Las claves visuales de ‘WAP’: de las odaliscas galactotrofusas a la mansión Playboy

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6 septiembre, 2020

Los sueños cottagecore de Taylor Swift, el duelo a lo ‘Tigre y dragón’ de FKA twigs, la chorreante alegoría sexual de Cardi B y Megan Thee Stallion, el confinamiento de Úrsula Corberó al son de J. Balvin, Dua Lipa y compañía, y los helados de BLACKPINK y Selena Gomez. Derretimos las imágenes de los videoclip más destacados de las últimas semanas y dejamos al descubierto sus referentes estéticos y narrativos.

WAP (Cardi B, Megan Thee Stallion)

En sintonía con la letra de la canción, el clip ‘WAP’ comienza con una sofisticada metáfora sexual del tipo un tren entrando en un túnel: la cámara entra por un cenador cubierto de azaleas, se moja en la fuente con dos odaliscas galactotrofusas en posición de twerking, y accede a una mansión tipo Playboy por una puerta que chorrea agua como si se hubieran dejado el grifo del bidet abierto. El interior de la mansión es una mezcla de palacio versallesco, puticlub con habitaciones temáticas y oda al “animal print” a lo Carole Baskin. Una colorida y muy húmeda casa de lenocinio, con pasillos inestables como de thriller psicoanalítico tipo ‘Secreto tras la puerta’, donde, parafraseando la letra del sample de Frank Ski, aparecen varias “whores” invitadas: Kylie Jenner, Normani, Rubi Rose, Sukihana, Mulatto y nuestra Rosalía.

sad day (FKA twigs)

El exitazo de ‘Tigre y dragón’ (2000) provocó una avalancha de películas con chinos volando y pegando espadazos. Veinte años después, cuando el wuxia ha desaparecido prácticamente de las pantallas occidentales (entre ‘The Assassin’ y la segunda parte de ‘Tigre y dragón’ lo mataron), el realizador Hiro Murai (director de la serie ‘Atlanta’ y de muchos de los clips de Childish Gambino) hace una relectura del género de las artes marciales en clave metafórica y urbana. ‘sad day’ (tan “sad” que hasta a la “s” le cuesta estar en mayúscula) narra los conflictos sentimentales de una pareja en forma de combate alegórico. Un duelo de textura onírica y final con sablazo en la cara a lo ‘Equilibrium’ (2002), que describe una pelea de enamorados en tres escenarios: un bar-restaurante chino de estética muy influenciada por David Lynch (uno de los grandes maestros reconocidos por Murai junto a Takeshi Kitano), las calles de un Londres nocturno y desangelado (en sintonía con el clima emocional de la pareja), y el interior de un loft cuya decoración parece la proyección de una mente enajenada.

Cardigan (Taylor Swift)

Taylor Swift en camisón tocando el piano en medio de una bucólica cascada. ¿Ha llegado al videoclip la cursilería de Le piano du lac? El nuevo vídeo de la cantante pensilvana es una fantasía hogareña con estilismo cottagecore, un cuquicuento narrado en una mecedora a la luz del fuego que, como en ‘Alicia en el país de las maravillas’ o ‘Las crónicas de Narnia’ (o ‘Peter Pan’, que aparece bajo el reloj), juega con el recurso narrativo de las puertas dimensionales. El vídeo transcurre por tres escenarios simbólicos que representan las tres etapas de la relación sentimental de la que habla la canción: la cabaña, iluminada con colores cálidos y estética de pan-recién-hecho, símbolo del hogar familiar (el señor que aparece en la fotografía es el abuelo de Taylor); el bosque, bucólico y frondoso, símbolo de la exuberancia (amorosa) y las (cascada de) emociones; y el mar agitado, iluminado con colores fríos, que representa el naufragio de la relación. La tabla de salvación es –obvio- la música, y la vuelta al hogar marca también el regreso del amor: “you come back to me”.

Un día (One Day) (J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy)

El rutinario y desabrido clip de ‘Un día (One Day)’ parece la metáfora perfecta para estos tiempos de coronavirus: una “canción del verano” ilustrada en blanco y negro y rodada entre cuatro paredes. “¿Recuerdas aquellas épocas en las que éramos felices?”, tras esta declaración de intenciones comienza un relato cuarentenoso (Úrsula Corberó lo rodó en la casa que compartió con Chino Darín en Buenos Aires durante el confinamiento) dividido en cuatro partes. Cada una de ellas, marcada por la aparición de un gran monolito -¿guiño a ‘2001: Una odisea del espacio’?- en forma de pantalla de móvil (símbolo de la comunicación durante la cuarentena), corresponde a una etapa de una ruptura amorosa: de la tristeza y la rabia, a la superación y la aceptación. Cuatro estados de ánimo que coinciden con la entrada en la canción de los distintos intérpretes. El plano final está compuesto por una sucesión de metáforas, por si acaso no te habías enterado: el amanecer, las cenizas de la relación volando, la desaparición de la pantalla luminosa…

Ice Cream (BLACKPINK & Selena Gomez)

Ya lo decía Papa Topo: “Lo que me gusta del verano es poder tomar helado”. Aunque en el caso de las BLACKPINK es más bien, “que me comas el helado”. El videoclip de ‘Ice Cream’ es una colorista y chorreante tarrina de sabores que van desde la estética pin-up de los cincuenta, representada por el desfile de modelos ‘Grease’ de Selena Gomez, al estilismo de la casa de Pinypon; de la psicodelia sesentera (la escena del rap de Lisa), al parque de bolas infantil; del grafiti ochentero, a las cerezas de Pachá. Un cucurucho de estímulos visuales (la mayoría de los planos no duran ni un segundo) que funciona como pleonasmo de una estética, la del K-pop, ya de por sí subida de azúcar.

Ian Brown desconcierta con un tuit anti-mascarillas y anti-vacunas

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Sebas E. Alonso

6 septiembre, 2020

Ian Brown ha dejado a Reino Unido muy desconcertado con un tuit en el que parece negar la existencia del coronavirus o de las maneras de combatirlo. Su mensaje es breve, pero bastante claro en su negacionismo: «ni confinamiento, ni tests, ni rastreos, ni mascarillas, ni vacunas». Su hashtag es «investiga y destruye», lo cual es bastante extraño si recordamos que su último «lead single» se llamaba ‘First World Problems’. El estribillo de dicha canción decía: «ya estás otra vez con tus problemas de primer mundo / cuando tu vida es bien fácil / haciéndote un lío a diario / Déjalo todo atrás / estás volviendo loco a todo el mundo».

A pesar de la ambigüedad de su tuit, no están las cosas en mitad de la pandemia para estos misterios y son muchos los seguidores y amigos músicos que han decidido responderle, como recoge el NME. Reverend & The Makers han contestado que adoran a Ian Brown pero que están decepcionados por este mensaje, el DJ Dave Haslam recuerda que Toots Hibbert de Toots and the Maytals está hospitalizado en coma y con un respirador, aguardando los resultados de covid-19, y su ex compañero en Stone Roses el guitarrista John Squire ha acudido también a Twitter para decir: “ponte una mascarilla, mantente a salvo. Cuídate a ti mismo y a los demás”.

Entre los mensajes que han dejado sus seguidores podemos encontrar otra frase en negativo: «ni tampoco ninguna idea sobre ciencia, aparentemente». También hay quien cree que le han hackeado y otra persona sugiere: «muramos todos de enfermedades que se pueden prevenir como si fuera el año 1348». En tiempos recientes, varios artistas han sido criticado por su cuestionamiento de la pandemia o de las vacunas. En España ha sido sonado el caso de Miguel Bosé, que incitaba al público a asistir a una concentración sin mascarilla; mientras Madonna subía al Stories de Instagram una «fake news» sobre que el gobierno ya tenía la vacuna contra el coronavirus pero no la quería compartir. Annie Lennox, por ejemplo, le pidió explicaciones, pero nunca las hubo.

Parada parece que definitivamente la actividad de Stone Roses tras un intento de tercer disco que quedó en la edición simplemente de un par de canciones sueltas, Ian Brown ha continuado con su carrera en solitario. En 2019 salía su primer álbum en 10 años, un ‘Ripples’ que se presentaba con singles como la aún brit-popera ‘First World Problems’ y la propia ‘Ripples’.

Las críticas no fueron muy buenas, desde luego fueron mucho menos entusiastas que cuando su carrera en solitario comenzaba en 1998 con el single ‘My Star’, que se convertiría en un pequeño hit en las islas británicas. Desde entonces han sido 7 los álbumes que ha lanzado al mercado y 7 los que han sido recibidos con los brazos abiertos por sus seguidores pese a su irregularidad: los cuatro primeros fueron disco de oro y los dos siguientes, disco de plata. Entre las curiosidades de su carrera, una ‘In the Year 2525’ que suena entre españoleta y el spaguetti-western. Una versión de una canción que fue un hitazo a finales de los años 60 de mano de los «one hit wonders» Zager and Evans, y que Ian incluyó en su disco ‘My Way’, el editado en 2009 y penúltimo hasta el momento.

NO LOCKDOWN NO TESTS NO TRACKS NO MASKS NO VAX #researchanddestroy

— Ian Brown (@ianbrown) September 5, 2020

5 discazos que han influido a Kelly Lee Owens aunque te parezca impensable

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Sebas E. Alonso

5 septiembre, 2020

A Kelly Lee Owens no le gusta que le pasen discos o música para inspirarse. Cuando alguien lo hace su respuesta es: «¡no, no, no!», como nos contaba en una entrevista reciente. No le gusta que los agentes externos sean tan obvios. Lo que no significa que sea el tipo de artista que guarda silencio sobre sus influencias. Ha hablado con pasión durante la promoción de ‘Inner Song‘, nuestro «Disco de la Semana», de ‘In Rainbows’ de Radiohead, de Alan Silva (de donde sale el título del disco), de cuando descubrió a The Knife, de su colaboración con Jon Hopkins, de lo que le afectó la muerte de Keith de Prodigy y de su colega Four Tet, que tanto la ha animado a cantar. También podríamos hablar de ‘Our Love’ de Caribou (disco y vídeo) si tenemos en cuenta que uno de los instrumentales del nuevo álbum de Kelly Lee Owens se llama ‘Jeanette’ y está dedicado a su abuela, que ha fallecido y era quien más «había apoyado la música de la artista» (llegó a oír este álbum y le encantó, se llevaba bien con Jon Hopkins, podéis encontrar su nombre en el vinilo). Pero en este artículo repasamos algunas de las influencias no tan evidentes de Kelly Lee.

