Chuck Mosley, el que fuera primer vocalista de la banda de metal Faith No More, antes de que fuera sustituido por su líder más conocido, Mike Patton, ha fallecido este fin de semana a los 57 años, tras un tiempo sobrio, por causas relacionadas con su adicción a las drogas, ha anunciado su familia. En un comunicado, la familia de Mosley comparte la noticia “con la esperanza de que sirva de toque de atención a todas esas personas que luchan por mantenerse sobrios”.
Mosley cantó en los dos primeros discos de Faith No More, ‘We Care a Lot’ (1985) y ‘Introduce Yourself’ (1987) antes de que el grupo le despidiera por su “comportamiento problemático”. El año pasado, Mosley se reunió con Faith No More para un concierto en promoción de la reedición de su primer disco.
Faith No More ha recordado a Mosley en Facebook, escribiendo que era una “fuerza de energía imparable” y acreditando su contribución fundamental al grupo. “[Mosley] nos ayudó a encontrar nuestro camino y a ser únicos y originales. Sin su ayuda el grupo no se habría desarrollado en la manera en que lo hizo. Fuimos una familia, una familia extraña y disfuncional, y estaremos siempre agradecidos por haber compartido tiempo con Chuck”.
Nadie puede discutir que los británicos The Horrors han sabido metamorfosearse como pocos. De aquella banda punk garagera de hace una década ahora queda más bien poco, como demuestran en su reciente ‘V’, en el que incluso se han atrevido a barnizar sus canciones de un toque industrial que para nada suena a cliché. A las puertas de que vuelvan a visitarnos a nuestro país el 12 de diciembre en Barcelona (Sala Apolo), el 13 en Valencia (Moon) y un día más tarde en la capital (But), hemos charlado con el líder de la banda, Faris Badwan, para que nos revele en qué momento se encuentra actualmente el grupo, cuál ha sido el papel de Paul Epworth en estos nuevos temas y qué planes tienen ya marcados en su hoja de ruta.
Imagino que estás muy contento con las unánimes críticas positivas que ha recibido ‘V’.
Estoy contento de todo lo que se ha escrito sobre el disco en las últimas semanas, pero la verdad es que estaba igual de contento antes de leer las críticas. Ninguna reseña se tiene que tomar jamás como una verdad absoluta y, ni mucho menos, debe influenciarte.
Pese a ello, ¿podría decirse que este es el disco del que más satisfecho te encuentras hasta la fecha?
En parte sí porque el reto con este álbum fue encontrar el mejor proceso posible para que la banda pudiera trabajar.
A finales de 2014 cancelasteis la gira europea que tenías programada alegando que querías volver al estudio. Imagino que no fue una decisión fácil de tomar.
Sin duda. Fue arriesgado en ese momento, pero era muy necesario tomar ese camino pensando en la banda a medio-largo plazo.
Por tus palabras, entre otras cosas, se interpreta que no quedasteis muy satisfechos que digamos de ‘Luminous’.
No fue tanto el estar feliz o no con el resultado de aquel disco, sino que estábamos insatisfechos con el proceso que seguimos porque como banda estábamos demasiado acomodados por entonces. Nos dimos cuenta de que para seguir teníamos que cambiar las dinámicas de la banda y trabajar más que nunca juntos para conseguir una meta que, ahora, se ha materializado en ‘V’. Eso no quiere decir que pensáramos en separarnos, sino más bien en que teníamos que aprovechar la energía que teníamos para volver al estudio y no dejar escapar las ideas que teníamos en mente.
Para que quede aún más claro, ¿en qué han cambiado The Horrors en los últimos cuatro años?
Hemos aprendido muchísimas cosas nuevas como banda y, además, hemos mejorado la forma de componer los temas. El peor error que puedes cometer como músico, y más si formas parte de un grupo, es acomodarte y seguir el camino fácil. Para nosotros era muy importante encontrar una nueva forma de interacción. Aguantarnos los unos a los otros durante doce años nunca es algo sencillo que digamos.
Aquellos que lanzan un disco con un propósito o una meta en la cabeza están errados
Os encargasteis vosotros mismos de la producción de ‘Luminous’, pero de cara a este ‘V’ no habéis dudado en llamar a Paul Epworth.
En canciones puntuales de ‘Primary Colours’ sí que contamos con productores, pero hasta ahora jamás habíamos tenido alguien que se encargara de producir de principio a fin uno de nuestros discos. Trabajar con Paul nos ha hecho cambiar nuestra dinámica de trabajo más que nadie. Más que un productor él ha sido un miembro más de The Horrors. Siempre es positivo que alguien ajeno a tu “familia” te aconseje y, en el caso de que sea necesario, redirija lo que estás haciendo.
Paul ha trabajado con grandes artistas mainstream como Adele o Rihanna, entre un extensísimo etcétera. No obstante, para él pienso que esta ha sido una muy buena oportunidad porque ha podido volver a demostrar una de sus vertientes más experimentales.
Paul años atrás sí que explotaba mucho más la música experimental a diferencia de más recientemente, el momento en el que empezó a trabajar con grandes artistas pop. Habría que preguntarle a él, pero quizás con nosotros ha tenido una ocasión para desintoxicarse momentáneamente de todo lo pop que venía haciendo estos años.
¿Cuál ha sido la canción de ‘V’ más complicada de tirar adelante?
Diría que ‘Hologram’, más que nada porque empezó siendo una canción punk de tres minutos y finalmente acabó siendo algo así como una guía para el resto de temas. Ese es un ejemplo de buena decisión que entre todos tomamos.
Si no cambiáramos y nos pusiéramos a prueba disco tras disco te aseguro que no seguiríamos en esto porque no tendría sentido
¿Qué sensación queréis que se lleve el oyente una vez escuche ‘V’?
Aquellos que lanzan un disco con un propósito o una meta en la cabeza están errados. En este caso lo que queríamos mostrar es que como quinteto podemos hacer cosas que realmente sean creativas. O, al menos, esa es la sensación que nosotros nos llevamos.
Hablas de ser una banda creativa cuando, precisamente, ya marcasteis un importante punto de inflexión entre vuestro debut y ‘Primary Colours’. Para muchos, incluido yo, os habéis convertido en un grupo del todo impredecible.
Si no cambiáramos y nos pusiéramos a prueba disco tras disco te aseguro que no seguiríamos en esto porque no tendría sentido. No se puede dar nada por hecho. Hay que seguir mejorando y aprendiendo cosas nuevas cada día porque sólo así puedes seguir adelante. Sintiéndonos creativamente satisfechos de lo que hacemos es como la banda se fortalece.
Ese toque de rock industrial que inunda en varios momentos del álbum finalmente ha sido un acierto, pero ‘V’ en realidad es un disco muy accesible en términos generales. ¿Encontrar ese equilibrio fue una ardua tarea?
Más que equilibrar nos dejamos guiar por lo que cada canción en concreto pedía. Cuando nos pusimos a trabajar en serio en el álbum no partíamos de la idea de que queríamos darle un toque industrial por un lado, o eufórico o de desamor por el otro.
¿Todas las canciones en las que trabajasteis han sido incluidas en ‘V’?
No, para nada. De hecho esta ha sido la vez que más canciones hemos compuesto en realidad. Acabamos con sesenta temas, lo cual visto ahora con perspectiva es algo bastante loco.
Una de las favoritas del público es ‘Something To Remember Me By’, probablemente lo más bailable que jamás habéis grabado. ¿Esto abre la puerta a un disco más hedonísticamente electrónico en un futuro?
Quizás, eso nunca se sabe. Cuando entramos al estudio lo único que nos importa es estar igual de satisfechos que inspirados, independientemente del estilo que estemos tocando.
Si actualmente estás en una banda tienes que tener la capacidad de trabajar rápido. Es como en los sesenta, en el que los grupos cada año tenían un nuevo disco listo o incluso un par
A lo largo de ese cambio en el proceso que anteriormente has comentado, ¿también consideras que tus letras han evolucionado de algún modo?
Diría que sí. A diferencia, por ejemplo, del disco anterior, en éste las letras son mucho más directas y no caen en metáforas imposibles. Aunque, de todos modos, la gente se me sigue acercando diciéndome que no tiene ni idea de qué estoy contando.
¿Qué consejo le darías al Faris de ‘Strange House’?
Buff, difícil… Sinceramente hace diez años no escuchaba los consejos de nadie, así que en eso ha habido un gran cambio en mí.
Más allá del tour en el que estáis ahora embarcados, ¿hay pretensión de sacar un nuevo álbum más pronto que tarde?
Justo cuando acabe este nuevo tour vamos a pasar por el estudio otra vez. No tenemos planes de tomarnos unas vacaciones. Si actualmente estás en una banda tienes que tener la capacidad de trabajar rápido. Es como en los sesenta, en el que los grupos cada año tenían un nuevo disco listo o incluso un par.
Para cualquiera que haya seguido a C. Tangana desde sus inicios hasta la actualidad resultará una especie de milagro hecho realidad verle recogiendo un premio de Los 40 Principales en la gala de Los40 Awards, que se han celebrado este viernes en el WiZink Center de Madrid. Pucho ha conseguido lo que una vez se propuso, que la nueva música urbana en España salga del underground. Y precisamente a la escena sumergida en la que se ha criado dedicó anoche su premio a Artista revelación del año. Explicó: “Yo vengo de un mundo que es el underground, no sé si habéis oído hablar de él. Vengo de un mundo que es la música urbana en España. Yo solo soy uno, pero hay mucha gente detrás. Aquí hay gente influyente de la música en España y os invito a que entréis en nuestra escena y que ampliemos un poquito esto. Que haya más mesas el año que viene”.
Por ahora en la gala hubo mesas también para dos grupos destacados del pop alternativo internacional como son Monarchy, que se hicieron con el galardón ‘Grupo LOS40 TRENDING’, y Portugal. The Man, autores de ‘Feel it Still’, que recogieron el premio a ‘Grupo LOS40 Black Jack’. Un grupo por ciento que representa perfectamente el éxito “crossover” (del indie al mainstream) que han realizado varios grupos de nuestro país en los últimos años, como es el caso de Love of Lesbian, al que veíamos recogiendo un premio de Los40 el año pasado en los que también fueron premiados Fangoria, Michael Kiwanuka o Sia.
Más allá de lo “alternativo” (siempre entre comillas), no era en absoluto una posibilidad que ‘Despacito’ no lograra algún tipo de reconocimiento en Los40 Awards y el éxito de Luis Fonsi y Daddy Yankee (con Justin Bieber) se agenció el premio a Canción internacional del año, diferenciándose por supuesto del premio a la canción nacional, simplemente descrita como Canción del año, que fue a parar a manos de Morat y Álvaro Soler por ‘Yo contigo, tú conmigo’. Premios tan obvios como el de Vanesa Martín a Artista del año, Ed Sheeran a Artista internacional del año o el de Maluma a Artista latino. Y entre tantas jóvenes estrellas, ahí estaban U2 y Alejandro Sanz recogiendo sendos premios Golden Award por toda su trayectoria, el de los primeros entregado por Penélope Cruz.
En 1994 un humorista fue capaz de cambiar el lenguaje de todo un país, como sucede pocas veces en la historia. Chiquito de la Calzada, que había ejercido de cantaor desde los 8 años e incluso fue palmero de Camarón, actuando en teatros de todo el mundo, saltaba a la fama a los 62, logrando que todos asimiláramos expresiones tan surrealistas como “pecador de la pradera”, “fistro vaginal”, “no puedorl”, “cobarde” o “hasta luego, Lucas”.
Su participación en ‘Genio y figura’ de Antena 3, de donde también salieron otros nombres como Paz Padilla, fue la más celebrada, y cada vez que el humorista se levantaba con uno de sus precipitados movimientos, la audiencia le aclamaba. Esta madrugada finalmente Chiquito, cuyo verdadero nombre era Gregorio Sánchez, ha fallecido a los 85 años después de haber dado un par de sustos a sus seguidores. Hace unas semanas, el 14 de octubre fue ingresado tras sufrir una caída en su casa y ser rescatado por los bomberos, sufriendo una angina de pecho, y recientemente volvía a tener que ingresar. Su esposa, su pareja durante 50 años, había fallecido en 2012.
