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Carolina Durante: «No es que haya desencanto, es que los jóvenes están realmente afectados por la situación»

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Carolina Durante siguen siendo la misma banda de ‘Cuatro chavales’ que conocimos con unos primeros singles que ahora valen más de 100 euros en Discogs. Siguen concediendo entrevistas los 4 sin separarse para nada, aunque son el cantante Diego Ibáñez y muy especialmente el bajista Martín Vallhonrat quienes continúan tomando las riendas de la conversación, como al principio.

En un momento dado el papel de Diego en ‘Cardo‘ sale en la conversación hablando de los problemas de la generación camino a cumplir los 30, y se me ocurre preguntar si todos han visto la serie pese a que no todo el mundo tiene A3Player. Todos responden que sí excepto el batería Juan Pedrayes, pero solo porque «no es muy de ver series» y Martín afirma: «me interesa porque Diego es mi amigo, y si a él le interesa, a mí me interesa». Carolina Durante son una piña con sus inquietudes muy bien determinadas, incluso cuando han planteado este disco como «más ligero y menos solemne». ‘Cuatro Chavales’ es estos días nuestro «Disco de la Semana» y el primer gran disco nacional de 2022.

¿Qué retos habéis asumido en este segundo álbum?
Diego: «El principal reto al hacer una canción es que te guste a ti. Y al grabar, un reto es que sonase mejor que el primer disco. Sobre todo el reto ha sido en cuanto a sonido».
Martín: «Nunca nos había convencido el sonido de lo que estábamos sacando. Esta es la primera vez que estamos muy contentos con cómo suena de verdad».
Diego: «También queríamos que fuera continuista, pero más ligero, que fuera un poco menos solemne».

Es decir, ¿no teníais ninguna presión por esos 2 hits tan marcados que tenéis?
Martín: «Nunca la hemos tenido. Esas 2 canciones son de antes del primer disco. Si viviéramos con esa presión todo el día…»
Diego: «Al hacer una canción, no pensamos «esto no es un Cayetano»».
Mario: «Si tuviéramos la intención de hacer hits, no saldría nada, sería una mochila muy grande. Como nos ha ido bien haciendo canciones divirtiéndonos, la lógica es que, si seguimos así, seguirá funcionando».
Diego: «Es verdad que a veces para que algo siga igual tiene que cambiar algo. Pero todavía no. Queremos explotar lo que veníamos haciendo y en el futuro a lo mejor vemos».

¿Hay un componente de autoparodia en ‘Famoso en 3 calles’ o ‘Urbanitas’? ¿Estáis dentro de la parodia que hacéis?
Diego: «Como dice Marcelo (Criminal), «dentro pero en contra». Es igual que ‘Cayetano’. Tengo amigos que entran en el perfil de ‘Famoso en 3 calles'».

Bueno, tú eres también un poco famoso en 3 calles.
Diego: «Yo creo que en alguna más (risas) ¡Por lo menos en 10! Me refiero a todo lo que hablo en esa canción. Yo no me considero una persona famosa…»

Hablando de autoparodia, has terminado haciendo de Cayetano en ‘Cardo’…
Diego: «Lo sé, totalmente. Estirando el chicle a más no poder (risas)».

Diego: «En ‘Cardo’ tenía miedo de hacer un auténtico ridículo»

Es un papel complicado, sobre todo para empezar…
Diego: «Joder, lo es. Pensé que lo iba a llevar mejor, pero cuando me vi dentro, hubo momentos de decir «dónde me he metido». Pero lo volvería a hacer y estoy agradecido. A posteriori ni tan mal. Tenía miedo de hacer un auténtico ridículo».

A raíz de ‘Cardo’ y volviendo al disco, hay una canción que me ha recordado a la serie, la que habla de unas personas «al borde del precipicio», ‘Granja Escuela’. ¿Por qué creéis que una generación está así? Parece que hay cierta angustia existencial, que la lleva a salir, a beber o drogarse todo el rato.
Martín: «La canción viene de una broma de Carlos Hernández (productor), que llama «Granja Escuela» a los centros de desintoxicación y de rehabilitación. Cuando llegamos a la furgoneta un poco perjudicados de fiesta, nos echa un rapapolvo y nos amenaza con llevarnos unos días a la Granja Escuela. La canción empezó como un poco de coña, y luego metimos la cuña de las apuestas también».

¿Lo veis mucho alrededor esto de salir todo el rato, emborracharse…?
Martín: «Constantemente, es ese huir para adelante, no saber volver a casa. Sales de fiesta y vuelves cuando estás hecho un moco y no puedes tomar la decisión de volver. Cuando ya es imperativo».
Diego: «Formamos parte, pero hay unos límites».

¿Habría relación con el paro juvenil, la alta tasa de suicidios… o simplemente la gente joven lo quiere pasar guay?
Martín: «Es meternos en un terreno muy farragoso y un análisis social con mil millones de condicionantes. Supongo que todo viene de tener expectativas muy altas que hay que cumplir, de tener la sensación de «no puedo, no puedo, no llego, no llego…» Hay un choque muy grande entre lo que se espera de uno y lo que realmente se puede alcanzar».
Diego: «Parece que lo tenemos todo muy fácil, pero luego realmente no es tan fácil».
Martín: «El tema de la pandemia lo agrava pero viene de antes. Estamos en un sistema en el que se generan muchas necesidades y muy en el momento: «Necesitas este móvil y lo necesitas ya. Y yo te lo ofrezco». Por poner un ejemplo tonto, hay un colapso mundial y ya no las puedes cumplir. Como estas Navidades, que decían que no iban a llegar los juguetes porque no llegaba el plástico de China o los chips del iPad, y tenías que pedirlos ya. Eso tan tonto ya genera una ansiedad, por lo que llevado a las amistades, a los seres queridos, al trabajo… genera aún más angustia».

Hay un choque muy grande entre lo que se espera de uno y lo que realmente se puede alcanzar

Yo sí veo un descontento en las canciones de Carolina Durante, como cuando decís «negro como el gobierno» en ‘Yo soy el problema’.
Martín: «Es un poema de Oscar García Sierra, de un libro que se llama ‘Houston, yo soy el problema’, que habla de angustia, ansiedad y amor».
Diego: «Esta canción iba a ir en el primer disco. Son versos desordenados a los que doy forma. Y en ‘Colores’ las estrofas son de Mario. He intentado alejarme del pesimismo y de la pesadumbre, aunque hay veces que he caído en ellos».

Tenemos un gobierno de izquierdas en el gobierno central y de derechas en nuestra comunidad. No sé si os parecen igual de negros, parece que la gente de vuestra generación está muy poco motivada para votar, por lo que comentamos del paro juvenil. ¿Hay un desencanto generalizado, gente que se siente abandonada por el sistema?
Martín: «No es lo que opinamos. Es lo que es. Lo has dicho antes: la causa principal de muerte juvenil es el suicidio. ¿Cuánto han subido las tasas de diagnóstico de ansiedad? ¿Un 500%? Solo la diagnosticada. En la población juvenil no es que exista un desencanto, es que está afectada realmente por la situación que estamos viviendo. Va más allá del covid, tiene que ver con condiciones laborales, son causas sociales, de desencanto político o lo que sea».

¿Y vosotros os sentís voz para esa generación?
Martín: «No somos estandartes de nada. La gente se suma a eso, pero nosotros no lo hacemos por dar voz a una generación, me doy voz a mí y mucha gente de nuestra edad se identifica con ello».

La canción llamada «Aaaaaa»…
Diego: «La llamamos «Hostias»».

En la segunda estrofa hay un cambio de género y dices «sierva», ¿por qué?
Martín: «Es una discusión de pareja».
Diego: «La primera estrofa es él/yo y la segunda la dice ella».

¿Tenías miedo de que si no, pudiera sonar un poco machista?
Diego: «No, ese miedo surgió en otra frase de esa canción, y hubo un pequeño debate. El estribillo que me salió, en vez de «menuda mala hostia», era «te daría un par de hostias». Me salió de sopetón y me chirrió, porque en las letras hay cosas explícitas, otras son más poéticas, y me vi en esa situación. Y les dije al resto: «esto no mola, ¿no?»».
Martín: «No, porque lo que querías reflejar es que genera mala hostia. No reflejaba lo que querías contar».
Diego: «No es lo que diría ni lo pensaría, por lo que vi que no tenía sentido ponerlo en la canción».

En cuanto a la producción del disco, ¿de qué canción estáis más orgullosos? Me flipan el rollo de ’10’ y «Aaaa», muy punk, muy rápidas, un poco boogie.
Juan: «A mí la de ‘La planta que muere por las esquinas’. Estoy muy contento con el sonido, cómo lo grabamos. Se nota que lo teníamos trabajado de casa con el curro de Bernardo en proproducción y de Carlos en grabación. Duncan Mills, un mixer de Londres, pilló al grupo al toque. Muy pocas cosas hubo que cambiar, lo dejó níquel».

¿Hay algún disco mezclado por Duncan que fuera referencial por sonido? ¿O incluso alguien nacional, como Triángulo de Amor Bizarro?
Diego: «De cara a este disco no nos hemos fijado en nadie especial. Triángulo siempre son referente, eso es así».
Martín: «Duncan había trabajado con Crocodiles, en el primero, alguno de los Vaccines que no nos interesaba tanto… pero el de Crocodiles sonaba muy bien, muy contundente, con gran potencia de la sección rítmica, te hace sonar como muy gordo. Ha quedado guay. Hicimos mucho hincapié en que el bajo sonara como una apisonadora, que no quedara vacío».

Es la primera vez que la contundencia y la diversión del directo la podemos llevar al disco. El directo suena gordo y en disco se quedaba cojo

Lo que contribuye a que el disco sea divertido.
Martín: «Desde el principio la máxima era hacer un grupo en que nos lo pasáramos bien y que fuera divertido de ver. Es la primera vez que la contundencia y la diversión del directo la podemos llevar al disco. El directo suena gordo y en disco se quedaba cojo. Esta vez estamos contentos».
Diego: «De repente un amigo viene a un concierto y te dice que en disco no era fan pero que ha salido del concierto y le has flipado».
Martín: «La primera canción que sale en Spotify es «Perdona» y es la más pop. Hay una diferencia abismal con la más punky. Son dos bandas diferentes».

¿Cómo llegáis a la portada del disco? Es divertida, un poco mónguer, no sé si transmite lo ambicioso que es el disco.
Diego: «Teníamos claro que fuera una foto nuestra. De repente, hablamos con Realmente Bravo y nos llega esto. Y dijimos lo mismo que tú: «¿qué es esto?». Y luego: «uf, me flipa». Me parece original, me hacía gracia quitar nuestras caras».
Martín: «Todo el proceso de hacer el disco era juntarnos los 4 y hacer un disco en el local de ensayo. Por primera vez teníamos que quedar en el local y no había conciertos. Cuando tuvimos el título de ‘Cuatro chavales’ quisimos desasociar esa imagen respecto a nosotros, que podrían ser cuatro chavales cualquiera, por eso quitamos nuestras caras».

