Martin mantiene el número 1 de JENESAISPOP con el 33% de los votos, frente al 28% de ‘Berghain’ de Rosalía, quien divide sus votos entre ese tema y ‘La perla’. La entrada más fuerte de la semana es la de Julieta Venegas, que llega al top 5 con ‘Tiempos dorados’, seguida de lo nuevo de Lemon twigs.
Otros artistas que llegan a la lista son Kylie y Maria Arnal. En los últimos puestos encontramos a Dijon, Maria Blaya y Mavis Staples.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
ANOHNI ha anunciado las fechas de su nueva gira, Wilderness, que recorrerá teatros y salas de conciertos de Europa durante la primavera de 2026 e incluye una fecha en España. El Palau de la Música Catalana de Barcelona acogerá este concierto el día 9 de abril. Las entradas estarán disponibles este viernes 19 de diciembre a partir de las 10h en este enlace, como parte del Festival Mil·lenni.
Se trata de una gira por teatros y auditorios, concebida específicamente para espacios escénicos cerrados y de carácter cultural. El concierto reúne a Gaël Rakotondrabe al piano y Chris Vatalaro en la percusión, con ANOHNI a cargo de las voces y las proyecciones audiovisuales.
La gira recorrerá algunas de las salas más prestigiosas de Europa. Tras su paso por Barcelona, visitará el Cirque Royal de Bruselas el 11 de abril, Le Carré de Ámsterdam el 15 de abril, la Philharmonie de Paris el 19 de abril y concluirá en el Barbican de Londres el 23 de abril.
Mariah Carey, como casi cada año, sigue rompiendo marcas con ‘All I Want For Christmas Is You’. Este año ha conseguido un record histórico al convertirse, por segunda vez, en la artista con el número 1 más longevo de la historia del Billboard Hot 100. Ha logrado que su canción navideña se mantenga durante 20 semanas en lo más alto de la lista, algo que nunca se había conseguido.
«Humildemente retomando la antorcha», ha escrito la artista en una publicación de Instagram. Hasta ahora, el record estaba compartido por Shaboozey y Lil Nas X, con ‘A Bar Song (Tipsy)’ y ‘Old Town Road’, respectivamente, habiendo acumulado 17 semanas en el número 1 del Hot 100.
Durante la década de los 90, Carey ya consiguió tener el número 1 más longevo hasta el momento gracias a la canción ‘One Sweet Day’ junto a Boyz II Men. Fue igualada en 2017 por Daddy Yankee y Luis Fonsi, con el remix de ‘Despacito’ con Justin Bieber. Ambas dominaron la lista durante 16 semanas.
Por si fuera poco, ‘All I Want For Christmas Is You’ ha cumplido 77 semanas totales en el Hot 100. Así, iguala a ‘Levitating’ de Dua Lipa como la canción de una artista femenina que más tiempo ha pasado en la lista. Este mismo año, la artista también ha celebrado el lanzamiento de un nuevo disco, ‘Here For It All’.
El festival Río Babel ha desvelado su cartel de 2026 al completo, sumando a siete nuevos artistas: La Pegatina, Ultraligera, Bandalos Chinos, Juventude, Eskorzo, Oslo Ovnies e Irepelusa. Estos se unirán a los ya anunciados durante los días 3, 4 y 5 de julio de 2026 en el auditorio Miguel Ríos de Rivas-Vaciamadrid. Ya se ha agotado el primer tramo de abonos generales.
Río Babel ha preparado tres eclécticas jornadas para su próxima edición. El día 3 es el de la música nacional, con Amaia, La M.O.D.A., Ultraligera y La Pegatina como cabezas de cartel. La siguiente jornada está diseñada para los amantes del rock, con The Offspring y Molotov liderando. Por último, el día 5 ya podemos denominarlo como el día de Katy Perry, a la que solo acompañan Bomba Estéreo, La Casa Azul, Yami Safdie, Yadam y Tú Peleas Como Una Vaca.
El festival mantendrá este año su compromiso con la sostenibilidad, la accesibilidad y el bienestar de los asistentes. El recinto es accesible en transporte público, taxi o VTC. La parada de metro Rivas Futura (Línea 9, Zona B1) permite llegar cómodamente desde cualquier punto de Madrid. También habrá parking gratuito con plazas asignadas por orden de llegada para particulares.
Por último, el festival pondrá a disposición del público un servicio de lanzaderas de vuelta que conectará directamente el recinto con la Estación Puerta de Atocha-Almudena Grandes al finalizar los conciertos, garantizando un regreso cómodo y seguro.
En 1994 no solo se publicaron discos como ‘Dummy’, ‘Definitely Maybe’ o ‘No Need to Argue’. En otra galaxia también se editaba el debut homónimo de Mónica Naranjo, aquel que España ignoró pero triunfó en México, inaugurando la leyenda de la cantante, que se extiende hasta nuestros días. Esto significa que su gira de 30º aniversario, compuesta de «greatest hits» -así, en inglés- llega un poco tarde, pero la misma artista bromeó frente a los 11.000 espectadores congregados en el Movistar Arena sobre llevar en esto de la música «31 o 32 años».
En ocasiones, ha perseguido a Mónica el rumor de que abusaba del playback en sus tours. Pues nada más lejos de la realidad. Mónica Naranjo exhibió anoche tremendo vozarrón, de destrozar tímpanos, y no es un decir. En ocasiones su voz sonaba tan fuerte y llegaba tan alto que habría reventado vasos en la barra, de no haber sido estos de plástico. Hasta 5 veces el Apple Watch me advirtió que se estaba superando el máximo de decibelios recomendados para nuestros oídos. Y siempre sucedía cuando Mónica se desmelenaba vocalmente.
La primera vez fue en la última parte de ‘Fama’, la balada que Naranjo escogió como entrada. La artista emergió, vestida de rojo, a través de un portal situado en la parte trasera, para reflexionar sobre «la fama» que un día «soñó alcanzar», y que de hecho logró, no sin ciertos sinsabores. Algo después, al término de ‘Desátame’, recordó lo que significó la interpretación de esta canción en un programa como ‘Sorpresa, sorpresa’, prueba de que no se le iban a caer los anillos en agradecimientos. A los únicos invitados de la noche, Nebulossa durante ‘Venenosa‘, les trató como reyes. Les dio protagonismo escénico, les manifestó su admiración e incluso cuando ya habían terminado el tema y los había despedido, continuó tarareando los «lololos» y «lalalas» de su single conjunto.
Pero los protagonistas eran, por supuesto, los «greatest hits» y no faltó casi ninguno de los realmente imprescindibles. ‘Entender el amor’ fue el primero que levantó al público de las sillas, interpretado en segundo lugar. ‘Europa’ arrasó encabezando el 2º de los 5 bloques en que se divide el show (una pena que sonara algo recortada, pues se estaba gozando en toda su locura). ‘Empiezo a recordarte’, al piano y dedicada a una familiar que cumplía años, en relación con un recuerdo a su hermano Enrique, que falleció en 2001, fue la que más sentido dio a la idea de poner sillas en pista. Fue emocionante de verdad. Y ‘Pantera en libertad’, dedicada a «hombres y mujeres empoderados» -como para que nadie la confunda con un himno feminista-, ‘Amor y lujo’ y ‘Sobreviviré’ fueron de las que después levantaron al personal, que en general sabía cuándo debía permanecer sentado y cuándo no.
Mónica devoró la interpretación vocal de todas las canciones, acompañada en distintas ocasiones de 4 bailarines, 4 músicos y 3 coristas, estos últimos adquiriendo enorme protagonismo durante los intermedios, interpretando cosas como ‘Usted’ o ‘Diva’ de Diva International, por alguna razón. Pero ha habido cambios en el show respecto a lo que fue el inicio de gira en México y ahora no es el coro quien interpreta ‘Chicas malas’, sino la misma Mónica Naranjo, en el bis final, tras hablar de la importancia de «hacer las paces con nosotros mismos». Ese disco que tanto odió, que le obligaron a hacer, ahora ha aprendido a «perdonárselo» y también forma parte de su repertorio. Al fin y al cabo, al inicio del show, Mónica Naranjo había hablado de cómo las cosas malas que nos pasan también nos hacen aprender.
