En cuanto a canciones, destacan lo nuevo de Steve Lacy, Flying Lotus, FKA twigs, TSHA, Whitney, Chlöe, Self Esteem, Two Door Cinema Club, Santigold, beabadoobee, Röyksopp tan solo unos meses después de su último disco o Lana del Rey con Father John Misty. Esto último pertenece a una edición especial de ‘Chloë and the Next Century’, el último disco de Father John Misty. Por su parte, Lambchop anuncia nuevo álbum, del que avanza ‘Police Dog Blues’. Eminem y Måneskin han sacado sus canciones para la banda sonora de ‘Elvis’.
En cuanto al talento nacional, hay colaboraciones de Depresión Sonora y Rojuu y nuevo single de Soto Asa, François y Rorro. También de Chico y Chica, Grasias, Lisasinson, Ghouljaboy, Uniforms y Rothrigo, que estrena canción inspirada en los años 50. Las dos Mafaldas sacan single a la vez.
El pop internacional más desenfadado nos deja novedades de Icona Pop adaptando ‘You’re Free’ de Ultra Naté, Ana Mena cantando con Belinda, Camilo con Alejandro Sanz o Blas Cantó recordando que ‘El bueno acaba mal’. Lola Indigo presenta ‘Caramello’ con Rocco Hunt y Elettra Lamborghini y Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta presentan ‘DON’T YOU WORRY’, así en mayúsculas. Entre las curiosidades del día, tema para las reediciones y compilaciones de Bowie y Madonna.
Tan sólo un año después de ‘Certified Lover Boy’, el álbum del año pasado de Drake que seguramente ya no recordabas, el canadiense acaba de publicar disco sorpresa. Se trata de ‘Honestly, Nevermind’, un álbum de 14 pistas encabezadas por una intro de 36 segundos y culminadas por una colaboración con 21 Savage llamada ‘Jimmy Cook’s’.
Lo primero que sorprende de ‘Honestly, Nevermind’ es que Apple Music lo ha catalogado como «dance». Y podemos entender por qué, pues tras la «intro», las dos primeras canciones, ‘Falling Back’ y ‘Texts Go Green’ aparecen enlazadas como si de una sesión se tratara. El disco casi al completo se dedica a los beats bailables influidos por el dembow y la IDM pero de manera muy sutil, ofreciendo una de las producciones más elegantes que recordamos a Drake. Incluso cuando ‘Currents’ se construye con muelles de cama, los sonidos no son zafios.
‘A Keeper’ es una de las producciones que mantienen ese pulso tan sofisticado, mientras ‘Massive’ es una de las sorpresas del álbum, pues se trata de un particular piano house. Hacia el final del álbum, aparecen otros elementos como la guitarra rhythm & blues de ‘Overdrive’, los chasquidos de ‘Down Hill’ y la guitarra R&B de ‘Tie that Binds’, pero manteniendo una coherencia que se venía echando de menos en los álbumes de Drake. El álbum mantiene buen ritmo hasta que llega la voz distorsionada de ‘Liability’, lo más parecido a una «balada».
El disco se cierra con el tema con 21 Savage, con cierto tinte jazzy con esos metales, un cambio de ritmo y finalmente las sonoridades de los últimos hits de Drake. En todo caso, en su conjunto, ‘Honestly, Nevermind’ suena como una agradable sorpresa, al menos por el momento, que además agradece su brevedad relativa: el álbum supera los 50 minutos, pero no incluye 21 ni 25 pistas como viene siendo habitual con Drake.
1.-Intro
2.-Falling Back
3.-Texts Go Green
4.-Currents
5.-A Keeper
6.-Calling My Name
7.-Sticky
8.-Massive
9.-Flight’s Booked
10.-Overdrive
11.-Down Hill
12.-Tie that Binds
13.-Liability
14.-Jimmy Cook’s (ft 21 Savage)
‘Let’s Say for Instance‘ es el primer disco de Emeli Sandé como artista independiente, desde que dejara Virgin en 2020, poco después de ‘Real Life’, su anterior trabajo. Sandé ha aprovechado para explorar muchos caminos y estilos que no estaban tan presentes en sus anteriores discos, dando como resultado uno de sus álbumes más vivos. Hablamos con ella sobre el proceso de creación de ‘Let’s Say for Instance’, sobre los pros y contras de estar en una multi vs ser una artista independiente, sobre el autotune, sobre la importancia para ella del amor y de la libertad para amar más allá de orientaciones, sobre cómo pensó que éste iba a ser su último álbum, sobre Eurovisión… o incluso sobre sacar una versión en español de uno de los temas de este disco
¿Qué ha significado para ti lanzar este disco?
Es un gran paso para mí, me siento ahora mucho más liberada y empoderada. Es como que se ha abierto un capítulo nuevo, un nuevo comienzo en el que puedo expresarme de muchas maneras. Si la gente me quiere seguir en este nuevo viaje, si quieren conocerme a mí y a todos los aspectos de mi vida, estaré encantada.
Es tu primer disco como artista independiente. Por un lado más libertad creativa, pero no sé si también te asusta perder la maquinaria de una multi, sobre todo de cara al público más general que te conoció por el tema con Guetta (NdR: ‘What I Did for Love’).
Ese miedo está, ¿pero sabes qué? He llegado a un punto de mi carrera, y de mi vida en general, en el que tengo que aceptar ese riesgo. Necesito ser 100% yo misma, necesito decir “esto es lo que soy, así soy yo”. Y tienes razón, a ver, la infraestructura de una gran discográfica la pierdes, posiblemente pierdes también posiciones altas en los charts… pero todo eso tengo que aceptarlo y plantear mi carrera sabiéndolo. En cuanto dejé Virgin, a principios de 2020, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero oye, también iba a poder adquirir unos privilegios creativos que hasta ese momento no había tenido.
“No hay nada más importante que el amor”, cantas en ‘There Isn’t Much’. ¿Es esa canción la pieza central del álbum?
Puede ser, sí. Es que usamos tanto la palabra “amor” que se ha convertido en un cliché. Para mí, cuando digo “amor” hablo de esa fuerza, esa energía que te lleva a hacer cosas extraordinarias. Es algo muy poderoso.
Hay autotune en ‘Family’, pero no es una constante en el disco. ¿Por qué?
Durante el confinamiento pasé por una fase en la que quería manipular mi voz, quería experimentar con cosas nuevas, quería pensar en mi voz como un instrumento más que modificar en el ordenador. Sé que hay gente que se ha quejado de él, que dice que le quita peso a la canción, pero yo no lo veo así, yo veo que añade una textura que nunca había visto en una canción mía. Además, tenía claro que quería publicarla para recalcar el hecho de que es una época nueva para mí, y que cualquier regla o cualquier categoría que yo haya hecho para mi música anteriormente, ahora quiero romperla. Quería que eso fuese una declaración de intenciones de cómo yo estaba en un momento nuevo, pero no que todo el disco fuese así.
Cuando dejé Virgin, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero también que iba a poder adquirir otros creativos que no había tenido
Tras ‘September 8th’ tenemos una sorpresa con ‘Look in Your Eyes’, una canción post-disco que nos puede recordar a Melba Moore y Cheryl Lynn. ¿Cómo fue el proceso con esa canción?
