Ruido Paraíso es el proyecto en solitario de Aníbal Gómez (Muchachada Nui, Ojete Calor). Pero cuidado quién se acerque a ‘Gran Atlas’ buscando el electroclash descacharrante que practica con Carlos Areces, porque puede salir altamente desconcertado.
Después de un primer intento, ‘Polifonía’, repleto de techno pop vivaracho pero excesivamente chirriante, Ruido Paraíso ha conseguido en su segundo álbum aquilatar la fórmula del pop electrónico más refinado. ‘Gran Atlas’ es un disco que, a pesar del revival del sonido ochentas que llevamos viviendo desde hace tiempo, se presenta como un artefacto fuera del tiempo, como si Aníbal hubiera ejecutado el disco de synth-pop que le gustaría escuchar. ‘Gran Atlas’ aúna el techno pop ochentero de Visage o Erasure con épica hispánica, algo de oscuridad gótica, EBM, el italodisco (y su vertiente centroeuropea), el toque folcklórico, bastante de melodrama y sensualidad, todo contagiado con el desparpajo sudamericano que le otorgaría una Javiera Mena. Si alguien quiere ahondar más en todas las influencias y referencias que inundan estas canciones, el propio Aníbal las explica estupendamente en Mondosonoro.
Eso sí, que nadie espere menear las caderas a la primera de cambio. “Abre, que soy la muerte”, así de solemne y fúnebre, abre ‘Gran Atlas’. Después del susto, no, no viene la muerte, sino ‘Lo siento’, un bonito ejercicio de techno-pop atmosférico y sensual, una especie de saeta existencialista entreverada con líneas de bajo, sintes oscuros y gongs misteriosos. Luego Aníbal ya se deja arrastrar por la vena Erasure mezclados con ranchera en ‘Milagro’, el dúo con La Bien Querida, donde consigue un hit irresistible. Imposible quitarse de la cabeza esos “¡Milaaaagro, milaaagroo!” de su estribillo, con Aníbal desatado, cantando con el desboque de un divo, mientras los bpm juegan a refrenarlo. El contrapunto de la Bien Querida le resta algo de fulgor, paradójicamente, en un tema que pedía un contrapunto vocal igualmente apasionado. Parade asoma en el horizonte en el inicio de ‘Bailaré hasta el amanecer’, que rompe en saltarina música dance, con un estribillo eufórico y luminoso. Quizás la canción que trae más reminiscencias consigo sea ‘Voy a dejarte’, con mucho de las letras repletas de despecho de Cetu Javu (aunque con más rasmia que los alemanes). Como despecho nocturno, con cierto toque New Order, brilla en ‘Tu corazón es un puñal’. Mientras, Camela y Depeche Mode asoman en la sci-fi ‘Días sin Gravedad’. Pero probablemente la pieza más sorprendente sea la final ‘Romería de difuntos’, otra saeta que mezcla EBM aflamencado con ecos de Héroes de Silencio, pero que, a la postre, resulta más curiosa que sobrecogedora.
Quizás el mayor defecto de este ‘Atlas’ es que a partir de la segunda mitad, las canciones resultan menos excitantes, no sabes muy bien si por excesiva reiteración de la fórmula o porque en ellas Aníbal no ha conseguido la efectividad a nivel compositivo que sí que alcanza en sus cinco primeros y certeros temas. También se le puede achacar una cierta falta de personalidad, el parecer más pendiente de reproducir unas atmósferas y un tipo muy concreto de temas antes que de otorgar su toque. ‘Gran Atlas’ es, prácticamente, un ejercicio de estilo. Pero hay que reconocer que, más allá del mero revival, Gómez logra unas cuantas canciones deliciosas, al menos para los que somos amantes del género.
Calificación: 6,8/10 Te gustará si te gusta: Javiera Mena, Cetu Javu, el techno pop ochentero Lo mejor: ‘Milagro’, ‘Bailaré hasta el amanecer’,‘Voy a dejarte’, ‘Tu corazón es un puñal’ Escúchalo:Spotify
Semana sin grandes novedades en la lista de singles española: Daddy Yankee y Snow continúan por segunda semana consecutiva en el número uno de la tabla con ‘Snow’, mientras Don Patricio y Cruz Cafuné suben del 7 directos al 2 con ‘Contando lunares’. ¿Nuevo número uno en camino? Por cierto, Don Patricio aparece de nuevo por debajo de la lista con ‘Enchochado de ti’, en el número 94.
La entrada más fuerte de la lista es ‘Soltera’, el pegadizo single de reggaetón de Lunay (no confundir con Lunae). El joven cantante portorriqueño ha sido tendencia en Youtube con este nueva canción y ya había entrado en la tabla de singles española con ‘A solas’, su single junto a Anuel AA, Lyanno, Byrtiago y Alex Rose, si bien esta solo había alcanzado el número 50 hasta esta semana, cuando ha subido hasta el 39.
La sensual ‘A mí’ de Rels B debuta justo por detrás de ‘Soltera’, en el puesto 51. El resto de entradas en la tabla son ‘Pa mí’ de Dalex, Rafa Pabön, Dimelo Flow y Khea, en el número 75; ‘Que le de ‘ de Rauw Alejandro y Nicky Jam, en el 79 y ‘Otra copa’ de Bandaga, en el 96. Sigue mandando el reggaetón y en general los ritmos latinos o caribeños.
Maldita Nerea firman esta semana la entrada más fuerte en la lista de ventas con ‘Maldita sinfónica, que entra en el número 2, si bien no aparece en la tabla de streaming. En esta, la entrada más fuerte es la de ‘Como anoche‘, el debut de Delaporte, que entra en el número 36, si bien este no aparece en la lista de ventas.
Vamos por partes: los discos que más ha comprado el público esta semana en España son, aparte del de Maldita Nerea, ‘Distance Over Time’ de Dream Theater (6), ‘Copla’ de Estrella Morente (7), ‘La sonrisa de Krahe’ de La Sonrisa de Krahe (16), ‘Derby Motoreta’s Burrito Kachimba‘ de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba (30), ‘Luna’ de José María Cano (44) y ‘Música’ de Il Volo (64).
Y como está claro que el público que compra discos no es el mismo que el que los escucha en Spotify y similares, en la tabla de streaming aparecen aparte de Delaporte las entradas de ‘Panorámica’ de Piezas y Jayder (56), ‘Father of 4’ de Offset (58) y ‘Harverd Dropout’ de Lil Pump (68). Esto es, todo hip-hop a excepción del grupo autor de ‘Un jardín’ y no, ninguno de estos álbumes está presente en la tabla de álbumes.
Si algo ha unido a ambas listas de álbumes esta semana es la banda sonora de ‘A Star is Born‘. El álbum ha pegado una buena subida tanto en álbumes como en streaming, subiendo 10 posiciones en ambas listas, del 24 al 14 en la primera y del 15 al 5 en la segunda. El disco de OT2018 sigue en el número 1 de álbumes, mientras el de Bad Bunny lo hace en streaming.
Joe Crepúsculo publica un nuevo single y vídeo dedicados a la palabra favorita de VOX. ‘España’ es irónicamente un corte de reggaetón bastante acidillo y hace referencia a los típicos tópicos de la cultura española tanto en su letra (“España, paella sol y playa / España, ginebra y marihuana”) como en su vídeo con referencias al deporte español, los molinos del Quijote o el rey emérito.
