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El mambo de autoafirmación de Yung Beef y amigos

Por
Sebas E. Alonso
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Yung Beef ha pasado 2020 avanzando una mixtape de reggaetón con una serie de temas entre los que claramente ha destacado un ‘Si mañana me muero’ que está llamado a convertirse en uno de los grandes himnos del artista por dos razones: lo atípico de su estructura y ritmos, extendiéndose más allá de los 7 minutos de duración, es decir, la antítesis de cualquier cosa que podáis encontrar en la playlist de «Hits Today»; y lo que tiene de autoafirmativo.

Respecto a lo primero, se trata de un mambo construido junto a una serie de colegas, algunos procedentes de Chile, a destacar su buena química con Pablo Chill-e. El co-productor Pipo Beatz ha explicado en Atrvpadxs lo siguiente: «Yo viajé en diciembre a España, viajo todos los años. Y con Fernando un día me dijo: “Hazte un mambo”, así, estábamos hablando en el estudio y me dijo: “Hazte un mambo y mete a todos los duros”. Y yo en un principio le dije: “Pero, hermano, yo nunca he hecho un mambo”. Con el paso del tiempo que estuve allí, empezamos a gestionar una mixtape, y ya estaban los temas más o menos grabados y dije: “Pero aquí suena todo un poco monótono, aquí falta algo diferente”. Y dije: “Voy a hacer un mambo”, una noche. Y na’, me puse a hacer un mambo, me gustó. Incluso, ni con trompetas, le puse un clarinete de fondo. Y dije: “Esto suena bien”. Me acuerdo que eran las 3 de la mañana, lo exporté, se lo envié al WhatsApp, y me dijo: “Está durísimo, mándamelo al mail”. Se grabó su parte, y con eso lo armé como estribillo, y se lo fui mandando a Julianno Sosa, Pablito Chill-E, Harry Nach, Drago, a todos. En cuestión de meses ya tenía cada parte y fui estructurándolo con el tiempo».

En cuanto a lo que tiene de autoafirmativo, Yung Beef vuelve a cantar sobre dar la espalda a la industria musical y a no dejarse pervertir por el dinero, repitiendo hasta la saciedad que lo importante en la vida es ser humilde: «Y si mañana me muero, no quiero que lloréis por mí». También es muy significativa la parte que aporta Khaled: «Si mañana me muero que repartan mi dinero / Yo nunca he sido tacaño, doy hasta lo que no tengo / La humildad por delante, como decía mi abuelo / Que le follen al dinero, prefiero el respeto». Muy apta para fans de la era dembow de Drake también, ‘Si mañana me muero’ salió hace cuatro semanas y en ellas ya ha superado el medio millón de escuchas en Spotify y en Youtube, pese a que no cuenta con videoclip. Sin duda, una de las canciones más significativas de Yung Beef.

Lo mejor del mes:

‘How to with John Wilson’: cómo hacer una serie cómica en los márgenes del algoritmo de HBO

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Joric
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John Wilson parece haber nacido pegado a una cámara de vídeo. Desde que su padre le regaló una cuando era adolescente, graba continuamente. Grabó durante sus estudios de cine en la universidad, grabó para un investigador privado en el que fue su primer trabajo, y grabó para David Byrne cuando fue contratado para documentar una actuación, ‘Temporary Color’. Luego siguió grabando para el festival de Sundance y, por fin, para el cómico Nathan Fielder (‘Nathan For You’, ‘¿Quién es América?’), quien se convirtió en su padrino. De esta colaboración nacieron los vídeos ‘How to…’, unos mini ensayos fílmicos que pronto se convirtieron en el objeto de culto para sibaritas de la comedia esquinada.

HBO, siempre bastante pendiente de este tipo de fenómenos (el último ha sido ‘Betty’, el spin off de ‘Skate Kitchen’), le ofreció distribuir sus vídeos. El resultado es una de la mejores series cómicas del año. Una propuesta original, divertidísima y poseedora de un discurso sobre la naturaleza y la existencia humana con más cargas de profundidad de lo que aparenta por su tono ligero y costumbrista. Es el tipo de comedia ingeniosa y diferente que últimamente echábamos de menos en el canal que ha alumbrado clásicos del género como ‘Curb Your Enthusiasm’, ‘Flight of the Conchords’ o ‘Da Ali G Show’.

‘How to with John Wilson’ está compuesta por seis capítulos independientes que tienen en común una misma estructura narrativa. El cineasta presenta un tema –la charla, los andamios, la memoria, las fundas de los muebles, el risotto…- y, a partir de una experiencia personal (la serie está narrada y rodada en primera persona), lo desarrolla hasta límites insospechados: del más estrambótico (el inventor del recompone-prepucios, los defensores del “efecto Mandela”), al más emotivo (el chico que está permanentemente de fiesta para olvidar un suceso trágico); del más escabroso (la venta de alfombras con manchas de sangre), al más poético (el cambiazo de logos en el súper como forma de restaurar la memoria sentimental).

Wilson, que en el capítulo tres nos enseña un hábito muy revelador sobre su personalidad, exhibe una asombrosa capacidad para construir un relato con materiales de derribo, para montar un andamiaje dramático con los cascotes de la realidad, para dotar de nuevos significados la cotidianeidad a través de un simple comentario o asociación de imágenes. Como un flaneur de la era digital, el director sale a las calles para (re)interpretar el mundo que le rodea. Un mundo, Nueva York, que observa como un poeta, descubriendo rimas y extrayendo metáforas allí donde los demás solo vemos a un perro haciendo caca. Si esta no es la comedia del año, le faltará poco. 8,9.

‘Sentimental’, una eficaz comedia sobre parejas abiertas y parejas en crisis

Por
Sebas E. Alonso
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Entre los valientes que se han atrevido a estrenar en cine su última obra, Cesc Gay, director en principio de películas «coming of age» como ‘Krampack’, dramas como ‘En la ciudad’, y últimamente remozado tras el exitazo de la notable ‘Truman’, hace ya 5 años. Su nueva película es mucho más ligera: ‘Sentimental’ es una comedia de poco más de 80 minutos que, en búsqueda de la frescura, ha recuperado el guión de una obra teatral que él mismo estrenó en su juventud, ‘Los vecinos de arriba’.

La inspiración en una obra de teatro es evidente en esta película con el síndrome ‘Ángel exterminador’ -ya sabéis, actores como incapaces de abandonar un mismo escenario, con recursos a veces un tanto artificiosos- que tan buenos resultados ha dado recientemente a Polanski en la excelente ‘Un dios salvaje’, y a Álex de la Iglesia en ‘Perfectos desconocidos‘. ‘Sentimental’ es una película más modesta que esta última en cuanto a sus posibilidades en taquilla, pero sí nos trae un tema de plena actualidad: una pareja de mediana edad en plena crisis, incapaz de dejar de discutir de la manera más lamentable posible; versus una pareja abierta encantada de la vida, unos vecinos que acuden como invitados a una cena.

Sin llegar a lo desternillante y dejando la sensación de que se podía haber sacado un poco más de jugo al tema con algo más de humor negro y tosco, ‘Sentimental’ pasa en un suspiro, entretiene y nos deja una reflexión sobre el modo en que meternos la toxicidad con quienes más queremos por donde nos quepa. Os podéis hacer una idea de por dónde van Belén Cuesta haciendo de psicóloga enrollada y moderna y Javier Cámara en uno de sus papeles más desagradecidos y cascarrabias, pero son toda una revelación la argentina Griselda Siciliani, un manojo de nervios, y sobre todo un Alberto San Juan del que se desconocía este nivel de vis cómica. ¿Son de verdad los vecinos una pareja abierta o todo lo que quieren es dejar de escuchar a dos plastas discutiendo? 7.

Touché Amoré / Lament

Por
Mireia Pería
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Los californianos Touché Amoré son probablemente la banda de post-hardcore más importante que existe ahora mismo. ‘Lament’, su quinto álbum, ha tardado nada menos que cuatro años en llegar, después de ‘Stage Four’. Sin embargo, no hay bajón de forma, el disco suena tan terso como su obra anterior; Jeremy Bolm, cantante y principal compositor, bromeaba en una reciente entrevista en Rockzone sobre cómo el estilo del disco (y la banda) se seguía manteniendo igual: “Tenemos guitarras limpias, con un bajo heavy y un batería hiperagresiva por debajo, y yo gritando encima”.

