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Alexandra Savior presentará la historia de amor 60s de ‘The Archer’ en España

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La cantautora Alexandra Savior presentará su nuevo disco, ‘The Archer’, a lo largo de una gira europea que pasará por España. En concreto, los conciertos tendrán lugar los días 12 de mayo en la sala Rockin de Madrid y 13 de mayo en la sala Nau de Barcelona. Las entradas para estos conciertos se pondrán a la venta este viernes 17 de enero a las 10.00 horas en Livenation.es, Ticketmaster.es y red Ticketmaster.

Autora del hit ‘Girlie’, que suma más de 3 millones de reproducciones en Spotify, Alexandra creció en la ciudad de Portland, en la que desarrolló su vocación musical desde la infancia inspirándose en artistas como Otis Redding, Jack White, Amy Winehouse y Etta James. Una de sus primeras grabaciones fue el tema ‘Risk’, el cual apareció, como ya os contamos, en la banda sonora de la segunda temporada de la serie estadounidense ‘True Detective’. En 2017 publicó su álbum debut ‘Belladonna of Sadness’, grabado en colaboración con los productores James Ford y Alex Turner (sí, de Arctic Monkeys), quien también fue co-escritor.

Tres años después, Savior acaba de publicar ‘The Archer’, un LP que refleja su visión de una historia de amor propia de una película de los años 60. Para este álbum, la artista ha creado el artwork, escrito cada canción y dirigido cada vídeo ella misma. Os dejamos con el simpático clip realizado para ‘Howl’, uno de los singles.

Rosalía actualiza los tangos en la carcelaria ‘Juro que’, con vídeo co-protagonizado por Omar Ayuso

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Rosalía ha estrenado a las 18.00 el videoclip de su nuevo single, ‘Juro que’, del que ya había dado varias pistas en las redes a lo largo de los últimos días. Co-escrito por Daniel Gómez Carrero, esto es, el rapero Kaydy Cain, se trata de un tema muy tradicional que actualiza los tangos flamencos con sonoridades electrónicas propias de la música urbana. El Guincho vuelve a ser su productor principal.

En ‘Juro que’, Rosalía interpreta una clásica historia de amor carcelario («llevan a mi niño preso cuatrocientos días, ni un beso pude darle de despedía», canta la artista), y el videoclip de la canción, dirigido por Tanu Muiño, muy fan de los colores como demostró en el clip de ‘Small Talk’ de Katy Perry, y parece que también de Pedro Almodóvar, pone en imágenes la separación entre los dos amantes. Omar Ayuso, actor de la popular serie de Netflix ‘Élite‘, es el hombre encerrado en este videoclip que presenta la letra de la canción traducida con subtítulos en inglés.

La llegada de un nuevo single de Rosalía (¿el primero de ese tercer disco que ha de llegar en 2020, como ha sido confirmado?) tiene todo el sentido del mundo dado que la cantante actuará, el próximo 26 de enero, en la próxima gala de los Grammys, pues aspira al premio a Artista revelación y a otro por ‘El mal querer‘. Podría haber seguido interpretando los temas que ya conocemos, pero mejor escenario que el de los Grammys anglosajones para estrenar canción no puede haber…

Marem Ladson: «En el indie y en España es poco frecuente conectar con otra persona autora»

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En su debut homónimo de 2018, ya se intuía que Marem Ladson no era una cantautora al uso, con una multitud de detalles y subgéneros que se desvelaban desde la curiosa pista de arranque, ‘Born’. Tras la atención conseguida con el single ‘All My Storms’, un paraíso de posibilidades se abría camino: su colaboración con Natalia Lacunza acumula millones de streamings, y sus últimos singles, ‘Nothing Really Matters’ y ‘Fight’, presentan nuevas influencias. Ahora está más cercana a cosas como James Blake, Empress Of o Blood Orange. Se entiende perfectamente cuando atiendes a sus respuestas a nuestro Tipo Test. Como parte de los seleccionados de Girando Por Salas, Marem Ladson actúa el 6 de febrero en Ciudad Real (Zahora & Magestic), el 14 de febrero en León (Gran Café), el 22 de febrero en Cáceres (Sala Boogaloo), el 6 de marzo en Lleida (Sala Manolita Café), el 7 de marzo en Zaragoza (La Lata de Bombillas) y el 25 de abril en Cuenca (Sala Directo Cuenca).

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Últimamente me he obsesionado con ‘Chances’ de Kaytranada.
¿Cuáles han sido tu disco y canción del año durante 2019?
Mis discos favoritos de 2019 fueron los de Weyes Blood, Solange, Sharon Van Etten, Tyler, The Creator y Aldous Harding. La canción de 2019, ‘Bags’ de Clairo.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Orinoco Flow’ de Enya: mi madre tenía ese CD en casa y lo ponía a veces. Recuerdo que me gustaba mucho, y me sigue gustando. Tiene un sonido especial, como celestial.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Landslide’ de Fleetwood Mac.

Actuación vocal que adores.
Cualquiera de Cat Power.
Momento musical exacto de una canción que adores.
En ‘New Love Cassette’ de Angel Olsen la parte en la que entran las cuerdas.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
El último disco de Solange.


¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
No siento ningún guilty pleasure la verdad, creo que no hay que tener prejuicios en ese aspecto.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Cualquiera de Michael Bublé.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
No sé, eso de la perfección es muy subjetivo, pero creo que una canción hecha con alma y autenticidad, es una buena canción.
¿Quién te gustaría que versionara una canción tuya?
Ya solo que alguien piense en versionar una canción mía me hace mucha ilusión, así que realmente cualquier persona a la que le lleguen mis canciones.

Tras el pelotazo del tema con Natalia Lacunza, ¿con quién o para quién sueñas con escribir?
Me encanta trabajar con otros artistas, creo que es una experiencia muy refrescante y de la que se puede aprender mucho. Realmente no aspiro a escribir para otros, pero sí escribir mis propias canciones, pudiendo ser de forma colaborativa. Pero no es fácil encontrar esa conexión con otra persona, y creo que en el indie y en España es algo poco frecuente.
¿Sigues comprando discos en formato físico?
En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato? Apenas compro discos, la verdad. El último que compré fue ‘Assume Form’ de James Blake.
¿Alguna canción ajena que pueda dar una pista sobre tus próximos pasos artísticos?
Algunas influencias en mis próximas canciones son Vagabon, Tei Shi, Blood Orange, Clairo o Caroline Polachek.

Le SuperHomard / Meadow Lane Park

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El sello madrileño Elefant ha encontrado en los franceses Le SuperHomard otro de los grupos con los que identificar el sonido que han desarrollado en sus más de 25 años de existencia. Pese a que proyectos como La Bien Querida, Putochinomaricón y ahora Soleá Morente han dotado al sello de cierta diversidad, referentes como The Shangri-Las, Nancy & Lee, United States of America, Stereolab y Burt Bacharach han estado tradicionalmente vinculados a sus lanzamientos, y Le SuperHomard no son precisamente una excepción. Christophe Vaillant, creador principal en el grupo, dejaba atrás su era mod para formar esta banda junto a su hermano y un grupo de amigos. Mientras Vaillant se encarga de lo musical, las letras en inglés han sido escritas por las autoras inglesas Yoanna Claquin y Pandora Burgess, con el objetivo de evitar «el mal inglés que suelen tener las bandas francesas». Completan el complejo estético la dulce voz de Julie Big, situando definitivamente al grupo en la estela de gente como Saint Etienne o Françoise Hardy; y una serie de arreglos entre lo orgánico y lo electrónico.

Es un cliché asociar «folk» a «campo» y «sintetizadores» a «ciudad», pero ‘Meadow Lane Park’ contiene una curiosa lucha entre lo bucólico y su opuesto. A lo primero tiende la primera pista del disco, llamada por algo ‘In the Park’, y que suena misteriosa entre cuerdas, coros y arreglos. Más a lo segundo la machacona base que ya encontramos en el siguiente tema, el single ‘Springtime’. Pero lo curioso sucede cuando ambos caminos confluyen. ‘Door After Door’ es un tema que habla de alguien «perdido entre la multitud», que sabe que su «tiempo en la ciudad se ha acabado», pero cuyo destino está «en ningún lado». Por muy bucólico que parezca el álbum, el también single ‘SDVB’ equilibra la balanza al poner sobre la mesa la importancia de los arpegios electrónicos. Su letra, de manera significativa, parece hablar del amor en la era digital.