Todo está firmado por todos vosotros, se aprecia que tenéis mucha conciencia de grupo. De hecho, me entero aquí de que hay una canción de Mario, no está especificado.
Mario: «Hice la música con más letra una noche y la guardé en un cajón. Al hacer el disco se la enseñé a Diego y le moló, y con un estribillo que él tenía desde hace tiempo, hicimos un Frankenstein».
Diego: «Si veo un tema de Temerario Mario que mola, le digo que eso para Temerario Mario, no (risas)».

Pero así Temerario Mario no va a salir del underground.
Martín: «Pero él ya no está en el underground con Carolina Durante. En las grandes bandas, como en Oasis, se asocia el valor de un grupo a una personalidad, y nosotros no funcionamos de esa manera».
Diego: «Yo escribo las canciones, pero vamos al local y la música es suya. Las canciones no serían lo que son sin ellos. Con otro bajista, otra guitarra… a pesar de las letras y las melodías, sería otra canción».

La Buena Vida también firmaban todos los canciones y hay un momento en ‘Minuto 93’ en que me he acordado de ellos. No sé si es intencionado, no parecen referenciales para vosotros.
Diego: «Me lo dijo el otro día Jose Sanz y me quedé flipado. Me gustan algunas canciones pero nunca les he tenido como referencia».

A veces tu voz es muy Raphael.
Martín: «En ‘Yo soy el problema’ (risas). También en ‘La noche de las muertos vivientes'».
Diego: «Sí, ya me lo decían, en según qué tempos tiendo a engolar la voz y ponerme así divo. Tengo curiosidad por cantar esa canción en directo». (risas)
Martín: «Es divertido, te impide ponerte tan intenso. Es más divertido y menos solemne».

La prima del grupo es pasarlo bien y en los conciertos de pandemia lo estábamos pasando mal

¿Cómo habéis vivido lo de aplazar el WiZink Center y luego cancelarlo? Bueno, habéis tocado algo…
Diego: «El primer verano de pandemia hicimos 6 o 7 conciertos, pero de la mayoría no salíamos contentos. La prima del grupo es pasarlo bien y lo estábamos pasando mal».

¿Habéis dudado en seguir adelante? Creo que pueden haber quedado grupos por el camino…
Martín: «Eso no, pero es frustrante. Es difícil tomar una decisión, porque se hace mes a mes, semana a semana. Si te dijeran: «hasta el 30 de octubre de 2022 no va a haber conciertos»… pero la incertidumbre de mañana tenemos concierto con gente de pie y 12 horas antes ponen sillas… En el WiZink el primer aplazamiento era obvio, pero el de diciembre de 2021, no. El tiempo nos ha dado la razón porque ha venido ómicron».
Diego: «Se han hecho conciertos pero fueron aforo reducido, o no se puede beber».
Martín: «No eran las condiciones planeadas para un concierto de cierre de gira del primer disco. Es frustrante para el grupo, y la gente muestra también su frustración con la banda, porque cancelamos cuando otra gente está tocando».
Diego: «El WiZink tienes que vender entradas durante mucho tiempo, nosotros no podemos vender esas entradas en 2 meses. No hemos llegado a hacer la promoción. Hacíamos las entrevistas y decíamos más bien «seguramente no se haga, se cancelará tarde o temprano».
Martín: «Lo peor es que no sabes en qué emplear tu tiempo, si centrarte en el local o no, es muy frustrante».

‘Brividi’ es la emotiva balada que puede llevar a Mahmood de nuevo a Eurovisión

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Mahmood quedó segundo en Eurovisión en 2019 con ‘Soldi‘, y el éxito internacional de la canción precedió al logrado después por Måneskin, que también son italianos. Ahora, el autor de ‘Ghettolimpo’ vuelve a participar en Sanremo y es el favorito para representar a Italia este año en Eurovisión con una balada que ha despertado la curiosidad de una audiencia global: ‘Brividi’ es la quinta canción más escuchada en Spotify en estos momentos a nivel mundial, superando los 3 millones de streamings.

En la cara opuesta de ‘Soldi’ y de algunos de los temas más potentes incluidos tanto en su debut como en ese ‘Ghettolimpo’ sobre el cual tuvimos oportunidad de charlar cara a cara con Mahmood hace unos meses, ‘Bravidi’ es tremendo baladón dedicado a una ruptura que, para mayor drama, está cantado a dúo. Quien acompaña a Mahmood en la grabación es BLANCO, alias del cantante italiano nacido en 2003 Riccardo Fabricconi, que viene de arrasar en Italia con un single llamado ‘Mi fai impazzire’ que fue número 1 en el país durante ocho semanas y que supera los 100 millones de streamings en Spotify.

‘Brividi’ intenta muy fuerte dar eso, «escalofríos», a través de una composición melódica realmente dramática por la que asoman violines, pianos y redobles de batería que marcan el camino de la segunda estrofa en busca de cierta tensión. En un punto la canción no puede sonar más clásicamente italiana en su dramatismo acompañada de las mencionadas cuerdas.

Las voces de Mahmood y BLANCO se diferencian lo suficiente como para que ‘Brividi’ funcione como dúo y la letra habla de una relación que ha llegado a su fin desde un escenario de vulnerabilidad y desconsuelo. Ambos se ruegan al uno al otro que «no me dejes desnudo con escalofríos», hablan de sus dificultades para comunicarse hasta el punto de necesitar drogas para ello («para un te quiero mezclé drogas y lágrimas») e imaginan que vuelven a encontrarse en sueños, montados en una «bicicleta hecha de diamantes» con la que vuelan camino al amor.

El duelo emocional de ‘Bravidi’ abre nuevos significados en el vídeo de la canción, que muestra a Mahmood y a BLANCO acompañados de otras personas, como para querer decir que la canción no se la dedican el uno al otro, sino que en ella hablan de sus respectivas relaciones. En cualquier caso se trata de un videoclip bastante mono, entre la moda de alta costura, los evocadores paisajes de la playa y la intimidad de un cuarto de baño.

Elvis Costello & The Imposters / The Boy Named If

El regreso de Elvis Costello tras su ‘Hey Clockface’ de 2020 no podía ser más distinto: tras el tono más experimental de aquel, tildaríamos este nuevo ‘The Boy Named If’ como un “back to basics” de libro si el propio Elvis no hubiera censurado ese cliché en nuestra entrevista con él de hace un par de semanas. Pero en realidad tiene razón, porque si bien en cuanto a sonido y energía estamos ante un reencuentro con los Imposters y su dinámico sonido clásico, las capas narrativas del disco distan mucho de las letras de sus comienzos.

‘Farewell, OK’ abre el álbum con un guiño tan marcadamente Beatles (Macca casi podría estar en esos coros del estribillo) que despista un poco. Pero aunque no tenga mucho que ver con el resto de canciones, funciona como excelente inicio y aporta la dosis adecuada de sarcasmo para una canción de despedida porque alguien se marcha… o quizá le echas tú. Minutos después, el rumbo del resto del álbum queda fijado ya con la llegada de ‘The Boy Named If’: además de contar con un muy bonito doble estribillo los arreglos de Steve Nieve al órgano y el piano elevan muchísimo la canción, bastante más que la producción simplemente correcta de Sebastian Krys.

Y, más importante, el tema provee el anclaje conceptual del disco, encarnado en ese niño imaginario que según ha explicado el autor fabricamos de pequeños para echarle la culpa de nuestras travesuras (“¿quien apuntará con el dedo a una habitación vacía susurrando mi nombre?”) pero que en muchos casos mantenemos ya de adultos para seguir no aceptando responsabilidades (“¿quién rompió tu corazón favorito? Fui yo, el chico llamado Si”).

A partir de ese punto, además de transitar con la elegancia de un genio del transfuguismo estilístico por todo tipo de senderos (el rock new wave de ‘Mistook Me For A Friend’, el music hall de ‘The Man You Love To Hate’, el aire jazz de ‘Trick Out The Truth’…), Costello va desgranando la interesante complejidad de buena parte de las letras. No en vano la versión deluxe viene acompañada de un libreto con ilustraciones suyas que complementan el plano narrativo de las canciones. Predomina un gusto por trazar mini relatos con personajes en situaciones ambiguas e intrigantes: como la protagonista de ‘Penelope Halfpenny’ con sus manejos junto a la iglesia y esa referencia a “cuando solía trabajar de informadora de Scotland Yard”. O en una de las piezas centrales, ‘My Most Beautiful Mistake’, que como nos explicó en la entrevista versa sobre un guionista que parece ligar con la camarera de un bar pero cuyo argumento parece dar un giro misterioso más adelante, jugando con metarreferencias (¿habla el protagonista sobre su vida o es todo parte de una película?).

En otros momentos Elvis refresca sus letras adoptando puntos de vista novedosos, como el de una mujer en ‘The Difference’ (otra canción con un gancho muy seductor en los estribillos, una vez más aumentado por la artesanía arreglística de primer orden de Steve Nieve). El problema aparece cuando a letras igualmente fascinantes les acompañan canciones más del montón, como ‘What If I Can’t Give You Anything?’ o ‘Magnificent Hurt’. Da la impresión en esos pasajes que estas trece piezas podrían haber adelgazado hasta formar un disco mucho más redondo de nueve o diez. No es que ninguna sea mala, pero palidecen frente a los momentos verdaderamente brillantes, como la sublime ’Paint The Red Rose Blue’. Su letra, sobre una pareja que trata de superar un trauma, es otro de los momentos más bellos (“Ahora que ella y yo compartimos un dolor indescriptible, tengo que creer en algo, en lo que sea. Pinta la rosa roja de color azul”). En ella, la voz de Elvis es la más delicada del disco… una tesitura que regresa para el tema de cierre, la hermosísima ‘Mr. Crescent’. Su balsámico tono acústico y arreglos ambientales dejan un muy buen sabor de boca.

Joven Dolores juegan al reggaetón para cuestionar sus supuestos ‘Principios’

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Joven Dolores, la banda de Ibiza de David Serra (voz) y Joan Barbé (guitarra), a los que acompañan Frederic Torres (bajo) y Joan Carles Marí (batería), ha presentado recientemente un segundo álbum llamado ‘Un segundo’. En él, los singles con gancho a medio camino entre Love of Lesbian y Miguel Ríos se suceden entre guitarras de indie-rock y teclados new-wave. Es el caso del que de momento es el mayor éxito del álbum, ‘Me puede‘, y de ‘Nuestro festival’, esta última con un doble gancho entre el cambio de melodía del estribillo principal y el riff de sintetizador que se clava en la memoria cual hit de New Order.

Pero la canción más llamativa e inesperada es ‘Principios’, un tema que comienza en plan reggaetón y cargado de Autotune. Después, vuelve al redil del estilo que caracteriza al grupo: el indie festivalero con un estribillo tan sonoro como «quiero hacerte el amor / somos tan raros los dos». Y aun sí, sobreviven frases tan confusas como «me gusta el reggaetón», «soy adicto a telecinco», «no sé a quién votar» o «soy un hater en Twitter». El tema apunta a ser una parodia pero en realidad es más bien un «haría cualquier cosa por amor».

