Carolina Durante ha anunciado la fecha del estreno de su segundo disco, además de desvelar su portada. ‘Cuatro chavales’ verá la luz el próximo 28 de enero y ya está disponible su preventa.
La banda tiene prevista una amplia gira de festivales para el verano del año que viene en la que incluyen el Tomavistas, En Órbita Fest (Granada) y Oh, See! (Málaga) en mayo, Primavera Sound y Palencia Sonora en junio, BBK Live, FIB y Low Festival en julio y Canela Party a finales de agosto.
‘Cuatro chavales’ será su segundo LP tras ‘Carolina Durante’, su álbum debut de 2019. En este tiempo han sacado temas con otros artistas como la versión de ‘Espacio vacío’ con Él Mató a un Policía Motorizado y ‘La canción que creo que no te mereces’ con J de Los Planetas.
Este nuevo disco estará disponible en vinilo “edición normal”, edición deluxe y en CD. Os dejamos el tracklist de ‘Cuatro Chavales’:
1. Tu nuevo grupo favorito
2. Granja escuela
3. Famoso en tres calles
4. Moreno de contrabando
5. Urbanitas
6. No es tu día
7. Aaaaaaaa#$!&
8. Minuto 93
9. Yo soy el problema
10. 10
11. Colores
12. La planta que muere en la esquina
«Las mujeres, cuando tenéis hijos, no podéis pensar en las que no los tenemos.
Os quedáis frescas, ignorantes, como el que nada en agua dulce no tiene idea de la sed».
Ni esta frase de ‘Yerma’, una de las más célebres obras de Federico García Lorca, podía anticipar la pesadilla que iba a ser tener un hijo para muchas personas, no sólo mujeres ya. Todos los que pertenecemos a la Generación X hemos perdido la cuenta de la cantidad de amig@s, vecin@s, prim@s que se han gastado un pastizal en tratamientos de reproducción asistida o incluso en una gestación subrogada sobre la que ha cambiado la visión de la sociedad substancialmente en los últimos años: no hace tanto parecía un remedio, ahora parece una enfermedad peor. El problema es de fondo en la sociedad capitalista: en los años de mayor fertilidad, casi nadie puede permitirse o quiere procrear. El planteamiento de ‘La hija’ es claro: el director Manuel Martín Cuenca se vale de este grave problema social para que empaticemos con unos personajes con los que era difícil, aunque haya sido de manera involuntaria. En El Diario ha dicho que la gestación subrogada es «un protocolo burocrático concebido para reparar una injusticia que puede dar lugar a una injusticia mayor», insistiendo en que la película podría haber tenido lugar hace 25.000 años, pues habla simplemente de «una mujer que puede tener hijos y otra que no».
Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz interpretan a una pareja de mediana edad que parece haber perdido la esperanza de tener hijos biológicos. La muy prometedora Irene Virgüez, a una adolescente que se cruza en su camino. El personaje de esta tiene graves problemas de integración en la sociedad y malas compañías, por lo que ‘La hija’ es también un retrato de la falta de esperanza que ofrece nuestra sociedad para los jóvenes que delinquen.
El director de ‘Caníbal‘ y ‘El autor‘ no ofrece aquí, en cambio, cine social puro y duro. La banda sonora compuesta al completo por Vetusta Morla, con un protagonismo grande pero sutil -a lo Trent Reznor-, ya nominada a un Premio Feroz, apunta claramente al thriller y no al drama lacrimógeno. Tremendo es el paso de la canción principal, ‘Reina de las trincheras’, de parecer una nana, a la voz de Pucho en los créditos finales.
No sé si el largo desarrollo de ‘La hija’ favorece su realismo, pues a medida que avanza el metraje se agolpan ciertas dudas sobre la credibilidad del planteamiento; legales y logísticas, y también más livianas: nadie puede tragarse que una adolescente de 2021 fuera a resistir meses encerrada en una casa de campo sin móvil ni tablet, con el único entretenimiento de ver ‘Mujeres, hombres y viceversa’. Ciertos secundarios (el enfermo de cáncer, el novio de la joven) no aportan mucho al fascinante trío principal.
Sin embargo, esta luce como la mejor película de Manuel Martín Cuenca por su espinoso y rico planteamiento en un momento muy necesario, y al mismo tiempo por lo que tiene de cine inquietante digno del Festival de Sitges. Sirvan como ejemplo esos ladridos de perro que anticipan un mal presagio desde su primera aparición. Su resolución, medio elíptica, puede que no sea exactamente la que esperas.
Deftones se une a la lista de artistas que han decidido meterse en el negocio de la marihuana, sacando ‘The Passenger Box’, su propia colección junto a la marca de cannabis Golden Barn.
No contentos con tener su propio tequila y cerveza artesanal, el grupo ha decidido “dar el siguiente paso obvio, el cannabis”. En un comunicado a través de sus redes sociales, explican que a lo largo de su carrera, su misión ha sido la de proporcionar a sus fans productos de calidad. Aseguran dedicar el tiempo, cuidado y esfuerzo para entregar la mercancía a un mercado que ha sido examinado a fondo.
“Estamos muy emocionados de presentar nuestro primer producto ‘The Passenger Box’, que se podrá adquirir en nueve localizaciones en California. La próxima semana se distribuirán en el resto del estado. Estad atentos.”, añaden.
Cabe recordar que en 8 de los 50 estados de Estados Unidos (Alaska, California, Colorado, Maine, Massachusetts, Nevada, Oregon y Washington) el cultivo, consumo y comercialización con fines recreacionales de la marihuana son legales y en 29 se permite su uso con fines medicinales.
Según el vídeo oficial del anuncio, ‘The Passenger Box’ tiene un “gran aroma” y un “sabor tal como huele”. El clip también muestra los cogollos de «maría», concentrados y vaporizadores, incluidos en esta primera entrega de productos. El nombre de esta primera caja procede de la canción “Passenger” de su álbum ‘White Pony’ y lleva el logotipo del mismo.
Deftones no son los primeros ni serán los últimos en adentrarse en este mercado. Hace unos meses Justin Bieber lanzó su línea de porros ‘Peaches’ uniéndose a otros famosos que han apostado por la “maría” como Whoopi Goldberg, Snoop Dogg, Die Antwoord, Jay-Z o Gwyneth Paltrow.
Alizzz se ha convertido en el productor más exportado del país. Desde Castelldefels a Las Vegas, el artista que se dio a conocer con una serie de producciones de future bass para después triunfar de la mano de C. Tangana acaba de adjudicarse tres Latin GRAMMYs y una nominación a los GRAMMYs de siempre (en la categoría latina alternativa) por su trabajo en ‘El Madrileño‘. Pero ‘Tiene que haber algo más’ ya buscaba su propio camino desde que conocimos su primer single a finales de 2020 al alejarse lo máximo posible de los sonidos conocidos como «urban» o de los latinos.
‘Todo me sabe a poco’ era una declaración de intenciones aunque entonces no lo supiéramos. La canción abre el disco, una de sus frases de hecho lo titula y su sonido guitarrero y post-punk le da la espalda a las modas y las playlists para acercarse a las salas de conciertos, al underground. Es un camino que Alizzz decidió tomar después de sufrir un «crack personal duro» en septiembre de 2019 cuando, quemado de las giras, los trabajos de producción y los aviones, decidió parar y volver a «componer tranquilamente sin prestar atención al mundo». El artista cuenta: «volví a pillar la guitarra después de años y me puse a escribir para mí, cosa que nunca había hecho» y resultado de la experimentación más inocente llega este proyecto que solidifica la figura de Alizzz como solista más allá de su trabajo detrás de los focos.
‘Tiene que haber algo más’ se empezó a concebir antes de que ‘El Madrileño’ llegara al mercado y tampoco busca tamaño reconocimiento. Al contrario, parece evitarlo. En comparación con la obra maestra de C. Tangana es menos ambicioso y enrevesado: las canciones son pop, directas e instantáneas, no se comen la cabeza a la hora de experimentar con diferentes sonidos y a la vez persiguen una vía más alternativa. Si el disco busca algo es dar a Alizzz un respiro de la atención mediática obtenida por ‘El Madrileño’, un pequeño refugio en el que seguir disfrutando de la música sin más distracciones y en el que volcar sus inquietudes marcadas por el desamor, el desmadre, las fiestas que duran hasta el amanecer, el entumecimiento mental provocado por el trabajo, los WhatsApps borrados de los que luego te arrepientes y ese éxito que literalmente le quita el sueño.
