5 incógnitas de 2017 que no se terminan de resolver y un bonus track

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26 octubre, 2017

No, Portishead no han vuelto. Ni se ha filtrado un descarte de ‘Post’ que sea más digerible que ‘the gate‘, ni Saint Etienne han conseguido otro top 40, ni sabemos qué esperar aún de la reunión de Elastica. Sin embargo, sí podemos recopilar 5 pequeñas alegrías para el melómano treintañero o cuarentón que se suman a los regresos de Morrissey, Mogwai o Goldie, al concierto semi sorpresa de las Breeders o al cambio de rumbo en la vida de William Patrick Corgan.

¡Kevin Shields tiene nuevo tema!

Seguimos sin saber absolutamente nada del hipotético nuevo EP o de un nuevo disco de My Bloody Valentine. Quizá habrá que esperar más de 20 años a lo ‘Twin Peaks’ como sucedía con el nada decepcionante ‘m b v’. Pero lo que sí conocemos esta semana es un nuevo tema de su líder Kevin Shields, una delicia de ambient de 9 minutos que ha ideado junto a Brian Eno para la serie de curiosidades de Adult Swim. La presencia de Eno en ‘Only Once Away My Son’ es inequívoca, pero también se perciben las ambientaciones y distorsiones asfixiantes que han caracterizado la carrera de ese friqui del sonido -para muy bien- que es Kevin Shields.

Slowdive han hecho un vídeo

Quienes han vuelto después de más de 20 años son Slowdive, y publicando uno de los mejores discos de 2017, tan convencidos de su calidad que a estas alturas de la película han decidido dejarlo en homónimo. Para recordarnos su existencia, el grupo ha estrenado un vídeo en Apple Music para una de sus mejores canciones, ‘Don’t Know Why’. Grant Singer, conocido por su trabajo para macroestrellas tamaño Ariana Grande y The Weeknd, ha resultado ser seguidor de Slowdive, y les ha creado una fantasía surrealista que va «menos sobre la lógica y más sobre una sensación. Es sobre un recuerdo tríptico de ser abandonado y estar perdido». Puede verse aquí.

Los Planetas, también

También tienen nuevo vídeo unos grandes seguidores de Slowdive, Los Planetas, que han estrenado uno para una de las canciones de su último disco. El collage de ’Zona autónoma permanente’ no logra hacernos recordar la maravilla de DVD con videoclips que publicaban hace unos años, pero sí sirve para recordar la buena calidad de su primer disco en nada menos que 7 años.

Hay rareza de Broadcast

Hace unas semanas, coincidiendo con el que tendría que haber sido el cumpleaños de Trish Kennan, fallecida en 2011 por una estúpida infección contraída durante una gira australiana, su pareja y miembro restante de Broadcast compartía una rareza inédita. Se trata de una demo de ‘Tunnel View’ que además no se corresponde con sus últimos trabajos más experimentales, sino con su vertiente más cercana al folk psicodélico sesentero.

Wu-Tang (Clan) nos introducen una maravilla de los años 60

Este mes se ha editado un nuevo disco de Wu-Tang Clan. El séptimo largo de su carrera y primero en tres años ha tenido que ser firmado como Wu-Tang porque en él falta U-God, pero sí cuenta por ejemplo con Method Man al frente de pequeñas joyas que retrotraen a los 90 como ‘If Time Is Money (Fly Navigation)’, de repetitiva percusión infantil, en contraste con los disparos a modo de ritmo de ‘Hood Go Bang’. Hay lyric video conjunto para ambas y otro para el single principal ‘People Say’ con Redman, el cual samplea una canción del grupo sesentero perdido The Diplomats (no confundir con la banda de hip-hop), ‘I’ve Got the Kind of Love’. Fue cara B de su versión de ‘In The Ghetto’.

Bilbao BBK Live abre la veda festivalera de 2018 confirmando a Gorillaz y The xx

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26 octubre, 2017

Se abre la veda festivalera cara a 2018. Bilbao BBK Live es el primer macrofestival en anunciar cabezas de cartel. Los dos nombres que revela hoy a través de un vídeo de Facebok son Gorillaz y The xx. El festival bilbaíno se celebra entre los días 12 y 14 de julio, por lo que de nuevo coincidirá con MadCool y ya tiene sus abonos a la venta en su web al precio de 80 euros (el cámping son 10 euros más). La oferta tan solo durará hasta el domingo a la 13.00.

Gorillaz presentarán su último disco, algo largo de más y disperso en sus múltiples colaboraciones, ‘Humanz‘, pero seguramente todo un espectáculo de ver en vivo, pues la banda conceptual de Damon Albarn se ha caracterizado por supuesto por la originalidad de sus directos, de espectaculares proyecciones y excelentes músicos y coristas. La nota de prensa de Bilbao BBK Live no especifica cuántos colaboradores o músicos podremos ver esta vez en el escenario.

Por su parte The xx volverán a nuestro país para traernos las canciones de su tercer álbum, uno de los mejores de 2017, ‘I See You‘, del que se han extraído grandes singles como ‘On Hold’, ‘I Dare You’ o ‘Say Something Loving’.

Twiggy Ramirez, ya ex Marilyn Manson, pide disculpas tras haber sido acusado de violación

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26 octubre, 2017

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Twiggy Ramirez ya no es bajista de los directos de Marilyn Manson después de haber sido acusado de violación por la que fuera su pareja en los últimos años 90, Jessicka Addams de la banda riot grrrl Jack Off Jill. En sintonía con las denuncias públicas de varias actrices y cantantes durante los últimos días, Addams ha acudido a Facebook para revelar que su relación fue abusiva. El líder de Marilyn Manson declaraba: «Sabía que Jessicka y Jeordie mantuvieron una relación hace muchos años y consideraba y sigo considerando a Jessicka mi amiga. No conocía estas acusaciones hasta hace poco y estoy triste por el evidente dolor de Jessicka».

Jeordie White «Twiggy Ramirez» ha contestado, pidiendo disculpas, como recoge Rolling Stone: «Me acabo de enterar de las acusaciones con respecto a algo de hace más de 20 años. No estoy a favor del sexo no consentido de ningún tipo. Necesito tomarme un tiempo con mi familia y concentrarme en mantener mis muchos años de sobriedad. Si he causado a alguien algún dolor, pido disculpas y de verdad que me arrepiento». Un post en su muro de Facebook fechado el 6 de noviembre de 2015 celebraba que entonces Twiggy Ramirez llevaba «5 años sobrio», desde 2010, por tanto.

¿De verdad no debe la prensa musical cuestionar a los artistas y sus fracasos?

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25 octubre, 2017

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Kate Nash, recordada sobre todo por su disco de 2007 ‘Made of Bricks’, que incluía el mini hit ‘Foundations’, está muy enfadada porque Buzzfeed la ha incluido en una lista llamada «33 cantantes que sólo existen en la memoria de los millennials británicos». El top es una clasificación de, en general, gente que un día tuvo algún tipo de éxito pero ya no, e incluye tanto one hit wonders como artistas que no han repetido el triunfo de su pasado tanto en lo comercial como en lo artístico y otros que, ciertamente, diría que «sólo existen en la memoria de los millennials británicos».

