«¿En qué año estamos?» ha pasado de ser una pregunta casi metafísica en el desenlace de ‘Twin Peaks’ a cotidiana: ¿de verdad ha existido el año 2020? ¿Y qué hay de 2021? Peor aún es que surja escuchando un álbum, como sucede con el segundo de Anne-Marie. Hasta cierto punto es normal que hayamos perdido la noción del tiempo, que estemos estancados en cuanto a modas sin grandes conciertos ni eventos. Otra cosa es que la música de ‘Therapy’ nos lleve demasiado atrás, a 2013, a los tiempos en que tanto hablábamos de Rudimental, Avicii y Chase & Status. Con esas referencias, es muy difícil que un álbum como este logre significarse ahora mismo.
Corría el año 2019 cuando la cantante conocida por macrohits como ‘Rockabye’ de Clean Bandit y ‘FRIENDS’ con Marshmello decía que su debut ‘Speak Your Mind’ estaba muy bien pero se componía de canciones que habían ido saliendo antes y que «como persona creativa, escribía algo nuevo todo el tiempo». «Quiero sacar algo fresco que nadie haya escuchado antes», eran sus palabras, metiéndose en camisa de once varas.
‘Therapy’ de ninguna manera puede ser ese disco de cosas jamás escuchadas, cuando se compone de temas tan random como ‘Breathing’ y ‘Tell Your Girlfriend’; el gran corte estrella es el baladón junto a Niall Horan guiado por una guitarrita y un ritmo holgazán de R&B; el tema titular es un vago corte de autoayuda; ‘Beautiful’ no logra precisamente hacer sombra al clásico de Christina Aguilera y ‘Better Not Together’ nos hace pensar en uno de los temas que cupieron en el álbum de Paris Hilton. Nada menos.
Lo cual no significa que todo sea un desastre: ‘Therapy’ es un álbum entretenido aunque impersonal -que podría haber firmado cualquier triunfito de un país random-, lleno de canciones como ideadas para una semifinal de Eurovisión. Lo cual a veces puede ser para bien. ‘Don’t Play’ ha conseguido ser número 2 en Reino Unido y un hit por allí, donde el amor por Anne-Marie es directamente proporcional a la indiferencia que genera fuera; ‘Who I Am’ sigue una línea parecida; ‘Unloveable’ con Rudimental realmente hace honor a su nombre pese a su falta de interés por renovar el discurso; y podría ser un gran éxito ‘Kiss My (Uh Oh)’ con Little Mix.
El trío de chicas parece empeñado en que 2021 sea un buen año para ellas pese al abandono por razones de causa mayor de Jesy: primero llevaron al número 1 ‘Sweet Melody’, después arrasaron con Galantis y David Guetta gracias a ‘Heartbreak Anthem’, y ahora se quedan uno de los temas más divertidos de este disco: con todos los «culos» y «booties» que han inundado el mercado, ha sido una sabia decisión dejar ese «ass» elíptico. Ojalá más cosas se hubieran dejado a la imaginación en el resto de ‘Therapy’.
En 2010, el New York Times publicó un especial con motivo de los Oscar compuesto por 14 vídeos protagonizados por sendas estrellas de cine (incluido Javier Bardem, que estaba nominado por ‘Biutiful’). Ninguno tuvo una especial relevancia. Salvo uno, el de James Franco, cuyas imágenes han sido reproducidas continuamente a lo largo de estos años. ¿Por qué? Quizás porque la escena donde aparece el actor besándose en el espejo es la imagen que mejor define la personalidad de Franco: el narcisismo.
Carlos Saiz -autor también del anterior clip de Carolina Durante, ‘Espacio vacío’- parte de una imagen parecida para abrir y cerrar un relato sobre el ego, la obsesión por la fama (aunque sea en tres calles) y el vacío existencial. Omar Ayuso, que ya protagonizó el ‘Juro que’ de Rosalía, llega a casa contando billetes después de una larga jornada de trabajo como chofer gigoló. Se mira al espejo como Narciso (o como Franco) y rememora cómo le ha ido la semana.
Con una estética nocturna que recuerda al ‘Collateral’ de Michael Mann (también protagonizada por un “driver”), ‘Famoso en tres calles’ narra las andanzas profesionales y sexuales de un conductor por la noche barcelonesa. Un drama erótico que culmina con un clímax onanista que parece diseñado para ensalivar la imaginación de los fans del actor de ‘Élite’.
Este mes Elefant nos ha presentado a Marinita Precaria, una joven artista cordobesa afincada en Madrid, de la que se publicará un mini LP ya en 2022 bajo el paraguas para gente novel «New Adventures in Pop». Cuenta Marina Gómez Marín (sí, se llama casi como la cantante de Klaus&Kinski) que está en esto de la música un poco por accidente, tras comprarse un teclado con el que aprender a tocar el piano durante la pandemia (ella en verdad es arquitecta y diseñadora), y de momento nos ha presentado un par de canciones. Foto: Raquel Calvo.
El single ‘Siento todavía’ llega con un vídeo en el que Marinita Precaria parece una mezcla entre Marisol y Jane Birkin, entre influencias evidentes de la Nouvelle Vague, pero es la segunda pista la que está gustando más entre el público. ‘Tú pa’ qué’ es durante el día de hoy nuestra «Canción del Día».
Más larga y rica en recursos, ‘Tú pa qué’ cuenta con ciertos elementos del indie pop tradicional, también con un ritmo algo funky, palmas, y con una historia sobre el reparto del amor en el mundo («en la cima de una colina regalaba corazones un marciano») que cuenta con personajes tan particulares como un “costurero aldeano” y “una astronauta italiana”. A todo ello hay que sumar un doble estribillo muy españolete, primero el de “cuando le duele canta” y después el que nos deja el título de la composición. Suenan como siempre en las notas de prensa de Elefant muchos nombres como posibles influencias (Nosoträsh, Vainica Doble, The Magnetic Fields, East River Pipe), aunque Marinita Precaria casa mejores con nombres más actuales como Maren.
Tokio 2020 ha comenzado a celebrarse finalmente en julio de 2021, con una ceremonia sin público, sobria y algo deslucida, con varios guiños a la covid-19. En un momento se ha programado un vídeo con una versión de ‘Imagine’ de John Lennon, en la que el representante de Europa ha sido Alejandro Sanz.
John Legend, Keith Urban y Angelique Kidjo completan el elenco de artistas de esta adaptación, sobre la que Alejandro Sanz ha declarado lo siguiente según RTVE: «Es una de las canciones más bellas que se han escrito en el pop en toda la historia. Todos hemos cantado ‘Imagine’ alguna vez en nuestra vida, todos hemos intentado escribir ‘Imagine’ alguna vez en nuestra vida y todos hemos intentado que la vida fuera como se pinta en ‘Imagine’”.
Una adaptación exenta de garra, arrimada al buenrollismo de la música de Disney, habitual en este tipo de eventos… salvo cuando Londres organiza unos Juegos Olímpicos. ¿Recordáis el desfile con Pet Shop Boys, Spice Girls, música de Fuck Buttons, David Beckham conduciendo una lancha?
