Actualmente recomienda una canción (y un libro) cada fin de semana a través de TikTok. Le pega a todo, desde Cala Vento a Vera Fauna, pasando por cosas tan raras como Restinga, y así hasta perder la cuenta. Algún día no demasiado lejano -o sí, quién sabe- echaremos de menos que el presidente o presidenta de nuestro país apoye todo esto: es una pena darlo por hecho.
El acto organizado este sábado en el Palacio de la Moncloa no era ni estrictamente musical ni pop. Se han cumplido 600 años de la llegada del pueblo gitano a la Península Ibérica (601, en realidad), por lo que se ha organizado un homenaje llamado «Gelem Gelem» en el que se ha condecorado a Pepe Habichuela, Lolita, Teresa Peña «La Lebrijana», Emilio Fernández de los Santos «Caracafé», y Juan de Dios Ramírez Heredia. Entre las actuaciones, Lela Soto en la misma ‘Gelem Gelem’, Israel Fernández en un homenaje a Camarón, y María Terremoto y Anabel Valencia robando el show con un sentido homenaje a ‘Persecución’ de Juan Peña «El Lebrijano», coincidiendo con su 50º aniversario. Fue un disco pionero tan pronto como en 1976.
«Persecución» ha sido una de las palabras más repetidas en una ceremonia que se debatía entre la solemnidad del Palacio y la espontaneidad más españoleta, fuera gitana o paya: podéis ver en redes que Israel Fernández ha terminado presidiendo el Consejo de Ministros.
En Moncloa la puntualidad es estricta, a las 11.00 Pedro Sánchez y Begoña Gómez entran por la puerta del salón asignado, 8 minutos antes todo el mundo tiene que estar sentado, y muy pocos instantes después de las 12.00, el evento ha terminado. Hay un protocolo para cuando los artistas tengan que decir algo y agradecer, y un máximo de tiempo para los discursos que no se anuncia pero se percibe en el ambiente. Que los Goya tomen nota. Ejerce de maestra de ceremonias la escritora y activista Noelia Cortés, que dedica el acto a la muerte de Rafael Amador; la vicepresidenta segunda del Consejo Estatal del Pueblo Gitano, Carmen Santiago Reyes, habla algo menos de 5 minutos, y Sánchez, que interviene al final, no llega a superar los 10.
Ese rigor no impide que se pierda emoción por el camino. El público en su totalidad se pone en pie para el himno gitano ‘Gelem, Gelem’; elevan el espíritu el cantaor Israel Fernández, Diego del Morao al toque, Ané Carrasco al cajón, y a las palmas El Pirulo y Marcos Carpio en el tributo a Camarón; y corta el hipo la interpretación de María Terremoto y Anabel Valencia de las galeras de ‘Mi condena’, en la que nadie se atreve ni a toser.
‘Persecución’ fue un disco que alternaba el cante con la narración de los textos del poeta Félix Grande, en los que se hablaba de la opresión sufrida por el pueblo gitano a lo largo de los siglos («Las gitanas y sus hijos / iban solos por las calles / llevando a su soledad / sujetas de los ramales»). ‘Mi condena’ se desangraba cuando decía aquello de «mi dolor más fuerte era que mis niños crezcan y conozcan esta muerte». 50 años después, las voces de María y Anabel resuenan hasta en el último rincón del Edificio Portavoz. Ellas mismas al terminar muestran su respeto a tremenda canción, algo «tan gordo para el pueblo gitano», pero ya con todo el público en el bolsillo. Tras la intervención de Sánchez, el fin de fiesta une a todos los artistas, por bulerías, sobre el escenario. Pool Moncloa (Borja Puig de la Bellacasa)
Los discursos aunaron el valor del pueblo gitano, como los Flores, con su influencia en artistas como Lorca, Picasso o Sorolla. Carmen Santiago había declarado que «hablar del pueblo gitano es hablar de música, de cante, de baile, de flamenco, de patrimonio cultural y de la humanidad» porque «el flamenco no sería lo que es sin los gitanos». Pero sobre todo era un día de reivindicaciones sociales. «Nuestra historia es una historia de persecución y de resistencia, y también un ejemplo de supervivencia cultural, dignidad y orgullo que se ha mantenido de generación en generación». Santiago agradecía a Moncloa «este acto de justicia y reivindicación», aunque recordando que las políticas públicas aún tienen mucho por hacer porque persisten «desigualdades en vivienda, en salud y en educación». «Ni un niño sin escolarizar», pedía.
Pool Moncloa (Borja Puig de la Bellacasa)
Sánchez, con una facultad para sonreír durante una hora consecutiva casi inquietante, recogía el guante subrayando la importancia de la educación, dedicando gran parte de su discurso al «doble techo» que han de romper las mujeres gitanas, y dejando un posible titular para agencias, tras su «beef» con Elon Musk y otros oligarcas: «Celebraciones como el 8 de abril, Día Internacional del Pueblo Gitano, o la conmemoración del «Samudaripen», es decir, el genocidio del pueblo gitano a manos del nazismo, contribuyen a visibilizar vuestra historia ante nuestra sociedad. Adquieren una relevancia muy especial porque los discursos del odio desgraciadamente arrecian como nunca antes en las redes sociales. Queremos decir que siempre nos tendrán enfrente. Estamos del lado de la convivencia y de la coexistencia».
Tampoco dejó de recordar una anécdota: cuando vio a Pepe Habichuela actuar en un restaurante de un pueblo de Almería junto a su familia. Lela Soto incluso se había dirigido a él con un «Gracias, Pedro, por todo lo que haces». Y Noelia Cortés, que aseguró que el presidente estaba allí «porque le hacía ilusión y no por compromiso», terminó diciéndole: «te vamos a llamar Primo Pedro».
José Antonio Carmona «Pepe Habichuela» fue quien recibió el mayor calor del público, con todo el mundo en pie para desesperación de los reporteros gráficos, pero fue Elena Furiase quien supo arrancar unas risas. Su madre, Lolita, no había podido ir porque tenía un espectáculo en Galicia, pero había mandado un vídeo. Tras su discurso «no quiero hacer apología de los gitanos, somos buenos, somos malos, somos como vosotros», se le ocurrió decir que su hija no era gitana, «solo en un cuarto», a lo que Furiase, entre el público, respondió a gritos «¡Sí que lo soy!», despertando la carcajada generalizada. Una celebración, pues, llena de orgullo, a la que no faltaron varias ministras, entre otras por supuesto la de Igualdad. ¿Quiénes serán les siguientes?
Sunflower Bean es una de las bandas infravaloradas del indie-rock anglosajón de la última década. Quizá por lo ecléctico de su repertorio, que ha podido evocar tan pronto el sonido de los Cardigans (‘Moment in the Sun’) como el de Led Zeppelin (‘Champagne Taste’), el grupo neoyorquino liderado por Julia Cumming nunca ha terminado de lograr el reconocimiento que sí han gozado bandas afines como Wolf Alice o The Last Dinner Party.
En cualquier caso, Sunflower Bean ha escrito temas atemporales como ‘I Was a Fool’ o el exquisito ‘Easier Said’, y ese componente atemporal inspira también ‘My Life’, el primer single de Julia Cumming en solitario. Cumming debuta sola y lo hace evocando el sonido clásico del Brill Building y el de ídolos como Carole King, Brian Wilson o Carly Simon.
Especialmente la firma de King se percibe en la composición de ‘My Life’, una balada con piano, guitarra acústica, batería y cuerdas que apunta al clasicismo de los setenta. La voz de Cumming resulta idónea para interpretar esta melodiosa pieza de pop clásico, mientras la letra se rebela contra la mirada masculina, reivindicando la independencia propia. «No canto esto para impresionarte, no me he puesto esta ropa para desvestirte, no necesito que me definas o apruebes lo que hay en mí», canta Cumming.
Que ‘My Life’ es la declaración de intenciones de una artista que se aventura en solitario queda claro desde el principio de la canción, cuando Julia entona «canto estas palabras para mí, para escuchar el sonido, dejo que vibren y ahoguen tu presencia». El estribillo «canto a todo aquel que amo, canto a las estrellas en el cielo» resulta precioso.
Cumming ha profundizado en el significado de ‘My Life’ y de su disco, explicando que «todos intentamos encajar en los roles que otras personas nos imponen, o que nosotros mismos nos imponemos, con la esperanza de ser aceptados». Cumming asegura que presenta el «álbum anti-cool por excelencia» y que lo ha escrito «para los inadaptados y para chicas como yo que en la secundaria nunca encajaban en una cajita perfectamente definida». Y añade: «Quiero que este disco sea un lugar donde esas chicas puedan encontrar consuelo. No tienes que ser quien los demás quieren que seas para ser suficiente».
‘My Life’, por otro lado, se presenta con un atractivo videoclip dirigido por el cineasta británico Edgar Wright, director de ‘Shaun of the Dead’ (2004) o ‘Scott Pilgrim vs. the World’ (2010).
En un principio, el primer concierto de Ralphie Choo en el Movistar Arena iba a ser la presentación de su segundo álbum. Había dudas entre los asistentes, ya que esta información se reveló con el anuncio del show y nunca más se volvió a mencionar. En un momento de sinceridad, el artista de Daimiel admitió que el disco no está listo todavía: «Hay muchas cosas en la cabeza de uno y quiero hacerlo bueno de verdad. Tiene que ser mejor que ‘SUPERNOVA’ y no lo es, es otra cosa». Poco se sabe de este proyecto, además de los tres sencillos disponibles en plataformas y rumores de un título que sí se confirmó a la mitad de la velada: ‘CHARMAIN’.
A Ralphie se le veía realmente acongojado por no haber podido dar mejores noticias. Lo que sí dio fue un consejo vital: «Os animo a que falléis una y otra vez, una y otra… Mi madre, que está por aquí, sabe que soy el que más falla. Os invito a que no sobrepenséis las cosas y que las hagáis con naturalidad. Fallad mucho». Irónico, porque el recital de Juan Casado Fisaac fue casi perfecto.