Lo que no ha aprendido tanto su show a lo largo de los años es a dar algo de teatralidad a las actuaciones, ni narrativas temáticas a los bloques. Hay cambios de vestuario, y se lanzan cañones de confeti en los últimos instantes, pero ahí se acaban las ideas en cuanto a escenografía. Ni una plataforma que suba, que baje, ni una canción destacada en su coreografía, ni una proyección sobre las pantallas que mereciera la pena destacar. Serpientes, imágenes de una Mónica Naranjo futurista y otras que parecían celebrar los 30 años… de Windows 95, fueron el único acompañamiento de tan austero set. Raphael, aun con 80 años, sabe que tiene que dar un poco de show, y lo suele hacer con su icónico número «Frente al espejo».
Todo giró aquí en cambio en torno a la voz de Mónica, dejando como buena noticia para su futuro la correcta integración de temas recientes como la versión de ‘Hoy no’ o ‘Por un like‘. En excelente estado de forma y con un set que remitía a diferentes décadas, incluida la actual, nunca lució como una gira de despedida, después de todo. 7. Ainhoa Laucirica
El misterio en la música está prácticamente muerto. Luego está Dove Ellis. El joven artista irlandés es uno de los pocos casos en los que el hype se junta con el desconocimiento y merece la pena. Ha lanzado su esperado álbum debut este mismo mes, ‘Blizzard’, y ya ha sido alabado por medios como Paste o The Guardian. ‘To The Sandals’ es la Canción del Día.
Poco se sabe de Dove Ellis: tiene 22 años, nació en Galway pero vive en Manchester, eligió firmar con un sello independiente después de ganar atención en Bandcamp y fue telonero de Geese en su gira estadounidense. Su música está en el mundo del cantautor indie expansivo, recordando en ocasiones a su paisano Hozier, y su timbre de voz está entre James Blake y Thom Yorke. Las comparaciones con artistas como Jeff Buckley o Van Morrison han sido las más frecuentes.
‘To The Sandals’ fue su primer sencillo en plataformas, y es suficiente para caer enamorado con la música de Ellis. No extraña que hasta las multinacionales se fijaran en él cuando encontraron esto en su Bandcamp. El precioso riff que recorre toda la canción es la piedra angular del tema, que fluye como una brisa veraniega.
El propio artista ha descrito la canción como «reflexiones de un fallido matrimonio forzado en Cancún», pero la letra no es tan obvia como podría parecer: «Coge las palabras de tu trágica lucha / Y báilalas hasta ese nuevo club», canta en el estribillo. Hacia el final del tema, Ellis se marca una enumeración a lo Rosalía en ‘La Yugular’, desde el «ático» o los «dientes delanteros» hasta «las sandalias».
Rosalía mantiene el número 1 en España con ‘LUX‘ por 5ª semana consecutiva. La noticia es que desde estos días es triple platino, es decir, acaba de superar las 120.000 unidades vendidas solo en nuestro país (son unas 400.000 en todo el mundo).
Tras despachar unas 52.000 copias en España en su semana de salida, como pudo saber JENESAISPOP, ‘LUX’ ha continuado vendiendo una media de 17.000 copias por semana, a pesar de los graves problemas de distribución del vinilo, agotado en muchas tiendas. Es, de largo, el disco de Rosalía que más rápido ha llegado al triple platino y todo apunta a que va a ser el mayor éxito de su carrera, por mucho.
‘Motomami’ tardó 65 semanas en llegar al triple platino: no lo consiguió hasta junio de 2023, un año después de haber salido, además incluyendo la reedición con ‘Despechá’ que salió también en 2022. Recalcamos: ‘LUX’ ha conseguido vender en poco más de un mes lo que ‘Motomami’ vendió en más de un año y sumando una reedición.
‘El mal querer’ tardó 87 semanas en llegar al triple platino, aunque hay que recordar que en 2018, ventas y streaming no estaban fusionados como ahora. El segundo disco de Rosalía era doble platino cuando se decretó el estado de alarma por la pandemia y se cerraron las tiendas. Unas semanas después se fusionaron las listas de ventas y streaming para que Promusicae volviera a tener sentido con las tiendas cerradas, y en ese momento se reconoció el triple platino a ‘El mal querer’. Ningún disco de Rosalía ha llegado al 4º disco de platino: ‘LUX’ será el primero.
‘Los Ángeles’ solo tiene un disco de oro en España, al que llegó en 2019, un par de años después de su edición.
Si medimos las fuerzas de Rosalía con el totem Bad Bunny, ‘Debí tirar más fotos’ tardó 12 semanas en llegar al tiple platino, por las 5 de ‘LUX’. En favor de Benito hay que decir que su álbum lo logró sin edición física. El último de Bad Bunny va por el 6º disco de platino.
Volviendo a las novedades de la semana, hay que hablar del shock por la muerte de Robe, como ya hemos venido comentando, y ampliamos en el repaso a la lista de singles. Pero también se percibe en álbumes: ‘Se nos lleva el aire’ de Robe re-entra en el puesto 7. ‘La ley innata’ de Extremoduro sube del 65 al 16. ‘Agila’ entra en el top 68, ‘Material defectuoso’ en el 71. Y ‘Grandes éxitos y fracasos’, en el 77.
Las entradas se completan con ‘Escrito en la M-30’ de Grecas (top 10), ‘Lugar nº0’ de La Plazuela (top 13), ‘Memento Mori: México City’ de Depeche Mode (top 18), ‘Live from Glastonbury’ de Olivia Rodrigo (top 21), ‘Stendhal’ de Ozuna y Beéle (top 22), ‘Los del Glamoür’ de Juseph (top 24), ‘Kylie Christmas‘ de Kylie (top 30), ‘Lacosta II’ de Hard GZ (top 50), ‘Coming Home Live’ de Scorpions (top 59) y ‘Live God’ de Nick Cave & The Bad Seeds (top 97).
Decía un tuit reciente que «Cristina ha ganado tantas veces Operación Triunfo que, en la final, ha ganado Eurovisión». Cristina, tan fan de Eurovisión que ha cantado tres canciones eurovisivas durante el concurso -entre ellas ‘La noia’, de Angelina Mango, en la final-, ha ganado Operación Triunfo 2025, tal y como preveían las encuestas. No se sabe aún en qué momento podrá participar en Eurovisión, pero de momento se lleva el trofeo de OT y 100.000 euros.
Cristina, cuya evolución en el concurso ha sido mínima porque entró siendo excelente, armada con las tablas de una cantante curtida en musicales, se ha alzado con la victoria con el 46,3% de los votos. Olivia, la segunda finalista, se ha llevado el 30,1%, y Tinho, con el 23,6%, ha quedado en tercer lugar.
Completan la final Guille Toledano, que ha quedado en cuarto lugar con el 16,5% de los votos, y Claudia Arenas, que ha alcanzado el quinto puesto con el 13,6%.
Naiara, durante su visita a la Academia, ha rechazado haber sido víctima de la «maldición del ganador», explicando así el retraso de su disco. Ella dice que lo llama bendición. Veremos qué piensa Cristina dentro de unos años.
Concluye oficialmente una edición de Operación Triunfo que ha estado marcada por las dificultades del programa para conectar emocionalmente con la audiencia, pero que ha vuelto a dejar muy buenos momentos musicales (y al menos un inesperado hit en las listas de éxitos, ‘Latin Girl‘ de Claudia Arenas).
