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‘MEGATRON’ de Nicki Minaj: ¿temazo o algo que ya hemos visto antes y mejor?

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Parte de la redacción evalúa ‘MEGATRON’, el nuevo single de Nicki Minaj, que anticipa su próximo álbum:

«Aunque Nicki Minaj hizo oposiciones el año pasado para caer mal al mayor número de gente posible, al menos su música seguía hablando por sí misma. Puede que ‘Queen’ no fuera un disco perfecto, pero al menos ‘Chun Li’, ‘Barbie Dreams’, ‘Hard White’ y ‘Good Form’ eran estupendos temas de gangsta rap, misteriosos y duros como un diamante, que mostraban a una Minaj en plena forma como rapera. ‘MEGATRON’, su nuevo single, se parece un poco más a ‘Coco Chanel’, pues directamente samplea (o más bien re-elabora) el éxito de dancehall de 1998 ‘Head High’ de Mr. Vegas. La idea funciona. Minaj deja prácticamente íntegra la base original de la canción, compuesta por un sugerente riddim y una pegadiza línea de guitarra eléctrica, y la utiliza para espetar una serie de versos que, sin ser especialmente magnéticos esta vez, sí son dinámicos y mantienen el interés. Con unos «bra ta ta tat» por aquí y una leve melodía autotuneda por allá, Minaj construye un tema despreocupado y totalmente «cool» en el que se celebra a sí misma sin caer en vulgaridades de todo a cien como algunos de sus compañeros de gremio. Es divertida por ejemplo la frase «Trunk in the front-front, I need a blunt-blunt, I own my own Moscato, bitch, we gettin drunk-drunk», aunque mi favorita sin duda es la dedicada a su «pussy»: «If you eatin’ it / do it precisely / ‘Cause I’m a millionaire, this pussy pricey». Jordi Bardají

«Sin ser ‘Anaconda’, ‘MEGATRON’ me reconecta con Nicki Minaj como ninguno de los singles de ‘Queen’ pudo. Usando una base de un tema jamaicano, Nicki rapea sus lindezas con la desvergüenza que la caracteriza, pero dejando sobre todo un gran estribillo que podría haber cantado Rihanna o quizá ya haya cantado Sia: «Shots, shots, shots, I’m drinkin’ / It’s better when I’m drinkin’. No le ha hecho falta mucho más: uno de los secretos de esta cosa tan machacona es lo poco que dura, lo corta que se hace y vuelta a empezar». Sebas E. Alonso.

«No se puede decir que Nicki Minaj no lo quiera intentar con su último single. Repite lo que sabe que le funciona, distintos guiños a lo que ya le ha funcionado, un acercamiento más pop, (intentos de) ganchos a patadas, letra directa, disfrutona y con toque veraniego… pero, quizás precisamente por eso, la cosa se queda en un «tried too hard». No es tan directa como ‘Anaconda’ cuando intenta eso, no es tan divertida y pop como un ‘Starships’ y, por no irnos a lo que ya son sus clásicos, es que no llega siquiera al nivel de ‘Chun-Li’. La repetitiva base intenta ser pegadiza pero acaba siendo molesta, las estrofas se hacen largas y, eso sí, los “brra-ta-ta-ta” cumplen su función. Pero, en general, ‘Megatron’ es algo que ya hemos visto antes, y mejor». Pablo N. Tocino.

‘Must Have Been the Wind’ de Alec Benjamin es un pequeño triunfo del pop más cursi

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Este mes de junio ha llegado a las plataformas de streaming un nuevo single de Alec Benjamin, el joven cantautor de Phoenix autor del hit ‘Let Me Down Slowly’ -que ya destacamos como canción del día tras su breve incursión en la lista de singles española- y de la mixtape que lo contenía, ‘Narrated for You’.

Producida por una Alex Hope que ha trabajado con Troye Sivan, Carly Rae Jepsen o MARINA, entre muchos otros, ‘Must Have Been the Wind’ es la típica balada de pop acústico de Benjamin, pero es también una de las más inspiradas que ha publicado a nivel melódico. Si Benjamin ha demostrado ser un dotado compositor de melodías pop bonitas que además no pueden ser más «radio-friendly», a lo que sin duda contribuye su adictiva voz, ‘Must Have Been the Wind’ es un ejemplo emblemático de ello, en este caso conmoviendo desde el reposo, sin el dramatismo de ‘Let Me Down Slowly’.

También tiene su miga la letra de ‘Must Have Been the Wind’. En ella, Benjamin nos cuenta la historia de una pelea que escucha desde su apartamento, durante la cual oye a una chica «llorar» y cuyo recuerdo no le deja dormir. Para comprobar qué ha pasado, Benjamin visita el piso pertinente, llama a la puerta y es atendido por la chica, que niega que los ruidos provengan de su casa: «Creo que tus oídos te están engañando», contesta. «Debe haber sido el viento». Claramente algo pasa y el tema adquiere un matiz totalmente «cheesy» en el puente, cuando Benjamin decide poner ‘Lean on Me’ en su casa a toda mecha para insinuar a la chica que pude «contar con él». La idea funciona. Sí, efectivamente ‘Must Have Been the Wind’ puede ser tan cursi como una canción de la primera Taylor Swift o de John Mayer, pero también es una absoluta monada, algo obvio en cuanto la escuchas en directo.

Cecilio G. / Million Dollar Baby

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En el anti-estrellato del nuevo rap español, Cecilio G. ha sido, desde siempre, una de sus figuras más controvertidas. Verdadero artífice de lo que luego fueron Pxxr Gvng, su carrera se ha debatido entre incontables beefs con otros raperos, excentricidades y excesos varios, rumores sobre su salud y el punto de inflexión personal que ha supuesto su paso por la cárcel, que ha confesado que, por mucho que sea una idea glamurizada en el hip hop, no le ha gustado nada. Y, en medio de todo eso, ha ido desperdigando su innegable genio en más contadas ocasiones de las que serían deseables, en casi innumerables mixtapes que alternaban temazos incontestables (como ‘El bueno de Markus’, ‘Gucci Fendy o Prawda’, ‘Legendario’, ‘Speed Life’, ‘Antonio Alcántara’ –con El Coleta–, ‘Barro’, ‘From Darkness With Love’ o ‘Pikete espacial’ –que casi ha trascendido el underground–) con casi el mismo número de desfases insostenibles.

Pero, como decía, la dolorosa estancia en prisión le ha hecho cambiar el enfoque que estaba dando a su carrera y ahora se muestra decidido a aprovechar al máximo su talento sin renunciar a esa personalidad única que le lleva a enemistarse enconadamente con C. Tangana pero hacerse amigo para siempre de los Taburete. Este cambio de actitud y mayor ambición se ha materializado en dos mixtapes publicadas en los últimos meses (la nueva se llama ‘Todos presos’). La primera de ellas es esta ‘Million Dollar Baby’ lanzada el pasado mes de marzo dentro de la plataforma La Vendicion Records, la misma en la que milita Yung Beef, con el que ha enterrado su beef (e incluso parece que estar al caer una colabo entre ambos, ‘Teletubi’).

En este nuevo trabajo (con 7 cortes en 20 minutos, podemos equipararlo a un EP) claramente deslumbra la canción titular. Un auténtico prodigio de rap old-school bien adaptado a la idiosincrasia actual por el dominicano Marvin Cruz –que pese a su juventud ya ha producido a Soulja Boy y Lil B, además de a numerosos MCs españoles y latinos–. Un tema que deslumbra por su gancho y, sobre todo, por la honestidad que imprime Juan Cecilia en sus versos, confesionales y honestos. Pero esta vez no es sólo una gema que brille entre cortes delirantes o prescindibles. ‘Million Dollar Baby’ es, hoy por hoy, el disco más completo y cohesionado que haya publicado nunca El Ceci. Apoyado básicamente en el citado Cruz y Limabeatz –con un estilo que bebe abiertamente del funk carioca–, Cecilio es el mismo de siempre pero mejorado en auténticos pepinazos como la casi pop ‘Trankimazin’, el trap de ‘Gracias Gucci Mane‘ o una ‘Cecilio G Kush’ que es classic Ceci en el buen sentido, con barras brutales y divertidas.