Muy divertido, me encantó trabajar con el productor de esa canción, Booker T. Hicimos casi una fiesta en el estudio, con comida, ron… (ríe). Y creo que pudimos capturar las sensaciones de esa fiesta en el estudio y ponerla en la canción. Para mí fue también cruzar un límite, o quitarme de las restricciones que yo me había impuesto… es algo que he querido hacer en todo el disco. Pensar “éste puede ser mi último disco, ¿por qué no probar esto? ¿Por qué no hacer lo que quiera? ¿Por qué reprimirme? ¿Por qué?”. Si no tenía nada que perder, quería probarlo todo.
¿Por qué pensabas que podía ser tu último disco?
Porque es mi primer disco independiente, además lo estaba haciendo auto-producido, estábamos en pleno confinamiento, no sabía si podría volver a hacer conciertos, si había luz al final del túnel… no sé, quise invertir ahí todo el dinero, porque decía “¿y si no puedo hacer otro?”. Era todo o nada para mí.
En la redacción nos han gustado mucho las armonías de ‘Wait for Me’, ¿qué nos puedes decir de esta canción?
Es una canción muy especial, fue la primera que mezclamos para el disco, así que se puede decir que fue la que puso en marcha todo el proyecto. La escribí con Chris, RACHET y Jake, que me enseñaron el beat, tenían una guitarra muy bonita, y me gustó mucho. Diría que ‘Wait for Me’ va sobre cómo la conexión entre dos personas no tiene por qué acabarse con un límite físico: ya sea porque alguien va a la guerra, o incluso a la muerte. La lealtad y la confianza de que esa persona te va a estar esperando sigue estando. Es un tema muy emotivo pero me gusta que también te de ganas de bailar… de hecho, me gustaría grabar una versión en español de esa canción, porque tiene ese toque español, ¿sabes? Nunca he hecho algo así, pero me gustaría, ojalá podamos sacarlo, y a la gente le guste.
‘Look what You’ve Done’ y la segunda parte de ‘Yes You Can’ tienen un ritmo breakbeat que recuerda a tu primera época. ¿Por qué dirías que ese estilo funciona tanto en Reino Unido?
El Reino Unido es un lugar un tanto único en cuanto a la mezcla de personas, sobre todo Londres o Bristol. Hay una escena rave muy interesante, me encanta el jungle, me encanta el drum&bass… y no sé, quizás puede ser porque encapsula los sonidos de todas estas personas y culturas distintas. También es un sonido que captura mucho la energía de Londres, es como muy ambicioso, muy “vamos, vamos, vamos”.
Pensamos que ‘My Pleasure’ es algo que Brandi o Aaliyah podrían haber hecho. ¿Te gusta especialmente el r&b de los 90?
¡Muchas gracias por eso! Me encanta, claro, yo crecí escuchando a TLC, Destiny’s Child, Brandi, Aaliyah… cuando tenía 16-17 me flipaba, y me ha gustado explorarlo.
¿Qué tal llevas la gira de presentación del álbum?
De momento está yendo genial la gira, la verdad. Estoy muy contenta, y sobre todo muy agradecida a todos los fans que siguen queriendo venir a hacer este viaje conmigo, en esta nueva etapa. Me siento mucho más libre así.
¿Viste Eurovisión? ¿Te gustaría presentarte?
Sí, sí que lo vi (ríe) estaba con mi pareja y lo vimos juntas, nos divertimos mucho. Me gusta ver canciones tan distintas, estilos tan distintos de países tan distintos. Y me gustó que no quedásemos los últimos otra vez. Pero no, no iría, prefiero verlo (ríe)
Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras
Hemos hablado de la libertad creativa que has tenido con este disco, y no sé si también ha aumentado tu sensación de libertad en lo personal, al haber dicho abiertamente que estás saliendo con una mujer (NdR: Emeli lo comunicó este año). Además, puede contribuir también a la representación de niñas que estén creciendo y se vean reflejadas en ti.
He querido compartirlo porque, aunque parte de todo este proceso en los últimos años de romper con etiquetas o limitaciones incluiría esto, luego pienso en esas niñas que dices, y en lo difícil que es crecer sin referentes, sobre todo pensando en una niña negra. Te ponen una etiqueta si eres negra, te ponen una etiqueta si eres mujer, y ahora esto pues es otra categoría más en la que te ponen. Es importante la visibilidad, y no sentir vergüenza ni culpabilidad por amar a una persona o a otra. No es tanto “ésta es quién yo soy”, sino “ésta es mi vida en este momento, estoy enamorada, y sí, estoy enamorada de una mujer, ésta es una parte maravillosa más de mi vida, y no tengo que ocultarlo”. Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras y esa rigidez… yo desde luego estoy contenta con mi vida, y si además puedo ser altavoz o representar a algunas personas y poder ayudarlas, estaré encantada de hacerlo.
Beyoncé había recurrido hace unos días a la vieja técnica de borrar todo cuanto hay en sus redes sociales para advertirnos de que su regreso era inminente. Esta vez, en cambio, no será un disco sorpresa, pues acaba de fecharlo.
Como puede verse en su perfil de Instagram, su nuevo proyecto ‘RENAISSANCE’ saldrá al mercado el 29 de julio. Al menos el «acto 1», de lo que se deduce que al menos hay un «acto 2». En el foro de Popjustice recuerdan que se rumoreaba que Beyoncé volvería con dos discos, del que este sería el primero, incluyendo 16 pistas, como puede verse en algunas plataformas.
También Tidal confirma que ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé llegará el día señalado y en la web de Beyoncé puede reservarse el álbum o encargarse una caja especial por 39 dólares que incluye un CD, un libreto de 28 páginas y una camiseta.
Según informa en exclusiva Variety, el disco alternará géneros como el dance y el country. Citan a un insider que les ha indicado que entre los autores del álbum están Ryan Tedder (el de ‘Halo’ y OneRepublico) y Raphael Saadiq (Mary J Blige, D’Angelo).
Se tratará del primer trabajo de estudio de Beyoncé en 6 años, desde ‘Lemonade‘, si bien en este tiempo ha estado ocupada con varios proyectos, como comisariando la música de ‘El Rey León’, lanzando temas sueltos como ‘Black Parade’ o colaborando con gente tan pintoresca como Ed Sheeran en el hit ‘Perfect’ o J Balvin en una versión en Spanglish de ‘Mi gente’. Este ha de ser su gran «comeback», su gran «renacimiento», tras una serie de proyectos erráticos y la pregunta que se hace todo el mundo es si también será un proyecto audiovisual o tal cosa pasó de moda ya.
Netflix ha lanzado, por fin, el teaser tráiler de ‘Blonde’, el esperado biopic sobre Marilyn Monroe que sigue produciendo titulares a varios meses de estrenarse por la polémica que rodea a algunas escenas de la película, de las que se dice que contendrán partes de violencia sexual explícita. Descubriremos hasta dónde ha decidido llegar Dominik con la figura de Monroe el próximo 23 de septiembre, con el estreno mundial de ‘Blonde’ en Netflix.
Al menos, de momento, el director, Andrew Dominik, ha prometido que la película «ofenderá a todo el mundo» y se ha confirmado que mantendrá la calificación por edades NC-17, un escalón más respecto a la conocida calificación R. La diferencia entre las dos etiquetas es que en la calificación R los menores requieren ser acompañados por un adulto, mientras que en NC-17 se prohíbe el visionado a cualquiera que no sea mayor de 17 años, ya esté acompañado por un adulto o no.
