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El videojuego ‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ tendrá un álbum original

Por
Gabri Lozano
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‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ es un futuro videojuego de la compañía de superhéroes desarrollado por Eidos-Montréal y distribuido por Square Enix, cuyo estreno está previsto para el próximo 26 de octubre.

La música, sobre todo la setentera y ochentera, es un elemento esencial en ‘Guardianes de la Galaxia‘ y este videojuego no iba a ser una excepción. Se ha confirmado que contará con su propio álbum, ‘Space Rider’, que podrá escucharse dentro del propio videojuego a través de una jukebox de Milano.

«La banda sonora está impregnada en el ADN del juego, y su uso va mucho más allá de las expectativas habituales», explica Steve Szczepkowski, direcctor senior de sonido de Eidos-Montréal. Y es que el soundtrack del videojuego no contará solamente con la banda sonora original de Richard Jacques y con algunas de las canciones más famosas de los años 80, sino que también habrá nuevos temas de rock compuestos e interpretados por Szczepkowski.

La idea de estas nuevas canciones surge a través de la creación de una banda imaginaria llamada ‘Star Lord’, que es el apodo que recibe el personaje de Peter Quill (Chris Pratt en el universo cinematográfico). Según Eidos-Montréal, Szczepkowski confirma que escribió y grabó diez canciones, «todas fueron aprobadas por Marvel, y aprobadas por mi director creativo».

En resumen, ‘Space Rider’ contará con la ya mencionada banda sonora original de Richard Jacques, treinta canciones muy famosas de los años 80, que incluyen a Kiss, Iron Maiden o Joan Jett, y las piezas originales compuestas y grabadas por Szczepkowski. Y aunque el tracklist no está confirmado, estas son algunas de las canciones más icónicas de ‘Guardianes de la Galaxia’.





Danna Paola se ha vuelto una ‘Kaprichosa’ en su nuevo single

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Gabri Lozano
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‘Kaprichosa’ es el nombre que ha recibido el nuevo single de Danna Paola, que se ha estrenado con videoclip incluido hoy en España después de su primer lanzamiento ayer en México.

A principios de mes, la cantante publicó una foto en Instagram compartiendo un verso de la canción: «Si quiero, lo obtengo y más si es prohibido». A primera vista no parecía nada relevante, pero los más avispados se darían cuenta de que había más pistas, como un emoji de notas musicales o un hastag con la inicial del tema. El anuncio definitivo llegó hace cuatro días, también por sus redes sociales.

‘Kaprichosa’ es el segundo single de Danna después de que lanzara ‘Mía’ el pasado mes de junio. «Como artista busco que a través de mi música se inspiren, se identifiquen con la letra, pasando un buen momento al escuchar y sentir su ritmo, por eso espero que la disfruten tanto como yo y saquen su kaprichosa interior al bailarla», explica la artista sobre el tema.

En el videoclip podemos ver a una Danna con mucha seguridad y que lleva las riendas de sí misma. Su letra y su significado es casi una fusión entre ‘Mala Fama’ y ‘Calla Tú’. En el caso de la primera canción, versos como «me enamoro por la noche y se me pasa a la mañana» o «yo hago lo que quiero si me da la gana» son muy parecidos a «oye, nene, no te me adelantes. Si te quedas conmigo, no es pa que te cases» y a «hago lo que quiero porque puedo y ya» en ‘Kaprichosa’. Y en lo que respecta a ‘Calla Tú’, si en su letra Danna daba importancia a su poder como mujer, en este nuevo single el mensaje se multiplica.

«Yo cambio de presa cada día. Baby, ya volvía a la cacería».

Blossoms, entre el disco y el pop británico clásico en ‘Care For’

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Sebas E. Alonso
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Blossoms, muy populares en Reino Unido gracias a los tres discos que han editado hasta el momento, dos de ellos número 1 en este país, están de vuelta. El primer adelanto de su próximo largo llega con las novedades de hoy viernes y responde al nombre de ‘Care For’. Es su mayor incursión en la música disco hasta la fecha y nuestra «Canción del Día» hoy.

‘Care For’ es una canción de amor, de agradecimiento hacia una pareja que siempre está para nosotros y que «nunca abandona», lo que deviene en una «devoción honesta» y total. Musicalmente representa según los propios Blossoms un acercamiento a los territorios de ABBA y Bee Gees, aunque hay que decir que evita todo factor de pop kitsch, sonando más bien a las muchas canciones orquestadas que nos dejó el pop de las islas antes y durante el Brit Pop.

No en vano The Style Council están entre las influencias oficiales del tema, como recoge About Manchester. También aparecen mencionados Diana Ross y el trabajo de John Lennon y Yoko Ono en el excelente ‘Double Fantasy’.

Como han explicado al NME, ‘Care For’ fue escrita en realidad en 2019, es decir, en verdad es anterior a ‘Foolish Loving Spaces‘, pero el grupo no sabía qué hacer con ella. «Siempre nos encantó pero no sabíamos qué hacer con ella. Así que cuando vino la idea de hacer algo nuevo, sabíamos que necesitábamos sacarla», ha dicho Tom Ogden. También indica que le recuerda a la gloriosa ‘You To Me Are Everything’ de The Real Thing.

Les han ayudado en la grabación los habituales James Skelly de The Coral y Rich Turvey, aunque aquí la noticia es la sección de cuerda, para la que han llamado a Rosie Danvers, quien se encargara de clásicos tan dispares como ‘Murder on the Dancefloor’ y ‘Set Fire to the Rain’ de Adele. Dicen que para ellos era muy importante que las cuerdas no fueran sintéticas.

Lorde dividirá con ‘Solar Power’

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Sebas E. Alonso
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Al fin ha llegado el día de edición de ‘Solar Power’, el tercer disco de Lorde, un lanzamiento que sus fans han vivido de manera agónica entre filtraciones y promociones erradas. Sobre todo se ha criticado la distancia entre single titular y álbum, pues teniendo en cuenta el carácter folkie del mismo, se ha aniquilado un porcentaje importante de «hype».

‘Solar Power’ está recibiendo ya críticas desiguales: del 10 del NME y la crítica muy positiva del prestigioso periodista Alexis Petridis para The Guardian, al suspenso de The Independent y el recelo de la revista Spin. Parece que será el álbum peor valorado de Lorde en Metacritic y sin duda un gran fracaso comercial -es todo un suicidio al respecto-, algo que pronostica abiertamente esa letra de ‘California’ en que Lorde dice «adiós a las botellas y modelos, fue solo un sueño, quiero despertar». Eso sí, el álbum tiene la suficiente miga como para que se abra la veda de un apasionante debate no al alcance de todos los álbumes que salen este mes.

‘Solar Power’ es un disco influido por el movimiento hippie de los años 60, algo palpable desde las flautas de la canción inicial, ‘The Path’, así como en los coros a lo Mamas and the Papas de ‘Fallen Fruit’, en la guitarrita veraniega de ‘Dominoes’, que acaba de presentarse en directo, o en el aire a lo Velvet Underground de ‘Big Star’, sobre el fallecimiento de su perro. En ocasiones el rollo «flower power» cuenta con un punto satírico, sugerido en el single ‘Mood Ring’, pese a que algunos temas tratan cuestiones tan serias como el cambio climático.

Las melodías se suceden de manera agradable, dejando temas tan escuchables como el mencionado ‘California’, pero sin grandes hitos tan inmediatos como ‘Royals’ y ‘Green Light’, ni temas tan prestos al remix como ‘Homemade Dynamite’.

Llama mucho la atención desde la primera escucha la letra de ‘The Man with an Axe’ por esa frase «creí que era un genio, pero ahora tengo 22 años» y otras que suenan confesionales en medio de esta canción de amor. Hay momentos «spoken word», como el final de ‘Secrets from a Girl’, a cargo de Robyn, nada menos (también aparecen Clairo y Phoebe Bridgers en otros puntos del disco); y hay un tema de 1 minuto y medio llamado ‘Leader of a New Regime’, siendo de los pocos en que se intuye la producción de Jack Antonoff, quien, ni aun tocando decenas de instrumentos en el álbum, parece presente más que en los últimos detalles.

El disco está siendo defendido firmemente en nuestras páginas por foreres como Ignasi, que cree que Lorde ha “mejorado mucho como compositora”, Xanti o Victornoe, que opina: “siento que no será el más querido de su discografía pero tiene una personalidad y un universo súper distintivo y coherente tanto en sonidos como en metáforas (…) Y de las letras ni hablar… Tiene unos pedazos de versos que predigo que dentro de poco este hilo se va a parecer al de Lana del Rey”. En el lado opuesto, Xtian23: “a mí me ha gustao pero si esto lo firma una Natasha Bedingfield cualquiera… aunque pensándolo mejor Natasha haría las canciones más divertidas y sin poner cara de intensidad mirando el horizonte”.

