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Ava Max / Don’t Click Play

Ay… crees que conoces a alguien y resulta que lo único que conoces seguro es su nombre. La decepción marca esta etapa de Ava Max. Es lo que nos cuenta en ‘Know Somebody’, una de las composiciones que parecen dedicadas a su ex pareja y ex productor Cirkut, tras liarse este con su co-autora, Madison Love. La artista se ha sentido traicionada y ha vivido una clarísima crisis de autoconfianza. ‘Don’t Click Play’ es un álbum que ha ideado solo para demostrarse que podía seguir adelante sin las personas con las que creó ‘Sweet but Psycho’ y ‘Kings & Queens’.

Ahora junto a productores más desconocidos como Inverness y Pink Slip, entre otros, Ava Max continúa entregada a los beats ochenteros, aunque con matices.

‘Know Somebody’ es un medio tiempo con algún ramalazo italo, el single ‘Wet, Hot American Dream’ bebe del HI-NRG, ‘Lovin Myself’ es puro electropop, ‘Take My Call’ presenta guitarras post-disco, ‘Lost Your Faith’ incluye un solo que ni un tema jevi… Pero todo aquí excepto ‘Fight for Me’ -más cerca de Timbaland o la actual Tate McRae- se encamina hacia la década de la laca y las hombreras.

Las canciones son exactamente lo que parecen en una primera escucha y desde el primer segundo. ‘Sucks to Be My Ex’ plantea «tiene que ser una mierda ser mi ex, ¿porque después de mí, ¿con quién vas a salir?». En ‘How Can I Dance’ aprende a bailar sola. En ‘Lovin Myself’ se consuela con Versace, Donatella, Marilyn y Chanel No. 5.

El mal trago de Ava Max se nota porque incluso cuando está construyendo un banger como el propio ‘Don’t Click Play’, que podría haber sido muy divertido por su tratamiento de su parecido con Lady Gaga, la cantante suena triste. El disco carece de baladas y ese es uno de sus puntos fuertes, pero en ‘Don’t Click Play’ la fiesta nunca llega a reventar. Ni siquiera cuando presenta una canción que sabe a Eurovisión, ‘World’s Smallest Violin’.

Agradable y ágil en su media hora de duración, ‘Don’t Click Play’ es más el álbum que Ava Max necesitaba grabar, que el que necesitaba el público. En su intento de recomponerse, la artista ha parecido olvidar que su segundo álbum, ‘Diamonds & Dancefloors‘ ya funcionó bastante peor que su debut. Para recuperar público necesitaba algo más de garra o de desgarro.

Los 5 imprescindibles de Cosquín Rock 2025

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Cosquín Rock celebrará su segunda edición en España el próximo sábado 30 de agosto. El festival internacional llevará a Valladolid una jornada formada por un cartel variado y preparado para todo tipo de públicos, con Sebastián Yatra, YSY A o Love of Lesbian entre los cabezas de cartel. JENESAISPOP es medio oficial.

Estos compartirán escenario en el Pingüinos Arena con Marlena, León Gieco, Agarrate Catalina, Instituto Mexicano del Sonido, Silvestre y La Naranja, Garfield y NDLR (Rubén de La Pegatina). A continuación, seleccionamos los nombres imprescindibles de Cosquín Rock 2025.

Sebastián Yatra
El artista colombiano es el plato fuerte de Cosquín Rock, siendo su único concierto en Castilla y León como parte de su actual gira mundial, ‘Entre tanta gente’. Yatra promete presentar su disco ‘Milagro’ con un «show de locos», formado por seis músicos, una monumental escenografía y un desfile de hits de la talla de ‘Tacones Rojos’, ‘Traicionera’ o ‘Pareja del Año’.

Love of Lesbian
Lo 25 años de carrera de Love of Lesbian también serán protagonistas del festival vallisoletano. Santi Balmes y los suyos repasarán los himnos más grandes de su trayectoria -‘Club de fans de John Boy’, ‘Allí donde solíamos gritar’, ‘Fascinados’- como parte de La Hermandad Tour. Las favoritas de ‘Ejército de Salvación’ tampoco faltarán en el set.

YSY A
Por supuesto, el ecléctico cartel de Cosquín también incluye uno de los pesos pesados del trap en Latinoamérica. El show del argentino, pionero del género en el país, promete ser uno de los más intensos y particulares de la jornada, mezclando las nuevas corrientes con la música autóctona de su país. Así, el tango no faltará en Valladolid.

Barry B
El artista revelación de Aranda de Duero también ofrecerá un espectáculo de contrastes, mezclando pop, rock, electrónica y hip hop en el mismo concierto. Barry hará temblar el Cosquín con nuevos himnos, tales como ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’, ‘Infancia mal calibrada’ o la desgarradora ‘El lago de mi pena’.

Duncan Dhu
Mikel Erentxun seguirá celebrando en Cosquín Rock los 40 años del grupo fundado en 1984 junto a Diego Vasallo, que no participa en esta gira. Aun así, canciones como ‘Cien gaviotas’ o ‘En algún lugar’ seguirán traspasando generaciones en el Pingüinos Arena.

Sanguijuelas del Guadiana triunfan

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Sanguijuelas del Guadiana, el grupo extremeño que hace unos meses comparábamos lo mismo con Estopa que con Daft Punk, ya son un éxito en nuestro país. Además de sumar 125.000 oyentes en Spotify, el grupo ha logrado colarse en el top 88 en España con su primer disco.

Puede parecerte poco, pero en verdad ‘Revolá’ se editó en mayo y no aparece en la lista de vinilos más vendidos. Eso significa que está funcionando de manera orgánica, a modo de «sleeper», poco a poco, y gracias al boca oreja. De hecho, están en el número 104 de los discos más escuchados de Apple España, y subiendo. Entre sus mayores éxitos, la pizpireta ‘100 AMAPOLAS’ y un tema que entendemos que subirá la semana que viene: ‘Septiembre’. Para mayor mérito, edita Infarto Producciones.

Centrándonos en la lista española, Bad Bunny mantiene el número 1 con ‘DtMf‘ y Aitana el número 2 con ‘Cuarto azul‘. La subida más fuerte es la de Billie Eilish con ‘Hit me Hard & Soft‘, que pasa del 46 al puesto 8 por una reimpresión del vinilo, que de hecho es el LP más vendido del país estos días.

Las entradas se completan con ‘Wishbone’ de Conan Gray (top 2 en UK y top 3 en USA), que llega al puesto 20; Maroon 5, que no pasan del puesto 50 con ‘Love Is Like‘, el álbum con el que definitivamente se les ha acabado la buena racha; y la reedición de ‘La cantera’ de Guitarricadelafuente en el puesto 96.

Lil Nas X, acusado de 4 delitos graves, sale de prisión bajo fianza de 75.000 dólares

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Lil Nas X ha comparecido este lunes ante el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles, en California, para declararse no culpable de cuatro delitos graves que se le imputan. La Fiscalía lo acusa de haber agredido y causado lesiones a tres agentes de policía, y de resistirse a un cuarto, cuando fue interceptado el pasado viernes mientras caminaba desnudo por Ventura Boulevard, en el Valle de San Fernando.

Tras el altercado, el rapero de ‘Old Town Road’ fue trasladado al hospital, ya que se sospechaba que podía estar bajo los efectos de una sobredosis. Posteriormente, fue trasladado a prisión, donde ha pasado el fin de semana.

Aunque los cuatro delitos graves podrían acarrearle varios años de prisión, el juez ha fijado a Lil Nas X una fianza de 75.000 dólares para poder salir de prisión bajo fianza, cuantía que Lil Nas X ha abonado, procediendo a su salida de prisión. Además, se le ha impuesto la obligación de no poseer, consumir ni manipular drogas ilegales, así como de inscribirse en un programa ambulatorio.