Cristina ha hecho una actuación de ganadora, cantando ‘La noia’ sobre una mesa imperial, acompañada de bailarines y en un italiano perfecto. Sin embargo, su evolución durante el concurso no ha sido tan evidente como la de Olivia, que se presentó con una actuación «horrible» -en sus propias palabras- de ‘Break Free’ de Ariana Grande, y ha acabado defendiendo ‘It’s All Coming Back to Me Now’ de Céline Dion con más entereza de la que cabía esperar. Sin duda, una justa segunda clasificada que también podría haber sido primera.
Tinho, tercer clasificado, se ha ganado cierto fanbase a lo largo del certamen, siendo elegido favorito en una ocasión -la noche de su cumpleaños-, pero sigo defendiendo que sus actuaciones vocales pueden pecar de gritonas y estridentes, y las de la final no han sido una excepción. Su ‘Lose Control‘ no ha sido su mejor actuación, pero su buena presencia escénica le ha beneficiado.
Aunque se han quedado lejos de ganar, Guille Toledano y Claudia Arenas pueden darse con un canto en los dientes. Guille, una máquina de afinar, ha bordado ‘Haz lo que quieras conmigo’, como ha bordado cada canción que ha cantado en el concurso. Puede que no tenga todavía el fanbase de Cristina, pero tiene tablas para convertirse en el nuevo pop star masculino. Juan Sanguino dice que la nueva Aitana debe ser un chico, y Pablo Alborán apoya la idea, pues ha dado like al reel de JENESAISPOP.
El jurado no ha sabido explicar muy bien la «magia» de Olivia o Claudia, pero está claro que Claudia algo tiene para que su ‘Latin Girl’ haya conectado con la audiencia hasta convertirse en un éxito real en listas, o para haber pasado de ser la primera nominada, a quinta finalista. Claudia no es la concursante que más ha afinado en el concurso, ni tampoco ‘Vivir así es morir de amor‘ ha sido la elección más acertada para esta noche, pero sí ha conectado con el público gracias a su evolución.
La final ha sido la noche más relajada del jurado, que ha usado la holgazana coletilla «tu actuación ha hablado por sí misma» en varias ocasiones, cuando no ha dado repetidamente las gracias a los concursantes por su trayectoria o les ha prometido una larga carrera fuera. Leire, Guille Milkyway, Cris Regatero y Abraham Mateo han hecho lo que han podido en un Operación Triunfo más feel good y blandito que televisivo, donde se ha echado un poco de menos la mala leche de Buika o Mónica Naranjo. Quizá ninguno ha sabido prepararles para los palos que les esperan fuera, o quizá no han querido.
Aun así, sigue siendo inagotable la experiencia de volver a visitar la Academia y, gala tras gala, familiarizarse con cada uno de los concursantes, elegir favoritos y debatir en redes. Durante tres meses, estos 16 nuevos rostros televisivos se vuelven icónicos en tu cabeza, aunque te resistas. Desarrollen o no una carrera musical a partir de ahora, ya forman parte del imaginario de Operación Triunfo. Les recordaremos sobre todo en conjunto, y quién sabe si también por separado.
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Podcast Operación Triunfo: «La nueva Aitana tiene que ser un chico»
Dedicamos el último REVELACIÓN O TIMO de 2025 a analizar lo que ha dado de sí el año en cuanto a cultura pop: discos, canciones, pelis, series… las listas habituales que encontráis en nuestro Anuario 2025, ya a la venta en nuestra tienda en digital por 3,99 € y disponible en reserva en formato físico de tapa dura (se enviará en enero). En este podcast desvelamos el top 10 de Mejores Discos del año, y revelamos curiosidades sobre la metodología de las listas o del Anuario en sí. La portada realizada por Marcos Moreno recupera los números romanos del Anuario 2022, lo cual esconde un concepto que muchos habéis adivinado…
En esta hora de conversación tenemos tiempo de hablar desde el disco más accesible de la artista experimental Anna von Hausswolff hasta del éxito comercial de ‘Golden’, de la banda sonora de las «Demon Hunters«, que se ha convertido en una de las mejores canciones del año, casi sin que nadie se diera cuenta.
Elogiamos el liderazgo de la música en español (más o menos) de Rosalía, Bad Bunny y rusowsky, y de hecho los tres aparecen de diferentes maneras a lo largo del Anuario, al margen de las listas. Aparece una pequeña discografía de Rosalía en la que valoramos cuál es el mejor disco de la artista; Raúl Guillén contrapone el valor político de ‘Debí tirar más fotos’ a la estética monjil de Rosalía en una columna de opinión llamada ‘¿Ángel o demonio? Una lectura sociopolítica del podio del pop mundial’. Y finalmente recuperamos una entrevista inédita que realizamos a rusowsky hace 2 años, y que ha terminado siendo premonitoria, de diferentes maneras.
Hablamos también de cómo ha vuelto a ser el año de Taylor Swift en lo comercial, de nuevo años luz por encima de cualquier otra competencia, Bad Bunny y k-pop incluidos, y de cómo nos hemos apañado para que Mariah Carey y Miley Cyrus aparezcan de manera testimonial en el Anuario pese a no haber hecho los mejores discos o canciones.
Fernando García ha escrito un artículo sobre el infierno en que se ha convertido conseguir entradas para un concierto, escrito antes del anuncio del ‘LUX Tour’, pero aplicable por completo. Mireia ha escrito sobre singles suicidas, Jaime Cristóbal sobre lo que queda de década, Joric sobre si «ir al cine es de viejos», Jordi Bardají sobre los mejores vídeos del año, y Pablo Tocino, sobre nuestras apuestas musicales para 2026. Como siempre, esperamos que podcast recopilatorio y Anuario sea una forma de descubrir nueva música, pelis o series a nuestra audiencia. REVELACIÓN O TIMO volverá en 2026 para comentar Benidorm Fest. Hasta entonces, ¡Felices Fiestas!
La palabra «Dios» se ha instalado definitivamente en el vocabulario del pop español a través de ciertos artistas. El gaditano CURRO la coloca directamente en el título de su segundo disco, haciéndose eco de la famosa expresión que apela a la providencia divina: la creencia de que Dios cuidará de las personas y proveerá lo que necesiten, aunque ahora no vean cómo sucederá.
Aunque CURRO en las entrevistas explica su fe aludiendo a la «incertidumbre» que vive la sociedad actual por varios motivos, ‘Dios dirá, Dios proveerá’ es un disco autobiográfico y centrado en las emociones. El de Sanlúcar de Barrameda se aferra a Dios para intentar superar una ruptura marcada por la depresión, y cada canción del disco representa una fase de esa separación.
CURRO ha hablado en entrevistas sobre su necesidad de liberarse de la hipermasculinidad aprendida y ha abordado ser percibido como ‘Maricón’ en una de sus canciones antiguas. La música de ‘Dios dirá, Dios proveerá’ también existe libre de reglas y prejuicios, basándose en una fusión ilimitada de flamenco, rumba, jazz y pop, con chops vocales típicos del rap moderno, beats urbanos, autotune, R&B y letras interpretadas en spanglish, incluso cuando la canción es flamenca.
Es el caso de ‘Ningún mar’, una preciosa balada por tangos que incluye la participación de Estrella Morente, en el año en que ha aparecido en ‘LUX‘, y de su hermano Kiki, acompañando a CURRO en la desolación. El spanglish se usa por primera vez en la orquestal introducción ‘Dios dirá y proveerá’, que deriva al urban, y vuelve a aparecer en ‘Después de la tormenta’, un corte de R&B flamenco menos logrado.
