El año que viene el intermedio musical de la Super Bowl no contará con un único protagonista como The Weeknd, Lady Gaga o Katy Perry, o con un dúo de titanes como Jennifer Lopez y Shakira, o con una banda superventas como Maroon 5 o U2. El 12 de febrero serán hasta cinco artistas los que se subirán al escenario de la Super Bowl para entretener a la audiencia del macroevento deportivo más visto del año en Estados Unidos durante 15 minutos, algo que sucede solo de vez en cuando.
Kendrick Lamar, Dr. Dre, Mary J. Blige, Eminem y Snoop Dogg son los «performers» confirmados, por lo que la Super Bowl apuesta este año claramente por poner su foco en el hip-hop. De ellos, Mary J. Blige es la única que repite en el escenario de la Super Bowl, pues ya fue una de las artistas invitadas en la edición de 2001, la de Aerosmith y *NSYNC, junto a Britney Spears.
Por otro lado, la confirmación de Kendrick Lamar viene a apuntar que su esperadísimo nuevo disco, sobre el cual habló recientemente en una carta que firmó con el nombre de Oklama, saldrá ya en 2022, y Dr. Dre ha señalado que su actuación en el intermedio «introducirá la nueva saga de mi carrera».
La última actuación del intermedio de la Super Bowl, la de The Weeknd, dejó un extraño sabor de boca: el canadiense venía de arrasar con ‘Blinding Lights’ y gastó 10 millones de dólares (7 de su propio bolsillo) para financiar la actuación, pero esta quedó algo desangelada al final debido, quizá, a la falta de público, o una puesta en escena decepcionante.
Últimamente estamos oyendo hablar mucho de la “nostalgia” en el análisis político. Tenemos interesantes argumentos al respecto de Ana Iris Simón y Elizabeth Duval, pero esta semana hemos tenido también este meme y, ya sabéis, una imagen vale más que mil palabras. Iron Maiden son uno de esos grupos que siguen vendiendo a lo grande décadas después de formarse (en nuestro país llegaron cómodamente al número 1 con este nuevo lanzamiento), pero también hay una parte importante de sus fans que se lamentan porque Iron Maiden ya no hacen la misma música que antes. Y tienen razón. Algunos de sus coetáneos siguen sacando el mismo disco desde los 80, pero la banda inglesa hace ya unos cuantos años que decidió explorar cada vez más lo progresivo, y reducir la presencia de hits tan inmediatos como fueron ‘Run to the Hills’ o ‘The Number of the Beast’. Y en cada disco queda más claro, siendo este ‘Senjutsu’ otro paso más en el camino de una banda que es nostálgica, pero no mucho.
Aunque grabaron ‘Senjutsu’ en 2019, la banda lo mantuvo a buen recaudo hasta que las aguas de la pandemia empezaron a calmarse en Occidente, y es ahora cuando se ha publicado, siendo la primera vez que pasan seis años entre disco y disco de Iron Maiden (‘The Book of Souls’ salió en 2015). Para la grabación han repetido con los estudios Guillaume Tell, con la producción de Kevin Shirley y, por supuesto, con la mano de Mark Wilkinson en el arte gráfico: en esta ocasión Eddie se convierte en una especie de samurái, a juego con el título del disco y con las menciones a guerras en las letras. En cierto modo la banda, y quizás sobre todo Steve Harris, es una especie de samúrai: desde los inicios, Harris ha luchado con muchos frentes para sacar el proyecto a flote, luego para mantenerlo entre idas y venidas de sus miembros, y ahora para lidiar con los achaques de salud propios de una banda que sigue activa casi medio siglo después de su formación, siendo este ‘Senjutsu’ su 17º disco de estudio. Se dice pronto. ‘Senjutsu’ es también el primer álbum en llegar tras la mala racha sufrida por el vocalista Bruce Dickinson, que pasó por un cáncer de garganta, una rotura del tendón de Aquiles y un implante de cadera.
Precisamente al álbum que supuso el regreso de Dickinson (y del guitarrista Adrian Smith), ‘Brave New World’, es al que más nos recuerda, quitando los últimos, este ‘Senjutsu’, por su mayor cuidado de las melodías, su sentido de la épica y su empeño en mantenerla durante largas estructuras, con una estupenda labor en la creación de atmósferas. ‘Hell on Earth’ es quizás el mejor ejemplo de todas estas características, y una estupenda opción para cerrar el álbum. El tema viene además con otros dos compañeros que tampoco escatiman en duración, quedando una traca final de más de media hora para solo tres canciones (ninguna de ellas supera, eso sí, los 18 minutazos de ‘Empire of the Clouds’). ‘Death of the Celts’, la hermana pequeña durando “solo” diez minutos, llega a recordarnos a ‘Transylvania’, el maravilloso instrumental de su debut, y ‘The Parchment’ es toda una carrera de solos entre Adrian, Dave y Janick.
Pero el álbum está cuidado de principio a fin, y ya comienza a lo grande con el tema homónimo: ‘Senjutsu’, que incorpora unos tambores taiko y suena cercana a Tool, es toda una declaración de intenciones, continuando su temática en ‘Stratego’ (elegida como single a pesar de no ser lo más destacable de este trabajo). Siguen temazos como ‘Days of Future Past’, con esos riffs capaces de levantar a cualquiera; la acertadísima alianza con el rock sureño y el blues que encontramos en el lead single ‘The Writing on the Wall’, la más clásica ‘Time Machine’, una ‘Lost in a Lost World’ que nos puede hacer pensar en ‘Hallowed be the Name’, o lo más cercano a una balada, ‘Darkest Hour’, ‘Senjutsu’ muestra, pues, a unos Iron Maiden deseosos de hacer vibrar y saltar a su público en directo, pero también de llevarles de viaje por solos que se toman su tiempo y estructuras mucho más cercanas a lo progresivo. Al fin y al cabo, para explorar nuevos territorios y compartir el futuro, qué mejor compañero de viaje que un viejo amigo.
Algora prepara ya nuevo disco solo un año después del lanzamiento de ‘Un extraño entre las rosas‘. ‘Pódium’ será su disco «más introspectivo hasta la fecha», según relata El Genio Equivocado, un trabajo construido «a base de vivencias, recuerdos de su infancia y adolescencia, tratando temas como la homofobia, la incomprensión o la soledad en edades tempranas».
Los dos avances que se conocían de ‘Pódium’ hasta la fecha han sido bastantes diferentes entre sí: de la balada ‘Días de nieve’ hemos pasado a la pizpireta y burbujeante producción de ‘Luna de cazador’ y el tercero también va por otros derroteros. ‘Medalla de oro’ es el nuevo adelanto de ‘Pódium’ y hoy estrenamos en JENESAISPOP su videoclip, dirigido por Leo Merman.
El sonido de ‘Medalla de oro’ vuelve a ser electrónico y synth-pop pero, esta vez, la producción apuesta por un minimalismo evidente en el sonido. La canción reflexiona sobre el acoso escolar en una letra de versos un tanto lorquianos que hacen referencia a personajes que llevan «chándal negro y un disparo en la mirada» o a un «príncipe de periferia hambriento de sudor y hierro».
«En ‘Medalla de oro’ quise hablar de esas conductas tóxicas en las que el sistema nos educa desde el colegio», explica Algora. «Un sistema agresivo, competitivo, que humilla al vulnerable y al diferente. Ese acoso que se manifiesta de forma evidente en el patio de un instituto, se traslada luego a todos los aspectos de la vida adulta, ya de forma interiorizada, y la asumimos, por ejemplo, en nuestras relaciones sexuales. El otro es un premio, un sujeto al que someter, un simple trofeo. La eterna imagen del cazador y la presa».
El vídeo de ‘Medalla de oro’ profundiza en la imagen homoerótica que deja el último verso de la canción: «y me mordías la nunca, como cuando follan los gatos, y me quemaba la espalda tu medalla de oro». Algora y dos compañeros se desafían en mitad de un descampado y el vídeo se inspira claramente en la erótica de la vestimenta deportiva y fetish, decantándose finalmente por la reconciliación.
Måneskin han anunciado su primer single original desde que ganaran Eurovisión el pasado mes de mayo. ‘MAMMAMIA’ sale el 8 de octubre con la portada que veréis abajo de estas líneas, puro Rolling Stones.
El título de ‘MAMMAMIA’ no puede ser más italiano pero lo gracioso es que el éxito de Måneskin ha supuesto que el grupo pueda ser considerado el mayor fenómeno eurovisivo desde ABBA… autores de una canción titulada casi igual, y justo en el año en que los suecos han vuelto.
