FKA Twigs ha decicido abandonar su denuncia por abusos contra su exnovio, Shia Labeouf. Según informa Pitchfork, la artista y sus abogados desestimarán el caso sin reserva, por lo que la cantante de ‘EUSEXUA’ no podría reabrir el pleito. La denuncia llevaba en activo desde diciembre de 2020.
«Comprometidos a construir un camino constructivo hacia delante, hemos acordado resolver el caso fuera de los tribunales. Aunque los detalles quedarán en privado, nos deseamos felicidad personal, éxito profesional y paz el uno al otro», han declarado los abogados de Labeouf y Twigs.
En un principio, la artista buscaba 10 millones de dólares en daños tras denunciar al actor por abusos, agresión sexual y estrés emocional. Esta describió su relación con Labeouf como «lo peor que he vivido en toda mi vida». En su momento, FKA Twigs denunció públicamente lo que estaba sufriendo: «Mi peor pesadilla es no decírselo a nadie y saber que podría haber ayudado tan solo a una persona al compartir mi historia», aseguró.
El Tiny Desk de rusowsky demuestra que el artista madrileño no necesita una montaña de efectos vocales para emocionar. En su debut en el formato de NPR, rusowsky se muestra tímido entre canción y canción, pero los maravillosos arreglos de estas lo compensan totalmente. Además, le vemos tocando el piano y el bajo. Poco más se puede pedir.
El set se compone principalmente de canciones sacadas de su primer disco, ‘DAISY’. Para la última, que convierte la oficina en una fiesta latina, se queda con ‘Dolores’, uno de sus temas más queridos. En el Tiny Desk, rusowsky se desviste totalmente desde el inicio con ‘Johnny Glamour’, en la que el sample de Las Ketchup es cantado por el coro. El toque del shaker en forma de plátano también es oro.
Es normal que rusowsky esté un pelín nervioso. Seguramente se le pase por la cabeza el grandísimo impacto que tuvo el formato en las carreras de Ca7riel y Paco Amoroso, prácticamente siendo un antes y un después para los argentinos. «Gracias por invitarnos hoy, es realmente un sueño para nosotros… ¿no?», suelta el integrante de Rusia IDK mirando a sus compañeros de banda.
La amalgama de sintetizadores de ‘SOPHIA’, gracias a Omar Alcaide, se convierte en un maravilloso punteo de guitarra que recuerda a las mejores bachatas y que ya necesitamos en plataformas, mientras que ‘malibU’ abraza su potencial más íntimo. En estos momentos, esta se encuentra en el puesto 36 de la lista de Singles España, y sigue subiendo.
FLETCHER besó a un chico… y le gustó. Sobre esta idea ha girado la (inexistente) campaña promocional del nuevo disco de Cari Fletcher, ‘Would You Still Love Me If You Really Knew Me?’. FLETCHER, icono lésbico, ha descubierto que es bisexual y el primer y único single del disco, ‘Boy’, habla precisamente de eso: «Sé que no lo es que queríais escuchar, sé que no entraba en vuestras apuestas de este año», canta FLETCHER, dirigiéndose, abatida, a su público. Sus fans están desconcertados, pero, como ella misma reconoce en ‘Boy’, ella también lo está.
El sello de FLETCHER, Capitol Records, parece haber reaccionado al «backlash» por el lanzamiento de ‘Boy’ en pleno mes del Orgullo -y su promoción en camisetas oficiales– dejando a su suerte el disco, que se ha publicado un mes después de ‘Boy’ sin el respaldo de un segundo sencillo. Y ‘Boy’ ni siquiera es lo más destacable de este álbum confesional, que podría haber sido mucho más que una soporífera colección de baladas.
Sobre todo porque las letras de FLETCHER, siempre tan honestas y francas, apuntan a una personalidad mucho más divertida de lo que ofrece el estilo de estas canciones. Su adicción a la atención mediática queda graciosamente retratada en la inicial ‘Party’ («me dejo querer porque soy ese tipo de puta»), aunque de esa atención huye en ‘Hi Everyone Leave, Please’, donde analiza su propio lugar en la industria: «Agoté en Radio City, pero no me pinchan en la radio, me hiere el ego ver a todas las chicas del pop subir disparadas hacia la luna, ¿también hace frío ahí arriba?» Aquí la escuela ‘brat‘ (2024) se hace evidente. Y para bien.
Los textos de FLETCHER son igual de vulnerables y directos tanto cuando plantea alejarse de la fama (‘Distance’), como cuando amenaza con “matar” su carrera (‘Don’t Tempt Me’), o cuando admite que necesita un respiro de la vida pública y de la presión de “representar” -uso mis propias palabras- a un colectivo que ahora parece dispuesto a darle la espalda. Sin embargo, en el tema final, ‘Would You Still Love Me?’, otra balada de pianos húmedos y voces reverberadas, deja claro que no se trata de una despedida definitiva, sino solo de un “hasta luego”.
El temor de FLETCHER, al igual que la decepción de algunos de sus fans, son emociones válidas que cada uno procesará a su manera. El problema es que las canciones de «Would You Still Love Me» sucumben a la fórmula baladesca post-Taylor Swift más predecible y recurre a un constante sentimentalismo que huele un poquito a manipulación emocional cuando todas las canciones suenan tan parecidas. Ya sea en un estilo pianístico (‘Chaos’) o con tintes de country (‘Congratulations!’), las melodías se confunden entre sí, perdidas en una atmósfera de reverb y tristeza, que no alcanza a sostener el álbum completo.
Hay en ‘Would You Still Love Me If You Really Knew Me?’ intentos puntuales de romper con la monotonía, como el vals sintético de ‘The Arsonist’, donde FLETCHER asegura dejar atrás sus tendencias pirómanas (a nivel mediático, se entiende). Y ojo porque ‘Good Girl / Gone Girl’, con su hook de sílabas repetidas, es todo un single perdido que, quizá, funcionaría mejor en un estilo electropop. Sin embargo, en «Would You Still Love», esta co-autoría del hitmaker Ilya Salmanzadeh (Ariana Grande, Sam Smith) es solo una gota en un mar de lágrimas.
