Kanye West VS Taylor Swift, la 3ª Guerra Mundial: los mejores memes por la candidatura de Ye a la Casa Blanca

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5 julio, 2020

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Katy Perry está en estado de buena esperanza por partida doble: de su primera hija con Orlando Bloom y de un nuevo álbum. Un sucesor de ‘Witness’ que se publica el día 14 de agosto, aunque a día de hoy solo conocemos de él su existencia y un single, ‘Daisies‘, cuyo desempeño en las listas de éxitos está siendo más bien regulero, por más versiones acústicas y remixes bailables de cara al Orgullo 2020 que aporte al asunto. En todo caso, Perry está de promo, y ofrece entrevistas mientras permanece confinada en su casa. En la última de ellas, ha dejado una de esas patochadas suyas que la distinguen y la han llevado a ser el centro de atención como jurado en ‘American Idol’, por ejemplo.

Como recogía hace unas horas la plataforma de RTVE Playz, en esa entrevista (desconocemos el medio por más que hemos indagado, la verdad) declaraba su amor a Rosalía, o «Rozalía», como dice ella cómicamente. «La amo, tengo un «crush» con ella», dice con gestos de ir a darle un vahído, convirtiéndose en un meme en sí misma. Un clip que llegaba a la propia artista barcelonesa que, partiéndose de risa, dice en un tuit «si es que hay que quererla». ¿Habrá una colaboración en ciernes, ya que se quieren tanto?

No parece probable, como tampoco lo es un dueto entre Perry y otra cantante barcelonesa con el que se ha especulado fuertemente esta semana: hace un par de días, Katy Perry y Aitana eran trending topic por un rumor que decía que ambas cantarían juntas en ‘Teary Eyes’, una de las canciones que contendría, hipotéticamente, su nuevo disco antes mentado. Pero lo cierto es que no hay nada de cierto en ello, según ha contado la propia Aitana en una entrevista con Tony Aguilar en Los40: “Yo me meaba”, decía la intérprete de ‘Teléfono’. “Cómo se ha liado con esto, ¿pero de dónde lo ha sacado?”, explicando que incluso sus propias amigas le escribían para saber del asunto de primera mano. “¡Lo estaba flipando hasta yo!”, aseguraba, añadiendo que ella no es “tan guay para hacer un tema con ella”, aunque le encantaría que se lo planteara en un futuro. Ha sido bonito mientras ha durado.

Si es q hay q quererlaaaaa hhahah❤️❤️❤️ @katyperry https://t.co/MDo3BtqnjA

— R O S A L Í A (@rosalia) July 2, 2020

Ginebras: «Queríamos hacer algo bailongo, con toque latino y de cachondeo»

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5 julio, 2020

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Ginebras han sido una de las revelaciones nacionales de los últimos años: ‘La típica canción’ supera ya el millón de reproducciones en Spoti, y su versión de ‘Con altura’… se acerca. Su nuevo single, que ha pasado esta semana por nuestra «Sesión de Control», se llama ‘Paco y Carmela’ y su costumbrismo tira ahora hacia el hallazgo del amor en la mediana edad, cuando sus personajes ya habían perdido la esperanza.

Nos lo cuenta Magüi vía WhatsApp de voz: «Esta canción se creó para la reacción que está teniendo: para levantar a la gente a tope como en las fiestas de pueblo, porque venimos del pueblo y las fiestas es algo que nos encanta. Queríamos hacer algo bailongo, con toque latino y de cachondeo, y al pensar de qué hablábamos, al llegar al local hablamos de lo mal que nos iba en el amor: «qué desgraciadas somos en el amor», «nadie nos quiere… Todo de risa obviamente, porque tampoco es un drama. Quisimos contar esto con una historia de amor no tan al uso, hablando de dos divorciados. Nunca es tarde para encontrar el amor, te puedes enamorar muchas veces en tu vida. Por un lado estamos diciendo que somos unas desgraciadas porque nadie nos quiere, pero por otro: «mira, Paco y Carmela nos hacen creer en el amor a saco». Todos arriba a bailar y a celebrar la vida. El amor está ahí y hace falta más amor».

‘Paco y Carmela’ narra efectivamente una cita a ciegas entre los protagonistas referidos: el tío Paco, «divorciado a los 50 años», conociendo a Carmela, «muy guapa e ingeniera», en contraste con una narradora a la que «nunca ha sido romántica» y le «va fatal en el amor». Musicalmente, Ginebras vuelven a apuntarse el tanto de la universidad con esta suerte de pop-rock latino que podrían haber escrito Los Rodríguez más poperos y desenfadados. Además, no falta el guiño cinematográfico habitual, esta vez a la galardonada cinta de Carlos Saura.

Lo mejor del mes:

‘Ride a White Horse’: los hits putifinos que sonarían hoy en Studio 54

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5 julio, 2020

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‘What’s Your Pleasure?‘ de Jessie Ware es nuestro Disco de la Semana. El cuarto trabajo de la cantante británica es un exuberante despliegue de elegancia y sofisticación llevadas a la pista de baile, y si su aproximación a la música disco de los años 70 y 80, materializada en singles estelares como ‘Spotlight’, ‘Ooh La La’ o ‘Save a Kiss’, hace pensar inequívocamente en las fiestas de la mítica discoteca Studio 54 de Nueva York, es imposible obviar que la portada del álbum es una casi-réplica de aquella famosa instantánea de Bianca Jagger tomada en la época por Andy Warhol, dos las cientos de celebridades que frecuentaron aquel lugar durante su apogeo.

¿A qué otras cosas recuerda el nuevo trabajo de Ware? ‘What’s Your Pleasure?’ es un disco putifino de cabo a rabo, y el putifinismo es un concepto muy variado, como saben los usuarios de nuestros foros. Es una elegancia decadente y enfocada en el hedonismo. Lo definen acciones, personas o cosas como «tomar Martini blanco» o «beberse una combinado dejando la mancha de carmín en el borde del vaso», «acariciar el pasamanos con las yemas de los dedos mientras subes lentamente las escaleras», «la moda ibicenca», «Norma Duval», «embadurnarte de aceite», «llevar un kit finísimo para la cocaína», «que se te salga un pezón», «sacar un pintalabios y un espejito del bolso mientras el taxista mete tu equipaje en el maletero», «Dinastía», «llamar a tus conocidas «querida»», «llamarte Mariah Carey» o el «villano de ‘Las Supernenas'».

A partir de este concepto, una playlist de posibles referencias de ‘What’s Your Pleasure?’ no tiene por qué incluir a Prince o Janet Jackson y nos invita a imaginar qué pincharía hoy Studio 54. Y no cuesta imaginar una sesión en la que sonaran hits de disco contemporáneo de Róisín Murphy, Kylie Minogue, Goldfrapp, pues no hay que olvidar que ‘Ride a White Horse’ estaba inspirada en la entrada a caballo de Bianca Jagger en aquella discoteca; el ‘Tutti Frutti’ de New Order o la propia Jessie Ware, pero también temas más underground de Tiger & Woods, Dimitri from Paris o Hercules and Love Affair o ritmos más duros de chicago house y acid como ‘Brighter Days’ y ‘Percolator’ de Cjmere o ‘R U Sleeping’ de Indo, pues James Ford de Simian Mobile Disco es el productor principal de este trabajo. Una noche en la que caben la dulzura de Little Boots tanto como la actitud de Azealia Banks o la magia de ese ‘Spotlight’ que colocamos a mitad de playlist, marcando un segundo comienzo.

Kanye West se anuncia como candidato a la presidencia de EEUU: ¿esta vez va en serio?

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5 julio, 2020

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Tal y como había especulado ya en alguna ocasión, y pese a que más tarde descartara hacerlo ahora y proyectarse a 2024, Kanye West acaba de anunciar hace un par de horas que se presentará como candidato a la presidencia de EEUU en las elecciones del próximo mes de noviembre. En un tuit el artista, casi avanzado su programa de gobierno, dice «Debemos llevar a cabo la promesa de América confiando en Dios, unificando nuestra visión y construyendo nuestro futuro. ¡Me presento a presidente de Estados Unidos!», acompañado del hashtag #2020VISION, que (todavía) no sabemos qué quiere decir.