Dispuestos a seguir comiéndose el mundo, Måneskin parece que pasan página de su buen disco ‘Teatro d’ira vol. I‘ cuando su versión de ‘Beggin’ de Four Seasons continúa entre las 20 canciones más escuchadas en Spotify a nivel global (11) y su single ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ se mantiene en el 44. No hay rastro en todo el top 100 de ‘ZITTI E BUONI’, la canción con la que Måneskin proclamaron su victoria en Eurovisión.
En los últimos meses, Måneskin han seguido elevando su perfil internacional colaborando con Iggy Pop en un remix de ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’. Además, Miley Cyrus les ha versionado.
Con él llegó el escándalo. Paul Verhoeven irrumpió en el pacato Hollywood de los noventa como la protagonista de su ‘Instinto básico’ (1992): sin bragas y empuñando un picahielos. Con ‘Robocop’ (1987), ‘Desafío total’ (1990), ‘Showgirls’ (1995), ‘Starship Troopers’ (1997) o el mencionado thriller que convirtió en sex symbol a Sharon Stone, el cineasta holandés recibió todo tipo de acusaciones: sexista, ultraviolento, morboso, fascista…
Y eso que estaban avisados. ‘Delicias turcas’ (1973), el romance erótico que le lanzó a la fama (y a su protagonista, Rutger Hauer), fue nominada al Oscar a la Mejor película de habla no inglesa. Y ‘El cuarto hombre’ (1983), su último filme en Países Bajos antes de volar a Los Ángeles, estaba lleno de sexo y gore. Con el cambio de siglo, el director neerlandés regresó a Europa. Y siguió tan insobornable e irreverente como siempre: ‘El libro negro’ (2006), ‘Steekspel’ (2012), ‘Elle’ (2016).
‘Benedetta’ es su segunda producción francesa tras el exitazo de ‘Elle’. La película está basada en el ensayo de Judith C. Brown ‘Afectos vergonzosos: sor Benedetta, entre santa y lesbiana’ (Crítica, 1989), y narra la historia de Benedetta Carlini, una monja italiana que vivió en el siglo XVII y fue investigada por la Inquisición a causa de sus sospechosas visiones místicas y pecaminosas relaciones con Sor Bartolomea, otra monja del convento.
Verhoeven ha adaptado la vida de esta religiosa mezclando referentes de todo tipo, del más elevado al más prosaico. Desde la iconografía blasfema de Buñuel (las sacrílegas visiones místicas de Benedetta), el marxismo cristiano de Pasolini (el levantamiento revolucionario que protagoniza la monja) o el discurso lesbofeminista, hasta el melodrama religioso -tipo ‘La religiosa’ (1966) o ‘Agnes de Dios’ (1985)-, el esteticismo de ‘Narciso negro’ (1947), o el subgénero de la nunsploitation. De hecho, tiene gran importancia la aparición de un dildo sacrílego que recuerda a las escenas de masturbación de ‘Los demonios’ (1971) o ‘Interior de un convento’ (1978).
La mayoría son referentes pasados de moda o desprovistos de la potencia transgresora que podían tener en épocas menos laicas y relajadas moralmente que la actual. Sin embargo, Verhoeven consigue combinarlos de tal manera, con un desparpajo, socarronería y sabiduría narrativa (son más de dos horas que pasan en un suspiro), que en ningún momento parece un refrito anacrónico o una parodia posmoderna. No escandaliza, pero sorprende y divierte.
‘Benedetta’ es una gamberrada erótica y escatológica, una fábula sobre el deseo y la corrupción (moral y carnal), una fantasía pegajosa y hortera que está muy cerca temática y espiritualmente de una de las películas más infravaloradas del director: la “pestilente” ‘Los señores del acero’ (1985). Una visión terrenal, irreverente y kitsch de la vida de la mística Benedetta Carlini, que bordea gustosamente el ridículo y se acerca por momentos a lo sublime.
El sello Mushroom Pillow ha cumplido 20 años y lo celebra con una colección de 6 lanzamientos que recuerdan temas icónicos de su historia. Cada lanzamiento se compondrá de la canción original y 2 versiones de esa composición. El formato físico tendrá un empaquetado de lujo realizado por el estudio de diseño Outerview, con relieve y en una edición limitada de 500 copias en vinilo de color para cada uno de los lanzamientos.
La nota de prensa recuerda que Mushroom fue «una idea que empezó desde la nada, con la ambición de proyectar, expandir e internacionalizar el talento underground de aquí». Con este 20 aniversario han querido dar importancia a todo lo «inherente a la cultura Pop» que ha publicado a lo largo de los años. «Es la hora de que les rindamos tributo desde aquí insuflando nueva sangre en ellas y así agradeciendo a los que las crearon, a los que las hicieron crecer y a los que las disfrutaron trayéndolas hasta el presente», explican refiriéndose a esas canciones y a sus autores.
Los 6 artistas protagonistas del proyecto son The Sunday Drivers, Deluxe, Sr. Chinarro, La buena vida, Triángulo de amor Bizarro y El columpio asesino. Los artistas seleccionados para las versiones son Hinds, Rufus T. Firefly, ST. Woods, Cala Vento, Mishima, Aiko el grupo, Mikel Erentxun, Delaporte, Margarita Quebrada, La Villana y La Estrella de David.
El primer título ‘MP/510’ incluye ‘Do it’ de The Sunday Drivers, y las versiones de dicho tema de ST. Woods y Rufus T. Firefly, con tres miembros originales de The Sunday Drivers, incluido su vocalista Jero Romero.
El segundo título ‘MP/511’ cuenta con la grabación original de ‘Del Montón’ de Sr. Chinarro, y las versiones de Cala Vento y Mishima en una versión con su propia letra.
Por su parte, el tercer título ‘MP/512’ incluye ‘Toro’ de El columpio asesino, y las dos nuevas versiones de Delaporte y Aiko el grupo.
Para el cuarto título ‘MP/513’ la canción protagonista es ‘De la monarquía a la criptocracia’ de Triángulo de amor Bizarro, que ha sido revisada por Hinds y Margarita Quebrada.
En el quinto título ‘MP/514’ se han grabado dos versiones de ‘Que no’ de Deluxe, por parte de los artistas Mikel Erentxun y el ya mencionado El columpio asesino.
Y finalmente en ‘MP/515’, el sexto título, entrará la versión original de ‘Un actor mejicano’ de La buena vida, y dos nuevas grabaciones: una de Triángulo de amor Bizarro y la otra de La Villana junto a La Estrella de David.
Después de lograr el ansiado objetivo del 70% de población vacunada contra la COVID-19 el pasado 31 de agosto, Madrid y Cataluña son algunas de las comunidades que ultiman los detalles para reabrir, entre otras cosas, el ocio nocturno. Un paso más hacia la antigua normalidad dentro de lo que ya era «la nueva normalidad».
Madrid ya tiene una fecha concreta. El próximo lunes 4 de octubre se eliminarán las restricciones de aforo en bares, restaurantes, discotecas, espacios multiusos, cines, teatros y centros deportivos, que eran los últimos espacios que quedaban con restricciones. Una noticia comunicada por la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, para ‘Telecinco‘. Hasta que llegue el lunes, se sigue manteniendo el 75% del aforo en actividades deportivas en interiores, en espacios multiusos, teatros, cines y auditorios. Los detalles se comunicarán entre hoy y mañana, pues de momento no se sabe más que lo que Ayuso ha contado en Telecinco.
«Vamos a quitar todas las restricciones de aforos», declaraba en dicha entrevista: «prácticamente estamos a un paso de seguir como antes de la pandemia en una comunidad que afortunadamente ha conjugado lo más importante, que es la vida y la salud con la economía y lo que nos ha situado en una situación privilegiada», añadía. Sin embargo, según datos que ofrece el periódico ‘El País‘, desde el inicio de la desescalada en 2020 Madrid «ha sido la autonomía con las restricciones más laxas», aun encabezando la estadística de incidencia acumulada. Desde la quinta ola es «la segunda comunidad que más contagios registra», y además es una de las escasas comunidades del país en las que sube el paro según los últimos registros de agosto.
Por lo que respecta a Cataluña, otra de las comunidades más afectadas por la COVID-19, su plan pasa por regresar al horario habitual de los locales de ocio nocturno (hasta las seis de la mañana), entre otras cosas, para luchar contra los botellones de las últimas semanas. Sin embargo, al contrario que en Madrid, todavía no hay una fecha concreta para el fin de las restricciones. Además, aun cuando se lleve a cabo, el aforo seguirá siendo limitado y las mascarillas también serán obligatorias en el interior. La comunidad está a la espera de que el Tribunal Superior de Justicia en Cataluña avale su decisión. El certificado covid será su mayor herramienta para gestionar este plan, la aplicación de acceso que desarrollará el Govern servirá para verificar que la persona que desea entrar al local tiene una PCR negativa o está vacunada.
