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La Unión anuncian su disolución definitiva, precipitada por la pandemia

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Aunque puede que muchos creyeran que hacía ya años que no existían La Unión, lo cierto es que seguían en activo con tan solo dos de sus integrantes originales, el vocalista Rafa Sánchez y el bajista Luis Bolín… hasta hoy. En un comunicado remitido a la Agencia Efe, Sánchez ha anunciado la disolución definitiva del grupo, aludiendo a «circunstancias» que venían «gestándose hace tiempo» y a las «respectivas formas de interpretar la situación y perspectivas futuras propias». Unas circunstancias, sean las que sean, que ha agravado la pandemia del coronavirus, «que ha golpeado tan gravemente a la industria de la música y ha precipitado este comunicado, su base y contenido». Rafa explica que a partir de ahora se centrará en su carrera en solitario, en la que lleva «trabajando y planificando bastante tiempo».

Se confirma así la desaparición de uno de los nombres más emblemáticos y exitosos del pop español en los años 80 y 90. Sánchez y Bolín, junto con el guitarrista Mario Martínez (que se había mantenido en el grupo hasta hace un par de años) e Íñigo Zabala en los teclados, fundaron La Unión hacia el año 1982 en Madrid, claramente influidos por los nuevos románticos británicos y el after-punk. Poco después lanzarían su primer single, producido por Rafa Abitbol y Nacho Cano, casi en paralelo a la explosión comercial de Mecano. En él se incluían dos canciones inspiradas en sendos cuentos de Boris Vian, ‘La niebla’ y ‘Lobo-hombre en París’, el mega-hit (fue número 1 de singles en España nueve semanas seguidas) por el que se les sigue recordando a día de hoy y que incluso llegó a tener versiones en inglés y francés.

Poco después llegaría ‘Mil siluetas’, álbum debut de nuevo con la mano del tándem Abitbol/Cano y que abundaba en ese espíritu próximo a Roxy Music-Simple Minds-OMD, y que daba en la diana de nuevo con ‘Sildavia‘, de nuevo envuelta en cierta fascinación por lo gótico y lo misterioso. Menos suerte hubo con ‘El maldito viento’ (1985), un segundo disco más melancólico y taciturno que no tuvo buena respuesta comercial. A partir de ahí, La Unión viraría (aún todavía de la mano de Cano y Abitbol) hacia un pop más ecléctico y luminoso. Lo plasmaron en ‘4X4’ (1987), un disco más sofisticado –digamos que INXS podrían ser su equivalente anglosajón– que obtuvo un gran éxito con singles como ‘Dónde estabais’, ‘Amor fugaz’, ‘Maryluz’ y la jazzy ‘El «San Francisco»‘, que les llevaron a tener repercusión en América Latina.

Lejos de decaer, la popularidad de La Unión –ya configurados como trío– se multiplicó aún más con ‘Vivir al este del edén’ (1988), que, con una autoproducción abiertamente comercial y optimista, contenía hits que sonaron hasta la saciedad durante años, como los ecos caribeños de ‘Maracaibo‘, la sexual ‘Más y más‘ o el propio tema titular. Si por algo destacaron La Unión, aparte de por su olfato para crear éxitos, fue por saber leer muy bien las tendencias sonoras que mejor se podían ajustar al gusto del público, y así, entraron con un pie inmejorable en los 90.

En ‘Tentación’, con producción del reputado Mike Howlett (China Crisis, A Flock of Seagulls, OMD), evolucionaban hacia un rock oscurete de corte electrónico, y ‘Ella es un volcán’, ‘Dámelo ya’ y ‘Fueron los celos’ se sumaron a su ya larga colección de hits que explotaban en interminables giras por campos de fútbol y plazas de toros. Además, supieron explotar el evidente tirón sexual de Rafa entre los y las fans: para muchos fue una fantasía homoerótica hecha realidad ver a Sánchez cantar con Miguel Bosé el dueto ‘Manos vacías‘, otro pelotazo para la radiofórmula de la época.

No sabían que aquel sería el punto culminante de su carrera, al menos comercialmente hablando, pero la década de los 90 no les fue mal del todo. Aunque el más rockero y concienciado ‘Psycofunkster au lait’ (1993) –con ‘África’ y ‘Hermana Tierra’ como singles– y un atinado giro al soul, el funk y el R&B sofisticados en ‘Hiperespacio’ (1996) no vendieron lo que solían –a pesar de que ‘Negrita’ y ‘Tú y yo’ tuvieron su aquel–, al menos apostaban por renovarse para no morir como sombras del pasado (que es lo que al final ha sucedido). Así, lograron mantener (que no renovar) a su base de fans con el electrónico ‘Fluye’ (1997), ‘La unión’ (1999) –’La mala vida’ sonó profusamente en radios– y ‘El mar de la fertilidad’ (2002), que incluso logró algo parecido a un hit con ‘Vuelve el amor’.

A partir de ahí, ya sí –con la excepción del bastante digno ‘Big Bang’ (2010), último disco de estudio del trío, y ‘Tiempø‘, single lanzado hace poco más de un año– se sucedieron los recopilatorios, las revisiones electrónicas y los directos que nadie pidió ni necesitaba, hasta este final… Lo cual no quita que pasen a la historia como uno de los grupos de pop mainstream más importantes de nuestro país en las últimas décadas. Es justo decirlo.

Los conciertos de pago en streaming, posible nuevo modelo de directo post-coronavirus

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La crisis sanitaria global ha supuesto un durísimo golpe para la industria musical, y especialmente para el sector de los festivales y conciertos, muchos de los cuales ya no podrán realizarse este año con todas las pérdidas económicas que eso supone. El aplazamiento de fechas está siendo el movimiento generalizado y festivales como Primavera Sound o Mad Cool pasarán a celebrarse en 2021, y algunos, como este último o Noches del Botánico, lo harán con exactamente el mismo cartel por varias razones. Mientras, los artistas buscan individualmente maneras de mantener el contacto con sus fans a través de las redes sociales, y muchos, desde Chris Martin a Natalie Prass pasando por los divertidos conciertos disco de Sophie Ellis-Bextor, han actuado en directo para ellos de manera gratuita.

El mundo está cambiando, y es posible que la industria musical necesite un nuevo modelo de conciertos que no supongan un riesgo humano, y a la vez permitan a los artistas ser compensados por su trabajo y a los seguidores consumir un directo de manera digna. Es posible que este modelo sea el de los conciertos retransmitidos por streaming pero pagados: es decir, pagar una entrada por acudir a un concierto retransmitido a través de tu pantalla de ordenador o móvil, desde tu casa. Ya existen plataformas -y Facebook ya ha anunciado la suya propia- que ofrecen este servicio a los artistas, un servicio que, si bien puede no ser exactamente nuevo (es parecido al de una masterclass online, por ejemplo), sí promete normalizarse en los próximos meses. Puede que estemos ante la próxima revolución de la industria musical, como lo ha sido el streaming o, unos años antes, el «paga lo que quieras» de Radiohead. Y ya hay artistas que ven en este modelo un filón que empezar a explotar cuanto antes.

Es el caso de la cantante de folk británica Laura Marling, que acaba de publicar su nuevo disco ‘Songs for Our Daughter‘, sobre el que hablábamos con ella recientemente en una interesante entrevista. La artista ha anunciado que ofrecerá los primeros conciertos de presentación de este disco el próximo 6 de junio pero no desde su casa, sino desde la Union Chapel de Londres (en el plan de desescalada británico, los comercios y escuelas abren sus puertas a partir del 1 de junio). El concierto de Marling contará con cámaras profesionales y una «producción completa», pero eso sí, llevada a cabo por un equipo «esquelético», mínimo. Lo curioso es que Marling ofrecerá dos conciertos el mismo día, uno para el público norteamericano y otro para el británico y europeo, aprovechando que de hecho no ha tenido que viajar a ningún lugar. La recaudación de estos directos estará dirigida a dos organizaciones benéficas, Refuge y The Trussel Trust, entre las que el público podrá escoger.

Según el recinto, y tal y como recoge NME, el concierto de Laura Marling «ofrece un paso tentativo de cara a ayudar al debilitado sector de la música en directo, sienta un posible precedente muy positivo para otros artistas que estén enfrentándose a pérdidas por culpa de las cancelaciones de sus conciertos, y contrarresta la tendencia actual de los aplazamientos de conciertos en todo el mundo». La pregunta es si la gente accederá a pagar por conciertos online cuando ya está acostumbrada a verlos gratis a través de Youtube o Instagram, y para qué conciertos lo haría.

