Lady Gaga ha publicado este viernes su nuevo disco, ‘Chromatica’, con enorme éxito comercial y de crítica. Por un lado, tiene el número 1 asegurado en Estados Unidos, con unas 275.000 copias previstas para los 7 primeros días, y en Reino Unido, con unas 50.000. En España tendrá que pelear con Anuel AA, en cuyo álbum hay una rima de Gaga con «traga» y Bradley Cooper con «escupe», a cargo de Bad Bunny, que ha levantado ampollas este fin de semana. Por otro, las críticas están siendo exactamente las mejores de toda la carrera de Germanotta, con el álbum posicionado en Metacritic con un 81/100, tras haber recibido 4 estrellas de The Guardian o el NME. Sólo Slant Magazine ha cuestionado el álbum y Pitchfork, tras asegurar que algunas letras «son tan malas que podrían ser buenas», ha dado al álbum un 7,3/10 cuando no había reseñado siquiera ni ‘Born This Way’ (2011), ni ‘ARTPOP’ (2013) ni ‘Cheek to Cheek’ (2014).
Una de las razones por las que el disco está funcionando tan bien es la manera en la que empieza. Si ‘Chromatica’ es un mundo imaginario en el que no existe la depresión, ni las baladas, ni se necesitan pastillas para controlar los brotes psicóticos, y sólo existe la pista de baile, ‘Alice’ es el mejor vehículo para llevarte a él. Estamos ante una producción de techno-house nada estrafalaria, de melodía edificante, con uno de los mejores acabados de todo el álbum. Si en ‘Chromatica’ solo se consienten ritmos entre 115 y 120 BPM, esta canción es de las que sube a 123, siendo por tanto una de las más uptempo y vibrantes. En su segunda mitad, el post-estribillo «take me home» funciona tan bien como el estribillo en sí.
En la letra, Lady Gaga repite que aunque «no es Alicia» va a buscar su propio «País de las Maravillas», hallándolo inmediatamente después cuando los dos éxitos del álbum suenen seguidos, ‘Stupid Love’ y ‘Rain On Me’ junto a Ariana Grande, y progresivamente en otras canciones que ya se están convirtiendo en favoritas del público de manera espontánea, como ‘911’, en la onda robótica de la Kylie Minogue de ‘Speakerphone’; o esa ida de olla llamada ‘Sine from Above’, que va del trance al drum&bass, como ya apuntábamos el viernes. ‘Chromatica’ será nuestro «disco de la semana», momento que aprovecharemos para revisitar la discografía de la artista.
Sr. Chinarro ha publicado este viernes ‘El bando bueno‘, el disco número diecisiete (que se dice pronto) de su dilatada carrera. Una nueva muestra de hasta qué punto va a lo suyo Antonio Luque, feliz de hacer lo que hace incluso aunque algunos consideren que ya ha podido pasar su mejor momento o que se repite en sus discos. Él, explica, está encantado de gustar, pero sobre todo hace sus discos para él. Por eso, y porque tiene muchos «tiros pegaos«, no se corta un pelo y dice las cosas tal y como las siente, sin filtros. Hasta el punto de contradecirse a sí mismo, y dándole a eso la importancia justa. Como sabemos de anteriores ocasiones, no hace falta demasiada excusa (en este caso, un disco nuevo) para poner su máquina de titulares en marcha: basta darle un hilo del que tirar, y él tira sin freno. De ahí que nuestra conversación telefónica se prolongara tanto que hayamos partido su transcripción en dos partes, en aras de hacerla legible. Como decía, no hay filtros, y todo, desde sus vaivenes en la grabación de este disco (que terminó solo, sin la presencia de su grupo) hasta su reciente polémica con Carolina Durante pasando por la actualidad política y social, es susceptible de una disertación, siempre con un fino sentido de la ironía y mandando constantes mensajes velados, que sabrá interpretar quien quiera y pueda. Una delicia de charla, vaya.
¿Cómo estás pasando esta situación, el confinamiento, la pandemia…?
Mi vida no ha cambiado mucho, pero sí que las primeras semanas había un poco de terror. Cuando comenzó a haber muertos me entró miedo, como supongo que a cualquiera que tenga aprecio por la salud de uno. Y de los demás: padres, suegros… Bueno, yo mismo tengo casi 50 y con esa edad ha muerto más de uno. Pero en fin, iba al Carrefour y eso. Es la vida que hago normalmente: salgo a pasear y a comprar y ya está. Como pasear no se podía, pues… Fue un mes un poco terrorífico, sobre todo al volver del hipermercado y ver las calles vacías.
Hablemos de ‘El bando bueno’. Últimamente varios artistas me han dicho que sus nuevos discos son reacciones al anterior, alejándose de aquellos. ¿Es el caso de este disco con respecto a ‘Asunción‘?
Bueno, mis discos están ordenados en el tiempo. En mi evolución como «escribidor de canciones», como decía Manuel Alejandro en el documental que echaron el otro día en La 2, influye mi vida en general, la línea del tiempo, así que cada disco es una transición entre el anterior y el siguiente. Pero bueno, yo ya llevaba un par de discos tocando bastante el tema del fin de la civilización, la ecología, la ambición, la economía, la política… siempre a mi manera. Y relacionándolos con temas de amor y de pareja, que parece que tienen que estar en el pop por narices. Ya llevaba tiempo haciendo esto, entre otras cosas porque son asunto que se ven venir. Incluso antes de estos discos, en ‘Presidente’ ya estaba ‘Vacaciones en el mar’. Hacer canciones sobre ecología… siempre quedan un poco rancias, porque parece que estás dando lecciones de lo que hay que hacer y la gente no quiere lecciones de nada. Y menos en España, que la gente ya lo sabe todo. Pero son temas que me preocupan y salen en mis letras.
Me refería más bien a lo sonoro. ‘Asunción’ era un disco más compacto, muy influido por el pop de guitarras de finales de los 80, cuya influencia has reconocido muchas veces, mientras que este es más diverso y más de altos y bajos. ¿Te ha sorprendido que sea así?
Sí, verás… ‘Perspectiva caballera’ y ‘El progreso‘ fueron dos discos cuyas grabaciones pagué yo. Al pagar yo, tiendo a… Como veo las canciones desde un punto de vista abstracto, las oigo antes de que existan. Y pensaba, quizá equivocadamente, que no hay por qué invertir tanto en el envoltorio físico que, al final, es el producto. Y esto es lo curioso, que en este caso el sonido es el propio producto, no se puede separar envoltorio de contenido. Excepto para mí, que la canción existe antes de que exista. Entonces, puede que le dé menos importancia y, como lo voy a pagar yo, lo hago del modo más barato, que es como si fuera un concierto: dos guitarras, bajo, batería, «1, 2, 3, sí» y a grabar. (Ríe) No cambias de guitarras, ni de sonido de batería. Ahí quedan las canciones como yo las había pensado, para mí es correcto. Pero para el público puede resultar más lineal que lo que he hecho en este nuevo disco, que ya claramente iba a pagar Mushroom Pillow… Lo digo porque en aquel momento no estaba claro si saldría en El Segell en modo licencia, que lo hubiera pagado yo. Al final lo sacó Mushroom Pillow pero no lo sabía cuando estaba grabando, si lo hubiera sabido… (Risas) Hubiéramos hecho más cambios de guitarra, hubiéramos metido más sintes, coges una guitarra de palo… Porque cada una de esas decisiones cuesta bastante dinero en el estudio. Tienes que parar, probar… Total, que al final es una cuestión de presupuesto. Como si te haces una casa: si tienes poco, haces la casita de los dibujos de los niños, cuatro paredes y un techo; si tienes más, puedes hacer el Taj Mahal. Que no es una casa, ya lo sé, pero por poner un ejemplo.
«Para mí la canción existe antes de que exista. Y, como lo voy a pagar yo, lo hago del modo más barato»
También se dice por ahí que la tendencia ahora mismo es poner las canciones más difíciles al final. No es tu caso, que sitúas ‘Telaraña’, una canción algo extraña y atípica, casi al principio. Háblame
Sí, ha habido varias canciones que han costado más dinero que las otras. (Risas) Perdón que vuelva al tema crematístico, pero es eso, le he dado más vueltas que a otras. Si yo hubiese visto que estaban bien como las llevaba del GarageBand… Estoy tentado de subir a la nube cómo eran las canciones antes de grabarlas. Las maquetas son todas igual: la batería del señor del GarageBand, que toca perfecto, mi línea de bajo, mi guitarrita, mi voz y algún arreglo de teclado u otra guitarra y ya. Luego en el estudio vas a hacer eso y ves que unas funcionan mejor y otras hay que darles vueltas. Y una de estas fue ‘Telaraña’. Cuando el baterista grabó la pista de batería como la del GarageBand pero a su manera, y el bajo, que estaba tocado a mi estilo, que es un poco funky, no me terminaba de convencer. Jaime (Beltrán) le hizo un arreglo que me recordaba a los Red Hot Chili Peppers y pensé «esta canción tiene todas las papeletas para quedarse fuera del disco». Pero no, porque me molaba la melodía de la voz y la letra. ¿Y qué hice? Pues muteé todas las pistas, cogimos el sintetizador y una caja de ritmos y se me ocurrió hacer esas percusiones tipo ‘En alas de la mentira’ de Radio Futura y funcionó. En ese momento ya no estaba la banda, grabaron sus pistas y se fueron. Así que Jose (Antonio Sánchez, el ingeniero de sonido) y yo tuvimos que salvar varias canciones. Como ‘Una famiglia reale‘, con la línea de bajo funky, que no le salen al bajista… Tampoco lo quise grabar yo, así que Pablo Sánchez, el hermano de Jose, dijo «yo conozco un bajista que nos manda una pista de bajo totalmente Rolling Stones». Así sale un disco más variado también, como el acordeón de ‘Sábanas santas‘… El disco se hace más ameno así, tiene más riqueza.
En ‘Telaraña’ hay una voz femenina y no logro identificar quién es.
Es Sandra Rubio, la chica que estuvo en el grupo en la etapa de ‘El por qué de mis peinados’ y ‘Noséqué-nosécuántos’.
¡Joder, qué mítico!
Llevaba años y años diciéndole por Facebook «a ver si vuelves». Pero se fue a Estados Unidos, luego volvió, intentamos juntarnos pero no se pudo… Total, que en esta ocasión sí que pudo pasarse por Granada y cantó la canción. Volviendo a lo que me decías antes sobre el orden de las canciones… Yo hago discos, o me gusta pensar que hago discos. Yo también escucho las playlists de Spotify, «Descubrimiento semanal» y tal. Eso está bien. Pero si una canción me gusta verdaderamente, entro y escucho el disco entero. De toda la vida de Dios ha habido discos que tenían un single y las otras eran un poco malillas. Pero yo intento que todas sean buenas, que cuenten una historia, que haya sus altibajos. Si hay una que sabes que no es tan buena puedes intentar camuflarla por ahí, ponerla justo antes de la mejor, para que luego te dé más alegría… (Risas) Es verdad que cuando tienes tantas canciones disponibles, lo normal es poner las mejores al principio porque rara vez va a llegar la gente a la décima.
«Yo soy ya un emigrante térmico»
Hablabas de ecología antes, que como decías es un tema recurrente en tus discos. Aquí lo atacas con ‘Planeta B’.
Sí. Yo soy ya un emigrante térmico. (Risas) Antes me preguntaban de ABC de Sevilla si echo de menos Sevilla. Yo le he respondido que hasta el punto de llorar, pero sin embargo me fui, y me fui por el calor. Yo no sé desde cuándo hace tanto calor en Sevilla, igual desde el siglo XIV, pero es un hecho que está subiendo la temperatura, se están derritiendo los polos. Si en 2050 ha subido la temperatura 8 grados, como se dice, yo ya tendré 80 años, probablemente estaré muerto. Pero mi hijo tendrá 55 y a lo mejor no puede vivir en Málaga porque se ha inundado, y tendrá que ser un emigrante térmico también. (Risas) No sé dónde se irá… Yo le recomiendo Teruel, que está fresquito y el aire es más puro. (Risas)
En todo caso, la canción más que proyectarse en el futuro habla de lo estúpida que es la Humanidad en el presente, ¿no?
Eso es. Mira, te voy a dar un titular: yo quería llamar al disco ‘La gente es tonta’. (Risas) Y me dijo mi pareja «¿Cómo vas a hacer eso? Ya no te va a escuchar nadie». Viene de una canción que al final ni he grabado, y que dice «la gente es tonta, a veces yo el que más». Y aquí estoy, en Tiendas Aurgi pasando la ITV a un coche que ni siquiera es mío. (Risas) Hay que poner más transporte público, pero ahora resulta que hay un virus y ya nadie va a querer usar transporte público. Y hay aquí una cola… La gente no solo no va a querer prescindir del coche sino que va a ser el tesoro de la individualidad motriz. No hay solución.
«Con dinero todo se consigue y los que tienen dinero quieren que siga siendo así, y será así hasta que reviente»
Y la letra de esa canción que no he grabado iba por ahí, la manipulación de masas, cómo nos comen el tarro… Ahora pones la tele y hay anuncios de coches a saco, para compensar. Aunque lo del virus viene de que cada vez somos más agresivos con la Naturaleza: tú la invades, pero ella te invade a ti, es un proceso de ósmosis. Y por ósmosis ha entrado el virus en nosotros. Pasaba como cuando Unicaja nos timó a un montón con lo de las cláusulas-suelo: cuanto más se hablaba de eso, más se anunciaban en la tele. Y eso funciona, es puro marketing. ¿Por qué Chinarro no son famosos? Pues porque hay que invertir muchísimo en promociones, y Mushroom Pillow hace lo que puede. (Risas) Y ya nos cuesta mucho salir en Jenesaispop. (Risas) (Nde: quiero aclarar que, si le cuesta, se refiere a esfuerzo, no a dinero) ¿Cuánto costaría salir todo el rato en la tele, como algunos grupos o solistas? Todo vale dinero, con dinero todo se consigue y los que tienen dinero quieren que siga siendo así, y será así hasta que reviente.
