuncia disco con nuevo productor

6

Ruido Paraíso es el proyecto «serio» -nótense, por favor, las comillas- de Aníbal Gómez, uno de los dos integrantes de los cada vez más exitosos Ojete Calor. Si en 2015 sacaba un disco y 2018 publicaba dos singles llamados ‘Tu corazón es un puñal’ y ‘Bailaré hasta el amanecer’, ahora da un paso decidido hacia la popularidad de mano de La Bien Querida. Foto: Pablo Zamora.

Ana Fernández-Villaverde es la voz invitada en este tema escrito por Gómez y co-producido junto a Guille Mostaza, que también ha colaborado con La Bien Querida en otras ocasiones. El tema no es un electropop como ‘Bailaré hasta el amanecer’ sino más bien una balada marcada por la mala suerte y el drama («doy mucho más de lo que me vienen dando» o «Doy mi vuelta y me marcho por donde he venido»), que bebe de la electrónica que en los 90 podían practicar Fangoria, aunque la melodía es de corte clásico, como cuenta ella misma. La Bien Querida ha declarado: “Me resultó imposible resistirme a un drama amoroso como es ‘Milagro’ y que tanto me gustan. Más aun siendo una ranchera y además compartiendo emociones con la bonita voz de Aníbal. Yo también tengo un perfume que huele a limón”.

La Bien Querida protagonizó ayer un encuentro en Caixa-Fórum, donde agradeció esta colaboración porque según ella no le proponen muchas. Curioso si recordamos que ha cantado para Vitalic, Los Planetas (varias veces), Los Pilotos, Mostaza Gálvez o Milton James. La artista reveló que tiene su próximo disco bastante avanzado, si bien este ya no será producido por el habitual David Rodríguez de La Estrella de David, sino por Carlos René de Axolotes Mexicanos. Desde Elefant nos indican, no obstante, que David sí colaborará en el largo. Entre las influencias que citó Ana anoche en su nueva música, su adorada Lana del Rey y Cigarettes After Sex.

Coque Malla habla de su traumática separación de bienes en La Resistencia, donde se confunde a María Ostiz con Cecilia

13

Coque Malla ha sido el último invitado en La Resistencia, protagonizando una entrevista algo más amena y menos incómoda que la de La Zowi, aunque por supuesto también con sus momentos surrealistas, en otro sentido. Por ejemplo, tras hablar sobre sus colaboraciones con Dani Martín, David Broncano le pregunta quién es un 10 para él porque «Dani Martín no lo es» y Malla responde que María Ostiz. De manera extraña, Coque no sabe mencionar un solo tema de la cantautora pese a que es él mismo quien la saca a colación, ni siquiera ‘Un pueblo es’, y acto seguido se confunde a María Ostiz con Cecilia, autora de ‘Mi querida España’, sin que nadie -ni presentador, ni invitado, ni público, ni nadie por el pinganillo- resuelva el entuerto.

La palabra España saca el tema de VOX y Coque Malla cuenta de nuevo cómo se estaba utilizando su canción sobre una pareja gay en sus mítines sin que ellos lo supieran. El autor de ‘Berlín’ recuerda el día que David Bowie tuvo que pasar su concierto de Madrid presentando ‘Earthling’ de Las Ventas a Aqualung, pasando de un aforo de 15.000 personas a 1.500, y él estuvo allí para verlo. Además, reivindica ‘Earthlings’ como una «obra maestra, mal entendida».

Uno de los momentos más divertidos se produce cuando cuenta cómo le piden en los conciertos «la de Ikea» y asegura que Bob Dylan ha hecho una versión de ‘Ritmo de la noche’ y de hecho la interpreta con una guitarra. Además, hay lugar para una confesión: Coque Malla no sabe cuánto dinero tiene porque su ex mujer se ha quedado con todos los royalties, por lo que tiene «las cuentas intervenidas». «La tía se lo curró bien», confiesa con una sonrisa, revelando que firmó algo sin saber qué era.

Ms Nina «perrea por fuera», pero «llora por dentro» en ‘Y dime’ junto a Tomasa del Real

0

Entre las canciones nacionales o latinas que han pasado esta semana por nuestra playlist Sesión de Control destaca el tema nuevo que Ms Nina se ha marcado con Tomasa del Real. Se trataba de un anunciado regreso al «perreo romántico» que ella misma había promocionado en las redes como un «reggaeton para llorar y mover tu cucu» y eso es precisamente lo que nos ha dado.