Quizá el público pague por ver a través de internet el regreso de Adele y la presentación de su nuevo disco online en directo, ¿pero quién pagará por ver a un artista menos asentado o novel? En cualquier caso, una alternativa que representaría una ayuda para los artistas que viven de sus directos (la mayoría), al menos mientras dure la cuarentena y mientras sigan restringidos los vuelos. Una situación que no durará para siempre, pero que puede terminar consolidando este modelo, pues parece que la desescalada a nivel global va para largo. ¿Serán los conciertos de Laura Marling el primer eslabón de un modelo que viene para quedarse o de otro que aún no imaginamos?

La oda a la lluvia blanca de Secreto, Anuel AA, Cardi B… que es top 2 en Youtube España

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Anuel AA, uno de los reggaetoneros del momento, y Cardi B, una de las raperas de moda, participan conjuntamente en el remix de ‘La Bebe’ de Secreto «El Famoso Biberón», Black Jonas Point y Liro Shaq, que, en su versión original, ya acumulaba 6 millones de streamings en Spotify.

Y de «biberones» iba ya la cosa: la canción es básicamente a una oda a la lluvia blanca, e incluye perlas como «me pide leche, y en la boca que se la doy», «le doy sin romo, le doy sin tano, porque soy imparable como el miembro de un anciano» o «le echo más de cinco y me aguanta, ella es mi planta». En algún lugar, la fan de los dildos CupcaKke debe estar tramando su contraataque.

La aportación de Anuel AA y Cardi B está a la altura de la ocasión. El primero recurre a la simbología religiosa («ella no es virgen pero de rodilla hace milagro») antes de presumir de sus cualidades sobrehumanas como «chingador». Y la segunda planta su bandera como nadie: «cuando te veo solo quiero una cosa, tu leche rica que me la eché en la boca, le bajo los pantalones y me pongo de rodilla, se viene en mi boca y me la bebo todita». El vídeo es top 2 en Youtube España.

Charli XCX comparte portadón y tracklist de su nuevo disco grabado en confinamiento

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Charli XCX ha terminado a tiempo el disco que anunció escribiría y grabaría en un periodo de un mes durante el confinamiento. Así, ‘how i’m feeling now’ sale mañana 15 de mayo, pocos meses después del que hasta ahora era el último álbum de estudio de la cantante hasta la fecha, ‘Charli‘, uno de los mejores discos de 2019.

Solo unas horas antes del lanzamiento de este largo, Charli ha compartido su portada, que, pese a su componente «amateur» como mandan las circunstancias, es llamativa como mínimo. Y también se conoce ya el tracklist del disco, que se compone de 11 pistas, entre ellas la reciente ‘i finally understand’.

Las expectativas no son precisamente bajas. Si bien es cierto que ‘how i’m feeling now’ es un disco improvisado sobre la marcha, también lo es que Charli es una compositora prolífica que suele dar con oro cuando menos lo esperas, que su obra más celebrada es una mixtape, y también que la frescura suele favorecer muchos trabajos. Los singles ‘claws’ y ‘forever’ ya tienen su par de millones de escuchas en Spotify, y aunque habrá que comprobar si ‘how i’m feeling now’ alcanza la categoría de ‘Charli’, este ya es un disco memorable desde su gestación y lanzamiento dentro de una cuarentena.

01 pink diamond
02 forever
03 claws
04 ​7 years
05 detonate
06 enemy
07 i finally understand
08 c2.0
09 party 4 u
10 anthems
11 ​visions

¿Queremos que todos los festivales repliquen en 2021 su cartel de 2020?

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La noticia de la semana es que los «aplazamientos» de los mayores festivales del país ni siquiera está siendo noticia. El «trending topic» es puntual o inexistente y muy a duras penas se oyen comentarios al respecto. Hace semanas que, poco a poco, hemos ido asumiendo que esta temporada de primavera-verano simplemente no va a existir, y es demasiado evidente en nuestras cabezas que en un mes no, no vamos a tener por aquí a FKA twigs presentando el disco del año aunque su cancelación no se haya anunciado. La razón de la incertidumbre por un lado es que la pandemia no está reconocida como «causa mayor» para la cancelación de festivales, por lo que se espera algún tipo de anuncio, amparo legal o incentivo por parte del gobierno para evitar la quiebra o simplemente para poder proceder. Porque por otro, la planificación de nuestra vida parece terminar en la fase 3, en algunas provincias entre las que no se encuentran ni Barcelona ni Madrid, prevista para finales de junio. Sobre la «nueva normalidad» de julio y agosto, ni palabra, suponemos que a la espera de la evolución de la covid-19.

Cuando el ministro de cultura dijo que lo primero era la salud, sus palabras generaron un enorme malestar en el sector por lo que tenían de obvio, y por la bancarrota que puede afrontar un alto porcentaje de la cultura del país este año. De momento, los festivales están barajando opciones. Como nos explicaba Jose de Tomavistas hace unos días, devolver las entradas, aunque se está anunciando y parece que se va a hacer, es un problema mayúsculo: «los seguros de cancelación no cubren la fuerza mayor provocada por una pandemia, así que estamos desprotegidos y el dinero de las entradas ya se ha invertido en pago de impuestos de las entradas, adelanto de cachés de artistas, comunicación y publicidad y pagos del personal que lleva trabajando desde hace más de un año en esta edición, es decir, el dinero en su mayor parte ya no está y tenemos que valorar muchas opciones para poder afrontar esa situación».

La noticia de la semana, más que todo esto, que ya sabíamos, es que los festivales están replicando, calcados, los carteles de 2020 a 2021. Así hace Azkena, que mantiene a Patti Smith, Brian Wilson y L7 (añadiendo a Iggy Pop); Noches del Botánico, que mantiene a todo el mundo menos a Dido y a Quique González; lo hará Río Babel, que como informa El País, mantendrá «casi todo el cartel intacto del 2020»; o Mad Cool, que afirma que “tienen un feedback muy positivo por parte de la mayoría de artistas que componían el line-up”. Una noticia grata para quienes han comprado una entrada en base a un artista, por ejemplo, por Patti Smith, pero no tanto para quien no se hubiera sentido atraído por los carteles de este año.

Parece que con este anuncio los festivales están buscando que el menor número de gente posible devuelva las entradas. Sobre ello hemos preguntando al equipo de prensa de Last Tour (Azkena, BBK Live), que ha declinado contestar hasta que se comunique este mes el destino definitivo del festival bilbaíno, pero sí responde Julio Martí de Noches del Botánico, que nos atiende telefónicamente: «Hay que profundizar un poco más. Todo el mundo que pueda hacer el show en 2021 está encantado de hacerlo. Quitando quien tiene otros compromisos, como Dido, que ya tenía un plan para el año que viene y dijo que en 2022; y Quique González, que el año que viene no quiere trabajar, todo el mundo quiere actuar y no vamos a echar a perder un año de trabajo. No es una estrategia en sí, es mucho más. Es una manera de ser efectivos con artistas, público y con nuestro propio trabajo».

La gran cuestión que deja todo esto es qué pasará con los artistas que han grabado discos, están a punto de sacarlos en la segunda mitad de este año o principios del que viene, y parece que encontrarán menos huecos en los carteles de 2021. Sobre todo con los de pequeño y mediano tamaño o incluso con el nuevo talento que surja de aquí a entonces. Indica Martí: «Lo ideal sería adquirir otros tiempos, contratar con mucha anticipación como en la música clásica. Aunque es verdad que en música popular hay mucho de impacto inmediato. El mundo está lleno de talentos creativos, y soy un loco del nuevo talento. Si yo veo un trabajo bueno, veríamos cómo encajarlo. No creo que vaya a sufrir el nuevo talento. Se puede trabajar otro tipo de marca o de ciclo».

La reubicación en Noches del Botánico de gente tan dispar como Wilco, Belle & Sebastian, Rufus Wainwright y decenas de artistas en julio de 2021 da a entender que todos ellos estarán de gira el verano que viene, replicando sus planes en distintos lugares de Europa y el mundo. «Efectivamente», responde Julio, «todo tipo de artistas está intentando que sus giras se vuelvan a hacer. Tú hablas de los que aún no han grabado disco, pero también hay que hablar de los que sí: ya tenían todo hecho, ¿por qué iban a tener que dejar de hacerlo? Sería un problema en positivo, en todo caso, que todos esos artistas pudieran hacer conciertos».