Volviendo a lo de ‘La gente es tonta’… ¡Tenía que haberle echado cojones! Pero bueno, es un mensaje que está en otras canciones, como tú mismo acabas de apreciar en ‘Planeta B’, sin ir más lejos. Y yo a veces el que más, como decía, no soy Einstein ni mucho menos. Pero estamos carajotes, son mucho más inteligentes… ¿Qué te digo? Las avestruces. ¿No viste el vídeo de Revilla con la avestruz?
No, no lo he visto.
Pues están entrevistando a Revilla y detrás aparece un avestruz como queriendo participar. Alguien puso en Twitter «¿por qué no le han acercado el micro al avestruz?» y yo pienso lo mismo, habría que haberle preguntado. En fin, la canción de Roberto Carlos que decía «yo quisiera ser civilizado como los animales». ¡Que además se llamaba ‘El progreso‘! Si yo tampoco estoy inventando nada. Si los cantantes románticos más melosos se atreven con la ecología de vez en cuando… Mira, voy a grabar una versión. Los Niños Mutantes grabaron una versión de ‘Como una ola’ o alguna así, yo voy a grabar una de ‘El progreso’. (Risas)
«Las entrevistas (promocionales) las debería hacer el sello. O el baterista»
La nota de prensa, que has escrito tú mismo, es bastante curiosa, porque en ella te estás proyectando ya al siguiente disco, más que hablar de este. Un poco como me decías antes: «este es el disco que va entre el anterior y el posterior». Es extremadamente pragmático, mirar hacia adelante cuando aún ni se ha publicado el disco.
Claro, porque ese es mi trabajo. Yo en realidad ya no debería estar… ¡Las entrevistas las debería hacer el sello! (Risas) ¡O el baterista! Mi trabajo es hacer canciones, lo demás ya… Hasta casi que te diría que… Bueno, los directos hay que hacerlos, está bien ver la reacción de la gente. Aunque es un asunto algo vanidoso también: «¡quiero comprobar en persona cómo reacciona la gente a mi mensaje!» (Ríe) A mí me encanta componer, me encanta grabar, estar en un estudio de grabación. Y los días más felices de mi vida son los días en que digo «tengo una canción nueva». Por supuesto también estar con mi hijo, con mi pareja o comer queso con vino. Pero eso para mí es lo más grande de mi vida. De hecho tengo ya seis letras, o bueno, notas para letras, la idea. Tengo apuntado cosas como, y espero que nadie me lo copie,»el burrito de la Plaza de España». (Risas) Y de ahí saco una letra. Pero las músicas sí, tengo ya seis canciones. Estoy a cuatro. (Ríe)
Al principio del encierro estaba bloqueado, con ese ambiente tan siniestro y tan opresivo, pero luego en prácticamente dos semanas cogí unas pocas de ideas a medio cuajar y cuajaron. Tengo ya un buen lote. Estoy planeando, a ver si puedo, ensayar y tocar aquí en Barcelona. Aunque mi grupo está en Granada, pero bueno, no sería la primera vez que tengo dos bandas. O tres. (Ríe) Estoy pensando qué hacer en el futuro y tengo que hacer más canciones, porque yo sin canciones nuevas, de pronto no tengo futuro. Y más ahora, porque no sabemos si ‘El bando bueno’ lo vamos a poder tocar en directo o no. Mi solución es hacer canciones, y no soy el único que está haciendo canciones a cholón, precisamente por esto. Hay que espabilarse. Me dicen «eres muy productivo», y no: de ‘El progreso’ a ‘Asunción’ han pasado dos años; de ‘Asunción’ a ‘El bando bueno’, dos años. Y tiene que ser en un año, en un año da tiempo. Es difícil, pero hay que currar más. ¿Que a alguien le parecen muchos (discos) Pues que no lo escuche, si a mí me da igual. Yo los quiero hacer. Lo único que quiero es que el sello lo pague. (Risas) Que vendan lo suficiente para que el sello me diga «hay que hacer más, ya puede usted ir a grabar». Es el espíritu que tenía en la época de Acuarela, mi ambición no da para más.
«Si me pusieran un botón que dijera «para ser canadiense, pulse aquí», lo pulsaba de un cabezazo»
Esto que dices me recuerda a lo que comentaba también Jeff Tweedy de Wilco en su autobiografía, que el proceso de composición y grabación de las canciones era lo que más le emocionaba de la música. Pero lo que hay más allá, es un poco suplicio, que una vez terminada la canción sentía cierto desapego. No sé si es tu caso.
Pues hombre, es un poco suplicio, sí. Yo lo paso bastante mal en el estudio, pero cuando terminas es muy placentero, no sé con qué compararlo. Es un esfuerzo muy grande y en la grabación de ‘El bando bueno’ ha habido tensión con la banda. En algunos momentos bastante, hasta el punto de que al final preferí estar solo. No es la primera vez que pasa eso en un disco de Chinarro. Y es duro, se pasa mal, pero hay que hacerlo. Una vez que lo tienes dentro, hay que sacarlo. No quiero compararlo, pero en Andalucía se dice «el parto (de) la burra». Y hay que parir.
Cuando publicabas el recopilatorio ‘Colección permanente’ le decías a mi compañera Mireia Pería que te daba un poco de rabia que tus temas más conocidos, o de más éxito, fueron los que tenían un punto español, folclórico. Y aún así, aquí está ‘Sábanas santas’, con su aire rumbero. No has podido evitar «recaer».
A mí me gusta contradecir a todo el mundo, ponerlo todo en cuestión, empezando por mí mismo. Como lo que decía antes de «la gente es tonta». Aquí podríamos cambiarlo por «la gente es muy flamenca, a veces yo el que mas». (Risas) Que no quiero decir que los flamencos sean tontos, al contrario. Sino que no podemos renunciar a según qué cosas. Y me gustaría, ¿eh? Me gustaría ser de Canadá, como el de Destroyer (Nde: Dan Bejar, que publicó un EP de versiones de Sr. Chinarro), con sangre española como él. Si me pusieran un botón que dijera «para ser canadiense, pulse aquí», lo pulsaba de un cabezazo. Pero soy español, he nacido en Sevilla, he ido a la feria, ahora que me han crecido los caracolillos por detrás otra vez parezco un gitano flamenco… (Risas) No se puede evitar. ¿A quién me parezco? ¿Al de Interpol? Pues no, me parezco más a Curro Jiménez, a Morente… (Risas) Es lo que hay. Además te das cuenta de que sale más fácil. Tú en cuanto dices «vamos a hacer la canción con un aire así…», en cuanto lo decides, ya empieza a sonar bien. Porque lo llevamos dentro, ¿sabes? Con decirte que las palmas las hemos grabado Jose y yo, que no hemos llamado a unos gitanos para hacer las palmas. ¡He sido yo! (Risas) Y rápidamente vimos que… La canción en la maqueta no era así, tenía más guitarra eléctrica, era un poco más Housemartins, pero claramente es mejor una rumba. Yo hablo mucho y me llevo muchas veces la contraria. No me tengo por el más sabio ni voy pontificando nada. Lo que sí tengo claro, clarísimo, es que hay que dejar la menor huella de carbono posible en nuestro paso por la Tierra. En cuanto a flamenco más, flamenco menos, si hay demasiado hype flamenquito, es una música muerta o una música viva, otra vez lo mezclamos con el rollo de Triana, estamos un poquito hasta los huevos… Puede ser, todo puede ser. (Risas)
Las redes sociales arden en el último par de días con mensajes de todo signo en torno a la muerte de un hombre afroamericano llamado George Floyd en Minneapolis, Minnesotta, mientras estaba en custodia policial tras ser detenido, provocando la indignación de muchos, especialmente después de que otros dos fallecimientos en circunstancias similares –los de Ahmed Arbery y Breonna Taylor– tuvieran lugar unos días antes. El supuesto homicida de Floyd, el agente Derek Chauvin, ha sido detenido por el cargo de asesinato, pero antes de que eso sucediera parte de la sociedad estadounidense se había echado a las calles, manifestándose y provocando disturbios –quemando supermercados, sedes de cadenas de televisión e incluso una comisaría de policía– no solo en esa ciudad, sino también en Nueva York, Los Ángeles, Atlanta y muchas otras.
La capital del estado de Georgia, precisamente, es donde nació y vive Killer Mike, conocido rapero sobre todo como miembro del dúo Run The Jewels, junto a El-P. Mike, que en el pasado había protagonizado alguna que otra polémica por su defensa de la tenencia de armas o la de la violencia contra la ultraderecha, acompañaba hace unas horas a la alcaldesa de la ciudad, la también afroamericana Keisha Lance Bottoms, en una rueda de prensa. En ella, ambos llamaban a su comunidad a mantener la calma y a cejar con los altercados. El MC se mostraba visiblemente emocionado, llegando a romper a llorar en un momento dado, pero ofrecía un discurso muy atinado que está dando la vuelta al mundo.
En él, Killer Mike comenzaba señalando que también los propios oficiales de policía, entre los que se incluía su propio padre, eran víctima de un racismo institucional que llama a detener. Pero no con la violencia, sino reflexionando, organizándose y, lo más importante, ejerciendo el voto tanto en las elecciones locales como en las presidenciales. «Me veo en la obligación de estar aquí para simplemente decir: es vuestro deber no quemar vuestro propio hogar por la rabia con el enemigo. Es vuestro deber fortificar vuestro hogar, para que pueda ser un espacio de refugio en tiempos de organización. Y ahora es tiempo de trazar, planificar, crear estrategias, organizar y movilizar».
Lo cual no implica que no se sienta como el resto de sus conciudadanos, hartos de esa problemática: «estoy la hostia de enfadado. Ayer me desperté con ganas de ver el mundo arder, porque estoy cansado de ver a hombres negros morir. Él (en referencia a Derek Chauvin) puso como si nada su rodilla sobre el cuello de un ser humano durante nueve minutos mientras moría como una cebra con la presión de la mandíbula de un león», añadía. «Por eso los chavales están quemándolo todo. No saben qué otra cosa hacer. Y es nuestra responsabilidad hacerlo mejor ahora mismo. No queremos ver a un oficial con cargos, sino a cuatro oficiales procesados y sentenciados. No queremos ver Targets (la cadena de hipermercados) arder, queremos ver las cenizas del sistema basado en el racismo sistémico».
Tras este discurso, El-P, colega de Killer Mike en Run The Jewels, ha lanzado un mensaje en sus redes sociales que asegura que, después del discurso de su hermano, no tiene «una mierda» que decir sobre el asunto que no hayan expresado ya en su anunciado cuarto álbum. Por eso han decidido poner en disposición de todo el mundo y de manera gratuita su nuevo disco ‘RTJ4’. Es una más de las numerosas manifestaciones contra el racismo endémico en las fuerzas de seguridad de Estados Unidos, a las que también se han sumado en las últimas horas Taylor Swift, Lady Gaga, Madonna, Ariana Grande, Pharrell Williams, Justin Timberlake… en una lista literalmente interminable que, sumadas a las incesantes manifestaciones, si algo deja claro es que la sociedad de Estados Unidos reclama cambios sustanciales en materia racial.
The 1975, una de las bandas más representativas del siglo XXI por su capacidad para asimilar vorazmente diversos estilos y géneros, sin interés por buscar un sonido realmente propio, acaba de publicar otro de esos discos larguísimos que define su propuesta en un 200%. Y aunque ‘Notes on a Conditional Form‘ sea más irregular que el anterior y no muestre una evolución clara, sí deja varias canciones con las que seguir actualizando una hipotética playlist con las «mejores canciones de The 1975».
Una de ellas, que no ha sido single, pero debería serlo en algún momento, es ‘Nothing Revealed / Everything Denied’, la pista 13 de 22 del álbum. Puede pensarse que, por su posición en la secuencia, corre el riesgo de pasar desapercibida, pero es una de esas canciones que obligan a parar toda actividad y prestar atención. Lo hace desde que arranca con el mismísimo estribillo, una especie de góspel escalofriante a través del que Matt Healy clama una de sus reflexiones más existencialistas: «la vida parece una mentira, necesito que algo sea verdadero, ¿hay alguien ahí afuera? Parece que falta algo, ¿serás tú?»
La disociación con la realidad, esa sensación de que la vida es una película, de que todo es una «performance», da vida a esta enorme canción en la que convergen varios sonidos. El ritmo de batería remite al hip-hop clásico, pero el tema incluye sonoridades -de piano y guitarra eléctrica- muy jazz y neo-soul, además del estribillo góspel mencionado, y el rap distorsionado de Matt, en el que el cantante expresa preocupaciones diversas, desde su hábito a mentir sobre sí mismo a su odio de los «meet & greets»), no puede ser más propio de nuestro tiempo. Con todo, una canción emocionante que plasma el anhelo de Matty por encontrarse a sí mismo entre la persona que vemos en el escenario y la que es en realidad, detrás de los focos.