Ms Nina venía de perrear hasta que «le doliera el culo» de tanto reggaetón en ‘Los Ángeles’. ‘Y dime’ no renuncia al ritmo clásico de este género, del que Ms Nina se ha alejado en algunos momentos de su discografía, pero mantiene un tono totalmente melancólico, muy perceptible en ese puente tristón que repite de manera obsesiva «pero yo sé que tú me quieres».

Por su parte, Tomasa del Real, muy querida por estos lares gracias a temas como ‘Barre con el pelo‘, aporta un verso lleno de gracia y humor con recuerdo a unos personajes muy anclados en la imaginería popular: «Me visto de Jane y tú de Tarzán / Azota este booty que aún es natural / Me gasto la plata / Me gasto el dinero / Porque si me lo gano / Me compro lo que quiero». Un tema por tanto no exento de ostentación ni tampoco de lujuria («Soy pecadora y yo lo confieso / Vamo’ a comerno’ despacito a besos»), que esperemos no falte en sus próximos shows. El primero es hoy viernes 25 de enero en Razzmatazz dentro del horario de club, en una nueva fiesta Fuego. También estará por allí Talisto y, en otras salas, Jeremy Underground, el colectivo catalán de house Mainline y Carlos Bayona. Entradas anticipadas, aquí.

Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»

Joe Crepúsculo no se corta en su nuevo single: “Vete a la mierda, deja ya de molestar”

2

Este viernes de novedades discográficas amanecemos, entre otro montón de novedades, con un nuevo single de Joe Crepúsculo después de haber pasado los últimos meses lanzando y promocionando su primer recopilatorio ’10’, con el que ha conmemorado, precisamente, una década de carrera. Su nueva canción se titula gráficamente ‘Vete a la mierda’, y es un tema de electropop con toques de funk (esas guitarras tan Nile Rodgers) típico de Crepus.

Pero, por más que no nos suene demasiado nuevo en la trayectoria del artista barcelonés, no deja de ser menos eficaz. En esta ocasión, además, su letra no es nada poética –a su manera, sus canciones suelen serlo– y se dedica, como ya invita a pensar su título, a mandar a alguien a la mierda.Y no sólo eso, sino que al o la interfecto/a le hace un traje completo: “Eres venenoso, tu alma es un bicho que quiere morder”, arranca diciendo la letra (escrita en colaboración con David Rodríguez, de La Estrella de David, con el que ya colaboró como Junco y Diamante), que se promociona con un vídeo animado creado por Juan Carlos Roldán, que muestra al celebérrimo emoticono de la caca sonriente paseando por la ciudad y marcándose algunas coreos con amigas, lo que el autor de la canción ya ha bautizado como «el baile de la mierda».

Lo que no explican Crepus ni su sello, El Volcán, es si este es un adelanto de un nuevo álbum –en el que Joël nos explicó que ya estaba trabajando– o simplemente un single entre discos. Estaremos atentos a más noticias.

Mucho / ¿Hay alguien en casa?

2

Martí Perarnau IV sigue al frente de su proyecto Mucho publicando esta semana la continuación de ‘Pidiendo en las puertas del infierno‘ (2016). También conocido como músico de Zahara, y de hecho esta temporada está ingresando unos euros extra por la co-autoría de ‘Hoy la bestia cena en casa‘, el artista se ha inspirado en este nuevo álbum en las sesiones de DJ. Si en su anterior álbum se entregaba a los sintetizadores y los ritmos bailables como podían hacerlo Phoenix, quienes siguen siendo la principal referencia en ‘El enemigo ahora vive en todos nosotros’, esta vez vienen también otros nombres a la cabeza como influencia, como Delorean, Caribou o Moloko. Quedan, por tanto, muy lejos en el horizonte los tiempos de ‘El apocalipsis según Mucho‘ y su miniéxito ‘Más feliz sin televisión’.

Bueno… lo que no ha cambiado nada es la sensación de «apocalipsis». Como pasa con otros proyectos como León Benavente, cualquier excusa es buena para introducir las inquietudes sociales, como se ha visto muy bien en el single que ha llamado ‘Putochinomaricón’, en la que los influencers son puro nihilismo mientras resuenan frases random como que el «cambio climático no se ha demostrado, la tierra es plana y eso de la ciencia un engaño» o «chino, negro, moro, polaco, vienen todos aquí a quitarte el trabajo». En la misma línea, hay dardos envenenados contra el capitalismo, como sucede en ‘Sé que soy una anomalía’, que incluye frases como «si quieres trabajo dentro de nada habrá un campeonato, si ganas obtendrás un salario y llegarás vivo a fin de año».