«No he parao ni pa dormir», canta Alizzz en ‘Todo me sabe a poco’, otra de esas canciones de post-punk históricamente marcadas por la insatisfacción y una sensación de vacío, pero instalada en la actualidad gracias a la presencia de vocoders; y la cual Alizzz explora a fondo en ‘Ya no siento nada‘. Esta trepidante canción suena como unos Placebo actualizados, tiene un estribillo de 10 sobre 10 y habla sobre la necesidad de huir de los problemas a tal punto que su final suena como si atravesara un puente lleno de luces a toda pastilla y a la vez a cámara lenta. Y en la frenética ‘Ya no vales’ Alizzz invita a C. Tangana a recitar una letra dirigida a un artista fracasado, que «huele a cerrao» , que ha «perdido engage con los fans» y que «se ha quedado viejo» y que, en el contexto lírico de ‘Tiene que haber algo más’, no es descabellado pensar que funcione implícitamente como carta de Alizzz y Antón a sí mismos.
El disco también convence en sus momentos más desenfadados. ‘El encuentro‘ con Amaia es un clásico desde que escuchamos por primera vez su estribillo «he pensado en ti más de la cuenta» y su videoclip inspirado en la ruta del bakalao con la navarra enseñando las bragas sigue siendo un puntazo, pero Alizzz se guardaba otro temazo para la salida del disco como es ‘Amanecer’ con Rigoberta Bandini. Se trata de un divertido retrato de la vida fiestera en el que Alizzz y la autora de ‘Perra‘ disimulan ante la poli, compran birra de sobra para los amigos, saludan a las vecinas con las gafas puestas para que no se note que llevan las pupilas más grandes que un agujero negro y van a comprar el pan al día siguiente después de una noche de desmadre histórica. La canción suena a una mezcla de ‘Ya no siento nada’ y ‘El encuentro’ con un punto añadido de brit-pop y shoegaze en las guitarras que tiene más sentido cuando observas la playlist de influencias que ha dejado Alizzz en Spotify, pero en la que es difícil reparar ante una melodía tan pegadiza y embriagadora.
Alizzz vuelve a acertar cuando busca un nuevo ‘El encuentro’ en el disco-funk de ‘Fatal’ con Little Jesus, que resulta igual de pegajoso o más, o cuando en ‘Siempre igual’ mezcla sin mayor misterio ritmos disco, guitarras y lametazos funk en una de esas canciones que parecen menores pero que en realidad valen la pena. En el último single, ‘Disimulao’, Cristian parece tender un puente entre su pasado como productor de electrónica y el sonido de este disco y le sale básicamente un homenaje a sí mismo en el mejor de los sentidos. La mezcla de synth-pop y guitarras distorsionadas de ‘Salir’ funciona de igual manera.
Entre tanto single oficial y potencial, en un disco en el que los singles que convencían menos resulta que funcionan estupendamente dentro de contexto, la colaboración con J de Los Planetas termina algo deslucida, pero incluso el dream-pop de ‘Luces de emergencia’ parece tener sentido en el álbum, a modo de coda, y sirve como buen final a un disco con el que Alizzz consigue descargar por un momento el peso de su éxito con C. Tangana. Un trabajo aparentemente no tan ambicioso pero cuidado cuya sencillez juega totalmente a su favor, al servicio de unas canciones estupendas que, me atrevo a decir, también van a tener mucho recorrido.
La Plata estrenan su nuevo single ‘Hacia el vacío’, el tercer adelanto de su nuevo disco ‘Acción directa’, que verá la luz en febrero de 2022 bajo el sello de Sonido Muchacho.
En ‘Hacia el vacío’, los valencianos continúan ‘viviendo’ a pesar de las derrotas de la vida. “Parte de mí aún vive / parte de mí no morirá”, repiten junto a su ya característico guitarreo durante toda la canción, de tan sólo dos minutos y medio para “dejarlo todo atrás / con honor.”
El videoclip, producido por Álex Marco y grabado en la ciudad natal del grupo, se centra en varios jóvenes disfrutando en un skatepark, se intercalan imágenes grabadas con una videocámara, escenas cotidianas y muestra en numerosas ocasiones una especie de grieta que será el diseño de la portada del siguiente LP.
Este nuevo adelanto es el tercero del próximo trabajo de la banda tras sus sencillos ‘Victoria’ y ‘Aire Nuevo’, que publicaron a principios del verano de este año. ‘Acción directa’ le sigue como LP a su álbum debut ‘Desorden’ que incluye hits como ‘Un atasco’, ‘Miedo’ o ‘Esta ciudad’.
Os recordamos que La Plata actuarán junto a Axolotes Mexicanos el próximo día 19 de diciembre en la Sala BBK en Bilbao. Puedes conseguir tus entradas aquí.
The Weeknd ha estrenado un vídeo para una canción que no veías venir. ¿El siguiente adelanto de su disco? ¿Un resquicio de la era ‘After Hours‘? No. Un vídeo para ‘Die for You’, una canción que estaba incluida en su álbum de 2016, ‘Starboy’. El cantante celebra así los 5 años de uno de sus mejores trabajos, con una superproducción a cargo de Christian Breslauer, de evidentes reminiscencias ‘ET’ y ‘Stranger Things’.
Por otro lado, la plataforma de streaming HBO Max ha anunciado el estreno de la primera temporada de ‘The Idol’, la primera serie de The Weeknd, en la que el cantante será el protagonista. Este proyecto cuenta con la colaboración de Sam Levison (Euforia) y del propio Abel como co-creadores de la serie. Según The Hollywood Reporter, ‘The Idol’ consistiría en seis capítulos en los que se ha estado trabajando desde verano y al parecer ya estarían iniciadas las grabaciones. La historia de la serie narraría la complicada vida de un cantante pop emergente y mostraría la cara oscura de la industria musical en Los Ángeles. El protagonista tendrá problemas con el dueño de un club de la ciudad, que resulta que es un gurú espiritual de una secta.
El reparto de ‘The Idol’ cuenta con la presencia de algunas caras conocidas como Elizabeth Berkley Lauren (Salvados por la campana), Anne Heche, Troye Sivan, Lily-Rose Depp, Suzanna Son (Red Rocket) y Nico Hiraga (Booksmart), entre otros.
Una posible incorporación al elenco podría ser Britney Spears que ha subido un post a Instagram anunciando que acaba de grabar una película llamada ‘The Idol’. “¡Está garantizado que tendrá éxito y muchas fotos brillantes para poner en la cara de mi hermosa familia!”, comenta en el pie de foto. Sus fans no han tardado en preguntarse si se refiere a la serie del canadiense.
The Weeknd dejó vislumbrar recientemente sus “dotes” como actor en el videoclip de ‘La fama’ en que se metió por completo en el papel de amante asesinado por Rosalía, haciendo de su muerte algo más o menos creíble, aunque tirando a menos. Tendremos que esperar para ver si se desenvuelve igual en la pequeña pantalla como en la música.
Delaporte han publicado esta medianoche un EP con 4 temas y 3 remixes, que incluye el reciente single ‘Droga Dura’, que ha sido uno de los mayores hits de su carrera. El EP recibe el nombre de ‘Abril’ y representa un mensaje más terrenal que el espiritual ‘Las montañas’. Cuenta la banda: «Abril fue un mes de cambio personal radical para nosotr@s, un mes de transición, difícil y bonito a la vez. En el pasado hemos hablado mucho de empoderamiento y superación, pero ahora queríamos poner el foco en los sentimientos más urgentes y los retos del día a día, porque siempre hay mucho que aprender y muchos patrones que superar por mucho que sepas qué sería lo correcto. También fue un mes que nos marcó a nivel laboral, ya que en abril de 2020 hubiésemos comenzado la gira y no fue hasta abril de 2021 cuando la pudimos arrancar realmente».
En cuanto a las canciones nuevas, ‘Droga dura’ representa «engancharse a una persona sin poder evitarlo», ‘Narciso’ la persona egoísta que te trata mal, ‘Kryptonita’ la ayuda de los amigos para salir de la oscuridad, y ‘Desnudarnos otra vez’, su primer tema con guitarra y batería acústica, representa el éxtasis de desnudarnos frente a otra persona. Todas estas etapas de una noche en la que te ibas a retirar pronto están retratadas en el corto dirigido por Martina Hache, ‘Hasta quedarnos rotos’. ‘Narciso’ es hoy nuestra «Canción del Día».
Al margen del concepto del EP y de lo que Delaporte suelen cuidar el conjunto de sus EP’s o discos en cuanto a dirección artística, ‘Narciso’ es una pieza que funciona perfectamente de manera independiente, siendo una joya de 3 minutos exactos de duración, que se sumerge en los beats noventeros como pocas canciones de su discografía. Se nota especialmente en un pre-estribillo brillante en su melodía, si bien la producción cuenta con otros ganchos como los tarareos, esa pulla «encontrar a mil narcisos como tú ya está tirao» (todas las demás rimas en «-ao»), la apostilla «tú nunca estás fluyendo» o ese puente, de nuevo, tan techno-housero. Una de sus canciones más adictivas, lo cual ya es mucho decir para los autores de ‘Un beso’, ‘Clap Clap’ o ‘Un jardín’.