La lista incluye a gente como 5five, Little Boots, La Roux, Estelle, Katie Melua o Rachel Stevens. Kate Nash, que ha sacado un EP este año y ha aparecido en la serie de Netflix ‘GLOW’, ha acudido a Twitter para expresar su cabreo. NME recopila algunos de sus interesantes tuits, en los que indica que ella sigue apareciendo en los medios con frecuencia y que precisamente eso le ha dado fuerza para enfrentarse a Buzzfeed. «Tengo enormes problemas con el modo en que la industria predispone a los artistas. Se trata de una carrera difícil de mantener. Creo que es importante no ridiculizar a los artistas que han sido echados de los sellos o ya no están en las listas. La mayoría de los artistas y yo luchamos para ser capaces de seguir adelante, muchos tienen que dejarlo y esto es triste porque el jodido arte importa. Así que jódete por reírte de artistas independientes. Lo siento pero para mí no es una broma».

La cantante ha hecho hincapié en que ahora se encuentra bien, pero insiste en que «durante estos 10 años ha habido muchas veces en que mentalmente, financieramente, emocionalmente o físicamente» no ha estado bien. «Y durante estos tiempos de mierda algo como esta lista podría haberme destrozado seriamente. Y quizá alguien en esa lista lo está pasando como la mierda».

Antes de que llegara la sangre al río, un portavoz de BuzzFeed ha enviado un comunicado indicando: «Nos encanta Kate Nash y realmente queríamos ser como ella. Muchos posts de BuzzFeed evocan la nostalgia hacia las cosas que nos encantan y este era uno de ellos, definitivamente no está hecho para ser tomado de manera literal. Le deseamos lo mejor a Kate».

El texto de Kate Nash es una reflexión más sobre los juguetes rotos que deja la monstruosa industria musical, en la que un día eres lo máximo y a los quince días nadie te recuerda; los contrastes entre la adoración y la sobreexposición de los años buenos y el olvido generalizado al poco; y por supuesto todo lo que ello conlleva a nivel económico y psicológico. Lo normal es que un artista en el mundo del pop-rock despunte muy joven, cuando evidentemente no está asentado, como ella dice, «mentalmente, financieramente, emocionalmente o físicamente». Y que más pronto que tarde se encuentre en la ruina. El porcentaje de quienes llegan a la edad de jubilación conservando a su público es desolador.

No defenderé el artículo de BuzzFeed, una broma improvisada en la que curiosamente se castiga a las artistas femeninas de música pop (como si no hubiera habido grupos de rock que nadie recuerda, y one hit wonders masculinos que ídem, por citar un par de nombres no aparecen ni Frankmuzik ni The Bravery), y digo curiosamente porque sus autoras son dos mujeres. Sin embargo, frente a la sensatez de algunas de las palabras de Kate Nash, como la poca delicadeza con la que a menudo apuntamos a los fracasos de los demás, hay que hablar una vez más de las dificultades de la prensa musical para hablar mal de ciertos artistas sin que el público o los propios artistas lo perciban como clickbait, sensacionalismo o «haterismo».

No comparto la crítica de Pitchfork hacia el último disco de Ed Sheeran, porque creo que en algún lugar de la cabeza de este hay un buen compositor y un artista por encima de la media. Pero no es saludable que Jessie Ware piense que es «mezquino» que este medio puntuara ‘Divide’ de Ed Sheeran con menos de un 3/10. «Es mezquino y lo sabéis, para eso no lo reseñéis», increpó al medio americano durante una charla reciente. Sería interesante hablar de por qué las críticas a Sheeran son más favorables en su país que en Estados Unidos, cuán underground es el background de la persona que realizó aquella crítica, por qué Sheeran no era reseñado por este medio y ahora sí, o a qué target se dirigía esa crítica… ¿pero de verdad es «mezquino» publicar una reseña negativa de un disco como las que leemos a diario sobre cine? ¿Es que en el cine no trabajan personas que tengan que enfrentarse a diario al éxito y al fracaso? ¿En serio Jessie Ware nunca ha consultado una crítica de cine para decidir si ver una película o no y considera saludable leer solo críticas positivas? ¿Por qué se puede decir que una película ha decepcionado en taquilla pero no que un disco ha sido un fracaso?

De la misma manera que los políticos de todo el mundo se enfrentan al examen de los analistas políticos, un futbolista que hace un mal partido se enfrenta a la prensa deportiva, o una empresa que se gestiona mal a la prensa económica, las decisiones artísticas y comerciales de los músicos es normal que se enfrenten al análisis de la prensa musical. Un interesante artículo hace unos años que muchos de nuestros comentaristas recordaréis (lo siento, no he sido capaz de localizarlo online) retrataba que prácticamente todos los discos de cierta publicación estaban puntuados entre 6 y 8 y acusaba a la prensa musical de ser demasiado servicial con los artistas, insinuando relaciones de colegueo o una dependencia publicitaria desorbitada. Yo no creo que haga falta irse tan lejos: no he conocido otra cosa que la decadencia de la industria musical, y por tanto percibo las presiones hacia la prensa musical bastante idealizadas. En realidad lo más preocupante me parece la constante autocensura. A diferencia de lo que sucede en otras áreas, parece existir un acuerdo tácito en favor del «si no te gusta algo, no hables de ello» que es obviamente dañino para la profesión periodística («¿si no te gusta Rajoy, no hables de él?» o, yéndonos a territorios más superfluos «¿si el Real Madrid empieza mal la temporada, no hables de ese equipo?») y tampoco termino de comprender en qué beneficia al artista ese silencio, que implica, por ejemplo, que en este país a duras penas existan críticas de discos de la mayoría de los álbumes españoles más vendidos de este año o de casi cualquiera de los más vendidos de este siglo. Sí, es posible que Pablo Alborán saque disco y en su semana de salida encontremos en la red 1 reseña, 2… o ninguna de su largo, el más esperado de la industria española.

Podemos cuestionar la importancia de la crítica musical en la era de las redes sociales o la pertinencia de artículos que se ceban con fracasos de algunos artistas como el de BuzzFeed, pero tengo la certeza de que de críticas constructivas y análisis del porqué de un fracaso, muchos artistas han tomado alguna que otra idea para mejorar y corregir tics, o, por el contrario, para reafirmarse más en su camino. Lo seguro es que no podemos tomarnos más en serio la música pop que la política o la economía, y en ese sentido hay que elogiar el sentido del humor con el que gente como James Blunt afrontan las reseñas de sus discos o mismamente la sonrisa con que Jessie Ware hizo esta declaración. Su cara en el fondo parecía estar diciendo: «Bueno, esto es solo música pop, ¿recuerdas?».

Las claves visuales de los vídeos de Björk, MGMT, St. Vincent, Vetusta Morla y Fever Ray

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Joric

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25 octubre, 2017

Elegimos cinco videos de entre la avalancha de estrenos de estas últimas semanas. Una nueva tanda de clips musicales para diseccionar como un psicópata con un cuchillo de cocina en Halloween.