Como en el tema que da nombre a la mixtape, lo mejor viene de nuevo cuando se desnuda sin miedo en una ‘Intro’ que dirige a su padre fallecido, con una base de Javier Andrade (nombre real de Limabeatz) construida en torno a un sampler de ‘In My Mind‘ de Dynoro & Gigi D’Agostino, a la altura de emoción que requiere la letra. Sólo desentona aquí una ‘Ando con 3’ flojilla –y eso incluye su masterización, considerablemente menos potente que la del resto– y lo poco comprensible que es la inclusión de una versión de ‘Porque te vas’ de King Jedet en la que no hay ni una sola palabra de Juan (aunque como gesto, es simpático). Algo en ‘Million Dollar Baby’ dice que Cecilio G. está alcanzando un nuevo nivel en su carrera. Como canta en la mejor canción de este disco, Cecilio G. ha pasado de colarse en el festival Sónar a ser contratado por el evento de música, creatividad y tecnología barcelonés. El sábado 20 de julio estará en SonarXS, dentro de Sónar de día.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Million Dollar Baby’, ‘Intro’, ‘Trankimazin’, ‘Gracias Gucci Mane’
Te gustará si te gustan: Yung Beef, Kinder Malo, Sticky M.A., Kaixo
Escúchalo: Spotify

C. Tangana y Becky G mandan en «la noche del pregrabado» de Share Festival 2019

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Anoche al salir del Poble Espanyol barcelonés escuché decir que, para lo visto en la primera jornada de Share Festival 2019, quizá era mejor escuchar a esos artistas en tu casa, bien fresquito. Por más que la primera jornada de este festival con espíritu solidario –el euro de cada vaso reutilizable en barra va destinado a colaborar con distintas ONGs como Amnistía Internacional, Acción Contra el Hambre o el Instituto Jane Goodall, que además cuentan con stands informativos en el recinto– pudiera denominarse «la noche del pregrabado», no puedo estar de acuerdo. Como la etimología indica en el origen de la palabra «festival», más que una consecución de conciertos se trata de una celebración en la que participan tanto los que están bajo el escenario –un público jovencísimo, muchos adolescentes e incluso familias completas– como sobre él. Y en eso no se pudo poner demasiados peros a los artistas congregados. Cada uno en su medida, contribuyeron sobre todo a animar, hacer bailar y divertir. La ópera es en el Liceu, pocos kilómetros más al norte de la Ciudad Condal. [Todas las fotos cedidas por Share Festival 2019.]


Bien es cierto que, en ese papel, hubo dos nombres que mandaron sin apenas resistencia: C. Tangana y Becky G. EL Madrileño, regresado a España de su periplo americano, parece haber dejado atrás el concepto arty de ‘Ídolo’ y ‘Avida Dollars’. El único acompañado por instrumentos en directo –Alizzz en bases y teclados, más un percusionista que aportaba un rico saborsito latino–, C. Tangana, dominador del autotune, centró su set en lo que la gente desea: hits. Y no sólo los tiene a espuertas, de todos los colores y épocas –’De pie’, ‘Caballo ganador’, ‘Persiguiéndonos’, ‘Cuando me miras’, ‘Bien duro’, un ‘Antes de morirme’ en el que él mismo cantó los versos de Rosalía (en ‘Guerrera’, en cambio, sí sonó la voz de Dellafuente)– sino que la lista no para de crecer. ‘Un veneno‘ y ‘Pa llamar tu atención‘ fueron de lo más coreado de la noche, antes de los inevitables ‘Mala mujer’ y, como bis, una ‘Llorando en la limo’ con intro y outro, con el único acompañamiento del piano de Cristian Quirante. Ah, y sí, como cabía esperar, Becky G subió con él a escena para cantar ‘Booty‘, esta vez a dúo.


Y es que el set de la artista californiana comenzaba precisamente con esa canción y la no aparición de Puchito con ella fue un bajoncillo. Pero antes del arreglo que más tarde desempeñaron más tarde, ya la propia Becky G se encargó de alejar cualquier mal sabor de boca, con un set tan breve como fulgurante. Acompañada por un DJ que lanzaba los temas, cuatro bailarines y toda la pirotecnia, Becky del Bloque venía a dar espectáculo sin desfallecer, respondiendo que no, no necesita ningún álbum para armar un buen repertorio. Sin respiro –la media hora larga, no sabemos si comprimida por retrasos previos, pasó volando–, la ex-Power Ranger amarilla no se andó con mandangas y encadenó la docena de éxitos recientes, propios o remixes ajenos, con y sin voces amigas pregrabadas. Así, ocasionalmente sonaron las voces de Sean Paul (‘Mad Love’), Maluma (‘Mala mía’ y ‘La respuesta‘) o Daddy Yankee (‘Dura’) mientras que ella sola suplió con un estupendo registro vocal las de Anitta (‘Banana‘) o Paulo Londra (‘Cuando te besé’ fue uno de los momentos de mayor conexión con el público, llegando a marcarse un a capella posterior). Y Becky no sólo cantó bien (a pesar de que se mostró descontenta con el sonido que la entraba por el monitor de oído), sino que encabezó el cuerpo de baile con soltura. Lo mejor fueron que, conectando bien con lo que pedía el público, su set fue dinámico y ágil, no permitiendo que decayera ni un segundo hasta encender la gran traca final con ‘Mayores’ y ‘Sin pijama’. Llamadlo tablas, currazo previo o lo que queráis, pero fue incontestable.


Y esto viene a que, aunque no pueda compararse por tratarse de una artista relativamente nueva y con menos medios, el show de Lola Indigo, pese a ser muy esperado y contar con un puñado de canciones perfecta para liarla, no logró esa perfecta comunión con el público. Y, precisamente, por cierta falta de dinamismo, que se evidenció al contraste con la artista yanqui. La verdad es que su salida a escena con media hora de retraso –un no especificado problema técnico que se solucionó, sospechosamente, cuando el sol dejó de pegar bien fuerte sobre el escenario– fue un bajón, pero, tras el arreón primero de ‘Mujer bruja’ y ‘Maldición’, los interludios de baile y proyecciones casi entre cada canción del estupendo ‘Akelarre‘ (por supuesto, sonó al completo, además del remix de ‘Borracha’ de Yera) hicieron difícil llegar entregarse a los esfuerzos y palpable entrega de Mimi Doblas y sus cuatro bailarinas. Es guay que quiera hacer un show de música y baile, pero el público también quiere bailar, no sólo mirar.


Y si el fortísimo sol fue un problema para los artistas en Share Festival, en esta primera jornada lo peor se lo comió enterito el bueno de Don Patricio. «De verdad les digo que me siento como si estuviera en la playa», decía. Sólo que sin sombrilla, un refresco, arena y –un detallito– agua del mar. Casi nada. Pero eso no hizo que el de El Hierro, que celebró los 5 meses del notable ‘La dura vida del joven rapero‘, se entregara menos o que se marchitara de calor como el pobre ramo de flores con el que subió a escena y que acabó arrojado «como en las bodas». Sin gota de autotune, tras unos inicios dubitativos en los que no parecía acertar con el tono a usar en ‘Porrito en París’ y ‘Carita de guiño’, dio con la clave: los canturreos, mejor para el público (‘Bonsai’), y él se dedicó a rapear. Y ahí no falló, logrando divertir recurriendo a clásicos del reggaeton propios (‘La papaya’) y ajenos (una intro con ‘Dile’ y ‘La gasolina’), y afianzándose con la locura desatada con ‘Enchochado de ti’. En un auténtico puntazo, Bejo y Uge, sus colegas del combo Locoplaya, se subieron al escenario para cantar temas propios como ‘Cuelga tú’ o ‘Crazy’, entre balones y colchonetas hinchables, caramelos y melones –que fueron arrojados al público tras darles unos lametazos–. Pura diversión bajo (y a pesar de) la solana, rematada con el inevitable ‘Contando lunares‘ y un número instrumental próximo a «Paquito El Chocolatero».

Cancelado en el último minuto Vestiville Festival, ¿el nuevo Fyre Fest?

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Este fin de semana tenía que tener lugar en Bélgica un festival llamado Vestiville que contaba con nombres tan enormes en su cartel como Cardi B, Future, Migos, A$AP Rocky, Nicky Jam o Jason Derulo. Sin embargo, ayer no abrió sus puertas y la organización informaba de su cancelación tan solo unos minutos antes de que la apertura tuviera que producirse.

