Reino Unido impondrá visados y tasas a los artistas foráneos que actúen allí: ¿acabará el Brexit con su «Meca» del pop independiente?

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22 febrero, 2020

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Xoel López presentaba este viernes ‘Alma de oro’, primer avance de su nuevo álbum ‘Si mi rayo te alcanzara’, que llegará en primavera. Un disco que ha de suceder a ‘Sueños y pan‘, disco de 2018 que para él supuso «el final de la novela, de un viaje en tres episodios», que completaba a ‘Atlántico‘ (2012) y ‘Paramales‘ (2015). Se trata de una canción sorprendente en muchos sentidos puesto que, de manera insólita, no suena en ella ninguna guitarra. «Abundan los sintetizadores y la electrónica sutil y cálida», dice la nota de prensa de Sony Music, principalmente porque la relación del coruñés con las seis cuerdas anda últimamente deteriorada. «Quería un disco poco retro (…), porque no me siento en mi mejor momento de la relación con ese instrumento», explica.

A partir de ahí, no se puede decir que ‘Alma de oro’, producida en libertad por Carles Campón «Campi» (Vetusta Morla, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade), se mueva en un género preciso. Su rítmica alude al reggaeton, si bien sus percusiones tienen casi más que ver con la samba brasileña. Además, su construcción melódica alude al jazz, el R&B y la música jamaicana, a los que López confiesa haberse abierto de oídos últimamente. «La canción me gusta porque me sorprende a mí mismo, porque no acierto a localizar de dónde proviene», cuenta el propio Xoel. «No me recuerda a ningún género o artista en concreto, y creo que eso le sienta bien, aunque obligue a concederle más de una escucha».

De manera inesperada, el artista-antes-conocido-como-Deluxe asegura que le recuerda al hit de Gotye y Kimbra, ‘Somebody That I Used To Know’. Se refiera la insólita irrupción en la tercera estrofa de una voz femenina, la de Ede. Se trata de una artista madrileña aun poco conocida (apenas se contaba una grabación con Club del Río), pero de gran talento vocal que López, nada más descubrirla, invitó a sumarse a su banda. «A partir de ese momento» en que cantan juntos, explica Xoel, sus voces en «‘Alma de oro’ se transforman, evolucionan y revolucionan; avanzan hacia un nuevo lugar y ya no regresarán».

No menos sorprendente es la letra del tema, sobre todo si nos dejamos llevar por la primera impresión de pensar que es un tema sexual, si vemos el doble sentido en la frase «Ábreme tu tesoro» y confundimos el «no te voy a fallar» con «no te voy a follar». Pero, aunque el autor reconoce que la metáfora deja lugar a interpretaciones, cree que habla más de «la soledad y la necesidad de relaciones y sentimientos auténticos en un momento en que el entorno se ha vuelto propenso al teatro, a la pantomima». «No estoy nada en contra de las redes sociales», matiza, «pero sí del postureo. Si necesitas algo de autenticidad, echarle un vistazo a Instagram te hará polvo». El clip oficial, obra de los vascos Badator y Alabama, también juega con el sentido de la letra, mostrando una ruptura (como la que, explica, ha vivido el propio Xoel López recientemente) que expande las posibilidades, no limita. Es, en todo caso, un primer single tan llamativo como cabría desear. SanSan Festival 2020 será una de las primeras citas en las que Xoel presentará sus nuevas canciones.

Escucha ‘Alma de oro’ en la playlist «Ready for the Weekend»

beabadoobee triunfa gracias al sample de ‘Coffee’ en ‘death bed’, el oscuro hit de Powfu

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22 febrero, 2020

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Os hemos hablado de beabadoobee en un par de ocasiones: la jovencísima cantautora británica forma parte de la «Generación Z» de nuevos artistas de pop alternativo que están surgiendo gracias a internet y ha sido una de las revelaciones indie-rock de 2019 gracias a la buena recepción lograda por singles como ‘Coffee’, ‘The Moon Song’, ‘She Plays Bass’ o ‘I Wish I Was Stephen Malkmus’ (gran título). La promesa de beabadoobee (se pronuncia bi-ba-du-bi) la ha llevado incluso a ser nominada al sondeo de BBC Sound of 2020 finalmente ganado por Celeste.

Habría sido un puntazo ver a beabadoobee presentar cualquiera de sus canciones en los BRITs (aunque tampoco habría sido una sorpresa, la artista forma parte del sello Dirty Hit, el mismo que acoge a The 1975), pero de momento ella ya se está apuntando un hit nada desdeñable en su hasta ahora corta carrera del que vale la pena hablar. Aunque el hit tiene trampa puesto que la canción en cuestión, ‘death bed’, no es original de beabadboobee sino del rapero Powfu. ‘death bed’ samplea ‘Coffee’ de manera tan prominente y clave para la canción que la británica aparece acreditada como artista invitada.

Esta remezcla de ‘Coffee’ en clave chill-hop y con el añadido de un sonido de lluvia que potencia su componente nostálgico está triunfando en Spotify, donde lleva más de 12 millones de reproducciones en menos de dos semanas. Por comparar, el mayor éxito de beabadboobee hasta la fecha, ‘Coffee’, lleva 17 millones… pero salió en 2017. Por su parte, Powfu había tocado su techo con los 6 millones de streamings de ‘Dead Eyes’. La aparición de ‘death bed’ en playlists tan importantes de la plataforma sueca como Today’s Top Hits ha ayudado, pero es un hecho que el éxito de la canción no conoce precedentes en la carrera de ninguno de sus autores involucrados.

¿Por qué está calando ‘death bed’, ya la segunda canción más escuchada en el top viral de Spotify? No es ningún misterio que la melodía de ‘Coffee’ es una absoluta monada, pero tampoco que el rap de Powfu está hecho para retocer el más gélido de los corazones. Si ‘Coffee’ era una canción costumbrista sobre preparar «una taza de café con la cantidad justa de azúcar», esta nueva composición llamada «lecho de muerte» es algo más oscura… aunque por sonido no lo parezca. En ella, Powfu habla desde la perspectiva de un joven que, sumido en una depresión, ha decidido que va a morir. «Hay tantas cosas que aún no hemos hecho, ojalá pudiera ser yo esa persona, pero no saldré de esta cama», canta, a lo que sigue: «espero, si voy al cielo, verte otra vez, mi vida ha sido corta, he tenido tantas bendiciones, estoy contento de que hayas sido mía, es una putada que todo esto esté acabando». Solo hace falta un vistazo a los comentarios de Youtube para comprobar que la canción está uniendo a la gente.

Lo mejor del mes:

Playlist de iniciación: creamos el «greatest hits» de Single

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22 febrero, 2020

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Single han publicado estos días su disco de regreso, ‘Hola’. Lejos de aprovecharse de la moda jamaicana y lejos de aprovecharse de su visión pionera del rapeado aplicado al pop, el grupo ha decidido publicar un disco acústico precisamente como contraste al anterior ‘Rea’. Ellos llegaron mucho antes de que gente como Novedades Carminha se entregara casualmente a los ritmos reggae y al dub, pero ahora deciden recular con una obra que parece más bien una segunda parte de su disco de versiones acústicas, ‘Anexo‘ y que no puede sonar más desubicada en el mundo de la industria musical actual. Foto: Lourdes Cabrera.

Precisamente por ello es nuestro «Disco de la Semana», y lo celebramos también con una playlist en la que reunimos las canciones más inmediatas de su carrera. Dejando de lado personales favoritas como ‘Señor invierno’, ‘La cama’ u ‘Oda a los negros’, nos hemos querido concentrar en su vertiente más accesible de cara al público casual.