Ni una profunda apatía impide a CURRO entregar en ‘A toro pasao‘ una feliz mezcolanza de flamenco, rumba, chill out latino y urban-pop, que da un paso más allá con un videoclip inspirado en Maya Deren. La delicada pero expresiva voz de CURRO es apta para los autocoros y manipulaciones vocales de ‘Como a un perro’, que incluye palmas al estilo ‘Bagdad‘ de Rosalía y se transforma en varias cosas, pasando de un amago de baile a las gaitas y a las percusiones desbocadas del funk brasileño.
La visión es ya global en ‘Mataera’, donde CURRO afronta sus inseguridades a ritmo de afrobeat y R&B. Aunque las canciones empiezan a difuminarse a partir de la segunda mitad del disco, provocando que ciertas fusiones no funcionen o parezcan forzadas.
Es el caso de ‘No hay mal’, otro corte en spanglish que pone un pie en la balada clásica española y el otro en el R&B romántico. ‘Que x bien no venga’ es la producción más animada del conjunto, aunque su «drop» instrumental ya no parece clásico, sino anacrónico. Y ‘Hecho está’, con SALMA, infiere drama al disco, pero sin que la canción esté a la altura.
En un segundo disco que busca llevar a una plataforma pop y comercial las inquietudes experimentales de CURRO, termina destacando una producción tan chula como ‘Lágrimas y suspiros’, que junto a Queralt Lahoz retrata un «amor violento», tirando de ritmos de reguetón y de percusiones que no sé si están hechas con gatillos o con el teclado de una máquina de escribir, pero que sin duda escapan a las convenciones del flamenco urbano típico.
Rosalía anunciaba durante este lunes la llegada del vídeo de ‘La Perla‘, actual número 1 en España. En su post, Vila Tobella etiquetaba a Stillz, alias del director estadounidense-colombiano Matías Vásquez, dando a entender que él es el director del visual.
El vídeo de ‘La Perla’ no sirve al público para poner cara a su artista invitada, Yahritza y Su Esencia, que canta la segunda estrofa de la canción (muchos están confundiendo su voz con la de Rosalía). En verdad, parece un videoclip improvisado como consecuencia del inesperado éxito de una grabación que, recordemos, no iba a ser el segundo sencillo oficial de ‘Lux’. Hubo un día en que se subió ‘Reliquia’ a plataformas -aunque luego se borró- y este fue el tema que la artista interpretó en la gala de Los 40 Music Awards.
Finalmente, el vídeo de ‘La Perla’ es el segundo de la era ‘LUX‘, después de la superproducción realizada para ‘Berghain‘ con Björk e Yves Tumor.
Pero este no es una superproducción, sino que simplemente retrata a Rosalía en varios escenarios: una invernal pista de patinaje, una clase de esgrima, con unos perros que no llega a soltar… No hay guión, narración o relato, más que el recuerdo de que ‘La perla’ no iba a ser el single, pero su éxito se ha salido totalmente de madre.
Stillz ha trabajado con Rosalía en los vídeos de ‘Vampiros’ o ‘Tuya’, antes en el TikTok Live de ‘Motomami‘ (2022) o en el clip de ‘La noche de anoche’ con Bad Bunny.
The Hives, Superchunk, Counting Crows y Alcalá Norte forman parte de la nueva tanda de confirmaciones del Azkena Rock Festival, que celebrará su 24ª edición los días 18, 19 y 20 de junio de 2026 en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz.
The Temperance Movement, Hällas, Vandoliers, DeWolff y Lepora se suman a la programación principal del evento.
Además, Azkena ha dado a conocer el cartel de su carpa Trashville, que incluirá a The Dwarves, Bridge City Sinners, Cuir, Radioactivas o Henge, entre otros, mostrando la «faceta más visceral» del festival.
Estos artistas se añaden a los más de cuarenta nombres ya anunciados, entre ellos los cabezas de cartel Alice Cooper y Social Distortion, así como Imelda May, quien junto a Darrel Higham ofrecerá un «show de rock ‘n roll exclusivo».
Los bonos generales continúan a la venta en la web del festival y mantendrán el precio promocional hasta el martes 3 de febrero a las 10 horas. También siguen disponibles las modalidades Bono Gaztea (para menores de 24 años) y Bono Cuadrilla (pack de cinco abonos para grupos de amigos, con un sexto gratis). Como en ediciones anteriores, el acceso será gratuito para menores de 14 años.
Lily Allen ha sido la invitada musical de este fin de semana en Saturday Night Live. En su regreso al programa después de casi veinte años, Allen ha presentado su nuevo disco, ‘West End Girl‘, y ha interpretado en directo por primera vez dos de sus cortes, apoyada por un elaborado montaje. Ojo, porque Allen ha contado que se encuentra en conversaciones para adaptar el álbum al teatro.
Para presentar ‘West End Girl’ al público estadounidense, Allen ha elegido ‘Sleepwalking’, quizá por su estilo doo-wop, tan americano, y ‘Madeline’, uno de los temas que más juego daba al incorporar la “intervención” de la tercera en discordia.
La intervención de ‘Madeline’ en la canción consiste en un texto en el que la amante de la pareja de Allen trata de asegurarle que su pareja la ama y que su relación está basada únicamente en el sexo. “Cuando habla de ti, lo hace desde el mayor respeto”, puntualiza ‘Madeline’, sacando de quicio a todo aquel que la escuche. En la grabación, el texto está doblado por la propia Allen, mientras que en el directo de Saturday Night Live la actriz Dakota Johnson asume el desagradecido papel.
De corte flamenco, ‘Madeline’ es una de las creaciones emocionalmente complejas de Allen, una canción atravesada por el dolor, la confusión y una desconfianza que se transforma en paranoia y acaba volviéndose contra la propia Allen, cuando empieza a dudar de su propio valor y a culpabilizarse (“seguro que te dice que te quiere, yo me he vuelto vieja y fea”).
Pero ‘Madeline’ también deja entrever a la Lily Allen descaarada que recordabas: “Te quiero creer, pero creo que es una trampa; como me mientas, voy a por ti”.
‘Madeline’, por otro lado, es una de las canciones clave de ‘West End Girl’, en tanto explica con pelos y señales el acuerdo sentimental que ha sido violado. Allen aceptó abrir la relación siempre que su pareja mantuviera relaciones con otras mujeres “en hoteles, con desconocidos y previo pago”, pero sospecha que también se llevaron a cabo en la casa que ambos compartían -documentada en una famosa entrevista que hoy resulta incómoda de ver- y con personas a las que ella conocía.
Personas, en plural, ya que Allen ha explicado que ‘Madeline’ no representa a una mujer en concreto, sino que es una amalgama. ‘Madeline’ es la canción que expone los detalles de esta traición y de la violación de la intimidad de Allen, y que la conduce a una espiral de dudas y autoinculpación.
En su presentación en Saturday Night Live, la hipocresía de ‘Madeline’ es parodiada al extremo cuando Dakota Johnson se acerca a Allen por detrás y le da un besito, simbolizando la falsa preocupación y la condescendencia que retrata la letra de la canción. Pero Allen y Johnson también quitan hierro al asunto y ofrecen un simpático momento televisivo, un momento que también puede ser interpretado desde la literalidad, con una Johnson que brinda su apoyo a Allen y representa la solidaridad que tantas mujeres pueden sentir hacia la cantante, tras posiblemente haber vivido situaciones parecidas.
Rob Reiner, el famoso director estadounidense, y su mujer Michele Reiner han sido hallados muertos en su residencia de Brentwood, Los Ángeles, con signos de haber sido acuchillados. La policía se encuentra investigando un posible homicidio e interrogando a miembros de la familia del director, quien junto a Michele tenía tres hijos, Nick, Romy y Jake. Según People, Rob y Michele habrían sido asesinados por Nick tras una fuerte discusión. Romy ha encontrado los cuerpos y avisado a las autoridades. Nick, de 32 años, ha sido detenido como principal sospechoso del asesinato.