Los retratos de un extraño hombre en traje a punto de cantar en un karaoke (‘Karaoking’) y los de un hombre con un «ingenio» y encanto fuera de lugar en medio de una fiesta con champagne (‘Elephant in the Room’) nos hacen pensar en Nina Persson. Sobre un fondo algo plano y cinético en el que los instrumentales están situados estratégicamente al principio, en medio y al final, destacan por su carácter inmediato -además de los sencillos mencionados- la urgente ‘Paper Girl’ y también el corte titular, que parece un medio tiempo orquestado pero -de nuevo- vira hacia los territorios de Stereolab. Le SuperHomard actúan este viernes 24 de enero en L’Hospitalet y el sábado 25 de enero en Madrid junto a Nos Miran y Linda Guilala.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Springtime’, ‘Paper Girl’, ‘Meadow Lane Park’, ‘SDVB’
Te gustará si te gusta: los primeros Cardigans, Cat’s Eyes, The Bird and The Bee
Escúchalo: Spotify

Joe Crepúsculo festeja el «año de la rata» estrenando reinvención sonora en ‘Ratas salvajes’

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2020 es el año de la rata, según el horóscopo chino. Si no lo sabías, Joe Crepúsculo está dispuesto a que te enteres y, además, lo festejes junto a él en una serie de eventos con ese nombre: mañana, viernes 24 de enero, tendrá lugar la primera «Fiesta del año de la rata», que después se producirán el 1 de febrero en la Sala Apolo de Barcelona y el 15 de febrero en Ochoymedio Club de Madrid. En ellas, expondrá su habitual repertorio de hits con acompañantes ilustres como los habituales Aaron Rux y Tomasito. Aunque puede que haya más sorpresas.

Y es que Crepus acaba de estrenar un single completamente nuevo que supone una nueva reinvención sonora que sumar a su extenso currículo. Se trata de ‘Ratas salvajes’ –la cosa va de ratas–, una canción producida por su viejo colaborador y amigo Sergio Pérez (Svper) que está lejos de ser un pelotazo inmediato al estilo de las recientes ‘Vete a la mierda‘ y ‘España‘. Tampoco se aliena exactamente con el pseudobolero ‘Todo se corrompe‘, sino que se trata de un medio tiempo de aires nocturnos en el que las guitarras cobran especial protagonismo, y que explota en su estribillo con una bonita melodía.

Y las sorpresas antes aludidas podrían revelarse en el vídeo oficial de la canción que ha dirigido Silvia Coca. Porque, entre imaginería de neones tokiotas, en él Joël Iriarte se sitúa al frente de un grupo de rock clásico integrado por Rux, junto a los Nastys Luli Acosta (batería) y Luis Basilio (guitarra), completados al bajo por Antía Van Weill (de Bifannah, que también integra con Basilio el dúo OESTE). ¿Será algo ocasional para este clip o realmente Crepus está trabajando con una banda clásica para su próximo disco y directos? Una de las oportunidades de averiguarlo, aparte de las fiestas antes indicadas, será en la próxima edición de Low Festival.

Varry Brava se adentran con descaro y osadía en el reggaeton pop con ‘Loco’

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“Ni a Varry Brava ni a Miss Caffeina nos apetece el indie al uso de bajo, batería y guitarra”. “Me sorprendió muchísimo (lo nuevo de Varry Brava). Parece como una nueva banda”. Son declaraciones extraídas de la entrevista que mantuvimos meses atrás con Alberto Jiménez, de Miss Caffeina, y Óscar Ferrer, del grupo originario de Orihuela, al hilo de su unión para la minigira «Dancetería» –8 de febrero, Sala Inn de Santiago; 14 de febrero, Pabellón 1 IFEMA de Madrid; 22 de febrero, Sala Razzmatazz de Barcelona y 7 de marzo, Sala Gamma de Murcia–. Y eran claramente premonitorias del vuelco estilístico que «los Varry» presentan hoy con ‘Loco’. [Fotografía: José David, de La Industria.]

Está producida por Andrés Terrón y Pablo Estrella –el dúo de música dance Dodo Foie, que también colaboran como compositores para artistas de Warner como Roi Méndez– y realmente resulta toda una sorpresa. Porque la canción, tal y como está interpretada y arreglada, podría estar tranquilamente interpretada por Maluma, Mau y Ricky, Camilo o algún otro solista (o dúo) latinoamericano de reggaeton pop de los que suenan en la FM o playlists masivas por doquier. Incluso en un puente se lanzan a rapear con chulería, al más puro estilo Recycled J. Aunque también se intuye un pequeño ¿guiño? a ¡’Se le apagó la luz’ de Alejandro Sanz! Lo presentan con un vídeo oficial dirigido por AfterliVe Films en el que predomina el color rosa chicle.

Lo cierto es que, aunque el sonido de ‘Loco’ sorprende, no lo hace tanto sabiendo que viene de Varry Brava. Su pop de tintes electrónicos siempre tuvo una querencia masiva, y en ‘Furor‘, su disco de 2018, casi se adentraban en la makina con ‘La ruta del amor‘. ‘Loco’ es el primer avance del quinto disco del trío que se publicará este año, presumiblemente antes de que lleguen festivales como SanSan o WARM UP.

Versus: ¿son buenos los últimos singles de Pet Shop Boys o todo lo contrario?

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Esta noche se publica ‘Hotspot‘, el nuevo disco que Pet Shop Boys, que presentarán en Bilbao BBK Live y Mallorca Live Festival, entre otros escenarios. ¿Pinta bien o todo lo contrario? Dos redactores de JENESAISPOP valoran los singles de adelanto. Foto: Pelle Crepin.

A favor
«Admito que este ya inminente ‘Hotspot’, decimocuarto disco de estudio en la carrera de Pet Shop Boys me tiene algo desconcertado. Porque, tras sus tres primeros adelantos (más algunas caras Bs, alguna con remix y todo) y esas portadas borrosas –carentes del glamour, la fantasía e incluso el diseño gráfico que han marcado cada una de las épocas previas del dúo británico–, ¿qué cabe esperar de lo nuevo de Neil Tennant y Chris Lowe? Resulta difícil decirlo, al menos ateniéndonos al sonido de sus singles. ¿Cuál es el hilo conductor entre el disco-soul retro de ‘Monkey Business’, la balada semiacústica ‘Burning The Heather’ –con guitarra de Bernard Butler– y el pop bombástico de ‘Dreamland‘?

Pero a diferencia de ‘Super‘ y ‘Electric‘ –los dos capítulos previos de una trilogía producida por Stuart Price en la que este nuevo trabajo supone el cierre–, parece que en ‘Hostspot’ no hay coartada. O, al menos, muy clara. La impresión es que en él no pretenden nada más (y nada menos) que reunir buenas canciones que, por inconexas que parezcan, funcionen por sí solas y en conjunto. Y lo cierto es que todas ellas lo son. ‘Dreamland’ es un adictivo tema neodisco, de esos de bailar con los brazos en alto, y en el que Olly Alexander ejerce un necesario contrapunto de diva. Paradójicamente, no desentona con ‘Monkey Business’, aunque este se sitúe en el oldschool disco, más funky y más hip hop, jugando espectacularmente con las cuerdas. Sin embargo, mi debilidad personal es el medio tiempo ‘Burning The Heather’, de una melancolía tan bella como contagiosa, y que retrotrae a los Tennant/Lowe de ‘Behaviour’. Las tres, sobre todo, presumen de una elegancia intachable y, sin reinvenciones llamativas, son otra muestra del buen hacer del que Pet Shop Boys llevan exhibiendo más de tres décadas. Quizá parezca poca cosa, pero no, no lo es». Raúl Guillén.

En contra
La deriva de los adelantos de ‘Hotspot’, el próximo disco de Pet Shop Boys ha sido preocupante. Rememorando la década que acaba, caigo en que cada uno de sus álbumes fueron anunciados por alguna canción cuestionable, pero otras inapelables. ‘Elysium’ nos daba dos de cal, las maravillosas ‘Invisible’ y ‘Leaving’, y otra de arena en forma de la flojísima ‘Winner’. ‘Electric’ se reveló con ‘Axis’, un tema potente pero extraño como single y ‘Vocal’, que no sólo es que fuera un sleeper, sino que se acabó revelando como uno de sus grandes clásicos. Lo mismo sucedió con ‘The Pop Kids’ y ‘Super’, tras el estupor que produjo ‘Inner Sanctum’ (y ‘Happiness’ a continuación). Durante esta década pasada, pues, Tennant y Lowe han demostrado estar en una forma estupenda con discos más que solventes y temas que aguantan airosos las comparaciones con los grandes clásicos.

Pero, ¡ay! Los tres últimos singles que el dúo ha revelado tienen mucho de cuestionable, pero nada de inapelable. No cuento a ‘Agenda’, fruto del enfado del dúo ante la deriva del mundo en general y del Reino Unido en particular. Han pasado cuatro años desde ‘Super’. Una distancia temporal inusual, que debiera haber servido para pulir un puñado de canciones sublimes. Sin embargo, estamos lejos de lo imperial. ‘Dreamland’ es pegadiza. Las voces de Neil y Olly Alexander empastan muy bien, pero su ritmo recuerda bastante a ‘The Way It Used to Be (uno de los mejores temas de ‘Yes’) y no pasa de eso, de llamativa. ‘Burning the Heather’ parece uno de los temas de relleno de ‘Release’. Es una balada con la guitarra de Bernard Butler, de inspiración muy Bee Gees, muy setentas. Y resulta demasiado insulsa. Destaca la interpretación, claro, de Tennant y la letra tan sumamente triste (“You’ve got me all wrong / I’m not that guy / I’m just the singer of the song in my mind’s eye”). Pero hay que hacer un esfuerzo extra para que te llegue a gustar. ‘Monkey Business’ es divertida e intrascendente; funcionaría mucho mejor como cara B. De hecho, es lo que parece. Y su disco funky llega un par de años tarde. Los Arcade Fire de ‘Everything Now’ ya lo hicieron antes y mejor.