Eso, por supuesto, es simplificar demasiado. Porque debajo del cantar a gritos de Bolm, del muro de guitarras espídicas y baterías contundentes, tras esa definición en que a priori cabría cualquiera, Touché Amoré también resultan emotivos, personalísimos y desbordantes. ‘Lament’ es una experiencia tan frenética como reflexiva, un disco que te atropella, pero que también te echa una mano cuando yaces en el suelo. ‘Lament’ está repleto de ramalazos de indie-pop, rebosantes del espíritu del rock alternativo americano de los 90 (no en vano los edita Epitaph). Sus temas se fragmentan, no son uniformes; respiran un gran sentido del pop y de la melodía, de la pegada y la melancolía, mezclan la furia hiperhucanada con la calma y la reflexión, los gritos y la ternura. La producción de Ross Robinson, productor estrella de un metal (y también de Berri Txarrak) aporta brillo y esplendor.

Desde ese grito con el que Bolm abre ‘Come Heroin!’, el primer tema, no hay prisioneros. La canción destila hardcore rabioso, como de regreso a 1993, es emocionante con sus pausas, sus reanudaciones, mientras las guitarras dibujan una línea tierna y melódica. Y, por encima de todo, una letra ambigua. ¿A qué “heroína” se refiere Bolm? Caer en lo fácil, en creer que es una oda a la droga podría llevarnos por un veredicto equivocado, porque en este disco, Bolm habla de relaciones, de cómo la amistad y el amor le salvaron en momentos difíciles. Pero también de cuestionarse como artista y persona. Y de emerger. ‘Lament’, a pesar de sus referencias a la depresión, también respira positividad. Como en ‘Lament’, el tema homónimo, conmovedor con su batería galopante y unos versos que resumen el espíritu del disco: “So I lament / Then I forget / So I lament / Till I reset” (“así que me lamenté, luego me olvidé / Así que me lamenté, hasta que me levanté”). ‘Feign’ es otra cucharada de rabia de arrebatos más punks; o como ‘Reminders’, velada crítica a Trump entre cánticos más cerveceros y comunales.

Pero también hay tiempo para cierto sosiego, como ‘Limelight’, el momento más indie y circunspecto del disco, a pesar de su explosivo estribillo. La voz de Andy Hull de Manchester Orchestra da el contrapunto a los alaridos de Bolm, introduciendo una tensión contenida, frente a la desatada de Bolm, en una espiral de contundencia, que crece, alcanza el clímax y se desvanece. O ‘A Broadcast’, un medio tiempo que apenas acelera en su estribillo, en que Bolm parece cuestionar sus propias capacidades. Y todo converge en el sorprendente final que es ‘A Forecast’. Sobre un sencillo y lejano piano, Bolm hace una declaración de personalidad, de intenciones, que recuerda mucho a Daniel Johnston. Pero también arrea mordiscos (“no he perdido a más miembros de mi familia por culpa del cáncer que del partido republicano“), hasta que revienta en una clásica y urgente explosión de baterías, guitarras y gritos. Un espléndido final a 35 minutos de trallazos y emoción.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Come Heroine’, ‘Lament’, ‘Limelight’ ‘A Forecast’.
Te gustará si te gusta: El hardcore, post hardcore de los noventa, eres fan de las bandas de Epitaph
Escúchalo: Youtube.

Soleá Morente corre hacia la libertad incluso con bata de cola en ‘Lo que te falta’

Por
Sebas E. Alonso
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‘Lo que te falta‘, el último de Soleá Morente, fue «Disco de la Semana» en nuestro site hace unos meses: hablamos con la artista sobre el álbum, destacamos canciones como ‘Viniste a por mí‘, reflexionamos sobre las influencias del álbum… y ahora la artista se las ha apañado para darle nueva vida a la canción titular extrayéndola como single y estrenando un vídeo que se ha dejado ver en un evento esta semana en el madrileño Teatro Lara que tanto estábamos echando en falta.

Soleá Morente fue entrevistada en este lugar con las medidas de seguridad pertinentes, ofreciendo al término de la noche un pequeño set de una media docena de canciones, entre las que este ‘Lo que te falta’ fue el gran momento, incluso por encima de las adaptaciones de Morente, padre, medio improvisadas. Nuestra «Canción del Día», escrita por La Bien Querida, es una lucha de canción de desamor y despecho pero finalmente de aceptación y supervivencia, que se ha venido muy arriba con el vídeo dirigido por Paco León, lleno de anécdota y detalle.

Pese a que Paco León no pudo pasarse, envió un simpático vídeo hablando sobre el mismo, reflexionando sin renunciar a su conocido humor sobre la simbología de la bata de cola respecto a la feminidad. La performer Pilar Albarracín, que sí estaba presente, luce una que fue de Lola Flores. «Las mujeres tenemos que ir tirando de esa bata de cola, pero si se le consigue dar la vuelta, da una fuerza tremenda», explicó Soleá, subrayando la diversidad de las personas que la acompañan en este viaje: hombres y personas de todas las edades. También tiene una aparición estelar la gimnasta y acróbata Laura Díaz.

Soleá Morente dice que siempre soñó con que Paco León realizara este vídeo pero que tardó meses en atreverse a pedírselo. Finalmente quedaron en un bar de la plaza del Cascorro, Soleá le contó lo que quería hacer, y él supo llevar esa idea a «algo más guay», dejando una anécdota para la historia. La cantante corrió tanto y estaba tan nerviosa por trabajar con el director que se desmayó y lo siguiente que recuerda es despertarse y ver a Paco sujetándole los pies en alto. Podéis ver el momento a la mitad del videoclip.

El single se complementa con una cara B inédita llamada ‘Imposible’ que se describe así en la web de Elefant: «“Imposible” fue pura inspiración cuando la misma Soleá vio en YouTube una actuación de Adela La Chaqueta, en la que iba mezclando referencias y trozos de diferentes canciones. Cuando “Que Se Me Acabe La Vida” (del cantante mejicano José Alfredo Jiménez) y “Qué Manera De Perder” (del cantante mejicano Cuco Sánchez) se unieron, los pelos se le pusieron de punta. Y de ahí surge esta canción que es en sí un homenaje a los dos artistas mejicanos con ecos de Bambino, donde la canción mejicana es llevada al cuplé por bulerías».

Lo mejor del mes:

Grandes momentos, pero también sombras inesperadas, en el ‘Studio 2054’ de Dua Lipa

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Sebas E. Alonso
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En un alarde de grandeza inalcanzable para el resto de los mortales, Dua Lipa ofreció anoche un directo online que iba a reunir a varios invitados de primer nivel, a todos los niveles. Tenía bajo la manga a una leyenda como Elton John; tenía a FKA twigs, autora del mejor álbum del año pasado para numerosos medios; y tenía a jóvenes talentos más desconocidos como Angèle. Pero no los necesitaba. La autora de ‘Future Nostalgia‘ tenía repertorio de sobra -renunció a ‘IDGAF’ por ejemplo- para entretenernos durante más de una hora, pues durante los últimos años ha escrito algunos de los mejores éxitos que nos ha dejado la música pop últimamente: desde ‘New Rules’ hasta ese ‘Levitating’ que justo esta semana asciende al top 5 de las listas británicas y que jamás necesitó a Madonna y mucho menos a DaBaby.

Dua Lipa nos convidaba a un homenaje a la música de baile a lo largo de las décadas, comenzando en formato 4:3, pasando después al panorámico a medida que avanzaba su viaje en el tiempo. Algunas canciones no habían sonado en directo por obra y gracia de la pandemia y en ocasiones se notó para regular: la voz de Dua, que ha ofrecido directos excelentes en España tanto en el FIB como en Mad Cool, no estaba en principio nada desengrasada pese a que el evento no, no se emitía en vivo; y su cuerpo de baile tenía ese aire casero y medio amateur que no se consentía en las superproducciones de los años 80 tipo macroconcierto de Michael Jackson. Más preocupado por la diversidad y por la autoafirmación -que cada cual sea uno mismo y demás- que por la perfección técnica, este tipo de show no es mejor ni peor, es otra cosa.

Entre distintos escenarios ambientados en los 70, 80, 90 y los 2000, entre neones y mini raves acid, Dua Lipa hizo vibrar al público especialmente en ‘Break My Heart’ y ‘Physical’, dejando los números más perfectos para su canción de «breakthrough», ‘New Rules’ y para el tema final ‘Don’t Start Now’, alzado como su gran clásico y su mejor producción por el momento. Pero también hubo lugar para las decepciones. Si la aparición de FKA twigs bailando en una barra de stripper lució algo desangelada y encajada como por obligación -resolvieron con un artificial abrazo el hecho de que estaba pareciendo que «twigs» hubiera mandado su parte desde su casa con el móvil-, lo de algunas colaboraciones clamó el cielo. De Miley se proyectaron unos descartes del vídeo de ‘Prisoner’; y Bad Bunny y J Balvin para ‘One Day’ aparecieron sin más en una televisión. Pequeña. Entiendo que todo no se pueda hacer en una pandemia, ¡pero no nos «hypees»! ¡no los anuncies!