Sus películas de ‘Condemor’, los intentos de estirar un chicle que no podía durar para siempre, no pasarán a la historia de la comedia española. Para muchos solo era un humorista casposo más apegado a un montón de chistes viejos de mariquitas. Sin embargo, no se puede negar que su influencia a mediados de los 90 caló en todos los estratos de la sociedad, desde el Rey Juan Carlos hasta Leticia Sabater (que cogió a un imitador para su vídeo de ‘Toma pepinazo’), pasando por Pony Bravo, que usaron una imagen suya para promocionar una gira; Hombres G, que le llamaron para casi lo mismo; o Amaral, que nos recomendaron una actuación suya durante una entrevista.
Sr Chinarro también tituló un recopilatorio con una frase suya, ‘Despídete del lago’. En concreto era una frase de ‘Condemor’, cinta de la que a su vez se extrajo una imagen para el vídeo de ‘Directo al corazón’ de Kokoshca. Puede que sus chistes no fueran tan atrevidos como los de Martes y 13 o no llegaran tan lejos en su surrealismo como los del equipo de Muchachada Nuí, pero su influencia en artistas tan distintos en el mundo de la música es solo una pequeña muestra de que en cuanto a universalidad y a alcance social, pocos le ganaron.
La neozelandesa, que no edita disco desde 2014, cuando sacó el también excéntrico ‘The Golden Echo‘, ha avanzado su nuevo álbum hasta ahora con un single centrado en el R&B de tintes futurista, ‘Everybody Knows’. Le da continuación hoy viernes con ‘Top of the World’, una canción funk de cabo a rabo que deja paso para excitantes destellos electro y algún guiño hip-hop y africanista. Es, por cierto, una co-producción de Skrillex.
Dirigido por Guy Franklin, el vídeo de ‘Top of the World’ muestra a Kimbra interpretando el tema entre varias columnas que se van derrumbando. Es una pieza y elegante acorde al sonido de esta canción en la que Kimbra vuelve hacer gala de su exquisito gusto para la producción funk contemporánea.
‘Primal Heart’:
1. The Good War
2. Top of the World
3. Everybody Knows
4. Like They Do On The TV
5. Recovery
6. Human
7. Lightyears
8. Black Sky
9. Past Love
10. Right Direction
11. Version of Me
12. Real Life
La joven noruega Sigrid se ha dado a conocer (y Lorde ha ayudado a eso metiéndola en su playlist) con un single de tintes pop y urban tan carismático como su propio título, ‘Don’t Kill My Vibe’. Una canción explosiva que podía haber sido un gran éxito en la radio americana de haberla firmado Fifth Harmony (por decir alguien) en lugar una debutante escandinava.
Tras el similar éxito en streaming de su segundo single, ‘Plot Twist’ (ambos rondan los 25 millones de reproducciones en Spotify que ya les gustaría a muchos artistas consolidados), en la línea bombástica del anterior, Sigrid vuelve con una canción más cercana al pulso discotequero de Robyn. ‘Strangers’ se sirve de un ritmo ochentero para contarnos la historia de un amor que, como el de las películas, ha sido una ilusión. “Esas personas no podíamos ser nosotros”.
‘Strangers’ mantiene el ritmo arriba y es hacia la mitad cuando lo supera, desarrollándose hacia un clímax electrizante gracias a un segundo estribillo en el que Sigrid redunda en la ilusión de aquel amor: “pensé que lo teníamos, pero nos inventamos un sueño, porque tenemos una buena imagen de lo que podía haber sido”. Ambos estribillos se fusionan en la apoteosis final.
Hoy se cumple un año del lanzamiento de ‘On Hold’ de The xx y la canción continúa en nuestra humilde lista semanal con lo más votado de la semana. La canción suma, obviamente, 52 semanas en la lista, siempre dentro de la mitad alta de la tabla, consolidando a The xx como definitivamente el grupo o artista favorito de nuestros lectores, pues nunca ninguna canción había estado tanto tiempo en nuestra lista, y además el trío continúa en la clasificación con ‘I Dare You’ (también lo estuvieron en su momento con otro single de ‘I See You’, ‘Say Something Loving’). Es la principal noticia de una semana en la que sigue dominando St Vincent, damos la bienvenida a nuevos temas de Sufjan Stevens, Taylor Swift, Rosalía, LCD Soundsystem, SZA y N.E.R.D. con Rihanna y nos despedimos de Jessie Ware. Podéis escuchar la lista de nuevos candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.
Ha vuelto a hacerlo: Taylor Swift ha pasado de las plataformas de streaming para el lanzamiento de ‘reputation’, dejando con un palmo de narices a miles de personas que usan esos medios como forma casi exclusiva de consumo musical. No es la única, ojo: Adele o Coldplay han seguido estrategias similares con los lanzamientos de sus últimos discos, y –sobre todo a la primera– no se puede decir que les haya ido mal en cuanto a sus ventas. Renuncia así Taylor, al menos durante 1 semana, al impulso virtual que supone el streaming en las “ventas” del álbum de cara a las listas.
Así las cosas, muchos fans se han visto desconcertados y se habrán cagado en la reputa…tion –vale, es un chiste pésimo– al no disponer de forma instantánea del sexto disco de estudio de la autora de ‘1989’, y tener que recurrir a cosas tan Siglo XX como comprar un CD o tan 00s como descargar un mp3 pirata –cosa que desaconsejamos y reprobamos desde un punto de vista ético y moral, por supuesto–. Pero, hey, un momento: ¡sí ha sido puesto a la venta en iTunes! Entonces queda una salida… ¡las preescuchas de iTunes!
Esa función que se activa en la tienda musical de Apple cuando un disco se pone a la venta y permite escuchar un fragmento (en el caso de ‘reputation’ Taylor nos regala, generosa, un minuto y medio de cada canción) de cada canción nos permite realizar un breve repaso (digamos que un 15% de streaming permite un 15% de crítica nada más) al esperado sexto álbum de Swift. Vamos allá, a lo loco y sin créditos en la mano, con nuestra “evaluación prematura”, como dicen los compañeros de Stereogum:
Parece que Taylor acierta comenzando con ‘…Ready For It?’, la que es seguramente la mejor canción de las cuatro que ha adelantado del álbum. Pasamos a ‘End Game’, número estrella del disco en cuanto a que colaboran en él el rapero Future y Ed Sheeran –que también rapea, atención–; intuimos que mola y es un acierto que suene tan pronto. En ‘I Did Something Bad’ parece insistir en la onda de ‘…Ready For It’, con unos tiros muy ‘Paper Planes’ en el estribillo y un sampleo vocal chulo, muy Diplo; pinta bien; ‘Don’t Blame Me’ es un medio tiempo, pero confirma que la apuesta de Taylor por el pop contemporáneo y la ausencia de guitarras es decidida, no hace prisioneros; suena muy Hozier, como ya han dicho en nuestros foros. ‘Delicate’, otro medio electrónico menos pirotécnico que el anterior, con toques de pitch vocales a lo Kygo/Cashmere Cat, que recuerda a Lorde; el 1:30 no da para engancharse a esto. Mira que yo me quedé solo en la redacción defendiendo ‘Look What You Made Me Do’, pero curiosamente parece la gran perjudicada de la secuencia, y en esta posición como que irrita, molesta. La cadencia de hip hop lento continúa en ‘So It Goes’, pero como con ‘Delicate’, este fragmento no deja nada memorable; next, please. Al contrario que ‘LWYMMD’, la aparentemente inofensiva ‘Gorgeous’ sí encaja muy bien en el tono general del álbum y su melodía naíf, como tontuela, resulta refrescante; paqueveas. Me quedo prendado de 1:30 de ’Getaway Car’ inmediatamente, así que necesito ya los 2:33 restantes; sin mirar créditos, grita Bleachers –Jack Antonoff– en cada segundo. La balanza entre minimalismo y épica percusiva de ‘King of My Heart’ es chula; y el estribillo tiene pinta de ser de los más adictivos del disco; subi-subidón con ‘Dancing With My Hands Tied’, quiero bailarla, gimmie more; “El vestido, quítatelo, quítatelo…”, no, no, no es la nueva de Kiko Rivera, es el estribillo de ‘Dress’, que nos devuelve a lo mismo de ‘So It Goes’ de minutos atrás; con coartada sepsi-caliente, esta vez; el fragmento de ‘This Is Why We Can’t Have Nice Things’ nos cautiva rápidamente porque es esa Taylor pícara capaz de alternar candidez al piano con una base bubblegum bass a lo PC Music. No beneficia lo más mínimo a ‘Call It What You Want’, que ya nos pareció sosa antes de que se publicara ‘reputation’, su posición casi al final, después de haber escuchado cuatro o cinco cortes casi iguales; NEXT. Qué lista es Taylor, lavirgen: después de marcarse un disco a tope de electrónica, coloca la balada acústica justo al final, y es justo lo que necesitamos; put your candles in the air, you people.
Hasta aquí la preescucha. Curiosamente, intuyo que me ha resultado más divertido que escuchar el disco completo. Me voy a plantear hacer esto más a menudo. Hasta la próxima.
Brasil es uno de los países en el mundo que más sufre la violencia contra el colectivo LGBT y la igualdad para este colectivo es el mensaje de ‘Igual’, el nuevo single del cantante brasileño Yann, cuyo videoclip cuenta con el apoyo de numerosas estrellas internacionales como Britney Spears, Lorde, Céline Dion, Diplo, The Chainsmokers, Demi Lovato o Lana Wachowski.
Yann, autor de canciones como ‘Até te encontrar’ y ‘Pensem em mi’, dedica el vídeo “a las 343 personas muertas por crímenes de odio en Brasil en 2016” y ha contado a Billboard: “Nuestra pluralidad es enorme, y sería imposible representar a cada uno de nosotros, pero espero que esta canción y el apoyo que ha recibido de todos estos artistas traiga mayor visibilidad al problema, de modo que podamos continuar realizando progresos y cambiar la realidad de la comunidad LGBTQ”.
En orden alfabético, las estrellas que aparecen en el vídeo son Alfonso Herrera, Boy George, Britney Spears, Bruno Gagliasso, Céline Dion, Chelsea Handler, Claudia Alencar, Criolo, Demi Lovato, Diplo, Dita Von Teese, Elza Soares, Fernanda Lima, Jason Mraz, Jesuíta Barbosa, John Waters, Laerte, Lana Wachowski, Lorde, Luba, Melanie C, MØ, Nico Tortorella, Sonia Braga, Tegan Quinn (Tegan & Sara) y The Chainsmokers.
Se rumoreaba que Eminem publicaría disco pronto, y de momento ya puede escucharse en Spotify su nuevo single, ‘Walk on Water’, una colaboración con Beyoncé, que por cierto es una balada al piano, ni más ni menos. La cantante de Houston, recientemente involucrada en el remix de ‘Mi gente’ de J Balvin, canta el gancho principal de la canción, melódico y en cuya letra expresa “camino sobre el agua, pero no soy Jesús, camino sobre el agua, pero solo cuando se congela”. El nuevo disco de Eminem se titularía ‘Revival’ y saldría este mes de noviembre.
El rapero de Detroit había compartido pistas sobre un posible nuevo álbum en las últimas semanas, promocionando en las redes sociales un medicamento falso llamado “Revival”. En una hoja de notas perteneciente al “medicamento” podía leerse la frase “Walk on Water” y un anuncio falso del mismo apuntaba que hoy 10 de noviembre sería el día en que pudiéramos “caminar sobre el agua”. El autor de ‘Rap God’ actuará en Saturday Night Live el 18 de noviembre, de modo que es muy probable que su disco salga el viernes anterior, 17 de noviembre. El 12 de diciembre presentará la canción en los MTV EMA, que se celebran en Londres.