Hemos preguntado a Joven Dolores al respecto: «Volvemos al tema de los estereotipos. Todos conocemos a alguien (incluso nosotros mismos) con alguna de estas características que muestra la letra de la canción, o incluso todas. Se trata de no estigmatizar, ser lo más abiertos posible y no prejuzgar a las personas por cosas en realidad poco relevantes. Y como bien apuntas, aunque a priori pueda parecer una parodia, la letra hace referencia, sobre todo, a que a veces renunciaríamos a nuestros propios principios (o lo que creemos que lo son) por amor, el sentimiento más poderoso y enloquecedor de todos. De ahí el estribillo «Dejaría mis principios para un final mejor»».

Hay un momento en que el texto hacen referencia al «cine español» y esta es su percepción al respecto: «Todavía existe mucho complejo en cuanto al cine español y a la cultura hecha en nuestro país, aunque cada vez menos. Al igual que con el resto de características del personaje principal de la canción, intentamos reflexionar sobre lo que creemos que está bien y lo que está mal, o mejor dicho, sobre la superioridad moral en general que despiertan ciertas costumbres o actitudes. En cuanto al cine, muchas pelis españolas nos encantan, pero en concreto somos muy fans del cine que hace nuestro buen amigo David Marqués, guionista de ‘Campeones’ y que acaba de estrenar como director ‘El Club Del Paro’, otra de las joyas de su filmografía».

Para jugar con la superioridad moral o los prejuicios es que Joven Dolores han llamado este tema ‘Principios’, comenzándolo precisamente a ritmo de reggaetón: «Por un lado, al titularse ‘Principios’ quisimos que precisamente el principio de la canción fuera impactante, o al menos que no tuviera que ver con nuestros supuestos ‘principios’ musicales. Por otro lado, la canción intenta proponer una reflexión sobre las etiquetas y los estereotipos. De ahí que empiece con un ritmo de reggaetón y proclamando «me gusta el reggaetón», seguido de otras características del personaje, a priori ‘negativas’ pero siempre según el prisma bajo el que se mire».

Joven Dolores actúan el 11 de febrero en Zaragoza, el 12 de febrero en Barcelona, el 18 de febrero en Aranda de Duero, el 19 de febrero en Madrid, el 5 de marzo en Mallorca, el 11 de marzo en León, el 12 de marzo en Valladolid, el 1 de abril en Burgos y el 2 de abril en Bilbao. Entradas a la venta, en su web.

Rosalía pone fecha a ‘MOTOMAMI’

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motomami

Rosalía ha compartido en Instagram el portadón de ‘MOTOMAMI’, en el que aparece casi completamente desnuda -porta un casco y una peluca- tapándose tan sólo lo que le alcanzan las manos (y las uñas). La autora de «Madre mía, Rosalía, bájale» comparte ahora en español y en inglés el siguiente mensaje: «Madre mía aquí tenéis la portada de MOTOMAMI y este viernes adivina k nuevo tema se vieneee». Es decir, habrá nuevo sencillo en la noche de este jueves al viernes, sucediendo a ‘La Fama’, el dúo con The Weeknd, que ha sido número 1 y platino en España y continúa en el top 7. Será ‘SAOKO’, del que ya se ha adelanta el videoclip, que será motero.

El álbum saldrá oficialmente el 18 de marzo, como avanza ya la web de la artista, pero todavía se desconoce su tracklist, que adivinamos largo a juzgar por las numerosas pistas que ha venido dando sobre él, incluyendo las tan traídas y llevadas desde ‘Candy’ y ‘HENTAI’ y más recientemente ‘Bulerías‘.

Las reacciones a la portada no se han hecho esperar en nuestro foro de Rosalía, donde encontramos usuarios que lo comparan con el trabajo de Botticelli, Arca y Lady Gaga, mientras elanonimotranquilo opina que «toda pop star tiene su foto en tetas y chumi tapándoselo con algo. Es obligatorio (…) Ahora toca que diga que sale desnuda porque es su álbum más personal».

Flume vuelve con Damon Albarn, Oklou, Caroline Polachek, Virgen Maria…

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Flume, uno de los nombres fundamentales de la electrónica internacional, acaba de anunciar la continuación del celebrado ‘Skin’. El álbum se llama ‘Palaces’ y como era esperable está cargado de superestrellas. Hay contribuciones de Damon Albarn, Caroline Polachek, la revelación Oklou y Kučka, entre otros.

La sorpresa nos la da Virgen Maria, que no es otra que Maria Forqué, la hija de Verónica Forqué, desde hace unos años musa de la electrónica experimental de nuestro país. Se trata de la misma Virgen Maria que conocemos, pues Flume y ella se siguen en Instagram.

El primer single se ha estrenado ya y es ‘Say Nothing’, una canción que habla sobre «los sentimientos de claridad tras una relación», y cuyo texto entonado por May-A nos habla de «mejor decir nada si no vas a decir adiós».
01 Flume: “Highest Building” [ft. Oklou]
02 Flume: “Say Nothing” [ft. May-A]
03 Flume: “DHLC”
04 Flume / Quiet Bison: “Escape” [ft. Kučka]
05 Flume: “I Can’t Tell” [ft. Laurel]
06 Flume: “Get U”
07 Flume: “Jasper’s Song”
08 Flume: “Only Fans” [ft. Virgen Maria]
09 Flume: “Hollow” [ft. Emma Louise]
10 Flume: “Love Light”
11 Flume: “Sirens” [ft. Caroline Polachek]
12 Flume: “Go”
13 Flume: “Palaces” [ft. Damon Albarn]

RTVE da detalles estadísticos de las votaciones de Benidorm Fest: ¿peor el remedio?

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Dadas las incontables polémicas en torno a Benidorm Fest, que han llegado al mundo de la política, RTVE ha convocado a la prensa a un evento en el que ha facilitado el desglose de puntuaciones.

Como se adivinó desde el principio, el televoto fue ganado de calle por Tanxugueiras, que obtuvieron hasta un 71% de los votos telefónicos. Algo que se intuía porque en su semifinal votó el triple de gente, y el share que hizo Benidorm Fest en Galicia fue monstruoso (un 50%). Media Galicia estaba dispuesta a votar, y así fue. La diferencia con la 2ª clasificada, Rigoberta Bandini, fue flagrante, pues esta obtuvo solo un 18% de los votos, pero es que además la diferencia con la 3ª clasificada es aún más sorprendente. Chanel, a la postre ganadora, solo recibió un 4% de los votos. De ahí quizá el fondo de la polémica, pues tuvo un respaldo del público muy modesto pese a que su actuación fue excelente.

En cambio, la victoria del voto demoscópico es otra historia: ahí la diferencia fue minúscula entre todos los participantes, siendo apoyados casi por igual por la audiencia. Mientras el televoto se supone de origen gallego en gran parte, el panel que representa a toda la sociedad española por igual apenas otorgó una diferencia significativa entre Tanxugueiras y Chanel o entre Chanel y Rigoberta Bandini. El mensaje extraído es que al español medio le daba un poco igual quién de los 8 fuera, lo cual es lógico porque al público medio español le da igual Eurovisión o no tiene un conocimiento del mismo suficiente para valorar cuál sería la mejor opción dado el historial del festival.

En cuanto al jurado, sin que se hayan facilitado las identidades de sus miembros, 3 dieron su máxima puntuación a Chanel y solo uno no la situó en su top 3. En cambio, Tanxugueiras solo fue apoyada en el top 3 por un miembro del jurado, mientras Rigoberta Bandini fue la preferida de 1 jurado, resultando 2ª para dos de ellos. Blanca Paloma fue otra gran apoyada del jurado, resultando incluso la favorita de uno de ellos.

Los datos pueden abrir debates, si es que a alguien le quedan energías para alguno, sobre si es justo que el televoto cuente solo un 25% cuando está tan sumamente absorbido por un artista: por más gente que votara por Tanxugueiras jamás iban a obtener más de 30 puntos en esa parte. ¿Es justo que la audiencia se haya gastado el dinero para eso? ¿De verdad toda esa gente comprendió que su voto iba a contar tan poco?

Por otro, el panel demoscópico queda en entredicho cuando las diferencias son tan minúsculas como unas pocas décimas entre los artistas, aunque solo sea por el margen de error de la muestra. ¿Ganas de abrir ese melón? Rigoberta Bandini se quedó a unos ridículos 0,3 puntos de Chanel en voto demoscópico: si los hubiera salvado, habría sido la ganadora de la noche, pues habría alcanzado los 96 puntos en el cómputo total y Chanel habría quedado con 91, en lugar de viceversa.

¿Merece dar más vueltas a lo mismo? ¿Habrían arrasado Tanxugueiras en Eurovisión con una victoria tan ajustada en el propio voto demoscópico español y división entre el jurado? ¿Habría ganado Rigoberta cuando en realidad ni siquiera ha logrado ser la favorita clara de nuestro país ni siquiera siendo top 2 en Spotify? Solo queda pasar página y desear suerte a Chanel, que hizo un trabajo escénico fantástico a nivel coreográfico, técnico y de iluminación. Muy poco margen de mejora imaginamos para su puesta en escena de ‘Slomo’, así que a por ello.

Televoto:
Tanxugueiras: 70,75%
Rigoberta: 18,08%
Chanel: 3,97%
Varry Brava: 2,26%
Rayden: 2,12%
Blanca Paloma: 1,04%
Xeinn: 1,01%
Gonzalo Hermida: 0,76%

Panel demoscópico:
Tanxugueiras: 14,59%
Chanel: 13,88%
Rigoberta Bandini: 13,52%
Gonzalo Hermida: 12,62%
Rayden: 12,17%
Varry Brava: 11,39%
Blanca Paloma: 10,92%
Xeinn: 10,92%

Jurado:
Jurado 1: 8 Rayden, 10 Tanxugueiras, 12 Rigoberta
Jurado 2: 8 Rigoberta, 10 Rayden, 12 Chanel
Jurado 3: 8 Blanca Paloma, 10 Xeinn, 12 Chanel
Jurado 4: 8 Chanel, 10 Rigoberta, 12 Blanca Paloma
Jurado 5: 8 Blanca Paloma, 10 Rigoberta, 12 Chanel

Detenida una mujer por acosar y amenazar a Candela Peña y a su hijo

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Una mujer de 22 años ha sido detenida en la provincia de Barcelona por los delitos de amenazas de muerte y acoso a través de internet a Candela Peña, como informa el diario El Mundo, entre otras publicaciones.

La actriz ganadora de 3 Premios Goya decidía denunciar ante una comisaría de Madrid los mensajes que le habían dejado en redes sociales. Ha aportado más de 40 páginas con capturas de pantallas de cientos de mensajes dejados contra ella y su hijo en los que se encuentran frases como: «Va a morir pronto tu hijo», «Me cago en todos tus muertos, hija de puta. Tu hijo es un desgraciado» o «Tu hijo mañana morirá. Lo sé». 