Sandra nos explica: «En este tema intento retratar que quiero salir del juego en el que el otro se siente de alguna manera con derecho a tratar por debajo al otro cuando quieres algo más con él. Creo que pasa mucho a día de hoy: parece que el que se enamora pierde y entra en una situación de inferioridad. Y esto ocurre porque no hay cuidado ni responsabilidad, sea la relación que sea la que se haya establecido. Parece que por Whatsapp y redes sociales se puede pasar de la otra persona sin que haya consecuencias. Pero es una falta de respeto igual. Y en este tema repito como un mantra que encontrar a personas como tú, a narcisistas y gente que no cuida, es muy muy fácil. Que no es especial, ni superior, ni digno de admirar y que no merezco algo tan banal».
Delaporte anuncia nuevas fechas en Madrid (12 de febrero de 2022, La Riviera. Entradas en Ticketmaster) y Barcelona (26 de febrero, Razzmatazz. Tickets en cruillabarcelona.com); además de otras ciudades:
26 de noviembre: Bilbao – Stage Live *Últimas entradas
27 de noviembre: San Sebastián – Dabadaba *Sold out
4 de febrero: Huesca – La Veintiuno
5 de febrero: Zaragoza – Sala de Armas
12 de febrero: Madrid – La Riviera
26 de febrero: Barcelona – Razzmatazz (Cruïlla Primavera)
6-7/5 Granada: En Órbita
10-12/6 Palencia: Sonora
Su sello Interscope ha decidido darle la vuelta a la tortilla poniéndose a hacer cuentas para certificar como oro y platino todo lo que faltaba por certificar en Estados Unidos, donde las certificaciones no son automáticas, a diferencia de lo que sucede en Reino Unido. Y hay hasta 29 certificaciones que valen por algún que otro Grammy, ciertamente.
El álbum más beneficiado continúa siendo el gran éxito de su carrera, ese ‘Born to Die’ que ha tardado casi 10 años en salir de las listas. ‘Born to Die’ es ya triple platino en Estados Unidos.
Pero más curioso es el hecho de que las canciones menos escuchadas de ese disco, esto es, ‘Million Dollar Man’, ’This Is What Makes Us Girls’, ‘Carmen’ y ‘Diet Mountain Dew’, hayan recibido el certificado del disco de oro por streamings/ventas equivalentes a 500.000 copias. Otras pistas como ‘Radio’ suben de certificación hacia el platino, lo que viene a querer decir que todas las canciones de ‘Born to Die’ son oro o platino en Estados Unidos.
Las alegrías continúan para otras eras y ‘Ultraviolence’ celebra su disco de platino, mientras ‘Honeymoon’ y ‘Norman Fucking Rockwell’ llegan al fin tras una larga agonía al disco de oro. La versión de ‘Doin’ Time’ puede presumir de platino, así como ‘West Coast’ y ‘Lust for Life’ con The Weeknd. Las nuevas certificaciones se pueden consultar en la web de la RIAA, si bien PopCrave recopila todas las de su carrera, recordando que sus grandes hits continúan siendo ‘Summertime Sadness’ gracias a su remix y ‘Young & Beautiful’.
Jon Batiste es el artista más nominado en los premios GRAMMY al aspirar a 11 candidaturas. El músico de Luisiana compite en dos de las categorías más importantes, Álbum del año y Grabación del año, así como en otras categorías «de género» tan variadas como Mejor álbum de R&B, Mejor álbum de jazz instrumental, Mejor composición de clásica contemporánea, Mejor banda sonora para medio visual y, atención, Mejor solo de jazz improvisado. El resto de artistas más nominados son H.E.R., Doja Cat, Lil Nas X, Olivia Rodrigo, Justin Bieber y Billie Eilish, y entre todos ellos hay uno que nos suena más bien poco.
¿Quién diantres es Justin Bieber? No, ahora en serio, Jon Batiste -con el que comparte siglas- puede no ser tan conocido en España pero en Estados Unidos es una eminencia en el mundo académico y gracias a sus nominaciones a los GRAMMYs ahora es conocido hasta por todas esas personas que, en las últimas horas, han buscado en Twitter «quién es Jon Batiste» y «quién coño es Jon Batiste». De hecho, probablemente ya hayas escuchado su música aunque no lo sepas, pues este año Batiste, junto a Trent Reznor y Atticus Ross, ha ganado un Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA por la banda sonora de ‘Soul‘, una de las últimas películas de Pixar. Y nadie consigue tal cosa sin una carrera de fondo.
Batiste proviene de una familia de músicos de jazz de Nueva Orleans. Empezó a componer a los 8 años, transcribiendo a partituras música de videojuegos, y a los 20 ya estaba tocando en una prestigiosa sala de conciertos de Amsterdam y organizando talleres musicales en barrios desfavorecidos. Ha sacado 8 discos, tocado con Stevie Wonder, Prince, Ed Sheeran, Lenny Kravitz, Willie Nelson, Roy Hargrove y Mavis Staples y, desde 2015, forma parte de la banda residente del late night estadounidense The Late Show with Stephen Colbert. En 2017 colaboró en un single de Leon Bridges, en 2020 tocó el piano en el disco de Hamilton Leithauser y este año, tanto ‘Soul’ como su álbum ‘WE ARE’ le han dado las mayores alegrías de su carrera.
‘WE ARE’ es uno de esos discos que no verás reseñados en Pitchfork, Stereogum o NME (tampoco nosotros lo hemos reseñado) pero sí en NPR o medios especializados como Jazz Times o American Songwriter porque hay un mundo más allá de las revistas de tendencias y «hypes» que duran una semana. Es un disco de protesta influido por el movimiento Black Lives Matter que, en lo musical, explora y fusiona estilos como el soul, el R&B, el jazz, el funk o el hip-hop desde un punto de vista que antepone el virtuosismo a la innovación. En otras palabras, Jon Batiste no ha hecho precisamente un disco rompedor que le vincule con Kendrick Lamar en lo artístico sino más bien clásico y enormemente deudor de sus influencias en el que destacan especialmente dos singles, el emocionante ‘WE ARE’ y el jovial ‘FREEDOM’, nominado a los gramófonos dorados.
El «elefante en la habitación» aquí está muy claro: Jon Batiste es un gran músico pero no ha hecho un disco ni especialmente actual (solo por temática) ni especialmente interesante que haya podido conquistar a un público transversal. Más bien parece liderar las nominaciones a los GRAMMYs para que no se note tanto que en realidad los más nominados son las Doja Cats, los Justin Biebers y las Olivia Rodrigos como si fueran los MTV Video Music Awards. Cumple la cuota «seria» de los premios pero no se puede decir que represente lo mejor que ha dado 2021 cuando a duras penas ha recibido atención crítica de los medios de jazz o Americana… géneros para los que ya hay categorías especializadas en las que no habría desentonado tanto. ¿No habría tenido más sentido reconocer su trabajo en ‘Soul’ y ya está?
«Prefiero llorar en un Rolls-Royce que ser feliz en una bicicleta». Por esta frase, entre otras cosas, pasará a la historia Patrizia Reggiani, la mujer que se casó con Maurizio Gucci, nieto del fundador de la firma. Es por eso, quizá, que en ‘La casa Gucci’ vemos en varias ocasiones al personaje de Maurizio, interpretado por Adam Driver, pasearse por la ciudad en su bicicleta, lozano y con una destreza solo vista en Berlín, pese a ser un rico heredero que podría ir con chófer a todas partes.
Es ‘La casa Gucci’ -‘House of Gucci’ para quien lleve esperando este estreno varios meses- una historia de ricos y pobres, de trepas y defraudadores a Hacienda, de gente acostumbrada al glamour y al lujo contra gente que no sabe quedarse callada si no distingue un Klimt de un Picasso. Dirigida por Ridley Scott basándose en el best-seller de Sara Gay Forden sobre la vida de la familia Gucci, la película trata de acercarnos a lo largo de 158 minutos a la que es una de las historias más truculentas de la alta costura.
El éxito de revistas como Hola o Vogue ha tenido que ver siempre con lo aspiracional. La gente ve casas y modelazos con los que solo puede soñar y de alguna manera se siente reconfortada. Como si los pudiera acariciar por unos instantes. ‘La casa Gucci’ nos da las mansiones y los lujos de esas revistas, con una dirección artística y vestuario estupendos, pero como película desperdicia la oportunidad de adentrarse en tan fascinantes personajes para quitarnos el sueño como correspondía a tan rocambolesca historia.