Alice Coltrane / Journey in Satchidananda

Kelly Lee Owens no tiene problema en reconocer que la música experimental no le gustaba de adolescente, pero ahora le encanta. «Alice Coltrane es algo que no entendía con 15 años y ahora me vuela la cabeza. Puedo ser snob sobre algo aun sabiendo que a los 20 años me va a gustar», ha dicho específicamente. Su trabajo favorito de la artista es ‘Journey in Satchidananda’ (1971), dice que tiene la «mejor portada de la historia». Especialmente le gustan los 6 minutos de la canción titular y de apertura, un delirio de arpa, contrabajo y la tambura india, «algo a lo que vuelve una y otra vez». Owens lo relaciona con su faceta espiritual y cósmica, que ha impregnado todo su disco, y con cómo nos hemos dado cuenta durante esta pandemia de cuánto nos necesitamos los unos a los otros.

Sevdaliza / ISON

Una vez terminado su debut, en Brooklyn Vegan preguntaron a Kelly Lee Owens por sus discos favoritos de 2017. En la selección estuvieron Björk y Talaboman, el proyecto del catalán John Talabot y Alex Boman, pero el primer álbum de la lista fue el debut de Sevdaliza, ‘ISON’, quien por cierto acaba de publicar un nuevo álbum. Kelly Lee Owens la definía como una «artista increíble, infravalorada e independiente». «Su voz es increíble y me encanta la producción del disco y el modo en que deja cierto espacio». ‘ISON’ es, sin duda, el álbum más cercano al sonido de ‘Inner Song’ de todo este listado, como atestigua la inicial ‘Shahmaran’, de impecables beats y vídeo dirigido por Emmanuel Adjei. Lo que no es habitual es escuchar a artista británicos hablando de artistas de Irán u Holanda.

John Cale / Paris 1919

Lo mismo que Kelly Lee se está poniendo morada a hablar de ‘In Rainbows’ de Radiohead en lugar de recurrir a ‘OK Computer’ o ‘Kid A’, cuando ha tenido que seleccionar música de John Cale, que canta un tema de ‘Inner Song’, se ha decantado por su obra maestra, el ultra accesible ‘Paris 1919’, que contenía obviamente el tema titular, más orquestado que ‘Eleanor Rigby’ de los Beatles y con pajaritos. La productora dice que su canción con John Cale tuvo el nombre temporal de «Seta» («y eso es todo lo que voy a decir al respecto»). Por el contrario, este disco pertenece más a esa vena melódica que Kelly Lee Owens asocia a Gales. ‘Child Christmas In Wales’ era el primer corte de aquel álbum que tenía un tema llamado ‘Andalucia’ y otro ‘Macbeth’, e incluía cosas tan cantarinas como ‘Graham Greene’.

Nick Drake / Bryter Layter

Sin embargo, cuando Kelly Lee Owens tuvo oportunidad de hablar con John Cale, en lugar de preguntarle por su trabajo o por el de la Velvet, le preguntó por Nick Drake, siendo un alivio para el propio Cale. A Kelly Lee le interesan hasta los zapatos de la portada de ‘Bryter Layter’, sobre los que se han escrito ríos de tinta (se cree que representaban su rechazo a la fama), y ciertamente John Cale llegó a tocar en aquel segundo álbum del artista a principios de los años 70. En concreto la viola y el clavecín en ‘Fly’, y la celesta, el piano y el órgano en ‘Northern Sky’. Island Records puso toda la carne en el asador aunque no llegara a pasar nada con aquel álbum ni con los otros dos de Nick, contando con músicos de Fairport Convention y Beach Boys. El álbum tiene ese poso jazzy que tanto atrae a Owens (‘At the Chime of a City Clock’, ‘Poor Boy’) y a buen seguro la melancolía de sus melodías ha inspirado aunque sea de lejos pistas como ‘L.I.N.E.’. Ella misma reconoce que la melancolía en su música es tan importante como los beats techno. Además, ‘Bryter Layter’ se abría con un corte instrumental (todo un «arpeggi») y después incluía un par más… como ‘Inner Song’.

Gorky’s Zygotic Mynci / Barafundle

Que la música experimental haya sido una revelación para Kelly Lee Owens, que haya vivido en Manchester y Londres, codeándose con productores de Beyoncé, no significa que haya dejado de lado su pasado como «indie girl» en Gales. Dice que le encantaban Maccabees y Friendly Fires y que vestía con pitillos. Cuando le han preguntado por sus músicos favoritos de Gales, ha hablado de Super Furry Animals y Gorky’s Zygotic Mynci, momento que aprovechamos para recuperar a estos últimos, a menudo olvidados dada su separación en 2006. Muy reivindicables son discos como ‘How I Long to Feel That Summer in My Heart’ (2001) o este ‘Barafundle’ (1997) que tenía ciertamente melodías preciosas como la de ‘Heywood Lane’, muy Paul McCartney, o ‘Sometimes The Father Is the Son’, y también estructuras experimentales como las que hallábamos en ‘Patio Song’, su canción más popular. Todo el disco es un extraño pero disfrutable viaje por la tradición: lo pastoral (‘The Wizard & The Lizard’) y la ruptura de todo aquello.

Tekashi 6ix9ine habla de sus delitos en una entrevista en profundidad

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Sebas E. Alonso

5 septiembre, 2020

Entre los lanzamientos de este viernes se nos ha olvidado comentaros que también hay nuevo disco de 6ix9ine, el segundo de su carrera, conteniendo los cuatro adelantos lanzados hasta la fecha, destacando la repercusión mediática que han tenido ‘GOOBA‘ y ‘TROLLZ‘, esta última número 1 en Estados Unidos junto a Nicki Minaj.

El rapero ha concedido su primera entrevista tras salir de la cárcel y The New York Times ha sido el medio elegido, dejando momentos totalmente inauditos, como ese en el que el periodista le sugiere que puede estar cerca de la muerte y le pregunta si ha considerado unirse a un programa de protección de testigos, pero 6ix9ine responde que no por sus «tatuajes en la cara». Hablando de política ha declarado: «no creo que Trump trolee. Creo que Trump es genuinamente Trump. Me comparan con Trump todo el rato, pero yo amo a la gente de México. No creo que seamos lo mismo». Su nombre real, recordemos, es Daniel Hernández, pues su madre es mexicana y su padre, de Puerto Rico. Cuando le preguntan si alguna vez ha votado, él pregunta si los convictos pueden votar. Le dicen que algunos sí pueden votar en Nueva York y su respuesta es: «votaría por Trump», entre risas. Quizá por lo que le gusta jugar a generar odio, cosa de la que habla en otros puntos de la entrevista.

La entrevista realizada por Joe Coscarelli no elude sus problemas con la justicia, de hecho comienza con su secuestro, su condición de «chivato», por la que es despreciado, y su pertenencia a banda armada. A continuación, 6ix9ine responde preguntas sobre la explotación de una menor en unos vídeos que circularon hace unos años. «Hacía vídeos de Instagram, un montón de contenido», son sus primeras palabras. Cuando el periodista pregunta si cree que ha pagado por aquello, indica: «Por supuesto. Ninguna otra celebridad ha dado tanto como Daniel Hernández». El periodista le pregunta si el dinero es la manera de arreglar una deuda con la sociedad y él responde que ha servido de «modelo» tras haber trabajado duro como «repartidor durante 12 horas al día durante 3 años». Añade que tenía 18 años cuando sucedieron los hechos con la chica de 13. «¿Parezco como un señor de 40, tipo Jeffrey Epstein?». Después añade que estaba «en el lugar equivocado, en el momento equivocado», y que si hubiera sabido que era un delito grabar a la chica, no lo habría subido a las redes. «Si cometes un asesinato, ¿lo subes a Instagram?». Indica que le «destrozó» saber que tenía 13 años y recuerda que Tupac estuvo en la cárcel por un delito sexual, y no recibe el odio que recibe él. «Nunca he tenido cargos por violación. Nunca».

El periodista insiste: «pero si alguien dijera que no te puede perdonar por lo que hiciste a esa niña, ¿lo entenderías?». 6ix9ine se defiende: «Sí, diría «que Dios te bendiga». No me despierto cada día pensando: «¿le gusto a esta persona?». Sino diciendo: «¿cómo podría esta persona odiarme incluso más?». Porque alguien a quien no le gusto es que no está cómodo en su propia piel». Continúa: «admito todos mis errores, ¿vale? Me declaré culpable por utilizar a una chica en una performance sexual, y asumí mis responsabilidades. Me declaré culpable por crimen organizado durante 47 años, y asumí mis responsabilidades. Tendré que pagar el precio por el resto de mi vida, me mirarán por encima del hombro. Te lo aseguro. Lo que la sociedad intenta hacer es arrinconarme en una esquina y decir: «¿sabes qué? me odio a mí mismo». Y yo nunca me odiaré a mí mismo. Amo todo por lo que he pasado y nunca lo retiraré. Nunca jamás, jamás, jamás, jamás, jamás, jamás me arrepentiré de las lecciones que he aprendido de la vida, porque me han convertido en una bestia, en un animal, y puedo superar cualquier cosa».

También hay tiempo para hablar de los maltratos sufridos por su pareja entre 2011 y 2018, que él admite. «Sí que teníamos peleas físicas. Lo admití». ¿Está bien pegar a una mujer?», pregunta el periodista. «No, no, no», responde, antes de explicar en relación a su hija: «mi hija no es tonta. Va a ver todo en internet. Hay un montón de cosas que tendré que explicarle. Yo y Sara hemos hablado. He visitado a mi hija, le he dado dinero. He admitido la verdad. Ha sido lo peor. Pero no me voy a sentar aquí y mentirte. Te lo estoy diciendo, lo hice. Lo admití y me disculpé. No debo al mundo una disculpa, la persona a la que debo una disculpa es Sara Molina. Y ella recibió mi disculpa. Eso es lo que importa». Sara Molina ha rechazado hablar con The New York Times.

El álbum de 6ix9ine está compuesto por 13 temas chillados en mayúscula y dispuestos a lo largo de media hora, encabezados por una producción de Akon. De ellos, se ha viralizado en Youtube el vídeo realizado para ‘TUTU’, la segunda pista del álbum, otro derroche de color y culos al aire con frases como “consigo putas cuando quiero”. En un momento curioso de la entrevista, el periodista pregunta a 6ix9ine si cree que su música está añadiendo al mundo, pues no es muy «introspectiva» y sólo hace «un tipo de disco». Su respuesta es que «por supuesto». «Tengo que alimentar lo que en 2020 es relevante. Tengo que alimentar a las masas. No hay ninguna diferencia entre yo y Tupac Shakur», indica comparando «una de las canciones más grandes» de este ‘Troublesome ’96’, y su propio tema ‘Baby’.

Hurts / Faith

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Sebas E. Alonso

5 septiembre, 2020

En la portada de su disco anterior, Hurts esquivaban al público: el cantante Theo Hutchcraft aparecía con gafas de sol y el multiinstrumentista Adam Anderson miraba al suelo protegido además por un sombrero. Anderson habló de sus problemas mentales en aquella época y la gira del anterior álbum los dejó al «límite», como ha reconocido Theo, pero en este álbum al menos ambos se atreven a mirar a la cámara. Lamentablemente el único cambio que percibimos respecto a ‘Desire’ es estético: Theo se ha dejado el pelo largo, y Adam, mucha más barba. Poco más.