Cuando Lady Gaga promocionó su nueva canción en Roblox

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Lady Gaga está probando nuevas formas de promoción para el lanzamiento de ‘Dead Dance’, la canción que ha escrito para la serie ‘Miércoles’ y que aún no tiene fecha de salida. Así, la autora de ‘Mayhem’ ha encendido el ordenador y ha probado uno de los juegos más populares de Roblox, el divino ‘Dress To Impress’.

Este es, básicamente, un juego de pasarela de moda que consiste en vestir a tu personaje lo más fielmente posible a la temática otorgada. Una especie de MET Gala, pero en 3D. De esta forma, la propia Lady Gaga se encargó de responder algunas preguntas de sus fans mientras estos lucían los looks más icónicos de la cantante en la pasarela, incluido el vestido de carne.

Al principio, los usuarios no creían que la verdadera Gaga estuviese al mando de su personaje. Por eso mismo, se encargó de desmentir los rumores subiendo una fotografía a X: «Por si os preguntabais si era yo de verdad», escribió la cantante a la vez que mostraba la pantalla de su portátil.

The Police demanda a Sting por millones de libras en regalías

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Tras años de batallas legales, Andy Summers y Stewart Copeland finalmente habrían demandado a Sting, acusándole de deber millones de libras en «regalías perdidas». Según The Sun, los miembros de The Police consideran que no han recibido una compensación económica a la altura de sus contribuciones a la banda.

Según indica el tabloide británico, los abogados de ambas partes habrían intentando, «en repetidas ocasiones», alcanzar un «acuerdo extrajudicial». Sin embargo, no se ha llegado a materializar. Summers y Copeland defienden que, aunque el vocalista figure como el autor de sus mayores éxitos, su contribución a esas canciones debe ser reconocida.

A través de su equipo de representación, Sting ha negado que la demanda tenga algo que ver con la canción ‘Every Breath You Take’. Se calcula que el artista británico, único compositor de la pieza, ingresa alrededor de 635.000 euros anuales en derechos de autor solo por este tema.

Laja revitaliza el drill y lo lleva al top 100 en España

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Rels B mantiene el número 1 de la lista de singles española con ‘Tú vas sin (fav)‘. La subida más fuerte es la de ‘Me mareo’ de Kidd Voodoo con JC Reyes, que pasa del puesto 12 al puesto 5.

La única novedad de la semana es ‘Seteadora’ de Laja, uno de los numerosos singles que el artista autoeditado ha lanzado este año con la intención de revitalizar el drill en español, introduciendo también otros beats como el jersey. El tema, que se lanzó en mayo, aparece al fin en el puesto 88 en la lista oficial española, y además seguirá subiendo, pues ronda ya el top 50 en Spotify España.

‘INSIDIOUS’, editada a finales del año pasado, y el más reciente ‘AVENTADOR’ también están entre sus temas más populares. Varias referencias al cine de terror aparecen en sus vídeos, y de hecho tiene una canción llamada ‘Friday 13th’.

También hay una llamada ‘Silent Hill’, otra titulada ‘HEATH LEDGER’ y otra titulada ‘Ghost’, aunque no descuida la política: otros títulos son ‘UKRAINE’ y ‘GAZA’, si bien no son los más populares. En suma, ha superado el millón de oyentes en Spotify. La mayoría están en ciudades españolas, destacando el tercer lugar de Santo Domingo.

Otros movimientos destacados de la lista española son la nueva subida de ‘malibU’ de rusowsky, que alcanza ya el top 15, un nuevo máximo; o La Oreja de Van Gogh, que vuelve al número 98 con ‘Rosas’, ya certificada como quíntuple platino.

sombr / I Barely Know Her

A sombr ya le ha caído el sambenito de «industry plant» por haberse anotado dos éxitos internacionales antes incluso de publicar su disco de debut. Lo ha logrado con ‘Back to Friends‘ y ‘Undressed’, dos himnos de indie-pop-rock que han conquistado a la generación tiktokera y plantado cara en listas a artistas ya consagrados. sombr, que tiene 20 años, ha de ser, sí o sí, un producto.

Sin embargo, la realidad es otra. Aunque sombr -se pronuncia «somber», su nombre real es Shane Michael Boose- cuenta con el respaldo de una discográfica multinacional, lo cierto es que él compone desde joven, se ha formado en la conocida escuela musical LaGuardia y, además, es el primer productor de sus canciones. Esto, unido a que ha crecido escuchando a los clásicos del pop y el rock, construye una propuesta muy bien atada a nivel técnico. Quizá demasiado.

‘I Barely Know Her’, el debut de sombr, es uno de esos discos técnicamente perfectos: las canciones son excelentes, los estribillos infalibles, las armonías grandiosas, las letras cercanas, las actuaciones vocales sobresalientes, las influencias adecuadas. Todo está en su sitio, todo suena de maravilla. Pero hay un vacío, y es esa misma perfección, que no permite ver la humanidad de sombr, sus luces y sombras.

Las canciones de sombr son catedrales emocionales. Esa es su envergadura, y probablemente es responsable de que todos sus cimientos estén en su sitio, el co-autor y co-productor Tony Berg, quien, tras trabajar con Paul McCartney o Phoebe Bridgers, asiste en esta ocasión al jovencísimo artista neoyorquino.

Las influencias de sombr no le corresponderían por edad, ya que ‘Crushing’ evoca el britpop retro de los 90, y la escena indie-rock de principios de los 2000 -más o menos cuando sombr nació- inspira las guitarras stroke-ianas de ‘Back to Friends’, la energía disco-rock de ’12 to 12′ o la guitarrera ‘Come Closer’. Y a pesar de su juventud, canciones como ‘I Wish I Knew How to Quit You’ suenan como si hubieran vivido tres vidas, como si Tears for Fears vivieran su auge hoy.

La fórmula de ‘Back to Friends’ y ‘Undressed’ se sigue a rajatabla en un álbum que hila un himno tras otro. ¿Pero es una canción un himno, si busca serlo deliberadamente? Aunque las composiciones son incontestables, la fórmula se desgasta en seguida por culpa de dos problemas. En primer lugar, las interpretaciones vocales de sombr son tan dramáticas que rozan el emo, pero su voz suena en todo momento distorsionada, sucia, pasada por un filtro de micro viejo. Es una decisión estética que hace que sus canciones parezcan artificiales.

En segundo, sus letras están plagadas de frases vacías y clichés románticos, probablemente resultado de su juventud. Pero líneas como «podemos ser más que amigos, te quiero amar hasta el fin de mis días» (‘Dime’), «cómo podemos ser amigos de nuevo, si acabamos de compartir cama» (‘Back to Friends’), «dime si nuestra historia ha acabado o nuestros corazones siguen latiendo juntos» («I Wish I Knew») son genéricas, no cuentan nada particularmente personal de sombr, y su ambigüedad, su carencia de significado, contrasta con el dramatismo de las canciones. sombr las interpreta con gran intención, pero, al final, no dicen nada.

Cada canción de ‘I Barely Know Her’ está potenciada al máximo: es difícil recordar un disco de debut reciente tan consistente y cohesivo. El único inconveniente es que la perfección técnica de todas las canciones apela a la palatabilidad inmediata y masiva, pero roba sus canciones de matices interesantes y, sobre todo, no refleja la turbulencia emocional que sugieren las letras. Elliott Smith o Bon Iver supieron extraer belleza de la mierda, pero sombr -de momento- les admira desde la distancia.