Eminem es uno de los raperos más exitosos de la historia también en las plataformas de streaming. En Spotify sus cifras son de escándalo, muy por encima de muchos de sus contemporáneos y contemporáneas. De Beyoncé puede decirse lo mismo, así que ‘Walk on Water’ promete ser un gran éxito en streaming. Eminem ha dado pistas de su “comeback” recientemente apareciendo en el nuevo disco de P!nk o realizando una improvisación en la gala de los BET de hip-hop.
Likes, el programa de actualidad de Movistar+, que además de mucho humor contaba con una sección de actuaciones en directo interesantísima, donde han actuado de Monarchy a Javiera Mena, llega a su fin. Así lo ha hecho saber el programa a través de un comunicado, indicando que el formato “no ha sido renovado en 2018”.
Likes ha sido uno de los pocos programas españoles, junto a Leit Motiv de Buenafuente, que ha apostado por la música alternativa en directo dentro de su formato, al margen de programas tipo OT o La Voz. Una de sus colaboradoras, de hecho, ha sido la cantautora Zahara, mientras el periodista musical Arturo Paniagua también llegó a ocupar una silla. En junio hicimos un repaso de algunas de las actuaciones musicales del programa presentado por Raquel Sánchez Silva.
Este ha sido el comunicado de Likes. Eso sí, su cadena #0 promete “nuevos y arriesgados proyectos” para el futuro próximo. ¡Que no descuiden la música!
Tras más de 320 programas emitidos, 550 invitados nacionales e internacionales y la música en directo como signo de identidad, ‘Likes’ no ha sido renovado de cara a 2018 y finalizará sus emisiones en #0 próximamente. El programa, que nació el 1 de febrero de 2016, se ha diferenciado durante todo este tiempo por aportar una mirada fresca y original de la actualidad, por contar con profesionales de primer nivel así como por haberse convertido en una gran cantera.
Raquel Sánchez Silva, el elenco de colaboradores del programa y todo el equipo de la productora 7yAcción han acompañado a #0 desde sus inicios. Con gran talento, profesionalidad y pasión por la televisión, han ayudado a construir un proyecto del que siempre serán parte.
Todos los programas emitidos seguirán estando disponibles en el servicio bajo demanda de Movistar+.
Fiel a su espíritu, #0 continúa trabajando en el desarrollo de nuevos y arriesgados proyectos que se lanzarán próximamente.
Hoy 10 de noviembre se publica ‘reputation’, el nuevo disco de Taylor Swift. El disco llegaba a la red tras ponerse a la venta en algunos mercados, aunque no lo busques en Spotify, porque Swift va a exprimir al máximo las ventas reales de su disco, que como acostumbra, van a ser espectaculares, por lo menos en una primera semana en la que se espera que el disco mueva 1,5 millones de unidades.
Para escuchar ‘reputation’, claro, tendrás que comprártelo en físico o en digital o esperar a que aparezca en las plataformas de streaming. También puedes escuchar un minuto y medio de cada canción en las pre-escuchas de iTunes, como si fuera 2009, lo cual nos han servido para realizar una breve valoración prematura en la que destacamos su producción totalmente contemporánea.
Destaca en el tracklist la canción final, ‘New Year’s Day’, una balada al piano clásica, sin florituras, que ya puede escucharse entera en una interpretación que Swift ha realizado de ella desde su casa frente al mar en Rhode Island. Una canción sencilla y nostálgica en la que Swift se imagina “lavando vasos contigo el día de año nuevo” y en el que le pide lealtad a su amado: “por favor, no te conviertas nunca en un extraño cuya sonrisa podría reconocer en cualquier parte”. ¡Qué bonito!
Esperábamos un día tranquilito en cuanto a novedades discográficas por aquello de la espantá de Taylor de las plataformas de streaming, pero… ¡nada que ver! El día se ha ido poniendo intensito poco a poco porque, al margen de los nuevos álbumes de Vetusta Morla y Lagartija Nick –en el plano nacional–, un disco navideño de Mariah Carey (álbum navideño al canto) y los regresos de The Corrs y Evanescence, ha habido mucha tela que cortar. Otros discos largos que ven hoy la luz son los de los australianos Pnau, que curiosamente coincide con el nuevo EP de Empire of The Sun –ambos proyectos comparten a Nick Littlemore–, Delorean –su disco-homenaje a Mikel Laboa–, Angel Olsen –disco de rarezas–, The Zephyr Bones, Ed Is Dead, las suecas Vulkano –escisión de Those Dancing Days–, WALK THE MOON, Yung Lean, King Cayman, Cintia Lund –edición física y ampliada de su debut–, The Toxic Avenger, Whitney –disco de demos– y los interesantes debuts largos de Petit Biscuit, Novo Amor y Spinning Coin. Y además hay nuevos EPs de Tennis, Sleigh Bells, BC Unidos –proyecto del sueco Patrik Berger en el que colaboran Charli XCX o Carly Rae Jepsen– y Giorgio Bassmatti, músico de la escena de Donosti que unas temporadas atrás maravilló con su disco junto a Yon Vidaur.
En los últimos días también escuchábamos nuevos temas de Morrissey, Superchunk, Ashanti, Jennifer Lopez, Pale Waves, Marlon Williams o Chromeo, pero hoy viernes hemos tenido una auténtica avalancha de canciones destacables y muchas de ellas muy atractivas. Por ejemplo, los nuevos singles de Sia –de su disco dedicado a la Navidad–, Jason Derulo, Sigrid, Pussy Riot, Dannii Minogue, T-Pain, Flight Facilities –con Reggie Watts y Broods–, Mavi Phoenix, Whiz Khalifa, Louane –que colaboró en ‘Paris’ de The Chainsmokers–, The Wombats –adelanto de un nuevo disco–, Kimbra, Remy Ma, G-Eazy, Grace Mitchell, NONONO –aquellos de ‘Pumpin Blood’–, Fuse ODG –con nada menos que Ed Sheeran–, Icona Pop, Ten Fé –que inician nueva etapa ampliando su formación a quinteto– o Black Rebel Motorcycle Club –adelanto de su nuevo álbum–.
Además, volvemos a topar con un buen puñado de curiosidades dignas de destacar: John Legend versionando en exclusiva para Spotify la preciosa ‘Woodstock’ de Joni Mitchell, los temas inéditos de Bastille y Kiiara –con Ty Dolla $ign y Future– para la BSO de ‘Bright’, la nueva peli de Will Smith, un inédito de Wilco que aparecerá en la serie de reediciones de sus primeros discos que se publica en breve. Además, tenemos un nuevo inédito de Tears for Fears incluido en su nuevo best of publicado hoy y el MTV Unplugged de Bleachers, en el que se hizo acompañar por Lorde y Carly Rae Jepsen.
Sia publica nuevo disco navideño el 17 de noviembre, ‘Everyday is Christmas’, pero eso no le va impedir ocuparse de otros proyectos que no sean festivos. De hecho tiene una canción en el top 10 global de Spotify ahora mismo, su colaboración con Zayn en ‘Dusk Til Dawn’, y hoy se publica su nueva colaboración con TQX, ‘The Day that You Moved On’.
¿WTF is TQX, te preguntarás? Ha trascendido que el nombre de este “colectivo pop” significa TourniquetX (gran revelación) y que su debut traerá colaboraciones de Daniel Merriweather, Gabriel Winterfield de Jagwar Ma, MC Cormega o varios músicos que han trabajado con David Bowie, Jeff Buckley o D’Angelo. Sia se suma por tanto a un plantel de estrellas en este proyecto misterioso, además con una balada rockera y con tintes electrónicos más en la línea de sus trabajos pre-‘Chandelier’.
TQX cuenta a NME que la canción trata sobre “el dolor de una ruptura, pero también sobre descubrir que la tecnología puede robarnos nuestras relaciones y nuestra vida real, en el presente. La revelación de esta realidad, del avance tecnológico, es algo sobre lo que que hablar”.
Sia, que últimamente ha sido noticia por publicar una foto de ella en bolas en Twitter para evitar que sea vendida a sus fans, estrena hoy viernes un nuevo adelanto de ‘Everyday is Christmas’, la balada ‘Snowman’, que adjuntamos bajo estas líneas.
Jelani Maraj, el hermano mayor de Nicki Minaj, de 38 años, ha sido declarado culpable de violar a una niña de 11 años, quien fuera su hijastra. Se acusa a Maraj de abusar sexualmente de la niña “en repetidas ocasiones” entre abril y noviembre de 2015, en su casa de Long Island, cuando la madre de la niña trabajaba. Maraj se enfrenta a 25 años de prisión.
Maraj fue detenido por este delito en 2015 y liberado después tras pagar una multa de 100.000 dólares, que en realidad abonó su madre.
La defensa de Maraj testificó que las acusaciones eran falsas y que la madre de la niña, que ahora tiene 14 años, pretendía extorsionar 25 millones de dólares a su hermana. Maraj no ha testificado en el jucio, como tampoco Nicki Minaj, quien no ha realizado ninguna declaración al respecto en medios o redes sociales.
En su testimonio, la niña aseguró que Maraj le llamaba su “marioneta” y que no tenía “voz alguna” respecto a los abusos que él estaba cometiendo.
Otro hombre que ha estado en la vida de Minaj, su ex, el rapero Meek Mill, ha sido sentenciado a dos años de prisión tras violar la condicional, después de que en 2008 fuera arrestado por posesión de armas y estupefacientes.
¿Qué o quién podría reunir en un mismo disco a artistas pop femeninas como Charli XCX, Carly Rae Jepsen y Santigold? Efectivamente, lo has adivinado: productores suecos. Dos, en este caso, como son Patrik Berger y Markus Krunegård, que meses atrás presentaron un proyecto conjunto bautizado BC Unidos –sí, así, en castellano–. La lista de trabajos destacables del primero es descomunal, e incluye ‘Dancing On My Own’ de Robyn, ‘I Love It’ de Icona Pop, ‘Off to the Races’ de Lana del Rey o todo ‘Daydream & Nightmares’ de las fantásticas Those Dancing Days; el currículum del segundo no es tan espectacular, porque ha dedicado su carrera musical al ámbito nacional sueco, donde ha publicado 6 álbumes de notable éxito.
Quizá los más avezados recuerden que el nombre de BC Unidos aparecía como grupo/artista invitado en ‘Can’t Get Enough of Myself’, el tema estrella de ’99¢‘ de Santigold –Berger participó en la producción de otros temas del disco–. Así que tiene lógica que incluyan ese tema dentro de su primer disco. Tampoco choca encontrar a Charli XCX –en cuyo ‘Sucker’ colaboró profusamente– y Carly Rae Jepsen, puesto que se dice que Patrik ha participado en la producción del nuevo disco de la canadiense.
Lo que sorprende más es encontrar a ambas artistas en estilos alejados de su zona de confort: ‘I’m A Dream’, el tema de Charli, es un tema de kraut-pop (contiene incluso guiños a la lengua alemana), mientras que ‘Trouble In The Streets’, cantada por Carly, tiene algo de ska y algo de C-86, y no desentonaría en un disco de The Drums, por ejemplo. El tema estrella del disco, en cambio, es para la aún no tan conocida Shungudzo, que mantiene un perfil próximo al de Santi en ’Bicycle’, mientras ‘Ouagadougou’ es fresco pop con trazos africanistas. Una propuesta interesante la de Berger y Krunegård, que demuestran que es posible resultar divertido y exótico -además de eso, interesante- sin copiar el rollito caribeño post-Kygo, que ya atufa. Ojalá que este EP no sea lo único que escuchemos de BC Unidos.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Bicycle’, ‘Trouble in the Streets’, ‘I’m a Dream’ Te gustará si te gustan: Santigold, Peter Bjorn and John, Vampire Weekend Escúchalo: Spotify
Thirty Seconds to Mars actúan hoy viernes en la gala de Los40 Awards, que se celebran en el WiZink Center de Madrid. Aprovechando que ya están en España, su líder, el cantante y actor Jared Leto ha acudido esta noche a El Hormiguero para presentar su nuevo single, ‘Walk on Water’, y hablar de su participación en ‘Blade Runner 2049’.