Durante los últimos días, los rumores de una posible reunión de Fleetwood Mac han estado muy presentes en las redes. Todo a partir de unos crípticos mensajes en las cuentas de Instagram de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks que, finalmente, tenían que ver con la reedición de su disco colaborativo de 1973, ‘Buckingham Nicks’.
Los rumores comenzaron con una fotografía de Mick Fleetwood y Buckingham trabajando en el estudio, pero explotaron con las publicaciones en redes de Nicks y Buckingham. Estas se trataban de fragmentos escritos a mano de la letra de la canción ‘Frozen Love’. «And if you go forward…», publicó Stevie, mientras que Lindsey terminó la frase con «I’ll meet you there».
Un cartel en el Sunset Boulevard de Los Ángeles ha arrojado luz sobre todo el embrollo, revelando tanto la portada de la reedición de ‘Buckingham Nicks’ como la fecha de salida, el próximo 19 de septiembre. Es la primera vez que el disco es remasterizado o lanzado digitalmente desde su publicación en 1973. El álbum colaborativo fue un fracaso comercial por aquel entonces, pero sirvió para que fuese invitados a unirse a Fleetwood Mac. El resto es historia.
‘Los perros no entienden Internet’ será el nuevo álbum de Depresión Sonora. Su autor, Marcos Crespo, ha explicado que el concepto de este nuevo trabajo gira en torno a la idea de que «a veces deberíamos ser más como los perros, que no entienden internet, pero sí de jugar, dormir, disfrutar y estar tranquilos». Añade que los seres humanos deberíamos «aprender a expresarnos tal y como somos».
‘La balada de los perros’ ha sido el primer adelanto del segundo largo de Depresión Sonora, grabado en el estilo lo-fi de sus inicios. El segundo, ‘Me va la vida en esto’, ha llegado con una letra y vídeo cargados de simbolismo.
‘Me va la vida en esto’ es otra de esas producciones tan identificativas de Depresión Sonora que, sobre una melancólica base instrumental, limítrofe entre el post-punk y el guitar pop, transmite una lluvia de ideas emocionales.
En ‘Me va la vida en esto’, Crespo podría estar explorando su propio estado vital como artista posicionado en la industria musical. Aunque Marcos se percibe en el camino de convertirse en un artista «eterno», teme que su yo verdadero vaya a desaparecer y que su dedicación a la música vaya a poder con él. Cuenta, probablemente de manera metafórica, que «ha quemado» todas sus posesiones y que solo su arte puede salvarle. Y, también, sus cintas de cassette, que graba con su voz «para no olvidar tan rápido quién soy». La vieja historia del artista absorbido por la industria que teme no reconocerse cuando se mira en el espejo.
Depresión Sonora ha anunciado las primeras fechas de su gira de 2026, las que siguen a continuación. La fecha de San Valentín está por anunciar.
BILBAO – Kafe Antzokia – 09/01/2026
GRANADA – Ind. Copera – 23/01/2026
SEVILLA – Pandora – 24/01/2026
SANTIAGO DE COMPOSTELA – Capitol – 30/01/2026
GIJÓN – Teatro Albéniz – 31/01/2026
MURCIA – Sala Mamba! – 06/02/2026
BARCELONA – Apolo – 12/02/2026
VALENCIA – Moon – 13/02/2026
TBA (por anunciar) – 14/02/2026
MADRID – La Riviera – 05/03/2026
Low Festival se celebra por fin este mismo fin de semana, los días 25, 26 y 27 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm. La organización informa a través de su página web de que ya tan solo quedan 50 abonos a la venta.
El cartel de Low vuelve a incluir reclamos nacionales e internacionales como Pet Shop Boys, Empire of the Sun, The Kooks, Zahara o Fangoria, pero también vuelve a ser interesante su letra pequeña/mediana, que conforma una ruta alternativa igualmente recomendable.
La programación del viernes 25 de julio es una travesía por algunos nombres consagrados del underground en diferentes estilos, desde las guitarras de Mujeres hasta el pop de Colectivo da Silva. Otra de las apuestas de esta jornada es la de las prometedoras Las Petunias, que acaban de lanzar el single ‘Poeta en NY’.
La evolución del pop nacional se hace patente en el cartel con la inclusión de nombres tan inquietos como el de Hofe o el de Teo Lucadamo, que ha firmado uno de los debuts de rap más peculiares de la temporada.
El sábado 26 de julio destaca el nudisco de los mexicanos Midnight Generation, autores de hits como ‘Don’t Wait Up’ o ‘Young Girl’, que no te debes perder si eres fan de Parcels, Daft Punk o de uno de los grupos internacionales que encabezan esta edición del Low, Empire of the Sun.
Ralphie Choo ofrecerá este día su celebrada trituradora de géneros, mientras las guitarras estarán servidas en diferentes formas, desde el garage rock de la californiana Kate Clover (a la que debes escuchar si eres fan de Best Coast y Wavves) y los vascos EZEZEZ, hasta el indie-rock de Melifluo, el grupo formado por integrantes de Supersubmarina y Casasola.
Con el tercer día de Low cayendo en domingo, el menú también se divide en platos electrónicos y guitarreros, o en una mezcla de ambos sabores. Si el tecnazo de Delaporte cuenta como «alternativo» en este artículo es porque no nos ha cabido en el anterior. En el lado de las guitarras -eléctricas y acústicas- tenemos a los campechanos Bestia Bebé. En el de la pura reivindicación a ritmo de «darkineo», a la imprescindible SVSTO. Y en el de la fiesta popular, a Vera Fauna.
Native Nomads, la banda ganadora de Emerge Vibra Mahou, integrada por miembros procedentes de Argentina, Canadá y Sudáfrica, todos asentados en España, practica un épico rock con sintetizadores que, en su single destacado ‘Lately’, puede recordar a una mezcla de Interpol y Coldplay. Desde Cardiff, The Family Battenberg te gustarán si te gustan Artic Monkeys. Igualmente recomendable es la programación electrónica de esta edición, de la locura de Nusar3000 a la fiesta de Flash Show.