Mariah es una de las artistas invitadas en ‘Emmanuel’, el nuevo disco de Anuel AA, uno de los reyes del reggaetón (y por tanto del pop) del momento. ¿Cómo? ¿Mariah Carey se ha pasado al reggaetón? Nada de eso. Hablamos de Mariah Angelique Pérez, joven cantante de Florida que está empezando a hacerse un hueco en el reggaetón.
De madre puertorriqueña y padre cubano, pero criada en Estados Unidos, Mariah canta principalmente en español, y en este idioma interpreta su mayor éxito hasta la fecha, ‘Perreíto’, que suma más de 37 millones de streamings en Spotify, más otros 50 millones en Youtube. En comparación con sus singles previos, es un hitazo. ‘Perreito’ (sic) propone un ritmo de reggaetón basicote y un gancho facilón, que podrían haber pensado tanto Bad Bunny como Ms. Nina. Pero al fin y al cabo está compuesto para animar a hacer exactamente lo que sugiere su título, y lo hace de manera muy efectiva.
La carrera de esta joven muchacha que apenas cuenta 20 años empieza cuando conoce al productor Nelly El Arma Secreta, mano derecha de Don Omar y Wisin y Yandel, y en 2018 publica su primer single, el reggaetonero ‘Blah’. Más tarde se publica ‘Malo’, un tema de R&B y trap a la moda, y el reggaetón con autotune ‘Miénteme’. Pero los verdaderos éxitos de Mariah llegan después, primero con el mencionado ‘Perreito’, y después con ‘Una noche más’ y con ‘Taxi’ con Guaynaa. Dignas producciones de reggaetón que, sin embargo, no aportan demasiada frescura al sobresaturado panorama actual, como sí puede decirse que están haciendo Paloma Mami o el mencionado Bad Bunny. ¿Se avecina una nueva estrella del reggaetón con las canciones adecuadas, o más bien un nuevo nombre que olvidar con el paso de los meses?
Josef Salvat, el cantante australiano de apellido catalán que se dio a conocer allá por 2015 con canciones de pop dramático y atmosférico como ‘Open Season’ o ‘Till I Found You’, ha vuelto con su primer disco en un lustro. Con una buena parte de sus seguidores ya a otras cosas, como demuestra la pobre recepción que está obteniendo ‘modern anxiety’ en las plataformas de streaming, Josef al menos sí puede celebrar haber compuesto un álbum de pop contemporáneo bastante digno con el que seguir compartiendo sus vivencias con el mundo.
En el tiempo que ha pasado entre ‘Night Swim‘ y este ‘modern anxiety’, Josef ha buscado vivir nuevas experiencias y «tomar malas decisiones» porque, en sus palabras, «sentía que me había perdido mi propia juventud». El cantante explica que no tenía «nada sobre lo que escribir» después de que terminase la gira de ‘Night Swim’ y que sentía que «no había vivido». Esta ansiedad se manifiesta en las dos primeras pistas del disco: en el embriagador pop tropical de ‘modern anxiety’, Josef canta sobre sentirse perdido en el «mundo moderno» (su divertido vídeo contiene homenajes a Björk, Madonna o Alanis), y sobre sí mismo en pasado, cuando era «joven y guapo y estaba borracho»; y en el medio tiempo ‘Call Me’, de sutiles detalles R&B y electrónicos, se sumerge aún más en la oscuridad de su mente al cantar sobre su aprensión a la intimidad: «golpeo mi cabeza contra las paredes, así puedo seguir persiguiendo un sentimiento, solo quiero ser necesitado».
A partir de la pista 3, ‘modern anxiety’ se convierte en una crónica sobre varias relaciones sentimentales que Josef ha vivido en los últimos años, y que pueden servir para ayudar aunque sea un poco a la normalización de la bisexualidad masculina. Su estilo no difiere demasiado del practicado por su compatriota Troye Sivan -con el que a veces se le puede llegar a confundir- o por otros artistas como Lorde, Broods o Halsey, y aunque sus melodías pueden llegar a resultar demasiado familiares, sí da con varios temas que destacar. La tierna ‘in the afternoon’ relata la adicción provocada por un amor nuevo («estoy libre, puedes quedarte a comer, y si terminas muy cansado, también te puedes quedar a dormir»), y ‘melt’, la producción electrónica más árida y bruta del álbum, lleva esta adicción al punto de la desesperación («no estoy listo para que te vayas, me he convertido en líquido, así me puedes beber»). Más oscura -y épica- es ‘paper moons‘, que parece relatar una relación truncada por las drogas.
Aunque ninguna de estas canciones parece destinada a reubicar a Josef Salvat en el panorama del pop actual, al menos el artista ha mimado las producciones e incluso la secuencia, que funciona como una historia compuesta por diversos capítulos y termina con el mensaje de esperanza de ‘enough’: «obtendrás todo lo que deseas». Desde luego, Josef ha conseguido su propósito…
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘modern anxiety’, ‘in the afternoon’, ‘melt’ Te gustará si te gusta: Lorde, Troye Sivan, Broods, Halsey Youtube:vídeo de ‘in the afternoon’
Ayer coincidían como lanzamientos musicales más importantes a nivel global (y comercial, obviamente) los nuevos discos de Lady Gaga, ‘Chromatica‘, y Anuel AA, ‘Emmanuel’. Si la diva pop incluye en su nuevo repertorio temas con Ariana Grande, Elton John, y BLACKPINK, el reggaetonero puertorriqueño echa el resto en su segundo disco de estudio tras ‘Real hasta la muerte’: Travis Barker de blink-182 (en la versión de ‘No Woman No Cry’ con la que se abre el disco), Enrique Iglesias, Lil Wayne, Tego Calderón, su pareja Karol G (en los hits ‘Secreto’ y ‘China’) o Bad Bunny, entre otros, colaboran en el disco.
Precisamente, y pese a que ‘Fútbol & Rumba‘ junto a Enrique Iglesias era el «focus track» del disco, uno de los dos temas que interpreta junto al Conejo Malo, ‘Hasta que Dios diga’, se ha revelado como el nuevo gran éxito del par. En el top de tendencias de Youtube español, por ejemplo, ocupaba el número dos por detrás de ‘TKN’ de Rosalía y Travis Scott… aunque doblándole en número de visualizaciones (15 millones contra 7). Sin embargo, esta canción ha provocado a la vez que muchos usuarios de redes sociales (posiblemente muchos de los que hicieron un drama cuando ‘Safaera’ desapareció de Spotify por una cuestión de licencias) llamen a la cancelación de ambos raperos.
La razón de las #AnuelAAIsOverParty y la #BadBunnyIsOverParty que están entre los principales trending topic mundiales hoy es que en uno de sus versos aluden a, justamente, Lady Gaga. En concreto es Bad Bunny el que en su segundo verso dice «ella es mi Lady Gaga, yo su Bradley Cooper / ella se lo traga y luego me lo escupe», lo cual ha ofendido a muchos tuiteros, por las formas y por el fondo (se especuló con una relación entre ambos tras su trabajo juntos en ‘A Star Is Born‘). Aparentemente, muchos Little Monsters, fans de Stefani Joanne Germanotta, pero a ell@s se han sumado muchos haters de Bad Bunny que tenían el cuchillo guardado esperando su oportunidad.
Como sabréis, ‘Siento muerte’ es nuestro Disco de la Semana. El quinto trabajo de Mujeres es un arrebato musical que busca poner luz y vibración a un presente duro y oscuro. El trío barcelonés alcanza así la plenitud creativa y comercial de una propuesta que, curiosamente, venían madurando desde hace más de 10 años. Un tiempo que les ha dado para acumular una colección de trallazos –»golpes de afecto», les llaman ellos, traduciendo literalmente la expresión «love hits»– que ya es muy extensa. Por eso hemos considerado que, celebrando este lanzamiento, es un buen momento para mirar atrás y, sumando los hits del futuro y los del pasado, resumir su carrera con sus 20 mejores «golpazos de afecto» en una playlist. Foto: Álex Sardá.
Y es que Yago Alcover y Pol Rodellar, al principio secundados por Martí Gallén y Martín Gutiérrez, irrumpieron en los albores de la pasada década como pioneros (junto con Juanita Y Los Feos desde Madrid y Novedades Carminha desde Santiago) de una nueva escena del garaje punk underground de nuestro país –Los Nastys, The Parrots, Los Bengala… llegarían después–. Los ecos de la efervescencia que nos alcanzaba desde Estados Unidos, con grupos como Black Lips, Thee Oh Sees, The King Khan & BBQ Show o Reatards, tenían un evidente eco en las canciones de ‘Mujeres’ –publicado por Sones en 2009–. Así como también referentes más lejanos y menos populares como The Monks o Los Saicos. Un disco debut algo mimético de sus referentes, pero tan sucio, salvaje y pegadizo como exigen los cánones. No es caprichoso que en nuestra selección tengan cabida hasta dos canciones: la electrizante ‘Blood Meridian’ y una ‘Frantic’ que, entre ecos honky tonk y beat, suponen una pista de las inquietudes sonoras que desarrollarían después.
‘Soft Gems’ llegaba tres años después, con una mayor conciencia de álbum (tal y como nos explicaba Alcover días atrás) y un primer atisbo de lo que sería su futuro: ‘Salvaje’, que hace honor a su nombre en cuanto a descontrol y furia puramente 60s, estaba ya cantada en esa suerte de broken-spanish, llena de encantadoras desconexiones lingüísticas. Era el anticipo de un giro que comenzaba a plasmarse en ‘Aquellos ojos’, un EP publicado ya por el sello Canada que giraba en torno a esa canción que, confiesan, ha sido crucial en su carrera pese a ser poco menos que un accidente. Efectivamente, parece una versión original de un perdido grupo ye-yé, pero lo cierto es que es una deslumbrante composición original. Tan importante que les llevó a componer tres canciones más para acomoañarlas en ese disco, con temas tan poperos como ‘Eterno y normal’… que en realidad retrata una cruz de navajas, que decían Mecano.
Pero todavía no se atrevieron a dar el paso definitivo y virar por completo al castellano. Aun así, ‘Marathon‘ –de nuevo con Canada, en 2015– daba pasos hacia un sonido más controlado y compacto, aunque el fuzz y la distorsión seguían llevando la voz cantante con melodías imponentes y divertidas como las de ‘Lose Control’, ‘I Wonder’ o ‘Feels Dead (Siento muerte)’, la canción que ya contenía el título de su nuevo álbum. Y de nuevo, una canción cantada en español se alzaba sobre las demás: ‘Vivir sin ti’ pasa a los anales, con toda justicia, como el gran himno del tercer álbum de Mujeres. Las señales eran ya insoportables: urgía el giro de idioma o, quizá, podrían estar abocados a esfumarse.
De hecho lo pensaron cuando primero Martín –sustituido a las baquetas por Arnau Sanz, dibujante de cómics profesional curtido en grupos hardcore como Reaction Reaction! o Golpe Mortal– y luego el guitarrista Martí abandonaban el grupo en aras de otros proyectos vitales. Pero el ya trío decidió, como explicaban, jugársela y dar un volantazo que ha resultado ser crucial. Se plasmaría en ‘Un sentimiento importante‘, que se convertiría en el nuevo gran éxito comercial (dentro de unos ámbitos muy modestos, huelga decirlo) del grupo y del sello Sonido Muchacho. La eclosión de grupo y sello estaba apoyada en pepinazos de rock pogueable y tarareable hasta la catarsis, como ‘Vete con él’, ‘Siempre eterno’ o ‘Dije fácil’, con el respiro de algún medio tiempo brillante como el del corte titular. Trazaban así un nuevo camino en el que ‘Siento muerte’ supone un paso de gigante, siempre hacia adelante. Os dejamos con la playlist que resume en sonidos estas peripecias, secuenciada con la primordial intención de que el cante y el baile no cejen durante casi una hora, al menos.
«Si te soy sincera, no esperaba que ‘Risk It’ fuera a polarizar tanto. Me sorprendió que hubiera tanta gente a que le dejara atónita y pusiera todo el foco en el “pitch” de la voz. Es que yo escucho mi voz tantísimo que para mí era emocionante escucharla de manera tan diferente por una vez. Pero aun así, sigue siendo una de mis canciones favoritas del disco. Todavía me vuelve loca, ese reverb; me parece una muy buena canción para presentar el nuevo disco, así la gente ya entiende que este va a ser muy diferente a los anteriores». Son palabras de Katie Stelmanis de Austra defendiendo el «polémico» single con el que ha presentado su último disco, ‘HiRUDiN’, que recomendábamos recientemente.
Sigo siendo defensor de esta canción, que no entiendo qué tiene de irritante 3 años después de ‘Nikes’ y aquella oleada de canciones con la voz pitcheada, pero la verdad es que los números están dando la razón a los «haters». Parece cuestión de pocas semanas que ‘Risk It’ desaparezca del top 10 personal de Austra en Spotify en favor de otras canciones nuevas que han venido gustando más durante los últimos días. Es el caso de ‘Anywayz’, del estupendo electropop de ‘I Am Not Waiting’, y de la colaborativa ‘Mountain Baby’.
‘Mountain Baby’ está marcada por tres cosas muy significativas: un simpático loop de piano que se pega como una lapa, un coro amateur de niños que Austra quiso introducir en la canción y un featuring de Cecile Believe, a quien conoces perfectamente por haberse encargado de muchas de las voces del celebradísimo último disco de SOPHIE. El resultado es una de las canciones que mejor representan el espíritu de este álbum personal y conceptual sobre relaciones tóxicas, pues versa oficialmente sobre los estadios de una ruptura. En ella, los niños parecen representar la inocencia de «escalar la montaña» sin saber «por qué», mientras las voces adultas parecen representar la conciencia del error.