Mejor -al menos más grande- vimos a Elton John aportar ‘Rocket Man‘ a modo de interludio, pero quien robó la noche fue Kylie Minogue, que ha dejado atrás tropezones y horteradas escénicas varias para hacerse con toda la clase vista en la historia de la música disco. Subida en una mesa tipo piano-bar, decidió cantar un tema suyo y nuevo, no ninguna sobada reliquia, y con ‘Real Groove’ hizo callar bocas a todos los plastas que creen que ‘DISCO‘ está sobrevalorado después de haberlo escuchado por encimita y dos veces. Maravillosa.

Especialmente brillante en la sección club, con The Blessed Madonna poniendo unas canciones para una gente bailando y fingiendo que tomaba copas, el show, que terminó con una imagen hito de Dua Lipa, Kylie y Angèle bailando el ‘Hung Up’, tuvo incluso after-party. Más ancha que larga, Dua Lipa apareció portando una camiseta de sí misma y se pincharon unos temitas mientras el público comentaba lo que había sucedido. Estamos en mitad de una pandemia, hay toque de queda y no se puede hacer nada. En esta coyuntura, la cantante logró anoche que su set online fuera un acontecimiento que reunió a niños, adolescentes y gente-de-mediana-edad, y no sé quién pareció más lerdo, si aquellos que nos estamos acostumbrando a bailar en casa mirando una pantalla, o aquellos que decidieron perderse esto porque «quién va a pagar por un show online». Mucho me temo que es lo segundo. 7,5.

Ólafur Arnalds / some kind of peace

Por
Jordi Bardají
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Ólafur Arnalds es otro de esos compositores de música neoclásica que se han especializado en el ámbito de las bandas sonoras, aunque en lugar de ganar Oscars como Hildur Guđnadóttir o multitud de otros premios como Max Richter, Arnalds no ha dejado de cultivar una nutrida base de fans con sus álbumes de estudio, que le han llevado a convertirse en uno de los nombres más conocidos de su gremio.

‘some kind of peace’, el último lanzamiento de Ólafur, es solo su quinto álbum de estudio oficial a pesar de que el primero salió en 2007, hace ya 13 años. En todo este tiempo, el compositor islandés ha realizado la música de películas como ‘Gimme Shelter’ o de series como ‘Broadchurch‘ y ‘Defending Jacob’, ha editado compilaciones como ‘Island Songs’ y se ha sumergido en los mundos de la música electrónica -en concreto del tecno atmosférico- con su proyecto Kiasmos junto a Janus Rasmussen. En cuanto a sus trabajos de estudio, ha reinado la búsqueda de lo inexplorado: si ‘For Now I Am Winter‘ coqueteaba con el pop y el post-rock, ‘re:member’ utilizaba como instrumento principal un innovador sistema de pianos generativos inventado por él mismo.

Grabado con la intención de contar una historia personal después de dedicar tanto tiempo a las bandas sonoras, a historias ajenas, ‘some kind of peace’ puede ser uno de los álbumes menos ambiciosos de la carrera de Ólafur al llevarnos a la sencillez académica de temas como ‘Ljósiđ‘. Las melodías de piano buscan expresar un sentimiento de tristeza y melancolía, el dramatismo de las cuerdas nunca explota hacia lo épico y la presencia de la música electrónica es anecdótica con alguna excepción. En ‘some kind of peace’ manda exactamente eso, la paz, y un intimismo que es posible vincular directamente con el debut del islandés.

Una de esas excepciones de las que hablamos resulta ser la mejor canción del disco: ‘Loom’ es una colaboración con Bonobo que suena tan pura como una mañana de invierno en el campo. Su delicado tapiz de pianos y atmósferas electrónicas nos sitúa en un entorno bucólico, como rociado por gotas de lluvia. Más adelante, ‘Back to the Sky’ incorpora un beat propio de la música electrónica downtempo de los años 90, para aportar violines a una colaboración con la islandesa JFDR que suena más al trabajo de ella que al de él.

En varios momentos de ‘some kind of peace’, sin embargo, esa falta de ambición, ese interés por hacer música por amor al arte, se traduce en composiciones que parecen hechas para hacer sonar de fondo, más que para quedarse con nosotros mucho tiempo. ‘Woven Song’ es la más emotiva al entrelazar una preciosa melodía de piano con grabaciones de una voz no entrenada que canta una canción, pero también es una excepción. En realidad, en el álbum manda una visión tan simplista de la música neoclásica que bordea el cliché, como demuestran las cuerdas plañideras de ‘Spiral’, las atmósferas humeantes y dramáticas de ‘Zero’ o la nadería de ‘The Bottom Line’ con Josin, que no Jónsi. Composiciones mimadas en sus pianos tratados electrónicamente (‘Still / Sound’) como en los más puros (‘We Contain Multitudes’) pero que terminan sonando algo indefinidas.

Calificación: 5,9/10
Lo mejor: ‘Loom’, ‘Woven Song’
Te gustará si te gusta: Haushka, múm, Goldmund, Eluvium, las playlists de música ambiental
Youtube: ‘Loom’ con Bonobo

Cuervo Store espera «duplicar la venta de vinilos» reciclándose como disco-pizzería

Por
Sebas E. Alonso
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Cuervo Store, la tienda de discos que todos los madrileños conocemos en la calle Velarde -la de La Vía Láctea, en pleno Malasaña-, se recicla como pizzería. No deja atrás la música sino que se reinventa autocoronándose la primera disco-pizzería del mundo. Lo hace a modo de celebración de su décimo aniversario y como manera de sortear la crisis de la covid-19 que tanto está afectando a todo lo que tiene que ver con el ocio y la cultura.

Paco Fernández, su fundador, nos cuenta que era un chiste recurrente entre sus socios montar una pizzería cuando algo iba mal en su negocio, también refiriéndose a su labor discográfica y promotora en Holy Cuervo y Century Media, el sello de heavy metal que realmente le da de comer. «Cuando el concierto iba mal, o el artista era un chungo, decíamos: «vamos a cerrar y vamos a montar pizzería»». Una broma privada que ahora es una realidad, tras empezar a montar las obras cuando terminó el primer confinamiento. Hoy viernes 27 de noviembre es la inauguración y se venden solo 4 tipos de pizza, siempre de inspiración musical: Lou Rib (carne), Katy Cherry (vegetariana), Black Metal (chipirones en su tinta) y Veggie Eilish (vegana). También hay disco de la semana, produciendo un 5º tipo de pizza que irá variando. Una variedad que ahora encontramos en sus estanterías de vinilo, donde se ha destacado lo mismo a Dua Lipa que a Hinds y a Phoebe Bridgers, con una selección musical realizada por St Woods.

A escasos metros de una de las pizzerías más conocidas de Malasaña, Cuervo Store dice haber cuidado el producto porque el equipo es «muy cocinillas» y ha hecho «un montón de pruebas». La masa es de un obrador del barrio. Paco Fernández, que en primavera publica el nuevo disco de Maika Makovski («creo que va a ser un petardazo»), se ha inspirado en la fórmula ramoniana en homenaje al que es su grupo favorito: pocos ingredientes, pocos acordes, melodías e ideas sencillas. La pizza no se podrá consumir en la tienda, sino que más bien la idea es que la gente se la pida para llevar o la encargue junto con un disco. Los repartidores, que se moverán hasta 20 minutos en bici a la redonda, pertenecen a la propia tienda, pues no se quería trabajar con Glovo ni similares. En resumen, de martes a domingo podrás encargar tu pizza y tu vinilo favoritos desde casa.

La idea es atractiva, y una solución para estos tiempos de ERTE’s y giras canceladas; todos tenemos que reciclarnos en momentos tan duros para la economía, y los que aguardan en 2021… ¿pero no es un fracaso para la música que la gente dé más valor a un bocata o a una porción de pizza que a un disco de su artista favorito? ¿No es la iniciativa un poco «te vamos a poner una pizza para que te compres el puto disco»? Paco Fernández indica que con esta iniciativa espera duplicar la venta de vinilos, lamenta que fuera difícil «salir adelante solo con la venta de vinilos» y se justifica «encontrando una sinergia de cultura pop».

Pero además es crítico con la industria musical, la verdadera causante según él de que los artistas no puedan vivir solo gracias al streaming y necesiten los directos: «La gente ya ha asumido que la música es gratis o casi gratis. Cuesta que la gente le dé valor. Pero hay que hablar de la naturaleza de los contratos, si fueran más justos con el streaming habría posibilidad para subsistir. No solo hablo de los servicios, sino de las discográficas». Además, apunta que la crisis va a atacar a la «clase media» de los músicos, a los que se acababan de profesionalizar. «Los amateurs y las bandas que generan mucho dinero se van a quedar igual», puntualiza.