Los mensajes provenían de unos 20 perfiles falsos, como han podido averiguar los responsables de la investigación, que concluyeron que la detenida vigilaba y controlaba los movimientos de Candela Peña y sabían dónde estaba en cada momento. La sospechosa ha quedado en libertad con cargos. Candela Peña ha pedido que se acabe con el anonimato digital que permite acosar afectando a la salud mental de otras personas.

Los Planetas: «Hay que buscar al verdadero enemigo, quién hace la vida más difícil a la gente»

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Durante 2020 y 2021 Los Planetas publicaron cinco singles dispersos al hilo de la rabiosa actualidad. Estos singles urgentes se han recogido, junto con cuatro nuevos temas más reposados en ‘Las canciones del agua’, actual número 1 de ventas en España, el primero de toda su carrera. Hablamos vía Zoom con J Rodríguez, voz, letrista y -junto a Florent Muñoz- alma del grupo sobre el sentido último de este disco y la enorme influencia que Lorca ha ejercido en él. Foto: Adrián N Maesso.

¿Hasta qué punto ‘Las canciones del agua’ es un disco entendido como tal, hasta qué punto se puede considerar un recopilatorio?
El disco recopila todos los singles que hemos ido sacando este año y medio. Pero tiene también concepto de álbum, porque parte de ‘El Manantial’, una canción que tenía en la cabeza desde hace mucho tiempo, y es la que da pie al resto de canciones. Ese manantial del que hablaba Lorca es en este caso mi propia visión del mundo, la de Los Planetas, la que se deja ver a lo largo del disco. En principio la íbamos a sacar como single, pero no cabía en uno porque es muy larga. Tenía que estar en un álbum. Y después de las canciones que habíamos ido sacando, que eran viñetas de actualidad, [El Manantial] nos hizo volver a las raíces de nuevo: a Lorca, a la tierra, a Granada… En contraposición al caos global, el conocimiento local.

Precisamente, en la entrevista con Manu Ferrón en RDL explicabais la partición del disco: una primera mitad más local contra una segunda global. Pero no sé si se pueden ver más particiones: canciones de agua contra canciones de cemento, romanticismo contra la fea realidad…
Sí, claro. La parte esa más global refleja una visión bastante caótica y más inestable. La parte local refuerza la sensación de pertenencia. Las personas pertenecemos a nuestro mundo real, no solo al mundo que nos llega a través de los medios de comunicación, sino a las distintas maneras de comunicarse, a la cercanía con las otras personas… La parte local es donde está nuestro corazón y nuestros sentimientos, donde podemos entendernos mejor. Y se nos escapa toda la parte global, ese mundo caótico se nos está escapando, y más en este tiempo de desinformación. Pero siempre podemos recurrir a nuestras propias raíces para encontrar un poco de consuelo.

Las canciones que aparecen en la segunda mitad fueron creadas al calor de los acontecimientos. ¿Fue simplemente fruto del momento que nos tocó vivir o lo veis como una nueva vía para componer?
Fue fruto del momento. La primera fue ‘La nueva normalidad’, a raíz de todos esos saqueos que había habido en EEUU. Me pareció muy relevante, muy simbólico del estado de las cosas. Y sin embargo esas imágenes no trascendieron mucho. La canción se creó a partir de las imágenes, de la urgencia de ponerlas pronto antes de que las quitaran. Con esa urgencia hicimos esta y las siguientes: ‘El negacionista’, ‘El Rey de España’… Han ido pegadas a los acontecimientos. Están sacadas y grabadas con urgencia, lo más cerca posible del momento en que las vivimos, para reflejarlo. Que ha sido durísimo, muy complicado.

Cuando empezó el confinamiento estábamos en plena gira de Fuerza Nueva. Se suspendió toda la gira. No había conciertos. Estaba todo cerrado. Y la vía natural era sentarse, escribir canciones y sacarlas. En ese momento pensamos que sería la mejor opción. Luego hemos ido retomando en parte la gira que teníamos con Fuerza Nueva, hemos ido haciendo conciertos en un formato reducido… Habíamos planeado grabar el disco con un productor, con Gonzalo García Pelayo, un productor clásico de los años 70, pero todo eso se perdió cuando empezó la pandemia. Y abrimos la vía esta más urgente, como hacen los traperos, que van subiendo las canciones conforme las vas haciendo. Meterlas en un mixtape o algo así (risas).

Habíamos planeado grabar el disco con Gonzalo García Pelayo, un productor clásico de los años 70, pero todo eso se perdió por la pandemia. Entonces abrimos la vía esta más urgente, como hacen los traperos

Quería volver a ‘El manantial’. Antes comentabas que hacía mucho que la querías grabar, ¿cuánto tiempo hace?
No recuerdo… Siete u ocho años. Me llamó muchísimo la atención, estaba muy ligado a la vida que tenía entonces. Es un poema muy musical, muy rítmico, con una métrica muy viva que va llevando a… música, en realidad. Genera ese efecto. Solo estaba esperando al momento que pudiera salir a la luz, y los tiempos que corren han hecho fuerza para que salga. Lorca es una figura mítica. Una especie de mártir, que sucumbe en los primeros momentos del alzamiento del fascismo. Porque en España Lorca fue de los primeros a los que los fascistas se les ocurrió matar. En un momento, un poco como ahora, de extremismos ideológicos, ese tipo de gente como Federico García Lorca son los que corren más peligro, los primeros que caen. Queríamos encomendarnos también al santo que ya es Federico para nosotros, a ver si nos salva de la situación. Intentar que no se vuelva a repetir lo mismo.

Queríamos encomendarnos al santo que ya es Federico para nosotros, a ver si nos salva de la situación. Intentar que no se vuelva a repetir lo mismo.

Es una canción diferente dentro de la obra de Los Planetas, sobre todo por el piano de David Montañés. Hay una cosa que apunta Manu Ferrón en la entrevista en RDL y es que recuerda a los acompañamientos que hacía Lorca a la Argentinita. ¿Era esa la idea?
Sí. También David Montañés es un gran aficionado a Lorca, ha hecho muchas adaptaciones de poemas, ha trabajado mucho sobre su figura, y supongo que eso está en el aire. La diferencia es que Montañés es un pianista muy bueno (aunque Lorca también era un buen pianista, pero no era profesional). Montañés puede aportar con el piano una riqueza y matices bastante impresionantes. Queríamos imitar esa crudeza de la música interpretada en tiempo real, en directo. [‘El Manantial’] está grabada en directo, todos tocando a la vez en la misma habitación. Así es cómo se grababa la música antes. Ahora la música se hace siguiendo una claqueta, siguiendo una base, va por ordenador. Y queríamos recuperar la sensación real de músicos tocando.

Sobre las canciones ligadas a la actualidad: en el repertorio de Los Planetas siempre ha habido canción protesta, pero usabas un lenguaje más críptico. Ahora eres más directo. En ‘El rey de España’, por ejemplo, hay una ironía muy marcada, en la que el protagonista se dedica a echarle a los demás la culpa de sus propios errores.
Vivimos en una sociedad organizada jerárquicamente, en la que hay personas que asumen las máximas responsabilidades en esas jerarquías… y que deberían asumirlas realmente cuando las cosas no van bien. Sin embargo, a lo que tienden es a echar las culpas a los demás. Precisamente, una de las pocas ventajas que tenemos de vivir en una sociedad jerarquizada es que sabemos quiénes son los responsables de lo que está pasando. Y eso tendrá que asumirse en algún momento, yo creo. Porque si no, mejor estar organizados horizontalmente, sin relaciones de poder, donde cada uno se haga responsable de las cosas que hace. Pero si estamos organizados así, de manera jerárquica, con un ejército, con una policía, con unas leyes… pues debería servir para depurar las responsabilidades.

Una de las pocas ventajas que tenemos de vivir en una sociedad jerarquizada es que sabemos quiénes son los responsables de lo que está pasando. Y eso tendrá que asumirse en algún momento

También habláis del artista como una persona encargada de despertar a la gente en épocas oscuras. Pero, ¿hasta qué punto realmente el artista tiene esa responsabilidad? ¿Hasta qué punto puede ser abanderado del cambio social?
Siempre ha sido así. Los artistas se han adelantado a los acontecimientos, han ido contando previamente todo lo que va a suceder, cómo solucionarlo, y al final el tiempo les va dando la razón. Estoy hablando mucho en las entrevistas de Lorca. Fue un error histórico que alguien decidiera matar a Lorca en ese momento, porque solo contribuyó a hacer más grande su poesía, su nombre, a hacerlo universal. A hacer universal sus ideas de manera mucho más activa. No puedes matar las ideas de una persona asesinándola. Las ideas seguirán siendo vigentes, sobre todo cuando es un artista, cuando las ha escrito, las ha transmitido.

En general [los artistas] se adelantan a su tiempo, hacen que vayan avanzando las cosas. Mira a Lou Reed, a la Velvet Underground. Cuando empezaron nadie les hacía mucho caso. Pero con el tiempo se ha demostrado que han tenido una enorme influencia en la música que vino después. Y habrá ahora artistas nuevos trabajando en nuevas formas de entendernos, de analizarnos. Y no estarán llegando a mucha gente porque estarán sepultados por montañas de basura, por desinformación, por propaganda, será difícil encontrarlos. Pero estarán creando las redes que se hacen visibles cuando todo se viene abajo.

Los artistas se han adelantado a los acontecimientos, han ido contando previamente todo lo que va a suceder, cómo solucionarlo, y al final el tiempo les va dando la razón

Precisamente, vosotros que sois de una generación bastante anterior, reivindicáis a artistas muchos más jóvenes, como Khaled, ¿Cómo surge hacer la versión de ‘Se quiere venir’? Por amistad, imagino…
Sí, los conozco, son amigos nuestros, aunque son de otra generación, vienen de otra cultura, no son de nuestro ámbito, no suelen ir a los bares que vamos nosotros, vienen un poco de otro mundo. Pero sí que comparten con nosotros una visión crítica, una forma desprejuiciada de decir lo que piensan, sin temer las consecuencias que eso pueda tener. Y su discurso es muy interesante. En concreto estos de aquí, de Granada: La Zowi, Yung Beef… Además, comparto con ellos la forma de hablar, con un acento granadino súper cerrado, más auténtico que el que uso yo (risas). Y llegan más al fondo, a la raíz. Son muy flamencos, vienen de esa tradición por familia, entorno, y van un paso más allá. Tienen ideas brillantes. Tienen como una especie de rechazo al dinero, dicen que es mejor vender droga que hacer música (risa). Ese es el mensaje que están transmitiendo: que renuncian al dinero que producen. Que se lo quede Google, que se lo quede quien sea, porque esto va a destruir el sistema. Y, de hecho, el sistema está sucumbiendo. Tienen cierta razón…

La Zowi, Yung Beef… son muy flamencos. Vienen de esa tradición por familia, entorno, y van un paso más allá. Tienen ideas brillantes

Hablando del sistema, ahora os estáis autogestionando. ¿Hasta qué punto es difícil llevar las dos vertientes de una carrera, la artística y la mercantil?
Nosotros nos seguimos encargando de la parte artística, básicamente. Y de la parte más industrial se encargan amigos nuestros, con los que compartimos ideología. Por supuesto es un equipo pequeño, muy reducido respecto a cuando estábamos en Sony… Pero Sony se lleva mucho dinero, todas las ganancias. Ahora el reparto es algo más justo.