Para más inri, el magnate de la tecnología Elon Musk ha respondido a su tuit diciendo que «tiene su total apoyo» en esa empresa. Algo que podría sonar a chanza si no fuera porque Ye publicó hace días una foto de ambos juntos en la casa de aquel –de hecho, ya hay quien ha observado que en el reflejo del cristal se vislumbra a Grimes tomando la instantánea–. Es decir, todo esto podría estar planeado. Ahora bien, ¿va en serio Kanye? ¿Tiene alguna posibilidad real de ser presidente de los Estados Unidos de América?

Kanye West anunció durante un laaaargo discurso en la gala de los premios MTV VMA’s 2015 que quería presentarse a presidente en 2020. Todo el mundo lo tomó a broma (aún no tenemos claro que no lo sea) se tomó a broma el anuncio. Incluso Hillary Clinton, por entonces pre-candidata, que entendía que, de suceder, sería bajo las alas del Partido Demócrata, considerando la cercanía con Barack Obama que había mostrado West durante su mandato. El giro de guión llegaría tras las elecciones de 2016, en las que Donald Trump derrotó contra todo pronóstico a Clinton. A partir de ahí, West inició un acercamiento a los postulados de Trump y le visitó varias veces en la Casa Blanca, alabando su figura y sus políticas, generando una considerable controversia.

Pero, ¿va en serio? Lo cierto es que por el momento no se conocen detalles de su candidatura: ¿se presentará a las primarias del partida Republicano o lo hará de forma independiente? Lo último parece improbable, porque supondría una inversión descomunal para afrontar una derrota casi segura –desde el siglo XIX, no ha habido ningún presidente en USA que no perteneciera a los dos partidos principales–. Más posibilidades tendría si formara parte del Partido Demócrata: ha demostrado que sus ideales están más cercanos al extremo conservador y del fundamentalismo religioso que representa Trump y, aunque obviamente no se impondría a él, sí tendría posibilidades de formar parte de su gabinete.

De hecho, no sería tan delirante pensar que todo esto sea una maquinación para, en una pirueta loca, captar el voto de las minorías étnicas del país, que en los últimos meses se han manifestado contra la violencia policial y su racismo. O como poco, arrebatar a Joe Biden, candidato demócrata, el voto de los indecisos aunque solo sea para echarse unas risas. Así que no, quizá no veamos a Kim Kardashian como primera dama (como algunos temen), pero que Kanye vaya esta vez en serio puede ser verdad. En un país en el que una actor de westerns gobernó durante 8 años y con West por medio, todo puede ser, literalmente. Y a todo esto, le vendrá de perlas para promocionar ese anunciado nuevo disco, ‘God’s Country’.

We must now realize the promise of America by trusting God, unifying our vision and building our future. I am running for president of the United States 🇺🇸! #2020VISION

— ye (@kanyewest) July 5, 2020

You have my full support!

— Elon Musk (@elonmusk) July 5, 2020

Neil Young, nuevo agraviado por Trump al usar su música en un mitin

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4 julio, 2020

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Después de Rolling Stones y Tom Petty, ahora es Neil Young el nuevo músico agraviado por el uso de sus canciones en un mitin de Donald Trump. «Esto no cuenta con mi aprobación», ha respondido a través de su cuenta oficial en Twitter a una tuitera que señalaba cómo sonaba el himno ‘Rockin’ in the Free World’ en un mitin que celebraba el presidente de Estados Unidos junto al Monte Rushmore coincidiendo con el 4 de julio, fiesta nacional del país norteamericano.

No era la única canción del canadiense que sonaba en dicho evento político pues, como señalaba la misma usuaria con un vídeo del mismo evento en el que se escuchaba ‘Like a Hurricane’. Young insistía respondiendo «Me manifiesto en solidaridad con los Siux Lakota; y esto no cuenta con mi aprobación». Es bien conocida la implicación del veterano rockero en denunciar los agravios que los nativos norteamericanos han sufrido durante siglos por parte de los colonizadores de aquellas tierras.

Además, no era la primera vez –como sucedió en el caso de Rolling Stones– que Trump usaba ‘Rockin’ in the Free World’ en sus actos políticos, puesto que ya lo hizo en el inicio de la campaña electoral que le llevó hasta la Casa Blanca en 2016, como también sucedió con Rihanna, Guns ‘N’ Roses y una larga lista. Ahora, en respuesta a TMZ, su equipo de campaña asegura que pueden usar estas canciones porque «han pagado para obtener los derechos de usarlas». Todo esto, que parece una evidente que es una maniobra de distracción, recuerda a cuando ningún artistas mínimamente popular quería participar en los eventos de Trump, por mucho pastizal que ofreciera.

Neil Young ha sido actualidad en las últimas semanas por cuestiones puramente artísticas: el pasado 19 de junio veía la luz ‘Homegrown‘, un disco grabado en el año 1975 que nunca había visto la luz hasta ahora por expreso deseo de su autor.

This is NOT ok with me… https://t.co/Q9j9NRPMhi

— Neil Young Archives (@NeilYoungNYA) July 4, 2020

I stand in solidarity with the Lakota Sioux & this is NOT ok with me https://t.co/iPVcFplOHa

— Neil Young Archives (@NeilYoungNYA) July 4, 2020

Leonardo Sbaraglia cae preso del embrujo sexual de ‘Hoy’, lo nuevo de Residente

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4 julio, 2020

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Desde hace unos meses, el que fuera conocido en su día como miembro del grupo Calle 13, Residente, viene allanando el camino para su segundo trabajo de estudio tras su bastante exitoso álbum debut homónimo publicado en 2017. Sin dar más detalles sobre este de momento, tras el petardazo dado con la emotiva ‘René‘ y la sentimental ‘Antes que el mundo se acabe’ –promocionada con un vídeo de besos entre Ricky Martin, Leo Messi y Ana de Armas con sus respectivas parejas–, ahora lanza un nuevo single titulado ‘Hoy’ en el que retoma el pulso de su lado más hedonista y bailable.

Producido por Trooko –con el que René Pérez ha trabajado en varias ocasiones, incluido su single con Bad Baunny ‘Bellacoso‘–, se trata de un tema de base post-reggaetonera al estilo Major Lazer, sobre la que Residente despliega una letra de claros tintes sexuales, con el leit-motiv de «la vaca tiene por los cuernos al toro» que retrata la portada del single.

La canción es promocionada con un vídeo cuya producción lleva a pensar que ha sido facturado antes de la Covid-19. Y no tanto por la factura espectacular de los efectos especiales –que llevan a los actores implicados en la colisión sexual a posturas inverosímiles– como por la necesaria ausencia de distanciamiento social entre ellos. Presos del embrujo que parece poseer a los que escuchan ‘Hoy’, los protagonistas se enzarzan en un agresivo enfrentamiento sexual como si de un videojuego de lucha cuerpo a cuerpo se tratara. La cosa adquiere tintes delirantes cuando, trasladándose el «combate» a la calle, algunos viandantes se ven también inevitablemente forzados a darle lo suyo al que tengan más cerca. Entre los diversos actores argentinos que participan de esa cómica y caliente escena encontramos con sorpresa al prácticamente español Leonardo Sbaraglia –un crucial papel secundario en ‘Dolor y gloria‘ de Almodóvarha sido uno de sus últimos trabajos–, en un registro poco frecuente en él.

Sea –como parece– con disco nuevo en nuestros haberes o no, Residente ha sido ya confirmado en las ediciones pospuestas a 2021 de los festivales Río Babel (Madrid) y Cruïlla (Barcelona.

¿Ha llegado el momento de acabar con la misoginia en la música, como pide Janelle Monáe?

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4 julio, 2020

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Hace unas horas, la consagrada músico y cada vez más valorada actriz –acaba de protagonizar la segunda temporada de ‘Homecoming’ y en breve estrena ‘Antebellum’, ambas como protagonista– Janelle Monáe ha publicado una serie de tuits en los que plantea un debate que no termina de cerrarse: ¿ha llegado el momento de acabar con la misoginia en la música? En su primer mensaje, la autora de ‘Dirty Computer‘ alude primero al rap, pero también habla en general de música: «La verdad es que ya solo quiero escuchar mujeres rapeando. La cantidad de misoginia de la mayor parte de hombres en el rap y la música es exasperante. Tenemos que abolir esa mierda también», dice en clara referencia a las manifestaciones contra el racismo que sacuden desde hace más de un mes la sociedad estadounidense.

