Qué pasará con la música pop que escuchamos hoy dentro de 100, 500 o 1.000 años es una pregunta que los aficionados a la música nos hacemos de vez en cuando. ¿Sonará ‘Purple Rain’ un día tan remota como una canción de los años 20 o 30 del siglo pasado? ¿Llegará el día en que bailar -y llorar- ‘Dancing On My Own’ se sienta tan ajeno como hoy bailar chotis o swing? ¿Toda la música que escuchamos hoy en streaming desaparecerá?
Daniel Lopatin, la persona detrás de Oneohtrix Point Never (actual productor de The Weeknd), se hace las mismas preguntas e intenta resolverlas a través de la música. ‘Tranquilizer’ es uno de sus trabajos más basados en samples, y también uno de los más evocadores. Canciones como ‘Modern Lust’, que combina sintetizadores cósmicos y retazos de saxofón, suenan como música pop disuelta en el infinito, flotando en la galaxia dentro de miles de años.
La música de ‘Tranquilizer’ está diseñada a partir de lo que se conoce como residuos o detritos musicales, fragmentos de sonidos descartados y olvidados pero que siguen existiendo como vestigios. Lopatin extrae estos sonidos de un pack de CD’s con samples de los 90 y romplers de muzak que encuentra online durante el covid, que después desaparece y vuelve a localizar. La experiencia le lleva a reflexionar sobre la «impermanencia» de la música en la era digital.
El resultado es un trabajo que logra renovar el lenguaje de Oneohtrix Point Never de forma excitante, por fin. El sonido basado en samples, las constantes ambientaciones retro-digitales, y la naturaleza fluctuante de las composiciones remiten particularmente a ‘Replica‘ (2011) y ‘R Plus Seven‘ (2013), así como a la era del vaporwave; pero la sofisticación y el gusto aplicado a las piezas solo podrían haberse dado hoy.
Los collages sonoros de ‘Tranquilizer’ mutan casi cada segundo, y son tan inasibles que la experiencia de ‘Tranquilizer’ puede desorientar. Puedes reconocer instrumentos de cuerda en ‘Fear of Simmetry’, puertas rechinando en ‘Bumpy’ o bebés llorando en ‘For Residue’, pero siempre sonarán alienígenas. En ‘D.I.S.’ una voz operística se deja oír detrás de la densidad sonora. ‘Lifeworld’ evoca una especie de nueva exotica new age futurista, tan remota que es casi imposible de imaginar. ‘Tranquilizer’, la pista titular, más bien se sumerge en un universo acuático digital, casi de videojuego.
Es absurdo intentar «capturar» un momento o instante de estas composiciones: su naturaleza fragmentada refleja el flujo abrumador de contenido que define la era digital. En la enorme belleza de ‘Measuring Ruins -que pasa de la calma total al drama kosmische- o en los luminosos sintes de ‘Waterfalls’, e incluso en ‘Rodl Glide’, que suena como el recuerdo distante de un R&B pretérito, se esconde una necesaria reflexión sobre el deterioro de los productos culturales que consumimos, sobre la música que archivamos y desechamos, la que recordamos y olvidamos.
Son constantes los «eccos» a los discos antes citados de Oneohtrix Point Never, en las 15 piezas que componen ‘Tranquilizer’. El surrealismo onírico de las piezas no siempre es fácil de asentar, y pistas como ‘Bell Ladder’ corren el riesgo de desaparecer de la memoria precisamente como esa música que Lopatin trata de preservar. Sin embargo, ‘Tranquilizer’ es uno de esos discos para seguir descubriendo con los años, porque su propuesta musical es tan abundante que probablemente necesitaremos 100, 500 o 1.000 años para descubrirla por completo.
Sonia y Selena han anunciado su separación en un comunicado oficial: «Lamentamos comunicar que el dúo musical Sonia y Selena ha quedado disuelto por decisión unilateral de una de sus componentes, Sonia Madoc».
Las razones que ofrece el comunicado para la disolución del grupo no son claras, ya que se refieren a «varias divergencias». Asimismo, en el mensaje piden «disculpas a todos los compromisos y eventos que no podrán contar con las actuaciones pactadas»: «Iremos resolviendo cada caso uno a uno», aseguran.
Habrá más comunicados durante los próximos días, según indica el mensaje, después de estudiar bien la situación: «El equipo que las ha acompañado en esta etapa y Selena Leo haremos las declaraciones pertinentes».
Conocidas por la canción ‘Yo quiero bailar’, que sigue sonando en todas las fiestas veraniegas, Sonia y Selena formaron el grupo en el año 2000 y hoy son un hito de la cultura pop española de principios de siglo. «Hoy es un día triste para el pop nacional y para las personas que formábamos parte de este proyecto», concluye el comunicado.
A veces, navegar por lo más profundo de las plataformas tiene su recompensa. Según él mismo nos ha contado, así encontró Ralphie Choo a Junior Mesa, «diggeando» por ahí, y gracias a sus Stories de Instagram lo hemos encontrado nosotros. El artista californiano de 26 años te encantará si ya eres fan del propio Ralphie, Jai Paul, Dijon o Prince, si este se hubiese dedicado al lo-fi. ‘im not your man’ es la Canción del Día.
Mesa empezó a publicar su música en plataformas en 2019, pero todavía no ha lanzado ningún álbum. Después de escuchar ‘im not your man’, su último single, su debut pasa a ser de los más esperados. Este se trata de un simple tema de desamor que encanta desde los primeros segundos, con ese procesadísimo piano, pero que acaba de conquistar gracias a la gran melodía vocal de Junior.
A partir del segundo verso, el bajo y la guitarra aparecen en la mezcla, hasta que esta cobra protagonismo en la outro. Es una canción DIY de manual, y una que no te podrás sacar de la cabeza gracias a sus claras influencias del soul y el R&B clásicos. La letra es directa y efectiva: «Creo que no deberíamos hablar en absoluto / Pero quién soy yo para juzgar, porque estoy esperando todas tus llamadas».
Junior no es un artista de un solo truco, ya que podemos encontrar más joyitas entre su colección de sencillos. Entre ellas la animada ‘Losing My Grip’, que por su sonido ska cuesta creer que sea el mismo artista, o ‘Quit Your Job, Runaway!’, una evocadora instrumental. Más cercana a la canción de hoy, pero con un aire de folk acústico, es ‘Caroline’, que encanta con sus falsettos.
Nacho Cano ha presentado, en nombre del musical ‘Malinche’, una demandas contra Renfe. En el documento se cita como principal razón la ruptura de forma «unilateral y sin causa legítima» del contrato de patrocinio que firmaron en abril de 2024. Una vez más, Cano defiende que esta ruptura de contrato está «politizada».
El creador del musical está convencido de que estaría «instigada» por la asociasción de Consumidores FACUA-Consumidores en Acción y culpa al secretario general de FACUA, Rubén Sánchez, por hacer que el Ministerio de Transporter y Movilidad Sostenible presione a Renfe paras finalizar el contrato.
Desde Renfe alegan que hubo declaraciones de Cano contrarias a la reputación de su empresa, lo que hizo que invocaran la cláusula 9.2 del contrato. Esta establece que tanto Renfe como Malinche podrían, en cualquier momento, desistir de forma unilateral si entienden que la colaboración de la otra parte con otras entidades puede causar un perjuicio reputacional. Así lo hizo Renfe el pasado 12 de julio de 2024.
En el resto del texto de la denuncia, se señala que Pedro Sánchez es «muy próximo ideológicamente a la formación Podemos, cuya carga ideológica es muy contraria a los valores apuntados que manifiesta la obra Malinche de unidad y concordia entre los pueblos de México y España, y en general a la obra de España en el continente americano y a la evangelización cristiana».
Cano considera que el enfoque de su musical «ha encontrado oposición por parte de sectores ideológicos vinculados a la extrema izquierda política y al indigenismo más radical, corrientes ambas ampliamente representadas en el espectro del partido que sostiene al Gobierno de España». También sugiere que estos partidos han «promovido una relectura política» del pasado, argumentando que la «confrontación identitaria» que proponen es lo que les ha llevado a «rechazar la propuesta artística de Malinche», al contradecir su ideología.
Por último, el texto también menciona a Isabel Díaz Ayuso, describiéndola como «la principal rival política del actual presidente del Gobierno» y asegurando que hay una correlación entre los ataques propiciados a Ayuso y los que van dirigidos a él mismo. De esta forma, su relación de amistad con Ayuso también queda reflejada de forma evidente en el texto.