Solo un año después de lanzar su disco de debut, ‘Coyote‘, que no incluía su mayor éxito, ‘Million Dollar Baby‘, el cantante y rapero de Virginia Tommy Richman está publicando nuevo material. En 2025 ha estrenado dos potentes singles, ‘Acting Up’ -que ha reeditado con la participación de la rapera Sexyy Red- y el reciente ‘Miami’.
Si los ritmos hip-hop de 50 Cent o Nelly guiaban el sonido de ‘Acting Up’, ‘Miami’ es puro funk a ubicar en algún momento entre los 70, 80 y 90. El grosor de los sintetizadores de ‘Miami’ haría cosquillas a Bruno Mars. El falsete de Richman, por otro lado, recuerda a La Roux, en la Canción Del Día para hoy martes.
Tommy Richman construye en ‘Miami’ una de sus más sofisticadas producciones y otro hit potencial que recuerda a algunas de las mejoras pistas de su debut, como ‘Whitney’. El ambiente de ‘Miami’ es cosmopolita y nocturno (quizá, como un viaje en coche por Miami de noche), mientras el ánimo devanea entre el hedonismo y la frustración.
A pesar de su vibrante y sintética propuesta sonora, ‘Miami’ cuenta una historia de desencanto amoroso y vital: Tommy canta que la «vida es un desastre» y que lidia con algún tipo de «adicción al sexo», no se sabe si propio o ajeno. Su solución es cerrarse emocionalmente. «No abras las puertas, no dejes entrar lo malo», canta.
Richman ha dicho que ‘Miami’ «es una canción para dar la bienvenida al verano, un tema pop animado y divertido que expresa las penas de sentirse insensible en cada situación romántica». Quizá nunca una frase como «No quiero ser propenso al sufrimiento» se prestó tanto a ser cantada a pleno pulmón.
Una de esas artistas del futuro que hemos descubierto gracias a Monkey Week es la joven julia de arco. La artista, también popular por una colaboración con Carlangas, ha publicado un EP experimental de 6 pistas y 12 minutos llamado ‘RAAAH!’ sin ninguna esclavitud estilística particular. El hyperpop, el dance, la darkwave, el reggaeton o el trap pueden pasearse por unas canciones que parecen tener entre sus referencias a SOPHIE y a la primera M.I.A.
julia de arco es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic y en ella ha decidido hablar de Naoki Urasawa y en concreto de ’20th Century Boys’. Al final incluimos su viñeta favorita, y ojo, porque… ¡ha relacionado las canciones de ‘RAAAH!’ con personajes!
¿Por qué has escogido hablar de ’20th Century Boys’?
Porque es la mejor historia que he leído nunca. Es un manga muy largo, situado en varias líneas temporales: ¿cuál es tu parte favorita de la trama, la que disfrutaste más?
Definitivamente toda la primera parte, o cada vez que hay un flashback y aparecen los personajes principales de niños. Me gusta cómo se retrata su inocencia, y toda la paz misteriosa que envuelve el pueblo donde viven.
¿Cuál es tu personaje favorito y por qué?
En algún momento llegó a ser Kanna, que es una chica fuerte y valiente. Me molaba ese rollo guerrera, hasta que adoptó el típico rol de heroína atormentada que ha visto muchas cosas. Me cansa cuando en los mangas hacen eso de convertir al prota carismático en un sufridor silencioso.
¿Alguno por el contrario, que te caerá mal?
¡Kanna hacia el final de la saga!
¿Qué opinas sobre Amigo?
Es un personaje que está loco y lleva máscara: inmediatamente me tiene que flipar. Cuando terminé la saga por primera vez, me hice una máscara como la suya con cartones de leche. Muy posiblemente la acabe llevando en algún concierto.
«Cuando terminé la saga por primera vez, me hice una máscara como la de Amigo con cartones de leche. Muy posiblemente la acabe llevando en algún concierto»
’20th Century Boys’ sirve también para retratar cambios sociales, hechos históricos… ¿cuál crees que es su relación con la historia y con la deriva del siglo XXI?
No estoy segura, pero me llama muchísimo la atención que gran parte del manga está ambientado en las ruinas de la expo 70 de Osaka. La expo 92 de Sevilla ha sido siempre una gran inspiración para mí porque la siento como una proyección de lo que en el pasado era el futuro. Creo que algo que Urasawa trata de sacar a flote es este sentimiento de progreso que hoy en día tenemos más abandonado… Últimamente tenemos muy asumido que el mundo se va a acabar.
¿Has visto las películas inspiradas o no te interesan tanto como el manga?
No sabía que hubieran hecho la peli…
«Urasawa trata de sacar a flote es este sentimiento de progreso que hoy en día tenemos más abandonado… Últimamente tenemos muy asumido que el mundo se va a acabar»
Si tuvieras que relacionar alguna canción de tu EP ‘RAAAH’ con algún personaje o trama de ’20th Century Boys’, ¿cuál sería?
Amigo es muy RAAAH porque es obsesivo, Kanna es SAND CHICA porque es literalmente el tipo de persona que cantaría esta canción, CLIC CLAC es la pandilla de los niños de pequeños porque van todos a una, Kenji es SWAGGERBOYZZZ porque es el prota y claramente el más swagger de la historia, Dios es COLORAO porque es omnipresente y Occho es IMPRESIONANTEE por su carácter luminoso y salvador.
El manga va de «antiguos alumnos». ¿Eres del tipo de persona al que le encantaría ir a una reunión de viejos alumnos del colegio?
Aún no ha pasado suficiente tiempo desde primaria. Quiero creer que ningún ex compañero mío es calvo todavía… Aun así, en unos años me molaría ver qué ha sido de nosotros, yo incluida.
¿Conoces ‘Monster’ y ‘Yawara’, alguna otra obra de Naoki Urasawa?
Sí, las he leído ambas y también Billy Bat. Unpopular opinion: son una versión pasada por lejía de ’20th Century Boys’. Creo que esta última tiene todo lo que mola de las otras obras. Yo la describiría como el cóctel perfecto de toda la carrera de Urasawa.