Reiner, que tenía 78 años en el momento de su muerte, fue director de muchas de las películas más queridas del cine americano comercial de finales de los 80 y principios de los 90, no solo de comedias románticas tan populares como ‘La princesa prometida’ (1987) y ‘Cuando Harry encontró a Sally’ (1989), sino también de dramas judiciales como ‘Algunos hombres buenos’ (1992) o de dos de las mejores adaptaciones de Stephen King, ‘Cuenta conmigo’ (1986) y ‘Misery’ (1990), con una inolvidable Kathy Bates que ganaría el Óscar a Mejor actriz.
Reiner solo obtuvo una nominación al Óscar durante su carrera, a Mejor película, por ‘Algunos hombres buenos’, protagonizada por Tom Cruise, Jack Nicholson y Demi Moore. Aun así, sus obras lograron un equilibrio entre popularidad comercial e influencia cultural que no siempre fue reconocido por la Academia.
Reiner, hijo de la leyenda de la comedia Carl Reiner, conoció a Michele durante el rodaje de ‘Cuando Harry encontró a Sally’ en 1989, y ambos se casaron en mayo de ese mismo año. Michele, que trabajaba en el cine como fotógrafa, camarógrafa y productora, ha fallecido a los 68 años.
Reiner comenzó su carrera en el cine y la televisión como actor, con papeles en series como ‘Todo en familia’ o ‘Frasier’. En los últimos años había aparecido en ‘The Bear‘, mientras ultimaba la siguiente entrega de la saga ‘This Is Spinal Tap’, el falso documental sobre el rock protagonizado por una banda ficticia de heavy metal, que fue uno de sus primeros trabajos como director.
En una época en la que el FOMO es capaz de vender giras enteras, los conciertos son, más que nunca, el mayor sustento de tu artista favorito. Y el 2025 ha sido un gran año en lo que a esto se refiere. Billboard Boxscore ha publicado hoy las listas de las giras más exitosas de 2025, con Coldplay y Beyoncé liderando la clasificación.
A pesar de los esfuerzos de otras popstars como Lady Gaga, Sabrina Carpenter o Dua Lipa, la autora de ‘Cowboy Carter’ ha acabado realizando la gira con mayor recaudación del año para cualquier artista en solitario, vendiendo 1,6 millones de entradas. El tour de 32 conciertos, que terminó el pasado julio en las Vegas, ha ingresado más de 407 millones de dólares.
Coldplay, habiendo celebrado 59 conciertos e ingresando alrededor de 465 millones de dólares, terminan firmando la gira con mayor recaudación en términos generales. El grupo británico comenzó la gira de ‘Music Of The Spheres’ el pasado marzo de 2022 y ya el año pasado se convertía en la gira de rock más enriquecedora de la historia, llegando a los mil millones de dólares.
Las giras más enriquecedoras de 2025:
1. Coldplay
2. Beyoncé
3. Kendrick Lamar & SZA
4. The Weeknd
5. Shakira
6. Chris Brown
7. Imagine Dragons
8. Post Malone
9. Ed Sheeran
Low Festival continúa desvelando nombres del cartel de su próxima edición, que se celebrará del 31 de julio al 2 de agosto en un nuevo recinto y ciudad: el Parque Antonio Soria de Torrevieja. The Hives, Ultraligera, Depresión Sonora, Juventude, Pablopablo, Papa Topo y Parquesvr se suman a los artistas ya anunciados.
El cartel de Low ya contaba con la presencia de Kasabian, Love of Lesbian, Editors, La Casa Azul, Fangoria, Dani Fernández, Ginebras, Rufus T. Firefly, Aiko el Grupo, Ojete Calor, Natalia Lacunza, Alcalá Norte, Barry B, Veintiuno, Besmaya, JoseLuis, Perro, Repion, Los Chivatos y Nuevos Vicios, entre otros.
Los abonos generales y VIP de Low 2026 están disponibles en la web oficial del evento desde 69,99€ de forma limitada. Por su parte, la organización también ha anunciado un descuento especial para empadronados en Torrevieja que podrán conseguir su abono a precio reducido.
mori llevaba dos años de parón músical cuando lanzaba hace unas semanas los dos primeros adelantos del que será su álbum debut, titulado ‘El Niño Bola’. Este está previsto para su lanzamiento a principios de 2026. ‘Lovers To Strangers’, la Canción del Día; ‘DANCE’ y ‘Big, Big Love’ muestran al fundador de rusia-IDK adentrándose en la estética outsider.
El productor Roy Borland es todo un especialista en construir los sonidos perfectos para los artistas con los que trabaja, y siempre son sumamente diversos, ya sea el rap vintage de Teo Lucadamo, el indie sintetizado de Teo Planell o el propio mori. Para este, lo que podría haber sido un baladón enorme se convierte una minimalista pieza de corte clásico, recordando a las baladas de Elvis en los años 50.
‘Lovers To Strangers’ recoge el testigo de artistas como Daniel Johnston, con unas texturas lo fi a más no poder, una aparente sencillez y una voz principal que se esconde entre los instrumentos. Detrás de su diseño casero se esconde una canción cuidada hasta el más mínimo detalle. En la letra, mori es pura melancolía: «Cómo son las cosas / De amantes a extraños».
Las mismas decisiones son aplicadas a los otros dos adelantos: ‘DANCE’, en la que el artista evoca a una especie de King Krule de otro universo, y ‘Big, Big Love’, la más etérea de las tres, aun teniendo una estructura puramente pop.
Esto ocurre muy pocas veces: ¿cuántas series son renovadas por una temporada cuando aún no se han estrenado las dos anteriores? Eso es lo que ha pasado con ‘Slow Horses’: se anunció su 7ª temporada sin que la 5ª se hubiera estrenado.
Y es que la confianza de Apple TV en la creación del británico Will Smith es absoluta. Teniendo en cuenta que hay nueve novelas publicadas de la saga (en España las edita Salamandra) y cinco relatos, todavía quedaría material literario como para llegar a las catorce temporadas. Y eso como mínimo, porque el autor, Mick Herron, sigue en activo. De hecho, la última, ‘Clown Town’ (todavía sin edición en castellano), se ha publicado este año.
Ahora bien, la confianza de Apple TV en la serie es absoluta pero no ciega. ‘Slow Horses’ ha ido ganando adeptos al ritmo de su propio título: lentamente. Primero gracias al boca-oreja y después por la expectación generada tras la acumulación de nominaciones en las dos últimas ediciones de los Emmy y Globos de Oro. Actualmente es uno de los principales reclamos de la plataforma para un público adulto, a la altura de ‘Severance’ o ‘The Morning Show’, y eso que se trata de un producto muy, muy británico.
La serie posee varios ingredientes que, combinados, resultan infalibles. El primero tiene nombre propio: Gary Oldman. Cuando el actor británico, recién nominado a todos los premios por ‘Mank’ (2020), decidió protagonizar una serie creada por un guionista de la BBC que debutaba como showrunner, muchos en el mundo del cine torcieron el gesto: lo interpretaron como un retiro dorado pagado por el gigante de la manzana.
En la práctica, el brillante, cínico y cochino Jackson Lamb ha terminado por convertirse en uno de los mejores personajes de la carrera de Oldman: un divertido y carismático anti-Bond, una versión desastrada de su George Smiley en ‘El Topo’ (2011), que mantiene un irresistible duelo interpretativo con otra de esas actrices veteranas que, hagan lo que hagan, siempre están impecables: Kristin Scott Thomas.
El segundo aspecto destacable es lo bien escritas que están las tramas y los personajes. Los argumentos son enrevesados, pero el espectador nunca se pierde. Y no porque el guion esté plagado de subrayados, como es habitual en muchas series recientes (sobre todo en los thrillers), sino porque está bien contado. Y con los personajes ocurre lo mismo: entre la Casa de la Ciénaga y el MI5 hay muchos espías, pero todos están lo suficientemente bien definidos dramática y psicológicamente como para no parecer simples monigotes.