A través de Twitter, a las 17.25 horas informaban de que el alcalde de Lommel había decidido que el festival no arrancara por razones de seguridad. Apelaban directamente al equipo de seguridad de A$AP Rocky, el cual había decidido que la “seguridad del artista y del público no podía ser garantizada”. ¿A qué recuerda esto? Exactamente a lo que sucedió en el caótico Fyre Festival cuando el equipo de seguridad de Blink 182 visitó las instalaciones poco antes de su inauguración. Sus responsables decidieron que su grupo no iba a actuar y entonces se desató la tormenta.

A$AP Rocky informaba a través de sus redes de que “debido a problemas de seguridad, infraestructura y producción” su show no podía tener lugar; y la cancelación lógicamente ha desatado la ira de los asistentes al festival. Estos están denunciando problemas en el abastecimiento de agua y comida, incluso haber sido retenidos en el cámping durante horas, y también están compartiendo vídeos de algunos momentos de pánico.

Cecilio G. / Todos presos

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Después de ‘Million Dollar Baby’, las expectativas ante la nueva mixtape de Cecilio G., ‘Todos presos’ –que en realidad no hace tantas referencias a su paso por la cárcel, o no más que ‘Trankimazin’–, eran altas. Y la verdad es que no se puede decir que la supere, pero sí confirma la buena línea que mostró en ese primer lanzamiento de este 2019. Ceci está tan enfocado en la música (y el graffiti) como deja ver en su impagable perfil de Instagram y en esta ocasión aparta un poco el lado personal y sensible –aunque ‘I mean it’ se acerca, con versos tan enormes como ese «Ella me llama pero responde Cecilio / Juan está ocupado, creo que está montando el micro / Ahora no lo localizo, soy su socio esquizo / Ahora escucha esta canción en la que soy yo mismo»– que dejaba entrever en aquellas otras 7 canciones para mostrar su cara más bestia y punk.

Baste esa borriquez que es ‘INTRO TDPS’ y su furibundo gancho repetido hasta la extenuación –»Coge esa caja de trankis / métetela por el ampli»– para certificarlo. Una línea dura que acentúa la gran ‘Peach’ con base de su habitual socio Enry-K –»Quiero la libertad financiera, si no ¿cuál? / Yo quiero los lujos, los diamantes buenos»–, una gamberra y con un punto G-funk ‘Leskere’ o la sucia y desatada (aunque adictiva) ‘Vampira‘, con Lucifero 666. En todas estas aparece sin filtros el llamado Rey del Bogatell de siempre, el que lamentablemente presenta un reprobable tufo sexista y homófobo en sus barras –y que no encaja con su posición personal en esos temas, o al menos la que muestra en sus redes–. En contraste, el gran cronista de barrio que es emerge en ‘La calle está mala’, tan atinada como la final ‘Tu no’, con base de Marvin Cruz. En todo caso, este Cecilio G. de 2019, centrado en el business, nos gusta más que nunca.

«Me quieren tachar de cualquier cosa / como Bad Bunny, «soy peor», canta Cecilio en ‘I mean it’, y la verdad es que sería una auténtica (aunque improbable, a priori) alegría verle subirse juntos a un escenario del Sónar 2019, donde ambos coinciden el próximo mes de julio.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Peach’, ‘INTRO TDPS’, ‘I mean it’, ‘La calle está mala’
Te gustará si te gustan: Yung Beef, Kinder Malo, Sticky M.A., Kaixo
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‘Qué pretendes’ es un himno para despechados y otro hit para J Balvin y Bad Bunny

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Por si no había quedado claro que Bad Bunny y J Balvin dominaban el mundo después de su contratación en Coachella o de los streamings millonarios manejados por canciones como ‘I Like It‘, ambos han decidido sacar un disco conjunto de 8 canciones llamado ‘Oasis’. En ellas, como era de esperar, se alterna la sexualidad con el romanticismo, resultando por lo menos de entrada más atractivos estos últimos momentos, como es el caso de ‘La Canción’, un tema con saxo que tanto imagino en manos de Drake por ritmo, como de Juan Luis Guerra, por letra; o del single principal.

Este es muy acertadamente ‘Qué pretendes’, una canción llena de despecho en la que estos dos narradores tratan de evitar morder el anzuelo, cuando una chica que les ha dejado trata de volver con ellos. Perfectamente válida para cualquier tipo de género, pues a la inversa sería un pequeño himno de empoderamiento, plantea: «Ahora quieres volver / Por qué razón, dime para qué / Ya no te presto atención / Desde hace tiempo le puse punto final». Mientras esas referencias a Facebook e Instagram tan propias de finales de esta década harán derretir colegios e institutos, Bad Bunny, por supuesto llega a irse de la lengua: «Estas no son horas de llamar / A menos que me lo quieras mamar».

Musicalmente, la canción es un festín de pre-coros, coros y versos muy poderosos, acompañados de los ritmos típicos de reggaetón, aunque aquí adulterados con cierta imaginación por Sky, que figura como único productor tras haberse encargado de gran parte de las canciones del celebrado ‘Vibras’. El colombiano, cuyo verdadero nombre es Alejandro Ramírez, también es co-autor de ‘Con altura’.

‘Los muertos no mueren’: un Jarmusch menor pero entrañable

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Jim Jarmusch fue uno de los pioneros en el auge del cine independiente americano a principios de los años 80, y desde entonces no ha dejado de hacer un cine absolutamente personal y de lo más ecléctico. Desde road movies a dramas íntimos sobre vidas mundanas, pasando por historias sobre vampiros románticos a westerns. Ahora es el turno de los zombis. El Festival de Cannes siempre ha protegido su obra apoyándole e impulsándole desde sus inicios, y por ello, que ‘Los muertos no mueren’ fuese la película que inauguró este año el Festival no supuso ninguna sorpresa, incluso tratándose de una cinta menor en su filmografía.

Ambientada en la localidad ficticia de Centerville, la policía descubre que los acontecimientos extraños que están sucediendo son causa de una epidemia zombi que amenaza con invadir el pueblo por completo. Bajo esta premisa, Jarmusch intenta aplicarlo al mundo en que vivimos criticando a una sociedad en la que cada vez todo está más automatizado y donde la tecnología está, en parte, apoderándose de nuestras vidas. Pero aunque las intenciones de meter este subtexto sean las de dotar a la película de más empaque, lo cierto es que, por su obviedad, acaba resultando la parte menos interesante.

Lo más valioso de ‘Los muertos no mueren’ es su entregado reparto. El director se ha juntado mayoritariamente con amigos que ya han colaborado con él a lo largo de su trayectoria, como Bill Murray, Tilda Swinton, Adam Driver, Iggy Pop o Tom Waits, y tienen pinta de habérselo pasado en grande rodándola. La energía positiva que transmiten trabajando juntos es contagiosa al otro lado de la pantalla. Se nota que los actores confían plenamente en el divertido texto de Jarmusch -plagado de autorreferencias, guiños meta ficcionales y repeticiones-, recitando cada línea de diálogo con verdadera gracia, incluso cuando el tercer acto es un absoluto delirio, que poco tiene que aportar a lo demás. Todo el reparto brilla, especialmente unas Chloë Sevigny (en su primera colaboración con el director) y Tilda Swinton (poniendo acento escocés) graciosísimas. También Selena Gomez en un papel más discreto está muy convincente.

A pesar de ser una autoconsciente gamberrada, no es el típico entretenimiento fácil. ‘Los muertos no mueren’ sigue siendo tan de autor como cualquier otra de sus obras. Su ritmo pausado y esos diálogos tan marcianos pueden espantar a ese espectador despistado que no sepa muy bien lo que va a ver. Aunque si entras en su particular sentido del humor, probablemente pases un rato agradable. No es una gran película, y parece que tampoco pretende serlo, pero supone un bienvenido soplo de aire fresco en la cartelera veraniega pasar un tiempo con estos entrañables personajes al ritmo de Sturgill Simpson. 6.

Nick Cave pide separar música y política cuando le preguntan por Morrissey

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Nick Cave, que sabe lo que es ser asediado por razones políticas, en concreto por su decisión de actuar en Israel en contra de la presión de Roger Waters, ha hablado en favor de Morrissey. El autor de ‘Everyday Is Like Sunday’ ha actuado últimamente con un pin del partido de ultraderecha For Britain, además de haber defendido públicamente a la formación, y un fan de Nick Cave ha querido saber qué opina este al respecto.