Austra ha anunciado un concierto en Madrid el 5 de diciembre, será en la Sala Cool como parte de Tomavistas Ciudad. Las entradas están a la venta.
Si te ofrecen charlar con Mala Rodríguez, importa muy poco que de la última entrevista suya que hayamos publicado disten poco más de seis meses. Máxime cuando el eje de la conversación es la publicación de un nuevo álbum, el primero en los siete años que han transcurrido desde ‘Bruja‘. Había ganas. Pero ojo, María Rodríguez no ha estado ni mucho menos parada en este tiempo. Más bien al contrario, ha trabajado como nunca para adaptarse y mostrar quién es ahora: una artista que va mucho más allá del rap old school de sus inicios y que ha abierto la puerta a otros sonidos urbanos, sin hacer ni mucho menos ascos al reggaeton y aproximándose al pop mainstream, con artistas como Juan Magán o Lola Indigo.
La Mala está pletórica con ‘MALA‘. Se nota en su humor, en la alegría que desprende al hablar de este disco y de cómo lo ha hecho. Está satisfecha y relajada, como si fuera tan consciente de que ha hecho un buen trabajo que lo demás pasara a un segundo plano. La impresión es que podría, sin problema, pasarse otra hora más hablando del disco y sus canciones, y hasta de su vida. Pero teníamos que parar y seguir con nuestras respectivas vidas, por desgracia.
¿Qué tal estás? ¿Cómo pasas estos días? Te veo entrenar en redes…
Estoy muy bien, no me aburro, siempre se me ocurre hacer alguna cosa. Y como puedo escribir, grabar, hacer cosas en el estudio, he estado bastante entretenida. También tengo una niña que es una loca, en casa hay jaleo veinticuatro-siete. El otro día me lió una en la ducha… Me dio unos gritos que ni Mariah Carey. Me va mal para el trabajo lo de esta niña, ¡me ha jodido los tímpanos! (Risas) Yo no quiero saber nada de esta chica. ¡Y todo porque no quería enjuagarse el pelo! (Risas)
Cuando el pasado mes de octubre hablaste con mi compañero Sebas, por el Premio de Las Músicas Actuales, nos contabas que el disco ya estaba terminado. Pero ahora que hay muchos artistas que retienen sus lanzamientos, tú decides lanzarlo ahora.
Porque si yo no puedo salir, ¡que salgan mis canciones! (Risas) Cuando hablé con vosotros en octubre ya tenía un montón de canciones hechas, pero yo seguí escribiendo. ‘Like’ es la última que grabé, (apurando) hasta el último margen. Me decían «entrega, entrega, entrega», y yo «¡un poquito más!» De hecho hay dos más que hice se han quedado fuera por un margen de 24 horas. Pero al final decidí que 11 temas estaba bien. Ya las presentaré más tarde. Ha sido divertido trabajar en un proceso continuamente vivo, yo tenía ya muchas ganas de cerrarlo, pero siempre quería escribir más…
«Si yo no puedo salir, ¡que salgan mis canciones!»
En estos meses has trabajado a saco.
Sí, y también seguíamos con la promo de lo que fuera, grabando… Yo siempre que puedo voy al estudio y acabo mezclas, que es un proceso que nadie cuenta, pero la mitad del disco es cómo está mezclado. Yo me siento muy orgullosa de cómo ha avanzado el nivel en España en este aspecto, todo el mundo tiene una cierta cultura ya de lo que es un buen mastering, hay mucha hambre de saber cómo se hacen las cosas y eso es muy inspirador. He tenido un buen equipo cerquita mía con todo esto y estoy muy contenta de cómo suena el álbum.
«Soy muy feliz, me encuentro muy tranquila y a la vez más «mala» que nunca»
Se te ve contentísima. ¿Es el disco que más te emociona sacar de todos los que has hecho? ¿O porque ha pasado mucho tiempo del anterior?
Ahora soy muy feliz, me encuentro muy bien en mi piel, muy tranquila y a la vez más «mala» que nunca. Me apetece sacar canciones y tocar los corazones de la gente. ‘MALA’ es un album muy bien balanceado que habla de muchas cosas y creo que va a llegar a mucha gente porque mi público ha crecido, porque antes eran muy niños y ahora son muy listos y tienen un corazón muy grande. ¡Estoy muy feliz! Creo que es un momento muy bonito para compartir algo.
¿Sientes que el público de discos como ‘Alevosía’ o ‘Malamarismo’ ha evolucionado a la par que tú en tu carrera? ¿Entiende lo que haces ahora?
Creo que una gran parte sí, porque siempre ha sido un público muy variado, muy ecléctico, y aunque es cierto que los que venían de círculos más ortodoxos se han alejado, poco a poco se están volviendo a acercar porque han entendido mi camino y lo están respetando. La trayectoria de una habla por sí sola.
Entiendo que quieras que el disco salga ahora, porque suena hecho para bailarlo y disfrutarlo. No sé si lo has hecho con esa idea.
Yo no hago eso, simplemente me ha salido así. Este es el sonido que me representa a mí hoy y por eso lo publico. En el disco hay canciones como ‘Mami’, que es una lectura crítica sobre una situación que puedo haber vivido, y otras como ‘Problemas’, que habla de un desengaño desde cierta alegría e ironía. Así, se convierte en algo que disfrutas porque existe la distancia y, cuando cuentas las cosas con distancia, las abrazas de otra manera.
«Me parece ridículo la gente que dice que no hago rap… ¡Dúchate!»
En esa diversidad no abandonas en absoluto el rap, pese a quien lo pueda sospechar. Abres con ‘Nuevas drogas’, que es muy contundente. ¿Era importante para ti mantener ese perfil tuyo?
Para mí es importante que existan todos los «moods» que yo pueda tener dentro. Yo te abro la puerta y aparecen ‘Nuevas drogas’, y luego te abro la de un garito en ‘Like’ o una habitación con una liada muy gorda, y luego otra donde está pasando otra cosa. Dentro de mí hay muchas puertas y en el disco tiene que estar todo. Me parece ridículo la gente que dice que no hago rap… ¡Dúchate! ¡Si esta soy yo! ¡Si a mí me enseñó a rapear Lola Flores! ¡Que me dejen en paz, coño!
‘Nuevas drogas’ tiene una frase muy potente, «tu oro es ahora».
Es un mensaje para los niños, para que valoren que tienen que vivir y que nadie les diga lo que tienen que hacer. Que todo es suyo. Que tienen su vida y tienen que vivirla. Ahora los niños están tan agobiados, los padres tienen unas neuras y les montan unas cárceles… Nos olvidamos que todos tenemos nuestra vida y que nos merecemos descubrirla. Cuando hablo de oro hablo de tu vida.
Creo que la gente va a flipar con ‘Superbalada‘. Quizá es una de tus interpretaciones más poderosas, y sin que en ella rapees estrictamente. ¿Cómo nace esta canción?
La escribí hace años. Era una llamada. Y hasta que no he encontrado la música con la que yo pudiera cantarla, han pasado años. Y cuando por fin la he escuchado y he cantado la letra, me ha parecido perfecta. La canción tenía que crecer, tenía que ir a algún sitio, tener un desarrollo, una explosión… porque cuenta la historia de dos vampiros que están perdiéndose la vida porque se están destruyendo mutuamente. Ella se mira al espejo y no se ve reflejada, y quiere subir a la azotea, a la luz, pero le da miedo porque sabe que se va a quemar. Pero si no lo hace, se va a quedar ahí toda la vida como una vampira…
«Este mundo es bastante triste y desolador, y cuando hablo de libertad (…) es porque siento que hay algo en mi alma que me lo pide»
El desgarro con el que cantas la canción, ¿nace de esa conexión con la producción?
La canción está diciendo «estamos aquí atrapados», y me provoca una gran alegría pensar que realmente podemos ir a otro lugar y ser libres de verdad. Este mundo es bastante triste y desolador, y cuando hablo de libertad y la busco en mis canciones, es porque siento que hay algo en mi alma que me lo pide. Hay mucho de eso siempre en todas mis canciones.
¿Quién ha producido esta canción?
Hablando de producción, yo he estado muy involucrada en todo el álbum, he estado buscando y escogiendo lo que necesitaba la letra, porque la interpretación te la está pidiendo la misma letra, y eso me lleva a buscar sonidos, tiempos, ritmos… He tenido mucha suerte porque he podido trabajar con mucha gente de muchos sitios, pero lo más curioso es que esta base es de un chico de Canarias (Nde: luego conocemos que viene firmada por Samuel Díaz), al que conocí a través de un chico de Miami (Nde: intuimos que se refiere a Franklin «El Médico» Rodríguez, co-productor del tema). Todo el álbum lo he hecho con un montón de personas que están muy lejos de mí y a las que yo ni siquiera les he visto la cara. Pero yo llevo mucho tiempo trabajando de esta manera, en ‘Malamarismo’ ya había producciones de muchos sitios, y es lo normal, porque gracias a internet se pueden hacer cosas así. Este ha sido el método desde entonces.
‘Antes de todo aquello’ y ‘Superbalada’ son similares en sonido.
Está en el mismo tono. Podríamos colocarlas en la misma habitación. Costó un rato encontrar el lugar para esa letra, pero está en ese lugar, es un lugar bastante más etéreo.
Cantas en ella «no quiero más de lo mismo, quiero más de otra cosa». ¿Esto te define como artista?
A mí me apasiona la gente que es feliz en su rutina, en su conformidad, pero yo necesito estar buscando cosas nuevas todo el rato.
«Estas canciones son «Mala» al 200%»
Has dejado un par de temas fuera a último momento, pero a la vez has tenido que elegir. ¿Has buscado darle a ‘MALA’ sentido de álbum, un concepto?
El concepto es lo que a mí me representa hoy como ser humano. Estas canciones son «Mala» al 200%. Las últimas canciones no podían entrar porque pertenecen a un proceso creativo que yo empiezo después, ya estando en confinamiento. Y me han gustado tanto que las he querido incluir, pero no ha podido ser. Imagino que ese proceso creativo seguirá creciendo y no sé si haremos un nuevo álbum o qué será de esas canciones que estamos haciendo, pero lo otro ya estaba hecho. No tengo duda de que el álbum era ese y lo que sobrara simplemente no está.
‘Gitanas’ es un tema superpoderoso, peor se ha quedado fuera.
‘Gitanas‘ es un universo en sí mismo, no podía formar parte de este disco. Fue la primera que hice en toda esta era nueva, y quería darle otro lugar. Creo que voy a hacer algo diferente con esta canción, porque la entiendo como otro mundo. Fue el encargo de una fan. La historia de esta canción es tan especial que no se pueda conformar a ningún álbum. Es en sí un trabajo único.
«Hoy en día un artista parece más un obrero que un artista»
Hace meses nos hablaste de dos colaboraciones con Alba Molina que han quedado fuera.
Alba está trabajando y haciendo cosas. Nosotras hablamos todo el tiempo. Ella no tiene ningún interés comercial, hace música y es feliz haciendo sus conciertos. Son otros tiempos.
En ‘Pena’ has puesto a cantar a Cecilio G. ¿Cómo ha surgido?
¿Has visto qué cosa más bonita de canción? Cecilio es tan grande, cuando la gente lo asimile… Es un verdadero artista. Atiende a lo que siente, y es tan honesto con su manera de entender su arte que… ahí está. No quiero parecer una crítica, pero hoy en día un artista parece más un obrero que un artista, pero él es un verdadero artista y eso es la fuente de todo. ‘Pena’ es una canción preciosa, describe una sensación muy genuina. Le dije que para el vídeo tenía que salir montando a caballo, pero luego lo hizo en el Sónar (ríe). Es lo más.
«Valoro que las chicas hayan irrumpido en la escena: esta era la siguiente conversación»
En España ha habido una subida de nivel bastante fuerte en cuanto a música urbana, electrónica… ¿Quiénes son tus raperos favoritos de la nueva generación?
Me gusta lo que hacen Ayax y Prok, Natos y Waor, pero encuentro cosas muy familiares en muchos de ellos y entiendo que han tomado un testigo. Me molan más las cosas locas que hacen Cecilio G. o Yung Beef, o en su momento PXXR GVNG, porque han roto con la movida. Pero sobre todo valoro que las chicas hayan irrumpido en la escena: esta era la siguiente conversación. Ya hemos escuchado todo lo que los chicos tenían que decir y todos los estilos en los que lo podían decir. Me ha gustado toda la hornada de tías, ¿cómo no me va a gustar? Ojalá hubiera habido tantas raperas cuando yo salí, porque yo estaba hablando sola. En mis conciertos el público era solo tíos, y yo estaba ahí contando mis paranoias, pensaba que a nadie le interesaba lo que estaba contando. Y ahora hay un montón de tías que hablan de cosas que yo entiendo. Pero me gustan muchas cosas: DANO, Mi.Amargo… Y también hay muchas niñas haciendo R&B que cantan increíble.
No te olvides de El Chino, que igual se enfada…
Es que me pongo en plan superrapper, pero está claro que DELLAFUENTE ha supuesto algo hermoso para toda la gente en Andalucía y para toda la cultura de hip-hop en España. Pero creo que a él se la suda todo esto, él está en su propia movida.
Ahora hay muchas chicas en conciertos de chicos, y chicos en conciertos de chicas…
El público ha crecido y se ha diversificado. No son solo tíos y tías, son muchas personas con vidas diferentes que solo están escuchando música que les toca el corazón. Lo más interesante es que, hoy en día, la escena urbana no es solo rap, es mucho más.
