Nicky Jam presenta su nuevo disco ‘Íntimo’ en El Hormiguero: ¿veremos perrear a Pablo Motos?

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29 octubre, 2019

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De manera bastante sorprendente, el escocés Lewis Capaldi se ha alzado como nuevo número 1 de la lista de singles de Estados Unidos, el Hot 100 de Billboard, con su baladón ‘Someone You Loved‘, ese que ya coronó la lista de singles de su país durante 11 semanas. Y resulta inesperado por varios motivos. El primero es que los artistas británicos tienen escaso predicamento en EEUU desde que el hip hop y el R&B dominan casi sin rival sus charts.

Hay que remontarse dos años para encontrar al último británico en alcanzar este top. Fue Ed Sheeran con ‘Perfect’… y Beyoncé, una colaboradora necesaria. A inicios de ese año, 2017, el pelirrojo copaba el Hot 100 de Billboard con ‘Shape of You’ durante 12 semanas, eso sí. Un logro que parece poco probable para Capaldi. Teniendo en cuenta el tirón de lo nuevo de Selena Gomez, parece que seguirá más bien los pasos de Zayn, que alcanzó lo más alto del top con ‘Pillowtalk’ en febrero de 2016, cuando Adele y ‘Hello’, que ocupaban esa posición desde unos meses antes, se tomaron un respiro de una semana.

El otro motivo para la sorpresa es que el éxito de Capaldi se ha dado a fuego lento (tu mirada): 24 semanas le ha llevado coronar la lista desde la primera vez que entró en ella, allá por el mes de abril. No es un record, puesto que a Lonestar –no confundir con Lone Star, iconos del pop 60s de nuestro país– les llevó 31 semanas ser número 1 con la balada ‘Amazed‘ en 2000. Parece, eso sí, que esta cadencia lenta es cosa de baladas: el último precedente de un éxito tan tardío en USA es de ‘All of Me’ de John Legend, al que llevó 30 semanas llegar al top 1 en 2014.

Aunque ha culminado ahora, el asalto de este joven artistas de Edimburgo al mercado norteamericano comenzó la pasada primavera, con la salida de su debut ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent‘. En junio hacía su primera aparición televisiva en EEUU, en el popular late-night de Stephen Colbert, acompañado de un piano y un cuarteto de cuerda. Y días después lo hacía en el programa de su compatriota James Corden con esta misma canción, regresando a mediados de agosto para interpretar ‘Bruises’.

Aunque más decisivo parece el nuevo vídeo lanzado a finales de agosto, esta vez protagonizado por él (a diferencia del original), y quizá por ello más emotivo. La cosa es que en un par de meses ya supera los 43 millones de visitas, mientras que el que lanzó el febrero cuenta con unos meritorios 72. ¿Lo superará? Pero, si hay un signo claro de que Capaldi y Universal han ido a por el mercado yanqui, es esta sesión de fotos que se hizo cuando llegó al top 3. No cabe duda de que el sentido del humor, como mostró su resistencia ante las embestidas sin piedad de Noel Gallagher, es su gran baza.

La Canción del Día: Vicente Navarro encuentra la belleza de lo popular con ‘Un llanto’

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29 octubre, 2019

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Cuando charlábamos hace unas semanas con Fuerza nueva, Niño de Elche, Jota y Florente coincidían en algo: lo mejor que se está haciendo en el panorama alternativo de nuestro país actualmente es lo que se basa en el folclore. Es una sentencia que encaja perfectamente con lo que pensamos de Vicente Navarro, un artista (también actor) que nos ha sorprendido este año con la imaginación y belleza de ‘Casi Tierra‘, un debut en el que elementos de canción de autor, folclore y sonidos contemporáneos van de la mano para conformar un trabajo bellísimo, tan sólido como emotivo.

Hoy en JENESAISPOP estrenamos el vídeo oficial de ‘Un llanto’, uno de sus temas, que ejemplifica a la perfección ese equilibrio que caracteriza a este trabajo: partiendo de una guitarra solemne que bien podrían servir de introducción a Los Panchos, Vicente comienza a desgranar una melodía que bebe de la tradición castellana, con una mandolina haciendo el contrapunto mientras una caja de ritmos siseante se apega a nuestros días. En su recta final, los coros doblados del propio Navarro suenan como un eco fantasmal, al estilo de la obra post-Third Eye Foundation de Matt Elliott.

El clip dirigido por Luis De La Corte supone una evocadora traslación a imágenes del espíritu de la canción. Filmado en una pequeña población de la Mancha («Gracias al pueblo de Fontanarejo de los Montes y sus gentes, que son las mías», dicen los créditos del vídeo), ‘Un llanto’ retrata esa belleza que hay en lo popular y que, con insistencia, ha sido y es despreciada por una sociedad cada vez más concentrada en ciudades impersonales. Procesiones, festejos, el ocio diario y hasta el trabajo en el campo pueden contener lirismo si se miran con aprecio, tal y como hacen De La Corte y Navarro: «(…) a través de la mirada de sus gentes, se puede apreciar la belleza de los pueblos pero también la tristeza más profunda que forma parte de algunas personas, consecuencia de una tradición a veces demasiado severa». En ese sentido es la letra de la canción la que despliega la tristeza hacia una relación fallida, marcada por la rigidez y la necesidad de menospreciar a quien se supone que debemos amar incondicionalmente… hasta que, superado el miedo, la situación se da la vuelta.

Recientemente, Vicente Navarro ha entrado a formar parte de un nuevo sello independiente fundado en Madrid, El Tragaluz («Trabajamos en el desarrollo de artistas, con mucho amor y respeto por la música. No creemos en las modas», dice su lema). Este organiza una fiesta de presentación el próximo día 26 de noviembre en la sala Intruso Bar de Madrid. Allí –junto a Karmento, otro fichaje del sello– estará Vicente tocando algunos de los temas de ‘Casi Tierra’.

‘Jesus Is King’ de Kanye West triunfa en EE UU y en streaming, pero no convence a la crítica

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28 octubre, 2019

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‘Jesus Is King‘ puede mejorar las buenas cifras que el anterior disco de Kanye West, ‘ye’, conseguía en Estados Unidos. Como informa Hits Daily Double, si su álbum del año pasado vendía 208.000 unidades en la primera semana, este aspira a vender lo equivalente a entre 225.000 y 275.000 unidades, asegurando otro top 1 para Kanye West. Todo ello pese a que las ventas reales del álbum en verdad se situarán entre las 60.000 y las 85.000 copias estos 7 días en su país.

El resto serán puntos de streaming, pero es que los streamings son muy altos. La totalidad del álbum ‘Jesus Is King’ ha estado en el top 20 de Spotify Estados Unidos, destacando la buenísima aceptación de ‘Follow God’, que lleva 3 días siendo la canción más escuchada de este país. También la acogida es notable en todo el mundo: las 11 canciones del álbum aparecen en el top 50 global de Spotify, destacando los buenos números de Canadá, Australia o Reino Unido, donde ‘Jesus Is King’ es top 4 en las «midweeks». Como curiosidad, España no está entre los países que más mima al artista, y lo máximo que ha logrado ‘Follow God’ es llegar al top 147 en Spotify España.

La crítica está, por el contrario, dando la espalda claramente a Kanye West y ‘Jesus Is King’ está teniendo las peores críticas de su vida, marcando de momento tan solo un 5 sobre 10 en Metacritic. Aunque el disco ha gustado en NME, Mondosonoro o The New York Times, The Guardian o Variety han suspendido el álbum apuntando al “desastre lírico” o a la “falta de canciones completamente construidas”. Consequence of Sound ha ido más allá puntuando el disco con una F (lo equivalente a un CERO), indicando que el disco es “impersonal, repetitivo y aburrido”, «una acumulación de clichés y de ideas a medio terminar». Puedes recordar nuestra crítica, en la que puntuamos ‘Jesus Is King’ con un 6,5, aquí.

La segunda vida de Rick Astley

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28 octubre, 2019

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Rick Astley es número 2 en las midweeks británicas con su nuevo recopilatorio ‘The Best of Me’, que presentará de nuevo mediante una gira que recorrerá Reino Unido, Australia o Japón. Aunque el número 1 parece que se le va a escapar a manos de Stereophonics, que también tienen un público muy fiel en Reino Unido, es loable que Rick Astley vaya a alcanzar esta posición en una semana en la que hay novedades tan jugosas como lo nuevo de Kanye West o tan potentes en este país como el nuevo disco de James Blunt.

En verdad, el cantante está disfrutando de una buena segunda vida, desde que su regreso de 2016 fuera número 1 en las islas británicas y recibiera nada menos que un disco de platino como si siguiéramos en 1988. Aquel disco llamado ’50’ gustó mucho principalmente por la buena acogida del medio tiempo ‘Angels On My Side’. ‘Beautiful Life’ también tuvo su disco de plata en 2018, alcanzando el puesto 6 y parece que ahora el cantante volverá a recuperar terreno con ’The Best of Me’.