Ana de Armas es la encargada de la titánica tarea de meterse en la piel de una de las figuras más emblemáticas del siglo XX, como es Marilyn Monroe. La película está basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates, y el resto del reparto lo completan Adrien Brody, Julianne Nicholson, Bobby Cannavale y Sara Paxton, entre otros. ‘Blonde’ se proyectará por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre.
El dúo de Chicago formado por Julien Ehlrich y Max Kakacek, Whitney, han anunciado su tercer LP, titulado ‘SPARK’, el cual estará disponible a partir del 16 de septiembre. Como suele ocurrir en estas ocasiones, el grupo ha aprovechado para anunciar también un nuevo single y vídeo junto con la fecha del álbum. La canción se llama ‘REAL LOVE’ y el videoclip, tan colorido y cute como es, es un reflejo genial del sonido del tema.
‘SPARK’ será la tercera entrega del grupo de indie folk, si se les puede considerar así, tras ‘Forever Turned Around’, de 2019. Esto, por supuesto, sin contar el álbum de versiones de 2020, ‘Candid’, y el recopilatorio de demos de su primer y exitoso álbum, ‘Light Upon The Lake’.
Este disco forma parte de la larga lista de proyectos afectados por la pandemia y el confinamiento, ya que, según cuentan Julian y Max, la situación les permitió ver cómo maduraban sus ideas y cómo crecía el disco poco a poco, sin la presión del éxito en sus mentes, lo cual les recordó al proceso que vivieron al crear su primer lanzamiento. Max lo resume en una frase: «Nuestra manera favorita de hacer discos, la manera en la que hicimos el primero».
Tracklist:
1. Nothing Remains
2. Back Then
3. Blue
4. Twirl
5. Real Love
6. Memory
7. Self
8. Never Crossed My Mind
9. Terminal
10. Heart Will Beat
11. Lost Control
12. County Lines
El álbum debut de una de las artistas de dance y house más interesantes del momento, TSHA, llegará a nuestros oídos el 7 de octubre bajo el nombre de ‘Capricorn Sun’. En el disco aparecerán Oumou Sangaré, Clementine Douglas y Mafro, pareja de la artista.
Podemos esperar un LP con tonos muy personales, y canciones que reflejan una serie de problemas tanto familiares como emocionales. Por ejemplo, uno de los tracks ya lanzados y que ha sido incluido en el álbum es ‘Sister’, un tema nacido a partir de que TSHA descubriese que tiene una hermanastra mayor que ella.
El single más reciente, ‘Giving Up’, también fue concebido, junto a su compañero Mafro, en un momento de dificultad emocional tan extremo como la pandemia, tal y como cuenta la artista londinense en su cuenta de Instagram.
Además del estrés derivado de la situación sanitaria, la artista y su pareja escribieron ‘Giving Up’ durante un periodo de tensión entre ellos en el que seguro que, al menos, se les pasó por la cabeza darse por vencidos, siguiendo el título del tema. TSHA explica lo que significa ‘Giving Up’ para ella: «Siento que esa canción es una manifestación de nuestras frustraciones en ese momento». El tema, a medio camino entre el Drum & Bass y Jamie XX, solo mejora con cada escucha, apreciándose cada vez más los pequeños detalles que TSHA suelta sobre el beat, y convirtiendo ‘Giving Up’ en nuestra canción del día.
Otras canciones que han logrado entrar en el tracklist del disco son ‘Power’ y ‘OnlyL’, y lo que nosotros no podemos entender es cómo ‘Change’ no está entre las elegidas, siendo una de las mejores piezas de TSHA. Ahora que estamos prácticamente en verano, este tema es de escucha obligatoria.
TSHA forma parte del line up del Paraíso Festival, el evento de electrónica que se celebra en la Universidad Complutense de Madrid los días 24 y 25 de junio. A este festival también asistirán otros artistas del género como Sofia Kourtesis, Moodymann o Shygirl. TSHA actuará el sábado 25 de junio.
Tracklist:
1. Galdem (Intro)
2. The Light
3. OnlyL feat. NIMMO
4. Water feat. Oumou Sangaré
5. Dancing In The Shadows feat. Clementine Douglas
6. Giving Up feat. Mafro
7. Anxious Mind feat. Clementine Douglas
8. Time
9. Power
10. Running
11. Sister
12. Nala (Outro)
Mientras el mundo se calzaba los mallots y los brilli-brillis en homenaje a la música disco, Andy Butler se enfrascaba en el disco menos Hercules & Love Affair de su carrera. Hubiera sido el momento de reivindicarse, bien en su registro más clásico, o bien modernizándolo. Sin embargo, ha decidido caminar en una dirección tan opuesta que hasta ha dudado si firmar este álbum como Hercules & Love Affair. Es tan personal en su exploración de temas como la familia, la infancia, la religión y la muerte que firmarlo como Andrew Butler habría sido una opción. Fue ANOHNI quien le animó a mantener su conocido alias. Y no porque sepa por experiencia propia que un cambio de nombre puede significar tu entierro en sentido figurado. Simplemente le espetó: «¿pero por qué no va a ser un disco de Hercules & Love Affair?».
Hercules & Love Affair han sido conocidos por su vinculación a la cultura LGTB+: han dado una visibilidad enorme a artistas trans cuando mucha gente pensaba no conocer ninguno, y también a causas como el VIH, cuando la gente desconocía lo que significa ser indetectable. ‘In Amber’ es también un disco LGTB+, sólo que en lugar de hablar de escapismo, se recrea en el lado más oscuro tras ese relato. Pueblan las letras sentimientos como la culpa (‘Repent’) o el rechazo familiar (‘Gates of Separation’, ‘Kill His Family’) e imágenes como el día del juicio final (‘The Eyes of the Father’). Las canciones se llaman cosas como “Oración Cristiana” y “¿Quién nos salvará ahora?”.
Ahora los referentes de Andy Butler son otros. Habla de su admiración por Brian Eno desde siempre, y dice haberse inspirado «no solo en Throbbing Gristle o Cabaret Voltaire» sino en bandas de punk y metal lideradas por mujeres como Sacrilege, Fear of God y también Killing Joke». Entre sus influencias está Dead Can Dance, algo muy palpable en este álbum de arreglos orquestales, exóticos y siniestros.
En el desarrollo de ‘In Amber’ ha tenido mucho que ver ANOHNI, que presta su voz al sentir de Butler en la mitad de los temas de este disco, y a su vez ha animado al mismo Andy a cantar. Conocida la deriva esquiva del proyecto de Hegarty, tiene todo el sentido que si ambos se reunieran no fuera precisamente para una recreación de su histórico llenapistas ‘Blind’, aún la mejor canción de 2008, por mucho que nos pese. El resultado es que, por un lado, temas como ‘Contempt for You’ o ‘Christian Prayer’ se crecen gracias a la afectada voz de ANOHNI, que les da un tono desesperado, suplicante. Y por otro, conocemos ahora a Andy Butler en un registro que le vincula a The National (‘Grace‘), Brett Anderson (‘Repent’) o David Bowie (‘Gates of Separation’).
La islandesa Elin Ey aporta un plus de variedad en ‘Dissociation’, una delicadeza con cuerdas que habría podido entonar la mejor Lou Rhodes. Como también aporta dinamismo la distribución de hits potenciales que de hecho casi, casi se pueden bailar a lo largo del álbum: ‘One’ aparece en segundo lugar y ‘Poisonous Storytelling’ en el penúltimo, resultando excitante en su valiente producción de percusiones y efectos. En ella, ANOHNI nos advierte del cuidado que hemos de tener con las nuevas narrativas en un momento político tan delicado. Y convence.