«Lo más interesante es que, hoy en día, la escena urbana no es solo rap, es mucho más»
¿Te habías visualizado alguna vez cantando una balada al piano como ‘Mami’? Yo no…
Yo tampoco. Y cuando la escribía estaba usando un ritmo de Steve Lean. Pero luego descubrí que tenía que cantarla a capela y buscarle gotitas que la adornaran, porque la letra es muy hardcore.
¿Como surgió la idea de hacerla a piano de repente?
Pensando cómo producirla, me pareció necesario encontrar un acompañamiento delicado, elegante, que no te alejara de la letra ni de la voz. La grabación es una segunda toma, y con sus defectos, me pareció perfecta.
¿Qué canción del disco es la que más te ha sorprendido más a ti misma?
Me gusta mucho ‘Peleadora’.
Esta canción se sale un poco de la tónica general del disco…
Es como la cara oculta de la luna, pero está ahí. Está to’ guapa. A Paul Boutique, el productor de esta canción, le conocí por Soundcloud. ‘Gitanas’ le parecía un banger y luego él me pasó una playlist con ritmos suyos y cuando los escuché se me cayeron las orejas. Me pregunté «¿pero de dónde ha salido este niño?» Me flipa su música, y él también es ingeniero de sonido. Es un crack.
Tiene un rollo jamaicano muy duro.
Para mí Jamaica es la primera piedra de toda la música urbana contemporánea.
Lola Indigo no podía faltar.
Ella me cae súper bien, es una niña súper valiente, es muy humilde y currante. Ha escrito todas las canciones de su disco y se ha aventurado a ir a sitios, bailar… Ella me representa mucho.
¿Estás preparando shows en vivo?
Ese tema está jodido. Los que más lo pagan son los que están atrás, los que sostienen al artista, los técnicos, las bailarinas… Esperamos poder pronto hacer un show en Madrid.
«Se dice que ser artista es dar todo el tiempo siempre, y no es así»
En las medidas que ha tomado el Gobierno en la crisis los técnicos se han quedado muy fuera…
Y todos los artistas en general, que no todos son súper estrellas que cobran millonadas en conciertos. Se dice que ser artista es dar todo el tiempo siempre, y no es así. Bueno, todos los autónomos en general…
Aún no he visto la portada del disco.
Te va a encantar. La portada dice mucho. Tenía esa imagen todo el rato. Pensaba en unas personas que me interpretan, me visualizaba exponiéndome para ver cómo se me interpreta. Con un acento muy artístico, en un entorno en el que tú entiendes que no puede haber más que arte. Tiene muchas interpretaciones, me parece muy bonita.
¿Sientes que no se te entiende?
No, yo creo que me explico bien, pero no depende de mí que se me entienda o no, creo que cada cual interpreta la cosas con lo que tiene dentro. De ahí cuando conectamos con alguien. No es malo que a uno no se le entienda, tiene que ver con una conexión.
En los últimos días ha sido imposible visitar las redes sociales sin leer mensajes de denuncia por la muerte en Minneapolis de George Floyd, un ciudadano afroamericano que el pasado lunes moría a manos de un agente de policía blanco llamado Derek Chauvin. Tras detener a Floyd, el agente decidía arrodillarse sobre su cuello durante varios minutos hasta asfixiarlo, ignorando sus súplicas. La imagen de esta escena ha dado la vuelta al mundo, y en el día de ayer, multitud de saqueos y disturbios tenían lugar en Minneapolis y en otras ciudades de Estados Unidos en protesta por la muerte de este individuo de apenas 46 años, que, por cierto, era rapero y había colaborado con el conocido productor DJ Screw.
Entre los artistas que han lamentado la muerte de George Floyd en los últimos días se encuentran Beyoncé, Billie Eilish, Snoop Dogg, Justin Bieber, Cardi B, Madonna (que ha atacado a la policía con un sonoro «fuck the police»), Ariana Grande, Megan Thee Stallion, Garbage, Chance the Rapper, Janelle Monáe o Ellie Goulding; sin embargo, ha sido un tuit reciente de Donald Trump el que ha hecho saltar a Taylor Swift, una de las artistas americanas con más seguidores entre los partidarios de Trump por su pasado como cantante de country.
En el tuit, Trump ha llamado «delincuentes» a los protestantes por la muerte de George Floyd y amenazado con recurrir a las armas para espantarlos de las calles, en un mensaje que posteriormente ha sido marcado por Twitter por «incitación a la violencia». La autora de ‘Lover‘, que se posicionó políticamente por primera vez en 2018, provocando las burlas de un Trump que aseguraba entonces disfrutar de la música de Taylor «un 25% menos», ha decidido contestar al presidente directamente para darle su opinión, etiqueta incluida.
Ha escrito: «Después de azuzar las llamas del supremacismo blanco y el racismo durante toda tu presidencia, ¿ahora tienes las agallas de fingir superioridad moral antes de amenazar con violencia? «Cuando el saqueo empieza, los tiroteos empiezan?» Te echaremos fuera en noviembre». La cantante se refiere a las elecciones presidenciales de 2020, las cuales, sin duda, estarán marcadas por la pandemia, una absoluta tragedia para un país que se precia de contarse entre las mayores potencias del mundo y ha registrado más de 100.000 muertos.
After stoking the fires of white supremacy and racism your entire presidency, you have the nerve to feign moral superiority before threatening violence? ‘When the looting starts the shooting starts’??? We will vote you out in November. @realdonaldtrump
boy pablo, una de las figuras más fulgurantes del llamado «bedroom pop» como demuestran sus espectaculares cifras en Spotify, que rondan los 30 y los 60 millones de reproducciones; y sobre el que os hablábamos hace un par de años, y más tarde debido a su confirmación a la que iba a ser la edición de este año de Tomavistas, pospuesta por el coronavirus, ha anunciado su primer disco.
El cantante noruego de origen chileno, de nombre real Nicolas Muñoz, y que a lo largo del último par de años ha triunfado con canciones como ‘Everytime’, ‘Dance, Baby!’, ‘Losing You’ o ‘Feeling Lonely’, y que en 2018 editaba el
EP ‘Soy Pablo’, ha llamado su disco ‘Wachito Rico’, una expresión chilena que se usa para describir algo «bonito» o «delicioso», y hoy lo presenta con un par de temas.
El primero es el enérgico ‘hey girl’, escrito «desde el punto de vista de un chaval que se enamora por primera vez y quiere mover ficha con esta chica, está nervioso pero al final se atreve a hablarle»; y el segundo es ‘I just wanna go home’, una balada interpretada junto a su compañera de clase Andrea, que habla sobre «hacerse mayor y dase cuenta de las responsabilidades que conlleva ser adulto». ‘Wachito Rico’ verá la luz el 23 de octubre.
Britney Spears ha sido noticia recientemente por varios motivos, desde su supuesta declaración comunista al incendio de su gimnasio por culpa de unas velas, sin olvidar el 20 aniversario de ‘Oops!…I Did It Again’, pero eso no significa que haya abandonado su carrera musical (que se sepa). De momento la ha dejado aparcada y, mientras ‘Toxic’ sigue triunfando en las plataformas de streaming y ‘Criminal’ se consolida en ellas como su hit tardío post-TikTok, la cantante ha decidido revivir la última etapa de su carrera, la de su álbum de 2016 ‘Glory’, que pasó bastante desapercibido aunque fue bien valorado por la crítica, con varias decisiones motivadas por los fans.
La primera ha sido cambiar la portada de la edición estándar de ‘Glory’ en las plataformas de streaming. Así, desde hace unos días, el álbum puede obtenerse en formato digital junto a la que iba a ser su cubierta original, un retrato de Britney arrastrada en el abrasador suelo de Las Vegas (donde entonces actuaba con su residencia de conciertos) recién liberada de unas cadenas (¿una metáfora de su vida?). La imagen es obra del fotógrafo David LaChapelle, que también se encargó del videoclip original de ‘Make Me…’, el cual, como esta portada, fue descartado.
Y la segunda decisión ha sido subir el bonus track ‘Mood Ring’ a las plataformas de streaming. Esta misteriosa producción de DJ Mustard en la onda de ‘Needed Me’ de Rihanna solo estaba disponible en la edición japonesa del álbum, pero la «demanda popular» ha provocado que por fin vea la luz en Spotify y sitios similares. Como curiosidad, ahora mismo la canción es número 1 en iTunes USA por delante de ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande, aunque sin presencia real en las playlists pertinentes, este panorama tan bizarro promete durar muy poquito.
Orville Peck, el cantante de country enmascarado, ha anunciado su primer trabajo para la multinacional Columbia Records, un EP ‘llamado ‘Show Pony’ que verá la luz el próximo 12 de junio. El artista, que está renovando el género gracias a su perspectiva gay, nada habitual ni siquiera hoy en día, da así un gran paso adelante en su carrera tras darse a conocer, la pasada primavera, con al álbum ‘Pony‘, editado por Sub Pop.
El EP incluye 6 temas, entre los que se encuentra el single ‘Summertime’, de entretenido vídeo floral. Aunque la gran curiosidad que ofrece este trabajo es ‘Legends Never Die’, un dueto con la mismísima Shania Twain. Sí, la artista de country femenina más vendedora de toda la historia. Otra curiosidad de ‘Show Pony’ es la pista final, ‘Fancy’, una versión del éxito de Bobbie Gentry.
El segundo adelanto de ‘Show Pony’ es un tema de título totalmente marca de la casa, ‘No Glory in the West’, un tema a la guitarra acústica, de hoguera, en la onda de los Elvis Presley y Johnny Cash más melancólicos. En su videoclip, Orville montando a caballo por un precioso paraje natural. Con un ojo a quienes allanaron el camino y otro al futuro, ¿ha nacido una estrella?
Mala Rodríguez se ha sacudido hoy los sietes años de espera tras ‘Bruja’ con ‘MALA‘, su esperadísimo nuevo álbum. Un disco en el que refleja a la perfección su ausencia de prejuicios y su visión cada vez más amplia dentro de las músicas urbanas. De hecho, entre temas con ecos jamaicanos y post-reggaetoneros, se ha atrevido hasta con una balada al piano como ‘Mami‘. Pero no ha abandonado, en ningún caso, el espíritu del hip hop más duro en el que se iniciaba a comienzos de siglo, como demuestra ‘Nuevas drogas’.
Y, en esa visión, María Rodríguez no deja de lado el futuro, al que parece enfocar en la impactante reinvención de sí misma que es ‘Superbalada’. Se trata de un medio tiempo impactante por varios motivos. Primero por una instrumentación que redunda en los ritmos caribeños que copan gran parte del disco que, a la vez, se ven envueltos por sintetizadores de tintes retro algo épicos (a lo M83, por ejemplo) que enfatizan las constantes subidas y bajadas de intensidad. Y después, por una de las interpretaciones vocales de La Mala más apabullantes de su carrera.
En ella, Rodríguez presume de su flow más reconocible, aderezado con cantes extrañamente dulces en ella. Pero ese perfil se va endureciendo a medida que la canción avanza y su tensión se acrecenta, hasta que explota en el estribillo con unos aflamencados «¡Camina! / ¡Y enciende la luz!», que son solo un aperitivo de un final absolutamente catártico con esos «¡Enciéndela!» repetidos con un desgarro insólito, espeluznante, que pone los pelos de punta literalmente.
En una entrevista que mantuvimos con María días atrás y que publicaremos en las próximas horas/días, nos hablaba de esta ‘Superbalada’: «Cuenta la historia de dos vampiros que están perdiéndose la vida porque se están destruyendo mutuamente. Ella se mira al espejo y no se ve reflejada, y quiere subir a la azotea, a la luz, pero le da miedo porque sabe que se va a quemar. Pero si no lo hace, se va a quedar ahí toda la vida como una vampira». Es tan obvio que es una alegoría de algo mucho más real, como que contiene versos realmente potentes que apuntan a una relación autodestructiva.
En cuanto a la producción, Mala recalca que ha estado muy involucrada en todo el proceso, y que esta canción en concreto dio muchas vueltas hasta que dio con el equipo y la base adecuadas. Finalmente fueron el productor radicado en Miami Franklin «El Médico» Rodriguez (que firma también la base y está implicado en varias canciones del disco) y un artista semidesconocido llamado Samuel Díaz (que resultaba ser el canario Equisman) los que supieron poner el color apropiado a esta historia de dos seres que, pese a «estar aquí atrapados», anhelan «ir a otro lugar y ser libres de verdad».
Como se había dejado entrever hace unos días, Bilbao BBK Live aplaza su edición de 2020, pasando a 2021, debido a «los problemas derivados de la crisis de la Covid-19». La organización puede confirmar, eso sí, la presencia de varios de los grandes nombres del cartel que esperábamos este año: Bad Bunny, Pet Shop Boys y The Killers siguen en cabeza, entre otros. Las nuevas fechas serán el 8, 9 y 10 de julio de 2021.
Atentos al comunicado: «En euskera no existe la palabra “enamorado”, existe “maiteminduta”, que se compone de dos palabras que hoy hablan por nosotros. Así que, aunque al decir Kobetamendi maiteminduta pensamos en «enamorado de Kobetamendi», en realidad estamos diciendo «herido de amor por Kobetamendi”. Porque así es como nos sentimos hoy, heridos al confirmar que este verano no tendremos Bilbao BBK Live 2020, pero enamorados de Kobetamendi, por todo lo que nos hace sentir. Sabemos que esta tristeza es compartida por las miles de personas que esperaban con ilusión su cita anual con la mágica montaña, que año a año nos espera impaciente y nos invita a evadirnos y dejarnos llevar por el goce pleno de la de música en directo. Nos sentimos muy unidos a ellas y desde aquí agradecemos su apoyo en estos momentos, y también el vuestro, los profesionales de los medios de comunicación. Cuidaos mucho, estamos deseando volver a veros en 2021».