El debut de Hurts era tan bueno que merecerá la pena continuar esperando que lo igualen, o se acerquen al menos a ello, por toda la eternidad. Pero ‘Faith’ no nos devuelve a la banda que conocimos con ‘Wonderful Life’ sino a la que se esfuerza por emularlo añadiendo capas innecesarias de dubstep e industrial. Así, ‘Somebody’ parece como una canción de Queen producida por Skrillex. Si esto suena bien en tu cabeza, lo cierto es que por cada canción que parece encarrilada hacia la dignidad se añaden una serie de efectos que buscan la grandilocuencia, logrando en verdad su opuesto, como sucede nada más empezar con ‘Voices’, una nieta de ‘Personal Jesus’ de Depeche Mode que han decidido decorar con efectos de «voices» a tope.

En la línea, ‘Redemption’ era una buena canción que por alguna razón se ve obligada a introducir en su segunda mitad unas cuerdecitas, unos coros y una percusión que ni Woodkid. La final ‘Darkest Hour’ decide convertirse en ‘Yellow’ de Coldplay con el añadido de guitarras eléctricas. En la intensita ‘Liar’, la gran idea de producción ha sido mandar a Theo al estudio de al lado para que grite desde allí «LIAR! LIAR!» como colofón.

El ejemplo más flagrante es ‘Slave to Your Love’. Estaba llamada a ser la gran balada electrónica de este álbum, la que nos tenía que recordar que ‘Stay’ es y siempre será la gran obra maestra de Hurts, cuando decide convertirse en una canción de los penúltimos Hooverphonic, los que ya solo escuchaban en Bélgica. Entre producciones tan feístas como ‘White Horse’ y experimentos tan fallidos como la medio rapera medio india ‘Fractured’ (¿qué será? ¿una aproximación a Missy Elliott?), solo hay una canción que se queda quieta y no intenta ser algo que no puede: el tema a piano ‘All I Have to Give’. No me atrevo a reivindicarlo como single navideño, pues no sabemos si Adele va a mover ficha, pero al menos no es víctima de una mala ejecución.

Theo conserva una voz preciosa, y Hurts, un nombre, aunque solo sea por falta de competencia en un mundo tomado por el trap y lo latino. ¿Es tan duro pedir, qué sé yo, a Tove Lo, que te escriba unas canciones cuando la inspiración no termina de volver?

Calificación: 3/10
Lo mejor: ‘All I Have to Give’
Te gustará si te gusta: hasta la última cara B de Depeche Mode, hasta el último disco de Hooverphonic
Youtube: ‘All I Have to Give’

‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion es el primer top 1 de rap femenino en Reino Unido

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Jordi Bardají

5 septiembre, 2020

‘WAP’ no solo ha sido número 1 en Estados Unidos: desde este viernes también lo es en Reino Unido, en su cuarta semana y después de esperar pacientemente en el número 2. Es un dato importante, pues las raperas que habían sido número 1 en Reino Unido (Iggy Azalea, Nicki Minaj, Lil’ Kim y Missy Elliott) lo habían conseguido pero como «featuring» de una colaboración más «convencional», como informa la OCC. Es la primera vez que un single de rap hecho solo por mujeres, llega al top 1 de las listas británicas. Además, desplaza al fin al número 2 al que ha sido el éxito del verano en Reino Unido, ‘Head & Heart‘ de Joel Corry con MNEK. Os dejamos con 3 reseñas diferentes de la canción realizadas por nuestra redacción.

«‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion me gusta si a) olvido que he visto su videoclip b) trato de no ponerme muy a fondo con la letra. Haré ver que es un tema en que Cardi y Megan cantan de manera triunfal sobre su deseo sexual y cómo sus respectivos totos dirigen el cotarro (aunque hay versos que me patinan). Ciñéndome a lo estrictamente musical, ‘WAP’ es un tema sencillo y de pasmosa efectividad; una línea de bajo, unas palmas y como gancho el sample de ‘Whores in This House’ de Frank Ski. Todo para que reinen los rotundos recitados de Cardi y Megan y un estribillo simple y pegadizo. Si a eso le sumamos una duración de poco más de tres minutos, conseguimos un hit pop bastante redondo». Mireia Pería.

«Mi único problema con ‘WAP’, que como single de rap puro y duro, por explícito y vulgar que sea, es estupendo (la base no es tan «hardcore» como podría ser, pero es pegadiza), es que sería mejor sin Cardi B, quien de hecho es la artista principal. Personalmente, disfruto más de aquellos raperos y raperas cuyo «flow» me hace sentirme en una montaña rusa, y la relajada dicción de Cardi B me causa cierto rechazo de cara a disfrutar de esta composición. Megan se la merienda sin pensárselo mucho, y creo que un duelo entre ella y Azealia por mucho que esta esté en horas bajas; o entre ella y Doja Cat, o entre ella y Tkay Madza, o incluso entre ella y Tinashe, que ojito con el flow de esta última, habría sido mucho más satisfactorio». Jordi Bardají.

«Cardi B y Megan Thee Stallion son número 1 no solo por el éxito de su colorido y polémico videoclip (la PETA espera que los animales sean de mentira), sino porque el tema ha arrasado en Spotify. No es de extrañar porque el sample es un puto martillo que se te clava en la cabeza ¿Cuántas veces suena? ¿20 cada 30 segundos? Tiene además el sentido de la ironía que escuchemos de fondo todo el rato que hay «putas en la casa». Cardi B y Megan Thee Stallion se apropian del insulto en una letra en la que repiten la palabra «pussy» una veintena de veces, se jactan de que «no limpian, ni cocinan», aunque sí se «cabalgan sobre pollas» «para conseguir anillos», e invitan a su fiesta a un montón de chicas más, desde Rosalía a la Kylie que no es Minogue. Un gobernador de derechas se ha preguntado si esto es el feminismo, Cardi B considera una victoria haber cabreado a los conservadores y, en todo caso, con un poquito de titulares y un poco de gracia, el tema hip-hop de base sobria -casi conservadora también, ojo- tiene ya un pequeño hueco reservado en la historia». Sebas E. Alonso.

‘Ritos exóticos’ tendría que haber sido el single de ‘Hortera’ de Varry Brava

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Sebas E. Alonso

5 septiembre, 2020

Varry Brava han sido uno de los grupos más afectados por el coronavirus, pues tenían el lanzamiento de su nuevo disco ‘Hortera’ pensado para finales del mes de marzo, es decir, justo cuando se decretó el estado de alarma. Fueron pioneros… en aplazar todo. Ni que decir tiene que se pensaban poner morados este verano a presentarlo por todos los festivales del país -o todos los que acojan a artistas que llaman un álbum ‘Hortera’ con un emoticono de mierda en su portada- pero no ha podido ser. La banda sí ha podido actuar en algunos lugares puntuales, como algunos de sus compañeros de profesión. Foto: Jose David – La Industrial.

El álbum se ha ido presentando con un chorrazo de singles, incluso desde antes de la pandemia. Casi al mismo tiempo que su colaboración con Miss Caffeina para la minigira conjunta de ‘Dancetería’ salía su single de reggaetón ‘Loco’, después otro “normal” llamado ‘Luces de neón’ y más tarde ‘PlisDonGou’ y ‘Mi mejor momento’. Además, según la nota de prensa de Hook Management, se está preparando un vídeo para el tema titular. Pero ‘Hortera’ esconde otros momentos estelares aún por descubrir, como es el caso de ‘Ritos exóticos’.

En esta canción continúan esos guiños a la cultura pop que tanto gusta a los murcianos: si la melodía de ‘Ritos exóticos’ podría haber pertenecido al Tino Casal más entregado a la pista de baile (más el de ‘Embrujada’ que el de la rococó ‘Eloise’), los teclados synth-poperos que se añaden en el estribillo están pensados para llenar estadios y la letra contiene una referencia muy evidente a Franco Battiato («yo quiero verte danzar»). La canción tiene un punto romántico que podría pertenecer a Dorian («me dices que acabará el cuento a las doce / y veremos salir el sol en mitad de la noche»), pero en verdad va sobre follar. Con «brujería» de por medio, como en el disco de La Bien Querida, pero ni menos ni más.

Eso nos inspira un estribillo que va directo a la yugular: «yo quiero hacerte el amor / con viejos ritos exóticos / hagamos que hablen de ti y de mí / mañana los periódicos». Después, Varry Brava han tenido a bien rimar «ritos eróticos» con «que aplaudan todos los católicos». El propio grupo nos habla sobre la creación de esta canción, que no en vano fue la «primera» que hicieron para ‘Hortera’: «‘Ritos Exóticos’ fue el primer tema que hicimos para ‘Hortera’. Fuimos al local y empezamos a tocar dando vueltas a los acordes que ahora forman las estrofas de la canción. Buscamos fuerza en las primeras melodías de voz con giros tipo ‘Burning Down The House’ de Talking Heads. A las semanas retomamos aquella idea en casa, abrimos un nuevo proyecto en Logic y comenzamos a maquetar: baterías muy ochenta, pads ambientales tipo Pet Shop Boys de los primeros 90, arreglos Synth-Chorus-Voices entre frases, toms de transición y poco más. La maqueta tomó un ambiente ElectroRock 80 que nos flipó, venías de escuchar la primera estrofa con aquellos arreglos y la melodía del estribillo salió sola. Fue inspirador trabajar con aquellos sonidos, creó un ambiente lleno de azules nocturnos que nos llevó directamente a los más enigmáticos y bohemios mundos estético-líricos de Battiato y Tino Casal. Todas las frases que lanzábamos encajaban en ese cuadro y en una de ellas fue inevitable no hacerle el guiño a ‘Voglio Vederti Danzare’”.

Sobre por qué no ha sido un single, responden: «No tenemos mucho concepto de single. Vamos sacando canciones cada una con su material audiovisual según creemos que pueden encajar en cada momento y según nos va apeteciendo. También es cierto que no pensábamos que «Ritos» fuese a gustar tanto como lo está haciendo. Son esas las sorpresas que te guardan las canciones, y es maravilloso».

‘Hortera’ ha sido producido por Andrés Terrón y Pablo Estrella, y es, según la nota de prensa escrita por el periodista Jam Albarracín, «una invitación irrechazable a molar, a salir a guapear, a colgar los prejuicios en el armario, a dejarse acariciar por la brisa, a bailar como si no hubiera un mañana (y quién sabe si lo habrá), a despeinarse con glamour, a permitir que se corra el rimmel con orgullo, a seducir a la luna, a hacerle un guiño a los rótulos de neón, a pintarse las uñas y sonreír, a enamorarse aunque sea del mismo amor, a acabar tirados en la playa, ya sea esta real o soñada». En breve, el grupo comunicará nuevas fechas de presentación del álbum.

Lo mejor del mes:

¿Convence el regreso de SZA con The Neptunes?