The Gate (Björk)

La égloga es una composición poética de tema amoroso caracterizada por una idealización de la vida campestre que suele estar protagonizada por pastores que expresan su amor en entornos bucólicos. El nuevo vídeo de Björk se puede ver casi como una reinterpretación en clave fantástica de este viejo género en desuso. La cantante, ataviada como una pastorcilla, toca la flauta en lo alto de una colina mientras una suave brisa acaricia la hierba y sus cabellos. Tras esta introducción, que podría haber firmado el pintor François Boucher, pasamos a un entorno más abstracto, en la línea de los vídeos que ilustraron el anterior ‘Vulnicura’. El contexto cambia, pero el texto se mantiene: un diálogo amoroso, neoplatónico (como el género pastoril), que, por medio de largos planos-secuencia, establecen un grupo de lepidópteros que parecen danzar en medio de una aurora boreal. Björk expande su amor cósmico e iridiscente vestida de Gucci y cubierta con sus habituales máscaras diseñadas por James Ferry.

Little Dark Age (MGMT)

No parece casualidad que el vídeo de ‘Little Dark Age’ se haya publicado justo antes de Halloween. David MacNutt -que ya colaboró en anteriores trabajos con MGMT- y Nathaniel Axel dirigen esta fantasía gótico-surrealista que parece una fiesta de disfraces de la noche de difuntos. El video, rodado con mucho plano corto y zoom, está articulado a través de algo parecido a tres líneas argumentales. La primera tiene como protagonista a una especie de azafata de congresos despistada que al entrar en un viejo caserón “despierta” a los fantasmas que allí habitan. En la segunda aparece el teclista Ben Goldwasser ataviado como un poeta maldito, a quien su afición por la absenta le hace ver a la Muerte como si fuera el protagonista de ‘El séptimo sello’ (1957). La tercera introduce un giro metalingüístico en el que vemos el rodaje del propio vídeo con el cantante Andrew VanWyngarden homenajeando a Robert Smith. Las tres líneas argumentales serpentean durante todo el vídeo para ofrecernos un catálogo de imaginería gótica, salpicaduras de fetichismo y un explícito tributo al célebre ‘The Golden Days’, de Balthus.

Los Ageless (St. Vincent)

El quirófano como la nueva peluquería. St. Vincent ironiza en su nuevo vídeo sobre la obsesión por la belleza y el culto a la perfección física. Con una estética colorista y perturbadora, que remite a las fotografías de Guy Bourdin, el director Willo Perron (autor también del vídeo ‘Birth In Reverse’) presenta a Annie Clark interpretando varios roles de “angelinas sin edad”. A las distintas St. Vincent les estiran la cara como en la famosa escena de ‘Brazil’ (1984), aparecen vendadas como en ‘Los ojos sin rostro’ (1960), con trajes de tigre como en ‘La piel que habito’ (2011) o viendo la “televisión real” de ‘Videodrome’ (1983). La filosofía de la “Nueva carne” que alumbró David Cronenberg aparece convenientemente plastificada y embasada al vacío. Una distopía cosida en cuerpos sin edad, que se alimentan de sushi “orgánico”, se ejercitan como una masa sin rostro, y cuya posibilidad de rebelarse acaba como un gran “No” hecho trizas en una trituradora.

Te lo digo a ti (Vetusta Morla)

Tras ‘Go back to Spain’ (Bravo Fisher) y ‘Planilandia’ (Lori Meyers), Nacho Vigalondo vuelve a dirigir un vídeo musical. ‘Te lo digo a ti’ juega con el estribillo de la canción para narrar un interrogatorio que se desarrolla bajo una inquietante luz de fluorescente averiado, y fluctúa entre la pesadilla kafkiana y la comedia dadaísta. Vigalondo, travestido a lo Ed Wood en ‘Glen or Glenda’ (o a lo Millán de Martes y Trece), recibe las acusaciones de dos policías: la “poli buena”, Lolita, cuyos brazos acusadores se estiran como en una fantasía de Michel Gondry; y el “poli malo”, Nacho Vegas, cuya elocuencia como cantante se ve reducida en la ficción a una sonora bofetada. El director contrapone persona y personaje, realidad y ficción, para añadir desconcierto a la narración y descontextualizar una secuencia típica del cine policiaco. El vídeo ilustra con humor una historia de terror: el miedo a ser señalado, el temor, tan hitchcockiano, a ser culpado de algo que no has hecho o no recuerdas haber hecho. Algo así como el reverso cómico de la aterradora ‘The Night Of’.

To The Moon And Back (Fever Ray)

Otro vídeo que podría proyectarse durante una fiesta de Halloween… de hace algunos años (junto a los de Marilyn Manson). El estilizado ‘To The Moon And Back’ comienza con una figura rubia platino (que podría ser Nacho Vigalondo con peluca), llegando, como si fuera un Renfield posmoderno, hasta la tumba de una Nosferatu ciberpunk. Fever Ray despierta entre tiritonas y destellos lumínicos, y comienza a andar por lo que podría ser el extrarradio de una ciudad cualquiera de ‘Blade Runner’. La aparición de un grupo de mujeres, que parecen recién salidas de un club de fetichismo, transforma el paseo nocturno de la cantante-vampiresa en una tea party que reinterpreta, en clave BDSM, el clásico eufemismo lésbico. Karin Dreijer se bebe el té que le escancia una de sus amigas y, como en una orgía vampírica, descansa saciada de deseo. Luego vuelve Nacho Vigalondo y la recoge como quien recoge a una borracha tras una despedida de soltera en Magaluf.

‘rockstar’ de Post Malone: ¿un posible clásico del pop o una canción totalmente random ?

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JNSP

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25 octubre, 2017

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Parte de la redacción evalúa ‘rockstar’, el éxito de Post Malone y 21 Savage, número uno a ambos lados del Atlántico y la canción más escuchada en Spotify en el mundo:

«Post Malone ha conseguido un señor hit con ‘Rockstar’, y no se puede decir que sea inmerecido. La canción, que crece con las escuchas, no solo tiene buenos ganchos: engancha muchísimo su atmósfera, que recuerda a lo que ya ha hecho pero también a un posible hijo entre Massive Attack y el sonido trap, y una letra en la que repasa irónicamente los excesos de una estrella del rock, como ya hicieran MGMT en ‘Time to Pretend’, referenciando incluso a The Doors (she ask me light a fire like I’m Morrison). Sin duda, este nuevo tema hace que tengamos muchas ganas de conocer el resto de los componentes del disco que dará continuación al interesante ‘Stoney’.» Pablo N. Tocino