La nota de prensa indica que «prácticamente todos los artistas han mostrado absoluta empatía y predisposición con la situación», y entre los confirmados aparte de los 3 indicados, están Bicep, Bomba Estéreo, Caribou, FKA twigs, Fontaines DC, Supergrass, El Columpio Asesino y León Benavente. Las entradas adquiridas son válidas para 2021, pero aquellas personas que no puedan acudir podrán devolverlas a través de la web del festival del 1 al 14 de junio de 2020.
Nos habíamos acostumbrado tanto a grupos que irrumpen con fuerza y, en muchos casos, luego no hacen sino decaer, que ya casi parece una rareza el caso contrario. Un caso como el de Mujeres, que ha explotado comercialmente (dentro del ámbito underground o, como poco, alternativo) más de diez años después de su eclosión, con su cuarto disco ‘Un sentimiento importante‘ y, muy especialmente –nos contaban que vendieron en 24 horas de preventa lo que en dos meses con su anterior trabajo–, con su nuevo disco ‘Siento muerte’.
Tras aquel «todo o nada» que suponía su anterior disco, apostando por la melodía tanto como por la energía y, sobre todo, con la crucial adopción de la lengua castellana como medio de expresión, este quinto disco del trío barcelonés compuesto por Yago Alcover, Pol Rodellar y Arnau Sanz hace algo más que apuntalar esa exitosa apuesta. Y lo hacen a base de enlazar «cara A» tras «cara A», como ellos se proponen. Toma disco conceptual.
Si «Un sentimiento» era algo más dispar en su desarrollo, con temas muy enérgicos en contraste con algún que otro medio tiempo y hasta algún experimento, ‘Siento muerte’ no tiene la más mínima piedad y va a degüello hasta su mismo final, donde tan solo la bonita ‘Algo memorable‘ –en cierto modo, no sorprende que suenen tan bien en un perfil semiacústico– entrega algo de sosiego… e incluso ahí pugna por colarse una guitarra cargada de distorsión, que finalmente se armoniza con teclados y coros.
Armonía es otra de las cualidades que destaca en los actuales Mujeres. No quiere esto decir que hayan dejado de lado su perfil garajero y punk, ni mucho menos. De hecho, la propia canción que da nombre al disco es uno de los números más abrasivos y brutos de su carrera, totalmente desbocados en ese final que suena a martillo pilón percutiendo. Pero sí que ellos, con la asistencia de Sergio Pérez (Svper, Joe Crepúsculo), consiguen que su idea de guitarras, bajo y batería tronando como colchón para que sus irresistibles melodías, adornadas con cuidados coros, suenen de una manera equilibrada y cristalina.
Pero esto podría quedarse en nada si no acompañaran las composiciones… y vaya si lo hacen. Si cada vez estamos más acostumbrados a discos que son dos o tres singles (con suerte) brillantes rodeados de relleno más o menos acertado, podemos imaginar que no haya sido fácil escoger qué canciones destacar como adelantos. Porque sí, ‘Tú y yo‘, ‘Besos‘ y ‘Cae la noche‘ –que además suenan así al inicio, una detrás de otra– son auténticos pelotazos que pondrían de acuerdo a tu primo el fan de Black Lips, Thee Oh Sees y Ty Segall con tu tío (o abuelo, quizá) el fan de Los Sírex, Los Relámpagos y Los Salvajes. Pero el gancho de ‘A veces golpes’ (con esos «shuap-pa-ooo» que incitarán seguro al pogo descontrolado en sus shows), ‘El momento exacto’ (ídem con esos «oh, yeah!» y, especialmente, ese puente previo al solo), ‘Auténtico colapso’ (con un desarrollo melódico que, aunque no lo parezca, está lleno de giros y sorpresas) y ‘Todo bien’ («una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa» como mantra) les van a la zaga. Y no es un decir. Hasta ‘Un gesto brillante’ se convierte tras su engañosa intro pausada, en otro de sus «golpes de afecto».
«Poderosos golpes de afecto», como reza la reconocible imaginería de Pol en la portada, en los que, gracias a esa luminosidad musical, destaca la voluntad de extraer belleza a través de sus letras (que parecen prístinas, pero están llenas de enigmas) sobre «un mundo que se destruye», tal y como indica una pequeña etiqueta en la cubierta de la edición CD. Halos de esperanza en el amor y en los sueños que, pese a todo, no terminan de desvanecerse en una situación cruel de precariedad, injusticia y falta de entendimiento. Porque cantando y bailando todo es mejor.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Tú y yo’, ‘Besos’, ‘Cae la noche’, ‘A veces golpes’… y así hasta el final. Te gustará si te gustan: los primeros Black Lips, The Parrots, Los Sírex. Escúchalo:‘Tú y yo’ en Youtube, Bandcamp
A tenor de la playlist Ready for the Weekend, parece claro que en este último viernes del mes de mayo parece que la industria de la música se ha desperezado definitivamente, sobre todo con la llegada de ‘Chromatica’ de Lady Gaga, pero también con la publicación del nuevo disco repleto de invitados estrella de Anuel AA. Hasta Ricky Martin ha regresado, con un EP también plagado de colaboraciones. Y en el ámbito nacional, Mala Rodríguez, Bunbury, Sr. Chinarro y Mujeres –nuestro Disco de la Semana– conforman un poker de lanzamientos igualmente importantes. Además Diplo (bajo su alias pseudo-country Thomas Wesley), Four Tet (con un proyecto de nombre completamente irreproducible e impronunciable, y no es un decir), Nicole Atkins, Sébastien Tellier, Deerhoof, Kygo, The Toxic Avenger, Frida Sundemo, Lil Yachty, Guaynaa, Freddie Gibbs & The Alchemist, el jovencísimo conjunto tweepop Fred Fredburguer, el joven trío británico Vistas, la mexicana Chiquis (con un ‘Playlist’ que incluye una inesperada revisión de ‘Jolene’ junto a Becky G), el exitoso powfu y el regreso de Jarabe de Palo tienen nuevas referencias en forma de álbumes o EPs.
Y si bien la semana había estado algo desangelada en cuanto a lanzamientos realmente fuertes –hemos destacado los singles de Melanie C, Maga, Rival Consoles, Cigarettes After Sex…–, a última hora de ayer Rosalía y Travis Scott entregaban su esperado single conjunto, ‘TKN‘. Ya hoy, la australiana Tones And I, Gang Of Four (el grupo británico anuncia la próxima publicación de un EP con las últimas grabaciones de Andy Gill, previas a su fallecimiento), The Flaming Lips, Bright Eyes, Dream Wife, Dellafuente, Nathy Peluso, Orville Peck, Rita Indiana, Chucho, Boys Noize, Ella Eyre, The Lemon Twigs, Soko, Maverick Sabre, Natos y Waor, Systema Solar, Feroe, Gabriel Garzón-Montano, Odina, boy pablo, Sevdaliza, Celeste, Duckwrth, Lois, Dolly Parton, Ilegales, Lenny Kravitz, Yung Beef, Raúl Querido, Elettra Lamborghini, la triunfitaAnaju y muchos más.
No faltan curiosidades como un álbum en directo en los estudios Electric Ladyland de The Raconteurs, una versión de John Denver que reúne a Whitney y Waxahatchee, otra de Clara Luciani para un disco que homenajea a Guy Béart, un tema benéfico de Neil Finn con coros de nada menos que Christine McVie y Stevie Nicks (las Fleetwood Mac, de nuevo juntas en una grabación), más remixes de Róisín Murphy y The Killers, este a cargo de los británicos Clean Bandit.
Cuando los usuarios del foro de Lady Gaga titularon el hilo del nuevo disco «el parto más largo del mundo» seguramente no se esperaban que una pandemia retrasara el álbum incluso una vez anunciado, pero el caso es que al fin está en el mercado digital de manera oficial y, pese a lo que sucedía con el primer single ‘Stupid Love‘, sin filtraciones significativas. El álbum tampoco se ha pasado a la prensa, ni siquiera a la anglosajona, a tenor de la ausencia absoluta de críticas previas, probablemente para evitar filtraciones, a la caza del efecto sorpresa, y también para evitar a la crítica más sibarita, a la cual ‘Chromatica’ no se dedica.
Se venía diciendo tiempo que este disco de Lady Gaga sería más electrónico, y aunque SOPHIE es la gran ausente del álbum -y mira que habría encajado en ‘911’ o en un tema que decide llamarse ‘Plastic Doll’-, la producción de BloodPop y BURNS, con colaboraciones puntuales de Skrillex o Axwell, lo lleva a sonar claramente como una reacción a la era ‘A Star Is Born’. Es decir, los 6 millones de copias despachados por su banda sonora -y subiendo- no han sido una presión para la artista, aquí concentrada en recuperar el espíritu de sus inicios. Sé que hay guitarras porque las estoy viendo acreditadas en casi todos los temas en Tidal, pero parecen en segundo o tercer plano: el AOR de ‘Born This Way’, el folk de ‘Joanne’ y toda forma de balada quedan para otra ocasión. Un dato es que Elton John aparezca en la canción que va pasando de lo intimista al trance, y del trance al jungle, una ida de olla llamada ‘Sine from Above’.
También quedan atrás exabruptos que te tiran fuera del disco nada más empezar, como ‘Aura’, o a la mitad, como ‘Jewels ‘N Drugs’ y ‘Dancin’ In Circles’: este es el disco más cohesivo de Lady Gaga desde ‘Born This Way’, pero además es muchísimo más corto que este. Con solo 43 minutos de duración pese a las 16 pistas (hay varios interludios orquestados de corte narrativo), es el álbum más dinámico de la artista desde ‘The Fame Monster’. Como revelaba una interesante playlist oficial de influencias, que lamentablemente ha desaparecido de Spotify, el álbum está concentradísimo en el techno-house y en el piano-house (‘Free Woman’, ‘Enigma’) de principios de los 90. Nombres como Technotronic, Corona, C + C Music Factory o SNAP! vienen a la mente.
Aunque sabemos que BloodPop es muy capaz de ello, Gaga no ha puesto en todo esto un punto sofisticado a lo ‘Overpowered’ de Róisín Murphy, ni lo ha actualizado de manera sutil. Stefani quita el «future» a ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa para sustituirlo por su sello personal, más borrico, lo cual no tiene por qué ser negativo. ‘Overpowered’ no es que vendiera mucho ni recibiera premios después de todo, así que para qué imitarlo, ¿para que te inviten al Primavera Sound? Como decía nuestro compañero Jordi Bardají a raíz de ‘Stupid Love’, «suena desfasado pero eso no le impide ser muy divertido».
Por un lado, es cierto que esta entrega es mucho menos «Grammy material» que ‘Joanne’. Por otro, con una media de 3 minutos por tema, este es el disco que puede darnos este verano lo que Eurovisión no ha querido. El álbum empieza con un tema muy disfrutable, ‘Alice’, y termina con otro llamado ‘Babylon’ que se despide con toda la calma, entre referencias disco, góspel y un saxo que, si Gaga fuera española, diría que es un homenaje a ‘Deja de bailar’ de Dinarama (los tiempos en que Carlos Berlanga se obsesionó con el post-disco de principios de los 80). Ajenas a lo que pueda traer la crítica, canciones como ‘Replay’ tienen tan claro su cometido en esta vida como toda la discografía de Jimmy Sommerville.
Este viernes se publica ‘Posible’, el nuevo álbum de Enrique Bunbury, que ha tenido que ser retrasado debido a la pandemia del coronavirus. Se trata de un disco oscuro, electrónico y contemplativo que en su primera mitad aglutina los sencillos que hemos ido conociendo durante estas semanas, y en la segunda una serie de temas personales y críticos. Unos están llenos de confesiones. Otros podrían ser polémicos. Sobre todos ellos hemos preguntado al artista, que de nuevo ha optado por intercambiar con nosotros preguntas y respuestas vía e-mail, estirándose con las respuestas al menos, llegando a donde muchos otros no arriesgarían.
La primera al menos la puedes copiar y pegar de otra entrevista (en serio). Es para nuestros lectores que no leen la prensa generalista ni te siguen habitualmente. ¿Qué tal estás? ¿Dónde has vivido el confinamiento?
¡Ay, te lo agradezco! Pero no hace falta copiar nada. Por de pronto aplaudo su buen gusto al no leer la prensa generalista, su salud mental lo agradecerá. Estoy razonablemente bien. En mi casa. En Los Ángeles. Supongo que, como todos, pasando días de mejor y peor humor. Unos más zen, otros más enfadado, otros más triste.
A nivel profesional está claro cómo te ha afectado, con el retraso de disco y gira, hasta de 1 año. ¿Pero cómo han sido estos dos meses para ti encerrado a nivel personal? ¿Has descubierto un lado de ti que desconocías? ¿Ha sido un bonito reencuentro contigo mismo, una manera de conocerte mejor o más bien desquiciante?
En principio, cuando aquí hablaron del «Lock Down», hablaron de dos semanas, así que pensamos que un retraso razonable del disco no sería tan terrible. Cuando empezaron a pasar los días y el encierro se alargaba, consideramos que el disco debía salir sí o sí. Finalmente el álbum se retrasó solamente un mes. La gira en cambio, sí que ha sufrido más. Normalmente, no salgo mucho. Me dedico a leer, pintar, escribir, tocar el piano o la guitarra… Básicamente, lo mismo que he hecho estos días de encierro obligatorio. Creo que tener un espíritu creativo e introspectivo, me ha ayudado a que este periodo no resultara extremadamente duro. Lo estoy sintiendo más por nuestra hija. Desde la perspectiva de los niños, está siendo aterrador. Puedes intentar hacer de Roberto Benigni en ‘La Vida es Bella’; pero quizás no soy tan buen actor o quizás la situación se cuele por todas las rendijas de nuestras vidas.