Puede que no muchos adivinaran que Rick Astley mantendría una popularidad similar a la de Madonna en Reino Unido, pero lo ha conseguido dedicándose al público adulto, consciente de que han pasado 30 años desde que publicara sus grandes éxitos, ‘Never Gonna Give You Up’ y ‘Together Forever’. En el single inédito que abre ‘The Best of Me’, que recibe el nombre de ‘Every One of Us’, se dirige a esa parte del respetable que ha cumplido años con él, pues estamos ante un tema que podría haber firmado Adele, y por tanto BBC 2, la emisora de radio líder entre el público mayor, ha sido acogido con entusiasmo, sonando hasta la saciedad (está en la lista A, a diferencia de los últimos sencillos de Bruce Springsteen o Westlife).

‘The Best of Me’ incluye también algunas nuevas versiones de sus hits, además de los hits originales. La reducción a piano de ‘Never Gonna Give You Up’, que es otro de los nuevos singles, demuestra lo buena que era la melodía de Stock Aitken Waterman por si alguien lo dudaba; y además Rick Astley ha terminado resultando una persona capaz de dar entrevistas interesantes y divertidas como la que nos concedió hace un par de años, en las que entiende como imprescindible reírse de sí mismo. «Es todo muy colorido y brillante», respondía por ejemplo cuando le preguntábamos por qué todos los artistas de los 80 terminaban actuando en el Orgullo Gay.

‘Little Britain’ vuelve pero no como soñabas

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28 octubre, 2019

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‘Little Britain’ está considerada una de las mejores comedias británicas de la historia por su parodia de la sociedad, su guión ácido, sus personajes tan incómodos de ver en la pequeña pantalla y gags políticamente incorrectos absolutamente delirantes.

La serie de Matt Lucas y David Walliams tuvo varias temporadas y varios especiales, pero después no ha vuelto. Al fin esta semana habrá un episodio especial con motivo del Brexit. Eso sí, no será visual, sino simplemente un programa de radio que se emitirá en una de las emisoras de la BBC. ‘Little Brexit’ -que así se llamará- volverá de esta manera a los orígenes de ‘Little Britain’, pues en verdad el proyecto comenzó como un programa de radio.

La emisión especial tendrá lugar el 31 de octubre, que es cuando estaba previsto que Reino Unido abandonara Europa obedeciendo el resultado del referéndum celebrado en 2016. Sin embargo, una nueva prórroga ha sido concedida y finalmente será el 31 de enero cuando tenga lugar esta salida. En cuanto a ‘Little Brexit’, la BBC adelanta que volverán personajes tan ilustres como Vicky Pollard, el gay que presume de ser el único gay de su pueblo, Lou y Andy, Marjorie Dawes junto a su grupo de obesos y Emily Howard, entre otros. Esperemos que alguien se apiade de los no bilingües y suba el resultado convenientemente subtitulado a Youtube.

Katy Perry, Thom Yorke, Jenny Hval, J Balvin y Bad Bunny entran en el top 40 de JNSP

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28 octubre, 2019

Lana del Rey acaba con el imperio Amaia y al fin una canción que no es de esta llega a ser número 1 de JENESAISPOP este otoño. Se trata de ‘The Greatest’, una de las grandes composiciones de su último álbum por mucho que no haya sido precisamente la mejor acogida. Katy Perry protagoniza la entrada más fuerte de la semana, directa al top 10 con la notable ‘Harleys in Hawaii’, mientras en posiciones más modestas entran también los temas de J Balvin y Bad Bunny, Thom Yorke y Jenny Hval. Esta semana nos despedimos de ‘Motivation’ de Normani, ya en la mitad baja de la lista con 10 semanas de permanencia. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	4	3	9	The Greatest	Lana del Rey	Vota
2	10	2	21	Aute Cuture	Rosalía	Vota
3	8	1	65	Pienso en tu mirá	Rosalía	Vota
4	13	2	30	bad guy	Billie Eilish	Vota
5	2	1	12	Quedará en nuestra mente	Amaia	Vota
6	7	3	16	Milionària	Rosalía	Vota
7	3	1	25	El relámpago	Amaia	Vota
8	6	1	17	God Control	Madonna	Vota
9	1	2	5	Quiero que vengas	Amaia	Vota
10	–	10	1	Harleys In Hawaii	Katy Perry	Vota
11	9	3	11	Looking for America	Lana del Rey	Vota
12	20	1	22	Crave	Madonna, Swae Lee	Vota
13	21	13	2	White Mercedes	Charli XCX	Vota
14	14	2	6	Really don’t like u	Tove Lo, Kylie Minogue	Vota
15	23	15	2	Lights Up	Harry Styles	Vota
16	16	6	7	¿Qué?	La Bien Querida	Vota
17	11	4	5	Cola de pez	Miss Caffeina, La Casa Azul, Javiera Mena	Vota
18	15	6	10	Lover	Taylor Swift	Vota
19	26	16	7	Violence	Grimes, i_o	Vota
20	24	13	4	Me envenenas	La Bien Querida	Vota
21	19	15	7	Slide Away	Miley Cyrus	Vota
22	28	22	7	all the good girls go to hell	Billie Eilish	Vota
23	17	17	3	Want You In My Room	Carly Rae Jepsen	Vota
24	27	24	3	All Mirrors	Angel Olsen	Vota
25	12	6	3	Un boomerang	Fangoria	Vota
26	35	21	5	Vas hablando mal de mí	Los Punsetes	Vota
27	22	10	10	Motivation	Normani	Vota
28	18	3	6	Dreamland	Pet Shop Boys, Years and Years	Vota
–	La Canción	J Balvin, Bad Bunny	Vota
30	32	13	7	Barrio	Mahmood	Vota
31	29	14	8	Heavenly	Cigarettes After Sex	Vota
32	31	31	6	A Boy Is a Gun	Tyler the Creator	Vota
33	34	20	3	You’re No Good	Chromatics	Vota
34	25	20	5	Nuestro tiempo	Amaral	Vota
35	5	5	3	Haunted Heart	Christina Aguilera	Vota
36	36	36	2	Huir	El Columpio Asesino	Vota
37	33	33	2	Canción para los obreros de SEAT	Fuerza nueva	Vota
38	–	38	1	Dawn Chorus	Thom Yorke	Vota
39	–	39	1	Ashes to Ashes	Jenny Hval	Vota
40	39	34	4	Boy Band	Manel	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	So Hot You’re Hurting My Feelings	Caroline Polachek	Vota
–	Things I Do	Andy Shauf	Vota
–	Dame bien	Mala Rodríguez, Guaynaa, Big Freedia	Vota
–	Orphans	Coldplay	Vota
–	Alocao	Omar Montes, Bad Gyal	Vota
–	ease your mind	joan	Vota
–	Lose You to Love Me	Selena Gomez	Vota
–	No puedo dormir	Soleá Morente, Las Negris	Vota
–	Follow GOMZ	GOMZ	Vota
–	Crimson Tide	Destroyer	Vota
–	The Runner	Foals	Vota
–	Look at Her Now	Selena Gomez	Vota
–	¿Cómo te va, querida?	Rels B, Don Patricio	Vota
–	Going Norway	Girl Band	Vota
–	Carta (en Madrid)	Silvana Estrada	Vota
–	It Might Be Time	Tame Impala	Vota

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Tame Impala estrenan ‘It Might Be Time’ y excluyen ‘Patience’ de su próximo disco

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28 octubre, 2019

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Tras una serie de pistas que han incluido la portada de su nuevo álbum, finalmente Tame Impala nos dejan escuchar nueva música. La continuación de ‘Currents’ (2015) saldrá el Día de los Enamorados, esto es, el 14 de febrero de 2020, recibiendo el nombre, como sabíamos, de ‘The Slow Rush’.

Como decíamos, el grupo de Kevin Parker, que ha grabado, producido y mezclado el disco por sí mismo, estrena hoy un tema llamado ‘It Might Be Time’ dominado por los teclados y la psicodelia. Esta nueva canción suena a medio camino entre la inmediatez de sus mejores temas y cierto grado de abstracción, recordando a la arisca deriva artística de MGMT o Phoenix. El grupo además sorprende revelando, aunque aún no tenemos acceso al tracklist del álbum, que uno de los dos adelantos que conocimos, ‘Patience’, no estará en el álbum.

Sí lo estará el otro, ‘Borderline’, que ha tenido una acogida bastante mejor en las plataformas de streaming, acumulando más reproducciones pese a haber salido semanas después. Curioso, pues si bien diferente, ‘Patience’, que de hecho fue interpretada en Saturday Night Live, tampoco difiere tanto, artísticamente, de lo que escuchamos hoy en ‘It Might Be Time’. ¿De verdad que nadie se las imagina en el mismo álbum? Habrá que esperar a que la banda ofrezca entrevistas para comprender el porqué de esta decisión.

No te pierdas… la poesía visual de ‘My Love Is Like The Rain’, el regreso de Låpsley

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28 octubre, 2019

Tres años y medio le ha llevado a Låpsley reaparecer artísticamente. Es el tiempo que ha pasado desde que publicó su primer álbum, un muy buen ‘Long Way Home‘ no demasiado alejado del pop con influjos de soul y experimentación de James Blake. Desde entonces no había vuelto a publicar nada hasta este viernes, cuando avanzó su regreso: por el momento será un EP titulado ‘My Elements‘ que verá la luz en XL Recordings (Adele, The xx) el próximo 22 de noviembre. [Foto: Alexandra Waespi.]