También se percibe cierta crisis de identidad en el mismo hecho de que haya titulado el single principal ‘Ahí te quedas, Perarnau’, desde ya su gran himno, bromeando sobre el abandono de sus compañeros de grupo sin renunciar a la autocrítica por su apatía («Tengo un presidente que no sabe ni hablar y sólo han aplaudido / Estoy tan anestesiado aquí en el Mario Kart que no me voy a levantar»); o en el tema ‘Nunca pegarías a un hombre con gafas’, una búsqueda de sí mismo. «Buscaba la fe, pero me encontré con Madonna», indica frustrado en medio de un sample de ‘Material Girl‘. «Buscaba el honor, pero sigo en España», lamenta antes de concluir: «Siempre acabo mal, siempre acabo igual».

Pese a eso o a frases como «soy el tonto del pueblo» (‘Soy un aeropuerto’), el mensaje de Perarnau no es pesimista, sino de supervivencia. «Aun así, continuaré, continuaré» es uno de los lemas de la sutil ‘Las ventanas se encienden’, una de sus mejores producciones, mientras ‘Putochinomaricón’ se debate entre la resistencia («Quiero estar de pie cuando lleguen / Voy a estar de pie») y la posibilidad de emigración («No pienso estar aquí cuando lleguen / No pienso estar aquí»).

Aunque las letras son llamativas, interesantes y dignas de análisis, a veces son tan obtusas como es habitual, y para muestra la mención a Amaia Montero de ‘Sé que soy una anomalía’. Pero aquí la noticia es el cambio de dirección artística en cuanto a producción. El disco se ha concebido como una sesión sin pausas (hay «continuous mix») después de que el artista se empapara de Daphni o Four Tet «en una rave» reencontrándose con «el poder sanador» de la música como le sucedió cuando descubrió las guitarras de adolescente. Por eso ahora podemos bailar con temas como ‘Putochinomaricón’ o la intro ‘1985’ (su año de nacimiento), citar a los Templeton de ‘Rosi’ enamorados de los 80 cuando escuchamos ‘Las ventanas se encienden’, recordar a La Casa Azul en las distorsiones vocales de ‘¿Hay alguien en casa, McFly?’ o a Delorean en la final ‘Teléfono, mi casa’. Incluso la balada al piano confesional ‘Soy un aeropuerto’ está integrada con el resto con sus efectos ambient. No es lo más avanzado que vas a escuchar este año e igual no le llaman para actuar en el Sónar, pero lo seguro es que ha enriquecido visiblemente su discurso en todos los sentidos.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Ahí te quedas, Perarnau’, ‘Las ventanas se encienden’, ‘Putochinomaricón’, ‘Nunca pegarías a un hombre con gafas’
Te gustará si te gusta: León Benavente, Delorean, los Templeton del tercer disco, El Columpio Asesino
Escúchalo: Spotify

Ozuna afirma haber sido extorsionado por Kevin Fret y pide perdón por su vídeo porno

17

La investigación del asesinato del autoproclamado primer cantante gay de trap latino Kevin Fret ha llevado a la policía a interrogar a Ozuna, aunque este no ha acudido en calidad de sospechoso ni de testigo. El representante legal del cantante portorriqueño ha afirmado que fue extorsionado por Kevin Fret, quien al parecer tenía en su poder una cinta porno en la que aparecía Ozuna. Este le habría pagado más de 50.000 dólares para que no la publicara. “No hay ningún vínculo con la investigación del asesinato, salvo que Kevin Fret lo extorsionó y la Policía lo sabe. Asumo que lo van a entrevistar sobre eso. Ozuna no es sospechoso”, ha indicado el letrado según recoge El Nuevo Día. «Me imagino que (de ser citado) le preguntarán por qué esa persona lo estaba extorsionando, preguntas que son parte de una investigación”.

El vídeo es de temática homosexual y ha terminado circulando bajo el nombre de ‘NY Sex Chronicles’, aunque el equipo de management de Ozuna ha querido recalcar que en él el artista «no mantenía ninguna relación con nadie», ha recalcado que el vídeo se hizo cuando Ozuna era menor de edad y que además «ha sido editado para perjudicarle». Ozuna ha enviado un comunicado en el que afirma que se encuentra «muy arrepentido por esta situación» y ha expresado que «lo sucedido fue un error del pasado». Como recoge El Diario, afirma: «al igual que muchos jóvenes, cometí un error impulsado por la ignorancia. Hoy no solo lamento lo ocurrido sino lo condeno (…) Igual estaré atento al proceso y siempre dispuesto a colaborar con las autoridades para evitar la maldad que se aprovechó de este gran error. Pero más importante, le pido disculpas a mi familia que son prioridad en mi vida».