En ‘La nueva Normalidad’, contrasta mucho lo que explicas en la canción, las imágenes de saqueos, con la música y los arreglos, sobre todo los de viento, que son muy sosegados, casi idílicos. ¿Era la idea crear ese contraste?
Es el concepto de “Nueva Normalidad”. Que esto va a ser la nueva normalidad. Hay que acostumbrarse. Si cada vez vamos a estar peor, si aceptamos que cada vez vamos a vivir en peores condiciones, estos saqueos son como la nueva normalidad, una forma de acabar con el capitalismo de alguna manera.

Esas imágenes me recordaban a uno de mis artistas favoritos, Curtis Mayfield. Fue el primero que se me vino a la cabeza, al ver a tanta gente de color, negros, asaltando las tiendas… Me vinieron algunas melodías suyas. [Curtis] es un músico muy celestial, muy espiritual. Supongo que el tono de la canción habrá pillado eso: esa manera tan espiritual que tenía de hacer, esa cultura, esa forma de relacionarse con el mundo. Era introducir la magia de Curtis Mayfield, esa espiritualidad, en contraste con unas imágenes muy vivas, muy carnales, muy de desfogue, de catarsis, de la gente haciendo las cosas que han tenido prohibidas.

‘La Morralla’, versión de Carlos Cano, hace de bisagra entre ambas mitades, ¿no?
Sí. Porque comparte la parte local, lo granadino, hablando y cantando de una forma muy granadina, pero a la vez habla de algo global. Habíamos pensado más canciones para ese bloque, como una versión que habíamos hecho de 091, de ‘La torre de la Vela’, un tema muy emblemático. Pero ‘La Morralla’ enganchaba mejor con la primera parte del disco y esta [‘La torre de la Vela’] enganchaba mejor con la segunda. Al final metimos solo la primera, porque no cabían las dos en el formato del vinilo, y había que sacrificar alguna.

Hay que buscar al verdadero enemigo, quién está haciendo la vida más difícil a la gente

‘El antiplanetismo’ cierra el disco. Era un tema ya conocido, pero su ubicación al final le da un nuevo sentido, es como volver al principio. Además, es una canción conciliadora, donde se invita al detractor.
La idea de ‘El antiplanetismo’ es todo ese viaje que supone el disco, desde ‘El Manantial’. La primera idea fue sacar las canciones en orden cronológico, empezar la cara A con ‘La nueva normalidad’. Luego encontré que tenía más sentido así y lo cambié, cambié el orden de las caras. ‘El manantial’ supone la visión del poeta, en este caso Federico, sobre su vida, su obra, sobre a qué se quiere dedicar, qué quiere hacer, qué le va a suponer eso. El disco entero se va desarrollando primero en lo local, luego a lo global, dando una visión primero de Granada, luego del mundo. Y acaba [con ‘El antiplanetismo’] como intentando decir que nosotros no somos los culpables. Que en realidad habría que buscar el verdadero enemigo, quién está haciendo la vida más difícil a la gente, que no somos nosotros. Y para eso se necesita sentido crítico, un análisis crítico de la realidad, de las noticias que te llegan. Y en ese río desde el nacimiento, desde la creación, hasta el final, muchas veces tiende a culparse al mensajero. Lorca es un ejemplo paradigmático.

MØ / Motordrome

MØ continúa su carrera seis años después de ‘Lean On’ -el mayor éxito de todo 2015- y cuatro años después del lanzamiento de ‘Forever Neverland’, su segundo álbum de estudio, que incluía la semi exitosa (en Spotify) ‘Sun in Our Eyes’. La artista danesa ya no es habitual de las listas de éxitos y ‘Motordrome’ no es un disco lleno de hits facilones reunidos sin ton ni son para rascar streamings. Más bien sorprende que MØ ha cuidado su concepto de varias maneras.

El título de ‘Motordrome’ alude a un tipo de circuito de carreras con forma circular, de barril, en cuyas paredes conducen rápidamente los motociclistas con el objetivo de no caer contra el suelo, lo cual sucede si la motocicleta se detiene. La «pared de la muerte» sirve a Karen Marie Aagaard de metáfora para hablar sobre el que ha sido el estado de su salud mental en los últimos años, unos años marcados por el éxito comercial pero también por el fracaso, en los que ha creído que si paraba de trabajar al ritmo que llevaba, caería en el olvido, y que le llevaron a sufrir ataques de pánico constantes. Hasta que regresó a casa de su madre a descansar y empezó a ver las cosas de otra manera.

La tranquilidad hallada por MØ se refleja en el contenido de un álbum modesto, de 10 pistas tan solo, pero que tiene forma de álbum clásico: las que se podrían considerar la cara A y la cara B de ‘Motordrome’ arrancan con singles clarísimos para después dar lugar a los medios tiempos y las baladas reflexivas de rigor, y el disco presenta incluso una estructura circular, reflejada en los elementos instrumentales compartidos por la primera pista y la última, marcadas por la presencia de violines. Es evidente que MØ ha cuidado el concepto de álbum total más allá de los singles.

Unos singles que, además, están muy bien. ‘Live to Survive’ habla de superar las adversidades y su retrato del «choque» emocional que puede provocar una ruptura conecta directamente con el concepto del disco, pero además es todo un pepinazo de synth-pop cuyo estribillo «vivo para sobrevivir otro mal de amores» podría haber cantado una diva de los 80 tipo Bonnie Tyler. En su mismo estilo, aunque con un punto más italo, ‘New Moon’ habla de madurar y dejar de «aguantar la mierda de nadie» y es casi igual de resultona; y también destaca la simpática ‘Kindness’, que está dedicada a los fans, gracias a su ritmo caribeño acompañado de violines.

La idea de «patinar eternamente en una rueda para hámsters» vuelve a aparecer en el dramático medio tiempo ‘Wheelspin’, pero más allá de los singles, ‘Motordrome’ no consigue igualar la frescura de ‘No Mythologies to Follow’ ni igualar los momentos más inspirados de ‘Forever Neverland’. MØ parece atascada creativamente cuando es capaz de entregar un estribillo tan poco atractivo como el de ‘Cool to Cry’, con el que desaprovecha su interesante producción distorsionada, y baladas como ‘Brad Pitt’ o ‘Goosebumps’ no dejan de ser simples escaparates para la asalvajada voz de su intérprete, sin que compositivamente estén inspiradas.

No están mal los ecos trip-hop de ‘Youth is Lost’, un medio tiempo nostálgico 100% MØ en su retrato de esa niña interior que nunca se llega a perder; y ‘Hip Bones’ suma variedad a la secuencia con su sonido 50s a lo Pipettes, el cual es su elemento más reseñable. Con todo, ‘Motordrome’ no es exactamente la confirmación de la promesa que transmitía Karen Marie cuando debutó con un trabajo vibrante y modernete, sino más bien el típico disco presentado por buenos singles pero que en realidad está lleno de esas baladas que su autora necesitaba hacer. Toca pegar el sello «solo para fans».

Nilüfer Yanya es hija aventajada del sonido ‘In Rainbows’ en la intrigante ‘midnight sun’

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Nilüfer Yanya publica nuevo disco en poco más de un mes. Una de las mayores promesas internacionales de la música hecha con guitarras gracias a la calidad de su debut de 2019 ‘Miss Universe’ y la de otros singles tan celebrados como ‘Keep on Calling’, Yanya editará su segundo álbum ‘Painless’ el 4 de marzo por el momento con el apoyo de dos sencillos que han seguido engrosando su repertorio de canciones excelentes, ‘stabilise’ y el que hoy nos ocupa. Te invitamos a comentar las novedades de Nilüfer Yanya en nuestros foros.

‘midnight sun’ es otra de esas composiciones de rock sofisticadas de Nilüfer Yanya que resultan un verdadero banquete auditivo. La paleta de sonidos incluye punteos de guitarra eléctrica, guitarras acústicas, guitarras a tope de «fuzz», voces autodobladas y un aletargado ritmo de batería, y el conjunto de instrumentos crea una pequeña sinfonía que remite a la estética de ‘In Rainbows’ de Radiohead, especialmente a temas como ‘Jigsaw Falling into Place’ o ‘Weird Fishes / Arpeggi’. Eso sí, la británica se lleva esa estética a su terreno con una progresión de acordes extraña e impredecible que pasa de la intriga a la relajación hasta llegar a un potente clímax de distorsión.

La letra de ‘midnight sun’ parece aludir al título de ‘Painless’, pues en el estribillo Nilüfer declara que «no puedo mantener la cabeza agachada» y que «no me gusta cuando no estoy sufriendo». La artista ha explicado que ‘midnight sun’ trata sobre resistir una fuerza enemiga, y señala que «me gusta la imagen del sol de medianoche porque insinúa una luz que te guía a través de la oscuridad». Acerca de las alas de ángel vistas en el videoclip, la artista cuenta que simbolizan la «libertad y la posibilidad de volar», pero señala que, ante todo, la canción defiende la «belleza en la confrontación y la necesidad de rebelarse».

Röyksopp, que detallan su disco, no brillan junto a Goldfrapp en ‘Impossible’

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El camino hacia el nuevo disco de Röyksopp está siendo una montaña rusa de lanzamientos que no se sabe muy bien si son single o no. Primero se daba a conocer la intro ‘(Nothing But) Ashes…’, después la ambiental ‘The Ladder’ parecía el single oficial aunque no podía sonar más discreta y más adelante se avanzaba una colaboración con Alison Goldfrapp a través de un teaser espectacular llamado ‘The Downfall’, pero resulta que este no es el título de la canción en sí.

La producción de Röyksopp que cuenta con la voz de Goldfrapp se llama ‘Impossible’ y se puede escuchar desde hace unas pocas horas. Se trata de un tema muy electrónico y atmosférico, con ecos acid y house y a los primeros Daft Punk, pero también al último Giorgio Moroder, que no era el que más inspirado estaba, y en el que Alison canta sobre una persona que es el «mundo iluminado» y un «sueño perfecto» con el que «puedo tocar el cielo y escuchar tu corazón de león».

Cualquier atisbo de pop a lo ‘What Else is There’, de gancho adictivo a lo ‘Eple’ o de espectacularidad a lo ‘Monument’ es «imposible» de encontrar en esta etérea producción que no nos presenta a los Röyksopp más inspirados ni siquiera a pesar de contar con Goldfrapp, en la que supone una colaboración que es prácticamente un «sueño perfecto» para los fans del pop electrónico alternativo de los dosmiles.

‘Impossible’ es la tercera de diez pistas que incluirá el álbum de Röyksopp, un trabajo titulado ‘Profound Mysteries’ inspirado en los «misterios profundos de la vida» y en la fascinación del dúo «por aquello que es infinito e imposible», y que sale el 29 de abril. El disco representará asimismo un «universo creativo expandido y un prodigioso proyecto conceptual».