Nathan Williams hace tiempo que dejó de ser ese personaje errático que copaba titulares en la prensa musical alternativa para ocupar un lugar más modesto dentro de la industria (no es por hacer un Melendi pero su actuación en el Primavera Sound de 2009 fue mítica en el peor de los sentidos). Los últimos lanzamientos discográficos de su proyecto de garage-rock Wavves, como ‘No Life for Me’ (2017) o ‘You’re Welcome’ (2015), no han generado el impacto de los dos primeros, especialmente el del influyente ‘King of the Beach‘ (2010), pero Williams no se ha ido a ningún lado y ha continuado desarrollando su carrera hasta llegar a su octavo álbum, este ‘Hideaway’ recién salido del horno.
‘Hideaway’ destaca por dos cosas. Por un lado, el disco ha sido producido por Dave Sitek de TV On the Radio, conocido por álbumes de Yeah Yeah Yeahs, Liars o Foals. Williams cuenta que, en cuanto Sitek se subió al barco de ‘Hideaway’, el disco empezó a tomar forma porque le ayudó a relacionar y atar ideas, pero su contribución llama la atención para mal porque la producción no puede sonar más raquítica y maquetera. En absoluto refuerza unas canciones que ya son dignas gracias a las melodías de Williams, sino que las hace sonar apagadas, sin fuerza.
Es una pena especialmente porque las letras de Williams, centradas en su depresión, pueden calar hondo, como cuando en el tema titular asegura que «no me importa que los tiempos me hagan desaparecer» porque «ha sido una tortura existir durante tanto tiempo». O como cuando en la balada sufera ‘Honeycomb’ declara que «siento que me estoy muriendo, no tengo nada en lo que creer, así que creo que debería marcharme, pero no puedo encontrar la puerta». Por suerte, en ‘Help is On the Way‘ sí ve la luz al final del túnel.
Por otro lado, ‘Hideaway’ es un trabajo más o menos variado en estilos. Williams ha compuesto algunas de sus pistas en base a samples de canciones viejas de los 50 o 60 que después ha eliminado de sus maquetas originales para seguir desarrollándolas por su cuenta. Así, no extraña encontrar en ‘Hideaway’ influencias del doo-wop (los «sha la la las» de la bonita balada final ‘Caviar’), surferas (la mencionada ‘Honeycomb’) o country. La trotona ‘The Blame’, de hecho, ofrece uno de los instantes más memorables del largo solo por lo diferente que suena a todo lo demás, si bien hay que decir que ‘Hideaway’ también vuelve a ser un disco de canciones buenas y no tan buenas que ya se esperan de Wavves: la urgente ‘Thru Hell’, que suena a los Ramones y a los Stooges a la vez, abre el álbum porque es ni más ni menos que la mejor de todas; el single ‘Sinking Feeling‘ melódicamente está muy logrado y ‘Help is On the Way’ es una buena composición de power pop a lo Weezer, pero ‘Marine Life’ o ‘Planting a Garden’ solo consiguen sonar a sucedáneos de estas, a simple relleno.
Lil Nas X ha publicado una de las mejores canciones de 2021, ‘MONTERO (Call Me By Your Name)‘. A la espera de su álbum debut al completo, ‘Industry Baby’ es un nuevo triunfo en todos los sentidos: esos vientos machacones llevan el sello de Kanye West, en concreto el de sus inicios (también podría ser el Timbaland de aquel 2005, año arriba, año abajo); el flow de su rap no se pierde y deja varias frases icónicas, y el vídeo es un suma y sigue. Como el de ‘MONTERO’, indisociable de la obra. No en vano ha cosechado 12 millones de visualizaciones en un día y lo encontramos «trending» incluso en un país tan poco rapero como España.
A estas alturas no cabe duda de que Lil Nas X está siendo un icono importantísimo para la visibilidad LGTB+, sobre todo en un entorno tan tradicionalmente homófobo como el hip-hop, e ‘Industry Baby’ explota más eso mismo entre más referencias al sexo anal, el erotismo de unas duchas compartidas, etcétera. La letra del tema, que ejerce hoy de «Canción del Día» en JENESAISPOP, es un tema de autoafirmación en el que Lil Nas X desafía a aquellos que pensaron que se trataba de un «one hit wonder», también con lo que podría ser una referencia a Britney Spears («Funny how you said it was the end, yeah / Then I went did it again, yeah») y con frases tan decididas como: «soy un nigga del pop como Bieber / no follo con zorras, soy marica».
En este contexto, el rap de Jack Harlow, además blanco, ha producido cierto rechazo en la red, pues además en el vídeo se encarga de recordar innecesariamente su heterosexualidad. Sin ir más lejos, en nuestro foro de Lil Nas X encontrábamos estos interesantes comentarios:
Dardo: «Me ha gustado bastante, pero me ha dado un poco de bajón que cuando sale el otro rapero le hayan puesto una tia con su culo en la cara de él, en plan «que salgo en el vídeo, pero yo maricón no, eh?» La canción, mi favorita de las tres».
Johnny Utah: «La canción OK, el video muy bien salvo por el momento casposo «rapero blanco hetero con chica enseñando culo». Y él, divo total. La diva gay que queremos y merecemos».
Lil Nas X, siempre despierto y dispuesto a contestar críticas, ha acudido a Twitter para responder esta inquietud generalizada. Cuando una persona ha escrito que por un lado está la feminidad de los chicos negros del vídeo en contraposición al hombre blanco súper cool, Lil Nas X ha respondido que es el susodicho usuario «el que ve lo femenino como debilidad». De manera significativa, en un momento del vídeo Lil Nas X ejecuta a Jack Harlow, y en definitiva, termina saliendo de la cárcel triunfal, en lo alto de un autobús. Lo que en España llamaríamos a hombros.
the truth is there is no attack. you view femininity as weakness. you don’t like gay black men because you are afraid of black men, as a whole, being viewed as weak. you cling on to your masculinity because without it you have nothing else going for yourself. https://t.co/JQcwf0RrSR
Billie Eilish se mantiene en el número 1 del top 40 de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva con ’NDA’, una semana antes de que llegue su nuevo álbum al completo. La entrada más fuerte es ‘Don’t Wait Up’, lo nuevo de Shakira, seguido muy de cerca por la irrisistible ‘Cure for Me ‘ de Aurora. También en el top 10 encontramos a Caroline Polachek y LP.
Desde nuestro país, Vetusta Morla y Carolina Durante quedan muy cerca de ese top 10, mientras Doble Pletina, Tulsa y Sofia son novedad unos cuantos puestos más abajo.
Ya está aquí el nuevo single de Aitana junto con Evaluna. Muchos de sus fans lo estaban esperando, sobre todo desde que la extriunfita confirmara que a finales de este mes habría una nueva colaboración, pero fue hace un par de días cuando saltaron las alarmas después de un primer adelanto en los perfiles de Instagram de ambas artistas.
Este 23 de julio ha llegado cargado de muchas novedades y entre ellas se encuentra este tema que se llama ‘Aunque No Sea Conmigo’. El videoclip está a punto de alcanzar el millón de visualizaciones y además lidera las tendencias de vídeos en YouTube, estando de forma general en el puesto número 1.
Es el segundo single de Aitana este año desde que el pasado mes de abril lanzara ‘Ni Una Más’. Esta vez, el foco se centra en la amistad. En un primer momento podríamos pensar que por el contexto se trata de una relación romántica, pero lo cierto es que la letra nos muestra la relación entre dos buenas amigas que tienen que separarse desde muy pequeñas y que se echan mucho de menos.