¿Cuál es tu impresión "en diagonal" del tercero de Lorde?

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Iggy Azalea / The End of An Era

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Pablo Tocino
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La carrera de Iggy Azalea es de las más extrañas que hayamos podido ver en la historia reciente del pop. Después de cimentar su sonido a través de mixtapes de hip-hop como ‘Ignorant Art’, Iggy pegó el pelotazo pop en 2014 (‘Work’, ‘Black Widow’ y, especialmente, ‘Fancy’) y pasó a estar en absolutamente todas partes.

Pero mientras colaboraba con Ariana Grande, Britney, Jennifer Lopez, Selena Gomez, Ellie Goulding, MØ o Pusha T, le salían también polémicas de todas partes, y tampoco parecía tener clara su dirección artística, cancelando su segundo largo y tomando varias decisiones erráticas – y, a pesar de todo, nos dio en esos años temazos como ‘Team’, ‘Mo Bounce’ o ‘Switch’.

Cuando reaparició en 2018 con el EP ‘Survive The Summer’ (a la postre el hogar de su último gran hit, ‘Kream’), concedió una entrevista donde reconoció que había cometido muchos errores y que había actuado a la defensiva al verse atacada por tanta gente, y donde también negó que se hubiese planteado abandonar la música por tanta controversia, porque “tampoco es que tenga una elección en realidad; es mi pasión”. Es curioso leer ahora eso cuando la propia Iggy ha declarado que probablemente este tercer disco sea el último de su carrera musical.

Probablemente no ayudaron los decepcionantes resultados del que podía ser su gran comeback, el también decepcionante ‘In My Defense’, lanzado hace justo dos años, ni la antipatía que seguía despertando en gran parte de la prensa musical (esas reseñas de Pitchfork siguen siendo para echarse a temblar) o incluso del público. El caso es que la australiana ha decidido tomarse un descanso indefinido en lo musical, y con ‘The End of An Era’ quiere cerrar la montaña rusa que ha sido esta década de carrera.

Como tal, ha decidido estructurar el disco en cuatro partes que repasan su trabajo agrupándolo en cuatro etapas: sus inicios, su explosión pop, los beats más duros de su regreso, y su presente. Así, tenemos una primera parte más electrónica y agresiva, emulando el sonido de sus primeras mixtapes, una segunda parte centrada en esos 2014-2016 en los que parecía que iba a ser the next best thing (tiene todo el sentido porque ‘I Am the Strip Club’ tiene la madera de hitazo que no vemos en sus temas desde hace mucho), una sección que corresponde a ‘In My Defense’ y que es de hecho la más floja, y los temas finales con lo que le representa actualmente, y que están en sintonía también con la estupenda colaboración que sacó con Tinashe el año pasado.

La producción ejecutiva se la reparten entre ella y AJRuinedMyRecord (con quien ya había trabajado en ‘Dance Like Nobody’s Watching’, el tema con Tinashe), y en general ha decidido repetir con Carl Falk, The 87s o J. White Did It (no entendimos cómo la persona que produjo ‘I Like It’, ‘Bodak Yellow’ o ‘Savage’ estaba también detrás de esos temas de ‘In My Defense’; sí entendemos que Iggy haya creado con él ‘I Am the Stripclub’).

También vemos nombres nuevos para ella en los créditos, siendo Jay Scalez quien más resalta: a pesar de no ser tan conocido como otros nombres del equipo, está detrás de casi todos los grandes temas de este ‘The End Of An Era’. Junto a él encontramos a Pliznaya (colaborador habitual de Tyga, entre ellos con la indescriptible revisión de ‘Macarena’), Romano (Wiz Khalifa, Chris Brown), Pitt Tha Kid (Travis Scott, Ozuna), OG Parker (Megan Thee Stallion, PARTYNEXTDOOR) o Keanu Beats (Drake, Juice WRLD).

Con todos estos mimbres, Iggy construye un elepé que, si bien no llega a ser ese GRAN álbum que esperaríamos de un “disco final”, sí está bastante más trabajado que ‘In My Defense’, incluso que ‘The New Classic’. Demuestra cómo han mejorado sus a menudo cuestionadas habilidades como rapera (‘Brazil’), coge el más-difícil-todavía con una base de jungle (‘STFU’), sirve pepinazos como ‘I Am the Stripclub’, ‘Emo Club Anthem’ o la dosmilera ‘Good Times with Bad People’, se abre al sonido groovy y veraniego de ‘Sex on the Beach’, la magnífica colaboración con Sophia Scott, y cierra a lo grande con ‘Day 3 in Miami (End Of An Era)’, coescrita con la mencionada Scott y en la que, desde su propio título, hace un guiño a su inicio y a su final en la música – ¿os acordáis de eso de “sixteen in the middle of Miami”?

El magnético puente de ‘Day 3 in Miami (End Of An Era)’ es de lo mejor del disco, y la canción en sí es también de lo más destacable, con la australiana usando el ciego tras varias noches de fiesta como figura para hablarnos de su relación actual con la música (“burnout comin’, burnout comin’ / I was turned up, now I’m turned out from it”), ayudándose de los “party’s gotta end” que entona Ellise. Es imposible no ver en la canción a la Iggy que hacía recientemente una llamada a los sellos para que tengan psicólogos para sus artistas: “¿de qué sirve que llevemos cinco años hablando de la salud mental de los artistas y no se implemente nada en la industria musical? «Sí, la salud mental es importante, ¡apáñatelas tú, chaval!»”, comentaba recientemente en Billboard. «No sé, se está dejando a gente muy joven en situaciones emocionales extremas y se les está diciendo «ve a terapia», «arréglatelas tú», «busca ayuda»».

Parece claro que el burnout ha sustituido a la pasión de la que hablaba la australiana hace unos años, pero no sabemos si en unos años habrá conseguido construir una relación más sana con la música y volverá, o si realmente este disco va a suponer “el fin de una era”. En lo personal esperamos que acabe siendo lo primero, pero también en lo musical: teniendo en cuenta que la sección del disco que representa su presente -y no las del pasado- es la que más aciertos contiene en conjunto, igual no es buena idea que te retires, Iggy…

Ed Sheeran anuncia nombre, fecha y tracklist de su próximo disco y lanza un nuevo single

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Gabri Lozano
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Por mucho misterio que intentara darle, estaba claro que el tema del anuncio de hoy de Ed Sheeran iba a ser sobre su nuevo disco. Ha sido un pleno: nombre, fecha de estreno, tracklist completo y un nuevo single.

Después de su último álbum en 2019, ‘Nº6 Collaborations Project‘, el cantante estuvo desconectado de la música un par de años, hasta que reapareció hace un par de meses con el estreno de ‘Bad Habits‘, que ha arrasado en Reino Unido, y ahora con el anuncio de su cuarto álbum de estudio. «Mi 4º álbum de estudio ‘=’ sale el 29 de octubre, y está disponible para reservar hoy en todas las plataformas, CD, vinilo y casete», ha confirmado el artista a través de un post en su perfil de Instagram.

Siguiendo la línea de sus anteriores discos, ‘+’, ‘x’ y ‘÷‘, este nuevo proyecto ha sido bautizado como ‘=’ o ‘Equals’. «Empecé a escribir y a grabar este álbum en junio de 2017. Ha sido un largo, largo proceso. Ha pasado por el amor, la pérdida, la nueva vida, el dolor y todo lo demás durante todo el periodo de escribirlo», explica Ed en ese mismo post.

Este es el tracklist completo:

  1. Tides
  2. Shivers
  3. First Times
  4. Bad Habits
  5. Overpass Graffiti
  6. The Joker And The Queen
  7. Leave Your Life
  8. Collide
  9. 2step
  10. Stop The Rain
  11. Love Is Slow Motion
  12. Visiting Hours
  13. Sandman
  14. Be Right Now

‘Visiting Hours’ es el single que ha acompañado a este anuncio y que se ha estrenado hace unas pocas horas. Es una balada que ya presentó en directo en el funeral televisado de Michael Gudisnki. «Mucha más música por venir, pero por ahora espero que estéis tan emocionados como yo por este álbum», ha terminado de escribir el artista en Instagram, tal vez aún podamos oír algún adelanto más del álbum antes de su estreno, pero todavía no hay nada confirmado más allá de este comunicado.

Demi Lovato anuncia nueva colaboración junto con G-Eazy

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Gabri Lozano
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Demi Lovato ha confirmado mediante varias publicaciones en sus redes sociales que está preparando nueva música. Pero no estará sola en esta nueva etapa, el rapero G-Eazy la acompañará.

Apenas han pasado unos meses desde el lanzamiento de su primer álbum en cuatro años, ‘Dancing With The Devil… The Art of Starting Over‘, un proyecto que relata la dura experiencia de la cantante con las drogas en 2018, y Demi Lovato continúa preparando su nueva etapa. «Se avecinan grandes cosas…», escribía en Instagram para anunciar su siguiente colaboración con G-Eazy. Este será su segundo single después de su colaboración con Ariana Grande, ‘Met Him Last Night’.