A todo ello se suma la mezcla, extraordinariamente equilibrada y eficaz, entre acción y humor, entre el thriller de espías en la tradición de John le Carré y la comedia basada en el ingenio verbal y la ironía (sin hacer ascos a la escatología, las famosas flatulencias de Lamb), también de tradición muy británica. Esa combinación, afinada temporada tras temporada, explica por qué ‘Slow Horses’ sigue siendo un valor seguro. A por la sexta.
Este sábado se celebró en Tiflis, Georgia, la última edición de Eurovisión Junior, que ha resultado ser la menos vista de la historia del certamen en su retransmisión por La 1. Mientras que el año pasado el concurso fue líder de audiencia, contando con un millón de espectadores, esta vez apenas reunió a 681.000 personas. Este es el peor dato de su historia, que coincide con la grave crisis reputacional de la edición ‘senior’ de Eurovisión.
España ha quuedado en quinta posición con la actuación de Gonzalo Pinillos y su tema ‘Érase una vez (Once Upon a Time), reuniendo 152 votos entre el jurado y el televoto. La ganadora ha sido la joven Lou Deleuze, que ha representado a Francia con la canción ‘Ce Monde’. Se trata del cuarto trofeo ganador para Francia, empatando a Georgia como el país con más victorias.
Pinillos, madrileño de 14 años, ha protagonizado una actuación que corría a cargo del director artístico Juan Sebastián y que constaba de tres actos que trataban de poner en alza el elemento fantástico y mágico de la lectura. La primera parte empezaba con una íntima interpretación de Gonzalo al piano. En la segunda, aparecían los bailarines, y en la última parte todo se venía arriba, juntando coreografías con diferentes efectos visuales.
Los conciertos de Carlos Ares se han convertido en un «must» de los festivales españoles. Una amplia banda de corte hippy que lo mismo te puede entonar un folk americano a lo Fleet Foxes que sumar unas pequeñas notas electrónicas a lo Daft Punk. Las progresiones de los multiinstrumentistas, a veces durante varios minutos, resultan especialmente envolventes cuando va cayendo el sol.
‘La boca del lobo’ es el segundo álbum del autor gallego, que él mismo entiende como «un complemento» al que fue su debut, ‘Peregrino‘, en el que halló su dirección artística y su identidad. De hecho, es que muy pocos meses después de aquel, comenzó a publicar singles que han terminado incluidos aquí, a destacar ‘Importante‘, una de las canciones más -ejem- «importantes» de su carrera.
Con un fraseo a borbotones, una melodía sobresaliente y los arreglos de músicos amigos como Tony Finu, Mikaela Vázquez, Marcos Cao y Begut, ‘Importante’ trata de quitar relevancia a las cosas. Nada importa, ni siquiera nosotros mismos. «Te crees tan importante», desafía un texto que versa sobre lo que afectará al mundo nuestra muerte: nada. «El día que esté tu nombre en una esquela / más allá de que le duela a tu pariente / tendrá un peso equivalente al de una hormiga», dice, doliendo y arrancando una sonrisa al mismo tiempo, dado lo confortable de la producción.
En esta, la mejor canción de Carlos Ares, ya había imágenes extrañas, como la de «todas las personas a la pata coja encima de la cuerda floja de los días solo por alimentar melancolías». En un álbum que tiene momentos tan bellos como el de la mandolina que guía ‘La boca del lobo’, los 6 minutazos a la hoguera de ‘Collar’ y especialmente los coros de Begut hacia la mitad del álbum (‘Un beso del sol’) -que representan el paso de «estar en el pozo» de los primeros temas al «renacer» de los últimos-, a veces las letras te expulsan de la canción, más que te meten.
Vainica Doble habrían construido maravillas con rimas como «arroyo» con «hoyo», y «difunto» con «asunto», pero en estas letras no encontramos tanta mordacidad. A veces las palabras simplemente parecen haber caído ahí, sacadas de un diccionario al azar, como podrían haber caído otras. El disco se esfuerza por tocar campos semánticos poco comunes, como «cogotes» y «piojos» («te cojo y arrojo como un piojo en el aseo»); usa verbos como «perecido» y expresiones como «para amar se tiene que tener bemoles»; dedicando estribillos enteros a aseverar cosas que parecen significar cosas grandes pero igual no significan nada, como «Yo soy muy mío, yo soy muy mío». ¿No es todo el mundo muy suyo?
Acaso Carlos Ares esté ironizando sobre creerse «importante», en ese momento. Al fin y al cabo, el artista ha buscado dar cosica en este proyecto, de manera deliberada. ‘La boca del lobo’ reflexiona sobre la exposición y la fama, por lo que el concepto podría justificar algunos acordes y figuras antipáticos. Toda su imaginería se ha construido en torno a una máscara que caricaturiza su rostro de manera bizarra. El objetivo era generar una «incomodidad visual», como vemos en la portada. Una pena cuando las melodías eran del tipo preciosista, el tramo central del álbum es espectacular -inaugurado con ‘Collar’ y culminado con ‘Páramo’ y ‘Autóctono’- y el final del disco, más aún. Tras ‘Importante’, ‘Mineral’, casi sin letra, remite lo mismo a R.E.M. que a Henry Mancini y Antón García Abril.
Entre una crossfitera poligonera, una toxicómana en terapia y una presidiaria de Wad-Ras: así parece sentirse Natalia Lacunza en plena crisis de los 25. En sintonía con la letra de la canción, el clip de ‘SABES QUÉ???’, perteneciente al álbum ‘N2STAL5IA’, indaga en esa mezcla de frustración vital, vértigo existencial y fragilidad emocional: la experiencia de vivir rodeada de “un montón de mierda que no sé tragar”.
Rodado en 4:3, un formato que, por un lado, enfatiza la sensación de encierro y opresión y, por otro, despierta un poso de nostalgia al remitir a los vídeos domésticos de antaño, el videoclip muestra a la cantante machacándose en el box como Hilary Swank en ‘Million Dollar Baby’ y más enfurruñada que el protagonista de ‘Adolescencia’.
Esa rabia latente termina por explotar visualmente en la segunda mitad del vídeo. Tras la miradita a cámara de la cantante y ese desesperado “no sé qué coño me pasa”, el montaje se acelera en una ráfaga de planos donde se mezclan imágenes de la infancia de Lacunza, objetos que se rompen y una bandeja de cookies como horneadas por una psicópata con manoplas.
Una combinación de significantes –sobre la pérdida de la juventud, los sueños rotos, el miedo al futuro- que culmina en el catártico plano final: Lacunza destrozando a martillazos su propio nombre y echándose un bailecito con el martillo.
Sí, ha pasado justo un año desde el lanzamiento de ‘Love Takes Miles’, pero la pequeña obra maestra de Cameron Winter está más de actualidad que nunca. El líder y vocalista de Geese acaba de lanzar el videoclip oficial de la canción, además de firmar una de las noches más importantes de su carrera, agotando el Carnegie Hall de Nueva York bajo la mirada de las cámaras de Paul Thomas Anderson y Benny Safdie. Por eso, ‘Love Takes Miles’ es la Canción del Día.
En la lista de artistas más jóvenes en dar un concierto en solitario en Carnegie Hall, solo hay tres por encima de Cameron Winter. Ni más ni menos que Bob Dylan, Tim Buckley y Laura Nyro. La crudeza emocional de ‘Heavy Metal’, su primer disco en solitario, sigue conquistando corazones un año después de su lanzamiento, incluso alcanzando los puestos más altos de algunas listas de fin de año a pesar de haber sido lanzado en diciembre de 2024.
Lo mismo con ‘Love Takes Miles’ en las listas de canciones. Y no es para menos. En ella, Winter recupera la tradición del cantautor joven que posee una sabiduría que traspasa su edad y entrega una de las mejores canciones de amor que hayamos escuchado en los últimos años.