Las rocas en esta travesía serían canciones como ‘You’ve Won This War’, ‘Who Will Save Us Now?’ o ‘The Eyes of the Father’, el tipo de piezas que aportan más al concepto del álbum que a la historia de la música popular. No todo son temazos en un disco en general hermoso y con su detalle y significado, pero al menos ahora sabemos qué quería decir Andy Butler cuando le pidió a Madonna que hiciera música acorde a su edad. Ha llegado a su propio ‘Ray of Light’ exactamente a la misma edad que ella, los 39. No las tenía todas conmigo de que fuera a ser consecuente con su reclamo. Bienvenida, madurez. Adiós para siempre, hedonismo. A ver cuán fuerte le abraza el público fuera de las pistas.
Como es tradicional, o como lo era antes de la pandemia, mientras se celebra el Sónar, la Sala Razzmatazz desplegará una espectacular programación sobre todo de electrónica desde esta noche de jueves 16 de junio hasta el próximo sábado. Se incluirán grandes valores del techno, la música urbana y latina.
La fiesta comenzará esta noche cuando la agencia berlinesa Triangle tome la Sala 1 con una selección de lujo de su rooster, que incluirá a Rødhåd, Ellen Allien y Nene H B2B Christoph Faust. En la Sala 2, Objekt será el encargado de la selección de artistas, con la presencia de Juliana Huxtable, rRoxymore, Tutu y el propio Objekt.
Mañana viernes 17 de junio Ivorian Doll, la sensación UK drill del momento, realizará un live para encabezar un cartel en el que también estarán Drizzyclare, Drea y Toccororo. Mientras, la sala 2 se dedicará a la música latina, con reggaetón, dembow, cumbia, guaracha, bachata y demás, de mano de Fake Guido, Color, Yibril y el directo de la artista dominicana Lennis Rodríguez.
El hyperpop y el nightcore estarán presentes en la noche del viernes en la Sala 4, donde habrá 4 directos y 2 sesiones de Angel3000, Conelli, Gewrl, Klaus, Mixie y Turian Boy.
En cuanto al sábado 18 de junio, será la noche de Ben Sims y su sello discográfico, en la sala grande del club. El propio Sims estará haciendo un B2B con la española con base en Berlín Alienata. También se podrá ver el directo de Kink y los dj set de Steffi y Anita Kunst. En otras salas se podrá ver a Paula Temple, Anetha o Matrixxman.
Durante los meses de julio y agosto se celebrará un ciclo de conciertos gratuito en la Costa Brava. En concreto será en el emblemático resort Pola Giverola, de 4 estrellas. Para clientes del hotel y para quien quiera asistir, Pola Giverola será escenario de un total de 8 conciertos íntimos y exclusivos. Y gratis.
En nota de prensa defienden que «por su inmejorable ubicación, enclavado entre dos impresionantes calas de la Costa Brava, cada concierto supondrá una experiencia única gracias a la música, la brisa del mar y el ambiente».
El cartel incluye a Gabriela Richardson, quien ha trabajado con Alizzz en ‘Crime’ y con Yall en el multimillonario ‘Hundred Miles’, y quien acaba de pasar por Primavera Sound; también a Miqui Puig con su banda ACP, justo después de publicar un álbum que ya es inminente, incluyendo colaboraciones con Iranzu Valencia y Queralt Lahoz; y a The Free Fall Band.
El cartel se completa con Twin, Maria Jaume, Clara Gispert, Intana y Vic Mirallas. Tanto cliente alojado como externo podrá disfrutar de este ciclo de conciertos gratuito y al aire libre. Los días de concierto el parking de la cala, habitualmente de pago, será gratuito para los asistentes a los conciertos (hasta completar aforo). Así queda el calendario:
Jueves 07/07 Twin
Sábado 16/07 The Free Fall Band
Jueves 21/07 Maria Jaume
Sábado 30/07 Miqui Puig & ACP
Jueves 04/08 Gabriela Richardson
Sábado 13/08 Clara Gispert
Jueves 18/08 Intana
Sábado 27/08 Vic Mirallas
George Miller, alias Joji, ha recorrido un largo camino desde sus días en YouTube como Filthy Frank y Pink Guy. Tanto, que a veces parece imposible que sea la misma persona. Su primer álbum fue ‘BALLADS 1’, en 2018, seguido de ‘Nectar’ en 2020, su álbum más reciente. Puede que Joji esté preparando una tercera entrega en su discografía, aunque todavía es pronto para decir. Lo que sí es seguro es que Joji ha lanzado una de las mejores canciones de la semana y nuestra Canción del Día, ‘Glimpse of Us’, que además está arrasando entre el público.
‘Glimpse of Us’ es una balada de piano clásica con los toques de R&B que Joji acostumbra a implementar en su música. Toda la canción es melodía y letra, y no le hace falta nada más. Hacer canciones de este estilo, solo piano y voz, y esperar triunfar, es arriesgado en los tiempos que corren. Si una balada así no emociona, el público la va a encontrar aburrida. Es lo más fácil de pensar tras escuchar una canción lenta a piano, seamos realistas.
Provocar escalofríos y emocionar no es sencillo, pero cuando una canción lo consigue es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar al escuchar música. Conexión total. No hay una fórmula definida para que esto ocurra, pero sería una mezcla de melodía, letra y algo más, que no sabría describir. Ese «algo más», lo tiene ‘Glimpse of Us’.
La letra desempeña bien su papel y busca los escalofríos, con unos versos en los que el protagonista no puede evitar pensar en su relación pasada, aun cuando cree que su pareja actual es «perfecta» («She’d turn the rain to a rainbow / When I was living in the blue / Why then, if she’s so perfect / Do I still wish that it was you?»), lo cual le lleva a ver imágenes de su antigua relación al mirar a los ojos de la chica con la que está ahora («Cause sometimes I look in her eyes / And that’s where I find a glimpse of us»).
Y para confirmar que esta canción tiene algo especial, solo hay que ver lo que ha conseguido tan solo a unos días de su lanzamiento. Recordemos, es una balada de piano. Sin más. ‘Glimpse of Us’ ha conseguido posicionarse, por primera vez en la carrera de Joji, en el Número 1 del Top 50 de Estados Unidos y en el Número 1 del Top 50 Global en Spotify. Habrá que esperar para ver en qué puesto debuta en Billboard, pero de momento pinta bastante bien. Joji ha acompañado el lanzamiento de la canción con un videoclip igual de devastador que la música, pero no tan directo.
La oferta incluye numerosos festivales que celebrarán la música pop, el regreso del house o la EDM, comenzando esta misma semana. Malta DLT es el primer evento que se celebra este mismo finde en la isla, concretamente entre los días 16 y 20 de mayo, encabezado por artistas tan queridos por aquí como Kaytranada y tan populares como WizKid. DLT es el acrónimo de “Days Like These” y se trata de un evento al que solo podrán asistir 3.000 personas de manera exclusiva. Habrá fiestas en lugares como Bora Bora Ibiza-Malta, Cafe del Mar Malta, Gianpula Village y Uno Malta, tanto con actuaciones como sesiones de DJ’s.