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Jordi Bardají

4 septiembre, 2020

SZA es una de las protagonistas del viernes al haber publicado un nuevo single por sorpresa. Se titula ‘Hit Different’ y es una «slow jam» producida nada menos que por The Neptunes, el dúo formado por Pharrell Williams y Chad Hugo que es conocido sobre todo por sus vanguardistas producciones de R&B y hip-hop editadas a principios de siglo, tales como ‘Hollaback Girl’ de Gwen Stefani, ‘I’m A Slave 4 U’ de Britney Spears o ‘Milkshake’ de Kelis.

‘Hit Different’ es una colaboración de SZA con el rapero Ty Dolla $ign y lleva la firma de SZA sobre todo en la letra, que vuelve a hacer gala de su verborrea típica como si la cantante hubiera extraído las palabras de su propio diario personal. El tema narra los altibajos de una relación abierta en la que SZA busca fingir que el hombre al que le dedica la letra no es el «principal». Curiosamente, el videoclip de ‘Hit Different’ dirigido por la propia Solana incluye una segunda canción que no ha sido publicada en las plataformas de streaming. Se trata de una balada en la que prima cierto sabor a R&B y soul clásicos, ¿una pista de lo que está por venir?

El segundo disco de SZA es uno de los grandes misterios del pop de los últimos tiempos. Ya lo fue el primero, que tardó años en ver la luz hasta el punto que su autora consideró abandonar la industria de la música poco después de aparecer en nada menos que la pista número 1 de ‘Anti’ de Rihanna. ‘Ctrl’ salió el fin en junio de 2017 fue un absoluto éxito de crítica y público. De hecho, el álbum lleva tres años sin apearse de la lista de ventas americana, haciendo gala de una longevidad que ya quisieran para sí muchos álbumes que sí han alcanzado el número 1 en dicha clasificación.

A pesar del éxito de ‘Ctrl‘, al que han seguido colaboraciones igualmente exitosas con Maroon 5, Kendrick Lamar o, en menor medida Justin Timberlake, la relación de SZA con su sello, Top Dawg Entertainment, el mismo que edita a Kendrick, sigue sin ser la mejor. En concreto ha llegado a ser «hostil» y la artista incluso ha dado a entender que el lanzamiento del álbum, que estaría terminado -ella pretende publicarlo este año- se encuentra parado por culpa del jefe de Top Dawg, Terrence “Punch” Henderson. En respuesta al mensaje de un fan que pedía a «Punch» nueva música de SZA para este contestarle después que nuevo material saldría «pronto», SZA no se cortaba un pelo al tuitear: «Esto es todo lo que me dice a mí también. Bienvenidos a mi puta vida». De hecho, ante el lanzamiento de ‘Hit Different’ SZA ha escrito que «simplemente quería compartir algo». ¿Menudo… entusiasmo?

¿La buena noticia de todo esto? ‘Hit Different’ no es exactamente ‘Drew Barrymore’, de modo que el single bueno de verdad de SZA debería estar por venir. En sus palabras cabe esperar un álbum que alternará sonidos «agresivos, de trap, inspirados en Joni Mitchell, acústicos» o «más mierda parecida a ‘The Weekend'». Entre los productores con los que Solana ha trabajado, Jack Antonoff. De ahí solo puede haber salido algo bueno, ¿no?

This is all he says to me as well . Welcome to my fucking life .

— SZA (@sza) August 20, 2020

Carla Bruni anuncia disco homónimo: escucha el vals italianizado de ‘Un grand amour’

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Jordi Bardají

4 septiembre, 2020

Carla Bruni vuelve el próximo 9 de octubre con su primer disco de material inédito en 7 años. Fue en 2013 cuando escuchamos por última vez nuevas canciones originales de la cantante francesa, en este caso reunidas en un álbum llamado ‘Little French Songs‘ que era de lo más digno a pesar de su falta de pretensiones y de lo incómodo de temas como ‘Mon Raymond’ obviamente dedicados al señor Nicolas Sarkozy, marido de quien fuera primera dama de Francia durante el mandato del susodicho.

Después de ‘Little French Songs‘ sí escuchamos un interesante pero fallido álbum de versiones «afrancesadas» de clásicos del pop tales como ‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode, ‘The Winner Takes it All’ de ABBA, ‘Highway to Hell’ de AC/DC o ese maravilloso ‘Moon River’ de la película ‘Desayuno con diamantes’ interpretado por Audrey Hepburn. Sin embargo, Bruni presenta al fin nuevos temas propios y su nuevo disco es homónimo, con todo lo que ello debería implicar. ¿Su álbum más personal? Según la nota de prensa este trabajo es el «reflejo de la propia Carla Bruni, un abrazo incondicional de su verdadero yo», y a su vez promete ser una obra sin grandes novedades respecto a la discografía de la artista: «Siempre sensible, con emociones a flor de piel por momentos, la música del disco da testimonio de un temperamento único y evita la ostentación».

La nota continúa: «A través de él podemos sentir el deseo de una sencillez tranquila, libre de brillo y arrogancia. Probablemente se deba a que la producción de estas canciones se planeó mucho antes de que alguien pusiera un pie en el estudio de grabación. Guitarra, piano, un toque de pies y fragmentos de melodía son la base de todos los temas, grabados a puerta cerrada con Albin de la Simone, que produjo todo el disco. Para su primera colaboración con Carla Bruni, el multiinstrumentista, uno de los mejores de la escena francesa en los últimos 20 años, estaba decidido a darle a sus nuevas canciones el tratamiento más delicado. Al escuchar el nuevo manifiesto, «Carpe Diem», no puede evitar recuperar un fuerte sentido del momento presente. Y esto es lo que cautiva a las canciones de Bruni: la intimidad, la sencillez, en un espíritu de libertad, amistad y amor».

Dicho esto, ¿cómo suenan las nuevas canciones de Carla Bruni? El animadillo primer single, ‘Quelque chose’, es de lo más mono y pegadizo, y desde hoy puede escucharse el segundo, que presenta un título más francés imposible: ‘Un grand amour’. Estamos ante otra balada serena y preciosista de Carla Bruni que esta vez se apoya en un ritmo de vals y en una instrumentación que incluye el sonido de una mandolina, el de un piano y el de una caja de música. Ecos a la decoradísima ‘Arrivederci Roma‘ de Dean Martin, es decir, ecos muy italianos, asoman también en esta bonita composición donde Bruni se acompaña de un coro de voces celestiales que pueden llegar a poner los pelos de punta.

Renaldo & Clara vuelve con la adictiva ‘L’amor fa calor’, un tema lleno de giros inesperados

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Jordi Bardají

4 septiembre, 2020

Renaldo & Clara, el proyecto de pop de la cantante y compositora de Lérida Clara Vinyals, vuelve este año con un nuevo trabajo discográfico llamado ‘L’amor fa calor’ («el amor da calor») con el que tiene toda la pinta de consolidarse definitivamente en el panorama nacional. Tras publicar sus dos primeros largos, el estupendo ‘Fruits del teu bosc‘ y el aún mejor ‘Les afores‘, a través del sello Bankrobber, Vinyals inicia con ‘L’amor fa calor’ su etapa en El Segell del Primavera, sello que en tiempos recientes ha editado los últimos trabajos de Christina Rosenvinge, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Enric Montefusco, Lorena Álvarez y un largo etcétera.

Que el sonido de Renaldo & Clara ha dado un paso adelante es evidente en los dos primeros sencillos publicados de su nuevo disco. Y es que, si antes las referencias que nos podían venir a la mente escuchando sus canciones son cosas como Julio Bustamante, Le Mans, Joan Miquel Oliver, El Petit de Cal Eril o Belle and Sebastian, y eran, por tanto, bastante amables, ahora estas son un pelín más contundentes: la mezcla de teclados y guitarras eléctricas del primer adelanto, el sensual medio tiempo de ‘La finestra’, parece inspirado en los sonidos que transmitían las radios de R&B americanas de los años 80 (¿no tiene un punto al ‘That’s What I Like‘ de Bruno Mars?); mientras el segundo adelanto, ‘L’amor fa calor’, lanzado hoy mismo, es más sorprendente todavía por diversas razones.

‘L’amor fa calor’ es una de esas producciones que aguardan una sorpresa cuando menos lo esperas. Arranca con un ritmo de batería medio funky, pero procede a ralentizarse y a enturbiarse en los versos para dar paso a una Clara que recita la letra aproximándose al susurro: «se aparten las nubes, sol cegador, llega directo y sin ninguna solución, te tapas la cara, del todo sospechoso, arriba hay un techo enorme y precioso». Con la nueva entrada del mencionado ritmo funky llega un estribillo melódico y armonizado creado para crear adicción desde el segundo cero: «todo lo que tocas se vuelve fuego, en medio de las llamas explota el corazón, coges aire y te agarras fuerte, ¡con qué ganas sale todo volando!». Esta vez, las referencias pueden ser Natalie Prass, Matthew E. White… pero también algo más gamberro vinculado al dance-rock de los 2000, y ninguna terminaría de acercarse a la creación tan personal con la que regresa a la actualidad musical Renaldo & Clara. Su nuevo disco, que ha sido grabado, mezclado y producido por Víctor Ayuso y masterizado por Heba Kadry, sigue sin fecha de edición.

Shygirl se jacta de ser «freak» en la cama y en la pista

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

El nombre de Shygirl puede sonarte gracias a sus colaboraciones con Arca y Georgia, por canciones tan locas y chillonas como ‘UCKERS‘ o por el EP que publicaba en 2018 ‘Cruel Practice’. Ahora el proyecto de la londinense Blane Muise da un paso adelante con la edición de un tema llamado ‘Freak’ que como es habitual ha producido Sega Bodega, productor británico también conocido por su trabajo con Brooke Candy.

Y si conociste a Brooke Candy protagonizando un videoclip de Grimes, lo cierto es que este ‘Freak’ puede gustarte. Se trata de una composición sobre la liberación sexual, que pretende «buscar un mundo sin vergüenza ni vacilación». Estamos ante producción ultra 2020 en la que caben los beats industriales, los trucos del dubstep, los subidones de la EDM, el ritmo propio del voguing (es fácil imaginar esto en un RuPaul o en un ‘Pose’), el fraseo del rap, la suciedad del techno, y el descaro de Miss Kittin o Azealia Banks. Todo ello sobre un fondo próximo en filosofía a PC Music.

Maurice Andersen se ha encargado de realizar un sencillo videoclip para esta grabación que se jacta de ser «rara» «en la pista y en la cama», y que es hoy nuestra «Canción del Día». El vídeo se presenta de la siguiente manera: «Realizado con la ayuda del diseñador 3D Sy Blake, el videoclip de “FREAK” muestra esta faceta de la artista londinense a través de un personaje que aparece jugando en un paisaje digital diseñado por Blake y el animador Maurice Andresen. Nacido a partir de varios elementos de la propia personalidad de Shygirl, este personaje refleja sus deseos de autonomía y libertad, como artista y como mujer».