Su respuesta a través de la web The Red Hand Flies, tal y como recoge NME, ha sido que hay que separar música y política. «La opinión política de Morrissey se vuelve irrelevante. Independientemente de las necedades que él pueda postular, no podemos pasar por alto el hecho de que cuenta con un catálogo extenso y extraordinario que ha mejorado las vidas de muchos de sus fans hasta lo indecible. Esto no es moco de pavo. Ha creado trabajos originales y distintivos de una belleza sin igual, que sobrevivirá a sus alianzas políticas ofensivas».

Indica que Morrissey es uno de los mejores letristas de su tiempo y cita entre los ejemplos ‘This Charming Man’, ‘Reel Around the Fountain’ y ‘Last Night I Dreamed Somebody Loved Me’. Además, en otros puntos de su texto, indica que Morrissey «pese a que pueda decepcionar a los marginados y a los miembros desahuciados de la sociedad», «debe tener libertad de expresar sus opiniones, como otros tienen la libertad de desafiarlas». Concluye, en la línea, que hay que dejar que Morrissey tenga sus opiniones, pero también «dejar a su música vivir».

J Balvin y Bad Bunny publican por sorpresa su nuevo disco colaborativo, ‘OASIS’

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J Balvin y Bad Bunny publican por sorpresa un álbum colaborativo con el que Joaquín Reyes por fin conseguirá distinguir a uno del otro. ‘OASIS’ contiene 8 canciones y colaboraciones de Marciano Cantero y Mr Eazi, y el primer single oficial parece ser ‘QUE PRETENDES’. Al menos es para este tema para el que J Balvin y Bad Bunny han decidido presentar un videoclip dirigido por Colin Tiley (Kendrick Lamar, Halsey, Iggy Azalea), que ya puede verse.

El cantante colombiano autor de ‘Vibras‘ y el portorriqueño autor de ‘X 100PRE‘ son por supuesto dos de los nombres del reggaetón y trap latinos más populares del momento. Ambos ya aparecieron juntos en el single de Balvin ‘Si tú novio te deja sola’, además de en ‘I Like It’ de Cardi B, en un remix de ‘Soy peor’ con Ozuna o en otro de ‘No me conoce’ de Jhay Cortez.

Todo un bombazo la llegada de este disco pues J Balvin y Bad Bunny han firmado algunos de los mayores éxitos de los últimos tiempos, muchos de los cuales han llegado al número 1 en nuestro país. Al margen de ‘I Like It’, Balvin, que acaba de actuar en Primavera Sound, lo ha sido recientemente con ‘Con altura’ junto a Rosalía (que recientemente ha sido top 1 global en Youtube), mientras Benito Jímenez, que está a punto de actuar en el festival Río Babel de Madrid y en el Sónar de Barcelona, lo es actualmente con ‘Callaíta’.

El precioso homenaje de Parade a ‘Esa música’ que te marcó

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En este mundo despiadado como este –y me refiero también a la música pop–, hay que celebrar la resistencia de talentos de la música como Antonio Galvañ. Este romántico del pop que publica discos bajo el nombre de Parade, no desfallece y, tras habernos deleitado con la recuperación de tres canciones compuestas hace 30 años en el EP ‘1987‘, anuncia nuevo álbum. El próximo mes de septiembre verá la luz la continuación de ‘Demasiado humano‘, un disco llamado ‘La deriva sentimental’ publicado como siempre a través del sello Jabalina –que este año ha cumplido 25 de existencia, por cierto–.

Y como adelanto nos trae hoy ‘Esa música’, una preciosa canción que celebra, precisamente, otras canciones. Esas que en algún momento de nuestra vida nos hicieron sentir algo distinto a las demás y nos cambiaron para siempre. Galvañ lo describe a la perfección en ese estribillo que dice «esa música tiene ya más de mil años / pero siento que bailando / soy un niño otra vez». Todo ello en una gema que, apartado de su perfil más electrónico, remite al elegante pop de guitarras de unos Prefab Sprout o un Lloyd Cole. Grabada en los estudios de Guille Mostaza con él a los mandos, participan en ella los habituales Eduardo Piqueras a la guitarra acústica y Eva Plaza y Jesús Galvañ a los coros, además de nuestro estimado colaborador Jaime Cristóbal a la guitarra eléctrica.

El tema es promocionado con un simpático vídeo creado con imágenes enviadas por fans y amigos –Guille Mostaza, Santi Diego del grupo Capitán Sunrise, Rafa Skam de The Yellow Melodies, el locutor Julio Ruiz (¡que sostiene el debut de Britney Spears!) o el propio director del sello Jabalina, Tanis Abellán– que posan con el disco al que guardan ese cariño especial que Parade describe en la canción. Por supuesto que también aparece el propio Antonio Galvañ que, si te lo preguntas, sostiene el ‘Feel The Need’ de Leif Garrett.

La primer ocasión de ver a Parade interpretar ‘Esa música’ en directo será el nuevo minifestival Jubileo Juan de Pablos. Esta vez tiene lugar los días 30 y 31 de agosto en Madrid para celebrar la figura del querido locutor radiofónico, meses después de su jubilación. Además de él, Los Fresones Rebeldes, Charlie Mysterio, Cola Jet Set, Confeti de Odio, Yawners o F.A.N.T.A. se darán cita en ella.

Cassius / Dreems

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El nuevo disco de Cassius no ha podido llegar a nuestras manos en peores circunstancias: apenas unas horas después del fallecimiento de uno de los miembros del dúo, Philippe Zdar, que la pasada semana se precipitaba accidentalmente por una ventana. Su pérdida ha sacudido no solo por supuesto a Cassius, que se despedirán con este álbum llamado ‘Dreems’, sino a algunas bandas amigas para las que Zdar estaba resultando fundamental. Hot Chip solo hablaban, antes de su muerte, maravillas sobre la aportación de Philippe a su nuevo disco ‘A Bath Full of Ecstasy‘; el artista había producido el año pasado el más que interesante ‘Always Ascending’ de Franz Ferdinand, y había servido de «guía especial» en ‘Ti amo’ de Phoenix unos meses antes, en 2017.

Es una pena además porque ‘Dreems’ es un trabajo mucho más centrado que el anterior álbum de Cassius, aquel ‘Ibifornia‘ en el que colaboraban con gente tan dispar como Cat Power y Pharrell Williams, de manera totalmente improbable incluso en la misma pista, o el omnipresente Ryan Tedder. Algunos colaboradores de aquel álbum de 2016 repiten en el nuevo, como es el caso de Mike D de Beastie Boys, pero o bien lo hacen con más brío o los elementos están mucho mejor dispuestos. No en vano ‘Dreems’ se ha concebido como una sesión de música de baile con las pistas unidas. Cuando terminan las 12 canciones del disco en las plataformas de streaming, la pista 13 presenta todo el álbum unido en un solo track.

Esta idea provoca que algunas pistas se vean realzadas, como es el caso de ‘Cause oui!’, que se crece al aparecer después de ‘Rock Non Stop’, con Mike D precisamente rapeando «Rock, we don’t stop» y aparentemente haciendo un pequeño «shade» a Gaga («I like Liza Minnelli / Not Gaga, don’t tell me»). Aunque muchas canciones se van construyendo a sí mismas a medida que avanzan y de manera independiente, como ‘Nothing About You’, de nuevo con John Gourley (of Portugal. The Man); o la mencionada ‘Rock Non Stop’, que primero parece va a ser un tostonazo de interludio y termina convertida en lo que podría haber sido un single de Simian Mobile Disco.

Son varios los temas que, de hecho, funcionan por sí solos y la cantante Owlle es responsable de muchos de ellos. ‘Don’t Let Me Be’ es muy merecidamente el single principal del álbum; ‘Dreams’, con el cantante de The Rapture y Joe Rogers, es un eufórico tema de chillwave en celebración del amor; y ‘Walking in the Sunshine’ el cierre perfecto tras la medio étnica ‘W18’ con Vula Malinga. De la reivindicación de esta como «mujer» en una canción positiva para ayudar a alguien a salir del bache («There’s no better place / Morning, peace in my shelter / Don’t give up the faith / I’m a woman, just tell me why (I’m a woman)»), pasamos a una visión de la mujer mucho más sensual y por supuesto compatible. Es un glorioso final para ‘Dreems’ que contrasta claramente con el aburridillo desenlace del largo anterior.