Amaia había anunciado que su nuevo single, ‘Yo invito’, salía el viernes 1 de octubre. En Instagram compartía además una imagen de ella vestida de gala y posando estirada en el suelo. Sin embargo, el vídeo ha aparecido en Youtube un día antes de tiempo, y sabemos que es una filtración porque la canción no ha aparecido a la vez en Spotify, Tidal, Amazon Music, etcétera, como es habitual en estos casos. Irónicamente, Amaia ha «agradecido» a Universal y Youtube por la filtración a través de su cuenta de Twitter. La buena noticia es que tanto vídeo como noticia han aparecido en las listas «trending» instantáneamente.
‘Yo invito’ es un medio tiempo a la guitarra eléctrica en el que emergen teclados y ciertas ambientaciones sombrías. Se trata de una canción de desamor y ruptura en la que se introducen frases 100% Amaia («la Luna está preciosa»), más en la línea de su disco que en la de ‘El encuentro’, pese a que Alizzz está etiquetado en la promoción de este tema en Instagram.
En el vídeo, Romero supera su despecho rodeada de ovejas, caminando y realizando una coreografía que se parece en ocasiones al lenguaje de signos. La coreografía es de Ariadna Monfort, mientras el vídeo lo ha dirigido Virgili Jubero, mano derecha durante mucho tiempo de Najwa Nimri.
‘Yo invito’ es el primer single en solitario de Amaia desde que ‘Pero no pasa nada‘, su álbum debut, viera la luz hace dos años. En todo este tiempo, la navarra ha triunfado con ‘El encuentro’, su bailable single con Alizzz, que suma ya más de 15 millones de reproducciones en streaming, el doble que los sencillos más escuchados de su disco, ‘Quedará en nuestra mente’ y ‘El relámpago’.
Precisamente ‘El encuentro’ ha sido un punto de partida musical en el nuevo disco de Amaia, como la artista revelaba recientemente en una entrevista con SMODA. Contaba entonces que la gente «notará un cambio» en su música cuando la escuche ya que a ella le interesan muchos tipos de música y que está «cómoda» en varios estilos. Texto: Sebas, Jordi.
Britney Spears quedará liberada de la tutela de su padre Jamie Spears tras 13 años. La juez Brenda Penny, del tribunal de Los Angeles, se ha alineado con la demanda de la artista para suspender el control ejercido por su progenitor, de quien dependía su patrimonio, de 60 millones de dólares. La juez considera que “la situación actual es insostenible” y ha nombrado a otro tutor temporal, que ha resultado John Zabel, como informa La Vanguardia.
La cantante había relatado ante un tribunal el pasado mes de junio cómo había sido vivir bajo las órdenes de su progenitor desde 2008, asegurando que la habían obligado a trabajar estando muy enferma y a tomar litio. Su abogado Mathew Rosengart ha dicho que “la pesadilla” se ha acabado y que “es un buen día para la Justicia”, como informa el diario El País.
El padre de Britney había empezado a renunciar a la tutela de la cantante, si bien pidiendo un finiquito millonario, algo que no ha sido aceptado por los abogados de ella. Ahora que Britney tiene otro tutor temporal, su abogado ha solicitado que la próxima audiencia se desarrolle dentro de un periodo de 30 a 45 días y que se investiguen las cuentas de Jamie Spears.
En la historia de la televisión ha habido presentadores casi igual de icónicos (o sin el casi) que muchas estrellas de la música, el cine o el teatro. Antonio Gasset, mítico presentador y director de ‘Días de cine‘ desde 1994 a 2007, era uno de ellos. Carismático e irreverente a la par que culto, Gasset le quitaba el hierro al asunto del cine con todo el aplomo que, a su vez, le caracterizaba. Le daba collejas al séptimo arte cuando tocaba y a menudo era su equipo de programa o él mismo quienes recibían. Horas y horas pasó buena parte de España pegada al televisor, en concreto al canal de La2, escuchando sus críticas cinéfilas o sus comentarios sobre la «tediosa actualidad cinematográfica».
Ver ‘Días de cine’ significaba, en parte, engancharse a las «paridas» que salían de la boca de Antonio Gasset. El presentador, crítico y actor ha muerto hoy a la edad de 75 años dejando atrás una huella indeleble en la televisión española. Su trabajo al frente de ese programa «dedicado a entretener a víctimas del insomnio, noctámbulos, parejas en crisis, politoxicómanos e incluso a algún aficionado al cine» será por siempre recordado por su descarado guion, que en parte era improvisado. «El humor me ha salvado de grandes catástrofes», declaró Gasset en 2006. «Esto, unido a una cierta socarronería y mala uva propias de mí, me movieron a hacer esos comentarios en el programa. Hasta que vi que le hacían gracia a la gente, y pensé: pues voy a decir una chorrada siempre que pueda. Pero siempre son espontáneas. Nunca he dedicado más de cinco minutos a pensar (entradillas). La prueba es que algunas son una sandez enorme».
Delante de la cámara de ‘Días de cine’, a la que llegó después de aparecer en varios filmes como ‘Un, dos, tres… al escondite inglés’ de Iván Zulueta o ‘Gary Cooper que estás en los cielos’ de Pilar Miró, Gasset realizaba comentarios sabios sobre cine, «uno de los grandes errores del siglo», política o sobre la vida en general. Una vez nos invitó a meditar sobre si «somos justos con los demás» o simplemente proyectamos nuestras «miserias» en los otros y deformamos «la imagen del prójimo», a lo que añadió: «hay que tener cuidado pero no os sintáis culpables, los imbéciles son siempre imbéciles proyectemos lo que proyectemos». Llegó a anunciar la llegada de «estrenos y otras depresiones», a disculparse por hablar de cine español y a reírse de su propio sueldo, tan «corto» como una «pausa publicitaria», y alentó al adulterio cuando aconsejó como entretenimiento durante los anuncios «llamar a la mujer de un amigo para pedirle sexo». También se metió con George Bush, de quien dijo que verle leer un libro solo podía ser una alucinación provocada por las drogas.
Curiosamente, la mente brillante de Gasset tenía un famoso precedente familiar, pues el presentador y crítico era nada menos que sobrino segundo del filósofo José Ortega y Gasset, pero RTVE renunció a ella cuando le despidió en 2007 durante un «expediente de regulación de empleo que incluyó a técnicos de sonido, iluminadores, productores, decoradores, administrativos y periodistas», recuerda El País. Entre quienes han recordado la figura de Gasset en las redes sociales se encuentran el director actual de ‘Días de cine’, Gerardo Sánchez, o el presidente del gobierno, Pedro Sánchez.
Alessia Cara no ha terminado de triunfar como se esperaba, pero tampoco se ha quedado en la miseria más absoluta cuando cuenta sus oyentes mensuales en Spotify en más de 17 millones. La canadiense acaba de publicar un par de videoclips muy elaborados y su nuevo disco, ‘In the Meantime’, también lo está. Entre sus productores se encuentra el mismísimo Salaam Remi, conocido por su trabajo con Amy Winehouse, y quien de hecho ha producido uno de los singles, el jazzy ‘Shapeshifter‘.
Dice Alessia que ‘Shapeshifter’ representa la parte más «sofisticada» de su nuevo álbum, pero el jazz apenas asoma en el corte siguiente, ‘Fishbowl’, de ritmo breakbeat a su vez. Esta fusión de estilos refleja el contenido de ‘In the Meantime’, un trabajo que efectivamente «cambia de forma» a cada canción, lo cual es una decisión acertada pues se compone de 18 pistas nada menos. Afortunadamente, ‘In the Meantime’ aguanta muy bien el tipo a lo largo de su duración, algo que desde luego no puede decir su compatriota Drake, y es uno de esos discos largos que logran no hacerse demasiado pesados.
Compuesto durante el confinamiento para sorpresa de nadie, ‘In the Meantime’ hace gala de la versatilidad de Alessia como vocalista. Al principio del disco, ‘Box in the Ocean’ continúa por el camino del reggae-dub explorado en ‘Ready‘ con más frescura todavía, a la vez que reflexiona sobre la fragilidad de la fama («¿qué pasa si se olvidan de mí después de todo lo que he hecho?») y, hacia el final, el pop-rock de carretera de ‘You Let Me Down’ conforma una grata sorpresa, siendo la pista 17. «Mientras tanto» Alessia deja buenos ejercicios de bossa (‘Bluebird’), neo-soul (‘Middle Ground’), disco-funk (‘Somebody Else’), pop cuqui (‘Find My Boy’) o balada clásica (‘Best Days’) y en todos ellos suena convincente y cómoda.