Se trataba del segundo concierto de un miembro de Rusia IDK en el recinto, después del gran rusowsky el pasado septiembre, por lo que Ralphie debía, y logró, darlo todo. Dicho y hecho. La pieza instrumental que dio comienzo al show presentó a los 8 músicos que estarían presentes toda la noche, con teclados, guitarras, flautas traveseras, xilófonos… pero también con sintetizadores y circuitos diversos. ¿La composición? Similar a ‘JUAN SALVADOR GAVIOTA’: muy Disney, muy sofisticada, muy de conservatorio.
La magia se posó en la sala con la aparición del artista, que pisó la tarima al mismo tiempo que una bola de disco empezó a iluminar toda la sala al son de ‘PIRRI’. Los movimientos de Ralphie, recordando tanto a Ian Curtis como a Tyler, the Creator, eran tan eclécticos e imprevisibles como su música. Esta pasó del pop futurista a los ritmos caribeños en el segundo tema del set, que parecía ser inédito. El disco no estará listo, pero Ralphie está tan seguro de algunos tracks que los canta sin aviso previo.
Ainhoa Laucirica
Otros que no son nuevos, pero es como si lo fueran, brillan mucho más que en la versión de estudio. Es el caso de ‘ROCCO’ y ‘TENTACIÓN’. Durante esta última ocurrió algo surrealista. De repente, los focos se centraron en una persona que había empezado a soltar sus mejores movimientos en las escaleras del recinto. Bailaba tan bien, abriéndose de piernas en los estrechos escalones, que parecía preparado, pero todavía sigo sin tenerlo claro.
Lo que segurísimo no estaba preparado eran los ya inevitables problemas técnicos. Por suerte, unos que duraron solamente un puñado de canciones al principio del set. Un clásico: la voz del cantante no se escuchaba lo suficiente. Se notó especialmente durante la caótica base de ‘TANGOS DE UNA MOTO TRUCADA’. Eso sí, teniendo en cuenta que Ralphie no paraba de quitarse y ponerse los in-ears, creo que le pesó más a él que al público. Para cuando salió mori al escenario para acompañar en ‘WCID’, ya estaba todo arreglado.
Ralphie Choo no titubeó con ofrecer durante los tres primeros cuartos del concierto una experiencia elegante y delicada dedicada a sus canciones más solemnes y contemplativos, dejando la mayoría de hits y temas de hype para la última parte. No hubo ni un solo pogo hasta la recta final del concierto, en la que no pararon de aparecer. Parte del público, difícil decir la proporción exacta, se esperaba algo más parecido a lo visto en festivales, en los que los sets de Ralphie se centran en la parte más intensa de su discografía. En cambio, lo que obtuvieron fue una bellísima versión de ‘At Your Best (You Are Love)‘ a mitad del concierto.
Los murmullos evidenciaron que a mucha gente no le pudo importar menos, pero fue un momento totalmente memorable. No solo por la preciosidad de canción elegida, sino también por la sorpresa de ver a Ralphie cantar a pleno pulmón, lo cual no es muy común en su obra. No solo eso, sino que consiguió que un tema cantado previamente por los Isley Brothers, Aaliyah y Frank Ocean le sentase maravillosamente bien. Hay que ser valiente.
La última parte del concierto demostró que Ralphie también es una máquina de hits, además de un total virtuoso. Juzgando por la reacción del público, el mayor de estos es ‘VOYCONTODO’, sin desmerecer otros como ‘MÁQUINA CULONA‘, ‘ROOKIES’ o ‘VALENTINO’, guardada para el encore y capaz de hacer retumbar las gradas solamente por la cantidad de pogos formados.
Entre el sudor y los movimientos bruscos, el pelo de Ralphie Choo parecía por momentos el del mismísimo David Bisbal. Tenía que decirlo, aunque no tenga ninguna relación con nada. Quien no podía faltar en la noche más especial del artista de Rusia IDK es rusowsky. Este fue recibido de forma monumental mientras un arreglo orquestal de ‘BBY ROMEO‘ nos preparaba para el ‘sing along’ definitivo. Esta fue seguida de inmediato con ‘GATA’, mientras Ralphie le robaba un beso a ruso. La experimentación y la innovación demostraron ser el nuevo pop. Detrás de ellas, dos genios de su generación.
Laaza es una de las artistas emergentes más especiales del panorama nacional, tanto por su reivindicación de lo rural como por la enorme sensibilidad de sus letras. En ‘Primer Amor’, se junta todo lo bueno que tiene que ofrecer y un poco más en el que podría ser su mejor tema. Por supuesto, es la Canción del Día.
Hasta ahora, las composiciones de Laaza se han caracterizado por una producción minimalista, pastoral, en consonancia con los relatos rurales que suele plasmar en sus letras. En ‘Primer Amor’, la artista opta por una instrumentación completa: guitarras acústicas envolventes, un sútil órgano y un celestial coro acompañan sus geniales palabras.
‘Primer Amor’ trata justamente de lo que indica su título. Ella así lo ha explicado en redes: «Habla de ilusionarse, vivirlo y desilusionarse ante la experiencia acontecida». Laaza comienza cantando sobre sus «fantasías en forma de mujer», mencionando el deseo de «una escopeta, unos zapatos de tacón, una boda católica-cristiana y una casa de campo» y la promesa que siempre esperaba y nunca llegó: «Nunca ibas a decirme adiós».
En contraposición, lo que esperaba su primer amor era «una virgen suicida sin sujetador» que «hiciera de todo». En el último verso de la canción, la compositora habla sobre los 13 años que pasaron «hasta que volvimos a vernos»: «Tú me recordabas y yo pretendía no hacerlo», canta redondeando la letra en sus momentos finales. Es solo otra muestra más del ingenio de Laaza. Su anterior single, ‘Todos vamos a morir’, era igual de potente: «No hay crema antiarrugas que lo pueda evitar».
Hoy hace justo 20 años que nació JENESAISPOP. La historia de 9 amigos aficionados a la cultura pop, la mitad de ellos licenciados en Periodismo por la UCM, que unieron sus blogs en uno, os la hemos contado varias veces, por ejemplo en este podcast. La pasión por el pop sin complejos, derribar la barrera entre indie y mainstream, y la huida de complejos y prejuicios cuando hablamos de música son valores hoy más o menos asumidos, pero en los que fuimos pioneros.
Todo eso ya lo sabéis probablemente, si estáis leyendo estas líneas. En este artículo, tratamos de recuperar otras historias más desconocidas, menos habituales. Muchas veces acertamos, otras nos equivocamos, pero todas conformaron nuestro ADN. Con ellas, JENESAISPOP quiere agradecer 20 años de seguimiento. Más noticias sobre este 20º aniversario, en próximas semanas.
Arctic Monkeys: el primer artículo
Raúl Guillén, que co-dirigió JENESAISPOP desde 2015 hasta la pandemia de 2020, me matará por esto, pero el primer artículo que se publicó en la web fue una crítica de ‘Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not‘ de Arctic Monkeys. Ana «Patata» se posicionaba a favor del disco, hablando de su energía, sobre todo en vivo; y Guillén cuestionaba si no estaríamos ante el último hype nacido del NME. No salieron entonces nuestros textos más depurados, si queréis echar de menos a Raúl leed esta discografía de Bruce Springsteen, pero el tema seleccionado para abrir fue muy visionario, y la sección «versus», que luego rebautizamos como «veredicto», es una idea que mantenemos para propiciar el debate entre nuestros lectores.
Atención a este pantallazo de una portada de la época, de los tiempos en que el diseño era verde, comenzaban los Horrors, Barbara Morgenstern era lo 2º más votado de JENESAISPOP y el único banner era «VOTA POR LO PEOR DEL AÑO EN LOS PREMIOS ENEMIGO».
Los Premios Enemigo
20 años esperando que vuelvan las corbatas
Tardamos 2 años en darnos cuenta de que podíamos ser rentables, que las visitas que alcanzábamos no eran propias de un blog, que podíamos incluir publicidad y unos pocos, al menos, vivir de esto. Antes de eso, solíamos pinchar. La Sala Razzmatazz, a través de Javier Estalella «Buenavista», y el Festival Summercase, a través de su booker Marc Ventosa, fueron los primeros en llamarnos como DJ’s incluso antes de que existiera la web, a través de nuestros blogs previos individuales. Ochoymedio (el Elástico los sábados) fue siempre nuestro hogar en Madrid.
En aquellos primeros años la web tenía un punto gamberro que se perdió entre la profesionalización y el debate por la salud mental. Los 2000 fueron una década políticamente incorrecta: hoy no me atrevería a publicar algo como esta discografía de Ladytron.
El mayor exponente de JENESAISPUNK fue sin duda la creación de los Premios Enemigo, una parodia del amiguismo de los Premios Amigo, en la que nombrábamos lo peor del año. Hubo 2 ediciones. En la segunda sorteábamos una camiseta «Disfraz de tigre» hecha por el propio Claudio, ahora podcaster, pero alguien la robó. Jamás apareció pese a nuestra invitación «vamos a cerrar todos los ojos y que quien sea, la devuelva».
Para elegir los ganadores de lo peor del año votaban unas 1.000 personas, el público estuvo muy acertado al darle un montón de premios a Santa Justa Klan, no tanto al escoger ‘La Gasolina’ como Peor Canción del Año. En aquella ceremonia en El Naranja (calle La Palma, Madrid), donde debían de caber unas 30 personas en el mejor de los casos, leímos algunas de las peores rimas de aquellos tiempos («tus discos de platino me importan un pepino») y terminamos rompiendo CD’s de la música que odiábamos. La dueña se enfadó tanto al ver el suelo de su bar repleto de discos rotos que dijo «hasta aquí hemos llegado, si no queréis estos CD’s regaládmelos, pero en mi bar no los rompáis», y hasta hoy. La fiesta nunca volvió a celebrarse y nadie nunca volvió a preguntar por ella.
Raúl Guillén, ex-codirector del siteDos redactoras inventando el twerking antes de tiempo¿Joaquín Reyes, en una de nuestras fiestas? No lo recordamosFarala haciendo como que pincha en un aniversario en Barcelona
¿Va la gente a los conciertos a lucir palmito?