‘Breakdown’ será el nombre del tema. No solo se trata de un single de Lovato, también estará en el próximo álbum de estudio del rapero, ‘These things happen too’. Además, está confirmado que la canción formará parte de la banda sonora de la serie ‘Titletown High’, que se estrena en Netflix la semana que viene, exactamente el 27 de agosto. Y aunque se sabe que la colaboración vendrá acompañada de un videoclip, aún no se sabe la fecha exacta de lanzamiento. Pero teniendo en cuenta el estreno de la serie, no debe faltar mucho.

El argumento de la serie se centrará en Georgia (Estados Unidos), en el fútbol americano, en la importancia de ganar y en un equipo de escuela secundaria de dicho deporte que se encontrará con rivalidades, romances y algún que otro problema de la vida. Foto de: Angelo Kritikos.


Skrillex y Justin Bieber se unen a Don Toliver para lanzar un nuevo tema

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Gabri Lozano
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Skrillex y Justin Bieber se unen de nuevo y esta vez reclutan a Don Toviler para sacar juntos un nuevo tema que llega este mismo viernes a media noche, ‘Don’t Go’, así lo anunció Skrillex hace tres días a través de su cuenta de Instagram con un escueto «viernes», mencionando tanto a Justin Bieber como a Don Toliver.

Hoy ha dado otro paso y ha compartido un pequeño avance del videoclip, en el que parece que predominarán sonidos R&B, como cabía esperar. En lo que se refiere al propio videoclip, en él podemos ver algunas imágenes un tanto extravagantes y psicodélicas, como cuadros cuya pintura se derrite o cabezas de maniquí también chorreantes de pintura. Por otra parte, el fragmento de vídeo alterna imágenes del trío de artistas cantando juntos, en sesiones de foto, rodeados de coches de lujo y en actuaciones sobre el escenario.

No es la primera vez que Bieber y Skrillex colaboran juntos en la música. Hay que remontarse hasta el año 2015 para recordar su tema ‘Where Are Ü Now‘, que formó parte del cuarto álbum de estudio de Bieber, ‘Purpose‘, del que Skrillex produjo un total de seis canciones y que además fue nominado a Álbum del Año y Mejor Álbum del pop vocal en la 59 edición de los Grammy.

En lo que respecta a Skrillex, no se ha tomado un respiro desde su lanzamiento el mes pasado de ‘In Da Getto‘, tema en el que colabora con J Balvin y que ha tenido un bastante éxito en Tik Tok gracias a la participación del tiktoker italiano Khaby Lame.


‘Say What You Will’ es la reinvención feliz y divertida de James Blake

Por
Sebas E. Alonso
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En principio James Blake estaba aquí para revolucionar el soul. Sus primeros dos discos se construyeron sobre beats post-dubstep, pero él de quien era fan, era de Stevie Wonder. Poco a poco nos hemos ido haciendo a la idea de que sus últimos pasos no iban a revolucionar nada más. Variación aquí, variación allá, parece que esto es lo que hay. Este es su sonido y es posible que siempre lo sea.

Una vez asumido que el James Blake de los nuevos años 20 no es tanto un innovador como un cantante de neo-soul con el sonido del siglo XXI, es decir, una vez bajadas las expectativas, lo cierto es que su último single, ‘Say What You Will’, es una buena canción de autoafirmación. Es nuestra «Canción del Día» hoy. Y apurando, sí presenta una pequeña reinvención: ¿acaso puede introducirnos el álbum más feliz de James Blake?

Eso lo averiguaremos el próximo mes de septiembre. De momento, nunca nos habíamos reído tanto con un single de James Blake. Es cierto que el cantante lleva un tiempo enamorado, que incluso firma canciones con su pareja, y que algo de eso ya aparecía en ‘Assume Form‘ en 2019 (‘I’ll Come Too‘). ‘Say What You Will’ es un tema en el que el cantante se celebra a sí mismo por encima de las expectativas, las presiones y el recuerdo de lo grande que fue. Así lo indican frases como «he sido muy popular» (pero) «puedo encontrar mi camino sin superpoderes / puedo encontrar mi lugar sin ser agrio».

Como comentaba nuestro compañero Jordi Bardají a la salida de la canción, el vídeo complementa todo esto con un tronchante protagonismo de FINNEAS. El hermano y productor de Billie Eilish ocupa la primera plana de todas las revistas y sustituye a James Blake entre las preferencias del público en el videoclip de esta canción. Literalmente, le mea encima y la tiene más grande.

Pero a James Blake no le importa, y en lo que, salvando las distancias, constituye su pequeño ‘My Way’, prefiere repetir mil veces «di lo que quieras» porque ya todo le da igual. Además, redondea tal concepto con una cita de Thomas Roosevelt que sirve para sugerir que debemos dejar de enfrentar a unos artistas con otros: «La comparación es un ladrón de alegría». Pasen, sonrían y reflexionen.

Lo mejor del mes:

RFTW: de Lorde a Lordi, de Disclosure a Grupo de Expertos Solynieve

Por
Sebas E. Alonso
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Hoy se publican los nuevos discos de Lorde, Deafheaven, Jake Bugg, Disclosure, Villagers, Wanda Jackson y Martha Wainwright; sale el anunciado EP de Angel Olsen de versiones, en la imagen, y también los de Tiwa Savage, Red Velvet y DMA’s. ‘One in a Million’ de Aaliyah llega hoy al fin a las plataformas de streaming. Entre los grandes lanzamientos del pop, hay nuevos temas de Ed Sheeran, Shawn Mendes con Tainy, Skrillex (junto a Justin Bieber, a quien también encontramos en un corte con WizKid), Young Thug, YUNGBLUD, Swae Lee y Alesso con Marshmello y James Bay. En España tenemos novedades de Grupo de Expertos Solynieve, The Zephyr Bones, Marc Seguí, One Path y valverdina, entre otros.Tenéis un pedazo de todos ellos en nuestra playlist de novedades viernes, «Ready for the Weekend».

Lorde ha compartido una ‘Mood Ring’ que ha producido reacciones adversas, Future Islands han decicido entregar un tema suelto sin destino definido y Saint Etienne, el segundo single de ese nuevo álbum experimental basado en samples que sale en septiembre. El anterior sencillo sampleaba a Natalie Imbruglia, que también tiene tema nuevo para su álbum.

En el plano rap/latino, hay temas de La Cebolla, Danna Paola, tommy 3 balas, Rvfv y Justin Quiles con Maluma. En las antípodas, Parquet Courts anuncian disco, Low nos han vuelto a conquistar con ‘More’ y Xiu Xiu comparten homenaje a David Lynch. Rolling Stones tienen inédita para la reedición de ‘Tattoo You’ y también hay novedades de Dillon Francis, Niko Rubio, Jose González, Bastille, Blossoms, Rudimental, Matthew E White, Remi Wolf, Lordi y Bedouine, entre otros.

Pet Shop Boys, cuando aún no sabían que serían tan grandes

Por
Mireia Pería
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‘Literally’ apareció originalmente en Reino Unido en 1990. Confieso que lo tengo en casa desde 1991. Cuando el año pasado se anunció su reedición en Reino Unido tras mucho tiempo descatalogado, aproveché para releerlo. Que la editorial Contra lo haya publicado, al fin, en castellano me ha dado una alegría enorme. Por supuestísimo, lo he vuelto a leer. Y lo he gozado mucho, gracias sobre todo a la fantástica traducción de Silvia Guiu, extraordinariamente fiel al original.

En 1989 Pet Shop Boys se embarcaron en su primera gira y le encomendaron a Chris Heath que escribiera un libro sobre ella. El MCMLXXXIX Tour era teatral y muy ambicioso: proyecciones del reputado director Derek Jarman, bailarines, coristas, cambios de vestuarios… Si Pet Shop Boys no eran un grupo al uso, su gira tampoco lo iba a ser. Y el diario de dicha gira, menos todavía. Chris Heath era periodista de la mítica Smash Hits, donde había llegado a coincidir con Neil Tennant; siguió al dúo todo el tiempo libreta en ristre, anotando todo lo que hacían y decían, lo que visitaban, lo que comían, lo que vestían… Para finalmente presentarlo en forma de diario.