«’20th Century Boys’ el cóctel perfecto de toda la carrera de Urasawa»
¿Cómo descubriste el manga? ¿Han evolucionado tus gustos desde que lo descubriste?
Últimamente el manga está hiper denostado, y mi opinión es que cada uno lea lo que quiera. En mi casa siempre hemos leído de todo: libros, cómics, novelas gráficas, ensayos, fanzines o manga, lo que importa es que lo disfrutes. ’20th Century Boys’ lo leí por primera vez muy pequeña, con ocho años, y no entendí nada. Más tarde lo volví a leer unas cinco veces y cada vez me voy enterando de más cosas. Llevo una racha que solo leo relatos cortos, pero pronto me gustaría releerlo y ver en qué detalles nuevos me fijo ahora…
‘SWAG’ ha conseguido entrar en el top 10 de la lista de Discos en España, concretamente en el número 8. Sin embargo, ‘DAISIES’ es la única canción del disco que ha conseguido colarse en la lista del singles y lo ha hecho en el puesto 76 de la lista. Por otro lado, en Estados Unidos sí ha conseguido debutar en el número 2 del Hot 100, sin superar ‘Ordinary’ de Alex Warren.
En el resto de la lista encontramos a los Backstreet Boys con ‘Millenium 2.0’ entrando en el número 26. Asimismo, Travis Scott y sus compañeros de sello han colocado la segunda parte de ‘Jackboys’ en el puesto 27. La primera mitad de la clasificación está cubierta con las entradas de Twice (‘This Is For’, #37) y Ana Belén (‘Vengo con los ojos nuevos’, #41).
Las entradas de la semana terminan con Wet Leg, que posicionan ‘moisturizer’ en el número 51, y con el regreso de Clipse, el dúo de rap formado por Pusha T y su hermano Malice, que colocan ‘Let God Sort Em Out’ en el número 94 de la tabla.
‘TUCHAT’ se tratá del séptimo single número 1 de Quevedo en nuestro país. Después de experimentar la mayor subida en listas de la semana, la canción ha pasado del octavo puesto al primero. No es el único sencillo del artista canario en el top 3, ya que comparte cuarto puesto con Beéle gracias a ‘Yo y tú’.
Hasta ahora, Quevedo había gozado de seis números 1: su colaboración con Bizarrap, ‘Playa del Inglés’ con Myke Towers, ‘El Tonto’ con Lola Indigo, ‘Gran Vía’ con Aitana, ‘Still Luvin’ con Delaossa y ‘Columbia’, siendo esta la única canción en solitario en conseguir subir hasta la cima de la lista.
La entrada más fuerte de la semana no la encontramos hasta el puesto 37, con ‘Jump’ de BLACKPINK, que también es la única en la primera mitad de la tabla. ‘Alambre Púa’ de Bad Bunny se ha colocado en el número 57, mientras que ‘Golden’, de KPOP Demon Hunters entra en el número 77.
Pese a ser un éxito en Estados Unidos, debutando en el número 2 del Hot 100, ‘DAISIES’ de Justin Bieber ha entrado en el número 76 de la lista de singles española. El resultado es más favorable para el disco al que pertenece, ‘SWAG’, que ha conseguido entrar en el número 8 de la lista de discos en España.
Más de cien figuras del mundo de la política y la cultura de nuestro país han firmado un manifiesto de apoyo al gobierno de Pedro Sánchez. La lista, compuesta por personalidades que van desde Almodóvar o Serrat hasta exministros y jueces, sirve como defensa ante el «ataque desde todos los frentes conservadores y reaccionarios» que aseguran que está sufriendo el PSOE.
El texto comienza denunciando la gravedad de «los supuestos delitos cometidos por ex secretarios de Organización del PSOE», antes de asegurar que «es inadmisible que un Gobierno democráticamente elegido caiga por un informe de la Guardia Civil antes de celebrarse un juicio con todas las garantías en el que se acreditase la responsabilidad de la presidencia o del partido afectado».
Este continúa describiendo una «conspiración» de «unas derechas que han puesto en cuestión el resultado electoral siguiendo la senda de los Trump y Bolsonaro”. El texto también denuncia el lenguaje usado por la oposición, como «Gobierno criminal» o «capo de la mafia», usado para referirse a Sánchez.
El exministro Alberto Garzón, actores como Carlos Bardem o Loles León y directores de cine como Pedro Almodóvar o Fernando Colomo son solo algunos de los nombres que han suscrito el manifiesto. Del mundo de la música encontramos a Joan Manuel Serrat, Alejo Estivel, Víctor Manuel, Ana Belén, Soleá Morente y Miguel Ríos. A estos se unen sindicalistas como Ignacio Fernández Toxo y escritores como Manuel Rivas o Rosa Montero.
El documento también hace referencia a los sucesos de Torre Pacheco y a la «vandalización de las sedes de partidos de izquierda», que comparan con «las agresiones fascistas de épocas pasadas». Por supuesto, no se olvidan de «los medios de comunicación» y de su «orgía de falsas noticias o medias verdades con el fin de crear un clima político irrespirable».
Por otro lado, el PP también ha publicado su propio comunicado: «Van de intelectuales, pero no saben ni escribir sus propios nombres», en referencia a un error del texto original al escribir el apellido de Manuel Chaves como «Chávez». Después de pedir que se recurra a las urnas, el PP continúa criticando a aquellos que han suscrito el manifiesto: «Así podrán expresarse todos los españoles y no solo esa élite de izquierdas de puño en alto en defensa del sanchismo», sentencian.
Mariah Carey ha compartido los primeros detalles de su nuevo álbum, que recibe el agradecido título de ‘Here For it All’ y se pone a la venta el próximo 26 de septiembre. La portada, que retrata a una Mariah risueña en blanco y negro, es menos arriesgada que las de algunos de sus discos anteriores.
‘Here For it All’, el 16º disco de Carey, se compondrá de 11 cortes, incluidos los singles ‘Type Dangerous‘ y el inminente ‘Sugar Sweet’, cortes 3 y 4, respectivamente.