Leto, quien interpreta a Niander Wallace, un misterioso empresario ciego, en la secuela de ‘Blade Runner’, ha contado que durante el rodaje de la película llevó unas lentillas que no le dejaron ver nada (aunque a muchos les hubiera gustado no verle a él). También ha hablado de su madre, que siempre apoyó su sueño de ser artista, y del mensaje inspirador de ‘Walk on Water’ y su videoclip grabado en un solo día durante el 4 de julio en todos los estados americanos.
Motos y las hormigas han jugado con Leto a el “idiomador de circos”, a través del cual Motos ha tenido que repetir, tras escucharlas una vez, frases en inglés (de ‘Walk on Water’) y Leto frases en español. Los cachondos del programa han realizado una curiosa selección para el músico y actor y le han hecho repetir frases de ‘Buenas noches, señora’ de Bertín Osborne y ‘El barco de Chanquete’. Jared Leto, Bertín Osborne y Chanquete ahora están unidos para siempre.
El Hormiguero también ha entretenido a Leto de varias maneras, por ejemplo tocando instrumentos hechos a base de hortalizas, en homenaje (suponemos) al vegetarianismo/veganismo del artista.
Thirty Seconds to Mars vuelven a España en 2018 como parte de su gira europea. Tocan el 12 de abril en el WiZink Center de Madrid, el 13 de abril en Sant Jordi Club de Barcelona y el 14 de abril en Sala Cubec!, Bilbao.
Jaume Balagueró vuelve a internacionalizarse como ya hiciera en ‘Darkness’, su cinta de 2002 protagonizada por Anna Paquin, en ‘Musa’ (o ‘Muse’), una película que estrenaba el pasado mes de octubre en el Festival de Sitges y que hoy llega al fin a los cines. Inspirado por el libro de ‘La dama número 13’ de José Carlos Somoza, el director lleva 10 años trabajando en este proyecto que ha decidido desarrollar principalmente en Irlanda.
El punto de partida es interesante y el arranque de la película atrapa. ‘Muse’ habla del modo en que las «musas» pueden convertirse en una obsesión negativa, en una tortura y no solo en una inspiración para un autor. Así, el atormentado profesor universitario protagonista, que tanto sufre por amor desde el principio de la película, es un gran vehículo para acercarnos a esta historia, a su vez beneficiada por la fantasmagórica ambientación de la siempre nublosa Irlanda. El primer encuentro entre él y su alumna y después entre él y el personaje de Rachel porque ambos están soñando con el mismo asesinato, cautiva.
Después, los resultados son desiguales. Gran parte del encanto del cine de Jaume Balagueró sale de lo urbano, de las comunidades de vecinos, no solo en la conocidísima y tan traída y llevada ‘[REC]’ (y secuelas y precuela), sino en la infravalorada y notable ‘Mientras duermes’. De ahí ha sabido extraer grandes personajes y generar terror además sumando segundas líneas relacionadas con el humor o incluso lo social, y en ese sentido ‘Musa’ no puede ser una película tan rica, pues para empezar alguna de las 7 musas referidas, el centro de la cinta, apenas aparece esbozada.
Pese a sus esfuerzos por mantener el suspense y a través de un par de giros de guión no tan sorprendentes, ‘Musa’, en su recorrido por las bibliotecas de Milton o Dante, resulta más una ahijada predecible del cine de investigación a lo ‘El código Da Vinci’, formulaica como el último Amenábar, que una película de suspense realmente efectiva. Por distintas razones, uno termina dando las gracias a Álex de la Iglesia por no haber vuelto a rodar fuera… 6.
Si días atrás el festival de hard rock Download Festival Madrid anunciaba una jugosa avanzadilla de su cartel, en la que se incluían ya nombres tan potentes como Ozzy Osbourne, Marylin Manson o Judas Priest, el puñetazo en la mesa de este evento es ahora total: Guns N’ Roses serán su cabeza de cartel. Además, Live Nation también anuncia una fecha del grupo en Barcelona, ciudad que no habían visitado en su última gira. Será en el Estadi Olímpic Lluis Companys, el domingo día 1 de julio.
Tras actuar este año con enorme éxito en Madrid y Bilbao, vendiendo sus entradas (a precios no precisamente populares) en pocas horas, esta será una nueva ocasión de ver la reencarnación de Guns N’ Roses, en la que, tras quedarse prácticamente solo, Axl Rose vuelve a tener a su lado a los míticos Slash y Duff McKagan, miembros originales del grupo.
Download es uno de los festivales de metal y hard rock más importantes del mundo, y esta es solo la segunda edición que se celebra en Madrid. Se celebrará en el recinto de la Caja Mágica –en el que venía celebrándose hasta hace poco Mad Cool– a lo largo de los días 28, 29 y 30 de junio de 2018. Los abonos están a la venta (solo online) desde el martes 7 de noviembre en www.downloadfestival.es, www.livenation.es y www.ticketmaster.es. En cuanto al concierto de Barcelona, las entradas se pondrán a la venta el día 22 de noviembre a las 10:00h, en los mismos canales de venta.
Ha llegado el día de salida de ‘reputation’ de Taylor Swift y el disco no ha aparecido en Spotify. La estrategia no es ninguna novedad, pues ‘1989’ no llegó a esta plataforma de streaming -siendo exclusiva de Apple Music- hasta hace unos meses, casi 3 años después de su edición, pero sí ha sorprendido a algunas voces, pues los 4 singles de este álbum (2 oficiales y 2 promocionales) sí habían aparecido en la plataforma sueca, así como el dúo con Zayn para ’50 sombras más oscuras’.
La decisión tiene toda la lógica, por mucho que la opinión generalizada parezca ser que se va a fomentar la piratería y Taylor Swift va a salir perdiendo por pasar de Spotify durante al menos 1 semana. Indudablemente hoy muchas personas se preguntarán «¿pero cómo se bajaba un disco?» y reabran los Torrents que no usaban desde la salida de ‘Lemonade’ de Beyoncé o ’25’ de Adele. Pero Taylor Swift no va a salir perdiendo: las cifras le dan la razón.
Los pre-pedidos de ‘reputation’ superaban las 400.000 unidades hace una semana, sumando iTunes, Target, Walmart, Amazon y la web de la cantante, según Billboard. No se especificaba si el dato era referido a Estados Unidos, Norteamérica o todo el mundo, pero eran cifras monstruosas: Target ha declarado que jamás en la historia había tenido tantos prepedidos de un disco.
La estimación actual de Hits Daily Double es que Taylor Swift puede vender 1,5 millones de copias en su primera semana, y se habla incluso de que los 2 millones son posibles. Estas cifras pulverizan los beneficios que pudiera obtener gracias a Spotify y a todas las plataformas de streaming reunidas. Este año Drake batía un récord de canciones reproducidas en streaming en una semana coincidiendo con el lanzamiento del larguísimo ‘More Life’. ‘More Life’ conseguía nada menos que 385 millones de streamings en una semana. Es una cifra brutal… pero «solo» equivalía a 257.000 ventas. ‘More Life’ era número 1 en el Billboard 200 con lo equivalente a 505.000 ventas al sumar los datos de descargas de iTunes, entre otros, pero en todo caso, estas cifras excelentes serían tan solo migajas para Taylor Swift, que aspira claramente a duplicar, probablemente a triplicar e incluso quizá a cuadriplicar los puntos obtenidos por Drake sin necesidad de streaming. Taylor necesita el streaming en la lista de singles, pero en la de álbumes, para ella, 250.000 puntos no serían decisivos esta semana: juega en otra liga y, apareciendo por ejemplo mañana en Saturday Night Live, podría vender un par de cientos de miles de copias más.
Así que no, que nadie se preocupe por que la piratería perjudique a Taylor: ella va a estar bien. ‘A Head Full of Dreams’ de Coldplay también llegó una semana después a las plataformas de streaming y por supuesto mucha gente debió de bajárselo, pero su éxito fue y sigue siendo millonario, por encima de los 4,5 millones de unidades. ’25’ de Adele estuvo varios meses sin aparecer por Spotify y vendió 20 millones de copias. ‘Lemonade’ de Beyoncé a día de hoy sigue siendo exclusiva de Tidal y ha vendido 3 millones de unidades. E incluso es significativo que estos 2 últimos álbumes fueran lo suficientemente relevantes como para pelear por el Grammy a mejor álbum del año, con la victoria finalmente apuntando a Adele. Casi cabe preguntarse por qué no hay más macrolanzamientos que hayan optado por optimizar sus ventas durante la primera semana. Sin embargo, hay que recordar que Bruno Mars y The Weeknd han contado con ventas físicas bastante decepcionantes de sus últimos álbumes y que solo el streaming les ha salvado el pescuezo. Por alguna razón (carrera, edad, fidelidad) el público de Taylor Swift es del que compra discos y su equipo lo está aprovechando. ¿Aparecerá ‘reputation’ la semana que viene en Spotify como se rumorea? Probablemente: sin single de macroéxito ahora mismo en las radios, no le vendría nada mal para paliar el porcentaje de caída que se espera para la segunda semana.
Marilia, como autora de muchas de las canciones más famosas de Ella Baila Sola, como ‘Cuando los sapos bailen flamencos’, ‘Mujer florero’ o ‘Amores de barra’ (esta última una co-autoría con Marta Botía), ha sido una de las cantantes y autoras más conocidas del país. Con motivo de sus 20 años en la música, acaba de publicar un disco llamado ‘Infinito’ en el que interpreta en formato trío (o dúo) algunas de las canciones que ha escrito tanto en su grupo como en solitario, junto a un tema inédito, avance de su siguiente álbum.
Aprovechando su concierto del lunes 13 de septiembre en Galileo Galilei (Madrid) como parte del ciclo Escenarios Mahou (entradas, en Ticketea), hablamos con ella sobre el éxito descomunal que vivieron Ella Baila Sola, los años de retiro o su carrera en solitario. Su generosidad en palabras sirven también para hacer un recorrido por lo que fue la industria musical española durante los años 90, lo que sigue siendo y lo que no debería ser en el futuro.
Estás repasando tus 20 años en el mundo de la música, ¿cuál crees que ha sido el mejor momento de tu carrera desde el punto de vista artístico?
Depende de lo que se entienda por mejor momento artístico, para mí desde luego es hoy, porque siento que estoy aprendiendo, aplicando lo aprendido, me conozco mejor y estoy creando más que nunca, estoy en un buen momento. La música y las canciones son una pasión que tengo desde niña y estar componiendo en plena búsqueda con el camino recorrido como experiencia, hace que sea para mí un buen momento creativo.
Mi nuevo álbum ‘Infinito’ es un homenaje a veinte años de canciones compartidas, la gente me iba pidiendo canciones en mi última gira acústica y decidí grabar esas canciones en directo y en acústico en agradecimiento y dejar un poco de la emoción vivida reflejada en él. Para que existan estas canciones y este disco han hecho falta todas las etapas y vivencias en medio. Verás que en él hay temas muy populares como ‘Cuando los sapos bailen flamenco’ o ‘Amores de barra’, también caras b muy queridas como ‘Entra’ o ‘Infinito’, ‘Mujer florero’, temas de mi nueva etapa, un tema inédito. Creo que en todas mis diferentes etapas ha habido buenos momentos creativos, todo suma, incluso canciones que nunca se graban ayudan a que otras nazcan, cada vez más pienso que el arte existe desde que te levantas hasta que te acuestas, siempre estamos aprendiendo.