Entre el 25 de junio y el 20 de julio de 1989, Pet Shop Boys recorren un Hong Kong apesadumbrado por la reciente matanza de Tiananmen, continúan por un Japón de extrañamiento y acaban en un Reino Unido ligeramente hostil. No hay mucho filtro, más allá del que marca la intimidad, y cero complacencia. Heath muestra a Neil Tennant y Chris Lowe en todo su «esplendor»; para lo bueno y para lo malo. ‘Literalmente’ es un retrato vívido que no ahorra detalles. Neil es snob y sabelotodo, Chris es quejica y esquivo. Aparentemente, sólo les preocupa qué van a cenar, dónde van a salir o si va a haber champán. A veces son encantadores con los fans, otras crueles; chismorrean sobre otros artistas y se lanzan pullitas constantemente. Pero también son personas brillantes y divertidas. Hay reflexiones de Chris de lo más inverosímiles y soliloquios ebrios de Neil sobre pop e historia. Pero no son los únicos actores; aquí hay mucho lugar para el resto del personal de la gira. Desde roba escenas como el excesivo Tom Watkins, su primer mánager, a Ivan, el promotor al borde perpetuo de un ataque de nervios, pasando por Janet Street-Porter, deslenguada periodista muy amiga del dúo.

Pero Heath no sólo apunta lo que sucede a su alrededor; también entrevista al dúo, indaga en su biografía, los presenta al mundo… De hecho, choca la gran cantidad de páginas que se gastan explicando “quiénes son los Pet Shop Boys”. Hay que recordar que estamos en 1989. El dúo tiene ocho años de carrera. Sólo hace tres que son famosos. Y, aunque son uno de los grupos del momento, su situación todavía es algo precaria. El estatus de clásicos aún estaba lejos. Por otro lado, ‘Literalmente’ actúa de manifiesto del dúo. Neil y Chris tratan con denuedo de explicarse, de mostrar su visión artística. Y de reivindicar el pop, lejos de ironías. Ahora su discurso está plenamente asumido, pero en los 80 se cuestionaba muchísimo: la autenticidad rockista aún era ley. Los mismos PSB generaban suspicacias; todavía eran considerados productos de segunda por amplios sectores de la crítica.

‘Literalmente’ puede resultar un tanto farragoso a ratos. En su afán de registrarlo todo escrupulosamente, da la sensación de que Heath nos informa de demasiados detalles aburridos y anécdotas irrelevantes. También hay aspectos obsoletos pero, como bien explica el autor en el epílogo que añadió en 2019, este libro es la instantánea de un momento muy determinado. La sombra de Stock, Aitken & Waterman sobrevuela en muchas páginas. Choca la omnipresencia de Bros o Jason Donovan, súper estrellas entonces. ¿Dónde están ahora y dónde Pet Shop Boys? Bueno; Luke Goss protagoniza films de acción de serie B y Jason Donovan… la última vez que vi a Jason Donovan fue en el videoclip de ‘Fifteen Feet of Pure White Snow‘ de Nick Cave and the Bad Seeds. Y de eso hace veinte años ya.

Pero a pesar del abigarramiento y del exceso de información, ‘Literalmente’ es un relato divertido, absorbente y brillante, repleto de múltiples lecturas: es el diario de la gira. También es la historia de Chris Heath siguiendo la gira. Es la fotografía fiel de lo que fueron los últimos ochentas en la industria de la música pop. Pero, ante todo, es el retrato de uno de los grupos básicos de la historia del pop (aunque esto ellos aún no lo sabían) enfrentándose con emoción y pavor a sus primeros directos; el relato de dos artistas que tratan de salvaguardar su visión artística; de una amistad y una lealtad prueba de bombas. Son ellos dos contra el mundo. Ahora solo cabe esperar que, por favor, Contra se decida a publicar el ‘Pet Shop Boys vs America‘ sobre su gira de 1991. Es todavía mejor que este.

Lana del Rey no quiere música póstuma: ¿dónde quedó su selección de «25 filtraciones»?

Por
Sebas E. Alonso
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Lana del Rey ha compartido una imagen de un tatuaje de Anderson.Paak en el que puede leerse el siguiente mensaje: «Cuando no esté, por favor no publiquéis con mi nombre ningún disco ni ninguna canción de manera póstuma. Eran solamente demos que nunca se hicieron con la intención de que el público las escuchara». Lana dice que esta intención no sólo está en el tatuaje de Anderson.Paak, sino también en su propio «testamento».

El anuncio está cargado de significado. Además de anunciar y publicar álbumes como churros, la carrera de Lana del Rey se ha caracterizado por ser un coladero casi constante de filtraciones, como para dar lugar a discos enteros. Youtube y otras plataformas se han visto inundados de material inédito de la cantante durante años. En caso de que ella decida que todo este material no vea la luz de manera oficial, su sello Universal va a tener complicado editar todas esas canciones de manera digna después de esta petición.

Por otro lado, hay que recordar que Lana del Rey llegó a anunciar en cierta ocasión, viniéndose muy arriba, que iba a sacar un disco de sus 25 canciones favoritas filtradas, justo cuando estaba promocionando ‘Lust for Life‘ (2017). El público gritó de alegría, ansioso de comprobar cuáles de todas las canciones filtradas, Lana consideraba relevantes. Sin embargo, el proyecto cayó en agua de borrajas, como tantas de sus promesas. En la actualidad, y tan solo unos meses después del excelente ‘Chemtrails Over the Country Club’, el mundo espera su continuación, que fue anunciada en principio para el pasado 4 de julio.

Lil Nas X, Olivia Rodrigo, Lorde, Camila Cabello… actuarán en los MTV VMA’s

Por
Jordi Bardají
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Se anuncian al fin quiénes son los primeros nombres que veremos actuar en la ceremonia de los MTV VMA’s de 2021. Se trata de Lorde, Olivia Rodrigo, Lil Nas X, Camila Cabello y Machine Gun Kelly. Esto supone que veremos actuar a algunos de los nombres más nominados y por tanto favoritos, como son Lil Nas X y Olivia Rodrigo, junto a artistas presentando nuevos trabajos, como es el caso de Lorde, a punto de editar ‘Solar Power’. Suponemos que presentará su nuevo sencillo ‘Mood Ring‘, o bien la canción titular.

Los MTV VMAs este año no se celebrarán en agosto como de costumbre, sino el 12 de septiembre. Será en Nueva York. Este año, la organización de los premios volverá a emitir actuaciones en directo después de que la edición del año pasado no lo permitiera debido a la covid, lo cual resultara en una gala entretenida pero algo incómoda de ver, con el especial protagonismo de Lady Gaga, The Weeknd y BTS.

Entre los nominados al premio más codiciado, Vídeo del año, encontramos piezas que han dado tantísimo que hablar en los últimos tiempos como ‘WAP‘ de Cardi B y Megan Thee Stallion o ‘MONTERO (Call Me By Your Name)‘ de Lil Nas X, u otras como ‘Bad Habits‘ de Ed Sheeran. Olivia Rodrigo aparece en varias categorías, entre ellas la de Artista revelación, pan comido para ella; y curiosamente los vídeos de ‘Your Power’ de Billie Eilish y ‘MONTERO’ de Lil Nas X compiten, entre otras, en la categoría de «Vídeo con mensaje».

Entre las nominaciones esperadas a Doja Cat, Justin Bieber, BTS, The Weeknd, Taylor Swift, Ariana Grande, Silk Sonic o Shawn Mendes es posible destacar unas pocas curiosidades. Los premios han considerado el vídeo de ‘Lo vas a olvidar’ de Billie Eilish y Rosalía digno de ser nominado pese a lo sumamente desapercibida que ha pasado la canción, y es en 2021 cuando vemos a la mismísima M.I.A. nombrada en unos premios de este tipo, gracias por supuesto a su colaboración con Travis Scott. Glass Animals, el grupo de pop alternativo de moda, también aparece por aquí gracias no solo al éxito de ‘Heat Waves’ sino también a los «efectos visuales» de ‘Tangerine’. Por cierto, ‘Levitating’ de Dua Lipa compite en Canción Del Año y sin DaBaby: el tema escogido ha sido el original pese a que no cuenta con videoclip propiamente dicho.