Poco a poco fuimos tomándonos más en serio esto del periodismo musical y empezamos a publicar una serie de reportajes que incluso merece la pena recordar. Tanto se hablaba de la gente que va a los conciertos a hablar en lugar de a atender a la música, que preguntamos a varios artistas, como Christina Rosenvinge, Francisco Nixon, Nudozurdo, Cola Jet Set, Aviador Dro o Los Punsetes qué opinaban de que la gente se pasase un concierto entero parloteando. Para nuestra sorpresa, hubo a quien le parecía natural que la gente hablara. «Me molesta más como espectadora que como artista», decía Teresa Iturrioz de Single.
De artista a colaborador: Clásicos que nunca lo fueron
En aquel reportaje aparecían varios artistas que era habitual encontrar comentando en la web. La primera vez que Belén Kan dejó un comentario pensamos que era imposible y que tenía que ser alguien haciéndose pasar por ella. Francisco Nixon, Alberto de Miss Caffeina, La Bien Querida en el obituario de Enrique Morente o la mismísima Rosalía en nuestro Instagram han sido algunos de los más ilustres comentaristas.
Jaime Cristóbal, entonces en Souvenir y pionero de los podcasts con Popcasting, terminaba firmando una columna para la web que es imprescindible leer llamada «Clásicos que nunca lo fueron«. En ella recomendaba discos perdidos de Alan Vega, Indochine o Alizée. Uno de mis favoritos fue el recopilatorio de Joe Meek. Fueron 39 entregas -me da un poco de toc que no fueran 40, pero gracias, Jaime, de todas formas-, y pese a que la columna desapareció, a día de hoy podéis seguir leyendo espléndidos textos de Cristóbal a menudo en la web.
El machismo en la asunción de créditos y en Spotify España
Si algo ha caracterizado la línea editorial de JENESAISPOP ha sido el apoyo a las artistas femeninas mucho antes de que se hablara de cuotas o del exceso de testosterona en los festivales. Nuestra primera Canción del Año fue ‘Pull Shapes’ de las Pipettes, nuestro segundo Disco del Año, ‘Back to Black’ cuando otros medios ignoraban a Amy Winehouse o incluso le ponían seises. Presionamos a Mad Cool en redes sociales para apostar por más mujeres en primera línea, hoy estamos muy contentos de ser medio oficial del macrofestival madrileño en un cartel mucho más paritario, y sobre todo hemos publicado varios reportajes que considero determinantes en nuestra pequeña historia: «El machismo en la asunción de créditos» en 2015, dos años antes de la explosión #MeToo; «El 32% de los éxitos en España es machista» en 2017 (por Mireia Pería) y recientemente «El machismo de Spotify España en su playlist más importante«.
Es una alegría ver ciertos nombres en pequeño, como Shura, pero no nos engañemos: lo que vais a pagar a los hombres de ese cartel lleva bastantes más ceros que lo que vais a pagar a las mujeres. No es lo mismo apostar por Metallica, largo etc, que por Rocío Sáiz, largo etc.
JENESAISPOP no sería lo mismo sin su comunidad de comentarios, que además honestamente nos han servido como «fe de erratas», ipso facto. Los ha habido brillantes y los ha habido que han bordeado la ilegalidad. Más de un artista nos ha dicho algo parecido a «mi padre quiere denunciar, pero yo no quiero que haga nada que perjudique vuestro medio». Damos especialmente las gracias a quienes nos mandáis mails para que borremos comentarios que rebasan esa línea de invadir las libertades de los demás, y en general a todos los que permanecéis aquí en tiempos de redes sociales.
Hay que hablar de Diva Fatale, que en torno a 2010 cambió nuestra manera de hablar con frases tipo «¿debaho de qué mesa hay que meterse?», «ai no neta WOW!» o «se viene con todo».
Y de aquel brillante post «Ha llamado Daniel Diges y…«, en el que cada comentario superaba al anterior. Había más de 200.
La creación de los foros
En diciembre de 2010 creamos unos foros en los que la audiencia pudiera expresarse libremente y se pudiera generar una comunidad. Una comunidad que fue totalmente por libre, dejando hilos tan improbables como el de qué comprar en Mercadona, el de los Madrugadores o Монгол Улс. Los foros fueron un éxito porque de allí salieron redactores o colaboradores de la web, alguna pareja y varios grupos de amigos (que se lo pregunten a nuestro colega iFar); y un fracaso cuando más gente había y aquello se volvió ingobernable. Sin la ayuda de foreros moderadores -primero elektrolu y maniacmaison, actualmente Teresa y GinTonics- no estarían hoy en pie.
Fiesta X Aniversario
Klaus & Kinski y Anntona actuaron en la fiesta de III Aniversario en el viejo OchoyMedio de Madrid, pero la de X Aniversario en 2016 fue la cumbre de todas nuestras fiestas. De hecho, no hemos hecho muchas más porque sabemos que jamás podremos superarla.
Actuaron leyendas de la música española como Fernando Alfaro, junto a algunos que por aquel entonces eran artistas noveles como Le Parody o C. Tangana. Fue inaudito que este actuara por un caché que me da vergüenza reproducir, meses antes de publicar ‘Antes de morirme’ y un año antes de ‘Mala mujer’, o también verle animando a Joe Crepúsculo y subiendo público al escenario con sus propias manos.
Completaron el cartel Anni B Sweet y, tras la cancelación de La Casa Azul por enfermedad -todavía conservo el mail de Guille Milkyway disculpándose, lleno de faltas de mecanografía porque le iban a operar de un ojo y no veía nada-, una dupla que dio mucho juego. La Prohibida hizo su propio show y además subió a cantar con Joe Crepúsculo -como también por sorpresa Soleá Morente-, y Los Punsetes. Eso supuso que Ariadna cantara con Joe Crepúsculo la mismísima ‘Maricas’. Y fuera de su personaje en Punsetes, se animó a botar. C. Tangana, antes de ‘Mala mujer’
Soleá Morente y La Prohibida, abrazadasClaudio y Guille Mostaza, en el backstageEl público tomando el escenario, en el fin de fiesta
La figura de C. Tangana nos lleva al que quizá se pudo entender como un punto de inflexión en la línea editorial de la web. La llegada de PXXR GVNG y La Mafia del Amor y figuras como Bad Gyal, Karol G o Bad Bunny en la segunda mitad de la década pasada fue un revulsivo. La gente me paraba por las discotecas de madrugada para pedirme que dejáramos de hablar de ellos. «Eso no es música», se decía y se dice, como antes se dijo de la electrónica o del punk.
Siempre supe que teníamos dos opciones: hablar de Madonna y Los Planetas y sus sucedáneos para siempre, o tratar de entender los nuevos códigos. Raúl Guillén y yo escogimos claramente lo segundo. Nunca sabremos si nos habría ido mejor ciñéndonos a hablar de proyectos electropop tipo Robyn y Carly Rae Jepsen, es decir, siendo la versión española de Popjustice, pero desde el punto de vista periodístico, el camino ha sido mucho más enriquecedor y divertido. La entrevista a Metrika que realizaba recientemente Gabriel Carey es una de mis favoritas de la historia del site. «¿Dinero de facha? ¿A mis bailarinas trannies? Pues claro que sí».
En junio de 2019 llegamos a Madonna, como antes habíamos llegado a Noel Gallagher, a Chic o a Blondie. JENESAISPOP fue el único medio del mundo al que la Reina del Pop reveló que todas las canciones de ‘Madame X’ están interconectadas «pista a pista» a través de un instrumento, una palabra o el uso de un idioma.
Pero hemos hecho muchas otras entrevistas interesantes: me puse más nervioso la primera vez que entrevisté a Amaia porque no sabía si preguntarle por Alfred, que acababa de sacar álbum el mismo día (y contenía un olvidado dúo conjunto). Más lista que el hambre, Amaia me pidió grabar ella misma aquella primera entrevista que daba a un medio musical.
Escogimos una entrevista con Charli XCX para el gran cambio de diseño que hicimos en 2014. El reportaje se llamaba «Charli, pro a los 22». Anitta nos felicitó por hacer entrevistas tan «técnicas». Pablo Tocino terminó abrazado a Rosalía por un lado, y por otro sonsacó a una Billie Eilish de 16 años que era fan de ‘Malamente’ y quería colaborar con la catalana, cosa que luego se produjo. Hope Sandoval aseguró a Jordi Bardají en 2016 que «no sabía quién era Lana del Rey».
He pedido a Jordi que recuerde su entrevista con ANOHNI, una reflexión tras otra sobre activismo, política, cultura, sin desperdicio: «Terminé la charla con dolor de cabeza, pero el recuerdo es bonito. Anohni habla con enorme sabiduría sobre derechos trans, ecología, cambio climático o política, y lo hace con la profundidad de alguien que parece haber vivido muchas vidas, siendo tremendamente generosa en sus reflexiones y respuestas, que da de forma tranquila y sosegada. Que una artista internacional de su calibre te conceda media hora de entrevista y, cuando se agota el tiempo en Zoom, vuelva a llamarte para regalarte otra media hora de conversación no tiene precio. Valió la pena la jaqueca posterior, sin duda».
Cuando las entrevistas salen mal
En otras ocasiones la entrevista no salió tan bien porque el artista no sabe que el periodismo puede y debe involucrar preguntas incómodas, el artista no tiene el día, no lo tiene el periodista, o simplemente no se conjuran los astros. Fueron un desastre por diferentes motivos nuestra charla con Dolores O’Riordan -que realicé por otro medio pero repliqué aquí de manera más extensa-, no eran muy generosas en grandes respuestas las primeras entrevistas con Guitarricadelafuente, y Jordi recuerda particularmente una entrevista desagradable con Beach House:
«Mi ilusión por entrevistar a una de mis bandas favoritas se tornó decepción cuando Alex Scally me dio una entrevista que me provocó ‘Depression cherry’. Mea culpa: llegué tarde, pero todo debido a un error humano. El encuentro por Zoom iba a ser con Victoria Legrand, pero se cambió a Alex y se adelantó media hora. El problema fue que anoté el cambio de interlocutor, pero no el de hora. Cuando por fin entré en la reunión, Scally me reprendió por el retraso, afirmando que a mí «no me gustaría que me lo hicieran». Su actitud durante el resto de la charla fue seca y poco amable. Desde entonces, cada vez que escucho a Beach House recuerdo aquella entrevista con una sensación agridulce».