Sólo podíamos comenzar por ‘Pío pío’ por su gran carácter de «intro», pero después aparecen el estribillo directo de la bailable ‘Tu perrito librepensador’, la versión “single” de ‘Honey’ o la balada para el recogimiento ‘Llévame a dormir’. No pueden faltar ‘Mr Shoji’, y mucho menos después de ser sintonía de un programa de La 2; su gran obra maestra, el pasodoble ‘Fotos’; o la versión de ‘Gracias a la vida’ (además de la de ‘No hay nada más triste que lo tuyo’ de Hidrogenesse, irónicamente su grabación más popular). Su gusto por la música negra y Jamaica se recoge en ‘Rea’ y ‘Me enamoré’, mientras del nuevo álbum escogemos el sencillo ‘El roce’, ‘El sueño’ y la revisión de la canción perdida ‘A las seis’.

‘Foodie Love’ de Isabel Coixet no habla solo de comida… ¡sino de amor cortés!

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22 febrero, 2020

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La primera serie española de HBO es desde los últimos días de 2019 ‘Foodie Love’. Se define oficialmente como «una serie COCINADA por Isabel Coixet» y… ¿hace falta decir algo más? La directora catalana, uno de los personajes más amados y odiados a partes iguales de la historia de nuestro cine (para otro día dejaré cuánto se debe a ser mujer y cuánto a sus ideas políticas), se recrea a lo largo de 8 episodios de media hora en todos sus señas de identidad y tics como cineasta. La serie cuenta la historia de una pareja (Laia Costa y Guillermo Pfening) que se conoce a través de una APP que los une por su afición a la gastronomía y, por el camino, decide cumplir con todos los clichés posibles de «la mujer y el pelele». Ella es una chica guapa y culta, misteriosa e inalcanzable, tan interesante que a menudo porta unas gafas de pasta a lo azafata del ‘1, 2, 3’. Él cumple sin ningún rubor todos los estereotipos de argentino romántico y plasta. Mayor pero igual de «loser» que si aún tuviera 14 años, es subrayado por un monólogo interior que llega al espectador a modo de voz en off y bocadillitos.

Coixet ha contado que en el pasado le han ofrecido dirigir «dos episodios de ‘Homeland’, tres de ‘Narcos’ y dos de ‘True Blood'». Pero lo ha rechazado porque como directora no le «divierte» que reparto, guión y detalles estén decididos de antemano. En ese sentido, ‘Foodie Love’ agradece ser un producto libre y de autor/a, aunque a veces sea para mal. Los dos personajes principales, que parecen sendos alter ego de Coixet, pecan de intensas, como se apercibe especialmente en el capítulo romano, un «eye rolling» tras otro solo apto para aquellos que se apuntan frases como «escuchar es la cosa más sexy», escuchan en bucle a Jay Jay Johanson en pleno 2020 y mantienen la trilogía de Linklater en un pedestal. Es el mayor exponente de algo que se vende como «una historia de amor, desamor, dudas y comida».

Porque está el tema de la comida. Lo primero que viene a la cabeza es que no necesitábamos algo llamado ‘Foodie Love’ con la tontería generalizada que está rodeando últimamente el mundo de la comida. Precisamente la serie se presenta como «alérgica al postureo foodie», pero fracasa en su cometido crítico, pues más bien lo fomenta. Por mucho que los protagonistas terminen una noche comiéndose un ¿triste? crêpe más felices que unas perdices en lugar de un restaurante de lujo, ninguno da palo al agua en la vida. Eso sí, uno de ellos puede permitirse el lujo de improvisar un vuelo a Japón como quien coge el NitBus a Sarrià: el espectador nunca deja de percibirlos como unos esnobs. Verles comerse un crêpe es poco menos que encontrarse a Beyoncé tomándose un Whopper queso con extra de mayonesa en el Burger King.

Por el contrario, ‘Foodie Love’ también es una serie 100% Coixet para bien. En un mundo en el que empiezan a proliferar en la cultura popular las referencias al poliamor y a los clubs de sexo -y a los pelotazos de ‘Kiki, el amor se hace’ y ‘Élite‘ me remito- su opuesto resulta hasta exótico. ‘Foodie Love’ es toda una oda al amor cortés, que en su guión se recrea en la sensualidad y la estratagema de la vieja guerra de sexos («sé que no es sexy suplicar», dice él en un momento realmente emocionante), ahora aplicada a la era del #MeToo. El chiste que se hace al respecto es sin duda uno de los momentos más arriesgados de toda la serie.

Así pues, Isabel Coixet nos da una de cal y otra de arena. Por cada cosa que te da repelús (de nuevo esa absurda visión idílica del amor gay que ya dejó caer en ‘La vida secreta de las palabras’) y por cada cosa que es un gran NO (las escenas de acción no se le dan bien, como se aprecia en el capítulo del accidente); encontramos otras que son un gran SÍ. Ponga a Yolanda Ramos en un episodio y haga al mundo reír. Aunque con lo que te tienes que reír es con el baño de realidad que ofrecen algunas conversaciones y situaciones incómodas en las que se intenta ocultar la verdadera manera de ser de uno para agradar… solo para mostrar finalmente la violencia contenida y la peor cara. «El mundo hetero está fatal», suele decir una amiga como si el resto fuera Jauja. De esa visión ha de venir el éxito de series como ‘Sexo en Nueva York’ o ‘Girls’ (no de tan lejos viene el de ‘Looking’ o ‘Please Like Me‘), y ‘Foodie Love’ podría venir a ser una visión «arty» de todas ellas. 7.

Andy Shauf / The Neon Skyline

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22 febrero, 2020

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No deja de ser irónico que artistas que por talento, sonido y estética podrían haber estado copando las listas de éxitos en los años 70, se vean relegados hoy a algo parecido al underground. Me refiero a nombres como Real Estate, Whitney, Tobias Jesso Jr., Bedouine… o Andy Shauf. El canadiense se ha tomado su tiempo tras el impresionante ‘The Party’ pero, cuatro años (y un disco de su proyecto paralelo Foxwarren) después, ha vuelto con un ‘The Neon Skyline’ que no se limita a cumplir las expectativas despertadas con aquel disco, sino que las supera.

Aquel cuarto álbum de su carrera en solitario destapaba la capacidad de Shauf para crear piezas de exquisito y atemporal pop de guitarras, con arreglos tan precisos como preciosos. Y, a la vez, daba una lección de imaginación narrativa al plantearse como una colección de pequeñas viñetas que sucedían en una fiesta privada. Una ingeniosa coartada literaria/cinematográfica que servía al autor para mostrar su habilidad para esbozar con sencillez y precisión las emociones de unos personajes en los que podíamos vernos retratados cualquiera de los que leemos estas líneas. Dando una nueva pirueta en ese sentido, ‘The Neon Skyline’ también se plantea casi como un guión o un cuento corto: una noche en la vida de un chico que sale a tomar algo con sus amigos al bar de siempre, con la ruptura del que cree el amor de su vida, Judy, en mente.

En este caso, los once canciones del disco escuchadas en orden correlativo nos presentan la historia del lastimero protagonista (encarnado por Andy, aunque en realidad no es exactamente autobiográfico) desde un taburete al pie de la barra del garito llamado como el disco. Con apenas unas certeras pinceladas, logra dibujar a la perfección la escena y sus personajes: su mejor amigo, Charlie –un tipo divertido y cortés, pero algo informal–; otra más casual, Claire –una madre soltera que lucha, sin éxito, para no repetir los errores que sus padres cometieron con ella–; la camarera Rose –con la que hay una complicidad especial, con el posible trasfondo de un deseo mutuo no consumado–; y, por supuesto, Judy, la mujer a la que el chico se pasa anhelando durante la primera parte del disco… hasta que se presenta por sorpresa en el bar y pone patas arriba la escena.

