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Recientemente ha saltado la noticia de que la banda sonora de ‘Encanto‘ ocupa el número 1 del Billboard 200 por 9ª semana, tan solo la punta del iceberg de la repercusión que está teniendo la música de la película disponible en Disney+.
El disco con las canciones creadas por Lin-Manuel Miranda, que ha declarado estar totalmente superado por este éxito inesperado, es ya disco de oro en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá, pero más certificaciones aguardan porque el álbum no puede tener una posición más sólida en las listas.
Mediatraffic estima que este sigue siendo el disco más vendido/escuchado a nivel global, con 1,5 millones de copias que serán muchísimas más cuando acabe el año, mientras la película a su vez continúa acumulando streamings.
Las 44 pistas del disco en varios idiomas contribuyen a la puntuación, pero no se puede negar que lo de ‘We Don’t Talk About Bruno’ es uno de los acontecimientos de 2022. El tema ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, además de top 38 en España, destacando también la buena aceptación de otros temas como ‘Surface Pressure’ o ‘Dos oruguitas’ con Sebastian Yatra. ¿Puede la banda sonora de ‘Encanto’ ser el disco más vendido de todo 2022?
Flops Que sigue siendo un momento estupendo para la música latina no se puede negar. Sin ir más lejos, la banda sonora de ‘Encanto’ incluye ritmos de salsa, vallenato o cumbia. Sin embargo, eso no garantiza el éxito para cualquier cosa latina que se publique. El camino al próximo disco de Christina Aguilera no ha podido comenzar peor. El impacto sobre cualquiera de sus canciones es completamente nulo, y lo peor es que si percibes que en España ha sonado poco, lo cierto es que es el mercado en el que mejor han funcionado sus adelantos. Al menos han aparecido por listas.
‘La fuerza’, el primer EP de los 3 que conformarán el álbum ha llegado al puesto 54 en nuestro país, mientras en Reino Unido solo se ha colado en la lista digital y en Estados Unidos tan solo en ventas (78) y listas latinas (14), por supuesto sin rozar siquiera el Billboard 200.
Hay quien puede esperar que suceda algo con el resto de los EP’s, pues esto es solo el principio de la era de Aguilera, pero la verdad es que colaboraciones con totems del streaming como Becky G, Nicki Nicole y Nathy Peluso, y después con Ozuna, solo podemos calificarlo como artillería pesada. ¿Puede haber as en la manga con este nivel? ‘Santo’ ha sido número 72 en España y número 80 en Alemania, y ‘Pa mis muchachas’ solo número 68, resultando datos nefastos para gente acostumbrada a mejores resultados.
Samantha Hudson es la nueva invitada de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP». La artista nos habla de la edición de ‘Liquidación total‘, que está presentando por toda España tras haber colgado el cartel de sold-out en Madrid (2 noches) y Barcelona, y llevará al Sónar, en lo que ella misma define que será «una sacada de coño». Para ello ideará un espectáculo diferente al habitual. También hay tiempo para hablar de su sonado Especial de Navidad en A3 Media en el que colaboró con Amaia y Arturo Vals, del nuevo vídeo para ‘Demasiado coño’ y del polémico vídeo de ‘Por España’, hablando de sus influencias. Foto: Gonza Gallego.
Samantha Hudson se sincera sobre sus inicios con el vídeo escolar de ‘Maricón’, aquel día que la performance se le fue de las manos y se tiró por una ventana, y opina sobre la posición de su personaje: «yo no pienso que destaque por encima de los demás a nivel musical o artístico. El talento es lo que menos se reconoce en el mundo. Lo que cuenta verdaderamente es tener un morro que te lo pisas. Y yo tengo mucho morro, y a base de morro estoy donde estoy».
Sobre su look, reflexiona sobre convenciones como ir con traje al trabajo: «Los símbolos están invertidos. Lo más mamarracho y lo más absurdo es lo que más sentido común tiene. Y lo que se nos plantea como normal, decoroso y moral, en realidad es lo más absurdo y lo más mamarracho, y yo por eso estoy tan tranquila».