Así que, de momento, ‘Hotspot’ parece una ensalada extraña en la que no sabemos que nos vamos a encontrar, ya que los tres cortes de presentación tienen poco en común entre ellos… Aparte de que su calidad no sea óptima, precisamente. El hecho de que, además, la gira de ‘Dreamland’ se anuncie como de “Greatest Hits”, obviando referencias a ‘Hotspot’, ya me llena de recelo. ¿Desconfían ya tanto de su nuevo disco? ¿Tendré que darle la razón a mi compañero Jordi con lo de que es hora de pasar página con Stuart Price? Crucemos los dedos y esperemos que todos estos temores sean infundados. Mireia Pería.


Confeti de Odio vira al noise pop para decir que te quiere (o te odia) ‘Muchísimo’

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Tras el EP ‘Llorar de fiesta‘ y varios singles como ‘Hoy será un día horrible’, ‘Hasta romper el móvil, ‘Hechizo‘ y el doble ‘Quiéreme/Si me quiero‘, ya no se puede hablar de Confeti de Odio como una «promesa», sino como una realidad del pop español. Y por eso, si alguien se lo preguntaba, no había lugar para incluirle en nuestro especial Revelaciones 2020. Pero, eso sí, esperamos que confirme su singular talento y amplíe del todo su parroquia con un álbum debut que, por fin, acaba de anunciarse.

Bueno, más o menos, porque de momento Lucas de Laiglesia no detalla ni su título, ni su portada ni su tracklist. Aunque sí sabemos que se publicará en marzo y que no incluirá ninguna de las canciones editadas anteriormente por él. Quizá sea porque, otra vez, da un viraje estilístico a su propuesta. O no del todo, quién sabe. Lo único cierto es que ‘Muchísimo’, el primer adelanto del mismo que hoy presenta, es algo diferente a casi todo lo que ha hecho anteriormente. Porque, si bien es cierto que en ‘Hoy será un día horrible’ y ‘Quiéreme’ ya sonaban guitarras afiladas y potentes, nunca había sido tan incisivo y potente como en esta nueva canción.

‘Muchísimo’ es un botefón de noise pop –un poco Weezer, con ese sintetizador chirriante de fondo– que truena sin freno durante sus escasos dos minutos, que aunque parezca poco tiempo es suficiente para pasar del amar a odiar, pero siempre «muchísimo». Con una melodía que, curiosamente, suena más elaborada en sus estrofas, mientras que el gancho (simple, pero eficacísimo) consiste en repetir con insistencia el título del tema. La producción corre a cargo de Juan Pedrayes, batería de Carolina Durante y Axolotes Mexicanos, grupo en el que también milita Lucas. Y otro miembro de ese grupo, René, se ha encargado de la mezcla y master, mientras que las baterías son de Carlos Hernández.

Mención aparte para el vídeo oficial, que traslada ese amor/odio de una relación sentimental al amor/odio del público hacia un artista (o al revés). Así lo da a entender el clip de Enrique R. Novoa, filmado en la Sala El Sol y que cuenta con cameos de Esty Quesada (Soy Una Pringada), Elena Nieto (Yawners) o Stephen Please (No Fucks), entre otros.

Lo mejor del mes:

Hayley Williams de Paramore no recuerda a Gwen, pero sí a Wild Beasts, en ‘Simmer’

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Tras varias pistas dejadas en Instagram, Youtube o en la misma calle mediante pósters publicitarios, Hayley Williams de Paramore ha anunciado oficialmente lo que era un secreto a voces: la llegada de su primer disco en solitario. ‘PETALS FOR ARMOR’ sale el 8 de mayo.

Sobre el proyecto, Williams ha dicho lo siguiente: «Hacerlo ha sido una experiencia terrorífica pero empoderadora. Algunos de los momentos de los que más orgullosa estoy como letrista han ocurrido durante la composición de ‘PETALS FOR ARMOR’. Y también he podido ensuciarme las manos un poco más de lo habitual en cuanto a instrumentación. Formo parte de una banda compuesta por mis músicos favoritos así que no suelo sentir la necesidad de meterme en el papel de uno en lo que a discos de Paramore se refiere, pero en este caso, he experimentado un poco más aprovechándome de mi ingenuidad musical».

Desde sus inicios emo hasta sus recientes exploraciones poperas, pasando por su notable álbum homónimo, que valía a la banda un Grammy por el hit ‘Ain’t It Fun’; poca duda cabe que Paramore ha sido una de las bandas de rock recientes que mejor han sabido evolucionar. Por eso, quienes esperaban que la carrera en solitario de Williams fuera a parecerse un poquito a la de Gwen Stefani van a sentirse decepcionados: ‘Simmer’, el primer adelanto de ‘PETALS FOR ARMOR’, recuerda más que nada a grupos alternativos tipo Radiohead, alt-j o los primeros Wild Beasts.

‘1917’ es un logro técnico espectacular… ¿y ya?

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Tras una década dedicada a la franquicia James Bond y habiendo dirigido una de las películas más prestigiosas de la saga (‘Spectre’), Sam Mendes regresa a un guion original con ‘1917’. La cinta nos sitúa en ese mismo año, en mitad de la Primera Guerra Mundial, donde a dos jóvenes soldados británicos se les encarga la misión de atravesar el territorio enemigo para hacer llegar un mensaje y así evitar un ataque que se llevará la vida de cientos de soldados. La propuesta del director es realizar una experiencia física e inmersiva, transportando al espectador al campo de batalla. Para llevar esto a cabo, Mendes plantea la película como si fuese un único plano-secuencia (que realmente no lo es, al igual que en ‘Birdman’ de Iñárritu) y, en un principio, su apuesta tiene sentido. Los primeros cuarenta minutos atrapan, se entiende el motivo por el que Sam Mendes usa este recurso; es vivir la guerra en primera persona, sudar, correr y sufrir con su protagonista. La técnica impresiona: la cámara se mueve por los recovecos más insospechados, la planificación es impecable a nivel de organización de figurantes y actores –muy bien tanto George MacKay como Dean-Charles Chapman-, la fotografía de Roger Deakins supone otro grandísimo trabajo en su prestigioso currículum, el diseño sonoro sobrecoge… Absolutamente todo esto es sobresaliente, pero a medida que la película avanza, la sensación de que la obra en sí está diseñada únicamente para epatar empieza a invadir.

Aguantar durante dos horas el “efecto plano-secuencia” sencillamente no funciona. Pasado el primer tercio, el film se viene abajo, empiezan a aparecer los tintes más melodramáticos y académicos, y uno se pregunta si toda la espectacularidad visual realmente lleva a algún sitio o es simplemente un alarde egocéntrico de su director. La emoción no llega de manera orgánica sino a través de un uso abusivo de la bonita música de Thomas Newman o de giros de guion cuestionables. El principal problema de la puesta en escena es que acaba jugando en contra de la película, que al final está mucho más pendiente de hacer virguerías con la cámara que de elaborar un guion sólido que no dependa exclusivamente del aspecto técnico. El protagonista pasa todo tipo de calamidades por lograr su objetivo, pero llegados a un punto, resulta inverosímil que siga en pie después de todo lo que le ha pasado. Tampoco ayuda a dar credibilidad la terrible idea de introducir cameos de actores famosos durante todo el metraje. La única manera de entenderlo es la necesidad de restregar al espectador el dinero que hay en la producción, porque ver de repente a Colin Firth o Benedict Cumberbatch (que perfectamente podrían ser otros) dos minutos en un reparto lleno de caras semi-desconocidas te expulsa de la película y resulta tan incomprensible como caprichoso.

Pero aún con todo, es injusto negar que ‘1917’ no funciona como un entretenimiento fugaz. Es una especie de videojuego en el que es difícil aburrirse y que mantiene cierta tensión, solo que a niveles cinematográficos tiene mucho menos que ofrecer de lo que se cree. Mendes ha creado una película que llamará la atención de los académicos, y levantará pasiones entre ciertos sectores de la cinefilia, pero no parece estar llamada a perdurar demasiado en el tiempo. En cualquier caso, habrá que esperar para comprobarlo. 6.