Sobre la devolución de las entradas, Martí habla de la particularidad de Noches del Botánico, que es un ciclo para el que se compran entradas individuales, pero apela a la empatía con el resto del sector: «Queremos decirle a todo el mundo: «por favor, confiad en nosotros, os gusta la música, guardad vuestras entradas. Si no para ese artista, compra para otro… ¡Pero si no quieres venir, no quieres venir!», exclama sobre su ciclo, que ya ha anunciado que en todo caso devolverá entradas.

Hayley Williams / PETALS FOR ARMOR

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Después del giro pop de Paramore en ‘After Laughter‘, muchos esperaban que Hayley Williams se convertiría en la nueva Gwen Stefani, quien, tras su paso por No Doubt, en 2004 debutó en solitario con uno de los álbumes de pop más alucinantes de lo que llevamos de siglo. Para bien o para mal, los intereses de Hayley Williams son muy diferentes y también mucho más alternativos: más NME que Popjustice, por decirlo de alguna manera.

La idea de ‘PETALS FOR AMOR’ ha sido hacer un álbum autobiográfico que mostrara todas las preocupaciones que han asolado a Hayley Williams en los últimos años. La cantante, que llegó a abandonar Paramore en 2015 sin que nadie se enterara, para después regresar, ha pasado por un divorcio y una depresión, ha visto a la muerte de cerca debido a la enfermedad de su abuela, ha cuestionado su feminidad y ha vuelto a creer en el amor, y todos estos temas están plasmados en un álbum de 15 canciones dividido en tres partes que explora varios estilos de música rock que interesan a Hayley, pero también otros sonidos como el R&B o el synth-pop, sin que ninguno desentone demasiado dentro del conjunto. Sin embargo, aunque la música de ‘PETALS FOR ARMOR’ es digna de escucha, el disco presenta un par de problemas imposibles de ignorar.

El primero es su división en tres partes, absurda pues las canciones del disco no siguen una línea argumental ni cada una de sus partes aborda un tema o un estilo en concreto. La decisión parece responder a una hipotética necesidad por el consumidor de escuchar la música a bocados, cuando la razón por la que la gente no puede escuchar discos enteros hoy en día es, o bien por desinterés, o bien porque esos discos no son tan buenos, o bien porque esos discos de hecho son demasiado largos, lo cual ha pasado toda la vida. La moda de publicar discos en secciones da más pereza que ir al supermercado durante la cuarentena, y en el caso de ‘PETALS FOR ARMOR’ ni siquiera tiene sentido. ¿Dónde están los interludios cuando se los necesita?

El segundo es que Hayley no explora los estilos que le interesan desde un punto de vista demasiado personal. Por ejemplo, es un escándalo lo mucho que ‘Cinnamon’ quiere ser una canción de St. Vincent, o ‘Simmer’ una de Wild Beasts, o ‘Leave it Alone’ una balada de Radiohead, o ‘Pure Love’ la típica cucada synth-pop de Carly Rae Jepsen. Ojo, todas estas canciones son estupendas, pero también dejan cierta sensación de que, en ellas, Hayley se ha puesto un disfraz más que buscado su propio sonido. Al final, el disco si queda lastrado por su duración con canciones menos interesantes como ‘My Friend’, ‘Over Yet’ o el grueso de su tercera sección, entre las que hay que destacar para mal el electropop experimental de ‘Sugar on the Rim’, que Hayley ha escrito «literalmente» para los gays, pero que no da muchas ganas de mariconear en general.

Donde Hayley sí brilla es en sus momentos más oscuros. El adictivo reggae-pop de ‘Dead Horse’, que comienza con una grabación de Hayley en la que explica que ha pasado una depresión, para luego relatar sin tapujos la infidelidad de su ex-marido («siempre he sido la otra»), es el momento más accesible del álbum; ‘Sudden Desire’, con esos gritos a lo Alanis, el más visceral, y ‘Why We Ever’, en el que la artista intenta olvidar a esa persona que le ha hecho daño, el más conmovedor en su baile de estilos: empieza como una canción de R&B sensual, pero luego mete un interludio a piano muy Kate Bush, y termina a otro rollo. Más pupa hace ‘Roses/Lotus/Violet/Iris’, una oda al feminismo que cuenta con los coros de boygenius (el supergrupo formado por Lucy Dacus, Julien Baker y Phoebe Bridgers) y una instrumentación preciosa.

¿Cuál es la gran sorpresa y cuál la gran decepción de ‘PETALS FOR ARMOR’, por tanto? La gran sorpresa es que nos descubre a una artista mucho más interesada de lo que parecía en ponérselo difícil a sí misma: esto es claramente un disco de art-rock tal y como lo suelen hacer sus posible referencias. La gran decepción es que también nos descubre a una solista demasiado dependiente de sus influencias. Para ser un trabajo tan sumamente personal en lo lírico, en lo musical lo es mucho menos.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Simmer’, ‘Dead Horse’, ‘Why We Ever’, ‘Roses/Lotus/Violet/Iris’
Te gustará si te gusta:
Youtube: vídeo de ‘Dead Horse’

Sen Senra debuta en Universal con ‘Nada y nadie’, ¿la canción que lleva tiempo buscando?

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Sen Senra ha sorprendido esta última semana con el estreno de un nuevo single que llega solo unos pocos meses después del lanzamiento de su último álbum de estudio, ‘Sensaciones‘. Y con el single ha llegado una pequeña noticia, que el cantante gallego se ha asociado, desde su sello Sonido Muchacho, con Universal. Y ‘Nada y nadie’ es una canción a la altura de este paso adelante para Christian Senra en lo profesional.

‘Nada y nadie’ presenta los ingredientes de la típica canción de Sen Senra: al modo del blues clásico, es decir, de otras canciones del artista como ‘Ya no te hago falta’, solo una guitarra eléctrica le acompaña al principio de la canción para marcar el ritmo y la atmósfera, mientras la peculiar voz de Christian toma todo el protagonismo desde el segundo cero. También la letra de ‘Nada y nadie’ lleva la firma del gallego en su descripción de un encuentro sexual desde un punto de vista ligeramente paternal («piensa pero no le des muchas más vueltas de la cuenta») y en su gusto por los diminutivos («se nos esfumó la carita de pena»). El estribillo con autocoros es tan hipnótico como de costumbre.

En la segunda estrofa, ‘Nada y nadie’ va incorporando novedades: esta añade ya el sonido del autotune (o un instrumento parecido) y en la canción entra finalmente un beat de tintes hip-hop que abre la veda para que Sen Senra la lleve hacia su cumbre dramática. Lo hace mediante la incorporación de unos fantasmales coros que remiten al de los grupos vocales de los años 40, y que van imponiendo su presencia cada vez hasta el final de la composición. Ya en papel no suena como una canción de Sen Senra más, pero teniendo en cuenta tanto su componente emotivo como su definido estilo, puede ser su canción más representativa, y también la mejor.

Anna Castillo ni se avergüenza ni presume de haber disfrutado el dueto de Rihanna y Bisbal

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Anna Castillo vive un momento profesional pletórico desde que en 2018 ganara el Goya a Mejor actriz revelación por su papel protagonista en ‘El olivo’ de Icíar Bollaín. Tras este hito en su carrera, la intérprete barcelonesa ha acumulado varios premios por sus memorables papeles secundarios en ‘La llamada‘ de Javier Calvo y Javier Ambrossi y en ‘Viaje al cuarto de una madre‘ de Celia Rico Clavellino, y también por su interpretación en la recomendable serie ‘Arde Madrid‘ de Paco León. La actriz ha aparecido asimismo en videoclips de Dorian y La Casa Azul, así que aprovechamos para preguntarle por su música favorita. Foto: André Paduano.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Una que me gusta desde muy pequeña y que es muy especial para mi es ‘Águas de Marzo’ de Elis Regina.

¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Chachachá’ de Jósean Log.

¿Canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Daniel’ de Elton John, mi padre me la ponía mucho en el coche.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Cannabis’ de Ska-P.

Acabas de protagonizar un videoclip de La Casa Azul, el de ‘El colapso gravitacional’. ¿Cómo fue el rodaje? ¿Cuál es tu canción favorita de La Casa Azul?
Me encanta La Casa Azul, me hizo mucha ilusión grabar con Guille. Tengo varias canciones favos pero siempre ganarán ‘La Revolución Sexual’ y ‘Podría ser peor’.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
Compro vinilos, el último fue ‘Total Life Forever‘ de Foals.

¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Siempre escucho la música en Spotify y en Youtube.

¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Creo que hay algo de postureo, también en mi caso desde luego. Lo que sí es cierto es que hace un par de años compré un equipo de sonido muy guay al que pude conectar el tocadiscos y la verdad es que la música ahí suena increíble.

También has aparecido en un videoclip de Dorian. ¿Cuál es tu canción favorita de Dorian?
‘Paraísos artificiales’.

¿Alguna canción que te haya unido al reparto de alguna de las series o películas en las que has aparecido?
Absolutamente TODAS las de ‘La Llamada’. Y ‘I Like It Like That’ de Pete Rodriguez con el reparto de ‘Arde Madrid’.

¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
Bueno, es que piensa que me ha gustado incluso una canción de Rihanna con David Bisbal que se llama ‘Hate That I Love You’. No me avergüenzo pero tampoco presumo.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Pues no lo sé, es muy subjetivo. Para mí lo más importante es que me vaya bien de tono para poder cantarla a gusto.

Un remix que te haya vuelto loca.
El último fue ‘Rythm of the Night’ de Jack Suarez.

Everything Everything y la «montaña de grasa» que representa el decadente mundo de hoy

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Everything Everything han anunciado que su nuevo disco, ‘Re-Animator’, sale el 21 de agosto. Una buena noticia para los seguidores de esta banda de indie-rock y synth-pop de Manchester aficionada al drama, al histrionismo y a las miserias del ser humano que, a lo largo de una década de carrera, ha dejado álbumes tan recomendables como ‘Man Alive‘ o ‘Get to Heaven‘.

El primer single de ‘Re-Animator’, que llega tres años después de ‘A Fever Dream’, había sido ‘In Birdsong‘, y hoy es el turno de escuchar ‘Arch Enemy’, un tema contundente en el que mandan los sintetizadores pero también las trompetas (probablemente también sintetizadas) y una melodía apocalíptica que recuerda a Muse, aunque la canción siga sonando a Everything Everything ante todo.

En un mensaje, Everything Everything cuentan la original premisa de ‘Arch Enemy’, que narra la historia de un «personaje de nuestros tiempos que busca a un Dios» pero que solo encuentra «una congregación de avaricia, toxicidad y basura materializada en la forma de una montaña de grasa situada en una cloaca». Este personaje «reza devotamente» a la montaña «a espera de que purifique el decadente mundo que lo ha creado». Los ingleses añade que «estas montañas son una curiosa yuxtaposición de lo moderno y lo antiguo, un ejemplo nuevo de miseria arcaica».

Re-Animator:

01 Lost Powers
02 Big Climb
03 It Was a Monstering
04 Planets
05 Moonlight
06 Arch Enemy
07 Lord of the Trapdoor
08 Black Hyena
09 In Birdsong
10 The Actor
11 Violent Sun

¿Y qué pasa si Amaia quiere distanciarse de Operación Triunfo?

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Amaia Romero ha protagonizado en los últimos días una pequeña polémica con Tinet Rubira, director de Gestmusic, productora de Operación Triunfo. El motivo de la riña ha sido el documental sobre Amaia que la productora preparaba hace un par de años, el cual seguía los pasos de la cantante navarra desde su victoria en el concurso hasta su participación en Eurovisión. El documental no ha salido, y en un programa de radio, Tinet ha explicado que esto ha sido por deseo expreso de Amaia, quien «en un momento dado consideró que quería distanciarse de OT y que si salía este documental cuando sacase su disco podría perjudicar a su carrera». Amaia, que cada vez que publica un mensaje en las redes sociales nace un unicornio, ofrecía hace unos días en Twitter su punto de vista: «Yo nunca he querido distanciarme de OT, actué tres veces en OT18 y visité la Academia en las dos últimas ediciones. Os tengo mucho cariño. ¡Ojalá el docutriunfo hubiera salido cuando tenía sentido!»

Posteriormente, Amaia ha insistido en el programa de Andreu Buenafuente que no reniega de Operación Triunfo, pero que aquel documental, de salir ahora, se quedaría «desfasado», lo cual es cierto: ya hace dos años que Amaia ganó Operación Triunfo, y es sabido que, para ella, Eurovisión no fue la experiencia más gratificante. Pero es que lo iría a contar el documental se ha quedado viejo y ya no puede tener ningún interés, sobre todo cuando acaba de estrenarse un segundo documental sobre Amaia que narra sus pasos posteriores a aquello, en concreto la grabación de su primer disco. ¿A quién le puede interesar un documental sobre Amaia en OT y Eurovisión a estas alturas? ¿A quién le podía interesar cuando grababa su disco y lo único que parecía importar en el mundo era a qué sonaría su primer single?

Por otro lado, de las palabras de Tinet se desprende cierto resquemor hacia una artista que no ha seguido los pasos habituales de una típica ganadora de Operación Triunfo. El programa, históricamente una fábrica de estrellas estrelladas y de artistas que vagan por la industria como vacas sin cencerro, en busca de un sonido propio que nunca se materializa, se ha reinventado en parte gracias a lo que le ha aportado Amaia, que es su gusto por la música alternativa y la certeza de que esta no ha de ser incompatible ni con la música mainstream ni con un espectáculo televisivo de su tipo. Si después de ganar OT, Amaia ha querido adentrarse en los mundos alternativos de La Estrella de David y La Bien Querida, tocar en festivales indies y colaborar con Carolina Durante más que con Rozalén, ¿por qué no puede querer proteger su imagen artística negándose a que salga un documental que ya no la representa en absoluto?

Pero la pregunta que plantea esta polémica es si Amaia no tendría razones a día de hoy para querer distanciarse de Operación Triunfo. Es verdad que la cantante debe su inmediata fama al programa, como también lo es que nunca ha renegado de él, pues, como ha recordado en su tuit, ha vuelto a su escenario y a la Academia varias veces para actuar o para charlar con sus concursantes. Con sus palabras, Tinet parece insinuar que Amaia no quiere seguir siendo asociada a Operación Triunfo porque no es un programa tan alternativo o serio como su música, pero cuando su tercera edición ha seguido bajando en audiencia incluso después de potenciar su componente «reality» de manera a veces ridícula, cuando sigue produciendo canciones sumamente mediocres para sus pobres concursantes que nunca llegan a ninguna parte, ¿no es momento de revisar qué va mal? Si Amaia ha sido capaz de independizase de Operación Triunfo para trazar su propio camino artístico y consolidar su propuesta en el lugar que ha querido, quizá no sea ella la que esté tomando las peores decisiones…

The 1975 emocionan con ‘Guys’, su oda a la amistad

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The 1975 siguen presentando las canciones que compondrán su próximo disco, ‘Notes on a Conditional Form’, que sale la semana que viene después de varios retrasos. Y quizá sea la mejor estrategia posible en su caso, pues el disco se compone de 22 canciones, y para cuando salga ya habremos asimilado casi la mitad.

Después de ‘The 1975’, ‘People’, ‘Frail State of Mind’, ‘Me & You Together Song’, ‘The Birthday Party’, ‘Jesus Christ 2005 God Bless America’ y ‘If You’re Too Shy (Let Me Know)’, hoy es el turno de escuchar ‘Guys’. Es la canción que cierra el álbum y una oda a la amistad que Matt Healy dedica a sus compañeros de banda: «vosotros sois lo mejor que me ha pasado», canta Matt en esta tierna composición que recuerda al estilo indie guitarrero noventero de muchas pistas incluidas en su anterior trabajo, especialmente el de la gran ‘I Always Wanna Die (Sometimes)’, la cual también cerraba aquel largo.

Os recordamos que la gira de The 1975 ha sido aplazada por el coronavirus, pero sigue en pie y su visita a España se producirá en el próximo mes de octubre. Las entradas para sus fechas en Barcelona y Madrid, los días 3 y 5 de octubre, respectivamente, siguen disponibles.

Future publica este viernes nuevo disco, ‘High Off Life’

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Future es uno de los artistas más importantes del momento a nivel comercial y también ha sido uno de los más influyentes de la pasada década gracias a su estilo de trap apegado al autotune, de modo que cada nuevo paso que realiza debe ser seguido de cerca. El rapero, prolífico como pocos, es dado a lanzar proyecto por año y acaba de anunciar un nuevo álbum de estudio que de buen seguro será un gran éxito, al menos en cuanto a cifras.