Haciendo gala, una vez más, de un lenguaje sencillo y directo pero a la vez poético y con doble filo, Shauf presenta a un pobre capullo profundamente enamorado de aquella mujer, al que el olor de unos cigarros de clavo le hace evocar un verano junto a ella, y le hace desearla con más fuerza que nunca… a pesar de que a menudo discutían por cosas absurdas en las situaciones más inverosímiles, de sus dudas sobre si realmente hizo todo lo que pudo por salvar la relación, culpabilizándose a sí mismo de la lustrosa cornamenta que lucía (por supuesto, ella también encontró razones para enfadarse con él… incluso en el momento en el que la pilla con otro en su cama). En ese reguero de viñetas que bien podrían ser pasto de unas viñetas de Adrien Tomine, una película de Paul Thomas Anderson o una serie de Judd Apatow, su deseo se hace realidad. Solo que, al hacerlo, el hombre comienza a vislumbrar que lo que parece un sueño cumplido es en realidad su oportunidad de dar por cerrada su pesadilla emocional.

Pese a esa trabajada carga narrativa, lo más mágico de ‘The Neon Skyline’ es que cada episodio/canción puede ser leído y disfrutado de manera separada. Incluso así consigue emocionar y ser entendido como un retrato de la complejidad de las relaciones personales en un tiempo en el que los atavismos heredados entran en conflicto con una nueva perspectiva social. Pero no nos despistemos de lo más importante: si lo logra es, sobre todo, gracias a unas canciones maravillosas en las que no hay nada de paja. Es evidente que la maravillosa y muy Teenage Fanclub ‘Try Again’ o ‘Things I Do’ sobresalen del conjunto, y quizá se echa en falta algún otro tema que se contagie así de rápido.

Pero a medida que escuchamos las esmeradas armonías, acordes y arreglos de piano y viento (en general es más austero que ‘The Party’, pero curiosamente eso le da más lustre) que le conectan con nombres como Nick Drake, Paul Simon, Elliott Smith o Randy Newman, cada canción se va revelando imprescindible. Da igual si es por un canturreo (‘Neon Skyline’, ‘Fire Truck’), un riff (‘Thirteen Hours’, ‘Dust Kids’) o un giro melódico al final de una estrofa de apariencia inofensiva (‘Where Are You Judy’, ‘The Moon’, ‘Changer’), pero nada sobra. Y, de paso, esa atención cuidadosa nos va revelando los recovecos vitales –sus ideas sobre religión, educación, intimidad…– de los pobladores del Neon Skyline, haciéndonos empatizar inevitablemente con algunos de ellos, y sintiendo que en realidad esas pequeñas escenas de una vida podrían ser, fácilmente, de la nuestra.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘Try Again’ y ‘Things I Do’, aunque es una delicia escucharlo y leer sus letras de un tirón.
Te gustará si te gusta: Real Estate, Whitney, Paul Simon, Nick Drake
Escúchalo: Bandcamp

La «música para besar» y sin género de Vendredi sur Mer llega este sábado a Barcelona

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21 febrero, 2020

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El año pasado pasaba por nuestro Especial “Revelación o Timo 2019” Vendredi sur Mer, el proyecto de la suiza Charline Mignot. Su disco editado hace casi un año ha sido un pequeño éxito en Francia, llegando al top 50 oficial pese a su carácter independiente (y las listas francesas incluyen streaming). Aún está presentándolo por el mundo, llegando este sábado 22 de febrero -no un “viernes”, lo sentimos- a la barcelonesa Sala Razzmatazz.

Ya mi compañero Raúl Guillén destacaba la sensualidad de los vídeos de Vendredi sur Mer, y es reseñable que en todos los que hemos visto, el beso cumpla una función fundamental. ‘Chewing-Gum’, deliciosa en su batido de sintetizadores y flautas, muestra a sus protagonistas a punto de compartir eso, un “chicle”, o abrazados en el mismo. Su canción más famosa, ‘La Femme à la Peau Bleue’, incluye en su vídeo más besos en primer plano. Y ‘Écoute chérie’ va más lejos aún: el clímax son un montón de morreos y una comilona sobre cuerpos desnudos que podría representar la versión cool de ‘Bon Appetit’ de Katy Perry. Espero que nadie se pregunte por qué la artista ha aparecido hace unos días en un artículo en un medio canadiense llamado «¿Por qué esta música da tanta ganas de besar?«.

Charline Mignot ha hablado en Les Inrocks sobre el personaje que ha creado con Vendredi sur Mer, indicando que es «mucho más femenino que ella» y que ha querido jugar con los roles de género (especialmente en ‘Écoute chérie’), reconociendo la influencia de la chanson y de gente como Michael Jackson o Mylène Farmer. “Asumo la sensualidad en mi música porque es el único lugar donde puedo ser lo que sueño ser. Es liberador”, confesaba, en sintonía con el discurso de Christine & The Queens.

‘Monos’ es un original y potente acercamiento a la violencia en América Latina

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Fernando García

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21 febrero, 2020

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La violencia en el cine latinoamericano es un tema recurrente mediante el que se han contado historias terribles relacionadas con narcotráfico, secuestros, y demás consecuencias de la pobreza y desigualdad. Cada vez resulta más complicado tratarlo desde una perspectiva distinta, pero por supuesto, hay grandes ejemplos de ello, como cuando Amat Escalante recurrió a la fantasía para plasmar la realidad mexicana en ‘La región salvaje’. ‘Monos’, desde Colombia, no apela a lo sobrenatural, pero su director Alejandro Landes sí la excluye del hiperrealismo de, por ejemplo, ‘Heli’, creando un universo particular donde aparentemente viven unos niños, en lo alto de una montaña. Son guerrilleros y están a las órdenes de un sargento paramilitar. Su misión es la de vigilar a una doctora americana que tienen secuestrada.

Uno de los elementos que más llama la atención de la singular propuesta de Landes es el contraste entre la imponente belleza de los paisajes colombianos y la más terrible de las realidades del país, contada bajo el punto de vista de unos niños cuya inocencia y moralidad les han sido arrebatadas. Es en ese choque donde la película encuentra una de sus mayores virtudes y donde demuestra el talento de su prometedor autor, que dirige con precisión y un gran pulso narrativo. La inteligencia de la puesta en escena reside en su juego con el desconcierto; resulta difícil adivinar lo que va a pasar, e incluso durante la primera parte, no se sabe muy bien qué es lo que está pasando ni quiénes son esos personajes. Pero se percibe que algo no está bien, y eso es utilizado con audacia para atrapar al espectador en su ambiciosa narrativa y en su eficaz ritmo.

Todo en ‘Monos’ funciona, pero es sobre todo durante su último acto donde cobra más fuerza, cuando va de lo colectivo a lo individual. Landes poco a poco nos va acercando a sus personajes, y sus dudas sobre los conceptos del bien y el mal aparecen en ellos de manera desigual, realizando un potente retrato de la alienación infantil. Se agradece que la película no juzgue las a menudo terroríficas acciones de sus protagonistas –interpretados con solvencia por todo el reparto- y les trate como lo que son: víctimas de un sistema corrupto y podrido.

La siempre sugerente y enigmática música de Mica Levi es, sin duda, otro de los grandes aciertos, pues se aleja de lo que sonaría en un thriller convencional y se acerca al ambient inspirado en los sonidos de la selva colombiana. ‘Monos’ es una experiencia inquietante y sombría, que sitúa a su director como un cineasta sin miedo a saltar al vacío, con una habilidad asombrosa para esquivar excesos a pesar de estar siempre cerca de caer en ellos. 7,5.

J’AIME, el proyecto de Jaime Cristóbal, anuncia primer disco y presenta la nostálgica ‘700,000 Records’

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21 febrero, 2020

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Jaime Cristóbal de Souvenir, locutor de Popcasting y colaborador de este mismo site (gracias a su sección hemos recordado canciones o discos maravillosos como ‘Jolene‘ de Dolly Parton), continúa con su proyecto musical en solitario llamado J’AIME, un juego de palabras que no hace falta explicar.