Bad Bunny sigue sin encasillarse pero deja el perreo a un lado

Por
Jordi Bardají
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Bad Bunny ha hecho lo que nadie espera que haga la mayoría de artistas, esto es, publicar tres álbumes de estudio en un solo año. Puede trazarse la historia de 2020 a través de los lanzamientos de Benito: ‘YHLQMDLG‘ salía a finales de febrero, antes de que la palabra «coronavirus» se adueñara de nuestras vidas; más adelante, ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR‘ veía la luz en medio de la cuarentena, y ahora ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO‘ cierra el año con un título medio apocalíptico cuando ya se vislumbra luz al final del túnel.

El nuevo disco de Bad Bunny sorprende por sus pocas aproximaciones al reggaetón. Apenas los encontramos en la colaboración con Rosalía, ‘LA NOCHE DE ANOCHE’, que opta por la melancolía de ‘LA CANCIÓN‘ en lugar de por el perreo de ‘Con Altura’; sin dejar demasiada huella de primeras; o en ‘TE MUDASTE’. En general, Benito vuelve a sus raíces en un trabajo que da prioridad a los ritmos del trap norteamericano, a veces mezclándolos con emo-rock (el single ‘YO VISTO ASÍ’ con videoclip lleno de estrellas, de Ricky Martin a Karol G); pero que también experimenta de varias maneras.

La música de Bad Bunny nunca le ha hecho asco a otros estilos, hasta el punto que ya nadie se sorprende cuando de repente a Rauw Alejandro le da por hacer house. Por su repertorio han pasado baladones del tamaño de ‘Amorfoda’ o rompepistas del calibre de ‘Safaera‘, pero también sonidos más improbables como los vocoders de ‘Soliá’. En ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO’, Benito Martinez Ocasio se pone un disfraz de new wave 80s en ‘MALDITA POBREZA’ (que suena inmediatamente después de ‘HOY COBRÉ’), se acerca al synth-pop en ‘SORRY PAPI’ con Abra e incluso apunta al brit pop de los 90 en la atmosférica ‘TRELLAS’. Para colmo, la pista final no es una versión de ‘Cantares de Navidad’ de Trio Vegabajeño -popular trío portorriqueño de boleros de los años 40- sino directamente la grabación original incorporada sin más a la secuencia.

Aún con sus puntos buenos, la sensación generalizada ante ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO’ es que Bad Bunny no ha conseguido hacer un disco que deje tanto con la boca abierta como lo hacía ‘YHLQMDLG’, y en el que los hits no son tan obvios en una primera escucha. Especialmente decepcionante es la colaboración de Rosalía en una canción bastante justita. ¿De verdad esto es lo mejor que Benito podía ofrecer a la autora de ‘El mal querer‘? Por otro lado, los temas más traperos no apuntan tan alto como un ‘SOY PEOR’… aunque quizá no fuera nunca la intención. Sin embargo, si algo ha demostrado Bad Bunny es que no hay que subestimarle, y quien se atreva a afirmar rotundamente que ‘YO VISTO ASÍ’ no será un éxito -aunque quizá no a la altura de ‘DÁKITI’- o que ‘TE MUDASTE’ no puede serlo, que lo haga y pague las consecuencias.

En los foros, las primeras opiniones acerca de ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO’ son parecidas. Victornoe escribe: «creo que este es su álbum más experimental, por decir algo. Es muy emotrap y los que esperaban bangers, tendrán que conformarse con ‘Dákiti’. El tema de Abra es bastante típico y hay cositas más experimentales como ‘Trellas’ que tira hacia el dream-pop». El usuario indica que el disco le ha gustado pero que echa en falta «algo más de perreo». Por su parte, Dardo opina que «es el disco en el que mezcla más géneros y suena interesante en una primera escucha» pero no sabe «si me lo pondré tanto como el primero», y señala que el tema con Rosalía «no aporta nada nuevo al género. Por su parte, Teresa tampoco se muestra especialmente entusiasmada: «Me lo he puesto y en general bien pero tengo que darle otra vuelta. El combo acabo de cobrar y luego soy pobre me parece muy cómico y muy real».

Liam Gallagher trae «amor y esperanza» con la navideña ‘All You’re Dreaming Of’

Por
Jordi Bardají
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Liam Gallagher sorprende hoy viernes con el lanzamiento de un nuevo single suelto de propósito solidario: todos los beneficios generados por ‘All You’re Dreaming Of’ serán destinados a la organización Action for Children a partir de hoy hasta el día 31 de diciembre.

‘All You’re Dreaming Of’ es el primer single que Liam Gallagher publica en todo el año, y llega un año después de que el artista británico lanzara su último álbum de estudio, ‘Why Me? Why Not.‘, el cual era otro gran éxito comercial en las islas británicas. Es una balada de pop clásico producida por Andrew Wyatt de Miike Snow, de sonido retro y analógico, que busca imitar el estilo de las canciones navideñas de los años 60. Liam ha dicho que la canción es un «clásico instantáneo» y que es «perfecta para esta época del año», y ha indicado que «Bing Crosby estaría orgulloso» de ella. Además, ha señalado que «teniendo en cuenta el año que hemos tenido, espero que esta canción traiga un poco de amor y esperanza».

Casualidad o no, ‘All You’re Dreaming Of’ llega muy poquito tiempo después de que la BBC publicase una versión -también solidaria- de ‘Stop Crying Your Heart Out‘ de Oasis interpretada por un sinfín de artistas, de Kylie Minogue a Lenny Kravitz pasando por Cher, Ava Max o Robbie Williams. El tema, escrito por Noel Gallagher, ha entrado en el puesto 7 de la lista de singles oficial de Reino Unido aunque ya está fuera del top 50 británico de Spotify.

Miley Cyrus hace «detox» del pasado sin dejar de sonar a Hannah Montana en ‘WTF Do I Know’

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Jordi Bardají
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Miley Cyrus publica hoy su nuevo disco, ‘Plastic Hearts’. El exitazo en Europa de ‘Midnight Sky’ ha allanado el terreno para el lanzamiento de este álbum que pone en una batidora los sonidos que han influenciado a la cantante esta vez, que va del glam de los 70 al pop-rock de los 80 pasando por las guitarras adolescentes que triunfaban a principios de siglo. Stevie Nicks, Joan Jett y Billy Idol, pero también Dua Lipa y Angel Olsen, asoman entre las colaboraciones o en los créditos de ‘Plastic Hearts’ para agregar color a este trabajo que mete en una batidora los sonidos de Fleetwood Mac, Pretenders, Europe, KISS o The Veronicas, entre otros. Pronto, nuestra reseña de este disco que ya puedes comentar en nuestros foros.

Entre los temas de ‘Plastic Hearts’ que más están gustando de primeras entre los oyentes se encuentra el baladón ochentero de ‘Angels Like You’, el que se está potenciando en las playlists; el artefacto kitsch-glam de ‘Night Crawling’ con Billy Idol o el cruce «entre Britney Spears y Nine Inch Nails» de ‘Gimme I What I Want’. Otro de los cortes a destacar es el que abre el largo, un ‘WTF Do I Know’ de gran título que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades actualizada y es hoy es nuestra «Canción Del Día». No por nada sirve de introducción a ‘Plastic Hearts’, pues es un balazo pop-rock de menos de 3 minutos en el que Miley deja clara sus intenciones: ella nunca dejará de ser quien es aunque intentes cambiarla, y aunque eso signifique que ya «no la pongas en tu estación de radio».

‘WTF Do I Know’ inicia la secuencia de ‘Plastic Hearts’ llevándonos a las guitarras de Hannah Montana. Es a todas luces una versión madura, ensuciada, de ese sonido de pop-rock energizado que triunfaba allá por 2005 de la mano de Kelly Clarkson, Ashley Simpson o la mencionada Avril pero con ecos muy obvios también a las bandas de garage rock medio comerciales que lo petaban entonces, como The Vines, The Hives o los Jet de ‘Are You Gonna Be My Girl?’. Miley recurre a este sonido para dejar claro que ha pasado página de Liam Hemsworth y para dejar un estribillazo en el que clama: «yo qué coño sé, estoy sola, supongo que no pude ser la heroína de alguien, tú quieres una disculpa, pero yo no te la voy a dar, tuve que dejarte en tu miseria, así que dime: ¿soy mala por haberte superado y ni siquiera echarte de menos?».