En un texto manuscrito publicado en sus redes hace pocos días, Holly Lapsley Fletcher explica que, tras dos años en los que desapareció por su «bienestar mental», ha aprendido a «amar a la mujer en la que se ha convertido» –recordemos que cuando publicó su debut apenas tenía 19 años–. Llegada a ese punto, supo que era el momento de volver al estudio, donde dice que ha traspasado sus límites como compositora y productora, «explorando nuevos sonidos electrónicos y ampliando su paleta de influencias». Y lo cierto es que algo de eso muestra en ‘My Love Is Like The Rain’, adelanto del citado disco de cuatro canciones que avanzó el pasado viernes.

Lo cierto es que no es una canción tan inmediata desde el punto de vista melódico como ‘Hurt Me‘ o ‘Falling Short’, sus hits personales. Pero a cambio, como ella dice, muestra una riqueza sonora mucho mayor, tanto en su base rítmica como en los teclados que envuelven su sinuosa melodía vocal. Una canción que, dice, «habla sobre aceptar los elementos que me hacen humana e individual; tanto los negativos como los positivos. La belleza en la oscuridad y la luz. Abrazar la contradicción».

En ese sentido, la traslación a imágenes que ha hecho la realizadora Camille Summers-Valli es perfecta, puesto que logra encontrar la belleza en momentos tan terribles como un suicidio o un accidente de tráfico, salpicadas de poéticas coreografías en una piscina –la natación, cuenta Fletcher, ha sido una de sus vías de escape en estos años– y en un club. Allí aparece la propia Låpsley, sudando eufórica junto a una recua de jóvenes. Y allí, también, vemos a una niña que muy probablemente la representa a sí misma, a la inocencia que, pese a los sinsabores de la industria musical, conserva.

Pablo Alborán sorprende anunciando la colaboración de Ava Max en su nuevo single, ‘Tabú’

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28 octubre, 2019

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A esta hora hay un montón de oyentes de Cadena Dial descubriendo quién es Ava Max. ¿Que por qué? La culpa la tiene Pablo Alborán: según ha anunciado hace unos momentos en su perfil de Twitter, la artista norteamericana Ava Max hace un featuring en el nuevo single del malagueño, ‘Tabú’. Un lanzamiento que ha anunciado este fin de semana de manera bastante intrigante, casi como un juego: el viernes publicaba un vídeo en sus redes sociales explicando que había «soñado una cosa brutal» que iría contando poco a poco.

Sorpresa: era un truco. Poco después publicaba el enlace a una web llamada «PA-Tabú» en la que han ido apareciendo a lo largo del fin de semana distintos personajes de su sueño con una estética de cómic de aventuras: la «matriarca» y el «patriarca», un «consejero», la «corte», el «novio»… hasta que hoy lunes ha desvelado que la «novia» no es otra que la intérprete del hit global ‘Sweet But Psycho‘. Esta daba una pista anoche en su cuenta de Twitter, al anunciar una «colaboración realmente guay en un par de semanas», preguntando luego en español «Estáis listo?» (sic). Un mensaje que ahora sabemos por qué retuiteaba Alborán. Este publicaba hace unos minutos un mensaje con una imagen de Ava que dice: «He tenido otro flashback del sueño… Esta vez recuerdo una mujer rubia que me intrigaba, es más…. @AvaMax, creo que eras tú». Y se ha liado.

‘Tabú’ se publica el 6 de noviembre –miércoles de la próxima semana–, justo cuando la artista de Wisconsin visita España para participar en la gala de los MTV EMAs que se celebran en Sevilla. Allí, además de optar al premio a la Mejor artista revelación (lo tiene chungo: compite contra Billie Eilish, Lizzo o Lil Nas X), compartirá escenario con Rosalía, Halsey, Becky G o Green Day, imaginamos que presentando su último single ‘Torn‘ –con algo más que ecos de ABBA–. En cuanto al Pablo Alborán, ¿significa esto que el cantautor se lanzará al pop electrónico? Lo cierto es que, si bien ‘Prometo‘ ya contenía algún intento de modernización en su sonido, terminaba siendo el disco de canción melódica con aires folclóricos que acostumbra a hacer.

😈 #TABÚ pic.twitter.com/3LXZH8ywr1

— Pablo Alborán (@pabloalboran) October 25, 2019

Como os conté esta mañana, he tenido un sueño muy real en el que aparecía una misteriosa mujer#Tabú https://t.co/svgl0ijH6E

— Pablo Alborán (@pabloalboran) October 25, 2019

Como seguía el sueño….? pic.twitter.com/D1Uk9MrcYa

— Pablo Alborán (@pabloalboran) October 27, 2019

I do have a really cool feature coming out in a couple weeks… can you guess who it’s with? 🌎 Estás listo?

— AVA MAX 🔮 (@AvaMax) October 28, 2019

He tenido otro flashback del sueño… Esta vez recuerdo una mujer rubia que me intrigaba, es más….
@AvaMax, creo que eras tú. #Tabú

I had another flashback about my dream. This time I remember a blond girl that intrigued me…
moreover @AvaMax, I think it was you.#Tabú pic.twitter.com/QkzZZZuacb

— Pablo Alborán (@pabloalboran) October 28, 2019

Kanye West / Jesus Is King

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28 octubre, 2019

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‘The College Dropout’, ‘Late Registration’, ‘Graduation’, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’, ‘Yeezus’… Kanye West tiene un número completamente inusual de obras maestras para un solo artista. De alguna manera es comprensible que se lo tenga tan creído y que se haya visto tantas veces a sí mismo por encima del bien y del mal. Ni evitando sus incómodas entrevistas te librarás de alardes de su ego y en una de las canciones de su nuevo disco se proclama «el mejor artista vivo o muerto». Siempre volvemos a perdonar un agravio suyo porque es él, el que ha logrado que te guste el hip-hop aunque no te gustara el hip-hop, el que tantas veces ha sabido renovarse, el autor capaz de construir maravillas tan dispares como ‘All of the Light’ o ‘I Am a God’. Como sucede por ejemplo con Björk, da igual que lo haga sea bueno o malo, siempre será interesante escuchar lo que tiene que decir musicalmente, porque siempre será más relevante que el 99,99% de la música ahí fuera. Aunque sea un disco tan irregular como este que acaba de sacar, después de numerosos retrasos.

‘Jesus Is King’ es el álbum en el que Kanye West rechaza las redes sociales, especialmente Instagram -como si no pudiera soportar que él no sea el único en quererse demasiado a sí mismo-, y abraza definitivamente a Dios. Pese a lo peligroso que resulta asociar sus creencias religiosas con sus problemas mentales, que le llevaron no hace tanto a ser ingresado y cancelar una gira (ya se oyen decir cosas tan inadecuadas como que por hacer un disco religioso se le ha ido la olla ya totalmente), lo seguro es que no es un álbum a la altura de su fe. Falto de cuerpo y claramente inacabado, adolece de los mismos problemas ya vistos en ‘ye‘ el año pasado, solo que en aquel álbum encontrábamos salvavidas tan destacables como ‘Yikes’ y ‘Ghost Town’, y aquí no.

Lo cual no quiere decir que el disco no sea disfrutable en muchos de sus puntos. Compuesto de canciones de 2 o 3 minutos, ‘Jesus Is King’ incluye pequeñas piezas más o menos reivindicables como ‘Selah’, una tenebrosa, estridente y magnífica producción con varias referencias bíblicas; una ‘Follow God’ que ya ha triunfado en las plataformas de streaming, pues podría haber sido incluida en cualquiera de sus dos primeros discos; una ‘On God’ que podría haber sido producida por Daft Punk; o ‘God Is’, que brilla con el sample de un tema de James Cleveland de 1979 y podría ser un bonito tema de R&B de Lauryn Hill.

El problema es precisamente ese. En esa pequeña lista de elogios son varias las referencias al pasado, cuando estamos hablando de un hombre que más bien, incluso tirando de samples, nos había hecho siempre mirar al futuro. ‘Everything We Need’ contiene la frase «soy tan radical», pero es claro que Kanye no lo está siendo en este caso en absoluto. Está bien que ‘Jesus Is King’ no sea el disco de góspel clásico que habría cabido esperar de alguien como Chance the Rapper o Whitney Houston, pero tampoco es que pueda ser una obra demasiado singular cuando en sus momentos más clásicos nos hace pensar en ‘Late Registration’, en sus momentos más locos nos hace pensar en ‘Yeezus’, y en sus momentos más electrónicos nos hace pensar en ‘Graduation’. ¿Por qué no ha desarrollado más el precioso contraste entre folk y electrónica de ‘Closed on Sunday’, que parece una canción de 1968 maravillosamente traída a nuestro tiempo, gracias a sus coros tratados y a ese hipnótico teclado?