El primer disco largo de J’AIME tras varios singles y temas sueltos en Jabalina, verá la luz el 20 de marzo bajo el título de ‘Love and Squalor’, y el primer sencillo extraído de este trabajo está interpretado en inglés en su totalidad. Se trata de una nostálgica canción llamada ‘700,000 Records’ en la que Cristóbal habla de su amor por la música… el cual nunca superará el amor que siente por esa persona querida. El tema samplea una vieja caja de ritmos Wurlitzer Sideman de 1959 y es una colaboración con la cantante e ilustradora francesa Françoiz Breut, con quien Cristóbal ya había colaborado en la canción ‘Ciudad del mar’.

La canción incluye versos tales como «700.000 discos no me han podido separar de ti, pero 300 de esos discos son canciones que hablan sobre ti» o «700.000 discos podrían haber absorbido mi vida, pero el hecho es que todos esos discos son esas cosas que me hacen libre». Una bonita carta de amor a la música con fondo romántico la que presenta este ‘Love and Squalor’ que será, en palabras de la nota de prensa, un «recorrido por las avenidas luminosas del amor, pero también por sus callejones más sombríos».

Soledad Vélez sorprende llevando el reggaetón a su terreno en ‘Perverso’

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21 febrero, 2020

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Soledad Vélez se ha hecho un nombre en el pop gracias a su majestuosa voz y a su particular visión del synth-pop de los años 80, plasmado en un disco tan notable como ‘Nuevas épocas‘ que, hace un par de temporadas, dejaba temas tan redondos como ‘Ven para acá’, ‘Cromo y platino’, ‘Flecha’ o ‘Vamos a tu casa’. Hoy la cantante chilena presenta un nuevo lado de su sonido.

Como recientemente han hecho Varry Brava o Kokoshca, Soledad Vélez no ha tenido miedo de aproximarse a la tendencia del reggaetón en su nuevo single, ‘Perverso’, que no obstante mantiene su marca… tanto que sus potentes sintetizadores no andan muy lejos de lo presentado por la artista el año pasado en su anterior single, ‘No vuelvas’, que en un estilo más nueva-olero, también estaba producido por Guille Mostaza. La nota de prensa asegura que, tras esta canción, Vélez «tenía claro que quería dar un paso más allá, manteniendo la evolución que supuso Nuevas Épocas, pero forzando un poco los límites», lo cual ha resultado en un tema «sobrio, solemne, con un pie en lo urbano pero sin dejarse dominar por el estilo, apropiándose de lo mejor de él sin olvidar el trabajo previo que tanto ha definido su nueva etapa».

En cuanto a la letra, que no deja de incluir una frase tan propia del género como «yo nunca fui tuya bebé», la nota explica que «tiene suficiente poder como para llevar la canción por sí sola, ese tono oscuro y aparentemente pérfido, que lo que deja ver, si miras más allá, es una fragilidad y un dolor deudor del lamento chileno del que ella es tan fan». Vélez estará hoy en Bilbao en la Universidad del País Vasco, el 3 de abril en Valencia en los Concerts a la Fundació (Fundación Bancaja) y el 15 de mayo en el festival Pop Maritim.

La Canción del Día: Tversky hablan de amor a primera vista y lo generan con ‘Addict’

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21 febrero, 2020

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Esta es la gran semana para Tversky, el dúo catalán que lleva ya casi un lustro sorprendiéndonos con su reivindicación del funky de finales de los 70 y principios de los 80 y el nu-disco. Después de un par de EP’s y pequeños hits en el underground como ‘1985’, ha llegado el momento de disfrutar de su primer disco largo que renuncia a incluir esta canción que tan bien les representa, pero trae otros nuevos sencillos como ‘Set Me Free’ y ‘Can’t Stop’. Foto: Andrea Naranjo.

El tercer sencillo del álbum editado por el sello de Vida Festival es ‘Addict’, que algunos habréis escuchado recientemente en nuestra sección «Sesión de Control«. Hace honor a su nombre por doble motivo, no solo porque genere «adicción» sino porque habla de «amor a primera vista» y eso es lo que sentimos cuando la escuchamos. Y es que si algunas producciones de Tversky se concentran más en el concepto y en la forma (el álbum incluye instrumentales y un interludio), en este caso han ido directos al estribillo pop.

En el grupo cuentan igual los sintetizadores y teclados de Xavi como la flauta y el saxo de Alan, pero en este caso son los primeros los que parecen mandar en una canción de amor que de no ser por una tímida referencia al «cibersexo» podría haber sido escrita en el mismo año que ‘I Want Your Love’ de Chic. Sus sintes y producción apuntan a algo más tarde de 1978, pero su lenguaje corporal es sin duda la de aquellos años, hablando alegremente de un «crush adolescente», de amor incondicional («te daría todo lo que tengo aunque supusiera arruinarme»), naíf («mis amigos van a fiestas y yo me quedo en casa») e inocente («compraría un vuelo de un millón de dólares solo para estar contigo»).

Una producción alegre y lozana de estos autodenominados «bedroom funk producers» que seguro que no faltará en el concierto de presentación de la Sala Laut (Barcelona) el próximo 27 de marzo.

Lo mejor del mes:

Escucha lo nuevo de El Columpio Asesino, Allie X, Best Coast, Bravo Fisher!, Selena Gomez, Belako, Los Enemigos, Agnes Obel, Bunbury…

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21 febrero, 2020

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Un viernes más, seleccionamos las novedades más destacadas de la semana en la playlist «Ready for the Weekend». Comenzábamos fuerte, con singles de los próximos álbumes de The Strokes, The Weekend, The Avalanches(feat. Blood Orange), The 1975, Purity Ring, Jessy Lanza, Yves Tumor, Tainy, Lauren Jauregui & C. Tangana o Big Freedia & Kesha, junto a temas de Thundercat, Waxahatchee, Sufjan Stevens & Lowell Brams, Ron Sexsmith, Bunbury, MC Lan, Major Lazer & Anitta, Varry Brava, Jero Romero (ex-Sunday Drivers), Ms Nina (bajo el paraguas de Mad Decent, sello de Diplo) o Gomet.

Y a ellos se han sumado desde hace pocas horas Selena Gomez (un single ajeno a ‘Rare’, sorprendentemente), Pearl Jam, Darkstar, Los Enemigos, Belako, Alanis Morissette, Recycled J & Aleesha, Bon Jovi, Morrissey, Xoel López (con un sorprendente sonido bailable), The New Raemon, Glass Animals, Natalia Lafourcade, Jack Bisonte, Peter Bjorn and John, Mala Rodríguez (un feat. en un single de Taylor Diaz), Soledad Vélez, Archers of Loaf, Sports Team, Yung Beef, Mark Lanegan, Kehlani, J’aime (nuestro colaborador Jaime Cristóbal anuncia disco con un tema en el que rescata, muy atinadamente, a Françoiz Breut), RRUCCULLA, Tricky, Jay Som, Hervé o Erlend Øye & La Comitiva (nuevo proyecto folclórico de la mitad de Kings Of Convenience), junto a temas de nuevos nombres muy interesantes como Rema, Charlotte Dos Santos, ñoño (dúo pop-folk en el que milita Joako de MUEVELOREINA), Becky and The Birds, Maddie Mae (The Yearning) o Syv De Blare.

Por supuesto, hay un buen puñado de nuevos discos, con el esperado ‘Miss Anthopocene‘ de Grimes a la cabeza. El Columpio Asesino, Bravo Fisher!, Sofi De La Torre, GOMZ, Cora Yako, Siloé, Kracauer y Love Yi se enmarcan dentro de una escena nacional particularmente activa, mientras que a nivel internacional destacan los nuevos trabajos de Allie X, Best Coast, Moses Sumney, Agnes Obel, King Krule, Ozzy Osbourne, Lauv, Lee Ranaldo & Refree, BTS, Kamaiyah, Greg Dulli (The Afghan Whigs) y el EP debut de la revelación australiana Banoffee.