Aunque la parte interesante del vídeo sucede con el protagonismo del mapa de España, en el que de repente vemos un territorio bastante antiguo conformado por Castilla y Aragón o bastante extraño en el que Badajoz es Cataluña, Carrefour es España o España cubre toda la península ibérica, incluido Portugal. Y es que Crepus quiere que “España sea grande otra vez” pero más grande incluso que la propia Tierra, hasta el punto que España llegue a colonizar el sistema solar.
Entre frases tipo “aquí estoy entre China y Chanel, viviendo aventuras como un coronel”, otro posible hit de Crepúsculo que bailaremos en sus conciertos, ahora con el punto social y político irónico por parte del artista que ya pusiera música a una campaña de Podemos. Crepus acaba de celebrar el 10º aniversario de sus dos primeros álbumes con una interesante recopilación.
Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Pony Bravo, Cala Vento, Helena Goch, Rafael Berrio, Museless, Enric Montefusco, One Path, Apartamentos Acapulco, Fémina, Coffee & Wine, Tremenda Jauría, Hello Seahorse!, Liz Forte y Lost Tapes. [Imagen interior: Féminas; imagen exterior: Liz Forte]
Cala Vento
Tras un descanso –más breve de lo que parecía cuando lo anunciaron–, el dúo ampurdanés Cala Vento ya tiene listo su tercer largo tras su debut homónimo y el notable ‘Fruto panorama’. El día 5 de abril, y por primera vez desde la autoedición, publican ‘Balanceo’, del que han adelantado este ‘Gente como tú’ que muestra que siguen fieles a su estilo: contundencia, energía y buenas melodías.
Hello Seahorse!
Centrados sobre todo en interminables giras por Norteamérica, donde son muy queridos y valorados, la producción del grupo mexicano desde que publicaran ‘Arunima’ en 2012, apenas se ha limitado a un EP (‘Entretanto’) y diversos singles sueltos, como ‘Dónde estabas’ o ‘Solo’. Comienzan el año con otra nueva canción, la estupenda ‘Incendio’ que ojalá sea el preámbulo, por fin, de un nuevo disco.
Museless
Tras el debut largo de Laura Llopart en 2017 con ‘Dichotomic History’, su proyecto Museless ha ido publicando diversos singles con su faceta esquiva habitual. Pero este 2019 lo comienza con una ‘Anonymous’ que, de nuevo empleando el castellano, recurre a un deephouse incisivo, en lo que supone uno de los temas más directos y pop de su carrera. No sorprendería verla alcanzar un nuevo nivel de popularidad, de seguir así.
Liz Forte
Una de nuestras apuestas nacionales de este 2019 era el MC madrileño Liz Forte que, tras una temporada puesto de perfil, ha reaparecido con fuerza en las primeras semanas de esta temporada. Tras ‘Peligrosa’, la canción que os presentamos en enero, llegó semanas después ‘Vida mala’. Y, días atrás, volvía a afinar con ‘Tanto dinero’, producción luminosa de Marmol MRML, que le sitúa en la línea más popera de la escena trap.
Helena Goch
Semanas atrás anticipábamos la llegada del nuevo disco de la valenciana Helena Goch, ‘Motor y al aire’, que suponía su fichaje por la escudería Intromúsica (Dorian, Rusos Blancos, Betacam). El pasado 1 de marzo llegó al mercado, demostrando una mayor riqueza de arreglos y una tesitura vocal que nos recuerda a voces tan personales como las de Miren Iza o Christina Rosenvinge. Tras ‘Así así’, acaba de estrenar vídeo para ‘Sujétate fuerte’, con la curiosidad de haber contado con Julio de la Rosa… ¡a la cámara!
Rafael Berrio
Un álbum de ese último bastión de la bohemia donostiarra que es Rafael Berrio siempre es una noticia digna de celebrar. Desde hace unos días podemos disfrutar de ‘Niño futuro’, un disco que supone su regreso a la industria independiente tras un desangelado paso en lo comercial (que no en lo artístico) por una multinacional. Al que fuera alma mater de Amor a Traición y Deriva tanto le da, él demuestra su exquisitez por encima de todos.
Enric Montefusco
Tras el jugoso interludio que supuso ‘Coros de medianoche’, EP con colaboraciones de Nacho Vegas, Niño de Elche, Albert Pla o Maria Arnal, el ex-miembro de Standstill ya tiene a punto la continuación de ‘Meridiana’, su debut en solitario. En abril verá la luz ‘Diagonal’, un disco en el que vuelve a experimentar con el folclore y que, a tenor del interesante videoclip para su primer adelanto, ‘Quien abre camino’, tendrá un contenido lírico con cierto peso político-social.
Fémina
Este trío femenino de San Martín de los Andes (Argentina), formado por las hermanas Sofía y Clara Trucco y su amiga Clara Miglioli, se ha hecho ya un nombre en Estados Unidos, México y Europa gracias a dos álbumes en el que muestran una colorida fusión de folclore y hip hop. Su salto definitivo llega con ‘Perlas & Conchas’, álbum que publican el 5 de abril y que no sólo ha sido producido por Quantic sino que se las han arreglado para contar con una colaboración vocal de nada menos que Iggy Pop en ‘Resist’, uno de sus avances.
Pony Bravo
Tras diversosadelantos, al fin podemos disfrutar desde hace ya unos días de ‘Gurú’, el esperado regreso discográfico de los sevillanos Pony Bravo, 6 largos años después de ‘De palmas y cacería’. Grabado por Raúl Pérez en La Mina, como es ya habitual, Pablo Peña y compañía siguen persiguiendo nuevos caminos de su inclasificable psico-funk-folk-rock con letras delirantes pero con retranca. En las próximas semanas y meses lo presentarán por diversas ciudades del país, incluyendo parada en el Bilbao BBK Live 2019.
Tremenda Jauría
Quien siga pensando que el reggaeton es una música solo apta como plataforma para la misoginia más aberrante, es que no conoce aún a este cuarteto mixto madrileño, que utiliza ese ritmo como soporte para letras sociales y políticas, con marcado carácter feminista, sobre todo. Con el formato EP como gran instrumento, acaban de lanzar ‘IV’, su cuarto trabajo (tercero consecutivo en ese formato), en el que cuentan con invitados de la talla de Fermín Muguruza o Arianna Puello. ‘Brillando’ es su gran pelotazo, un bonito canto a la amistad femenina.
One Path
Incansable, Javier Bilbao publicará en las próximas semanas ‘Sin plomo’, un disco inspirado por los ritmos primigenios del reggaeton (no olvidemos que, como nos explicó, es un experto en Daddy Yankee, por lo que su título es un homenaje a ‘La gasolina’). Su primera muestra es este contagioso ‘Rompe’, producido por el tándem Kickbombo.
Lost Tapes
Vuelve también el proyecto paralelo de pop electrónico que Pau Roca de La Habitación Roja sostiene con RJ Sinclair, ex Tokio Sex Destruction. ‘The Bill’ es un nuevo EP, anticipo de un próximo largo, que desprende positivismo por todas partes, con un fresco recuerdo del pop post-Madchester y la interpretación que grupos como Air France o The Tough Alliance hicieron de aquellos ritmos.
Apartamentos Acapulco
Después de varios avances, el grupo de Granada protegido de Los Planetas (publican en su sello, El Ejército Rojo) pretende desmarcarse al fin de esa sombre con ‘El resto del mundo’, un disco en el que han contado con la colaboración vocal de Anabella Cartolano, del grupo argentino Las Ligas Menores. Y junto a otra banda argentina, Bestia Bebé, se hayan inmersos en una gira por toda la península que este fin de semana recala en Castellón (viernes 8, Menta Microclub), Valencia (sábado 9, La Pérgola de la Marina) y Murica (sábado 9, Garage Beat Club).