La historia de Repion se ha contado muchas veces durante el último par de años. El padre de las hermanas Marina y Teresa Iñesta tocaba la guitarra. Una amiga les descubrió a Nirvana, a Soundgarden y «todo el grunge». Su madre, que escuchaba Radio 3, les ponía ‘Un día en el mundo’ de Vetusta Morla para ir a la playa cuando tenían 13 años. «Nuestra madre siempre fue indie» pudo haber sido el titular de esta entrevista.
Repion van ya por su cuarto álbum aunque es el segundo que afrontan en Mushroom Pillow, cada vez más profesionalizadas. Ayuda que compatibilicen su carrera como dúo con otros proyectos como Aiko El Grupo o Mikel Erentxun, o que colaboren con gente como La M.O.D.A. -nada menos que en la mejor canción de estos– pero sobre todo que sus canciones se hayan ido enmarcando en el pop-rock español de toda la vida.
Podemos hablar de la influencia del grunge, por supuesto; o más bien de algo parecido al post-grunge, aquellos grupos que desarrollaron su carrera en la segunda mitad de los 90 (Smashing Pumpkins, Veruca Salt). ‘X’ termina furiosa como una riot-grrrl, porque la persona destinataria no ha querido cambiar.
Pero es difícil ignorar el parecido con gente de aquí, hasta cierto punto relacionada con el underground anglo, como Christina y los Subterráneos, Tulsa o Tahúres Zurdos. Y eso es algo positivo, en primer lugar porque estoy diciendo que la voz de Marina -cantante principal- es muy bonita. Algo que el indie desconoció salvo honrosas excepciones. Y en segundo, porque grupos de revival grunge siguen llegando muchos de fuera, tanto en lo comercial como en un plano más underground. Pero no tantas formaciones nacionales han querido bucear en ese apasionante océano llamado «pop-rock español». Y en lo que tiene de universal cuando está bien hecho.
Las composiciones de Repion suelen hablar de desencuentros y malentendidos: un sueño por el que apostamos pero solo «dura una semana». Un momento en el que tenemos que «contener un ataque de ira». ‘Otro día será’ puede ser su mejor canción, empapada de cotidianidad, realzada por un solo de guitarra eléctrica. ‘Cerrar los ojos’, tras abrir a piano, se eleva con frases tan coreables como «no aguanto ver esto» o «siento una pena tremenda». ‘Me sabe a poco’, con la repetición de ese «tú no lo tienes tan claro». Y ‘El sueño dura una semana‘ ha sido por ahora el gran single del álbum gracias a ese momento en que vuela, y luego recula para repetir «no sabía que venías los miércoles».
El álbum, que concentra casi todos sus singles en la primera mitad, se cierra sin mayor sorpresa que ese tema acústico llamado ‘Atocha’, en el que alguien arrastra una maleta penosamente hasta la famosa estación madrileña. Una escena que, durante solo 1 minuto y 30 segundos, removerá a más de uno. Pero también se cierra ‘201’ sin tiempo para cansarte de Repion. El grupo no ha dado oportunidad en estos 10 temas y 30 minutos de música. Hay un claro resurgimiento de las guitarras en España y el dúo merece estar en primera línea.
Claudia Arenas, actual concursante de Operación Triunfo 2025, ha logrado viralizar una de las canciones que ha cantado durante el programa. Se trata de ‘Latin Girl’, su versión de Emilia, que acaba de entrar en el puesto 36 del top 50 oficial de Spotify España. Ahora mismo, ‘Latin Girl’ aparece intercalado entre éxitos de Rosalía y Yan Block. Durante la jornada de ayer, rondaba el top 50 de los más virales de Spotify, tras subir 34 puestos de golpe.
‘Latin Girl’, de cuyo éxito se ha hecho eco inicialmente Los40, se publicó el pasado 17 de noviembre, hace diez días, y suma ya más de 630.000 escuchas, mientras que otras grabaciones de Claudia, como ‘Dos gardenias’ o ‘Kiss Me’, anteriores, se han estancado en torno a esa cifra. ‘Latin Girl’ está aún lejos de alcanzar el millón de escuchas, pero lo conseguirá como lo han hecho ‘Carita triste’ y ‘El sitio de mi recreo’ a lo largo de dos meses.
‘Latin Girl’ -que incluye una simpática mención a Christina Aguilera-, además está siendo usada en memes en TikTok, el más destacado, el que vincula la canción a un vídeo de muñecas de Bratz bailando una coreografía.
Claudia presentaba ‘Latin Girl’ en la gala 9 de Operación Triunfo 2025. A pesar de que su interpretación en directo de la canción le valió una nominación -aunque fue salvada por sus compañeros-, ‘Latin Girl’ multiplica por cinco las reproducciones de la siguiente canción más escuchada de la noche, ‘Manchild’ de Cristina y Olivia, que lleva 126.524.
Como informa Los40, Claudia Arenas es la concursante de Operación Triunfo 2025 con más oyentes mensuales, casi 400.000. Además, su versión de ‘El sitio de mi recreo’ de Antonio Vega, presentada al piano durante su primera nominación, es la canción más reproducida de toda la edición, con 1.560.237 streams. Le sigue por detrás ‘Mariposas’ de Guille Toledano y Crespo, que suma 1.487.376 escuchas.
Los40 atribuye el éxito de ‘Latin Girl’ a varios factores, entre ellos y de manera acertada, que la versión original de Emilia no es conocida en España. De hecho, la canción, publicada en 2022, nunca entró en la lista de singles española.
Hace unas semanas se viralizaba un vídeo-recuerdo de Rosalía, Yung Beef y La Zowi tapeando en la barra de un bar, y ahora los dos primeros son noticia por coincidir en otro sitio: en el Top 20 Global de Spotify. Por supuesto Yung Beef tiene público fuera de nuestras fronteras, y de hecho hay bastantes fans en Latinoamérica, pero no imaginábamos verle ahí: Rosalía está ahora en el #17 y él en el #21 (tras haber llegado al 19), posiciones absolutamente bestiales para artistas españoles.
La canción en cuestión es ‘Cuando no era cantante’, tema incluido en el disco que lanzó el año pasado El Bogueto, y que es una colaboración entre el mexicano y Fernando. Por alguna razón (TikTok parece tener algo que ver), aunque la canción funcionó bien el año pasado, ha ido escalando más y más en las últimas semanas, y ahora mismo, aparte de lo comentado a nivel global, es el #1 en Spotify México (en España está en el #40).
‘Cuando no era cantante’, producida por el chileno QueHicisteBella, es un tema de reggaeton melancólico de esos que a Yung Beef le sientan como un guante. La nostalgia de ese «como antes, baby vamo a hacerlo como antes» es su principal gancho, habiendo espacio para una mención a La Mafia del Amor por parte de El Bogueto, y para que Fernando suelte «vamo a hacer deporte, después pal restaurante».
No sabemos si esto quedará como anécdota en la carrera de Yung Beef o si hará que un nuevo público internacional se acerque al que es sin duda uno de los artistas más interesantes que ha dado nuestro país en estos años.
En cualquier caso, él sigue a su rollo: este 2025 ha sacado la segunda parte de ‘Traumatismo Kranoencefálico‘ y ‘EL PLUGGG 3 OVA 1’, chorrocientos singles y colaboraciones (entre ellas el temazo con Albany ‘BAILANDO EL DEMBOW’, a principios de año) y ahora está celebrando el 10º aniversario del excelente ‘ADROMICFMS 2’ con una edición vinilo, según anunciaba La Vendición.
Christina Aguilera no ha perdido ni un ápice de magia. La artista estadounidense se ha vestido de gala para presentar ‘Christmas In Paris’, la película musical navideña que estará disponible en cines de todo el mundo durante los días 14 y 21 de diciembre. La primera muestra de la cinta llega con una elegantísima versión de ‘My Favourite Things’, el clásico de Rodgers y Hammerstein.
Acompañada de una orquesta, un elenco de ballet, resplandecientes luces y su inconfundible voz, Xtina ha presentado su propio sueño navideño. Su versión de ‘My Favourite Things’ no hace ascos al jazz, pero tampoco al pop, favoreciendo totalmente el estilo de Aguilera.