Autora de ‘Here‘, un himno a los inadaptados, en ‘In the Meantime’ Alessia sigue paralizada por la ansiedad (‘Voice in My Head’) o el insomnio (‘Sweet Dreams’) pero también atesora los momentos de introspección (‘Fishbowl’) y soledad (‘Apartment Song’). De hecho, Alessia aparece en la portada de ‘In the Meantime’ en el interior de una especie de «pecera», aislada del mundo, pero, aunque las producciones del disco sí son conscientes de lo que pasa allá afuera (‘Sweet Dreams’ y ‘Slow Lie’ podrían ser de Ariana Grande), sí suenan adaptadas a la personalidad tímida e introspectiva de Alessia y, por ejemplo, ‘Drama Queen’ es un mini-bop sacado de la escuela de Mattman & Robin (productores, por ejemplo, de ‘Make Me Feel‘ de Janelle Monáe) y ‘I Miss You, Don’t Call Me’ un bonito tema de pop etéreo que podrían haber cantado Troye Sivan o Lauv (ambos han colaborado).
Sin que la personalidad musical de Alessia termine de definirse en su tercer disco, quizá porque no hace falta cuando es una artista versátil que domina diversos lenguajes del pop, ‘In the Meantime’ presenta una más que solvente colección de canciones de buen pop contemporáneo, producidas con mimo. Se echan en falta momentos cumbre más definidos, pues los singles no son necesariamente de lo mejor que el disco ofrece; y la voz de Alessia merece bases de hip-hop más maduras que la de ‘Lie to Me’, que recuerda a… los Black Eyed Peas. Especialmente ‘Box in the Ocean’ vuelve a demostrar que los ambientes alucinados del dub le sientan como un guante. ¿No estará ahí el «sonido Alessia»?
El Festival de Cine de San Sebastián cerró este sábado su 69ª edición, marcada por las restricciones del COVID y por varias polémicas, pero también por una estupenda cosecha de películas. JENESAISPOP estuvo allí desde el primer día hasta el último, y te contamos cómo ha sido, y a qué películas hay que estar atentos.
El Festival se abría con ‘One Second’ de Zhang Yimou. Había mucha curiosidad después de que su espantá de la Berlinale de 2019 (justo antes de la pandemia) provocase sospechas de censura por el régimen chino. Para sumar más casualidades, en San Sebastián se llegó a suspender su rueda de prensa. La película es un regreso de Yimou a un cine más personal tras encadenar varias superproducciones de Hollywood, contiene varios dardos a la Revolución Cultural de los 60 y a la corrupción institucional, mientras nos cuenta la historia de unos personajes que, por distintas razones, consiguen encontrar rayos de luz a través del cine, aún sin pretenderlo. Justo antes de la proyección, se estrenó también ‘Rosa Rosae‘, un cortometraje de Carlos Saura que mostraba distintas imágenes sobre los niños de la Guerra Civil mientras escuchamos a Labordeta.
Pudimos ver en Sección Oficial el regreso de varios pesos pesados de nuestro cine, entre ellos la primera serie de Alejandro Amenábar: ‘La Fortuna‘, que podrá verse en Movistar desde este viernes, gustará a quienes quieran abstraerse con esta historia de historias e intrigas internacionales (también en el reparto, con Stanley Tucci y T’Nia Miller, muy en boga tras ‘Years and Years‘ y ‘Bly Manor’), pero decepcionará a quienes echan de menos al primer Amenábar tras sus últimas producciones. Daniel Monzón puede repetir el éxito en taquilla de ‘Celda 211’ y ‘El Niño’ con ‘Las leyes de la frontera‘, de la que habrás oído hablar estos días por la banda sonora de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Aunque su “cine quinqui revisited” no funcione siempre igual de bien, es de alabar su apuesta por caras menos conocidas, porque el trío protagonista formado por Marcos Ruiz, Begoña Vargas y Chechu Salgado es sin duda lo mejor de la película.
En el otro lado de la balanza (nunca mejor dicho) tenemos ‘El Buen Patrón‘, en la que vuelve a juntarse el tándem Fernando León de Aranoa y Javier Bardem, de nuevo con magníficos resultados, aunque el tono no pueda ser más distinto al de ‘Los lunes al sol’. Muchas sorpresas tiene que haber en los meses que le quedan a este año para que Javier Bardem no se lleve el Goya a mejor actor por este Blanco que es desde ya una de las grandes interpretaciones de su carrera (y mira que eso son palabras mayores). Menos acertado está el regreso de Paco Plaza tras la sensacional ‘Verónica’ (para el que esto escribe, la mejor película española de 2017). La unión con Carlos Vermut, lejos de sumar, da un resultado bastante fallido en ‘La Abuela‘, llena de buenas ideas que no terminan de funcionar. Una sensación parecida deja ‘Distancia de rescate’ de Claudia Llosa, que no obstante sorprende como apuesta de Netflix por su carácter alejado de lo manufacturado. Icíar Bollaín entrega un acercamiento correcto -en todos los sentidos- a la historia real de la víctima de ETA Maixabel Lasa en ‘Maixabel‘, con unos estupendos Blanca Portillo y Luis Tosar pero especialmente, y ojo que se viene Goya revelación, Urko Olazabal. El toque hollywoodiense de la edición lo puso Jessica Chastain, que va a por el Oscar no matter what con ‘Los Ojos de Tammy Faye‘, absolutamente diseñada para ello.
Este año había enorme expectación con las llamadas “perlas”, las películas de la sección Perlak que ya se han presentado en otros festivales, y no es para menos. El mindfuck de la primera noche con ‘Titane’ de Julia Ducournau (‘Crudo’) fue curioso: la ganadora de la Palma de Oro en Cannes es desde luego una de las películas del año, y la sensación de mal rollo constante desde esa primera escena a ritmo de The Kills es constante. La propuesta de su compatriota Céline Sciamma en ‘Petite Maman’ no puede ser más distinta: la directora de ‘Retrato de una mujer en llamas‘ usa aquí la intimidad y el minimalismo para crear una historia preciosa con dos niñas a las que te quieres comer todo el rato, y llena de detalles como es habitual en ella (ese momento del coche y los riskettos).
Desde luego quien tiene un estilo marcado es Wes Anderson, que despliega todo su arsenal en ‘The French Dispatch‘, por cuyas historias cruzadas desfilan (aguantemos la respiración) Tilda Swinton, Angelica Huston, Adrien Brody, Frances McDormand, Timothée Chalamet (la historia de estos dos es con diferencia la más lograda), Benicio del Toro, Léa Seydoux, Bill Murray, Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Jeffrey Wright, Owen Wilson, Liev Schreiber, Christoph Waltz, Cécile de France, Elisabeth Moss o Rupert Friend. Otros gigantes que pudimos ver fueron Paul Verhoeven, que vuelve a acertar con la divertidísima reflexión sobre la religión, el placer y el poder de ‘Benedetta‘, o Paolo Sorrentino, con más aciertos que equivocaciones en la “’Dolor y Gloria‘ hetero” que supone ‘Fue la mano de Dios‘, película que podría lanzar al estrellato a su protagonista Filippo Scotti (como curiosidad, en ese pase se pudo ver a C. Tangana, gran admirador del director italiano).
La principal aportación española a las Perlas fue ‘Competencia Oficial’, de Gastón Duprat y Mariano Cohn, un entretenidísimo juego meta con Penélope Cruz, Antonio Banderas y Óscar Martínez entregadísimos al mamarrachismo (para bien). Penélope se llevó la Copa Volpi de Venecia por dos interpretaciones tan distintas como son su Lola aquí y su personaje de ‘Madres paralelas’, y es bastante probable que también se lleve el Goya, dando una imagen memorable si además Bardem se lleva el otro Goya a interpretación principal. Bastante más pausado es el ritmo de las dos películas de Ryusuke Hamaguchi que pudieron verse en el Festival: la coral y más ligera ‘La rueda de la fortuna y la fantasía‘ y la aclamadísima ‘Drive my Car‘, un relato no apto para todo el mundo pero cuyas tres horas recompensan enormemente si consigues entrar en su intensidad. También están de enhorabuena los fans de Sean Baker: el director de ‘The Florida Project’ y ‘Tangerine’ vuelve a firmar otro peliculón con ‘Red Rocket‘, que empieza ya pasada de vueltas a ritmo de N’SYNC y sorprende con la genial interpretación de Simon Rex, perfecto en ese retrato patético, turbio y de-alguna-manera-tierno de su protagonista. En cuanto a la “película sorpresa” de esta edición, fue la esperadísima ‘Spencer’ de Pablo Larraín, donde el director nos sumerge en un mundo casi onírico para mostrarnos el estado de Lady Di (espléndida Kristen Stewart) en sus últimas navidades junto a la familia real.