01. (Nothing But) Ashes…
02. The Ladder
03. Impossible
04. This Time, This Place…
05. How The Flowers Grow
06. If You Want Me
07. There, Beyond The Trees
08. Breathe
09. The Mourning Sun
10. Press «R»

El vocalista de Black Country, New Road abandona el grupo a días de que salga su disco

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Isaac Wood, vocalista de la banda de rock británica Black Country, New Road, ha anunciado su marcha de la formación por problemas de salud mental. La noticia se ha producido a tan solo unos días de que vea la luz ‘Ants from Up There’, el segundo álbum de la banda, que sale este viernes, la cual es una circunstancia del todo inusual en el mundo del pop.

En un comunicado, Wood explica que «me he estado sintiendo triste y temeroso» y que estos sentimientos le han estado impidiendo afrontar con entereza los conciertos de la banda, por lo que después de «mucho tiempo intentando que esto no fuera real», y en un momento en el que asegura no sentirse demasiado bien, ha decidido abandonar la formación. El artista aclara que en su decisión no ha influido su relación con los seis miembros restantes de la banda, a los que sigue considerando «personas maravillosas».

Por su parte, el grupo ha comunicado que continuará su carrera sin Isaac Wood bajo el mismo nombre de Black Country, New Road y que ya está preparando nueva música sin él, pero también ha confirmado que las fechas más próximas de la gira quedan canceladas.

«Las cosas que echaremos de menos de trabajar con Isaac son demasiado cuantiosas para enumerarlas todas, pero si habéis escuchado nuestra música entenderéis algunas de ellas», afirma el grupo en el mismo comunicado. «No hay palabras para expresar todo lo que hemos conseguido juntos, pero sin duda ha sido un privilegio poder hacerlo todos juntos, entre siete amigos».

La noticia es un verdadero jarro de agua fría para Black Country, New Road, una de las bandas de rock más prometedoras de Reino Unido desde antes del lanzamiento de su aclamado álbum ‘For the First Time‘ a principios del año pasado, que recibió una nominación al Mercury Prize. El segundo viene a consolidar su lugar en la industria, y hay que recordar que todavía incluye a Isaac Wood como vocalista. Es incierto el futuro que depara a la banda a partir de su marcha, pero deseamos que su carrera siga prosperando como merece.

Continúa el boicot a Spotify: Graham Nash, India.Arie y Failure retirarán su música de la plataforma

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Spotify ha empezado 2022 sumida en una grave crisis. Varios artistas, entre ellos Neil Young y Joni Mitchell, dos gigantes de la música de los 70, han decidido retirar su música de la plataforma para denunciar la asociación de Spotify al podcast de Joe Rogan, conocido por «promocionar desinformación peligrosa sobre la covid». El podcast es exclusivo de Spotify desde mayo de 2020, cuando la empresa sueca se lo agenció por más de 100 millones de dólares, y es el podcast más escuchado en cualquier plataforma. Frente a la polémica, Spotify ha anunciado que incluirá avisos en todos los podcasts subidos a su plataforma que hablen sobre la covid con enlaces a sitios contrastados.

Pero los artistas también están aprovechando el éxodo de Spotify para quejarse de los nimios beneficios que obtienen de subir su música a este servicio de streaming, una demanda que viene de tiempo atrás y sobre la cual Rufus T. Firefly compartió una interesante reflexión hace muy pocas semanas, en el «feliz» día del lanzamiento anual de Spotify Wrapped.

Ambas razones siguen invitando a artistas a seguir el camino marcado por Neil Young y retirar su música de Spotify. Es el caso de otro artista contemporáneo de Neil y Joni, Graham Nash, que ha denunciado específicamente el apoyo de Spotify al podcast de Joe Rogan, empresa a la que considera «habilitadora» de una desinformación que «está costando a la gente sus vidas». No obstante, el cantautor asegura que es consciente de que los artistas jóvenes dependen de plataformas como Spotify para dar a conocer su música, y que «por eso es importante que (este tipo de servicios) sean más responsables con el contenido que deben moderar».

Otra artista que se ha sumado al boicot a Spotify es la cantante de neo-soul India.Arie, que no solo ha puesto sobre la mesa lo poco que gana con Spotify en contraposición con «los 100 millones de dólares que Spotify ha pagado a Joe Rogan», sino que también ha hablado de racismo. En concreto, la autora de ‘Video’ ha manifestado que considera a Joe Rogan «problemático por otras razones que no tienen que ver con la covid, pues para mí tiene que ver también el lenguaje que usa para hablar de la raza».

También la banda de rock de culto Failure ha decidido despedirse de Spotify a riesgo de perder «una generación entera de oyentes» para denunciar el «cálculo draconiano de royalties que básicamente ofrece a los artistas una fracción microscópica de lo que genera Spotify con la música subida a la plataforma». En su perfil de Spotify la banda alenta a sus seguidores a «descargar su música en alta calidad a través de Bandcamp o a reproducirla por streaming en otras plataformas».

Sesión de Control: Joe Crepúsculo, El Último Vecino, Pantocrator, Magia Bruta…

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Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control» comenzando fuerte con ‘Carreteras de pasión’, el single que presenta el nuevo trabajo de Joe Crepúsculo; el segundo sencillo del que será el primer disco largo de Pantocrator, y otro de los nuevos sencillos de El Último Vecino. Foto: Jessica Towers.

Entre los artistas que han sacado álbum recientemente tenemos a Tarik Rahim, Flores de Uranio, REYKO, Marta Tchai, Carolina Durante y desde hoy mismo a Magia Bruta, que enseguida identificarás como el nuevo proyecto de Aries. Entre las revelaciones, os presentamos a Yaunest, desde Foehn Records, quien se ha criado escuchando neo-crooners como Alex Turner y Julian Casablancas, pero se deja empapar más bien por sonidos R&B y electrónicos.

En cuanto a habituales de JENESAISPOP hay nuevas canciones de Liz Forte, Nena Daconte, Fuel Fandango, Bonitx, Vis Viva, depresión sonora y Malamute, estos últimos ahora con Ariadna Punsetes. Tampoco podemos dejar de volver a compartir la colaboración de Tanxugueiras con Rayden, que salía a tiempo de Benidorm Fest. Precisamente también Ladilla Rusa han dejado escuchar el tema que presentaron a la competición, ‘After Party’.

Ana Mena queda última en la primera noche de Sanremo

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Este martes ha arrancado en Italia el famoso festival de Sanremo, en el que se determinará el artista que representará a Italia este año en Eurovisión, que precisamente se celebra en Turín después de que Måneskin se proclamasen ganadores en 2021 con ‘Zitti e buoni’. El festival durará cinco días en los que participará un total de 25 artistas.

Sanremo tenía especial interés este año para España, pues la malagueña Ana Mena es una de las artistas que participan en el certamen, dado que su música ha obtenido un gran éxito en Italia. Mena ha presentado esta noche su animada canción ‘Duecentomila ore’, de tintes entre italianos y latinos, pero ha quedado última por el voto del jurado. Más adelante se sumará el televoto a todas las canciones.

En primera posición ha quedado Mahmood, que sí, vuelve a participar en la carrera de Eurovisión tras quedar segundo en 2019 con ‘Soldi’. Lo hace de la mano de otro cantante, Blanco, y con una balada cantada a dúo llamada ‘Brividi’. Así ha quedado la clasificación de la primera noche de Sanremo:

1 Mahmood & Blanco – «Brividi»
2 La Rappresentante di Lista – «Ciao ciao»
3 Dargen D’Amico – «Dove si balla»
4 Gianni Morandi – «Apri tutte le porte»
5 Massimo Ranieri – «Lettera al di là del mare»
6 Noemi – «Ti amo, non lo so dire»
7 Michele Bravi – «Inverno dei fiori»
8 Rkomi – «Insuperabile»
9 Achille Lauro – «Domenica»
10 Giusy Ferreri – «Miele»
11 Yuman – «Ora e qui»
12 Ana Mena – «Duecentomila ore»












Por otro lado, Måneskin no podían faltar en el certamen, convertidos en unas auténticas superestrellas globales tras su paso por Eurovisión. Y se nota que han marcado el camino de algunos participantes de este año en Sanremo, como el de Achille Lauro. El grupo ha presentado ‘Zitti e buoni’ y ‘Caroline’, incluidas en su último disco, y no su exitosa versión de ‘Beggin’ o la reciente ‘Mamma Mia’.

La Paloma: «Los bares cutres no existen»

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«En una terraza de Bravo Murillo espero la muerte» es uno de los estribillos o arranques de canción que más nos han asaltado durante los últimos meses. Se trata de una de las canciones que anticipaban el estupendo EP que la banda garajera La Paloma ha publicado en las últimas semanas, ‘Una idea, pero es triste’. Son 5 canciones que, venga lo que venga, ya les van a hacer pasearse por los escenarios de los mejores festivales del país dada la repercusión que están logrando, y que por alguna razón pese a su puntual oscuridad, anticipaban lo divertido que iba a ser charlar con ellos. La Paloma son los nuevos invitados de «Meister of the Week», la sección comisariada por Jägermusic, y en este caso han decidido hablar de algo que no adivinamos: bocatas y emparedados. Foto: Paula Yubero.

¿Por qué habéis elegido los bocatas y emparedados como tema para esta sección?
Como asiduos a los bares y a los viajes en coche y furgo somos muy conscientes de que economizar los esfuerzos a la hora de nutrirse es algo muy a tener en cuenta. Un bocata o emparedado puede solucionarte cualquier comida del día: desayuno, comida, merienda o cena.
¿Qué diferencia hay entre los dos?
La diferencia entre ambos está en el punto de vista, la actitud con la que afrontas el primer bocado, y el tamaño que tenga en proporción al hambre.

Un bocata es la merienda por excelencia cuando somos niños. ¿Qué bocatas recordáis de vuestra infancia? ¿A qué momentos los tenéis asociados?
Cada uno tiene el suyo, para Lucas es el sandwich de queso parmesano, con acento canario. Para Rubén el “Bocata Conchi” hecho con amor por su madre y lleno de jamón serrano, queso, tortilla francesa y tomatito restregado. Para Nico es el bocata de chocolate Nestlé que sabía a amor y para Juan el bocata de tortilla pequeño, que le recuerda a excursiones del colegio.

Como decís en vuestro tema ‘Bravo Murillo’, esperáis a la muerte en una terraza del barrio. ¿Qué bocata sería el ideal para esta espera?
El bocata ideal para esperar sería un buen bocata que requiriera un largo y cuidadoso proceso de elaboración. Citamos ejemplos: bocadillo de filete empanado, bocata cachopo, bocadillo de algún guiso que tarde. Encurtidos para la espera siempre son buen anticipo del bocata.

El bocata de calamares es el típico de Madrid, ¿pero igual estáis hartos de él o sigue siendo uno de vuestros favoritos?
El bocata de calamares nunca falla. Es un clásico y los clásicos nunca mueren. Cualquiera del centro, más o menos grasiento, siempre sacia el antojo.