«Por más que Post Malone cite a los malogrados Bon Scott (AC/DC) y Jim Morrison (The Doors) y que en su letra busque su propio reflejo, actualizado (pastillas y Uzis), en el rock ‘n roll way of life, ‘rockstar’ es puro pop, una rabiosa representación del pop de nuestros días, que en el plano musical se alimenta tanto de la melodía como del hip hop más oscuro y en el lírico busca la evasión en el consumo –en toda la extensión de la palabra– más extremo. Hasta el punto que su propio sello ha reducido el audio oficial del tema en Youtube a… ¡un loop con tan solo su estribillo! Pero en realidad, hay suficientes cosas interesantes en ‘rockstar’ como para reducirlo a un mero jingle: ese giro a lo The Weeknd de la segunda mitad del primer verso, el drop (que más que eso es una brutal pausa dramática) previo a la entrada vocal del estribillo, la buena base de Tank God, el ágil verso de 21 Savage… Habrá quien perciba a Post Malone y ‘rockstar’ como el culmen (anti)estético de una sociedad disfuncional, de acuerdo, pero también puede que en 20 años esto sea todo un clásico de la música popular.» Raúl Guillén

“Ha llegado el momento en que tenemos que tomarnos a Post Malone en serio como estrella del pop y no creo que por ‘rockstar’ lo merezca. El músico tiene mano para hacer canciones trap melódicas, habitualmente envueltas en producciones líquidas y atmosféricas en las que es fácil sumergirse, pero viniendo de la frescura de ‘White Iverson’, melódicamente ‘rockstar’ se me hace más holgazana y conformista incluso que ‘Congratulations’. ¿De verdad esta canción totalmente es random lo mejor que puede ofrecer Post Malone ahora mismo?” Jordi Bardají

William Patrick Corgan se merienda ‘Wrecking Ball’ ahora que es baladista

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25 octubre, 2017

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William Patrick Corgan, el nombre con el que Billy Corgan ha publicado el disco ‘Ogilala’, tiene una nueva sorpresa para el mundo. Aprovechando el carácter intimista, a piano y guitarra, solemne, de su nuevo proyecto y su «nuevo» nombre, ha realizado una versión de cortar el hipo de ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus. Si hasta ahora habías percibido la emoción contenida de canciones como ‘Zowie’, ‘Aeronaut‘ o esa ‘The Spaniards‘ que dedicó a lo españoles, espera a escuchar lo bien que le sienta el que ha sido el mayor hit de Miley. No hay ironía alguna de hecho en su reivindicación, pues el conocido como líder de Smashing Pumpkins ha dicho que la cantante es una «estrella del pop mejor que el 99,99% restante».

William Patrick Corgan ya había interpretado la canción en vivo en algún show, pero el nuevo vídeo de Jimmy Fallon tiene la calidad que deseábamos. Os recordamos que el artista ya había hecho sus pinitos solo aparte de al frente de Smashing Pumpinks, en discos como ‘TheFutureEmbrace’ (2005), con un portadón que es para recordarlo, en este caso bajo el nombre de Billy Corgan; y también con un proyecto llamado Zwan. En el único disco de estos, ‘Mary Star of the Sea’ (2003), escribió todo solo excepto un tema con Paz Lenchantin, a la postre en Pixies, y un par de canciones tradicionales.

Birkins / Aquí hay dragones

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Raúl Guillén

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25 octubre, 2017

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¿Permanecer fiel a sí mismo o aventurarse, avanzar por caminos desconocidos y, por tanto, menos sólidos? Supongo que este debate, o uno similar, sobrevendrá a cada músico a la hora de concretar una nueva obra discográfica. En todo caso, el cuarteto grancanario Birkins ha optado por esa segunda opción que posiblemente sea la más valiente y también la más complicada. No es, en todo caso, una renuncia abierta a lo logrado en sus tres discos pretéritos –‘The Birkins’ (2011), ‘Châteux en Espagne’ (2013) y ‘Souvenirs’ (2015)–, puesto que su característico gusto por el pop de guitarras más cuidado, bien cantado en inglés y francés y estupendamente arreglado, con guiños a la etapa más gloriosa de la chanson, sigue nutriendo en buena medida este ‘Aquí hay dragones’ (brillando, incluso, en ‘Esquinas de juventud’).

Pero sí que su decisión de abrazar, por fin, la lengua castellana en sus textos, ha despertado un lado oscuro y tenebroso que no sospechábamos, y que resulta realmente interesante. Así lo demostró ‘Chantal (o cómo dar de lado una canción)’, aquel sugerente avance que envolvía la historia de una canción abandonada a medio acabar en ecos de David Bowie, Nick Cave, Camilo Sesto y su equidistante, Javier Corcobado. ‘Aquí hay dragones’, de nuevo producido –casi como un quinto miembro del grupo– por Paco Loco en sus estudios del Puerto de Santa María, es la confirmación de que ahí Birkins pueden haber encontrado una veta creativa bien suculenta. Lo confirma sobre todo su primera mitad, en la que se suceden temas igualmente fantásticos como la tan luminosa como arrebatada ‘Fundido a negro’ (con arreglos de cuerda realmente espectaculares) y el delirio psico-funk mesiánico ‘Hipsteria’ (ácida crítica del penúltimo moderno pasado de moda, donde brilla la sentencia “a Padre Hipster le gusta el cristal”). Hasta su faceta políglota se contagia de esa inspiración en las estupendas ‘La Cure’ y ‘Our Bad News’.

Pese a esos aciertos, ‘Aquí hay dragones’ no termina de ser un disco tan redondo como deseábamos, pues su segunda mitad se muestra menos magnética a pesar de que contiene lo que son claramente muy buenas ideas (‘La noria esquiva’ y sus teclados; el arrebato final de una ‘Shhh’ que remite a los Radiohead de ‘The Bends’). Por suerte, ‘El viaje final de Georgia Houghton’ –pionera de la pintura abstracta y el espiritismo con nula suerte, nacida en Gran Canaria aunque educada en Reino Unido– deja un buen sabor de boca y convence de que ‘Aquí hay dragones’ supone un nuevo comienzo para Birkins que se antoja muy sugerente.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Chantal (o cómo dar de lado una canción)’, ‘Fundido a negro’, ‘La Cure’, ‘Hipsteria’
Te gustará si te gusta: el pop de guitarras con toques de Bowie, Radiohead y Gainsbourg, y un punto de oscuridad
Escúchalo: Spotify, Bandcamp

La canción del día: Franz Ferdinand sorprenden con su nuevo single ‘Always Ascending’

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25 octubre, 2017

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Franz Ferdinand han actuado repetidamente este año en nuestro país y el resto del mundo interpretando casi media decena de canciones nuevas para un hipotético disco que no terminaba de llegar. Hasta ahora.

Hoy se estrena al fin el primer adelanto del nuevo álbum, llamado como el disco, ‘Always Ascending’, y que no llegará -eso sí- hasta el 9 de febrero del año que viene. Se trata de una sorprendente canción que ya habían estrenado en vivo pero por supuesto reluce más en estudio: comienza tranquila, al piano, para después entregarse a las pistas de baile (truco ya usado en otras partes de su discografía) y a las sonoridades de los años 70. Siempre les han gustado Talking Heads pero además ahora notamos que han trabajado con Sparks y que quizá les hubiera gustado hacerlo con Queen e incluso Giorgio Moroder.