En un perfil elaborado por The Face el año pasado sobre Shygirl, en el momento en que lanzaba el mencionado ‘BB’ (“bad boys”), la artista reconocía que su inspiración eran “los chicos, amigos, viajar en Londres, salir de fiesta en Glasgow y la idea de euforia más que la experiencia en sí”. Parece con este tema que este continúa siendo su cometido.

Lo mejor del mes:

‘La broma infinita’ de Taburete: Kubrick, C.R.A.G., Robert Rodríguez, Macarena Gómez, ovnis, Roma, bucle carmesí

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

Siempre ha sido fascinante cómo una gran parte del público de nuestro país ha abrazado las canciones de Taburete, que con sus dos álbumes han triunfado en las listas y han actuado para miles de personas a lo largo de toda España. Independientemente de que el grupo de Willy Bárcenas te caiga bien o mal o entres en cólera tratando de asumir que su sello Voltereta Records es una discográfica independiente como cualquier otra, el fenómeno ha sido digno de análisis.

Al margen de filias, sus canciones tienden a sonar melódicamente un poco justas, como improvisadas a partir de retazos de otras. En ese ejercicio de eterno popurrí en el que nadie ha querido ahondar, quizá porque siempre hay otras cosas más interesantes que preguntar al guapo de Willy, resulta que se han superado con el primer single de su nuevo disco, que están estrenando estos días. La canción se llama ‘2018: Odisea en el espacio’ y el nombre del álbum es puro desparpajo: ‘La broma infinita’.

La primera impresión de ‘2018: Odisea en el espacio’ es positiva. Juro que en algún lugar de todo esto hay una melodía clásica, melódica y setentera. Incluso la voz y la toma vocal de Willy suena nítida, directa y clara como la de un cantautor de los que compusieron C.R.A.G. La letra, entre «bucles carmesí», hasta parece sonar contestataria en un primer momento («Si mi casa quieren derribar, rezo por estar allí»). Un arreglo de guitarra eléctrica por aquí y la calma que rebosa por allá hasta me han llevado a alguna grabación de Nacho Vegas (sorry). El solo de guitarra hacia el final no puede ser más Lindsey Buckingham, y ojo porque no es la primera vez que Fleetwood Mac parecen una referencia en su discografía.

Lo malo es que Taburete presentan esta canción de la siguiente manera: «2018 es el himno al resurgimiento de las cenizas, cuando todo parece que acaba pero solo está dando comienzo a algo nuevo. Un canto a las segundas oportunidades que te hacen inventar simulacros de aterrizaje para luego volver a volar más alto». Y quizá por eso esta «odisea» en un momento dado opta por pervertirse en su búsqueda desesperada del mechero -ahora iPhone- al viento, cual balada de La Oreja de Van Gogh, precisamente para asegurar su intento de «volar alto». Sobre todo en su estribillo.

La imaginería que rodea el lanzamiento de este single, esos detalles que deberían añadir, en realidad restan. Porque son mucho. El título ‘2018: Odisea en el espacio’ es una referencia de dudoso gusto -por evidente, manida e interpretación random- de Kubrick; la portada del sencillo parece estar en sintonía pero de manera muy rara: una persona es abducida por un ovni desde un anfiteatro romano tipo Mérida. ¿Acaso Taburete se aburren sobremanera en la función y desean trasladarse a otro planeta con ayuda extraterrestre? ¿O uno de sus fans en Starlite está siendo salvado del coronavirus? Peor aún es el vídeo estrenado ad hoc, con tremendo plot twist final. No os lo perdáis. Porque lo que parece una pelea de pareja más, con el protagonismo de Macarena Gómez y Esteban Balbi, realmente no lo es. Ajenos a aquello de que «quien mucho abarca, poco aprieta», Taburete suman y siguen…

PUTOCHINOMARICÓN y AWWZ quieren ‘Vacaciones para siempre’

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

Hoy se ha publicado un nuevo single que une a dos representantes nacionales del pop del siglo XXI, unidos por su amor a PC Music. Por un lado, PUTOCHINOMARICÓN y por otro, la revelación AWWZ. La canción recibe el nombre de ‘Vacaciones para siempre’ y es crítica con «los falsos amigos», la «fucking rutina» y la vida entre «cuatro paredes». La letra hedonista habla de «tomar el sol / Con la horchata en la mano» y dejar atrás las cosas que nos estresan: «Decirles hasta pronto / Mandarles al carajo».

El propio Chenta la define como «un La La Land compuesto por AG Cook», quien también aparece hoy en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», por cierto, con una de esas canciones que hacen volar cabezas-. ‘Vacaciones para siempre’ pretende ser «una oda al verano, al disfrute y a escapar del estrés». El vídeo ha sido creado por LKM Lab inspirado en el mundo de los recreativos, como podéis comprobar bajo estas líneas.

El tema forma parte de un vinilo de edición limitada a 1.000 unidades que saldrá al mercado en octubre comisionado por Jägermeister y su plataforma musical Jägermusic, con la que lleva años apoyando a nuevos talentos en el underground. El nombre del proyecto es «Home feat Jägermusic» y se trata de un disco íntegramente compuesto y grabado de manera telemática durante el confinamiento por los artistas del roster. Así, mostrará cómo muchos artistas han tomado esta oportunidad para «experimentar y explorar sus límites».

En el álbum, la Cara A está compuesta por temas más electrónicos y urbanos; mientras que la Cara B es más guitarrera, manteniendo el espíritu punk que siempre ha tenido este roster, por el que pasó gente como Juventud Juché o The Parrots. El álbum estará disponible en digital el 2 de octubre, mientras que la edición física que saldrá a la venta el 20 del mes ha sido cuidada con una portada de la artista zaragozana Mercedes Bellido, y contando con el diseño gráfico de Aitor Baigorri. Desde hoy hasta el 2 de octubre se irán compartiendo nuevos singles de este álbum a razón de uno por semana, y desde nuestra web tendremos el placer de estrenar uno de ellos la semana que viene. Así ha quedado el tracklist:

1. Adriana Proenza X Oddliquor – Lo Hice Por Amor
2. AWWZ X Putochinomaricon – Vacaciones Para Siempre
3. Miqui Brighside X Monterrosa – Calor
4. Playback Maracas X Quentin Gas – San Juan
5. Bum Motion Club X Hickeys – Rough Times
6. Alavedra X Pantocrator – El Chapador
7. My Expansive Awareness X Uniforms – On My Way
8. Bronquio X Vera Fauna – Caleta

PUTOCHINOMARICÓN no ha estado en los últimos tiempos tan apartado de la novedad musical como pueda parecer, o tan centrado en desarrollar sus proyectos paralelos. Aunque en Instagram le vemos retirado en Taiwán, porque no se encontraba «bien» y quería volver al lugar donde nació, durante este año le hemos escuchado cantar ‘De dónde vienes’ junto a Delaporte, y también ha remezclado con éxito un tema de Natalia Lacunza (‘a otro lado’) y otro de Dorian Electra (‘Sorry Bro’). Por su parte, AWWZ ha sacado este año el single ‘Dime qué quieres saber’ junto a Lauren Nine.

Amaia Montero pide a Pedro Sánchez que reconsidere la «Vuelta al Cole»

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

Amaia Montero ha acudido a Twitter para comentar uno de los temas de actualidad, la Vuelta al Cole, sobre la que están corriendo ríos de tinta, dada la incertidumbre que se está produciendo a tan solo unos días de que se produzca. Las críticas están siendo palpables tanto para la Ministra de Educación como para cada Comunidad Autónoma, pues estas competencias están derivadas.

En esta tesitura, Amaia Montero ha decidido comentar el asunto en Twitter, pidiendo al Presidente del Gobierno que recapacite. Al tiempo que comparte un vídeo del mediático juez Emilio Calatayud, proclama: «Se puede decir + alto pero no + claro. Es un alivio escuchar a personas como el juez Emilio Calatayud diciendo verdades como puños. Si tan seguro está @sanchezcastejon que firme lo q está garantizando. El que va con la verdad por delante no tiene nada que temer». En el vídeo el juez da su visión sobre la Vuelta al Cole, también es muy crítico con el botellón, exige multas más contundentes para quien no está cumpliendo con la obligatoriedad de llevar mascarilla y concluye: “Estamos demostrando que la competencia en Sanidad y Educación en las Comunidades Autónomas ha sido una equivocación”.

En sus declaraciones en este vídeo, es muy crítico con las instituciones: «Creo que se han precipitado, como antes llegaron tarde, ahora se han precipitado. Yo creo que han tenido seis meses para preparar la vuelta y me preocupa mucho este regreso. Es fundamental bajar las ratios de las clases, lo de los geles y las mascarillas lo tenemos asumido, y hay que ver lo que ocurre con las presenciales si fracasan. La enseñanza online iba a serlo todo y ahora resulta que ha sido un fracaso. Pues que reconozca que ha sido un fracaso y que hay que hacerlas presenciales. Pero creo que han tenido tiempo para buscar un término medio.

Continúa: «Estoy preocupado, la verdad. La enseñanza es obligatoria, pero ante el derecho a la salud de tu hijo, ¿me garantizan el cien por cien de seguridad? Si no me la garantizan me dejan la duda. Entonces ya veríamos si yo por no llevar al colegio a mi hijo estaría faltando a su educación, porque hay muchas formas de cubrirla». Cuando le cuestionan sobre la obligatoriedad de la enseñanza en España, responde: «Entendería que hubiera padres que decidieran no llevar a sus hijos al colegio con esta situación. ¿Está todo esto garantizado al cien por cien? Pedro Sánchez dijo el otro día que sí pero, y si se muere mi hijo o me muero yo, ¿qué pasa?».

Amaia Montero no publica disco desde que en 2018 sacara su último álbum ‘Nacidos para creer’, cuyo tema titular reivindicativo, de empoderamiento femenino y a un ukelele pegado, ya es el tema más popular de toda su discografía en solitario en Spotify, superando los 18 millones de reproducciones.

SE PUEDE DECIR + ALTO MÁS NO + CLARO. Es un alivio escuchar a personas como el juez Emilio Calatayud diciendo verdades como puños .
Si tan seguro está @sanchezcastejon firme lo q está garantizando.El q va con la verdad por delante no tiene nada q temer. https://t.co/ohV76HJXgT

— Amaia Montero (@AmaiaMontero) September 4, 2020

Cuando DJ Khaled sorprende más que Drake: ahora cambia a este por Justin Bieber en ‘POPSTAR’

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

No tenemos disco de Drake entre manos. Se anunció para este verano, pero no ha llegado ni el día 28 de agosto, como se rumoreaba en los mentideros, ni hoy tampoco. El último chascarrillo apunta a que saldrá en torno al 34º cumpleaños del cantante, que es el 24 de octubre… ¿pero quién puede asegurar nada? ¿Debemos creernos que el nombre del álbum será ‘Certified Lover Boy’ o es este también provisional?