El sucesor de ‘Hndrxx Presents: The Wizrd‘ se llama ‘High Off Life’ y sale este mismo viernes conteniendo hasta 21 pistas, entre las cuales se incluye el macrohit en las plataformas de streaming ‘Life is Good’ con Drake, el remix de este mismo tema con DaBaby y Lil Baby, y el reciente single ‘Tycoon’. Además el álbum cuenta con la participaciones de, entre otros, Travis Scott en ‘Solitaires’, Young Thug en ‘Harlem Shake’ y Lil Uzi Vert en ‘All Bad’.

Dentro de la discografía de Future, ‘High Off Life’ se considerará su octavo álbum de estudio, si bien el artista ha publicado hasta cinco mixtapes en el último lustro, y en alguna ocasión ha alternado entre ambos formados en un mismo año, como es el caso de su álbum de 2015 ‘D52’ y de su exitosa mixtape con Drake, ‘What a Time to Be Alive’. El rapero, por cierto, acaba de aparecer como artista invitado en el último proyecto del artista canadiense, que acaba de entrar en el top 3 de la lista de discos española.

Bilbao BBK Live y Azkena Rock descartan también su celebración en 2020

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Días después de que Primavera Sound y Sónar anunciaran su aplazamiento definitivo hasta el año 2021 y horas desde que Mad Cool pusiera en serias dudas su celebración en 2020, ahora le llega el turno a los dos macroeventos musicales por antonomasia del verano en Euskadi. Casi a la vez, Azkena Rock Festival y Bilbao BBK Live han emitido comunicados descartando su celebración en 2020.

En el caso del festival rockero de Vitoria-Gasteiz, ha anunciado ya las fechas de su celebración el año que viene, los días 17, 18 y 19 de junio de 2021 en el habitual recinto de Mendizabala. Confirma así la ampliación de su programación un días más, con nada menos que Iggy Pop como nuevo cabeza de cartel, que se sumará a los previstos para este año: Patti Smith, Brian Wilson y Suzi Quatro, entre otros artistas que ya figuraban en el cartel de 2020, como Black Mountain, Fu Manchu, L7, Lysistrata, Reverend Horton Heat, Robyn Hitchcock o Social Distortion. Además, la promotora Last Tour creará un fondo para apoyar económicamente a los trabajadores autónomos que habrían trabajado en el festival este veranopro «que en este momento se quedan totalmente desprotegidos, sin poder trabajar y con escasas o nulas coberturas en las medidas que ha puesto en marcha el gobierno»: destinan a ellos y a un banco de alimentos alavés 5€ de cada entrada vendida, además de la recaudación de una camiseta edición especial que se vende en la web del festival.

En cuanto Bilbao BBK Live, se dirige a los que habían mostrado su inquietud por su celebración este año, edición en la que contaba con un cartel que incluía a Pet Shop Boys, Kendrick Lamar, The Killers, Bad Bunny, Caribou, Supergrass, FKA twigs o Perfume Genius, entre otros. «Hoy os contamos que no podrá realizarse tal y como estaba previsto para este verano», dice su mensaje, asegurando que darán nuevos detalles antes de que acabe este mes de mayo y que explicarán cómo podrán proceder a la devolución los que no puedan acudir «el año que viene».

‘Shook’, un poderoso chute de hip hop con aspiraciones comerciales que propulsa a Tkay Maidza

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En agosto de 2017 teníamos ocasión de entrevistar a una jovencísima artista australiana con el casi impronunciable nombre de Tkay Maidza. Charlábamos con ella a cuenta de su álbum debut del año anterior, ‘TKAY’, que dejaba vislumbrar un considerable potencial con su batidora de pop, hip hop y electrónica bailable. Su progresión se ha hecho esperar más de la cuenta quizá por su ruptura con Kitsuné, llevándola a emprender una nueva etapa de autogestión. Pero singles como la impetuosa ‘Flexin´‘ –parte de la mixtape ‘Last Year Was Weird Vol. 1’, lanzada a finales de 2018– y, ya el año pasado, ‘Awake‘ (ft. JPEGMAFIA) y ‘IDC IF U BE DED‘ exponían su particular visión musical, con un rap duro y experimental pero con gancho.

Pero por fin la suerte parece cambiar para Maidza: el sello británico 4AD, en plena expansión de referencias con fichajes alejados de sus estándares, le ha ofrecido un contrato con el que abre ahora una nueva etapa de mayor visibilidad. Y parece evidente que no se equivocan si atendemos a ‘Shook’, su primera canción publicada con ellos. Se trata de un tema producido por Dan Faber (que ya trabajó con ella en ‘Awake’ y que figura también en créditos de Dizzee Rascal y ‘Tempo‘ de la ahora exitosa Lizzo) en el que contrasta una base de bajos profundísimos con el flow cortante e incisivo de Tkay, en una letra de ego-trip en la que referencia a M.I.A.

Arulpragasam parece un referente tan evidente para Maidza como Missy Elliott, pero los coros infantiles y la instrumentación bombástica de su intro y puente también remite a sus compatriotas The Avalanches. Y además, muestra un nada despreciable potencial comercial en su enorme gancho, tan de vieja escuela: «These men, yeah I got ‘em all shook / Earthquake, yeah I got ‘em all shook / I came, I don’t play by the book / Yeah I make the bands, yeah I got ‘em all shook». El lanzamiento se potencia con un fantástico vídeo dirigido por Jenna Marsh (responsable del clip de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, entre otros trabajos), ambientado en un depósito de vehículos y ambiente motociclista, pero con un punto alucinógeno. Como diría la Preysler, «nos ha realmente conquistado».

Lo mejor del mes:

Meister of the Week: el lema de Pantocrator es «siempre nutria, nunca innutria»

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Pantocrator es una de las bandas nacionales revelación de 2020. La pegada de singles como ‘Caballo de Troya’, ‘El ministerio de las básicas’ o ‘Calatrava’, y sobre todo ‘No te puto pilles’, ya su gran himno, ha convertido a este cuarteto de Barcelona en una promesa a la que seguir muy de cerca. El grupo es el último invitado a nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que nos hablan sobre su pasatiempo favorito: animales en internet.

¿Por qué habéis escogido el tema de animales en internet?
Es el contenido audiovisual de internet que más apreciamos y nos enviamos entre nosotras.
¿Tiene algo que ver con vuestra carrera musical?
Mucho, nos encantaría ser una nutria y la primera canción que escribimos iba sobre el perro de Marta. Luego conocimos a algunos capullos y lo dejamos atrás.

¿Qué memes de animales son vuestros favoritos?
Creo que podríamos estar horas y horas en esta pregunta. Los perros dan más contenido de meme pero los gatos pueden representar más un «mood». Por lo demás, si quieres cosas adorables os recomendamos nutrias, si estás triste… cabras bebé.

¿Hay algún integrante de Pantocrator especializado en pasar fotos de animales?
Marta y Marina son las expertas.

¿Soléis pasaros memes o fotos de animales entre los miembros del grupo?
Sí, Marina constantemente con Marta y Xiri cuando sabe que lo que necesitamos es ver un perro corriendo con música de fondo. Robert suele reírse y ya.

¿Seguís páginas de Facebook, Instagram, etc. especializadas en memes de animales? ¿Habéis descubierto muchos graciosos o interesantes? En caso afirmativo, ¿cuáles seguís?
También nos podríamos pasar horas, pero recomendamos:
@daily_capybaras

@cutest.goat

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We are coming! 🥳 Via @duagwyngoats

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@kokoro_offical

@round.boys

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Where’s this loafs legs? . . . 📹: @vet_kdg

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@pomeranian_of_ig

@rarepups

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trust the dogtor

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En vuestro Insta habéis compartido imágenes de nutrias para anunciar conciertos vuestros, ¿seguiréis con esta tendencia en el futuro?
Siempre nutria nunca innutria. Make nutria great again.

¿Todos tenéis mascotas?
Marta y Marina tienen un perro. Xiri y Robert se tienen entre los dos.

¿Qué opinan de la música de Pantocrator?
Creo que les somos totalmente indiferentes pero por lo menos no tuitean cosas malas de nosotros.

¿Algún emoji / sticker de animales de Whatsapp que uséis habitualmente?
Evidentemente la nutria pero también nos gustan mucho los pollos. Jeje.