«Después de vender millones de discos, cuando decidimos separarnos por mutuo acuerdo, me di cuenta de que necesitaba asimilar lo ocurrido»
Dolores O’Riordan siempre dice que no supo disfrutar en absoluto de los mejores momentos comerciales de Cranberries porque era muy joven y le agobiaba profundamente la fama. ¿Fue tu caso parecido o coincidiría el mejor momento comercial con el de mayor felicidad personal?
No sabía que Dolores O´Riordan lo vivió así, tuvieron un éxito enorme. Yo tengo el recuerdo de una etapa que disfruté mucho, fue un regalo de la gente escuchar aquellas canciones y hacerlas suyas, me sacaron de casa de mis padres, donde las escribía, a cantarlas por todo el mundo, eso fue un regalazo. Gracias al éxito que viví pude conocer mi profesión, la industria de la música, lo que me gusta y lo que no, y puedo hacer hoy lo que hago. Estoy muy agradecida a esa etapa y la gente que conectó con aquellas canciones. Después de ese exitazo, de vender millones de discos, cuando se acabó el ciclo creativo en el dúo y decidimos separarnos por mutuo acuerdo, yo me di cuenta que necesitaba asimilar lo ocurrido, fueron millones de discos, viajes, conciertos, y también tenía veintialgo, quería decidir lo que quería hacer y lo que no, reconectar conmigo y con mis propios motivos, con mi música. No quería grabar por inercia, sino algo que sintiera tan verdadero como mi proyecto anterior. La industria no te ayuda a conectar con el oficio, el entorno de la música se basa en vender, no te ayuda a aprender lo más valioso de ser humano y de la música, tenemos una industria a la que le queda mucho por limpiar para cuidar de verdad a las personas que crean y a los que apoyan la música, también el proceso, a eso añado que si eres mujer, aún hay más que podemos mejorar y dejar de imponer, menospreciar o exigir. Desde luego la fama puede despistar mucho, pasas de observar a ser observado, no aporta mucho, no ayuda a conocer ni a descubrir un oficio y te puede quitar mucha energía. Es algo más de lo que aprender, como estoy segura habrá hecho ya Dolores O’Riordan. Yo lo viví con bastante asombro y creo que lo disfruté todo lo que pude, la gente siempre fue respetuosa y se acercaron a mí por mi trabajo. Me han pasado cosas preciosas, desde una señora, hace muchos años, felicitarme por ‘Mujer Florero’ en la sección de verduras. Hasta, hace poco, en un supermercado una cajera al coger mi tarjeta y mirar el dni, sin levantar la cabeza dijo: «Anda, Marilia, como la de Ella Baila Sola». (risas)
«Hace poco, en un supermercado una cajera al coger mi tarjeta y mirar el dni, sin levantar la cabeza dijo: «Anda, Marilia, como la de Ella Baila Sola»»
Desde luego mi momento más feliz es ahora y no hay una relación con lo comercial, todo eso lo he vivido y también lo puedo valorar y agradecer, lo he disfrutado, pero la felicidad afortunadamente está en nuestras manos mucho más de lo que pensamos.
Por el contrario, ¿cuál dirías que ha sido el momento más difícil, frustrante, decepcionante…?
Cualquier momento en el que piense que debería estar pasando otra cosa a la que pasa y no me entere de nada. Por ejemplo, hoy no llegaba a una entrevista y me he enfadado con el tráfico. Lo bueno de escribir canciones es que un día sale ‘Señoras’ o ‘Casi me rindo’ y me libero de todo eso que no sé expresar de otra manera. Con todo lo que estamos viviendo en este momento hay tantas cosas que pueden llevarnos a la decepción y frustación cada día, cosas importantes, que intento no venirme abajo y pensar en lo que sí puedo hacer en mi día a día para estar bien y hacer lo que quiero y puedo hacer.
«Recuerdo parar el coche para salir, respirar y escuchar [mi] canción sonando en la radio, no podía creerlo»
¿Cómo recuerdas el momento en que pasas de la nada a ser tan sumamente ultra famosa y vender tal cantidad tan monstruosa de discos? ¿Alguna situación loca?
Bueno, nadie es la nada por no ser famoso, en eso estarás de acuerdo. Tienes razón en que las ventas se dispararon muy rápido, a la gente le gustó lo que escuchaba en la radio, y empezó a crecer, pero yo lo viví paso a paso también, con un gran trabajo detrás por parte de mucha gente. A mí me gusta la música desde muy pequeña, la música me cambió la vida como oyente, compuse mi primera canción con once años y descubrí que podía participar de ese lenguaje maravilloso, luego tuve la suerte de formar un dúo en el que grabamos tres discos que vendieron millones de copias, pero nos apoyó una compañía de discos, sonaron en la radio, los medios y la compañía lo apoyaban a tope, y luego la gente lo eligió. Lo único que lo hizo crecer fue la gente, que la gente quisiera, es así de bonito y grande, sin el público no hubiera pasado nada de lo que pasó. Y entonces todo el trabajo de detrás fue recompensado más de lo imaginable, pero no puedo evitar recordar que había un trabajo detrás también, composición, ensayos, descartar cosas, el trabajo de mucha gente, no fue de la nada, eso seguro, si no lo intentas con todas tus fuerzas no sé si puede pasar algo así.
A mí lo que más me impactó fue escuchar las canciones en la radio, me impactó muchísimo, yo era de las que escuchaban la radio por la noche y tenía una conexión total con ella, todavía me encanta. No existía internet ni los podcast, la radio era algo inmediato que desaparecía y no volvía, era ese momento. Recuerdo parar el coche para salir, respirar y escuchar la canción sonando en la radio, no podía creerlo. A partir de ahí a la gente le gustó lo que escuchaba y empezaron a llenarse los conciertos, las giras, las ventas. Fue una sorpresa y un regalo de la vida para mí que a la gente le llegasen canciones que yo escribía, con lo que me habían emocionado y acompañado las canciones de otros.
«Efectivamente en España no cuidamos la música ni a los músicos, no tenemos clase media de músicos, como sí existe en otros países. En este país si te dedicas a la música te preguntan que en qué trabajas, no está dignificada como profesión»
Cuando alguien vende millones de discos, sale tanto en la radio y es autora de la mitad de las canciones, supongo que no tiene la necesidad de volver a trabajar gracias a lo que ingresa por Autores. Me encantaban vuestras canciones y pienso que el éxito de EBS era muy merecido, ¿pero qué te parece a ti ese abismo que siempre ha habido en España «o vendes cientos de miles de discos y eres rico como Alejandro Sanz» o «te comes los mocos en el underground más underground»? ¿No te parece que hasta hace poco o nunca ha habido una «zona media» saludable y necesaria para acoger a muchos artistas o tú lo has percibido de otra manera?
Efectivamente en España no cuidamos la música ni a los músicos, no tenemos clase media de músicos, como sí existe en otros países. En este país si te dedicas a la música te preguntan que en qué trabajas, no está dignificada como profesión, casi ningún músico puede vivir de su trabajo en la música. Todas las profesiones artísticas parecen tener la sombra del éxito como exigencia, y eso no nos ayuda a crear ni a nada en la vida, personalmente creo que he aprendido más del fracaso que del éxito, ¿qué pasa si tanto el éxito como el fracaso son oportunidades para aprender? Como en cualquier profesión. Ser músico es un oficio precioso en que vas aprendiendo y no debe limitarse a que la industria te pida tener siempre éxito, tener veinte años y/o encajar en unos cánones. Si a esto le añadimos ser mujer, se pone peor aún. No tenemos clase media en nuestro oficio y tenemos que conquistarla. Todos tenemos una canción que nos cura, sabemos que la música cura, se utiliza en hospitales, lo podemos comprobar en nuestra vida, sabemos que es un oficio valiente, que hay muchas horas detrás para que un instrumento suene bien, sin embargo se mantiene la idea de que es un hobby, y la mayoría de los buenos músicos de este país necesitan otro/otros trabajo para llegar a fin de mes.
Autores no ha sido muy cristalino, un artista vive sobre todo de sus conciertos, y en todo caso creo que para hacer música, como en cualquier otro oficio respetable, no debe ser necesario un gran éxito o muchos sino un país, un público, una industria que valore la música y a cada profesional implicado en mantenerla viva. Incluidas todas las profesiones que la rodean y la hacen posible, locales, familias, técnicos, impuestos culturales imposibles, cuotas de autónomos imposibles, etc. Igual que en cualquier otro oficio digno.
«Ser músico es un oficio precioso en que vas aprendiendo y no debe limitarse a que la industria te pida tener siempre éxito, tener veinte años y/o encajar en unos cánones. Si a esto le añadimos ser mujer, se pone peor aún»
¿Cómo fueron tus años de retiro? ¿Era algo que necesitabas?
Estoy muy agradecida por todo lo que viví, vender millones de copias me permitió conocer mi profesión. Cuando en el dúo llegamos al final de nuestro ciclo creativo y decidimos por mutuo acuerdo separarnos definitivamente, supe que necesitaba un tiempo para asimilar todo lo ocurrido, reconectar conmigo y mis motivos, no quería grabar por inercia ni hacer lo que otros querían. Quería volver a grabar algo que sintiese tan mío como había sentido mis canciones antes.
Para mí fue necesario ese tiempo, lo viví sin dejar de escribir completamente, hasta que llegaron las canciones que quise grabar, la primera fue ‘Subir una montaña’, una alegría porque con ella supe que grabaría de nuevo. En dos meses compuse el disco y cerré fechas. ‘Casi me rindo’ también fue importante para mí, fue la única que sobrevivió esos años y también marcó una dirección.
Los intereses de la industria y del creador no siempre coinciden, la industria tiene mucho por hacer pero ya hay nuevas formas que se están abriendo camino. Para mí el tiempo ha sido necesario para disfrutar de mi oficio, descubrirlo tal como lo entiendo hoy, escribir las canciones de ‘Subir una montaña’, luego grabar ‘Infinito’, darme libertad creativa, elegir y querer seguir tocando y compartiendo. Creo que todo está cambiando y me encanta ser testigo y formar parte de esta nueva etapa.
Repasas tu carrera junto a algún tema nuevo en ‘Infinito’, en plan acústico. Me ha sorprendido saber que era formato trío, porque incluso parece más minimalista que un formato trío. ¿Por qué ha sido trío en lugar de voz y guitarra como parece en muchos momentos?
‘Infinito’ nace de las peticiones de la gente en mi última gira acústica, me pedían canciones de todas mis etapas y al tocarlas en directo y ver las emociones compartidas, decidí grabarlo así, en acústico y en directo, en un día y medio con mi banda, tal y como busqué que sonaran en esa gira, sin aditivos. Es un homenaje a estos veinte años de canciones, un agradecimiento a la gente y a las canciones por mantenernos conectados. Algunos temas son solo guitarra y voz como ‘Cuando los sapos bailen flamenco’ o ‘Parece Mentira’ o ‘Yo no soy esa’, y otros a trío batería guitarra y voz, porque así me lo pedía el directo. Suelo tener muy claro qué instrumentos quiero en cada tema y cómo quiero escucharlos. Lo que hice fue llevar lo que habíamos construido en directo al estudio. El nuevo tema ‘Si no es un sí es un no’ e ‘Infinito’ son los únicos en los que jugamos más con las guitarras eléctricas, quería que abriesen otros colores en el disco.
«(Sobre ‘Cuando los sapos bailen flamenco’), aún me emociona no oírme en los conciertos, la gente se la sabe entera»
Aparece en el disco ‘Cuando los sapos bailen flamenco’, mi canción favorita de Ella Baila Sola y la de mucha gente, supongo. ¿Qué recuerdas de la composición de esta canción? ¿Salió rápidamente, le diste muchas vueltas…?