Maluma alaba la gestión de Bukele en un concierto en El Salvador

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Maluma ha decidido elogiar el gobierno de Nayib Bukele en su último concierto en El Salvador. El artista decidió alabar la gestión de Bukele, asegurando que, «como colombiano», su país tiene «muchísimo que aprender del país hermano El Salvador».

La gira actual de Maluma, nombrada ‘+Pretty +Dirty World Tour’, está siendo la más polémica de su carrera. Hace unas semanas, el colombiano ocupaba titulares por regañar a una madre que había llevado a su bebé a un concierto suyo. Ahora, ha decidido alabar la gestión de Bukele en el Salvador: «Me alegra muchísimo la situación por la que está pasando el país. Felicidades».

Este aseguró que «la energía del lugar se siente bonita» y destacó la limpieza de las calles, así como lo «amorosas y cariñosas» que son los ciudadanos. Al mismo tiempo, y en un gesto fuera de lo común, Maluma salía al escenario con la gran mayoría de sus tatuajes cubiertos. En El Salvador, puedes ser arrestado si llevas el tatuaje equivocado.

Desde su llegada a la presidencia de El Salvador en 2019, Nayib Bukele ha estado bajo la mirada de organizaciones como Amnistía Internacional debido a las conductas represivas que ha impuesto en el país. Recientemente, este reformó la constitución salvadoreña para permitir la reelección presidencial indefinida, lo que podría mantenerle para siempre en el poder.

Justicia para ‘Let Down’: el inesperado viral de Radiohead

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TikTok no siempre es esa odiosa red social en la que circulan libremente los bulos y se popularizan bobadas. También es una plataforma donde se resucitan clásicos perdidos, como ‘Dreams’ de Fleetwood Mac, o incluso algunos que nunca terminaron de serlo. Ya nos lo decían hace poco Wolf Alice: desde que existe esta plataforma «los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente» y es el pueblo el que decide los singles.

Pues bien, la gente ha decidido en los últimos meses rescatar del olvido ‘Let Down’ de Radiohead, un tema que no fue en principio de los más populares de ‘OK Computer’ (1997). El tema ha rozado solo ahora el top 50 del Global de Spotify, y actualmente lo encontramos en el número 72. Se está usando en todo tipo de vídeos: para felicitar un cumpleaños al jugador de baloncesto Kobe Bryant, para recordar a un perro muerto, o vinculados a la serie ‘Ginny and Georgia’. Con 375 millones de streams en Spotify, ya es la 6ª canción más escuchada de Radiohead de la historia, y adivinamos que pronto superará a ‘Fake Plastic Trees’ y ‘High and Dry’. Es decir, ya ha llegado más lejos incluso de lo que llegó en nuestro top de 50 mejores canciones de Radiohead, donde le otorgamos el 7º lugar.

‘OK Computer’ fue un éxito instantáneo en su momento. Vendió 7 millones de copias durante su campaña, mucho antes de que contaran los puntos de streaming. Muy pocos meses después de su salida, ya empezó a aparecer en listas de lo mejor de todos los tiempos, y a día de hoy sigue siendo considerado el puente perfecto entre la música del siglo XX y la del siglo XXI.

‘Let Down’ se barajó como uno de los sencillos principales de aquel álbum, pero se descartó porque al grupo no le gustó el videoclip que se le dedicó, el cual permanece inédito. Se hizo un single promocional y se envió a las radios, pero no pudo rotar en MTV al modo en que lo hacían, a todas horas, ‘Paranoid Android’ y sobre todo ‘Karma Police’. Sin embargo, siempre ha sido una de las producciones más elogiadas del álbum, y también una de las favoritas de sus seguidores, gracias a la pasión con la que Thom Yorke entona el espectacular tramo final, y también a la que contienen muchas de sus frases, algunas tan visuales que en cierta medida creerás haber visto el mencionado videoclip.

La grabación tiene la peculiaridad de contener varias capas de guitarras y pianos que dejan la extraña sensación de estar escuchando algo mágico, casi una caja de música. El guitarrista Ed O’Brien mencionó la influencia del muro de sonido de Phil Spector en la grabación, y Jonny Greenwood habló más bien de un efecto de desfase atribuido a Steve Reich, pues además de esa batería que a veces parece entrar deliberadamente tarde, la guitarra sigue un compás diferente al del resto de los instrumentos.

La comunión de elementos y voces que a veces parecen fluir a su libre albedrío, dan lugar a un final perfecto. Tras un puente casi instrumental, Thom Yorke hace sonar varias líneas a la vez. Cuenta la leyenda que la maqueta tenía dos versos extra, pero no les convencían y en su lugar se decidió superponer el texto icónico «one day I am gonna grow wings», uno de los que la gente incluso ahora se está tatuando, con el coro «you know where you are», produciendo un efecto precioso. El tema se grabó a las 3 de la madrugada en un gran salón de St Catherine’s Court, una conocida mansión de Somerset, donde el productor Nigel Godrich se opuso ferozmente a que el tema terminara en «fade out».

Hablando de sentirse como «bichos aplastados contra el asfalto», ‘Let Down’ parecía la prima moderna de ‘Creep’, conectando también con el vídeo de ‘Just’, en el que precisamente varios humanos aparecen pegados sin motivo al suelo. Sin embargo, como todo ‘OK Computer’, va un paso más allá y esconde intenciones más complejas. Oficialmente el tema habla sobre el miedo a estar atrapado y también de la alienación: «sobre esa sensación que tienes cuando estás en tránsito pero no tienes el control, simplemente pasas por miles de lugares y miles de personas y estás completamente alejado de eso». De ahí las menciones a autopistas y medios de transporte, lugares donde escuchar ‘Let Down’ con buenos auriculares, posee un encanto especial.

Pero también es una canción crítica con el sentimentalismo atribuido a la generación X. «El sentimentalismo es ser emocional por el mero hecho de serlo. Nos bombardean con sentimientos, la gente se emociona. Esa es la «decepción» («let down»): sentir todas las emociones es falso. O mejor dicho, todas las emociones están en el mismo plano, ya sea un anuncio de coches o una canción pop». Jonny Greenwood elogiaba a Andy Warhol cuando dijo que podía disfrutar de su propio aburrimiento. «‘Let Down’ va sobre eso».

En un momento en que la «decepción», para muchos de sus fans, está siendo la tibieza y sobre todo lo tarde que han tratado el genocidio en Gaza, Radiohead cuentan en verdad con dos viejos temas en las listas de éxitos: ‘Creep’, omnipresente en los últimos lustros, y ahora también, ‘Let Down’.

@aheepwardo #radiohead #radioheadtattoo ♬ Let Down – Radiohead

@worldgreatestarcher they all suffered so much #ginnyandgeorgiaseason3#ginnyandgeorgia#mentalhealth#mentalhealthmatters#mh#letdown#georgiamiller#ginnymiller#marcusbaker#maxinebaker#abbylittman#edit#trend ♬ Let Down – Radiohead

@tlawsarchives happy heavenly father’s day Kobe 🕊️ #kobebryant #lakers #fathersday #nba #edit #rip #viral #fyp ♬ Let Down – Radiohead

Aleesha y L0rna dan chulería y descaro en ‘Superstar’

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Dos nuevos valores del urban español se han juntado para un temazo. Por un lado, Aleesha, la ibicenca afincada en Barcelona que no por nada es conocida como ‘La Patrona’. Por otro, la murciana L0rna, autora de la increíble ‘Mr. Sexo Beat‘.

Juntas, Aleesha y L0rna entregan ‘Superstar’, porque superestrellas son desde el día en que nacieron. Así lo afirman sobre este nostálgico beat de hip-hop de Manu Oliva y Jaasu que trae de vuelta el sonido crunk de los dosmiles. Ying Yang Twins, Lil Jon o Ciara han podido estar en su punto de mira.