El siguiente, y al que nuestra redacción ya tuvo la suerte de asistir en el pasado, fue Isle of MTV. Se celebrará el 19 de julio, será su 14º edición ya, y en esta ocasión contará como cabezas de cartel con French Montana y DJ Marshmello. Es uno de los conciertos más masivos de Malta, se espera que se agoten las entradas, por lo que se recomienda la compra de abonos cuanto antes.
Entre los días 10 y 17 de agosto, Summer Daze Malta reúne a artistas populares de la escena pop, house y EDM, siendo la primera vez que se celebra desde 2019. Para conocer su cartel, permaneced atentos a su Instagram.
Al mismo tiempo, entre los días 13 y 16 de agosto, llegará la 5ª Edición de Glitch Festival, que promete volver “más grande, más fuerte y mejor” tras un par de años de parón. Incluye fiestas en lugares tan dispares como áticos, barcos y cuevas, aunque las actividades principales se concentran los días 14 y 15, con un evento final en barco el día 16. El cartel incluye a Honey Dijon (en la imagen principal), Ellen Allien, Nina Kraviz y un larguísimo plantel de decenas de dj’s.
Elrow Malta, que se define como “la fiesta más loca del mundo”, es una “explosión de luz, color y sonido” y se celebrará en Malta el 14 de septiembre, tras su paso por otros lugares del mundo. El mismo mes, pero entre los días 15 y 19, se podrá ver a Adam Beyer, Chris Liebing, DJ Rush, Joris Voorn, Maceo Plex y Monika Kruse en Drumcode Festival. Su eslogan es “resetear tu realidad” y además promete ofrecer su mayor producción y cartel hasta la fecha.
El departamento de Turismo de Malta recuerda que las mascarillas ya no son obligatorias para volar al país, que siempre estuvo a la cabeza en vacunación, ni tampoco en ninguno de los eventos musicales de este verano. Desde el 9 de mayo, se puede visitar Malta sin cuarentenas, simplemente con el certificado de vacunación o test negativo de covid-19.
Aitana continúa con su carrera al margen de ‘Mon amour (remix)‘ con zzoilo, ese hit que aún a día de hoy se resiste a morir en medio de la avalancha de singles que salen cada viernes (en este momento ocupa el puesto 41 de las canciones más escuchadas de Spotify España).
Después que ‘En el coche‘, ese single raro de Aitana que es en solitario, la catalana ha protagonizado una nueva colaboración. ‘mariposas’ es su nuevo single, y es compartido con el cantante italiano sangiovanni, conocido precisamente por la versión original de este tema, ‘farfalle’, que ha sido un éxito en Italia. Aitana aparece para añadir versos en español.
sangiovanni es uno de los talentos jóvenes al alza en Italia. El joven de Vicenza se dio a conocer tras su paso por el talent show Amici di Maria De Filipp (donde quedó segundo) y, este año, ha participado en el festival de Sanremo, donde ha competido con Mahmood y Blanco y con Ana Mena. En 2021 publicó su primer EP homónimo, que incluye sus más importantes éxitos, ‘malibu’ y ‘lady’, dos temas que suman juntos más de 200 millones de reproducciones en Spotify. Este 2022 ha salido a la luz ‘CADERE VOLARE’, su primer álbum.
‘farfalle’ ya era una producción cuestionable en su versión original por culpa de su manida melodía y de su aún más manido sonido de house-pop y eurodance noventero, que parece buscar colarse en alguna carroza del Orgullo precisamente en el mes de ídem. El público se la ha merendado con patatas y hoy suma cerca de 40 millones de reproducciones en Spotify, a las que hay sumar las 4 logradas por su adaptación al español. En el top 50 de Spotify España, ‘mariposas’ ocupa el puesto 12. Sin embargo, el ejercicio melódico que practica ‘mariposas’ es ligero… de no matarse mucho. Más que «mariposas» provoca tedio.
A favor de ‘mariposas’ hay que decir dos cosas. En primer lugar, su producción musical sí logra ser un poquito más elegante de lo esperado. En segundo, el videoclip ha quedado de lo más colorido y mono, tanto que da ganas de seguir viendo a Aitana en este contexto más clásico e italiano.
Santigold ha anunciado que su cuarto álbum de estudio, ‘Spirituals’, verá la luz del día el 9 de septiembre. Como complemento a la noticia, Santigold ha lanzado un nuevo single, y videoclip, llamado ‘Ain’t Ready’, coproducido por el mítico productor de las primeras mixtapes de The Weeknd, Illangelo. El primer single de ‘Spirituals’ fue lanzado el pasado mayo bajo el nombre de ‘High Priestess’.
La artista describe su nuevo single como «una de esas canciones en las que nada más abrir la boca toda la melodía fluyó» y cuenta lo complicado que fue encontrar la letra correcta para acompañar la música: «Me costó encontrar la letra apropiada al principio, pero cuando lo conseguí, y empecé a cantarla una noche que estaba sola en el estudio, lloré».
Para ‘Spirituals’, grabado principalmente durante la pandemia, Santigold no ha querido limitarse a la música y los vídeos, y ha decidido expandir sus medios artísticos a nuevos horizontes, entre los que se incluyen una nueva línea de cosméticos naturales y una marca de té, ambos proyectos con el mismo nombre de marca, ‘Spirituals’. La artista estrenará un podcast en el que conversará con otros artistas, y también está preparando una serie de productos literarios y cinemáticos: «Quiero seguir expandiéndome hacia todas las formas de arte y tengo muchas ganas de dejar que mi música me lleve a nuevos lugares».
‘Spirituals’ será el cuarto LP oficial de la artista estadounidense en seis años, tras ’99 Cents’ en 2016. En 2018, Santigold lanzó una mixtape de media hora para saciar las ganas de música de sus fans, ‘I Don’t Want: The Goldfire Sessions», centrada alrededor del dancehall.
Tracklist:
1. My Horror
2. Nothing
3. High Priestess
4. Ushers Of The New World
5. Witness
6. Shake
7. The Lasty
8. No Paradise
9. Ain’t Ready
10. Fall First
Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control», dedicada al pop nacional o en castellano, comenzando con ‘El nido’, el himno de sororidad de la gaditana Musgö, cuyo vídeo estrenamos hoy. También son novedades recientes ‘La actriz más mala que hay’, otro adelanto sui generis del próximo disco de Chico y Chica, que continúa programado para este año 2022; y ‘La isla de Lesbos’, single del también próximo álbum de Javiera Mena.
Entre los temas colaborativos de la semana que no vimos venir está el reggaetoncito de la imparable mariagrep con Ant Cosmos, dos de nuestros artistas revelación favoritos de los últimos tiempos; o esa canción en que Anne Lukin se ha sumado a The Crab Apples, recordando a los rompepistas indie-rock de los primeros 2000. Por su parte, el disco de Yarea recién editado no le impide seguir publicando temas y ha estrenado ‘Algo azul’ junto a KICKBOMBO.
Teleclub sacan hoy en Elefant ‘Mi crush del autobús’, un tema de punk pop con teclados, aunque no tantos como el tema synth-pop de Dame Area, el dúo situado en Barcelona de Silvia Konstance y Viktor L. Crux, quien ha colaborado en proyectos internacionales. Minimal Shchlager estrenan la balada oscura ‘Forbidden Fruit’ e igualmente ochentera es ‘No lo sé’ de la mallorquina Sofia.