SanSan completa el cartel de su próxima edición con Monterrosa, La Plata, El Kanka…

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SanSan completa la programación de su próxima edición, que tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de abril en Benicàssim. Os recordamos que son cabezas de cartel del «primer festival del año» Bombay Bicycle Club, autores de nuestro «Disco de la Semana», ‘Everything Else Has Gone Wrong‘. Recientemente hemos tenido oportunidad de hablar sobre el álbum con Jack Steadman y hoy la canción titular del álbum es la «canción del día».

Entre los nombres que completan el cartel de SanSan se encuentra una de las bandas de tecno-pop más relevantes del momento, Monterrosa, autora de una de las mejores canciones de 2019; y La Plata, una de las mejores bandas españolas de punk de los últimos tiempos gracias a la sucesión de hits de su disco de 2018, ‘Desorden‘. También El Kanka, trovador contemporáneo y autor de himnos como ‘Canela en rama’ o ‘Lo bien que estoy y lo poco que me quejo’, se cuenta entre los confirmados definitivos de SanSan, a los que se suman Rizha, Los Vinagres y Meritxell Nedderman.

Así, SanSan da por finiquitado un cartel que ya incluía figuras como Leiva, Sidecars, Dorian, Xoel López, Zahara, Rayden, Novedades Carminha, Mucho, Chef’s Special, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Gimnástica, Arco, Tórtel, Chucho, Uniforms, Molina Molina, Nerabe, Badlands o Blanco Palamera, así como Miss Caffeina, La Casa Azul, Carolina Durante, La Bien Querida, Delaporte, Las Chillers, The Crap Apples, Los Punsetes, Varry Brava, Locoplaya, Cala Vento, Mujeres, Rusos Blancos, Glitch Gyal, Mr.Kilombo, Zea Mays, Lígula o Betacam. El cartel electrónico de SanSan también ha sido anunciado.

Taylor Swift habla sobre su evolución personal en el tráiler de ‘Miss Americana’ y opina sobre el desastre de ‘Cats’

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El 31 de enero llega a Netflix, tras su proyección en Sundance, ‘Miss Americana’, la película documental de Taylor Swift. En ella, la autora de ‘Lover‘ hablará sobre su carrera, los diversos obstáculos a los que se ha enfrentado, el cáncer de su madre o su evolución personal realizada a ojos del mundo. En el tráiler de ‘Miss Americana’, Swift reconoce que durante años buscó ser una «chica buena», pero que eso le hizo «luchar constantemente por el respeto de la gente» y después «matar» a la «vieja Taylor» y convertirse en el personaje malvado de ‘reputation‘. «Tuve que deconstruir todo un sistema de creencias y tirarlo a la basura», afirma en un momento del avance.

Parte de ‘Miss Americana’ se centrará en el despertar político de Swift en 2018, y de hecho, el mismo 31 de enero llega a las plataformas digitales una canción nueva de la artista llamada ‘Only the Young’, un «himno para los millennials» según Variety, compuesto por Swift tras la derrota de los dos candidatos demócratas a los que apoyó públicamente en las últimas elecciones, Phil Bredesen y Jim Cooper. La canción sonará en los créditos finales de la película.

Precisamente con Variety, Swift ha hablado sobre ‘Miss Americana’ en una interesante entrevista en la que también ha dejado unas declaraciones sobre el desastre de ‘Cats’, película en la que aparece y para la que ha compuesto la canción ‘Beautiful Ghosts’, nominada a un Globo de Oro. Su valoración sigue siendo positiva: «No voy a decidir retroactivamente que no fue la mejor experiencia. Jamás habría conocido a Andrew Lloyd Webber y visto cómo trabaja de no ser por ella, y ahora somos colegas. Tuve la oportunidad de trabajar con los actores y bailarines más increíbles. Yo no tengo quejas»

Camellos hablan en profundidad de su pasión oculta… Los Simpson

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Camellos es una de esas bandas de punk españolas que ha logrado despuntar gracias a sus deslenguadas letras e infalibles ganchos. Si su debut ‘Embajadores’ prometía gracias a temas tan certeros como ‘Gilipollas’, su segundo disco, ‘Calle para siempre‘, editado a finales del pasado mes de noviembre, ha confirmado que Camellos han llegado para quedarse. Apegados a un sonido que puede recordar tanto a The Fall como a Siniestro Total o incluso a los primeros Novedades Carminha desde una perspectiva más macarra, Camellos han sumado con él más temas estupendos y ultra inmediatos a su hasta ahora corta carrera, como ‘Arroz con cosas’, ‘Pesadilla en el hotel’ o ‘Mazo’.

Los autores de ‘Es tan 2020’ son los nuevos invitados a nuestra sección «Meister of the Week», en la que grupos o artistas nos hablan de algunos de sus temas favoritos, los cuales no tienen que estar relacionados con la música. La elección de los madrileños Frankie Ríos, Fernando Naval (ambos voces y guitarras) y Jorge Betrán (batería) y del estadounidense Tommy Dewolfe (bajo) ha sido la serie animada para adultos por antonomasia, ‘Los Simpson’. Los tres primeros nos hablan sobre sus personajes, escenas y episodios favoritos, el significado de un personaje como Homer Simpson o sobre por qué los últimos capítulos de la serie no molan tanto como los viejos.

Por qué habéis escogido hablar de ‘Los Simpson’? ¿Erais de los que se sentaban religiosamente delante de la tele cada día a las 14.00 para ver la serie por enésima vez?
Frankie: Yo salía corriendo del instituto para llegar lo antes posible a mi casa a verlo, en ocasiones jugándomela a que me atropellasen. Si llegaba y había putos anuncios, solía cabrearme.

En concreto, queréis comentar cómo la serie de Matt Groening se ríe de nuestra sociedad. ¿Qué diríais que hace a la serie diferente de otras que hacen lo mismo como ‘South Park’? ¿Cuál es para vosotros la clave de su éxito?
Fer: Realmente escogimos ‘Los Simpson’ porque podemos pasar horas hablando en frases de la serie, rollo que podemos rememorar historias que la mayor parte de gente ni recordará de dónde han salido. Lo de hablar de cómo se ríe de nuestra sociedad era para hacernos los interesantes, ¿sabes? ‘South Park’ mola, pero ‘Los Simpson’ es el cremosini de las series de animación.
Jorge: ‘Los Simpson’ fueron algo bastante homogéneo en el grupo de amigos del que nació Camellos; todos estábamos bastante metidos en ese mundo y de hecho en varias canciones hemos hecho alusiones bastante maquilladas, posiblemente sólo reconocibles para los más fans de la serie.

¿Cuál es vuestra escena o episodio favorito de Los Simpson de todos los tiempos?
Frankie: Bart tiene que pedir perdón por una broma que gasta a un niño en Australia tras tenerle 6 horas al teléfono revisando en qué dirección va el agua del retrete en su país, y hay un momento del mismo capítulo en que Bart llama a una cabina telefónica y lo coge Hitler, que estaba de compras y andaba por esa calle, gritando “Das telefon is stupid!”.
Jorge: Cuando era más pequeño y veía la serie sin entenderla muy bien, simplemente por aquello de ser dibujos animados, me encantaba el capítulo de ‘Tenacitas’, la langosta que adopta Homer. Conforme vas creciendo y te vas dando cuenta de todo el trasfondo que tiene la serie, me fueron cambiando los gustos. Ahora mismo creo que me quedaría con el capítulo en el que medican a Bart con ‘Focus-in’… «¿Quieren saber la verdad? ¿O prefieren verme batear?»

‘Los Simpson’ han creado mucho vocabulario, ¿soléis usar alguna frase en particular de la serie entre vosotros o asociar situaciones a alguna escena en concreto? Por ejemplo, cuando alguien duda de algo que estás diciendo, responder con “¿que no, Lisa?”
«Nadie es facooooquero». (Marge a sus hijos)
«¿Yo, qué he hecho yo?» (Fat Tony, tras dar una paliza)
«He dicho pssst, te quiero». (Homer a Marge, tras abrirse una cerveza a oscuras)
«¿Quién necesita la infinita compasión de Ganesha cuando tengo aquí a Tom Cruise y Nicole Kidman mirándome con los ojos muertos?» (Apu)
«No puedo salir hoy, tengo noche de siluetas» (Skinner)

«Homer es reflejo fiel de un adulto que sólo sabe trabajar, comer y dormir. Para lo demás, es más inútil que un flotador de piedra. Además, está en constante competición con otros hombres y siempre opina sobre todo sin saber realmente nada, como un buen “cuñado” del mundo real»

‘Los Simpson’ trata muchísimos temas sociales, pero el núcleo de la serie es la familia. ¿En qué aspectos creéis que es un reflejo realista de las familias modernas? ¿Os habéis sentido identificados alguna vez con algunos de sus personajes?
Frankie: Bueno, hay una pareja inmigrante con octillizos (mostrando que la natalidad inmigrante suele ser mucho mayor), Selma intenta ser madre soltera, los padres de Milhouse están divorciados y se repelen, Skinner vive con su abuela, y el matrimonio Simpson se basa en la paciencia infinita de Marge. Refleja bastante los modelos familiares, sí, aunque a mí me parece que ese sólo sería uno de los núcleos, porque tienen casi el mismo peso las relaciones personales de los miembros de la familia con terceras personas (amigos, vecinas, famosos) que las intrafamiliares, ¿no? El reverendo Lovejoy aparece más a menudo que la madre de Homer o la de Marge, y el dueño de su bar de confianza es más importante para Homer que su propio padre, como ocurre con muchos adultos del mundo real.