La canción formará parte de ‘Christina Aguilera: Christmas In Paris’, la película musical que marca el 25 aniversario del disco navideño de la cantante, ‘My Kind of Christmas’, lanzado en el año 2000. La cinta fue grabada en París para una audiencia de 250 personas y está dirigida por Sam Wrench, responsable de las películas del Eras Tour de Taylor Swift y de Billie Eilish en el O2.
Este mismo año, en una entrevista con Carcy Magazine, Aguilera aseguró que estaba preparando un nuevo disco e «intencionadamente sacando tiempo» para plasmar sus ideas en el álbum: «Tengo ganas de nueva música y, honestamente, de seguir sorprendiéndome a mí misma, y a mis fans», declaró.
Delaporte ha denunciado en un comunicado en redes la agresión sexual que sufrió la cantante, Sandra Delaporte, el pasado viernes 21 de noviembre en su concierto de Madrid, solo unos días antes del Día Internacional contra la Violencia de Género: «Un hombre le agarró de la cabeza y le comió la boca sin su consentimiento».
El dúo de electrónica, que siempre suele transmitir mensajes de salud mental, vulnerabilidad y seguridad en sus redes sociales, ha abierto el comunicado aclarando que hablar de lo ocurrido «nos duele y nos pesa», pero es necesario para «proteger el espacio que construimos juntxs en cada concierto».
Estos cuentan que, durante su último concierto en La Riviera, Sandra se encontraba haciendo un pogo con el público, como siempre suele hacer en sus shows. Es entonces cuando un hombre le cogió de la cabeza para plantarle un beso sin su consentimiento: «Fue un acto de violencia sexual inaceptable».
El concierto continuó hasta el final con la cantante «en shock». El comunicado aclara que Sandra «quiso callarlo y olvidarlo porque no quería manchar las cosas bonitas que sí sucedieron». Sin embargo, tras hablarlo, han decidio comunicarlo. En cuanto al agresor, la banda confirma que no se ha podido identificar: «Había tanta gente que no se sabe quién fue».
En el mensaje, Delaporte se dirigen directamente a sus seguidores y fans, a la vez que denuncian la gravedad de los hechos y dejan clara su «tolerancia cero» ante cualquier agresión sexual: «Necesitamos sentar unas bases de seguridad, porque por lo visto hay personas que no saben que es el consentimiento, el respeto y la violencia sexual».
Con su tercer álbum ‘Elige tu propia aventura‘, Carolina Durante han conseguido un gran hito en su carrera. El álbum salió hace más de un año y continúa merodeando el top 50 español, certificado como disco de oro. Presente también en todas las listas de lo mejor de 2024, supondrá un antes y un después en la carrera de los «cuatro chavales». Al margen de ‘Joderse la vida’, ‘Normal’ y ‘Hamburguesas’, llama la atención el alcance del tema final del álbum, ‘Probablemente tengas razón’, que tanto se ha crecido en la gira. Sin haber sido single, suma 5 millones de streams solo en Spotify.
Para celebrarlo, el grupo anuncia «Fin de la aventura». Serán primero una serie de conciertos en salas de Latinoamérica, y finalmente, 6 fechas en España en arenas a finales de 2026 y principios de 2027. JENESAISPOP será medio oficial de este tour. Las entradas ya están disponibles en su web.
Esta gira arranca pasando por algunas de las ciudades más icónicas de LATAM: Buenos Aires, Bogotá y CDMX.
Después, continuará en España el 19 de septiembre en el Pop CAAC de Sevilla, el 26 de noviembre de 2026 en el Roig Arena de Valencia, el 28 de noviembre de 2026 en el Palau Sant Jordi de Barcelona, seguirá el 12 de diciembre de 2026 en el Coliseum de A Coruña y llegará el 26 de diciembre al Bizkaia Arena – BEC! de Bilbao, finalizando el 8 de enero de 2027 en el Movistar Arena de Madrid.
Según la nota de prensa, este “Fin de la aventura” supondrá «una puesta en escena adaptada a grandes aforos pero manteniendo la intensidad, la cercanía y la identidad que han convertido a la banda en uno de los directos más celebrados del país. La gira promete ser un punto de inflexión en su evolución artística y un acontecimiento clave dentro del calendario musical del próximo año».
21/03/2026 Niceto, Buenos Aires
25/03/2026 Lourdes Music Hall, Bogotá
28/03/2026 Foro Puebla, CDMX
19/09/2026 Pop CAAC, Sevilla
26/11/2026 Roig Arena, Valencia
28/11/2026 Palau Sant Jordi, Barcelona
12/12/2026 Coliseum, A Coruña
26/12/2026 Bizkaia Arena – BEC! ,Bilbao
08/01/2027 Movistar Arena, Madrid
Escribe Grafton Tanner en su ensayo ‘Las horas han perdido su reloj‘ (2021) que la nostalgia «es una manera en la que podemos enfrentar la inevitabilidad y aceptar la devastadora realidad de que algunas cosas desaparecen». Natalia Lacunza habla en las entrevistas sobre su nuevo disco de la pérdida de «referencias» y de un «círculo concreto» que la ha marcado, llevándola a preguntarse si lo que hace realmente «es suficiente» y a desconectarse de su «deseo e instinto creativo».
Lacunza se refiere en concreto a la «crisis de los 25», que tanto inspiró a Adele. Ella misma cantaba en ‘Hello’ que «el tiempo lo cura todo, pero yo no me he curado mucho» (que, así traducida, parece una letra de Amaia), y ese sentimiento atraviesa ‘N2STAL5IA’, un disco de título «disléxico» que suena como una cicatriz cerrándose poco a poco.
El segundo álbum de Lacunza recorre un arco emocional que va desde la angustia en ‘Apego feroz’, el himno de estilo indie-pop-rock que abre el álbum, con Barry B perceptiblemente entre sus autores, hasta algo parecido a la paz en la preciosa canción de cierre, la bucólica ‘Plastilina’, donde Lacunza se aferra a la esperanza de un día volver a «ser de aire y volar ligero».
Como un bebé que aprende a caminar (en ‘UnDosTres’), pero que ahora tiene 25 años y se enfrenta al camino de la vida, Lacunza transmite emociones de forma transparente. Se permite una «rabieta» en el single ‘Sabes Qué???’, de aires post-punk, porque desea dejar de ser «correcta» y dinamitarlo todo; se sumerge en la apatía en ‘Canciones sobre nada’, de sonido indietrónico; y en ‘Lo de antes’ ofrece una mezcla de calma y resignación que conduce al hallazgo de la luz.
En medio, Lacunza busca anestesiar el dolor en el funky ‘Un castigo‘, con Jesse Baez, uno de sus mejores singles. A pesar de haber dudado de su propio talento durante la creación de este disco, las melodías de ‘N2STAL5IA’ muestran una sensibilidad extraordinaria, muy evidente en esta canción llena de melancolía, pero también en la bossa de ‘Rápido’ o ‘Te enamoraste’, con la holandesa BEA1991, que, a su delicado paisaje bedroom-pop, suma lo que parece una referencia al gran clásico de Radio Futura. «Para enamorarse hace falta valor», canta la madrileña.
Creado junto a su mano derecha Pau Riutort y desarrollado con contribuciones de Diego 900, Gara Durán, Andry Kiddos, Teresa Gutiérrez (Ganges) o Pablo Stipicic, ‘N2STAL5IA’ es un disco continuista que no lleva la propuesta de Lacunza a un siguiente nivel evidente, pero sí da una vuelta diferente a la fórmula del disco anterior, ‘Tiene que ser para mí‘ (2022), uno de los mejores debuts de la historia de Operación Triunfo, si no el mejor y con perdón de Vega.
Predomina una sensibilidad bedroom-pop e indietrónica en cortes como ‘Canciones sobre nada’, ‘Lo de antes’ o la electrónica ‘Faber Castell’. El detalle en la producción sigue siendo minucioso (‘Plastilina’), y la exploración de estilos nuevos lleva a Lacunza a marcarse una preciosa bossa en ‘Rápido’, o a subirse a lo que parece un ritmo de dembow acelerado en la pegadiza ‘Singapur‘. Otras pistas, como la trap-pop ‘Mal de 2’, desconciertan sonando al pop de hace un lustro.
Aunque ‘Singapur’ es demasiado breve para producir un impacto duradero, y ese es el problema de varias pistas de ‘N2STAL5IA’. De manera notoria, la folki ‘NOKIA’ podría haber sido la mejor canción del disco, pero Lacunza la cierra antes de que alcance los dos minutos. Esto, unido a que las composiciones no muestran una evolución clara, y al menor impacto de algunos cortes como ‘Mal de 2’ o ‘Lo de antes’, deja la sensación de disco continuista.