Pero no todo es Sección Oficial y Perlas: había otras “perlas” en distintas secciones del Festival, y desde aquí destacamos cuatro de ellas. Hay quien calificará a ‘Sedimentos‘ como “el ‘Vestidas de azul’ de nuestra época”, y aunque suene a sacrilegio por lo histórico de aquel documental, no les falta razón. Adrián Silvestre entrega un magnífico trabajo que sabe sacar lo mejor de sus seis mujeres protagonistas, simplemente dejando que interactúen entre ellas y se permitan sacar sus luces y sus sombras. Tan emocionante como divertido, ‘Sedimentos’ debería ser una de las cintas nominadas al Goya a mejor documental de este año (si no la ganadora). Estructura de documental tiene a ratos la gamberra ‘Bad Luck Banging or Loony Porn‘, que aquí han traducido como ‘Un polvo desafortunado o porno loco’, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale, y que ofrece una mirada ácida a los efectos de la globalización y la influencia del fascismo en la sociedad rumana.
De otra locura, ‘The Cabin in the Woods‘, salió Fran Kranz, que ahora debuta en la dirección con la estupenda ‘Mass‘, un duelo interpretativo en el que sobresalen Martha Plimpton, Ann Dowd y Jason Isaacs. Pero sin duda la gran joya de Nuevos Directores, y para mí una de las joyas del Festival en sí, es ‘Aloners‘. La coreana Hong Sung-eun entrega una obra tan imperfecta como genial y certera sobre la incomunicación en el momento de la Historia en que más conectados estamos, cuya protagonista (Gong Seung-yeon, para quitarse el sombrero) trabaja, como no podía ser de otra manera, de teleoperadora en un centro de atención al cliente.
Y terminamos hablando, claro, del palmarés. Es común que la Concha de Oro a mejor película se la lleve un título que despierta odios y pasiones por igual (‘Beginning’ el año pasado), o incluso uno que no despierte nada en particular (‘Pacificado’ hace dos años), pero no tanto que la película no haya gustado a prácticamente nadie: ‘Blue Moon’, de Alina Grigore, estaba la última en las votaciones paralelas de la crítica, y costaba encontrar a una sola persona que la defendiese, pero algo debió ver el Jurado que el resto de los mortales no. Menos hubiese sorprendido el galardón a Mejor Película para ‘As in Heaven‘, que sí se llevó Mejor Dirección para su directora Tea Lindeburg y mejor interpretación principal para Flora Ofelia Hofmann, ex aequo con nada más y nada menos que Jessica Chastain por ‘The Eyes of Tammy Faye’. El Festival eliminaba este año la distinción de género en este premio, decisión en su momento cuestionada no solo por el esperable sector rancio, sino por asociaciones feministas que señalaban la (todavía muy presente) diferencia en el número de papeles “importantes/premiables” que se ofrecen a actores y a actrices, y el riesgo de que la mayoría de premios fuese solo a hombres por esta razón. De momento no ha sido así, y además por partida doble, dando la simbólica imagen de una adolescente danesa compartiendo premio con una de las mayores estrellas de Hollywood. Se unían a este poderoso mensaje que también acabasen en mujeres los galardones a mejor dirección (la mencionada Lindeburg), el Premio Especial del Jurado para Lucile Hadzihallilovic por ‘Earwig’ y, ojo, a mejor dirección de fotografía para Claire Mathon por ‘Undercover’. El Premio a Mejor Interpretación de Reparto tuvo sabor patrio al llevárselo compartido el elenco de ‘Quién lo impide’ de Jonás Trueba (galardonado además con el Premio Feroz Zinemaldia), y también fueron premiados artistas tan respetados como Jane Campion (Premio Sebastiane para ‘The Power of the Dog’), Céline Sciamma (Premio del Público para la magnífica ‘Petite Maman’), Gaspar Noé (Premio Zabaltegi por ‘Vortex’) o Terence Davies (Premio del Jurado a Mejor Guión por ‘Benediction’).
Os dejamos el palmarés completo:
Concha de Oro: ‘Blue Moon’ de Alina Grigore
Concha de Plata a la Mejor Dirección: Téa Lindeburg por ‘As in heaven’
Concha de Plata a la Mejor Interpretación: Flora Ofelia Hofmann por ‘As in heaven’ y Jessica Chastain por ‘Los ojos de Tammy Faye’
Concha de Plata a la Mejor Interpretación de reparto: Elenco de ‘Quién lo impide’
Premio del Jurado al Mejor Guión: Terence Davies por ‘Benediction’
Premio del Jurado a la Mejor Fotografía: Claire Mathon por ‘Undercover’
Premio Especial del Jurado: ‘Earwig’ de Lucile Hadzhihalilovic
Premio del Público: ‘Petite maman’ de Céline Sciamma
Premio del Público a la Mejor Película Europea: ‘Between two worlds’ de Emmanuel Carrère
Premio Zabaltegi: ‘Vortex’ de Gaspar Noé
Premio Sebastiane: ‘The Power of the Dog’ de Jane Campion
Premio Horizontes Latinos: ‘Noche de fuego’ de Tatiana Huezo
Premio Nuevos Directores: ‘Unwanted’ de Lena Lanskih
Premio TCM de la Juventud: ‘Mass’ de Fran Kranz
Premio Feroz Zinemaldia: ‘Quién lo impide’ de Jonás Trueba
Premio Irizar al cine vasco: ‘Maixabel’ de Icíar Bollaín
Premio Cooperación Española: ‘Noche de fuego’ de Tatianaza Huezo
Sega Bodega, el cantante, compositor y productor de Londres que nos ha conquistado recientemente con ‘Only Seeing God When I Come‘, una de las mejores canciones del mes de septiembre, ha dado los detalles de su nuevo disco, el segundo de su carrera. ‘Romeo’ sale el 12 de noviembre a través de NUXXE, el sello que Bodega lleva junto a Shygirl y Coucou Chloe, y su secuencia incluye dos colaboraciones de lujo: Arca -que acaba de estrenar single– y Charlotte Gainsbourg. La cantautora francesa no se prodiga muchísimo por los lares de la música pop y no saca disco desde 2017, pero este mismo año ha aparecido en el último disco de Django Django.
Así queda el tracklist de ‘Romeo’:
01. Effeminacy
02. Angel On My Shoulder
03. All Of Your Friends Think I’m Too Young For You
04. Only Seeing God When I Come
05. I Need Nothing From You
06. Naturophane feat. Charlotte Gainsbourg
07. Cicada feat. Arca
08. Romeo
09. Um Um
10. Luci
La música de Sega Bodega recuerda a la de PC Music pero es mucho más oscura. ‘Angel on My Shoulder’, su nuevo single, contiene los mismos elementos de trance y rave presentes en muchas producciones de A.G. Cook, pero también hace uso de ritmos próximos al drum ‘n bass y el ambiente de la grabación es eminentemente nocturno, lluvioso e hipermoderno: casi parece de la primera Kelela.
En cuanto a la temática de ‘Angel on My Shoulder’, el tema habla sobre los ángeles de la guarda, los cuales, para Sega, son todas aquellas personas que nunca llegaremos a conocer en la vida pero que podrían haber sido importantes. El artista explica: «El otro día miraba a un amigo y me preguntaba: si de joven hubieras muerto y nunca te hubiera conocido, nunca habría sabido lo importante que has sido en mi vida».
Al director Dave Meyers no se le dan mal los videoclips cómicos. No es la primera vez que demuestra su habilidad para los gags tontorrones y el montaje zumbón. Ahí están sus clips para P!nk, Missy Elliott o el ‘Swish Swish’ Katy Perry. Pero, claro, no es lo mismo hacer gracietas con estas cantantes, las tres bastante payasas, que con Drake.