Más tarde llama a quemar el sistema patriarcal que «ha abusado de las mujeres (y de las mujeres negras en particular) desde hace demasiado tiempo». «O echas gasolina o te quemas con ellos», dice gráficamente, pidiendo la implicación de los propios creadores: «no podéis esperar que las mujeres vengamos a señalar cada «puta», «zorra» o actos violentos hacia las mujeres que han influido en el rap y el rock en la historia de la música. «La misoginia», prosigue, «NUNCA ha estado bien sino que se ha normalizado. Las mujeres no crearon la misoginia, lo hicisteis vosotros. ASÍ QUE TOMÁOS LA MOLESTIA DE ABOLIRLA», apunta a sus compañeros de profesión masculinos. «No nos hagáis creer que os importó alguna vez. Si hubiera sido así, ya lo habríais ABOLIDO. Tuvisteis tiempo», dice también antes de reconocer que el trabajo muchos de sus héroes musicales y compañeros es «problemático». «Incluso yo podría ser una heroína problemática para alguien», asevera cerrando el hilo.

Lo cierto es que este debate es acuciante en el rap. En un mundo post-#MeToo, aunque se han hecho avances por parte de algunos artistas –léanse Kendrick Lamar, Childish Gambino, Tyler, the Creator, Lil Nas X…–, lo cierto es que buena parte de los nombres –muchos muy jóvenes, cuando no debutantes– del hip hop que triunfan en Estados Unidos y que amplifican su mensaje a todo el mundo –léanse DaBaby, Roddy Rich, Gunna…– siguen enarbolando un mensaje de superioridad, cuando no de violencia, hacia las mujeres. Sin ir más lejos, el reciente número 1 en el país norteamericano 6ix9ine publicaba hace unas horas un single llamado ‘Yaya‘ en el que canta líneas como «tráeme bebida, no quiero agua» entre chicas en bikini bañadas en leche. Y no, esto no va de que Bad Bunny cante «Tú ere’ mi Lady Gaga, yo tu Bradley Cooper / Ella se lo traga, y me lo escupe». Esto no va de prácticas sexuales explícitas, siempre que sean consentidas. Una cosa es rechazar un abuso machista, y otra muy diferente la mojigatería.

Este debate viene de largo y no afecta únicamente al rap. En nuestro país, por ejemplo, se ha señalado a artistas de la trayectoria de Joaquín Sabina y Loquillo con canciones de contenido degradante para la mujer. También lo fue C. Tangana hace un año, cuando se cancelaron dos conciertos suyos en Bilbao a causa de sus letras consideradas machistas. El que suscribe estas líneas apelaba en ambos casos a la educación. Pensaba, y pienso, que es necesario formar personas que sepan dirimir que la expresión lírica y musical no debe ser necesariamente trasladada ni validada en la vida, no intervenir ni vetar la creación artística. Sin embargo, perdida la batalla de la formación –la educación hace décadas que es empleada, y no solo en España, como un arma política de la que apoderarse, más que una fuente de riqueza social y prosperidad común–, ese discurso sea insuficiente, como apunta Monáe.

Del mismo modo que sucede en la industria del porno, a la que se reclama que se extirpen comportamientos de intimidación y violencia para evitar que sean normalizados por chavales que acceden a ella de una manera fácil y directa (justo como sucede con la música), quizá sea el momento de pedir un cambio a los creadores. Que asuman que sus obras deben tener en cuenta que pueden llegar a personas que no necesariamente (y esto no solo afecta a los más jóvenes, ni mucho menos; más bien al contrario) sepan separar entre arte y realidad y que pueden servir de ejemplo para ellos y ellas. Volviendo a C. Tangana –y dando carrete a los que piensan que aquí El Madrileño es poco menos que intocable–, algo debió (como reconoce) removerse en él tras ese incidente vivido el verano pasado: en su último éxito ‘Nunca estoy‘, canta en la voz de una mujer –aparentemente, la de su propia pareja– que le reprocha su comportamiento, interiorizando así las críticas de ella hacia él. Puede ser un paso pequeño, pero es un paso.

Ryan Adams se disculpa en una carta por los supuestos abusos a Phoebe Bridgers y Mandy Moore

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4 julio, 2020

Ryan Adams acaba de reaparecer tras un año desaparecido después de la controversia surgida cuando, en un reportaje de The New York Times, varias mujeres le acusaban de abusos emocionales, sexuales y de poder hacia ellas. Entre las supuestas afectadas estaban su ex-mujer, la actriz y cantante Mandy Moore, que manifestó haber sido menospreciada por él artísticamente, y Phoebe Bridgers (ahora mismo muy alabada su nuevo disco ‘Punisher’), que explicó que una colaboración profesional derivada en relación personal se transformó en un abuso emocional por parte de él. Otros testimonios de mujeres menos conocidas apuntaban en la misma dirección, e incluso se hablaba de supuestas relaciones íntimas con una menor de edad.

Después de una airada reaparición momentánea –tildaba de «estúpidos» a los que aireaban esos supuestos abusos, que alimentaban a «la turba»–, el ex-Whiskeytown acaba de hacer pública una carta a través del diario británico The Daily Mail en el que ofrece, con un tono muy distinto, disculpas. «No hay palabras para expresa lo mal que me siento por las formas en que he maltratado a la gente a lo largo de la vida y carrera. Todo lo que puedo decir es que lo siento. Así de simple», comienza diciendo. Asume, en todo caso, que estas disculpas pueden sonar como «la basura vacía» que ya entonó cuando recibió estas acusaciones, pero «solo puedo decir que esta vez es diferente». «Haber sido consciente de verdad del daño que he causado, me destrozó, y aún estoy deshaciéndome de las ondas de devastadores efectos que mis acciones desencadenaron. No hay forma de convencer a la gente de que esta vez es realmente diferente, pero es la penitencia que tengo que hacer como resultado de mis actos».

Ryan también asegura que se ha esforzado por llegar a la raíz de los problemas que derivaban en estos comportamientos, y que parte de ese conocimiento ha implicado permanecer completamente sobrio que, ha descubierto, era algo muy ligado a la salud mental. Para concluir, explica que en este tiempo ha seguido haciendo música porque es su manera de «desnudar su alma» y que, sobre este asunto en particular, ha escrito suficientes canciones como para llenar «media docena de álbums». «Algunas de estas canciones son de enfado, muchas son tristes, pero la mayor parte de ellas son sobre las lecciones que he aprendido en los últimos años. Son una expresión de mi más profundo arrepentimiento», asegura antes de concluir que espera que «las personas a las que he hecho daño se curen. Y espero que encuentren una manera de perdonarme».

Poco antes de que estallara este escándalo en febrero de 2019, Ryan Adams había anunciado la publicación de nada menos que tres álbumes a lo largo del año pasado, llegando a detallar las portadas de dos de ellos, ‘Big Color’ y ‘Wednedays’. Tras el escándalo, el lanzamiento de estos trabajos quedó suspendido y su gira europea de presentación, cancelada. Su último trabajo de estudio conocido, por tanto, sigue siendo ‘Prisoner‘, publicado en 2017.

Carly Rae Jepsen / Dedicated Side B

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4 julio, 2020

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No quisiera estar en el pellejo de Carly Rae Jepsen, su mánager o su discográfica. La cantante acostumbra a escribir decenas de canciones para sus álbumes y en el caso de ‘Dedicated‘ el año pasado fueron nada menos que 200. 15 pasaron la criba y 12 son las que se han seleccionado para el álbum de «caras B» que ha salido exactamente un año después. Lo más habitual que se suele encontrar en los discos de descartes es temas que no estaban bien rematados, que suenan inacabados en forma o en fondo (un estribillo forzado, un middle-eight que brilla por su ausencia) o simplemente tan diferentes en sonido que no pegaban en el disco original. No es el caso de ‘Dedicated Side B’. El nivel de todas ellas resulta similar. El estilo, también. Sus canciones están aquí como podrían estar allá.