Cuando las entrevistas salen regular
Como agridulce fue su charla con Christine and the Queens, al que hizo llorar: «Aunque ahora se hace llamar Rahim Redcar, el artista francés aún se presentaba como Christine and the Queens cuando promocionaba su obra maestra ‘Paranoia, Angels, True Love’ (2023). Fue en esa etapa cuando tuve ocasión de hablar con él, y la entrevista que me concedió es una de las más profundas y filosóficas que recuerdo. Pero aquella charla también me dio una lección sobre cómo abordar a los artistas, sobre todo cuando la obra que presentan toca temas sensibles que siguen abiertos y candentes. Lo entendí cuando le pedí que profundizara en el mensaje de ‘He’s been shining forever, your son’, una preciosa canción sobre un padre que busca a su hija, pero no la encuentra porque es su hijo, en realidad. Rahim rompió en un llanto amargo y confesó que le dolía tener que explicar asuntos que ya están, efectivamente, explicados en sus canciones. La entrevista continuó bien y terminó entre risas, pero yo me quedé con el aprendizaje».
Cuando el artista sí sabe recibir críticas
No vamos a desaprovechar la oportunidad de elogiar la profesionalidad de artistas que han concedido entrevistas a JENESAISPOP sabiendo que habían tenido malas críticas con un disco reciente en la web, por ejemplo Amaral después de ‘Gato negro, dragón rojo’, Vetusta Morla después del primero, La M.O.D.A. hasta el penúltimo, Arde Bogotá tras el segundo o Supersubmarina en su momento, por mucho que duela ahora recordarlo. Todos ellos mostraron una deportividad, una profesionalidad y un respeto hacia nuestro medio encomiables. Supongo que no lo recordará, pero juro que un día Eva Amaral me felicitó por hacer las mejores entrevistas musicales de este país. En concreto fue este día:
Que tu ídolo te aborrezca
Lamentablemente no siempre las malas críticas son recibidas con deportividad -a nosotros también nos pasa- y sonados han sido nuestros beefs con Fangoria o Mala Rodríguez. Todo lo que sabemos de los primeros es que a Mario Vaquerizo no le gustó nada este artículo y nos llamó «hijos de puta» en Radio Gladys Palmera, dando lugar a un meme que sobrevivió años en los foros (JNSP-HDP). Lo de la segunda lo tenemos más claro, aunque solo sea por reciente.
A La Mala no le gustó el tratamiento que dimos a esta noticia que nos parecía muy divertida, y arremetió en sus Stories contra «jenesais… su puta madre» al tiempo que nos mandaba a mamarla, en concreto un «micropene» mientras ella sorbía una pajita. Como nos dijo un amigo: «con lo del micropene, os ha ido a dar donde más os duele».
OT, con Juan Sanguino
Hay que dedicar una mención especial a la única persona que ha pasado 13 noches en vela por JENESAISPOP, en concreto reseñando Operación Triunfo para esta web. 20.000 personas se conectaban fielmente cada martes a la web -más las que caían aquí por Google- para leer su crónica social de las actuaciones de los concursantes, hubieran visto el programa o no. Nos cruzábamos -yo levantándome a las 7, él acostándose a las 8- como quien se cruza con un borracho de empalmada al entrar a trabajar, solo que él solo venía borracho de Operación Triunfo, dispuesto a darnos su visión crítica, llena de sociología y muchísimo humor. «Teyou es Prime Video. Y OT es OT».
Desde 2020, y sin haber maquetado una página para papel más que en las prácticas de 5º de carrera, JENESAISPOP tiene ediciones físicas. Solo el ostracismo de la pandemia -4 meses sin salir de casa durante el confinamiento estricto- permitió la creación de un libro muy loco, laberíntico, interrelacionado, sobre los mejores discos del siglo XXI, de 2000 a 2019. El libro no se quedaba en la nostalgia de los primeros 2000 -aunque por supuesto están los Strokes o The Postal Service- para apostar -con mucho tino, la verdad- por el futuro. En las últimas páginas aparecían Billie Eilish, Bad Bunny, Dua Lipa, FKA twigs, Rosalía… las personas que han resultado fundamentales en esta nueva década. Quiero dar las gracias a Ángel Carmona por dedicar no 1 sino 2 programas de ‘Hoy empieza todo’ a este libro, en pocas palabras, haciéndome doblar la producción. Este programa que incrusto debajo me cambió la vida de verdad.
Desde 2022 también publicamos Anuarios con lo mejor de cada año en papel.
Los 2 podcasts
En aquel programa de Radio 3 se sembró la semilla de lo que hoy son nuestros podcasts. No era la primera vez que iba a la radio, pero sí la primera que me dejaban un micro 2 horas para mí sola. Se empezó a fraguar lo de «Sebas cae mejor escuchado que leído». Pocos meses después, Claudio M. de Prado accedió a montar un podcast conjunto que llamamos REVELACIÓN O TIMO, como una vieja sección de la web por la que pasaban artistas noveles, que grabamos con la ayuda súper pro de Gato y Cariñito Films. Este año cumpliremos 200 programas, algunos de ellos grabados con público en directo. A destacar la lectura dramatizada que realizamos en la Sala El Sol de las fans de Take That. Las madres lo bordaron.
En la actualidad acabamos de comenzar de manera paralela la 3ª temporada de ALGO CAMBIÓ… nuestro podcast sobre industria musical para Fundación SGAE. Eso nos ha permitido hablar de la deriva de la industria, de autogestión con Rigoberta Bandini, de folclore con Juanjo Bona, o de IA con Maria Arnal.
La salud mental de Robbie Williams
En el último lustro ha sido obligatorio mudar parte de contenido a redes sociales porque, lamentándolo mucho por el periodismo tradicional, si no estás en las redes sociales, no existes. Si no tienes Instagram o no nos sigues en esta red social, seguramente no te hayas enterado de que varios de nuestros Reels bordean o superan el millón de visitas. Por ejemplo el de Amaia versionando a Manuel Alejandro delante de Manuel Alejandro, el de Carmen Machi actuando junto a Stella Maris en Primavera Sound, o este de Robbie Williams hablando de salud mental. No sé cuántas veces pude llegar a escuchar editando lo de «I have a disease… inside me».
No siempre nos hemos adaptado a las nuevas tecnologías, y menos mal. «JENESAISPOP llega tarde a la noticia moderna» fue un meme durante años. Hay quien nos aseguró que nos teníamos que gastar 10.000 euros en una APP o adaptación específica para iPad porque ese iba a ser el futuro. Nadie podía adivinar que el tráfico tablet se estancaría en el 10% pero el de móvil se dispararía al 70% u 80%.
Sobrevivimos a MySpace, Last.FM, Facebook, sobreviviremos a Twitter, que por el bien de todos, debe de estar a punto de caer, y actualmente estamos gastando bastantes energías en Instagram y TikTok, donde intentamos analizar las novedades musicales adaptándonos a los códigos de esas redes. Es una imitación de lo que hace unos años Farala hizo en Youtube, pero no ha ido mal: el análisis de ‘Berghain’ de Rosalía sumó 300.000 visualizaciones en IG, casi 200.000 en TikTok y 135.000 en Youtube.
JENESAISPOP no sería nada sin su plantilla de colaboradores: los especiales de cine o qué ver en plataformas de Joric, el top 50 de Sufjan Stevens que se curró Mireia Pería o la visión tan exigente en cine y música de nuestro redactor «Cahiers du Cinéma» Fernando García.
Antes de firmar un convenio de prácticas remuneradas con la UCM, que ha sido una excelente cantera para este y otros medios, los colaboradores que seleccionábamos no solían venir del mundo del periodismo, sino de nuestros propios foros, de nuestra sección de comentarios o de nuestro propio entorno laboral. La co-fundadora Angèle Leciel realizó una serie de playlists muy personales llamadas Bonjour les copains! Jordi Bardají salió de los foros, Carlos Úbeda fue colaborador durante años tras recomendarnos a Amy Winehouse en un comentario… y todavía no he superado la friquez de Nahiadance.
A través de nuestro diseñador y hoy mi esposo, iko, dimos con Mari Loly Sánchez, que tristemente nos dejó en verano de 2022. Mari Loly entrevistó para nosotros a Dúo Dinámico, a Cooper, a OMD o a Rafael Berrio, y cubrió uno de esos conciertos de 4 horas de Bruce Springsteen en Madrid. Sus decenas de colaboraciones mantuvieron un perfil muy particular y personal, siguiendo a artistas retro como Wanda Jackson, Eli Paperboy Reed o Sharon Jones. Incluso cuando dejó de colaborar con la web para centrarse en otros sectores, siguió mandándonos recomendaciones, la última de todas excelente, esta maravilla de François. Gracias por ‘Cadaqués’ y por tanto, allá donde estés.
Baby Keem ha lanzado hoy su segundo disco, cinco años después de su celebrado debut, ‘The Melodic Blue’. ‘Ca$ino’ fue anunciado hace menos de un mes y hoy ha llegado a todas las plataformas con dos colaboraciones, una no oficial, de su primo Kendrick Lamar. ‘Good Flirts’ es un throwback al R&B/hip hop de principios de los 2000, con todo el foco puesto en una memorable melodía.
Sobre un minimalista beat a golpe de guitarra y piano, Keem canta sobre una relación terminada recientemente. La melodía es pegadiza al instante: «Solías llamarme los viernes por la noche / Ha terminado dos veces». Momo Boyd aparece en el post estribillo con todavía más melodías en las que la cantante lanza la pregunta clave del tema: «¿No te encanta un buen tonteo con un extraño?».