Coffee & Wine
El exquisito proyecto de folk-pop con ecos country de Ana Franco acaba de editar ‘Hirundinidae’, su segundo largo tras el lejano ‘From The Ground’ (2012). Una nueva colección de canciones capitaneadas por su bonita voz y que esta vez conectan en sus letras urbe y naturaleza. El día 17 de marzo el grupo presentará el álbum en Costello Club de Madrid, para el que se obtiene una entrada gratuita comprando el álbum en Bandcamp.
The National, una de las bandas más populares del rock alternativo actual, ganaron su primer Grammy en 2017 gracias a su último disco, ‘Sleep Well Beast‘. Ahora, los hermanos Berninger y compañía anuncian su continuación, un trabajo llamado ‘I Am Easy to Find’ que verá la luz el 17 de mayo y para el que han preparado un corto de acompañamiento homónimo.
Sobre ‘I Am Easy to Find’, la nota de prensa explica que el álbum dura 68 minutos y el corto 24, y que ambos son productos diferentes, aunque conectados. El corto está dirigido por Mike Mills y protagonizado por Alicia Vikander, ganadora de un Oscar a Mejor actriz de reparto por ‘La chica danesa‘. “Los dos proyectos son, como los llama Mills, “primos juguetonamente hostiles que adoran robarse el uno al otro”. Comparten música y palabras y ADN e impulsos y una visión de lo que significa ser humano en 2019, pero no necesariamente se necesitan el uno al otro. La película fue compuesta como una pieza musical; la música fue ensamblada como una película, por un director de cine. El frontman y el punto focal natural fue deliberada y dramáticamente echado a un lado en favor de una variedad de voces femeninas, casi todas ellas durante mucho tiempo en la órbita de la banda. Algo que no se parece en nada a lo que cada artista ha intentado nunca y que está totalmente en linea con cómo han construido la mayor parte de su carrera”.
El primer avance de ‘I Am Easy to Find’ es una canción bastante eléctrica y explosiva, a la par que melódica, ‘You Had Your Soul With You’, que cuenta con la particularidad de contar con los coros de Gail Ann Dorsey, una de las integrantes de la banda de David Bowie. En el disco habrá más colaboraciones, como indica la nota, mayormente femeninas, entre ellas las de Sharon van Etten o Lisa Hannigan.
I Am Easy to Find:
01 You Had Your Soul With You
02 Quiet Light
03 Roman Holiday
04 Oblivions
05 The Pull of You
06 Hey Rosey
07 I Am Easy to Find
08 Her Father in the Pool
09 Where Is Her Head
10 Not in Kansas
11 So Far So Fast
12 Dust Swirls in Strange Light
13 Hairpin Turns
14 Rylan
15 Underwater
16 Light Years
Dua Lipa es una de las estrellas pop del momento, y por lo tanto su segundo disco es uno de los más esperados de 2019. La británica ha declarado que este será “pop” pero que contendrá “sonidos diversos”, “canciones bailables” y también otras más “oscuras” e influenciadas por la música de “Outkast y Prince”. Aunque también ha apuntado que intentará no alejarse demasiado de su sonido original, que ha descrito como “llorar bailando” (un saludo a Robyn) y en ese sentido ha indicado también que las letras hablarán de “rupturas y relaciones llenas de manipulaciones”. En Twitter ha asegurado que el álbum está evolucionando favorablemente y que ya tiene pensado su título.
El segundo disco de Dua Lipa es crucial en su carrera y ha de demostrar que el éxito de su debut no ha sido flor de un día, y que ha construido un fundamento fuerte sobre el que seguir creciendo. Y es que hubo un momento en que pareció que Lipa no iba a estar donde está ahora. Tras ser nominada al BBC Sound of 2016, su debut salió al año siguiente tras varios retrasos, y aunque, tras reeditarse dos años después de su lanzamiento original, ‘Be the One’ había sido top 10 en Reino Unido, no fue hasta el sexto single del disco (una verdadera rara avis en el mundo del pop) en que la cantante empezó a petarlo de verdad. ‘New Rules’ fue número 1 en UK y muchos meses después alcanzó el número 6 en Estados Unidos, sin duda fue una de las canciones del verano de 2017 y su éxito, además del de su colaboración previa con Martin Garrix, ‘Scared to Be Lonely’, permitía a la cantante más tarde triunfar con ‘One Kiss’ con Calvin Harris, ‘Kiss and Make Up’ con BLACKPINK y ‘Electricity’ con Silk City, que se hacía con un premio a Mejor canción de baile en la pasada edición de los Grammy.
La propia Lipa se hacía con otro Grammy en la noche del 10 de febrero, el de Artista revelación, y no había artista más apta para recibirlo que ella. La cantante ha roto récords de streaming con su debut, que además ha gustado a la crítica, y es a día de hoy la artista femenina más escuchada en Reino Unido. Además, la conquista de ‘New Rules’ ha de atribuirse sobre todo a su currado y entretenídisimo videoclip, pues no puede obviarse que este representó una pequeña revolución en el arte de los vídeos pop en una época en que ya no parecen tan importantes debido al peso del streaming y de Youtube, cuando hasta Drake ha solido pasar de hacer vídeos para éxitos que han caminado solos (curiosamente, ‘New Rules’ no fue una de las canciones que destacamos en nuestra valoración original del disco). El éxito tardío de Lipa hacía que su álbum terminara entre los más vendidos de 2018 pese a publicarse en la primavera del año anterior, gracias también a la buenísima acogida del séptimo (u octavo, según a quién preguntes) single del disco, ‘IDGAF’. De nuevo, una situación realmente excepcional para cualquier artista, debutante o no.
Pero si hay una situación excepcional en la carrera de Lipa es que ‘Be the One’ y ‘New Rules’, probablemente las canciones más importantes de su carrera como solista hasta el momento, no la incluyen en absoluto como co-autora, al contrario que absolutamente todas las canciones de su debut y que sus recientes colaboraciones, además de ‘Swan Song’, su tema para la banda sonora de ‘Alita: Battle Angel’, que ha funcionado de manera regular en las listas de éxitos. Esto no quiere decir nada, pero sí es reflejo de una carrera que parece (insisto, “parece”) haberse, al menos hasta ‘New Rules’, dictado sola, sorprendiendo a la propia Lipa por el camino. Así, el segundo álbum de la artista plantea varias preguntas: ¿triunfará el primer single, el segundo o el sexto? ¿Habrá nuevo ‘New Rules’ o nueva maldición “Artista revelación”? ¿Logrará Lipa ser número uno con una canción co-escrita por ella? ¿Necesitará reeditar otro single? Todos estos acertijos no han de resolverse necesariamente en su segundo álbum, pero sí hacen que la espera hacia este disco sea especialmente emocionante.
Mac DeMarco ha anunciado un nuevo álbum que verá la luz el 10 de mayo. Se titula ‘Here Comes the Cowboy’ y su primer single es ‘Nobody’. Curiosamente, Mitksi publicó un álbum en 2018 llamado ‘Be the Cowboy‘ que fue uno de los mejores valorados del año, llegando al número uno de lo mejor del año de varias publicaciones especializadas. El mayor éxito del álbum se titulaba precisamente ‘Nobody’.