El rock lo encontramos en la banda almeriense de shoegaze palmeras negras, en su faceta más comercial Karavana, y en su faceta más indie pop, Flores de Uranio. La parte más electrónica nos la dan BUNE, TRISTÁN! y la colabo de Kora para TAURO. Completamos la playlist con el ‘Colocao’ de Ankli y el ‘Amor invisible’ de Los Fresones Rebeldes.
Solo han pasado catorce meses desde que Dry Cleaning lanzaron su álbum debut, ‘New Long Leg’, y los fans de la banda londinense ya pueden disfrutar de un adelanto de su próximo proyecto, además de tener una fecha de lanzamiento para la que esperar.
El segundo LP de Dry Cleaning, titulado ‘Stumpwork’, llegará el 21 de octubre con once nuevas canciones. ‘Don’t Press Me’ es el primer single del disco y, aunque dura menos de dos minutos, los amantes del material que Dry Cleaning ha lanzado hasta ahora seguramente estén contentos. La vocalista Florence Shaw explicó que la letra del estribillo se le ocurrió porque estaba intentando «escribir una canción para cantársela a mi cerebro». También está disponible un videoclip animado de la canción, dirigido por Peter Millard.
En ‘Stumpwork’ la banda promete continuar con las letras surrealistas por las que se caracterizan, añadiendo una capa de sensibilidad extra a la hora de hablar de temas como la familia, el dinero, la política, o la sensualidad. Esperemos que puedan soportar la presión de su álbum debut a sus espaldas, el cual fue un verdadero éxito, tanto en ventas como en recepción por la crítica, llegando al número 4 en la lista de éxitos de Reino Unido.
Tracklist de ‘Stumpwork’:
1. Anna Calls From The Arctic
2. Kwenchy Kups
3. Gary Ashby
4. Driver’s Story
5. Hot Penny Day
6. Stumpwork
7. No Decent Shoes For Rain
8. Don’t Press Me
9. Conservative Hell
10. Liberty Log
11. Icebergs
«Un disco es algo muy serio con su principio y su fin» es uno de los titulares que dejaba Natalia Lacunza en la primera entrevista que concedió a este medio allá por 2019, tras el lanzamiento de su primer EP ‘Otras alas‘. La navarra explicaba que le quedaba «rodar» mucho para poder componer un álbum con pies y cabeza, y que no entraba en sus planes crear uno en ese momento.
En los años próximos a su salida de Operación Triunfo, programa en el que quedó tercera finalista, Lacunza sacó dos epés y realizó diversas colaboraciones. Pero, sobre todo, quedaron muy claros sus objetivos como compositora. Desde el principio ha sido obvio su interés por componer obras cerradas, efectivamente con su principio y su fin, y ha tenido el buen gusto de colaborar con Guitarricadelafuente, Videoclub, Sen Senra, Anxo de Novedades Carminha, Cariño o Bronquio. ‘ep2‘ -el primer número 1 de ventas de la cuarentena- presentaba un sonido de pop atmosférico cuqui que remitía a gente como FKA twigs o James Blake, y volvía a ser un trabajo pensado y mimado.
Por si no quedaba claro que a Lacunza no le interesa lo más mínimo precipitar sus proyectos, su esperado debut oficial ha salido esta semana, en 2022, cuatro años después de la finalización del concurso. ‘Tiene que ser para mí’ es ese disco «serio», bien hecho, al que Lacunza aspiraba. Un disco que no contradice en absoluto el discurso que ha enarbolado desde los inicios: ‘Tiene que ser para mí’ cuenta con un único productor, Pau Riutort, conocido por su trabajo en Extraperlo o Beach Beach. A su vez, las composiciones de Lacunza suben varios peldaños de madurez.
La primera muestra de la transformación de Lacunza la daba ‘Nuestro nombre‘, un oscuro tema de synth-pop evidentemente inspirado en ‘Blinding Lights’, pero que nos descubría a una digna compositora de melodías calmas y depuradas, resultando un single estupendo que no vimos venir.
‘Nuestro nombre’ no forma parte de ‘Tiene que ser para mí’ pero su estilo melódico está muy presente en el álbum, por ejemplo, en el excelente indie-pop de ‘Todo lamento‘, con ese «olvida haberme conocido» que da ganas de tatuarse en la frente; o en el ufano single ‘Cuestión de suerte‘, el más synth-pop del disco, en un estilo que remite improbablemente a los WHAM! de ‘Last Christmas’ aunque no haya sido intencionado.
La sorpresa que da ‘Tiene que ser para mí’ es lo lejos que está su sonido de la contemporaneidad de los epés previos de Lacunza. Más bien, la mezcla de elementos acústicos y electrónicos de ‘Tiene que ser para mí’, así como el componente sereno y purificado de sus melodías, remite al trabajo de artistas de pop comerciales-pero-alternativos como Julieta Venegas, Jorge Drexler o Kacey Musgraves, a quien recuerda el emotivo soft-pop de ‘Mi sitio’. Y si ‘Todo lamento’ opta por un estilo de indie-pop británico, el siguiente single ‘Muchas cosas‘ acierta con su uso de guitarras tipo los Strokes. Eso sí, la producción de Pau Riutort nos lleva a nuestro tiempo, por ejemplo, en el hip-pop florido del tema titular o en el electropop con guitarras bedroom-pop de ‘No me querías tanto’, lleno de detalles.
‘No me querías tanto’ es probablemente la canción de ‘Tiene que ser para mí’ que más dará que hablar por su retrato de una relación tóxica que Lacunza ha superado o empezado a superar. Estos días se han viralizado unas declaraciones de la navarra en las que esta habla sobre la presencia, en los carteles de festivales, de artistas masculinos que han hecho «barbaridades» y que siguen apareciendo en «line-ups» de primer nivel. ‘No me querías tanto’ puede hablar de este asunto en concreto porque tiene el detalle de samplear un diálogo de la película de 1947 ‘Ojos en la noche‘, pero también admite una lectura más general (como la propia Lacunza ha reconocido) y universal, algo a lo que aspira todo el disco.
Si ‘Tiene que ser para mí’ es un trabajo bien cerrado a nivel musical, también lo es a nivel de letras. Atraviesa todo el disco el mensaje que Lacunza se encuentra en un lugar de satisfacción personal, tras haber pasado por varios años duros. El tema titular rima que «lo que ya me dolió, de oro se volvió», y ‘Mi sitio’ incluye el pareado «hace tiempo que sé cuál es mi sitio / ahora ya sé que no te necesito». La madurez de Lacunza le lleva en el jungle tipo PinkPantheress de ‘Todo va a cambiar’ a asumir con entereza que su vida ha cambiado para siempre ahora que es una persona famosa, y el disco se cierra con una letra tradicional de Los Moles (2001) aplicada a un «groove» de funk carioca delicioso y melancólico.
La constelación de referencias e influencias de ‘Tiene que ser para mí’ contribuye a crear una obra excelentemente cerrada y atada, en la que también cabe mencionar el bolero de ‘Tiempo atrás’, que ha co-escrito Silvana Estrada y termina con un final rítmico que recuerda al de ‘Nunca estoy‘ de C. Tangana. El álbum transmite esa misma sensación de satisfacción, de haber hecho las cosas bien, a la que ha llegado Lacunza para poder hacer el disco que tanto anhelaba.
moren es el proyecto musical de Judith Moreno, cantante y compositora de Barcelona a la que puedes haber descubierto por su aparición en la playlist de novedades en castellano Sesión de control. Su reciente single ‘de madrugada’ es tan solo el tercero de su carrera, aunque la artista suma otras dos colaboraciones con CAMPOS (‘lejos’) y alouest (‘Sin mí’) que encajan en su mundo íntimo y reconfortante.