La estupidez de Homer parece reírse en general del patriarcado: el padre de familia es a su vez un patán absoluto. ¿Por qué creéis que se ha convertido en un personaje tan icónico?
Frankie: Porque, al menos durante siglos y en buena medida aún hoy, es un reflejo fiel de un adulto que sólo sabe trabajar, comer y dormir. Para lo demás, es más inútil que un flotador de piedra. Necesita que le hagan todo o lo hace él a lo bestia o mal, como cuidar la educación de sus hijos o hacer cualquier tarea de la casa: eso son cosas “de mi señora”, como dice él mismo a veces. Además, está en constante competición con otros hombres y siempre opina sobre todo sin saber realmente nada, como un buen “cuñado” del mundo real. A menudo, mentir o fingir que sabe lo que está haciendo le lleva a las situaciones histéricas y surrealistas que tanto nos gustan, pero el equivalente en un adulto real no sería tan gracioso.

«“El viejo Gil” es el loser del que habla la cultura imperante americana de forma despectiva, cuando en realidad describe al americano medio aterrado por no llegar a fin de mes, desbordado por las deudas y suplicando por que le traten con dignidad»

Lisa, por otro lado, representa el contrapunto intelectual, a veces próximo a lo pedante. ¿Vosotros sois mas de Bart o de Lisa? ¿Por qué?
Frankie: Yo soy más de Bart, a pesar de ser vegetariano y amante de los animales: me pasé la infancia y adolescencia con amigos a los que les encantaba gastar bromas de dudoso gusto y aún hoy tengo mis placeres culpables sobre «putear” a la gente.
Fer: Depende de donde cojas la historia de ‘Los Simpson’, en los últimos capítulos Bart es malo a conciencia y hace el mal a conciencia. La raíz del personaje, y de la mayoría, es que las cosas les salían mal por torpeza, pero en el fondo son “buenas personas” y se quieren. El personaje de Lisa solo cobra verdadera vida fuera del contrapunto con la personalidad de Homer y Bart en su amor por la música jazz.

En la serie, incluso personajes secundarios como Moe o las hermanas de Marge o tan periféricos como Grimes tienen matices y están muy bien perfilados. ¿Cuál es vuestro personaje secundario favorito de Los Simpson y por qué?
Frankie: “El viejo Gil”, el vendedor perdedor. Me da mucha lástima pero le ocurren cosas demasiado absurdas como para no hacerme gracia, como vender los ordenadores Coleco al colegio diciendo al mismo tiempo que se oxidan rápidamente y acabar suplicando que se los compren. Es el loser del que habla la cultura imperante americana de forma despectiva, cuando en realidad describe al americano medio aterrado por no llegar a fin de mes, desbordado por las deudas y suplicando por que le traten con dignidad.
Fer: Los compañeros de trabajo de Homer, especialmente Lenny, que vive junto a una pista de Squash o algo así, y que tiene citas memorables como: «Todo el mundo se equivoca, por eso los lápices llevan goma de borrar».
Jorge: A mí me gusta mucho el sarcasmo del vendedor de la tienda de cómics, aunque uno de mis favoritos es sin dudas Clancy Wiggum, el jefe de policía, por toda la crítica que lleva consigo ese personaje hacia esa institución (la máquina de escribir invisible como elemento de ignorancia activa ante cierto tipo de denuncias).

«Cuando eras más joven, con el capítulo de ‘Lisa necesita un aparato’ te quedabas con aquello de «quiero mi bocadillo», pero después llega un momento en que lo vuelves a ver y te das cuenta de la carga social que lleva detrás: dibujos animados enseñándote de qué va la lucha de clases»

Con las revisiones es fácil entender de repente muchas bromas de Los Simpson que antes se te escapaban. Sin duda, es una serie de animación para adultos ante todo. ¿Recordáis alguna en particular?
Frankie: Recuerdo haber entendido cuestiones de cómo funciona el sistema en el que vivimos (política, economía) cuando ya era más mayor, como el márketing agresivo y fraudulento de todo lo relacionado con Krusty, el payaso. Cuando Bart se rebela durante el Campamento Krusty, asegura que ha sufrido innumerables problemas de salud por culpa del merchandising del payaso, y el propio Krusty no quiere comerse las hamburguesas de su cadena ni ver sus programas porque le dan asco. Él sólo quiere hacer el máximo beneficio, sea como sea. Además, en la serie siempre hay un pringado que paga por la gran empresa, como en este caso: el adolescente con acné que trabaja en el Krusty Burger, Barney vestido de “Kresta el payaso” en el campamento, el eterno “actor secundario-becario” Mel, etc.


¿’Los Simpson’ alguna vez os han hecho pensar, reflexionar, más que reír? Recuerdo un final de episodio muy “creepy” protagonizado por Artti Ziff, o el estrés extremo al que se ve sometida Marge Simpson durante un episodio, cuando se queda sentada en el aire mirando la tele: el humor en este caso se confunde con algo muy siniestro y dramático.
Frankie: El capítulo en que Homer ayuda a Mel Gibson a hacer una película “superventas para el americano de a pie” empieza con un arrebato muy chungo de celos por parte de Homer: intenta boicotear la última película del actor porque a Marge éste le parece muy atractivo y después la agarra por el brazo cuando Mel Gibson aparece en su casa, mientras grita “¡es mi mujer, me pertenece!”, señalando al anillo de casados. Luego todo el argumento se vuelve gracioso y se diría que se le olvida al espectador lo que acaba de pasar.
Jorge: El mítico capítulo de ‘Lisa necesita un aparato’, en el que, cuando eras más joven, te quedabas con aquello de ‘quiero mi bocadillo’ hasta que llega un momento que ves ese capítulo y te das cuenta de la carga social que lleva detrás: dibujos animados enseñándote de qué va la lucha de clases.

Otro tema que trata la serie es la religión. El cristianismo de Ned, el hinduismo de Apu o el judaísmo de Krusty son abordados con humor a riesgo de ofender, lo cual ha ocurrido. ¿Son especialmente memorables para vosotros algunos momentos de ‘Los Simpson’ relacionados con la religión?
Frankie: A mí me gusta cuando Apu va a suicidarse y consulta la tabla de reencarnaciones para descubrir que en su siguiente vida va a ser una ameba.
Fer: El capítulo en que Bart reparte las partituras para cantar en la iglesia ‘In the Garden of Eden’ de Iron Butterfly, que, cuando se da cuenta, el reverendo no tiene energías más que para constatar que es música pagana en una iglesia.
Jorge: Cuando Bart se queda en casa de los Flanders y están jugando a algo así como un trivial cristiano, en el que Rod o Tob le preguntan a Bart algo así como «cabeza de león, cola de serpiente y escupe fuego, qué es?», a lo que Bart responde «¿Jesús?»

Son muchos los personajes famosos que han pasado por Los Simpson. ¿Recordáis algún cameo que os gustara especialmente?
Frankie: Sin duda, el capítulo de Mel Gibson, en el que al final lanzan a Homer del coche en marcha y este grita “¡Eh, Mel, que me he caído!”. El momento de “los hijos” de George Bush (senior) tendiéndole una trampa para ponerle una peluca de colores también está bien.

«Algunos estereotipos son en cierta forma autocrítica y nos hacen especial gracia porque sí creemos que albergan parte de verdad, pero otros son prejuicios intolerantes y esos no nos gustan»

La serie también ha echado mano de estereotipos para reírse de sociedades ajenas a la americana. Su representación de Brasil valió a la serie una amenaza de denuncia por parte del país. España sale llena de tópicos, igual que Francia, Reino Unido… esos octillizos de Apu y Manjula. ¿Sois defensores de los estereotipos para hacer humor? ¿Algunas de sus representaciones de gente extranjera y de otras culturas os ha hecho especial gracia?
Frankie: Yo creo que no somos ni defensores ni detractores: algunos estereotipos son en cierta forma autocrítica y nos hacen especial gracia porque sí creemos que albergan parte de verdad, pero otros son prejuicios intolerantes y esos no nos gustan. Cogiendo el ejemplo de Apu, en un capítulo intenta convencer de lo “enamorado de América” que está, vestido con una camiseta de los Mets y diciendo que está contento de haber sustituido la estatua de un dios hindú por una revista con Tom Cruise y Nicole Kidman en la portada, para después romper a llorar por haber traicionado su cultura. Siguiendo con ese cachondeo, cuando Homer visita la India asegura que todos son físicamente iguales pero encuentra al familiar de Apu tras preguntar a sólo dos personas por la calle. De hecho, los padres del propio Apu se despiden de él así, en referencia a la cantidad de hijos que tienen (cuyos nombre no recuerdan) y la ingente población de la India: “vayas a donde vayas, tú, nunca olvides quien eres, tú”.