Dice Alex Kapranos que este disco es «una mezcla homogénea de futurismo y naturalidad» y esta atractiva composición también «ascendente» es una buena muestra de ello. Las sonoridades Bowie también (tan bien) empleadas por Arcade Fire en ‘Reflektor’ se perciben igualmente y tanto bajo como teclados, baterías y esos atractivos coros dan lugar a uno de los temas más festivos de su carrera. Uno que vuelve a acercarles a LCD Soundsystem (quienes los remezclaron) y que puede volver a situarles en el mapa como el disco anterior (injustamente) no lo logró.

El tema producido por Philippe Zdar (Cassius, Phoenix, Beastie Boys) es el primero oficial con la nueva formación de la banda tras la marcha de Nick McCarthy: ahora Franz Ferdinand son Alex Kapranos (voces, guitarra), Bob Hardy (bajo), Paul Thomson (batería), Julian Corrie (teclados, guitarra) y Dino Bardot (guitarra).

Os dejamos con el tracklist del álbum nuevo, que incluye otras canciones ya tocadas este año en vivo como ‘Lazy Boy’ y ‘Huck and Jim’ y os recordamos que Franz Ferdinand actúan este viernes 27 de octubre en Murcia y el sábado 28 en BIME Live, por donde este finde también pasarán Royal Blood, Metronomy, Orbital, Ride, Bill Callahan, The Prodigy, Vitalic, Exquirla o Pablo und Destruktion.

Franz Ferdinand también actuarán el 17 de marzo en La Riviera, Madrid. Las entradas salen a la venta el viernes 3 de noviembre a las 9h en www.livenation.es y www.ticketmaster.es (+red ticketmaster). Los registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa exclusiva el jueves 2 de noviembre a las 9h en esa web.

01 Always Ascending
02 Lazy Boy
03 Paper Cages
04 Finally
05 The Academy Award
06 Lois Lane
07 Huck and Jim
08 Glimpse of Love
09 Feel the Love Go
10 Slow Don’t Kill Me Slow

Selena Gomez vuelve a buscar un éxito en las pistas con ‘Wolves’

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25 octubre, 2017

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Selena Gomez ha publicado este año dos singles de un previsible nuevo disco que aún no se ha anunciado. ‘Bad Liar’ y ‘Fetish’ presentaban sonidos interesantes cada una en su estilo, la primera más en plan canción pop alternativa, la segunda en plan urban. Pero ninguna se había aproximado ni por asomo al alcance en número de reproducciones de ‘It Ain’t Me’ junto a Kygo.

Quizá por eso su nuevo single, recién llegado a las plataformas de streaming, ‘Wolves’, vuelve a los terrenos del dance genérico. La canción firmada junto a Marshmello -conocido sobre todo por ‘Alone’ y ‘Silence’ junto al exitoso Khalid- cuenta con guitarrita, subidón y una parte bastante The Police en ‘Every Breath You Take’ que puede darle cierto éxito en las radios.

La canción es una co-producción del mencionado Marshmello junto a Andrew Watt, quien de manera nada casual ya estuviera implicado en ‘It Ain’t Me’. Y ojo, también en ‘Havana’ de Camila Cabello y ‘Lonely Together’ de Avicii con Rita Ora, otros dos de los mayores hits de este año. Parece que dinero no le va a faltar este 2017 a Watt.

Mención especial merece la portada de ‘Wolves’, para la que nadie en Interscope se ha comido demasiado la cabeza, situando a Selena Gomez ni más ni menos que al lado de un lobo, como en una improvisada portada para una improvisada banda sonora.

Muere Fats Domino, uno de los pioneros que inspiraron a Elvis y a los Beatles

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25 octubre, 2017

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Fats Domino ha muerto a los 89 años tras una larga enfermedad. El artista de Nueva Orleans fue uno de los más exitosos en las primeras listas de éxitos a finales de los años 50 y principios de los 60, muy especialmente de las R&B. Llegó a colar 35 singles en el Billboard, a destacar el número 10 logrado por ‘Ain’t That a Shame’ o el número 2 de ‘Blueberry Hill’, una canción que se había popularizado durante los años 40 pero que Fats Domino supo llevar más alto en las listas que el mismísimo Louis Armstrong. Mención aparte merece la divertidísima ’The Fat Man’ (1949), uno de sus primeros temas, plagado de “wah-wahs” y un gran piano boogie-woogie, considerado la primera grabación de lo que se iba a llamar rock’n’roll en vender 1 millón de copias. Lo co-escribió él mismo junto a Dave Bartholomew, aún vivo por cierto a sus 98 años (hay un vídeo de 2010 de ambos).

Fats Domino se situó a medio camino entre el rock’n’roll y el sonido R&B de Nueva Orleans, caracterizado por el uso de piano y vientos y letras sobre la ciudad, y del que hablamos con motivo de la muerte de Cosimo Matassa hace tres años. En el estudio de este se había grabado ‘The Fat Man’ y también una década después la maravillosa ‘Walking to New Orleans’, otro hit en las listas, cuya persistente línea de piano puede escucharse replicada en muchos temas actuales, y cuyos brillantes arreglos de cuerda inundarían mil y una canciones folk durante las décadas siguientes. Comenzando por los propios tiempos en que vivió. Elvis reconoció abiertamente que Fats Domino había ejercido una influencia “enorme” en su carrera, y tanto John Lennon como Paul McCartney grabaron temas suyos. De hecho, ‘Lady Madonna’ estaba tan inspirada en ‘Bad Penny Blues’ de Humphrey Lyttelton como en el estilo de Fats Domino, quien llegó a grabar una versión del tema de los Beatles en 1968, cuando el éxito ya había dejado de sonreírle.

Nunca logró recuperar su fama inicial, y anunció finalmente que abandonaba los escenarios durante los 80. Ni ser inducido en el Rock and Roll Hall of Fame ni una invitación a tocar en la Casa Blanca le convencieron de lo contrario, si bien en 1995 realizó un pequeño tour europeo y después alguna actuación puntual. Las últimas noticias le sitúan afectado por los efectos devastadores del huracán Katrina y recibiendo varios premios y menciones a su reconocimiento. En 1987 se le había concedido el Grammy a toda una carrera.

El sello de Björk respalda sus acusaciones contra Lars von Trier “en un 110%”

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25 octubre, 2017

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One Little Indian, el sello de Björk, ha publicado un comunicado en Facebook respaldando las declaraciones de Björk contra el director danés Lars von Trier, a quien la islandesa ha acusado indirectamente de abusos sexuales y psicológicos durante la grabación de la película en la que trabajaron juntos, ‘Bailando en la oscuridad’.

Firma el comunicado el director del sello, Derek Birkett, quien defiende a Björk “en un 110%” respecto a sus acusaciones contra von Trier. Birkett rebate la defensa de von Trier y su colaborador Peter Aalbæk Jensen, quienes acusan a Björk de mentir y aseguran que durante el rodaje las víctimas fueron ellos. Dice Birkett que “[las acusaciones] son resultado de un abuso verbal y físico que fue sistemático e irrespetuoso y que continuaron después de que Björk y yo les pidiéramos que [Lars von Trier] parara de comportarse de esa manera”.