Y es un cumplido. Si este fuera un disco más de Carly Rae Jepsen, hay quien podría argüir que falta un single al nivel de ‘I Really Like You’… pero a su vez podemos celebrar que ninguna pista se decante por intentar triunfar por el camino de lo irritante como sucedía en ‘Party for One’, que por algo se dejaba para el final de la secuencia del álbum original. De acuerdo en que ‘Dedicated Side B’ no tiene esa canción que pueda ser un hit «breakthrough» y conquiste a nuevos seguidores -estaría bueno-. A cambio, está plagado de temas que serían cuartos, quintos y sextos sencillos de éxito en manos de Taylor Swift, a lo ‘Delicate’. Podría ser el caso de ‘This Love Isn’t Crazy’, ‘Felt This Way’ y su canción gemela en rima a continuación ‘Stay Away’ o ‘Comeback’, que tiene un puntito Robyn y un puntito R&B.

Sin salirse demasiado de su estilo de revival ochentero por la vía de la máxima vigencia, un poco como si Hot Chip estuviera produciendo sin descanso a una sucesión de «one hit wonders» de aquella década tipo Spagna, hay un par de temas que sorprenden. ‘This Is What They Say’, que cuenta con la co-autoría de Dev Haynes, tiene un punto funk y otro electro de lo más simpático; mientras ‘Summer Love’ añade el viaje psicodélico de unos Tame Impala («cuando me acaricias, quiero volar», dice su texto) o también de unos Ladytron. En la línea, ‘Let’s Sort the Whole Thing Out’ tipo ese punto indie pop que puede recordar a gente tipo Two Door Cinema Club o Cayucas, y ‘Now I Don’t Hate California After All’ cierra el álbum con un punto onírico mitad cuento de hadas, mitad «estoy en la playa tumbada con Kali Uchis». Si un disco de descartes tan notable como este no confirma que lo de Carly Rae Jepsen es grande, ¿qué lo hará?

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘This Love Isn’t Crazy’, ‘This Is What They Say’, ‘Let’s Sort the Whole Thing Out’, ‘Comeback’
Te gustará si te gustan: ‘Dedicated’ y ‘Delicate’
Escúchalo: ‘This Is What They Say’ en Youtube

Alfie Templeman, gran esperanza del pop británico, se baña en funk en ‘Obvious Guy’

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4 julio, 2020

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Con el recelo que suele despertar siempre el exacerbado hype de la prensa británica, uno de los nombres más recurrentes en la nueva hornada del pop anglosajón es el de Alfie Templeman. Este chavalito (apenas 17 años) del condado de Bedfordshire comenzó tocando en pequeños locales de su área con tan solo 15 años, fichando enseguida por el sello Chess Club (Sinead O’Brien, Bloxx) y publicando canciones como ‘Orange Juice’ y el EP ‘Like an Animal‘, con temas de ensoñador pop de guitarras como ‘Yellow Flowers‘, de una madurez (al menos sonora) impropia de esa edad. Foto: Blackksocks.

Un año después, el EP ‘Sunday Morning Cereal’ y canciones a medio camino del jangle pop, la nueva ola, el funk y el chill hop, como la susodicha o ‘Stop Thinking (About Me)‘ le sacaban ya del ámbito local. El miniálbum ‘Don’t Go Wasting My Time’, con el tema que le da nombre y ‘Used to Love‘ (producida por el reputado Kid Harpoon, que ha trabajado con innumerables artistas de éxitos en la última década, de Florence + The Machine a Shakira, pasando por HAIM, Calvin Harris o Jessie Ware) como singles destacados, amplificaban la atención hacia él y le alienaban con otros geniecillos como Rex Orange County, si bien Alfie muestra una mayor frescura y sencillez en lo que a producciones se refiere.

2020 está llamado a ser el año de su consolidación, con la publicación de un nuevo trabajo titulado ‘Happiness In Liquid Form’. Otro miniálbum, esta vez de seis canciones, que verá la luz el 17 de julio y en el que ha echado el resto, colaborando con productores y compositores tan reconocidos como Justin Hayward-Young (vocalista y guitarrista de The Vaccines, que coescribe y coproduce el estupendo corte titular) o Nick Hodgson, el ex-Kaiser Chiefs que últimamente colabora en materia de producción con Mark Ronson. Él es, precisamente, el artífice junto a Templeman de ‘Obvious Guy’, el nuevo adelanto de este disco y que es, con sobrados méritos, nuestra Canción del Día.

«Adoro la música funk y siempre he querido acercarme más y más a este género en mi música, así que fue muy divertido hacer justo eso con el magnífico Nick Hodgson», dice Alfie. También es muy divertido escuchar ese acercamiento tan directo a la música bailable, con una intrincada y seductora línea de bajo (que incluye un «épico solo» de este instrumento) y punteos de guitarra (con un punto horterilla) a la altura, que evidentemente aluden a maestros del género como Nile Rodgers, pero también a acólitos como Daft Punk, Chromeo o Stardust. Su melodía, en cambio, es puramente pop, un nuevo derroche de inspiración del efebo Alfie, que en su letra muestra cierta insatisfacción por caer demasiado pronto en una relación en la que no cree. Y por ahí va también su colorido y simpaticón vídeo animado, sobre «cómo te sientes no valorado hasta que encuentras a las personas correctas en tu vida».

Lo mejor del mes:

Escucha los «Revelación o Timo»

Jessie Ware: «Lady Gaga y yo somos artistas muy diferentes, pero ella tiene un talento tremendo, ¡la amo!»

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4 julio, 2020

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Jessie Ware ha firmado el Disco de la Semana en JENESAISPOP, un excelente ‘What’s Your Pleasure?’ que llega tres años después de ‘Glasshouse‘, con Ware convertida en presentadora de un exitoso podcast de cocina por el que ha pasado gente como Ed Sheeran, Dua Lipa o la actriz Florence Pugh (‘Midsommar‘), y que es el primer trabajo verdaderamente bailable de su carrera. Sin abandonar el romanticismo que siempre la ha caracterizado en temas como ‘In Your Eyes’, el álbum se inspira sobre todo en la música de baile de los 70 y 80 para construir un mundo mágico y lleno de glamour que nos lleva a las discotecas underground (y no tan underground) de la época. Temas como ‘Spotlight‘, ‘What’s Your Pleasure?‘ o ‘Save a Kiss‘ ya se encuentran entre lo mejor de la carrera de Jessie Ware, y ya es decir…

¿Cuál es el origen de este nuevo largo’? En octubre de 2018, Ware lanzaba ‘Overtime‘, un single bailable y electrónico co-producido por James Ford de Simian Mobile Disco (con quien la artista ya había trabajado) que mostraba un lado diferente de su sonido, al recordar a las exploraciones bailables de Robyn con La Bagatelle Magique o en solitario. El tema se ha convertido en favorito de los fans y ha guiado el sonido de ‘What’s Your Pleasure?’, si bien se encuentra ausente de él pues Ware lo considera desde hace rato un capítulo cerrado. «‘Overtime’ es una canción divertida, pero nunca la he considerado importante en mi carrera», ha explicado la artista a JENESAISPOP. «Los fans no dejan de preguntarme por qué no la he incluido en el disco, pero lo cierto es que nunca ha significado tanto para mí como para ellos». La artista celebra, no obstante, que ‘Overtime’ reavivara el interés del público por su música y lo considera importante de cara a lo que ha hecho después: «Aquel tema fue una manera de empezar de cero. Al cambiar de sello quería publicar música sin sucumbir a la presión de tener que publicar un disco, porque en ese momento el disco simplemente no estaba terminado. Necesitaba experimentar con la necesidad de publicar singles sueltos que no vinieran acompañados de una gran historia detrás. Simplemente quería hacer música para que la gente bailara. Y musicalmente también fue una manera de tantear el terreno de cara al público».