¿Seguís viendo la serie? ¿Estáis familiarizados con las nuevas temporadas? ¿Creéis que sois reivindicables o que muestran un agotamiento en la fórmula?
Frankie: Seguimos viéndolo únicamente cuando lo pillamos en antena, en los pocos ratos que pasamos frente a la tele, pero no activamente. Yo personalmente no estoy muy a gusto con la manía que parecen tener en los últimos años de centrarse en un tema y retorcer mucho el argumento. Durante mucho tiempo hicieron capítulos que empezaban con una cosa y acababan de forma totalmente distinta, metiendo momentos absurdos en medio que ni siquiera servían realmente de nexo de unión, pero que te dejaban perplejo. Ahora es como que hacen uno sobre Tinder y lo acaban haciendo muy histriónico. Además, meten muchos sketches off-topic, al estilo de ‘Padre de familia’, cosa que tampoco me encanta: deja que la broma macere en la cabeza de quien está viendo el capítulo, no se la expliques tanto.

Stephen Malkmus presenta nuevo disco con el exquisito diálogo de guitarras de ‘Xian Man’

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Stephen Malkmus de Pavement ha anunciado nuevo disco en solitario. ‘Traditional Techniques’ sale el 6 de marzo y es un trabajo de «folk de la nueva era para gente de la nueva era», un «álbum aventurero» pero también «familiar» compuesto por «arreglos hechos a mano, folclore moderno y 10 canciones escritas e interpretadas en la singular voz» de su autor.

Concebido mientras grababa ‘Sparkle Hard‘ junto a su banda The Jicks, Malkmus ha basado la composición de ‘Traditional Techniques’ en su guitarra acústica de 12 cuerdas, pero el álbum cuenta también con una variedad de instrumentos afganos, flautas e influencias tanto del rock hippie como del jazz. Según la nota completa una trilogía formada por el mencionado ‘Sparkle Hard’ y su sucesor, ‘Groove Denied’. Los tres «dan buena cuenta de un artista comprometido con descubrir territorios inexplorados».

¿Y cuál es el primer adelanto de este trabajo que pretende ofrecer una visión renovada del folk? ‘Xian Man’ no es tan diferente a lo ya oído en otros trabajos de Malkmus, pero su exquisito diálogo de guitarras puede ser un buen punto de partida para empezar a descubrir el trabajo del cantautor estadounidense, quien, por cierto, ha grabado el álbum junto a Chris Funk de Decemberists y el productor Matt Sweeney.

Fallece a los 77 años Terry Jones de Monty Python, director de ‘La vida de Brian’ y ‘El sentido de la vida’

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The Associated Press confirma el fallecimiento este martes, a los 77 años, de Terry Jones, uno de los seis miembros originales del grupo de humor británico Monty Python. El director, guionista y académico padecía afasia primaria progresiva, una enfermedad neurodegenerativa que afecta a la capacidad de lenguaje.

Gran responsable del humor y estructura surrealistas de ‘Monty Python’, Jones creó al grupo cómico en 1969 junto a los británicos Michael Palin -compañero de él en la Universidad de Oxford-, Eric Idle, John Cleese y Graham Chapman y el americano Terry Gilliam. Los sketches televisivos de Monty Python fueron una absoluta sensación en Reino Unido y dieron lugar a la creación de varias películas míticas que siguen siendo populares hoy en día (así como sus mejores momentos televisivos). Por ejemplo, Jones dirigió junto a su compañero Terry Gilliam la película de 1975 ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’, pero es que él fue director único de posiblemente las dos películas más populares del grupo cómico, ‘La vida de Brian’, de 1979, y ‘El sentido de la vida’, de 1983.

Graduado en inglés, Jones además de actor y director fue escritor y académico. Fue experto en historia medieval, tema sobre el que escribió varios textos. El primero, editado en 1980, fue ‘Chaucer’s Knight: The Portrait of a Medieval Mercenary’, una interpretación alternativa de ‘The Knight’s Tale’ de Geoffrey Chaucer, uno de los textos incluidos en los conocidos «cuentos de Canterbury». Jones llevó varios de sus textos a televisión mediante documentales, y además escribió varios libros infantiles.

No te pierdas el vídeo de Vicente Navarro para ‘Toro’, una reflexión sobre la masculinidad de hoy

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Vicente Navarro continúa con la promoción de su primer disco, ‘Casi tierra‘, uno de los mejores discos de 2019, y estrena videoclip para la canción del disco que, según él mismo, mejor le «representa». Y, a la vez, el cantautor y actor madrileño anuncia las fechas de su primera gira, que arrancará a finales de febrero en Madrid.

La canción a la que nos referimos es por supuesto ‘Toro’, desde el minuto 1, uno de los grandes momentos de ‘Casi tierra’ gracias a su combinación de tradición y electrónica, de pasado y presente. En coordenadas similares se mueve su videoclip, dirigido por Guillermo Guerrero (Zahara, Miss Caffeina) y rodado en blanco y negro en el pequeño pueblo de Caudilla, en Toledo. En él, Navarro «da una vuelta de tuerca más al concepto de tradición tan presente en este proyecto» y, en concreto, «reflexiona sobre la nueva masculinidad y se replantea qué significa ser hombre hoy».

La gira de Vicente Navarro comenzará en el Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, donde tocará en lugares como el Museo del Prado o el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. A falta de más fechas por confirmar, la gira pasará también por ciudades como Barcelona, Málaga, Sevilla o Granada. Las entradas para el Festival Internacional de Arte Sacro se pondrán a la venta el 31 de enero a través de la web del festival.

Gira ‘Casi Tierra’
29/02 – CCHSN de La Cabrera (La Cabrera, Madrid)
04/03 – La Cuarta Pared (Madrid)
07/03 – Museo del Prado (Madrid)
14/03 – Corral de Comedias (Alcalá de Henares, Madrid)
15/03 – Centro Cultural Paco Rabal (Madrid)
26/03 – Sala FunClub (Sevilla)
27/03 – Velvet Club (Málaga)
28/03 – Boogaclub (Granada)
17/04 – Heliogàbal (Barcelona)

BTS anuncian dos conciertos en el Estadi Olímpic Lluis Companys de Barcelona

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BTS han vuelto tras un parón de varios meses con toda la artillería pesada. Primero han anunciado que su nuevo disco, ‘MAP OF THE SOUL: 7’, sale el 21 de febrero, y ahora han anunciado una extensa gira mundial para presentarlo que pasará por primera vez por España. En concreto, los surcoreanos actuarán los días 17 y 18 de julio en el Estadio Olímpico Lluis Companys. Las entradas se pondrán a la venta próximamente según Live Nation.

Barcelona es solo una de tres paradas europeas que realizará este año la gira de BTS, que pasará a su vez por Londres los días 3 y 4 de julio y por Berlín los días 11 y 12 de julio. El resto de fechas se reparten entre Asia -la gira arranca el 11 de abril en Seúl con cuatro fechas- y América del Norte, con fechas confirmadas en San Francisco, Los Ángeles, Orlando, Washington D.C, Toronto (Canadá) o Chicago, entre finales de abril y principios de junio. Tras actuar en Chicago, los chicos actuarán los días 13 y 14 de junio en un lugar por confirmar (parece que podría ser una ciudad de América Latina) y después volarán a Fukuoka, Japón, continuarán el tour en Europa y después volverán a Japón para realizar su tramo final, que tendrá lugar entre finales de julio y principios de agosto en las ciudades de Osaka, Saitama y finalmente Japón.

Los autores de ‘Map of the Soul: Persona‘ han oficializado su regreso con el lanzamiento del single ‘Shadow’ y su impactante videoclip, al que después ha seguido ‘Black Swan’ también con un videoclip de recomendado visionado. Con este último os dejamos.


La emocionante resurrección de Bombay Bicycle Club hecha vídeo y canción

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Bombay Bicycle Club no han perdido a sus fans a lo largo de estos 6 años de parón en los que hasta se han separado sin comunicarlo oficialmente. Según las midweeks británicas, ‘Everything Else Has Gone Wrong’, nuestro “Disco de la Semana”, será top 3 en las listas oficiales de este viernes, despachando en torno a 20.000 unidades en estos 7 días.

Los streamings de sus singles son también decentes, especialmente los de ‘Eat, Sleep, Wake (Nothing but You)’. Sin embargo, para la pegada que tienen muchos de ellos, es claro que todos ellos hubieran funcionado muchísimo mejor si hubieran pasado 2 años y no 6 entre disco y disco. La canción titular está entre lo mejor que han firmado.