En declaraciones a Pitchfork, la representante de DeMarco ha asegurado que el músico canadiense no tenía ni idea de que Mitski había sacado un disco y single con títulos tan similares o en algún caso idénticos al suyo y que se enteró después, cuando ya había decidido los títulos de su disco y single. De hecho, DeMarco ha explicado que ‘Here Comes the Cowboy’ es “su disco de cowboy” y ha añadido: “La palabra cowboy es para mí un término de cariño, que uso habitualmente para referirme a gente en mi vida. Cuando era niño, había a mi alrededor mucha gente que llevaba gorros de cowboy y hacía cosas de cowboy. Esa es la gente a la que me refiero”.
Mitski se ha tomado a broma la coincidencia en Twitter, escribiendo que está segura que Mac DeMarco y ella “han pescado en la misma zona del subconsciente colectivo”. La cantante apunta que ella y Mac comparten representante, “por lo que amo mi teoría conspiranoica según la cual ella conocía los títulos del disco y single de Mac pero no dijo nada, esperando que algunos fans de Mac encontraran mi disco por error”. Finalmente, Mitski ha dado gracias a Mac por las “risas” y le ha congratulado por su disco.
Os dejamos con la balada ‘Nobody’, puramente Mac DeMarco:
haha! I'm 100% sure mac & I just went fishing in the same part of the collective unconscious! What's wild is we have the same PR, so I LOVE my personal conspiracy theory that she heard the album+track titles but kept quiet thinking maybe some Mac fans will mistakenly find me loll https://t.co/qSTDXJBHjK
No nos extraña nada que Nick Murphy decidiera dejar atrás el alias de Chet Faker: siempre sonó a broma de escaso gustos a costa del genial trompetista y cantante de jazz. A pesar de ello, su pop con tintes de hip hop, soul y electrónica triunfó a lo grande en la primera mitad de esta década gracias al EP ‘Thinking In Textures’ y, sobre todo, a su debut ‘Built On Glass‘, con singles tan populares como ‘Talk Is Cheap’ o ‘Gold’.
Pero en 2017 abrió una nueva etapa publicando el EP ‘Missing Link’ ya bajo su nombre real (que, la verdad, tampoco suena tan mal, ¿no?), un disco en el que incluía una deslumbrante colaboración con KAYTRANADA, ‘Your Time’, que establecía un acercamiento con la manera de entender el soul de, por ejemplo, Jamie Lidell, pero con una lectura más actual. Ahora confirma esa nueva realidad con ‘Sanity’, primer adelanto de su nuevo trabajo, el primero con su nombre propio. Se publica el 26 de abril con el título de ‘Run Fast Sleep Naked’, y ha contado con co-producción de Dave Harrington, socio de Nicolas Jaar en los memorables (y extintos) Darkside.
El single, que muestra una versión más orgánica que nunca de su música, lo cual incluye cuerdas y un coro gospel, se ha presentado con un video clip bastante llamativo en el que, aludiendo a su título, el artista australiano pone a prueba su cordura: despierta en una suerte de motel en medio del desierto para descubrir que la gravedad de los objetos no sigue las leyes de la física, y va descubriendo en su paseo por los alrededores escenas cada vez más confusas.
Tracklist de ‘Run Fast Sleep Naked’:
01 Hear It Now
02 Harry Takes Drugs on the Weekend
03 Sanity
04 Sunlight
05 Some People
06 Yeah I Care
07 Novocaine and Coca Cola
08 Never No
09 Dangerous
10 Believe (Me)
11 Message You at Midnight
En un lunes negro que tardaremos tiempo en olvidar, tuvimos ayer noticia de las muertes de Keith Flint, vocalista y frontman de The Prodigy, y el actor Luke Perry, archiconocido por su papel de Dylan McKay en la serie de televisión ‘Beverly Hills, 90210’, conocida por aquí como ‘Sensación de vivir’. Perry, que había recuperado popularidad con la serie ‘Riverdale’ y que aparecerá en la nueva película de Tarantino, murió tras sufrir un derrame cerebral días atrás, del que no puedo recuperarse.
Obviamente, numerosas personalidades del cine y la televisión, como Charlie Sheen, Molly Ringwald, William Shatner o Busy Phillips, han mostrado su pesar por la muerte de Perry, lo cual incluye a varios de sus compañeros de reparto en la famosa serie de los 90 –que, por cierto, acababa de confirmar un reboot que ahora, de seguir, lo hará sin Dylan–. Menos evidente ha sido el recuerdo que ha tenido para él el grupo The Killers.
Y es que, la verdad, ya no podíamos recordar que el actor de 52 años colaboró con el grupo de Las Vegas en uno de sus videoclips. Fue en el de ‘¡Happy Birthday Guadalupe!‘, una de esas canciones navideñas que el grupo de Brandon Flowers lanza casi casa año con el fin de recaudar fondos para organizaciones benéficas. The Killers recuerdan en un mensaje de Instagram el «maravilloso trabajo» que hizo en el clip lanzado en 2009 –en el que interpretaba a un cowboy enamorado de la protagonista de origen mexicano de la canción–, por supuesto «sin compensación» puesto que se trataba de una obra de beneficiencia. «Fue un honor tenerle en el vídeo. Será enormemente añorado», concluye el mensaje que incluye un frgamento del vídeo.
Las últimas noticias de The Killers son que, tras encabezar el cartel del FIB y estrenar a finales del pasado año la política ‘Land of the Free‘, están volcados en la grabación de un nuevo álbum.
‘Ese programa del que usted me habla’ se emite cada día en La 2 con María Gómez al frente acompañada de los co-presentadores Eva Soriano y Alberto Casado (tras la marcha de Marta Flich). La invitada especial de esta noche ha sido Anni B Sweet, que acaba de presentar ‘Buen viaje’, el primer avance del disco que publica el 10 de mayo, ‘Universo por estrenar’, el primero de su carrera en castellano.
En la semana en que se acerca el 8 de marzo, Gómez cuestiona a Anni B Sweet sobre el feminismo en la industria musical, apuntando que en los festivales actuales solo el “13%” de los artistas presentes en ellos son mujeres, pese a que los festivales son los lugares donde actualmente más gente va a escuchar música. La cantautora malagueña afirma desconocer el motivo de esta situación, pero dice que “quiero pensar que no es por machismo” y en cualquier caso opina que el problema del machismo ha de erradicarse desde la niñez, a través de la educación. Sin embargo, la artista celebra que ella no ha sufrido machismo en su propio equipo pese a componerse mayoritariamente por hombres, aunque sí en alguna situación puntual.
Tras la intervención de Anni B Sweet, que esta noche participa en ‘Un país para escucharlo’ en Granada, su colega Zahara, que colabora en el programa, aparece en plató para presentar una selección de canciones feministas que va desde ‘Respect’ de Aretha Franklin a ‘De vez en mes’ de Ricardo Arjona, antes de terminar con una versión acústica de ‘Ya no quiero ná’ de Lola Indigo. Esta ha agradecido a Zahara su versión en Twitter: “cada día estoy más enamorada de tu arte ❤️ GRACIAS @zaharapop esto ha sido el regalo más precioso del mundo”.
Casi no podemos ni creerlo pero ya (¿¡YA!?) han pasado 10 años desde que Christina Rosenvinge abriera una nueva etapa en su carrera con la publicación de ‘Tu labio superior‘, un álbum que mostró a una artista madura y superdotada poniendo el primer eslabón de una cadena de discos notables, cuando no sobresalientes, que el pasado año tenía un nuevo capítulo en ‘Un hombre rubio‘, que opta a varios premios –incluido el de Álbum del Año– en los Premios MIN 2019.