Para el artista de 23 años, el amor es sinónimo de fuerza incontrolable. Uno no elige cuando llega («El amor llamará / Cuando ya tengas suficiente entre manos») y hace que las personas sean capaz de lo imposible («El amor hará que te quepa todo en el coche»). Sobre todo, no se construye de la noche a la mañana, sino a base de «millas» (o «años») en el viaje que es la vida.
Las metáforas relacionadas con el movimiento continúan durante el resto del tema, como en la frase «necesito tus pies más que tú», que puede llevar a diferentes interpretaciones. A base de un piano de folk, y unas hermosas cuerdas que aparecen en la parte final, Winter acaba sugiriendo al oyente que es hora de empezar el viaje del amor: «Más te vale empezar a andar».
Si quieres una dosis de positividad concentrada, escucha la música de Caloncho. El artista mexicano lanzó ‘Tofu’, su quinto disco, a finales del año pasado y recientemente ha dado sus primeros conciertos en España después de 3 años sin visitarnos. También ha estado en París y Londres, por ejemplo.
A base de pop rock, folk y un toque de psicodelia, Caloncho utiliza su música para mandar al mundo mensajes de armonía y libertad. Asimismo, su faceta de activista por el medioambiente brilla en el proyecto Día a día, un programa de reforestación anual. Esto también lo ha implementado en su rutina de trabajo a través de «actos diarios que no sean tan nocivos, desde la manera en la que me alimento yo y mi equipo hasta la perspectiva que tenemos sobre el uso del plástico de un solo uso».
Me reúno con Caloncho en la sala de cine de Casa de México, en Madrid, para hablar sobre su amor por el reggae, el efecto de su música en las personas y cómo mantenerse positivo en un mundo cada vez más oscuro. El artista acaba de publicar dos singles nuevos, ‘Palacama’ y ‘Fairy Michelle’.
Se cumple un año desde tu último disco, ‘Tofu’. ¿Ha evolucionado de alguna manera tu percepción del disco o cómo lo veías desde que lo sacaste hasta ahora?
Lo escuché recientemente en un avión, tras un año de publicarlo. Y me gusta mucho (risas). Normalmente siento que después de que lo escuchas tanto y lo tocas, como que se va desgastando un poco la emoción. Pero en este caso la verdad es que me siento muy cómodo. Es mi quinto álbum publicado y he tenido todo tipo de procesos. El primer disco fue 100% compuesto por mí y el segundo ya tuvo más colaboradores y como que ha ido entre que abriendo y cerrando la puerta para permitir que entren más personas a creativamente hacer. ‘Tofu’ fue muy íntimo. Componer o crear con alguien más es mucho de ceder y en este caso siento que se me permitieron muchos caprichos personales. A nivel creativo, es muy satisfactorio.
Siempre decís que cada proceso es diferente, pero, ¿tú prefieres hacer las cosas tú solo o con colaboradores?
Un poco las dos, porque haciendo las cosas solo no tienes con quién rebotar la pelota ni con quién jugar. A mí, ese rebote me gusta mucho, pero es medio contradictorio. Una vez que abres la puerta a trabajar con alguien, ya no necesariamente vas a aterrizar tu idea y no siempre se siente bien.
¿Por qué decides empezar el disco con una bachata?
Siendo honesto, era la primera que estaba lista. Es bachata, pero también tiene reggae, no sé si lo percibiste. Tiene los steppers del reggae.
«El reggae es la música que más me gusta escuchar y con la que más he conectado en la vida»
Tu música siempre tiene algún toque de reggae. Tengo entendido que empezaste por ahí.
Es la música que más me gusta escuchar y con la que más he conectado en la vida.
¿Por qué crees que has conectado tanto con el reggae?
Tiene que ver con que fue la primera música que decidí, o sea, con la que conecté yo personalmente como un adolescente en búsqueda de identidad. Antes de eso pues seguro escuchaba lo que escuchaba mi papá o un poco mis gustos infantiles. Y me gustó mucho todo lo que venía alrededor de ese género porque es muy misterioso. Todo lo rasta, que es como parte del reggae roots, es súper misterioso y profundo, espiritual, enigmático… Por otro lado, el reggae que se hacía en Estados Unidos, en California, que tiene como una subcultura de surf y skate. Era justo una etapa en la que yo hacía mucho skate y por lo mismo que se retroalimentaba. Era patinar y escuchar entre reggae y ska. Y siendo un niño, eso es como: wow, aquí pertenezco.
«Todo lo rasta es súper misterioso y profundo, espiritual, enigmático»
Sin embargo, no solo has explorado el camino del reggae en tu música.
Sí, entre música mexicana, folk, algo de rock and roll, baladas, bachata, cumbia… Aunque todo eso se puede asociar al reggae.
En ‘Superdeli’ hablas de «dejar fluir». ¿Cuánto tiene que ver esto con tu proceso creativo?
Sí, aunque hay algunos límites. Estos son muy útiles para poder serle fiel a un concepto y es mucho más fácil crear con límites definidos en función del concepto.
¿Antes de ponerte a hacer la música?
Sí, por ejemplo, yo tenía claro que con ‘Tofu’ quería hacer un álbum que se sintiese acogedor. No hay reverberación, y quería que el álbum tuviese esa sensación. Para eso, pues hay una restricción creativa que es hacer cierto tipo de microfonía. Muchos efectos están cancelados, como grandes reverbs, grandes delays… Todo tenía que ser cercano.
Volviendo al reggae. Tu música, sobre todo, irradia positividad y tranquilidad.
Sí, y eso lo entendí más tarde. Hoy en día lo reconozco. Es la música que me gusta escuchar a mí también. El reggae es vehículo de muchos intérpretes y compositores que ponían ahí su discurso de protesta y me llevé esa herencia.
¿Por qué te diste cuenta después?
Al principio me decían que mi música sonaba como a playa, pero no es como que lo tuviera en mente previamente.
¿Y te lo tomaste bien?
Sí, porque me encanta la playa (risas). No tiene nada de malo. Si me hubieran dicho que mi música suena a alcantarilla, pues ahí sí.
¿Tú sueles leer comentarios de tus fans en vídeos o lo que sea?
Lo hago, sí.
Entonces te habrás dado cuenta de que todos los vídeos, de tu música o entrevistas que has hecho, están llenos de personas relatando cómo tu música les ha ayudado durante una depresión o en mitad de un tratamiento de una enfermedad muy grave, por ejemplo. ¿Cómo se siente formar parte de estos momentos tan importantes en la vida de estas personas?
Me parece honestamente asombroso y agradezco que me lo compartan y que la música les funcione de alguna manera, porque una vez más, no sé si lo platicamos, pero yo sí creo que la música es eso. Es alivio, es bálsamo, es refugio, es santuario. Yo también siento que le debe pasar a las personas que hacen música y que les digan que su música les ayuda. No me doy ese crédito porque no siento que sea yo, sino la música.
«Mi misión como compositor y cantante es promover esto: ama y disfruta»
¿No te sientes responsable?
No necesariamente, yo creo que le deben de decir mucho también eso a Bad Bunny. La música es un lugar y hay gente que tal vez baila cuando se siente mal y acuden a su música.
Creo que tú también lanzas mensajes muy directos en tu música.
Eso sí es a propósito. A mí me funciona mucho esta frase, pues te la pongo en esta canción y espero que te sea útil.
¿Has recibido este tipo de feedback en persona?
Sí, y es poderoso. Es muy fuerte. Hay una canción, por ejemplo, que se llama ‘Somos Instantes’. Yo no tenía esta lectura, pero como que gente que ha perdido algún familiar, algún ser querido, le ha sido útil y para mí ha sido fuerte que lo relacionen con eso. La construcción fue desde ahí. La experiencia vital es breve, así que disfrútala y aprovéchala, pero no veía tanto la muerte dentro de esta narrativa. Es a lo que me refiero. No es solo uno, sino también la interpretación de la gente que escucha y el poder de la música.