Si alguna vez hemos sospechado de los cambios de identidad de Miley, no se da el caso en ‘Plastic Hearts’. A Miley, el rol de rockera le sienta como un guante y ‘WTF Do I Know’ lo demuestra: su voz está hecha para bramar entre guitarrazos como los de esta composición -entre cuyos autores encontramos a Louis Bell y a Ryan Tedder- y si algo ha demostrado Miley en todos los años que ha estado en el ojo del huracán es que no va a pedir perdón a nadie por hacer lo quiera hacer. Un espíritu puramente rock ‘n roll el que desprende ‘WTF Do I Know’que también es perceptible su letra, la cual incluye rimas como «no quiero tener otra conversación, estoy vertiendo en una botella toda mi frustración» o «intento ver las estrellas a través de la contaminación, crees que soy el problema pero soy la solución». En ‘WTF Do I Know’, Miley hace «detox» del pasado, vuelve a cambiar de piel y suena más cómoda que nunca.

Escucha lo nuevo de Tori Amos, Xoel López, Sen Senra, La Zowi, Karol G, Soleá Morente…

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Jordi Bardají
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Hoy viernes llega a las plataformas el nuevo disco de Bad Bunny. El portorriqueño prometió en la última pista de «Yo Hago Lo Que Me Da La Gana» que en noviembre editaría nuevo largo y ha cumplido. También ve la luz el esperado nuevo álbum de Miley Cyrus con colaboraciones de Dua Lipa, Joan Jett o Billy Idol. En el plano internacional editan nuevo álbum a su vez The Smashing Pumpkins por un lado, y Billy Joe Armstrong de Green Day por otro y, en el nacional, llegan los nuevos trabajos discográficos de Xoel López, Marcelo Criminal, Selecta, Néboa, Raphael o Isabel Pantoja.

En cuanto a la cosecha de singles que deja hoy viernes hay que destacar el nuevo de Sen Senra con el colombiano Feid (autor del multimillonario ‘PORFA’) y la nueva balada de Liam Gallagher, que suena hecha para la Navidad. Además, La Zowi vuelve con otro de sus temas marca de la casa, Algora regresa entre vapores electrónicos, Arlo Parks sigue avanzando su disco con ‘Caroline’, The Weeknd se suma a una canción navideña de Sabrina Claudio cuando acaba de ser ignorado completamente en los Grammys (el tema se llama ‘Christmas Blues’, más apto imposible) y Jennifer Lopez publica de la nada la caribeña ‘In the Morning’.

A lo largo de los últimos días hemos podido estrenar el maravilloso nuevo single de Tulsa y también escuchar el regreso de Love of Lesbian. También han visto la luz el nuevo disco con versiones en directo de ‘folklore‘ de Taylor Swift y nuevos sencillos de King Princess o Rina Sawayama.

En nuestra playlist de novedades podrás echarle un ojo también a los nuevos temas de Tori Amos para su disco navideño, Belén Aguilera con Lola Indigo, Egosex, Miami Horror, Hugo Cobo (Operación Triunfo 2020), Nathan Dawe con Little Mix, La M.O.D.A., y también un nuevo remix de Lidia Damunt por Joe Crepúsculo, un tema antes inédito de sAINT JHN con Kanye West y un nuevo single de Andrés Calamaro con Julio Iglesias, entre otros.

Alberto Montero / El desencanto

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Sebas E. Alonso
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¿Cuándo es la última vez que descubriste en una lista de virales o tendencias a alguien con una voz bonita? Este don parece haber perdido importancia en los tiempos del Autotune, cuando cuenta mucho más lo hábil que seas en las redes sociales que las clases de canto, pero quien lo tenga sigue teniendo ese algo. Es el caso de Alberto Montero, que sin una voz prodigiosa tipo «talent show», que tampoco es lo que buscamos, sí es un vocalista con un timbre perfecto para dotar a sus composiciones de calidez. Cada vez que habla, reconforta.

‘El desencanto’, título de actualidad para estos tiempos -y lo que queda-, pretende ser el disco más pop del cantautor, si bien el artista continúa apegado a los paisajes sonoros del rock de finales de los 60 y a la canción de autor de los años 70. Vainica Doble y Pink Floyd suelen ser los artistas citados por Montero en cuanto a influencias, con algún momento apuntando en teclados y guitarras a la instrumentación de unos Tame Impala o sus influencias, pero con unas melodías y armonías vocales que podríamos asociar a Juan y Junior o C.R.A.G. Nunca a los exitosos Rufus T. Firefly, lo cual da un poco que pensar sobre lo que son las modas. Tan lejos, tan cerca.

El bueno de Alberto permanece tan ajeno a tendencias que la temática del álbum son las redes sociales, el bombardeo de información, la emergencia climática y el mundo que dejamos a los que vienen después. El corte titular es un gran ejemplo, con su queja de cuánto «han explotado mi pena», tras lo que plantea: «¿Cuál es la mejor manera de subirlo a Instagram?». La urgencia no es poner una solución a un problema, rebelarnos o marcharnos a un lugar mejor, sino ya sabéis, postearlo en redes.

A veces con un discurso herido, como en ‘Lluvia’ («Mi cabeza se va a nublar, las nubes negras vendrán dejando caer lluvia / Ya lo empiezo a anticipar, no lo puedo controlar»); y a veces con un discurso más optimista, como cuando ‘Mañana’ va «corriendo rápido al encuentro del amanecer»; el álbum contiene toda la lucha interior a que se enfrenta el autor de la sublime ‘Madera muerta’. A través, como dice ‘Todo es cíclico’, de «una tremenda y desesperante oscuridad», contra la que «hay que luchar». Cual terapia psicológica, la canción más larga, ‘El monstruo’, culmina: «creo que he vuelto a caer en la necesidad de aprobación… ¡¡aprobación, aprobación!!». Poco después, la canción final, entonada junto a una hija pequeña, deja un poso optimista pero también inquietante.

En este arsenal de altibajos, encontramos canciones tan desesperadas y rugosas como ‘Mira’; agitadas como ‘Lluvia’; armonías tan hermosas como las que abren el álbum o las de ‘No sé’, con ese penoso «últimamente me aferro a algo que sé que no va a suceder»; y curiosidades como la participación de Laetitia Sadier de Stereolab en la cincuentera ‘Le soleil’, traduciendo al francés lo mismo que ha cantado Alberto antes. Un álbum uniforme y bien acabado que se suma a una carrera de largos tan reivindicacbles como ‘Arco mediterráneo‘ y ‘Puerto príncipe’.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Mira’, ‘No sé’, ‘El desencanto’, ‘Lluvia’
Te gustará si te gusta: Sr Chinarro, Juan y Junior, C.R.A.G, Tame Impala.
Youtube: Bandcamp.

Nena Daconte nos habla de ‘Hojas secas’ y de su inspiración en Kygo

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Jordi Bardají
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Nena Daconte ha sorprendido estos días lanzando una canción de la nada que ha mostrado una dirección nueva en su sonido. ‘Hojas secas’ habla del «desamor, del paso del tiempo y de cómo éste va haciendo mella en nuestra ilusión» e incorpora arreglos propios del electro-pop y el indie-rock. Es nuestra «Canción Del Día».

‘Hojas secas’ utiliza la imagen de unas hojas otoñales, marchitas, para hablarnos de una mirada en la que ya no existe el amor. Uno de los versos dice: «Hoy se han llenado tus ojos de hojas secas, las cosas de la vida y del amor / Si te hago tanto daño nos marchamos / Que se vaya borrando la ansiedad / Que brillen otra vez tus ojos negros» para clamar más adelante: «Tú te niegas a aceptar la realidad / Y es que hace tiempo que te estoy mintiendo». El estribillo habla de un escenario en el que reina la mentira, tanto ajena como autoimpuesta: «Fingir que no me ves / Fingir que no nos vemos / Cerrar la posibilidad de que alguien nuevo venga a nuestra vida y nos haga soñar».

Compuesta antes del confinamiento y producida por Paco Salazar en Madrid, ‘Hojas secas’ emociona especialmente cuando alza el vuelo en el estribillo, más guitarrero, pero curiosamente está inspirada en la música de Kygo, explica Mai Meneses a JENESAISPOP. En concreto, la artista se ha inspirado en ‘For What It’s Worth’, el tema que cerraba el disco de 2016 del productor noruego, ‘Cloud Nine‘, y que contaba con la participación de Angus y Julia Stone. «A partir de esta canción fui investigando estos sonidos que tienen una parte más acústica pero lo mezclan con música dance y electrónica y me pareció muy interesante». El resultado es una preciosa composición que no puede ser más suis generis a pesar de admitir nuevas influencias.

‘Hojas secas’ es una de varias canciones que Meneses ha compuesto a lo largo del año. Asegura la cantante que el confinamiento la ha hecho conectar de nuevo con su inspiración: «La época del confinamiento ha hecho que me inspirara un montón y que volviera a salir la necesidad de explicar cosas, de cantar, de disfrutar de la música», indica. «Cada uno hemos encontrado nuestro hobbie, nuestra pasión, porque teníamos todo el día para nosotros mismos. Mai señala que se ha sentido particularmente inspirada «por todos esos artistas que componían en las redes sociales y compartían su talento de una manera muy natural y cercana».