¿Qué otros bocatas o emparedados nos sugerís y cuál es el mejor sitio para comerlos?
Lucas no tiene duda de que en su podio están el Bocata de Pulpo frito y Mojo verde en El Ñoño (playa de las Canteras, Gran Canaria) y el de carne mechada en El Bote. Rubén vuelve a la Conchi, o si no “un buen chivito en Alboraya”. A Nico y a Juan les vale con un bocata hecho con un BUEN pan. Bueno y el bocata de tortilla de “El Mordisco” en Madrid, puede ser fácilmente el mejor del mundo.

¿Cuál es el peor bocata o emparedado que recordáis?
Anchoa con Bacon. Algún bar se la juega a veces con la vanguardia sin poder acertar del todo. Pero ojo, era un BOCATA.

Si tuvierais que ser un bocata punk ¿qué llevaríais y qué nombre le pondríais?
Bocata JEVI. Y llevaría: Alioli por Lucas, tortilla por Juan, un bocata de Conchi dentro, por Rubén, y pistachos encima (placeres de Nico).

¿Algún bar de Bravo Murillo u otro lugar para comer buenos bocadillos? ¿Cuál sería vuestra «ruta del bocadillo»?
Al 5 minutos de Bravo Murillo esta la Muralla de Ávila, el mejor bar del Estado. Cualquier cosa que tengan ahí es lo más rico que hayas probado jamás, esté emparedado o no. También hay bocatas de entresijos en algún bar secreto de Bravo Murillo, y eso a día de hoy es casi una pìeza de museo.

«Un bar siempre es un sitio elegante»

Siempre se dice que no hay que juzgar a un libro por su portada y en el caso de los restaurantes se puede aplicar más o menos también. ¿Alguna vez habéis ido a un bar cutre y os ha dado una sorpresa o al revés, habéis ido a uno de lujo y al final no era para tanto?
Los bares cutres no existen. Un bar siempre es un sitio elegante. Ahora, pedir un bocata de tortilla y que sepa a frito de pescado no tiene perdón… el resto nos lo comemos todo a gusto.

¿Con qué artista os encantaría compartir un emparedado? ¿A cuál se lo prepararías con mucho cariño?
Cada uno tiene su bocata para su artista:
Ruben: Un bocata de longaniza, pimiento verde y queso con Bad Bunny.
Nico: Una empanada de zamburiñas con Henry Rollins.
Lucas: Un bocata de pechuga especial (con todo) con Thundercat.
Juan: Una salteña boliviana con todos los de Snarky Puppy. Una para todos.

Y si fuera a vuestro peor enemigo, ¿qué llevaría vuestro bocata?
NADA. Que parecería que sí, pero fuera aire. Pan con pan, comida de tontos.

Reyko / Pulse

Reyko, el dúo formado por Igor Fejzula y Fatima Cardelus, más conocidos como Igor y Soleil, llega a su segundo disco con una máxima peculiar. Se han inspirado en el electroclash de Peaches y también en la era entregada a este sonido por parte de algunos álbumes de Goldfrapp, para intentar ofrecer lo que han llamado un «hermano travieso» a su debut, donde había producciones tan finas como ‘Surrender‘. Querían un disco directo, inmediato y urgente que pedía ser tocado en directo precisamente de lo encerrados que lo grabaron, como el resto del planeta, debido a la pandemia.

La historia de Reyko -él, de origen serbio, iba para tenista y llegó a figurar en el ránking de la ATP; ella, una enfermera de Girona que nunca había cantado hasta que ambos se conocieron en Londres- continúa su desarrollo libre. El grupo que fuera erróneamente clasificado como «tropical house» al ser número 1 de Los 40 Principales y conseguir un gran impacto en lugares como Francia con ‘Spinning Over You’, que después lograra colar su música en series con el impacto internacional de ‘Élite’ y ‘La casa de las flores’ e incluso en una campaña de El País, sigue su propio instinto al margen de todas esas tentaciones en la búsqueda de su propio sonido.

Sus referencias son honestas y acertadas: ciertamente remiten a los tiempos de ‘Black Cherry’ las distorsiones en representación de los demonios de que nos habla ‘Take a Look at Yourself’ (“cuanto más gritas, más veo tu yo verdadero enfrente de mí”), y a Peaches y Chicks on Speed el uso de sencillas cajas de ritmo y punteos tan chulos como los que encontramos en el single ‘Saturday’. Y eso no quiere decir que se resistan a empaparse de actualidad, y los beats latinos que escuchamos en su hit pasado ‘Hierba mala’ vuelven a hacer acto de presencia puntualmente en ‘The Game’.

Lo que sucede es que las autoproducciones de Reyko, incluso en su minimalismo y con su componente lo-fi, huyen de toda vulgaridad para resultar por un lado ensoñadoras y por otro inquietantes. A lo primero contribuye la dulce voz de Soleil, de la escuela de Sarah Cracknell más que del electropunk de los 2000. Continúo recordando cuando la escucho a los maravillosos Black Box Recorder, uno de los grupos de culto de Luke Haines. Y a lo segundo unos textos muy sencillos pero con cierto componente espiritual que les acerca al misterio de bandas alemanas como 2raumwohnung o los primeros Klee.

‘Cover it Up’, en la estela de la injustamente olvidada ‘Numb’ de U2, parece hablarnos sobre las presiones, la ansiedad y la represión, pues se constituye de toda una enumeración de cosas que puedes hacer, siempre y cuando no lo muestres (“everything’s allowed as long as you cover it up”). ‘Slow Mo’, que parece una pista demasiado plana, casi un interludio, contiene buenas preguntas sobre la identidad, nuestro sino y el desconocimiento de uno mismo. Y ‘People Talk’, que parece una de las pocas canciones de amor de ‘Pulse’, es en realidad un refugio en un ser querido cuando te afecta lo que «dice la gente» sobre ti.

Los contrastes entre acústicas y distorsiones de ‘She Said’ o los que encontramos en ‘Panic’ cuando el llamamiento a no sentir «pánico» se complementa con el sonido de unas sirenas, lejos de restar valor a sus composiciones nos enfrentan a nuestras contradicciones, invitándonos a convivir con ellas, resistir y pulsar el botón de «reinicio» cuando lo necesitemos. Por algo el álbum se cierra con algo titulado ‘Start Again’.

Aitana debutará como actriz en ‘La última’, primera serie española de Disney+

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Mientras el remix de ‘Mon amour’ sigue arrasando en España y triunfando en la lista global de Spotify, donde todavía no se apea del top 40, y mientras Aitana triunfa también en las listas españolas con la divertida ‘Formentera‘, la cantante barcelonesa es hoy noticia por otra razón que no tiene que ver con su música, pero sí con su carrera profesional en general, que se abre a nuevos horizontes.

Y no, no nos referimos a ninguna campaña con ninguna cadena de hamburguesas. La debacle de la «McAitana» forma parte del pasado. Aitana dará el paso a la actuación de la mano nada menos que de Disney+, en la que será la primera serie española producida por el gigante del streaming.

‘La última’ será «un retrato generacional sobre la madurez, la lucha por abrirse camino, el amor, la complicidad y el poder de la amistad», y Aitana será la protagonista de la ficción junto al actor Miguel Bernardeau, quien es su pareja, y al que has visto en ‘Élite’ o muy recientemente en ‘Todo lo otro‘, la última serie estrella de HBO, en un papel francamente estupendo.

La historia de ‘La última’ no puede ser mas clásica. De hecho, parece una fusión de ‘Ha nacido una estrella’ y ‘Operación Triunfo’. En la serie, que contará con cinco capítulos, Aitana interpretará a Candela, empleada de una empresa de logística que desea ser cantante, sueño que empieza a cumplir cuando el ejecutivo de una discográfica multinacional la descubre cantando en un bar. Y Bernardeau se pondrá en el papel de Diego, un viejo compañero de instituto de Candela que busca convertirse en boxeador profesional.

¿Ambos se reencontrarán y volverá a surgir el amor? ¿Triunfarán Candela y Diego en sus propósitos? Habrá que ver la serie para descubrir si cumple con todos los clichés que esperas, u optará por sorprender un poco. Claro que Disney+ no es Netflix, eso está claro…

Amaia y Jaime Lorente, gancho del emocionante y necesario especial «Salud Mental» de Salvados

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Este domingo Salvados ha emitido en horario de máxima audiencia un Especial sobre Salud Mental llamado «Generación Ansiedad» que se ha centrado en los problemas psicológicos que sufren los jóvenes españoles. Para ello Gonzo se ha desplazado a la Universidad Complutense de Madrid, el único centro universitario de España y uno de los pocos de la Unión Europea que cuenta con una línea de atención gratuita psicológica para los alumnos, PsiCall UCM.

A través de lo que parecían carteles en tablones de anuncios, el programa exponía a la audiencia algunas de las estadísticas más abrumadoras sobre nuestro país estos días: el suicidio como causa principal de muerte no natural entre los jóvenes de 15 y 29 años, la enorme tasa de paro juvenil, la gran cantidad de jóvenes que reconocen haber sufrido algún problema mental (el 50%), la falta de psicólogos por número de habitantes, etcétera. Para explicar todo esto, «Salvados» contaba con dos grandes reclamos para la audiencia: Amaia como una de las ganadoras de Operación Triunfo y Jaime Lorente como parte del elenco de una serie de alcance global, como es el caso de ‘La Casa de Papel‘, que le ha otorgado 14 millones de seguidores en Instagram.

Ambos se abrían frente a la audiencia para hablar de los problemas que les llevaron a acudir a un psicólogo en busca de ayuda. Amaia ha revelado que antes pensaba que una persona solo iba a un psicólogo si se le «moría un familiar» o algo igual de grave, pero dándose cuenta después de que podía serle de ayuda, como así ha sido. Romero revela que siempre había tenido problemas de inseguridad, algo que aunque pueda parecer paradójico se había acrecentado al cumplir su sueño. A los 9 meses de vivir en Barcelona, sentía que no tenía fuerzas ni para salir de casa: «Sentía que la gente creía que me conocía y esperaba algo de mí que ni yo misma sabía. No me sentía comprendida. A los meses de ir a vivir a Barcelona me di cuenta de que algo no iba bien. Había querido siempre dedicarme a la música pero descubrí que no era lo que había imaginado. No me apetecía hacer nada, y nunca había sido así». Afirma que al principio incluso sentía tanta presión que creía que tenía que ser «una buena paciente» para su psicólogo, pero ahora se siente más asentada y segura.

En cuanto a Jaime Lorente, narra que el éxito de ‘La casa de papel’ pilló a todos de improviso, y que él en realidad lo que quería era hacer teatro, pero tuvo que hacer series porque el teatro no daba dinero. «Mi relación con el trabajo siempre ha sido la vocación y el amor. Estaba feliz haciendo teatro y ganando justo para unas cervezas, pero de repente llego a Madrid, con 25 años, y mi segundo proyecto es la serie de Netflix, que revienta. Pero yo siento que me he convertido en una persona triste. Ahora que había conseguido lo que siempre pensé que quería me fui al pozo».