Cuando Kendrick Lamar no está en modo combate, es un maestro de las frases citables. Algo que en su momento ya perfeccionó Drake, pero que viniendo de Lamar, que normalmente muestra su faceta más seria, tiene más impacto. Por eso mientras rapea sobre la relación con su pareja cuela menciones a las conversaciones filtradas de Young Thug y Mariah The Scientist desde la cárcel («Cotilleo con mi zorra como si fuese Young Thug»), la película ‘Sinners’ o Pinterest.
La última parte de su verso está dedicada a su lado más divertido y coqueto, con el rapero admitiendo que es compatible tener «calle» con ser «goofy». Esto mismo, Kendrick lo demuestra en las siguientes líneas: «Debes tener un disco de platino en el chichi», sentencia. El tema, que no va mucho más allá, al menos es tan pegadizo como divertido.
Nebulossa han lanzado su segundo disco casi por sorpresa, tras ser anunciado solamente dos días antes de su lanzamiento. ‘VIRTUZORRISMO’, según explica el dúo en sus redes, trata sobre «hacer del zorrismo una virtud». Cumplen su promesa en el primer single del proyecto: ‘Vogue’ es un bombazo inspirado en el house de los 90.
Para Nebulossa, el zorrismo es «no tener miedo al fracaso», al «edadismo» o «al que dirán». Justamente de esto trata ‘Vogue’. Sobre una de sus melodías más pegadizas, Mery Bas asegura que lo único que quiere es «un poco de vogue» en la «frontera de la noche». Mientras tanto, dedica los versos a todas esas personas que «dicen que pierdo aceite, porque me siento diferente». A todos ellos, Mery les pide que «revienten».
En una entrevista con El Español, Mark Dasousa asegura que «tenía mis dudas» sobre dejar la frase del aceite en la canción, optando finalmente por dejarla tal cual porque ‘VIRTUZORRISMO’ está hecho para «zorrear sin pedir permiso». El resto de la canción, con break instrumental incluido, es simplemente un rompepistas que funciona a todos los niveles.
Hoy 20 de febrero salen esperados discos de Maria Arnal, Hilary Duff, Leire Martínez o Peaches. La sorpresa del día la han dado Nebulossa lanzando su disco sin previo aviso, dos años después de presentar ‘Zorra’ en Eurovisión.
También tenemos entre manos nuevos discos de Meu (veinte años después del último), Moby, Capros, paco te quiero, Leigh-Anne (ex integrante de Little Mix), Cora Yako y Sandra Delaporte en solitario.
Al interesante single que ha publicado Lana Del Rey esta semana se suman suculentos lanzamientos de Jessie Ware, Jorja Smith o Foo Fighters. Entre los singles destacados de los últimos siete días, el que presenta en solitario Julia Cumming de Sunflower Bean. Y entre los comebacks del día, el de Mumford & Sons de la mano de Gracie Abrams.
El pop hispanoparlante deja interesantes novedades también por parte de Laaza, Tainy, Claudia Allmang, Ouineta, Carlangas o Maria Jaume. Hay que hablar asimismo de Antía Muiño, Ana Farelo, Cristalino, Ginebras o Bestia Bebé.
Entre los artistas que lanzan música esta semana se encuentran también Snail Mail, Thundercat, floweroflove, Labi Siffre, Guille Toledano (OT2025) y Yaya Bey. Atención, por otro lado, a las sugerentes propuestas de My New Band Believe, Absolutely, Tiwayo o Essosa.
Eric Dane, el actor que dio vida a Mark Sloan, el médico convertido en sex symbol de ‘Anatomía de Grey’, ha muerto a los 53 años a causa de esclerosis lateral amiotrófica (ELA), enfermedad degenerativa que le fue diagnosticada en abril de 2025. En los últimos meses, Dane había perdido la movilidad del brazo derecho y utilizaba silla de ruedas.
Dane, que en el instituto era jugador de waterpolo, dio sus primeros pasos en el mundo de la interpretación participando en una representación teatral juvenil de ‘All My Sons’, de Arthur Miller. Tras aparecer en series como ‘Salvados por la campana’, ‘Aquellos maravillosos años’ o ‘Roseanne’, Dane asumió el papel de Mark Sloan en ‘Anatomía de Grey’, el personaje que lo llevó a la fama. Interpretó a Sloan en la serie hasta 2012, cuando el personaje fue asesinado.
En 2010 encarnó al antagonista de ‘Burlesque’, donde intentaba seducir a Ali, el personaje interpretado por Christina Aguilera, y en los últimos tiempos había vuelto al imaginario colectivo gracias a su interpretación de Cal Jacobs, el padre de Nate (Jacob Elordi) en ‘Euphoria‘, un hombre que lleva una doble vida.
Que los 4,5 millones de copias que lleva vendidos ‘BRAT‘ no te lleven a error: Charli XCX fue «darks» desde el principio. Incluso su disco verde fluorescente escondía un lado tenebroso. Así que a nadie extraña que, a la petición de hacer una canción para la nueva adaptación de ‘Cumbres borrascosas’ haya respondido que no, que ella prefería hacer un álbum completo. Es una manera de 1) seguir demostrando que puede hacer cosas diferentes y 2) quitarse de encima la presión de vender al menos la mitad que ‘BRAT’.
Como siempre, se ha divertido troleándonos por el camino. En algún momento dijo que el sucesor de su obra maestra de 2024 estaría influido por la Velvet Underground, y con lo que ha vuelto es con lo más parecido que puede haber a una colaboración con la mítica banda. John Cale recita el primer adelanto de ‘Wuthering Heights’, un sueño para Charlotte Emma Aitchison, que llegó a obsesionarse con una cita de Cale sobre lo que tenía que ser la música: «algo elegante y brutal». Y «brutal» es también sinónimo de «despiadado», «inhumano» o «salvaje».
Ese tema llamado ‘House’, que abre el álbum y aparece en la desagradable primera escena de la película, habla sobre belleza, realidad y soledad, desembocando en una sección «noise» en la que Charli XCX repite «creo que voy a morir en esta casa».
La idea es perfecta para una obra de corte gótico, sensación fomentada por el modo en el que se han trabajado las cuerdas en este tema y en muchos otros de ‘Wuthering Heights’. Cuentan Finn Keane y Charli XCX que querían evitar que la orquesta sonara «pulida», que buscaban «texturas crudas» que crearan una sensación «romántica pero torturada», acorde a la trama. Para ello, pidieron a los músicos que grabaran con el arco cerca del puente de los instrumentos de cuerda, lo que produce un sonido casi estridente, rozando lo desafinado. Pega a la película, pega a la trayectoria de John Cale y pega a la Charli que conocimos con cosas como ‘Black Roses’.
Así, las omnipresentes cuerdas sirven para generar tensión y nervio, por ejemplo en ‘Seeing Things’ o en la final ‘Funny Mouth’ (muy ‘Twin Peaks’), que por texto no representa tanto el desenlace de la cinta o el libro, como por sonido.
El efecto embellecedor que puede tener una orquesta sí aparece en parte del tracklist del álbum, que incluye temas abiertamente pop o que podríamos catalogar como «bonitos». Es el caso del pegadizo ‘Dying for You’, de ‘Altars’ o incluso de la «power ballad» ‘Chains of Love’. En esos casos es el lenguaje lo que empuja las canciones al lado oscuro, con unas letras que nos hablan de «prisioneros», de «morir» por otra persona y de tanta «tormenta» como la que cae en la película. Las letras son el vivo retrato de un amor tóxico como el de Cathy y Heathcliff.
Entre alguna canción más prescindible, como ‘My Reminder’, hay que destacar el acierto de haber contado con Sky Ferreira para simular estar ya en el más allá («sabía que me querías como si estuviera muerta»). Si es una píldora de humor, es más ocurrente que el poco que vemos en la desatinada cinta de Emerald Fennell. Charli XCX sale mucho más airosa que la directora de su retrato de un amor malavenido en una Inglaterra en la que no para de llover.
Emerald Fennell ha tenido el detalle de poner comillas en su versión de «Cumbres borrascosas», porque su adaptación de la novela decimonónica de Emily Brontë es libre. La atracción fatal entre los personajes de Cathy (Margot Robbie) y Heathcliff (Jacob Elordi) está ahí, como muchas otras cosas, pero ha cambiado su entorno, su desenlace, algún que otro personaje y sobre todo el trasfondo, la profundidad.
La directora conocida por su trabajo en la serie ‘Killing Eve’ y en el notable film ‘Una joven prometedora‘ -eso sí que era un final inolvidable- sigue aquí más bien la senda iniciada en la cuestionable ‘Saltburn’. Da igual de qué siglo hablemos, lo que interesa a Fennell es el amor perverso, el incontenible deseo, la relación entre el sexo y la muerte. En la primera escena de «Cumbres» ya contrapone un ahorcamiento con una suerte de orgía. ¿Provocación a lo Lars Von Trier o fraude? ¿Revelación o timo?
Estamos en la Inglaterra de 1847 y llueve mucho, muchísimo, porque -SPOILER-… estamos en «Cumbres borrascosas». Un niño es rescatado de la mendicidad por una familia, pero lo que parece un sueño hecho realidad deriva en pesadilla cuando el padre resulta un alcohólico maltratador, con lo que ahora llamaríamos graves problemas mentales. Mitad sirviente, mitad hermanastro, el niño se refugia en la hija, quien devanea entre lo malcriado y lo tierno, incluso con el paso los años.
En algún lugar de esa contradicción había grandes personajes que desarrollar, luchando por dejar atrás traumas y miserias. Pena que la película decida destruirlos cuando convierte a la protagonista femenina en una inocua princesa color chicle con cierta pinta de influencer. Las Converse de María Antonieta por la vía de Sofía Coppola amenazan con salir en plano en cualquier momento.