Muchas gracias por tus palabras, le tengo mucho cariño a esta canción, recuerdo lo mucho que me emocionó que a la gente le llegase, aún me emociona no oírme en los conciertos, la gente se la sabe entera. La escribí en mi habitación en casa de mis padres, y salió en unos viente minutos, aunque el tiempo pasa de un modo extraño al componer. Cuenta algo que me había pasado y que probablemente no había sabido expresar de otra forma, salió muy rápidamente. El próximo lunes 13 de noviembre sonará en la sala Galileo con un invitado muy especial.
El estribillo es raro, no es una canción muy repetitiva… ¿el sello siempre tuvo claro que sería el 2º single?
Jajajaja. Creo recordar que sí lo tenían muy claro, y seguro barajaron todas las opciones antes. Se lo agradecí, a quien lo eligiera, me sentí muy bien como autora, aunque no estoy siempre de acuerdo con el criterio de las compañías, consiguieron que esas canciones llegasen a muchísima gente de todas partes del mundo, hoy que autoedito mis discos y todo ha cambiado valoro aún más el trabajo que hicieron.
¿Por qué no has recuperado en este disco ‘Mejor sin ti’, que también era una canción tuya preciosa?
Ay, muchas gracias, lo tendré en cuenta, tomo nota. No pudo estar porque hay otras que tenían que estar con más urgencia, pero quizá para algún directo, quién sabe mañana.
¿A día de hoy estás contenta con la producción de vuestros discos o cambiarías alguna cosa? Hay algún solo de guitarra eléctrica en algún lado o algún arreglo un poco celta que a día de hoy, choca un poco.
No soy una persona nostálgica, no suelo escuchar los discos que he grabado, en todo caso siempre creo que hacemos lo mejor que podemos en cada momento y me gusta que se queden así. Es normal que suenen a la década en la que fueron grabadas, algunas canciones sobreviven mejor al tiempo, otras menos, pero todas tienen un encanto. Si hoy vuelvo a tocar una canción lo hago desde mi sonido actual inevitablemente pero por respetar mi presente, lo anterior está bien como está, refleja aquel momento y le tengo cariño. También te digo que cualquier disco se puede regrabar diferente al día siguiente, no sé quien dijo que una canción se termina cuando la dejas, creo que las grabaciones también.
«Creo que (‘Mujer florero’, ‘Señoras’) abrieron un camino, pusieron un punto de vista femenino diferente en un lugar que no estaba ocupado, como muchas hicieron antes, hacen y harán después. Las mujeres solían cantar canciones escritas por hombres o más en la línea de «me dejas me muero». También creo que en general las autoras no son tan valoradas como los autores»
En tu carrera en solitario llama la atención el tema ‘Señoras’, ¿crees que la gente ha sido consciente del mensaje tan feminista que ha tenido tu carrera, desde la misma ‘Mujer florero’ o ahora la versión de Mari Trini, o que esa faceta ha quedado un poco sepultada por el éxito de ‘Lo echamos a suertes’, ‘Amores de barra’, etcétera?
Bueno, creo que la gente que me escucha lo nota aunque también habrá gente que no lo piense o no se pare a escuchar. Mi trabajo me gusta y por eso lo hago, ojalá le llegue a la gente y pueda seguir haciéndolo. El feminismo está ahí como otros rasgos o inquietudes propias, no es lo único de lo que hablan mis canciones pero sí forma parte de la realidad que veo alrededor y me importa, no puedo ignorarlo. En realidad no creo que una canción tenga el poder de tapar otra, creo que todas aportan algo y tienen su lugar , algunas se descubren años después, como un buen vino, otras son un flechazo, otras un momento, otras nos definen. Pero en todas puse algo personal ya sea la voz y la melodía, la letra o las dos. Mi punto de vista es femenino y feminista, ahora que estamos aclarando el significado de la palabra feminista por fin, que es igualdad al fin y al cabo. Creo que las canciones que mencionas abrieron un camino, pusieron un punto de vista femenino diferente en un lugar que no estaba ocupado, como muchas hicieron antes, hacen y harán después. Las mujeres solían cantar canciones escritas por hombres o más en la línea de «me dejas me muero». También creo que en general las autoras no son tan valoradas como los autores, aunque poco a poco va cambiando es como si arrastrásemos un país lleno de gente maravillosa desaprovechada.
Cuando debutaste no había Spotify ni Youtube, ¿te ha sorprendido ver lo que se reproducen aún vuestras canciones en estas plataformas? ¿Alguna anécdota que contar al respecto o alguna cosa que no te esperaras, alguna reivindicación de alguna canción que no te esperaras, algún vídeo «fan made» destacable, etc?
Claro, me sorprendió verlo, es una maravilla que la gente quiera escuchar y descubra esas canciones hoy. Para mí youtube ha sido el paraíso para encontrar grabaciones de los años 30, 40, 50, 60, 70, Gene Vincent, Patsy Cline, Robert Johnson, Sister Rosetta Tharpe, Odette, Bob Dylan, Leonard Cohen, Judy Collins, Woodstock, etc. Hace unos años descubrí una versión salsa de ‘Cuando los sapos bailen flamenco’ de Michel Batista, su versión supera en visitas todas las de mi ex grupo juntas, unos cinco millones, y gracias a él esa canción la conocen muchísimo en República Dominicana. Yo lo descubrí porque entré en una tienda en Madrid y me reconocieron dos mujeres dominicanas, ellas me hablaron de esa versión y me felicitaron por escribirla, increíble.
Hace poco estuviste en el concierto de Las Chillers, que hacen versiones del pop español, incluida alguna tuya, ¿por qué al hacer un dúo con ellas no te animaste a hacer por ejemplo ‘Amores de barra’ y preferiste hacer también una versión?
Me gusta mucho que haya bandas de mujeres, que se junten en un local de ensayo por diversión para tocar y aprender. Preferí hacer una versión de otra artista española porque me divertía más ese día, y me gusta la versión que hacen, ya habrá más ocasiones.
En su momento Ella baila sola era un grupo que incluso chocaba con el indie y el underground, pero poco a poco han surgido voces en el underground que os reivindicaban. ¿Cómo lo has percibido tú? ¿En su momento ya tenías seguidores más indies que te sorprendían y no te pegaban tanto o ha ido pasando con el paso del tiempo?
Creo que las etiquetas nos ayudan como referencias pero pueden condicionar cómo nos llega una canción o cómo vemos a alguien. No he sentido que nadie me reivindique, pero me hace mucha ilusión cuando alguien me dice que le ha llegado un tema o que ha sido importante en su vida. Tengo muchos amigos y amigas en bandas que me han contado cómo les ha llegado un tema u otro, de estilos muy diferentes, eso me emociona y más aún cuando la admiración es mutua. Trabajo mucho con gente joven y veo que se atreven a decirlo sin cortarse, incluso gente que descubre ahora los temas por primera vez. Un día se me acercó un grupo de chicas llamadas Las Jamonas y me dijeron que ‘Mujer Florero’ era para ellas un himno punk. Cada uno siente cada canción de una forma. Y para mucha gente hay menos barreras de las que parece en la música. Para mí solo apostar por tu propio proyecto y hacerlo tú mismo, independiente de estilos musicales, ya merece un respeto.
Igual me meto en un jardín, y era una canción de Marta, pero os vi en Torrejón de Ardoz en 1996 tocar una canción llamada ‘So Lone’, en inglés, que se me quedó en la cabeza en el segundo cero y nunca grabasteis, ¿por qué fue?
Jajaja. Te refieres a ‘So Long’, claro que me acuerdo, aunque tienes la autoría cambiada, es de las primeras canciones que escribí cuando sólo escribía en inglés, la tengo grabada en algún sitio. Yo venía de un colegio inglés, de escuchar tanto rock, como heavy, como Simon y Garfunkel o Peter Paul and Mary, escribí muchas canciones en inglés antes de componer en castellano, algunas acapella antes de tener guitarra. Varias de ellas las llegamos a cantar juntas en directo. También me gustaba componer en castellano, y cuando llegó la oportunidad de grabar un disco preferí nuestro idioma y aparqué un poco el inglés, aunque he seguido de vez en cuando. Me parece muy curioso que te acuerdes de esta canción, qué bueno. Disfruté mucho cantando esas canciones.
No sé si tú o algún amigo o amiga es fan de Juanjo Sáez, ¿conoces el libro en el que retrata el rodaje de un vídeo vuestro? ¿Qué te pareció?
No conozco a esta persona ni el libro, no te puedo decir en este momento, la próxima vez que hablemos a lo mejor.
Independientemente de eso, y ahora que revisitas todas tus etapas con la calma y la paz que da el paso del tiempo, como has dicho en la radio, ¿con el tiempo has aprendido a reírte o ver con otros ojos la separación del grupo, su intento de resurrección… o aún es una parte amarga de tu vida?
Creo que mi etapa anterior es una etapa en la que he aprendido mucho, he disfrutado mucho y estoy muy agradecida por todo lo que viví. Me parece que cada uno debe elegir su camino en cada momento y deseo también que le vaya bien con las decisiones y caminos que toman a mi ex compañera y a todas las personas que me acompañaron en mi etapa en Ella Baila Sola. Yo estoy en un momento feliz en esta etapa, con el nuevo disco, componiendo para el siguiente y con todo lo que me aporta componer nuevas canciones, tocar y compartir con la gente en directo.
¿Qué puedes avanzar sobre las canciones que estás preparando para un disco totalmente nuevo? ¿Será más bien acústico, pensado para el formato trío en vivo como este?
Lo siento pero es un poco pronto para desvelar nada, de momento el primer single y tema inédito del disco ‘Si no es un sí es un no’, del que os recomiendo ver el vídeo, es un adelanto del nuevo disco. Pero sí puedo contarte que el 24 de noviembre compartiré en redes y plataformas un tema que he grabado hace unos días, es un tema de una etapa anterior, se quedó fuera del disco y no es ‘Mejor sin ti’ (perdóname, por favor) pero me ha emocionado mucho y he querido dejarlo grabado, mientras sigo escribiendo lo nuevo.
Gata Cattana, Nacho Vegas, Lorde, Christina Rosenvinge y Daughter están entre los artistas favoritos de Marilia hoy
¿Qué música has escuchado durante los últimos años? ¿Puedes citarnos algunos de los discos que te hayan gustado durante los últimos tiempos?
Me gusta mucho ir a conciertos, cada semana intento ver algo. El disco póstumo de Gata Cattana, ‘Banzai’, ‘Halo’ de Juana Molina, ‘Prisoners’ de Ryan Adams, ‘Whiteout Conditions’ de The New Pornographers, ‘Ash and Ice’ de The Kills, ‘North’ de Morgan, ‘Resituación’ de Nacho Vegas, ‘Resolutions’ de Alondra Bentley, ‘Lo nuestro’ de Christina Rosenvinge, ‘Melodrama’ de Lorde, The Staves, Daughter. Me encanta descubrir discos en castellano, también los de mis compañer@s y amig@s, y después de un tiempo volver a los discos de siempre Leonard Cohen, Bob Dylan o Bonnie Raitt.
Después de vosotras, mucha gente fue descubriendo el folk, la americana… se hablaba de cosas como indie-folk, ¿crees que fuisteis un poco más pioneras de lo que mucha gente se cree?
Me alegra que recuerde al folk americano porque en él hay una tradición de contar historias con una guitarra acústica, instrumento con el que están compuestas todas las canciones de entonces. He crecido escuchando mucha música anglosajona, mucho folk y rock americano e inglés. Creo que con aquellas canciones y los gustos que pudimos reflejar, pusimos nuestro granito de arena, como todo el mundo hace a su manera, Vainica Doble llegaron antes, tuve la suerte de conocerlas después del segundo disco y descubrir su trabajo, me sentí muy orgullosa, como de pequeña de las canciones de Cecilia, muchas de Mari Trini y tantas artistas hoy.
¿Quieres decir que conociste a Vainica Doble o simplemente su música?
Comencé a escucharlas después del segundo disco, meses más adelante nos presentaron y pude compartir con ellas un rato muy breve aunque interesante.