También se ha querido mandar un mensaje contra el acoso, como recoge Rolling Stone: «Espero que esto sirva como ejemplo y mensaje para todos los adolescentes y adultos, para proteger su privacidad y evitar estas cosas y situaciones de las que te arrepientes tanto».

Ozuna es uno de los artistas más exitosos ahora mismo en España y de hecho su disco lleva 21 semanas en los primeros puestos de la lista de «streaming albumes» con su último disco. Ahora mismo es top 2, tan sólo por detrás de Bad Bunny, y después de 5 meses. Además, este 2019 triunfa con su nuevo single ‘Baila baila baila’

Dua Lipa, integradísima en el mensaje feminista de ‘Alita: Battle Angel’ en ‘Swan Song’

17

Dua Lipa se ha tomado súper en serio su participación en la banda sonora de la película ‘Alita: Battle Angel’ (‘Alita, Ángel de combate’ en algunos países) y estrena su canción para el film, ’Swan Song’, junto a un vídeo integradísimo con la película que llega a los cines a principios de febrero. Aunque la base de la canción es un tanto electro, no faltan guiños étnicos o a la new-age en arreglos y coros en este tema de 3 minutos y final abrupto que pretende dejar con ganas de más.

Floria Sigismondi ha dirigido el esmerado videoclip, indicando que en la película Alita “está literalmente realizando un viaje para descubrir quién es, y su historia sirve como una poderosa alegoría para cualquier chica que todavía no conozca cuánto poder tiene”. Una temática, por tanto, perfecta para Dua Lipa, que en los últimos tiempos se ha convertido en una de las cantantes femeninas más exitosas del mundo, con himnos para la libertad y la «no dependencia» de los hombres, como ’New Rules’.

Dua Lipa también es hoy noticia porque se sabe que va a actuar junto a Calvin Harris en los Brits. Actuarán en el mismo pack Sam Smith y Rag’n’Bone Man, por lo que todo el mundo espera un medley entre ‘One Kiss’, ‘Promises’ y ‘Giant’.

Florence + the Machine pide «moderación» aunque no siempre pueda darla en su nuevo single

6

El inicio de la gira mundial de Florence + the Machine dejaba como sorpresa la interpretación de un tema rockero, animado para los directos (más, desde luego que su último disco). Se llamaba ‘Moderation’ y un par de semanas después de su estreno en vivo, la cantante ha decidido compartir su versión de estudio. La trepidante ‘Moderation’, apegada a un piano de rock clásico, aparece además en las plataformas de streaming acompañada de una cara B llamada ‘Haunted House’. Un corte de menos de 2 minutos de corte intimista.

Como recoge NME, Florence + the Machine ha explicado que ‘Moderation’ es un tema que había escrito durante las sesiones de ‘High As Hope‘. «Era una de esas canciones instantáneas pero no encajaba con la temática del disco, porque sabía que no estaba escribiendo un álbum sobre una relación», ha dicho en Beats 1, de lo que se deduce que esta canción en cambio sí lo es. «Crees que lo necesitas, crees que quieres amor / pero no lo querrías si supieras lo que es», advierte el estribillo antes de pedir: «moderación, moderación, moderación».

Eso sí, en las estrofas reconoce que la teoría se la sabe… pero la práctica es otra cosa. «Nunca lo he hecho con moderación / no, nunca lo he entendido / era o todo el sentimiento o nada / y tomé todo lo que pude». Os recordamos que la gira de Florence + the Machine llega a Madrid y Barcelona el próximo mes de marzo.

‘La Casa de Jack’: la obra más bestia, honesta y horrorosa(mente) genial de von Trier

25

Del 9 al 17 de noviembre se celebró en Sevilla el Festival de Cine Europeo, que este año llegaba a su 15ª edición, la séptima bajo la dirección de José Luis Cienfuegos. Con el doble objetivo de promover la cinematografía europea y establecerse como lugar de encuentro anual para los cineastas europeos, periodistas especializados y distintos profesionales, el Festival albergaba también cada año las nominaciones de los Premios EFA, y en esta edición, coincidiendo con ese 15º aniversario, Sevilla acogió el 15 de diciembre la propia gala de los Premios EFA. Se proyectaron en esos días películas tan aclamadas como ‘Joy’ de Sudabeh Mortezai, ‘Girl’ de Lukas Dhont o el controvertido Oso de Oro de este año ‘Touch Me Not’, además del ambicioso proyecto ‘Quién lo impide’ de Jonás Trueba o los nuevos filmes de Assayas, Bilingham… y el que nos ocupa, el de Lars von Trier. Fue precisamente en otro festival, el de Cannes, donde el danés protagonizó la que es probablemente la mayor polémica de su carrera (y mira que las hay): las declaraciones sobre Hitler. Declarado por ello persona non-grata, siete años después de ‘Melancolía‘ ha vuelto al certamen francés por la puerta grande con ‘La Casa de Jack’.