Quizá no era una opción abandonar por completo el estilo del disco anterior, que personalmente escuché hasta la obsesión -y me consta que otras personas también-, recordándome aquellos vínculos que de pequeños establecemos con la música y los discos que nos marcan.
La pieza más radical de ‘N2STAL5IA’, de hecho, es una balada a piano devastadora llamada ‘Otro culito‘. Alguien dice que «es como escuchar una letra de reguetón en 0,5x», y es cierto. Es una muestra de lo necesario que es el pop de Natalia Lacunza en la música actual. Aunque ella dude, sus canciones siguen siendo tremendamente personales, y aún son capaces de generar un «apego feroz».
Las Petunias, que el año pasado se hicieron un hueco con su disco ‘Creo que soy de porcelana’, publican esta semana un EP llamado ‘Ahí te pudras, maldita’. Habla de la infancia y del cambio, y viene presentado por un tema llamado ‘Historias de mi madre’ en cuyo vídeo vemos a sus madres haciendo de ellas mismas, y ahora también por otro titulado ‘Tirant lo Blanc’. Además, han publicado un split excelente este mismo otoño junto a Amor Líquido, ‘No seré una estrella‘.
A su paso por MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic centrada en artistas noveles, Las Petunias han escogido hablar de algo tan inesperado como conocido por todos: el rap de Antonio Resines en los Goya. Sí, aquella actuación que en 2012 se viralizó incluso antes de que existieran ciertas redes sociales. Le acompañaron El Langui, Juan Diego, Javier Gutiérrez y Tito Valverde.
¿Por qué habéis escogido hablar del rap de Antonio Resines en los Goya?
No hay una vez que pongamos ese vídeo y no nos riamos y siempre lo vemos un par de veces más. Tenemos muchos recuerdos asociados a él. En nuestra primera gira pasamos muchas horas las tres solas en un coche, de ahí la canción ‘Audi 4 latas’, y teníamos que encontrar cosas que hacer para no aburrirnos. Una de nuestras actividades favoritas es revisar vídeos del clásico internet y cada una va enseñando sus vídeos nicho favoritos. Así fue como revisitamos esa actuación y casi tenemos un accidente por lo mucho que nos estábamos riendo. Recordamos las gotas de pis en las bragas todavía.
Hacía vuestra mayor «obsesión como banda», no sé… ¿el catálogo de Elefant? ¿No os une ningún otro grupo, sello, discografía más que esto? ¿Tanto diferís estilísticamente en gustos? LOL
Hombre, por supuesto que hay miles de bandas y artistas que nos unen, pero podemos llevarnos el trabajo a casa. Nosotras somos amigas fuera de esto, y también tenemos que hablar otras cosas aparte de música porque si no, nos volvemos locas. Sobre todo cuando estamos grabando, de escuchar música casi 24h al día, necesitamos esos pequeños momentos de desconexión que dedicamos a podcasts o libros, ¿pero qué mejor que Resines haciendo su mejor actuación hasta la fecha? Somos intelectuales al final del día.
¿Qué parte os gusta más? ¿Cuando dice algo ininteligible o cuando se entiende media frase?
Cuando dice “UNA FO” (las primeras “palabras” que consigue pronunciar)
El actor apela en verdad a cuando ganó un Goya en 1998 por interpretar a un carnicero castrado en ‘La buena estrella’. ¿Os dio curiosidad y visteis la película o la promo no le sirvió para nada?
Al principio pensábamos que también se lo había inventado y que era mentira… Tardamos un tiempo en darnos cuenta, así que nunca la hemos llegado a ver, pero deberíamos quedar para hacerlo.
¿Alguna cara favorita entre las que se ven entre el público, durante el rap en general?
José Coronado pone una cara de querer morirse de vergüenza en algún punto del rap y le damos gracias todos los días.
«Todo este rollo cutre-core que rodea la actuación es lo que la hace tan genuinamente graciosa»
¿Cuál sería vuestro 2º rapero favorito en este elenco de raperos que incluye a El Langui y Javier Gutiérrez, entre otros?
Creemos que El Langui guarda muy bien la compostura cuando invita a toda la sala a cantar y nadie le sigue el rollo. Alguna vez nos hemos sentido identificadas (risas), así que él es el top 2 sin duda. Sobre todo por su ingenio y a la hora de salvar la actuación de Resines cuando dice algo como “estaba cantando en inglés”, lo cual nos hace aún más gracia.
Todos los raperos del vídeo son hombres aunque en 2012 ya existe Nicki Minaj, además de otras pioneras como Missy Elliott, ¿a qué actriz os habría gustado ver rapear ahí?
Clarísima respuesta. Yolanda Ramos y Malena Alterio. Nadie podría hacerlo como ellas.
¿Qué os parece la base del tema rap, en lo estrictamente musical?
Pues tiene un aire a que la han sacado directamente desde youtube que nos flipa. Todo este rollo cutre-core que rodea la actuación es lo que la hace tan genuinamente graciosa. Esa base seguramente la habrá hecho un adolescente en su cuarto una noche de 2010 y simplemente por eso mola. Es pegadiza, es resultona, retumban los bajos… ¿se puede pedir algo más?
«En una industria donde hay hombres que cometen todo tipo de abusos sin recibir ningún tipo de castigo o “cancelación” qué importa si la gente piensa que somos malas, la vara de medir está tan trastornada que no tiene sentido tomarse en serio ciertos comentarios negativos»
Antonio Resines ha salido enfadado a veces porque le pregunten por el rap, y otras veces aceptándolo como hito de su carrera. ¿Os veis aceptando con humor y naturalidad así algún momento «backlash» que podáis tener? ¿Os afectan las críticas?
Por supuesto. Parte de este trabajo es asumir las cagadas y aprender a fallar, sobre todo por ser sinceras con nosotras mismas y con el público. En todas las entrevistas que hacemos contamos cosas embarazosas y no nos importa. Nuestra honestidad es un arma de doble filo pero es nuestra.
En una industria donde hay hombres que cometen todo tipo de abusos sin recibir ningún tipo de castigo o “cancelación” qué importa si la gente piensa que somos malas, la vara de medir está tan trastornada que no tiene sentido tomarse en serio ciertos comentarios negativos estúpidos y machistas, habría que poner el foco colectivamente en criticar a ciertas personas y dejar a las bandas de chavalas en paz.
Si vosotras hicierais un rap, ¿a qué canción os gustaría que se pareciera?
Quizá algo estilo Doechii, pero no seríamos capaces de ejecutar nada que conlleve tener swag. Acabaríamos haciendo algo tan swagless como nuestro querido Resines.
Arc de Soleil se encuentra de gira por nuestro país. Tras su paso anoche por Apolo en Barcelona, hoy 25 de noviembre es el turno de la Sala Changó de Madrid como parte del ciclo que celebra el XXV Aniversario de Ochoymedio.
El proyecto del compositor, productor y multiinstrumentista Daniel Kadawatha repasa unos éxitos que se basan tanto en el synth-wave como en la psicodelia. Temas como ‘Got Caught in Amsterdam’ o ‘The Thief in Marrakesh’ han arrasado en plataformas de streaming. Además, ahora suma las canciones de su álbum de este año, ‘Lumin Rain’.
Las grabaciones de Arc de Soleil se recrean en pasajes instrumentales, la cadencia de un punteo de guitarra y en ocasiones algo de ritmos bailables. Es el caso de ‘Dunes of Djoser’, el tema que seleccionamos como Canción del Día hoy.
Por si no te has dado cuenta, las composiciones de Arc de Soleil suelen ser viajeras, y esta se sitúa expresamente en el Antiguo Egipto, en turno a la tumba del faraón Zoser, la pirámide escalonada que tiene su origen hace más de 4000 años. Y si las composiciones del artista a veces contienen la sensación de delirio y paranoia, este breve texto juega con la sensación de confusión.
Arrolla en la primera estrofa «un oceáno de arena», mientras Daniel se siente aturdido con la «luz del atardecer». «¿Esto es real o es un sueño?», se pregunta mientras escucha una voz que le llama «y las cosas se disuelven». Una sensación que contrasta con una melodía certera que sabe exactamente hacia dónde se dirige y que resulta en una de sus grabaciones más accesibles.