Ni Ant Clemons en ‘Water’ (en la que por lo menos alguien le ha dicho que quite la tontería de que «somos 90% agua» oída en directo, pues no es cierto); ni el saxo de Kenny G en ‘Use the Gospel’, ni Ty Dolla $ign en la entretenida ‘Everything We Need’, ni las otras decenas y decenas de colaboradores que se han pasado por ‘Jesus Is King’ consiguen que esto sea algo más que simplemente el disco religioso de Kanye West, pues para los estándares del artista es hasta modesto. Y en verdad, ni siquiera es un álbum que pueda pincharse en misa, pues el corte sería inmediato tras su ramplona intro llamada ‘Every Hour’, en la que Kanye ni siquiera aparece, no se sabe si para bien o para mal. Nada en la música de este artista debería dejar así de indiferente.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Closed on Sunday’, ‘Selah’, ‘Follow God’, ‘On God’, ‘God Is’
Si te gustará: si aún estabas escuchando ‘ye’ en bucle

Parcels volverán en 2020 a Vida Festival como cabezas de cartel

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28 octubre, 2019

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Parcels se convirtieron en un pequeño fenómeno mundial el pasado año con la publicación de su notable debut homónimo, un disco que muchos llevábamos esperando algún tiempo. Una posición que se ganaron con una fantástica colección de singles de pop-funk con french touch y, también, gracias a unos directos que consiguen hacer venirse arriba hasta al más reticente. Por ejemplo, recordamos uno abriendo el escenario principal de Vida Festival 2017 que sorprendió a muchos y, sin duda, contribuyó a erigir al joven grupo australiano radicado en Berlín como una apuesta segura para este tipo de eventos.

Por eso no nos sorprende nada que el mismo festival, radicado en Vilanova i la Geltrú, les anuncie ahora a bombo y platillo como primeros cabezas de cartel de su edición 2020, que se celebrará entre los días 2 y 4 de julio en la Masia d’En Cabanyes, como ya es habitual. Las diferentes modalidades de abonos del festival (con camping o bungalow, packs familiares, etc.) se han puesto ya a la venta a través de Ticketmaster.

‘Parcels’ fue uno de los mejores álbumes de 2018 para la redacción de JENESAISPOP. Un disco elegante y adictivo que claramente ha hecho ganarse un espacio propio al grupo. En los últimos días el grupo ha anunciado en redes sociales que da por cerrada esa era, y se encuentra de vacaciones para reflexionar y planear su regreso «con nueva música» el año que viene. Quién sabe si para cuando llegue su visita en Vida Festival será con un nuevo trabajo discográfico bajo el brazo.

10 nombres imprescindibles en el cartel de BIME 2019

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28 octubre, 2019

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Un año más celebramos la llegada de BIME 2019, la rama otoñal del Bilbao BBK Live que se desarrolla a lo largo de toda esta semana en Bilbao, con BIME Pro –numerosas charlas interesantes sobre la industria musical, y que este año cuentan como gran estrella con Mathew Knowles, reputado mánager de estrellas y padre de Beyoncé y Solange–, BIME Tech –feria centrada en la producción de espectáculos musicales y música en directo– y BIME City –conciertos gratuitos en salas de la ciudad, con nombres como El Columpio Asesino, BeGun o Hickeys, entre otros– como ejes paralelos. Ejes que confluyen con el fin de fiesta que supone BIME Live!, actuaciones celebradas los días 1 y 2 de noviembre en el moderno BEC! de Barakaldo.

Con ese epicentro, se concentra en dos días una amplia y variada oferta musical con nombres de gran altura, que se diversifican además con la oferta paralela de GAUA –el escenario de electrónica, que acoge a nombres de la altura de Daphni (alias hedonista de Dan Snaith de Caribou), Helena Hauff o Pional, entre otros– y GOXO –centrado en la escena urban, hip hop y reggaeton, que cuenta con Kaydy Cain, King DouDou o Coucou Chloe como grandes reclamos–. Pero en este especial nos centramos en esos grandes nombres que hacen del cartel de BIME –con un cambio de última hora: Enric Montefusco sustituye a Phantogram, que han cancelado su gira europea por motivos personales– una de las ofertas más impresionantes, concentrada en dos días, de la escena festivalera estatal.

Amaia

Que sea una debutante que acaba de estrenar su primer álbum –el notable ‘Pero no pasa nada‘– no quita que la pamplonesa sea uno de los grandes reclamos de público para BIME Live!. Su popularidad como ganadora de OT 2017 ha sido su plataforma de lanzamiento, pero ella ha sabido medir bien los tiempos y entregar un disco que la represente, a la medida de su enorme talento interpretativo. Ya había mostrado su valía como cantante en el programa y fuera de él, pero ahora también presume de una banda bien empastada y a su medida, en la que encontramos a otros jóvenes talentos como Núria Graham a la guitarra y coros.

Brittany Howard

Si Howard ya había destacado como una auténtica fuerza de la naturaleza como vocalista y guitarrista de Alabama Shakes, con ‘Jaime‘, su debut en solitario, se ha confirmado también como una audaz compositora que infiltra producciones atípicas en el soul clásico. Si canciones como ‘History Repeats’ o ‘Stay High’ suponen ya una rica experiencia en su versión de estudio, su directo promete dejar pasmados a muchos.

The Divine Comedy

Neil Hannon es una rara avis en el panorama británico que, tras verse aupado circunstancialmente por el huracán brit pop, ha sabido conservar su capacidad para sorprender sin traicionarse a sí mismo, siempre enfundado en su papel de anti-crooner pop, inteligente y amable. Presenta ‘Office Politics‘, un magnífico álbum que gira sobre la idiosincrasia laboral, con un espectáculo que, nos explicaba hace días, es de los más complejos y dinámicos de su trayectoria. La cosa promete.

Floating Points

Tras años ganándose una reputación como productor y remixer, el británico Sam Shepherd se convirtió casi de la noche a la mañana en una estrella de la electrónica mundial gracias a ‘Elaenia’. Un álbum debut apasionante que equilibraba paisajismo, experimentación jazzy y bailabilidad que le ha tenido girando alrededor del mundo, sin apenas tiempo para terminar un nuevo álbum. Este por fin ha llegado hace un par de semanas: ‘Crush’, adelantado con la maravillosa ‘Last Bloom’, es su segundo largo, que presentará con un live en BIME 2019.

Foals

El cuarteto de Oxford se ha erigido en el único grupo de aquella explosión post-punk-funk de la pasada década que se ha consolidado como «banda de estadio». Y lo ha logrado gracias a grandes discos como ‘Total Life Forever’, sí, pero sobre todo gracias a unos directos en los que sacan partido a su enorme magnetismo, enardeciendo al público. Hasta el punto que sus dos nuevos discos de este año, ambos bajo el título de ‘Everything Not Saved Will Be Lost‘, parecen destinados a explotar en sus conciertos.

Jamiroquai

Aunque no lo pareciera, Jamiroquai han sabido conservar una sólida base de fans a lo largo de unos años en los que Jay Kay se alejó de la música para dedicarse a su familia. Pese a que su espalda ya no le permite las contorsiones de antaño, sí conserva el carisma y la voz suficientes como para que sus conciertos sigan agotando sus entradas, convirtiéndose en verdaderas celebraciones de pop-funky-jazz. Y no solo viven de sus hits de siempre, sino también de algunos de los temas de su regreso de 2017, ‘Automaton‘, como ‘Cloud 9’ o el tema titular del disco.

Kraftwerk

El mito –y en su caso esta palabra no está soltada a la ligera– de la música electrónica es, a pocos meses de cumplir 50 años de carrera, uno de los principales reclamos no ya del BIME, sino de cualquier escenario del mundo que pisen. Su ya conocido espectáculo ‘3D-The Catalogue‘, en el que repasan toda su trayectoria con unos visuales realmente increíbles, ha revitalizado una propuesta clásica que como tal debería ser enseñada en cada escuela del mundo.

Mark Lanegan

Tras un hiato de 8 años tras ‘Bubblegum’ (2004), en el que el vocalista de Screaming Trees se dedicó sobre todo a colaboraciones con Greg Dulli (The Gutter Twins, The Twilight Singers), Isobel Campbell (publicó dos discos a dúo con la ex-Belle and Sebastian) o Soulsavers, Mark Lanegan se ha explayado en esta década: desde 2012 ha publicado cinco álbumes en solitario en los que ha hecho bandera de su particular visión del rock y el blues norteamericano más oscuro. El último de ellos, ‘Somebody’s Knocking‘, ha visto la luz hace apenas un par de semanas, mostrando una insospechada querencia hacia el electropop (!) y el after punk.

Michael Kiwanuka

Barakaldo será el primer lugar en el que actúe Michael Kiwanuka apenas horas después de que su esperado tercer trabajo de estudio ‘KIWANUKA’ vea la luz este viernes. Casi cuatro años después del exitoso y alabado ‘Love & Hate‘, un maravilloso disco de canción soul con arreglos excelsos, el británico parece querer ampliar en él su paleta de sonidos con más funk, fuzz y psicodelia, como muestran sus singles ‘You Ain’t The Problem‘ o ‘Hero’.

Roísín Murphy

Que la ex-Moloko no vive el mejor momento comercial de su carrera es evidente. Pero eso no parece afectar a su espíritu indómito y libre: después de publicar el raruno ‘Take Her Up to Monto’ (2016), se resiste a lanzar un álbum como tal y, a cambio, apuesta por el otrora exitoso formato maxi-single, lanzando hasta cuatro de ellos el pasado año en los que persigue su propio camino a través del house y el funk más experimental. Este año ha seguido en la misma línea, lanzando la extensa ‘Incapable‘ junto a Crooked Man como single.

Miqui Brightside: «En la música de los dibujos animados, hay auténticas joyas en clips de 20 y 30 segundos»

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28 octubre, 2019

Su paso por salas como Razzmatazz o Dabadaba y festivales como el FIB o Dcode, ha convertido a Miqui Brightside en uno de los productores de electrónica más importantes de nuestro país. Así lo certifican canciones como ‘Home’ y la espectacular ‘Burning Bridges’, cuyo vídeo estrenábamos hace unos meses, o la playlist que realiza cada mes con sus temas favoritos. El artista madrileño es nuestro nuevo invitado en “Meister of the Week” y su elección ha sido hablarnos de las bandas sonoras de dibujos animados.