Lars von Trier consigue muchas cosas con esta historia de un asesino en serie contada en primera persona. A estas alturas muchas de ellas no haría falta mencionarlas en una reseña si se conoce bien su trayectoria, como la capacidad para conseguir que 100 personas se piren en mitad de la película en Cannes (22 conté yo en la proyección del Festival de Cine Europeo)… pero aquí llegan a su punto máximo. Está claro que una película de von Trier no es precisamente la que llevarías a alguien a ver en una primera cita (o sí), pero las bestialidades de ‘La Casa de Jack’ llegan a superar a las de ‘Anticristo’ -y si no lo hacen será solo por unas proporciones de humor negro ausentes en aquella-, y desde luego el horror y el mal cuerpo alcanza con cierta escena, el “Tercer Incidente”, el nivel del final de ‘Bailar en la oscuridad’. Solo que en el film de Björk aquello era al final, y aquí dicha escena se ubica hacia la mitad del metraje, de forma que el perverso danés juega un rato más con las mentes de sus espectadores.

Decíamos que Lars consigue muchas cosas en este Pasaje del Terror (literal en su epílogo), pero hay dos especialmente destacables. Una de ellas es cómo usa esta historia no ya para mostrarnos las reflexiones que sobre la sociedad o la humanidad salen de su mente, sino para mostrarnos SU MENTE. ‘La Casa de Jack’ podría funcionar como testamento fílmico: la psique de von Trier está encarnada en Jack, y por ello me niego a creer que sea casualidad que el elegido para dar vida a esa mezcla de psiquiatra/conciencia/Dios/Satán haya sido Bruno Ganz. Justo el actor que a todos se nos viene a la cabeza cuando pensamos en Hitler. ¿Casualidad? Sí, claro, qué duda cabe.

El autor de ‘Los Idiotas’ aprovecha para transmitir su sistema de pensamiento, sus propios debates morales, su muy negro sentido del humor -ya desde el propio título y nombre del protagonista: “gato hidraúlico (jack)”… si la veis, entenderéis esto-, su visión sobre el arte, incluso sus acusaciones de misoginia (“¿piensas que ellas son estúpidas o que lo son todas las mujeres… o es solo que necesitas sentirte superior a ellas?” se llega a decir a sí mismo a través de sus dos protagonistas). No sé si von Trier es o no misógino, pero en ‘La Casa de Jack’ queda claro de nuevo que es misántropo, como se podía deducir también de las semejanzas que hay entre las abnegadas protagonistas -rol social de cuidados personificado- de ‘Dogville’, ‘Rompiendo las olas’ o ‘Bailar en la oscuridad’ con la Justine del Marqués de Sade.

Y hablando de protagonistas, evidentemente Matt Dillon no tiene la más mínima opción en los Oscar con una película así, pero sería de justicia que se reconociese su trabajo: explota su conocida vis cómica mientras dos escenas después da verdadero miedo y veinte escenas después resulta directamente nauseabundo. Este gran trabajo interpretativo del protagonista de ‘Algo pasa con Mary’ (de verdad que es flipante recordar eso tras verle aquí) ayuda a la otra gran virtud que demuestra aquí von Trier: describir el mal sin ningún filtro, construir un personaje que representa lo peor de la Humanidad, pero hacerlo de forma tan magistral que incluso el espectador pueda, en alguna ocasión, llegar a empatizar con él. Y que eso dé más miedo que los propios asesinatos.

“Lolita no es una niña perversa, es una pobre niña que corrompen (…) fuera de la mirada maníaca de Humbert no hay nínfula, y ese es un aspecto esencial de un libro singular que ha sido falseado”. Vladimir Nabokov se quedó a gusto en esta entrevista de Bernard Pivot, donde llamó “inmundo” a Humbert y cargó contra contra las ilustraciones y reinterpretaciones que se hicieron de su personaje -y que convirtieron a una víctima de pederastia en esa especie de femme-fatale de ¡doce! años que se ha quedado en el imaginario colectivo-. Estas declaraciones no son demasiado conocidas, y por ello muchos ven en ‘Lolita’ una apología de la pederastia, y no lo que pretendía ser: el perfecto análisis de un monstruo y, por tanto, de las propias monstruosidades de nuestra sociedad que contribuyen a la existencia de dichos monstruos. Ese análisis no se puede hacer sin empatía, claro, y eso es lo que explica que haya descripciones del enamoramiento obsesivo de Humbert, o de su torpeza en estas etapas, que nos puedan recordar a momentos en que nos hemos podido sentir así de obsesionados.