La de nuevo amplísima oferta se completa con curiosidades como un nuevo avance de la regrabación del último disco de Anna Calvi, ‘Hunter’ (en esta ocasión se acompaña de Charlotte Gainsbourg), el tema eurovisivo de los belgas Hooverphonic, una toma en directo de ‘The Man’ de Taylor Swift, con la que lanza el tema como single, y otra de Zahara de ‘Soy un aeropuerto’, el tema de Mucho que incluía en el repertorio de su gira «bajonera». También se estrena un proyecto llamado Europa, que une a los productores Martin Solveig y Jax Jones con vocalistas como RAYE.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Alanis Morissette confirma fechas en España, detalla su nuevo disco y comparte la balada ‘Smiling’

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21 febrero, 2020

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El regreso de Alanis Morissette se termina de materializar hoy con un puñado de buenas noticias. La canadiense había anunciado que emprendería una gira en presentación de este disco y también en celebración del 25 aniversario de su tercer disco, el superventas ‘Jagged Little Pill’, con la compañía de Liz Phair, y hoy se conocen las fechas europeas de esta gira, que pasará por España a mediados de octubre. Las fechas exactas son el 17 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 19 de octubre en el WiZink Center de Madrid. Las entradas para ambos conciertos se pondrán a la venta el próximo viernes 28 de febrero a las 10 horas en los puntos de venta habituales. Las entradas para el concierto de Madrid también estarán a la venta en wizinkcenter.es. El miércoles 26 de febrero a las 10 horas, los usuarios registrados en livenation.es tendrán la oportunidad de acceder a la preventa.

La autora de ‘Ironic’ ha compartido además los detalles de su nuevo disco, ‘Such Pretty Fork in the Road’. Sale el 1 de mayo y contará con el single ‘Reasons I Drink’ y también con el tema que llega hoy a las plataformas de streaming, la balada que lo abre, ‘Smiling’.

‘Such Pretty Forks in the Road’
1. Smiling
2. Ablaze
3. Reasons I Drink
4. Diagnosis
5. Missing The Miracle
6. Losing The Plot
7. Reckoning
8. Sandbox Love
9. Her
10. Nemesis
11. Pedestal

ALANIS MORISSETTE TOUR EUROPEO 2020
23 de septiembre – Copenhague, Dinamarca – Royal Arena
28 de septiembre – Londres, Reino Unido – The O2
29 de septiembre – Birmingan, Reino Unido – Utilita Arena
1 de octubre – Dublín, Irlanda – 3Arena
4 de octubre – Manchester, Reino Unido – Manchester Arena
6 de octubre – Ámsterdam, Holanda – Ziggo Dome
8 de octubre – Hamburgo, Alemania – Barclaycard Arena
10 de octubre – Varsovia, Polonia – Expo Hall
12 de octubre – Budapest, Hungria – Budapest Arena
15 de octubre – Milán, Italia – Mediolanum Forum
17 de octubre – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
19 de octubre – Madrid, España – WiZink Center
22 de octubre – París, Francia – AccorHotels Arena

Tame Impala venden más que Justin Bieber en UK, pero pierden el top 1 por el streaming

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21 febrero, 2020

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Tame Impala y Justin Bieber han sacado disco el mismo día de San Valentín, ambos cinco años después, y se disputan por tanto el número 1 de la semana en Reino Unido y de la semana que viene en Estados Unidos o España. Tanto ‘The Slow Rush‘ como ‘Changes‘ son dos álbumes felices compuestos por sus autores después del matrimonio (el australiano con la empresaria Sophie Lawrence, el canadiense con la actriz Hayley Baldwin), pero el primero está recibiendo muy buenas críticas y el segundo muy malas.

¿Quién se ha llevado la palma hoy en UK? Las «midweeks» anticipaban que ‘The Slow Rush’ sería número 1 en las islas por delante de Bieber, pero finalmente Bieber ha tomado la delantera. Efectivamente, la banda australiana vendía 10.500 copias durante el fin de semana frente a las 9.500 de Bieber, pero ayer se producía el «sorpasso» gracias al streaming y ‘Changes’ figura finalmente en el top 1 con 17.681 unidades, frente a las 16.489 de Tame Impala, que han de conformarse con el top 3, también por detrás de Lewis Capaldi, como todas las semanas beneficiado a última hora por el streaming.

En cuanto a la canción que será número 1 hoy en Reino Unido, no hay misterio: ‘No Time to Die’ de Billie Eilish debutará hoy en la primera posición de la tabla británica, y lo mismo sucederá en la americana dentro de unos días. Curiosamente Eilish, que es una gran admiradora de Bieber, ha llegado a promocionar ‘Changes’ en sus redes sociales y antes el primer single, ‘Yummy’. Para terminar de cerrar el círculo, también ha sido vista bailando un hit de Tame Impala.

C. Tangana y Lauren Jauregui, tira y afloja en spanglish (y junto a Tainy) en ‘Nada’

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21 febrero, 2020

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C. Tangana vuelve a protagonizar una de las novedades destacadas del viernes y, después de lanzar ‘Viene y va‘ con Natti Natasha, ‘No te debí besar‘ con Paloma Mami, ‘Picaflor‘ con Lao Ra, ‘Yelo‘ en solitario o ‘5 Stars‘ con Duki, Neo Pistea y Polimá Westcoast, presenta una nueva colaboración, en este caso con la cantante estadounidense Lauren Jauregui y el productor Tainy.

Se trata de una composición de reggaetón en spanglish llamada ‘Nada’, en la que el autor de ‘Ídolo‘ y la ex integrante de Fifth Harmony asumen el tira y afloja esperado: del «conté los días pa’ volverte a ver, y tu no sabes qué quieres hacer, cuando me vaya no voy a volver» de ella al «me puesto guapo pa verte pasar, no me preguntes, no quiero pensar, no tengo tiempo, no me puedo casar» de él. Si en un punto de la canción Lauren afirma «yo no estoy para regalarte, ni tampoco para esperarte», Tangana replica: «tú ya sabías to’ lo que había, no me hagas cambiar vida mía, yo te doy hasta que se haga de día».

Esta producción que busca unir al público latino y al americano como el mismo Tainy ha contado en Billboard, recibe por otro lado un videoclip rodado en Miami, Florida en el que C. Tangana y Lauren Jauregui interpretan el tema junto a sus respectivos colegas, pero sin reunirse en un mismo plano en ningún momento.

Arca describe 5 canciones para su DJ set: de Frank Ocean a un gatito ronroneando

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21 febrero, 2020

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Después de ofrecer una interesante actuación en el festival Sónar de Barcelona digna de nuestra sección «revelación o timo», Arca ha vuelto esta semana a la actualidad musical con un «single» de 67 minutos de duración nada menos que sirve de antesala a la publicación de su nuevo disco, que ha de suceder a uno de los mejores de 2017 y del que tendremos noticias próximamente como la propia artista ha confirmado en sus redes sociales.

La autora de ‘Desafío’ ofrece este viernes un DJ set de 4 horas en la sala Razzmatazz de Barcelona que promete ser otro reflejo fascinante de su mundo musical, en el que caben sonidos de absolutamente todo tipo, del foclor sudamericano a la música electrónica más caótica y experimental pasando por hitazos de Azealia Banks. Acompañada por los visuales de Carlos Sáez, Arca pinchará una selección de temas desde las 21.00 hasta la 1 de la madrugada y lo mejor es que sus sets suelen ir más allá de la mesa de mezclas para transformarse en verdaderos «shows». ¿Algunos de sus secretos musicales mejor guardados? La artista nos comenta 5 uno por uno.

Ayya / Second Mistake

«Este compilado de PAN tiene temas bellísimos. Esta canción me parece súper emotiva; sugestión de lo antigravitacional».