El disco parece dividido en 2, entre las canciones más accesibles y una segunda mitad menos accesible pero con un montón de frases lapidarias sobre las que te van a preguntar mucho. Lo sorprendente es que ese lado más «personal» que decía la promo se refiere sobre todo a tu yo social, ¿no? A tu vida como cantante de rock… ¿Es todo lo personal que puedes ser escribiendo o entendemos que ser cantante lo es todo para ti?
No había pensado en esos términos cuando escribía el álbum. Quizás lo parezca por canciones como ‘Como un millón de dólares’, en la que precisamente no hablo de mí. O quizás sea cierto que lo profesional y lo personal se entremezclan. Para mí, la creación, lo artístico, es uno de los pilares de mi vida, y simular como que ir a por el pan o las reuniones de padres del colegio de mi hija, forman parte sustancial de mi forma de ser y sentir, sería una boutade.
Sobre la cita a Nick Cave del single ‘Deseos de usar y tirar’, un par de preguntas: ¿cuál es el origen de ese «tú no eres tu pasado»? Pensé que podría ser alguna frase suya, pero no la localizo… A su vez, ¿puede ser una referencia a la presión que ejerce para ti Héroes del Silencio?
Siempre escuché que somos quienes somos por nuestras circunstancias, culturales, genéticas, nuestras vivencias y el peso de nuestras acciones pasadas. La frase a la que te refieres («Tú no eres tu pasado») me parece absolutamente liberadora. Pensar que eres capaz de sobrellevar, olvidar, vivir con acciones de tu pasado que han pesado y han estado en tu mochila durante tiempo, condicionando tus acciones presentes, me parece maravillosamente esperanzador. Todos tenemos heridas sin cicatrizar. El hecho de pensar que es posible, ya te permite vivir más ligero de equipaje. No pensaba necesariamente en haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud. De hecho hace ya tanto tiempo, que me parece otra vida, una encarnación anterior.
¿No es un poco raro que referencies a Nick Cave en uno de tus discos menos Nick Cave?
No sé. ¿Es raro citar a Nick Cave? y ¿Es este mi disco menos Nick Cave? Algunos dicen que es mi disco más oscuro. Yo sigo pensando que todavía no es lo suficiente.
«Haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud me parece otra vida, una encarnación anterior»
«Quizás no haya vivido como debiera / quizá haya bebido de más» es una frase de ‘Arte de vanguardia’. ¿Qué opinas de la relación del consumo del alcohol con el mito del rock’n’roll? ¿Se ha mitificado con lo destructiva que ha demostrado ser? Incluso no sé si estás siendo irónico o estás bromeando con un título tan de alto copete como ‘Arte de vanguardia’…
¡Ay, los mitos y costumbres! El alcohol, más que pertenecer al mito del rock’n’roll, pertenece a la dieta mediterránea. Es cierto que los británicos también empinan el codo de lo lindo, pero España está a un nivel muy competitivo. No necesitamos que venga Ozzy Osbourne a explicarnos los placeres de la Guinness. En mis textos siempre se cuelan bromas que supongo pertenecen al ámbito privado. Sé que mi carrera como humorista no ha sido lo suficientemente valorada y que tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto.
El cénit de esta canción es un momento muy autoafirmativo en el que reconoces que quieres «vivir tan al margen de todo como puedas». Me ha recordado a ‘Los asquerosos’ de Santiago Lorenzo. ¿Te representa ahora mismo o simplemente es una facción de ti?
No leí ‘Los Asquerosos’, ¿me la recomiendas? De todas formas, sí, «Vivir tan al margen de todo como pueda» me representa bastante. Intento ser consecuente con esa frase. Huyo de leer la prensa y ver telediarios. Intento recibir exclusivamente la información cultural que me interesa. Y tengo unos cuantos blogs que considero afines a mi sentir para informarme de los temas que me interesan. He comprobado que es muy sano para tu dieta evitar entrar en los debates de crispación política. Y puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump. Se podría decir que de política empiezo a ignorarlo todo.
«Tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto»
‘Como un millón de dólares’ parece una crítica a la obsesión con las apariencias y el egocentrismo. A la era Instagram, vaya, que hasta sale mencionado. ¿Te inspiras más en horrores que has visto de primera mano en el mundo de la fama o en lo locos que nos hemos vuelto con esta red la gente de a pie?
Los Ángeles, hasta ahora, ha sido lugar de peregrinación de muchos jóvenes con ganas de encontrar su hueco en el mundo de la música o del cine. Es (o era) un lugar donde podías acceder a desarrollar tu trabajo a cualquier nivel, desde lo más underground e independiente, al nivel máximo de glamour y celebridad. Y, cómo no, hemos visto a much@s venir con un propósito y distraerse con otros. La celebridad vacía, el querer mostrar algo que sólo existe en su instagram, es el pan nuestro de cada día. En cualquier ciudad del mundo, pero aquí, quizás ves de manera más radical, quién se contenta con la superficie y quién insiste en profundizar en el objetivo de su vocación.
En una línea parecida, ‘Los términos de mi rendición’ habla de quienes confunden «explotarse a sí mismo» con «realizarse». Afirmas haber «renunciado a demasiado en los últimos años» a cambio de un «modesto resultado». ¿Por qué te parece «modesto» el resultado? Ya en una entrevista anterior nos decías «me gustaría gustar a mucha más gente». Este mes han escuchado temas tuyos 2,6 millones de personas solo en Spotify, ¿a cuánta gente más te gustaría llegar?
Escuchando la obra ajena siempre parece que no has llegado a los niveles a los que aspirabas. A mí, por más que me esfuerzo, siempre me deslumbra (¡¡y deprime!!) el talento de tantos artistas a los que sigo y escucho con admiración y respeto. Todo resultado que consiga, con respecto a lo que escucho por ahí, siempre me parecerá modesto. Cierto es que tengo quien aprecia mi trabajo y estoy muy agradecido porque me permiten continuar aprendiendo y creciendo. Y sí me gustaría gustar más. Entiendo que, en realidad, a todos los músicos y artistas del mundo, lo que nos gustaría sería no disgustar a nadie, que todo el mundo apreciara el esfuerzo y cariño que pones en tu obra y que, quien te descubriera, te apreciara. Pero, no te pienses que vivo en el valle de los unicornios, sé que el mundo no es así. Y que lo que he conseguido es mucho más de lo que se considera un éxito standard.
«Puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump»
La última frase del disco es «tumbado en el parque me da la impresión de que no me pierdo ya nada». No sé si es un poco pesimista, hay algo de aceptación o es un poco como el meme de «old men yelling at cloud»… Por otro lado, es un pedazo de final de disco y de carrera si te diera por retirarte. Que ojalá que no, ¡pero es que suena a eso!
Creo que la canción tiene un poco de decepción, otro de esperanza y otro tanto de indiferencia. ¡No sabes cómo agradezco eso de «pedazo de final de disco o de carrera»! Viviendo los momentos que estamos viviendo, uno no sabe claramente qué es lo que nos espera a la vuelta de la esquina. No quiero ser pesimista, pero sí que estoy preparado psicológicamente para hacer algunas cosas por última vez.
Realmente es fascinante que con todo lo que hay aquí, el disco sea tan electrónico, ¿por qué has ido hacia ahí con todo este sentir? Hay partes un tanto New Order, Bowie (otra vez), Talking Heads, Talk Talk, Field Music, incluso Fangoria en el rollo electrobolero… ¿Quiénes han sido tus referentes esta vez?
¡No sabía que Fangoria hiciera boleros! ¡Tendré que revisar su discografía! No he tenido referentes claros a la hora de hacer este disco. Tampoco escucho mucha música de otras épocas en mi vida cotidiana. Escucho mucha música, pero casi siempre del año en curso. Por ejemplo, me han gustado mucho el disco de Billie Eilish y el último de Lana del Rey, o sea que a lo mejor fueron mi inspiración para este nuevo álbum.
A raíz del vídeo inspirado en ‘Twin Peaks’, ¿viste la última temporada? En caso negativo, ¿por qué? En caso afirmativo, ¿de qué manera la disfrutaste? ¿Te has documentado o has pensado mucho después en su posible significado o la has disfrutado más en lo estético y en disfrutar de Lynch?
Claro, vi la tercera de Twin Peaks, en su momento, que creo fue el 2017. Estoy deseando volver a verla, porque el recuerdo que tengo es el de ver algo poco común. Arte puro. Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón.
«Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón»
El comunicado de aplazamiento de gira es bastante duro, consideras «inaceptable» la «nueva normalidad» y explicas que los conciertos en formatos reducidos en «cuanto a aforos, distancias de seguridad» no te parece «viable» ni «realista». Es decir, no solo lo rechazas como opción personal, porque no te guste, sino que hablas en general, ¿verdad? Últimamente se apela a la imaginación por nuevos formatos, nuevas maneras de aproximarse a la música en directo, pero interpreto que para ti 1) no se va a dar y/o 2) eso no te puede parecer un concierto de verdad…
Es un comunicado de mi oficina de management, que suscribo totalmente. Es una opción personal. Mis giras tienen unas características concretas. Tenemos un tramo Latinoamericano, otro por Estados Unidos, otro por España y por Europa. Las diferentes normativas que van apareciendo en los distintos países y las que se intuyen, no parecen propuestas por gente que se dedique a la promoción de conciertos. Las dificultades en las fronteras para personal y carga, la reducción de aforos a un tercio, la distancia social… Por no hablar del autocine y otras medidas de ciencia ficción o de Grandes del Humor. Cada uno que haga lo que quiera, que para eso vivíamos en un mundo más o menos libre; pero con esas condiciones, mi gira es absolutamente inviable. Para empezar y para poner una causa que todo el mundo entiende, no es posible desde el punto de vista económico. Por no hablar de temas profesionales y logísticos que pueden escapárseles a algunos. Por otro lado, en mi opinión, debemos tener mucho cuidado con aceptar algunos cambios que nos pretenden colar como inapelables.
En una visión optimista de este asunto, ¿es posible que el público aprecie este año más el placer y el valor de la música grabada? Parece que durante años todo el foco ha estado en la música en directo, en la experiencia en directo, como si no hubiera trabajo detrás de todo lo demás.
A mí me gusta mucho la música en directo, pero si recapitulo, los discos que he escuchado me han dado mayor satisfacción que los conciertos a los que he ido.
«Hay mucho asusta-viejas. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros»
¿Qué crees que quedará de la industria si realmente no se pueden organizar conciertos hasta otoño de 2021 como sugieren algunos expertos y seguimos pasando de comprar discos o hasta de pagar por el streaming?
¿Expertos en qué? Hay mucho asusta-viejas en los mainstream media. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros. O sea que excepto Vetusta Morla, todos los demás deberíamos poder empezar nuestras giras en julio.
En estos tiempos en que todo es tan fugaz y pasajero, ¿crees que la gente seguirá queriendo ir en 2021 a la presentación de discos que han salido en 2020? No hablo de tu caso, que tienes una base de fans sólida, sino de más bien artistas de tamaño medio.
Ya, te entiendo perfectamente y tienes toda la razón. Supongo que tendremos que grabar más.
¿Tú mismo, crees que te apetecerá presentar este disco dentro de un año y medio? Sé que no son tus ritmos, pero son tiempos convulsos y raros. ¿Es hasta descartable que en octubre de 2021 tengas canciones grabadas nuevas?
Quizás antes.
Rosalía estrena su nuevo single junto a Travis Scott, ‘TKN’, el cual estaba grabado -vídeo incluido- antes del confinamiento, pero que ha tenido que retrasar debido a la pandemia de la covid-19, porque no le parecía correcto publicar un tema así en esta circunstancia. En su lugar, lanzaba la balada ‘Dolerme’. El single aplazado había sido anunciado como un tema más orientado a las discotecas, y su vídeo es una producción de Canada de los tiempos en que en los videoclips se podía tocar a otras personas, como se puede apreciar en Instagram. Una reliquia en este momento.
Habla Rosalía: «Travis es un artista al que he admirado mucho desde el principio de su carrera y no me puedo imaginar un artista mejor con el que colaborar para esta canción». Según Sony, «los artistas nos advierten de que la confianza real solo se gana con el silencio», realzando la frase “you better not break the Omertà”.
El tétrico vídeo, pájaro muerto incluido, tiene una temática más particular que universal como ‘Juro que’. De alguna manera, podrían formar parte de la misma turbia historia por completar, quizá el tercer disco de Rosalía. Ahora pasamos de una prisión a un núcleo familiar donde hay «capos» y también encontramos a Rosalía como “mamá” de una tropa de niños.