Con sus muchas diferencias, Nabokov y von Trier consiguen algo similar: aterrorizar al espectador/lector, no ya por la historia que le cuentan, sino porque, aunque sea por unos instantes, les están haciendo sentirse identificados con desechos como Humbert, y como Jack. ‘Lolita’ es una obra maestra, pero no es una respuesta que yo dé cuando me piden que recomiende un libro, porque entiendo perfectamente que a muchos no les va a gustar, y que lo van a pasar mal. Por eso mismo tampoco recomiendo nunca ‘Bailar en la oscuridad’, y por eso mismo yo la he visto en contadas ocasiones, a pesar de ser una de mis películas favoritas. Al igual que estas dos, ‘La Casa de Jack’ es una obra maestra, pero también es una experiencia nada agradable, casi al nivel de esa catábasis que se nos cuenta. De hecho, lo confieso: en el “Tercer Incidente” me tuve que contener, porque a punto estuve de sumarme a esas 22 personas que abandonaron la sala. Y, sin embargo, sí, es una obra maestra. 9,5.

Post Malone será respaldado por Red Hot Chili Peppers en los Grammys y se apunta 2 nuevos macrohits

6

Los Grammys están a la vuelta de la esquina: estarán entregados antes de que te des cuenta en poco más de dos fines de semana. Entre las actuaciones que estaban anunciadas estaban varios artistas nominados, como Post Malone, Camila Cabello, Cardi B, Dan + Shay, Shawn Mendes, Janelle Monáe o Kacey Musgraves, pero hoy se han dado a conocer más nombres a través de la página web oficial.

La gran sorpresa es que Red Hot Chili Peppers ejercerán de banda del ya mencionado Post Malone, o al menos eso se desprende de esa nota de prensa que indica que la banda de Flea «se unirá al artista previamente anunciado Post Malone». No sabemos qué optará por tocar el autor de ‘rockstar’, pero lo seguro es que tendrá donde elegir, pues al éxito de su último álbum y singles contenidos en él como ‘Better Now’, hay que sumar dos más. ‘Wow’, aquella tontería que editó por Navidad con vídeo papanoelesco, continúa muy bien situada en las listas y de hecho lejos de achantarse con el Año Nuevo, sube al top 3 en Reino Unido y al top 9 en Estados Unidos estos días. No, no pasará a la historia como villancico sino como tema pop aunque no apetezca mucho ahora mismo ver su vídeo. Y por otro lado, su tema junto a Swae Lee para la banda sonora de ‘Spider-man’ se mantiene en el top 5 en Reino Unido y ha sido número 1 en Estados Unidos.

Otros confirmados para actuar en los Grammys son Miley Cyrus, Brandi Carlile y H.E.R. Se desconoce si Cyrus interpretará un tema de su próximo proyecto o Mark Ronson estará por allí para que ambos interpreten su hit actual ‘Nothing Breaks Like a Heart‘, que justo acaba de superar los 100 millones de reproducciones en Spotify.

Carlos Baute pide al Gobierno de España que reconozca a Guaidó; Sanz, Nicky Jam, Rubio… piden una «Venezuela libre»

65

Las protestas contra el Gobierno de Nicolás Maduro en las calles de Venezuela continúan, habiéndose producido al menos 16 muertos según la Comisión Interamericana de Derechos Humanos. Ayer el líder opositor Juan Guaidó se declaraba presidente interino del país ante una multitud que le ovacionaba, recibiendo el apoyo instantáneo de Donald Trump, presidente de Estados Unidos. La Unión Europea se mantenía más tibia, apostando por una salida dialogada; mientras en Madrid en la Puerta del Sol miles de manifestantes clamaban una Venezuela Libre, con Pablo Casado (PP) y Albert Rivera (C’s) desplazándose al lugar para pedir a Pedro Sánchez, presidente del gobierno, que reconociera a Juan Guaidó.

Entre quienes también se desplazaron a la Puerta del Sol estaba el venezolano Carlos Baute, muy popular en nuestro país por temas como ‘Colgando en tus manos’ con Marta Sánchez o por su reciente paso por Masterchef. El cantante se fotografiaba en el centro de Madrid portando una bandera de su país y haciendo un llamamiento directo al Gobierno español. Escribía: «Esperamos que el Gobierno de España reconozca a @jguaido como legítimo presidente de Venezuela. Ya lo hicieron EEUU, Canadá, Colombia, Perú, Ecuador, Costa Rica y Brasil, Paraguay, Argentina… Necesitamos que se abra paso a esta transición para que devuelva la libertad y la democracia a los venezolanos». Horas después, Pedro Sánchez ha llamado a Guaidó para trasladar «su empatía por su coraje y su voluntad de representar a la Asamblea, reflejo de la elección de los venezolanos», como informa El Diario.