También son muy reivindicables piezas como ‘Fame’, entre el Bowie y la Madonna más «art pop» o ‘Calliope’, esta última como muestra de que el disco no necesitaba a cantantes famosos o no famosos para llenar las pistas de baile. Un buen álbum, involuntariamente de despedida, que al menos pudo servir para que Zdar reflexionara sobre su carrera en las que han sido sus últimas entrevistas promocionales, apenas un par de días antes de dejarnos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Don’t Let Me Be’, ‘Dreams’, ‘Calliope’, ‘W18’. En general, la segunda mitad del álbum.
Te gustará si te gustan: Basement Jaxx, Simian Mobile Disco, Cassius
Escúchalo: Spotify

Amaia detalla portada y tracklist de su debut, ‘Pero no pasa nada’, y anuncia gira de presentación

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Amaia revela al fin los primeros detalles de su esperado primer disco. Aún sin concretar fecha de lanzamiento definitiva (el álbum sale en septiembre), al fin sabemos que el debut de la ganadora de Operación Triunfo 2017 llevará por título ‘Pero no pasa nada’ y se compondrá de 10 canciones, entre ellas ‘El relámpago’ y ‘Nadie podría hacerlo’, además de otras cuyos títulos la navarra nos desvelaba en una entrevista reciente.

Sin revelar demasiado del disco, El Segell explica en nota de prensa que «después de escuchar El Relámpago y Nadie Podría Hacerlo y presenciar el potencial de su directo en algunos festivales, Pero No Pasa Nada se intuye como un disco de corte pop rock en el que Amaia, con la ayuda de Santiago Motorizado a la producción, ha dado rienda suelta a su habilidad para componer canciones sencillas, desenfadadas y con melodías de las que terminas silbando horas después».

‘Pero no pasa nada’:
01 Última vez
02 Quedará en nuestra mente
03 El relámpago
04 Último verano
05 Nadie podría hacerlo
06 Quiero que vengas
07 Todos estos años
08 Un día perdido
09 Cuando estés triste
10 Porque apareciste

Conjuntamente a título, portada (¿o más bien portadón?) y tracklist de ‘Pero no pasa nada’ se han anunciado las primeras fechas de la gira de presentación del álbum, que arranca en Pamplona, de donde Amaia es oriunda, el 5 de octubre, y pasará también por A Coruña, Madrid, Granada, Barcelona o Murcia, entre otros puntos de la geografía española.

5/10 Baluarte (Pamplona) Próximamente
18/10 La Laboral (Gijón)
19/10 Palacio de la Ópera (A Coruña)
31/10 Temporada Alta – Auditori (Girona)
01/11 BIME (Bilbao)
08/11 Centro de Congresos (Granada)
23/11 Palau de les Arts (València)
20/12 El Liceu – Festival Mil·leni (Barcelona)
17/01 Circo Price (Madrid)
01/02 CC Miguel Delibes (Valladolid)
21/02 Auditorium (Palma de Mallorca)
14/03 Auditorio (Zaragoza)
21/03 Víctor Villegas (Murcia)
18/04 Cartuja Center (Sevilla)

Escucha lo nuevo de Thom Yorke, Kim Petras, The Black Keys, Ed Sheeran & Khalid, Parade, Chucho…

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Aunque, entrados de lleno en el verano, la cantidad de álbumes comienza a descender exponencialmente, esta semana novedades inesperadas como el nuevo álbum de Thom Yorke en solitario con corto para Netflix incorporado, y el secreto trabajo conjunto de J Balvin y Bad Bunny. Sin duda, han animado más la playlist Ready for the Weekend, en la que ya preveíamos incluir los nuevos discos de Kim Petras, The Black Keys, Freddie Gibbs & Madlib, Julia Michaels, Pedro LaDroga, Chris Brown y los debuts del productor dance Hayden James y la cantautora interesante Evie Irie, además de nuevos EPs del dúo Cine Nuria y la unión de Nico Miseria y Soto Asa.

Hoy también contamos con singles importantes, como el regreso de Mala Rodríguez, Ed Sheeran & Khalid (extraído del disco colaborativo del primero), Ellie Goulding & Juice WRLD, Iggy Azalea, ChocQuibTown & Becky G, Korn, Céline Dion, Ozuna, Daddy Yankee, Maldita Nerea o Juicy J (junto al dúo City Girls y Meghan Thee Stallion). Otros artistas que lanzan canciones destacables esta semana son Parade (primer adelanto del nuevo disco de Antonio Galvañ), serpentwithfeet, Bleached, Clairo, MUNA, Blanck Mass, H.E.R., Moon Duo, Izïa, Marcos y Molduras (atención a este dúo), Iseo & Dodosound, Yuksek, Eva Ruiz & Cruz Cafuné, Boy Pablo, Cristina Quesada, Lucy Dacus, Brittany Howard (la líder de Alabama Shakes en solitario), Jacques Greene, Mayer Hawthorne, Joyero (proyecto de Andy Stack, de Wye Oak), el interesante debut de B1N0 y el primer single post-Eurovisión de Miki Núñez. A estos se suman las canciones que hemos conocido a lo largo de la semana de Friendly Fires, Liam Gallagher, León Benavente & Amaral, Ms Nina o Joe Crepúsculo.

En cuanto a las novedades más curiosas, destaca el EP con el que Chucho conmemoran los 20 años de su hit ‘Magic’ (con la versión cantada por Manolo Martínez de Astrud y un par de remixes), junto al inédito que presenta Snail Mail para la reedición de su EP debut, una versión de Springsteen a cargo de Vampire Weekend exclusiva de Spotify, un disco de la serie DJ Kicks a cargo de Peggy Gou (con un nuevo tema suyo), el tema de Kygo para el holograma de Whitney Houston, la adaptación al español de ‘Should I Stay or Should I Go’ de The Clash que hace Xenia Rubinos para la BSO de la película ‘I’m Leaving Now’, la aportación de Meghan Trainor al concurso televisivo de composición ‘Songland’ o el tema que une a Maria Rodés, Santi Balmes y Joan Dausà para un anuncio de cerveza con conciencia ecológica.

Los Javis en La Resistencia: una visita que es todo un pulso

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Los Javis han visitado esta noche La Resistencia para promocionar la tercera temporada de ‘Paquita Salas’, que acaba de estrenarse en Netflix. Javier Calvo y Javier Ambrossi se dedican a echar pulsos durante la mayor parte de la entrevista, quedándose sin tiempo de responder a las preguntas que Broncano seguramente tampoco tenía pensado hacerles sobre, por ejemplo, la sintonía de ‘Paquita Salas’ cantada por Isabel Pantoja, la aparición de La Bien Querida en uno de los capítulos de esta nueva temporada, o en relación a la serie sobre La Veneno que el combo de directores se encuentra preparando.

Cuando a pocos minutos de empezar la charla, David Broncano plantea una serie de comparaciones a Los Javis sobre cuál de ellos es el alto y el bajo, el fuerte y el débil o sobre cuál de los dos la tiene más grande, sabes que la entrevista ha tomado una deriva incluso más absurda de lo habitual. La pena es que, en este caso, no haya resultado al menos divertidilla como la de Ms. Nina la noche anterior. ¿Cuántas horas dura la pelea de pulsos? Casi lo mejor del paso de Los Javis por La Resistencia es la emisión del tráiler de ‘Paquita Salas’ (sí, con música de Niños Mutantes).

Al menos al final, Calvo y Ambrossi sí responden sin tapujos a las preguntas sobre dinero y sexo de Broncano. El presentador conjetura al principio que deben tener unos 100.000 euros en el banco, pero Calvo acude raudo y veloz a apuntar que se ha «quedado cortísimo». En realidad ambos dicen disponer de unos 300.000 euros por cabeza, aunque Calvo asegura que Hacienda le ha salido a pagar y además una buena tajada. Por último, Los Javis explican que en el último mes han practicado sexo exactamente 0 veces, debido a su apretada agenda.


Mala Rodríguez, una «bruja» con ganas de llevárselo «todo por delante» en ‘Aguante’

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Mala Rodríguez publica hoy un nuevo single en solitario meses después de publicar ‘Contigo‘ con Stylo G y cuando está a punto de cumplirse un año desde el lanzamiento de ‘Gitanas‘, el que suponíamos primer sencillo de su próximo álbum, del cual siguen sin conocerse noticias concretas.

Se trata de un ‘Aguante’ producido por el grupo de productores norteamericano GTA (Brisa Fenoy, Yung Beef, Ms Nina, Beauty Brain), de ritmos agresivos y próximos a lo que propone su colega y colaboradora Lola Indigo en ‘Akelarre‘, con una base en la que convive un ritmo de reggaetón con texturas del afrobeat y el típico estribillo-pitido a la moda. El pre-estribillo clama «dice que aguante, no me da la gana, yo vine a llevármelo todo por delante», mientras el videoclip de la canción, dirigido por VENENO, parece inspirado en la película de 1998 ‘Jóvenes y brujas’.