Y si ‘La casa Gucci’ no transmite desde luego no ha sido por falta de actores: la familia Gucci está aquí interpretada por Al Pacino, Jeremy Irons y Jared Leto. El papel principal, Maurizio, es interpretado por Adam Driver, seguramente el mejor actor que hay en la actualidad, cautivador en cada plano, en todos sus peinados, enfadado o enamorado. Y Patrizia es Lady Gaga, muy crecida tras el taquillazo de ‘Ha nacido una estrella‘, aquí bastante convincente tanto como humilde empleada de un negocio familiar, como de pérfida manipuladora. Su futuro en Hollywood llegará adonde ella quiera, y tras la frialdad con que la industria musical y el público reciben joyas recientes de su discografía y videografía como ‘911‘, yo no me lo pensaría. Si lo de esta película sale mal, pues no se sabe si la cinta está más bien en la carrera de los Oscar, o en la de los Razzies (como hace poco ‘Bohemian Rhapsody‘), el Oscar podría ser suyo cualquier otro año: es ella casi siempre quien sostiene todo esto.
Si no llegamos a conocer prácticamente nada que no supiéramos de Maurizio ni de Patrizia es porque todo lo que el guión adaptado por Becky Johnston y Roberto Bentivegna ha tenido de generoso en minutaje, lo ha tenido de poco profundo. A lo largo de estas casi 3 horas, el público es incapaz de comprender dónde empieza y termina el amor entre parejas, tíos y sobrinos o padres e hijos; en qué momento Patrizia pierde totalmente el juicio y cuánto pinta en ello su amiga pitonisa televisiva (Salma Hayek); o cuándo y por qué Maurizio se vuelve ambicioso después de haber sido capaz de renunciar a todo por amor. En una escena en que Patrizia le grita que se ha casado con un monstruo, él responde, chanante: «No. Te casaste con un Gucci». ¿De verdad ese era el personaje que llevaba hablando dos horas?
Habríamos esperado un mejor acercamiento psicológico a estos personajes por parte del director de ‘Thelma y Louise’, pero nunca llegas a saber quiénes son, por lo que los hechos van sucediéndose en ‘La casa Gucci’ sin que te afecten lo más mínimo. El clímax de la película se resuelve de mala manera en 2 minutos, después de 150 de tedio, a los que contribuye una incómoda indecisión entre lo camp -lo grotesco- y lo serio. No hay problema en escuchar a todas estas personas supuestamente italianas hablando en inglés y chapurreando en italiano ocasionalmente, sobre todo si ninguna de las dos es tu lengua materna; pero sí es llamativa la función del personaje de Jared Leto en la cinta. ¿Cuán kitsch pretende ser? Su personaje, un «loser» llamado Paolo Gucci, pone la nota de humor meando en un pañuelo o soltando de repente que «no se confunde la mierda con el chocolate». Es imposible decidir si sale demasiado poco, porque se echa en falta algo de humor deliberado o no; o si sale demasiado, porque te impide ahondar en la historia de Maurizio y Patrizia.
En un intento de última hora por convertir ‘La casa Gucci’ en un artefacto pop, se ha aliñado con todo tipo de canciones procedentes de los 70 y los 80. Algunas cosas suenan más o menos OK en este contexto, como Donna Summer, Bowie o Blondie, pero hay elecciones que realmente estorban: cuando suena ‘Faith’ en la escena de la boda, parece que alguien se ha dejado el compact-disc de George Michael encendido sin querer en la mesa de sonido, mientras la elección de una versión de ‘Baby I Can Hold You‘, la obra maestra de Tracy Chapman, en una de la escenas cumbres del film, es todo un coitus interruptus, paradójicamente. Ahí ya simplemente no tienes ni idea de lo que acabas de ver. Descartado un thriller con este fondo, ¿nos han contado una historia de amor? ¿Una parodia de la clase adinerada? ¿Una historia de lucha de clases? ‘La casa Gucci’ es como ir al dentista y abrir el Hola, si es que todavía abres el Hola porque, pongamos, tu móvil se ha quedado sin batería: pasas las páginas, miras las fotos y aprecias qué casas tan bonitas, pero sin que nadie revele jamás qué se esconde detrás de las cortinas.
Amaia ha estrenado su nuevo single este miércoles como había anunciado. ‘Quiero pero no’ es una colaboración con el artista revelación Rojuu producida por Alizzz y co-escrita por este junto a Amaia, el propio Roc Jou Morales y, ojo, también Confeti de Odio, autor de uno de los mejores discos de 2020, ‘Tragedia Española‘, y nuevo fichaje de Sonido Muchacho.
‘Quiero pero no’ es la segunda colaboración de Amaia y Alizzz tras ‘El encuentro’ pero ya no presenta un sonido próximo al post-disco. Más bien, ‘Quiero pero no’ mira al pop con matices post-punk explorado por Cristian Quirante en sus últimos singles en solitario y, en general, en el álbum debut que publica este viernes 26 y que está siendo el Disco de la Semana, ahora con el añadido de unos gritos de locura que aparecen sampleados a lo largo de la grabación.
La aparente inocencia de Amaia sigue muy presente en algunos pasajes de ‘Quiero pero no’ que nos llevan a lugares imaginarios, como «voy a esconder mi corazón en un rincón del cuarto y nadie podrá encontrarlo» o «voy a enterrar toda emoción en un lugar secreto donde no tienes acceso». Por su parte, Rojuu ofrece su faceta emo cuando canta que «voy a ir al psiquiatra para que me deje tonto o si no me voy a volver completamente loco».
Aunque el mejor momento de ‘Quiero pero no’ llega cuando las voces de Amaia y Rojuu armonizan para decirle el uno al otro que «te quiero pedir un favor, que pases de mí». A continuación, Amaia coge un avión hacia algún lugar y huye de la tentación.
En una de las escenas de ‘Boyhood‘, el personaje interpretado por Patricia Arquette se derrumba cuando su hijo se va a la universidad. La casa se le cae encima; el corazón del espectador se encoge incapaz de soportar el paso del tiempo. Lo cómodo es pensar que las cosas son más fáciles para el adolescente que se ha ido, pues un océano de borracheras, fiesta e independencia de diversas formas se abre a su paso.
El segundo EP de la británica Holly Humberstone muestra otra visión, la de una joven que adora a su familia y les echa de menos cuando abandona el hogar para encontrarse viviendo en un tugurio de Londres en el que hay «ratas por todas partes, los colchones están hechos un asco, hay cristales rotos y colillas en el suelo», como nos contaba Holly Humberstone en una entrevista reciente: «Imagínate cómo me sentó estar lejos de casa y vivir en un sitio así tan poco hogareño, yo que precisamente me considero una persona hogareña a la que le gusta tener a su familia cerca».
En ‘Haunted House’, la canción sin estribillo que abre ‘The Walls Are Way Too Thin’, la familia y en concreto las cuatro hermanas que la conforman junto a sus padres representan «una fortaleza» con la que refugiarse del mundo. Holly no se puede creer que se vayan a «apagar las luces» de ese hogar de «rodillas sucias y abejas de miel» en que tanto la animaron a desarrollar su faceta artística, y se muestra consciente de que ningún otro lugar «podrá picar tan dulce». A continuación, el corte titular es el más explícito sobre esa traumática estancia en Londres, inmediatamente antes de la pandemia, y después de que su pareja la dejara.
Hay algo de desamor en el EP, como en ‘Please Don’t Leave Me Yet’, donde comparte créditos con todo un experto en las relaciones personales en la difícil era de las redes sociales, Matthew Healy de The 1975, pero es llamativa la huida hacia otras temáticas. Si esta canción reza «no quiero necesitar tu amor, pero lo necesito», a sus 21 años, Holly Humberstone quiere contarnos otras historias o al menos ofrecernos otros prismas. ‘Scarlett’ no es la canción de amor que aparenta, pues en ella se pone en la piel de una amiga de la infancia, completamente obsesionada con su ruptura, para ofrecerle su apoyo y recordarle que el amor por uno mismo es el más importante. Y ‘Thursday’ es una composición inspirada en la misma amiga, que le sirve en la secuencia de precedente.
Durante el último par de años en que Holly Humberstone ha ido ganando adeptos a través de canciones como ‘Vanilla‘ o ‘Falling Asleep at the Wheel‘, su música ha recibido comparaciones con Phoebe Bridgers, Billie Eilish, HAIM, Olivia Rodrigo o Lorde. Ninguna de todas esas artistas es británica, por lo que la cantante podría ser una respuesta en las islas para esa corriente de artistas a medio camino entre el bedroom pop y el pop comercial.