Aunque la puesta en escena del videoclip y el argumento son originales, después de tanta expectación y tratándose de un tema tan potente como es la amistad, un cambio de estilo en la melodía a lo ’11 Razones’, por ejemplo, habría dado mucho más juego y lo habría hecho más interesante.
Posiblemente, este nuevo single se sume a la gira de Aitana, ’11 RAZONES TOUR’. Hoy visita la provincia de Alicante en La Plaza en Vivo y la próxima parada será en Calviá, en el Mallorca Live Summer el próximo 29 de este mes. Quién sabe, puede que el dúo sorprenda cantando este nuevo tema en el escenario, esperemos que explorando nuevas posibilidades.
Nil Moliner se ha lanzado a la piscina ahora que nos encontramos en el ecuador de este verano de 2021 y ha tirado con él a su compañera Ana Mena en esta nueva colaboración que se llama ‘Me Quedo’, pero no, no tiene nada que ver ni con Aitana ni con Lola Indigo.
Ambos artistas tienen relación directa con el pop, sobre todo Moliner, pero es cierto que desde hace tiempo la cantante malagueña ha mostrado en sus temas muchos estilos latinos, algo que sabe defender muy bien. Con esta fusión de sonidos el videoclip ya ha conseguido situarse en el puesto 13 de tendencias en YouTube España.
La presencia de Nil Moliner en el terreno de la música es muy reciente, pero eso no le ha supuesto un problema para ganarse un hueco en el panorama actual, llegando a tener más de dos millones de oyentes mensuales en Spotify. Tuvo un gran éxito con ‘Hijos de la Tierra’ en 2017 y con ‘Soldadito de Hierro’ en 2019, siendo esta última una de las pistas de su primer disco ‘Bailando en la batalla’. Este último año tampoco se ha tomado un respiro, ya que no ha dejado de publicar nuevos singles, los últimos: ‘Solo‘ y ‘Som Ocells‘, puede que sean el preludio de un nuevo disco.
En cuanto a Ana Mena, desde que triunfara de la mano de Fred de Palma con ‘D’Estate non vale‘ (en verano es válido) en el verano de 2018, la cantante ha tenido un gran éxito tanto en Italia como en España. También este año, al repetir con Rocco Hunt en ‘Un bacio all’improvviso‘ (‘Un beso de improviso’ en español), aunque todavía no está al nivel de su predecesora, ‘A un passo dalla luna‘ (‘A un paso de la luna’), que ha sido disco de platino cinco veces en los dos países, según PROMUSICAE y FIMI.
Ahora vuelve a sonar junto a Moliner y aunque su positivo en COVID-19 ha obligado a cancelar algunos conciertos de su gira, muy pronto volveremos a escucharla en ambas partes del Mediterráneo.
«Una cosa buena de la música es que cuando te llega, no sientes dolor». Esta conocida frase de Bob Marley resume lo que para muchos significa la discografía de The Go! Team: sus producciones inspiradas en la música uptempo de décadas pasadas te alegran el día mucho más que esa bebida energética que promete levantarte de la silla, pero en exceso lo que consigue es generarte taquicardia. Ian Parton, el gran hombre orquesta tras esta banda, nunca se pasa, logrando mantener el listón un álbum más, el sexto ya, aunque el referencial para siempre será el primero, ‘Thunder, Lightning, Strike’ (2004).
Eran aquellos los tiempos en que asistías maravillado a la fascinante cultura musical del artista, capaz de pasarse horas y días y semanas enteros buceando entre discos antiguos para encontrar el sample o el sonido adecuados, sobre el que desarrollar una composición propia. Hoy en día, en cambio, en ‘Get Up Sequences Part One’, The Go! Team suenan más que nada como si se estuvieran sampleando todo el rato a sí mismos.
Flautas y un tipo de hip-hop primigenio mandan en el single ‘Cookie Scene’ desvelado el verano pasado. Y la cantante Ninja lo hace especialmente en el más reciente ‘Pow’, que sirve para abrir la cara B en el formato vinilo. ‘Get Up Sequences Part One’ se sigue nutriendo de un tiempo en el que las bandas sonoras de televisión se tomaban su minuto de duración o más para resucitar a los adormilados en la hora de la siesta; en el que los singles de Jackson 5 copaban las listas de éxitos y en el que triunfaban los ritmos tipo morse, desde Moroder a Raffaella Carrá.
Un buen disco con canciones tan estupendas como ‘World Remember Me Now’, ‘I Loved You Better’ o ‘A Bee Without Its Sting’, e instrumentales tan apoteósicos como ‘Freedom Now’, en el que sí se echa en falta un mayor desarrollo de alguna idea nueva. Por ejemplo, esa sensación de noise de ‘A Memo for Maceo’ que parece perfecta para una nueva línea editorial.
Al final, volviendo al principio, este disco si es recordado por algo será por lo poco que se nota que Ian Parton haya sido diagnosticado de la enfermedad de Ménière, que afecta al oído, durante los últimos años. Es una desgracia para cualquier músico, pero The Go! Team han vuelto a escoger seguir sonando luminosos, únicos, revitalizantes.
Parte de la redacción evalúa ‘Fuck Him All Night’, el nuevo single de Azealia Banks, originalmente titulado ‘Kanye West’ (de ahí la portada).
«Azealia Banks parecía un poco perdida recientemente lanzando singles de lo más irrelevantes que ni siquiera sonaban acabados, como ‘Nirvana’ o ese atroz ‘Salchichon‘ que parecía de Leticia Sabater. ‘Fuck Him All Night’ consigue encarrilar su carrera: es un single digno de suceder a ‘Anna Wintour’ que nos recuerda por qué Azealia es la mejor rapera de su generación.