Entre los proyectos que ocupan a Mai actualmente, la autora de ‘Tenía tanto que darte’ se encuentra trabajando con un cantante cuya identidad prefiere mantener en secreto. Cabe esperar por parte una colaboración de Nena Daconte en los próximos meses, que quizá sorprenda tanto como este nuevo single.

Crítica: Rina Sawayama visita ‘Chromatica’ en ‘LUCID’, nuevo single con Bloodpop

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Jordi Bardají
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Rina Sawayama ha estrenado nuevo single. ‘LUCID’ formará parte de la reedición del álbum debut de la cantante británica, que sale el 4 de diciembre e incluye otros temas nuevos como ‘We Out Here’ y revisiones acústicas, además de una versión de Lady Gaga (‘Dancer in the Dark’), otra de The 1975 (‘Love It If We Made It’) y remixes de Pabllo Vittar o Dream Wife.

‘LUCID’ es un tema que Rina lleva preparando desde principios de 2018 y está producido por Bloodpop, más conocido últimamente por ser la mano derecha de Lady Gaga. El nombre de Bloodpop aparece en todos los temas incluidos en ‘Chromatica‘ a excepción de los orquestales; el productor es, por tanto, uno de los principales responsables de su dirección musical fijada en el eurodance y el pop-house de los 90, y estos son los sonidos que presenta ‘LUCID’ solo que desde un punto de vista más colorido y alegre, no tan apocalíptico.

En palabras de Sawayama, ‘LUCID’ «habla sobre vivir una vida diferente a través de los sueños». Sin embargo, la canción no anda muy lejos de los terrenos explorados por Gaga en ‘Chromatica’, hasta el punto que, por momentos, parece una revisión de ‘Rain On Me’. Una revisión que podría haber molado, pero que queda algo descafeinada en manos de Sawayama, haciéndola sonar como un descarte de Lady Gaga que tampoco se encuentra entre lo mejor que la autora de ‘XS’ es capaz de hacer. La letra, que recurre a lugares comunes como «ven y sé mi amante secreto esta noche, no necesito a nadie en mis brazos, yo dejo correr mi imaginación», tampoco es especialmente imaginativa. Rawayama dice que escribió la canción en unos pocos minutos, y aunque a veces la frescura del moemnto da lugar a maravillas inesperadas, este no es el caso.

Maradona muere a los 60 años: cómo recurrió a su figura la música, del Sónar a Carolina Durante

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Jordi Bardají
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Diego Armando Maradona ha muerto a los 60 años en Buenos Aires debido a un paro cardíaco, dejando a millones de adoradores de su figura en luto e inspirando titulares propios de la muerte de un dictador. Considerado uno de los mejores futbolistas de todos los tiempos por su destreza al balón en los años 80 y 90, la popularidad masiva y global de Maradona le llevaron a convertirse en un icono del pop por cuenta propia. En los últimos años, el futbolista argentino ejerció de entrenador a la vez que se enfrentó a diversos problemas de salud. También han sido muy mediáticos sus escándalos de violencia machista, de abuso de drogas o de deudas fiscales millonarias, los cuales han contribuido definitivamente a enturbiar su figura.

En redes, de J Balvin a Thalía, de Joaquín Sabina a Maluma, de Ricky Martin a Fito Páez, además de futbolistas como Leo Messi, han lamentado el fallecimiento de Maradona, celebrando la alegría que el deportista aportó al mundo con sus jugadas. Por otro lado, las mismas redes también han «matado» a Madonna debido al parecido de sus nombres, creando un bulo paródico que ha durado varias horas y convirtiendo a la cantante en tendencia.

La música ha sido un canal a través del cual los artistas no han dejado de ensalzar la figura de Maradona. El estribillo del jugador titulaba el tema más popular de todos, de Andrés Calamaro, mientras otras composiciones dedicadas al jugador eran ‘Santa Maradona’ de Mano Negra, ‘La vida tómbola’ de Manu Chao, ‘Dieguitos y mafaldas’ de Joaquín Sabina o ‘La mano de Dios’ de Rodrigo. Maradona ha inspirado a artistas tanto de flamenco (‘Pásale la bola al Maradona’ del Canijo de Jerez) como del trap más actual (‘Maradona’ de A.CHAL), y en el pop-rock independiente nacional, tanto Carolina Durante (‘El himno titular’) como Mucho (‘El león de tres cabezas’) han recurrido al mito. Por otro lado, cabe recordar que el propio jugador hizo una incursión en la música cantando ‘Querida amiga’ con Pimpinela, y que fue nada menos que imagen del festival Sónar de Barcelona en el año 2002.





Bad Bunny publica nuevo álbum, incluyendo colaboración con Rosalía

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Sebas E. Alonso
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Bad Bunny ha sacado dos discos este año, ‘YHLQMDLG‘ y ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR‘. Además, ha arrasado en las últimas semanas con un tema llamado ‘Dakiti’ junto a Jhay Cortez que ha sido número 1 en España y ahora es top 2 por detrás de ‘Tú me debiste de querer’ de C. Tangana. ‘Dakiti’ parecía un tema suelto, pero no: es la piedra angular de un tercer álbum del artista para este 2020 que ya puede escucharse. El disco incluye una colaboración con Rosalía tras un tiempo de especulación sobre una colaboración entre ambos.

La noticia del nuevo álbum de Bad Bunny se produce después de sus nominaciones a los Grammy, aunque justo en estos momentos nos quejábamos de que se limitaran a las subcategorías latinas, cuando especialmente ‘YHLQMDLG’ ha trascendido fronteras. El álbum está enganchado al top 40 del Billboard 200 desde su lanzamiento hace más de medio año, y en dicha tabla va a permanecer mucho tiempo, hasta alcanzar lo equivalente a un multiplatino. De momento, lleva streamings como para equiparar a 1.140.000 unidades solo dentro de Estados Unidos.

Os dejamos con la secuencia del álbum:
1.-El mundo es mío
2.-Te mudaste
3.-Hoy cobré
4.-Maldita pobreza
5.-La noche de anoche (ft Rosalía)
6.-Te deseo lo mejor
7.-Yo visto así
8.-Haciendo que me amas
9.-Booker T
10.-La droga
11.-Dakiti (ft Jhay Cortez)
12.-Trellas
13.-Sorry Papi (ft Abra)
14.-120
15.-Antes que se acabe
16.-Cantares de Navidad

‘Un viaje por… 200 discos clave del siglo XXI’, el libro de JENESAISPOP

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Sebas E. Alonso
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Desde ya podéis encontrar en nuestra tienda el primer libro ideado desde nuestra web JENESAISPOP. ‘Un viaje por… 200 discos clave del siglo XXI’ incluye una selección de 200 álbumes que han marcado el curso de la música pop entre los años 2000 y 2019, así como una crítica de los mismos. Los textos son originales, no han sido reciclados de la web, y fueron escritos durante el confinamiento de la pasada primavera. El objetivo de esta edición es aliviar la grave crisis publicitaria que vivimos los medios musicales debido a la pandemia.

Con la idea de evitar hacer otro libro más sobre discos históricos y favoritos, además de realizar personalmente las 200 críticas, ideé con ayuda de iko, nuestro diseñador y técnico, un concepto «laberíntico» algo diferente. Aprovechando que no es habitual que este tipo de libros se lea al completo, sino que más bien cada usuario acuda a leer la reseña de su disco favorito y después hojee el libro sin más a la caza de algún descubrimiento o álbum perdido, ‘Un viaje por… 200 discos clave del siglo XXI’ se puede disfrutar de dos formas:

1.-El orden cronológico
Comenzando por un álbum editado en enero del año 2000 y terminando con uno editado en noviembre del año 2019, el orden cronológico de ‘Un viaje por… 200 discos clave del siglo XXI’ permite observar la evolución de la música popular e independiente de lo que llevamos de siglo. Desde los tiempos en que descubríamos a Goldfrapp, Broadcast, Amy Winehouse y Godspeed You! Black Emperor hasta los días en que nos han conquistado jóvenes talentos como Lorde y Billie Eilish, pasando por la mejor música nacional de Rosalía, Triángulo de Amor Bizarro, Astrud, La Buena Vida o La Casa Azul. Por supuesto, siempre sin marginar la música pop, fiel a la línea editorial que convirtió en un éxito nuestro site, y por tanto con hueco para nombres como Adele, Madonna, Lady Gaga, Rihanna o Beyoncé.