Estamos ante una canción deliciosamente dividida en dos partes: la primera es un medio tiempo agrio convencional que habla de cuando «todo va mal» y no somos capaces de expresar lo que sentimos. Pero a partir del minuto 2.30 hay un cambio de tercio: sube la intensidad, aparece un puente y a partir de entonces un juego de teclados y melodía vocal se combinan en busca de un crescendo totalmente escalofriante. Jack Steadman nos está narrando el resurgir de las cenizas. En sintonía con la composición, atentos al vídeo: en la primera parte vemos al líder del grupo recibiendo una paliza. En la segunda, una ambulancia trata de reanimarle, como metáfora de lo que nos está contando exactamente la letra: una persona tratando de encontrar una segunda oportunidad en la vida. Está claro, por lo que transmite esta excelente producción de John Congleton, que se le ha concedido. El grupo presenta este disco en el próximo SanSan.

Lady Gaga sigue sin pronunciarse sobre ‘Stupid Love’, ya online: primeras impresiones

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La histeria en torno a un nuevo single de Lady Gaga ha vuelto a invadir redes sociales y foros de música pop, con ciertos usuarios buscando una confirmación definitiva de la canción incluso dentro del código fuente de la página web de la artista (y la han encontrado, el título de la canción ha llegado a aparecer en dicho código para luego desaparecer). ‘Stupid Love’ lleva meses filtrándose en trocitos, de hecho es noticia al menos desde el pasado mes de agosto; y esta noche la canción ha llegado a la red al completo en buena calidad mientras Gaga sigue sin confirmar ni desmentir que se trate del primer single oficial de su próximo disco. La fecha de lanzamiento oficial de ‘Stupid Love’ sigue sin confirmarse pero sería el viernes 7 de febrero según una radio griega y otra francesa.

‘Stupid Love’ confirmaría el regreso de Stefani Germanotta a las producciones de electro-pop de sus primeros discos tras el éxito de ‘A Star is Born‘, si bien la versión que ha llegado a la red podría no ser la definitiva. La producción recuerda un poco a ‘Born this Way‘ y un poco a ‘ARTPOP‘ y la comparación no es solo nuestra. En nuestros foros, el usuario Efrenrodher opina positivamente de la canción y asegura que suena a un cruce entre ‘Born this Way’ y ‘Do What You Want’, mientras jaycc parece menos convencido con ella y escribe que Gaga «ha metido en la batidora Swine con Fashion of his love y ha salido esto». Por su parte, Newcombe esgrime que ‘Stupid Love’ ofrece un sonido «básico de Gaga a más no poder» y Xanti incluso pone en duda que sea una canción nueva: «Después de escuchar el tema en cuestión: ¿estáis seguros de que este tema es del proyecto nuevo? A mi me suena muy antiguo».

La canción, que ya ha sido pinchada en una discoteca, ha gustado mucho a algunos usuarios de foros anglosajones como Popjustice, y poco a otros. Está siendo muy celebrado el supuesto regreso de Gaga a la música de baile, pero algunas personas se preguntan, al escuchar ‘Stupid Love’, dónde está ese «gran estribillo» que un primer single de Gaga debería ofrecer. Una persona opina que el supuesto estribillo «suena como un post-estribillo», que a la canción le falta de hecho un «estribillo de verdad», y que la producción no es «interesante». Y si a algunas personas les está encantando por lo «divertida y eufórica» que suena, otras no ven ella ganchos potentes ni demasiado «replay value» para durar poco más de 3 minutos. ¿Estará Gaga al tanto de todo lo que está sucediendo con esta canción, cuya oficialidad sigue sin confirmarse?

of Montreal / UR FUN

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of Montreal llegan a su 16º disco con energía y ganas de cuestionar el mundo de hoy, y el talento para ofrecer singles que pueden situarse entre lo mejor de su larguísima carrera. Muy lejos de los recovecos casi inasumibles de ‘Skeletal Lamping‘, los sencillos de ‘UR FUN’ van absolutamente al grano. Es el caso de ‘Peace to All Freaks’, una de las canciones más accesibles de su discografía, con una serie de sintes ochenteros que forman una melodía de lo más bailable; o de ‘Polyaneurism’, una canción que demuestra que el cruce entre Iggy Pop y su amigo David Bowie; y entre Dragonette y su amigo Martin Solveig era perfectamente posible y digno de celebrar.

Ambas canciones tienen además mensajes muy potentes. ‘Peace to All Freaks’ llama al amor, a la lucha contra el «odio» y contra «la gente horrible», hablando sobre la necesidad de «educarnos a nosotros mismos» y de unirnos contra el mal, contra «los cínicos», contra «los amargados», en busca de un mundo mejor. La música a su vez transmite esa sensación de colectivo que siempre rezumó esta banda que conocimos como parte de Ellephant 6. Por su parte, ‘Polyaneurism’ es una canción que cuestiona las ventajas del poliamor, ahora que cada vez está más «de moda». Cuenta Kevin Barnes que pensaba que él mismo terminaría cediendo al poliamor, pero que no ha pasado, por lo que ha querido retratar, a través de experiencias de amigos, cómo el poliamor puede ser «frustrante» para una o varias de las partes y cómo puede requerir de mayor esfuerzo emocional incluso que una relación tradicional. Y lo mejor es que lo hace sin aleccionar: independientemente de que compartas su visión, la canción no puede sonar más divertida.

Aunque hay canciones de amor, como es el caso de ‘You’ve Had Me Everywhere’, que empieza diciendo que «si algo te pasara, me volvería loco y nunca me recuperaría»; los temas son variados en ‘UR FUN’. ‘Don’t Let Me Die In America’ es un deseo de morir en cualquier lugar excepto América, con una frase que plantea: «¿he perdido mi país porque no tengo amor para los cerditos fascistas?», pero en general apostando de nuevo por una estructura y una letra repetitiva que se quedan a la primera. Y es que esa es una de las claves de este álbum: las referencias pueden ser tan complejas como Noam Chomsky (‘Don’t Let Me Die In America’) o ‘La novia ensangrentada’ (‘Carmillas of Love’), pero los temas en general son inmediatos.

Apenas la sosa y rockera ’20th Century Schizofriendic Revengoid-man’ y la reptante ‘Deliberate Self-harm Ha Ha’, sobre la gente que se hace cortes en su propio cuerpo, un intento frustrado de meter en una batidora a Goldfrapp junto a Black Keys, hacen al disco decaer un pelín en su tramo final. En verdad, en 40 minutos hemos asistido a canciones tan interesantes como ‘Gypsy That Remains’ y ‘St Sebastian’. En la primera caben guiños al bajo de ‘Love Is In the Air’, a ‘Gypsy’ de Fleetwood Mac, a ‘Box of Rain’ de Grateful Dead y a «Cucurrucú Paloma», lo cual tiene bastante gracia: hay un quiebro en el final de su estribillo que no puede sonar más melódico.

Y ‘St Sebastian’ es otra de esas canciones de of Montreal en las que apetece adentrarse a través de entrevistas y notas verificadas de Genius. Suena al Bowie de principios de los 80, el «art pop», con unos pegadizos teclados también un poco franceses: es algo que podrían haber cantado los Stereo Total más enamorados de Gainsbourg. Por su parte, la letra habla a través del mártir San Sebastián de una persona que se ha dedicado a poner a caldo en internet a Kevin Barnes. Y ya tiene mérito que a pesar de su tono agridulce, dé ganas de bailar. El mundo está lleno de fascistas y de haters, pero al mal tiempo, buena cara: los conciertos de of Montreal volverán a ser un fiestón.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Peace to All Freaks’, ‘Polyaneurism’, ‘St Sebastian’, ‘Don’t Let Me Die In America’
Te gustará si te gusta: David Bowie, Stereo Total, Iggy Pop, Superorganism
Escúchalo: Spotify

Dcode vuelve a celebrarse a lo largo de 2 días y avanza parte de su cartel

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Dcode celebra este año su décima edición, pues como recordaréis nació en 2011, y lo hace volviendo a sus intenciones iniciales de contar con dos jornadas, que serán naturalmente viernes y sábado, en concreto las de los días 11 y 12 de septiembre de 2020. La organización recuerda que en este tiempo han sumado 200.000 asistencias, contando con más de 150 artistas.

Los dos cabezas de cartel serán esta vez nacionales: Leiva y Vetusta Morla, el primero en el momento comercial más dulce de su carrera tras haber arrasado en las listas de ventas y en las de streaming durante todo 2019 con su álbum ‘Nuclear’; y Vetusta Morla con un concierto muy especial con el que pondrán «punto y aparte a sus directos hasta nuevo aviso». El grupo lanza este año un disco de estudio en el que reinventan las canciones de su último largo, ‘Mismo sitio, distinto lugar‘. El viernes 11 de septiembre será el turno de Leiva, y el sábado 12 de septiembre, el de Vetusta Morla. Pero hay más confirmados.