Su flow y su don con las palabras son espectaculares y sus versos, entre referencias a Lizzo, a su querida «sirenita», frases explícitas tipo «podemos follar, cavar en nuestras tripas» o autorreferencias («so seductive and plush»), hacen agua la boca porque Azealia mastica las palabras como si fueran merienda. En lo musical, sin abandonar la pista de baile, ‘Fuck Him All Night’ deja a un lado el 4×4 más machacón para adentrarse en un sonido más oscuro, cortante, minimalista y cercano al deep-house, obra de un Galcher Lustwerk que podría trabajar con Róisín Murphy si quisiera. Un nuevo acierto que sumar a la trayectoria de La Araceli. Así sí». Jordi Bardají
«Hace ya mucho tiempo que la Azealia Banks que suelta barbaridades se comió a la Azealia artista, hasta el punto de que con sus recientes declaraciones tránsfobas no hubo un especial escándalo calificándola de TERF: simplemente es lo que se esperaba de ella. Aun así, con cada canción que saca o cada movimiento musical random que decide hacer, una pequeña parte espera que vuelva a haber esperanza… y con este ‘Fuck Him All Night’ parece que sigue sin ser el caso. La canción es como una parodia involuntaria de lo que la lanzó al estrellato en su día, pero con peor suerte en cuanto a producción y estructura, resultando un pastiche macachón que tampoco acierta con su letra, que intenta ser provocativa y parece la de una chica Disney gone bad. No ha habido suerte, la carrera de Azealia sigue como pollo sin cabeza: no pun intended». Pablo Tocino
Porches es uno de los artistas que han publicado single estos días y, por lo tanto, uno de los protagonistas de la playlist «Ready for the Weekend«. ‘Okay’ ha llegado a las plataformas de streaming acompañado de la noticia de que el nuevo disco de Porches sale el 8 de octubre, si bien un primer avance del mismo titulado ‘I Miss That’ ya se había dado a conocer. El álbum recibe por título ‘ALL DAY GENTLE HOLD!’ y su tracklist es el siguiente:
01 Lately
02 I Miss That
03 Okay
04 Swimming Big
05 Back3School
06 Swarovski
07 Watergetsinside
08 In a Fashion
09 Inasint
10 Grab the Phone
11 Comedown Song (Gunk)
El proyecto de pop ochentero de Aaron Maine, abordado desde un punto de vista totalmente DIY y «outsider», es uno de los más especiales que ha dado el indie-pop en los últimos tiempos. Y, si bien sus discos han solido ser algo irregulares en su totalidad, el artista estadounidense acumula ya una retahíla de canciones excelentes entre las que hay que contar ‘Goodbye’, ‘rangerover’, ‘Do You Wanna’, ‘Be Apart’, ‘Find Me’, ‘Patience’, ‘Underwater’, ‘Car’… y otras que darían para un estupendo «greatest hits» si tal cosa tuviera algún interés en la era de las playlists.
Los dos últimos singles de Porches serían dos buenas adiciones a este potencial recopilatorio. ‘Okay’, hoy la Canción Del Día, es uno de sus temas más jangle-pop, pero aún así suena ligeramente enturbiado por la estética medio excéntrica y desmoronada de Porches. De melodía luminosa y optimista, ‘Okay’ es en realidad una composición marcada por el resentimiento, como expresan frases tipo «hay sangre en todas partes, me encanta cómo huele, nunca ha deseado otra cosa para ti, más que estés bien».
El nuevo trabajo de Porches ha sido compuesto -sorpresa- durante el confinamiento, y Aaron Maine ha dicho que su intención con él ha sido hacer un disco que capturase «la mayoría de amor, urgencia y lujuria por la humanidad que pudiera». ‘ALL DAY GENTLE HOLD!’ sucederá a los lanzamientos previos de ‘Ricky Music‘ (2020), ‘The House‘ (2018) y ‘Pool‘ (2016). Te invitamos a comentar las novedades de Porches en nuestros foros.
Hoy publican nuevos discos Darkside, el dúo de electrónica de Nicolas Jaar y Dave Harrington; la cantante británico-alemana Anika; el rapero británico Dave, ganador del Mercury Prize en 2019, Leon Bridges o David Crosby. ‘Donda’ de Kanye West sigue sin ver la luz pese a haber sido presentado oficialmente este jueves durante un evento en Atlanta, y hace unos días en una primera «listening party» en Las Vegas. Suponemos que lo hará en algún momento de las próximas horas, pues parte de su contenido está filtrado en Youtube, junto a la que parece ser su portada, un retrato abstracto.
Una de las sorpresas de hoy viernes la dan Coldplay, que acaban de anunciar nuevo disco y hoy lanzan un segundo adelanto del mismo. Se trata de la pista final ‘Coloratura’, que no es una versión de Björk aunque lo parezca por su título, sino una canción original que alcanza los 10 minutos de duración. Por otro lado, y hablando de Kanye West, la banda de hip-hop Abstract Mindstate, que publicó tan solo un álbum en 2001, vuelve con un segundo trabajo producido por el rapero cuyo adelanto incluimos en la playlist.
Otros artistas que siguen avanzando sus próximos proyectos se encuentran The Hidden Cameras, Porches, Low, Tinashe, Deerhoof, Matthew E. White, Nite Jewel o Brandi Carlile. También presentan novedades Colectivo Da Silva con dani, Moor Mother, Belly con The Weeknd (que ultima ya su nuevo álbum) y Young Thug, Big Red Machine con Fleet Doxes, ghouljaboy, Sitcom (foto), PELIGRO!, Nil Moliner con Ana Mena o Ptazeta y Juacko, entre otros.
Uno de los lanzamientos internacionales más importantes que se esperan para este viernes, y que podrás escuchar enseguida en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», es ‘Don’t Go Yet’, el nuevo single de Camila Cabello anunciado por sorpresa. Es una tema verbenero, de sonido cumbiero, 100% Selena Quintanilla, a la que Camila se parece también mucho en el videoclip. ‘Don’t Go Yet’ es el primer avance del nuevo disco de Camila, titulado ‘Familia’.
Desde el lanzamiento de ‘Romance‘, el segundo disco de Camila, las novedades de la artista se han reducido a un villancico cantado junto a su pareja Shawn Mendes y editado el año pasado. ‘Don’t Go Yet’ es por tanto su gran single de «comeback». Entre los compositores y productores involucrados en el tema se encontrarían Scott Harris (‘Treat You Better’ de Shawn Mendes, ‘We’re Good’ de Dua Lipa) y Mike Sabath (‘Exactly How I Feel’ de Lizzo, ‘Wasabi’ de Little Mix). El videoclip es un festín visual ultra-pop ambientado en una comida familiar latina y llega marcado por unas coreografías absurdas que esperamos no se pongan de moda en TikTok.
A su vez, ‘Don’t Go Yet’ llega al mercado acompañado de su pequeña polémica de rigor. En redes y en los foros de música pop se ha advertido un parecido más que evidente entre la portada de ‘Don’t Go Yet’ con toda la estética de ‘Pang‘ de Caroline Polachek, especialmente con la portada del single titular. Y Caroline, una artista independiente que no cuenta con el apoyo de toda la maquinaria industrial con el que sí cuenta Camila, no se ha quedado callada.
En Twitter, la autora de ‘Bunny is a Rider‘ ha explicado: «Yo no tengo director creativo, por eso todo el mundo visual que creo tiene integridad, porque todos los elementos que lo componen están arraigados en mi profunda relación con la música. Veo que otros «artistas» contratan veladamente agencias de publicidad para hacerles parecer «cool» y, sinceramente, me parece cutre de cojones». Por otro lado, Caroline ha contestado a un fan de Camila que defendía a la artista americano-cubana: «Este tema tiene que ver con una manera de trabajar que se ha normalizado en la industria de la música. Esto no va sobre tu artista favorita, así que pírate de aquí con tus guerras de listas de éxitos, yo estoy en un mundo completamente diferente y es 100% a propósito».