«Cuando escribía ‘Spotlight’ me imaginaba a mí misma bailándola en el Primavera o en el Sónar. Tenía a mi público en mente ante todo»

Después de aquel tema llegaron los parecidos ‘Adore You’ y ‘Mirage (Don’t Stop)’, presentes en un ‘What’s Your Pleasure?’ cuyo lanzamiento la artista retrasaba una enésima semana para que su salida no coincidiera con el Juneteenth («es un día para amplificar voces e historias negras y a mí, como artista blanca, publicar mi disco no me viene de una semana»). Es un trabajo de pop bailable con influencias funky, disco y house que incorpora cuerdas majestuosas y brilla gracias a una producción sofisticada que ha contado, además de con James Ford, con nombres como los de Joseph Mount de Metronomy o Midland, entre otros. El apoteósico single principal, ‘Spotlight’, no puede ser más representativo de su sonido. «La canción empezó siendo una balada melancólica y anhelante, pero le cambiamos el rollo para que no fuera otra balada de Jessie Ware más. Mi intención era hacer una canción parecida a ‘Love Me Tonight‘ de Fern Kinney. Es una canción que crece y crece, que no para de expandirse. Cuando la escribía me imaginaba a mí misma bailándola en el Primavera o en el Sónar. Tenía a mi público en mente ante todo. Y quería experimentar con otras formas de hacer música. Hacer una canción más larga de lo normal». Por este motivo, Ware reconoce que ha sido «muy frustrante» tener que reducirla para la radio, pues para ella la canción «podría haber seguido creciendo». Por otro lado, Ware ha «asumido más riesgos» en temas como ‘Ooh La La’, en la que canta en un registro poco habitual en ella («quería experimentar con mi voz, usar un registro más distante») o ‘Read My Lips’, en la que su voz ha sido manipulada y distorsionada de diversas maneras.

Dado el carácter nostálgico de ‘What’s Your Pleasure?’, es fácil hallar en él influencias concretas, canción por canción. La artista reconoce que, para ‘Soul Control’, un tema «directo y lleno de energía» con el que se siente «empoderada», ha querido explícitamente «hacer de Janet Jackson». Por supuesto, el mencionado ‘Love Me Tonight’ ha inspirado abiertamente ‘Spotlight’ (ambos temas comparten cierto aire de intriga y suspense), pero Jessie Ware también ha buscado inspiración en temas como ‘Transformation‘ de Nona Hendryx o en artistas como las Mary Jane Girls, Tom Tom Club, Lewis Taylor, un cantante de soul británico al que Jessie «ama»; o por supuesto Donna Summer, la gran diva disco por antonomasia. La artista también reconoce entre sus influencias a Róisín Murphy y a Robyn, dos artistas que como ella se están dedicando a renovar, a su manera, la música pop más inspirada en la electrónica de clubes. «Ellas hacen música muy excitante», apunta.

«Lady Gaga y yo somos artistas muy diferentes, pero ella tiene un talento tremendo, ¡la amo!»

Que el pop bailable está de moda es un hecho como el éxito de Dua Lipa o de ‘Chromatica‘ de Lady Gaga demuestra. De hecho, Gaga tampoco se ha cortado a la hora de hacer un disco de pop eminentemente bailable y nostálgico de claros ecos a la música dance de los 90. Y aunque Gaga, al contrario que Ware, nunca ha sido conocida por innovar musicalmente, la cantante británica la admira como cualquier hijo de vecino. «Es una artista muy fuerte pero somos diferentes», asegura. «Pero ella tiene un talento tremendo y toca un montón de instrumentos. Vi su documental de Netflix y me inspiró muchísimo… Realmente no sé qué decir sobre ella, ¡la amo! Todavía no he escuchado su último disco, pero he estado oyendo su single ‘Rain on Me‘ en la radio y me encanta».

‘What’s Your Pleasure?’ también está obteniendo algunas de las mejores críticas de la carrera de Jessie Ware. Es su disco mejor valorado en Metacritic junto a su debut. Un éxito que no la acompañó realmente en ‘Glasshouse’, cuando Ware fue al acecho de un éxito comercial que nunca se materializó. Ella recuerda aquella etapa con orgullo pero cierto pesar. «Estoy muy orgullosa de ese disco. A pesar de que lo asocio a una época difícil de mi vida, en la que me exigí demasiado a mi misma porque intentaba ser la madre perfecta a la vez que la estrella del pop perfecta, considero que es un trabajo en el que mejoré mucho como compositora y en el que mostré mi vulnerabilidad como nunca antes había hecho. Es un trabajo agridulce, porque invertí un esfuerzo enorme en él que realmente no dio sus frutos y solo me mantuvo alejada de mi familia, pero esto me ayudó a aprender una lección y el disco contiene canciones como ‘Selfish Love’, ‘Sam’ o ‘Thinking About You’ de las que me siento muy orgullosa». Un álbum infravalorado en su carrera que quizá cobre un nuevo sentido al lado de ‘What’s Your Pleasure?’. Con ambos pasamos del comfort del hogar al misterio de la pista de baile. Un tira y afloja muy presente en este nuevo disco: «push, press, more, less / here together, what’s your pleasure?»

Haim se apuntan su segundo top 1 en Reino Unido

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3 julio, 2020

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Como estaba previsto en las «midweeks», Haim logran el número 1 en las listas británicas con su tercer álbum, ‘Women in Music Pt. III‘, tras haber vendido 17.000 unidades durante su primera semana. En el puesto 2 queda Bob Dylan con ‘Rough and Rowdy Ways‘ tras haber sido número 1 la semana pasada, y en el puesto 3 encontramos ‘What’s Your Pleasure’ de Jessie Ware, nuestro «disco de la semana». No es el primer número 1 de Haim en Reino Unido, pues ya lo consiguieron con su debut, si bien el segundo hubo de conformarse con el puesto 2 con ‘Something to Tell You‘ (2017). La OCC revela hoy que el primer álbum despachó 335.000 copias en las islas, por 76.000 del segundo.

Haim publicaban esta semana su tercer disco, ‘Women in Music Pt. III’, precedido por una serie de temas sueltos excelentes editados el año pasado que han terminado resultando «bonus tracks» del mismo. Nos referimos a ‘Summer Girl‘, ‘Now I’m In It‘ y ‘Hallelujah‘.

Por el contrario, parece que ahora los singles oficiales son ‘The Steps‘ y ‘I Know Alone‘, además de ‘Don’t Wanna’, para el que estos días han presentado un vídeo simpático, desierto de personal, es decir, apto para los tiempos de coronavirus que vivimos. Lo han rodado en Los Ángeles, en las inmediaciones del «Forum» y en él las hermanas realizan una carrera por llegar antes que las demás… a ningún lado. ¿Una metáfora del aburrido verano que nos aguarda y en el que nos veremos obligados a encontrar pasatiempos de este palo?

Doja Cat potencia sus colaboraciones con The Weeknd y Gucci Mane… como puede

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3 julio, 2020

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Malos tiempos han sido los de esta primavera para potenciar las colaboraciones: aunque en unos países más que en otros, los artistas han estado confinados como todo hijo de vecino, aunque solo sea por imagen. Menos José Manuel Soto.

The Weeknd y Doja Cat compartían una nueva versión de ‘In Your Eyes’ hace unas semanas. Se trata de una de las canciones de ‘After Hours’, uno de los mejores discos de 2020, a la que ahora se suma la intérprete de uno de vuestros hits favoritos ahora mismo, ‘Say So’. Para el videoclip que sale hoy, y ya que no han podido reunirse, se ha creado una animación, aunque hay que decir a favor del trabajo de Jeron Braxton que al menos se ha respetado la imaginería tipo Las Vegas de todo el álbum de Abel Tesfaye.

Por otro lado, Doja Cat ha sido noticia por haber estrenado estos días el colorido vídeo -también con un componente de animación- para ‘Like That’, una de las canciones que contenía su disco ‘Hot Pink’. Exactamente la que sucedía en la secuencia a ‘Say So’, exquisita en su producción de sexy-R&B. Gucci Mane era el artista invitado de este otro single y al menos podemos decir que en el vídeo, aparece.

Duffy reprocha a Netflix que aloje y promocione ‘365 días’, que «glamuriza la violación»

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3 julio, 2020

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Una de las noticias más sorprendentes del día nos trae de vuelta a Duffy, la artista británica a la que hemos añorado durante años tras un álbum maravilloso como ‘Rockferry’ y su más que correcta continuación, ‘Endlessly’. En su reaparición, la galesa explicó en un comunicado que su ausencia se había debido a un terrible episodio personal en el que fue raptada y violada durante cuatro angustiosas semanas, lo cual lógicamente derivó en graves daños físicos y, sobre todo, psicológicos. Esto explica en buena medida el por qué del titular de hoy. La cantante ha dirigido una carta (publicada por Deadline) al CEO de Netflix, Reed Hastings, pidiéndole la retirada de la película ‘365 días’, estrenada recientemente en la plataforma. Duffy argumenta que dicho film “glamuriza la brutal realidad del tráfico sexual, el rapto y la violación».