VÍDEO DEL AÑO
Cardi B ft. Megan Thee Stallion — «WAP»
DJ Khaled ft. Drake — «POPSTAR» (Starring Justin Bieber)
Doja Cat ft. SZA — «Kiss Me More»
Ed Sheeran — «Bad Habits»
Lil Nas X — «MONTERO (Call Me By Your Name)»
The Weeknd — «Save Your Tears»

ARTISTA DEL AÑO
Ariana Grande
Doja Cat
Justin Bieber
Megan Thee Stallion
Olivia Rodrigo
Taylor Swift

CANCIÓN DEL AÑO
24kGoldn ft. iann dior — «Mood»
Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic — «Leave The Door Open»
BTS — «Dynamite»
Cardi B ft. Megan Thee Stallion — «WAP»
Dua Lipa — «Levitating»
Olivia Rodrigo — «drivers license»

ARTISTA REVELACIÓN
24kGoldn — RECORDS LLC / Columbia Records
Giveon — Epic Records / Not So Fast
The Kid LAROI — Columbia Records
Olivia Rodrigo — Geffen Records
Polo G — Columbia Records
Saweetie — Warner Records

PUSH PERFORMANCE DEL AÑO
September 2020: Wallows — «Are You Bored Yet?»
October 2020: Ashnikko — «Daisy»
November 2020: SAINt JHN — «Gorgeous»
December 2020: 24kGoldn — «Coco»
January 2021: JC Stewart — «Break My Heart»
February 2021: Latto — «Sex Lies» — RCA Records
March 2021: Madison Beer — «Selfish»
April 2021: The Kid LAROI — «WITHOUT YOU»
May 2021: Olivia Rodrigo — «drivers license»
June 2021: girl in red «Serotonin»
July 2021: Fousheé — «my slime»
August 2021: jxdn — «Think About Me»

MEJOR COLABORACIÓN
24kGoldn ft. iann dior — «Mood»
Cardi B ft. Megan Thee Stallion — «WAP»
Doja Cat ft. SZA — «Kiss Me More»
Drake ft. Lil Durk — «Laugh Now Cry Later»
Justin Bieber ft. Daniel Caesar, Giveon — «Peaches»
Miley Cyrus ft. Dua Lipa — «Prisoner»

MEJOR CANCIÓN POP
Ariana Grande — «positions»
Billie Eilish — «Therefore I Am»
BTS — «Butter» — BIGHIT MUSIC
Harry Styles — «Treat People With Kindness»
Justin Bieber ft. Daniel Caesar, Giveon — «Peaches»
Olivia Rodrigo — «good 4 u»
Shawn Mendes — «Wonder»
Taylor Swift — «willow»

MEJOR CANCIÓN HIP HOP
Cardi B ft. Megan Thee Stallion — «WAP»
Drake ft. Lil Durk — «Laugh Now Cry Later»
Lil Baby ft. Megan Thee Stallion — «On Me (remix)»
Moneybagg Yo — «Said Sum»
Polo G — «RAPSTAR»
Travis Scott ft. Young Thug & M.I.A. — «FRANCHISE»

MEJOR CANCIÓN ROCK
Evanescence — «Use My Voice»
Foo Fighters — «Shame Shame»
John Mayer — «Last Train Home»
The Killers — «My Own Soul’s Warning»
Kings Of Leon — «The Bandit»
Lenny Kravitz — «Raise Vibration»

MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA
Bleachers — «Stop Making This Hurt»
Glass Animals — «Heat Waves»
Imagine Dragons — «Follow You»
Machine Gun Kelly ft. blackbear — «my ex’s best friend»
twenty one pilots — «Shy Away» — Fueled By Ramen
WILLOW ft. Travis Barker — «t r a n s p a r e n t s o u l»

MEJOR CANCIÓN LATINA
Bad Bunny x Jhay Cortez — «Dákiti»
Billie Eilish & ROSALÍA — «Lo Vas A Olvidar»
Black Eyed Peas and Shakira — «GIRL LIKE ME»
J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy — «UN DIA (ONE DAY)»
Karol G — «Bichota»
Maluma — «Hawái»

MEJOR CANCIÓN R&B
Beyoncé, Blue Ivy, SAINt JHN, WizKid — «BROWN SKIN GIRL»
Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic — «Leave The Door Open»
Chris Brown and Young Thug — «Go Crazy»
Giveon — «HEARTBREAK ANNIVERSARY»
H.E.R. ft. Chris Brown — «Come Through»
SZA — «Good Days»

MEJOR CANCIÓN K-POP
(G)I-DLE — «DUMDi DUMDi»
BLACKPINK and Selena Gomez — «Ice Cream»
BTS — «Butter»
Monsta X — «Gambler»
SEVENTEEN — «Ready to Love»
TWICE — «Alcohol-Free»

VIDEO POR UNA CAUSA
Billie Eilish — «Your Power»
Demi Lovato — «Dancing With The Devil»
H.E.R. — «Fight For You»
Kane Brown — «Worldwide Beautiful»
Lil Nas X — «MONTERO (Call Me By Your Name)»
Pharrell Williams ft. JAY-Z — «Entrepreneur»

MEJOR DIRECCIÓN
Billie Eilish — «Your Power»
DJ Khaled ft. Drake — «POPSTAR (Starring Justin Bieber)» –
Lil Nas X — «MONTERO (Call Me By Your Name)»
Taylor Swift — «willow»
Travis Scott ft. Young Thug & M.I.A
Tyler, The Creator — «LUMBERJACK»

MEJOR FOTOGRAFÍA
Beyoncé, Blue Ivy, SAINt JHN, WizKid — «BROWN SKIN GIRL»
Billie Eilish — «Therefore I Am»
Foo Fighters> — «Shame Shame»
Justin Bieber ft. Chance The Rapper
Lady Gaga — «911»
Lorde — «Solar Power»

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Beyoncé, Shatta Wale, Major Lazer — «ALREADY»
Ed Sheeran — «Bad Habits»
Lady Gaga — «911»
Lil Nas X — «MONTERO (Call Me By Your Name)»
Saweetie ft. Doja Cat — «Best Friend»
Taylor Swift — «willow»

MEJOR EFECTOS VISUALES
Bella Poarch — «Build A Bitch»
Coldplay — «Higher Power»
Doja Cat & The Weeknd — «You Right»
Glass Animals — «Tangerine»
Lil Nas X — «MONTERO (Call Me By Your Name)»
P!NK — «All I Know So Far»

MEJOR COREOGRAFÍA
Ariana Grande — «34+35» — Choreography by: Brian Nicholson & Scott Nicholson
BTS — «Butter» –Choreography by: SON SUNG DEUK With BHM PERFORMANCE DIRECTING TEAM
Ed Sheeran — «Bad Habits» — Choreography by: Natricia Bernard
Foo Fighters — «Shame Shame» — Choreography by: Nina McNeely
Harry Styles — «Treat People With Kindness» — Choreography by: Paul Roberts
Marshmello & Halsey — «Be Kind» — Choreography by: Dani Vitale

MEJOR EDICIÓN
Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic — «Leave The Door Open»
BTS — «Butter»
Drake — «What’s Next»
Harry Styles — «Treat People With Kindness»
Justin Bieber ft. Daniel Caesar, Giveon — «Peaches»
Miley Cyrus ft. Dua Lipa — «Prisoner»

‘Donde caben dos’: la «orgía del cine español» cumple su función en el «Verano del Amor»

Por
Sebas E. Alonso
-
9

El sociólogo Nicholas Christakis advirtió ya hace muchos meses que después de toda pandemia viene una etapa de «desenfreno sexual». La pandemia no ha terminado, pero es perceptible que una parte de la población, hastiada, ha entendido que sí, y en la clínica de venéreas -aquella que salía en una canción de Rusos Blancos– no dan abasto hace tiempo. Y menos desde que la pauta completa de vacunación ha ido llegando progresivamente a generaciones más y más jóvenes.

La comedia española ‘Donde caben dos’, definida como «la gran orgía del cine español», se ha estrenado en las últimas semanas para celebrar -un poco antes de tiempo- el «Verano del Amor» y la «Revolución Sexual», con una selección musical que ni ‘Élite’, incluyendo a Delaporte, Novedades Carminha y El Columpio Asesino, además de a La Casa Azul, entre muchos otros.

Paco Caballero, conocido por la serie ‘Citas’ y ‘Perdiendo el Este’, nos sitúa en un club de sexo mitad «swinger» mitad «glory hole» en el que heteros y gays conviven con una dulce armonía que ni The Beloved. Todos bajo la supervisión de una madame/anfitriona interpretada por Ana Milán que es pura fantasía: lejos de mantenerse en un segundo plano discretamente, ella, cual Shakira, no puede parar de ir por ahí haciendo y deshaciendo.

El co-guionista y director pretende romper unos cuantos tabúes sobre la sexualidad de nuestro país hablando de una realidad subrepticia que incluso ha sobrevivido a la pandemia, aunque haya sido de aquella manera. Su principal problema es lo poco rupturista que resultan finalmente las líneas argumentales, tantísimos años después del pelotazo de la genial ‘Kiki, el amor se hace’: la resolución del intercambio de parejas del que forman parte Ernesto Alterio y Luis Callejo debería compartir celda con José Luis Moreno por su conservadurismo, como también el de la pareja gay. Como queriendo huir del cliché de poner a los personajes gays a follar no matter whom, les ha puesto a hablar sin callar: increíble incluso aunque tengas buenas tragaderas.

Más airoso sale el director en cuanto a ritmo, ayudado por sus guionistas de confianza, y en cuanto a elenco. María León y Aixa Villagrán están muy divertidas en su búsqueda de un anillo de compromiso perdido, quedándose algunos de los mejores gags; y algo desconcertante para bien es la relación medio incestuosa de Ana Castillo con Miki Esparbé, de lo poco arriesgadillo y «creepy» de una película que debió serlo mucho más. Parece haber quedado en tierra de nadie ‘Donde caben dos’, dado su escaso impacto en salas, aunque como pasatiempo apenas ha tenido rival en tu cine de verano favorito. Larga, precisamente, no se hace.