2.-La experiencia «interactiva»
El subtítulo del libro, como podéis observar, es «Un laberinto de recomendaciones musicales del que no querrás salir». ¿Qué significa esto? Con el objeto de hacer la lectura un poco más entretenida, en cada pie de página encontraréis un par de recomendaciones dependientes de cada disco y cada reseña: cada álbum os llevará a otros en función de si tal disco os ha gustado u os ha producido urticaria. Estos pies de página te pueden conducir a discos similares en plan «te gustará si te gusta» o 100% opuestos, y en otras ocasiones, de manera más libre, simplemente revelarán curiosidades y secretos de la historia del pop, o realizarán un guiño a los fans del artista de «origen» o al de «destino».

Cómo comprarlo
‘Un viaje por… 200 discos clave del siglo XXI’ está a la venta a través de nuestra tienda, donde puedes adquirirlo a un precio de 22 euros. Se trata de un libro de tapa dura y 215 páginas a todo color, que ha sido maquetado por Marcos Moreno Pons, también autor de la portada. El libro os será enviado mediante un servicio de mensajería. Suele llegar en un plazo de 2 o 3 días.

Promoción
Los gastos de envío de la tienda pasan a ser gratuitos a partir de una compra de 30 euros, utilizando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL cuando os dispongáis a completar vuestra compra.

Dudas
Estaremos encantados de resolver vuestras dudas a través del mail tienda@jenesaispop.com.

Megan Thee Stallion / Good News

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Jordi Bardají
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Megan Thee Stallion está tan acostumbrada a ser noticia que ha llamado su primer disco oficial ‘Good News’ a pesar de que no han faltado las malas noticias en su vida. El título del largo, nuestro «Disco de la Semana» y no solo por lo bien que le está yendo comercialmente, es optimista. La rapera, que perdió a su padre a los 15 años, a su madre a los 24, este verano ha sido víctima de disparos, propinados estos por su entonces novio, el también rapero Tory Lanez, y ha sufrido un sinfín de críticas de las hienas que habitan las redes sociales simplemente por ser una mujer negra que triunfa en la industria de la música, no tiene tiempo para tonterías ni para regodearse en los males del pasado.

Así, ‘Good News’ se abre nada menos que con una canción de West Coast rap llamada ‘Shots Fired’ en la que Megan se dirige a Tony para ponerle de vuelta y media. En la letra, la artista humilla a su ex por disparar a «una zorra de un 1,80» con una «pistola de calibre 22» y le llama «gallina», pero lo mejor de ‘Shots Fired’ son dos cosas. En primer lugar, la canción da la vuelta al ‘Who Shot Ya?‘ de Notorious B.I.G. para, en lugar de reafirmarse en el orgullo de ser la persona que dispara, dignificar el rol de víctima; y en segundo, al ser la pista 1 del disco, Megan se quita con ella este asunto de encima enseguida para pasar a lo que le interesa de verdad, que es empoderarse a través del sexo y el dinero.

A veces ambas cosas se juntan, como en el pegadizo electro-rap de ‘Sugar Baby’, en el que Megan declara: «invierte en este coño, chico, apoya el comercio negro». Y en ‘Movie’, el sexo es la profesión: en este tema de gangsta rap la artista interpreta a una stripper que «mueve el culo» para su cliente, un Lil Durk que la observa desde la pista. Pero para la autora de ‘Suga‘, ambos son igual de poderosos, y en el estribillo sentencia: «Soy una jefa, puedo comprarme lo mismo que ha comprado mi hombre». Para la artista, el empoderamiento pasa por reafirmar el control de su sexualidad, y aunque ninguna canción de ‘Good News’ es tan dura ni explícita como ‘WAP’ porque ya es difícil que cualquiera lo sea, el mensaje del disco queda claro sin necesidad de recurrir a su ristra de soeces, dejando ataques tan divertidos como los de ‘Do it On the Tip’, en la que Megan y City Girls se tiran los cuchillos las unas a las otras para la primera responderles: «shit, I think I’m pregnant, but I don’t see no belly / These bitches tryna come my way before they even ready».

En ‘Good News’, Megan busca principalmente reafirmar su autoestima para inspirar a sus «bad bitches» a hacerlo también. La temática del álbum, por tanto, es tan contemporánea como manda un trabajo de hip-hop publicado en 2020, pero sus composiciones -dignas aunque rara vez espectaculares- beben más bien del hip-hop clásico de los 80 y 90 (el gangsta rap, la presencia de bases 808) para crear una obra de hip-hop contemporáneo que se hace tan liviana como leer una buena noticia. Esta vez, la artista se ha rodeado de más de una decena de productores para ayudarla a expresar su visión, y las mejores producciones de ‘Good News’ le echan una ancla al pasado. ‘Circles’ samplea un single de 2010 de Jazmine Sullivan para comunicar que los problemas de la vida de Megan no podrán con ella; ‘Freaky Girls’ con SZA se apropia del ‘Freak Like Me’ de Adina Howard para ofrecer otra muestra de amor propio subida al 200%, y el martilleante single ‘Body‘, por cuya base flota la voz de una mujer gimiendo, recuerda a la mejor Lil’ Kim.

Pero lo más revelador de ‘Good News’ es que Megan no necesita diluir su discurso de ninguna manera para llamar la atención. Sí, el remix de ‘Savage‘ con Beyoncé, aquí incluido, le ha dado su primer número 1 en Estados Unidos, pero los acordes de piano siguen sonando fríos como el acero y la aportación de Beyoncé incorpora raps nuevos; y de hecho, las concesiones a estilos más melódicos de ‘Good News’ no son de lo mejor del disco. La caribeña ‘Intercourse’ con Popcaan pasa desapercibida y la aproximación al synth-pop de ‘Don’t Rock Me to Sleep’ bordea la canción infantil. Por el contrario, hay un montón de ganchos que descubrir en el estribillo de la trapera ‘What’s New’ o simplemente en las rimas que deja el disco, algunas tan tontas como la de la siniestra ‘Cry Baby’ con DaBaby: «Spit, slurp, give him that work / Fell too fast for me, now the nigga hurt». Sin ser la mejor rapera que ha conocido el mundo ni en cuanto a flow ni en cuanto a verso, la artista nunca cae bajo. Lo cual no sorprende: toda su vida ha puesto la dignidad por delante de todo lo demás, y ‘Good News’ no es una excepción.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Shots Fired’, ‘Circles’, ‘Body’, ‘Freaky Girls’, ‘What’s New’, ‘Savage Remix’
Te gustará si te gusta: el rap americano, de Lil’ Kim a DaBaby
Youtube: vídeo de ‘Body’

Billie Eilish decepciona en España con ‘Therefore I Am’; Bad Gyal, entrada más fuerte

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Jordi Bardají
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‘Tú me dejaste de querer’ de C. Tangana con La Húngara y Niño de Elche sigue en el número 1 de la lista de singles española, lo que significa que ‘Dákiti’ de Bad Bunny y Jhay Cortez permanece en el 2 y pierde otra oportunidad de alcanzar la cima que le negaba el tercer single de ‘El Madrileño’ la semana pasada.

Rauw Alejandro, que se ha quedado a las puertas de alcanzar el número 1 de álbumes por culpa de AC/DC, firma la mayoría de entradas de la lista, aunque sin conseguir colocar su disco entero o casi entero como ha podido conseguir Bad Bunny en el pasado. El single ‘De Cora’ es el que mejor ha funcionado, llegando al número 18; pero también aparecen en la clasificación ‘Dile a él’ (una de las dos co-autorías de Rosalía en el largo), en el 59; ‘Soy una gárgola’ con Arcángel y Randy, en el 66; y ‘Química’ con Zion & Lennox, Mr. Naisgai y The Martinez, un corte de reggaetón que después pasa al house, en el 88. Cabe recordar que Rauw Alejandro ya ocupaba varias posiciones de la lista con otros singles del álbum lanzados previamente: ‘Reloj’ con Anuel AA es número 15, ‘Enchule’ número 22 y ‘Tattoo’ con Camilo número 24.

La entrada más potente de la semana en la lista la protagonizan Bad Gyal y Juanka con su nuevo temazo de reggaetón, un ‘Blin Blin‘ que entra directo al número 17. El tema mejora el dato de ‘Aprendiendo el sexo’, que entraba en el número 29, pero aún queda lejos del top 1 logrado por ‘Alocao’ con Omar Montes y del top 2 logrado por ‘Zorra’. Por otro lado, la subida más fuerte de la semana es para ‘Chica ideal’ de Sebastián Yatra con Guaynaa, que sube del 32 al 19.