Si Margot Robbie deja dudas, qué decir de ese Jacob «fucker» Elordi, que directamente arranca alguna carcajada en la sala con su transformación a lo ‘Betty la Fea’. La evolución de su personaje, que no llega a explicarse, no puede ser más impostada, y así muy difícil empatizar con cualquiera de los dos protagonistas. Tras varias escenas que inspiran un buen «que les zurzan», el final lo que produce es indiferencia. Y es que donde «Cumbres borrascosas» tenía que establecer una relación de amor/odio con el espectador similar a la de un Polanski en ‘Lunas de hiel’; o simplemente conformar un buen sexy-thriller como ‘Fuego en el cuerpo’, se reduce a una postal que ni es bonita ni es molesta. En tiempos de, por un lado poliamor, y por otro de neo-castidad, «Cumbres borrascosas» no logra ni seducir ni escandalizar, a menos que sigas acordándote de ’50 sombras de Grey’ cada día de tu vida.
No suman secundarios tan maniqueos o directamente ridículos -creados para la ocasión o firmemente adulterados- como el de Nelly, el de Edgar, el del padre o el de Isabella, que pasa del humor voluntario al involuntario en tan solo una escena. Con este pastel, es un poco boutade decir que lo mejor de la película es la música de Charli XCX, pero lo cierto es que lo es. Porque ya sucedía en ‘Saltburn’. Muy adecuada y bien integrada, nada abrasiva salvo en alguna escena y en los créditos finales, con un protagonismo moderado pero relevante, y dejando el espacio necesario para el verdadero «score» de Anthony Willis, la banda sonora de ‘Wuthering Heights’ es el único tanto artístico que puede anotarse la productora.
‘Guerra A Todo Eso’ es otra maravilla más salida del mundo del flamenco experimental. En Frente Abierto, el colectivo formado por Marco Serrato, Borja Díaz, Carlos Pérez, Raúl Cantizano y David Cordero colabora mano a mano músicos de doom metal y cantaores de flamenco de la talla de Israel Fernández, Inés Bacán, Lela Soto, Ángeles Toledano o Sebastián Cruz. Juntos, han creado algo nuevo, y no una simple mezcla de estilos. Así lo ve Serrato, también miembro de Orthodox: «Me gustaría pensar que es un sonido en sí mismo, pero para venderlo hay que acotar».
Nos reunimos con él y con Sebastián Cruz, cantaor, en una abarrotada cafetería del centro de Madrid una hora antes de su firma de discos en Marilians Records. «A ver si viene alguien», bromea Serrato. Aunque ‘Guerra A Todo Eso’ no esté pensado para las grandes masas, quien sabe, sabe. «Sabemos que hay gente igual de mal que nosotros, así que alguien tiene que corresponder». La acogida del público y la crítica, sin embargo, ha sido totalmente positiva. Frente Abierto es uno de los nombres nominados al Premio Ruido, otorgado por la prensa musical y destinados a elegir el mejor álbum del año desde hace más de una década, pero Serrato no necesita ningún tipo de validación: «Aunque me dijera todo el mundo que es una mierda, yo estoy muy contento».
Frente Abierto exploran en su debut diversos palos del flamenco, de la soléa a las seguiriyas, entre ritmos, riffs y texturas que recuerdan directamente a aquellos de Black Sabbath, Candlemass o Saint Vitus. Eso sí, los elementos de doom metal están siempre a servicio del cante, que han dejado intacto porque querían «disfrutar de lo clásico». Como era de suponer, hacer ‘Guerra A Todo Eso’ no ha sido una tarea sencilla: «No ha sido fácil hacer este disco, pero tampoco ha sido difícil en el sentido de atascarnos, pelearnos o tener tensiones», explica Serrato. Todo empezó con la excusa de preparar un concierto de Israel Fernández para el Canela Party, pero para cuando esto ocurrió el disco ya se había grabado. Todo el mundo se volcó con el proyecto: «No hay nadie a quien le hayamos preguntado y se haya negado, sorprendentemente».
A Sebastián, experimentado en salirse del molde clásico del cante, el proyecto le llamó la atención rápidamente: «Me dijeron el cante que querían, lo que querían que yo hiciese, y me puse a trabajar». En ‘Zarabanda’ (2023), Cruz es totalmente rupturista con el cante flamenco, pero uno nunca se acostumbra a tener al lado una banda de doom: «Yo le voy dando los matices personales que me van saliendo, porque cantar con una banda como Frente Abierto te da otras connotaciones musicales y otras melodías que hacen que tu cante -aunque sea el clásico de siempre- tome otra dimensión por el acompañamiento».
«Palabras como duende, esencia… Han provocado mucho misticismo alrededor del género. A la larga, creo que ha perjudicado más que otra cosa»
El flamenco es un género conocido por todos de forma general, pero por muy pocos de forma profunda. «Lo que mucha gente no sabe es que los palos del flamenco son melodías prefijadas», cuenta Serrato. Es por ello que ‘Guerra A Todo Eso’ tiene muy poco de improvisación, con la excepción del interludio ‘…Que La Niebla Esconde’, aunque suene totalmente libre. Es aquí donde Serrato aclara cómo ha afectado el vocabulario a la percepción del flamenco: «Palabras como duende, esencia… Han provocado mucho misticismo alrededor del género. A la larga, creo que ha perjudicado más que otra cosa».
Si alguien se pregunta por qué dos géneros tan aparentemente diferentes como el doom metal y el flamenco pueden caber en el mismo disco… Es por la oscuridad que envuelve a ambos. Música oscura para tiempos oscuros: «Somos la primera generación que vive peor que sus padres. ¿Lo de la vivienda? En otra época, la gente ya habría salido a la calle a por la cabeza de alguien». Todo se reduce a la progresiva desaparición del concepto de conciencia de clase, ignorado completamente por las generaciones más jóvenes: «¿Sabes para quién sigue existiendo la conciencia de clase? Para los ricos. Ellos son muy conscientes de lo que son. Es una cuestión de identidad», declara Serrato. El mensaje de Frente Abierto está más que claro. Guerra a todo eso.
Viña Rock ha sido adquirido por una empresa independiente y ya no forma parte de Superstruct Entertainment, el grupo de entretenimiento en vivo que, a su vez, es propiedad del fondo de inversión proisraelí KKR. La relación societaria entre numerosos festivales y KKR ha sido muy criticada, llegando a provocar la baja de numerosos artistas de los carteles.
En el caso de Viña Rock, artistas como Reincidentes, Boikot, Los Chikos del Maíz o Söber han comunicado su marcha del cartel por los previos vínculos de Viña Rock con KKR.
Según ElDiario.es, Viña Rock pasa ahora a ser propiedad de «una empresa independiente perteneciente a un promotor histórico del certamen», de tal forma que se desvincula por completo del fondo de inversión con intereses en Israel, KKR.
Viña Rock se celebrará los días 30 de abril, 1 y 2 de mayo en su habitual sede de Villarobledo, Albacete, y próximamente anunciará el cartel completo de su próxima edición, que cuenta ya con nombres como los Sex Pistols ft. Frank Carter, Turbonegro, Mägo de Oz, La Cabra Mecánica o Sexy Zebras.
Foo Fighters vuelven a divertirse. Se lo han ganado, ya que su último álbum, ‘But Here We Are’, era el primero que publicaban desde el fallecimiento de su batería y miembro fundador, Taylor Hawkins, a los 50 años. El nuevo, ‘Your Favorite Toy’, es el primero desde la entrada del nuevo batería, Ilan Rubin, intercambiado con los Nine Inch Nails, que se quedaban Josh Freese.
El 24 de abril podrá escucharse ‘Your Favorite Toy’, aunque los fans de Foo Fighters ya han podido escuchar los adelantos de varios cortes del álbum a través de su página web. Uno de ellos es el tema titular, disponible hoy.
El álbum traerá ‘Asking for a Friend’ también, pero ojo porque ‘Your Favorite Toy’ va a destacar de inmediato en el repertorio reciente de Foo Fighters: hace tiempo que el grupo de Dave Grohl no sonaba tan animado, garajero y distorsionado.
La voz de Grohl es prácticamente inaudible detrás del ruido, en esta furiosa y desquiciada ‘Your Favorite Toy’, mientras las cristalinas melodías de guitarra y el tarareo de «na na nas» alivian esa furia, en contraste. No extraña que la letra mencione una unión de «caramelo y dopamina, tan dulce», si bien refiriéndose probablemente a otro tipo de gominola.
De dopamina va sobrada ‘Your Favorite Toy’, aunque conviene recalcar que la canción tiene su trasfondo serio, ya que, en frases como “Hold fast and hold my hand / And hold me over the fire” o “Is the pressure hard enough / If the treasure’s not enough?”, la banda parece referirse buscar apoyo emocional durante un episodio oscuro o de estrés extremo.
Modelo de Respuesta Polar ha anunciado su regreso a los escenarios con una gira que conmemorará el décimo aniversario de ‘Dos amigos’, su disco de 2016 querido por canciones de sonido indie rock tan bonitas como ‘La juventud y el tiempo’, ‘Momentos similares’, ‘Cómo crees’ o la pista titular. En la época, cuando parecía que podían convertirse en el grupo referencia de otro tipo de indie español, Modelo de Respuesta Polar decidieron darse un respiro.
Ahora, el grupo valenciano liderado por Borja Mompó e integrado también por los hermanos Fran y Jorge Mollá y Pau Paredes ha detallado cinco fechas por salas que acogerán la recuperación de ‘Dos amigos’ por su primera década de vida. Además, ha anunciado el lanzamiento de un single nuevo.
Modelo de Respuesta Polar visitará la sala BUT de Madrid el 17 de octubre, la Moon de Valencia el 31 de octubre, la Wolf de Barcelona el 20 de noviembre, la Tribeca Live de Oviedo el 5 de diciembre y la Trinchera de Málaga el 11 de diciembre.
En cuanto al single, su estreno está cera, ya que ‘Una ilusión’ podrá escucharse a partir del 5 de marzo. ‘Una ilusión’ «es el single que llega para celebrar su vuelta y que condensa el estilo de Modelo de Respuesta Polar y las sensaciones que les genera la vuelta». La canción se integrará en la reedición del disco ‘Dos amigos’, que se presentará en un formato limitado y muy exclusivo.