Aunque el tracklist completo de ‘Here for It All’ sigue siendo un secreto, los créditos oficiales de todas las pistas ya están disponibles y revelan colaboraciones de las Clark Sisters y Kehlani, además de una canción escrita por Paul y Linda McCartney que probablemente será una versión.
“Ya no estamos en los 90”, dice el ejecutivo interpretado por Kevin Smith para justificar su reticencia a invertir presupuesto en un videoclip. El subtexto no puede ser más evidente: tampoco estamos en aquellos 90 que encumbraron al propio Smith como director durante la explosión del cine indie estadounidense. Esa nostalgia, teñida de desencanto, resistencia y mucho humor autorreferencial, impregna la narrativa del videoclip de espíritu “noventero”, de ocho minutazos de duración, ‘Childlike Things’.
FKA twigs, junto a su pareja, el fotógrafo y realizador Jordan Hemingway, y junto al reputado dramaturgo Jeremy O. Harris (guionista de ‘Zola’), ironizan sobre el “fin del videoclip” como obra artística, al tiempo que lo reivindican. ‘Childlike Things’ narra los esfuerzos de la cantante británica por convencer a un escéptico ejecutivo musical de que su canción, sus coreografías y su carisma merecen una pieza audiovisual en condiciones, y no un simple TikTok de 15 segundos. Añadiendo más ironía al relato, el ayudante pro-videoclip del ejecutivo está interpretado por un tiktoker: Jake Shane.
Esta dialéctica entre riesgo artístico y pragmatismo corporativo articula todo el vídeo: un combate satírico entre la riqueza, complejidad y sutileza musical, y el burdo “aumento de BPM” para hacer la canción “más pegadiza”; entre “meter un rapero” porque sí, y que el feat. lo firme una niña rapera que frasea en japonés (North West, hija de Kanye West y Kim Kardashian); entre la grisura y monotonía estilística de la discusión entre artista y ejecutivo, y el vibrante colorido y dinamismo de las secuencias coreográficas.
El resultado es un relato que se ríe del sistema desde dentro, parodia las condiciones de su propia producción y, en el proceso, se convierte precisamente en aquello cuya desaparición lamenta: un videoclip como los de los 90.
Si en ‘CHROMAKOPIA’ Tyler, the Creator daba pistas sobre un posible retiro, está claro que todavía estamos lejos de ese punto. El artista californiano sorprendía la semana pasada al avanzar el lanzamiento de un nuevo disco llamado ‘DON’T TAP THE GLASS’, que, como se había prometido, está disponible desde este mismo lunes. Se trata de un breve álbum de 10 pistas y 28 minutos de duración. Este es el tracklist:
01 Big Poe
02 Sugar On My Tongue
03 Sucka Free
04 Mommanem
05 Stop Playing with Me
06 Ring Ring Rinh
07 Don’t Tap the Glass / Tweakin’
08 Don’t You Worry Baby
09 I’ll Take Care of You
10 Tell Me What It Is
Durante la tarde del viernes, Tyler había estado publicando en sus redes imágenes que apuntaban a algo ocurriendo este lunes. No ha sido hasta su concierto en el Barclays Center de Nueva York cuando se ha arrojado más luz sobre lo que estaba preparando Okonma a través de la página web oficial del disco, ‘DON’T TAP THE GLASS’.
Al entrar, el imaginario del disco, con un desproporcionado Tyler como imagen principal, invade la pantalla. Desde ahí, se puede hacer click para adquirir el vinilo, el CD, merch y diversos box sets. La fecha de envío es este lunes 21 de julio. Si pinchamos varias veces en la pantalla e intentamos romper el cristal, la voz de Tyler empieza a recitar las tres reglas asociadas con el LP:
1. Movimiento corporal. No quedarse quieto
2. Solo habla en gloria. Deja la carga en casa.
3. No toques el cristal.
Amaral no siempre han llenado el recinto anteriormente conocido como Palacio de los Deportes con tanta facilidad ni antelación. Su incorporación a Sony tras unos años en la independencia parece haberles sentado bien y también el devenir de los tiempos posmodernos, el modo en que percibimos a los artistas de los 2000. Ellos y La Oreja de Van Gogh han resultado ser los nuevos Mecano. Esos artistas cuyas canciones conoce absolutamente todo el mundo.
A la generación que se crio con ‘Estrella de mar’ hay que sumar una nueva que les respeta profundamente. Entre sus seguidores de Instagram lo mismo te encuentras a Ginebras que a Juanjo Bona, Valeria Castro, PUTOCHINOMARICÓN o Carolina Durante, que incluso contra todo pronóstico les han versionado. Da la impresión de que sencillamente todo el mundo adora a Amaral.
Un repertorio de casi 30 canciones conforma su setlist actual. Eva y Juan repiten hasta en tres ocasiones que van a tocar absolutamente todas las composiciones nuevas, las 15 que conforman su nuevo disco ‘Dolce Vita’. El anuncio quita toda la magia a los dos grupos de bises, ya que sabes perfectamente que el grupo va a volver a salir, pero lo importante es de qué manera confían en la calidad de su obra reciente. Para cuando llega ‘Hasta que la música se acabe’ puedes estar un poco cansado de oír temas nuevos, pero lo cierto es que muchos de ellos están entre los «highlights» de un show que supera las 2 horas de duración. En todo caso, hay espacio de sobra para que suene también casi una quincena de viejos éxitos. Entre ellos, el olvidado ‘Tardes’, cantado por Aguirre en solitario, en recuerdo a sus inicios.
El show comienza con tres de la nuevas: la que da nombre a ‘Dolce Vita‘, ‘Eso que te vuela la cabeza’ y ‘Tal y como soy’. Son temas que celebran la vida, la libertad y la identidad. Es justo reconocer que hasta que no suena un hit antiguo, en concreto ‘Toda la noche en la calle’, el graderío no se pone en pie. Pero también que la reciente ‘Ahí estás’ es un gran cierre de concierto y probablemente un tema que dure en su repertorio muchísimos años.