Del álbum nuevo de Drake hemos conocido el single ‘Laugh Now Cry Later’ y hay que tener muy mala baba para considerar un fracaso un tema por quedar en el puesto 2 del Billboard Hot 100 (por detrás de ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion, ahora muy obvio), precisamente con las dificultades que tuvo el canadiense para llegar a coronar tal lista. Sin embargo, sí es cierto que en lo artístico ha arriesgado poco: el riesgo que podamos entender simplemente por volver a un sonido clásico, más atemporal y menos TikTok. Sin grandes voces a favor ni tampoco en contra en nuestra redacción, ‘Laugh Now Cry Later’ no consigue «reír la última» ni ser tan triunfal como proclaman sus trompetas sintetizadas: es un 7 de canción, en la que Lil Durk está OK en su parte, en la que el estribillo no es malo, pero en la que no termina de pasar mucho. Acaba en «fade out» tras repetirse más que el ajo. No parece un «lead single» del intérprete de ‘Hotline Bling’ y ‘One Dance’. Entendemos que su amiga Rihanna no vuelve por estar en unas parecidas a esto.

Este mismo verano Drake ha cantado dos temas para el nuevo disco de DJ Khaled y lo cierto es que este nos ha sorprendido un pelín más. No son la panacea pero al menos nos estamos echando unas risas. Si la vacacional ’Greece’ era un tema en el que de manera inaudita no reconocíamos el registro vocal de Drake, pues en verdad parece su paisano The Weeknd; ahora se apunta otro tanto con el vídeo de la otra canción, la que había funcionado mejor, ’Popstar’.

La gracia es que no es Drake sino Justin Bieber quien protagoniza el vídeo de ‘Popstar’ haciendo un playback. Drake llega a aparecer bastante en el vídeo, pues en sus primeros instantes le vemos cogiendo el teléfono, en el que DJ Khaled le suplica que grabe el vídeo como sea pese al cierre de fronteras… pero eso es todo. Drake aparece quejándose de que Khaled es un brasas que no para de pedirle «una cosa y otra, y otra, y otra» cada «5 segundos», cuando «no puede salir del país ni hacer su propio disco»; y ya en la segunda parte del vídeo de 8 minutos es Justin Bieber quien “roba el micro”.

Es Bieber quien se levanta de la cama tras una fiesta, de resaca y botella en mano, para esta canción que habla sobre fama y excesos, como dice el propio título. El vídeo pierde interés en esa segunda parte y en la «Serranada» final, pero ya solo por la primera y el concepto, tiene su viralidad asegurada. Se espera que ‘Khaled Khaled’ se publique este año, pero de momento tampoco conocemos fecha de edición.

Sólo Ozuna puede destronar a Anuel AA del top 1 en España con ‘ENOC’

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Sebas E. Alonso

4 septiembre, 2020

Un par de días después de haber publicado un tema colaborativo de 7 minutazos, algo muy poco común en el reggaetón, Ozuna ha sacado su disco sorpresa, un álbum llamado ‘ENOC’ que había sido puesto a disposición del público a modo de pre-pedido, pero del que se desconocía la fecha exacta de edición.

‘ENOC’ incluye el hit ‘Caramelo’ junto a Karol G y Myke Towers, también la versión sin featurings de este número 1 en España, así como suculentas colaboraciones con monstruos del streaming como Daddy Yankee (‘No se da cuenta’), Zion & Lennox (‘Que tú esperas’), J Balvin (’Una locura’), Nicky Jam (‘Esto no acaba’) y Wisin (‘Gistro amarillo), entre otros. En el plano anglosajón, Sia y Doja Cat se unen a Ozuna en ‘Del mar’.

No hay que ser un lince para darse cuenta de que este disco de 20 pistas y 1 hora de duración está llamado a conseguir lo que ‘Papi Juancho’ de Maluma no ha conseguido: destronar a ‘Emmanuel’ de Anuel AA del número 1 en España, posición a la que está bien amarrado desde hace meses. No en vano, dos discos antiguos de Ozuna permanecen en el top 100 de lo más escuchado en España: ‘Odisea’, editado en 2017, está en el puesto 71 y ‘Aura’, editado en 2018, está en el número 75. ¿Encontraremos ‘ENOC’ en la lista española oficial en 2023? Se admiten apuestas.

Sia se tira «pa’l agua, que hace calor» con Ozuna y Doja Cat, y anuncia tema con David Guetta

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Sebas E. Alonso

3 septiembre, 2020

Esta madrugada Ozuna ha publicado por sorpresa su nuevo disco, ‘ENOC’, con el que se estaba especulando durante los últimos días. Entre una marea de colaboraciones, destaca la que Sia ha grabado en castellano. En el tema Furler se tira «pa’l agua que hace calor» y además la escuchamos hablar de lo que «se pierde en la arena y el mar» y «se ve tan tropical», después de que Ozuna nos cuente exactamente lo mismo. Como si esto fuera una canción del verano tipo ‘Un rayo de sol’, Sia nos dice que: «El sol está qué quema» pero «quiere más». La autora de ‘Chandelier’ también entona unas frases en inglés en esta misma canción.

Participa Doja Cat, como informaba el club de fans de la australiana en España hace unos días y ha venido apareciendo en la prensa nacional e internacional, aportando en este caso un punto jamaicano como el exprimido por Sia en su hit ‘Cheap Thrills’.

La propia Sia Furler presentaba esta canción en redes como «un bombazo». Teniendo en cuenta los 3 nombres implicados, y el lugar que tanto Ozuna como Doja Cat ocupan en la industria, en el caso de esta última gracias a ‘Say So’, la canción podría suponer un pelotazo en las listas de éxitos… si es que la apretada agenda de Ozuna lo consiente. Hace poco más de un día que el totem de la música latina ha lanzado un tema de 7 minutazos llamado ‘Enemigos Ocultos’ junto a Wisin y Myke Towers featuring Arcangel, Cosculluela y Juanka, que ahora mismo por supuesto es lo más visto en Youtube España, y el disco que acaba de publicar se extiende hasta la veintena de canciones. En todo caso, entre las colaboraciones de Daddy Yankee, J Balvin y Nicky Jam del álbum de Ozuna, ‘Del mar’ recibirá unos puntos extra pues ha sido añadido a «Today’s Top Hits’, la playlist más multitudinaria de Spotify, que siguen 27 millones de personas.

Por otro lado, Sia también es noticia porque el día 11 de septiembre publica otra de sus colaboraciones con David Guetta. Han sido varias las canciones lanzadas por ambos a la caza de la mitad de lo que lograra ‘Titanium’, y tras ‘She Wolf’, ‘Flames’, ‘Helium’ y ‘Bang My Head’, el nuevo intento se llama ‘Let’s Love’. El francés lo ha presentado en redes con unas imágenes que no recuerdan casi nada a ‘After Hours’, la última era de The Weeknd ni tampoco a ‘Drive‘.

De momento, nada más se sabe sobre ‘Music’, la banda sonora y la película que Sia preparaba de cara a este mismo mes de septiembre. El single ‘Together’, perteneciente a este proyecto, salía el 20 de mayo, y desde entonces, no hemos vuelto a saber nada de él. Con la tontería, hace ya 4 años -casi 5- desde la edición de ‘This Is Acting‘, el álbum que contenía ‘Cheap Thrills’ y ‘Alive’, aunque la cantante ha lanzado numerosas canciones sueltas y un disco navideño desde entonces.

Brand new single with @sia
11th September 🙌🏼https://t.co/37ThsXWMK8 pic.twitter.com/PKagg909l3

— David Guetta (@davidguetta) August 27, 2020

Rosalía aporta la visión femenina en ‘Relación’ de Sech, un tema ahora a 5 sobre el maltrato

Por

Jordi Bardají

3 septiembre, 2020

‘Relación’ ya era antes de hoy uno de los mayores éxitos del cantante de reggaetón panameño Sech, autor de un ‘Otro trago’, muy conocido en España pues ha llegado a alcanzar el número 1 de singles de nuestro país, y que después de ser editado originalmente con la colaboración de Darell, volvía a ver la luz en forma de un igualmente exitoso remix con las participaciones de Anuel AA y Ozuna.

Ahora, se ha publicado un remix del tema ‘Relación’ con la colaboración de Rosalía, Daddy Yankee, J Balvin y Farruko. Si la canción hablaba sobre el maltrato de manera explícita y algo polémica («gracias al maltrato se puso bella»), la autora de ‘El mal querer‘ llega para poner en primera persona lo que antes estaba en tercera persona. Desde que entra en la canción, el «ella» se transforma en «yo», y además añade una estrofa de empoderamiento e independencia: «¿Tú te has creído que te iba a llorar? / Tú la llevas clara que te iba a esperar (No) / Tú te pensaste que tú me tenías / Pero nunca me tuviste, soy la Rosalía».

Igualmente Daddy Yankee, J Balvin y Farruko añaden sus partes en la línea, sin que se pierda la melodía de la original. Daddy Yankee, por ejemplo, viene para contar que a ella «le dicen La Apple» porque «tiene su iPhone, iPa’ perrear / IPa’ beber, iPa’ fumar, iPa’ joder» y que siempre está de «party en party». El vídeo cuenta con todos los componentes -incluidas las uñas de Rosalía- y un componente galáctico como invitado adicional.

La lista de colaboraciones internas entre todos los cantantes de reggaetón que te pueden venir a la mente después de esto es tan extensa que parece necesario un croquis para enumerarlos todos, pero cabe mencionar, por ejemplo, que Rosalía y J Balvin comparten el macrohit ‘Con altura’, que Farruko y Sech ya habían colaborado en un remix de ‘Si se da’; y por supuesto que Daddy Yankee, J Balvin y Anuel AA comparten a su vez el macrohit ‘China’. Por su parte, Farruko ha arrasado con ‘Calma’ con Pedro Capó y también con ‘Fantasías’ junto a Rauw Alejandro. Todos ellos son habituales una y otra vez de la lista de singles española.

Volviendo a ‘Relación’, lo cierto es que puede ser un sueño para Rosalía compartir canción con Daddy Yankee, uno de los grandes pioneros del reggaetón. Fue una influencia en la mencionada ‘Con altura’, ya que con él la cantante catalana buscó componer un tema de reggaetón clásico y playero. Le salió la jugada tan bien que el vídeo de ‘Con altura’ fue el segundo más visto de 2019 a nivel global.

La historia de ‘Relación’ puede incluso tener algo de «relación» con el concepto de ‘El mal querer’, pues si la canción de Sech, como decíamos, narra la historia de una mujer que supera una relación sentimental marcada por los maltratos para por fin encontrar la paz, ‘El mal querer’ era un álbum conceptual a través del cual se supera una relación tóxica. Muy especialmente, ‘Pienso en tu mira’ se ponía en la piel de un maltratador.