En cuanto al resto de singles hay que hablar del pobre dato logrado por el remix de ‘Resilient‘ de Katy Perry con Aitana a pesar de lo sorprendente de esta unión. El remix, producido por Tiësto, deja bastante que desear, pues suena al peor EDM que se practicaba en el año 2012, pero es que además ‘Resilient’ ni siquiera ha sido un sencillo oficial de ‘Smile‘ en ningún lugar, por lo que no puede ser más random. El tema entra en el número 56.

Unas posiciones por encima, Billie Eilish coloca ‘Therefore I Am‘ en el puesto 41. Es uno de sus peores datos globales: el tema ha entrado directo al número 2 de Estados Unidos y Reino Unido, pero es que además ha sido número 1 en Irlanda, Nueva Zelanda y Eslovaquia, número 2 también en Finlandia o Noruega, número 3 en Australia, Dinamarca y República Checa, número 4 en Suecia, número 5 en Alemania, número 13 en Bélgica o número 15 en un país tan próximo como Italia.

Finalmente, tres entradas más: Morad con D colocan ‘Motorola’ en el número 25, Álvaro de Luna coloca ‘Juramento eterno de sal’ en el 91, y Morat con T colocan ‘Al aire’ en el 93.









Estreno: ‘Autorretrato’ es otra de las razones por las que siempre querremos a Tulsa

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Sebas E. Alonso
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¿Puede ser ‘Autorretrato’ el himno definitivo de Tulsa? La primera respuesta es que no, porque el proyecto de Miren Iza ya había escrito varios «himnos definitivos», desde los tiempos de ‘Algo ha cambiado para siempre‘ a ‘Oda al amor efímero‘. Pero la verdad es que pocas veces había realizado algo tan autoafirmativo y carismático como este tema que hoy tenemos el privilegio de estrenar acompañado de su videoclip.

El tercer adelanto del nuevo disco de Tulsa, que saldrá el año que viene, como su propio nombre indica, nos habla de una serie de hábitos de la vida cotidiana que nos definen. Algunos nos afectan de gravedad («no temo hacerme daño hasta que es demasiado tarde»), otros son irrelevantes («no suelo desayunar a no ser que sea a tu lado»), pero todos van conformando nuestra personalidad, en un tema confesional que consiente cierto sentido del humor («no me siento especial, casi nunca, menos mal»). A su vez, en su mejor momento, el precioso estribillo, es una bonita declaración de amor en la que el destinatario está por encima de nosotros mismos: para «no me da miedo la muerte (…) me asusta mucho perderte» se ha dejado la melodía vocal más bonita de este ‘Autorretrato’.

Hacia el final hay una coda más edificante, aunque sea desde su divertida contradicción («no creo en Autorretratos, casi todos son falsos»), con una pulla a esa industria musical que confió demasiado en la música en directo y no la grabada. «No creo en los festivales ni en los fuegos artificiales», afirma en un momento, equilibrando la letra definitivamente hacia lo autobiográfico.

El nuevo disco de Tulsa se llama ‘Ese Éxtasis’ y contiene esta canción maravillosa aparte de las ya conocidas ‘Tres venenos‘ y ‘Yo no nací así‘. La nota de prensa nos indica que ‘Autorretrato’ ha sido producida por Angel Luján, grabada entre Madrid y Daimiel, suponiendo «una réplica al ‘Autorretrato’ del artista Edouard Levé, que acaba con un guiño al ‘God’ de Lennon. El envoltorio instrumental pretende ser una vía de avance delicado pero firme hacia la belleza, propulsada por la batería de Ramiro Nieto y los sintetizadores mágicos de Betacam y teclados de Charlie Bautista». El vídeo, realizado por la cineasta María Pérez Sanz, es un canto al presente y a la amistad, pues «al fin y al cabo, es una canción de amor».

Taylor Swift publica película y disco de los directos de estudio de ‘folklore’

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Jordi Bardají
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Taylor Swift ha publicado esta noche ‘folklore’: the long pond studio sessions’, la anunciada película que documenta la grabación de su último álbum mostrando interpretaciones de sus canciones en directo hechas desde el estudio, junto a Jack Antonoff, Aaron Dressner y otros músicos. Taylor también comenta, mediante varias entrevistas, la creación de ‘folklore’ en la filmación , que puede verse solo en Disney Plus. El disco de la película ya está disponible en las plataformas de streaming, como parte de una versión de lujo del largo original.

En redes, Taylor había compartido un post que invitaba a sospechar posibles novedades de la artista. Este mensaje decía que «no se encuentra demasiado ocupada ahora mismo» y es literalmente el mismo que publicaba solo meses antes de sorprender al mundo con la llegada de su nuevo disco compuesto durante el confinamiento, un ‘folklore‘ que no solo es uno de los más exitosos del año, sino que artísticamente puede ser el mejor de su carrera, como demuestran tanto los singles ‘cardigan’ y ‘exile’ con Bon Iver, como joyas «escondidas» como ‘august’ o ‘mirrorball’.

Por otro lado, se sabe que Taylor se encuentra regrabando sus primeros seis discos en solitario para hacerse con la posesión de sus «masters» después de que los correspondientes a dichos álbumes hayan pasado a otras manos de manera polémica. La autora de ‘Shake it Off’ acaba de aparecer en los American Music Awards celebrados esta noche para agradecer mediante un vídeo unos premios que ha ganado y ha aprovechado para confirmar que la regrabación de sus primeros discos está teniendo lugar en el mismo estudio donde se grabaron originalmente.

The Killers hacen la mejor queja sobre el ninguneo de los Grammy

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Sebas E. Alonso
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Hay maneras y maneras de tomarte en esta vida que los Grammy pasen de ti. Está la de The Weeknd, que exige “transparencia”, y está la de la banda de Brandon Flowers, que ha decidido publicar una genialidad en mayúscula. A gritos.

Dice su tuit de esta mañana en España, medianoche en Estados Unidos: “No han dejado entrar a los observadores en las habitaciones de conteo. Hemos ganado los Grammys, hemos tenido un montón de votos legales. Han pasado cosas que no han dejado ver a nuestros observadores. Nunca había pasado antes. Docenas de papeletas se han enviado a gente que nunca las había pedido”. Después han añadido los hashtags #GRAMMYSAMAÑADOS y #GANAMOS.

Esta referencia nada velada a la negativa de Donald Trump a aceptar su holgada derrota en las elecciones presidenciales de Estados Unidos encierra un sentido del humor considerable, justo en el año en que The Killers no han sabido vender al público un álbum tan notable como ‘Imploding the Mirage’. The Killers no tienen ningún Grammy en su haber, y no han sido nominados desde 2007, cuando ‘When We Were Young’ fue nominada a Mejor Canción Rock del Año y a Mejor Vídeo.

En total, acumulan 7 nominaciones históricas, todas concentradas entre 2005 y 2007 (para ‘Hot Fuss’, ‘Somebody Told Me’, ‘Mr Brightside’ y ‘All These Things That I’ve Done’), pero siempre sin llevarse el premio y todas hace demasiado tiempo. Teniendo en cuenta que apenas 4 décimas separan las puntuaciones de ‘Imploding the Mirage’ y ‘After Hours’ en Metacritic (76/100 frente a 80/100), solo podemos exclamar: «¡Aprende, Abel Tesfaye!».

Muere a los 30 años i_o, colaborador en ‘Violence’ de Grimes

Por
Sebas E. Alonso
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La cuenta de Twitter oficial de i_o informa de la muerte del productor, por todos nuestros lectores conocido por su participación en ‘Violence’ de Grimes. Dicho tema ocupó un lugar en nuestra lista de mejores canciones de 2019 y permaneció entre lo más votado por nuestros lectores durante semanas. La canción, una co-autoría y coproducción de ambos artistas pese a que Grimes suele hacer todo sola, terminó apareciendo en 2020 en el disco de Grimes ‘Miss Anthropocene’, como todos sabemos.

El escueto comunicado dice así: “el lunes 23 de noviembre el mundo perdió un alma hermosa, la de Garrett Falls Lockhart, también conocido como i_o. Este espíritu extremadamente talentoso nos enseñó que incluso si nada importa, todavía puedes ser un líder con amor. La verdad de Garrett y su alma vive a través de la música que compartió. Descansa en paz, Garrett, te queremos”.

i_o había publicado varios EP’s durante este año, como ‘NRG 444’, ‘AM 444’ y ‘révolution’, mientras que su último lanzamiento databa del mismo viernes pasado, ‘Castles in the Sky’, canción publicada por tanto 3 días antes de su muerte. Su biografía oficial subraya cómo se hizo con el control de las redes sociales de varios sellos, tiendas, artistas y salas de concierto, dado su interés por la teconología, y habla de su trabajo en el sello de deadmau5, así como de la manera en que se adaptaba a escenarios con 30.000 personas y otros underground.


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