Baby Keem / BULLIES

«Me sé la letra de memoria, me divierte mucho cantarla en voz alta caminando por la calle sola e imaginándome que debo parecer la loca del barrio. Eso sí, una loca que canta una canción alegre, la loca que esparce brillito por ahí. ¡Me da tanta vida el mood de este tema…!

Frank Ocean / In My Room

«Esta canción me pone de buen humor, me encanta la elegancia que tiene el ritmo de la parte vocal, y me parecen bellísimas las micromelodías que aparecen sobre este beat trancao a medida que canta Frank Ocean».

«Cat Purr: 1 Hour ASMR»

«En Spotify hay una grabación de una hora de un gato ronroneando. De nada».

ILKAE / Noncompete Loop

«He seguido a Ilkae desde que tengo como 15 años, me parece brillante cómo crea sistemas rítmicos y armónicos que se descomponen y se reorganizan a partir de aquella entropía musical que se fomenta en lo lúdico dentro de la experimentación sónica».

Grimes / Miss Anthropocene

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21 febrero, 2020

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Grimes ha entretenido al mundo a lo grande en los últimos tiempos con sus recientes decisiones personales y artísticas. En el tiempo que ha pasado desde el lanzamiento de ‘Art Angels‘, la canadiense ha hablado pestes de aquel disco… pero también ha empezado a salir con el magnate de la tecnología Elon Musk, con quien además espera un bebé, y sobre todo ha creado un disco conceptual protagonizado por la «Diosa del cambio climático» con el que ha buscado personificar este problema y «hacerlo divertido».

Por mucho que Grimes insista en que los medios tergiversan sus palabras todo el tiempo, en este caso no cabe duda de lo que ha querido decir: Grimes no piensa que el cambio climático sea divertido, pero sí que hacer un disco sobre él desde una perspectiva mitológica lo es. Y hay que elogiarla por atreverse a hacer algo que nadie ha hecho (quizá por miedo a ser malinterpretado) y porque el concepto de ‘Miss Anthropocene’ no puede ser más interesante de entrada: en este trabajo, una diosa hecha de «marfil y aceite» que «se regocija con el fin del mundo» atiende a la decadencia de una humanidad ahogada por el abuso de las drogas, la contaminación y la adicción a internet. La visión aceleracionista del apocalipsis de ‘Miss Anthropocene’ solo podía haber salido de la mente de esta persona que ha llegado -en sus palabras- a someterse a una cirugía «experimental» para cambiar el color de sus ojos y a declarar que la música en vivo está abocada a ser reemplazada por la inteligencia artificial… Palabras que, recordaréis, provocaban de inmediato la ira de su colega Zola Jesus, quien en un memorable episodio cibernético, llamaba a Grimes la “voz del privilegio fascista de Silicon Valley”.

En los últimos años, Grimes ha completado una evolución de cantante indie a celebridad fascinante, y el personaje público en que se ha convertido por momentos parece una pesadilla que Aphex Twin o Marilyn Manson habrían imaginado en el mejor momento de sus carreras. Leer las bromas que se le ocurren a la gente en internet sobre los «alienígenas» Elon Musk y Grimes es un pasatiempo divertidísimo. Sin embargo, además en ‘Visions‘ y ‘Art Angels’ la música había sido excelente, lo cual no es el caso de este ‘Miss Anthropocene’ en el que cada canción es una «representación diferente de la extinción humana»… sin que las canciones mismas reflejen esa misma profundidad ni a nivel de letras ni a nivel de música.

A rasgos generales, ‘Miss Anthropocene’ es el disco más oscuro y sombrío de Grimes, pero su pop electrónico está lastrado por unas melodías vagas que en algunos casos no parecen materializarse en canciones propiamente dichas. El ejemplo más claro es ‘New Gods’, que con poco más que un piano debería haber sido la gran balada del disco pero pierde el norte enseguida. Los «nuevos dioses» de las «redes sociales» y la «cirugía plástica» han dado lugar a una canción casi tan fría como los personajes en que se inspira. Tampoco es buena señal que la primera canción de un disco deje tan poca huella, pero ‘So Heavy I Fell Through the Earth‘ es un ejercicio en atmósfera ante todo. Puede que como apertura funcione para establecer el tono apocalíptico del disco, pero como canción está lejos de los mejores momentos de Grimes. Al menos es gracioso el single ‘Violence‘ con i_o, escrito desde la perspectiva de una Tierra que acusa a los seres humanos de «alimentarse» con su destrucción, pero no es ‘Oblivion’ ni ‘Genesis’ ni ‘Flesh without Blood’ ni ‘We Appreciate Power’, canción que por cierto no aparece en la edición estándar del disco pero sí en la deluxe. Su sonido nu-metal no encajaba por aquí (¿o sí?), pero es una pena que una de las mejores canciones de 2018 se haya quedado sin «hogar» propiamente dicho.

No todo es malo en ‘Miss Anthropocene’. Si existe una canción que capture la sensación de volverse completamente loco mejor que ninguna otra, ‘4æm’ puede ser esa canción. Rara vez la paranoia, la caída a los infiernos de la propia mente, ha sonado tan trepidante y divertida, pero la mezcla de ritmos drum ‘n bass y otros más bien bollywoodienses de ‘4æm’ da lugar a un temazo incontestable. Por otro lado, la «bestial» ‘My Name is Dark’ es un rompepistas que escuchar precisamente a la 4 de la mañana cuando las «drogas» lo son todo (este es el mensaje que expresa la canción) y destaca por su envergadura y por su recuperación del sonido t.A.T.u. circa 2005; mientras, en el lado opuesto, la balada ‘Delete Forever‘ (la otra cara de la moneda de ‘Future Forever’ de Björk) denuncia la «crisis de los opiáceos» de manera muy acertada por su forma clásica: Grimes no necesita más que una guitarra acústica inspirada (o no) en ‘Wonderwall’, un banjo y un sencillo ritmo de batería para conmovernos con esta preciosa composición reforzada gracias a un vídeo-cuadro impresionante.

Cabe mencionar para comprender la dirección artística tomada por Grimes en este álbum que ‘4æm’ forma parte del videojuego ‘CYBERPUNK 2077’ y de hecho muchas de sus pistas suenan compuestas para este formato, como la etérea pista final ‘IDORU’. Sin embargo, en el camino de trabajar la atmósfera y de pasarse «100 horas» dando vueltas a una canción como ha sucedido con ‘My Name is Dark’, la canadiense parece haber perdido el enfoque de crear canciones pop que puedan llegar de verdad a la gente. Si ‘DARKSEID’ captura «la inquietud de nuestras almas» pues «ya no movemos nuestros cuerpos», la canción no puede producir menos inquietud… Una oportunidad perdida por Grimes de demostrar que detrás de su interesante personaje y de su aún más interesante discurso aún existe una obra musical igual de potente.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘4æm’, ‘Violence’, ‘Delete Forever’
Te gustará si te gusta: iamamiwhoami, Zola Jesus, Austra, t.A.T.u.

Big Freedia y Kesha llegan un siglo tarde a la moda tropical en la graciosa ‘Chasing Rainbows’

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20 febrero, 2020

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Big Freedia publica su nuevo EP, ‘Louder’, el 13 de marzo. Lo presentará en una gira por Estados Unidos con Kesha, con quien acaba de colaborar en ‘Raising Hell’, el primer single de un ‘High Road‘ que desgraciadamente no está calando en las listas de éxitos, y lo acaba de hacer ahora en un segundo tema que vendrá en el EP de la reina actual del bounce.