Se trata de Coque Malla en el caso del viernes, y de Crystal Fighters, Sidonie, Fuel Fandango, Mando Diao, Maxïmo Park y Belako en el caso del sábado. Quedan más artistas por confirmar en ambas jornadas. Aunque es pronto para hablar de horarios, entre los dos días se sumarán 25 horas de música, habrá programación para los niños en DCODE KIDS y cuidadas y variadas opciones gastronómicas en la zona FOODLAND. También se informa de que DCODE seguirá ampliando ECODE, su propuesta de sostenibilidad a largo plazo.

Las entradas para Dcode salen hoy a la venta a las 12:00 horas a través de www.dcodefest.com, www.livenation.es y www.ticketmaster.es con un precio especial de salida: viernes 44 € (+ gastos), sábado 49 € (+ gastos) y un cupo de abonos a 80 € (+ gastos). Disponibles también a partir de hoy las entradas y abonos VIP: entradas VIP de día 120 € (+ gastos) y abonos VIP 200 € (+ gastos).

Amaia, Él Mató a un Policía Motorizado, DMBK y Cala Vento amplían la oferta de pop en español de Low Festival

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Se va poniendo muy interesante el cartel de Low Festival 2020… cuando aún queda la mitad por anunciar. Y es que el festival musical celebrado en Benidorm confirma hoy cuatro nuevos nombres con los que amplía y refuerza su oferta de pop alternativo cantado en español. El primero y más destacado por tirón comercial es obviamente el de Amaia. Mientras aún colea y seguimos disfrutando de su estupendo álbum debut tras ganar Operación Triunfo 2017, ‘Pero no pasa nada‘, ella sigue presentándolo con su solvente y engrasada banda –en la que destaca Núria Graham a la guitarra y coros– en salas de todo el país, pero también en festivales como Primavera Sound y, ahora, el Low.

Curiosamente, allí coincidirá con el grupo del productor de su disco, el argentino Santiago Barrionuevo. Y es que su banda, Él Mató a un Policía Motorizado también pasa a formar parte del cartel de este Low Festival 2020. Que se sepa, allí seguirán presentando las canciones del notable ‘La Síntesis O’Konor’ y el apéndice a este que publicaron a finales del pasado año, ‘La otra dimensión’. A ambos se suman también dos proyectos del underground nacional cada vez más conocidos: los kinkidélicos Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, y el dúo de power pop Cala Vento. Ambos, apurando la energía de sus dos fantásticos últimos discos. Todos ellos se incorporan a un elenco en el que ya destacaban Two Door Cinema Club, Primal Scream, White Lies, Cigarettes After Sex, Nilüfer Yanya, Fuzz (proyecto de Ty Segall), Viva Suecia, Sidonie, y un largo etcétera.

Los abonos generales para Low Festival 2020 pueden adquirirse desde solo 52€ aquí. Subirán de precio a las 23:59h de hoy. En el caso de los abonos VIP y VIP POOL, están disponibles por 115€ y 170€ respectivamente.

Pearl Jam reaparecen con una sorprendente ‘Dance of the Clairvoyants’, de aires ochenteros

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Pearl Jam acaban de presentar al mundo el primer single de su nuevo disco, ‘Gigaton’. Se trata de una canción titulada ‘Dance of the Clairvoyants’ y es presentada con un lyric-video que juega con la tipografía de la portada del álbum, presentada días atrás, pero esta vez sobre una imagen de una espectacular aurora boreal. Lo más sorprendente, en todo caso, es la canción, un tema introducido por un bajo y unos sintetizadores de reminiscencias ochenteras en la misma medida que las tiene una canción de Interpol, por ejemplo.

Una impresión que no ceja cuando irrumpe la guitarra de Mike McReady, con cierta querencia funky pero también afterpunk. El tema es sorprendentemente sinuoso y contenido y hasta la voz de Eddie Vedder tiene una reverberación diferente, por momentos próxima a la de Springsteen. En una nota, el bajista del grupo Jeff Ament confirma esa impresión: “»Dance» fue la tormenta perfecta de experimentación y auténtica colaboración. Abrimos algunas nuevas puertas creativamente y eso es excitante”. Quizá influya en ello que, por primera vez en mucho tiempo, han dejado de trabajar con el productor Brendan O’Brien para hacerlo con uno nuevo, Josh Evans –Soundgarden, Thunderpussy–.

‘Gigaton’ se publica en todo el mundo el próximo día 27 de marzo, y también se ha revelado ya su tracklist. Será el primer disco de Pearl Jam desde que en 2013 editaran ‘Lightning Bolt‘. El grupo de Seattle ha anunciado una gira mundial que, por el momento, no pasa por España.

Traclist de ‘Gigaton’:
1. Who Ever Said
2. Superblood Wolfmoon
3. Dance of the Clairvoyants
4. Quick Escape
5. Alright
6. Seven O’Clock
7. Never Destination
8. Take The Long Way
9. Buckle Up
10. Come Then Goes
11. Retrograde
12. River Cross

Jack Bisonte, Delaporte, Halsey y C. Tangana, en el top 40 de JENESAISPOP

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Jack Bisonte han logrado ser lo más votado de JENESAISPOP con el vídeo estrenado en este mismo site, con el que el dúo muestra su devoción por Lana del Rey, Dua Lipa (hasta ahora número 1 de la lista, por cierto), Tracy Chapman, y sobre todo France Gall. La canción ha conseguido hacer 20.000 plays en Spotify en 10 días sin el apoyo de ni una sola de las playlists “mágicas” de la plataforma sueca. También entran en el top 40 lo nuevo de Delaporte, Halsey, y C. Tangana. Nos despedimos de ‘Alocao’, ‘Narcissus’ y ‘You Ain’t the Problem’, ya con 10 o más semanas en lista y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 France Gall Jack Bisonte Vota
2 1 1 11 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
3 4 1 21 The Greatest Lana del Rey Vota
4 3 1 42 bad guy Billie Eilish Vota
5 8 1 29 God Control Madonna Vota
6 5 1 77 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
7 21 7 2 Drogas nuevas Algora Vota
8 2 2 28 Milionària Rosalía Vota
9 6 1 33 Aute Cuture Rosalía Vota
10 14 10 12 Lose You to Love Me Selena Gomez Vota
11 9 7 7 Blinding Lights The Weeknd Vota
12 13 3 23 Looking for America Lana del Rey Vota
13 12 2 18 Really don’t like u Tove Lo, Kylie Minogue Vota
14 20 9 9 Everything I Wanted Billie Eilish Vota
15 35 15 2 Muiñeira para a filla da bruxa Rodrigo Cuevas ronda a Raül Refree Vota
16 11 11 14 Lights Up Harry Styles Vota
17 7 1 24 Quedará en nuestra mente Amaia Vota
18 15 9 13 Harleys In Hawaii Katy Perry Vota
19 10 6 11 sad day FKA twigs Vota
20 17 6 19 ¿Qué? La Bien Querida Vota
21 26 21 4 Solita Kali Uchis Vota
22 30 22 6 My Name Is Dark Grimes Vota
23 19 19 6 Good As Hell Lizzo Vota
24 31 23 6 You and I Caribou Vota
25 18 8 12 Alocao Omar Montes, Bad Gyal Vota
26 28 11 10 Narcissus Róisín Murphy Vota
27 29 26 4 10% Kaytranada, Kali Uchis Vota
28 16 3 5 Zorra Bad Gyal Vota
29 22 22 10 You Ain’t the Problem Michael Kiwanuka Vota
30 30 1 Clap Clap Delaporte Vota
31 31 1 You Should Be Sad Halsey Vota
32 33 28 5 In The Afternoon MGMT Vota
33 36 31 8 Die A Little Bit Tinashe, Ms Banks Vota
34 34 1 Yelo C. Tangana Vota
35 39 35 2 A moderno resabiado no le mires el dentado Chaqueta de chándal Vota
36 32 27 9 So Heavy I Fell Through The Earth Grimes Vota
37 26 25 8 Champion of the World Coldplay Vota
38 37 29 9 Preparada El Columpio Asesino Vota
39 34 32 6 Algunos tenemos fe Viva Suecia Vota
40 38 35 5 Not Big Thief Vota
Candidatos Canción Artista
El péndulo María José Llergo Vota
Boss La Zowi Vota
Bikini Porn Tove Lo Vota
Nuestro tiempo Amaral Vota
24 Georgia Vota
Everything Else Is Gone Wrong Bombay Bicycle Club Vota
Naves que arden 091 Vota
Deseos de usar y tirar Bunbury Vota
Black Qualls Thundercat Vota
Sarajevo Lagartija Nick Vota
Fill the Crown Poppy Vota
Paper Cup Real Estate Vota
Gijón Pablo und Destruktion Vota
Overtime U.S. Girls Vota
Corazón de agua Taifa Yallah Vota
Tin King Ultraísta Vota
Siete Mil Canciones Los Enemigos Vota
Deal Wiv It Mura Masa Vota

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