Escucha lo nuevo de Evian Christ, Paul Epworth, FINNEAS, Wankelmut…

Por

Jordi Bardají

3 septiembre, 2020

Este viernes llega cargado de novedades, ninguna de las cuales será el nuevo disco de Lana Del Rey salvo sorpresa de última hora. ‘Chemtrails Over the Country Club’ estaba fechado para el día 5 de septiembre (sí, un sábado), pero nada se ha vuelto a saber más que su autora acaba de rodar un videoclip para el tema titular. Los discos que sí llegan a la calle este día son ‘Detroit 2’ de Big Sean, ‘Gold Record’ de Bill Callahan, ‘Faith’ de Hurts, ‘Fall to Pieces’ de Tricky, ‘Sun Racket’ de Throwing Muses, ‘Zeros’ de Declan McKenna, y ‘L’ère du Verseau‘ de Yelle. También hay nuevos discos de Sophie Hunger, PRIZM y Roy Borland, se reedita ‘Goats Head Soup’ de los Rolling Stones y ha llegado por sorpresa al mercado sin previo aviso ‘ENOC’ de Ozuna.

Luego es extensa la lista de canciones sueltas que han visto la luz en los últimos días, entre las que destaca la compartida por Cariño y Natalia Lacunza, la ultra-popera ‘Modo Avión’. Hay muchas novedades interesantes en el pop nacional como es el caso de Indigo Drone y Vermú de El Tragaluz (el sello de Vicente Navarro y Karmento), el indie pop de Cora Yako, lo nuevo de Renaldo & Clara, Uniforms, Sidecars y AWWZ con PUTOCHINOMARICÓN. En un plano más mainstream hay una colaboración de Laura Pausini con Bebe, además de nuevos temas de Vanesa Martín y Rozalén.

Bastante sorprendente es ‘Walking Flames’, la delicadísima nueva colaboración de Actress y Sampha, mientras en el ámbito del rock duro, Bring Me the Horizon y YUNGBLUD han colado ‘Obey’ entre lo más visto en Youtube España. Además han lanzado nuevos sencillos FINNEAS (un ‘What They’ll Say About Us’ tan dramático como acostumbra), la infravalorada Foxes, un A.G. Cook que no se cansa de compartir música cuando acaba de sacar un álbum de 7 discos y casi 3 horas de duración; Paloma Faith, que por fin ha avanzado su próximo disco; SHYGIRL, Kevin Morby o Adrienne Lenker, que volverá a editar un álbum en solitario tras el éxito de crítica de los últimos trabajos de Big Thief.

Completamos la playlist con el inesperado regreso de Arab Strap, Paul Epworth con Vince Staples, Evian Christ, SZA, Eels, Kevin Morby, The Yearning, Nina Hagen, Gus Dapperton, Ytram, Thomas Headon, Wankelmut, Winona Oak, Hedda Mae, Anna Straker, Bow Anderson, Matilda Mann, Lisasinson, Poppy Ajudha, BELARO, JyellowL, Sigala y James Arthur. Este último samplea a MGMT. No olvides indicarnos cuáles han sido tus novedades favoritas en la sección de comentarios.

Yelle / L’Ère du Verseau

Por

Sebas E. Alonso

3 septiembre, 2020

6 años han tardado Yelle en superar el fiasco que supuso su colaboración con Dr. Luke. ¿O el trauma ha sido solo nuestro? Estaba claro que el productor de Katy Perry no tenía mucho que aportar a un proyecto genuino, que se había curtido a sí mismo, más francés que un croissant, y ‘Complètement Fou‘ no fue ni un éxito internacional ni tampoco precisamente su mejor disco sino todo lo contrario. La gracia de Yelle era su espontaneidad, sus percusiones viscerales y, más que los grandes escenarios, las salas de tamaño medio a rebosar de gente sudorosa. «Yelle regresa al país» es el título del reportaje sobre este álbum que ha hecho Le Monde, siendo esta una buena noticia para todos.

En este lapso el grupo de Julie Budet y Jean-François Perrier (GrandMarnier), con la colaboración también en co-autorías de Tanguy Destable, ha publicado varios singles, como ‘Interpassion’ o ‘Romeo’, pero es el formato largo en el que se termina de entender lo en forma que está la banda. Ya no les salen canciones tan directas como la adaptación de ‘A cause des garçons’ o ‘Ce jeu’. Ahora se les da mejor amasarlas con tranquilidad, para que al final les crezcan, como sucede en este álbum por ejemplo con ‘Peine de mort’, un tema que decide levantarse hacia el final tras pasar un par de minutos haciendo cosquillas. Cosas de la madurez, supongo, algo poco deseable para un proyecto hedonista como el suyo. Por suerte, Yelle siguen siendo los mismos de siempre en todos los sentidos, por mucho que las producciones sean algo más sofisticadas y menos obvias.

‘L’Ère du Verseau’, «La Edad de Acuario», vino presentado por un single que hacía tan poca pupa como ‘Je t’aime encore’, un tema que comenzaba con un piano lánguido que ni ‘Pyramid Song’. Parecía que en cualquier momento podía explotar como un piano-house de The Rapture… pero no. Es, a la larga, una buena canción de Yelle, ambigua en su cometido, pues suena como dedicada a alguien con quien has pasado mucho tiempo sin darse la persona cuenta de lo que tiene delante, y a la vez pretende ser una misiva a Francia, donde el grupo no termina de ser precisamente un superventas tamaño Indochine, pese a la considerable repercusión internacional que han tenido. A diferencia de estos, Yelle tienen muchos más fans en México, Los Ángeles, Chicago y en la pequeña Estocolmo que en Lyon o Burdeos (o Bruselas).

Y lo mejor es que el grupo mantiene bastante intactas sus herramientas de conquista. La mejor canción del álbum es ‘J’veux un chien’, una producción sofisticada, en la línea del synth-pop más sugerente (de Röyksopp a Jarre) que va armándose hasta gozar de su clímax. Budet nos está cantando que quiere «un animal, un perro, un animal que le haga bien», solo para «ser su perra también», como en aquel grandioso meme del año pasado, que tanto se ha imitado. Más obvio es el sencillo ‘Karaté’, de percusión loca marca de la casa y efluvios de acid, electro y deep house. El tema, un «grower», recuerda a los tiempos desafiantes de ‘Je veux te voir’, en la que ridiculizaban a un rapero por tenerla pequeña: aquí retan a alguien que cree que lleva un kimono de pelea, pero está en pijama.

Frente a una zona media en la que escuchamos una adaptación llena de cacharrería de Tony Hymas sobre la vida de gira (‘Mon beau chagrin’), una juguetona ‘Vue d’en face’, la medio oriental y mística ‘Menu du jour’ y la machacona ‘Noir’, canciones como propias de la Róisín Murphy menos accesible, también un referente en estilismos; llaman la atención más bien el comienzo y el final del álbum. ‘Emancipense’ es un techno de coros afropop que recuerda el poder de la pista de baile («tienes la oportunidad de ser tú mismo cuando bailas»), y las dos últimas canciones están entre lo mejor que han firmado Yelle. La mencionada ‘Peine de mort’ «abole la pena de muerte, pero no los colores» en un tema que se postula a sí mismo como «caliente» desde una posición un tanto «stalker»: “haces deporte, lees, haces muchísimas cosas / ves a muchos amigos pero nunca llegas tarde a casa”, dice antes de un minuto y medio final electrizante. Y la final ‘Un million’ es un descubrimiento, una de las canciones más poéticas de Yelle, martilleante como un hit de Art of Noise, un cruce perfecto entre una producción de The Knife y una trance de Rihanna (versionado por The xx). «He encontrado mi alma… bajo una manta», concluye el álbum, y no podemos estar seguros de tal lugar, pero sí del hallazgo.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘J’veux un chien’, ‘Karaté’, ‘Un million’, ‘Peine de mort’
Te gustará si te gustan: Hot Chip, Róisín Murphy, Röyksopp
Youtube: vídeo de ‘Karaté’

‘Better Than This’ de Paloma Faith de hecho podría ser «mejor que esto»

Por

Jordi Bardají

3 septiembre, 2020

Paloma Faith vuelve con su primer single en solitario en varios años
(este mes de febrero, antes de que la pandemia provocara el cierre de discotecas, aparecía en la bailable ‘Mistakes’ de Jonas Blue). Y parece que lo firma simplemente como Paloma, tal y como deja ver la portada de este ‘Better than This’ que ya puede escucharse. Se trata de un baladón con orquesta que Paloma dedica a «todos aquellos motivados por la ira, a quienes prosperan en su propio poder, a quienes carecen de empatía y a quienes deciden separarse de manera arrogante de los demás».

‘Better than This’ es el primer adelanto oficial de ‘Infinite Things’, el próximo álbum de Paloma Faith, que saldrá este año si nada lo impide. De hecho, el disco ha sufrido cambios debido a la pandemia, como ha explicado la artista en una entrevista con The Guardian. Iba a ser un trabajo compuesto por canciones «optimistas» y «llenas de celebración», pero la cantante ha descartado algunas de las más «animadas» por miedo a que el público percibiese en ellas una actitud «paternalista». Durante la cuarentena, Faith escribió nuevas canciones, entre ellas las cuatro que planea lanzar como single, y el disco que ha quedado es «más solitario» y «fiel a los tiempos».

Compuesta por hasta siete personas como revelan los créditos de composición de Spotify, ‘Better than This’ no es exactamente la balada histórica que fue ‘Only Love Can Hurt Like This’ ni tampoco acongoja como ‘Crybaby’ a pesar de su ritmo bailable. Su mensaje de esperanza por un mundo mejor donde no existen ni el miedo ni la maldad («vi una montaña y pensé que no podía escalarla, los pájaros me decían que no puedo volar, pero entonces te vi y entendí que podemos ser mejores»), tan naíf como suena, no es el más original de todos, y el ritmo programado de la canción tampoco termina de hacerla brillar. Quizá su videoclip, que aún ha de salir e incluye referencias al «cambio climático, a la brutalidad policial, a la división de clase y a las injusticias de la guerra», termina de potenciar su componente emotivo y pensado para posiblemente petarlo estas Navidades. El vídeo es obra de David Wilson, director de los videoclips de ‘Titanium’ de Sia y David Guetta, ‘Do I Wanna Know?’ de Arctic Monkeys o ‘We Exist’ de Arcade Fire.

‘Infinite Things’ será el primer disco de Paloma Faith desde que en 2017 editara ‘The Architect‘, el que ella presentaba como su disco político debido a sus mensajes sobre derechos sociales o el patriarcado. Un trabajo digno que incluía temas ya esenciales en su repertorio como el mencionado ‘Crybaby’ o el baladón ‘I’ll Be Gentle’ con John Legend, además de colaboraciones de gente como Owen Jones o Samuel L. Jackson. ‘The Architect’ era reeditado más adelante con la inclusión de varios temas nuevos, entre ellos el single ‘Make Your Own Kind of Music’, una versión del éxito de 1969 de Mama Cass Elliot. Después, Faith aparecía como artista invitada en ‘Brighter Days’ del DJ y productor de EDM Sigala, en concreto en un tema llamado ‘Lullaby’ que alcanzaba el top 6 en Reino Unido y se aproxima a los 200 millones de reproducciones en Spotify.