Silk Sonic retrasan la llegada de su álbum debut hasta enero de 2022

Por
Gabri Lozano
-
15

Aunque estaba previsto que el primer álbum del dúo de Bruno Mars y Anderson Paak llegase en otoño de este año, el lanzamiento se ha retrasado hasta enero del año que viene.

«Tenemos los huesos de la mayor parte del álbum, así que realmente se trata de retocar las partes que necesitan un poco más… de grasa», una curiosa metáfora que ha utilizado Bruno Mars para referirse a ese primer álbum, ‘An Evening With Silk Sonic’, y justificar su retraso. «Estamos realmente en modo de retoque ahora», para abreviar. Muy de Rosalía esa decisión.

Por el momento no se sabe la fecha exacta de su publicación, pero se rumorea parte de un tracklist aparentemente incompleto -no está ‘Skate’- en base a snippets y teasers:

  1. Silk Sonic (Intro)
  2. Leave The Door Open
  3. Behind The Door
  4. No More Secrets
  5. Your Bad Lies
  6. Hate Crime
  7. No More
  8. Can’t Take It
  9. Sorry, But What
  10. Night Town With Silk Sonic (Outro)

La pareja de artistas debutó el pasado 5 de marzo con el lanzamiento de ‘Leave The Door Open‘, un single elogiado en muchas criticas y que lideró las listas de países de todo el planeta, como Estados Unidos, México, Nueva Zelanda o Israel. A finales del mes pasado llegó su segundo single, ‘Skate‘, quedando fuera del top 40 británico pero llegando al número 14 en Estados Unidos. Por el momento no se ha confirmado si habrá un nuevo lanzamiento en los próximos meses antes del lanzamiento definitivo del álbum.

Parquet Courts lanzan el primer single de su siguiente disco y confirman próximos eventos

Por
Gabri Lozano
-
2

Parquet Courts anuncian su próximo LP para el 22 de octubre. Se llamará ‘Sympathy For Life’, y para hacer más corta la espera también han compartido su primer single, ‘Walking at a Downtown Pace’, con videoclip incluido.

Lanzado a través del sello Rough Trade Records y producido junto a Rodaidh McDonald y John Parish, este nuevo disco «fue creado para ser bailado», explica Austin Brown, voz, guitarra y teclado de la banda en un comunicado de prensa. Mientras que su predecesor ‘Wide Awake!‘ «era un disco que podías poner de fiesta», continúa Brown, «‘Sympathy For Life’ se ve influido por la fiesta en sí misma».

«La mayoría de las canciones se crearon a partir de largas sesiones de improvisación, adaptándolas con nuestra propia edición», sigue explicando Brown. Este será el tracklist del disco:

  1. Walking At A Downtown Pace
  2. Black Widow Spider
  3. Marathon of Anger
  4. Just Shadows
  5. Plant Life
  6. Application Apparatus
  7. Homo Sapien
  8. Sympathy For Life
  9. Zoom Out
  10. Trullo
  11. Pulcinella

Curiosamente, la primera pista ha sido la primera en lanzarse. El videoclip de ‘Walking at a Downtown Pace’ se ha estrenado en YouTube hace poco más de una hora, con la ciudad de Nueva York como protagonista desde distintas perspectivas. «Vemos Nueva York desde el punto de vista de alguien que corre a través de la ciudad, con prisas», explica otro integrante de la banda, Andrew Savage, voz y guitarra. La banda también ha compartido un fragmento de otro de sus próximos temas, ‘Plant Life’.

Por otra parte, Parquet Courts también han anunciado una serie de once conciertos tras la publicación del álbum, ‘The Power of Eleven‘, y un evento con once vídeos en livestreaming de todo el álbum dos días antes de su publicación, el 20 de octubre, ‘Feel Free – Sympathy For Life, Visualised’.

Disco de la Semana: The Killers / Pressure Machine

Por
Sebas E. Alonso
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11

The Killers están demostrando no tener la conciencia de grupo de Coldplay y U2, cuyas formaciones nunca han cambiado. En su álbum del año pasado ‘Imploding the Mirage‘ faltaba el guitarrista Dave Keuning; en este, el bajista Mark Stoermer; y lo que es peor: hace rato que es evidente observando los créditos que el supuesto invitado Jonathan Rado de Foxygen es el segundo miembro más importante de The Killers después de Brandon Flowers. A estas alturas, costaría una tesis doctoral explicar qué diferencia un álbum de la banda de uno de los dos que el cantante lanzaba en solitario hace unos cuantos años. Y sin embargo, la falta de estabilidad en la formación de The Killers no está conllevando una pérdida de calidad en sus discos. Todo lo contrario.

Ya en 2020 nos advertían que volverían enseguida con un nuevo largo y bien diferente. ‘Pressure Machine’ mantiene la mirada fija en el catálogo de Bruce Springsteen, solo que prefiriendo en este caso al Boss más introspectivo, el de ‘Nebraska’. La influencia de Fleetwood Mac del álbum anterior se reduce al mínimo y en este caso cabe incluso más bien hablar de Bob Dylan teniendo en cuenta el protagonismo de las armónicas en temas como ‘West Hills’ y ‘Terrible Thing’, o incluso de The National por el tipo de piano de la primera.

‘Pressure Machine’ dista de ser un disco formado por descartes de ‘Imploding the Mirage’ para presentarse como un álbum conceptual sobre los años que Brandon Flowers pasó en una comunidad de 5.300 personas llamada Nephi, en el estado de Utah. Un lugar que define como «sin semáforos, con una fábrica de goma, campos de trigo y las West Hills» y que asegura que en los años 90 habría colado por continuar en los años 50 «si no llega a ser por los avances de la industria automovilística».

Brandon vivió allí de los 10 a los 16 años, es decir, una edad fundamental en la formación de cualquier persona, y ahora recuerda las historias que allí vivió y le traumatizaron, redecorando algunas. Un cúmulo de historias tan personales para el cantante que el batería Ronnie Vannucci Jr ha tenido que ampararse en la pandemia para empatizar: «Durante el covid-19, era como si todos estuviésemos también en medio de la nada», ha declarado.

En cualquier caso, el álbum cuenta con una versión con locuciones de corte narrativo, al modo de ‘Ride this Train’ de Johnny Cash (1960), en este caso dando voz a personajes que nos van a contar diferentes historias. Ya ‘West Hills’, la primera canción, nos deja claro que vamos a asistir a diferentes perspectivas cuando escuchamos hablar a una persona que jamás ha salido de Nephi y a otra indicar con orgullo que es un «buen lugar para vivir y criar a los niños». Por un lado, es un lugar donde emprender historias de amor, aunque terminen tan mal como casi todas las historias adolescentes (‘Runaway Horses‘) y con lugar para la esperanza (la final ‘The Getting By’). Por otro, es un lugar completamente hostil para ciertas personas.

Con esas aristas, sin ocultar la parte cruda de la realidad, el artista que un buen día tanto nos cantó sobre Las Vegas ahora consigue llevarnos a un lugar del que de otra forma jamás habríamos oído hablar. ‘Sleepwalker’ habla sobre el uso de armas por parte de menores; ‘In Another Life’, sobre el consumo de drogas; Brandon ha escrito ‘Terrible Thing’ impresionado por averiguar que algunos amigos de su infancia eran gays pero no podían expresarlo; y la composición más ambiciosa del disco -que no la mejor conseguida- es ‘Desperate Things’, en la que un policía trata de rescatar a una mujer de un hombre maltratador. Flowers, que dice haber aprendido a escribir canciones de más de dos estrofas de Bruce Springsteen y John Prine, añade aquí en las últimas líneas su propio desenlace a una historia que fue real, aportando el asesinato del marido. Habla de «murder ballad» en referencia a Nick Cave.

A Brandon se le da mejor explicar sus canciones en el imprescindible «track by track» de Apple Music que escribir letras en sí, a veces demasiado redundantes, a veces demasiado cortas, lo que no quita que sus avances sean loables: está madurando mucho mejor que Chris Martin. Ayuda su voz que siempre copió de Roy Orbison, y además sabe cómo utilizarla. No necesitas saber mucho inglés ni documentarte para sumarte a tararear el precioso estribillo coral de ‘Cody’ («We keep on waiting for the miracle to come») o el de ‘Pressure Machine’, una canción en la que no hay cantante invitada a lo Phoebe Bridgers: es el propio Brandon quien se encarga de las notas más agudas.