Run The Jewels detallan ‘RTJ4’, con colaboraciones de Pharrell, Mavis Staples, Zach de la Rocha…

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El-P y Killer Mike han formado uno de los combos de hip hop más demoledores de la pasada década, con tres notables discos de rap audaz, duro y comprometido. Run The Jewels saludan a los 20 con un nuevo disco que perseguirá afianzar esa posición. Siendo fieles a su carrera, se titula ‘RTJ4’ y se edita el próximo 5 de junio con una nueva versión de su icónica imagen de dos manos haciendo gestos de pistola y puño, respectivamente, esta vez sobre fondo fucsia. En esta ocasión incluye, además, una cohorte de colaboradores que participan en el disco.

Además de Greg Nice (de Nice & Smooth) y DJ Premier, que participan en el pegadizo single ‘Ooh La La’, nombres de la talla de Mavis Staples y Josh Homme de Queens Of The Stone Age (unidos en ‘Pulling the Pin’), el rapero 2 Chainz, en ‘Out of Site’ o Pharrell Williams y Zach de la Rocha de Rage Against The Machine (ambos juntos en ‘JU$T’). De hecho, esta última colaboración tenía todo el sentido, pues Run The Jewels ejercerían de teloneros en la (no por todos) esperada gira de regreso de RATM, pospuesta definitivamente a 2021. Los fans del cine de los 80 quizá ardan ya en deseos de saber qué esconde un título como ‘Goonies VS E.T.’. Os dejamos con ‘Ooh La La’ y la obertura ‘Yankee and the Brave’, lanzados como adelantos.

Tracklist de ‘RTJ4’:
01. ‘Yankee and the Brave (ep. 4)’
02. ‘Ooh La La’ [ft. Greg Nice and DJ Premier]
03. ‘Out of Site’ [ft. 2 Chainz]
04. ‘Holy Calamafuck’
05. ‘Goonies VS E.T.’
06. ‘Walking In the Snow’
07. ‘JU$T’ [ft. Pharrell Williams and Zack de la Rocha]
08. ‘Never Look Back’
09. ‘The Ground Below’
10. ‘Pulling the Pin’ [ft. Mavis Staples and Josh Homme]
11. ‘A Few Words for the Firing Squad (radiation)’

Bad Bunny / LAS QUE NO IBAN A SALIR

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Con todo el disco bien situado en el global de Spotify de manera inmediata, hay algo de pedantería en considerar ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ como un disco de descartes. Tan solo 10 semanas después de un álbum que ya tenía hasta 20 pistas, ‘YHLQMDLG‘, es hasta exhibicionista, en plan «os voy a enseñar hasta dónde llega mi talento. Hasta lo que no tenía que haber salido, mola». Es más o menos lo que Bad Bunny vino a decir sobre ‘EN CASITA’, el tema que cierra todo esto cuando lo subía a Soundcloud el mes pasado en medio de la cuarentena: «Lo grabé con los «voice notes» del iPhone. Eso fui yo improvisando, no es un tema que escribí ni un carajo. Jaja». Una carcajada con millones de reproducciones como todo lo demás. ¿Hay calidad en todo esto o el público consume todo lo que lanza Benito Antonio Martínez Ocasio como si cagara oro?

Hay un regusto a mixtape e improvisación en ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’. Hay cambios de volumen entre grabación y grabación, hay melodías que recuerdan a otras demasiado recientes (‘BYE ME FUI’ parece un cruce entre ‘LA CANCIÓN‘, ‘QUÉ PRETENDES‘ y ‘Solo de mí‘), hay cosas que reciben nombres tan secos como ‘CANCIÓN CON YANDEL’ y ‘BAD CON NICKY’ en referencia a sus colaboradores sin más, hay una adaptación «freestyle» de ‘RONCA’ de Myke Towers y hay buenas ideas que acaban antes de tiempo, como el R&B agradable y reconfortante de la buenrollista ‘BENDICIONES’, llena de buenos deseos incluso para sus enemigos. Y sin embargo, a nadie le importa un carajo: ‘BYE ME FUI’ es la canción que mejor está funcionando de momento… y al fin y al cabo es improbable que un disco que cuenta con colaboraciones del tamaño del pionero Don Omar y otros monstruos del streaming como Zion & Lennox, Yandel y Nicky Jam caiga en el olvido. Cuadrados, ¿verdad?

Nicky Jam, el más popular ahora mismo de los colaboradores, es el «Nicky» de ‘BAD CON NICKY’, un corte con cierto aire a ‘La difícil‘ que no obstante vira hacia otra cosa: durante un instante uno cree que la canción va a convertirse en un disparate tipo Loco Mia, después en un número tipo Timbaland o ‘Anaconda‘ y luego en una locura de EDM pasadísima de rosca. Lo único que te queda claro es que Bad Bunny ha conseguido otro divertimento en el que no en vano se canta contra «la monotonía». Nicky Jam y Bad Bunny se pelean por una chica y por quedarse el estribillo «No la llames más, que se fue conmigo / Yo le hice olvidar to’ lo que sufrió contigo». Para todos aquellos buscando la frase más machista del disco, y bien que hacéis, hay algo de eso en esta lucha de sables, pero también una voluntad muy evidente de huir de ello cuando la primera canción de la mixtape es una canción con una protagonista femenina, llamada ‘SI ELLA SALE’, sobre un terremoto de mujer independiente: «Comentarios de envidiosas no le valen / No le gustan psycho ni que la acorralen». Menos da una piedra.

También un pepinazo es el tema con Don Omar, ‘PA’ ROMPERLA’, una producción de Tainy que sin renunciar al ritmo reggaetón incorpora sonidos orientales en zig zag, tan acertados como esos sintes cercanos al trance que abren ‘MÁS DE UNA CITA’, otra co-producción de Tainy, en este caso junto a Jota Rosa. Esta es la pista con Zion & Lennox, pero es Bad Bunny quien vuelve a robar el foco cuando después de decir que a él «también le han hecho mucho daño», se arranca con un descacharrante rap en el que rima «intimidad» y «seriedad» con «los polvos en el parking de la universidad».

La melodía vocal es importante incluso en las improvisaciones, como se aprecia en el tema de amor/odio con Yandel; en ‘CÓMO SE SIENTE’, que incluye otra referencia a ‘La casa de papel‘, serie favorita del artista («vas a ver las estrellas sin telescopio / llevas tiempo encerrada y cachonda como Tokio»); y esa canción con su novia Gabriela que ha grabado con el móvil ‘EN CASITA’, en la que se anuncia ‘Viva el perreo’, lo nuevo de Jowell & Randy tras el pelotazo de ‘Safaera‘. De todos los pasatiempos con que los artistas nos han torturado en confinamiento, uno de los más ocurrentes y divertidos (¡¡»No tengo Auto-Tune y lo quiero usar»!!), con la frase de esta primavera: «cuando la cuarentena termine, sabes que me debes un polvo». ¿Pedías algo más? Pues va con dardo político por si alguien lo necesitaba: «quiero que el virus se vaya como Rosselló», en referencia al dirigente de Puerto Rico que tanto odiaba. ¿Mixtape? Sí, pero Benito Antonio no da puntada sin hilo.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Bad con Nicky’, ‘Pa’romperla’, ‘En casita’, ‘Más de una cita’
Te gustará si: el anterior se te hacía muy largo
Escúchalo: Youtube

Hit de Ayer: ‘Oops (Oh My)’ de Tweet, otra cumbre del «sonido Timbaland»

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Parece increíble que nos acerquemos ya a los veinte años desde la “fase imperial” de luminarias del pop tan influyentes como Timbaland. El productor de Norfolk, Virginia, empezó la década de los dos mil muy arriba, y ascendiendo. Personalmente creo que su fase más fascinante fue cuando empezó a producir a estrellas de pop a mediados de década (piezas como ‘Maneater’ son su absoluta cumbre, en mi opinión), pero existen joyas brutales como esta ‘Oops (Oh My)’ de Tweet que fueron grandes hits y de las que nos acordamos muy poco.

Tweet venía del colectivo R&B Swing Mob, que incluía a Timbaland y Missy Elliott. La rapera ya había contado con sus servicios en la grabación de su álbum ‘Miss E… So Addictive’, así que cuando Tweet debutó en 2002 con el disco ‘Sweet Hummingbird’, lo hizo en el sello de Elliott (The Goldmind Inc.), quien también le echó una mano coescribiendo y grabando una parte vocal en esta canción. Timbaland produjo parte del disco y parecía indiscutible que el primer single tenía que ser ‘Oops (Oh My)’.