Un ejemplo: ‘Friendly Fire‘ es una canción preciosa y con posibilidades, que se levanta tras un primer tramo acústico, y su vídeo simplemente se improvisó comprando adornos de Halloween con los 500 dólares que consiguieron reunir improvisadamente. Entre la aproximación a Police de ‘The Walls Are Way Too Thin’, el punto italo melancólico y las voces pitcheadas de ‘Please Don’t Leave Yet’, y la inspiración más bucólica de la primera y la última pista de este EP, Humberstone logra mantener más que justificado el hype que la ha rodeado durante estos últimos tiempos difíciles.
Bloc Party han anunciado su sexto álbum ‘Alpha Games’, que verá la luz el 29 de abril de 2022. Junto a este anuncio han compartido ‘Traps’, el primer single de este nuevo disco.
‘Traps’ es su primer trabajo desde 2016 cuando publicaron ‘Hymns’. La banda ha agradecido a sus fans por esperar pacientemente su nueva música y desean compartir con ellos todo en lo que están trabajando.
El vocalista del grupo, Kele Okereke, ha explicado en un comunicado que desde el momento en el que escribieron ‘Traps’, sabían que tenía que ser lo primero que escuchara la gente del nuevo álbum. «Durante la última gira, aún sin acabarla de componer, la tocábamos en las pruebas de sonido para ver cómo sonaba en grandes salas y escenarios al aire libre», añade.
Bloc Party tienen prevista una gira por Europa y Reino Unido para los meses de mayo y junio de 2022 en la que presentarán sus nuevos temas. Las entradas para los conciertos en Europa salen a la venta este viernes 26 y para Reino Unido el 3 de diciembre.
Os dejamos el tracklist de ‘Alpha Games’:
01. ‘Day Drinker’
02. ‘Traps’
03. ‘You Should Know The Truth’
04. ‘Callum Is A Snake’
05. ‘Rough Justice’
06. ‘The Girls Are Fighting’
07. ‘Of Things Yet To Come’
08. ‘Sex Magik’
09. ‘By Any Means Necessary’
10. ‘In Situ’
11. ‘If We Get Caught’
12. ‘The Peace Offering’
Taylor Swift sigue rompiendo récords con ‘Red (Taylor’s Version)‘. Esta vez lo ha hecho colocando a ‘All Too Well (Taylor’s Version)’ en el número del Billboard Hot 100, convirtiéndola en la canción más larga de todos los tiempos en alcanzar esta posición con una duración de 10 minutos y 13 segundos. De esta forma supera a ‘American Pie (Parts I & II)’ de Don McLean (8 minutos y 37 segundos).
La versión original de la canción pertenece a su álbum de 2012 ‘Red’ y se colocó en su momento en el número 80 de la lista Billboard durante una semana. Con esta nueva edición, Taylor Swift consigue su octavo número 1 en la lista Hot 100 de Billboard, posiciones que habían alcanzados otros hits como ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘Shake It Off’, ‘Blank Space’, ‘Look What You Made Me Do’ o ‘Cardigan’.
‘All Too Well (Taylor’s Version)’ fue presentada hace una semana por la cantante en el programa Saturday Night Live, donde cantó por primera vez el tema de 10 minutos y proyectó el cortometraje de la canción. Este tema se encuentra en el número 1 tanto en las listas de ventas en streaming como en las listas de ventas digitales.
Además, Swift escala en la lista de artistas con mayor número de tops 10, que queda así:
54, Drake
38, Madonna
34, The Beatles
31, Rihanna
30, Michael Jackson
30, Taylor Swift
Taylor ha respondido a todos estos récords históricos dando las gracias al equipo de esta nueva versión y a sus fans que han “elegido el tema para llevarlo al número 1.”
I’m so proud of this song and the memories I have with you guys because of it. You truly chose this one and now you did THIS?! I’m floored. A ten minute song is at the top of the Hot 100.🤯
La lista de los nominados a los Grammys 2022 es uno de los mayores despropósitos que se recuerdan en la historia de la Academia. El prestigio de los galardones ha tenido sus idas y sus venidas, pero hay que recordar que un día sirvieron para reafirmar como clásicos a grandes joyas de los años 70 como ‘Tapestry’ de Carole King, ‘Innervisions’ de Stevie Wonder’ y ‘Rumours’ de Fleetwood Mac. En los 80 a ‘Thriller’ de Michael Jackson, ‘Graceland’ de Paul Simon y ‘The Joshua Tree’ de U2. En los 90 a ‘Time Out of Mind’ de Bob Dylan y ‘The Miseducation of Lauryn Hill’.
También es cierto que han tenido sus nubarrones, como también lo es que no hace falta tirar de nostalgia para deshacerse en elogios hacia los grandes discos que han premiado. En años recientes, se han apuntado el tanto de galardonar álbumes sobresalientes, procedentes indistintamente del underground o no: ‘Random Access Memories’ de Daft Punk, ‘The Suburbs’ de Arcade Fire, ’21’ y ’25’ de Adele, ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves o hace dos años el excelente debut de Billie Eilish, que tan seminal está siendo para el pop de la década actual. Por eso sorprende más todavía el esperpento de listado que han reunido de cara a la edición 2022. Culpemos a la pandemia porque han sido dos años raros, pero no sólo.
La primera mitad de 2021 pareció no existir en el pop internacional: nos dimos cuenta porque todos los grandes álbumes que salían eranlosnacionales. Si en 2020, al menos Dua Lipa y Lady Gaga no pudieron hacer nada por contener sus lanzamientos porque ya estaban medio lanzados o filtrados, en 2021 todos los grandes artistas se echaron una siesta, a la espera de que la pandemia se fuera de una vez. Olivia Rodrigo se benefició de ese vacío, llevándoselo bien calentito con ‘SOUR‘ a principios de año. Billie Eilish no programó su disco hasta julio; Adele y Bruno Mars, hasta noviembre, estos últimos quedando fuera de plazo para la Academia. Estamos a las puertas del Black Friday y todavía no sabemos dónde se encuentran los discos de Kendrick Lamar, Rihanna, Beyoncé… y este tipo de ausencias, en los Grammys se nota.
Tampoco ayuda a la imagen general de los premios, que los nominados hasta ahora puedan ser hasta 10 en las categorías principales. Más NO es más, sobre todo en años tan flojos como este, en que terminas nominando discos de tan dudosa reputación como ‘DONDA’ de Kanye West, uno de los discos peor considerados por la crítica este año (53/100 en Metacritic) y sin duda el peor de su carrera… que tendría bastante guasa que ganara, cuando ‘Late Registration’, ‘College Dropout’ y ‘Graduation’ perdieron y ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ y ‘Yeezus’ ni siquiera fueron nominados.
El reconocimiento a ‘DONDA’ solo puede provenir de su inexplicable éxito comercial, lo cual parece justificar igualmente la presencia del deslavazado e inconexo ‘Justice’ de Justin Bieber (62/100 en Metacritic). Suena a extraña boutade el reconocimiento del soul blandito de Jon Batiste, y después están los que iban a ser nominados sí o sí, hicieran lo que hicieran, como Taylor Swift con la segunda parte de ‘folklore’; Lady Gaga con el álbum junto a Tony Bennett que no ha podido pasar más desapercibido, incluso entre sus acérrimos seguidores; o H.E.R., que por alguna razón cae mejor en la academia que la mismísima familia Knowles. Nadie comprende ya por qué ella sí, pero Tinashe, no.
Cuelan, por su simpatía, las nominaciones a ‘Montero’ de Lil Nas X (por su contribución al hip hop LGTB+, más que otra cosa), ‘Sour’ de Olivia Rodrigo (mono, pero más carne de MTV), ‘Happier than Ever’ de Billie Eilish (un disco notable, pero inferior al anterior); y el mejor álbum de los 10, el único que ha sorprendido un poquito por su frescura, ‘Planet Her’ de Doja Cat. Y tampoco es que vayamos a ocultar que no deja de ser un remedo de Rihanna en ausencia de Rihanna. Esperemos que en este párrafo esté el ganador. Por lo menos podremos decir que fueron buenos discos que representaron lo que fue el pop de 2021.
Con esta estampa, ni que decir tiene que habría sido un buen año para que los Grammy mejoraran su imagen en lugar de intentar convertirse una vez más en los nuevos premios MTV. Hay una barrera que no van a cruzar y es la de reconocer el talento de otros países, ni siquiera Reino Unido. Así, no esperábamos ver nominados por allí los discazos de Dave, Little Simz o Laura Mvula. ¿Pero qué tal algo más blando, más apto para ellos, como Celeste?