¿Es cierto que subiste a cantar en cierta ocasión en Los Ángeles con Damien Rice? Si es cierto, ¿cómo surgió? ¿Conservas algún documento de recuerdo?
Es cierto, coincidimos en una etapa hace años, tenemos amigos comunes y una noche me invitó a cantar con él una canción en el Henry Fonda Theatre de Los Angeles. Fue muy especial porque hacía tiempo que no subía a un escenario, nos divertimos, iba con toda su banda, era una canción de Portishead y sí conservo esa grabación.
Jennifer Lopez sigue lanzando singles de un disco cantado íntegramente –o sobre todo– en español pero que no termina de anunciar. Chica, ¡que la Navidad ya está aquí y pierdes el viaje! El caso es que desde hoy está disponible otro de esos singles dirigidos al público hispanohablante global (desde el éxito de ‘Despacito’). Se titula ‘Amor, Amor, Amor’ y es una equilibrada mezcla de ritmo reggaetonero, folklore (por ahí suena una flauta andina) y producción electrónica, con la intervención destacada del portorriqueño Wisin.
El trasfondo lírico de ‘Amor, Amor, Amor’, por mucho que su estribillo inspire romanticismo, es una genuina oda al folleteo. Así lo indican frases como “un par de enamorados lechados” –no penséis mal, que se refiere a “yacientes en el lecho”–, “mami, si tú te vuelves lo hacemos otra vez”, “en el medio de la cama se entrega”, “toda la noche bañados en sudor”, “se pierde mi musa y tu pantalón” y todo el rato así. Esto tiene toda la pinta de ser el hitazo global que JLo esperaba, más próximo en cifras a ‘Ain’t Your Mama’ que a ‘Ni tú ni yo’, pero ya se verá. Su vídeo oficial está al caer.Actualización 20:21: ya está disponible el videoclip de ‘Amor, amor, amor’.
Lopez terminaba el pasado año insinuando un disco de versiones de clásicos de la canción ligera hispanoamericana, con versiones de Pimpinela y Roberto Carlos. Pero en algún momento se frustró esa idea y ya en 2017 los rumores han mutado hacia un disco cantado en español, como decíamos, del que el citado ‘Ni tú ni yo’ sería el primer single y este ‘Amor, Amor, Amor’ el segundo. También pudimos escuchar ‘Mírate’, una balada pimpinelesca, en los Billboard Latinos pero no ha sido publicada oficialmente. Aguardamos confirmación, en todo caso.
Desde que publicaran su primer disco hace casi una década, Vetusta Morla se han ido convirtiendo, paso a paso, en un grupo monstruosamente popular. Su alcance, desde la autoedición y la independencia, culminaba en la etapa anterior con un concierto en el Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid frente a 15.000 espectadores. Ni a Los Planetas en su momento de mayor apoyo de Sony y Los 40 Principales vimos arrastrar tanto a las masas, no hay más que recordar que ‘Una semana en el motor de un autobús’ fue presentado en la Sala Canciller en 1998 y después en 1999 en una «Riviera que no se llenó» según las crónicas de la época. Y lo mejor es que Vetusta Morla a su vez han animado a atreverse con grandes recintos a otros artistas como Izal o unos Love of Lesbian que tampoco han dejado de crecer sobre todo desde ‘1999’, editado en 2009. Sin duda, algo cambió para siempre en el pop español a finales de la década pasada.
El caso de Vetusta Morla se estudiará en los libros, no solo por ese hacerse a sí mismos, sino por lo que representan para una generación. Su debut, ‘Un día en el mundo’, editado en 2008, es el disco más antiguo de la lista semanal actual de «streaming álbumes» por 7 años de diferencia (el 2º más viejo de la tabla es ‘Luciffer’ de Arce, de 2015). Es decir, a día de hoy la gente lo continúa escuchando de manera obsesiva de cabo a rabo, como si fuera una novedad, representando para estas personas lo que en otros momentos para otras significó ‘Entre el cielo o el suelo’ de Mecano o ‘Más’ de Alejandro Sanz. Esa obsesión del público por ‘Copenhague’ o ‘Valiente’ puede estar desvirtuando la evolución del grupo tanto para fans como para haters. Por un lado, tengo la sensación de que su público no termina de ser consciente de la excelente evolución que está demostrando la banda, editando un disco que siempre es mejor que el anterior (no, ni remotamente el primero es el mejor); y por otro, hay otro tipo de público que ya parece haber decidido que no le gustan Vetusta Morla, que es demasiado tarde para subirse al carro, y por ende, se está perdiendo también esa evolución de la banda. Y ‘Mismo sitio, distinto lugar’ no es, ni más ni menos, que el mejor disco hasta ahora editado por el grupo de Tres Cantos.
Lo es por varias razones. En primer lugar, han querido dejar claro que su fichaje por Sony, sobre todo para acercarse a Latinoamérica, no les ha condicionado en lo artístico lo más mínimo. Ahora que Los 40 Principales se está animando a pinchar canciones de Love of Lesbian, Sidonie y Sidecars, ellos vuelven con un tiro de 2 minutos de tintes kraut, guiños a Suicide y teclados psicodélicos, sin ninguna opción de ser adoptado por el equipo de Tony Aguilar. ‘Te lo digo a ti’ es un desafío violento cargado de odio pero también es un «no os necesitamos» en toda regla en ese «nunca fui tu polizón».
En segundo, musicalmente y como ‘La deriva‘, es una evolución respecto a su carrera anterior. El grupo ha podido reunirse con Dave Fridmann durante 15 días, siendo el primer grupo español que lo consigue. El productor de Flaming Lips o MGMT esta vez ha ejercido solo de mezclador, pero no ha sido una mezcla al uso. Como nos ha contado el grupo en una entrevista que publicaremos durante los próximos días, Fridmann no trabaja a distancia y sus decisiones de qué arreglos tomar y qué arreglos dejar fuera de todos los que Vetusta Morla habían grabado han sido claves para que ‘El discurso del rey’ presente la medida justa de virguerías y caos, para que los efectos y falsetes de ‘Guerra civil’ parezcan aportados por Danger Mouse sin desentonar, para que ‘Consejo de sabios’ sea casi tan solemne como una balada de Depeche Mode, para que ‘Punto sin retorno’ logre ser una canción preciosa y épica sin resultar empalagosa o para que el vals de final tabernero de la ceremonial ’23 de junio’ sea poco ortodoxo y a su vez perfecto. Dave Fridmann, que ha pedido las letras traducidas al inglés para comprender al grupo, lo ha logrado sin duda a la perfección. Te podrán gustar Vetusta Morla o no, pero negar que la producción de este álbum es excelente y no demasiado formulaica, sería muy marciano.
En tercer lugar, las letras presentan interesantes novedades. Aún aparecen palabras algo forzadas o figuras rocambolescas, como la del «fuel para regresar» (a lo que no contribuye la redacción de notas de prensa imposibles) o, en general el texto de ‘La vieja escuela’, dedicada a sus ídolos de The Clash, Bowie o The Doors; pero se nota cierta evolución y, además, han sabido introducir con acierto el tema del humor. ‘Palmeras en La Mancha’, que incluye un delirante boletín de El Mundo Today (con una frase casi premonitaria de lo que ha sucedido con ‘House of Cards’), es todo un atrevimiento no demasiado políticamente correcto que además se beneficia de uno de los estribillos más inmediatos del álbum. Por otro lado, ‘Guerra civil’ puede ser interpretada como una crítica o una autoparodia de alguien que políticamente busca porque sí la confrontación, y son varias las autorreferencias del grupo a su propia carrera en varios puntos del álbum: ‘Mismo sitio, distinto lugar’, la canción, no habla sino de su evolución como banda. Sumando alguna canción posiblemente social, de nuevo saben evitar la manida temática del amor como muy pocos grupos siquiera se plantean.
En distintos terrenos Vetusta Morla han apuntado alto y muy pocas veces se tambalean. Puede que a veces suenen demasiado anglosajones, recordando a los trucos de Radiohead entre ‘The Bends’ y ‘OK Computer’ y ahora también a los R.E.M. más electrónicos de ‘Reveal’ y ‘Up’. Uno casi que se queda con más ganas de que continúen tirando de folclore u otros ritmos como hacen en ’23 de junio’, pero qué alegría para todos es que una banda de éxito no se conforme con replicar el sonido de sus aciertos comerciales. Sí, es posible que te empiecen a gustar Vetusta Morla aunque nunca comprendieras ‘Un día en el mundo’.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Te lo digo a ti’, ‘Palmeras en La Mancha’, ’23 de junio’, ‘Consejo de sabios’ Te gustará si te gustan: los Radiohead de los 90, los R.E.M. de 2001, los anteriores Escúchalo: Spotify
Superado ya el sambenito de artista precoz, la guitarrista, compositora y cantante vigitana Núria Graham se enfrenta al examen de su segundo disco. ‘Does it Ring a Bell?’, publicado por El Segell del Primavera Sound el pasado viernes, debe significar la confirmación de su autora como una de las figuras llamadas a liderar su generación. Más allá de su género, un tipo de pop-rock elegante, íntimo y personal, Graham va moldeando su estilo y manera de tocar como su forma básica de expresión, con inquietudes que parten donde muchos pondrían su techo. Ante todo es guitarrista, y como tal, es cada vez más reconocible. Recientemente seleccionada entre los 26 artistas que participarán en el ciclo Girando Por Salas, es momento de conocer en profundidad a la catalana, ahora que su disco podrá ser presentado en el resto de la península. De hecho, mañana mismo –10 de noviembre– estará en El 21 de Huesca, y el sábado 11 en la sala Matisse de Valencia.
Así, de primeras, ¿cómo definirías tu nuevo disco en dos palabras?
Crudo y sincero.
Aunque suena fundamentalmente a ti, como tu primer álbum, en ‘Does it Ring a Bell?’ se nota un proceso de maduración y de asentamiento de tus características musicales. ¿En qué ha cambiado la Núria Graham del primer disco con respecto a la de ahora?
Han pasado casi tres años. Después de acabar la gira estuve un año tocando poco, con mucho tiempo libre, y me han pasado muchas cosas. A nivel personal han cambiado muchas cosas en mi vida y creo que se nota en la letra y en la música. He analizado mi parte más oscura en un proceso de conocerme a mí misma, y a nivel musical creo que es exactamente lo mismo: quiero conocerme más e investigar quién soy, sobre todo a nivel guitarrístico. Más que con pedales y efectos, con mi propio sonido, mi manera de tocar o con diferentes afinaciones. Me gustan las afinaciones abiertas.
Te sientes más guitarrista que cantante, ¿verdad?
Sí, por delante de todo soy guitarrista: siempre ha sido mi manera de expresarme. No hay día que no coja la guitarra y me ponga a tocar. Mis ideas básicamente salen de ahí. También puedo utilizar el piano, pero me gusta mucho el sonido que sale de mi guitarra: es más sincero que mis propias palabras.
Una vez te describí como una compositora nocturna y te sentiste identificada. Dijiste que ‘Bird Eyes’ no era precisamente un disco para escuchar bajo el sol. ‘Does it Ring a Bell?’, sin embargo, parece más bien mitad nocturno y mitad diurno. ¿Lo crees así?
La mayoría de estos temas los escribí por la tarde o incluso por la mañana. Me levanto temprano y suelo ser bastante productiva: toco mucho. No creo que sea un disco muy nocturno, aunque tampoco te pone a tope. Yo no conduzco, pero me imagino un trayecto en coche por la tarde, cuando se va yendo el sol, poniéndome mi disco, y creo que me sentaría bien.
Las canciones hablan de amores que se acaban, de confesiones casi vergonzosas y parecen muy autocríticas. ¿No es contradictorio que luego haya una que se llame ‘Hide Your Emotions (Somewhere Safe)’?