GIRA 1Oº ANIVERSARIO DOS AMIGOS
17 de octubre – MADRID – Sala But
31 de octubre – VALENCIA – Sala Moon
20 de noviembre – BARCELONA – Sala Wolf
5 de diciembre – OVIEDO – Sala Tribeca Live
11 de diciembre – MÁLAGA – Sala Trinchera
La banda irlandesa Madra Salach, el toque latino del dúo ecuatoriano MIEL, la electrónica de videojuego del colectivo surcoreano Azikazin Magic World, el pop experimental de la catalana Kris Tena y el indie rock melódico de la francesa naya mö se encuentran entre las propuestas más interesantes de la programación musical de Primavera Pro, que se celebrará del 3 al 5 de junio, de manera simultánea al festival, en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). El acceso será libre y gratuito.
Primavera Pro es el encuentro profesional de la industria musical de Primavera Sound. Con su agenda de conciertos gratuitos, busca dar a conocer nombres emergentes de todo el mundo, incluyendo artistas de Estados Unidos, Argentina, Islandia, Portugal, México o Bélgica, además de Cataluña.
Entre las apuestas locales de la 17ª edición de Primavera Pro destacan el productor de electrónica experimental Jolly Damper y el dúo ibicenco-catalán L’Arannà, que fusiona folclore y vanguardia.
Además, la programación incluye propuestas internacionales como la electrónica punk de 3L3D3P (Los Ángeles), el jazz-rock de GAL GO (Buenos Aires), el punk new wave de La Sécurité (Montreal), el indie rock y shoegaze de Pájaro Vampiro (Ciudad de México), el noisepop de Hank (Londres) y el pop progresivo del franco-canadiense Christian Sean (en la foto), entre otros. La música de todos ellos se encuentra reunida en la playlist oficial que compartimos más abajo.
Próximamente se dará a conocer el programa de conferencias y actividades de Primavera Pro 2026. Una edición más, este encuentro profesional de Primavera Sound Barcelona será un espacio de conversación global, abordando los debates que marcan el presente y el futuro de la industria musical. Todo, del 3 al 5 de junio en el CCCB.
Soraya ha publicado estos días nuevo disco, ‘ILÚMINA’, completamente entregado a la música dance. La apuesta recuerda a la de ‘Dreamer‘ (2010) de hace quince años, pero la propuesta de ‘ILÚMINA’ tira por un estilo gélido y nórdico, reinventando de nuevo artísticamente a la que fuera concursante de Operación Triunfo y después representante de España en Eurovisión.
Alternando letras en español e inglés, Soraya tira de trance (‘Soy real’), hardcore (‘Fénix’), eurodance alemán (‘Heaven Knows’) o subidote a lo Swedish House Mafia (‘Earthquake’) para elevarse sobre atmósferas ultra-europeas, discotequeras y oscuras. Y para muestra el videoclip de ‘Soy real’, donde Arnelas aparece caracterizada cual guardiana espectral del bosque: casi parece Fever Ray.
‘ILÚMINA’ incluye también el single ‘Placebo’, de corte latin chill y melancólico -no por nada cierra el disco-, el trance de ‘Dance or Die’ o ‘Sundance’, que figura en la banda sonora de ‘Maspalomas‘ (2025). El álbum se abre con tremendo hit autoafirmativo, en el que Soraya pasea su propio ‘Iconismo’, dando «puro hedonismo», «hipnotismo», «estilismo», «protagonismo» y «narcicismo» y, como véis, rimas por doquier. La mejor, aquella en que declara que «es subir de nivel ser vanguardista / catwalk en la pista». Puro «magnetismo», también.
Mientras Madonna se decide a mover ficha con la promoción de su disco «Confessions Pt. 2», Mimi Webb te recuerda que ella ya sacó su propio ‘Confessions’ en septiembre de 2025, no hace ni un año. Este viernes 20 de febrero lanza una reedición titulada ‘Confessions: An Unexpected Turn of Events’, que podría hacer honor a su título lanzando a Webb al mainstream.
Webb, que no es ninguna recién llegada, pues su debut largo, ‘Seven Shades of Heartbreak’, se editó en 2021, ha tocado todos los palos esperados para una estrella del pop actual, pasando del pop-folk a lo Taylor Swift de ‘Good Without’ al pop ochentero de ‘Ghost of You’, canción producida por Stuart Price, por cierto y ya que hablábamos de Madonna.
En todos los casos los streamings son muy altos, pero no podemos decir que Mimi Webb sea una estrella mundialmente conocida. De hecho, en el caso de ‘Confessions’, los números son sorprendentemente bajos para una artista de su perfil.
A Webb le falta subir el siguiente escalón y ahí podría llegar gracias a ‘Eyed Closed’, su apuesta para relanzar ‘Confessions’. ‘Eyes Closed’ es un caramelo disco-pop que no se complica la vida, resultando algo genérica por un lado, pero adictiva por otro. Si primero parece demasiado similar a ‘Kiss Me More’ de Doja Cat y SZA, después logra enganchar gracias a su melodía vocal final, donde Webb canta eso de «I love him, love him with my eyes closed» armonizándose a sí misma.
El efecto de «enganche sutil» de ‘Eyes Closed’ recuerda a ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter, y no extraña porque su compositora Amy Allen es colaboradora de Webb y figura en los créditos de ‘Eyes Closed’ y de otra de sus mejores canciones, ‘Love Language’, también contenida en ‘Confessions’.
Manel Navarro ha vuelto a comentar su polémico paso por Eurovisión en 2017, donde un gallo al final de su interpretación de ‘Do It for Your Lover’ le costó el último puesto de la final y truncó su carrera musical, que no ha despegado desde entonces, aunque sí ha visto la publicación de un disco largo posterior a Eurovisión, ‘Cicatriz’ (2021), que contenía colaboraciones con Belén Aguilera o los recientes participantes de Benidorm Fest, Funambulista.
En su charla con Dani Sousa para el pódcast Vergüenza, disponible en Podimo, Navarro recuerda el acoso e insultos que recibió por parte del público español presente en Ucrania inmediatamente después de terminar su actuación, mostrando tablets con frases como «Manuel, muérete» o gritando «Manel, jódete». El artista explica que, una vez llegó a España, los ataques se intensificaron y vivió situaciones como que le escupieran por la calle o le amenazaran de muerte, así como experiencias humillantes, como que le «tiraran hielos», lo que le generó desarrollar miedo escénico.
Uno de los momentos más reveladores de la entrevista se da cuando Navarro cuenta cómo Sony, la discográfica que impulsó su candidatura a Eurovisión, le dio la espalda tras su paso por el festival. Recuerda que Sony le sugirió ir a vivir a Madrid, a un piso pagado por la discográfica, pero que después le retiró su apoyo y le invitó a abandonar el piso de inmediato: «Volví de Eurovisión y a los dos días me pasaron una carta por debajo de la puerta diciéndome que tenía dos días para dejar el piso», explica. «Me hicieron renunciar a todo: dejé la carrera, dejé todo, me vine a Madrid y, en cuanto volví, la discográfica dejó de pagarme el piso».
Navarro lamenta que también sus mánagers cortaron la relación profesional con él y que se vio «solo», teniéndose que mudar a Alcorcón con una amiga. «La misma gente que me metió en ese follón es la misma gente que, cuando salió mal, se piró», afirma.
El cantante sospecha que la candidatura de ‘Do It for Your Lover’ fue precipitada, ya que apenas tenía carrera musical y su equipo desde el principio le pedía «resultados instantáneos». Un solo gallo bastó para que la industria le diera la espalda, incluidos otros artistas: «Nadie se la ha querido jugar nunca, al final fue volver de ahí y todo el mundo me dio la espalda», cuenta. «Hasta me ha costado quedar con ciertos artistas para escribir. A la cara no me lo dice nadie, pero luego hablan y me llega por otra gente».
Navarro dice estar reconciliado con su paso por Eurovisión, ya que considera que el gallo se debió a la mala suerte, pues nunca le había pasado antes, y asegura que lo ha superado: «Yo no pienso en aquello nunca, un fallo no nos define. Tuve mi error, pero acabará pasando. Al final, quieras o no, para bueno o para mal, tengo un nombre».
U2 ha lanzado por sorpresa un EP de 6 pistas que se presenta como una «colección independiente»» previa al lanzamiento de su nuevo álbum, previsto para finales de 2026. ‘Days of Ash’ es la respuesta de U2 «a los acontecimientos actuales» y se abre con ‘American Obituary’, un tema sobre el asesinato de Renee Good a manos del ICE en enero de 2026.
El EP reúne cinco canciones y un poema recitado, ‘Wildpeace’, con Adeola y Jacknife Lee. ‘Yours Eternally’ reúne a Ed Sheeran y al cantante ucraniano Tarás Topolia.
El material de ‘Days of Ash’ se inspira «en las muchas personas extraordinarias y valientes que luchan en primera línea por la libertad». Según la nota oficial, «cuatro de las cinco canciones tratan sobre personas -una madre, un padre, una adolescente- cuyas vidas fueron brutalmente truncadas; un soldado que preferiría estar cantando, pero que está dispuesto a morir por la libertad de su país».
El próximo álbum de U2 será el primero basado en material original desde el lanzamiento de ‘Songs of Experience‘ en 2017, ya que su último trabajo publicado, ‘Songs of Surrender‘, se componía de canciones regrabadas.
Bad Bunny protagonizará por primera vez en su carrera una película, ‘Porto Rico’, dirigida por el rapero Residente, quien debuta como director de largometraje. ‘Porto Rico’ contará la historia del país de origen tanto de Benito como de René, quien ha co-escrito el guion junto al guionista Alexander Dinelaris, conocido por su trabajo en ‘Birdman’.
La película reunirá en un mismo elenco a Benito Ocasio (Bad Bunny), Javier Bardem, Viggo Mortensen y Edward Norton, todos confirmados para participar en el proyecto de Residente.