Precisamente, en todo el tiempo que ha pasado entre ‘Gitana’ y la actualidad, la rapera jerezena ha triunfado con un single llamado ‘Mujer Bruja’ junto a Lola Indigo, además de con ‘Usted’ con Juan Magán y con ‘Caprichosa’ con Beatriz Luengo. Recientemente ha aparecido en ‘Agua segura’, el nuevo single de la cantante y actriz chilena Denise Rosenthal. El último álbum de estudio de Rodríguez, también llamado ‘Bruja‘, salió en 2013.

Aitana y Lola Indigo, rumbo al oeste en el vídeo de ‘Me quedo’ producido por CANADÁ

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Aitana y Lola Indigo firman este año un bailable single conjunto llamado ‘Me quedo’, incluido en el disco de la primera y producido por Alizzz con participación de El Guincho. ‘Me quedo’ entraba en el número 6 de la lista de singles española en su primera semana, pero tras caer al 25 en la segunda, su videoclip ha llegado esta medianoche a tiempo de darle un buen empujón.

Aunque la letra de ‘Me quedo’ sitúa a Aitana y a Lola Indigo explícitamente en una discoteca, el vídeo para el tema tiene lugar en un exterior, en concreto en el kilómetro desconocido de una típica carretera española, por la que vemos a las dos intérpretes subidas a un autobús o cantando y bailando la canción. Solo falta por aquí el toro de Osborne cortando el horizonte. RÉALITÉ, el colectivo de directores tras el clip de ‘No sabes mentir’ de Cupido, dirige con producción de CANADÁ este vídeo en el que la marca de la productora catalana no puede ser más reconocible, pues en ella vuelve a hacer uso de una estética cañí que recuerda necesariamente a sus trabajos con Rosalía. ¿No parece Aitana Penélope Cruz en ‘Jamón jamón’?

Recientemente, Alizzz nos detallaba así el origen de ‘Me quedo’: «Traje la idea del beat, que se basaba sobre todo en la vibra y la melodía principal que hay en el drop. De ahí construimos la letra el mismo día y la grabamos. Luego Aitana se vino a mi estudio a regrabar algunas partes. Le enseñé algunas partes nuevas de música que había hecho que sonaban más pop, un poco menos urban, como la intro y final y la parte r’n’b del medio. Aitana me ayudó a estructurar un poco esas partes. Posteriormente se subió Mimi».

Kygo busca otra canción del verano en un bonus track remoto de Whitney Houston en ‘Higher Love’

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Como cada semana, este viernes 28 de junio un puñado de canciones nuevas se estrenan en las plataformas de streaming, y una de ellas es especialmente interesante, pues se trata de un nuevo single de Whitney Houston, fallecida en 2012, con el productor de música electrónica Kygo, autor de macrohits de tropical house como ‘Firestone’ con Conrad Sewell o ‘It Ain’t Me’ con Selena Gomez.

Desde la repentina muerte de Houston a los 48 años, acontecida unos días antes de la celebración de los premios Grammy, apenas hemos escuchado novedades póstumas de la cantante más que un par de temas que dejó completos para la película ‘Sparkle’ y un remix de ‘I Look to You’ con R. Kelly. Y eso fue en 2012. En comparación, sí hemos escuchado bastante material póstumo de Michael Jackson, Prince, Amy Winehouse o recientemente Avicii, que además está triunfando a lo grande con ‘SOS’ con Aloe Blacc.

La idea que la industria musical ha tenido ahora para reivindicar la figura de Whitney Houston en 2019 es recuperar una canción desconocida de la cantante y reconfigurarla en clave de tropical house. ‘Higher Love’ era un bonus track de la edición japonesa de ‘I’m Your Baby Tonight’, el álbum de Houston de 1990, y por si no pareciera suficientemente remoto, el tema era en realidad una versión de un single más antiguo de Steve Winwood, lanzado en 1986. ‘Higher Love’ de Kygo con Whitney Houston ya está disponible.

Liam Gallagher busca empoderar a sus fans en ‘The River’: «abandona tu máquina del tiempo»

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Liam Gallagher sigue compartiendo detalles y novedades de su nuevo disco a cuentagotas, como es normal por otro lado, pues ‘Why Me? Why Not.? no sale hasta el 20 de septiembre. En cualquier caso, el ex Oasis ya había lanzado el potente single ‘Shockwave’ -que ha alcanzado el número 22 en la lista de éxitos británica- y afirmado que el álbum será exactamente como el anterior pero mejor.

El segundo álbum en solitario de Gallagher contará con 14 canciones, entre las cuales se encuentra el segundo single que acaba de publicarse en las plataformas de streaming. ‘The River’ es otra canción de Gallagher con potencial de himno para sus conciertos, cuya letra se dirige en este caso a un joven al que Gallagher busca empoderar: «vete de tus nubes de marihuana, abandona tus máquinas del tiempo, así podrás decir que el dormilón se ha despertado», canta antes de declarar «no creas en las celebridades» o de animarnos a abandonar nuestros teléfonos: «el aparato en tus manos, es belleza de imitación».

‘The River’ llega además con un videoclip rodado en Manchester y protagonizado por el típico chaval británico de clase media baja, que deambula solo por las calles de esta ciudad para terminar topándose con… un póster que anuncia la llegada del nuevo disco de Liam Gallagher. Ya lo dice su título: «¿por qué yo? ¿y por qué no?»

Meister of the Week: AWWZ nos recuerda que Canadá no solo es una productora, también es un país

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AWWZ, el proyecto de electrónica «bass» de la barcelonesa Gemma, lleva unos años dando que hablar, sobre todo desde la publicación, en 2015, del envolvente single ‘Awake’ y, más tarde, del EP ‘Glid’, en el que la productora compartía una serie de temas atmosféricos pero también muy melódicos, llenos de textura y con cierto aire futurista, además de algunas influencias como el neo-soul, en los que quedaba plasmada una sensibilidad musical vinculada al color y a lo onírico. Más tarde, AWWZ ha sacado punta a sus influencias del R&B en ‘Bounce Back’ o incluso se ha atrevido con el dancehall en ‘Visa’, haciendo gala de una versatilidad que a buen seguro le permitirá seguir creciendo en el futuro. [Fotografía: Beatriz Sokol.]

Hoy, AWWZ es la artista invitada en una nueva entrega de nuestra sección Meister of the Week y por tanto nos habla de una obsesión o fascinación particular, en este caso Canadá. Un país que la productora ha visitado recientemente y del que destaca la hospitalidad de sus habitantes, sus interesantes festivales, las patatas «poutine», que guardan cierto parecido a las bravas españolas; o sus curiosas ciudades subterráneas.

¿Cómo valoras tu reciente visita a Canadá? ¿Exactamente dónde has estado? ¿Era tu primera vez en el país?
Estuve haciendo un dj set y un panel en el festival Canadian Music Week en Toronto, había estado antes en Montreal. Y ha sido viaje muy divertido, com mucho jet lag, conocidos y risas :)

Dices que Canadá es una mezcla perfecta entre Europa y USA, por la arquitectura y la actitud. ¿A qué te refieres exactamente?
Canadá fue colonia Francesa e inglesa, pero tienen muchos referentes de USA. En mi opinión se pueden ver los dos lados muy contrastados y mezclados en perfecta harmonía.

Según tú la gente allí es muy «educada, abierta a hablar y a hacer amigos». ¿El tópico de los canadienses son un amor es verdad? ¿No te has encontrado jamás con un canadiense borde?
¡Nunca! Te puedes encontrar mucha gente por la calle a menos 8 grados y tienen el detalle de saludar o preguntar si estás perdido (imagino que alguno habrá pero sí, son un amor).

¿Cuántos litros de jarabe de arce has podido consumir? Háblanos sobre este alimento, a qué se parece, con qué lo comes, etc.
No he podido porque no puedo comer fructosa :( pero es básicamente un endulzante pegajoso. Lo pueden añadir a muchas cosas, pero para desayuno es perfect.

«(En Canadá) básicamente están haciendo un test de qué pasaría en un país si se legalizara la marihuana y hubiera un control de la misma»

Cuéntanos más sobre las patatas bravas canadienses, las «poutine». Cuándo las pruebas por primera vez, por qué se parecen las bravas…
Goshhh están buenísimas. Se parece a las bravas pero sólo de aspecto… ¡de ahí las asocian! Pero es una guarrada muy top, es una base de patata frita con «gravy» caliente y queso (deshecho por el calor).