El tema está lleno del descaro esperado. Aleesha, por su lado, presume de cochazo, pelazo, uñas y «cara de presumía». Y desafía: «Mi ex dice que estoy loca, y puede que sea verdad». En el estribillo cuela una referencia a ‘Who’s That Chick‘ de Rihanna y David Guetta. Al menos, lo es en nuestra cabeza. ¡Alguien tenía que reivindicar aquel temazo!

l0rna entra en el beat a mitad de canción con la chulería que la caracteriza. Además de presumir de confianza, disciplina y pasta en el bolso, manda un saludo a su colega Bea Pelea y otro a las «guapas» porque «las que envidian son feas».

‘Superstar’ es adictiva desde la primera escucha, gracias también a su minimalista beat, que va agregando elementos progresivamente: los rasgueos de guitarra acústica y la melodía de teclado que se fusionan en el estribillo emiten cierto eco arábigo.

El único elemento de ‘Superstar’ que no funciona es su forzada parte hablada, que incluye una broma sobre el miembro de un ex, igual de pequeño que un lápiz labial.

Muere la actriz Verónica Echegui a los 42 años

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Verónica Echegui, actriz madrileña que saltó a la fama en 2006 con su papel protagonista en ‘Yo soy la Juani’ de Bigas Luna, que le valió una nominación a Mejor actriz revelación en los Goya, ha fallecido a los 42 años en Madrid, informa El País, como consecuencia de un cáncer.

Echegui, nacida en 1983, actuó en ‘Yo soy la Juani’ junto a Daní Martín, de El Canto del Loco. Después, volvió a ser nominada a los Goya por sus papeles de presidiaria en ‘El patio de mi cárcel’ (2008) de Belén Macías, y de profesora destinada a Nepal en ‘Katmandú, un espejo en el cielo’ (2011), de Icíar Bollaín, en ambos casos en la categoría de Mejor actriz principal. Aunque el Goya lo terminó ganando en 2022 como directora por el corto de ficción ‘Tótem loba’.

Echegui sumó papeles tan recientemente como en 2024, el de ‘Justicia artificial’ y, en el último lustro, había aparecido en ‘Explota Explota‘ (2020), el biopic de Raffaella Carrà; ‘Objetos’ (2022) o incluso en la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, donde encarnó a la actriz vasca Edurne Bengoetxea, una parodia de Miren Gaztañaga. Echegui participó también en videoclips musicales como ‘Quizá‘ (2018) de Joe Crepúsculo.

Sigue la fiebre de las listening parties… ¡con Blood Orange!

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Los eventos de escucha colectiva de álbumes -conocidos como listening parties- resisten a la era de las playlists y al supuesto déficit de atención. Se han consolidado como una forma de socializar en torno a un artista favorito y disfrutar de discos de manera “exclusiva”, antes que la mayoría. Artistas como Aitana los han convertido en acontecimientos masivos, mientras tiendas de discos de todo el mundo, por ejemplo, El Genio Equivocado, en Barcelona, recurren a ellos para reunir a melómanos en su espacio, recientemente en torno al último álbum de Ethel Cain.

Luego están los eventos de «música a ciegas«, muy populares en los últimos tiempos. En estos encuentros el público escucha, en la oscuridad, álbumes al completo, normalmente clásicos de la historia de la música de artistas como Radiohead, Depeche Mode o, entre las últimas incorporaciones al canon, Rosalía o Taylor Swift. Estos eventos no tienen un fin promocional, sino puramente recreativo.

Los artistas celebran escuchas exclusivas de discos como una manera de premiar la lealtad y el apoyo de sus fans. Entre los últimos en sumarse a la moda está Blood Orange, que estos días ha presentado su nuevo álbum, ‘Essex Honey’, en varias ciudades del mundo, incluida Barcelona.

En el espacio Nica de Casa Bonay, un selecto grupo de seguidores de Dev Hynes, que han accedido al espacio previa reserva de entrada, se reúne para descubrir en primicia las canciones del álbum. El lugar, con cortinas y sillones rojos iluminados por una luz cálida, mantiene abierto el bar para quien quiera acercarse por una cerveza. El ambiente es de escucha atenta pero relajada: no se trata de una ceremonia solemne: la sensación es de estar en casa compartiendo música con amigos, aunque con el respeto que exige enfrentarse a material inédito, casi como si se tratara de un secreto.

El espacio también destaca por su calidad de sonido, algo que se percibe claramente al escuchar ‘Essex Honey’, un álbum rico en matices de jazz, indie-pop, R&B y folk, y tan inquieto que las canciones pueden incluir diferentes géneros y estilos dentro de sí mismas. Algunas, como la conocida ‘Somewhere in Between’, recurren a constantes cambios de ritmo y secciones musicales, pero la atmósfera se mantiene siempre tan urbana como melancólica. Hynes concibe el álbum como una exploración del duelo y una reflexión sobre su juventud, y como un intento de procesar estas emociones dentro de un contexto de «duelo y pérdida colectiva».

La versión presentada en el evento fluye sin pausas, lo que hace que a veces resulte difícil seguir cada canción. Desde el inicio con la hipnótica ‘Look at You’, el público recibe la música ensimismado, cerrando los ojos, ladeando la cabeza, observando tímidamente la reacción del resto de asistentes. La mayoría escuchamos el disco sentados en el suelo, pero otros se relajan en sillones y sofás. A mí se me escapa una sonrisa escuchando la preciosa composición pastoral ‘Countryside’, pero la sensación general es que el público se deja envolver por la música y sus detalles.

La música de ‘Essex Honey’ es variada, mutante, escurridiza. De pronto ‘Lost of England’ incluye violines que introduce un acelerado beat de breakbeat; de pronto las voces de Caroline Polachek y Lorde emergen, inconfundibles, en la bellísima ‘Mind Loaded’. ‘Life’, la canción más sexy («quiero verte desnuda toda la noche») pasa del slow jam R&B a la guitarra minimalista en un pestañeo: la voz de Tirzah encuentra de repente su lugar, sonando tan cálida como siempre.

Como si Dev Hynes quisiera repasar décadas de historia de la música o incluso su propia carrera como artista y productor, ‘Essex Honey’ no teme pasar de la electrónica de ‘Westerberg’ al indie-pop de ‘The Train (King’s Cross)’, que remite a su etapa como Lightspeed Champion, pero sobre todo recorre por su sangre una influencia del jazz evidente en la instrumentación -clarinetes, flautas, cuerdas de todo tipo- y el carácter fluido y libre de las composiciones. Y ‘(I Listened) Ever Night’ incluso introduce percusiones con ecos a la samba, solo para pasar a la pista de baile inmediatamente después. ‘Essex Honey’ se publica este viernes.

Kylie Minogue sufre un colapso en México

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Las giras internacionales son tremendamente exigentes, y si no, que se lo digan a Kylie Minogue, que este fin de semana ha sido captada sufriendo un “pequeño colapso respiratorio” tras finalizar su reciente concierto en Ciudad de México, un episodio que, por fortuna, quedó en un susto.

Kylie habría experimentado un malestar posiblemente relacionado con el agotamiento y la altura de la capital mexicana, según cuenta Muzikali Records. “La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio”, señala la publicación.

El clip que circula en redes sociales muestra a Kylie cerrando el show radiante. Sin embargo, al retirarse del escenario comienza a sentirse indispuesta: se coloca la mano al pecho, parece perder estabilidad y, según se ve en las imágenes, se pone de frente y cae, posiblemente asistida por un guardia de seguridad. No queda claro en el vídeo si llegó a desmayarse.