Tanto Amaia como él han hablado del lado más oscuro de la fama, como en el caso de ella encontrarse reportajes sobre que no se «depila los sobacos» o en el caso de él encontrándose su vida privada en la prensa rosa cuando nunca ha dado pie. Lorente cuenta que se sentía como un objeto cuando la gente le pedía una foto por la calle, sin que nadie le preguntara qué tal está, incluso notando que sus amigos le daban de lado porque sentían que no le iban a interesar sus cosas ahora que era famoso: terminó pidiendo que le trataran como uno más y la terapia le ha servido para salir adelante: «Me siento tan orgulloso del trabajo que he hecho conmigo mismo, de normalizar el tema, de lo importante que es, que me parece normal estar aquí. No es de ser ningún héroe. Es casi bonito porque te prestas atención».

El síndrome del impostor ha salido también a colación y Lorente ha revelado que «No soy lo suficiente» es la frase que más se ha repetido en su vida. Sin duda la presencia de Amaia y Jaime Lorente ha servido para que el programa tuviera un gran impacto en varias webs y fuera un gran éxito de audiencia. Más de 1 millón de espectadores vio el programa pese a su sobriedad y un 6,6% de share situó al espacio por encima del dato de la semana anterior y de la media mensual de laSexta.

También fue muy significativo que en la segunda mitad de Salvados, varios invitados anónimos como Isa y Adrián -junto a un experto de PsiCall- se sumaran a Amaia y Jaime para compartir sus problemas de salud mental, ante la empática mirada de Romero y Lorente. Isa habló de ansiedad, autolesiones, intentos de suicidio y trastornos alimenticios, mientras Adrián reveló que se pagaba una terapia a escondidas de sus padres, gracias a la recepción de una beca, por temor a que sus padres pensaran que estaba loco.

El programa deshizo entonces la jerarquía entre famosos -o supuestos «influencers»- y no famosos, para mostrar a la audiencia cómo a todo el mundo le afectan inquietudes muy similares por igual, abriendo además varios frentes en cuanto a posibles soluciones o actuaciones: 1) cuánto tardarán todas las Universidades y otros centros educativos en disponer de una línea de atención gratuita para los estudiantes al modo de PsiCall UCM 2) de qué manera pueden y deben los gobiernos central y autonómicos cooperar con propuestas reales que mejoran la salud mental, agravada por la pandemia 3) qué función dejamos que tengan las redes sociales sobre nosotros para hacernos sentir más frustrados y peor en lugar de todo lo contrario y 4) cómo se puede derribar el estigma de que la «generación de cristal» no es más frágil que otras, tan sólo más transparente a la hora de mostrar y no reprimir sus emociones.

Tanxugueiras se cuelan en la lista de singles española con ‘Terra’

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‘Desesperados’ de Rauw Alejandro y Chencho Corleone permanece una semana más en el número 1 de la lista de singles española, y en el 2 asoma nada menos que la subida más fuerte de la semana, que corresponde al remix de ‘Cayó la noche’ de La Pantera, Quevedo y Juseph con Bejo, Abhir Hathi, Cruz Cafuné y El Ima. El tema asciende 89 puestos, desde el 91.

La noticia de la semana la deja la entrada de ‘Terra‘ de Tanxugueiras en la lista de singles, en la tabla que corresponde a la semana previa a la celebración del Benidorm Fest, en la que solo pudieron verse las semifinales y en última instancia. El próximo martes es de esperar que varias canciones presentadas en el certamen lleguen a la tabla, pero de momento ‘Terra’ ya aterriza en el número 88. Ahora mismo es número 6 en Spotify España, por lo que incluso podría dar un flamante salto al top 10 de manera oficial.

La de ‘Terra’ supone la segunda entrada de un tema de Benidorm Fest en la lista de singles española, tras el debut en la tabla de ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini, que sube hasta el puesto 14 desde el 40. Ya es un «top 15 hit» en España sin que este vaya a ser su techo todavía. La semana que viene será con bastante probabilidad top 2.

Solo dos entradas más aparecen esta semana en la lista. Por un lado, Christina Aguilera coloca ‘Santo’ con Ozuna en el 72. El tema ha conseguido otras entradas discretas en Panamá y Alemania. Y, por último, el remix de ‘Cano bandido’ de Cyril Kamer y RVFV entra en el 94.


Los Planetas, por primera vez top 1 de álbumes en España con ‘Las canciones del agua’

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Los Planetas consiguen esta semana el primer número 1 de álbumes en España de toda su carrera por ‘Las canciones del agua‘. El grupo granadino se quedó a 50 copias de alcanzar el número 1 en el año 2010 con ‘Una ópera egipcia‘, que se quedó en el top 2 por detrás de Mago de Öz, y en 2017 volvió a quedarse sin número 1 con ‘Zona temporalmente autónoma’ frente a un disco de Joaquín Sabina. La «maldición» ha terminado.

En cuanto a los debuts históricos del resto de discos de Los Planetas, ‘Pop’ fue número 40 en ventas en 1996, ‘Una semana en el motor de un autobús’ número 20 en 1998, ‘Unidad de desplazamiento’ número 17 en 2000, ‘Encuentros con entidades’ número 5 en 2002, ‘Los Planetas contra la ley de la gravedad’ número 3 en 2004 y ‘La leyenda del espacio’ número 8 en 2007.

El número 1 de Los Planetas esta semana supone que ‘ERA‘ de León Benavente, reciente Disco Recomendado, entra en el número 2 de la lista de álbumes, por lo que repite el dato de su álbum anterior ‘Vamos a volvernos locos‘. ‘2’ se quedó no en el 2, sino en el 5.

Night Call‘ de Years & Years es otra de las entradas de la semana en lista, si bien se queda lejos de repetir el número 1 de álbumes en Reino Unido al entrar en el número 39 (25 en vinilos). Además, el nuevo álbum de AURORA ‘The Gods We Can Touch’ aparece en el 53, en la que es la primera entrada de la noruega en la tabla de álbumes, y es 18 en vinilos; y el nuevo EP de Christina Aguilera ‘La Fuerza’ lo hace en el 54.

Esta semana llegan también a la lista un par de reediciones de discos publicados a finales de los 90 y principios de los 2000 como son la de ‘Travelling Without Moving’ de Jamiroquai en el número 23 y la de ‘Laundry Service’ de Shakira en el 27. Estos dos álbumes debutan en los números 2 y 3 de la tabla de vinilos, respectivamente, coronada por Los Planetas.

En cuanto al resto de entradas, el pianista Ludovico Einaudi coloca ‘Underwater’ en el 35, Diego Vasallo coloca ‘Canciones de amor desafinado’ en el 96, y por los pelos, en el número 100, entra Battle Beast con ‘Circus of Doom’.

Carolina Durante hablan de adicciones en ‘Granja Escuela’

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Carolina Durante han publicado estos días un excelente segundo disco llamado ‘Cuatro chavales‘, más sólido que el primero, en el que han incluido muchos de los singles que vinieron editando el año pasado: ‘Famoso en tres calles‘, ‘La planta que muere en la esquina’, ‘Moreno de contrabando’ y ‘10‘. Será nuestro «Disco de la Semana» y sacaremos entrevista con la banda.

El nuevo single ‘Granja escuela’ es la «Canción del Día», oficialmente presentada como «una historia de adicciones y dependencias en diferentes formas, químicas, psicológicas y, desde luego, emocionales». El tema habla de un chico llamado Juan, que «pierde la cabeza con el juego y con el Codere», y de una chica llamada «Cris que sale a diario por bares de copas», llevando a un estribillo en el que se habla de «gente que le da al vicio, al borde del precipicio». La «Granja Escuela» representa un centro de desintoxicación, en honor a una broma interna con el productor de la banda Carlos Hernández.

Carolina Durante afrontan esta temática con humor a través de un videoclip en el que sus miembros se disfrazan de miembros de una secta y toman la televisión, y en el que Alonso Caparrós ha accedido a hacer de presentador del programa de apuestas, dando bastante miedo en el que momento en que referencia: «Créeme, te vendrá bien».

Nos explica el grupo: «Carlos Hernández llama ‘Granja Escuela’ a los centros de desintoxicación y de rehabilitación. Cuando llegamos a la furgoneta perjudicados, nos echa un rapapolvo y nos amenaza con llevarnos a la Granja Escuela. La canción empezó como un poco de coña, y luego metimos la cuña de las apuestas también». Preguntados sobre lo habitual que es entre la gente joven este tipo de dinámica de estar «al borde del precipicio», asienten, incluyéndose a sí mismos: «Constantemente, es ese huir para adelante, no saber volver a casa. Sales de fiesta y vuelves cuando estás hecho un moco y no puedes tomar la decisión de volver. Cuando ya es imperativo. Formamos parte, pero hay unos límites».

Queda como resultado un vídeo simpático e irónico, algo ambiguo, aunque el trasfondo es serio. Responde Martín Vallhonrat cuando le preguntamos por la alta tasa de paro juvenil o de suicidio entre la gente joven: «Es meternos en un terreno muy farragoso y un análisis con mil millones de condicionantes. Supongo que todo viene de tener expectativas muy altas, de tener la sensación de no poder llegar a lo que se espera de uno y lo que realmente se puede alcanzar». Añade Diego Ibáñez: «Parece que tenemos todo muy fácil y luego realmente no es tan fácil». Continúa Martín: «Estamos en un sistema en el que se generan muchas necesidades y muy en el momento. Necesitas este móvil y lo necesitas ya. Y yo te lo ofrezco. Como estas Navidades, que decían que no iban a llegar los juguetes porque no llegaba el plástico de China, y tenías que pedirlos ya. Eso tan tonto ya genera una ansiedad, por lo que luego llevado a lo importante, a las amistades, a los seres queridos, se genera aún más angustia».

Gabriel Kazz te reconforta a la luz de las velas

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Gabriel Kazz es un cantautor catalán-canadiense que vive en Londres desde los 26 años (ahora tiene 29), ciudad en la que se ha curtido precisamente como cantautor en salas como The Camden Assembly, The Fiddler’s Elbow, Apples & Pears o Zigfrid Von Underbelly. Ha publicado un EP, ‘Helium’, y estos días presenta un bonito single llamado ‘Candle’.

Kazz viene de familia de músicos: sus padres son guitarristas profesional y él ha tocado la guitarra desde pequeño, pues sus padres le regalaron una a los 6 años. Sus canciones están compuestas en torno a este instrumento, y el estilo folk de Kazz tiene puntos en común con artistas como José González o Iron & Wine, si bien él entre sus referencias menciona a Ben Harper, Dave Matthews o John Mayer. Su voz es rasposa y sus canciones reconfortan.

‘Candle’ es una de esas composiciones de folk íntimas, cantadas casi con un murmuro y con la percusión producida a golpe de guitarra. Otro single destacado de Kazz es ‘Keep it Together’, de leves ecos country; pero el potencial comercial de Kazz termina de asomar en ‘Helium’, una canción de folk-rock que melódicamente nos lleva a los años 2000 de Travis o Hoobastank. Casi podría haber salido en una película romántica de 2003, sin que eso sea malo en absoluto.

‘Candle’ es el primer sencillo de un nuevo disco que Kazz ha grabado durante la pandemia y que saldrá «poco a poco» este año con el apoyo de la comunidad musical Acqustic.