No esperábamos que ninguno de ellos, ni tampoco Nick Cave ni el también australiano Genesis Owusu robaran el foco este año. Pero sí que algunos de los nombres que suelen gustar en la academia un poquito, tuvieran mayor atención al tratarse de un año tan flojo: que pusieran en letras grandes lo que suelen poner en letra pequeña. Por ejemplo, se les había quedado un año fantástico para reconciliarse con Lana del Rey, pues ‘Chemtrails Over the Country Club‘ es uno de los mejores discos de su carrera, y bien lo merece; para recordar que no todo es el éxito comercial y por tanto premiar el excelente trabajo de Halsey junto a Nine Inch Nails (un disco castigado a la sección alternativa, como si no fuera pop, acaso); o para reconocer a Kali Uchis en alguna categoría principal, no solo en la latina. Solo tenían que dar más importancia a uno de esos nombres para lucir mejor sobre el papel en lugar de como alguien que no se entera ni de por dónde le da el aire. Muy bien la nominación a Arlo Parks a Artista Revelación, ¿pero qué hará ahí Japanese Breakfast nominada después de 3 discos?
A este lado del Atlántico no se entiende por qué Wolf Alice no aparecen en las categorías rock o alternativas, pero sobre todo da un poco de pena que desde aquí tengamos que apuntar que artistas americanos como Lucy Dacus hacen discazos que no desentonan para nada en los Grammys, o que The Killers están desarrollando una gran carrera que casi nadie vio venir. ¿De verdad -¿EN SERIO?- ‘Pressure Machine‘ no es carne de Grammys?
Arca explica en la nota de prensa que su canción ‘Prada’ habla “sobre la transexualidad y los modos no binarios de relacionar la energía sexual del subconsciente colectivo como forma de celebrar la vida. Para hacerles saber que el amor se extiende por completo a través de la amplitud del misterio de la vida y la muerte”. Y que ‘Rakata’ “es una canción sobre la seducción, sobre querer devorar el mundo entero por un deseo de follar, sin vergüenza, libre de condenas”. Vamos, lo que ya dijo en su día Manuela Trasobares pero sin tantos arabescos lingüísticos: “¿Por qué no la mujer vestirse con toda su lujuria? ¿Por qué no hablar del sexo? ¿Por qué no hablar de la fuerza de la carne? ¿POR QUÉ?”.
El discurso visual del clip ‘Prada/Rakata’ está en sintonía con el discurso verbal de la cantante venezolana. El vídeo ilustra una fantasía animada y “barroquista” (siguiendo con Manuela), donde se mezcla lo ancestral con lo cyberpunk, lo escatológico con lo simbólico, lo divino con lo (trans)humano, el arte digital con la intro de cualquier videojuego de ciencia ficción o terror.
El vídeo comienza con Arca subida a un tapir en clara referencia a la estatua de María Lionza (una diosa del folclore venezolano) ubicada en su Caracas natal. La imagen aparece sobre un pedestal situado en el centro del símbolo transgénero, en alusión al activismo LGTB+ de la cantante. El clip continúa con varias escenas diseñadas por el artista Frederik Heyman. Escenarios de pesadilla con influencias del BDSM, la “nueva carne” de Cronenberg (la fusión entre cuerpo y máquina), la apariencia física de los Ingenieros de ‘Prometheus’ (2012), la arquitectura del horror de ‘La casa de Jack’ (2018), o la iconografía del mito de Sísifo, empujando una gran rueda en vez de una piedra.
Este jueves 25 de noviembre se celebra en El Intruso de Madrid la fiesta de 2º aniversario del sello El Tragaluz, que se ha ido especializando espontáneamente en pop mezclado con folclore de nuestro país: de momento han editado discos de Vicente Navarro, Karmento, Idoipe y Vermú. Estos dos últimos serán quienes actúen en la fiesta de este jueves, en la que pondremos música un JENESAISPOP dj entre 0.00 y 2.00 de la madrugada. Las entradas están a la venta en WeGow.
Idoipe, el proyecto de Javier Idoipe, ha publicado este año el notable ‘Cierzo Lento‘, en el que ha despuntado por su viralidad ‘El jilguerillo’, pero en el que incluso recomendamos más otras pistas como ‘Solombra’, ‘O sol espunta’ o la feminista ‘Eran ellas’, en las que se combina el folclore aragonés con la electrónica, recordando a los mejores discos de Four Tet.
Respecto a la banda manchega de pop-rock Vermú, editaban el año pasado un ‘Cancionero estoico‘ en el que destacaban especialmente las canciones que más se aproximaban al folclore nacional, ‘Canto alegre’ y ‘Éxodo’.
Esta tarde se han desvelado los nombres de los nominados a los premios GRAMMYs 2022, que tendrán lugar el día 31 de enero del próximo año. Este anuncio ha sido retransmitido a través de un livestream en YouTube, en el que Harvey Mason Jr. ha realizado el discurso de apertura.
La sorpresa en la categoría de Mejor Álbum Latino Alternativo la ha dado C. Tangana con ‘El Madrileño’, que compartirá por este galardón con Bomba Estéreo, Diamante Eléctrico, Juanes, Nathy Peluso y Zoé. El otro español que se ha colado en las nominaciones ha sido Pablo Alborán con ‘Vértigo’ en la categoría de Mejor Álbum de Pop Latino, en la que también están Paula Arenas, Ricardo Arjona, Camilo, Alex Cuba y Selena Gomez.
Pasando a Álbum del Año, los nominados han sido Justin Bieber con ‘Justice’, Doja Cat con ‘Planet Her (Deluxe)’, Billie Eilish con ‘Happier Than Ever’, Tony Bennett y Lady Gaga con ‘Love for Sale’, Olivia Rodrigo con ‘SOUR’, Taylor Swift con ‘Evermore’, Kanye West con ‘Donda’, Jon Batiste con ‘We Are’, Lil Nas X con ‘Montero’ y H.E.R. con ‘Back of My Mind’.
En cuanto a Canción del Año, el premio está disputado entre ‘Bad Habits’ de Ed Sheeran, ‘A Beautiful Noise’ de Alicia Keys y Brandi Carlile, ‘Happier Than Ever’ de Billie Eilish, ‘Fight For You’ de H.E.R., ‘Leave The Door Open’ de Silk Sonic, ‘Montero (Call Me By Your Name) de Lil Nas X, ‘Peaches’ de Justin Bieber, Daniel Cesar y Giveon y ’Drivers Licence’ de Olivia Rodrigo, nominada a Artista Revelación junto a Finneas, Arlo Parks o Glass Animals.
En la categoría de Mejor Álbum Alternativo, la cosa se disputa entre Fleet Foxes, Halsey, Japanese Breakfast, Arlo Parks y St. Vicent.
Entre los artistas con más nominaciones se encuentran Jon Batiste con once nominaciones (en jazz, R&B tradicional y americana, además de varias principales), y en el plano pop Doja Cat con siete (Grabación del Año, Álbum del Año, Canción del Año, Mejor Actuación de Pop en Duo/Grupo, Mejor Álbum de Pop Vocal, Mejor Actuación de Rap Melódico y Mejor Canción de Rap). Le sigue Lil Nas X con seis nominaciones (Grabación del Año, Álbum del Año, Canción del Año, Mejor Actuación de Rap Melódico y Mejor Vídeo Musical).
Tras él se encuentra Olivia Rodrigo (Grabación del Año, Canción del Año, Mejor Artista Revelación, Mejor Actuación Pop, Mejor Álbum Pop Vocal y Mejor Vídeo Musical). En cuarto lugar aparece Justin Bieber con cinco nominaciones (Grabación del Año, Álbum del Año, Canción del Año, Mejor Álbum Pop Vocal y Mejor Actuación de R&B)
Finalmente, Kanye ha conseguido ser nominado para competir en la categoría de Mejor Álbum con ‘Donda’. Al contrario de Måneskin y The Weeknd que no han sido nominados, ni tampoco ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion. Sin embargo, se confirma el éxito del debut de Lil X Nas y Olivia Rodrigo en los GRAMMYs en su edición número 64.