Kylie no ha comentado el episodio en redes, pero ha seguido publicando contenido con total normalidad y buen ánimo, por lo que parece que se encuentra recuperada del pequeño percance.

Gracias al usuario @timeout por compartir el vídeo en nuestros foros.

@muzikalirecords ¡Kylie Minogue deslumbra en el Palacio de los Deportes! 🌟 Anoche, la reina del pop-disco, Kylie Minogue, de 57 años, hizo vibrar a más de 20,000 fans en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su esperado Tension Tour 2025. Tras 14 años de ausencia, la australiana ofreció un espectáculo lleno de energía, nostalgia y coreografías impecables, interpretando éxitos como Can’t Get You Out of My Head, Padam Padam y Love at First Sight, además de temas de su aclamado álbum Tension. El show fue un derroche de glamour y profesionalismo, consolidando su reinado en el pop mundial. Sin embargo, al finalizar, Kylie sufrió un pequeño colapso respiratorio, posiblemente por el agotamiento y la altura de la CDMX. La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio. Los fans expresaron su preocupación y apoyo en redes, destacando su entrega total en el escenario. ¡Kylie, eres una diosa! 💖 #TensionTour #KylieMinogue #CDMX ♬ sonido original – Muzikali Récords

Mato por un featuring de Lady Gaga en ‘Don’t Click Play’

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Ava Max ha hecho su tercer disco para probarse a sí misma que era capaz de hacer música sin su ex pareja, Cirkut. inverness y Pink Slip son los productores que han demostrado que Henry Russell Walter no es precisamente insustituible. El electropop de Ava Max tiende a lo genérico y este ‘Don’t Click Play’ no se deshace de eso. Su mérito es conseguirlo con gracia.

Este título que además da nombre al álbum puede ser premonitorio, pues ya nos hemos dado cuenta de que este no va a ser el proyecto más exitoso de Ava Max, pero sí pretende ser irónico. El pre-estribillo dice «no le des al play, no lo pongas, porque te va a encantar y vas a querer ponértelo dos veces». Algo que funciona con esta producción adictiva que, durando 2 minutos, invita a la escucha «en repeat».

Hay dos claves para ello: un «Dum-dum, da-da» que se pega como un chicle, como ya sucedía en el mítico ‘Tom’s Dinner’ de Suzanne Vega y tantas otras canciones a lo largo de la historia del pop. Y luego, la tristeza con que Ava Max se hace eco de las críticas que ha leído en X.

Dice el espectacular segundo verso: «En X es un tema de conversación constante: «ella es una imitación de Gaga cantando samples». ¿Pero no puede ‘Kings and Queens’ quedar bien junto a ‘Poker Faces’? Me estoy queriendo a mí misma, por mucho que lo odies».

Este coger el toro por los cuernos roza lo sublime. Lo único que no le perdonamos es que no haya videoclip para el día del estreno. ¿Os imagináis que Lady Gaga recogiera el guante y se animara a participar en un remix o en una presentación en directo de la canción, interpretando justo ese segundo verso? Con Gaga inmersa en la gira de ‘MAYHEM’ parece poco probable, pero por pedir que no quede…

  • Foro de Ava Max.

  • Altercado entre Metrika y Bb trickz en pleno concierto

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    El festival Riverland de Asturias ha vivido este fin de semana un extraño episodio cuando Bb Trickz ha irrumpido en el escenario durante la actuación de la rapera castellonense Metrika, acompañada de su equipo, para increparla y agredirla.

    En un vídeo que circula en redes se puede ver a Bb Trickz subir al escenario, arrebatarle el micrófono a Metrika de forma brusca y espetarle: “¿Tú no me dijiste que me ibas a robar los racks?”. En la jerga del hip-hop, el término racks hace referencia tanto al éxito como a fajos de billetes.

    El incidente escala hasta el punto que uno de los acompañantes de Bb Trickz lanza un vaso con agua y hielo contra la cabeza de Metrika. Según el testimonio de la propia rapera en otro vídeo compartido en redes, el enfrentamiento continuó en los camerinos:

    “Me han mojado el pelo, pero el mánager de Bb Trickz se ha llevado un puñetazo en la boca. Ella se encerró en el camerino y hasta que no la sacaron por la fuerza… Es lo que hay, ¿no? Ya la pillaremos, ya la pillaremos”, declara Metrika.

    El festival Riverland se ha celebrado este fin de semana, del 22 al 24 de agosto, en Arriondas, Asturias, con Rusowsky, LaBlackie, Barry B o Mushkaa también entre los nombres confirmados.

    @javihoyosmartinez ¡Grave altercado! Bb trickz se cuela en el concierto de Metrika en el Riverland #bbtrickz #metrika #riverland ♬ sonido original – JaviHoyos

    Wolf Alice / The Clearing

    Que Dios -o quien sea- se apiade del resto de los mortales, si Wolf Alice, que fueron nominados al Mercury Prize con su primer disco, lo ganaron con el segundo, y fueron número 1 en UK con el tercero, han tenido problemas de autoafirmación. Ya lo decía Björk, que «no hay mapa ni brújula» capaz de ayudar a entender el «comportamiento humano».

    ‘The Clearing’, el cuarto álbum del grupo británico, se presenta como el primero en el que Wolf Alice se han aceptado como banda, se han planteado qué querían hacer y lo han llevado a cabo. La idea principal ha sido centrarse en la sencillez de las canciones, dejarlas a piano si así es como habían surgido y -lo más singular-, elaborar un disco sobre la «performance» como concepto, lo que explica su espectacular portada.

    ‘Thorns’ abre el álbum justo enfrentándose al proceso compositivo, con todo lo que eso conlleva de «narcisista» y de «masoquista». El single ‘Bloom Baby Bloom’, en el que Ellie Rowsell se ha planteado cantar «como Axl Rose pero en chica», contiene otra parte del concepto, cuando el pre-estribillo dice algo así como «mírame cómo lo intento de fuerte, estoy harta de intentarlo tanto». Esta especie de mambo raro no tiene continuidad en un álbum que rehúye de más efectos jazzy o de improvisación, para rendirse, en general, al folk y al soft rock de los años 60 y 70. Ese «aceptarse como banda» parece significar que no tienen por qué ponerse una chupa de cuero, sino que pueden hacer lo que quieran.

    Los discos de Wolf Alice siempre han sido variados, nunca han sido la banda de grunge que aparentaban por imagen, y ahora esa diversidad la encontramos en canciones como ‘Just Two Girls’, a medio camino entre ABBA y las producciones de Ian Catt para gente como Saint Etienne. Pero en general el álbum llama la atención por lo poco rockero que es, a destacar la bellísima guitarra de ‘Leaning Against the Wall’ -un tema surtido de matices electrónicos-, o el piano que manda en ‘Play It Out’, que habla sobre la pérdida de la fertilidad, y ‘Midnight Song’, sobre encontrarte con la niña que fuiste.

    Porque de alguna manera ‘The Clearing’ también habla sobre la identidad del artista es que una canción como ‘White Horses’ encaja a la perfección en este álbum. En ella la voz principal no es la de Ellie, sino la del batería Joel Amey, que bucea en el origen de sus antepasados, por los que se ha preguntado siempre al haber sido su madre y su tía, adoptadas. La melodía y la progresión de la canción, totalmente setenteras, son espectaculares, y Ellie Rowsell no tiene de qué preocuparse. Hacer segundas voces puede ser muy gratificante, porque implica que sólo tienes que cantar la mejor parte de una canción, y aquí Rowsell está exultante, elevando un tema que ya estaba muy arriba desde el principio. Ahí es cuando más te acuerdas de cuánto sumaban juntos Buckingham, Nicks y McVie.