El caso es que aquel álbum, que nosotros etiquetamos como uno de los Discos de la Década pasada, ofreció una nueva perspectiva de su autora, que caló en el público y otros artistas de habla hispana. Por eso Camilo Castaño, nuestro colega colombiano del blog El Amarillo, decidió promover un homenaje a este disco de la madrileña, del mismo modo que lo hiciera en 2016 con ‘Esquemas juveniles’ de Javiera Mena: invitando a diversos artistas del ámbito iberoamericano a reinterpretar sus canciones, en este caso bajo el título de ‘Tu boca’.
Así, encontramos a varios artistas españoles que no parecían la elección más evidente para rendir tributo a esta artista. Como por ejemplo Algora, llevando a terrenos tecnopop el single ‘La distancia adecuada’. O Papa Topo pervirtiendo con cierto espíritu vaporwave y electro la juguetona ‘Tu negro cinturón’, a Putochinomaricón a dúo con el chileno Ignacio Renard transformando ‘Las horas’ es un precioso y delicado vals electrónico, y al barcelonés Hans Laguna desvistiendo hasta su esqueleto el blues de ‘Por la noche’.
Junto a ellos, nombres como los mexicanos Torreblanca, con una oscura y ruidosa revisión de ‘Tres minutos’, El David Aguilar (al que encontrábamos en el último trabajo de Mon Laferte) interpretando ‘Anoche (el puñal y la memoria)’ al más puro estilo del primer Beck, a los uruguayos Dani Umpi y Adrián Soiza en una ensoñadora visión de ‘Nadie como tú’, o a los colombianos Danta ejecutando una reinterpretación shoegazing de ‘Alta tensión’, entre otros. Puedes encontrar una descripción completa de cada corte en el artículo que Camilo dedica al álbum en su página.
‘Tu boca’ puede escucharse al completo en Bandcamp, donde también se encuentra en libre descarga.
Parece que Las Odio se han propuesto dejar a sus detractores sin argumentos en su segundo disco, ‘Autoficción’, en el que hablan de su pequeño ascenso a la fama tras su debut ‘Futuras esposas’. Allí aparecieron canciones tan fundamentales para el pop español de los últimos años como ‘Indiespañol‘, en la que se burlaban de las poquísimas mujeres que aún se ven actuando en los festivales de nuestro país; o su himno ‘Yo lo vi primero’. Este nuevo álbum, como su propio nombre indica, relata más o menos lo que les ha pasado en este último par de temporadas. Hay un corte que se llama directamente ‘¡Las odio!’ y dice así: «Estás muy rabioso, no entiendes por qué me hacen tanto caso / crees que es porque soy mujer / Nos ves en la radio, en la tele también / «¿Quiénes son Las Odio?», comentas en internet / Que menudas guarras, no saben tocar / son cuatro payasas, solo buscan destacar». Un nuevo hit para su bolsillo.
Con canciones como ‘Ya que preguntas’, que habla sobre los sinsabores de las giras, o el irónico cierre con ‘Regalo de Reyes’, en el que amenazan «vamos a ser peores, vamos a ser peores, alimentaremos vuestros temores»; el título del álbum se ve enriquecido. Y hay quien podría decir que este también podría ser ‘Autoafirmación’, pero la contradicción está en este disco tal y como es inherente al ser humano y si en ‘¡Las odio!’ el grupo se burlaba de ese crítico que «está amargado en el sofá», en ‘El derecho a la pereza’ son ellas las que reivindican su momento más holgazán. En el single ‘Lo quiero todo‘ se ríen de los quejicas más absurdos y contradictorios, entre los que probablemente se encuentren ellas mismas, pues el disco habla abiertamente de «la necesidad de la autocrítica».
Hay otras temáticas en un álbum en el que lo más importante son las letras, normalmente divertidillas -tampoco delirantes- y reveladas por los mismos títulos, como sucedía en los discos del punk pop y ahora sucede en ‘Meritocracia’ («competí por un sueño pero no tuve nada que hacer»), ‘Ansiedad’ o ‘El final de la fiesta’, en la que la protagonista es una mala resaca. Los textos aparecen sobre un fondo de bajo, batería, solitarios punteos y algún teclado, en el que han trabajado con Darío del Moral y Pablo Peña, el dúo Fiera también parte de Pony Bravo. ‘Impresora 3D’, con su crítica al capitalismo enriquecida por unos psicodélicos teclados; y ‘Ya que preguntas’, con su inspiración mitad Ariel Pink mitad Kiko Veneno (han grabado como este en los estudios de La Mina); están entre esos momentos que aportan algo de variedad en un disco que por tanto resulta breve y entretenido.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘¡Las odio!’, ‘Lo quiero todo’, ‘Ya que preguntas’, ‘El derecho a la pereza’ Te gustará si te gusta: Kaka de luxe, Pony Bravo, el anterior Escúchalo:Spotify
Lana del Rey, The 1975, George Ezra, Franz Ferdinand, Jess Glynne, La M.O.D.A. y Kings of Leon ya estaban entre los grandes nombres que hemos conocido para el cartel del próximo FIB. Hoy llega una nueva tanda de confirmaciones, encabezada por Fatboy Slim, que el año pasado celebraba el 20º aniversario de su gran álbum ‘You’ve Come a Long Way, Baby’ con una edición espectacular. En el libreto se narraba la historia del movimiento big beat. Ahora será el cabeza de cartel del jueves del Festival de Benicàssim con un espectáculo que la organización describe como «realmente impresionante». Se recuerda que en el caso de Lana del Rey y Kings of Leon, se tratará de fechas exclusivas en nuestro país.
El resto de confirmados son los irlandeses Kodaline, el escocés Gerry Cinnamon y una lista de nombres variados que incluye al rapero londinense Octavian (ganador del BBC Sound of 2019), Belako, Soleá Morente y Napoleón Solo, La Zowi, Mueveloreina, la revelación Mavi Phoenix, Paigey Cakey, The Blinders y Barny Fletcher. Entre la letra pequeña del festival ya estaban antes nombres tan grandes como Ezra Furman, Carolina Durante, Superorganism o revelaciones nacionales como Cupido y Cariño.
Los abonos de 4 Días, con 8 días de acampada gratuita incluida en Campfest, del 15 al 22 de julio, están disponibles al precio de 155€. También están a la venta los Pases VIP a 325€(+ gastos) y las entradas de Villacamp a 99€ (+ gastos). Igualmente hay disponible pago fraccionado, existiendo la posibilidad de pagar hasta el 1 de mayo una mitad y la otra mitad antes del 1 de julio.
‘On Social Media’ de Pet Shop Boys vuelve a situarse como la canción más votada de la semana por los lectores de JENESAISPOP. Podéis volver a votar por todas vuestras canciones favoritas aquí. Entre las entradas de la semana destaca directo al puesto 2 el single de presentación de Novio Caballo, una banda de Castellón que se define como a medio camino entre El Columpio Asesino y McNamara; y ya más abajo lo nuevo de Ladytron, Anni B Sweet, Jessie Ware, Cupido y Chromatics. Esta semana nos despedimos del single metalero de Grimes, ya con más de 10 semanas en lista y en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades.
Tuvimos miedo tras ‘Party for One‘, una canción que, sin estar mal, tenía algo en ella (¿quizá estaba todo demasiado forzado?) que hacía contener el entusiasmo ante la esperada continuación de ‘Emotion’. Ahora todo ha cambiado, tras el doble single que Carly Rae Jepsen presentó el viernes como segundo anticipo de ese disco.
Y es que tanto el elegante y dulce medio tiempo ‘No Drug Like Me‘ como la uptempo ‘Now That I’ve Found You’ suponen una inteligente recuperación de los sonidos ochenteros que poblaban el fantástico anterior trabajo de la canadiense, pero a la vez resultando plenamente frescos. Además, tiene mucho sentido que ambas canciones se presenten de la mano, puesto que las dos, aun con distintos enfoques, recogen esa sensación de puro subidón que nos invade en los primeros compases de un nuevo amor.