‘Chasing Rainbows’ es la nueva colaboración de Big Freedia y Kesha y llega después de ‘Louder‘, la canción de Freedia con Icona Pop que sampleaba ‘The Power’ de Snap! uniéndose a la tendencia de canciones pop basadas en hits dance de los años 90 inaugurada por ‘Con calma’ de Daddy Yankee. ‘Louder’ no era reggaetón y tampoco lo es esta pegadiza ‘Chasing Rainbows’ sin conexión aparente con ‘Rainbow‘ de Kesha que llega como 100 años tarde a la moda tropical, pero que no deja de tener su gracia.

La canción es un «himno al amor» en palabras de Big Freedia. «Va sobre cómo el amor siempre conquistará al miedo y al odio. Mi rollo siempre ha sido celebrar quien eres sin importar lo que intente decir otra persona, y esta canción está hecha para inspirar a la gente a perseguir sus sueños sin importar los obstáculos con los que pueda topar».

El regreso de Jessy Lanza: de la tristeza y la rabia al dance y el striptease

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20 febrero, 2020

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Jessy Lanza lanza (sorry) nuevo single por primera vez en cuatro años. Ese es el tiempo que ha pasado desde que publicara su disco ‘Oh No’, que contenía pequeñas joyas como ‘It Means I Love You’, una de las 10 mejores canciones de 2016.

La nueva pista se llama ‘Lick in Heaven’ y parte según la propia nota de prensa oficial de un sentimiento de “tristeza” y “enfado”, pero no lo parece ni por melodía ni por ritmo, como siempre adentrado en la pista de baile más elegante, pues está creado junto a su inseparable Jeremy Greenspan de Junior Boys.

“Esta canción es sobre estar enfadada con la gente y sobre no saber qué hacer al respecto. Me he dado cuenta de que cuando llego a cierta combinación de tristeza y enfado, llego a un punto de provocación en el que no puedo evitar volverme nuclear”. La explosión la podemos percibir a través del baile en el colorido vídeo estrenado a la vez, pero en dicho videoclip nunca parece que Lanza esté tan enfadada de verdad. El vídeo de Winston H. Case de hecho es toda una fiesta en la que los bailarines se azotan en el culo e incluso en un momento de desmadre, revelan su experiencia como strippers.

Rosalía en Eurovisión: un sueño húmedo, un desprestigio, una estrategia, una esperanza

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20 febrero, 2020

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Ni el paso de Blas Cantó por Operación Triunfo frente a un par de millones de espectadores ha logrado levantar el vuelo de ‘Universo’, que continúa sin pasarse ni a decir “hola” por el top 100 de singles oficial de nuestro país. La actuación ha aparecido en medios porque el bueno de Blas presumía en redes de haber cantado en directo cuando algunos triunfitos lo habían puesto en duda, pero aparte de eso, si te he visto no me acuerdo.

Esto se traduce en que, de nuevo, estamos mandando a Eurovisión para representar a España una canción… que no ha gustado especialmente en España. Después de lo de ‘Lo malo’, lo malo de verdad es que seguimos sin aprender nada. Cual humano incapaz de dejar de tropezar en la misma piedra, el ente público ha recurrido al dedazo para la candidatura 2020 tras el resultado decente, nunca espectacular, obtenido por Pastora Soler hace unos años; pero olvidándose de testar la canción de alguna manera y olvidándose, otra vez, de que puede presentar una canción que ya haya funcionado comercialmente en España, siempre que date de los últimos meses del año anterior. Si algo no nos gusta a nosotros, ¿cómo queremos que les guste a nuestros vecinos? Y mira que con la moda del huracán latino hay canciones en España que tienen posibilidades fuera de España. Ya lo dijo un sabio comentarista de Wiwibloggs: «España mandará un reggaetón cuando la tendencia ya esté muerta y enterrada».

El caso es que a fuerza de buscar en las listas españolas si ‘Universo’ realmente le ha gustado a alguien, he topado con el mes de vacas flacas de Rosalía: ‘Juro que’ ha bajado 64 puestos en 2 semanas. Entonces he recordado aquel bonito día en que ella, la mismísima, dijo que no descartaba ir a Eurovisión, cumpliendo el sueño húmedo de casi todo eurofán. «¿En serio?», se preguntará el mundo. Sucedió en El Hormiguero, donde indicó simplemente que “dependía de muchas cosas”. De hecho, está documentado, pues lo dijo César Vallejo de RTVE, que la cadena llegó a pedir a Rosalía presentarse en 2017 pero ella declinó porque estaba grabando ‘Los ángeles’.

‘Los ángeles’… Sé lo que estáis pensando. Si Rosalía rechazó ir a Eurovisión cuando estaba grabando ‘Los ángeles’, ¿qué no rechazará después de ‘Malamente’, ‘Con altura’, Glasto, Coachella, dos ceremonias MTV, una de los Grammy-Grammy y casi un millón de euros de acuerdo con Pull & Bear? Pedirle a Rosalía ahora mismo que vaya a Eurovisión sería como pedirle a Cardi B que resucitara el Festival de la OTI solo para que sus ancestros dominicanos echaran la tarde. Sé de otra que no acabaría con su tusa ahora mismo si le dijeran que ha de representar a Colombia en el festival dos veces ganado por Francisco. ¿»Francisco el de San Francisco?», me la imagino respondiendo.

A pesar de que su audiencia no decae y sigue siendo tan estratosférica que da miedo; a pesar de que en los últimos años el certamen ha dejado hits internacionales dignos sin ni siquiera necesidad de ganar, como ha sido el caso de ‘Fuego’ y ‘Soldi’, Eurovisión está muy lejos de conseguir el prestigio que tuvo en los años 60, cuando España sí envió a sus mayores exponentes nacionales e incluso internacionales; o en los 70, cuando Abba se presentaron hasta dos veces. Rosalía todavía no ha vendido los discos que Abba, Julio Iglesias o ni siquiera Raphael, ¿y alguien recuerda que casi, casi mandamos a un cantautor del renombre de Joan Manuel Serrat? Sin embargo, después del tercer puesto de t.a.t.u., que desde luego no tuvieron el reconocimiento crítico internacional de Rosalía, pocos países han decidido mandar estrellas relativamente reconocibles. ¿Bonnie Tyler? A buenas horas. ¿Hooverphonic? Mangas verdes. ¿Sébastien Tellier? Nos vemos en “¿Qué pasó con…”. ¿Jay-Jay Johanson? Nice try!

Durante años, y sobre todo después de la posición nada excelente que conseguía la excelente canción de Barei, se ha insistido mucho con que España tiene que llevar algo que la represente. Dando por perdida la guerra de que España también ha sido Ibiza y ha sido Ruta del Bakalao, el éxito crítico de Rosalía en medios europeos tan seminales como The Guardian es la culminación de esa idea: llevemos algo moderno, pero nuestro. Por eso su nombre sale de vez en cuando reivindicado como posibilidad en redes y medios, pese a que si desde luego entendemos Eurovisión como el festival de Chikilicuatre, Rosalía luciría tan cómoda por allí como su fan Gabriel Rufián en la cadena de bares de Bertín Osborne.

¿Qué tendría que pasar para que Rosalía le cante un ’Yo x ti, tú x mí’ a la UER? Meter el certamen en su agenda, con todos los preparativos, pre-giras y promoción que conlleva viene a ser como meter un elefante en una nevera. Las risas de Sony habrán resonado en todo el mastodóntico edificio de Castellana, 202, si RTVE ha osado siquiera plantear esto en 2020. Quizá deberíamos suspirar con la única posibilidad real: que Rosalía presente una canción co-escrita y co-producida por ella, pero solo para que la interprete otra persona con un mínimo de dignidad. Ya ha escrito para Ana Torroja, aunque apenas Livinlargeinvenus se acuerden; sabemos que hay un tema de ambas sin salir; y no es tan raro que tal inquietud figure en su agenda: las canciones que suenan en Eurovisión pueden tener grandes beneficios editoriales. Esa es nuestra verdadera «esperanza»: que escriba y produzca algo medio digno, mano a mano junto a alguien solvente que además lo lleve a cabo. Por decir alguien fácil, Lola Indigo. También quizá podría ir a realizar un intermedio como el de Justin Timberlake o Madonna, pero eso nos lleva a una última cuestión. Una paradoja casi: Rosalía no es famosa en Europa.