También hay un ligero poso político en el set, y de hecho el dúo aprovecha un espacio entre canción y canción para denunciar lo que está ocurriendo en Gaza. El homenaje a Víctor Jara en ‘Podría haber sido yo’ es igualmente emotivo. El dúo incluso hace sonar ‘Te recuerdo, Amanda’ y ha conseguido los derechos de reproducción de un pequeño vídeo realizado por la Fundación Víctor Jara. «¡No han ganado!», exclama Eva sobre aquellos que lo asesinaron. En otro momento, explica que escribió ‘Salir corriendo’ para una amiga que sufrió la violencia machista. ‘Revolución’ siempre provocará una ídem hacia el final de su repertorio.
Reivindicaciones sociales aparte, el show de Amaral va de grandes canciones y estribillo. ‘Moriría por vos’ y ‘Días de verano’ son coreadas por absolutamente todo el mundo, y ‘Hacia lo salvaje’ -con su aire Western- debería haberlo sido también. ‘Sin ti no soy nada’ es interpretada en acústico y en el segundo bis brillan finalmente la esperada ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’, que con sus primeros planos del público se convierte en una celebración colectiva de la amistad absolutamente preciosa- y ‘El universo sobre mí’.
En un recinto de 17.000 personas Amaral no renuncian a ciertos efectismos -Eva vuela por sorpresa en los dos estribillos de ‘En el centro de un tornado’, pero tampoco había necesidad. La imagen más recordable que deja el show es esa en la que la figura de Eva y Juan se proyecta, perfectamente reconocible, en forma de sombra chinesca. Cuando al final se dan un baño de masas y escuchan el interminable aplauso del público mientras suena por alguna extraña razón ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor, te das cuenta de lo icónicos que son ambos. Javier Rosa
Mientras mantiene dos singles dentro del top 30 de singles de España, ‘Da Me’ (11) y ‘Comernos‘ con Omar Courtz (22), Bad Gyal lanza nuevo single, ‘Última noche’, su segunda colaboración con Ozuna. ‘Guay’, la primera, se lanzó el año pasado.
‘Última noche’, el quinto single de Bad Gyal de 2025 y el sexto de Ozuna, es una suave fusión de pop y ritmos caribeños que remite al zouk antillano o, sobre todo, al kompa haitiano, como varios internautas señalan acertadamente en los comentarios de Youtube. Como explica Haiti Wonderland, la música kompa «es un estilo de música de baile caracterizado por ritmos dinámicos, guitarras eléctricas, instrumentos de metal y, a menudo, letras poéticas» que «se toca en fiestas, celebraciones y festivales». El kompa moderno tiene sus raíces en el meringue haitiano clásico, pero incorpora influencias de otros ritmos caribeños.
Alba Farelo puede ser la primera artista española en añadir influencias del kompa haitiano en su música. La combinación de melodías de guitarra y teclado en la base instrumental de ‘Última noche’ es similar a la del kompa ‘Douce tankou sirop‘ de MASSIVE3, de 2016. La melodía vocal, a la de ‘Angela’ de Bryans, de 2020.
Ozuna es la pareja musical de Bad Gyal en este romántico dueto que no profundiza tanto en las raíces musicales haitianas, como las traslada a una forma pop hecha a medida para playlists y listas actuales. Bad Gyal y Ozuna se reparten versos, pero también armonizan, en ‘Última noche’, relatando una noche de amor furtivo, «on the low», que acaba demasiado rápido.
Actualmente posicionado en el puesto 59 de las canciones más reproducidas en Spotify España, ‘Última noche’ puede convertirse en el «grower» del verano.
Model/Actriz no es un hit de Hole, ni mucho menos de Ojete Calor, sino una banda de Boston asentada en Brooklyn, esto último certificado oficiosamente por el estiloso bigote de su líder, Cole Haden. En las imágenes más populares de su directo actúa con medias, pañuelos cubriendo su cabeza y pintalabios: es un infiltrado queer en una música industrial que parecía reservada a hombres heterocis. Tanto como Liars o Nine Inch Nails. Angustiosa y claustrofóbica, sus producciones suenan como esas citas a través de apps gays que, en libros de Dennis Cooper, acaban como el rosario de la aurora.
Muchas canciones de ‘Pirouette’, el segundo álbum de Model/Actriz, van sobre citas, pero el único descuartizamiento que encontramos en ellas es el del alma. Como en su primer disco, nos enfrentamos a letras llenas de trauma y problemas de aceptación, el gran talón de Aquiles de la comunidad LGTBIQ+. «Todo lo que quiero es ser hermoso», dice ‘Departures’.
Una de las canciones que surgió en una cita es el single ‘Cinderella’, su mejor tema hasta la fecha. Se trata un diálogo con uno mismo, gracias al que Haden se dio cuenta de la vergüenza y la tristeza que arrastraba desde tiempo atrás. La letra nos cuenta cómo a los 5 años quiso que le montaran una fiesta de Cenicienta, pero luego se arrepintió, quedando «callado, solo y devastado». Otra que más explícitamente narra citas es ‘Diva’, inspirada exactamente en tours por Ámsterdam y Copenhague, donde Cole quedaba con chicos. «No tienes ni idea de lo puta que puedo llegar a ser», dice, por ejemplo. «Déjame ser tu chica», es la petición de ‘Departures’.
Si alguien necesitaba más, ‘Headlights’ es un relato tan gráfico que parece un cómic. Ahí narra un recuerdo de secundaria: Cole se enamoró del amigo de una amiga y se dedicó a vivir prácticamente en la casa de ella, con la esperanza de que el chico apareciera en algún momento. «Con el tiempo, empecé a odiarle, o empecé a odiarme a mí mismo. Pero lo que más odiaba era cómo rezaba cada noche, pidiéndole a Dios que él me pudiera ver de todas las formas que yo no era capaz de verme a mí mismo». Se han publicado diarios de artistas menos confesionales que esto.
Con un humor del que carecen muchos de sus referentes, Cole, que ha colaborado con Miley Cyrus, presenta el álbum «influido por Mariah Carey, Kylie Minogue y Janet Jackson». Lo primero solo se nota en el uso de la palabra «glitter» (‘Vespers’); lo segundo, en la fuerte presencia de sexo; y lo último está por descubrir.