Esto está especialmente bien recogido, de una manera contagiosa, en la canción que ejerce de «cara A» en el single, ‘Now That I’ve Found You’: en una letra nada compleja («Me conoces demasiado bien como para complicar las cosas», canta en el segundo verso), Carly recurre a imágenes físicas para definir ese sentimiento incontenible. «No digas que duele», porque «no puedo negar ese instante en que lo saboreo».
Aunque lo más destacado de nuestra Canción del Día de hoy es la energía que desprende –no sorprende para nada que, según parece, vaya a ejercer de sintonía para la 3ª temporada de ‘Queer Eye’: le va que ni pintada–. La hábil producción de Captain Cuts (trío que, curiosamente, participaba en los dos lanzamientos pop más importantes del viernes: este single y el de MARINA, ‘Superstar‘) actualiza con gran tino los trucos que Madonna y su equipo emplearon en los primeros 80 para hacerse globales: los coros, la línea de bajo, la textura de los sintetizadores, el agitado ritmo, que parece inspirado en la música latina… Incluso diría que la propia voz de Carly tiene cierta semejanza con la Ciccone de ‘Holiday’ o ‘Physical Attraction’. Lo cual no implica que Carly Rae Jepsen no imprima su propio sello, sobre todo porque pocos artistas han sabido emplear tan bien esas armas para hacer algo propio como ella misma.
La muerte de Keith Flint a los 49 años, a causa de lo que parece un suicidio, es de esas que cuesta creer. Como parecía evidente, muchos de sus compañeros de profesión le han rendido tributo, destacando que, tras la apariencia peligrosa y desafiante que arengaba a las masas en vivo, había un tipo dulce y amable en extremo.
Así lo aseguran The Chemical Brothers, compañeros de generación en la que la electrónica se convirtió en el nuevo rock, o Goldie, un claro precedente musical para The Prodigy. Otros artistas británicos, tanto precedentes como posteriores, reconocen la gran pérdida que supone la muerte de Flint: Brian May, Gary Numan, Dizzee Rascal, Tim Burgess (The Charlatans), Ian Brown (The Stone Roses), Kasabian, James Blunt o Sleaford Mods se han mostrado igualmente tristes. Y la prueba de que The Prodigy fue uno de los pocos grupos británicos de los 90 en ser realmente grandes en EE UU es que Skrillex, Lupe Fiasco o The Black Madonna reconocen la fuerte influencia de Flint y The Prodigy en sus carreras. «Ni siquiera hubiera tenido una de no ser por Keith», asegura la mitad de Jack Ü.
En el plano nacional, nos llama la atención la anécdota que ha contado Guille Galván de Vetusta Morla sobre la vez que conoció a Flint: fue en aquel Festimad 2005, «el del riot», en el que Guille ejercía de runner para la organización del festival. En un hilo para no perderse, el músico recuerda cómo tenían que esconder sus acreditaciones para que no les quemaran a ellos también. Pero, sobre todo, recuerda los aullidos de gozo de Keith en el backstage, mientras los invitados VIP (!) saqueaban las barras. «El mejor día de mi puta vida», asegura Galván que gritaba Flint. DEP.
so sad to hear about Keith Flint,we played many gigs with the prodigy over the years and they were always friendly and supportive.he was an amazing front man, a true original and he will be missed.tom&ed x
I may not of had a career if it wasn’t for you Keith …you made me feel welcome in a time when I needed it . Thanks for all laughs my friend 🖤RIP pic.twitter.com/QCLPddIhPN
Heartbreaking news about Keith Flint. We toured AUS/NZ with The Prodigy in the 90’s, wonderful times. Such a warm, sweet guy. #RIPkeithpic.twitter.com/w5Hc6TFIBK
RIP Keith Flint. I damn near burned a hole through The Prodigy Experience in 92 when there wasn't a lot of accessible dance music in Kentucky. It was a huge deal for me. I can't overstate it. I'm very grateful to have had proof that this world I wanted so badly actually existed.
— THE BLACK MADONNA (@blackmadonnachi) March 4, 2019
Just woke up and read about Keith Flint. That is tragic, terrible news. What a loss to the world.
Keith, I only met you once, but I shed a tear at the news of your death. In our business, there are no prizes for being kind, but if there was, that Grammy would be yours.
Una publicación compartida de Dizzee Rascal (@dizzeerascal) el
Hace años fui runner en Festimad, el del riot. Cuando The Prodigy bajó del escenario tras más de 4 horas de retraso ya era de día y el ambiente muy Mad Max. Keith Flint estaba en su salsa y aullaba de excitación mientras le quitaban el neopreno y lavábamos su traje a manguerazos.
Corría el año 1997: no era extraño entrar en garitos de Malasaña, Chueca y Lavapiés, las zonas más alternativas de la noche madrileña, y, entre minis de calimocho y en una nube de humo (de tabaco, y también de otras sustancias), escuchar de cabo a rabo ‘The Fat of the Land’, el tercer álbum de The Prodigy. Un disco que recordábamos entre los mejores de aquel año por su crossover de big beat y hechuras de rock de estadio que llevó a sus autores a lo más alto: ni Oasis, ni Blur ni The Chemical Brothers en sus momentos de mayor popularidad lograron alcanzar el número 1 de álbumes en Estados Unidos, como sí hizo aquel por entonces trío, del que Keith Flint era la cara más visible de lo más parecido al punk que se vivía en Reino Unido en dos décadas.
Un tipo con dos crestas laterales de cabello, teñidas de verde o rojo a modo de demoníaca cornamenta, la cara repleta de piercings y una sombra de ojos negra desleída e ida totalmente de las manos, con la lengua permanentemente fuera de la cavidad bucal era el rostro de una generación decepcionada, esa “jilted generation” a la que apelaban The Prodigy en su segundo largo, el que supuso su despegue. Una generación post-grunge y post-acid de bajona, que encontró en la electrónica y las raves una nueva forma de dar rienda suelta a su descontento y su ira, para lo que se prestaba especialmente bien la música creada por Liam Howlett y Maxim, ese drum and bass verbenero en el que las baterías y los bajos eran mejor cuanto más gruesas. Parece imposible obviar que, mientras actuaban a las 6 de la mañana en la accidentada edición de Festimad 2005, una revuelta acababa con chiringuitos, contenedores y coches quemados en otra parte del recinto.
Y, por delante de ellos, esa suerte de súcubo en el que se convertía Keith en sus directos y vídeos inolvidables como el de ‘Firestarter’, aunque ya comenzaba a vislumbrarse el personaje, aún con una ondulada melena rubia y cara de buen chico, en los clips de ‘Poison’, ‘Voodoo People’ o ‘No Good (Start The Dance)’, del citado ‘Music for a Jilted Generation’ (1994). Pese a que apenas puso su voz a los trabajos del grupo en contadas ocasiones, Flint fue el alma espiritual y visual del proyecto, bailando y arengando a las masas en sus directos, y por descontado la imagen que ha acompañado y acompañará siempre al grupo de Essex, nacido después de que Flint conociera a Liam en una rave.