La película, paradójicamente, está basada en una serie de novelas de la autora polaca Blanka Lipinska, en la que «una mujer cae en las garras de un jefe de la mafia que la encierra y le da un año para que se enamore de él». Al parecer, se trata de una suerte de versión más cruenta de la saga ’50 sombras de Grey’, que además también tiene varios volúmenes, y su actor protagonista ha confirmado ya la próxima filmación de una secuela. Salvo que pueda impedirlo Duffy: mencionando en primer lugar su experiencia, le dice a Hastings lo «irresponsable» que le parece que su plataforma dé soporte a una película así. «Me duele que Netflix sea la plataforma de tal tipo de «cine», que erotiza el secuestro y distorsiona la violencia sexual y su tráfico como una película «sexy»».

«No imagino cómo Netflix puede pasar por alto», continúa, «lo descuidado, insensible y peligroso que es esto. Incluso ha llevado a algunas chicas, recientemente, a pedir jovialmente al actor protagonista de la película, Michael Morrone, a que las secuestre», asegura, antes de señalar lo impensable que sería una película que diera el mismo tratamiento a «la pedofilia, el racismo, la homofobia, el genocidio o cualquier otro crimen contra la humanidad». Tras invitar a reflexionar tanto al directivo de la poderosa multinacional del entretenimiento como a los espectadores que hayan visto la citada película e indicar unos enlaces para informarse sobre el tráfico humano y plataformas que ayudan a sus víctimas, concluye que «lo que yo y otras víctimas que conocemos estas injusticias necesitamos es exactamente lo opuesto (a lo que ofrece la película): una narrativa de verdad, esperanza y tener voz». Un propósito nobilísimo, si bien cabe preguntarse si, con esta acción, lo que está logrando Duffy es precisamente dar al film –al que la crítica está calificando como mediocre– más publicidad de la que gozaría normalmente.

Sufjan Stevens estrena ‘America’, su nuevo single de 12 minutos y medio

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3 julio, 2020

21

Sufjan Stevens ha anunciado su nuevo disco, el cual no será otro de esos experimentos que ha publicado últimamente, sino su nuevo disco de verdad. El verdadero sucesor de ‘Carrie & Lowell‘, el mejor disco de 2015 para JENESAISPOP, lleva el título de ‘The Ascension’ y sale el próximo 25 de septiembre a través de Asthmatic Kitty. Sufjan dice que la base del álbum es “una llamada a la transformación personal y un rechazo a seguir los esquemas del sistema que nos rodea».

El primer adelanto de ‘The Ascension’, ya disponible, se titula ‘America’ y es «una canción protesta contra lo enfermizo de la cultura americana en particular” que fue compuesta en realidad hace 7 años, durante las sesiones de ‘Carrie & Lowell’. “La canción me sorprendió mucho cuando la escribí porque la notaba vagamente mezquina y muy alejada de todo lo demás en Carrie & Lowell, así que la guardé», ha explicado el músico. «Pero cuando recuperé la demo unos años más tarde me llamó la atención cómo había previsto el futuro. Ya no podía apartarla por ser enojada y alegre. La canción estaba claramente articulando algo profético y verdadero, aunque no hubiera sido capaz de identificarlo entonces. Es entonces cuando vi un camino claro a seguir para un siguiente álbum”.

Un vistazo al tracklist que comparte la nota de prensa, y que incluye la duración de todas las canciones, revelaba que este single es de hecho el tema más largo de todo el disco, el que lo cierra con una duración de 12 minutos y medio nada menos (ninguna sorpresa para los fans del autor de ‘The Age of Adz‘, que ya se cerraba con un tema de más de 25 minutos). Se trata de una composición épica en sonido y envergadura, bastante electrónica y melódica, que tiene muy en cuenta el dinamismo dada su duración, y como muestran sus diferentes partes. No ha salido en formato reducido, por lo que Sufjan ha ido a por todas con esta decisión parecida a un suicido comercial… sobre todo si se tiene en cuenta que llega después de su éxito con la banda sonora de ‘Call Me By Your Name’, por la que obtuvo una nominación al Oscar, llegando a actuar en la ceremonia.

‘The Ascension’:
1. Make Me An Offer I Cannot Refuse (5:19)
2. Run Away With Me (4:07)
3. Video Game (4:16)
4. Lamentations (3:42)
5. Tell Me You Love Me (4:22)
6. Die Happy (5:47)
7. Ativan (6:32)
8. Ursa Major (3:43)
9. Landslide (5:04)
10. Gilgamesh (3:50)
11. Death Star (4:04)
12. Goodbye To All That (3:48)
13. Sugar (7:37)
14. The Ascension (5:56)
15. America (12:30)

Khruangbin / Mordechai

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3 julio, 2020

Como prescriptor musical, obviamente te da un poco de rabia que un proyecto tan interesante como Khruangbin te haya pasado por delante de las narices sin haberle prestado la atención que merecía. Sus tres álbumes previos –publicados en Night Time Stories, sello hermano del de los famosos recopilatorios LateNightTales, donde aparecieron por primera vez por la gentileza e intuición de Bonobo– son una absoluta delicia de música paisajística y evocadora, inclasificable, en la que se filtran influencias muy variopintas para un trío de músicos de Houston, Texas: hay funk, psicodelia y jazz en su música, pero no tanto de la escuela yanqui sino del reflejo que esos estilos tuvieron en los años 70 en lugares tan remotos como el sureste asiático (su nombre es una palabra tailandesa que significa «avión»), Etiopía, Perú, Irán, Jamaica… y España. Pero es evidente que, tras su también muy estimable EP junto a Leon Bridges, ‘Mordechai’ supone El Gran Salto del grupo formado por Laura Lee Ochoa (bajo y voz), Mark «Marko» Speer (guitarra y voz) y Donald «DJ» Johnson (batería y voz). Y no solo porque ahora estén en nomina del cada vez más poderoso conglomerado de sellos independientes Dead Oceans –que también, por lo que eso supone en cuanto a maquinaria promocional–, sino porque artísticamente dan un paso al frente ambicioso y rotundo.

Es innegable que en ello tiene un papel crucial el hecho de que un alto porcentaje de sus temas tengan como mínimo un gancho vocal, cuando no una estructura de canción al uso. Es el caso de singles tan fantásticos como la proto-disco ‘Time (You And I)’, el funk ribeteado con preciosísimos pespuntes de guitarra en ‘So We Won’t Forget‘ o la arrebatadora rumba ‘Pelota‘, con evidente ascendencia española… aunque parezca verbalizar (al menos en parte) el argumento de ‘Mi amigo Totoro’. Pero lo cierto es que, aunque esas melodías cantables sean una suerte de llave con la que acceder a su jardín de las delicias, el tuétano de la música de Khruangbin se mantiene incólume con respecto a sus primeros trabajos: su expresividad –y eso incluye las tres canciones antes mentadas– está en su toque, sus arreglos, sus giros. Su música habla y emociona tanto o más que sus voces.

Hay numerosos ejemplos de ello. El mejor, quizá, es ‘Father Bird, Mother Bird’, en la que Speer se marca una conmovedora interpretación a la guitarra, rivalizando en belleza con ‘Shida’, el instrumental final, en el que podemos advertir ecos arábigos e incluso andaluces (¿no parece por momentos un tema de Triana o Gualberto?). Pero lo mejor de ‘Mordechai’ es la fluidez con la que se intercalan unos momentos y otros, convirtiéndolo en un viaje anímico y mental sin movernos del sitio. Por ejemplo, Laura y Mark se marcan un cómico spoken-word a dúo –al más puro estilo Nancy & Lee o Jane & Serge– sobre el colchón de exquisito jazz norteafricano de ‘Conaissais de face’, con el que homenajean a su camarera favorita aunque anónima (fallecida un par de años atrás) del bar favorito de su ciudad. Mientras que la melancólica y dulce ‘Dearest Alfred’ se compone con fragmentos de viejas cartas del abuelo de Laura al hermano gemelo de aquel, y que le sirven para reivindicar las epístolas en sí mismas como joyas de expresión emocional humana («your letter is the best gift», canta). También nos dan un relajante baño de dub, una de sus pasiones –su tercer disco ‘Hasta el cielo’ no era sino una revisión con el filtro jamaicano del segundo, ‘Con todo el mundo’– en ‘One to Remember’, que no es otra cosa que un reprise del single ‘So We Won’t Forget’.