‘TKN’, de apenas 2 minutos de duración, supone la oportunidad de Rosalía de alcanzar por primera vez el Billboard Hot 100 con el que es uno de los raperos más exitosos de Estados Unidos, el autor de ‘Astroworld‘. Hasta ahora la cantante catalana ha conquistado las listas latinas de Norteamérica, pero no las generales, ni siquiera tras haber actuado junto a Ozuna en los Premios MTV -donde presentaba ‘Yo x Ti, Tu x Mi’ y ‘Aute Cuture’- y en los Grammy -donde presentaba ‘Juro que’ y ‘Malamente’-. Veremos si esta canción en Spanglish, que han coproducido Rosalía, El Guincho, Sky (mano derecha de J Balvin) y Tainy (mano derecha de Bad Bunny) corre mejor suerte. Quizá, para ello, le falte algo de contexto…
Kylie Minogue, que hoy 28 de mayo cumple 52 años, ha confirmado en una entrevista con GQ que su próximo álbum, el decimoquinto de su carrera, llevará el título de ‘Kylie’. Es decir, como su debut de 1988. De mantenerse definitivamente este título, que no parece provisional, ‘Kylie’ sería el tercer trabajo de la cantante titulado con su nombre: su disco de 1994 se llamaba de hecho ‘Kylie Minogue’, y el de 1998, originalmente ‘Impossible Princess’, hubo de titularse de igual manera en Reino Unido ante la muerte de la princesa Diana de Gales. La práctica, en cualquier caso, no es nueva: otros artistas a lo largo de la historia publicaron varios álbumes homónimos a lo largo de sus carreras, de Aretha Franklin a Weezer pasando por Caetano Veloso.
En la misma charla, la cantante australiana explica que se encuentra trabajando en un nuevo álbum de «música disco madura» porque «también la gente adulta necesita divertirse». El confinamiento le ha motivado a componer canciones «escapistas», y a la artista no se le escapa que la música disco, así como el sonido del pop de los primeros años 2000, está protagonizando actualmente un «revival» en las listas de éxitos gracias a artistas como Dua Lipa, Lady Gaga o Doja Cat. La artista asegura estar explorando estos sonidos en su nuevo álbum.
La noticia de un regreso de Kylie a la música disco, después de su incursión en el country con ‘Golden’, no puede ser más positiva para quien cuente ‘Fever‘ entre los mejores discos de pop de la historia, o tenga en similar estima trabajos como ‘Light Years‘ o ‘Aphrodite‘. Es prácticamente inconcebible entender la música disco contemporánea sin Kylie Minogue, a quien Dua Lipa ha citado como su mayor influencia, y con las canciones adecuadas, Kylie podría volver a dejar su huella en el «zeitgeist», como ya ha hecho tantas otras veces.
Lady Gaga publica su nuevo disco, ‘Chromatica’, este mismo viernes 29 de mayo. Sin embargo, la cantante ha decidido adelantar unas horas ‘Sour Candy’, su colaboración con la girl band coreana BLACKPINK, quizá con razón del masivo seguimiento que los grupos de pop surocoreanos tienen en todo el mundo.
Esta producción de apenas 2 minutos y 38 segundos de Bloodpop y BURNS, dos de los responsables principales de la música de ‘Chromatica’, vuelve a presentar un ritmo de house noventero clásico, como ya ha hecho el éxito ‘Rain on Me’ junto a Ariana Grande. Sin embargo, el estilo de ‘Sour Candy’ es un poco más radical, más pensado para la pista de baile, y, por sonido, puede remitir a ‘Swish Swish’, el hit house de Katy Perry y Nicki Minaj de 2017. Al contrario de lo que se rumoreaba, ‘Sour Candy’ NO samplea ‘Maneater’ de Nelly Furtado, pero sí destaca por dejar totalmente el protagonismo a las surcoreanas en su primer minuto.
En las últimas horas, debido a una temprana filtración (todavía no es 29 de mayo ni en Australia ni en Nueva Zelanda, ni tampoco en Corea del Sur) varios títulos de canciones de ‘Chromatica’ están siendo «trending topic». En nuestros foros ya hay debate abierto en torno al álbum, que sucede a ‘Joanne‘ y a la exitosísima etapa de Gaga con ‘A Star is Born‘.
¿Es una casualidad que hayan coincidido en fecha de publicación ‘A Steady Drip, Drip, Drip‘ de Sparks y ‘¿De qué se ríen los españoles?’ de Hidrogenesse? Seguramente sí, porque el destino es así de retorcido y puñetero cuando quiere. Pero qué feliz y apropiada coincidencia, que maestros y discípulos publiquen nuevos discos a la vez, y que sus escuchas sirvan para comprobar hasta qué punto pueden entrelazarse artistas de distintas generaciones. Y si puede que el disco número 24 de los hermanos Mael no sea el mejor de su carrera pero sí sirve para certificar su carácter incombustible y su genio, aunque este trabajo de Genís Segarra y Carlos Ballesteros se pueda entender como poco más que una anécdota, lo cierto es que, en su ámbito y dimensión, es equiparable en estatus a ese trabajo de sus confesos referentes.
Porque sí, estamos ante un trabajo que se enmarca como parte de una exposición dedicada a 100 años de humor absurdo en España, partiendo de la obra literaria y audiovisual de Ramóm Gómez de la Serna hasta los memes de Internet, pasando por Berlanga, Gloria Fuertes, Martes y Trece, Chiquito de la Calzada o Muchachada Nui. Carlos y Genís recibieron el encargo de dar soporte musical a una de las etapas de la exposición, dando lugar a cuatro piezas que suenan como una única pista y que condensan, en unos 12 minutos, todas esas distintas etapas del chiste «en contra de la lógica y de la realidad», como ellos mismos cantan. Es lo que se concentra en la cara A del maxi que han editado, convirtiendo este trabajo tan singular en otro eslabón de su discografía, apenas un año después de ‘Joterías bobas‘ y conectando con otras obras temáticas de su carrera como ‘Un dígito binario dudoso‘.
Desde el punto de vista sintético de cara a la exposición, es estupendo, en tanto que se las ingenian para condensar el amplísimo trasfondo de la expo en tiempo récord. Especialmente gracias a la propia canción ‘¿De qué se ríen los españoles?‘, que a ritmo de «disco novelty» y con la ayuda de artistas cercanos (discípulos, a su vez, de la visión pop del dúo barcelonés) como Marc Ribera (Doble Pletina) y Elsa de Alfonso, prácticamente glosa el espíritu de la exhibición con apenas algunas pinceladas, citando a Faemino y Cansado, Unamuno, Eugenio o sampleando un cacareo de Gómez de la Serna. Y, de paso, dan una pista de hasta qué punto ese absurdo ha influido en su propia carrera, repleta de figuras delirantes y desconcertantes entre la fantasía y la cotidianidad.
El que lo titula es el gran tema que se extrae de este disco, pero sus satélites dan también cuenta de su capacidad para crear algo fascinante de una cosa tan peregrina como las onomatopeyas de un célebre sketch del añorado Pepe Rubianes, en este caso poniéndose el disfraz de Moroder para crear una pieza de electrónica espacial… que es un perfecto preámbulo a la fanfarria de organillo de ‘Empanadilla de Móstoles’, que contrapone su tono solemne con frases de Chiquito, Martes y Trece o Los Ganglios. En esos vaivenes, el desopilante ‘Pasodoble de los esqueletos‘ de Miguel Mihura y Daniel Montorio no suena nada marciana, sino todo lo contrario: coherente en extremo.
La cara B de ‘¿De qué se ríen los españoles?’ sí se queda en poco más o menos que una curiosidad. Quizá destaque, por insólito, el monólogo armonizado de la menos reconocida María Dolores de la Fe, escritora y humorista canaria que defendía con chanza que Colón era una mujer. El a capella y la base instrumental de organillo de «Empanadilla» son accesorios, mientras que la versión «swinging london» del corte titular se agradece, fundamentalmente, como recordatorio de ese espíritu que alimentaron Saint Etienne (entre otros) a principios de los 90. Pero son complementos que se agradecen para dar entidad como maxi-single a este ‘¿De qué se ríen los españoles?’ cuya existencia está justificada, aunque solo sea para recordarnos de la fortuna que tenemos de vivir el tiempo de Hidrogenesse.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘¿De qué se ríen los españoles?’, ‘Pasodoble de los esqueletos’, ‘Empanadilla de Móstoles’ Te gustará si te gustan: Sparks, Chico y Chica, Joe Crepúsculo. Youtube:medley de ‘¿De qué se ríen los españoles?’
Lady Gaga ha publicado este viernes su nuevo disco, ‘Chromatica’, con enorme éxito comercial y de crítica. Por un lado, tiene el número 1 asegurado en Estados Unidos, con unas 275.000 copias previstas para los 7 primeros días, y en Reino Unido, con unas 50.000. En España tendrá que pelear con Anuel AA, en cuyo álbum hay una rima de Gaga con «traga» y Bradley Cooper con «escupe», a cargo de Bad Bunny, que ha levantado ampollas este fin de semana. Por otro, las críticas están siendo exactamente las mejores de toda la carrera de Germanotta, con el álbum posicionado en Metacritic con un 81/100, tras haber recibido 4 estrellas de The Guardian o el NME. Sólo Slant Magazine ha cuestionado el álbum y Pitchfork, tras asegurar que algunas letras «son tan malas que podrían ser buenas», ha dado al álbum un 7,3/10 cuando no había reseñado siquiera ni ‘Born This Way’ (2011), ni ‘ARTPOP’ (2013) ni ‘Cheek to Cheek’ (2014).
Sr. Chinarro ha publicado este viernes ‘
Las redes sociales arden en el último par de días con mensajes de todo signo en torno a la muerte de un hombre afroamericano llamado George Floyd en Minneapolis, Minnesotta, mientras estaba en custodia policial tras ser detenido, provocando la indignación de muchos, especialmente después de que otros dos fallecimientos en circunstancias similares –los de Ahmed Arbery y Breonna Taylor– tuvieran lugar unos días antes. El supuesto homicida de Floyd, el agente Derek Chauvin, ha sido 
The 1975, una de las bandas más representativas del siglo XXI por su capacidad para asimilar vorazmente diversos estilos y géneros, sin interés por buscar un sonido realmente propio, acaba de publicar otro de esos discos larguísimos que define su propuesta en un 200%. Y aunque ‘
Josef Salvat, el cantante australiano de apellido catalán que 
Ayer coincidían como lanzamientos musicales más importantes a nivel global (y comercial, obviamente) los nuevos discos de Lady Gaga, ‘
Como sabréis, ‘Siento muerte’ es nuestro Disco de la Semana. El quinto trabajo de 
«Si te soy sincera, no esperaba que ‘Risk It’ fuera a polarizar tanto. Me sorprendió que hubiera tanta gente a que le dejara atónita y pusiera todo el foco en el “pitch” de la voz. Es que yo escucho mi voz tantísimo que para mí era emocionante escucharla de manera tan diferente por una vez. Pero aun así, sigue siendo una de mis canciones favoritas del disco. Todavía me vuelve loca, ese reverb; me parece una muy buena canción para presentar el nuevo disco, así la gente ya entiende que este va a ser muy diferente a los anteriores». Son 
En los últimos días ha sido imposible visitar las redes sociales sin leer mensajes de denuncia por la muerte en Minneapolis de George Floyd, un ciudadano afroamericano que el pasado lunes moría a manos de un agente de policía blanco llamado Derek Chauvin. Tras detener a Floyd, el agente decidía arrodillarse sobre su cuello durante varios minutos hasta asfixiarlo, ignorando sus súplicas. La imagen de esta escena ha dado la vuelta al mundo, y en el día de ayer, multitud de saqueos y disturbios tenían lugar en Minneapolis y en otras ciudades de Estados Unidos en protesta por la muerte de este individuo de apenas 46 años, que, por cierto, era rapero y había colaborado con el conocido productor 
boy pablo, una de las figuras más fulgurantes del llamado «bedroom pop» como demuestran sus espectaculares cifras en Spotify, que rondan los 30 y los 60 millones de reproducciones; y sobre el que 
Britney Spears ha sido noticia recientemente por varios motivos, desde su 
Orville Peck, el cantante de country enmascarado, ha anunciado su primer trabajo para la multinacional Columbia Records, un EP ‘llamado ‘Show Pony’ que verá la luz el próximo 12 de junio. El artista, que está renovando el género gracias a su perspectiva gay, nada habitual ni siquiera hoy en día, da así un gran paso adelante en su carrera tras darse a conocer, la pasada primavera, con al álbum ‘
Como se había dejado entrever hace unos días, Bilbao BBK Live aplaza su edición de 2020, pasando a 2021, debido a «los problemas derivados de la crisis de la Covid-19». La organización puede confirmar, eso sí, la presencia de varios de los grandes nombres del cartel que esperábamos este año: Bad Bunny, Pet Shop Boys y The Killers siguen en cabeza, entre otros. Las nuevas fechas serán el 8, 9 y 10 de julio de 2021. 
Nos habíamos acostumbrado tanto a grupos que irrumpen con fuerza y, en muchos casos, luego no hacen sino decaer, que ya casi parece una rareza el caso contrario. Un caso como el de Mujeres, que ha explotado comercialmente (dentro del ámbito underground o, como poco, alternativo) más de diez años después de su eclosión, con su cuarto disco ‘
A tenor de la playlist 
Cuando los 
Rosalía estrena su nuevo single junto a Travis Scott, ‘TKN’, el cual estaba grabado -vídeo incluido- antes del confinamiento, pero que ha tenido que retrasar debido a la pandemia de la covid-19, porque no le parecía correcto publicar un tema así en esta circunstancia. En su lugar, lanzaba 
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Kylie Minogue, que hoy 28 de mayo cumple 52 años, 
Lady Gaga publica su nuevo disco, ‘Chromatica’, este mismo viernes 29 de mayo. Sin embargo, la cantante ha decidido adelantar unas horas ‘Sour Candy’, su colaboración con la girl band coreana 
¿Es una casualidad que hayan coincidido en fecha de publicación ‘