La canción es puro Timbaland, y su gancho es el minimalismo repetitivo rítmico del que el productor hizo su seña de identidad: la canción no tiene una batería al uso, simplemente un sonido de aro de caja, y una especie de bombo muy sumergido en la mezcla -igual que el bajo- un fondo ensordecido que da protagonismo máximo a las voces y a ese riff obsesivo que no se sabe si es una guitarra eléctrica o un clarinete tratado con filtros. En cualquier caso, supone el lienzo perfecto, cíclico, circular, para una letra sobre masturbación: la protagonista llega a su casa “hipnotizada, en trance” y “con necesidad de ayudarme a mí misma con esta sensación”. El estribillo describe cómo se va quitando la ropa, se mira en un espejo, y… “traté de evitarlo, pero estaba ocurriendo / me tragué mi orgullo y dejé que la fiesta empezara”.

La intervención de Missy Elliott es especialmente brillante, seductora pero sutil, a pesar de lo explícito de sus versos (“I was feeling so good I had to touch myself”). En su momento la canción se celebró como un himno a la masturbación femenina, algo que, con los 90 recién terminados, seguía siendo un tema si no tabú al menos no demasiado normalizado en el día a día. Y ni siquiera la inevitable entrevista quince años después en la que Tweet se desdecía (“no iba sobre eso, sino sobre positividad corporal y auto-amor”) ha impedido que la canción siga significando lo mismo para la mayoría de la gente, y que continúe apareciendo en listas tipo “las 13 mejores canciones sobre masturbación femenina” (en las que la mitad son de los últimos 10 años, muy reveladoramente).

En tiempos de confinamiento el auto-amor -en cualquiera de sus vertientes- está siendo el único recurso para muchas personas que viven solas y aisladas, así que qué mejor momento que el presente para recordar aquí en JNSP este hit de hace casi veinte años. La carrera de Tweet produjo dos discos más, otro más para el sello de Missy en 2005, y finalmente ‘Charlene’ en 2015. Ambos se clasificaron dignamente en las listas de R&B de EEUU, pero no arrojaron ningún otro hit del calibre de ‘Oops (Oh My)’.

‘Tweet’ suena en el episodio 356 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Mad Cool 2020 “no se va a realizar en las fechas previstas”

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Tras el aplazamiento de la gira de Taylor Swift, que actuaba en Mad Cool, y el aplazamiento de Primavera Sound y Sónar hasta 2021 debido a la pandemia de covid-19, el festival madrileño informa de novedades a través de sus redes.

En un texto también remitido a la prensa, indican: “si hace unos días os dijimos que las posibilidades de celebrar Mad Cool eran muy reducidas, hoy os tenemos que decir, con mucha sinceridad, que el festival no se va a poder realizar en las fechas previstas”. La organización dice estar a la espera de que el Gobierno “decrete la causa de fuerza mayor para poder resolver todo de manera correcta”. Indican: “desafortunadamente, no podemos tomar una decisión de forma unilateral, puesto que son cientos los contratos de artistas, proveedores, patrocinadores, freelances, etc, que necesitan este tipo de resolución gubernamental, tal y como se ha implantado en la mayoría de países de Europa”.

Más adelante en el texto indican que han barajado diferentes alternativas y que “la más real y factible es aplazar el festival a 2021, con las mismas fechas”. Apuntan que “tienen un feedback muy positivo por parte de la mayoría de artistas que componían el line-up”. Intentarán, por tanto, reagendar a los máximos artistas posibles y sumar otros nuevos. El festival indica que las entradas compradas serían válidas para 2021 pero que también realizarán “el reembolso del importe de la entrada» a quien así lo desee.

Joe Crepúsculo, Kelly Rowland, Paloma Mami y Benjamin Biolay entran en lo más votado de JNSP

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Karmento con ‘Cri cri’, el primer sencillo del disco que ha publicado esta semana, es número 1 en JNSP por segunda semana consecutiva, mientras las entradas corresponden a los últimos singles de Joe Crepúsculo, Kelly Rowland, Paloma Mami y Benjamin Biolay, todas ellas destacadas como “canción del día” durante este mes en el site. Es tiempo de despedirse de algunas canciones con 10 semanas o más y en la mitad baja de la tabla: Tove Lo con Kylie, Taylor Swift y Jessie Ware caen, aunque de esta ya se puede votar por otro de sus temas. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Cri cri Karmento Vota
2 3 1 6 Break My Heart Dua Lipa Vota
3 5 3 23 Blinding Lights The Weeknd Vota
4 2 1 14 Physical Dua Lipa Vota
5 4 1 27 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
6 8 6 7 In Your Eyes The Weeknd Vota
7 10 1 37 The Greatest Lana del Rey Vota
8 9 1 45 God Control Madonna Vota
9 7 1 10 Stupid Love Lady Gaga Vota
10 6 6 10 Say So Doja Cat Vota
11 12 1 58 bad guy Billie Eilish Vota
12 11 6 25 Everything I Wanted Billie Eilish Vota
13 25 9 6 Flashback Javiera Mena Vota
14 16 14 2 I Want You To Love Me Fiona Apple Vota
15 26 15 6 Je disparais dans tes bras Christine and the Queens Vota
16 17 9 13 Are U Gonna Tell Her Tove Lo Vota
17 19 9 5 Take Yourself Home Troye Sivan Vota
18 31 15 10 People I’ve Been Sad Christine & the Queens Vota
19 19 1 Discoteca en ruinas Joe Crepúsculo Vota
20 18 10 12 Delete Forever Grimes Vota
21 23 21 2 Nunca estoy C. Tangana Vota
22 13 2 34 Really don’t like u Tove Lo, Kylie Minogue Vota
23 15 10 4 Forever Charli XCX Vota
24 22 12 9 Murphy’s Law Róisín Murphy Vota
25 28 25 8 Caution The Killers Vota
26 27 17 10 The Man Taylor Swift Vota
27 24 23 7 Comme des garçons (like the boys) Rina Sawayama Vota
28 35 21 9 Never Come Back Caribou Vota
29 14 11 4 Boyfriend Selena Gomez Vota
30 20 20 10 Spotlight Jessie Ware Vota
31 36 18 8 Vigilantes del espejo Triángulo de Amor Bizarro Vota
32 32 1 COFFEE Kelly Rowland Vota
33 38 9 8 Viniste a por mí Soleá Morente Vota
34 32 27 4 Brooklyn Bridge to Chorus The Strokes Vota
35 33 26 10 La difícil Bad Bunny Vota
36 29 29 2 Je t’aime encore Yelle Vota
37 34 34 3 Aries Gorillaz, Peter Hook, Georgia Vota
38 30 30 3 I Don’t Know Jamie xx Vota
39 39 1 Goteo Paloma Mami Vota
40 40 1 Comment est ta peine? Benjamin Biolay Vota
Candidatos Canción Artista
The Day the Politicians Died The Magnetic Fields Vota
Mountain Baby Austra Vota
Cautious Max Leone Vota
The Wine of Lebanon Cass McCombs Vota
Truce Belako Vota
You Can’t Rule Me Lucinda Williams Vota
NTE Buscabulla Vota
Save A Kiss Jessie Ware Vota
Te brillan Cariño Vota
Lose Your Love Dirty Projectors Vota
A Hero’s Death Fontaines D.C. Vota
Malibu Kim Petras Vota
Bittersweet Lianne La Havas Vota
Alice Hyatt Damien Jurado Vota
Yo no nací así Tulsa Vota
Una famiglia reale Sr Chinarro Vota
No puedo pensar Melenas Vota
False Prophet Bob Dylan Vota

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La mixtape de Drake no puede con Bad Bunny ni J Balvin en España

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La entrada más fuerte de la semana en la lista de “streaming albumes”, la única que tenemos en España con las tiendas cerradas, es ‘Dark Lane Demo Tapes’. La mixtape de Drake es top 3 directo en nuestro país, además de número 2 en Estados Unidos (por detrás de un disco de country, el nuevo de Kenny Chesney) y número 1 en mercados tan potentes como Reino Unido, Australia, Holanda y Canadá.