    En cuanto al concepto, el grupo ha hecho un esfuerzo por introducir palabras y elementos relacionados con la «actuación» en canciones que parecían no tener tanto que ver. «¿Es el amor nuestra más perfecta performance?», plantea ‘Leaning Against the Wall’, y a continuación ‘Passenger Seat’ versa sobre las canciones que unen.

    Finalmente, ‘Bread Butter Tea Sugar’ y ‘Safe in the World’ pueden resultar más planas en una parte central que suele ser la más difícil de rellenar en un trabajo, pero el grupo logra equilibrar las cosas dejando para el final dos de los tres singles que llevamos: ‘White Horses’ y el ya «fan favorite» que supone ‘The Sofa’. Un tema que acepta la posibilidad de ser diferentes cosas en la vida, por ejemplo «salvaje» o por ejemplo «una zorra» cuando te enfadas. Wolf Alice superan la presión de tener que mostrarse como «una preciosa reina intelectual» o un grupo «salvaje» pidiendo un pequeño respiro. La sección de cuerdas se lo concede. Misión cumplida.

    ‘Da Me’, otro acierto Bad Gyal gracias a su genial vídeo

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    Bad Gyal ha sacado un puñado de singles este año que han terminado formando parte del repertorio de su gira de verano, el Bikini Badness Tour, que se ha presentado en festivales como Mallorca Live o Arenal Sound. Entre ellos se encuentra su dueto con Omar Courtz, ‘Comernos‘, ya Doble Platino en España. Pero también ‘Da Me’, que suma un Disco de Platino.

    ‘Da Me’ ha alcanzado el puesto 7 en España, actualmente ronda el top 20 y, como habéis destacado en los comentarios de JENESAISPOP, destaca por contar con un chulo videoclip, probablemente el mejor de toda la carrera de Alba Farelo.

    El videoclip de ‘Da Me’ está diseñado para lucir el esculpido físico de Bad Gyal, pero la producción de TORSO es especialmente original en su uso de efectos especiales, que transforman la moderna y minimalista casa del vídeo en un organismo desbordado de deseo sexual.

    ‘Da Me’, que acredita como composición principal a Spread Lof (Kali Uchis, Sebastián Yatra) es otra fusión de estilos latinos de Bad Gyal, esta vez, de reggaeton y bachata. Esta fusión, bajo producción de Jorge Millano (Nicky Jam, Maluma) y Cromo X (Daddy Yankee, C. Tangana), funciona gracias a los expertamente introducidos cambios de ritmo que aceleran y desaceleran la canción.

    El pegadizo estribillo coral de ‘Da Me’ destaca en la discografía de la artista catalana, que, en la declaración «en el sexo eres especialista» entrega otro de sus hooks infalibles. La rima siguiente gustaría a Becky G: «Me lo entra, lo siento / Pa ese tamaño estoy lista».

    ‘Kpop Demon Hunters’ es la fresca aventura animada del verano

    Hace más de 10 años, en los foros de JENESAISPOP ya se hablaba del k-pop como un género con potencial de éxito internacional, en contraste con el más peculiar j-pop. En aquel momento, el viral ‘Gangnam Style’ de Psy ya había abierto las puertas del k-pop al mundo, pero aún pasarían años hasta que este género musical -que también es una industria en sí misma- se convirtiera en un auténtico fenómeno global gracias al éxito de BTS y BLACKPINK.

    Y, aun así, el k-pop seguía siendo de nicho, como demostraba el desempeño comercial de ciertos singles o álbumes que se catapultaban al número 1 en su primera semana para después desplomarse. El éxito descomunal de ‘K-Pop Demon Hunters‘ demuestra que el k-pop ha dejado definitivamente de ser un producto de mero fenómeno fan, para convertirse en una exportación cultural absolutamente mainstream y global.

    ‘K-Pop Demon Hunters’ -en España ‘Las guerreras del k-pop’- ejemplifica además cómo el público infantil puede definir fenómenos culturales. Es un producto familiar, dirigido a niños, y estos lo están visualizando en bucle hasta el punto de que la película, dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, está en camino de convertirse en la más reproducida de la historia de Netflix. Y con razón: ‘K-Pop Demon Hunters’ es una obra animada muy bien hecha, que funciona en varios niveles y tiene capas.

    La película narra la historia de un exitoso trío de k-pop, Hunter/X, que caza demonios para preservar el bien en el mundo. Rumi (Arden Cho), Mira (May Hong) y Zooey (Ji-young Yoo) son las cantantes de este grupo, que con sus voces y canciones mantienen sellado el Honmoon, la barrera mágica que separa el mundo humano del de los demonios. Cuando un grupo masculino de k-pop, los Saja Boys -demonios encubiertos- intenta imponer la maldad en la Tierra, se desencadena la trama y una serie de complicaciones que pondrán en riesgo la amistad de las protagonistas.

    El primer gran acierto de ‘K-Pop Demon Hunters’ es ser un musical cuyas canciones no solo tienen el peso esperado en la narrativa, sino que resultan lo suficientemente pegadizas como para haber irrumpido en listas oficiales (‘Golden‘ es ahora mismo la canción más exitosa del mundo). Estas canciones no son extraordinarias a nivel de composición ni producción, pero resultan efectivas y divertidas acompañadas de los atractivos y coloridos visuales en 3D, que, como en ‘Soda Pop’, hacen que “los ojos hagan pop”: y, a la vez, funcionan por sí solas, extraídas de su contexto.

    La cinta también logra un buen equilibrio entre drama, humor y fábula transmitidos a través del prisma moderno del pop coreano y la animación digital. Si bien la comedia “goofy” la sitúa firmemente en el terreno del público infantil, no deja de ser, en el fondo, una alegoría comprensible para cualquier espectador que transmite una lección importante: la necesidad de aceptarse a uno mismo, con sus virtudes y defectos, y la manera en que ocultarlos solo genera demonios que seguirán apareciendo aunque intentes ignorarlos.

    Más allá de la acción y la animación, ‘K-Pop Demon Hunters’ tiene fondo. Su elemento fantástico se inspira en el chamanismo coreano, y en la trama también se percibe un comentario claro sobre la propia industria del k-pop y la manera en que explota y deshumaniza a sus ídolos (visible en la figura de la mánager de Rumi). Por otro lado, la película acierta al esquivar la típica trama romántica, poniendo el foco en la aceptación personal, en la importancia de la ayuda mutua y, al mismo tiempo, en preservar la independencia de sus personajes.

    Vale la pena también detenerse en el aspecto técnico y visual de ‘K-Pop Demon Hunters’, ya que su frenético ritmo logra que el entretenimiento no decaiga. En parte, gracias a su uso de la clásica técnica «smear», un recurso de animación y efectos visuales usado principalmente para transmitir velocidad. Hay quien recomienda ver la película a mitad de velocidad para apreciar sus esmerados detalles visuales. Es posible conectar con ‘K-Pop Demon Hunters’ con el corazón, pero también con la mente, y ahí radica la clave de su éxito.

    Kae Tempest / Self Titled

    Un día Kae Tempest le puso un par de maquetas nuevas a su colega, el productor Fraser T Smith, y este no dudó en sincerarse: «no creo que esto sea lo que debería salir de ti ahora mismo. Mejor vamos a empezar otra vez y veamos qué pasa». De esa honestidad en el estudio pueden salir grandes obras, y el quinto disco de Kae Tempest es una tan decisiva que recibe el nombre de ‘Self Titled’. No es que la haya llamado ‘Kae Tempest’, es que ha escrito ‘Self Titled’ en el lomo como para advertir de cuánto va a revelar de su propia historia.