Con un nombre escrito en minúsculas que no debe confundirse ni con el de Maren ni con el de mori, moren crea diminutas canciones de pop preciosista que destacan por su componente ultra intimista. Tanto que parecen grabadas debajo de una manta. Bedroom-pop extremo, se le podría llamar.
El primer single de moren es ‘mi penica’, tema que introduce a la audiencia en su atmosférico a la par que enrarecido mundo. La producción de Magalí Elizabeth Cáceres envuelve en una espesa bruma lo que no deja de ser un beat tropical, mientras los coros alienígenas de fondo acompañan un sencillo punteo de guitarra eléctrica. En ‘otro lado’ los mismos elementos de ‘mi penica’ emergen detrás de un animado arreglo de percusiones tipo palmas, mientras la emotiva ‘de madrugada’ refuerza el sonido no solo de la guitarra -que suena incluso un poco grunge- sino también del vocoder.
Las canciones de moren suenan tan pequeñas e íntimas que las letras pueden estar balbuceadas, mientras el procesamiento de voz hace pensar en los primeros trabajos de Billie Eilish, una referencia probable para moren dado que su biografía de Instagram reproduce la frase «dónde están los aguacates», el nombre original de la cuenta de Billie. Sin embargo, la producción electrónica trae a la mente más bien a nombres de hoy como rusowsky o la primera Natalia Lacunza.
La emotiva ‘de madrugada’, probablemente su composición más lograda hasta la fecha, incorpora unos efectos vocales que remiten al primer James Blake, prueba de que moren está sabiendo canalizar sus influencias, a la vez que busca su propio discurso en canciones que nos hablan de ser perseguida por el pasado, o de los males del amor.
Musgö, que hace unos días os presentamos en la playlist de pop nacional «Sesión de Control» con motivo de su fichaje por El Tragaluz, tiene nuevo single, ‘El nido’. El sello que también acoge a Vicente Navarro, Karmento, Idoipe y Vermú, presenta el adelanto del que será el nuevo álbum de la artista gaditana.
Hoy JENESAISPOP estrena el nuevo vídeo de esta artista, conocida como arpista -algo que notarás enseguida en ‘El nido’- y también como cantante de temas como ‘Que es lo que pasa en mi casa’. Tiene un álbum llamado ‘Open The Gate’ de 2019 e hizo la banda sonora de la serie ‘Grasa’ para Playz. Cuentan desde su sello que el nido, como «lugar en que las aves crian polluelos», se transforma aquí en «símbolo de la sororidad, un lugar femenino de creatividad, abundancia, alegría e inspiración, donde descansar de una realidad (a veces) desoladora».
El videoclip que estrenamos presenta «tintes ecofeministas», pues en él «mujeres de todas las edades e identidades de género saltan y corren juntas, representando visualmente la unidad que son a modo de tribu contemporánea». La instalación de land art de Musgö ha sido construida por las artistas Virginia Marín e Inma Chincoa. Se trata de un nido gigante tamaño humano construido especialmente para la ocasión.
Un vídeo lleno de simbología, que toma partido en cuanto a la división vista en el 8-M, para una canción sencilla y directa, como han de ser las composiciones de tipo social, pero a la vez sutil en cuanto a su producción y desarrollo. Es ese minimalismo el que hace resonar frases como “Caminando juntas, la vida tiene otro color”, mientras en otro punto de la letra, Musgö huye de nostalgias pasadas e idealizaciones.
Os dejamos con el vídeo y con las próximas fechas confirmadas:
01/07 Ciclo 9 Musas (Trebujena, Cádiz)
10/07 Ciclo Chiclana al natural (Chiclana)
20/07 Noche del Oráculo Castillo de Sancti Petri (Chiclana)
08/08 White Summer (Pals)
13/08 La Losa (Segovia)
El año pasado con su EP ‘Inbred’, Ethel Cain se presentaba como una artista singular cuyo universo estaba fuertemente inspirado por la estética gótica americana y muy vinculado a la religión. Con su debut, ‘Preacher’s Daughter’, Cain expande aquel trabajo con un álbum que no atiende a modas y cuyas canciones a menudo cruzan la barrera de los 6 minutos.
Se trata de un disco conceptual sobre un personaje que huye de casa, tan solo para terminar en manos de un caníbal, y será nuestro «Disco de la Semana».
Una de las canciones «breves» y también una suerte de rara avis en este proyecto es ‘American Teenager’, la canción más pop e inmediata que ha entregado la artista hasta la fecha, que remite a la Taylor Swift de ‘Speak Now’.
En ella, se cuestiona lo que supone ser un adolescente estadounidense en una sociedad que idealiza la búsqueda del sueño americano hasta el punto de que, a menudo, morir por tu país está visto como el mayor acto de heroicidad posible (“El hermano del vecino llegó a casa en una caja / Pero él quería ir, así que tal vez fue su culpa. / Otro corazón rojo tomado por el sueño americano”).
También refleja su complicada relación con la religión, recordando como cuando su padre falleció era ella quien daba el oficio los domingos en la iglesia pese a hacerlo ebria la mayor parte de las veces (“La cabeza llena de whisky pero siempre cumplo /Jesús, si estás escuchando, déjame manejar mi licor / Y Jesús, si estás ahí, ¿por qué me siento sola en esta habitación contigo?”).
Pero pese a la seriedad de la letra y la intensa y desgarrada entrega vocal de Ethel Cain, el casi-luminoso estribillo se encarga de elevar la canción a un territorio accesible y hasta ligero si atendemos exclusivamente a la melodía. ‘American Teenager’, con sus contagiosos riffs de guitarra y su percusión ochentera, suena como un himno pop rock listo para ser coreado en un gran estadio.
De hecho, no sería de extrañar que Madonna haya llegado a Tokischa a través de Rosalía, pues es tan fan de la autora de ‘El mal querer’ que le pidió que actuara en su 60º cumpleaños. Al final, no resultó.
Se desconoce cuál es el destino de esta colaboración. De hecho, Madonna subió unos Stories en diciembre grabando con Swae Lee un tema sobre el que no se sabe nada. Eso sí, los fans de la cantante rezan lo poco que se saben para que no se trate de otro remix de ‘Frozen’ tras los compartidos junto a 070 Shake, Fireboy DML y Sickick.
Los nuevos proyectos de Madonna son una actuación en el Pride el día 23 de este mes, un recopilatorio de remixes, un biopic que podría estar protagonizado por Julia Garner y la reedición de sus discos históricos en Warner. Se rumorea que estos incluirían actualizaciones de algunos temas con artistas actuales, y estos podrían incluir a Tokischa, pero de momento todo son especulaciones. Lo seguro es que en ningún momento se ha rumoreado que Madonna pudiera sacar música completamente nueva este año.
Se trata tan sólo del 2º número 1 en Reino Unido para la cantante tras ‘Wuthering Heights’ en 1978. Previamente ‘Running Up that Hill’ se había quedado en el puesto 3. La OCC certifica que este es un récord de lapso entre dos números 1 en toda la historia de Reino Unido, pues Kate Bush ha tenido que esperar 44 años para conseguirlo.