El carismático Flint, que llegó incluso a montar su propia banda con el cambio del milenio –un grupo de punk rock bajo su propio apellido con el que llegó a editar un álbum que pasó sin pena ni gloria por el mundo–, no era imprescindible para The Prodigy en el estudio: no participó en el reciente ‘No Tourists‘, si bien en su penúltimo álbum, ‘The Day Is My Enemy’, se implicó por primera vez en la composición. Pero su figura icónica, inherente a la estética del grupo, sí que se antojaba imprescindible: ¿quién no sentiría decepción al acudir a un concierto del grupo y no verle aparecer junto a Maxim y Liam? Últimamente había profundizado en su pasión por las motocicletas de alta cilindrada, creando su propia escudería, que incluso ha ganado algunas carreras del campeonato británico de Superbikes. Pero ni la música ni el motor han sido estímulo suficiente para mantener al diabólico Keih Flint en este mundo.
Como se vislumbraba hace una semana tras el pelotazo dado en Youtube por el vídeo de ‘Shallow’ en directo desde los Oscars, la canción ha logrado ascender al número 1 del Billboard Hot 100. ‘Shallow’ ha vuelto a ser número 1 en descargas, pero lo importante ha sido su ascenso en streaming: por primera vez ha llegado al top 10 de esa lista cuando nunca había pasado del número 28 en esas competitivas listas de streaming y ahora ha llegado en ellas hasta el número 9. Además, sube en radio del 37 al 27. En conjunto, ‘Shallow’ ha podido con ‘7 Rings’ de Ariana Grande y es el primer número 1 oficial de Lady Gaga en singles en Estados Unidos desde ‘Born this Way’, hace 8 años. Es el cuarto de su carrera tras ‘Just Dance’, ‘Poker Face’ y ‘Born This Way’.
Además, Billboard confirmaba este fin de semana que la BSO de ‘Ha nacido una estrella’, firmada por Lady Gaga y Bradley Cooper, volvía a ocupar esta semana el número 1 de Billboard 200, la lista de los álbumes más vendidos en Estados Unidos.
El disco, que también fue número 1 en UK y que ya había coronado la misma lista de ventas durante 3 semanas no consecutivas desde que se publicara en octubre de 2018, se beneficiaba igualmente de la victoria del Oscar a la mejor canción original por ‘Shallow’ y de la repercusión que obtuvo su interpretación en directo de la canción durante la gala. Según Billboard, la BSO de ‘A Star Is Born’ ha acumulado en la semana del 21 al 28 de febrero el equivalente en ventas (es decir, la suma de ventas físicas, digitales y streaming) a 128.000 copias, un ascenso del 152%; mientras que ‘thank u, next’ se quedaba en 116.000, un 23% menos que la semana precedente.
Solange ha declarado que ‘When I Get Home’, su nuevo disco, está inspirado, además de en un disco bastante desconocido de Stevie Wonder, en la música de Steve Reich, Alice Coltrane y Sun Ra, es decir, en un grupo de artistas, la mayoría considerados de vanguardia, a los que durante la segunda mitad del siglo pasado caracterizó una obra marcada por patrones repetitivos y conceptos sonoros y temáticos ligados a la espiritualidad y al cosmos. ‘When I Get Home’ encaja en algunos de esos términos, pues es intencionadamente espiritual y repetitivo, pero habría que discutir si realmente es vanguardista. Lo que desde luego no es es un álbum de pop al uso ni una continuación obvia de ‘A Seat at the Table’, la obra maestra de Solange de 2016.
‘When I Get Home’, publicado justo cuando ha acabado el Black History Month y ha empezado el Women’s History Month, en una nueva declaración de intenciones por parte de Solange, es un álbum dedicado a la ciudad de Houston, Texas de la que la artista y su célebre hermana son oriundas, pero lo que ofrece musicalmente es una especie de ensayo de R&B contemporáneo, una colección de esbozos e interludios que en total no llegan a los 40 minutos de duración, pese a conformarse el disco por 19 pistas. Todas ellas fluyen de manera continuada y sin interrupciones y ninguna parece un single, pese a contar con una larga lista de colaboradores que incluye a Sampha, Tyler the Creator, Panda Bear, Pharrell Williams, Cassie, Playboi Carti, Steve Lacy, ABRA o John Carroll Kirby, productor de electronica new age que aparece en varios temas del álbum, y que parece bastante esencial en él pues si algo ha querido enfatizar Solange en ‘When I Get home’ ha sido la producción.
Solange ha dicho que si en ‘A Seat at the Table’ tenía “mucho que contar”, en ‘When I Get Home’ tenía “mucho que sentir”, por lo que esta vez es la música y no las letras las que cobran mayor importancia en el álbum. “Las letras habrían sido redundantes, todo está en la música”, ha llegado a apuntar durante la conferencia de presentación del álbum celebrada en Houston. Estas declaraciones, si bien no distraen de lo que el disco ofrece, son en mi opinión poco menos que pretenciosas y ‘When I Get Home’, pese a contar con una lista de colaboradores e influencias estupenda, no puede evitar por momentos sonar de hecho bastante pretencioso, sobre todo cuando en canciones como la “spoken-word” con Gucci Mane ‘My Skin My Logo’, el mantra de ‘Jerrod’ o ‘Binz’, que samplea a Rotary Connection e incluye soniditos de videojuego, queda claro que Solange intenta colar por valioso material que no tendría que haber salido de un cajón de descartes.
Este método centrado en el sonido puede funcionar. Solange, que es compositora y productora principal de todas o casi todas las canciones del álbum, si bien está claro que no la única, ha hecho un disco de R&B envolvente y de arreglos exquisitos entre el cosmic jazz, el neo-soul, el hip-hop o la new age, bastante ambiental, en el que se toma la libertad de explorarse a sí misma y los géneros que le gustan sin prisas y sin restricciones. El tema de apertura, ‘Things I Imagined’, que repite su título ad nauseam, destaca por su preciosa melodía de teclado y es extrañamente adictivo, como también lo es el ritmo hipnótico de ‘Time (is)’ o las delicadas ‘Dreams’ y ‘Beltway’, que sumen al álbum en la profundidad de la noche. Por otro lado, ‘Down with the Clique’, que no es una versión de Aaliyah, hace un buen uso de su repetición, y la nostálgica ‘Way to the Show’ es de una suprema elegancia pese a su producción contener disparos.
Pero si ‘When I Get Home’ es un álbum “inmersivo” que ha de escucharse de principio a fin, un objetivo que hay que encomiar en esta época de playlists de Spotify y artistas que sacan single cada dos semanas, hay que lamentar que esta vez Solange no haya querido componer una canción histórica a la altura de ‘Cranes in the Sky’. ‘Almeda’ está siendo celebrado como el clásico del disco, pero yo a su lista de “cosas negras”, como dirían Las Bistecs, no le encuentro la gracia. ¿Y en serio ‘Stay Flo’ es lo más parecido a un single aquí? Si hay que juzgar ‘When I Get Home’ por su carácter experimental y de “mixtape”, está claro que puede llegar a ser una experiencia fascinante, pero ‘Blonde‘ de Frank Ocean, siendo un disco parecido en su aplicación del método “media canción”, por lo menos incluía temas claramente más importantes que otros. En ‘When I Get Home’ las cumbres son tan discretas que ‘Down with the Clique’ puede molar tanto como alguno de sus interludios.