    ‘Breathe’, que dura 6 minutos y es por mucho el tema más largo, contiene un verso tan revelador como este:
    «Fui un chico al principio,
    luego llegué a la pubertad y tuve que ser una chica,
    de verdad que intenté ser alguien que se adaptara al mundo».
    Efectivamente, ‘Self Titled’ es un disco que de manera muy explícita habla sobre la transición del artista que conocimos como Kate Tempest, primero se reconoció como persona no binaria, y finalmente, como hombre trans.

    ‘I Stand on the Line’ habla sobre vivir una «segunda pubertad a los 37» y ‘Know Yourself’ afronta el tema de estar presentando una nueva voz, contraponiendo su voz actual a un sample de su voz de pequeño. «Vuelvo al niño que fui, buscando un adulto / me vi allí, y le cogí de la mano», dice en este tema para cuyo vídeo se ha contado con una veintena de personas trans y no binarias, que podéis encontrar acreditadas en Youtube.

    Por supuesto y como siempre, su propio viaje personal se extiende a lo social, porque como dice en la mencionada ‘Breathe’, su historia también es la de sus amigxs que viven en Londres. Y las de otras personas del mundo, atended: «¿Por qué con todos los problemas que tenemos que resolver, los cuerpos de las personas trans están siempre en la agenda?», se pregunta ‘I Stand on the Line’. «Mientras nos sigan matando por nuestras diferencias, tenemos que seguir viviendo, tenemos que sobrevivir», plantea la misma letra, en referencia a la alta tasa de suicidio en la comunidad.

    ‘Statue in the Square’ habla de cruzarse con alguien que obviamente nunca ha visto a una persona trans, y es una canción brevísima, que pide ser escuchada en bucle porque su estribillo es tan bueno que no da tiempo a disfrutarlo: «Nunca quieren cerca a una persona como yo, pero cuando me muera, me pondrán una estatua en la plaza».

    La transición de Tempest se expone desde diferentes prismas, como el echar de menos tu pasado, o la imposibilidad de tener hijos. Lo primero se plantea en ‘Prayers to Whisper’: «He visto pasar a alguien que llevaba tu chaqueta, me ha dolido recordar la chica que conocí, pero al menos ya no sufres más». Y lo segundo aparece en la evocadora y profunda ‘Bless the Bold Future’, cuyo fondo pulula entre la espiritualidad de Enigma y Jean Michel Jarre. El tema se pregunta si de todas formas merecía la pena tener un bebé teniendo en cuenta «el estado del planeta».

    El paso a lo social, de una manera más general, aparece en la rapera ‘Diagnoses’, de beat chorra pero mensaje serio. El estribillo es una enumeración de enfermedades mentales que termina preguntándose si no tenemos un «sobrepronóstico» de nosotros mismos, cuando lo que está mal es el mundo.

    Ante este nuevo aluvión de ideas, Fraser T. Smith, que ha trabajado lo mismo con Dave que con RAYE, opta por un fondo a menudo trip hop, un registro en el que Tempest siempre ha estado cómodo, compuesto por bases y pequeños arreglos de cuerda o piano. Si la segunda mitad del disco, una vez pasa el interludio ‘Everything All Together’, resulta algo más plana (‘Forever’, ‘Till Morning’), la primera es absolutamente vibrante gracias a las ideas desplegadas en ‘Know Yourself’, un pop que se convierte en electrodisco, o la synth-pop ‘Sunshine on Catford’, que parece una canción de Pet Shop Boys.

    Connie Constance aporta su bonita voz en ‘Hyperdistillation’, y también colaboran en el álbum Tawiah (‘Bless the Bold Future’), Tom de Chemical Brothers (‘Know Yourself’, ‘Diagnoses’) y Young Fathers (‘Breath’), pero es Neil Tennant quien se queda el featuring más distintivo del álbum por lo bonita que resulta dicha y dichosa canción de amor: «Nunca supe lo poco que sabía hasta que te conocí. Nunca supe lo perfecto que era todo, hasta que fui perfecto para ti».

    Varias reseñas de ‘Self Titled’ apuntan a que este es el mejor disco de Kae Tempest. Es imposible decidir si es más relevante la decadencia de Europa o la historia de una persona trans. Como dice él, el modo en que la libertad de las personas trans está en el foco es absurdo. Sobre todo si recordamos que estamos viviendo un genocidio en directo y que un estafador ha terminado gobernando el país más poderoso con el beneplácito de las redes sociales y tres oligarcas. La carrera de Kae Tempest está exhibiendo que todo está relacionado.

    Cris y Lucas de OT2023 no son menos artistas fuera de la industria

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    ¿Quién habría imaginado que, de 18 concursantes de Operación Triunfo, solo unos pocos lograrían dedicarse a la música? En absoluto esto ha ocurrido en 25 años de historia del programa. Por alguna razón, para algunos, que Lucas Curotto y Cris Helia hayan terminado desempeñando empleos «ordinarios», no relacionados con la industria musical, o relacionados de manera tangencial, es motivo de humillación y burla en redes sociales.

    Fue parecido a presenciar el fin del mundo cuando Lucas Curotto, finalista de Operación Triunfo 2023, fue visto trabajando de camarero en un bar de Madrid. El mundo colapsará en cuanto descubra que su compañero de edición, Cris Helia, está realizando un espectáculo musical en un restaurante canario. Helia fue captado recientemente disfrazado de bogavante.

    Ambos no han podido responder a las críticas con más elegancia, afirmando que los ingresos generados de sus empleos actuales les permiten financiar su música. Cris Helia, dando una lección de clase, ha invitado a su hater -que tuvo el descaro de tirarle veneno por privado- a entrar al restaurante y presenciar su show.

    No voy a ser yo quien niegue que sorprende ver a dos personas que alcanzaron cierta fama televisiva hace dos años gracias a su talento musical, de vuelta a la vida (relativamente) anónima. Ninguno ha logrado desarrollar una carrera musical masiva. Sin embargo, las personas que se burlan de ellos desde el anonimato de las redes ignoran que la realidad de Cris y Lucas es la del 99% de los artistas y músicos de todo el mundo. Muchos de ellos no concursan en Operación Triunfo, es cierto. Pero muchos de ellos tampoco tienen la valentía de exponerse en un programa televisivo y buscar una oportunidad a través de esa vía.

    La industria musical es -sorpresa- extremadamente competitiva, y la mayoría de músicos que se dedican profesionalmente a este oficio lo hacen desde el anonimato. Hay millones de músicos activos en todo el mundo, pero no todos pueden acceder a contratos discográficos, a programas de televisión o a tocar en festivales, simplemente porque no hay espacio ni demanda para todos. Según un informe reciente de la Unión de Músicos en España, más del 60% de los músicos tiene uno o más empleos adicionales a la música para poder sostenerse. Y ahí la responsabilidad de Lucas y Cris ha sido diferenciarse y destacar en la industria, algo que tristemente no han conseguido. Y no pasa nada.

    Ni cabe decir que los artistas que logran fama masiva y reciben ingresos millonarios son una minoría: la mayoría de músicos permanecen en nichos locales o regionales y trabajan en educación musical, producción, eventos o empleos fuera de la música para sostenerse. No es solo que no sean Taylor Swift o C. Tangana, es que muchas bandas de indie que aparecen continuamente en revistas especializadas, logran cierto renombre y ganan premios, no se dedican a la música exclusivamente y desempeñan empleos en otros sectores.