En los vídeos de su propio Instagram se ve a Carlos Baute celebrando a Guaidó como presidente y «la llegada del cambio» a su país. Otros artistas han llamado a una «Venezuela libre» en las redes sociales, pero ya simplemente usando un hashtag o una frase como ha sido el caso de Alejandro Sanz, Nicky Jam o Paulina Rubio, quien ha indicado: «Gritamos fuerte por la libertad y por La Paz!». Juan Luis Guerra ha pedido «que en Venezuela oigan este canto!», mientras Maluma simplemente ha posado con una bandera del país en su Stories, indicando que se estaba acordando mucho de sus fans venezolanos.

Vampire Weekend estrenan ‘Harmony Hall’ y ‘2021’, dos adelantos de su nuevo disco

7

Vampire Weekend estrenan hoy nueva música, como habían prometido, tras haberse filtrado un posible tema nuevo en el último trimestre del año pasado. El grupo, ya sin Rostam como miembro oficial aunque sí como «productor adicional», había anunciado que publicaría un disco de 18 canciones pero no exactamente doble, pues no superará por poco la hora de duración, y ‘Harmony Hall’ y ‘2021’ son los dos primeros adelantos que podemos degustar. El largo se llamará ‘Father of the Bride’ y todavía no tiene una fecha concreta de lanzamiento.

‘Harmony Hall’ tiene tiempo durante sus 5 minutos de sonar acústica, recordar a los Primal Scream de ‘Screamadelica’, introducir piano, guitarra eléctrica y un desarrollo complejo. Por el contrario, ‘2021’ no llega a los 2 minutos, siendo una balada intimista y experimental, y anticipando por qué el disco contendrá tantísimas pistas, siempre sin llegar a ser doble en la edición CD o a durar más de 60 minutos.

El primer tema ha sido escrito en solitario por Ezra Koenig, mientras el segundo lo ha hecho el propio cantante pero tirando de un sample de Haruomi Hosono. Ambos han sido producidos por el habitual Ariel Rechtshaid, quien ya había trabajado con ellos antes de entregarse a los brazos de Kylie Minogue o Madonna. En ‘Harmony Hall’ ha tocado la guitarra Dave Longstreth, mientras Danielle Haim también aparece acreditada. Jenny Lewis aporta la voz de chico en ‘2021’. Os recordamos que este año podréis ver a Vampire Weekend actuando en Mad Cool.

Maggie Rogers / Heard It In a Past Life

7

Maggie Rogers sorprendió en 2017 con su EP de debut ‘Now That the Light is Fading’, que contenía su mayor éxito ‘Alaska’ -sí, el que conquistó a Pharrell- y un puñadito de canciones evocadoras que destacaban por su componente naturalista, presente tanto en letras como en producción. Rogers había sampleado en ellas pájaros, árboles, serpientes de cascabel, a sí misma dándose palmaditas en las piernas o incluso el murmullo de la gente en un zoco. Aparte de compositora, la joven de Maryland parecía grabadora de campo y en ese sentido estaba mucho más cerca de Björk, Kate Bush o tune-yards que de las Haim a las que se ha ido pareciendo últimamente (y con las que ha girado).

Así, ¿a qué suena ‘Heard it In a Past Life’, el álbum debut de Rogers? Presente en la mayoría de sus canciones se encuentra el productor Greg Kurstin, conocido por su trabajo para Adele, Sia o P!nk, y parece que es él quien ha guiado sobre todo el sonido del álbum, lo cual no siempre es para bien. Cundo acierta lo hace a lo grande, como en la explosiva ‘Burning’, que habla sobre la “excitación” de un amor nuevo, pero en la mayoría de casos parece más interesado en hacer digeribles las canciones de Rogers que en ensalzar su personalidad, como ocurre con las blandas ‘Overnight’ o ‘Retrograde’. La artista había encontrado su propio sonido en los ritmos orgánicos y crudillos de ‘Alaska’ y ‘Fallingwater’ así como en sus melodías y ambientes crepusculares, perfectamente reflejados en la estética de sus portadas y videoclips, y hasta ahora estas siguen siendo sus mejores canciones, pues por suerte permanecen en el disco (casi) intactas a como las conocimos.