El vídeo de ‘Way 2 Sexy’, uno de los temas principales de ‘Certified Lover Boy‘, es un poco como estar viendo a Cruz y Raya en los noventa (o a tu cuñado pureta en carnavales). ¿Otra imitación de Michael Jackson? ¿Y de Rambo? Pues parece que sí. Y de Backstreet Boys. Y de Prince. Y de una película de piratas. Y de un anuncio de perfumes. Y de un monitor de gimnasio haciendo “cosas femeninas”, como aerobic…
El vídeo es como un baile de disfraces, una sucesión de sketches no demasiado imaginativos (la secuencia del calendario quizás sea la más inspirada visualmente), donde Drake y sus colegas (Future, Young Thug y el alero de los Clippers Kawhi Leonard, con cara de “qué hago yo aquí”) se divierten haciendo parodias alrededor del narcisismo sexual masculino, concepto que ya estaba presente en la famosa canción de Right Said Fred que samplea el cantante.
Alhambra Monkey Week ha diseñado en colaboración con la Fundación SGAE un concierto en el Cartuja Center CITE de Sevilla del 17 al 20 de noviembre como inauguración de su 13º edición: «un sentido y necesario homenaje a ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat el año de su 50º aniversario», según un comunicado de prensa.
El grupo Los Estanques contará con la colaboración de Anni B Sweet, Carlangas, Dani Llamas, Luis Regidor, María Rodés, Miguelito García (Derby Motoreta’s Burrito Kachimba), Raúl Rodríguez y rebe para llevar a cabo este homenaje.
Además, Alhambra Money Weel ha incluido en su cartel nuevos artistas, tanto nacionales como internacionales. I Am Dive y Pirámide del lado nacional y Emilia y Pablo, Radio Huachaca (acompañados por José Guapachá) y Paz Court, Valeria Jasso y ha$lopablito del lado internacional. También cabe mencionar la colaboración entre Álvaro Romero y Pedro Da Linha, que ya han participado en el MIL Lisboa.
Todos estos nuevos nombres se suman a los artistas ya anunciados anteriormente: Black Lips, Mujeres, Adiós Amores, Chaqueta de Chándal, Depresión Sonora, Diamante Negro, Kokoshca, La Paloma, Mundo Prestigio, No Sé A Quién Matar, Tiburona y Unidad y Armonía, entre otros. Puedes consultar el cartel completo en sus redes.
Por lo que respecta a las entradas, ya están disponibles y puedes adquirirlas entrando en la web del festival. Y si te dedicas profesionalmente a la música, el festival también contará con sus jornadas profesionales DICE Monkey Week PRO, «un punto de encuentro y debate para la industria musical articulada a través de conferencias, mesas redondas, talleres, encuentros y otras actividades». Puedes conseguir tu acreditación aquí.
The Muslims es una banda de punk y hardcore de Durham, Carolina del Norte que, este viernes, ha publicado su tercer álbum de estudio, ‘Fuck These Fucking Fascists’. Por si el título de «a la mierda esos putos fascistas» no es suficiente claro respecto al discurso de The Muslims, los temas más escuchados de la banda en Spotify se llaman ‘Fuck the Cistem’ y ‘Punch a Nazi’ y su biografía oficial explica que está conformada por «tres moros negros y morenos» antes de concluir con la siguiente sentencia: «tu padre racista es un pedazo de mierda y ESTE NO ES UN LUGAR SEGURO».
Entre los temas destacados de ‘Fuck These Fucking Fascists’ se encuentra el que elegimos hoy como Canción Del Día, ‘Crotch Pop a Cop’, un título que vendría a traducirse en algo así como «pégale una patada en los huevos a la poli». El creciente sentimiento anti-policial -un concepto que cuenta con su propia página de Wikipedia– que se vive actualmente en Estados Unidos, producto de la violencia racial que se vive frecuentemente en las calles del país, es plasmada en este balazo de punk que no se muerde la lengua a la hora de apuntar a sus adversarios.
«Actuáis como si fuerais necesarios, vuestro trabajo no es necesario, la gente os desprecia pero sois unos engreídos, todos los negros están en el cementerio por culpa de vuestro orgullo blanco» es una de las sentencias que deja la letra de ‘Crotch Pop a Cop’, una canción llena de furia especialmente en el estribillo, donde el grupo pasa a retratar una escena de violencia física ejercida contra el cuerpo policial: «pégale una patada en los huevos a los polis y observa cómo caen al suelo, dales más y más, hasta que les duela, o hasta que nos aburramos, lo haríamos todo el día».
En ‘Crotch Pop a Cop’, les tres integrantes de The Muslims, que se hacen llamar QADR, FaraH BaHbaH y ABU SHEA, vuelcan toda su rabia en un punk urgente y despiadado en lo instrumental pero también divertido, y cuyo texto esconde más balas que disparar, pues el grupo explica que practica la «sátira política». La letra de ‘Crotch Pop a Cop’ se dirige a la policía para animarla a «buscarse un trabajo que no mate bebés» y señala que la gente blanca «huele a bacon», antes de abogar por supuesto por «cortarle los fondos a la policía«.
El cuarto álbum de la banda IDLES, ‘CRAWLER’, ya está en camino y con él ha llegado el primer single, ‘The Beachland Ballroom’.
Coproducido por Kenny Beats y el guitarrista de IDLES, Mark Bowen, el álbum es el primero desde la publicación de ‘Ultra Mono‘ el pasado año. ‘CRAWLER’ se ha grabado en los Real World Studios durante la pandemia y está previsto que llegue el próximo 12 de noviembre. Este es su tracklist completo:
MTT 420 RR
The Wheel
When the Lights Come On
Car Crash
The New Sensation
Stockholm Syndrome
The Beachland Ballroom
Crawl!
Meds
Kelechi
Progress
Wizz
King Snake
The End
‘The Beachland Ballroom’ ha sido el primer single presentado, una «canción soul sincera» que lleva el nombre de la emblemática taberna de música en el barrio de Collinwood de Cleveland (Ohio). Joe Talbot, líder de la banda, ha explicado que «es la canción más importante del álbum». Continúa diciendo: «Hay tantas bandas que pasan por las salas pequeñas y sueñan con llegar a las salas grandes. Estamos en un lugar donde realmente se nos permite ir a estas grandes salas y ser creativos y no solo seguir los movimientos y realmente apreciar lo que tenemos». Para más simplificación: «La canción es una especie de alegoría de sentirse perdido y superarlo».
Por otra parte, IDLES se están preparando para comenzar una gira el 7 de octubre por América del Norte y posteriormente por Reino Unido e Irlanda entre enero y febrero de 2022, cuyas entradas están agotadas, pero puedes consultar aquí las fechas. También participarán como una de las principales cabezas del cartel del Festival del Día de la Creación 2022.
El festival Tomavistas celebra su sexta edición el próximo año 2022 en el IFEMA MADRID. Y aunque quedan algunas sorpresas por desvelar, sí han confirmado la incorporación de nuevos artistas para sus actuaciones.
Slowdive, Kevin Morby, Sen Senra o Rigoberta Bandini son algunas de estas nuevas incorporaciones y se unen a los que ya estaban confirmados: Suede, Jungle, JARV IS…, Rolling Blackouts Coastal Fever, Alizzz, Kings of Convenience y Carolina Durante, entre otros.
Tal y como muestra su cartel oficial, el festival tendrá una duración de tres días, desde el jueves 19 de mayo de 2022 hasta el sábado 21. Sen Senra, Rigoberta Bandini, Alizzz, Cariño y Rojuu tendrán la suerte de arrancar el festival. Suede, Slowdive, Kevin Morby, Rolling Blackouts Coastal Fever, Carolina Durante y La Luz recogerán el testigo de sus compañeros el viernes día 20. Y finalmente, cerrarán el sábado 21 Jungle, JARV IS…, Kings of Convenience, Shame Confidence Man, The Marías La Plata y Kokoshca.
Las entradas de día para el festival estarán disponibles a partir de la próxima semana, concretamente el miércoles 6 de octubre. Los últimos abonos se encuentran disponibles hasta esa fecha o hasta el fin de existencias.
Según un comunicado oficial, el cartel del festival «aún tiene sorpresas por desvelar para celebrar por todo lo alto la ansiada vuelta de Tomavistas a su formato original», ya que se lleva trabajando en ello durante año y medio con «tanto esfuerzo e ilusión» para que sea el «más memorable de su historia». De esta forma, se han preparado tres escenarios, zonas verdes y de descanso y un área gastronómica, «porque Tomavistas es, y ha sido siempre, uno de los festivales con más carácter y autenticidad de Madrid».
La cuenta oficial de David Bowie en Twitter ha publicado la noticia. ‘Toy’, el llamado «álbum perdido» del cantante en el año 2001, finalmente será publicado el 7 de enero de 2022. Antes, el 26 de noviembre, llegará al mercado ‘David Bowie 5. Brilliant Adventure (1992-2001)’, el quinto volumen de una serie de cajas que han venido publicándose en los últimos tiempos y que abarcan la carrera de Bowie cronológicamente desde 1969.