Birkett dice que en 30 años de trabajo con Björk jamás ha hecho una declaración respecto a su trabajo juntos, pero que Lars von Trier es la única persona con quien la islandesa ha terminado mal después de colaborar, y que no puede callarse ante las experiencias que el director y su colabador pretenden silenciar. Escribe además que la experiencia fue tan mala que Björk “terminó la grabación de la película por respeto al reparto y a toda la gente involucrada”.

Shakira, C. Tangana, Kygo y Portugal. The Man, en el comeback de la lista de singles española

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25 octubre, 2017

Tras una semana de ausencia debido a problemas técnicos, vuelve la lista de singles española con pocas novedades en la parte alta de la tabla. Repasamos las escasas entradas y un par de movimientos interesantes.

1(1) J Balvin, Beyoncé / Mi gente

Nada nuevo bajo el sol: ‘Mi gente’ de J Balvin sigue en el número 1 en España pese a no ser número 1 en Spotify, gracias a la suma del remix con Beyoncé, que finalmente no le ha dado el top 1 en el mercado anglosajón.

19(53) Shakira, Nicky Jam / Perro fiel

Gran avance de Shakira tras el estreno del vídeo para ‘Perro fiel’ y su llegada a las radios la semana pasada, mientras otros cortes de su último disco ‘El Dorado‘ continúan en la lista: ‘Me enamoré’ es número 45 y triple platino y ‘Chantaje’ número 94 y quíntuple platino.

32(69) C. Tangana / De pie

El que entendíamos como single principal de ‘Ídolo’ de C. Tangana tras ‘Mala mujer’ protagoniza una de las subidas más fuertes de la semana, rozando el top 30. ‘Mala mujer’ sigue en el puesto 11 mientras Puchito apuesta hoy en verdad por otra de las canciones del largo como vídeo, ‘Caballo ganador’.

91(E) Kygo ft Justin Jesso / Stargazing

Mientras Kygo sigue en el número 81 con su single doble platino junto a Selena Gomez, ahora entra con esta otra canción que ha sido número 2 en Noruega, pero no ha llegado al top 40 en Reino Unido ni Estados Unidos.

93(E) Portugal. The Man / Feel It Still

De manera casi insólita, un tema de Portugal. The Man se ha transformado en un hit internacional en los últimos meses. ‘Feel It Still’ ha llegado a ser número 4 del Billboard Hot 100 estadounidense, y también ha empezado a triunfar en algunos países europeos. Al fin llega el turno de España, donde la canción entra esta semana. Puedes recordar nuestra reseña del álbum ‘Woodstock’ aquí.

100(E) Gigolo & La Exce, Bad Bunny / Sexto Sentido

Otra colaboración más de Bad Bunny se cuela en el top 100. En este caso se trata de un tema con Gigolo & La Exce que ni siquiera es nuevo: se editó el pasado mes de agosto. Su estribillo “anoche me acosté con otra” seguro ha tenido algo que ver con sus 100 millones de visitas en Youtube.

Julia Holter se suma a las acusaciones de abuso contra Matt Mondanile de Ducktails

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25 octubre, 2017

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Matt Mondanile, líder de Ducktails y ex integrante de Real Estate, se enfrenta estos días a una avalancha de acusaciones de acoso sexual y psicológico por varias mujeres, que, entre otras cosas, le acusan de haberles tocado mientras dormían. A estos testimonios se suma ahora un nombre conocido, el de la cantautora Julia Holter.

Holter no detalla abusos sexuales hacia ella por parte de Mondanile, pero sí abusos psicológicos, y explica que durante un punto de su vida Mondanile fue “emocionalmente abusivo hasta el punto que necesité que interviniera un abogado, y temí por mi vida”. La autora de ‘Have You in My Wildnerness’ asegura que los testimonios de las otras mujeres encajan con su experiencia, por la que ha llegado a aprender que, en su relación con las mujeres, Mondanile “no tiene límites”.

La autora de ‘Sea Calls Me Home’ explica que compartir este tipo de experiencias es difícil y asegura que lo cuenta ahora motivada por el resto de testimonios: “Me he pasado dos años confusa por su comportamiento y me he sentido sola, pensando que me faltaba información. Estos testimonios me han ayudado a entender. Cuando te pasa a ti, cuestionas tu propia realidad y te preguntas si te estás inventando las cosas o si estás haciendo una montaña de un grano de arena. Que otras personas salgan y validen el hecho de que tú no estabas equivocada ayuda”.

Morrissey quiere que te quedes más solo que la una

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25 octubre, 2017

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Falta menos de un mes para que se publique ‘Low in High School’, el nuevo disco de Morrissey, que sale el 17 de noviembre y se presenta con el digno single ‘Spent the Day in Bed’, para el que recientemente se estrenaba un videoclip en el que Morrissey aparece cantando en una silla de ruedas y donde hace un cameo el futbolista británico Joey Barton.

Morrissey estrena hoy un tema nuevo de este disco, cuyo título, como el del single anterior, no podría ser más ilustrativo: ‘I Wish You Lonely’. Un tema dramático, rockero y con prominentes guitarras acústicas en el que el artista inglés aparentemente canta sobre deshacerse de su dependencia al amor y de su deseo de complacer a otros, básicamente rogando que su amante se quede más solo que la una y le deje en paz, “aunque solo sea por un día”. Morrissey canta: “desde el día que nací, solo he pensado en ti, en todo lo que pides, quieres y necesitas, y ahora digo, a la mierda todo el mundo”.

‘I Wish You Lonely’ no es un gran hallazgo melódico, pero sí nos deja al final un pasaje de gran fuerza poética, probablemente más expresiva leída que cantada, que lee “tumbas llenas de tontos que dieron sus vidas, a las órdenes de la monarquía, la oligarquía, el Rey, el magnate y ya no volverán; tumbas llenas de necios que dieron sus vidas, a las órdenes de un romance fracasado, es el pegamento de siempre, y nunca se hará realidad; tumbas llenas de tontos que dieron sus vidas, a las órdenes, oh heroína, y que nunca volverán”.

Cinematográfico vídeo, entre la ternura y la violencia, para ‘Caballo ganador’ de C. Tangana

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25 octubre, 2017

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En tanto ‘Mala mujer’ se reafirma como uno de los mayores éxitos de España en todo 2017, C. Tangana pasa página y edita nuevo single de su debut, ‘Ídolo‘. Antón apuesta no por el otro single caribeño del álbum que llegó a entrar en la lista de Promusicae, ‘De pie’, sino por una de sus canciones más oscuras, ‘Caballo ganador’.

El vídeo, obra de la fotógrafa madrileña Diana Kunst y rodado totalmente en 16mm, juega con el mensaje de la canción sobre la fama para contarnos la historia de un poeta (en este caso de un músico) que trabaja desde pequeño para llegar a la cima, e incluye planos de carreras de caballos y peleas entre dos hombres, además de otros entre la ternura (el niño mamando, el chico solo con su caballo blanco) y la violencia (el hombre ensangrentado que apuntado con una pistola). Es un vídeo muy cinematográfico.