Es difícil valorar ‘When I Get Home’ en un principio, pues con él Solange ha transgredido todas las expectativas que el público pudiera haberse formado sobre la continuación de ‘A Seat at the Table’. El álbum choca porque opera dentro de sus propias reglas de lo que puede ser un álbum pop en general y un álbum de R&B en particular, y porque busca la escucha completa hasta un punto que parece evitar los singles de manera intencionada. En el transcurso del álbum, Solange demuestra que no es una experta en la técnica de la repetición como lo pudo haber sido Alice Coltrane, pero también que puede llegar a resultar interesante y emocionante sin acomodarse a lo que se espera de ella. Mientras la artista busca su próximo Grammy, está bien que nos quiera entretener con otras cosas, ahora poniéndonoslo un poco -solo un poco- más difícil.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Things I Imagined’, ‘Down with the Clique’, ‘Way to the Flow’, ‘Dreams’, ‘Beltway’ Te gustará si te gusta: Frank Ocean, THEESatisfaction, Erykah Badu, Flying Lotus Escúchalo:Spotify
Luke Perry ha muerto a los 52 años como consecuencia del grave derrame cerebral que sufrió a finales de la semana pasada. TMZ ha ido informando durante los últimos días de que le habían sedado, pero finalmente el daño cerebral era demasiado grave y no ha podido hacerse nada por salvar su vida. El actor ha muerto rodeado de sus dos hijos, su prometida, su exesposa, su madre, su padrastro, sus hermanos y algunos otros familiares y amigos.
Luke Perry fue uno de los mayores iconos televisivos de los años 90 gracias a su participación estelar en ‘Sensación de vivir’. Entre los 8 protagonistas de esta serie coral, sin duda el personaje de Dylan estuvo desde el principio entre los favoritos de la audiencia. Inspirado estéticamente en James Dean, estaba a medio camino entre su imagen de tipo duro y rebelde y un buen corazón que le llevó a ser novio en la ficción primero de Brenda y luego de Kelly. Sus imágenes con ambas o en solitario inundaron posters y forraron carpetas durante años. Su personaje desapareció de la serie en 1995 pero después volvió como invitado especial para las temporadas 9 y 10.
Además, Luke Perry ha sido uno de los actores que ha desarrollado una carrera más exitosa al margen de ‘Sensación de vivir’, participando en cintas como ‘8 segundos’ o ‘El quinto elemento’. Actualmente triunfaba con la serie ‘Riverdale’ y de hecho ha rodado con Tarantino. La película de este inspirada en los tiempos de Charles Manson se llama ‘Once Upon a Time in Hollywood’ y está en periodo de post-producción.
A la espera de que llegue su próximo álbum, Billie Eilish publica su siguiente tema tras la excelente acogida de ‘bury a friend’, a todas luces una de las mejores canciones del momento.
El tema no es la colaboración que recientemente ha grabado con Rosalía sino otro que recibe el polémico título ‘Wish You Were Gay’. La letra, disponible hace tiempo en Genius pues el tema ya había sido interpretado en directo y ha circulado por la red como podéis comprobar bajo estas líneas, incluye la frase “no digas que no soy tu tipo, simplemente di que no soy de tu orientación sexual preferida”. La versión de estudio del tema confirma que es una suerte de balada decadente de melodía y ritmos clásicos, casi retro, pero con la producción sucia que caracteriza los últimos singles de Billie Eilish. De hecho en un par de momentos se incluyen risas enlatadas, aplausos y el sonido de decepción del público, como si fuera una grabación de un directo antiguo.
Previamente la cantante había revelado que escribió este tema hace 3 años cuando se enamoró de un chico que no le hacía caso. Al parecer, mucho después se enteró de que él sí era gay después de todo. ‘Wish You Were Gay’ será la pista 6 del próximo disco de Billie Eilish, ‘when we all fall asleep, where do we go?’, que sale el 29 de marzo. La cantante actúa este 9 de marzo en Barcelona y volverá en septiembre tanto a la capital catalana como a Madrid. Los tickets en todos los casos están agotados.
Desde que en 2017 Portugal ganara Eurovisión por primera vez en su historia gracias a ‘Amor pelos dois’ de Salvador Sobral, una de las canciones recientes del festival que se han convertido en clásico, hay más expectación de la habitual por averiguar con qué canción se presentará el país vecino la próxima vez. El año pasado apostó por la bonita balada electrónica ‘O jardim’ de Cláudia Pascoal, quedando 26ª, y este opta por un tema radicalmente diferente.
Autor de canciones como ‘Quinoa’, ‘Adoro bolos’ (“Me encantan los pasteles”) o ‘Celulitite’, Conan Osíris representará a Portugal en Tel Aviv con ‘Telemovéis’ (“teléfono móvil”). Si bien el cantante, cuyo nombre real es Tiago Miranda, se ha negado a explicar a la prensa su canción o el concepto de su bizarra presentación en la selección portuguesa, animando al público a que lo descubra por sí mismo, está claro que esta no va a ser una actuación que pase desapercibida en el festival.
Musicalmente, ‘Telemovéis’ es una canción rítmica que se mueve entre el funk brasileño, la música oriental y el pop. La melodía es bastante floja, pero lo que llama la atención es la puesta en escena de Osíris: vestido con un traje de plumas blancas, una máscara metálica que tapa su barbilla y sus mejillas, y una extraña garra alargada, el músico actúa acompañado de un único bailarín vestido casi igual que él. El elemento WTF es evidente, aunque quizá no esté del todo justificado.
Calificación: 6/10 En los foros de Eurovisión se dice: “Talented, brilliant, incredible, amazing, showstopping, spectacular, …” – @el_maguan En las casas de apuestas: va 7º de momento.
Justo el año en que Rustin Man (alias de Paul Webb, integrante de los míticos Talk Talk) saca nuevo disco, ‘Drift Code’, su colega Beth Gibbons, cantante de Portishead y quien debutara en solitario en 2002 con un álbum colaborativo con él llamado ‘Out of Season’, sacará nuevo trabajo… aunque no tan nuevo.
Se trata de la grabación de un directo que la cantante británica realizó en 2014 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Polonia, una interpretación de ‘Symphony No. 3 (Symphony of Sorrowful Songs)’ de Henryk Górecki dirigida por el también polaco Krysztof Panderecki, conocido por su trabajo musical en películas como ‘El resplandor’ o ‘El exorcista’. El álbum, y la película que lo acompaña, salen el 29 de marzo y de momento de él puede verse un adelanto en Youtube. Además, se ha anunciado un estreno del concierto en varios cines del mundo el 28 de marzo. En Madrid se podrá ver en la Cineteca del Matadero de Madrid (Sala Plató), a partir de las 21:30 horas y las entradas valen 3,5 euros. A las 22.00, en el mismo cine y al mismo precio, tendrá lugar un segundo pase de la película en la Sala Azteca.
Este directo tuvo lugar en el Gran Teatro de Varsovia y sí, de momento constituye la única novedad relacionada con Portishead que ha visto o verá la luz en los últimos tiempos, aparte por supuesto del disco de BEAK> que salió el año pasado. En 2013, Gibbons anunció nuevo álbum en solitario con la discográfica Domino, pero nada se sabe de él todavía. ¿Sería este directo?
Esto dice la nota de prensa sobre el álbum: “La grabación se hizo en The National Opera Grand Theatre en Varsovia el 29 de noviembre de 2014, y fue parte de una programación en la que también participaba Jonny Greenwood (Radiohead) con 48 Responses To Polymorphia y Bryce Dessner (The National) con Réponse Lutosławski.
Después de recibiese una invitación formal para este concierto, Beth Gibbons comenzó un intenso proceso de preparación, empezando por aprenderse el texto original (con el peso emocional que eso conllevaba), sin hablar la lengua original. Sin embargo, Beth se lo tomó como un reto absoluto, para conseguir el resultado que hoy estamos presentando: su actuación junto al maestro Penderecki se ha convertido en uno de los grandes momentos de la música contemporánea, que podremos disfrutar en tan solo dos meses”.