Como extra, os dejamos también con el concierto que este mismo mes ha ofrecido para la icónica serie KEXP.
A Guillo Rist la invocación a Lady Gaga en la gala 10 le ha salido regular. Él ha bailado ‘Abracadabra‘ como un descosido -la ha cantado también, aunque peor- y eso ha sido suficiente para salvarle, pero no para evitar una nueva nominación. Compite con el favoritísimo Crespo, esta noche en la cuerda floja literalmente por descarte.
Téyou, la expulsada de la noche, ha brillado cantando ‘Je vole’ en perfecto francés, ofreciendo exactamente lo opuesto a Guillo, es decir, sensibilidad, intimidad y drama un poquito Disney. El 48% de los votos no han bastado para salvarla: su legión de fans lesbianas no se han movilizado suficiente. O será que Téyou ha decidido cantar una canción «sobre una despedida».
El jurado ya es incapaz de justificar cualquier nominación, ya que, bajo su criterio, esta noche todas las actuaciones han sido excelentes y dignas de grandes artistas. Claudia y Guille Toledano también han sido propuestos para nominación, pero la primera ha sido salvada por los profesores y el segundo, por los compañeros. Le ha tocado a Tinho, último favorito de la edición, desempatar los votos de Guille y Guillo.
Rist no ha recibido justificación alguna de su nominación (quizá el jurado no ha querido volver a tocar el tema de sus «efectos» vocales); Crespo sí: el jurado ha «disfrutado menos» su actuación -de ‘Cosas que no te dije- que noches anteriores. Claudia puede irse tranquila a la Academia porque sabe que su interpretación de ‘Birds of a Feather’ ha fallado en los agudos. Toledano ha sido propuesto también por descarte, a pesar de que su interpretación vocal ha sido excelente.
Tinho, con la gritona ‘Tempestades de sal’, y gracias a su elección como favorito, y a que la canción era en gallego y tenía mensaje, se ha salvado de -en mi opinión- una nominación segura. La versión de ‘At Last’ de Olivia se ha debatido entre la técnica recién aprendida y la sensualidad de Marilyn Monroe, con la que el jurado la ha comparado (¿o era shade?). Y Cristina necesitará una coreografía mejor, a la altura de su ilusión por ir a Eurovisión, si presenta en el certamen algo parecido a lo que ha hecho esta noche con ‘U Nana’.
Ha abierto la gala 10 de Operación Triunfo Pablo Alborán cantando ‘Saturno’ con los concursantes, y después el malagueño se ha vuelto a subir al escenario para presentar su single country ‘Vámonos de aquí’. Es decir, ha cantado una de las mejores canciones de su carrera, y una de las peores.
Elena Gadel -concursante de Operación Triunfo 2002 e invitada por derecho- ha sido la segunda visitante de la noche. Su papel ha sido concienciar a la audiencia sobre el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, que se celebra este 25 de noviembre. Para ello, ha invitado a las concursantes femeninas de la edición a hacerle los coros en ‘Loba’, su single de 2023.
En la gala 10 ya se enfrentan a la expulsión pesos pesados de la edición. Desconcierta que un talento como Guillo sea nominado dos galas consecutivas. Cuando Chenoa le pregunta qué canción elegirá para intentar salvarse el lunes que viene, después de haber tocado la guitarra y de haber hecho volteretas y saltado por los aires durante la edición, Guillo no sabe qué contestar: «Tendré que mirar a ver». ¿Ha jugado ya todas sus cartas? Entras comiéndote el mundo y sales dudando hasta de tu sombra. Si es expulsado, será también por descarte.
SanSan 2026, que se volverá a celebrar los días 2, 3 y 4 de abril en Benicàssim, acaba de anunciar su cartel por días. Abonos y alojamientos ya disponibles en la web oficial del festival. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
La propuesta para 2026 de SanSan comienza el jueves 2 de abril con Of Monsters And Men y Love of Lesbian como cabezas de cartel. Les siguen Siloé, León Benavente, Califato 3/4, La Élite, Rufus T. Firefly, Perarnau IV, Drama, Juventude, Puño Dragón, Tiburona, VIctorias, Groc Talent.
El viernes 3 de abril está encabezado por Rigoberta Bandini y Guitarricadelafuente. También actuarán Xoel López, La Casa Azul, Chiquita Movida, Anabel Lee, Hoonine, Leo Rizzi, Anouck, Las PEtunias, Malva, Michael Foster y Ultralágrima.
Por último, La M.O.D.A. y Ultraligera figuran como los nombres más importantes del sábado 4 de abril. Barry B, Maria Arnal, Sanguijuelas del Guadiana, Alizzz, Ángel Stanich, Biznaga, Samuraï, Comandante Twin, Gara Durán, Pablopablo, Repion y Sobrezero les acompañarán.
Zach Bryan actuará por primera vez en nuestro país en 2026. El cantante dará un único concierto el 27 de mayo en el Donostia Arena de San Sebastián con motivo de su nueva gira ‘With Heaven On Tour’. En este concierto le acompañarán Ben Howard y Keenan O’Meara como artistas invitados.
Las entradas saldrán a la venta el viernes 5 de diciembre a las 10:00h a través de las páginas oficiales de Doctor Music y Zach Bryan, además de entradas.com. Habrá entradas de pista y de grada con precios que oscilarán entre los 75 y 170 Euros (gastos de distribución no incluidos). Para este concierto habrá también Preventa del Artista a partir del miércoles 3 de diciembre a través de esta página web.
Bryan está a punto de embarcarse en su mayor gira internacional hasta la fecha: ‘With Heaven On Tour’, una serie de conciertos en Estados Unidos y Europa que comenzará el 7 de marzo de 2026 en St. Louis, Missouri, en The Dome at America’s Center. La gira abarca más de 40 fechas en Norteamérica y Europa.
Fatboy Slim, Guitarrica delafuente, Ralphie Choo, Saint Etienne, Amaia, Maria Arnal y Charlotte Cardin son los principales nombres de VIDA 2026, el festival que tendrá lugar del 2 al 4 de julio de 2026 en Vilanova i la Geltrú. En su 12ª edición, el evento, al que todavía le falta por confirmar un cabeza de cartel, ha apostado por el talento catalán.
La jornada del jueves estará amenizada con la música de Ralphie Choo, Saint Etienne, Charlotte Cardin, Osees, Alcalá Norte, Barry B, Amore, Maria Jaume, La Tania, Fades, Dan Perablo i El Comboi, Al·lèrgiques al pol·len, Carmen Lancho, Azuleja, Alavedra, Maig y el concierto inaugural que todavía está por concretar.
El viernes Guitarricadelafuente acompañará a Nu Genea, Lewis OfMan, La Ludwig Band, Sidonie, Shame, Depresión Sonora, Sunday (1994), Juan Wauters, Frente Cumbiero, Greta, Roserona, Kiliki, Preen, Remei de Ca La Fresca. Además, falta anunciar otro cabeza de cartel para este día, que también incluirá un show secreto.
El último día, sábado 4 de julio, Fatboy Slim, Amaia, Aldous Harding, Yerai Cortés, Maria Arnal, Cupido, Balu Brigada, Tyler Ballgame, Ferran Palau, La Paloma, Ángeles Toledano, Las Petunias, Tristán!, Indus, Me and the Bees y Gazella despedirán la edición.
El lema de este año en el VIDA se trata de IMAGINE, una «palabra universal que nos acompaña desde hace generaciones» y que no es solo «una canción icónica». En coherencia con ese espíritu, el festival adopta una imagen gráfica moderna, seria y elegante. Como el mítico White Album o la portada de Imagine, el blanco se convierte en el color central del VIDA 2026.
Los abonos y las entradas de día están disponibles a precio de salida hasta agotar existencias.
Si la semana pasada Pablo Alborán era la primera víctima del fenómeno ‘LUX’ de Rosalía en las listas españolas, quedando ‘KM. 0‘ en el puesto 2 (era la primera vez que Alborán no conseguía el top 1), esta semana es el turno de Sergio Dalma. Su nuevo álbum, ‘Ritorno a Via Dalma’ queda en el número 2 por detrás de Rosalía. No será el último disco que quede atascado en la segunda posición en los próximos semanas o meses.
JC Reyes llega al puesto 3 con ‘Vivir pa’ quedarse’ aunque la noticia es su dominio en singles, y el disco oficial de OT 2025 llega hasta el número 4. Además, el disco de la ‘Gala 8’ llega al puesto 82.