En lo musical, ‘Pressure Machine’ es un disco que juega muy bien sus cartas y que es un acierto que no se haya presentado con ningún sencillo en particular. Supongo que era una tentación introducirlo al mundo con la canción más rockera, ‘In the Car Outside’, pero no es la más representativa, ejerciendo más bien de bastión en una cara B también realzada con ‘In Another Life’ y sobre todo con la mencionada canción titular, de bellísimas cuerdas de corte country. Sumando los sintes aislados de ‘Quiet Town’ (una canción sobre los frecuentes atropellados en el pueblo por el tren) o ese aire puntual a lo Smashing Pumpkins de ‘Sleepwalker’, estamos ante un álbum de lo más completo y variado pero siempre sin alejarse demasiado de Utah. No uno que les devuelva la fama de sus inicios, pues para eso ya tienen el viral permanente e inagotable de ‘Mr Brightside‘, sino otro que les está dando un crédito que nadie adivinó en los tiempos de ‘Battle Born’ (2012).

Aitana ofrece otra cara en el remix de ‘Mon Amour’ de Zzoilo

Por
Gabri Lozano
-
9

Lo que parecía una broma o un juego entre amigos por Twitter el mes pasado hoy se ha hecho realidad. Zzoilo, que se presenta en redes como un artista «de canciones buenrolleras», invitó a Aitana y ahora los dos se han unido para lanzar el remix de tema original ‘Mon Amour’.

Con unos versos de la canción que la artista publicó en su cuenta de Twitter el pasado 25 de julio empezó un intercambio de mensajes en el que Zzoilo le preguntó: «¿quieres hacer el remix?«. «Es un temazo», le contestó ella en ese momento, pero fue hace dos días cuando volvió a citar el tweet preguntando: «¿Entonces cuando lo hacemos?». Y ayer terminaron de confirmarlo en sus perfiles de Instagram publicando una foto juntos y anunciando que el remix saldría a media noche.

El remix de ‘Mon Amour’ sigue conservando el ritmo y la esencia medio rap originales, pero hay algunas partes de la letra que han cambiado para así fusionar las voces de ambos artistas. «Pensar en ti cuando me acuesto, pero Aitana no imagines el resto porque sino no queda bonito esto», canta Zzoilo al principio del tema para dar paso a su compañera, que ha sabido captar bastante bien la esencia de la letra para compenetrarse con su compañero a lo largo de los versos. «Se me pone cara tonto/a» o «niño/a tu me tienes loco/a», cantan al mismo tiempo con muy buena coordinación.

No es la primera vez que Aitana se deja escuchar en un remix, ‘Tu Foto Del Dni‘ con Marmi o ‘Mándame un audio’ con Fresquito y Mango son algunos ejemplos. Y como pasó entonces con Marmi, esta jugada con Zzoilo parece que no ha salido mal y el tema está teniendo buena acogida en YouTube.

La sátira «flower power» de Lorde es demasiado fina para el vulgo

Por
Sebas E. Alonso
-
68

Lorde llega este viernes al lanzamiento de su tercer disco, ‘Solar Power’, con algún que otro problema de márketing. La proclama de Bowie de que representaría la «música del futuro» y la calidad de ‘Melodrama‘, el mejor disco de su año, ya eran losas demasiado pesadas. Y a ellas hay que sumar una serie de cartas para sus fans sobre la riqueza y la fama totalmente ajenas al vulgo, un single principal que recordaba demasiado a Primal Scream y a George Michael, un segundo de corte lanesco y experimental… y ahora esto.

‘Mood Ring’ es una composición de melodía agradable que, como indican en nuestros foros, consolida la reinvención del sonido Lorde: hay esperanza para el álbum, porque bien unificado en el plano sónico desde luego va a estar. Lo demás va a ser complicado.

Ella misma indica que para este disco se ha empapado de la cultura hippie de los 60 para reflexionar sobre la cultura del bienestar actual, especificando que su aproximación es una «sátira». Por tanto, averiguamos que frases como «Pluto in Scorpio generation / Ladies, begin your sun salutations / Transcendental in your meditations» están escritas desde la ironía, como la ceremonia que se monta con sus amigas en el videoclip. El problema es que el mensaje no es tan claro cuando sus seguidores inundan las redes de comentarios tipo «qué bonito» o «qué hermoso», cuando Lorde parece estar riéndose de cosas como aquellos anillos mágicos que se regalaban en la prensa adolescente tipo Superpop, consumida mayoritariamente por público femenino. Por eso, quizá, sólo mujeres aparecen en su videoclip.

Todo esto no es tan diferente de lo que criticaba su primer éxito ‘Royals’, pero la melodía y el tipo de arreglos no contribuyen. Todo lo contrario, suman al despiste. La belleza y calidez de ‘Mood Ring’ están más cerca de ‘Torn’ de Natalie Imbruglia y ‘No Scrubs’ de TLC. Los años 2000 son específicamente citados en el texto aunque estamos hablando realmente de finales de los 90. Nada parece indicar que todo esto sea irónico cuando Lorde se hace un autocoro para apelar a la «LUZ» y al «AMOR» por uno de los auriculares o altavoces. Al menos en el contexto histórico actual. ¿Merece la pena referirse a tales conceptos, a modo de sátira, con la que está cayendo en el mundo? ¿A qué nos agarramos, si no es al amor, y a la esperanza?

Hace unos días topé con ‘Thank U’ de Alanis Morissette en Kiss.FM en un viaje. Nadie en el coche sugirió cambiar de dial o resopló. Nunca fue mi canción favorita del segundo álbum internacional de la cantante, y nunca fue una buena idea como «comeback». Pero con todo lo «cheesy» y ridiculizable que pudiera resultar su llamada a la espiritualidad, al menos comprendí instantáneamente en 1998 lo que Alanis me quería contar con melodía y letra, y de alguna manera me sigue funcionando en un momento melancólico o bajo. No sé si podremos decir lo mismo de esta canción en 2045.

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‘VICE VERSA’ de Rauw Alejandro, de nuevo top 1 en España; suben ROBE y Zahara

Por
Gabri Lozano
-
0

El último álbum de Rauw Alejandro, ‘VICE VERSA‘, ha sustituido a Billie Eilish con su ‘Happier than ever‘ como número 1 de la lista de álbumes española. Ahora ella se encuentra en el número 2. Artistas como Camilo, C. Tangana, Olivia Rodrigo y Dua Lipa se mantienen en sus puestos de la semana pasada con ‘Mis Manos’ en el puesto 3, ‘El Madrileño’ en el 4, ‘Sour’ en el 5 y ‘Future Nostalgia’ en el 6.

Suben un puesto respecto a la anterior semana Karol G con su álbum ‘KG0516‘, alcanzando el puesto número 7, y Bad Bunny con ‘YHLQMDLG‘ en el 8. Muy cerquita de ambos se ha quedado George Harrison, que ha sido la entrada más fuerte esta semana en la lista con su disco ‘All Things Must Pass’, de 50º aniversario, en el puesto 9. Por su parte, el mayor incremento se lo ha llevado Robe con ‘Mayéutica’, subiendo al puesto 23. Zahara sube 40 puestos, del 92 al 52, gracias a la reedición del vinilo de ‘PUTA’, hasta ahora agotado, en la semana de su polémica con VOX.

El resto de nuevas entradas en la lista han sido para Brian May en el puesto 19 con su álbum ‘Back To The Light’; para BTS con ‘BTS, The Best’, llegando al número 26 y dos puestos más abajo, en el 28, Barbra Streisand con ‘Release Me 2’. También consiguen entrar de nuevo en la lista Maroon 5 con ‘JORDI‘ en el puesto 93 y al final de la lista, en el puesto 100, vuelven Lady Gaga y Bradley Cooper con ‘A Star Is Born‘.

Lorde estrena nuevo medio tiempo acústico, ‘Mood Ring’

Por
Gabri Lozano
-
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La cantante neozelandesa lo comunicaba a través de su sitio web: ‘Mood Ring’ es el tercer adelanto del que será su próximo álbum, ‘Solar Power’, que estará disponible este mismo viernes 20 de agosto. ‘Solar Power’ será el tercer álbum de Lorde, el primero desde ‘Melodrama’ en 2017. Este es su tracklist:

  1. The Path
  2. Solar Power
  3. California
  4. Stoned at the Nail Salon
  5. Fallen Fruit
  6. Secrets From a Girl (Who’s Seen It All)
  7. The Man with An Axe
  8. Dominoes
  9. Big Star
  10. Leader of a New Regime
  11. Mood Ring
  12. Oceanic Feeling

Contará además con dos bonus tracks: ‘Helen of Troy’ y ‘Hold No Grudge’.

El tema de hoy, ‘Mood Ring’, viene acompañado por el videoclip oficial, que ha sido codirigido por la propia Lorde junto con Joel Kefali, que también fue el director del videoclip ‘This Is How We Do‘, de Katy Perry. El single ha salido a las 20:00h (hora española), pero la artista ha realizado una transmisión previa en directo a través de su canal de YouTube a partir de las 19:45h.