Esta no es la primera vez que Caroline Polachek descubre que Camila ha podido inspirarse de manera nada disimulada en su obra. El libreto de ‘Romance’ guardaba un parecido más que evidente también con la estética de ‘Pang’ y, ya entonces, la artista dejó clara su postura al respecto, afirmando que «las imágenes no importan, pero sí el contexto y la integridad, y estas son cosas en las que los directores creativos no tienen tiempo de centrarse ni tampoco de robar. La similitud entre ambas estéticas no es culpa ni del sello ni la de popstar, es un síntoma de lo mucho que se ha normalizado el proceso de construir mundos imaginarios en base al trabajo de otros».
i don’t have a creative director. that’s why my world has visual integrity. cause the thru-line, quality control, & ideas are anchored in my deep relationship w the music. i see other “artists” hiring thinly-veiled ad agencies to make them look cool, and frankly it’s lame af
this is about a *workflow* that’s become status quo in the music industry, not ur fave. get out of here w your chart stan wars, i’m in a whole different world and it’s 100% on purpose
Lil Nas X ha estrenado su nuevo single ‘Industry Baby’, que cuenta con la colaboración del rapero Jack Harlow y co-producción de Kanye West. El autor de ‘ye‘, que acaba de presentar su nuevo disco durante un evento en Las Vegas, no suele hacer este tipo de favores a día de hoy, pero sus clásicos arreglos de viento metal están muy presentes en esta heroica canción que el artista vuelve a dedicar a su yo más joven e inseguro. En la letra canta que «esta es para los campeones» y recuerda «hace tiempo te dije que tengo lo que ellos están esperando».
Estos días, Lil Nas X ha estrenado un «teaser» del videoclip de ‘Industry Baby’ después de pasarse días bromeando en redes sobre supuestamente haber sido reclamado a los tribunales a causa de su pleito con una conocida marca de zapatillas deportivas.
Tiene pinta de que Lil Nas X se ha inventado la historia de su visita a los tribunales para promocionar el videoclip de ‘Industry Baby’. El mencionado adelanto escenifica dicha historia con el rapero declarando ante el juez, que está interpretado por él mismo, como la mayoría de personajes. El vídeo, de carácter cómico, pasa a tener mejor pinta cuando se revela que Lil Nas X es juzgado de repente por ser gay.
El videoclip oficial de ‘Industry Baby’, dirigido por Christian Breslaue, arranca con Lil Nas X ya en la cárcel, de la que intenta escapar junto a su compañero Jack Harlow, cuyo rap de 8 minutos no sabe si aporta demasiado a la grabación. Eso sí, el vídeo es un verdadero espectáculo de principio a fin. Atención a la coreografía en la ducha con Lil Nas X y sus bailarines desnudos. El vídeo es todo lo que le faltaba al hip-hop: es gay a más no poder y lo celebra a los cuatro vientos.
Las implicaciones políticas de ‘Industry Baby’ son evidentes: Lil Nas no solo combate la homofobia en su gremio, sino también la violencia que tiene lugar en las cárceles. Pero va más allá porque Montero ha anunciado que se ha asociado con una organización sin ánimo de lucro que busca acabar con la práctica de la libertad bajo fianza. Ha dicho que «es un asunto personal porque conozco el dolor que el encarcelamiento trae a las familias y el impacto desproporcionado que la libertad bajo fianza acarrea en la población afroamericana y en la comunidad LGBTQ».
El rapero sigue triunfando estos días con ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’, actual número 6 en las canciones más reproducidas en Spotify Global. El single siguiente, la balada ‘SUN GOES DOWN‘, ha pasado bastante más desapercibido.
Tras su última colaboración con Niall Horan, Anne-Marie ha confirmado a través de sus redes sociales cuál es su próximo single, que se estrena hoy mismo y en el que está acompañada por la banda británica Little Mix.
Este nuevo single se llama ‘Kiss My (Uh Oh)’, un título de lo más sugerente. También conocemos la portada de esta colaboración, en la que podemos ver a las cuatro artistas sentadas y tumbadas en una cama, en bata, con alguna que otra copa de por medio y pasándolo en grande. «¡Estoy TAN EMOCIONADA por que lo escuches! ¿Quién está listo para el vídeo?», escribía en su cuenta de Instagram.
A pesar de esa emoción, ha habido muchas dudas en torno a este single. A principios del año pasado la propia Anne-Marie no estaba muy segura de su colaboración con la banda, según una entrevista que realizó en LOS40: «No hemos estado en el estudio de grabación todavía así que no estoy segura de si esto va a suceder o no». Os dejamos con el resto de singles de este nuevo álbum que ya se habían estrenado.
James Blake ha estrenado ‘Say What You Will’, un tema co-producido por Dominic Maker y Jameela Jamil, pareja del cantante, compositor y productor británico. ‘Say What You Will’ es el primer single de su nuevo disco y es, también, una de las canciones más abiertamente soul-pop que ha escrito Blake jamás. Con perdón de casi todo lo ofrecido en ‘Assume Form‘, es probablemente su composición más retro-pop y con más estética de clásico, una que le sirve a Blake para lucirse en lo vocal.
‘Say What You Will’ es efectivamente el primer avance de un disco que llevará por título ‘Friends That Break Your Heart’ y que verá la luz el 10 de septiembre. Su tracklist presenta 12 pistas y colaboraciones con SZA, entre otras.
01 Famous Last Words
02 Life Is Not The Same
03 Coming Back [ft. SZA]
04 Funeral
05 Frozen [ft. J.I.D and SwaVay]
06 I’m So Blessed You’re Mine
07 Foot Forward
08 Show Me [ft. Monica Martin]
09 Say What You Will
10 Lost Angel Nights
11 Friends That Break Your Heart
12 If I’m Insecure
Como se ha ido adelantando estos días, en el nuevo lanzamiento de James Blake está involucrado FINNEAS, hermano de Billie Eilish, pero no como productor o co-productor, lo cual no sería raro, pues FINNEAS ha producido últimamente a gente como Demi Lovato o Tove Lo, además de a su hermana; sino como protagonista de este videoclip en el que Blake se ríe de sí mismo de la mejor manera posible.
En el clip, Blake juega con la idea de que FINNEAS le ha reemplazado en términos de popularidad: FINNEAS, inspirado por la música de Blake desde siempre, es capaz de ganar más Grammys y de ser más reconocido que el pionero artista de post-dubstep en todos los sentidos, hasta el punto de que Blake termina programado como telonero del estadounidense.
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Me encantan algunas canciones de Metallica, sobre todo las del álbum negro, las de poco antes y poco después; y me encantan algunas canciones de J Balvin, sobre todo las de su álbum naranja, las de poco antes y poco después. Pero ni por esas el colombiano era el personaje más apetecible de ese macrodisco de versiones que preparan Metallica, ‘The Metallica Blacklist’, de cara al próximo 10 de septiembre, con el que celebran el 30º aniversario del denominado «Black Album». ¿Miley Cyrus? Obvio que sí. ¿St Vincent? Está gracioso. ¿Imelda May? Por favor. Pero esto de J Balvin era carne de cañón para toda la gente con prejuicios hacia estilos antagónicos. Casi una provocación.
Con todas las reservas de aquellos que convirtieron este lanzamiento en un irrisorio «trending topic», me acerco a ‘Wherever I May Roam’. Fue el cuarto single del álbum negro y una de las canciones favoritas de Metallica de absolutamente todo el mundo, merced a una outro ultra coreable que elevaba una melodía sobresaliente tanto en lo vocal como en el icónico riff principal. Contra todo pronóstico, la adaptación de José Álvaro empieza muy bien. Después, la cosa se complica.
El productor Tainy y J Balvin han escogido estupendamente en qué canción embarcarse para este proyecto. La producción de la original es una rara avis en la carrera de Metallica, con una instrumentación muy particular, de corte asiático, que incluye un gong, una guitarra que emula un sitar y un bajo de 12 cuerdas.