¿Por qué has escogido hablar de dibujos animados en esta sección?
Siendo sincero, me llamó mucho la atención la cantidad de temas que se tratan en esta sección, pero me decanté por las bandas sonoras de los dibujos animados porque no es solo algo que ha evolucionado en el tiempo, como la música en sí, sino porque hay auténticas joyas en clips de 20/30 segundos que claramente no funcionarían como un tema en un disco, pero sí como un tema en dibujos animados.

Nos comentabas que te llamaba la atención cómo en ‘Hora de Aventuras’ hay muchas partes con 8bit. ¿Puedes mostrarnos algunos ejemplos que estén entre tus favoritos?
Uf, algunos son pocos para mí jajajaja pero aquí van:
La cosa de «Hora de Aventuras» es que de la mínima parte del guión suelen sacar un tema (primer vídeo). Otros temas son solo baterías 8bit (segundo vídeo). Y aunque no sea 8bit, el tercer vídeo es mi eternamente canción favorita con el «globo sonido».

Una de las series que mencionabas era ‘La pajarería de Transilvania’. ¿Cómo la descubriste y cómo la recuerdas?
La «Pajarería de Transilvania» es un clásico olvidado. La descubrí porque estaba en el bloque de animación de por la tarde, ese que coincidía con la merienda. No sabría decir muy bien qué tenía pero recuerdo que la intro era en inglés y aun así tenía algo que enganchaba. Es gracioso porque me aprendí la letra de esa canción antes de saber cualquier otro idioma, luego suspendía las clases de inglés pero oye, todo ok.

¿Qué opinas de esas voces infantiles que oíamos en intros como la de Calimero? ¿Qué tienen esos agudos para resultar tan irritantes a algunos oídos?
Eso es muy loco, de verdad. He tenido que chequear que me acordaba de cómo era la canción tras leer esta pregunta y no entiendo en qué momento se hizo una canción tan satánica y mal masterizada. Sobre todo porque la versión original en francés de «Calimero y Sus Amigos» me parece una joya, me casaría con este tema:

¿En general hablabas de estas sintonías en castellano o a través de las versiones originales? Es algo que ya se había visto en los 80 con Heidi, Candy, Candy… el tema de las traducciones…
Generaciones como la mía y las pasadas han estado ligadas a lo que la televisión quería poner. Si era la intro traducida nos la teníamos que tragar de la misma manera que si fuera la intro sin traducir. Ahora tenemos la capacidad de elegir en qué idioma lo vemos y a pesar de que veo la gran mayoría de contenido digital en versión original, el tema de los dibujos animados sigue teniendo algo que traducido, me gusta. Lo admito, sí.

La de Digimon era más rockera, es muy 90’s en muchos sentidos. ¿Crees que la música de los dibujos va adaptándose a los tiempos?
Vamos, sin lugar a dudas. Más allá de la adaptación temporal está la adaptación de estilos. Antes una intro tenía que ser algo simplemente pegadizo y en lo que se hiciera referencia directa al personaje protagonista en sí. Ahora hay temas con más profundidad como el de ‘Bojack Horseman’. Incluso otros como ‘Paradise PD’ o ‘Desencanto’ en los que claramente hay una referencia a intros antiguas pero sin necesidad de añadir ningún tipo de vocal, solo centrándose en lo instrumental.

¿Crees que este tipo de composiciones están infravaloradas y solo son apreciadas como parte de la nostalgia?
Mmmmmmmm puede ser. A ver, es cierto que la nostalgia rescata una inmensa cantidad de música y jingles que están escondidos en rincones de la memoria y que, seguramente, nos parezcan mejores a las personajes que tenemos un vínculo emocional con ellos. Igualmente, hay otros que son pequeñas joyas objetivamente hablando, como por ejemplo:

¿Cómo crees que han evolucionado las sintonías de los dibujos animados con el paso del tiempo?
Creo que se ha ampliado, y mucho. El hecho de que los dibujos animados ya tengan una historia hace que melodías como la de la intro de ‘Rick y Morty’ permitan hacer un guiño a películas y series policiacas antiguas o incluso a intros de otros dibujos como los de ‘Tintín’. O directamente tener otras melodías completamente originales como la de ‘Gravity Falls’, por ejemplo.

¿Alguna que te haya gustado en los últimos años?
No sabría decirte ahora mismo una en específico. Pero, a pesar de que no sean sintonías de dibujos en sí, descubrí hace tiempo algo llamado ‘Simpsonswave’; un estilo de música hecho por un grupo de productores a partir de las escenas más melancólicas de ‘Los Simpsons’. La verdad es que tuvo su tirón y los beats me gustaron mucho, un claro ejemplo es este:

O este:

¿Alguna palabra sobre coproducciones españolas de los 80, como ‘La vuelta al mundo de Willy Fog’, o francesas, como ‘El inspector Gadget’? ¿Crees que en España se han hecho cosas interesantes al respecto?
Pues siendo sincero, nunca fui muy fan de ‘La Vuelta al Mundo de Willy Fog’, como que nunca vi el momento en el que fuera a completar esa vuelta al mundo, desistí antes de lo que desistí con ‘Lost’. El ‘Inspector Gadget’ sí que estaba entre mis dibujos principales.

¿De qué manera ha influido en tu carrera directa o indirectamente todo esto? ¿Ves también que haya influido a artistas de primera fila tipo Todd Terje?
Buena pregunta, la verdad. Creo que influye de manera indirecta tanto en mí como en artistas como Todd Terje como mencionas o seguramente como Flying Lotus, quien admitió estar muy inspirado no solo por videojuegos de su infancia sino también por dibujos animados. La cosa es que inconscientemente algunas melodías que reconoces como aquellas que escuchaste en tu infancia, te transmiten algo bueno y te aportan una «buena nostalgia» por así decirlo. Es por eso por lo que produciendo llegas a una melodía que, aunque no seas consciente, te produce esa sensación. Porque de alguna manera está ligada a lo que escuchabas en tu infancia. Quién sabe, quizá algún día tenga oportunidad de hacer una intro de dibujos yo :)

La Canción del Día: GOMZ empieza de cero con un single irresistible

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28 octubre, 2019

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GOMZ es el proyecto de Raúl Gómez, que quizá te suene por su participación en el talent show ‘Número 1’, o porque apareció en la exitosa edición de finales de 2017 de Operación Triunfo como compositor de ‘Tu canción‘. Alfred y Amaia terminaron llevando este tema como pareja a Eurovisión el año pasado, pero ‘Follow GOMZ’, pese a su feo título, representa un gran punto de partida para el joven cantante.

Curtido en el conservatorio (toca el violín y el piano y compone desde niño), GOMZ escoge en esta canción que bien podría llamarse más bien «Otra vez, otra vez» una producción electrónica en sintonía con el trabajo en solitario de Jamie xx o el The Weeknd más pop (básicamente el producido por Daft Punk). También disfrutable por los seguidores del C. Tangana más bailable, y en sintonía con las producciones internacionales de Abraham Mateo, este tema habla de sí mismo, de fama y de su carrera («Yo soy lo que ves, voy sin armas / Nadie me corta las alas»), pero es la típica canción en la que prima sobre todo su optimista melodía. Tanto que es casi imposible atender a su mensaje.

Si en esta mimada composición en la que incluso emergen vientos y cuerdas a última hora encontramos los improbables créditos de Maria Rodés, en el EP que saldrá en 2020 participarán Pional, Josh Grimmett y Garabatto. El pasado jueves GOMZ realizó su presentación en directo para prensa, influencers y amigos, y pese a lo accidentado de la parte técnica (su micro iba y venía, negándose a funcionar), GOMZ lo dio todo en solitario, ofreciendo un equilibrado set de canciones bailables y baladas, cuidando especialmente la iluminación y la puesta en escena, con referencias a su primer videoclip.

Justin Bieber asegura que publicará un álbum antes de Navidad… si se da una condición

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28 octubre, 2019

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Aproximándonos cada vez más al fin de la temporada musical 2019, en los últimos años se ha hecho casi habitual que algún artista publique un álbum no anunciado, revolucionando el cotarro. Y, mientras tenemos la mosca detrás de la oreja con Frank Ocean, Rihanna y, quizá, Adele, parece que uno que podría tener (al menos) un disco a punto de publicar es… Justin Bieber. Así se deduce de un post de Instagram que ha publicado y que está dando mucho que hablar.

Esta madrugada el canadiense ha publicado este mensaje de texto en una imagen: «Si esto [en referencia al post] obtiene 20 millones de likes, Justin Bieber publicará un álbum antes de Navidad». Tal cual. En el texto que acompaña la imagen, pide a sus seguidores que lo compartan, le den que like o lo suban a sus stories, porque quiere ver la «demanda» potencial a su oferta. Incluso aunque este trabajo no esté terminado al 100%, según se deduce de sus palabras: «Casi he terminado, pero vuestro apoyo me hará ir más rápido». En unas 9 horas supera ya los 5 millones de likes. Así que, lo sorprendente sería que no los superara.