Respecto a la intelectualización de su obra, el contenido social o el vacío de todo contenido, reflexiona: «Es una decisión muy premeditada ser tan espontánea. Me cuesta mucho trabajo ser tan absurda. No es nada fácil ser una tonta del culo. Si lo eres de manera genuina, pues es como quien cocina bien desde que nació, pero yo me esfuerzo en performar esa actitud. Es un trabajo que el público general no reconoce, pero también me sirve para saber quién es la gente que merece la pena, quién es la gente chula y molona de verdad. Y todo el público que tengo encaja en ese perfil de gente chula, como vosotras. Poner en valor lo cutre lo elegante, lo aberrante y lo grotesco es un enfoque vital bastante acertado».
A lo largo del podcast Samantha Hudson recuerda cómo conoció el electroclash a través de un hermano mayor, habla de influencias internacionales como Lady Gaga y concluye que de mayor quiere ser como Manuela Trasobares. De ahí su cameo en el especial navideño: «Cuando cruce una edad, me voy a operar todo». En la segunda parte del podcast, Claudio interroga a Samantha Hudson sobre la fama y le pregunta qué opina sobre algunas de las mayores excentricidades de las superestrellas en camerinos.
Rosalía aparece desnuda pero ligeramente customizada en la portada de ‘Motomami‘, así que decir que una buena dirección artística le importa es hasta redundante. Todos recordamos que la edición física de ‘El mal querer’ era espectacular, por algo vendió 200.000 copias solo en España, y ‘MOTOMAMI’ lo va a intentar por varias vías.
En primer lugar, el vinilo está ya en tiendas con una distribución de copias tamaño Adele. No, no va a salir dentro de 4 meses, lo que nos hace pensar dados los atascos en las fábricas de vinilos que ‘MOTOMAMI’ lleva terminado mucho, mucho tiempo. En segundo lugar, es de un rojo translúcido que no parece haber afectado a la calidad del sonido (demasiadas veces hemos comprobado cómo los vinilos de colores presentan un sonido horrible). En tercer lugar, el disco contiene un póster gigante de doble cara (por un lado, la portada; por otro, Rosalía en plan cierva). Y por último, está el libreto, que de nuevo ha sido de lo más generoso.
Además de diversas fotos de corte sexy en honor a ‘HENTAÏ’, la canción más sexual de Rosalía, vienen las letras. Sin temer esas múltiples polémicas a que se han enfrentado, las letras han sido traducidas al inglés: aparecen en los 2 idiomas. Curiosamente, a veces es más fácil comprender qué quiere decir Rosalía leyendo los textos en inglés y no en castellano. «Te la tengo con Roleta» resulta que es «I got her a Rolex».
Otras, es un divertimento comprobar cómo se ha traducido algo al inglés. «Yo no tuve que hacer naíta que yo no quisiera» de ‘Bulerías’ se transforma en «I didn’t hafta do nuthin’ I didn’t want to».
Y luego están los agradecimientos. El disco es parco en créditos, pero no en agradecimientos, comenzando por Dios, subrayado. De hecho, en El Hormiguero le preguntaron a Rosalía si creía en Dios dadas las letras del álbum y su respuesta fue «pues claro». Después, hay palabras de agradecimiento para su pareja Rauw Alejandro, para Burial «por hacer la música oscura más bonita que existe», para James Blake, para Pharrell por los paseos en bici, y para su familia, destacando el número de posiciones que ha bajado El Guincho, que tiene menos protagonismo en este disco. Aún sale, al menos, eso sí («cuando hacemos música juntos hay fireworks»). Disponible en Amazon, y en tu tienda de discos favorita.
Luna Valle publicaba el pasado mes la cuarta canción camino a su álbum de debut, una ‘Tardas mucho en contestar’ que pasaba por Sesión de Control y que desde entonces nos ha conquistado por sus efectos electrónicos y por su adicción a WhatsApp. Es hoy nuestra «Canción del Día». Hablamos con la artista sobre el tema y no hay mayor misterio sobre su trasfondo, pues la compuso en muy pocos minutos. «‘Tardas Mucho En Contestar’ surge como casi todas mis canciones con alguna situación, algún sentimiento o alguna emoción. Normalmente son mis relaciones afectivas con chicos que me gustan. Esta canción habla de un chico con el que estuve casi un año hablando, pero nunca pasaba nada. En ese momento yo estaba muy enganchada y esta persona tarda mogollón en contestar. La creación de esta canción fue muy rápida. Ahora estoy en un momento en el que tardo más y las reflexiono más, pero antes en cinco o seis minutos podía tener una canción terminada. Lo cual puede ser guay, pero también puede no serlo».