Mejor grabación electrónica
Hero – Afrojack y David Guetta
Loom – Olafur Arnalds
Before – James Blake
Heartbreak – Bonobo & TEEDinosaurs
You Can Do It – Caribouband
Alive – Rufus DuSol
The Business – Tiesto
Mejor interpretación rap
Family Ties – Baby Keem con Kendrick Lamar
Up de Cardi B My Life – J Cole
Way 2 Sexy – Drake y Future
Thot Shit de Megan Thee Stallion
Need to Know – Doja Cat
pride . is . the . devil – JCole & Lilbaby4PF
INDUSTRY BABY – de LilNasX & Jack Harlow
WUSYANAME – Tyler The creator, YoungBoy Never Broke Again & Tydollasign
Hurricane – Kanye West, The Weeknd & Lil Baby
Mejor álbum rap
The Off-Season – J.Cole
Certified Lover Boy – Drake
King’s Disease II – Nasir Jones
Call Me If You Get Lost – Tyler, the creator
Donda – Kany West
Mejor canción rap
Bath Salts – DMX, Jay Z, Nasir Jones
Best Friends – Saweetie y Doja Cat
Family Ties – Baby Keem y Kendrick Lamar
Jail – Kany West y Jay Z
My Life – J. Cole, 21 Savage, Morray
Mejor álbum pop latino
Vértigo – Pablo Alborán
Mis amores – Paula Arenas
Hecho a la antigua – Ricardo Arjena
Mis Manos – Camilo
Mendó – Alex Cuba
Revelación – Selena Gomez
Mejor álbum de música urbana latina
Afrodisiaco – Rauw Alejandro
El último Tour del mundo – J Balvin
JOSE – J Balvin
KG0516 – Karol G
Sin miedo (del amor y otros demonios) – Kali Uchis
Mejor álbum de música latina alternativa
Deja – Bomba Estéreo
Mira lo que me hiciste hacer – Diamante Electric
Origen – Juanes
Calambre – Nathy Peluso
El Madrileño – C. Tangana
Sonidos de Kármatica Resonancia – Zoe
Mejor álbum inmersivo
ALICIA – Alicia Keys
Clique -Patricia Barber
Fine Line – Harry Styles
The Future Bites -Steven Wilson
Stille Grender – Anne Karin Sundal-Ask & Det Norseke Jentor
Mejor largo musical
Inside – Bo Burnham
David Byrne’s America Utopia – David Byrne
Happer Than Ever: A Love Letter tu Los Angeles – Billie Eilish
Music, Money & Madness – Jimmi Hendrix
Summer of Soul – Varios
Mejor videoclip
Shot In the Dark – ACDC
Freedom – Jon Batiste
I Get A Kick Out of You – Tonny Bennet y Lady Gaga
Peaches – Justin Bieber, Daniel Caesar y Giveon
Happier Than Ever – Billie Eilish
MONTERO (Call Me By Your Name) – Lil Nas X
good 4 u – Olivia Rodrigo
Pop Solo Performance
Anyone – Justin Bieber
Right On Time – Brandi Carlile
Happier Than Ever – Billie Eilish
Positions – Ariana Grande
Driver License – Olivia Rodrigo
Mejor canción de pop de grupo o colaboración
Butter – BTS
Higher Power – Coldplay
I Get A Kick Out Of You – Tony Bennet y Lady Gaga
Kiss Me More – Doja Cat y SZA
Lonely – Justin Bieber y Benny Blanco
Mejor álbum del año
SOUR – Olivia Rodrigo
Planet Her – Doja Cat
Evermore – Taylor Swift
Love For Sale -Tony Bennet y Lady Gaga
Justice – Justin Bieber
Happier than ever – Billie Eilish
Back of My Mind – H. E. R
We Are – Jon Batiste
MONTERO – Lil Nas X
DONDA – Kanye West
Canción del año
Bad Habits – Ed Sheeran
A Beautiful Noise – Alicia Keys
Drivers License – Olivia Rodrigo
Fight For You – H.E.R.
Happier Than Ever – Billie Eilish
Leave the Door Open – Silk Sonic
Kiss Me More – Doja Cat
MONTERO (Call Me By Your Name) – Lil X Nas
Peaches – Justin Bieber
Right On Time – Brandi Carlile
Grabación del año
I Still Have Faith In You – ABBA
Freedom – Jon Batiste
I Get A Kick Out Of You – Tony Bennett y Lady Gaga
Peaches – Justin Bieber
Right On Time – Brandi Carlile
Kiss Me More – Doja Cat
Happier Than Ever – Billie Eilish
MONTERO (Call Me By Your Name) – Lil X Nas
drivers license – Olivia Rodrigo
Leave The Door Open – Silk Sonic
Con ‘Aurora y Enrique’, podría parecer que Soleá Morente ha construido su propio ‘Carrie & Lowell’. La comparación no es baladí. Título aparte, la influencia de Sufjan Stevens en este disco es muy notable. Pero, más que su propio álbum confesional y de duelo, lo que realmente ha hecho Soleá es colocar la primera piedra para pasar de gran intérprete a autora total.
Porque más allá del homenaje explícito a sus padres, Aurora Carbonell y Enrique Morente, este es el primer disco de Soleá en que todas y cada una de las canciones están compuestas exclusivamente por ella. Frente a sus anteriores discos, que derrochaban colaboraciones y autorías, aquí el equipo es mínimo: Manuel Cabezalí produce y toca, Nieves Lázaro, teclados y coros, Juan Manuel Padilla batería y percusión. Y, claro, las voces y palmas de Soleá a la cabeza. Invitados hay pocos, pero señalados.
‘Aurora y Enrique’ es un disco menos exuberante que los excelentes ‘Lo que te falta’ u ‘Ole Lorelei’. Pero ‘Aurora y Enrique’ tiene el valor de ver despegar a Soleá como única y completa responsable de su obra. Titubeante a veces, demasiado apegada a sus referentes otras… Pero sin miedo. Soleá no teme lanzarse a la piscina. Tampoco disimula lo más mínimo sus influencias. Es más, parece gozar poniéndolas en evidencia. Influencias de allí: Sufjan Stevens (el más obvio), Beach House (multitud de melodías y arreglos parecen haber sido extraídos directamente de ellos), y de aquí: Los Planetas, La Estrella de David, Marcelo Criminal (que tiene el honor además de llevarse una canción con su nombre)… Pero entre todas, la influencia que más brilla es la de Ana Fernández-Villaverde, La Bien Querida. Su espíritu, su estilo, sobrevuela el disco.
El resultado es un álbum principalmente de indie pop, con mucho de dreampop y shoegazing y algo menos de flamenco. Las canciones parecen que sean un “trabajo en marcha”, del que no sabes qué va a salir, pero la atmósfera y el encanto que Soleá sabe sacarles suplen algunas carencias. También busca nuevos caminos expresivos, lo que redunda en que a veces su voz suene algo forzada, al tratar de ampliar su registro habitual.
Esto, lejos de ser un lastre, acaba siendo un acicate. Sí que hay temas que no acaban de resultar tan buenos como se pretendía (‘Yo y la que fui’, por ejemplo), pero el resto son encantadores. El homenaje a Aurora y Enrique parece limitarse a las canciones de apertura y cierre, llamadas como ellos, las más flamencas del disco y ‘Ayer’, una preciosa pieza evocadora, con sintetizadores de estrellas y las guitarras tan Beach House, en que Soleá parece sostener un diálogo con su padre. ‘El pañuelo de Estrella’ es un romance muy La Bien Querida, quien podría haber firmado perfectamente sus versos candorosos: “parecías una joya en manos de un platero” o “de repente sentí que / que quería ser tu novia”. Con, claro, la participación estelar de su hermana Estrella cantando el estribillo. ‘Fe ciega’ actúa como tema central, pieza mayor y más ambiciosa, en el que le toma prestado la letra a Sufjan el inicio de ‘The Only Thing’: “La única razón por la que sigo conduciendo este coche…”, aunque musicalmente vaya por otros derroteros, de horizontes evanescentes y elegancia sintetizada ochentera.
Soleá trata también de ser más agresiva en ‘Domingos’, aunque aquí le roba el plano Isa Cea de Triángulo de Amor Bizarro, que reina en este bailable tema de synth-pop oscuro, una oda al hastío dominical. El último invitado de honor es Marcelo Criminal, quien se lleva la canción más encantadora y simpática; Soleá narra en ella un encuentro amoroso en un concierto de, claro, Marcelo, con el susodicho replicando desde el escenario, y con homenaje a ‘Me pongo colorada’ de Papá Levante incluido. En ‘El Chinitas’ arranca con un precioso juego de voces y recoge el gozoso magisterio de Lorena Álvarez, con un buen toque de Los Planetas más jondos y un guiño a ‘Ducati’. ‘Polvo y Arena’ la más aflamencada, que trae ciertas remembranzas a las de Ray Heredia, esa rumba triste mezclada con los Radiohead de ‘No Surprises’.
‘Aurora y Enrique’ es un disco un tanto extraño; un “prueba y error” con demasiados referentes… Pero es un disco bonito y sincero, en el que Soleá se reta y sale airosa.