A menudo, en cortes como ‘First Time’ o ‘If There Is No Question’, la música de Khruangbin conecta con la simplificación (no como algo peyorativo, entiéndase) del universo Tortoise que ha llevado a cabo uno de sus miembros, Jeff Parker, en el reciente ‘Suite for Max Brown’. Pero si por algo destaca ‘Mordechai’ es precisamente por acertar a distinguirse de todo y, a la vez, poner unas pizcas, muy medidas, del aderezo que es capaz de engatusar a una cantidad de público mayor del que nunca hayan tenido. Sin traicionar su esencia, permaneciendo perfectamente reconocibles (o incluso más, gracias a sus distintivas voces), pero sonando renovados y deslumbrantes. Y además, no podía llegar en mejor época que en verano, época perfecta para disfrutar de un disco así prácticamente en cualquier circunstancia.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘Pelota’, ‘Time (You And I)’, ‘So We Won’t Forget’, ‘Father Bird, Mother Bird’, ‘Shida’
Te gustará si te gusta: Jeff Parker de Tortoise, Tame Impala, Jacco Gardner, Mulatu Astatke.
Youtube: vídeo de ‘Time (You And I)’

‘What’s Your Pleasure?’ es el hitazo para hacer «voguing» de Jessie Ware

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3 julio, 2020

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Jessie Ware se ha hecho un nombre como renovadora del R&B contemporáneo gracias a singles sobresalientes como ‘Running’ y el éxito ‘Say You Love Me’ o a discos como ‘Tough Love’, pero su nuevo trabajo ‘What’s Your Pleasure?‘ es bailable y obliga hablar de él en los mismos términos en que este año hemos hablado de discos como ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa o ‘Chromatica‘ de Lady Gaga. Como estos dos, ‘What’s Your Pleasure?’ ofrece su propia visión de la música de baile del pasado, en su caso para evocar el glamour y espíritu hedonista de las mejores discotecas de Nueva York durante los años 70.

La nostalgia de ‘What’s Your Pleasure?’ nos lleva a esos lugares y también a las «ball rooms» retratadas en series como ‘Pose‘ al menos en su tema titular, un auténtico balazo de pop bailable por el que asoman ecos al Prince de ‘Controversy‘ y a la Janet Jackson de ‘Control‘ y también a los ritmos y sintetizadores del acid house que sonaba en los clubes gays underground de la época. De hecho, el bueno de James Ford vuelve a ser el productor principal de este implacable hitazo de dance-pop elegante cuyo estribillo, que parece hecho para subir el autoestima un 200% como mínimo, tanto invita a hacer «voguing» delante del espejo: «push, press, more, less, here together, what’s your pleasure?», plantea la cantante. «Stop, go, fast, slow, here together, what’s your pleasure?»

Publicado muy pertinentemente en el mes del Orgullo, el vídeo de ‘What’s Your Pleasure?’ está protagonizado por el actor y bailarín Nicolas Huchard, quien explora su feminidad a lo largo de su arrebatadora interpretación. Aunque la canción merecería un vídeo a la altura del de ‘Spotlight‘ como mínimo, es imposible quitarle el ojo de encima desde que empieza hasta que acaba.

Escucha lo nuevo de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, María Escarmiento, Paul Weller, dani…

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3 julio, 2020

Cuando parecía que el mundo de la música comenzaba a remontar, tras una semana de discos a la altura de las expectativas, como los de Jessie Ware, HAIM o Arca, nos topamos de bruces con un viernes realmente flojo en cuanto a lanzamientos, que prácticamente no hemos vivido ni durante los peores momentos de confinamiento global por la Covid-19. Apenas los discos de dos históricos como Paul Weller y Willie Nelson, más los segundos álbumes de las británicas Dream Wife y el dúo francés Polo & Pan, y una nueva entrega del dúo dance-pop HONNE destacan en el plano internacional. En el nacional la cosa no es que esté mucho mejor, aunque sí contamos con los debuts en media y larga duración de María Escarmiento, dani, Diamante Negro y Stay Homas, el combo nacido en confinamiento que ha logrado una proyección internacional (su gira, anunciada también hoy, pasará por Latinoamérica y Europa, incluidos Londres y París). También hoy se publica el nuevo disco de los portugueses Norton, y Alizzz lanza ‘Desclasificados’, una recopilación en la que descubre a varios jóvenes talentos con producciones suyas.

En el apartado de singles, hay cosas interesantes, pero en una cantidad plausiblemente menor de lo habitual. Y eso que Kanye West, Disclosure, Bill Callahan, Washed Out, Fontaines D.C., La Oreja de Van Gogh, Ty Dolla Sign y varias estrellas, Jason Derulo o Kidd Keo han lanzado canciones estos días. A la espera de que se lance el anunciado nuevo single de 12 minutos de Sufjan Stevens, cabe destacar las nuevas canciones de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, AJ Tracey & Mabel, The Radio Dept., Ellie Goulding, Manu Chao, Dominique A, Gus Dapperton, DEVA, Residente, Evanescence, Glass Animals, The Pirouettes, Varry Brava, James Dean Bradfield (de Manic Street Preachers, avanzando su debut en solitario), Yama Zafiro, Kele, Nicky Jam & Carla Morrison, Mueveloreina, Rels B & Morad, Judit Neddermann, Micka Luna (el barcelonés prosigue avanzando su disco grabado en RU con Adrian Utley, de Portishead), This Is The Kit, Colectivo Da Silva, NIMMO, Castro –proyecto en solitario de Diego de Castro, hasta ahora voz principal y guitarra de Disco Las Palmeras–, la francesa Louane (que incluye una versión en «sonido 8D» en su nuevo single), Veintinuo & Pole., Go Roneo, Tinie Tempah & Sofia Reyes & Fariña, The Veronicas, Tom Morello, Mike Shinoda, Max Leone o María Isabel & Juan Magán.

Por último, también compilamos varios remixes, como los del tándem italiano formado por Boro Boro y MamboLosco, que han contado con Lola Indigo en la adaptación al español de su éxito ‘Lento’, Lunáticos (por David Kano), Robyn (a cargo de Floorplan) y Metronomy (en este último caso, a manos de Rostam). Y versiones, como las de Soccer Mommy (The Cars), Rina Sawayama (Lady Gaga), Orville Peck (Bronski Beat) o Joesef (Sister Sledge). Además, Christine and The Queens presenta un tema exclusivo para la banda sonora de la serie de Prime Video ‘HANNA’, Algora ~~un inédito~~ una versión de un antiguo tema de Ellos que acompaña como cara B al single de ‘Chicos transparentes’ (cuyo vídeo oficial estrenábamos ayer) y Porridge Radio lanzan un tema conjunto con Lala Lala, grabado durante el confinamiento.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba se marcan un «Serranito western» en el vídeo de ‘El valle’

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3 julio, 2020

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba firman una de las novedades destacadas de la semana, su nuevo single ‘El valle’. Se trata del primer adelanto de su próximo disco, que verá la luz a principios de 2021 y es muy esperado pues DMBK se convertían el pasado mes de enero en los últimos ganadores del Premio Ruido gracias a su celebrado debut.

El propio grupo explica que ‘El valle’ ha sido grabado en la «Sevilla pre-pandémica» y masterizado por Brian Lucey, quien ha trabajado con Arctic Monkeys, Black Keys, Marilyn Manson o Green Day; y que es un «pepinazo que te va a volar la p… cabeza». Claramente, los fans de canciones como ‘Aliento de dragón’ o ‘Nana de caballo grande’ no se sentirán decepcionados con esta nueva composición de «kinkidelia» contemporánea que además llega con un videoclip dirigido por Tera Bada aka Gringo, guitarrista de la banda.