‘Ídolo’ era tras su salida el disco más reproducido en streaming en España, como revelaron los datos de la semana pasada, los primeros de la nueva lista de éxitos en streaming de Promusicae, que premia a los álbumes y canciones más escuchados en las plataformas de streaming, a diferencia de los más comprados.

Alice Glass pone nombre a su agresor, Ethan Kath de Crystal Castles, y detalla sus abusos; este contesta

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25 octubre, 2017

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Alice Glass, autora este año de un recomendable EP y antiguamente integrante de Crystal Castles, uno de los grupos más icónicos de la última década, ha decidido nombrar en un comunicado a la persona a quien en el pasado ha acusado de abusos, su antiguo compañero en Crystal Castles, Ethan Kath.

Glass asegura que los abusos de Kath empezaron antes incluso de la grabación del primer EP de Crystal Castles, cuando tenía 17 años. En ese momento, Glass explica que “[Kath] descubrió mis inseguridades y las explotaba: durante muchos meses, me dio drogas y alcohol y tuvo sexo conmigo en una habitación abandonada de un apartamento que había alquilado”. A continuación, Glass menciona que Kath llegó a violarla, explicando que el sexo que mantuvieron en el apartamento del músico “no siempre fue consensuado”.

Glass detalla en su comunicado varias agresiones físicas por parte de Kath, como una vez en que este le lanzó contra el suelo de hormigón o cuando le amenazó con tirarle por unas escaleras. “Me regañaba y me chillaba en la cara, me decía que yo era una broma, que toda la gente que venía a nuestros conciertos solo estaban interesados en los instrumentales y que yo estaba arruinando la banda. Rompía puertas de ducha de cristal para asustarme, me encerraba en habitaciones, me decía que mi feminismo era objetivo de violadores y que sólo él podía protegerme. Me forzaba a tener sexo con él y si no lo tenía no podía estar en la banda”.

Kath ha enviado un comunicado a Pitchfork a través de su abogado negando las acusaciones de Glass. “Estoy asombrado y dolido por las recientes declaraciones de Alice sobre mí y nuestra relación pasada. Su historia es pura ficción y estoy consultando a mis abogados para conocer mis opciones legales. Afortunadamente, hay muchos testigos que pueden confirmar -y lo harán- que yo jamás fui abusivo con Alice”.

Jessie Ware / Glasshouse

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25 octubre, 2017

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Jessie Ware se ha convertido en una de las voces más representativas del R&B británico, en general más próximo al pop que a Janet Jackson, TLC y ahora Kelela. Quizá por su amistad con Ed Sheeran, con quien ha co-escrito varios temas a lo largo de su carrera, incluido su mayor éxito, el fabuloso tema con góspel ‘Say You Love Me’; o por la presión consciente o inconsciente de llevarse un 1% de la tarta de su paisana Adele; Jessie Ware se debate en su tercer disco entre ser más Whitney Houston, con la que comparte timbre, o más Adkins.

Lo que sí parece quedar atrás son las texturas más próximas al pseudo underground. La producción de parte de su primer disco y el segundo era más electrónica y nebulosa, pero Jessie cuenta en las entrevistas que si bien en el pasado ha querido ser «una chica cool de Pitchfork» ahora ha perdido el miedo a ser mainstream de verdad. Incluso cuando trabaja con productores de pop electrónico como Benny Blanco, Cashmere Cat o Fred Ball, busca más la canción clásica y no sonar tan «guay» como, por ejemplo, Blood Orange.

‘Glasshouse’ no es peor disco por ello. Un álbum no es mejor cuanto más underground suena. Sin embargo, es cierto que no puede ser su obra más perfecta, pues no termina de ser ese disco de mainstream que pretende ser. Hay canciones excelentes en este álbum, pero es un tanto extraño decidir entregarte al mainstream justo cuando no tienes nada tan sumamente efectista como ‘Say You Love Me’ ni nada tan hipnótico como ‘Running’ y ‘Wildest Moments’. Por otro lado, la temática amorosa resulta aquí agotadora y empalagosa («he estado pensando en mi marido desde los 17, y no pondría a nadie por encima de él», en ‘Sam’; «dime que me vas a llevar a casa» y «no quiero que nadie más pronuncie mi nombre», en ‘Alone’; y así 45 minutos); y además, la segunda mitad del disco, como ‘Divide’ de Ed Sheeran (que no, no es cuatro veces peor que este álbum), habría agradecido alguna canción un poco más afilada. Una sorpresa como la infravalorada ‘Keep On Lying’ del largo anterior.

Con todo, ‘Glasshouse’ mejora y mucho con las escuchas, revelando a Jessie Ware como una excelente y variada baladista. ‘Midnight’ no es la canción de encabezamiento perfecta, pero sí sería un buen tercer single de casi cualquier disco gracias a la desesperada interpretación de Ware, una de las más pasionales que ha registrado de momento, porque precisamente lo que caracteriza su música para bien es una agradecidísima contención muy pocas veces vista en su género. ‘Selfish Love‘ la muestra totalmente cómoda entre ritmos latinos, hasta el punto de que los vídeos del álbum y la foto de portada se han registrado en Mallorca y de hecho hay versión en castellano de esta composición. ‘Thinking About You’, ‘Your Domino’ y ‘Finish What You Started’ son buenas canciones pop, la primera no tan alejada de los últimos singles de Adele («Send My Love» y ‘Water Under the Bridge’), la segunda con un estribillo y un final evocador lleno de posibilidades, y la última poniendo un poco de luz en la última sección del álbum.

En esa parte despunta una retro ‘Slow Me Down’ de deliciosas melodía y teclado que es un milagro que no sean aportación de Ariel Rechtshaid (en realidad son del también prolífico Fred Ball, en esta web muy recordado por su hitazo como Pleasure ‘Don’t Look The Other Way‘), pero tampoco se puede hacer de menos al bonito piano tan Brill Building de ‘Last of the True Believers’ con Paul Buchanan, ni a ‘Sam‘, la canción para marido e hija co-escrita con Sheeran. Como media discografía de Edward Christopher, es más bonita y menos ñoña de lo que parece.