    Lucas y Cris son el blanco fácil porque han estado expuestos mediáticamente, al contrario que la mayoría de músicos profesionales del mundo. Sin embargo, su situación laboral es resultado de una industria incapaz de absorber todo el talento que existe y no tiene que ver con su talento, sino con la misma estructura de la industria musical. Ellos, por supuesto, se han defendido públicamente, pero les dignifica simplemente trabajar, y quienes tratan de humillarlos no hacen más que proyectar una visión tremendamente miope y reducida del éxito. Ellos -y tantos como ellos- siguen siendo artistas estén en la cima o no.

    Tras ‘Espresso’ y ‘Diet Pepsi’, Conan Gray sirve ‘Vodka Cranberry’ y desamor

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    Conan Gray es una de las superestrellas de la era actual del streaming. ‘Heather’, single extraído de su debut de 2020, ‘Kid Krow’, es uno de esos temas que superan los 2 mil millones de reproducciones en Spotify, y los números de ‘Maniac’, ‘Memories’ o ‘The Cut that Always Bleeds’ son igualmente impresionantes.

    Gray es, además, uno de los artistas asociados a Dan Nigro, productor de Olivia Rodrigo y Chappell Roan. Junto a Nigro, Gray ha producido su cuarto álbum, ‘Wishbone‘, que acaba de ver la luz.

    El repertorio de ‘Wishbone’ se construye sobre un sonido que hibrida pop-rock, rock alternativo y folk-pop. ‘Vodka Cranberry’ es uno de sus himnos, y la Canción Del Día para hoy sábado.

    ‘Vodka Cranberry’ se caracteriza por su estribillo coral. También es una sentida composición que mezcla guitarras acústicas y cuerdas dramáticas a la manera del brit-pop de los noventa. A pesar de su tradicional estructura, composición e instrumentación, ‘Vodka Cranberry’ logra destacar convirtiendo la bebida que da título a la canción en un símbolo de desamor. Un cóctel que, en el mundo de Conan Gray, encarna el dolor de una ruptura inminente. ¿Será su respuesta a ‘Espresso’ y ‘Diet Pepsi’?

    Quizá por haber bebido demasiado ‘Vodka Cranberry’, Gray no escatima en sentimentalismo. «Sé que me odias, he mirado tu foto y llorado como un crío; habla, no me hagas esperar, si no vas a cortar lo nuestro, lo haré yo», lamenta. La canción invita a cantar a pleno pulmón, y Gray se anota el mérito de incluir el adjetivo «imbécil» en la letra y lograr que suene natural.

    Chappell Roan logra su 2º top 1 en JNSP

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    ‘The Subway’ es el 2º número 1 en JNSP de Chappell Roan, tras haberlo logrado por primera vez hace unos meses con el relanzamiento de ‘Pink Pony Club’. Su gran hit ‘Good Luck, Babe!’ quedó en el top 10 en su momento. La artista ha sumado más del 50% de los votos en las Stories de Instagram. La canción ha sido número 1 en Reino Unido, número 3 en Estados Unidos y número 94 en España.

    Ethel Cain, Julieta y Demi Lovato llegan esta semana al top 20 mientras Zara Larsson, HUNTR/X y Bakar llegan al top 40.

    Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

    Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
    1 2 1 2 The Subway Chappell Roan Vota
    2 3 2 4 End of Summer Tame Impala Vota
    3 4 3 2 Callaíto Alizzz Vota
    4 7 3 4 Jellyfish Sigrid Vota
    5 1 1 6 malibU rusowsky Vota
    6 12 6 3 dealer Lola Young Vota
    7 17 7 2 Kiss It Kiss It Reneé Rapp Vota
    8 32 1 9 Hammer Lorde Vota
    9 6 6 3 Dream Night Jamie xx Vota
    10 13 10 4 place of my own Purity Ring Vota
    11 19 11 3 Monster Truck Barry B Vota
    12 14 2 6 Shook Sugababes Vota
    13 22 1 15 Pipe dream Guitarricadelafuente Vota
    14 14 1 Dust Bowl Ethel Cain Vota
    15 15 1 Bikini rojo Julieta Vota
    16 16 1 Fast Demi Lovato Vota
    17 10 2 29 M.A.P.S. Amaia Vota
    18 15 7 10 chica de cristal Judeline Vota
    19 24 3 4 Me va la vida en esto Depresión sonora Vota
    20 5 5 2 Freak It Kim Petras Vota
    21 17 17 2 Bikini Nick León, Erika de Casier Vota
    22 21 1 8 Imaginado es todo Hidrogenesse Vota
    23 27 23 2 A Little More Ed Sheeran Vota
    24 36 3 9 Plastic Box JADE Vota
    25 8 2 6 JUMP BLACKPINK Vota
    26 28 9 6 Fuck Me Eyes Ethel Cain Vota
    27 11 11 3 Sugar Sweet Mariah Carey, Shenseea, Kehlani Vota
    28 26 3 20 End of the World Miley Cyrus Vota
    29 31 1 17 What Was That Lorde Vota
    30 39 1 12 Fame Is a Gun Addison Rae Vota
    31 31 1 Crush Zara Larsson Vota
    32 32 1 Golden HUNTR/X Vota
    33 9 9 2 Candy from a Stranger Jens Lekman Vota
    34 38 5 17 Headphones On Addison Rae Vota
    35 25 2 19 CUNTISSIMO MARINA Vota
    36 35 4 4 Cinderella Model/Actriz Vota
    37 18 9 5 BOY CRAZY. Kesha, JADE Vota
    38 20 4 7 Midnight Sun Zara Larsson Vota
    39 23 5 5 I CARE Turnstile Vota
    40 40 1 Lonyo! Bakar Vota
    Candidatos Canción Artista
    Everybody Scream Florence + the Machine Vota
    Jealous Type Doja Cat Vota
    Don’t Click Play Ava Max Vota
    Stardust Anna von Hausswolff Vota
    Strange Things Happen Alison Goldfrapp Vota
    Fundraiser bar italia Vota
    Peace Cass McCombs Vota
    Nice to Each Other Olivia Dean Vota
    I Don’t Go Out googly eyes Vota
    Trinkets Ashnikko Vota

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    Sabrina Carpenter, cine clásico y Halloween en el teaser de ‘Tears’

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    Sabrina Carpenter esperará hasta el lanzamiento de ‘Man’s Best Friend’, su nuevo disco, para extraer un segundo single que suceda en listas a ‘Manchild‘, que cumple casi tres meses de vida. ‘Manchild’ se mantiene en el número 15 en Estados Unidos, en el 25 en Reino Unido y en el 20 en el global de Spotify, pero no ha igualado el impacto de ‘Espresso‘, ‘Please Please Please‘ y ‘Taste‘, de momento, y a pesar de que cuenta con probablemente el mejor vídeo del año.

    ‘Tears’, el corte 2 de ‘Man’s Best Friend’, servirá de segundo sencillo, y lo sabemos porque Carpenter ha anunciado el estreno de su videoclip, que se producirá el mismo día que el del disco, el 29 de agosto.

    El avance del vídeo revela una pieza de gran factura, y una estética de cine clásico estadounidense que deriva en terror. Puede ser la continuación del vídeo de ‘Taste’, que también se lanzó de cara a Halloween hace un año.

    En el teaser de ‘Tears’, Carpenter se recompone de un accidente de coche; ha chocado con un árbol y caído en la hierba seca. A pesar del accidente, Carpenter mantiene el glamour vistiendo sombrero y tacones de color blanco perla y un vestido lápiz de color azul claro. Cuando se levanta, Sabrina descubre frente a ella una casa de madera y, a continuación, un trueno retumba en el cielo y un rayo corta la oscuridad, iluminando fugazmente la fachada de la casa.

    La inspiración de ‘Tears’ esta vez parece apuntar a Hitchcock… ¿y también un poco al cine colonial de los años 30 y 40? Habrá que verlo antes de sacar conclusiones.