J Balvin y el maestro Tainy se sirven de ese ambiente viajero para elaborar su propia historia: usan elementos habituales al fin y al cabo en el hip-hop (los samples, la inspiración en Oriente vista en Major Lazer o M.I.A.) para hacer una canción nueva, 100% de su estilo. ¡Qué demonios! ¡Se han llevado ‘Wherever I May Roam’ a su terreno! ¡Y pega todo con la serpiente de la portada del disco original!
Lamentablemente, al final aparece una parte de la grabación original de Metallica, insertada como un pegote, que ni resulta el estribillo de la grabación remozada, como se ha hecho en otras interpolaciones (la de Cranberries con Eminem, por ejemplo); ni tampoco un gran cénit. En esta grabación, volver a James Hetfield paradójicamente es una bajona. En el momento de redacción de esta crítica, el vídeo tiene un porcentaje escandaloso de «dislikes» en Youtube (41%). Todos lo esperábamos. Pero la noticia es lo cerca que quedaron de hacer algo realmente apañado a partir de donde no se podía.
La banda de rock experimental estadounidense Deerhoof ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum el próximo 22 de octubre, que tendrá por nombre ‘Actually, You Can’. Y para no dejarnos con las ganas, también han descrito en detalle y estrenado el single debut del álbum, ‘Department of Corrections’.
‘Actually, You Can’ será su decimoctavo álbum de estudio, producido por los propios integrantes de la banda (Satomi Matsuzaki, Ed Rodríguez, John Dieterich y Greg Saunier). Y contará con la siguiente tracklist:
Be Unbarred, O Ya Gates of Hell
Department of Corrections
We Grew, and We Are Astonished
Scarcity Is Manufactured
Ancient Mysteries, Described
Plant Thief
Our Philosophy Is Fiction
Epic Love Poem
Divine Comedy
El tema de este próximo álbum es descrito por la banda de la siguiente manera: «Piensa en toda la belleza, la positividad y el amor que los autoproclamados guardianes del ‘sentido común’ consideran feo, negativo y odioso. Difícilmente estaríamos destruyendo la sociedad desmantelando su economía colonial y las prisiones y los roles y la estética de género. ¡Lo estaríamos creando!».
En cuanto al single debut del álbum, que ya está disponible en YouTube, ‘Department of Corrections’, tal y como explica la banda: «trata sobre todos los maravillosos misterios de la vida que no se suman en una hoja de contabilidad ni figuran en un algoritmo de inteligencia artificial. Se trata de que Judas se vuelva eléctrico. Se trata de cómo la propia especia humana no tiene sentido sin un planeta en el que vivir. Cómo superaríamos en número a nuestros aspirantes a maestros si tan solo pudiéramos organizarnos».
‘Dance Monkey’ es la tercera canción más escuchada de la historia de Spotify con 2 mil millones de reproducciones, la más buscada en Shazam y ha superado el récord de semanas en el número de Reino Unido de dos clásicos como ‘Umbrella’ de Rihanna y ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston. Si hablamos de listas oficiales, ‘Dance Monkey’ ha sido número 1 en 30 (!!!) países. No hay que ser un lince para darse cuenta de que la canción tiene algo: por mucho que los berreos de Toni Watson te hagan querer arrancarte los pelos o recuperar tu disco favorito de Anastacia, por mucho que prefiera que me caiga un sofá encima antes que volver a escucharla; no se puede negar que es una canción pegadiza. ¿Puede tantísima gente que ha llevado esta canción infernal a lo más alto estar equivocada? Sí, por supuesto que puede.
Tones and I no ha querido desarrollar el sonido de ‘Dance Monkey’ en su primer disco en absoluto. Esto parece una buena noticia pero no lo es. En realidad, ‘Welcome to the Madhouse’ es un disco muy poco divertido, de producción caricaturesca, en el que Watson canta sobre sus problemas de salud mental o sobre una ruptura sin una pizca de humor ni imaginación, en letras harto genéricas que podría haber escrito cualquiera, y lo peor es que está plagado de baladas soporíferas que hacen sonar a Tones and I como un híbrido entre la peor Sia y Melanie Martínez, es decir, sin personalidad. El doo-wop machacón de ‘Lonely’ es uno de los pocos buenos temas que es posible encontrar por aquí y, entre los más animados, el EMD-pop de ‘Fly Away’ suena a que podría sonar en algún anuncio veraniego si no lo ha hecho ya; y el buenrollismo trompetero de ‘Cloudy Day’ da alguna idea de hacia dónde podría evolucionar para bien el sonido de esta artista.
La cantante y compositora australiana, que se dio a conocer cantando en las calles de Melbourne (existen viejos vídeos de ella en Youtube presentando ‘Dance Monkey’ meses antes de editarla oficialmente), no es una «one-hit-wonder» en su país, donde otras de sus composiciones, como ‘Johnny Run Away’ o ‘Never Seen the Rain’, han sido sendos éxitos. Pero ‘Dance Monkey’ claramente los ha eclipsado y lo hará para siempre salvo milagro. En ‘Welcome to the Madhouse’, como decimos, no hay posibles sucesores, más bien sucedáneos distorsionados de Melanie Martinez (‘Won’t Sleep’), otros de Paloma Faith con estribillos torpes (‘Just a Mess’), ritmos de dancehall-pop completamente insípidos que esperamos Aluna no escuche nunca (‘Westside Lobby’), baladas heroicas a lo Rag’N’Bone Man pero sin ser buenas (‘Not Going Home’), melodías más genéricas imposible (‘Sad Songs’) y un tema de «rap» (‘Bars’). Y todavía no he mencionado LA VOZ. ¿Hace falta?
RTVE anuncia hoy la vuelta del Festival de Benidorm, desde el cual se celebrará la preselección de España para Eurovisión 2022. Un cambio importante respecto a los últimos años, donde la propia cadena ha escogido a dicho representante a través de Operación Triunfo (Amaia y Alfred, Miki Núñez) o directamente a dedo (Blas Cantó).
El festival es análogo a San Remo de Italia o a Melodifestivalen de Suecia y desde 2006 no se ha vuelto a celebrar. Su primera edición tuvo lugar en el año 1959, basándose precisamente en Sanremo y, entre sus ganadores históricos, se encuentran Raphael con ‘Llevan’ y Julio Iglesias con ‘La vida sigue igual’. Otros artistas que han pasado por el festival de Benidorm son Tino Casal, Víctor Manuel, Los Bravos, Dyango, Coral Segovia, Alazán o Pasión Vega. El galardón volverá a ser la famosa Sirena dorada.
El evento, que ha sido presentado este mediodía con la actuación musical de Ruth Lorenzo, que ha cantado varias versiones de ABBA, buscará ser un «gran espectáculo televisivo» y constará de tres galas, dos semifinales y una final, y la organización quiere que acoja tanto a artistas noveles como a artistas consagrados, aunque hace especial hincapié en la música joven. La votación será mixta y tendrá en cuenta valoraciones del jurado y del público, sin que quede descartada una posible participación de expertos internacionales.