Entre un sinfín de co-autores y co-productores y por mucho que nos gustara escuchar a Jessie Ware -como a algunos nos pasa con Feist- en un disco más bailable después de lo bien que le sentó trabajar con Katy B en la gran ‘Aaliyah’, hay que elogiar la buena dirección artística de este álbum. Su suman y se suman nombres a sus créditos y aquí no encontramos más protagonistas que el amor (seguramente este será uno de los discos en que más nos miraremos estas Navidades) y la propia Jessie Ware, manejando diferentes estilos que parecen el mismo pero no lo son, y a su vez conteniéndolos de sus peores vicios.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Selfish Love’, ‘Your Domino’, ‘Midnight’, ‘Slow Me Down’
Te gustará si te gustan: Adele, Tobias Jesso Jr, Carole King
Escúchalo: Spotify

Jason Derulo aprovecha el tirón de ‘Swalla’ para actuar en Barcelona y Madrid

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Raúl Guillén

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24 octubre, 2017

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‘Swalla’, el magnético single de Jason Derulo junto a Nicki Minaj y Ty Dolla $ign se sigue acercando en cifras al que es su mayor éxito, ‘What to Want Me’. También en nuestro país, donde tras 29 semanas permanece en la lista de singles de Promusicae en un meritorio puesto 55, siendo el puesto número 9 su mayor marca y con un doble platino certificado. Su vídeo, llegó a ser el más visto del país en su momento. Así las cosas, parece un momento propicio para que el artista de urban pop de Florida recale en España. Dicho y hecho: la próxima gira europea que tendrá lugar a inicios de 2018 incluirá sendas paradas en Barcelona y Madrid.

Será el 26 de Febrero en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el día 27 de Febrero en el WiZink Center [Ring] de Madrid. Las entradas se podrán adquirir a partir de las 10:00h de este Viernes, 27 de Octubre, a través de doctormusic.com, ticketmaster.es y otros canales habituales. El precio de las entradas será de 38 Euros (gastos de distribución no incluidos).

Derulo es uno de los cantantes de música urbana y R&B más populares del mundo desde que lanzara su debut homónimo en 2010, una carrera que comenzó escribiendo canciones en la sombra para Lil Wayne, Pitbull, Diddy o Sean Kingston. Tras el notable éxito comercial (no tanto crítico) de ‘Everything Is 4‘ (2015), este año había anunciado la publicación de su nuevo disco, ‘777’, un disco triple de 7 cortes cada uno. Sin embargo, el exitazo de ‘Swalla’ parece haber trastocado sus planes y, de momento, solo ha presentado otra nueva canción, la también atractiva ‘If I’m Lucky’.

Terry Richardson, vetado de Vogue, Glamour, Vanity Fair… por su supuesto historial de acoso sexual

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24 octubre, 2017

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En 2014, el fotógrafo Terry Richardson, uno de los más conocidos y controvertidos desde los 90 por la naturaleza explícitamente sexual de sus fotografías, fue acusado por varias mujeres de acoso sexual. Richardson, de 52 años, negaba en todo momento las acusaciones vertidas contra él, defendiendo que cualquier relación que hubiera tenido con sus modelos había sido “consentida” y que se encontraba en una “caza de brujas”.

Tres años después de la polémica, y a la luz de las acusaciones de abusos sexuales contra el productor Harvey Weinstein por parte de numerosas actrices de Hollywood, el fotógrafo se enfrenta ahora a uno de los peores momentos de su carrera profesional al haber sido vetado de Condé Nast International, el grupo editorial que publica internacionalmente revistas com Vogue, Glamour, GQ o Vanity Fair, para las que Richardson ha trabajado en numerosas ocasiones o seguía trabajando hasta este momento.

The Telegraph ha publicado la exclusiva de este veto, citando un e-mail filtrado del presidente de Condé Nast, James Woolhouse, en el que ordena a los presidentes internacionales de las varias revistas que agrupa la editorial “eliminar o sustituir por otro material cualquier sesión [de Richardson] que haya sido encargada o que se haya completado pero pero no publicado todavía”.

Richardson ha trabajado con numerosos artistas de la cultura popular, entre ellos decenas de músicos entre los que destaca Miley Cyrus, cuyo videoclip para ‘Wrecking Ball’ Richardson dirigió. Precisamente a Cyrus Richardson ha hecho algunas de las fotografías más sexualmente explícitas que se recuerdan en la historia del pop reciente. El fotógrafo también dirigió el inédito vídeo de ‘Do What U Want’ de Lady Gaga y ha trabajado con Beyoncé, Mariah Carey o Sky Ferreira.

Tune-Yards hacen su propia versión de los ochenta en la bailable ‘Look At Your Hands’

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24 octubre, 2017

Tune-Yards vuelven el 19 de enero con nuevo disco, ‘I can feel you creep into my private life’. El proyecto de Merrill Garbus suma ahora oficialmente a un segundo miembro, Nate Brenner, quien ha producido el álbum junto a Garbus. Antes, Garbus era autora en solitario de discos como ‘w h o k i l l‘ y de maravillas como ‘Water Fountain’, ‘Powa’ o ‘Bizness’.

Como quedó claro en ‘nikki nack‘, Tune-Yards ya no es el proyecto lo-fi y casero de los primeros años y ahora graban sus discos en estudios, como es el caso de este nuevo trabajo que además se presenta con un single que es toda una reinvención para Tune-Yards. ‘Look At Your Hands’ es un tema ochentero que Merritt explica así: “el mundo es un desastre, pero he estado intentando mirar más y más a mi interior: ¿de qué manera todos estos “ismos” en los que vivimos se manifiestan en mí, en mis actividades diarias y en mis interacciones”?

La cantante sigue: “La producción retro de los ochenta viene de que quería que mi voz sonara robótica, quizá para contrarrestar la sinceridad de las letras. Empecé sampleando mi voz en un MPC, algo que siempre he querido hacer, y tenía mucho sentido de repente que mi voz sonara como si estuviera atrapada en el interior de una máquina”.

‘I can feel you creep into my private life’:

1. Heart Attack
2. Coast to Coast
3. ABC 123
4. Now as Then
5. Honesty
6. Colonizer
7. Look at Your Hands
8. Home
9. Hammer
10. Who Are You
11. Private Life
12. Free

Porches trata de esquivar la ansiedad con el ritmazo tecnopop de su nuevo single, ‘Find Me’

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24 octubre, 2017

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El 19 de enero se publica en tiendas y plataformas de streaming ‘The House’, el nuevo disco de Porches, que llega dos años después del aclamado ‘Pool’. El álbum se ha avanzado recientemente con la balada ‘Country’, que era canción del día en JENESAISPOP.

Aaron Maine, el líder tras Porches, publica ahora un nuevo adelanto de ‘The House’ mucho más bailable, un ‘Find Me’ de juguetón sonido tecno-pop, que, sin embargo, esconde tras su pegadizo ritmo una letra sobre escapar de la ansiedad y la depresión con el objetivo de que estas no le “encuentren”. El vídeo presenta a Maine en la cama, en el gimnasio o en la piscina, pero siempre completamente solo y taciturno.

Han participado en ‘The House’ varios artistas interesantes, entre ellos Blood Orange y (Sandy) Alex G. Maine ha dicho que la composición del disco ha sido para él “una forma de meditación, un escape, y una rutina egoísta a veces, en tanto se convertía en una excusa para esquivar mis ambientes y alrededores más cercanos”.

‘The House’:

01 Leave the House
02 Find Me
03 Understanding
04 Now the Water
05 Country
06 By My Side
07 Åkeren
08 Anymore
09 Wobble
10 Goodbye
11 Swimmer
12 W Longing
13 Ono
14 Anything U Want

La canción del día: Camila Cabello busca su propio romance en el meta-vídeo cómico y telenovelesco de ‘Havana’

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