La marihuana es legal en Canadá, aunque dices que se hacen unas colas enormes. Pero ¿no hay como mil establecimientos / asociaciones? ¿Va todo el mundo al mismo sitio? ¿Cómo funciona?
No me metí a hacer cola de ninguna pero era fácil ver dónde la vendían. No existen muchos sitios, sacaron un determinado número de licencias, de ahí que se hagan largas colas, pero hay algunas que son estilo Apple con todos los accesorios bien colocados y con una venta elegante y detallada. Básicamente, están haciendo el test de qué pasaría en un país si se legalizara la marihuana y hubiera un control de la misma. Aun así aún están en formato test y hay muchos frentes que resolver.

¿Es cara (la marihuana) en comparación con España?
I’m sorry, no compré, no lo puedo saber.

«En Canadá la vida no para por mucha nieve o frío que haga»

¿Qué son las Moonshine Parties y por qué las destacas como de lo mejor del país?
Las Moonshine parties son fiestas que empezaron en Montreal y que se centran alrededor de la música africana y electrónica. En Canadá la fiesta acostumbra a acabar sobre las 2/3 am (no como aquí) y las Moonshine buscan espacios artísticos, de localización por sms enviada la misma noche, y dónde la fiesta dura hasta más tarde. ¡Nombres como Uproot Andy, Branko, Bambii, Ahadadream han pasado por allí!

También comentas que en Canadá «regentan los mejores festivales» de verano, aunque luego las temperaturas son bastante extremas. ¿Qué festivales canadienses recomiendas? ¿Cuáles han sido tu mejor y peor experiencia con ese clima tan extremo?
Hay muchos, cómo Shambala, Future Forest, NXNE, Mutek (fundado en Montreal), Canadian Music Week, Piknic, M pour Montreal.. Este último es en otoño, de hecho recuerdo que no subimos de 0 grados en toda la semana, pero lo llevan a espacios cerrados y ya, la vida no para por mucha nieve o frío que haga.

Musicalmente, Canadá es un país que exporta un talento increíble. Como dices están Drake, Paul Anka, The Weeknd… pero también Celine Dion, Justin Bieber, Joni Mitchell, Alanis Morissette, k.d. lang, Carly Rae Jepsen, Shania Twain…. ¿Qué lugar suele ocupar la música canadiense en tus playlists? ¿Alguno de estos artistas te inspira especialmente?
Tengo such a debilidad por Drake, así que nunca falta, (lo pinche o no) en mis USB’s.

«En las ciudades subterráneas de Canadá te acabas metiendo sin darte cuenta estés en un centro comercial o un hotel del centro, es sencillamente una extensión de los mismos»

¿Qué actitud has percibido de la gente canadiense ante algunos de estos artistas? ¿Hay cierto prejuicio o sobre todo mucho orgullo?
No puedo hablar con todo el conocimiento, pero los Canadienses en general da la sensación que están muy orgullosos de su país, de sus costumbres y de su cultura, y en ToronTo, de Drake también (MUCHO). Aprovecho pAR decir a los que conozco de allí: ¡Lo siento por los Raptors, me apetecía mucho que ganaran!

La gente flipará si no lo sabe con el dato de que en Canadá hay ciudades subterráneas. En Edimburgo hay una, pero es de hace siglos y es una visita turística. Tú te refieres a ciudades modernas, que están activas hoy en día. ¿Te sorprendió especialmente descubrirlas? ¿En qué ciudades subterráneas de Canadá has estado? ¿Alguna anécdota?
Estuve en RESO (Montreal) y en PATH (Toronto). De hecho te acabas metiendo sin darte cuenta estés en un centro comercial o un hotel del centro, es sencillamente una extensión de los mismos, que no termina nunca, con bares, oficinas, túneles, tiendas etc. Es bastante loco pero tiene todo el sentido del mundo con el frío que hace. Me recordó bastante a Las Vegas que muchas veces no sabes en qué hotel estás porqué muchos se conectan y no tienen mucha entrada de luz (¡igual lo pienso sólo yo!)

Calexico + Iron & Wine / Years to Burn

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Hace 14 años Calexico y Iron & Wine cumplían el sueño de los aficionados a la nueva americana de ver a ambos proyectos fusionados en uno solo. Fue en el miniálbum ‘In The Reins‘, un disco en el que Sam Beam –el barbudo cantautor de Carolina del Sur– se encargaba de poner las canciones y el grupo de Joey Burns y John Covertino –ya encumbrado entonces gracias a discos cruciales como ‘The Black Light’, ‘Hot Rail’ o ‘Feast of Wire’– el fondo instrumental. Ahora, en un acto tras el que, afirman, está su genuina amistad, ambos nombres han vuelto a unirse para hacer balance de lo que son hoy en día y llevar aún más lejos su fusión en un nuevo trabajo, ‘Years to Burn’.

Como mostraba hace un año el notable ‘The Thread That Keeps Us‘, hoy el combo de Tucson es una banda numerosa, en la que músicos como Jacob Valenzuela (cuerdas, voz) o Paul Niehaus (steel guitar) tienen su cuota de protagonismo ofreciendo un sonido más abierto y ecléctico que aquel rock fronterizo y misterioso de sus inicios. Por su parte Beam es, tras haber confirmado álbum tras álbum que el fulgor de ‘Our Endless Numbered Days’ no era un fugaz espejismo, una de las mayores figuras del folk rock con raíces. Y así, sólo podía surgir un disco de gran belleza como ‘Years to Burn’, que emociona con una intensidad distinta a la de aquel primer trabajo conjunto.

Y no sólo es que, esta vez, la personalidad de Calexico se imprima en algo más que los arreglos y la profundidad sonora que ellos, como pocos, son capaces de imprimir. Porque no sólo se implican en la composición –Burns y Covertino firman el single ‘Midnight Sun‘, fantástico en su contraste de suavidad acústica con intensas punzadas eléctricas–, sino que ahora sí que existe un verdadero trabajo coral, materializado en composiciones conjuntas como ‘Outside El Paso’ o esa opus en tres movimientos que es ‘The Bitter Suite’, los cortes más libres y experimentales.

Pero la verdad es que cuando más toca este ‘Years to Burn’ es cuando el hombre tras Iron & Wine toma el protagonismo. No sólo porque sus canciones, que a base de cuidadas armonías vocales remiten a otro trío de ases como Crosby, Stills & Nash –particularmente ‘What Heaven’s Left’, ‘Father Mountain’ y el bonito remate ‘In Your Own Time’-, sean las más cálidas y bonitas musicalmente. Sino también porque demuestra, una vez más, que sus poéticas letras están muy por encima de la gran mayoría de lo que podemos leer actualmente en cualquier disco.

El poso de Gran Literatura Norteamericana que hay en las líneas de sus composiciones -sirvan como ejemplo la historia de amor extrapolable al siglo XIX de ‘Father Mountain‘ o el emotivo canto a la madurez que es la susurrada ‘Years to Burn’– suponen un verdadero gozo al que nadie debería renunciar. Y es que, aunque es verdad que esta fusión peque de una leve irregularidad y no haya canciones sobresalientes, Calexico y Iron & Wine parecen, sencillamente, incapaces de hacer algo mínimamente mediocre. Ni separados, ni unidos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Father Mountain’, ‘What Heaven’s Left’, ‘Midnight Sun’, ‘Years to Burn’.
Te gustará si te gustan: la nueva y la clásica Americana.
Escúchalo: Spotify

«Uno nace con el puterío dentro»: Ms. Nina analiza sus mejores letras con Broncano y presenta nuevo single

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Ms. Nina ha acudido esta noche a La Resistencia para presentar su nuevo single ‘Te doy’ y su correspondiente videoclip. El tema contiene frases como «te doy mi bendición, te doy este culo con amor» y es perfecto para «ponértelo cuando llegues de la iglesia o para dedicársela a tu madre o tu padre», como explica la cantante en el programa.

Jorgelina Andrea del Valle Torres, esto es, Ms. Nina (así se llama tal y como le cuenta a David Broncano) habla con el presentador sobre sus antiguos estudios de diseño gráfico o sobre algunas de sus extrañas letras, que en algunos casos dice no entender ni ella, aunque algunas puedan ser brillantes. Por ejemplo, la argentina analiza el pasaje «salud, dinero y verga» y explica que «puedes salir del perreo pero el perreo no saldrá de ti» significa que realmente nadie cambia por mucho que quiera, pues en este caso «uno nace con el puterío dentro».