Esto dice mucho de mí: las dos caras. Pasa lo mismo con la portada del disco: hablo de noches de bares, alcohol y demás, y luego en la imagen hay un vaso de agua y unas flores. Creo que el disco es fruto de un proceso de búsqueda del desastre: hablo del bar, hago alguna referencia a las drogas pero, sobre todo, al fin de una relación que me marcó; y ha sido una forma de sacarme la mierda. Es autocrítico pero también es una manera de auto-perdonarme. Una vez hecho ya estoy más tranquila. Es como si me hubiera despedido de la Núria de esa etapa.
¿Como una confesión…?
Sí, un poco. Como no soy religiosa puede que use la música para confesarme (risas).
Porque, ¿qué cambiarías de tu vida?
Soy una persona bastante caótica y desastrosa a nivel de organización, y en el plano emocional también. Soy muy pasional, me dejo llevar y a veces me la pego. Tampoco lo cambiaría porque me ayuda a ser quien soy, y es por eso que hago música. Pero ser pasional quiere decir que cuando estoy bien estoy súper bien y que cuando estoy mal estoy súper mal. Así que tengo que ir combinando las dos Núrias. Estoy intentando separarlas y, de hecho, en muchas cosas que he escrito me hablo a mí misma como si fuera otra persona. Pero no sé qué cambiaría realmente porque todavía no sé quién soy.
Es curioso lo que dices porque te iba a preguntar precisamente por la canción en la que utilizas tu segundo nombre.
Hay gente que no sabe que mi segundo nombre es Mariana, pero sí, esa canción habla precisamente de esa otra cara de Núria. Supongo que es la Núria de noche… o no sé: hay muchas facetas de Núria (risas).
Siendo una persona caótica en todos los sentidos de la vida, he encontrado algo que tiene sentido en mi caos: la música
En una reciente entrevista te defines, efectivamente, como una persona caótica, frente a la calma y maestría de Joan Pons [NdE: de el Petit de Cal Eril y productor del disco], con quien te has complementado muy bien. ¿Ha sido la clave para que tu disco suene tan reposado y claro?
Creo que es porque, siendo una persona caótica en todos los sentidos de la vida, he encontrado algo que tiene sentido en mi caos: la música. En mi caos encaja perfectamente y además resulta ser algo que me representa. Pero al ser caótica como persona, haciendo música soy igual: cuando estábamos trabajando con Joan, por ejemplo, cada semana llegaba con muchos temas nuevos y necesito a alguien que me diga “Núria, contrólate”. Porque si por mí fuera ya estaría grabando otra vez, me pasaría la vida dentro de un estudio. [Risas]
¿Te ves teniendo un estudio en el futuro?
Me encantaría: es mi sueño. Tocar en directo me encanta, me lo paso súper bien, pero si tuviera mucho dinero lo que me gustaría hacer es grabar todo el rato. Es que tengo tantos temas que no me da tiempo ni de grabarlos. A nivel de producción también he aprendido mucho de Joan. Y es la parte que más me emociona últimamente: no solo hacer música y tocar mucho la guitarra sino también obsesionarme con la producción y el sonido. Me gustaría, dentro de unos años, poder ser yo quien tome todas las decisiones: por ejemplo, con qué micrófono vamos a grabar el bombo de la batería.
¿Cómo surgió trabajar con Joan Pons? Supongo que influyó que El Petit de Cal Eril sea uno de tus grupos favoritos, ¿no?
Cuando empecé a tocar, en 2013 o así, ellos sacaron ‘La figura del buit’ y era uno de mis discos favoritos: lo escuchaba prácticamente cada día. Entonces les conocí porque coincidimos en un festival y ya nos fuimos encontrando a menudo. Luego cuando quise grabar el disco sabía que quería hacerlo en directo con mis músicos, pero a nivel de producción quería pensar el sonido. Y me decía: “quiero algo muy seco y muy sincero, quiero grabarlo, irme con mi banda unos cuantos días allí”. Llamé a Joan, le dije que quería grabar el disco con él, quedamos unos cuantos días para hacer las pre-maquetas y luego ya grabamos con la banda. Fue un proceso guay también por el esfuerzo de grabarme yo misma las canciones con él: decidiendo yo qué hacía la batería, qué hacía el bajo. Un proceso interesante y muy guay.
[Al hablar de mí] ya no se hace tanta referencia a la edad y me hace muy feliz
¿Te has quitado ya el sambenito de artista jovencísima y precoz? ¿Lo notas menos a tu alrededor?
Yo creo que sí. A ver, todavía soy joven y espero que la gente tampoco me considere ahora como una artista veterana [Risas]. Pero es verdad que ya no se hace tanta referencia a la edad y me hace muy feliz. Al principio también entendía que me preguntaran por la edad: tenía 17 años. Y claro que noto que llevo menos años en este mundillo y que me faltan muchas cosas por aprender, pero es súper guay porque tengo todo ese tiempo por delante para aprender.
Recientemente has sido seleccionada entre los 26 artistas que participarán en el ciclo Girando Por Salas, entre más de 1.000 candidatos. ¿Qué supone ese éxito para ti?
Considero que he tenido mucha suerte porque ahora, sacando el nuevo disco, quiero hacer una gira por España. Y claro, no es fácil: la cosa no está para tirar cohetes a nivel económico. ¿Cómo te lo montas para llenar una salsa? No sabes nunca cómo irá: vamos los cuatro músicos, tienes que pagar al técnico, tienes que ir en coche. No es fácil montárselo, hay que picar piedra. Ahora tenía muchas ganas, es muy necesario, y claro, con GPS tienes asegurado todo eso. Y la promo y todo… es que no me puedo quejar, claro, para mí es un regalo.
¿Qué vas a hacer con el premio? Tenemos entendido que son 2.500€.
Sí, en principio estaba destinado a hacer algo de promo, pero la verdad es que aún no lo tenemos claro. Hay que pensarlo. Igual hacemos un vídeo en directo, pero aún no tengo ni idea.
Me estaba autodestruyendo expresamente, todo eso pasó porque yo quería ir hacia la oscuridad
Volvamos al disco. En ‘Does It Ring A Bell?’, una confesión ambigua (al final no nos queda claro por qué besaste a Ann…), hay una referencia a “the cave”. ¿A qué te refieres? Porque tienes un EP que se llama así, está La Cava Jazz de Vic, que ha sido como tu santuario… es algo simbólico, imagino…
Es simbólico, evidentemente. Cuando escribo las letras no sé muy bien qué estoy diciendo hasta que las termino. Y entonces entiendo qué estaba intentando decir. Esto hace referencia a una historia muy larga: hace exactamente un año, después de una ruptura, pasaron cosas; y hablo de todo eso: las memorias del comedor de esa casa, que, de hecho, es el de la portada del disco, donde además escribí la canción. Pero cuando hablo de “the cave” hablo más bien de esa oscuridad, de volver a una cueva. Al final la conclusión es que me estaba autodestruyendo expresamente, todo eso pasó porque yo quería ir hacia la oscuridad, porque es lo que necesitaba en ese momento. Pero luego se acaba la oscuridad.
Entre todas las canciones quiero destacar dos: ‘Peaceful Party People From Heaven’ y ‘Morphine’, por su contundencia y garra, y por lo que parece una inmersión en la distorsión. Más en la línea de tus últimas actuaciones.
‘Peaceful Party People From Heaven’ es mi favorita y es verdad, se parece más a lo que hacemos ahora en directo, donde todas estas suenan súper distintas. Las estoy haciendo con una guitarra eléctrica de 12 cuerdas que me he comprado y es un sonido nuevo: es que ya estoy renovando el sonido del disco. Así que en canciones como ‘Peaceful Party People From Heaven’ es donde más identificada me siento. Además, a nivel guitarrístico y musical son momentos en los que la banda estamos todos a una. En ‘Morphine’ también. Esta es una canción que cuando la hice ya sabía que sería para acabar: siempre tuve muy claro en qué orden iban a ir las canciones en el disco. No podría ser de otra manera.
Pero, ¿vas a desarrollar más esa faceta eléctrica y/o desmelenada, no solo en directo, sino también en disco?
Sí, creo que voy hacia allí. Aunque depende de la temporada, ahora mismo estoy en un punto muy de hacer temas con su letra, estoy bastante calmada últimamente; pero tampoco quiere decir que de aquí a un año no esté haciendo algo súper trallero. No es que cambie el estilo, sino que cambio la manera de expresarme. El EP, por ejemplo, suena muy trallero porque en aquel momento tenía ganas de hacer eso. Lo que sí es verdad es que me siento muy cómoda en directo con canciones como ‘Peaceful Party People From Heaven’.
Siendo que el disco suena fundamentalmente a ti, hay trazas de St. Vincent en ‘Lucifer Sam’, de Mac DeMarco en ‘Sinner’ y, en general, de algo entre Angel Olsen y Courtney Barnett. ¿estás de acuerdo con estas cuatro referencias básicas?
Sí, podría ser. St. Vincent no es algo que haya escuchado mucho ni con lo que me sienta muy identificada últimamente. A Courtney Barnett sí que la he estado escuchando mucho y me gusta: me entra bien. Como Kurt Vile o Cass McCombs. De hecho, el bajista de Cass McCombs es quien ha mezclado el disco. También he escuchado a Mac DeMarco, ahora ya no tanto pero creo que al final todo queda. Escucho mucha música: también bossa nova, jazz y cosas súper raras; y luego cuando hago un disco me limito a hacer lo que a mí me sale. Pero hay todo ese bagaje.
¿Qué te llama la atención últimamente?
Me he puesto a investigar mucho en la música negra: música para pinchar, como Fela Kuti, o el soul. El otro día con mi teclista estábamos escuchando a Gino Paoli [Risas], sus arreglos, ese estilo de los años sesenta. No sé, me flipa. Estoy bastante nostálgica de un pasado que…
Me sienta de puta madre poder escuchar un álbum como ‘Bitches Brew’ y luego ponerme a hacer mi música
…que no viviste.
Sí, por eso. Mucho jazz: Miles Davis es lo que más he escuchado. Que luego la influencia a nivel musical no se nota y a nivel personal tampoco me identifico para nada, pero en cambio me sienta de puta madre poder escuchar un álbum como ‘Bitches Brew’ y luego ponerme a hacer mi música.
Ahora que mencionas el pasado, parece que en el disco hablas del pasado y del futuro casi como conceptos emocionales, ¿no crees?
Sí. Hay una canción que no está en el disco que habla de eso: del pasado como algo que no he vivido. También en ‘Cloud Fifteen’ hago referencia a una cara que ya había visto y hablo de mi vida pasada. Soy una persona muy espiritual y creo en estas cosas raras: que todo pasa por algo. Además tengo una relación extraña conmigo misma, con la Núria del pasado. El otro día, por ejemplo, me encontré un montón de papeles con música que escribía con 12 o 13 años y hablaba de cosas que me están pasando ahora. Creo en esa relación: que todo está conectado. Hay una línea temporal pero en el fondo siempre eres tú misma. Y creo que hay una comunicación entre el pasado y el futuro.
Pero luego hay una canción, ‘Smile on the Grass’, en la que parece que le das mucha importancia al presente. Como si el pasado y el futuro tuvieran tanto valor emocional para ti que a veces tienes que meterte en un paréntesis y recordarte que hay que disfrutar del momento presente.
Sí, eso intento. ‘Smile on the Grass’ es una canción que, en principio, no se sabe a quién va dirigida, pero mi conclusión es que va dirigida a mí misma. No me acuerdo de dónde saqué la idea, pero un día me iluminé y la letra salió sola de arriba abajo. Luego pensé “¿de quién estoy hablando?”, porque también era después de una ruptura, pero al final me estaba hablando a mí misma. “Una sonrisa cae en la hierba” en ese momento tenía sentido por todo lo que me había pasado.
Es como si dijeras “vale que tengo un pasado, vale que tengo proyecciones de futuro, pero es momento de parar y disfrutar de lo que hay, de lo que tengo debajo”.
Exacto.
Y sonreír y punto.
Sí, ese es precisamente el rollo de la canción.
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