Según RTVE, «el acuerdo nace con el objetivo de perdurar en el tiempo y busca la renovación y modernización de un festival que nació en 1959, siguiendo la estela del exitoso y mítico Sanremo italiano. El renacimiento de este certamen se hace con la intención de darle un aire nuevo con perspectiva de futuro y aprovechando una marca que se conoce y que RTVE desea que evolucione de acuerdo al panorama musical actual». Un «grupo de trabajo de RTVE con profesionales conocedores del festival» será creado para la ocasión.
Hoy el Mercury Prize ha dado a conocer los 12 discos que compiten por el preciado galardón este año. Entre los nominados se encuentran dos debuts tan destacados como han sido los de Arlo Parks, ‘Collapsed in Sunbeams‘; y Celeste, ‘Not Your Muse‘, y también dos artistas que reciben la tercera nominación de su carrera, algo no al alcance de muchos; por un lado, Wolf Alice (que ya ganaron el premio en 2018) con el formidable ‘Blue Weekend‘ y, por el otro, Laura Mvula con su reinvención popera en el estupendo ‘Pink Noise‘. Otra de las revelaciones británicas de los últimos tiempos, la misteriosa banda SAULT, aparece nominada con ‘Rise‘, uno de los varios discos que ha sacado en el último año. El ganador de la edición de 2020 fue ‘KIWANUKA‘ de Michael Kiwanuka.
También recibe nominaciones el último disco de Mogwai, ‘As the Love Continues‘, que ha dado a la banda de post-rock su primer número 1 de álbumes en las islas británicas, tantos años después; y en un lado menos comercial y mucho más ambiental, jazz y experimental, el maravilloso ‘Promises‘ de Floating Points con Pharoah Sanders y la London Symphony Orchestra.
Curiosamente, el disco nominado con más opciones de ganar a día de hoy no es ninguno de los mencionados, aunque Wolf Alice, Floating Points y Laura Mvula tienen muchas posibilidades; sino ‘Conflict of Interest’ de Ghetts, actualmente es el disco mejor valorado de 2021 en Metacritic con un 95 sobre 100. Se trata del tercer álbum de estudio de este MC y artista de grime que en realidad lleva en activo desde 2003. ‘Conflict of Interest’ incluye colaboraciones de Ed Sheeran, Skepta, Emeli Sandé o Stormzy.
El resto de nominados son el hip-hop lo-fi de ‘Demotape/Vega’ de Berwyn, el post-punk de ‘For the First Time‘ de Black Country, New Road, la electrónica de ‘Fir Wave’ de Hannah Peel y el jazz de ‘Source’ de Nubya Garcia. El álbum de Black Country, New Road es el único nominado de la lista que tiene algo que ver con el post-punk, pues los excelentes ‘Bright Green Field‘ de Squid y ‘Cavalcade‘ de black midi (quienes compitieron en el Mercury conn su debut) no han recibido nominación alguna.
Son dos de las ausencias destacadas en las nominaciones de esta edición del Mercury Prize que se celebrará el día 9 de septiembre, y entre las que también cabe mencionar títulos como ‘Róisín Machine‘ de Róisín Murphy, muy querido por la crítica; el tremebubdo ‘Black to the Future‘ de Sons of Kemet, el fantástico segundo disco de Kelly Lee Owens o el álbum de Dry Cleaning, que, con su estilo híbrido de post-punk y spoken word, ha llegado a ser top 5 en Reino Unido.
Arlo Parks – Collapsed In Sunbeams
Berwyn – Demotape/Vega
Black Country, New Road – For The First Time
Celeste – Not Your Muse
Floating Points – Promises
Ghetts – Conflict of Interest
Hannah Peel – Fir Wave
Laura Mvula – Pink Noise
Mogwai – As The Love Continues
Nubya Garcia – Source
SAULT – Rise
Wolf Alice – Blue Weekend
Lorde ha dado señales de vida cuando acaba de cumplirse un mes del lanzamiento de ‘Solar Power’, su primer single en 4 años, que ha pasado completamente sin pena ni gloria por las listas de éxitos, y había anunciado que el segundo single de ‘Solar Power’ saldría hoy miércoles 21 de agosto, como así ha sido. El tema escogido es el que presenta el título más curioso de todo el disco, ‘Stoned at the Nail Salon’. Puedes comentar las novedades de Lorde en nuestro foro de la artista.
En una entrevista reciente con The Guardian, Lorde había comentado este tema. La neozelandesa habla de un “tipo de búsqueda, de sentirte insegura sobre el camino que has elegido o sobre sentirte sola”, pero añade que “no pienso que estas emociones sean malas o permanentes, todas forman parte de la vida, de sentir esa emoción trepidante”. El tema nace de una revelación que experimenta Lorde cuando descubre que «las modelos sexys de Instagram que me han hecho sentirme inferior… ellas también van a envejecer, todas estamos subidas en el mismo autobús y, en algún punto, nos tenemos que subir en el bus de vuelta».
En ‘Stoned at the Nail Salon’, Lorde canta que «todas las chicas hermosas caducarán como las rosas», pero la canción habla también de otras cosas. La cantante neozelandesa reflexiona sobre su vida, se pregunta si «hay algo que falta», recuerda momentos con su perra u otros que pasaba desnuda en la cama con su persona amada, aconseja que «pases todas las tardes que puedas con la gente que te ha criado» y concluye que «es momento de relajarse, me lleve esto donde me lleve».
En cuanto a la propuesta musical, si ‘Solar Power’ era minimalista, y eso que llegaba a recordar a ‘Loaded’ de Primal Scream y a ‘Freedom 90’ de George Michael a la vez, ‘Stoned at the Nail Salon’ lo es más todavía, al ser prácticamente una canción a guitarra y voz, si bien la voz de Lorde suena multiplicada por capas, enriqueciendo la grabación. Se trata de una bonita balada de folk luminosa y optimista, pero en la que también se percibe un poso de melancolía. Clairo y Phoebe Bridgers hacen coros pero a quien recuerda la composición es a la última Lana Del Rey.
En uno de sus curiosos mails, Lorde ha explicado que ‘Stoned at the Nail Salon’ nació después de un tiempo en que empezó a sentirse insegura por su lugar en la industria: «estaba empezando a sentirme fuera de la onda culturalmente, y sentía que la nueva tanda de adolescentes precoces estaban empezando a salir y podían comerse mi merienda en algún momento», y añade: «Sabía que estaba construyendo una vida hermosa para mí pero no estaba segura de que esa vida fuera a satisfacer a aquella persona sedienta y valiente que podía romper un escenario o estar en siete países distintos en siete días. Ahora sé que, por mucho que intente separar estas dos partes de mi vida, ambas forman parte de quien soy».
Mahmood no ganó Eurovisión en el año 2019, pero quedar en segundo puesto no le perjudicó en absoluto, más bien al contrario: ‘Soldi’ fue un hit en Europa y, en estos últimos tiempos, el artista italiano ha seguido sumando otros a su repertorio como ‘Rapide’, ‘Barrio‘, ‘Inuyasha’ o ‘Dorado’ en los que ha profundizado en unos sonidos más agresivos, oscuros y urbanos. ‘GHETTOLIMPO’, su segundo disco, ha salido este año y hace poco tuve oportunidad de reunirme con su autor en un hotel de Barcelona. Alessandro Mahmood no puede esconder su cansancio pues lleva días viajando de promoción pero aún así es un entrevistado amable y alegre que sigue con ganas de contar cada detalle de este trabajo. A veces hablando una especie de «espaliano» o «itañol» para que la conversación sea más fluida (y de todas formas se entiende perfectamente), Mahmood comenta ‘GHETTOLIMPO’, sus colaboraciones con Sen Senra o Woodkid o, por supuesto, Eurovisión.