Otros que consiguen un top 10 son Sidecars con ‘Everest’, que alcanzan el número 8.
5 Seconds of Summer aparecen en el puesto 16 con ‘Everyone’s a Star‘. Este álbum ha sido número 1 en Reino Unido, en Australia, en Austria y en Holanda. Además, ha llegado al top 5 en Alemania. España no les da su peor posición, pues han quedado en el puesto 32 en Italia, en el puesto 45 en Francia o en el puesto 55 en Suecia.
Por su parte, De La Rose es top 20 con ‘FX De la Rose’ y Chica Sobresalto llega al número 38 con ‘Información sísmica’.
Las entradas se completan con The Rolling Stones, que llegan al puesto 53 con ‘Black and Blue’; Marlena, que llegan al puesto 54 con ‘La Victoria’; y Sidonie, cuyo disco en catalán ‘Catalan Graffiti’ entra en el puesto 62.
Rosalía sigue siendo la gran protagonista de las listas españolas. Mantiene el número 1 de álbumes como ‘LUX’ y el de singles con ‘La Perla’. Además, ‘Reliquia’ sigue en el puesto 2, ‘Berghain’ en el 4 y ‘Sexo, violencia y llantas’ en el 5. Rosalía tiene 6 canciones en el top 10, 13 canciones en el top 20 y 15 temas -todos los de ‘LUX‘- en el top 30.
Aunque Bizarrap y Daddy Yankee suben al top 3 con su Sesión, el protagonista de la semana es el sevillano JC Reyes. Su nuevo álbum ‘VIVIR PA’QUEDARSE’ -autoeditado, su sello se llama JC Reyes- es top 3 de álbumes y ha metido hasta 9 de sus 14 canciones en el top 100 español, lideradas por ‘Loquita’, que sube del puesto 40 al puesto 9 en su segunda semana. Así han quedado las canciones del álbum de JC Reyes en el top 100 oficial de nuestro país:
9 (40) LOQUITA, con Slayter
10 (E) DESDE 0, con Quevedo y Morad
38 (52) AVÍSAME
44 (E) TOY, con Clarent
56 (E) DA LA LUZ, con Alba Moreno
62 (E) MAKATUSSIN, con Kidd Voodoo, Piero 47
66 (E) LA MANO DE DIOS
67 (E) RESTAS O SUMAS, con J Balvin
94 (E) YYY, con Fito La R
Además, JC Reyes aparece con otros 4 singles o colaboraciones ajenas en el top 100, a destacar ‘Me mareo’ con Kidd Voodoo, que fue número 1 y aún resiste en el número 26.
Entre Rosalía y JC Reyes, ocupan casi el 30% del top, pero hay espacio para otras canciones. ‘Pinky Promise 2’ de La Pantera, Lucho RK y Pana YMB llega al puesto 21; ‘1204’ de De la Rose y Mora al número 49; ‘Bajo cero’ de Natos & Waor con Recycled J e Hijos de la Luna al 63; y ’11:11′ de Roa al puesto 97.
Tobias Jesso Jr. se ha hecho de oro gracias a sus colaboraciones con Adele, Harry Styles u Olivia Dean. Tanto que en los 10 años que han pasado desde ‘Goon‘ (2015) no ha publicado disco. Tan solicitados son sus servicios como compositor que el nombre de Tobias aparece en los créditos de una canción tan improbable y reciente como ‘La Yugular’ de Rosalía. ‘s h i n e’, su segundo disco, no tendría por qué existir.
Y, al escuchar ‘s h i n e’, esa pregunta se intensifica. ‘s h i n e’ no tiene ninguna pinta de ser un «álbum de estudio» de Tobias Jesso Jr., sino una simple y mera colección de maquetas escritas por Tobias para otros artistas, o quizá para sí mismo. Las letras hablan de «su madre, su hijo, una ruptura, su vida actual», pero nunca son lo suficientemente específicas como para volverse intransferibles.
Las grabaciones, por su lado, saben a proceso creativo. Suenan crudas y cantadas un poco de aquella manera (la final ‘Lullaby’), y el siseo de la grabadora -que podría ser la del iPhone- se ha conservado, quizá para transmitir una sensación de frescura e improvisación. El resultado no convence.
Para empezar, algunas canciones suenan directamente a lo que parecen sus primeras versiones, como ‘Black Magic’, que se basa en un arreglo de piano rítmico, funcionando como el esbozo de una canción completa. Después su frase «quererte es peor que hablar con atención al cliente», entiendo que no se la quisiera quedar nadie. Ni una persona con tanto sentido del humor como Adele la habría aprobado.
Muchos artistas -si no la mayoría- escriben sus canciones primero al piano y después las visten con producción. A esa idea o esqueleto suenan las canciones de ‘s h i n e’, que, incluso cuando presentan melodías tan bonitas como la de ‘Bridges’, transmiten la sensación de haber sido sacadas del horno demasiado pronto.
Luego está el tema de los artistas invitados, o más bien invisibles. Nunca adivinarías que Justin Vernon figura en ‘Green Eyes’, genérica en melodía y letra («la historia de mi vida, vivía de forma egoísta, hasta que llegaste y lo cambiaste todo»). Lo mismo aplica a ‘Everything May Soon Be Gone’, solo que esta vez es Danielle Haim quien presta su labor compositiva, aunque no se note.
Tobias ha trabajado con ambos en el pasado: con Bon Iver en ‘From’ y con HAIM en ‘Relationships’, además de colaborar con otros compositores acreditados en este disco, como Julian Bunetta, con quien firmó ‘Slow Hands’ de Niall Horan. Todo ello refuerza la sensación de que `s h i n e’ es un trabajo armado a partir de descartes manoseados.
La pieza más sorprendente de ‘s h i n e’ es el single de adelanto, ‘I Love You‘, otra balada llena de clichés («la vi llorar con alas rotas, ella sabe que volar significa arriesgarlo todo, caer duele»), pero que se resarce gracias a la irrupción de unas explosivas percusiones en su segunda parte, no aptas para corazones sensibles. En esa idea se nota un poquito el trabajo de Tobias con Dijon y Rosalía. El resto de pistas prometen, pero Tobias no les saca todo el «brillo».
Más de un año después de que surgiesen las decenas de denuncias a los raperos Ayax y Prok por supuestos abusos sexuales, FERNANDOCOSTA lanza un tema contra el primero de estos. El artista ibicenco ha estado vinculado a los granadinos durante la mayoría de su carrera, pero su relación se había enfriado durante los últimos años. En ‘TE AVISÉ’, FERNANDOCOSTA no se corta un pelo.
El nuevo ‘diss’ podría ser el último clavo en el ataúd de la carrera de Ayax. Ya ha pasado tiempo desde que la primera acusación dirigida al rapero desde la cuenta de Cristina Fallarás provocase un aluvión de denuncias que, si bien no ha desembocado en una acción legal, si ha tenido duras repercusiones en la carrera de ambos hermanos. Estas relataban historias de sexo con violencia y «no consentido», relaciones facilitadas por consumo de drogas, insultos y humillaciones.
Justo el pasado noviembre, el Wizink que tenían programado fue cancelado por el propio recinto. La última fecha cancelada de Ayax y Prok ha sido en el Sant Jordi Club. Por otro lado, la gira, que comenzaría en enero de 2026, no pasará ni por Madrid ni por Granada, su ciudad natal. La oficina de management y booking de los raperos, Taste The Floor, en su momento también borró la información de los artistas de su página web.
‘TE AVISÉ’ es la respuesta directa a ‘Justicia Poética’, subida por Ayax hace tres días. En menos de 24 horas, el tema de FERNANDO COSTA ya se está acercando a las 900.000 visitas, mientras que el de Ayax no pasa de las 330.000. El ibicenco no empieza con rodeos: «Te avisé cuando peleaste con tu exnovia y la hiciste llorar delante del camerino / Lloraba ella, cuando fuiste tú el que se fue de putas mientras ella soñaba contigo», rapea en los primeros versos.
No es casualidad que justo hoy la ex pareja de Ayax haya abordado el tema por primera vez en sus Stories de Instagram, dándole las gracias a Fernando: «Nunca olvidaré la frase que me dijo mientras me veía llorar en la cama sin ganas de vivir, que ‘ahí es donde me merecía estar'», ha publicado. Esta también revela que, a raíz de su relación de cuatro años con el rapero, acabó pesando «45 kilos».