A diferencia de Álvaro Soler, que ha trabajado en profundidad países como Alemania, Austria, Suiza o Polonia, Rosalía se ha concentrado en intentarlo en Estados Unidos, quizá por su tamaño, por su proximidad a América Latina y por la confianza que mostró en ella aquel magnate de Sony USA. Los rumores apuntaron en cierto momento a un dúo con Beyoncé, pero ojo porque Beyoncé lleva tiempo con dificultades para valerse por sí misma en las listas de singles. Y es curioso que mientras gente como Maluma o J Balvin penetren con facilidad en listas italianas o francesas, Rosalía no lo haya conseguido en países vecinos. Esa debería ser la verdadera tentación de la cantante para plantearse siquiera la opción. La estrategia. Su colega Dua Lipa no va a representar a Reino Unido porque ya es conocida en toda Europa, pero a ella no le vendría nada mal que su nombre sonara ante un público masivo en Holanda, Suecia o Alemania, para hacer clic a alguien que no sea superfán de los Grammy y Pitchfork, español o amigo de españoles.

No es tan fácil cuando no procedes de las islas y no hay más que recordar las palabras de France Gall cuando ganó el certamen con una composición de Serge Gainsbourg: “Eurovisión me puso en el ojo del huracán. Vendí 3 millones y medio de discos, fui número 1 durante 2 años, viajé por todo el mundo y canté en todos los idiomas posibles”. Rosalía ya ha conseguido algunas de esas metas, pero no todas. ¿Acaso hay mejor manera de sonar de repente y a la vez en toda Europa que esta?

Esto no es solo un disco en directo de Vega, precisamente

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20 febrero, 2020

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Vega ha publicado esta semana un disco en directo grabado en Joy Eslava a finales del año pasado, cerrando la gira de ‘La reina pez‘ pero siendo un recorrido por casi toda su carrera, por unas razones o por otras. Se ha hecho una edición limitada a 1.500 unidades, que se va a acabar muy rápidamente, hasta el punto de que Vega ha tenido que distribuir en tiendas algo de la partida que había guardado para el puesto de «merchan» de sus directos. ¿De un doble CD en directo y Blu-ray, en 2020? Exactamente. La cantante tiene una base de fans muy sólida, lo suficiente para agotar las entradas para la Joy con 4 meses de antelación, sí, ¿pero quién puede querer un CD en directo en la era del streaming?

En los próximos días publicaremos una entrevista con Vega en la que nos habla sobre cómo llegó medio sin querer a este ‘Diario de una noche en Madrid’, pero los pros de la misma saltan a la vista. No es solo que se trate de un «fin de gira» particular con invitados como Eva Amaral, María Blanco (Mäbu) y Guadi Galego, entre otros, y que se haya grabado en vídeo. Es que estamos ante un libro de unas 50 páginas con multitud de fotos y diversos textos que nos adentran más en el mundo Vega.

El libro se abre con un CV bastante salao («no he hecho un curriculum en mi vida / no he parado de trabajar en mi vida»), y continúa con diversas reflexiones de la artista sobre el consumo de hoy en día («consumimos cantidad, si es bueno o no ya lo decidimos después») y su carrera al margen de las exigencias de la industria («aunque sea importante que las cuentas salgan, es más importante sentir que puedes echar la vista atrás respetándote»). Vega revela por qué interpretó en este concierto unas canciones y otras no (ahora siente que ‘Réquiem’ la representa mucho mejor que ‘Mejor mañana’), e incluye un pequeño «Psicoanálisis» en el que habla sobre de qué suelen tratar sus canciones, así como sobre su instinto de superación. Se incluye también el bonito poema de Patricia Benito con el que se abre el concierto en un lanzamiento que tiene tanto de «pequeño libro con música» como de «música con libro». Disponible en Amazon, pero no en tu librería indie más cercana.

Rock in Rio Lisboa: de Camila Cabello a Foo Fighters, de The National a Post Malone

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20 febrero, 2020

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Rock in Rio Lisboa, que se celebra el próximo mes de junio, desvela hoy quiénes serán los protagonistas de la jornada del próximo 27 de junio. Se trata de un par de leyendas procedentes de los 80, Duran Duran y a-ha, así como los portugueses Xutos & Pontapés -con más de 40 años de trayectoria- y los legendarios Bush. Todos actuarán el primer día del segundo fin de semana de esta edición

Previamente se había revelado el resto del cartel, en el que JENESAISPOP será medio colaborador. El día 20 de junio actuarán Black Eyed Peas, Camila Cabello, Ivete Sangalo y David Carreira; el 21 de junio Foo Fighters (recordamos que han agotado en poco más de un día las entradas para verles en Valencia), y también el mismo día nada menos que The National y Liam Gallagher. Tras la citada jornada del 27 de junio, el día 28 estarán Post Malone, Anitta y HMB.

Rock in Rio Lisboa se celebra en el Parque Bela Vista, con un segundo escenario cada día llamado Galp Music Valley, en el que se podrá ver a gente como Incubus, Black Mamba y El Columpio Asesino el 21 de junio (el día «indie»), por mencionar solo a algunos. Entre los atractivos del cartel, se trata de la primera vez en 15 años que Duran Duran actúan en Portugal y de hecho será el debut en el país de a-ha, millones de discos vendidos y cientos de millones de streaming después. Las entradas de día para Rock In Rio valen 69 euros, si bien también existen «weekend pass» para gente moderna de gusto ecléctico, por 112 euros. Más información, en la web oficial.

Mónica Naranjo, en plan chanante con un succionador de clítoris para promocionar ‘Mónica y el sexo’

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20 febrero, 2020

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El recomendable serial de docu-reality ‘Mónica y el sexo‘, protagonizado por Mónica Naranjo y dirigido y guionizado por Miguel Bosch y Ana Joven, ha llegado al streaming después de su irregular paso por la televisión en abierto. Ya están disponible en Prime Video, la plataforma de Amazon, los ocho episodios de esta serie en la que la cantante (y ahora presentadora) expone su ausencia de libido tras su divorcio, y cómo, con el asesoramiento de una sexóloga, intenta recuperar su vida sexual.

Para «celebrar» esta llegada de ‘Mónica y el sexo’, la artista de Figueres se ha prestado a una serie de promos en la que destaca un vídeo que se está haciendo viral por doquier: en plan chanante, la Naranjo se vuelve bastante loca del coño (nunca mejor dicho) mostrando supuestos usos alternativos del famoso Satisfyer, succionador de clítoris que ha revolucionado el autoplacer femenino. Quitar pelusas de la ropa o las migas del mantel, está entre los nuevos usos del cacharro que propone una Mónica a la que, también, le «ha cambiado la vida».

Además, Mónica Naranjo es también actualidad por haber estado al frente de uno de los fenómenos televisivos de la temporada, el reality ‘La isla de las tentaciones‘. Este rework del formato que años atrás se estrenó con el nombre de ‘Confianza ciega’, ha contado con ella como conductora del programa, y ha sido, pese a su dudoso acierto (o gracias a él), un éxito de público y repercusión social. Naranjo ha asegurado que no repetirá la experiencia de presentarlo de nuevo en caso de plantearse una nueva edición. Pero sí queda para la historia su sintonía, cuya versión en español se estrenaba hace unos días.

Os prometo que ningún satisfayer ha sido maltratado para esta grabación con @PrimeVideoes… 🤣🤣 Palabrita!!! 🤪🤪 pic.twitter.com/LSmMIZaKWy

— Mónica Naranjo (@monicanaranjo) February 17, 2020

Lana Del Rey cancela su gira europea de recintos por enfermedad

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