‘Mood Ring’ es el tercer adelanto de este nuevo disco, después de los estrenos previos en junio y julio de ‘Solar Power’ y ‘Stoned at the Nail Salon‘, respectivamente. En las últimas semanas, Lorde apenas dio pistas sobre este nuevo trabajo, pero las noticias o adelantos en sus redes sociales son muy escasos. Según explicaba en una entrevista en el canal de YouTube Hot Ones: «A medida que envejezco, me encuentro diciendo: ‘No, en realidad no voy a explicar esa canción’. No porque necesariamente necesite dejarlo a la interpretación, sino porque se trata de algo que es muy valioso para mí».

Omar Montes, The Weeknd y Álvaro Soler entran en la lista de singles española

Por
Gabri Lozano
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Por tercera semana consecutiva, Farruko consigue mantenerse en el número 1 de la lista de singles española con su tema ‘Pepas’, le sigue Rauw Alejandro en el puesto número 2 con ‘Todo de ti’ y tras ellos, Aventura y Bad Bunny en el número 3 con su colaboración ‘Volví’, que además ha sido el mayor incremento de la lista esta semana.

Respecto a la semana pasada, artistas como J Balvin y María Becerra con ‘Qué Más Pues?’ o Justin Quiles, Chimbala y Zion & Lennox con ‘Loco’ siguen bajando posiciones, de los puestos 3 y 4 al 5 y al 6, respectivamente. Por su parte, ‘Cúrame’ de Rauw Alejandro o ‘Mon Amour’ de Zzoilo siguen subiendo en la lista, posicionándose en los números 4 y 9.

Por su parte, la entrada más fuerte ha sido para el dúo de Omar Montes y JC DIAMANTE y su colaboración ‘Beba qué quieres que haga’, que ha llegado al número 52. Ningún artista ha conseguido reincorporarse a la lista esta semana, pero sí hay varias entradas interesantes: The Weeknd en el puesto 73 con su tema ‘Take My Breath‘; Anuel AA y Chris Jedi con su colaboración ‘ Los De Siempre’ en el 88 y al final de todo, en el número 100, Álvaro Soler con su éxito veraniego ‘Magia’.






Monarchy / Syzygy

Por
Sebas E. Alonso
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Hay países más abiertos que otros al synth-pop ochentero. El más suculento para un grupo es Alemania, como bien saben Hurts, que tienen casi tantos fans en Munich como en Londres, pero también está España, que ha tratado especialmente bien a muchas de estas bandas, como The Sound of Arrows o Monarchy. En este caso porque uno de sus miembros ha residido largas temporadas en Madrid, pues “le encanta España” en general y Lavapiés en particular.

El dúo formado por Andrew Armstrong y Ra Black se despide definitivamente ahora tras algún ademán algo errático que ya les llevó a anunciar su final en el pasado; sólo que esta vez lo hacen desde el amor y el respeto mutuo a través de un tierno comunicado que no han querido que salga de sus redes sociales. No ha habido notificación tan detallada para la prensa ni habrá promoción del disco pese a que lo consideran “el mejor que han hecho”.

De la misma manera que Chvrches lucharán la semana que viene por superar la espontaneidad de sus primeros dos álbumes, Monarchy no han entregado un disco claramente superior a ‘Around the Sun’. Lo que sí abre ‘Syzygy’, irónicamente, es nuevas vías que habrían podido llevarles a nuevos lugares o, como mínimo, consolidar su lugar en la contratación de salas y festivales cuando estos vuelvan a estar al 100%. ‘Glow Vision’ aúna 70’s y 90’s con la gracia de la última Jessie Ware, ‘It’s All Good’ empieza con un nivel de metales y euforia inédito en Monarchy, y su despedida con ’Bye Bye’ es una rara avis, distorsionando lo que parece una canción de los años 40.

Marilyn Monroe está en la playlist oficial de canciones que han inspirado ‘Syzygy’, como también Deee-Lite, Giorgio Moroder (muy evidente en ‘Blame It on the Moon’), Daft Punk, Grace Jones, Justin Timberlake o Sébastien Tellier, junto a artistas más desconocidos como The Bucketheads (seguramente la inspiración house en ‘It’s All Good’), Lipps Inc (caerás en quiénes son en cuanto te pongas ‘Funkytown’) o Mtume, de los que Reggie Lucas formó parte a finales de los años 70. Juntas, todas estas influencias dan lugar a una elegante amalgama de funky y disco con resquicios de acid (‘Half a Song’) y R&B (‘Idolise’), siempre con la sedosa voz de Ra poniendo un punto sensual, bien en modo falsete o no.

‘Syzygy’ es también un álbum espiritual en su aceptación del final del dúo y en su mismo título, con esa “sizigia” aludiendo al “fenómeno astronómico de cuerpos celestes que se alinean en el sistema gravitacional” y también al concepto de “unión cercana”. Monarchy han querido hablar de su propia cualidad de dúo de esta manera, mostrando en la portada los anillos de Andrew y los tatuajes de Ra. En cuanto a los textos, ‘Half a Song’ busca su propia religión, ‘Jump in the Water’ es una propuesta de «desnudarnos y lanzarnos al agua» para olvidar una ruptura y ‘Colours in the Chaos’ suena completamente zen en su búsqueda explícita de la «pureza». Un buen epitafio para una banda que nos ha dejado pequeños clásicos como ‘Living Without You’, ‘The Phoenix Alive’, ‘You Don’t Want to Dance with Me’, ‘Disintegration’…

De Algeciras a Rolling Stone: LVL1 lo peta con ‘FVN!’ y su «Cat Kitty Cat»

Por
Pablo Tocino
-
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Seguramente hayas escuchado estos días a alguien de tu entorno canturreando “si te enseño las uñas te puedo arañar, cat-kitty-cat-cat-kitty-cat-cat!” (en caso contrario, te falta nada para que eso ocurra) y te estés preguntando de dónde viene eso. Se trata de ‘FVN!’, un divertidísimo tema que mezcla house y rap, y que supone el primer paso de LVL1 (leído “Luli”), una chica de Algeciras de 23 años. Es hoy nuestra «Canción del Día».

El videoclip de la canción (dirigido por Jorge Parejo y Laura Cortés) acumula un millón de visitas, y en Spotify lleva más de 6 millones de streams… todo esto sin contar la locura de números en la red social donde el tema se ha hecho viral: TikTok.

Contactamos con ella para que nos explicase cómo ha vivido esto, y nos cuenta que ha habido varios picos de viralidad: primero fue un vídeo de ella misma enseñando su look, que tuvo tirón por Latinoamérica, luego la canción empezó a usarse en Rusia, y fue al llegar a Estados Unidos cuando aquello explotó, con multitud de usuarios eligiendo la canción para acompañar vídeos de sus mascotas. De los gatos pasó a muchos otros trends de la popular red social -incluyendo un cuanto menos desafortunado vídeo de la cuenta oficial del ejército israelí donde se ven tanques y armas mientras Luli canta de fondo (“te puedes imaginar lo que me parece”, nos dice ella).

LVL1 está aún digiriendo todo este impacto, y en los últimos días ha vivido incluso una retirada de su canción de TikTok (a cuenta de otro usuario que intentó hacer pasar el hit como suyo), que por suerte se ha quedado en susto. Su música ha llegado hasta la Rolling Stone, que reseñó hace poco ‘FVN!’, calificándola de “alegre, desenfrenada y hedonista” y alabando la producción de Trillfox y el puente que incluye el mencionado “cat-kitty-cat”.

Pero el talento de la algecireña apunta mucho más allá de esa frase y ese puente; podemos apreciar su soltura y su facilidad para unir humor y ganchos en otros momentos de la canción: “no me presento / a mí ya me conoces / soy la que va / más ciega que la ONCE”, “no sé si me quiere / o me tiene manía / pero tú tacuerda / de mí to los día” o “a medio camino / entre king y queen / ya dejé la mafia / pero sigo siendo queer”.

En esta última hay precisamente un guiño a su anterior proyecto: la cantante, que se define como persona no binaria -usando tanto “ella” como “elle”-, tenía un grupo con otros amigos llamado Queer Mafia, bajo el que sacaron temas como ‘Eskivando balas’, ‘White Clouds’ o ‘Viernes‘. Cuando la banda se disolvió, ella decidió seguir sacando música con referentes como Zebra Katz o Azealia Banks, y de ahí han salido tanto esta ‘FVN!’ como ‘LVCKY’, la colaboración con Rakky Ripper y Eurosanto lanzada recientemente.

LVL1, que aunque estudió diseño de moda en Granada lleva haciendo música desde pequeña, duda ahora entre quedarse en Algeciras, en Granada o incluso mudarse a Madrid, pero lo que tiene claro es que va a aprovechar esta oportunidad para seguir sacando música.

Revelación o Timo:

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