Ha fallecido el escritor estadounidense Noah Gordon a los 95 años de edad en ‘la intimidad de su casa’. Así lo ha comunicado su familia desde su página web a través de un comunicado. “Deja un tremendo vacío y su memoria será una bendición para su cariñosa familia, que lo quería”, expresan. El pasado 11 de noviembre celebraba su 95 cumpleaños “con mucha alegría y agradecido por la larga y fructífera vida que había vivido.”
El autor del best – seller ‘El médico’, nació en Massachusetts en 1926 dentro de una familia judía. Tras graduarse se mudó a Nueva York donde comenzó a escribir pequeñas publicaciones. Años más tarde se trasladó al campo donde creó su primer superventas ‘El médico’ (1989) la primera entrega de una saga a la que le sucede ‘Chamán’ y ‘La doctora Cole’. Al publicarse vendió menos de 10.000 copias en Estados Unidos, pero gracias a que un editor alemán compró los derechos, el libro se convirtió en un éxito.
La adaptación de esta obra a la gran pantalla se estrenó en 2013 y contó con la participación de Tom Payne (The Walking Dead). De igual manera, en 2018 se estrenó en Madrid el musical basado en la obra y al que Gordon asistió.
Fue galardonado en 1992 y 1995 con el premio Euskadi de Plata, en 2001 recibió el premio Literato Bacaccio y en 2006 el premio Ciudad de Zaragoza, entre otros.
Dani Martín es el nuevo número 1 de álbumes en España con ‘No, no vuelve’, su disco de canciones regrabadas de El Canto del Loco. El artista madrileño competía esta semana por el número 1 contra Taylor Swift, que también ha publicado un disco de canciones regrabadas, en concreto, otro de los discos que está volviendo a registrar a raíz de su disputa discográfica, pero ‘Red (Taylor’s Version)‘ se ha de conformar con el número 3 de la lista de álbumes porque ‘Fénix’ de Antonio José se impone en el 2.
Aún dentro del top 10, en el número 7, Little Mix entran con su recopilatorio ‘Between Us’, sobre el cual tuvimos oportunidad de charlar con ellas recientemente; y ya fuera de él, Bruno Mars y Anderson .Paak colocan su debut como Silk Sonic en el 11. ‘El astronauta gigante’ de Coque Malla, otro disco retrospectivo que se ha presentado con la maravillosa ‘Una sola vez‘, le sigue en el 18 e ‘Imposter’, el nuevo disco de versiones de Dave Gahan y Soulsavers, aparece en el 20.
En el 25, Kylie Minogue entra con la reedición de su último álbum, ‘DISCO‘, que además es número 11 en la tabla de vinilos gracias a su suculenta edición física. ‘Le cri de la rue’ de Ayax y Rok le sigue en el 31 y ‘The Kingtape’ de Toteking en el 32. A continuación, entran uno detrás de otro ‘Back in Nashville’ de Elvis Presley (46), ‘Lady in the Balcony’ de Eric Clapton (47), ‘The Tears of Hercules’ de Rod Stewart (48) y ‘Vacío blanco’ de Zetazen (49).
El complicado segundo disco en solitario de Damon Albarn también registra una mejor entrada en la tabla de vinilos (26) que en la oficial (61) y lo mismo sucede con ‘CRAWLER’ de Idles, que es número 13 en vinilos pero número 64 en la tabla oficial; y ‘Ultramaldad’ de Goa, que es número 19 en la primera pero 73 en la segunda.
Centrándonos exclusivamente en la lista de vinilos, la reedición en dicho formato de ‘La esquina de Rowland’ de Hombres G, editado originalmente en 2020, entra directo al número 2; el nuevo disco de Courtney Barnett ‘Things Take Time, Take Time‘ aparece en el 70 y ‘Utilitarian’ de Napalm Death en el 77, entre otros.
‘LA FAMA‘ de Rosalía y The Weeknd es el nuevo número 1 de singles en España, y desbanca a ‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso al número 2. Obviamente, esto significa que dos bachatas son ahora mismo las canciones más escuchadas en nuestro país.
Con ‘LA FAMA’, Rosalía consigue su 8º single número 1 en España después de los obtenidos con ‘Di mi nombre’, ‘Con altura’ con J Balvin y El Guincho, ‘Milionària’, ‘Aute Cuture’, ‘Yo x ti, tu x mí’ con Ozuna, ‘TKN’ con Travis Scott y ‘LA NOCHE DE ANOCHE‘ con Bad Bunny. Por su parte, el actual rey del pop a escala global todavía no había obtenido un single número 1 en nuestro país hasta hoy. Lo más cerca que se quedó fue con el top 5 de ‘Blinding Lights’.
‘Habla claro’ de Eladio Carrión y Morad es la siguiente entrada en lista, ya en el número 23, a la que sigue ‘All Too Well (Taylor’s Version)’ de Taylor Swift. El dramote de Taylor se ha convertido en el número 1 más largo jamás registrado en Estados Unidos, pues supera los 10 minutos de duración. ¡Haz esto, Joanna Newsom! ¡Haz esto, Bob Dylan!
En el 51 entra ‘Leyenda’ de Anuel AA y el resto de entradas en tabla ocupan la parte de baja de dicha clasificación: ‘#RapSinCorte L’ de Foyone, Sceno, Kase.O, Dollar Selmouni y Ayax y Prok entra en el 80, ‘Bar’ de TINI y L-Gante en el 82, ‘Enemy’ de Imagine Dragons y J.I.D. en el 83, ‘Se menea’ de Don Omar y Nio García en el 88 y ‘Lo que hará mi boca’ de Antonio José y Morat en el 97.
El festival Cala Mijas de Málaga se celebrará los días 1, 2 y 3 de septiembre con un cartel que hoy ha revelado sus primeros 14 nombres. Los grandes cabezas de cartel son, por un lado, Arctic Monkeys, en la que será su única parada en España en 2022, durante la cual se espera además que presenten un nuevo álbum que ya están ultimando; y los legendarios Kraftwerk.
Confirmados quedan también en el cartel nombres internacionales como los de Chet Faker, la banda británica Blossoms o Hot Chip, la banda por excelencia de los festivales españoles Love of Lesbian, la superestrella Nathy Peluso, los también británicos The Lathums, los geniales El Columpio Asesino y el ya no tan esquivo Sen Senra, así como una serie de talentos del underground que han dado tanto que hablar en los últimos tiempos como rusowsky, Hnos Muñoz, Uniforms y Venturi.
Los bonos estarán a la venta el próximo miércoles 1 de diciembre a las 9 horas, con opción de adquirir el bono con camping incluido, a través de la página web del festival. Desde hoy a las 11 horas se abre una lista de espera en la web para acceder a la preventa de las entradas y los primeros 5.000 bonos se podrán adquirir a 80 euros el 29 de noviembre.
Nacho Vegas había anunciado que su nuevo disco se titularía ‘Mundos inmóviles derrumbándose’ y que vería la luz el año que viene. Hoy se confirma que la fecha de publicación del álbum es el 14 de enero. El primer single, ‘La flor de la manzana‘, sorprendía por su incursión en la música latina de vaga inspiración reggaetonera y lograba, como ya comentamos, que «el boom de la música latina esté al servicio de una canción con mensaje».
De cara al lanzamiento de ‘Mundos inmóviles derrumbándose’, Nacho Vegas publica hoy un segundo adelanto que estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP. ‘El don de la ternura’ es otra de sus queridas baladas pero además es tan tierna como sugiere su título. Es hoy la Canción Del Día y puedes ver el vídeo oficial a través de este enlace.
En la canción, Nacho trenza dos temas como son el amor y la vejez para concluir que la ternura es el «don» que centra y conecta a los seres humanos. El cantautor asturiano relata que «comenzamos por las noches a salir / y al fin lo hicimos al sol / así fue cómo te encontré / pequeño cuerpo precioso y viejo» y reflexiona que «en la lucha, como en el amor, se vive la pasión / y te crees inmortal y es brutal el dolor / pero el cuerpo se seca y te toca lidiar con la sangre y el don».
‘El don de la ternura’ se inspira en un verso de Raymond Carver y, con ella, Vegas defiende que la «ternura es un arma definitiva para combatir este mundo que a veces se presenta tan poco amistoso». Sobre todo, en palabra de su autor, “tras detectar el sarcasmo cruel, que puede llegar a rozar el cinismo, que se percibe en redes sociales y en conversaciones cotidianas. Cuando pasan cosas como las que hemos vivido últimamente, piensas que vamos a aprender de ello. Y sin embargo ves que no, que nos cuidamos muy poco. Que deberíamos tratarnos mejor. No cuidarnos es fracasar, de algún modo. Y, aunque todos somos algo mezquinos, tenemos que luchar por dejar de serlo».