En el resto de la canción, Fernando no baja el nivel. Este relata episodios despreciables en los que asegura que Ayax escupió a un técnico de sonido, pagó para que chicas retiraran sus denuncias del juzgado y contagió a sus amigos de tuberculosis. «¿Cómo voy a ser tu hijo? Si obligaste a todas tus exnovias para que abortaran», rapea FERNANDOCOSTA.
Este aborda directamente las denuncias dirigidas al rapero, acusándole de manipular a todas esas chicas aislándolas de sus amigas: «Empezó como una fan, le pareció un buen plan, un rapero activista / No se imaginaba que el maltrato venía disfrazado de feminista». Entre otras cosas, describe a Ayax como un «baboso», «narcisista», «tóxico», «inseguro» y «celoso».
En la última parte de la canción, responde directamente a Ayax, que lo acusó de dejarle tirado cuando las denuncias llegaron. FERNANDOCOSTA, por otro lado, asegura que se fue antes: «Cuando te vi drogarte con tu madre delante / Tu equipo se iba a otro hotel por tal de no verte / Yo ni ciego de pastillas era capaz de aguantarte», sentencia.
Jimmy Cliff, pionero del reggae, precursor de Bob Marley y uno de los principales responsables de popularizar el género alrededor del mundo, ha fallecido a los 81 años a raíz de una complicada neumonía. Así lo ha anunciado su esposa, Latifa Chambers, en redes sociales: «Doy las gracias a su familia, amigos, artistas y compañeros por haber compartido este viaje con él».
La carrera musica de Cliff comenzó en 1961, cuando este solo tenía 17 años, con la canción ‘Hurricane Hattie’. Sin embargo, no grabaría su primer disco hasta 1970, con ‘Wonderful World, Beautiful People’. James Chambers, de nombre real, fue una pieza clave a la hora de dar a conocer el reggae en todo el mundo. El pelotazo llegó en 1972 con la película ‘The Harder They Come’ (‘Caiga quien caiga’), protagonizada por él mismo.
Se trata de una de las cintas más importantes del cine jamaicano, pero la banda sonora es la que se llevó toda la fama, introduciendo el reggae en Estados Unidos y marcando el camino perfecto para estrellas mundiales como Bob Marley. ‘You Can Get It If You Really Want’ o ‘The Harder They Come’ se han convertido en clásicos del género, y está última ha sido versionada por artistas como Joe Strummer, Madness o Willie Nelson.
A lo largo de su carrera, Cliff ha grabado con figuras de la talla de Kool & The Gang, The Rolling Stones, Annie Lennox o Sting, pero no solo ha sido reconocido por sus compañeros de profesión. Ganó el Grammy a Mejor Disco de Reggae en 2012 por ‘Rebirth’ y a Mejor Grabación de Reggae en 1986 por ‘Cliff Hanger’. Además, junto a Bob Marley, es uno de los dos únicos miembros jamaicanos del Salón de la Fama del Rock and Roll.
Natalia Lacunza ha lanzado este viernes ‘N2STAL5IA’, su segundo disco, que ha venido precedido por los singles ‘Un castigo‘ con Jesse Baez, ‘Apego veroz’, ‘Tu culito‘ y ‘Singapur‘.
El disco revela nuevas joyas como ‘Plastilina’ y el focus track ‘SABES QUÉ???’ se ha promocionado con un videoclip que la propia Lacunza ha co-dirigido.
‘SABES QUÉ???’ versa sobre el deseo de Lacunza de liberarse de su propio autocontrol. «A veces necesito soltar las pinzas con las que tengo todo cogido y dejar que todo se destroce a mi alrededor», ha explicado en una entrevista reciente. En la canción, Lacunza expresa cansancio por ser siempre «la versión correcta» de sí misma y desahoga su frustración ante los sinsabores que le ha dejado la vida, lo cual incluye relaciones confusas, una búsqueda constante de validación, y la sensación de que el fulgor de la juventud -a sus 26 años- va quedando atrás: «Solía brillar, llegué a tener algo especial», canta.
Especialmente sonora es esa frase en que canta que, en esta nueva etapa de la vida, ya «no hay consejos de mamá», sino «solo un montón de mierda que no sé tragar».
Para contar esta historia llena de amargura e insatisfacción vital, Lacunza elige un sonido próximo al post-punk pero aún trabajado con sus colaboradores habituales, Pau Riutort y Pablo Stipicic. El sonido de ‘SABES QUÉ???’ remite al del primer Alizzz, el de ‘Ya no siento nada‘.
Martes, siete de la tarde. Llueve y hace frio en Gijón. Mientras espero para entrar en una sala de unos multicines (no todas las películas se proyectan en el elegante Jovellanos), me fijo en que solo hay colas para las sesiones del festival. Para el resto de las salas, no hay nadie esperando. Es una de las paradojas de los festivales: gente que apenas va al cine el resto del año, tragándose 10 o 15 películas en una semana.
Es la atracción del evento, la llamada del acontecimiento. No es ir al cine, es ir al festival: disfrutar del “ambientillo”, de los encuentros con los cineastas tras la película (ese aspecto Gijón lo cuida al máximo), de las actividades paralelas… Ahora que casi todo el cine está accesible por internet, esa es la función de los festivales que no están dirigidos a la industria, como Cannes o Venecia: crear lugares de encuentro y promoción cultural.
‘Nouvelle Vague’: así se hizo ‘Al final de la escapada’
Si te da igual la nouvelle vague, no conectas con el cine de Jean-Luc Godard y no has visto (y reverenciado) ‘Al final de la escapada’, la nueva película de Richard Linklater te parecerá tan interesante como a mí un libro sobre el “arte del toreo”. ‘Nouvelle Vague’ es droga para cinéfilos, una fiesta, una celebración, una gran bolsa de patatas fritas cinematográfica, el ‘Érase una vez en Hollywood’ de Linklater.
El director tejano no engaña a nadie: ‘Nouvelle Vague’ es, pura y simplemente, una carta de amor eterno a la película que alumbró el cine moderno. El filme recrea el rodaje de ‘À bout de souffle’ en clave de comedia cinéfila e imitando la caligrafía visual de la propia obra. El resultado es un falso making of tan encantador como divertido. Linklater no se dedica a hacer reverencias como un fan pesado cargado de solemnidad, sino que adopta la misma actitud que sus personajes cuando se burlan de la verborrea intelectual de Godard: complicidad, cariño y toneladas de admiración. 8’6
‘Blue Moon’: canción triste de Richard Linklater
‘The Lady Is a Tramp’, ‘My Funny Valentine’, ‘Blue Moon’… y así hasta mil canciones. El hoy olvidado letrista Lorenz Hart formó un popular dúo con el compositor Richard Rodgers en el Broadway de los años 20 y 30, luego eclipsado por el arrollador éxito de Rodgers junto a Oscar Hammerstein (‘Sonrisas y lágrimas’, ‘El rey y yo’).
Richard Linklater se acerca a la figura trágica de Hart (murió alcoholizado a los 48 años) recreando una sola noche de su vida: la del estreno del exitoso musical ‘Oklahoma!’ (1943), la primera obra que Rodgers compuso sin contar con él. Protagonizada por un sensacional Ethan Hawke -en la que podría ser la mejor interpretación de su carrera-, ‘Blue Moon’ es un biopic que se aleja del habitual semblante wikipédico para ofrecer un retrato del personaje más psicológico que biográfico, más centrado en transmitir su carácter y sensibilidad a través de la palabra (el filme está escrito de maravilla) que en enumerar su vida y milagros. 8’5
‘Las corrientes’: una mujer bajo la influencia
Precedida por las entusiastas críticas en los festivales de Toronto y San Sebastián (con quien el FICX mantiene un acuerdo de colaboración materializado en la sección Crossroads), la nueva película de Milagros Mumenthaler (‘La idea de un lago’, ‘Abrir puertas y ventanas’) se proyectó en Gijón envuelta en un inevitable halo de tristeza: la directora suizo-argentina estaba casada y tiene un hijo en común con el recientemente fallecido Fran Gayo, programador del festival e integrante del histórico dúo Mus.