A lo sumo, hay que celebrar el acercamiento a la pista de baile que la banda ha llevado a cabo en esta obra, aunque en los momentos más descontrolados, sus referentes sonoros parecen más bien LCD Soundsystem o, apurando mucho, muchísimo, Giorgio Moroder. En verdad, suena más seria su confesión de que, entre el primer disco y el segundo, han estado escuchando mucho a Burial y a Floating Points.
En un disco de contrastes, pues ‘Poppy’ por ejemplo suena a todo excepto a un campo de amapolas, sendas canciones más «acústicas», cierran la cara A y la cara B. ‘Acid Rain’ transita los territorios introspectivos de Thom Yorke, y ‘Baton’ debió de ser compuesta a capella, a juzgar por los contados elementos que se van sumando de fondo. Si las producciones de Model/Actriz suelen ser pepinacos con la fuerza de ‘Doves’ o ‘Ring Road’, esta última evidenciando su conocida máxima de que «todo debe ser percusión», estos otros momentos de retroceso evidencian igual que este es el álbum por el que comenzar a adentrarse en el turbio mundo de Cole Haden. Con razón su público lo está devorando.
Goergia, la cantante y productora británica autora de hitazos de synth-pop como ‘About Work the Dancefloor’, ha vuelto con su primer single en dos años. En ‘Wanna Play’, Georgia vuelve a sus orígenes, después de los experimentos del irregular ‘Euphoric‘ (2023).
‘Wanna Play’ transcurre, en palabras de Georgia, a exactamente 160 beats por minuto, es decir, es una canción de tempo bastante acelerado para lo habitual, en concreto una producción de «electro-punk», tal y como la describe su autora. Georgia se ha inspirado en las «primeras canciones de The Knife y en las líneas de bajo de Depeche Mode» para construir esta pieza.
El resultado de ‘Wanna Play’ es una producción tan divertida como suena, que combina un aire juguetón e infantil (esa invitación a «levantarse y bailar», esos animados «hey» del estribillo) con un ritmo acelerado y un surtido de sintetizadores analógicos que devanean entre la elegancia y la contundencia. El vídeo muestra a Georgia paseando por la calle con un iPod insertado en un altavoz.
‘Daisies‘ es oficialmente un nuevo éxito para Justin Bieber, tal y como anticipaban sus reproducciones iniciales. Tras debutar en el número 1 global de Spotify, ‘Daisies’ sostiene la segunda posición de la lista una semana después, sumando cerca de 53 millones de reproducciones. En cuanto al resto de pistas de ‘Swag’, solo ‘Yukon’ permanece dentro del top 50 global, en el puesto 44.
Según las primeras estimaciones, las llamadas «midweeks», ‘Daisies’ debutará en el número 1 de la lista de singles de Estados Unidos, donde sigue posicionado en el número 1 de Spotify. Hoy se conocerá si ‘Daisies’ supera las escuchas del actual número 1 en el país, ‘Ordinary’ de Alex Warren.
En cuanto a resultados finales, ‘Daisies’ entra en el número 4 de Reino Unido, pero no logra el número 1 en ningún mercado oficial. Queda más o menos cerca en Australia (3) y Nueva Zelanda (2).
‘Swag‘, el disco, tampoco alcanza el número 1 de álbumes en Estados Unidos, pero sí en Austria, Bélgica, Noruega y Suiza. En Reino Unido iguala el dato de ‘Daisies’ y queda en el número 4.
Ahondando en el dato de Estados Unidos, ‘Swag’ debuta oficialmente en el número 2 del Billboard 200 con 163.000 unidades equivalentes: 199 millones de reproducciones en streaming y 6.000 ventas puras (descargas digitales, ya que aún no está disponible en formato físico; éste se pondrá a la venta en diciembre).
El principal competidor de Justin Bieber en las listas ha sido Travis Scott, que lidera con el segundo volumen de su proyecto JACKBOYS, que entra directamente en el número 1 del Billboard 200 con 232.000 unidades equivalentes, impulsadas por 95 millones de streams y unas impresionantes 160.000 ventas puras. Al contrario que ‘Swag, ‘JACKBOYS 2‘ se ha editado en distintas versiones en CD, vinilo y digital desde su día de lanzamiento, por lo que ha partido con ventaja.
‘Swag’ marca la primera vez desde 2009 que un álbum oficial de Justin Bieber no debuta en el número 1 del Billboard 200, con la única excepción de ‘Journals’ (2013), un mixtape lanzado digitalmente cuyas descargas no fueron reportadas a Nielsen SoundScan (aunque tuvo edición en vinilo en 2016). Tanto ‘Justice‘ (2021) como ‘Changes‘ (2020), sus dos discos anteriores, sí lograron el debut en lo más alto a pesar de haberse lanzado con un año de diferencia. ‘Swag’ es el primer disco de Bieber en 4 años.
Charli xcx y George Daniel ya se han casado. La pareja ha contraído matrimonio en una discreta ceremonia en Londres a la que han acudido alrededor de 20 personas, según ha informado The Mirror.
El batería de The 1975 y la autora de ‘BRAT’, disco en el que ambos trabajaron juntos, empezaron a salir hace tres años y ya han oficializado su matrimonio. Las fotografías de la pareja recién casada y envueltos en una nube de confeti están dando la vuelta por todo Internet, al igual que los TikTok que ha subido Charli a su cuenta personal.
El último disco de la artista británica está ampliamente influenciado por su relación con Daniel. Entre ellas, ‘Talk Talk’, inspirada en una romántica noche en los NME Awards: «Estábamos sentados en diferentes mesas y nos estábamos escribiendo, pero no salíamos juntos. Los dos nos mirábamos el uno al otro. Cuando uno miraba, el otro apartaba la mirada y viceversa», aseguró.
Sudan Archives está enfilando el rollout de su próximo disco a base de temazos de dance. El último de estos es ‘MY TYPE’, en el que deja las melodías a un lado para sacar su vena más rapera en un rompepistas absoluto. Es la Canción del Día.