El Ayuntamiento de Murcia retira la campaña que asociaba festivales a coronavirus

Por

Sebas E. Alonso

3 septiembre, 2020

El Ayuntamiento de Murcia, gobernado por el Partido Popular desde hace 25 años, ha pedido disculpas tras haber lanzado una campaña en la que se vincula la pulsera de los festivales con la pulsera de ingreso hospitalario. La ciudad, que ha recibido durante los últimos años decenas de miles de visitantes de otras comunidades en sus festivales multitudinarios SOS 4.8 y WARM UP, asocia claramente en esta imagen la música en directo con la expansión del coronavirus, cuando no hay evidencia de que la asistencia a los pocos conciertos que ha podido haber este verano, haya sido fuente de rebrotes significativos, pues las medidas de seguridad no han podido ser más estrictas en la mayoría de los casos.

Una nueva manera de estigmatizar la cultura, o de asociarla al botellón, un par de días después de que en Madrid haya generado indignación la cancelación de Tomavistas Extra, un evento que estaba organizado en mesas de 2 y 4 personas, y con su dirección hablando de «agravio comparativo» respecto a otros sectores. No se especificaban cuáles, pero ayer mismo se hubo de cancelar una convocatoria a los profesores para realizarles una PCR dadas las aglomeraciones que se habían formado. Hay quien, desde la organización de espectáculos en la ciudad este verano, ofrecía desde las redes sociales ayuda a la Comunidad de Madrid para organizar una cola apropiadamente.

Como informan los compañeros de Mondosonoro, desde el Twitter del Ayuntamiento de Murcia han «lamentado la confusión de la campaña» en la que también aparecen una playa y unas gafas de buceo, y proclamándose pioneros en defender la cultura a nivel nacional. Este es su texto: «Desde el primer momento de la pandemia, el Ayuntamiento de Murcia ha reconocido la importancia del sector cultural, siendo la primera institución de España en declarar la Cultura como actividad esencial, el pasado 12 de abril».

Continúan: «Por ello, en pleno confinamiento, hemos lanzado ‘Reactivos Culturales’, un programa de apoyo a la producción cultural que ha permitido contratar a más de 500 artistas de Murcia. Este año, el Ayuntamiento ha promovido la mayor programación cultural de los últimos veranos, con más de 100 actividades en las que han trabajado más de 300 artistas, con sus equipos de producción. A estas actividades han asistido de forma responsable más de 24.000 personas».

Y terminan: «Desde el Ayuntamiento de Murcia estamos convencidos de que en momentos de crisis y de cambio de época, las sociedades que salen más fortalecidas son las más avanzadas cultural e intelectualmente. La cultura es esencial». Horas después y tras el revuelo generado, el Ayuntamiento ha decidido retirar la campaña “Tú eliges”, como expresa en un comunicado publicado en Twitter a las 15.00.

📢 El Ayuntamiento retira la campaña #TúEliges tras la confusión generada en redes sociales. pic.twitter.com/x69Kl0MF9K

— Ayuntamiento Murcia (@AytoMurcia) September 3, 2020

📢 Lamentamos la confusión que ha originado el lanzamiento de esta campaña.

📎 Las tres imágenes que la componen buscan animar a realizar distintas actividades, siempre con responsabilidad: bucear, tumbarse en la playa o asistir a un concierto. pic.twitter.com/UsyVP1WAoI

— Ayuntamiento Murcia (@AytoMurcia) September 3, 2020

The Killers y Whitney, entre los primeros «live streamings» de Amazon Music y Twitch

Por

Sebas E. Alonso

3 septiembre, 2020

Es obvio que el confinamiento y la imposibilidad de hacer conciertos al modo de la vieja normalidad han provocado que los artistas tengan que usar las neuronas para comunicarse con su público. Pero aunque no hubiera coronavirus, también era cuestión de tiempo que las plataformas de streaming integraran de alguna manera el vídeo en directo como forma de comunicar a los artistas con sus seguidores. ¿De verdad Instagram, que no es una plataforma musical, iba a quedarse tal exclusiva a través de sus «directos» sin que el resto hiciera nada? ¿Acaso Youtube, muy conocida por ser la que peor paga a los autores, iba a ser la única en ofrecer este servicio de vez en cuando?

Hace tan solo una semana, Music Business Worldwide se preguntaba qué esperaba Spotify para mover ficha en el mundo del «live streaming», especialmente dado su liderazgo y el éxito de sus podcasts, y esta semana Amazon Music ha dado su respuesta en alianza con Twitch. Ambas compañías se han unido para ofrecer un servicio que combina streaming en directo y música bajo demanda a través de su APP. El servicio está disponible para los 55 millones de usuarios de Amazon Music -en crecimiento dada su vinculación con el popular Amazon Prime- para iOS y Android.

Ryan Redington, director de Amazon Music, ha declarado: “Estamos poniendo a disposición de los artistas una nueva herramienta que les permitirá interactuar de forma inmediata con sus fans y lo cierto es que esta nueva función no podría haber llegado en un momento más crucial para la industria musical. Más de mil artistas han vinculado ya sus cuentas de Amazon Music a Twitch, pese a que lo acabamos de lanzar. Gracias a la colaboración con Twitch, estamos haciendo posible que artistas de todos los géneros musicales y en cualquier etapa de sus carreras puedan exprimir al máximo el poder social que tienen las transmisiones en streaming en directo para fomentar la interacción de los fans con sus álbumes”.

Por su parte Tracy Chan, vicepresidente y responsable musical de Twitch, ha dicho: “El objetivo de Twitch siempre ha sido poner en contacto a creadores de increíble talento con fans de cualquier rincón del mundo en tiempo real. Este es el motivo por el que nos entusiasma anunciar este nuevo paso en nuestra constante colaboración con Amazon Music; una colaboración que abre las puertas a un mundo totalmente nuevo de interacción y experiencias musicales en vivo, al combinar las emisiones en directo de Twitch y el catálogo de canciones de estudio de Amazon. Ahora más que nunca, en un momento en el que las salas de conciertos tradicionales están cerradas y las giras se han cancelado, los músicos buscan nuevas vías para continuar creando, relacionarse con sus fans y hacer comunidad. Twitch se ha convertido en el lugar perfecto para crear, entre todos, experiencias compartidas en directo y, a partir de ahora, los 55 millones de usuarios de Amazon Music podrán acceder a Twitch a través de esa misma aplicación”. Ambos ya habían colaborado en iniciativas tan populares como el #AmazonEnCasaFest.

Entre los primeros eventos que se han programado, Brandon Flowers y Ronnie Vannucci Jr. de The Killers se conectarán a Amazon Music el 4 de septiembre a la 1pm ET para responder a las preguntas de sus fans sobre su último álbum, el estupendo ‘Imploding the Mirage‘. A su vez, Nicole Atkins presentará un programa de variedades los miércoles a las 7pm ET que incluye actuaciones y entrevistas con amigos y artistas como Elle King, Cut Worms y los deliciosos Whitney; y hoy jueves a las 3.30pm ET se retransmitirá en Amazon Music UK una ceremonia de heavy metal, los Heavy Music Awards 2020 desde el HMA’s de Londres. Más información, aquí.

El Colectivo da Silva también se perdió en Madrid

Por

Sebas E. Alonso

3 septiembre, 2020

Los granadinos Colectivo Da Silva publicaron a finales del año pasado un primer álbum llamado ‘Vacaciones’ en el que se incluían temas como la colaboración con Chico Blanco ‘Alas para volar’, ‘Poliamor’ con Papaya Club y el que ha terminado resultando su pequeño hit, un ‘Marina D’Or’ que ya ha superado el medio millón de streamings en Spotify, y cuyo vídeo tuvimos el placer de estrenar en esta casa. Su sonido veraniego les emparenta con la chillwave, Cupido, las melodías de Mac DeMarco o las de la Costa Fleming. Lo mismo un día salen en Pitchfork que en un disco de tributo a Las Grecas.

En los últimos tiempos el grupo ha sacado un par de singles sueltos, como ha sido el caso de ‘Hoy se sale’ y después de ‘Bolitas’, cuyo vídeo estrenamos también en JENESAISPOP tras haber sido una de las canciones de este verano en las playlists independientes, pues se estrenó a principios de julio. Así presentaban esta pista entonces: «‘Bolitas’ simboliza el sueño de ciertas personas del sur de España que quieren construir una vida mejor en Madrid. Sin saber muy bien qué nos atrae de esta ciudad, nos preguntamos si estamos buscando algo allí o si simplemente estamos huyendo de lo que tenemos en casa. Es un canto a una vida elevada en Madrid guiada a través de un amor idealizado que posiblemente jamás encontraremos».

Si la letra apela la muerte y a la búsqueda del amor en Madrid (con el amor y la muerte unidos, la referencia a Lorca es clara), el estribillo se aprovecha de la paradoja de sonar profusamente andaluz en su melodía, ese pegajoso «que me saque los colores con un ramito de flores / que me cante sus temitas cuando hagamos el amor» que en su última aparición va aun paso más allá: «Que se drogue y que llore / como las buenas personas / que me cante sus temitas / cuando hagamos el amor».

El vídeo, una «ensoñación de delaschuches y Colectivo Da Silva dirigida por Serjio Soso«, tiene más miga de lo que parece, como explica su nota de prensa: «La historia bebe del realismo mágico para hacer un retrato de nuestro protagonista de forma poética y metafórica, en un mundo diegético cargado de simbolismo y significado esotérico. El videoclip está cargado de referencias a Granada y Andalucía, desde el ‘Romancero Gitano’ de Lorca, la iconicidad de un referente como es Camarón, hasta las piezas audiovisuales de Val del Omar (…) Todo este recorrido está mediado por una catarsis, donde se conocerá mejor a sí mismo, como un espacio para la autocontemplación».

Continúa: «En su divagar por las calles de Madrid acabará encontrándose de forma aleatoria con un grupo de amigos que lo acogerán en su ensoñación. Lo pasará bien, reirá, se darán amor y entenderá que su búsqueda no era otra que la de sentirse parte de una comunidad altruista. Olvidándose de su obsesión por romantizar las relaciones que solía establecer».

Colectivo da Silva es uno de esos grupos que están intentando ganarse la vida este complicado verano y hoy mismo, 3 de septiembre, podréis verlos en las Noches Espaciales del festival enOrbita de Granada junto con Cariño y Las Dianas.

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WAP (Cardi B, Megan Thee Stallion)

sad day (FKA twigs)

Cardigan (Taylor Swift)

Un día (One Day) (J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy)

Ice Cream (BLACKPINK & Selena Gomez)

Alice Coltrane / Journey in Satchidananda

Sevdaliza / ISON

John Cale / Paris 1919

Nick Drake / Bryter Layter

Gorky’s Zygotic Mynci / Barafundle

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