Kate Bush ya había dado las gracias a los hermanos Duffer porque por su “extraordinaria serie, la canción está siendo descubierta por una audiencia completamente nueva”. Continúa en un comunicado raro en ella: “Nunca antes me había pasado esto (…) Es la primera vez que he tenido un top 10 en Estados Unidos y ahora es top 5”.
Hoy, tras conocer su número 1 en UK añade: «Estoy superada por la escala de afecto y apoyo que la canción está recibiendo, y todo está pasando tan deprisa, como si estuviera movido por una fuerza mayor. Tengo que admitir que estoy emocionada de verdad por todo esto».
Por otro lado, España va un poco retrasada en su apoyo a Kate Bush. Por aquí, ‘Running Up that Hill’ entra esta semana únicamente al puesto 48 de Promusicae. Que pudiera competir por ser el número 1 o conseguirlo como en Reino Unido, Austria y Noruega es un sueño. La buena noticia es que ni este single ni el álbum ‘Hounds of Love’ llegaron al top 50 oficial en España a su edición en 1985, una época muy competitiva en que estábamos muy ocupados con ‘Deseo Carnal’ de Dinarama, ‘Brothers in Arms’ de Dire Straits, ‘We Are the World’, ‘Like a Virgin’ de Madonna y la banda sonora de ‘Lady In Red’, que fueron los álbumes más vendidos de aquel año por aquí.
Lo cual es curioso porque ‘Wuthering Heights’ sí había logrado ser top 10 en singles en España en 1978. En cualquier caso, bienvenida sea ‘Running Up That Hill’ a nuestro top 50 por primera vez, rodeada de reggaetón, lo antiguamente llamado trap y Aitana.
Pasando a repasar la lista española, mientras Bad Bunny sostiene el número 1 en España con ‘Tití me preguntó’, Aitana se queda la entrada más fuerte de la semana junto a Sangiovanni con ‘Mariposas’. Llega al número 12. La subida más fuerte la protagoniza ‘Te felicito’ de Shakira y Rauw Alejandro durante la que fue la semana de separación entre ella y Piqué. Ya es número 3 tras un inicio errático.
Otras entradas son ‘Nos comemos’ de Tiago PZK y Ozuna (#32), ‘Antes de perderte’ de Duki (#37), ‘Ferxxo 100’ de Feid (#66), ‘An1mal’ de Lola Indigo (#74), ‘La bachata’ de Manuel Turizo (#83) y ‘Fernet’ de Rei y Quevedo (#96). De todas estas canciones, las que más están subiendo estos últimos días en Spotify son ‘Nos comemos’, ‘Antes de perderte’ y ‘La bachata’. Os dejamos con ellas.
‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny continúa en el número 1 de Discos en España, certificado como platino. Contiene de esta manera, sin moverse, a ‘Harry’s House’ de Harry Styles en el top 2, ‘Motomami’ de Rosalía en el top 3 y ‘El Madrileño’ de C. Tangana en el top 4. Al puesto 5 sube ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa en la que supone la subida más fuerte de la semana, gracias a su paso por España. El álbum de Dua es doble platino en nuestro país por la distribución de 80.000 unidades o su equivalente en streaming.
Para encontrar la entrada más fuerte nos tenemos que desplazar al puesto 11, donde llega ’twelve carat toothache’ de Post Malone. El disco se ha quedado sin top 1 en Reino Unido y Estados Unidos, mientras en España lo encontramos en una posición similar a la italiana o la alemana. En Francia queda en el puesto 27: parece que no se viene una gran era para Post Malone.
Para encontrar la entrada más gratificante tenemos que desplazarnos hasta el puesto 92, donde encontramos, por los pelos, ‘Big Time’ de Angel Olsen. Una entrada animada por la distribución de algunos vinilos, pues en el top 100 de vinilos lo nuevo de Angel Olsen ha llegado al puesto 22 en nuestro país. En cuanto a su impacto en otros territorios, ‘Big Time’ ha sido número 24 en Reino Unido y número 121 en Estados Unidos, datos inferiores a lo conseguido en 2019 por ‘All Mirrors’ (#28 en UK, #52 en USA).
El resto de entradas en España vuelve a ser un festín de directos y reediciones, con Depedro en el puesto 25 con ‘Antes que anochezca – Directo en Madrid’; Prince & The Revolucion con ‘Live’ en el 27; Amy Winehouse con ‘Live At Glastonbury 07’ en el 71 y ‘CTRL’ de SZA en el 79.
The Delgados dan una de las sorpresas de la semana anunciando su regreso. El grupo liderado por Alun Woodward y Emma Pollock cuenta que se reencontró después de 15 años en la boda del músico Stuart Braithwaite (Mogwai, Minor Victories) en 2019. «Tras no haber pasado casi nada de tiempo juntos durante más de una década fue, como antes, muy sencillo, espontáneo… y surgió el pensamiento de que quizá estaría bien tocar juntos de nuevo», indican.
De momento han anunciado una gira de 5 conciertos que tendrán lugar entre los días 20 y 25 de enero en Brighton, Londres, Manchester, Sheffield y Glasgow. Adivinamos que si todo va bien podríamos tenerlos el año que viene en festivales (¿cuánto pegan en un Primavera Sound?), no tanto en salas de toda Europa.
The Delgados se retiraron en 2005 precisamente por su falta de repercusión; sus cifras siempre fueron y son muy modestas. Quizá como a Slowdive o a Ride pueda animarles la posibilidad de acercarse a un nuevo público en la era Spotify, pues cuando se retiraron ni siquiera estábamos familiarizados con Youtube.
Inspirados por Pedro Delgado, una anécdota que en España no podíamos dejar de repetir, The Delgados comenzaron su andadura a mediados de los 90, entregando álbumes como ‘Domestiques’ y ‘Peloton’. Pero son los 3 últimos, editados a partir de los 2000, los más recordados. Eran los tiempos en que empezaban a proliferar festivales alternativos y ciclos de conciertos que contaban con ellos como nombre destacado.
Eran los tiempos de discos como ‘The Great Eastern’ (2000), ‘Hate’ (2002) y el final ‘Universal Audio’ (2004). Un álbum que no fue precisamente el sonido de la decadencia sino todo lo contrario: ‘I Fought the Angels’ y ‘Everybody Come Down’ estaban entre lo mejor de su repertorio, ‘The City Consumes Us’ y ‘Keep On Breathing’ podrían ser favoritas de cualquiera que les preste atención.
‘Hate’, que incluíamos en nuestra lista de Mejores Discos de los 2000, incluía la maravillosa melodía de ‘Coming In From the Cold’, que ha terminado convirtiéndose en su gran himno. También estaba dentro de aquel largo su deconstrucción de los Beatles ‘All You Need Is Hate’. Y son perfectamente reivindicables la orquestal ‘The Light Before We Land’ y la guiada por el piano ‘Woke from Dreaming’.
Aunque asociados a la escena indie-rock por el tipo de guitarras de temas como ‘Accused of Stealing’, que les hacían gustar al mismo tipo de seguidores que Teenage Fanclub o Yo La Tengo, The Delgados eran en realidad una banda variada y versátil como ese mismo tema. Tan pronto se acercaban al pop de cámara como al folk preciosista o incluso utilizaban la electrónica de tipo ambiental según sus necesidades. Uno de los secretos mejor guardados de los años 2000 que ojalá sepan hacer de la madurez una virtud en la grabación de nueva música, algo que de momento no se ha anunciado.