‘MY TYPE’ es una fantasía dance que mezcla pop, hip hop y house en tres escasos minutos. El chopeo post estribillo, adictivo a más no poder. La letra también resulta interesante. En esta, Brittney Denise Parks enumera todo lo que busca en una chica: «No tengo un tipo pero me encanta cuando conduce y no pregunta por qué», rapea.
Para Parks, es importante tener buen corazón: «Se compró un barco para que sus padres puedan disfrutar de las vistas». Así lo explica la artista: «Estoy dando bombo a mis amigas y a la vez diciendo que estos son los tipos de chicas que me gustan. ¿Son solo amiga o mujeres de las que estoy enamorada?», aclara a medias.
‘MY TYPE’ llega junto a ‘YEA YEA YEA’. Con esta y ‘DEAD’ ya son tres los adelantos disponibles de ‘THE BPM’, el sucesor de ‘Natural Brown Prom Queen’. Estará disponible el próximo 17 de octubre. Sudan Archives asegura que «hacer este disco lo cambió todo»: «Todo empezó con un loop», cuenta en sus redes.
Billie Eilish ha revelado estar trabajando en algo «muy, muy especial» con James Cameron. Por lo poco que ha contado, todo apunta a que se podría tratar de un documental o una película de conciertos a manos del director de ‘Titanic’ o ‘Avatar’.
La noticia ha llegado en la primera noche de la artista en en el Co-op Live Arena de Manchester, en el que llevará a cabo cuatro conciertos. «Habréis notado que hay más cámaras de lo normal. No puedo decir mucho sobre ello», contó la autora de ‘HIT ME HARD AND SOFT’.
Aunque Eilish no dio mucho más detalles, también adelantó que se trataría de algo en 3D y que Cameron había acudido al concierto: «Vosotros ya sois parte de lo que estamos haciendo con él», aseguró, antes de decir que «seguramente esté llevando este mismo outfit durante cuatro días seguidos».
En la portada de su debut, Isabel LaRosa aparece semidesnuda junto a un cuervo. Quizá no lo hayas adivinado, así de primeras, pero es una referencia al famoso libro de Edgar Allen Poe, que se llama como este disco, ‘Raven’. Y además se manifiesta de aquella manera en la mejor canción de su álbum, ‘Cry for You‘: «te crees que eres un superpoeta, y odio decirlo pero no eres tan profundo / no finjas que eres un artista torturado, todo lo que hiciste fue torturarme a mí».
El sonido de Isabel LaRosa te transporta a algún lugar en penumbra, como los que tanto gustan a Melanie Martinez, a quien recuerda mucho ‘Girl of Your Dreams’. Como Billie Eilish, Isabel escribe junto a su hermano (Thomas LaRosa), y aunque la artista no niega tal influencia, prefiere citar como referentes series de televisión que distan mucho de ser la alegría de la huerta: ‘True Detective’ y ‘Euphoria’.
Sus amoríos son protagonistas de las letras de Isabel LaRosa, a veces con un punto tan trágico como el de ‘Destroy Myself for You’, y tan vengativo como el de ‘Hope It Hurts’: «espero que pienses en mis labios cuando la beses. Y que te duela». Eso sí, en el paso de niña a mujer que pretende ser este disco, la muerte de un tío ocupa la acústica ‘See You Again’, y el dolor causado por la venta de la casa familiar de toda la vida es el protagonista de ‘Home’.
Estas dos canciones sirven también para dar cuenta de la versatilidad de ‘Raven’: ‘See You Again’ podría ser una melodía de Lana del Rey, quien también parece una influencia en ‘Muse’, al menos hasta que esta se entrega a un solo de guitarra eléctrica. Y ‘Home’ es ni más ni menos que un drum&bass.
Isabel LaRosa tiene una voz suave y frágil, que en las producciones electro como ‘Pretty Boy’ incluso conecta con proyectos tan indies como Reyko o Black Box Recorder. Pero lo que termina de dar un punto de originalidad a su álbum es curiosamente, su minúscula vena reggaeton, la cual no se ciñe ni mucho menos al verso en español de ‘Favorite’.
Nacida en Maryland hace casi 21 años, LaRosa tiene ascendencia cubana, y quizá por ello no solo Timbaland parece su referencia (‘Good Girl’) sino también los ritmos latinos. Sin llegar a perrear, temas como ‘Famous’ insertan algo de color en un disco que de lo contrario habría abusado demasiado de sus influencias «claroscuras».
La estrella más odiada del momento responde a sus haters con humor. El videoclip ‘Mr Electric Blue’ tiene dos niveles de lectura: el estético y el paródico. Quien no esté al tanto de las críticas que han acompañado a Benson Boone durante su ascenso al estrellato, podrá ver el vídeo como una juguetona pieza retro, llena de guiños estilísticos a los 70 y 80 –zooms, cortinillas, texturas fotográficas-, protagonizada por un músico endeudado que intenta saldar su deuda haciendo trabajillos veraniegos con un toque sexy: pasear perros, vender helados, lavar coches…
En cambio, quien sí conozca la polémica encontrará un aluvión de codazos cómplices. Nada más salir Boone a escena, llega el primero: una camiseta con la frase “One Hit Wonder”, en referencia al exitazo ‘Beautiful Things’. Luego está el nombre de la discográfica, ‘Industry Plant Records’ (el ejecutivo está interpretado por el letrista Jack LaFrantz), una alusión directa al término “industry plant”, “plantado” o enchufado por la industria, una de las críticas más habituales que recibe el cantante.
A partir de ahí, el vídeo se convierte en un chapoteo constante de guiños y referencias, tanto verbales como visuales, en clave irónica y (auto)paródica, sobre la imagen y la trayectoria musical del artista surgido de TikTok. El clip termina con un epílogo, “3 years earlier”, que funciona como una divertida pirueta satírica: Boone se ríe de su afición a las cabriolas y de su supuesta falta de talento musical, parodiando el momento de su “descubrimiento”.
Cargando ...