‘Porto Rico’ se presenta como un «western caribeño épico y drama histórico» que, con Benito como protagonista, combinará «una narrativa histórica de gran escala con un enfoque visceral y lírico, en una historia impactante inspirada en hechos reales».
Con ‘Porto Rico’, Residente cumplirá uno de los sueños de su vida. “He soñado con hacer una película sobre mi país desde que era niño» -explica en la nota de prensa oficial-. «La verdadera historia de Puerto Rico siempre ha estado rodeada de controversia. Esta película es una reafirmación de quiénes somos, contada con la intensidad y la honestidad que nuestra historia merece”.
Bad Bunny y Residente tienen un sencillo conjunto, ‘Bellacoso’, que los unió para celebrar la renuncia del ex-gobernante de Puerto Rico, Ricardo Rosselló. Juntos, acompañados también de Ricky Martin, entre otros, encabezaron en 2019 la protesta masiva en la que exigían la dimisión del dirigente.
La noticia llega justo después de que Benito haya ofrecido una histórica actuación durante el intermedio de la Super Bowl, donde ha reivindicado la unidad de toda América. Precisamente, Benito y Residente eran vistos fundiéndose en un abrazo en las bambalinas, tras acabar el show.
Lola Indigo ha denunciado en redes sociales el suicidio de Ángela, una menor de 14 años residente en Benalmádena (Málaga), presuntamente víctima de acoso escolar durante un año. Según La Vanguardia, la joven habría sido acosada por su “delgadez y timidez” y se encontraba en tratamiento psicológico.
El IES Benalmádena ha descartado que existiera acoso escolar, afirmando que no tenía constancia de ninguna denuncia, aunque no ha excluido la posibilidad de ciberacoso. Por su lado, la familia de la menor ha comunicado que tomará medidas contra el centro por no actuar.
Algunos artistas, como CURRO, han difundido la noticia en redes sociales, mientras que Lola Indigo ha publicado en sus stories un mensaje en el que reclama que se exija la identificación para crear cuentas en redes sociales. Los acosadores «al parecer se hacían cuentas falsas para insultar y denigrar a la chica”, ha compartido la artista en Instagram.
Mimi Doblas, visiblemente indignada, ha pedido que se regulen las redes sociales para evitar que se repitan estos casos: “A ver cuándo, de una vez, se exige la identificación para crearse una cuenta en una red social y dejamos de tener este infierno digital donde todo vale», ha expresado. «¿Cuántas chicas y chicos más van a tener que morir para que esto cambie? Basta ya”, ha denunciado la artista.
La identificación en las redes está a la orden del día, ya que Pedro Sánchez ha anunciado recientemente la intención del Gobierno de prohibir el acceso a las redes sociales a menores de 16 años para combatir la “ley de la selva” de desinformación, bulos y odio que circulan en plataformas como Telegram o X, sin que quienes controlan estos servicios lo impidan.
Recientemente hemos comentado en un artículo especial las 5 mejores canciones de Labi Siffre, a raíz de la viralidad de algunas de ellas en redes sociales durante los últimos años, en especial de ‘Bless the Telephone’. Se trata de uno de los grandes cantautores británicos “perdidos” de los años 70 que, aunque marcó algunos hits en las listas británicas durante los 70 y 80, parecía completamente olvidado. En los últimos años, su música ha resurgido gracias a TikTok, aunque previamente ya había sido sampleada por artistas como Jay-Z o Eminem.
Justo en pleno revival de su carrera, Siffre ha anunciado su primer disco en 28 años, un trabajo titulado ‘Unfinished Business’, que se pondrá a la venta a finales de año.
Siffre, que se ganó enemigos en la industria durante los 70 por negarse a ocultar públicamente su homosexualidad y ha explicado que en su carrera lo ha pasado peor «por ser gay que por ser negro», había contado que en los últimos años había logrado formar la «familia de sus sueños» gracias a su relación poliamorosa con dos hombres, Peter y Rudolf. La triareja vivió junta durante 16 años en una montaña al sur de Gales, y Siffre vivía la «vida perfecta» hasta que, tanto Peter como Rudolf, fallecieron en el transcurso de dos años y medio.
Labi, Siffre y Peter habían vivido juntos como pareja en un ménage à trois desde mediados de los 90. Labi y Peter formalizaron su relación como pareja civil en 2005 y estuvieron juntos hasta la muerte de Peter en 2013. En diciembre de 2014 Labi y Rufold se unieron en matrimonio legal, y convivieron hasta el fallecimiento de Rudolf en 2016.
Quizá por eso ‘Far Away’, primer adelanto de ‘Unfinished Business’, es una desoladora canción de despedida, basada en una melancólica melodía de piano, en la que Siffre reconoce no ver un mañana tras la muerte de sus compañeros de vida. “Dijeron que estaríamos juntos hasta el final, pero entonces te fuiste y me dejaste sin mi amor, sin un amigo”, canta en la letra. Aunque el texto parece dedicado a una sola persona, puede interpretarse como destinada a cada uno de ellos por separado.
Los coros celestiales que acompañan la melodía vocal de Siffre en ‘Far Away’ y sus acordes de piano refuerzan el mensaje de desamparo de la canción. Después, la entrada de una melancólica trompeta redobla la emoción. Siffre, a sus 80 años, recuerda en la letra un amor inocente, escribiendo sobre dos “niños en el bosque cogidos de la mano”, cuyo amor les hace inmunes a los “monstruos” que quieran “atraparlos”, pero finalmente se muestra perdido y desolado: “Todos me dicen que estaré bien, pero no saben que morí cuando te fuiste ese día. Me ves de pie aquí, pero estoy lejos”. Gracias a Jerome por la sugerencia en los foros.
Habría sido imposible en 2012 acertar cómo iban a evolucionar las carreras de algunos miembros de Odd Future. Tyler, the Creator se ha convertido en una superestrella, Frank Ocean ha desaparecido tras entregar dos obras maestras y Earl Sweatshirt… ¿Sigue haciendo lo mismo? A nivel musical, puede que sí, pero está lejos de ser la misma persona. En su quinto álbum, el rapero estadounidense describe los cambios por los que han pasado tanto su carrera como su vida personal -ahora es padre de dos- y entrega su proyecto más inspirador.
Desde el monólogo del cómico The Mandal Man al final de ‘gsw vs sac’ («Haz algo, actívate»), queda claro que ‘Live Laugh Love’ es el proyecto de madurez de Earl Sweatshirt. Su disco feliz, por así decirlo. Una cara del artista que no habíamos conocido, desde luego no con discos como ‘I Don’t Like Shit, I Don’t Go Outside’ o ‘Doris’. En este sentido, Earl siempre ha sido tanto un ‘outsider’ como una anomalía, moviéndose en el rap experimental y profundamente personal, a menudo describiendo sus problemas con la depresión, pero consiguiendo un nivel de atención mediática poco común para lo demandante que resulta su música.
Esto no cambia con ‘Live Laugh Love’, siendo un LP brutalmente detallado, no solo con la proporción de samples por metro cuadrado (el de ‘Hey Ya!’ en ‘FORGE’ es fácil de ignorar), sino por las múltiples capas que el artista es capaz de condensar en una sola frase. La escucha activa es obligatoria para sacarle todo el jugo a la música, porque la voz de Earl no es precisamente la más expresiva. Se hace enorme con las barras, pudiendo describir el sonido que hace un estómago vacío de la forma más poética posible: «El zumbido grave del hambre tenía a mi estómago cantando una canción de tristeza», rapea en ‘INFATUATION’, una obra maestra en sí misma en lo que a metáforas se refiere.
La hipnótica producción de Black Noise, Child Actor, Navy Blue y el propio Earl es el perfecto acompañamiento para sus filigranas líricas, ya sea el desfile medieval de ‘Static’ o el fragmentado soul de ‘TOURMALINE’. Esta es a la vez una de las canciones más especiales del proyecto, tanto por ser una de las más positivas de su discografía como por ser la única en la que se atreve a esbozar una melodía vocal. Por algo es la más escuchada del LP.
El título de ‘Live Laugh Love’ resulta un elemento clave para entender la temática principal del álbum. Es una frase que prácticamente se ha convertido en un meme gracias a muebles de IKEA o a cuestionables captions de Instagram. Algo de lo que el joven Earl se habría reído hasta la saciedad, pero que le ha tocado una nueva fibra al convertirse en padre: «La broma se volvió contra mí […] Si alguien dice ‘live, laugh, love’ y tienes hijos, tu respuesta es ‘exacto, hermano'», contó en Popcast.
Es por ello que gran parte de las letras muestran a Earl actualizando los pensamientos que tenía con 16 años y explicando cómo el paso del tiempo y el desarrollo de su propia vida le han abierto los ojos. Si antes sentía resentimiento por su padre, ahora ha encontrado paz: «Le di a mi bebé el apellido y el parecido de mi padre / Abrazando las señales, enfrentándose al fuego», reflexiona en ‘exhaust’. Si antes pensaba que sus problemas solo le afectaban a él, ahora lo ve con perspectiva: «Estoy pidiendo perdón por el dolor que causé», rapea en ‘CRISCO’. En las últimas palabras del disco, algo para reflexionar: «Al final, solo estáis tú y lo que sea que pienses».
Earl Sweatshirt actuará mañana, jueves 19 de febrero, en la Sala Apolo de Barcelona. Entradas todavía disponibles, desde 30€.
Poco a poco fuimos tomándonos más en serio esto del periodismo musical y empezamos a publicar una serie de reportajes que incluso merece la pena recordar. Tanto se hablaba de la gente que va a los conciertos a hablar en lugar de a atender a la música, que 
No siempre nos hemos adaptado a las nuevas tecnologías, y menos mal. «JENESAISPOP llega tarde a la noticia moderna» fue un meme durante años. Hay quien nos aseguró que nos teníamos que gastar 10.000 euros en una APP o adaptación específica para iPad porque ese iba a ser el futuro. Nadie podía adivinar que el tráfico tablet se estancaría en el 10% pero el de móvil se dispararía al 70% u 80%. 