‘Las corrientes’ se deja arrastrar por el caudal de estilistas de la imagen y la palabra como Hitchcock, Antonioni o Virginia Woolf para construir un relato misterioso, brumoso y esquivo sobre la inestabilidad emocional y la insatisfacción existencial de una mujer, una exitosa diseñadora de moda que parece tenerlo todo en la vida. Mumenthaler mezcla de forma fascinante imagen y sonido, silencios y voces interiores, para componer una especie de sueño febril donde los límites entre lo real y lo imaginado comienzan a difuminarse, como si el propio estado emocional de la protagonista contaminara la puesta en escena. Otro ejemplo más (‘Trenque Lauquen’, ‘Los delincuentes’) de la extraordinaria vitalidad del cine de autor argentino. 8’5
‘El agente secreto’: los “tiburones” de la dictadura
Fue una de las grandes triunfadoras de Cannes: Mejor dirección (Kleber Mendonça Filho), Mejor actor (fabuloso Wagner Moura) y Premio de la crítica. El director de ‘Bacurau’ y ‘Doña Clara’ echa mano de los códigos narrativos y estéticos del thriller político estadounidense de los 70 para construir una parábola sobre la dictadura militar brasileña.
Ambientada espléndidamente en 1977 en Recife (el diseño de producción es magnífico), ‘El agente secreto’ refleja el clima de miedo, violencia y corrupción que se vive en el país a través del relato de un enigmático funcionario que huye de un pasado turbulento y es asediado por los sicarios de una poderosa empresa afín al régimen. A partir de esta trama principal, la película se abre en diversas direcciones: alegoría política, retrato de la sociedad de la época (gran parte de la historia transcurre durante los carnavales), memoria histórica y cinéfila (incluyendo la proyección de ‘Tiburón’ y ‘La profecía’) e incluso un desvío hacia el terror de serie B más bizarro. 7’9
‘Father Mother Sister Brother’: la familia según Jarmush
Flamante ganadora del León de Oro en el reciente Festival de Venecia, ‘Father Mother Sister Brother’ nos devuelve al Jim Jarmush de las películas episódicas de sus inicios, como ‘Mystery Train’ (1989) o ‘Noche en la Tierra’ (1991). Acompañado de un reparto de lujo –Tom Waits, Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett…-, el director narra tres historias conectadas por un mismo hilo temático: las relaciones familiares.
Las dos primeras son magníficas: dos variaciones sobre un mismo tema -una pareja de hermanos que va a visitar a su padre o a su madre-, llenas de humor, melancolía y reflexiones sobre la incomunicación, la distancia emocional y los roles que interpretamos cuando estamos en familia. Jarmush juega con las repeticiones para establecer rimas llenas de comicidad, desplegando una puesta en escena mínima pero precisa que potencia el peso de los silencios. Con el tercer relato conecté menos, quizá por su desequilibrio tonal con respecto a las anteriores: la historia de dos hermanos que se reencuentran para visitar la casa de sus difuntos padres. Es tierna, emotiva y cierra bien el conjunto, pero le falta la chispa y la ligereza de las otras dos piezas. 7’8
‘Al oeste, en Zapata’: los olvidados
El comienzo de ‘Al oeste, en Zapata’, ganadora del premio a la Mejor película, es impresionante. Como si se tratara de un plano secuencia de un filme de Béla Tarr, fotografiado en un expresivo blanco y negro, vemos a un hombre de espaldas avanzando por una ciénaga mientras carga sobre sus hombros un cocodrilo que acaba de cazar con sus propias manos. Es un plano de gran fuerza visual y dramática que sirve como puerta de entrada al mundo de un matrimonio que (sobre)vive en uno de los parajes más inhóspitos de Cuba.
Mezcla de documental antropológico, cine de denuncia (la radio emite sin descanso discursos propagandísticos del régimen) y retrato íntimo de familia (la pareja cría a un hijo autista en condiciones extremas), el debut de David Bim se adentra en la rutina de este matrimonio con una mirada paciente y respetuosa, evitando tanto la explotación miserabilista como la épica grandilocuente, confiando en la propia potencia del entorno y la humanidad de los personajes. Una de esas películas del FICX en las que uno entra “a ciegas” (como el año pasado ‘Mother Vera’) y sale casi iluminado. 8
‘A pied d’œuvre’: bohemios del siglo XXI
Valérie Donzelli (‘Declaración de guerra’, ‘Solo para mí’) adapta el superventas autobiográfico de Franck Courtès (su guion fue premiado en el festival de Venecia). ‘A pied d’œuvre’ actualiza el mito del artista bohemio. El filme narra la historia de un fotógrafo de éxito (fantástico Bastien Bouillon, uno de los mejores actores franceses del momento) que abandona una posición de privilegio laboral y familiar para entregarse a su verdadera vocación: la escritura.
A través de su día a día, aceptando todo tipo de trabajos precarios para sobrevivir mientras escribe -un periodo muy fecundo desde el punto de vista creativo pero agotador en lo emocional y lo material-, la película traza un retrato íntimo de la fragilidad contemporánea del artista, siempre dividido entre la necesidad de crear y la urgencia de llegar a fin de mes. Donzelli observa con sensibilidad cómo esa precariedad, lejos de romantizarse, deja cicatrices, pero también abre un espacio para la libertad y la búsqueda de una voz propia. 7’7
‘Stereo Girls’: pop y muerte
Caroline Deruas, ex mujer de Philippe Garrel, dirige su segundo largometraje, protagonizado por su hija, Lena Garrel. Sí, todo muy “nepobaby”. Pero esta sensación se diluye en cuanto suenan las estupendas canciones compuestas por Calypso Valois, conocemos a las dos amigas protagonistas (a Garrel la acompaña Louiza Aura, conocida por ‘Las reinas del drama’) y nos vemos arrastrados por una narración muy afinada que mezcla la comedia musical con un coming of age tan luminoso como duro y profundamente dramático.
La directora parte de un hecho autobiográfico (el filme está ambientado en los 90) para contar un sencillo y hermoso relato de amistad adolescente, con la música como impulso vital (son fans de Les Rita Mitsouko y quieren ir a París a triunfar como dúo musical). Liviana y desenfadada como una canción pop, ‘Stereo Girls’ termina revelándose como una película más honda de lo que aparenta: un retrato vibrante y melancólico sobre la euforia, las heridas y la intensidad de unos años en los que todo parece posible (el título original es ‘Les Immortelles’). 7’5
‘Por el bien de Adam’: una enfermera contra el sistema
Laura Wandel irrumpió en el panorama del cine europeo con la contundencia de un puñetazo en el estómago. Su brutal acercamiento al acoso escolar desde el punto de vista de los niños en ‘Un pequeño mundo’, la situó como una de las cineastas más prometedoras del presente, una suerte de heredera de los hermanos Dardenne pero con mirada propia.
En ‘Por el bien de Adam’, la directora belga continúa explorando el mundo de la infancia, aunque esta vez desde el punto de vista de una enfermera pediátrica (extraordinaria Léa Drucker). El ingreso en el hospital, bajo orden judicial, de un niño con malnutrición será el detonante de un intenso drama médico, articulado alrededor del conflicto entre los protocolos de protección a la infancia y las complejidades de cada caso particular, entre la fría lógica institucional y la mirada humana de quien debe aplicar esas normas. Aunque carece de la sutileza y potencia dramática de la anterior, ‘Por el bien de Adam’ es tan buena como lo podría ser un episodio de ‘The Pitt’ rodado por los Dardenne. 7’7
‘Un día con Peter Hujar’: el día más largo
Había mucha expectación por ver la nueva película de Ira Sachs, quien además iba a estar en Gijón para presentarla. El teatro Jovellanos recibió con una gran ovación al autor de ‘Passages’ y ‘Keep the Lights On’, pero despidió su película con tímidos aplausos.
‘Un día con Peter Hujar’ recrea la grabación de la conversación entre Peter Hujar y Linda Rosenkrantz que tuvo lugar en 1974, en la que el célebre fotógrafo explicaba cómo transcurría un día normal en su vida. Sachs narra el encuentro emulando, con brillantez y notable capacidad evocadora, las formas del cine underground neoyorquino. Ben Whishaw brilla interpretando a Hujar (ganó el premio al mejor actor) y Rebecca Hall, en un papel muy poco agradecido, le da la réplica con sobriedad. El problema es que lo que cuenta Hujar tiene un interés muy limitado salvo para los muy fans del fotógrafo. Quizás, como ejercicio de estilo para un corto, hubiera tenido un pase, pero como largometraje se hace eterno. 5