Grabado después de la actuación de David en Glastonbury 2000, ‘Toy’ incluye versiones regrabadas y renovadas de algunas de las primeras canciones de Bowie. En un principio estaba previsto que se lanzara como continuación de ‘Hours…’ (1999), pero fue archivado debido a una disputa entre Bowie y su entonces sello Virgin. A pesar de eso, en 2011 hubo una filtración online.
Pero han tenido que pasar diez años para que vea la luz por completo como parte de la nueva caja ‘Era Five’. Según la cuenta de Twitter del difunto cantante: «Dependiendo de dónde te encuentres en el planeta, si es el 29 de septiembre, es posible que se esté transmitiendo la edición de radio de ‘You’ve Got A Habit Of Leaving‘ del próximo álbum ‘Toy’, a través de tu servicio de transmisión favorito». Podéis escuchar este tema bajo estas líneas.
La noticia de este nuevo lanzamiento llega justo después de que los herederos de David Bowie hayan acordado un nuevo acuerdo con Warner Music Group, que hasta entonces solo disponía de los derechos mundiales de la música de Bowie que fue lanzada entre 1968 y 1999. Ahora, la compañía podrá supervisar su catálogo completo de álbumes.
Netflix ha compartido la lista de sus títulos más populares a nivel mundial, una lista que ha revelado que ‘La Casa de Papel’ ha quedado en segundo lugar por detrás de ‘Los Bridgerton’.
Esta lista viene como parte del objetivo de transparencia en la publicación de datos de la plataforma. El ranking es elaborado por la propia base de datos del servicio y hasta ahora solo se valoraban los dos primeros minutos que visualizaban los usuarios para determinar la popularidad de, en este caso, una serie. Pero para esta nueva lista se han tenido en cuenta las horas de visualización acumuladas por cada ficción en sus primeros 28 días en el catálogo, un método que sí es eficaz para determinar el éxito o no de un producto.
‘Los Bridgerton’ encabeza la lista de series más vistas o populares de Netflix, según los detalles ofrecidos por la plataforma en la Code Con. Su primera temporada, compuesta por 8 episodios, acumula 625 millones de horas de visualización. En segundo lugar ha quedado la cuarta temporada de ‘La Casa de Papel’, estrenada en abril del año pasado y que estuvo muy cerca de convertirse en el título más visto de la plataforma. La temporada alcanza 619 millones de horas. Y en tercer lugar ha quedado la tercera temporada de la serie cuyos niños ya no son tan niños, ‘Stranger Things‘, acumulando 582 millones de horas.
Este es el ranking completo en base a horas acumuladas, donde ‘La Casa de Papel’ y ‘Stranger Things’ repiten con otra de sus temporadas:
‘Los Bridgerton’ T1: 625 millones de horas de visualización
Netflix también ha publicado otro ranking en base a números de usuarios que en este caso sí hayan visto al menos dos minutos de un capítulo en sus primeros 28 días en el catálogo, es decir, no se conoce cuántos han visto la serie al completo ni cuántos han abandonado en los primeros minutos:
Fresquito y Mango son dos jóvenes amigos de Zaragoza que en el último par de años han venido presentando una serie de singles que no temían al punk-pop (‘Mándame un audio’), al hip hop (‘Pronto’) o al mambo (‘Dramambo2’). Desde un principio han tenido sus seguidores, pero su fama ha alcanzado otro nivel cuando ‘Mándame un audio’ se viralizaba en Tik Tok y nada menos que Aitana decidía subirse a un remix que suma ya 6 millones de reproducciones en Spotify. El tema que nos habla de nuestro psicólogo y de los ex, tenía una portada en animación, como muchos de sus singles. O como el vídeo de ‘Isla de Japón’.
Por eso en la nueva edición de «Meister of the Week», sección comisariada por Jägermusic en la que los artistas hablan de cosas favoritas ajenas a su música, Fresquito y Mango han querido hablarnos de series de animación, especialmente ‘Shin-Chan’, ‘Hora de aventuras’, ‘Ed, Edd y Eddy’ y ‘El laboratorio de Dexter’.
¿Por qué habéis elegido hablar de Shin-Chan? ¿Algún capítulo o personaje que tengáis como favorito?
M: Yo creo que Shinosuke como protagonista es increíble y divertido y eso hace que la serie triunfe tanto pero a mí siempre me ha gustado Bochan con el moco porque era un tío bien majete.
F: Lo guay de Shin-Chan es que es un poco como los Simpsons antes: que te puedes poner cualquier capítulo y gozártelo igual.
Shin-Chan es un trasto como personaje, y en realidad solo tiene 5 años. Sin embargo, la serie está destinada también al público adulto, y a menudo el humor que usa es complejo. ¿A qué edad descubristeis la serie? ¿La habéis disfrutado igual al margen de la edad?
M: Yo ya ni recuerdo la edad que tenía, en mi casa nunca me prohibieron ver nada y sí que es verdad que la ves ahora con otros ojos porque entiendes más el tipo de humor. Pero creo que funcionaba igual para ambos públicos. Eso sí, fue por Shin-Chan como descubrí el secreto de los Reyes Magos y Papá Noel…
F: Sí, yo también me acuerdo de verla muchísimo por la mañana en verano con mi hermano. Y luego él se la terminó viendo entera en un canal de Youtube.
En casa tenemos una taza de Shin-Chan desde hace unos 20 años, no hay manera de que se caiga o se rompa. Se me ocurre hacer una analogía con la duración de la serie: van más de 1.000 episodios, ¿a qué creéis que se debe tal longevidad?
M: No sé cómo será el éxito que tenga en Japón, pero yo creo que al ser una de estas series en las que los personajes tienen siempre la misma edad, pueden alargarla todo lo que les apetezca.
F: A mí me mola el rollo de que cada capítulo sea independiente del resto, pero haya como una subtrama que sí se vaya desarrollando. Ese formato de series me encanta.
Todavía tantos años después sigo diciendo «mirienda» en lugar de «merienda», ¿en qué sentís que ha influido la serie en vuestras vidas o en la vida de la gente?
M: No sé hasta qué punto puede haberme influido ver o no ver ‘Shin-Chan’, pero sí que sé que me alegro de haber podido levantarme a las 7 de la mañana y ponerme a verla.
F: A mí me influyó para hacerme el tatuaje del elefante en una parte del cuerpo.
‘Ed, Edd y Eddy’ era una de esas series de Cartoon Network que eran un poco turbias por el tipo de animación que presentaban. ¿Os interesa especialmente este tipo de animación exagerada y extraña?
M: Yo soy muy fan de todo lo extraño, ya sea en películas o series. Es verdad que tiene personajes muy grotescos y todos se odian entre sí en esa serie por ser cómo son, pero eso es realmente lo divertido de la serie.
F: Buah, es que ‘Ed, Edd y Eddy’ era divertidísima también. Estaba muy guapo que cuando veíamos dibujos de pequeños hubiese tantos estilos de animación distintos. Ahora me siguen encantando muchas series más nuevas, pero sí que noto que la animación se ha estandarizado un poco ¿no?
La serie duró 10 años, es la más longeva de Cartoon Network. ¿Qué etapa os gusta más? ¿Estáis familiarizados también con la última temporada?
M: Yo ya le perdí la pista hace años aunque alguna vez me he puesto a verla en YT cuando me aburría, pero siempre capítulos viejos.
F: Literal, yo la veía en casa de mis abuelos que pagaban el Imagenio y ya de mayor la he vuelto a pillar pero en Internet.
¿Qué capítulo de ‘Ed, Edd y Eddy’ tenéis más clavado en vuestra memoria?
M: Yo recuerdo uno en el que entraban a una casa encantada y te partías el culo.
F: De lo que más me recuerda a ‘Ed, Edd y Eddy’ son los caramelos estos de huevo de mamut. En plan, me acuerdo que de pequeño los veía con un caramelo gigante en la boca y no lo pillaba y cuando los trajeron aquí flipé, era una cosa terrible pero me comí varios.
‘Hora de aventuras’ es «God tier» simplemente
‘Hora de aventuras’ es una de las series más surrealistas que hay en la televisión. Cuando la ves fumado la disfrutas al 200%, ¿opináis lo mismo?
M: Ni siquiera hace falta ir fumado para flipar con esa serie, es divertidísima y el doblaje en castellano en este caso me parece increíble porque le ponen nombres divertidísimos a los personajes. Además la historia oscura que hay detrás es genial.
F: ‘Hora de aventuras’ es «God tier» simplemente.