En España quien ha impedido que Drake sea número 1 es Bad Bunny, que sigue en el número 1 con ‘YHLQMDLG’ en su 10ª semana de permanencia; y también J Balvin, que se mantiene en el puesto 2 con la 7ª semana de ‘Colores’, además viendo aumentado su streaming, quizá por el estreno del vídeo de ‘Rosa’, que vuelve al top 100 de singles. La única artista femenina de todo el top 10 de los discos más oídos en España es Dua Lipa con el excelente ‘Future Nostalgia’, puesto 6 en su 6ª semana.

El mercado está parado y solo encontramos una entrada más en toda la lista de «streaming albumes»: ‘Shishi Plugg’ de Yung Beef y Pablo Chill-E llega al puesto 46. Son 9 canciones entre las que destaca el éxito en Youtube de los vídeos que se han realizado para dos de los temas, ‘No nos pueden soportar’ e ‘Y cuando llegó’.

«Estás más buena que Dua Lipa»: ‘PAM’ es la entrada más fuerte en la lista española de singles

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C. Tangana continúa siendo el número 1 oficial de la lista de singles española con ‘Nunca estoy’, a pesar de que no parecía fácil dado lo ajustado de las cifras en Spotify. La principal novedad en el top 10 es la subida más fuerte de la semana: el tema de reggaetón ‘Favorito’ de Camilo pasa del puesto 12 al puesto 6, postulándose como una de las canciones del verano… si hay verano.

Por otro lado, ‘PAM’, un tema perpetrado por Justin Quiles, Daddy Yankee y El Alfa, que contiene la frase “estás más buena que Dua Lipa” es la entrada más fuerte de la semana, llegando al número 11. Si te parece de dudoso gusto la frase, la siguiente del tema es “una lipo pa’ la tipa, pa’ que quede mamacita”. Curiosamente, Dua Lipa no ha llegado tan alto en singles en España, pues ‘Don’t Start Now’ se quedó en el puesto 12 y ahora mismo es número 32, ya a la baja, aunque muy lentamente.

El resto de entradas de la semana son ‘Goteo’ de Paloma Mami en el puesto 62, ‘Tak Tiki Tak’ de Harry Nach (69), ‘Mariposa’ de Pablo López (70), ‘Pero a tu lado’ de Los Secretos (77), ‘Aleluya Pt 2’ de Rels B (86) e ‘Inolvidable’ de Ovy on the Drums y Beele (95).

El tema de Los Secretos se ha visto revitalizado como himno de resistencia frente a la covid-19, en una nueva versión en que aparecen El Cigala, Pitingo, Taburete y Jose Manuel Soto, entre otros.


Tulsa, entre la electrónica y la canción melódica en una emocionante ‘Yo no nací así’

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Miren Iza, conocida por todos por su alias musical Tulsa, hubiera formado parte de la programación de conciertos de San Isidro, las fiestas mayores de la ciudad de Madrid… de haberse celebrado. El coronavirus ha obligado a la supresión de todo festejo popular hasta nueva orden en la capital, a la espera de avanzar de fase en la desescalada del estado de alarma y poder aspirar, en el mejor de los casos, a celebrar shows en vivo ante un público muy reducido. A pesar de eso (o justo por eso), Miren quiere compartir precisamente en la misma semana en que esa actuación hubiera tenido lugar una nueva canción.

Se titula ‘Yo no nací así’ y es su primera canción nueva publicada desde que el pasado septiembre lanzara una ‘Tres venenos‘ en la que acentuaba el giro electrónico que suponía su último álbum hasta hoy, ‘Centauros‘. En esta, de nuevo con la producción de Ángel Luján (Xoel López, Niños Mutantes, Alice Wonder) y la colaboración de Charlie Bautista, sintetizadores y cajas de ritmo vuelven a tener protagonismo, si bien de una manera más sutil, integrada con guitarras acústicas y eléctricas. Y sobre todo, dando todo el protagonismo a una bonita composición vocal que tiene cierta conexión con la canción melódica de los 70 y 80, que nos lleva a imaginar a una Mari Trini o a una Massiel cantando su gancho «Yo no nací así, / Yo me fui haciendo así. / Poco a poco, año/daño a año/daño, / me fui haciendo así».

De manera bastante curiosa, la canción fantasea con una estancia en prisión, quizá no física sino mental. Obviamente, aunque «no surge en el confinamiento», aclara Iza, es fácil leerla bajo la perspectiva de la cuarentena preventiva a la que estamos sometidos en España desde hace casi dos meses ya. «El encierro lleva consigo algo así como una suspensión del tiempo que nos invita a visitar el pasado y no siempre nos reconocemos en quienes hemos sido o en quienes somos ahora», dice Miren sobre el sentido de la canción. Esto, precisamente, cobra bastante sentido en su vídeo oficial que hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP.

En él María Pérez Sanz –autora del documental ‘Malpartida Fluxus Village’ y a punto de estrenar ‘Karen’, su nueva película sobre Karen Blixen– hace un muy ingenioso uso de las tecnologías que todos tenemos a mano en casa para crear un fascinante juego visual entre realidad y ficción, jugando «a la identificación con personajes emblemáticos como Juana De Arco y a la convivencia con las brujas y los demonios de Häxan. Momentos de una vida a uno y otro lado de la pantalla».

Aunque han pasado tres años desde la publicación de ‘Centauros’, Miren Iza no ha dejado de entregar novedades, además de actuar intensamente en vivo presentando ese disco. El año pasado, por ejemplo, participaba cantando ‘Qué va a ser de ti‘ de Joan Manuel Serrat en un disco-homenaje al genio catalán junto a artistas como Jorge Drexler, Eva Amaral, Andrés Calamaro o Sílvia Pérez Cruz. Y, ya este año, ha realizado dos colaboraciones para otros artistas: ‘Nueva Inglaterra‘ para Técnicas y Procedimientos y ‘El milagro‘ con Alberto & García.

Noches del Botánico pasa a 2021 y mantiene todo su cartel menos a Dido y Quique González

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Noches del Botánico se suma a la larga lista de festivales que anuncian su aplazamiento a 2021 debido a la emergencia sanitaria, tal y como en los últimos días han hecho Primavera Sound y Sónar.

El ciclo de conciertos madrileño arrancaba el 19 de junio de 2020, pero finalmente lo hará el 11 de junio de 2021 manteniendo su programación original con la excepción de Dido y Quique González, que no han podido reubicar sus fechas, y para cuyos concertos el ciclo ofrecerá la posibilidad de devolución de entrada o de canjear el importe antes del 31 de diciembre.

Así queda el cartel de Noches del Botánico de 2021, que seguirá contando con la presencia de Wilco, Rufus Wainwright, Agnes Obel, Belle and Sebastian, Cat Power o Woodkid, quien acaba de anunciar su regreso este año con un nuevo disco, del que todavía se desconocen los detalles.

11/06/21 – Wilco
15/06/21 – Woodkid / Awir Leon
16/06/21 – Estrella Morente / Kiki Morente
18/06/21 – Gipsy Kings ft. Nicolas Reyes and Tonino Baliardo / La Barbería del Sur
19/06/21 – Pat Metheny Side-Eye
23/06/21 – Víctor Manuel / Nando Agüeros
25/06/21 – Zenet / Javier Ruibal
29/06/21 – LP
30/06/21 – Tom Jones
03/07/21 – Belle and Sebastian / Beth Orton
04/07/21 – Crowded House / Laredo
06/07/21 – Agnes Obel / John Grant
07/07/21 – Rufus Wainwright
08/07/21 – Cecile McLorin Salvant / Tigran Hamasyan Trio
09/07/21 – Tomatito con Duquende, Israel Fernández y Antonio Reyes / Alex Conde
10/07/21 – Diego El Cigala
15/07/21 – Asaf Avidan / Mayra Andrade
16/07/21 – Zucchero / Patáx
17/07/21 – Vicente García / Tony Succar
18/07/21 – Carlinhos Brown / Cimafunk
19/07/21 – Yann Tiersen / JJ Machuca
20/07/21 – Jessie J
21/07/21 – Youssou N’dour / Cymande
24/07/21 – Andrés Suarez / Isma Romero
28/07/21 – Oscar D’León / Eva Ayllón
29/07/21 – Los Secretos / Twanguero

Y estos son los artistas que aún pendientes de nueva fecha, también han confirmado su participación en el festival:
· Of Monsters And Men / Smith & Thell
· Cat Power
· George Thorogood / Vintage Trouble
· Little Dragon / The Cinematic Orchestra
· Graham Nash / Kiko Veneno
· Herbie Hancock / Alfa Mist
· Imelda May / Nikki Hill