En un semiretiro artístico desde hace muchos meses –con apariciones muy puntuales– a causa de una depresión, hace pocos días Bieber volvía a ocupar titulares. Sucedía al ser referenciado, con poco disimulo, en la letra del nuevo single de su ex-pareja Selena Gomez, ‘Lose You To Love Me‘. En una entrevista, Gomez ha confirmado que la letra habla efectivamente de su relación con él, y también revela que Justin la ha llamado para decirle que ha escuchado la canción y visto el vídeo, que es bonita… pero que fue duro para él.

Omar Montes y Bad Gyal arrasan y serán número 1 directo en España con ‘Alocao’

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27 octubre, 2019

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Acogida espectacular para el tema colaborativo entre Omar Montes y Bad Gyal. ‘Alocao’, la canción que han hecho juntos, ha sido número 1 directo en Spotify España, sumando 600.000 streamings solo dentro de nuestro país durante el primer día, el pasado viernes. Mejor aún, ayer sábado la canción mejoraba sus números, llegando hasta los 635.743 reproducciones, manteniéndose en la cima de la lista de lo más escuchado en España.

‘Alocao’ desplazará, por tanto, a ‘China’ del número 1 en nuestro país, representando el primer top 1 tanto para Omar Montes como para Bad Gyal, que de momento había logrado una gran aceptación con «sleepers» como ‘Fiebre’ y con ‘Santa María’, que había sido top 14 en España. Los streamings de ‘Alocao’ son tan sumamente altos que el tema ha aparecido en el puesto 187 a nivel global en Spotify, pese a no haber tenido una repercusión reseñable fuera de nuestro país.

La propia artista buscaba explícitamente el éxito con esta colaboración, como nos había dicho durante una entrevista, en la que revelaba que ha hecho otra canción con Omar Montes que puede salir o no: «Esto es un hit de reggaetón. Como Juan Magan, para eso me metí en ese tema, coño, para reventarlo. Yo quiero disco de platino con este tema. Yo quiero todo con este tema, tengo ambición. El otro tema con Omar es más especial, más dancehall, es más mi rollo. Pero sacamos este primero porque le veíamos potencial de hit de reggaetón, de sangría, de borrachera, de discoteca. A mí me flipa eso, no voy a negar que me encanta eso, he crecido con eso. Me decían en otra entrevista que nosequién había dicho que “a todo se le llama urbana y es pachanga”. Pues sí, panchanga, ¿y qué pasa? Pachanguera hasta la muerte y haré pachanga si me sale del mismísimo, ¿sabes? Sí, es una pachanga, es un tema pachanguero, hit, comercialillo, pero a mí me flipa. Está superbién hecho para mí». Bad Gyal puede respirar tranquila, pues ‘Alocao’ pinta muy claramente a multiplatino.

Las claves visuales de los vídeos de Amaia, FKA twigs, La Bien Querida, Aldous Harding y Los Punsetes

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Joric

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27 octubre, 2019

El cuento medieval de Amaia, la dualidad de FKA twigs, el fantasma japonés de La Bien Querida, el extraño mundo de Aldous Harding y el talent show que protagonizan Los Punsetes. Zarandeamos las imágenes de los videoclips más destacados de las últimas semanas y recogemos sus referentes estéticos y narrativos.

Quiero que vengas (Amaia)

Entre la relectura historicista de la Edad Media elaborada por prerrafaelitas y simbolistas, y un mercado medieval en Olite. Así podríamos definir la iconografía que aparece en el nuevo videoclip de Amaia. Narrado con una sonrisa cómplice, como la que exhibe la cantante al final del vídeo, ‘Quiero que vengas’ comienza como un sencillo romance de ambiente medievalista. Para ilustrarlo, la pareja de directores Santi G. Barros y Gabriel Pout utilizan varias estampas cuyas composiciones remiten a conocidas obras pictóricas: la sensual ‘El columpio’ (Jean-Honoré Fragonard), la insinuante ‘Hylas y las ninfas’ (John William Waterhouse), la tenebrista ‘Cena de Emaus’ (Caravaggio), la siniestra ‘La isla de los muertos’ (Arnold Böcklin)… Conforme avanza la trama, esta se va volviendo más oscura, hasta desembocar en un sangriento final basado en el mito de Judith y Holofernes. La escena de la decapitación también tiene su propia rima pictórica, en este caso los cuadros que sobre este tema pintaron Caravaggio y una de sus seguidoras, Artemisia Gentileschi. El enigmático final, con la mencionada sonrisa, intensifican la sensación de estar viendo un juguetón cuento de amor y muerte.

‘Home With You’ (FKA twigs)

Desde los tiempos de ‘Ache’, FKA twigs se ha involucrado en la realización de sus propios videoclips. ‘Home With You’ es el decimotercero que dirige. El vídeo está dividido en dos partes muy diferenciadas, en sintonía con la estructura de la canción. La cantante articula la narración por medio de un choque de opuestos: formatos (cuadrado y panorámico), encuadres (primeros planos y generales), ritmo de las imágenes (más ralentizadas en la primera parte), escenarios (urbano y rural), fotografía (nocturna y diurna), vestuario (colorido y barroco, blanco y sencillo), y hasta el parche que lleva en un ojo (negro y elegante, y una simple tirita). Un juego dialéctico en el que sobresale un aspecto: el baile, las coreografías. Del lúbrico y voluptuoso perreo de la discoteca londinense, donde el acercamiento a los cuerpos de los bailarines enfatiza su carácter hedonista, a la danza ritualizada de la segunda parte, cuyas imágenes, sutilmente deformadas como en ‘Midsommar’ (2019), unido a la aparición de elementos como el tercer ojo de los hesicastas, acentúan su naturaleza espiritual y simbólica.

‘Me envenenas’ (La Bien Querida)

El exitazo de ‘The Ring’ en 1998 tuvo dos consecuencias: 1) la formación de una burbuja de terror japonés que explotó tras una década de imitaciones, secuelas y anodinos remakes hollywoodienses, y 2) la popularización en todo el mundo de la figura del Onryo, el fantasma vengativo del folclore nipón. El director Carlos Vermut (‘Quién te cantará’, ‘Magical Girl’), reconocido fan de la cultura popular japonesa, hace su particular homenaje a este espectro en el videoclip ‘Me envenenas’. Vermut utiliza una caligrafía visual de inspiración documental, con textura noventera, para narrar una historia de soledad y alienación urbana en la que se cuela un elemento fantástico. La (fantasmagórica) cabellera que aparece en el árbol le sirve a la protagonista para liberarse de su corsé social y, como la “funcionaria asesina” que cantaba Alaska (“de noche soy otra mujer…”), transformarse en la “oficinista fantasma”. La mujer se pasea por las calles de Shinjuku bebiendo, fumando e interactuando con los transeúntes, mezclándose realidad y ficción como en las primeras películas de Sacha Baron Cohen.

Zoo Eyes (Aldous Harding)

Aldous Harding continúa divirtiéndose con sus disfraces. Tras su bailecito zumbón (tra)vestida de colono puritano en ‘The Barrel’, la cantante neozelandesa regresa con otro vídeo donde su apariencia no deja indiferente a nadie. Realizado en formato 4:3, para estrechar el campo de visión y focalizarlo en las figuras, ‘Zoo Eyes’ presenta a la cantante caracterizada como la Muerte y a varios personajes deambulando por los montes neozelandeses: un espectro que se asemeja a una mezcla entre mujer con burka y fantasma a lo ‘A Ghost Story’ (2017), un monstruo inspirado en los kukeri búlgaros que popularizó la película alemana ‘Toni Erdmann’ (2016), y a la propia Harding ataviada como una siniestra Pierrot que parece recién salida de un casting (fallido) de ‘It’ (2017). Los tres personajes avanzan por un entorno natural que se va transformando en surrealista conforme van apareciendo elementos extraños (una mujer con un cordero en brazos, un objeto dando vueltas en el vacío). La profusión de planos cenitales refuerzan aún más la impresión de estar transitando por un paisaje onírico.

‘Vas hablando mal de mí’ (Los Punsetes)

Los videoclips que escenifican talent shows, ya sea como recurso dramático o para parodiarlos, parecen estar de moda en España. Tras ‘Milionária’, de Rosalía, y ‘Quedará en nuestra mente’, de Amaia Romero, llegan Los Punsetes con ‘Vas hablando mal de mí’. Dirigido por Nacho Vigalondo, autor de otros clips como ‘Te lo digo a ti’ (Vetusta Morla) o ‘Planilandia’ (Lori Meyers), el vídeo presenta la grabación de un concurso de talentos, Revelación o Timo, en el que los miembros de la banda interpretan al jurado. Vigalondo realiza una parodia que funciona en dos niveles: estilístico y narrativo. Desde un punto de vista formal, el director utiliza una iluminación oscura, unos decorados cutres, una tipografía viejuna y un sonido deficiente como forma de enfatizar lo añejo de este tipo de concursos. En cuanto al contenido, el vídeo muestra un catálogo de variopintas actuaciones que le permite a Vigalondo organizar un desfile de cameos (con el “mago” Pedro Ruíz como punto álgido), y hacer unos cuantos guiños al cine y la televisión del pasado: los cubos de sangre a lo ‘Carrie’ (1976), la actuación del hombre comiendo callos a la manera Tony Leblanc y la manzana, la figura siniestra de los antaño popularísimos ventrílocuos…

Habanera y ansiolíticos, el remedio contra la falta de sueño y el desamor de Soleá Morente

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27 octubre, 2019

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Hace unos días podíamos escuchar en la radio el nuevo single de Soleá Morente. Un ‘No puedo dormir‘ que supone el avance de ‘Lo que te falta‘, tercer trabajo en solitario de la hija mediana del cantaor Enrique Morente que supondrá su primer lanzamiento como parte de la ecléctica pero selecta familia Elefant Records. Como todo el disco, esta canción está producida por David Rodríguez, el hombre tras La Estrella de David y el sonido de, hasta el reciente ‘Brujería’, toda la carrera de La Bien Querida. Precisamente Ana Fernández Villaverde, como Jota de Los Planetas, se cuentan entre los invitados de este disco. [Foto: Raquel Calvo.]