¿Cuál es vuestro personaje favorito de ‘Hora de aventuras’?
M: El Rey Hielo es con el que más me río.
F: Para mí Jake, o sea, es que lo amo con todo mi corazón. Me parece especialmente carismático.
Esta es una serie con una animación muy surrealista y fluida, pero a la vez comunica mensajes muy importantes y adultos. ¿Destacáis su guión aparte de la animación? ¿Habéis aprendido algo importante viéndola?
M: Su guión es increíble y además se atreven a tocar temas súper importantes que siempre han parecido como medio tabú en series y películas infantiles.
F: Yo destaco sus canciones. Lo bien que le queda a Finn el Auto-tune es algo con lo que algunos solo podemos soñar. Que se hayan traducido todas las canciones es algo a valorar la verdad. Nosotros siempre decimos que nuestro sueño es hacer canciones para una serie de animación.
‘Midnight Gospel’ es una locura, un bombardeo de cosas
En un estilo parecido, pues está animada por la misma persona, Pendleton Ward, ¿habéis visto la serie ‘Midnight Gospel’?
M: Los diálogos y monólogos de esa serie son una locura, un bombardeo de cosas, mientras tienes que estar atento a otras que ocurren en la pantalla súper surrealistas, yo me quedé loquísimo.
F: A mí me gustó mucho la verdad, la vi en cuarentena y me pareció bastante clave.
¿Qué es lo que mejor recordáis de la serie ‘El laboratorio de Dexter’ o qué nunca se os olvidará por más años que pasen?
M: Yo la veía cuando no podía dormir, lo mejor eran los personajes.
F: Te lo juro, a mí la hermana me daba muchísimo miedo.
¿Cuándo erais pequeños alguna vez tuvisteis la fantasía de tener un laboratorio como el de Dexter?
M: Yo es que soy de letras.
F: Hombre, pues sí, lo que más envidia me da ahora es lo limpio y organizado que lo tenía todo el chaval.
¿Alguna vez os habéis sentido identificados con las trastadas que le hacía a Dexter su hermana?
M: Yo no tengo hermanas ni hermanos así que nunca me he visto en esas situaciones, aunque sí que tengo alguna prima que me recuerda un poco a ella.
F: Puede ser que sí…
¿Alguna otra recomendación especial sobre series de animación?
M: Este año he visto varias que recomiendo como ‘Solar Opposites’, también algún anime como ‘Dorohedoro’ o ‘Tokyo Revengers’, pero a mí personalmente, que soy super friki de Marvel, me está flipando la serie de ‘What If’.
F: Tío, yo os recomiendo ver ‘Dragon Ball’ en catalán, no tengo ni idea de catalán pero el doblaje está guapísimo y la serie es que me pilló tarde y no me la había visto nunca, jaja.
Renovamos la playlist con las mejores canciones del mes reuniendo temas de algunos de los discos que más nos han emocionado durante los últimos tiempos. Han sido «Disco de la Semana» en JENESAISPOP Lil Nas X, Little Simz, Buena Vista Social Club gracias a una reedición, y muy especialmente Halsey, cuyo ‘If I Can’t Have Love, I Want Power‘ es el álbum que más nos ha sorprendiendo en el mundo del pop recientemente.
Tenemos ya entre manos los nuevos álbumes de Kacey Musgraves, Niña Polaca, Kanye West y Drake, y ya queda menos para el disco nuevo de Lana del Rey.
Conocemos las apuestas revelación de Sofía Comas, Marilia Monzón y, a nivel internacional, seguimos ahondando en el repertorio de nuevos valores como PinkPantheress, Yebba y Yola. Nos complace haber estrenado nuevos vídeos de Caliza, Idoipe, Malamute, y Laura Sam y Juan Escribano. También Lorena Álvarez ha estrenado vídeo para un tema antiguo. Completamos con temas de Troye Sivan, Sigrid, Let’s Eat Grandma, Sebastián Cortés, Pongo, Planningtorock y MUNA.
Halsey / Girl Is a Gun
Lil Nas X / THATS WHAT I WANT
Sigrid / Burning Bridges
PinkPantheress / Passion
Sega Bodega / Only Seeing God When I Come
Little Simz / I Love You, I Hate You
Lana del Rey / Arcadia
Sofia Comas / el verano será eterno
Marilia Monzón / La Marea
Niña Polaca / Nora
Sparks, Adam Driver, Marion Cotillard / We Love Each Other So Much
Pongo / Bruxos
Sebastián Cortés / Sin mí
Yola / Dancing Away In Tears
Kanye West / Jail
Laura Sam y Juan Escribano / Algoritmo
Idoipe / El jilguerillo
Let’s Eat Grandma / Hall of Mirrors
Troye Sivan / Angel Baby
Planningtorock / Gay Dreams Do Come True
Yebba / Boomerang
Caliza / Abandona
Drake / Champagne Poetry
Malamute / La Oreja de Van Gogh
MUNA, Phoebe Bridgers / Silk Chiffon
Kacey Musgraves / keep lookin’ up
Lorena Álvarez / La nube
Buena Vista Social Club / La pluma
Kanye West / 24
Pocas novedades en la parte alta de la lista de singles en España: el remix de ‘Mon Amour’ de Aitana con Zzoilo continúa siendo el número 1 del país certificada como disco de platino.
La noticia es que la entrada más fuerte de esta semana es también para Aitana con ‘Berlín’, directa al número 23, y además, hay buenas noticias para ella: no se tratará de la posición más alta que alcanzará con esta otra nueva canción. Ahora mismo está en el número 15 de Spotify España, por lo que su ascenso está garantizado para los próximos días, y seguramente otro single de oro o platino. El vídeo continúa entre los 10 más vistos de Youtube España aún a día de hoy.
Vuelve a subir ’Nostálgico’, el tema de Rvssian, Rauw Alejandro y Chris Brown que entraba la semana pasada. Ahora pasa del puesto 13 al 6. Pero la subida más importante de toda la semana es ‘Dile (Homenaje)’ del portorriqueño Jhay Cortez, que pasa del puesto 51 al puesto 17. Si atendemos a su posición actual en Spotify España (número 5), podemos concluir que es uno de los temas que más está subiendo sus streamings en los últimos días, y por tanto un éxito seguro para las próximas semanas. Además, Jhay Cortez también sube al número 2 con otra de sus canciones, ‘Ley seca’ junto a Anuel AA.
Mientras Bizarrap sitúa en el puesto 45 su nueva sesión, ahora con MHD, en concreto la número 44; hay un par de entradas interesantes. En el puesto 51 hallamos ’THAT’S WHAT I WANT’, el nuevo single de Lil Nas X. Además, este sube al puesto 27 con ‘INDUSTRY BABY’, alcanzando por tanto un nuevo máximo; y continúa en el puesto 61 con su mayor éxito hasta el momento, ‘MONTERO’, doble platino.
Por otro lado, ‘Ya no vales’ de Alizzz con C. Tangana ha de conformarse con el puesto 65 (Alizzz llegó más alto con Amaia, por ejemplo) y ‘Yate’ de C. Tangana tampoco parece consolidarse en la tabla, pues baja del número 48 al número 71. En verdad, ’Tranquilísimo’ ha sido el último hit espontáneo para Puchito, aún en el puesto 65 tras 9 semanas. La lista de novedades se cierra con ‘Búscate otro’ de JC La Nevula (puesto 57), ‘Love Nwantiti’ (puesto 73) y ‘La funka’ de Ozuna (puesto 99).
Years & Years ha anunciado el lanzamiento del que será su tercer álbum, ‘Night Call’, que llega el próximo 7 de enero de 2022: casi podríamos haberlo llamado un «regalo de Reyes». Olly Alexander lo ha comunicado hace unas horas a través de sus redes sociales: «‘Night Call’ ha sido mi escape durante los últimos años, estoy muy emocionado de compartirlo con todos vosotros», ha escrito en Twitter junto a la portada de álbum, fantasía que ha provocado algún que otro meme sobre ‘H2O’.
Este nuevo disco es el primero desde ‘Palo Santo‘ y desde que el grupo se convirtió en el proyecto en solitario de su vocalista, Olly Alexander. A pesar de todo, Alexander ha confirmado que él y sus antiguos compañeros siguen siendo «buenos amigos». «Mikey será parte de la familia Y&Y y tocará con nosotros en vivo y Emre se enfocará en ser un escritor/productor».
Además, hay un nuevo single ‘Crave’, de corte bailable, cercano a los territorios de Hot Chip y la Britney Spears de ‘I’m a Slave 4 U’ y ‘Womanizer’. Os dejamos con el nuevo vídeo de Years & Years.