Y tú, ¿por qué haces música?
Ya llegué a esa conclusión. Mi misión como compositor y como cantante es promover esto: ama y disfruta. Eso es como que podrá parecer superfluo, pero realmente no entiendo por qué más lo haría. Es promover que ames lo que sea que tengas que amar: a una persona, tu trabajo, tu tiempo… y que lo disfrutes.
Teniendo en cuenta cómo está el mundo, ¿tú como te mantienes positivo?
Le he dado muchas vueltas a este tema todo el día.
«¿Cuál fue la infancia de un maldito político corrupto y violento? ¿Qué vivió esa persona para andar jodiendo a más personas?»
Siendo tu música tan positiva y llena de paz, felicidad… No es necesariamente un reflejo fiel del mundo.
Totalmente de acuerdo, esa es la misión. Yo siento que una persona que está en esa vibración de saber reconocer lo valioso que tiene a su alcance, de amar y de disfrutar su realidad en la medida de lo posible, hizo un trabajo de introspección. Supongo que, esta capacidad también aborda muchos temas en su vida y podría llegar a decir que es una persona integral, que seguramente es consciente de quién es y dónde está. Una persona así, posiblemente tenga el anhelo de salud mental y física. No creo que esa persona ande haciendo guerras. No creo que esa persona ande queriendo acaparar más de lo que necesita. No creo que quiera hacerle daño a las personas que tiene a su lado. No creo que ande por la vida destruyendo. Por ahí va. Cuidar las infancias, cuidas a las personas y cuidarse a uno mismo. Creo que si todo el mundo hiciera ese trabajo, la realidad sería distinta. ¿Cuál fue la infancia de un maldito político corrupto y violento? ¿Qué vivió esa persona para andar jodiendo a más personas?
Le habría faltado escuchar más reggae.
Exactamente. Entonces, no es necesariamente la música, pero si uno anda dentro puede poner mensajitos de esos. Es un vehículo y le va a llegar a más personas.
¿Sabes cuando estás muy triste y te pones música triste y eso, de alguna forma, te reconforta? ¿Crees que es más poderoso un mensaje directamente positivo y abogando por el amor o un mensaje algo más oscuro?
Yo también lo percibo y lo he sentido. Es medio confuso, porque… hay placer en la desdicha. Hay placer en sentirse jodido, no identificado y no comprendido. Y por eso mucha gente vibra en esa onda, pero puedes tener placer desde otro sitio que posiblemente te haga salir más fácil o sentirte mejor más rápidamente. Yo creo que, al menos mi misión, es justo eso. Lo podrás identificar en las letras, aunque no está fácil tratar de acomodarlo en una canción. El reggae lo hace mucho, pero dentro de mi escena no sé qué tanto se está realmente haciendo en función de canciones que te hagan programarte en algo positivo, constructivo.
No es lo más común, no.
Exacto. No es tan sencillo, tampoco.
¿Es una vía de escape?
¿La música?
Sí.
Yo no lo veo así.
Antes has dicho que es un refugio. Una vía de escape es otra cosa, ¿no?
El entretenimiento te distrae. Y es una industria. Por eso trato de poner algo chido ahí. No en todas las canciones, porque me es difícil, pero está chingón tratar de poner algo ahí, ¿no? Que no solo sea algo que te divierta sino algo que te haga pensar también. Que te haga sentir o pensar en sanar.
Si me permites, ¿te puedo leer un comentario del vídeo de ‘Wacha Checa’?
Sí, claro.
He cogido este comentario, pero podría haber cogido otros 50. Es de una persona llamada «micheleparedes4229», y dice así: «Ando saliendo de un cáncer de tiroides, al igual que mi esposo. La música de Calonchito me ha hecho un bien quél nunca tal vez sepa, ya que esto que me pasó me hizo valorar comer un pedazo de pan, me hizo valorar a mi familia y coss tan pequeñitas que antes daba por hecho».
Qué bello, ¿no? Esto me súper conmueve, siendo honesto, porque también he tratado de promover eso, de encontrar placer en algo muy simple. Eso lo aprendí recientemente haciendo el disco previo, que aprendí de epicureísmo. Es decir, que el fin último de la vida es la felicidad. No un placer desmedido como promueve el hedonismo, sino como la ausencia de dolor. El «no dolor» es suficiente y es lo mismo que el placer. Entonces, esta persona hablando acerca de algo tan cotidiano como un trozo de pan… Hay algo ahí, algo muy valioso y no tiene nada que ver de repente con promover bienes materiales o meter marcas y cosas así en las letras. Que lo escriban ahí es increíble.
Lo de meter marcas en las letras, ¿a qué te refieres?
No sé, si…
Sé exactamente a lo que te estás refiriendo (risas).
O sea, también vale. No lo estoy criticando. Hay espacio para todos, pero yo siento que hay una responsabilidad bien cabrona y lo puedo ver con mis hijas. Si tienes en tu poder la manera de impactar a muchas personas, sobre todo gente joven, programémoslos con algo chingón, no con cosas autodestructivas y destructivas también del tejido social. También siento que no me corresponde. Yo soy músico, nada más.
Esto igual es muy cliché, pero lo voy a preguntar igual, ya que estamos hablando de ello. ¿Qué es para ti la felicidad?
Yo lo percibo como una sensación sostenible de no dolor en lo cotidiano, sencilla e inmediata. No tener hambre es suficiente motivo para estar feliz. Estar acá es suficiente motivo también para poder llegar a ese concepto de felicidad. Es como una manera inmediata de poder reconocerlo y sentirlo. No tiene que ser necesariamente meter un gol. Eso se debe de sentir increíble, pero sí, es más bien una noción sostenible y cotidiana. Es también hacer el trabajo de ver qué tienes y ver qué es lo que no te falta, en lugar de lo que no tienes. Perspectiva.
Rosalía sigue controlando el top 1 de Singles oficial en España con ‘La perla’, aunque acaba de sucumbir a Extremoduro en Spotify. Veremos qué ocurre en los próximos días.
La novedad es que los raperos canarios Lucho RK y La Pantera han publicado un EP de 7 temas llamado ‘TA FACIL’ y el disco al completo aparece en el top 100 oficial en España. Lidera ‘Pinky Promise 2’, que sube del puesto 13 al 6 -jugando con la sílaba en común de «corazón» y «coño»- y es la escalada más fuerte de la semana. El resto queda así:
6 (13) PINKY PROMISE 2
22 (E) TOCATE SOLA
34 (E) BANE
45 (E) SOÑASTE CON UN DRACO
51 (E) INESTABLE
58 (E) LIP SYNC
74 (E) TU CANCIÓN
Otra novedad es que el éxito de ‘WHERE IS MY HUSBAND’ de Raye al fin llega a nuestro país, tras la interpretación de Olivia en Operación Triunfo. La canción, que ha sido un hit mundial (número 2 en UK, top 7 en el Global que organiza Billboard), entra por primera vez en el top 100 español, en el puesto 60. Os recordamos que RAYE actúa el 13 de febrero en Barcelona, y quedan pocas entradas.
Otras entradas de la semana son ‘Dardos’ de Romeo Santos y Prince Royce (puesto 39), ‘Barrio fino’ de JC Reyes y Hades66 (67), ‘Vulnerable’ de Walls y Dani Fernández (82), ‘305 Luv Story’ (86) y ‘Estocolmo’ de Romeo Santos y Prince Royce (93).
Por si alguien se lo estaba preguntando, los villancicos empiezan a asomarse: ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey re-entra en el 46; y ‘Last Christmas’ de Wham! en el 71.
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