Nombrada al principio del programa con el apodo de Sweet and Sour Avocado porque quiere uno como el de Lil Papaya, aunque no parece que este apodo vaya a calar mucho, la autora de ‘Tu sicaria’ se enfrenta finalmente a las preguntas de Broncano sobre dinero y sexo. En la primera no se moja, en la segunda, sí: dice que últimamente lo ha hecho varias veces con su novio, su mano izquierda.

Tráiler ya online: el punto de unir a Miley Cyrus, Ariana Grande y Lana Del Rey como «Ángeles de Charlie»

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La nueva versión de ‘Los Ángeles de Charlie’ no llegará a los cines internacionales hasta el 15 de noviembre, pero aunque falten varios meses para que podamos ver este «reboot» protagonizado por Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska, hoy se ha estrenado el primer tráiler, donde puede escucharse parte de su banda sonora.

Más allá de lo cinematográfico, la productora de la película ha tenido la brillante idea de reunir a tres pesos pesados del pop femenino internacional como «Ángeles de Charlie alternativos» al trío protagonista de la película. Se trata de Miley Cyrus (que ya ha subido un teaser de la colaboración), Ariana Grande y Lana del Rey, y todos entendemos desde el mismísimo anuncio qué hacen las tres cantantes unidas en esta fantasía de proyecto.

En primer lugar, Lana del Rey, aunque más apegada a la estética hollywoodiense de los años 50 y 60 que a los 70 de la serie original, no es que hubiera desentonado demasiado al lado de Farrah Fawcett, compitiendo por quién llevaba el peinado más glamouroso. Pero además, es que su experiencia en el mundo de la banda sonora ha sido fructífera hasta el punto de que ‘Young & Beautiful’, su tema para la película ‘El Gran Gatsby’, ha terminado resultando su tema más popular. Cine y Lana se llevan bien como tantas veces se ha apreciado en sus videoclips.

Por su parte, Miley Cyrus, tras consolidarse como estrella pop actual con ‘Bangerz’, ha optado por una estética más retro y clásica, bien tirando de referencias folk y hippies, o bien de canciones que no pueden sonar más a finales de los 60 y a la década de los 70. Su tema junto a Mark Ronson ‘Nothing Breaks Like a Heart’ bebe del soul de los 60, pero también de la Dolly Parton de los 70. No hay que olvidar que Dolly Parton es madrina y referente estético de Miley y que precisamente muchos de los números 1 en las listas de country de Parton llegaron exactamente durante los años de emisión de ‘Los Ángeles de Charlie’, entre 1976 y 1981: ‘Here You Come Again’, ‘It’s All Wrong, But It’s All Right’, ‘Heartbreaker’, ‘I Really Got the Feeling’, ‘You’re the Only One’, ‘Starting Over Again’, ‘But You Know I Love You’ y la mismísma ‘9 to 5’, que además de en las listas de country llegaba a la cima del Billboard Hot 100.

Por último, Ariana Grande parece menos inspirada en décadas remotas que sus compañeras, a menos que consideremos los años 90 una década «remota». Sin embargo, su pasión por Stevie Wonder, todo un superventas a mediados de los 70, le ha llevado a cantar con él; y conocida es también su versión de ‘ABC’ de Jackson 5, por ejemplo. En cualquier caso, Grande está aquí para asegurar la atención mediática para este tema a tres, que busca convertirse en el nuevo ‘Lady Marmalade’ (o el nuevo ‘Bang Bang’): últimamente, casi todo lo que ha tocado lo ha convertido en oro. ¿Estará el resultado a la altura de las expectativas?

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trailer tomorrow 👼🏼

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Por qué la muerte del padre de Eminem es noticia: 5 canciones en que habló, traumatizado, sobre él

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La noticia de la muerte del padre biológico de Eminem a los 67 años ha aparecido en varios medios generalistas. Tras haber abandonado a su familia cuando el rapero era demasiado pequeño como para recordarle, desapareció de su vida y a pesar de un deseo por conocerlo manifestado tras el ascenso a la fama de Eminem, en un comunicado en el que aseguraba que no quería su dinero, porque «tenía trabajo», el encuentro nunca se produjo. El hecho de haber sido abandonado cuando apenas era un bebé ha marcado sin duda la trayectoria de Eminem, en ocasiones visiblemente traumatizado por esa falta. Estas son 5 canciones que explican por qué el fallecimiento de una persona relativamente anónima como fue Marshall Bruce Mathers Jr copa titulares en la prensa mundial.

Cleanin Out My Closet

‘The Eminem Show’ (2002) se presentó con el hit mundial ‘Without Me’, pero también triunfó considerablemente el segundo single de aquel álbum, llegando al puesto 4 de Estados Unidos y clavándose en la imaginería popular su estribillo «Mama, I never meant to hurt you / I never meant to make you cry / But tonight I’m cleanin’ out my closet (One more time!)». Aparte de hablar de su turbia relación con su madre, sobre la que volvería varias veces en su discografía, también se dirigía a su padre. Le llamaba «maricón» (faggot) y afirmaba: «me pregunto si me dio un beso de despedida / No, bien pensado, simplemente deseé que se hubiera muerto».

Sing for the Moment

Otro single menos popular de aquel disco, pero de éxito nada desdeñable (lleva 300 millones de visualizaciones en Youtube) fue ‘Sing for the Moment’. En el tema, que sampleaba a Aerosmith y un tema de ‘Titanic’, Eminem echaba la culpa de sus males al hecho de haber sido abandonado por su familia. En este caso es narrador en tercera persona, pero sin duda se refiere a sí mismo: «Fue un niño problemático, y lo que le molesta sale a la luz cuando habla de que su jodido padre se largó / Porque le odia tanto que se bloquea / Si le viera otra vez probablemente le daría un puñetazo».

Headlights

En ‘The Marshall Mathers LP2‘ (2013), el quinto single volvía a dirigirse a su madre en un tema que contaba con la colaboración de Nate Ruess a las voces y también Emile Haynie y Jeff Bhasker en la producción. El tema trata de ser una reconciliación con ella y en un momento dado habla con tristeza de cómo el abandono de su padre tendría que haberles unido: «¿Por qué siempre nos tenemos que lanzar al cuello del otro? / Sobre todo porque papá nos jodió a los dos / Estamos en el mismo jodido barco / Pensarías que eso nos habría unido / pero nos separó más». En el mismo disco, aparecía un tema llamado ‘Rhyme or Reason’ que co-producía Rick Rubin y en el que se sampleaba el clásico de The Zombies ‘Time of the Season’. El gancho principal era una conversación en la línea de las demás canciones. Ante el recurrente «Who’s your daddy?», Eminem respondía: «me importa una mierda, pero me lo pregunto». «¿Es rico como yo?», se preguntaba como en respuesta al deseo de su progenitor por conocerle. «Jaja, lo dudo», respondía.

So Bad

En uno de los temas de ‘Recovery’ (2010), Eminem culpa a su padre de su carácter errático y sus problemas con las mujeres, indicando que es como «un rolling stone», porque «simplemente él lo era también». «Déjame contarte toda la historia del origen de Shady (…) Todo empezó con mi padre / he debido de heredar mis genes de chuloputas de él / el modo en que dejó a mi madre / soy un trotamundos, como él». Su trauma de intentar parecerse a su padre lo menos posible se refleja también en letras como ‘Bad Husband’. En varias letras da a entender que él nunca haría a sus hijas lo que le hicieron a él.

Stan

Aunque de todos es sabido que ‘Stan’ habla de un fan obsesionado y como tal la palabra ha terminado incorporándose al lenguaje popular anglosajón para definir a un fanático absoluto de un/a artista, no faltaban por allí dardos para su familia. Precisamente en una de las cartas que el «stalker fan» le escribe le dice que se identifica con Eminem por esta razón: «es que tampoco conocí nunca a mi padre / solía engañar a mamá y pegarla / me identifico con lo que dicen tus canciones». El vídeo con la participación de la sampleada Dido recrea ese escenario de violencia familiar que visiblemente ha perseguido al artista sin feliz desenlace ni momento para la redención. Esperemos que Marshall Bruce Mathers Jr encontrara la paz en vida por otra vía…