¿Qué has querido expresar con el título de ‘GHETTOLIMPO’?
Es una mezcla de dos de mis grandes pasiones. Cuando era pequeño mi mamá me compró una enciclopedia para niños que incluía un diccionario mitológico, y me encantaba leer esas historias. Ghettolimpo alude a un nuevo mundo pero su significado real se encuentra en la mitad de este mundo. La cosa más alta es el Olimpo y la más baja el guetto pero para mí las dos son igual de importantes. Es un disco que habla de mitos pero que también está inspirado en el anime y en los videojuegos, donde cada canción es un personaje distinto.
¿Recuerdas qué mitos leías en aquella enciclopedia?
Me interesaban todos, por ejemplo la historia de Cronos, el padre de Zeus, que se come a sus hijos y después ellos le matan. El mito de Narciso es uno de mis favoritos, por eso he decidido ponerlo en la portada del disco.
En la portada eres Narciso, ¿él es el narrador del disco?
No es el narrador pero sí es uno de los discursos más importantes. En la canción ‘Ghettolimpo’ me comparo con él. Pero es un Naraciso al revés. El personaje clásico se enamora de su imagen reflejada en el agua, pero mi Narciso se mira en el reflejo y no se reconoce, ve su imagen distorsionada. Esta imagen expresa lo que sentí en 2019 cuando concursé en Eurovisión y mi familia me decía que me veía cambiado, aunque no había cambiado para nada, yo seguía y sigo siendo el mismo.
La producción es un poco oscura y dura, sobre todo en ‘Kobra’. Cuando vas a hacer un disco, ¿tienes clara la idea en tu cabeza o vas adonde te llevan las canciones?
Más bien me dejo llevar. Solo creando y escribiendo consigo ver la pintura final del disco. No me gusta pensar una cosa antes de escribirla porque te limita, me gusta ser siempre lo más libre posible.
En cuanto a las influencias presentes en el disco, ¿has trabajado con algún «moodboard»?
No pero al final sí hemos ajustado el tiro de los sonidos. A nivel de producciones la grabación de ‘GHETTOLIMPO’ fue una experimentación total, pero luego estas producciones tienen alguna conexión entre ellas. Por ejemplo, canciones como ‘Dorado’, ‘Kobra’ o ‘Talata’ están relacionadas en la producción porque incorporan sonidos que recuerdan a las sintonías de los videojuegos.
¿Cómo es tu relación con tu voz?
Muy buena, gracias (ríe).
Te lo pregunto porque tienes una voz muy potente que se impone bastante a las canciones.
Tengo que entrenarla porque si no… Yo tengo la fortuna de no fumar cigarrillos, aunque en los últimas semanas sí me he bebido algún gintonic, los fines de semana (ríe) Pero tengo que entrenar mi voz porque es muy «pigra», muy gandula, tengo que calentarla durante una hora.
En la portada soy un Narciso al revés, que se mira en el reflejo y no se reconoce
No es habitual que salgan canciones sobre personajes de manga. ¿Consideras ‘Inuyasha’ un personaje mitológico?
Realmente no. Esta canción la escribí por la cuestión del medio demonio. Yo veía Inuyasha constantemente en la MTV cuando tenía 13 años y me inspira mucho. En la serie, el personaje protagonista intenta cerrar su parte mala en una crisálida, y eso es algo que yo también he intentado hacer en mis relaciones.
¿Ves mangas actualmente?
Sí, ‘Demon Slayer’ es mi favorito ahora mismo. También estoy viendo la tercera temporada de ‘My Hero Academia’.
Me ha gustado el recuerdo que has contado de cuando estuviste en El Cairo. ¿Qué me puedes contar de esta ciudad? ¿Que es lo que más te gusta, lo que menos?
En El Cairo solo he estado dos veces, cuando era pequeño. Recuerdo los olores, los sonidos… En ‘Ghettolimpo’ he hecho una melodía que se inspira en un recuerdo que tengo de las Cinco Oraciones del Día (canta melodía). Fue en el desierto, estaba con mi padre. He visto las pirámides, la Esfinge… Quiero regresar a esta ciudad para crear nuevos recuerdos.
He leído que ‘Dorado’ se parece a ‘Con altura’. ¿Ha sido una influencia o en absoluto?
¿Sí? No creo que lo haya sido… ‘Dorado’ la escribí en Madrid con Sen Senra. Fue muy guay. Fue la primera vez que escribí en español en España. La compuso sobre un beat de Dardust y salió bastante natural porque la melodía vocal reproduce la misma que está presente en el beat. Hace dos meses estuve en España traduciendo ‘Klan’ en español con Marc Seguí y Xavibo.
Marc Seguí lo está petando ahora con ‘Tiroteo’ con Pol Granch.
¡Qué guay!
¿Cómo fue trabajar con Sen Senra?
Me ayudó con la letra y con la melodía. En ‘Dorado’ canto «sueño un Ferrari dorado, derrapando en medio del Cairo, piso a fondo nunca lo paro, apriétalo, préndelo, si este mundo fuese un mercado, yo sería el bolso más caro»… Yo no suelo decir palabras como Ferrari, mercado… Él ponía «derrapando»… Son palabras que a mí no me suelen salir.
No escucho rock italiano pero Måneskin merecían ganar Eurovisión
¿Qué canción de Lana Del Rey cantas en ‘Dorado’?
‘Video Games’. (Canta) «It’s you, it’s you, it’s all for you…»
Es mi favorita.
¿Sí? También me gustan ‘Born to Die’, ‘Blue Jeans’, ‘High By the Beach’…
¿Has escuchado lo último?
Sí. Pero el vídeo de ‘Chemtrails Over the Country Club’… está loca. Cuando se transforma en mujer lobo.
Se la ve un poco perdida anunciando discos cada dos por tres.
Sí, con esas portadas hechas con el iPhone. Pero yo la amo por eso.
¿De qué canción del disco estás más orgulloso?
De todas porque todas son como un hijo para mí, pero especialmente de ‘T’Amo’. Es el ADN del disco. En ‘T’Amo’ canta mi madre y colaboro con el coro sardo de mi país de origen, INTREMPAS, es un coro femenino compuesto por niñas y señoras. Fue muy divertido grabarla.
¿Cómo ha sido trabajar con Woodkid?
Fue increíble porque era la primera vez que intentaba escribir en inglés. ‘Karma’ surgió de unos primeros acordes que Woodkid tocó en un órgano, después yo escribí la melodía de la estrofa y la canción se fue desarrollando poco a poco. El estribillo al principio no nos salió, la melodía no nos gustaba y la modificamos una y otra vez. Viajé dos veces a París para trabajar con él, fue muy inspirador.
Obviamente te tengo que preguntar por Eurovisión. Italia ha ganado. ¿Qué te parecen Måneskin? ¿Te gusta la canción?
Yo no escucho mucho rock en italiano pero creo que son chicos muy talentosos y que se merecían ganar. A nivel de performance fueron los mejores.
(@LilNasX) 
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