En gran parte, ‘Heard it In a Past Life’ no termina de diferenciarse del todo del trabajo de artistas similares a Rogers que han despuntado en los últimos tiempos como Haim o MUNA, y de hecho el álbum introduce también ritmos marcadamente electrónicos y bailables en algunos temas, como en ‘The Knife’; o que incluso coquetean con el R&B, como ‘Say It’. Lo que hay que celebrar es que las canciones están en la mayoría de los casos bastante bien, y si ‘Give a Little’ era una de las más edificantes lanzadas por Rogers hasta el momento, ‘Light On’ terminaba haciendo mucha más pupa con su conmovedor estribillo y su letra dedicada a esos fans a los que entregará su música si ellos permanecen a su lado, concluyendo no obstante que si se van, ella “seguirá bailando”. Es un reflejo de lo profundamente honesta que podía haber sido y, sobre todo, sonado la música de este disco, pero sería injusto afirmar en definitiva que este no es un debut mucho más que prometedor, pese a sus altibajos.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Alaska’, ‘Fallingwater’, ‘Light On’, ‘Give a Little’, ‘Burning’
Te gustará si te gusta: Haim, Lorde, MUNA
Escúchalo: Spotify

C. Tangana y Alizzz no decepcionan con su acercamiento al funk de favela en ‘Pa llamar tu atención’

8

El pasado fin de semana se anunciaba una nueva producción de C. Tangana y Alizzz, esta vez con la colaboración de uno de los raperos más populares de São Paulo, MC Bin Laden, de lo que se presumía un acercamiento al llamado «funk de favela», estilo que se sitúa a medio camino entre el rap, el reggaeton y la samba, y que ya han tratado otros artistas de pop como Anitta o Diplo. C. Tangana ya había dicho hace casi exactamente un año en El País a propósito de otro tema que se pasa «el apropiacionismo por el forro de los cojones».

‘Pa llamar tu atención’ contiene algunos elementos identificativos de este estilo, como la percusión y el ritmo, aunque el background house de Alizzz y el carismático flow de C. Tangana hacen que la canción sea también cercana a su estilo habitual. Y no solo por los sellos de ambos «eso es» y «ayyyyyy»: el texto del tema, por ejemplo, es similar en estructura y concepto al de ‘Cuando me miras así’.

La canción se plantea como una serie de retos posibles para «llamar tu atención», lo que implica «saltar de un avión», «escapar de prisión» -posible guiño a los raperos encarcelados- «borrar Instagram» o «salir por televisión», lo que parece una referencia a su polémico paso por Operación Triunfo presentando ‘Un veneno’ junto a Niño de Elche. Finalmente, la parte de MC Bin Laden, cuyo nombre no sabemos si se podrá pronunciar en alguna radio pero tampoco parece que a nadie le importe, aparece con más naturalidad de la que conocimos a French Montana en el remix de ‘Mala mujer’.

No te pierdas: Teyana Taylor traslada el cuento de Cenicienta a la escena ballroom en ‘WTP’

5

Décadas después de que Madonna la visibilizara masivamente con ‘Vogue’, la escena ballroom vive un nuevo auge en todo el mundo, aflorando en interesantes nuevos artistas, como Kiddy Smile, realities que levantan pasiones, como RuPaul’s Drag Race, y las series más inclusivas que hayamos visto nunca, como ‘Pose’. Y también acaba de inspirar un videoclip para la artista de R&B Teyana Taylor, que el año pasado publicaba un fantástico miniálbum producido por Kanye West, ‘K.T.S.E.’.

La canción que cerraba el mismo, ‘WTP’, era un sorprendente número dentro del álbum, más house que hip hop, que contaba con la colaboración del artista queer Mykki Blanco. Ahora Teyana lanza algo más que un videoclip –sobre todo porque se acerca al cortometraje, en duración y planteamiento– para esta canción. Lo que propone es una suerte de mockumentary que traslada el célebre cuento infantil de la Cenicienta al mundo de las ballrooms: Teyana es la ayudante de un equipo de “ballers”, House of Petunia, maltratada por todas ellas pero que, sorpresa, sí sabe “menear este coño” (“WTP” es la reducción de “work this pussy”, que se repite obsesivamente en la canción) y se convierte en “la hija de Grace Jones y Janet Jackson”, como se dice en uno de los hilarantes monólogos del clip. El divertido vídeo cuenta con cameos del citado Blanco, además de la actriz y guionista Lena Waithe (‘Master of None’) y la popular drag Big Freedia.

‘K.T.S.E.’ es el segundo trabajo de estudio de Teyana Taylor, después de que debutara en 2014 con ‘IV’. Recientemente se publicaba un nuevo remix de uno de sus mejores temas, ‘Gonna Love Me’, con versos de raperos históricos como Ghostface Killah, Method Man y Raekwon.