«El videoclip consta de dos partes al igual que la canción», detallan los sevillanos, «una primera parte donde se presentan a los personajes en escenarios diferentes y una segunda parte a medio camino entre ‘El Bueno, el Feo y el Malo’ y un episodio de ‘Dragon Ball'». Los chicos indican que en el vídeo de ‘El valle’ han hecho un «homenaje a las películas de Sergio Leone» en su estilo de «Serranito western».

DBMK anuncia además fechas de conciertos dentro de la «nueva normalidad», el primero de los cuales está programado para la semana que viene.

MIÉRCOLES 8 DE JULIO
MUSEO DE LA ADUANA, MÁLAGA

MIÉRCOLES 22 DE JULIO
MURCIA RÍO, MURCIA

JUEVES 23 DE JULIO
NOCHES MEDITERRÁNEAS, ALICANTE

VIERNES 31 DE JULIO
ESTIVAL CUENCA, CUENCA

SÁBADO 1 DE AGOSTO
ALHAURÍN DE LA TORRE (MÁLAGA)

JUEVES 6 DE AGOSTO
POP CAAC, SEVILLA

VIERNES 14 DE AGOSTO
NITS AL FÒRUM, BARCELONA

María Escarmiento publica su EP de debut y anuncia concierto en Barcelona

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3 julio, 2020

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María Escarmiento publica hoy su primera colección de canciones, un EP llamado ‘Sintiéndolo mucho’ que incluye su primer single, ‘Amargo amor’, y también los que han salido a posteriori, estos son, ‘Castigo‘, ‘Otra Noche‘ y ‘Chulo‘, todos en un estilo de reggaetón-rave-industrial no tan habitual de escuchar en el trabajo de los concursantes de Operación Triunfo.

El tema de ‘Sintiéndolo mucho’ que se potencia desde hoy viernes en las plataformas de streaming es el misterioso ‘Baladón’, que no es exactamente un «baladón». El EP se abre con un tema llamado ‘Ni tu cara’ e incluye otro llamado ‘La Bomba’. El título de esta canción recuerda a un tuit que María Villar publicaba en diciembre de 2019 con la siguiente reflexión: «Hace poco más de un año estaba perdida currando en el bar y hoy estoy esperando a que King África me conteste a un DM. Vamos que sigo bastante perdida».

La mala noticia en todo esto es que ‘La Bomba’ de María Escarmiento NO samplea ‘La Bomba’ de King África al menos aparentemente; la buena es que la canción pinta que será «la bomba» en sus directos gracias a su contundente ritmo y a una letra que rima «Cancún» con «autotune» y «Sailor Moon» y menciona a un «traperillo» de medio pelo. Villar presentará ‘Sintiéndolo mucho’ en Barcelona el próximo 18 de julio, dentro del ciclo de Nits del Primavera, con PAVVLA de telonera.

La Oreja de Van Gogh se pasan al pop-rock en ‘Te pareces tanto a mí’

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2 julio, 2020

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La Oreja de Van Gogh han dado esta semana los detalles de su nuevo disco, el esperado sucesor de ‘El planeta imaginario‘, que salió hace ya 4 añazos. El grupo entregaba hace un par de meses una balada llamada ‘Abrázame’ que generó 52 comentarios en nuestro site y esta noche será el turno de un single llamado ‘Te pareces tanto a mí’.

En contraposición con la oscuridad de ‘Abrázame’, ‘Te pareces tanto a mí’ es un tema rockero y buenrollista a pesar de su letra, que habla de una relación ya finiquitada: «Llevas tus sueños entre los dientes, me miras displicente cuando vas a salir, siento el calor de tus ojos de viernes, te marchas mientras limpio lo que queda de ti» o «Quieres saber qué hay detrás de mí, eres eléctrica, colérica sin definir, y sé muy bien por qué me odias tanto, te pareces tanto a mí» son algunas de sus rimas.

El álbum se llama ‘Un susurro en la tormenta’, saldrá el 18 de septiembre y estará compuesto de canciones que reciben títulos como ‘Doblar y comprender’, ‘Como un par de girasoles’, ‘Acantilado’, ‘Me voy de fiesta’ y ‘¿Lo ves?’, suponemos que sin ser esta última una versión de Alejandro Sanz. Bajo los mandos de la producción encontramos a Paco Salazar.

Doblar y Comprender
Como un par de Girasoles
Abrázame
Te Pareces Tanto a Mí
Menos Tú
Durante una Mirada
Galerna
Me Voy de Fiesta
Sirenas
Acantilado
¿Lo Ves?

‘Wash Us In the Blood’: ¿cuánto puedes disfrutar/soportar que «Kanye kanyee»?

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JNSP

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2 julio, 2020

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Parte de la redacción evalúa el nuevo single de Kanye West, que cuenta con Travis Scott como artista invitado.

«No está nada claro que a Kanye West se le haya pasado la fiebre gospel, y está por ver lo que nos depara ‘God’s Country’ –el título ya denota que, efectivamente, parece la segunda parte de ‘Jesus Is King’–. Pero al menos en lo sonoro, ‘Wash Us In the Blood’ nos retrotrae a una era mucho más fructífera y apasionante en lo creativo: la de ‘Yeezus‘. Una base obsesiva y dura, asfixiante, sin tregua en lo rítmico y con un flow rotundo, que además de fuerza tiene gancho, conforman el tuétano de este buen tema… por el que Travis Scott pasa un poco de puntillas. Además, aunque la idea de «bañarse en la sangre de Cristo» está, una vez más, inspirada por sus creencias rayanas en el fundamentalismo, en este caso lo emplea para atajar desde su perspectiva la problemática racista, que llega a calificar de «genocidio» y que habla de la esclavitud. Sí, el mismo hombre que llegó a aseverar que tal violación de los derechos fundamentales fue «una opción». Pese a sus contradicciones, ‘Wash Us In the Blood’ crece con las escuchas, y más aún con su potente videoclip que, extrañamente, ¿suena mucho peor de lo habitual?». Raúl Guillén.

«El mejor momento de ‘Wash Us in the Blood’ es cuando parece que será una canción de hip-hop sonido tribal y experimental igual de excitante que ‘Accelerate‘ de Christina Aguilera… canción que el mismo Kanye produjo, y que fue una de las mejores de su año. Pero no, al final Kanye no ha llamado a su cuñado Travis Scott para participar en su mejor composición precisamente. A pesar de sus buenas intenciones como canción política, tan necesaria en estos tiempos aunque venga de esta persona que ha dicho barbaridades indecibles sobre la esclavitud, ‘Wash Us in the Blood’ muestra a un artista estancado y que sigue operando en piloto automático. Por decir algo bueno, al menos no dura un minuto y medio». Jordi Bardají

«Tan poco apetecible es que un renovador como Kanye West vuelva a los sonidos de hace 7 años como cierto es que ‘Wash Us in the Blood’ seguirá sonando moderna en las correspondientes playlists de 2020 tantísimo tiempo después. Es más fácil hallar algo interesante en esta espinosa producción que en el 95% del top 100 de hoy. Después está lo de la temática y el videoclip. Protestas callejeras por la muerte de George Floyd se entremezclan con imágenes en vida de otras personas abatidas como Breonna Taylor y Ahmaud Arbery, conciertos, servicios religiosos de ‘Jesus Is King’, otras de Grand Theft Auto V, el cameo final de la hija de Kanye… Un WTF de popurrí que suponemos realzado por ese verso de la canción en el que, convirtiendo «kanye» en verbo, dice algo así como: «no quieren que yo «kanyee» / no quieren que Kanye sea Kanye / quieren fichar a un Kanye fake / quieren que haga un ‘Ye’ calmado / por eso los llamo Calm-ye (…) Quieren editar las entrevistas / quieren que sean interludios (…) ya sabes que lo que sale en las noticias es «fake». Una reivindicación con orgullo, pues, de su era ‘Ye’, centrada en su bipolaridad desde su misma portada, que puedes odiar y amar a la vez». Sebas E. Alonso.

Mariah Carey, Adele, Romy xx & Florence, J Balvin y Barbie… en 10 fotos que no debiste perderte

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2 julio, 2020