Según explica Elefant, ‘No puedo dormir’ marca el tono que tendrá el álbum, sensiblemente distinto al del magnífico ‘Ole Lorelei‘. Si aquel hacía confluir cierta oscuridad con flamenco (jondo y ligero) y nuevos lenguajes musicales, este trabajo promete una vuelta a sus raíces, «esta vez a golpe de rumba y alegrías» («con sintetizadores, sí», apostilla). El mismo texto promocional pone énfasis en sus letras, «una traducción del cante jondo a los tiempos que vivimos (recordemos que Soleá es licenciada en Filología Hispánica) hecha con inspiración, alegría y un delicioso toque de ironía».

Imaginamos que se refiere a ripios simpaticones, como ese en el que rompe el esquema general de versos con hechuras clásicas que sostiene la canción introduciendo un elemento contemporáneo como el Lexatin, la popular marca de bromazepam, ansiolítico por excelencia. Todo ello le sirve a Soleá para tejer un doloroso canto de desamor, con versos tan bonitos, en su desesperación, como «Y a la luna tiro piedras / Y al sol dorado jazmines / A mi moreno cadenas / De amor pa que no me olvide» o «Cuatro velas encendías / Y meterme en un convento / Necesito yo en mi vida / Pa olvidar lo que te quiero», que bien podría haber cantado su padre.

Es un buen soporte lírico para una composición preciosa, una habanera –folclore marinero que en los últimos tiempos apenas había sido recuperado por Sílvia Pérez Cruz– cantada con gusto y dulzura, engalanada por espectaculares arreglos de cuerda de David Rodríguez, al más puro estilo de Labienque. Por si no fuera bastante, Morente perpetra un inesperado giro rumbero en su final, enfatizando por los coros y jaleos de Las Negris –hay que recordar su aportación a ‘El mal querer’–, que da un subidón de energía combinado por esos alegres/dolientes «Ole ole por quererte / Estoy pasando yo en mi casa / las fatigas de la muerte», rematados por un divertido «Ay ay ay ay, si sigo así de mal / Voy a acabar en el hospital». Las hermanas Heredia, de hecho, no pierden la ocasión de presentarse en el vídeo oficial del tema, una pieza de Santi Capuz que, como el tema, da un giro visual tras una primera parte en la que Soleá es una insomne alma pena.

Angel Olsen / All Mirrors

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Mireia Pería

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27 octubre, 2019

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Comparar ‘All Mirrors’ con el ‘Norman Fucking Rockwell’ de Lana del Rey puede ser un ejercicio de crítica perezosa. Pero tras las escuchas de ambos discos, percibo un espíritu común; ambas son obras de gran ambición; ambas son obras que reivindican la vigencia de las sonoridades clásicas y ambas son obras totales.

Esto, que lo que veía muy claro en el disco de Lana, me ha costado más descubrirlo en el último de Angel Olsen. Porque, a pesar de su apariencia clásica, ‘All Mirrors’ no provoca un enganche instantáneo, característica que sí que tenía ‘My Woman’. No hay un ‘Shut Up Kiss Me’, no hay temas que se te peguen inmediatamente. A primer vistazo, tienes la sensación, incómoda, de que el álbum está bien, pero que carece de temas señeros a los que asirse. Sensación errónea, afortunadamente. A medida que transcurren las escuchas, compruebas que sí que los hay. Simplemente, Olsen prima la atmósfera por encima de las canciones individuales. ‘All Mirrors’ es un disco que requiere complicidad, no una playlist de lujo. Como Lana, Olsen necesita, quiere, que la escuchemos de cabo a rabo. Que nos sentemos y que degustemos su gran álbum de música atemporal. Con la complicidad de Ben Babbitt (que co-escribe la música de algunas piezas), Olsen recoge toda la tradición de la gran canción americana de los años 20-40: Cole Porter, George Gershwin, Irving Berlin. Como ellos, logra compaginar el glamour y el sentimentalismo con bastante de ironía. Estas composiciones próximas al musical clásico contienen también mucho regusto del trip hop de los 90’s, en esa cualidad cinematográfica, envolvente, y melodramática que recuperaban Portishead o los Massive Attack de ‘Blue Lines’.

El segundo gran escollo a la hora de apreciar el disco en toda su amplitud es una cuestión más de gusto y percepción personal. Y esa es la producción de la voz de Angel: está por debajo de los instrumentos. Su voz suena lo-fi, en contraposición a lo lujoso de los arreglos. Pero, una vez más, lo que parece un defecto es al final otra decisión artística que otorga a todo el disco una cualidad onírica que perdería en alta fidelidad. No sólo eso; que la voz suene tan empastada dentro de los instrumentos trata de recuperar el esplendor en mono de Phil Spector.

Todo al servicio de unas canciones sobre el desamor, su padecimiento… Pero también sobre la liberación que este desamor supone. ‘Lark’ abre de manera fastuosa, desde su fraseo arrastrado a la explosión en cámara lenta que se va desarrollando, columpiándose sobre profusos arreglos orquestales, para regalarnos seis minutazos de altibajos emocionales. ‘All Mirrors’ recoge el espíritu de Angelo Badalamenti, regado de techno pop elegante, en el que destaca su final escalofriante; voz y arreglos se saturan y nos retrotraen a la Björk noventera más barroca. Aquí Angel usa la metáfora de los espejos que reflejan infinitamente una imagen,para expresar cómo va repitiendo los esquemas dañinos del pasado. La intensidad se rebaja en la dulce y retro ‘Too Easy’ y en ‘New Love Casette; su riff de bajo sintético y esa manera de cantar dulcemente displicente de Olsen le otorgan a un aire chulesco pero satinado, rematado por la fanfarria orquestal que irrumpe inopinadamente. En ‘Spring’ Olsen recoge la esencia del folk psicodélico, en su estructura, en la melodía e incluso en la narrativa. Este regusto tan 60’s presenta en ‘What It Is’ su versión más country, con dramáticos destellos de cuerdas y platillos irrumpiendo, todo con un aire trotón, mientras Angel parece llegarnos a través de una vieja radio de galena.

Pero es en el tramo final donde ‘All Mirrors’ entra en modo imperial. Primero con ‘Tonight’, baladón en que Angel canta con las hechuras de Beth Gibbons, mientras suntuosos y sensibles arreglos la cubren y la batería a escobillas le da una pátina jazz. Y la canción se crece y crece, y Angel parece menos intérprete; despojada de cualquier coartada estética se derrumba, se hace vulnerable y ofrece la que puede ser su interpretación más memorable. Y lo más reseñable de ‘Tonight’ es que, a pesar de esa apariencia desconsolada, no lo está. Olsen celebra la ruptura con el amante como camino de liberación y reencuentro con ella misma. Tras este alud emocional, ‘Summer’ supone un cambio radical. Aquí hay querencia por Kate Bush: el timbre particularmente agudo, la percusión aventurera y brumosa recuerda fuertemente a ‘Hounds of Love’ (el disco). Caprichosa, la vena ochentera se esfuma en la sedosa, nocturnísima y ronroneante ‘Endgame’; su desenlace a base de trompeta y piano desafinado es avasallador. Y, para cerrar, ‘Chance’, un tema que, extrañamente, retrotrae a las canciones de Stephin Merritt tratando de ser Irvin Gershwin, con Olsen recitando hacia el final a lo gran intérprete de Broadway.

‘All Mirrors’ es brillante, apasionado e irónico. Pleno de referencias y, a la vez, terriblemente personal. Porque Angel Olsen juega con nuestras percepciones y prejuicios. Usa su voz, su aspecto aparentemente desamparado y el formato de torch song, para crear una obra de absoluta reafirmación. No es un lamento por el amor perdido; es un grito de júbilo por la individualidad recuperada.

Calificación: 8,5/10
Si te gusta: Lana del Rey, Kate Bush, las canciones de Porter, Gershwin y Berlin.
Lo mejor: ‘Lark’, ‘All Mirrors’, ‘Spring’, ‘Tonight’, ‘Summer’, ‘Endgame’

Kanye West ofrece en ‘Selah’ un góspel oscuro, nada clásico ni edificante

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26 octubre, 2019

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Kanye West no lo sabe, pero «¡queremos ir a misa! ¡queremos ir a misa!» ha sido uno de los mejores memes de las últimas semanas en España. Grabado originalmente a las puertas del Valle de los Caídos cuando la Guardia Civil trataba de impedir muy a duras penas que una seguidora y un seguidor de Franco se colaran cuando la basílica ya estaba cerrada para la exhumación del dictador, tuvo una especie de segunda parte cuando otros feligreses se reunieron allí mismo para entonar un cántico casi inédito este siglo: «¡libertad de culto! ¡libertad de culto!».

Kanye no es que quiera ir a misa y esté reivindicando la libertad de culto frente a los que critican la posible homofobia de ‘Closed on Sunday’ (por su reivindicación de una cadena de comida rápida que resultó anti-LGTB+), sino que lleva todo el año ofreciendo dicho servicio de manera itinerante a los estadounidenses. Corría el día 6 de enero cuando comenzaban esos servicios de misa / conciertos y, como resultado, ‘Jesus Is King’ es un disco de góspel de contenido religioso en el que Kanye West habla de la Biblia, de cómo la religión ha salvado su vida cuando provenía de una fuerte crisis de salud mental provocada por su bipolaridad, y contiene frases como «reza por mí», «abraza a tu hermano cuando pierda su fe» o «Jesús es nuestro salvador». Así durante 27 minutos.

Con el avance de VOX y una persona con tan poco don de gentes como Trump gobernando en Estados Unidos, el cristianismo no vive su momento más empático para frustración del Papa Francisco, pero es difícil imaginar a según qué feligreses escuchando canciones como ‘Selah’. La letra de este nuevo tema de Kanye West sí es edificante, con frases como “incluso cuando morimos, nos levantamos”, y sus referencias al Arca de Noé, a Abraham, al Evangelio según San Juan o al Evangelio según San Lucas; pero esto no es sino una producción 100% propia del último Kanye.

Aunque sea en contraste con la intro de góspel buenrollista que encontramos en este álbum, esta melodía resulta oscura y siniestra, el órgano es por supuesto tremebundo, el grito de los «Hallelujah» da más miedo que el prior Cantera, la percusión seca nos lleva al día del juicio final más que al cielo, y lo último que oímos tras el segundo verso de West no son otra cosa que unos ladridos como extraídos del genial ‘Yeezus’. «Selah» es una palabra en hebreo usada en la Biblia, de difícil traducción, que para Kanye significa «mirar atrás y reflexionar», y que también puede, como «amén», servir de pausa en medio de un salmo o canción, también para la reflexión. Por suerte, en estos dos minutos de «reflexión», hay más confusión y libre interpretación que propaganda: es difícil dilucidar lo que pasa por la cabeza de este artista, pero al menos hay que agradecer que incluso con un disco de góspel bajo el brazo, las sensaciones creadas sean así de inquietantes.

Las mejores canciones del mes:

‘Mónica y el sexo’, cada vez más relegado en el late-night, anota mínimo de audiencia

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26 octubre, 2019

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‘Mónica y el sexo’, el programa de Mónica Naranjo que tanto ha gustado en nuestra redacción, cada vez encuentra peor ubicación en la parrilla de Cuatro, pese a ser esta a su vez la cara B de Telecinco. Son varios los medios que han comentado su cada vez más tardía hora de arranque. Según Vertele, ya no es que el docushow comience a la medianoche de un viernes, sino que de hecho anoche arrancó a las 0.46 horas, marcando mínimo histórico.

Tan solo 239.000 espectadores (un 3,6% de la audiencia) vieron el programa, muy lejos de las 628.000 personas que vieron el piloto, suponiendo un 7,4% de share, superior a la audiencia media de Cuatro. Desde entonces, la gente no ha dejado de fallar semana a semana, mientras varios usuarios se quejaban en la red de su pésimo horario de emisión.

En los próximos días publicaremos una charla con el equipo del programa: Miguel Bosch, realizador y codirector, y Ana Joven, guionista y directora. Nuestro colaborador Sergio del Amo nos avanza que en esta entrevista hecha hace unos días, hablaron sobre el horario del programa, invitando a consumirlo online. Ana decía: “a nivel de programación no hemos entrado porque la parrilla la han organizado ellos (…) Evidentemente nos vería más gente estando en prime time, pero ahí sí es verdad que donde hay patrón, no manda marinero (…) El viernes no me parece mal día porque sí es verdad que mucha gente se queda en casa, aunque mucha otra se va de parranda. Nosotros entre ellos. De todos modos, al día siguiente ya puede verse en streaming”. Coincidía Miguel: «Varias veces nos dijeron que el contenido es delicado para la tele y que podría causar problemas (…) Al venir de internet, los contenidos realmente los consumo por esa vía. El simple hecho de que se emita en televisión ya es un lograzo para nosotros”.

Próximamente publicaremos el resto de la entrevista. Mientras, os recordamos que quedan dos programas de ‘Mónica y el sexo’, que se emitirán aparentemente los días 8 y 15 de noviembre al ser el viernes que viene festivo.

¿Van a volver a triunfar Coldplay muy merecidamente o tienen una flor en el culo?

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JNSP

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26 octubre, 2019

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Parte de la redacción evalúa los dos primeros adelantos del nuevo disco doble que esta semana han anunciado Coldplay, ‘Everyday Life‘. Se publica el próximo 22 de noviembre.

«Aunque mi primera impresión fue que este ‘Everyday Life’ podría ser un poco heredero del mejunje buenrollista y blandurrio ~~‘Mixoxoloco’~~ ‘Mylo Xyloto’, la verdad es que esta vez el apropiacionismo (acusaciones en 3, 2…) del folclore centroafricano que perpetran tanto en ‘Orphans’ como en ‘Arabesque’ no está nada mal. La primera disimula un poco más esas influencias, innegables en unos coros que suenan tan tribales como explosivos –combinados, eso sí, con unos «uuu-uuh»s que evocan los de ‘Sympathy for the Devil’– y que pueden lograr lo que parece impensable hoy en día para U2: lograr un hit. Pero de las dos mi favorita es ‘Arabesque’. Y no solo porque hayan tenido el buen gusto de reunir en una sola canción al casi desaparecido (por voluntad propia) Stromae y a Fela Kuti –sampleando frases suyas del documental ‘Music Is The Weapon‘, significativo título–, además de a su hijo y heredero musical Femi Kuti (y también a un hijo de este), con unos metales maravillosos, enraizados en la tradición nigeriana (ejecutados junto al grupo de Femi, The Positive Force). Sino también por su construcción, en la que esos vientos se desenvuelven sinuosos sobre el acústico ritmo marcial que impone el grupo –con una alucinante línea de bajo de Guy Berryman– hasta la abrumadora explosión final. Y, además, por el espíritu de su letra, que llama la atención sobre las similitudes que unen a las distintas etnias y religiones del mundo, a ponerlas por encima de las diferencias que nos separan. Así, sí». Raúl Guillén.

«Las comparaciones con U2 que desde años se les viene haciendo a Chris Martin y compañía, junto a las derivas de sus últimos discos, especialmente ‘A Head Full of Dreams‘, no tienen mucho sentido en ‘Orphans’. Más cercano a propuestas de M83 o hasta de fun. (¿os acordáis de fun.?) que de Bono, y más cercanos a una combinación de ‘Mylo Xyloto’ con ‘Viva la Vida’, ‘Orphans’ es un tema sin muchas pretensiones y con algo que hacía tiempo que no encontrábamos en el grupo. Porque tiene esas dosis de buenrollismo, épica y demás con potencial de ser en el futuro otro clásico de Coldplay. Otro de esos clásicos que sacarán de quicio a quienes no soportan los tics de la banda… pero con un carácter mucho más defendible que la cosa esa con Chainsmokers o los facilones temas de su último disco. Prefiero ‘Orphans’ a ‘Arabesque’ porque la primera es lo que es y su función la cumple de maravilla. ‘Arabesque’, en cambio, parece responder a ese “material experimental” del que ellos hablaban, y desde luego no se puede decir que sea una canción “sencillita” ni desde luego hecha para sonar en radio, pero acaba siendo un corte fallido que además se hace largo. ¿Es necesaria esa duración? ¿Tienen algún sentido esos solos aparte de para decir “mirad cómo nos la sacamos”? No me queda claro. Pablo N. Tocino.

«Coldplay han arrasado en este último lustro con sus aproximaciones al EDM y con los feos singles de ‘A Head Full of Dreams’. Sin duda, tienen una flor en el culo (literalmente, porque les encanta cubrirse de flores), porque su deriva artística no puede ser más hortera. En ‘Orphans’ encontramos todos los tics que temes cuando un grupo multimillonario se acerca a África y que Madonna ha evitado con una producción bastante minimalista en ‘Madame X‘. Coldplay, que fueron minimalistas en el precioso ‘Ghost Stories‘, apuestan ahora por el «más es más» todo el rato: la canción suena grandilocuente en su carácter coral, a ello se suma lo irritante de su juego de voces, a ello se suma lo pretencioso de sus referencias a Siria, y a ello se suma lo populista en las imágenes de su vídeo, que parece un anuncio de Benetton, a la postre resultando infantil y facilonga, de nuevo, como el mecanismo de un chupete. Melódicamente como un cruce entre Dandy Warhols y Passion Pit que nadie pidió, hace sonar ‘Arabesque’ como la octava maravilla, estupenda en su sección de vientos y con su sosegado pero incansable ritmo percusivo, que lleva a un final catárquico. De momento ‘Sunrise’ pinta infinitamente mejor que ‘Sunset’, aunque sea la segunda parte la que haga mejores números». Sebas E. Alonso.

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Caroline Polachek / Pang

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