El tema tiene un punto cómico y autoparódico: «Para nada siento esta canción como un drama, sino todo lo contrario, como muy bien habéis dicho vosotras, es una canción muy cómica y muy autoparódica, totalmente. Tengo canciones muy dramáticas. Ahora estoy en un punto donde todo lo que escribo es bastante dramático y bastante triste y lo interpreto de una manera bastante… tristona y bajonera. Pero desde luego esta canción es muy autoparódica. Todo lo de: «¡Ayuda, Ayuda!» es una especie de parodia en plan «que alguien me ayude porque a mí se me está yendo la pinza». Las capas de producción añaden un punto divertido y gracioso sumando en la carrera del divertimento.
Respecto a la producción indica: «Suso y Tórtel son increíbles, y las producciones siempre tienen mogollón de capas y de curiosidades, por ejemplo hay un momento que suena algo muy divertido que es Tórtel silbando, en la segunda estrofa, o cuando está terminando la canción que suena de fondo «24 horas», porque me equivoqué, y se oye «24 horas», que Suso copió y le puso un efecto. Si te fijas y la escuchas, tiene mogollón de capas muy divertidas».
Además, el tema referencia la película ‘Frances Ha‘: «Es una película que me fascina, es una de mis películas favoritas, me gusta tanto la peli porque Greta Gerwig y Noah son una pareja afectiva, sexoafectiva, que crea algo junta, una peli que me emociona total y profundamente, que habla de una manera preciosa sobre hacerse mayor. Sale en este tema porque aunque el tema tenga un toque muy cómico y muy irónico, al final estoy hablando de querer a alguien, de querer estar con alguien, aunque desde un punto súper irónico. ‘Frances Ha’ tiene una escena que me fascina: ese momento que estás en una habitación de una fiesta, con la persona que te gusta, y os miráis a los ojos. Me parece algo tan profundo, tan bonito, me parece tan sencillo y a la vez tan sumamente interesante e inteligente, toda la imaginación a la que te puede llevar… También hay algo que me mola mucho de la intimidad y el espacio que crean dos personas que se quieren. Ahí hay un punto íntimo, que nadie nunca va a llegar a comprender, que es muy guay para mí».
Algún día espero dejar de hablar de chicos
‘Tardas mucho en contestar’ está también conectada con otra de las canciones de Luna Valle, ‘La mejor canción jamás…’, que ya hablaba de mensajes. «Todas las canciones están relacionadas con la edición del disco, sí. No es algo que esté haciendo adrede pero me parece que sí. Todas las canciones hablan de un momento en mi vida y un momento con una persona. Entonces, pensé en llamar al disco ‘Tonterías masculinas’, pero no lo llamaré así, ¡no os preocupéis! Siempre hablo desde la misma inquietud o desde el mismo punto. Espero algún día cambiar de tema, esto lo digo mucho pero lo digo en serio. ¡Algún día espero dejar de hablar de chicos! Sinceramente, espero que la adolescencia se me pase y dejar de hablar de chicos. Pero bueno, sí, está ahí. Desde luego hay un tema común que es lo que me inquieta y me lleva a escribir canciones. O al menos el tema con el que más cómoda me siento escribiendo canciones».
Cuando solo han pasado unos días desde la edición de ‘The Lightning I, II‘, el primer avance del nuevo disco doble de Arcade Fire, Will Butler ha anunciado que ha abandonado el grupo. El miembro más popular después de Win y Régine y hermano del primero dice que después de 20 años las cosas han cambiado y ya no se siente igual, aunque su marcha es amistosa. Eso sí, ha tenido tiempo de grabar el nuevo álbum llamado ‘WE’.
El comunicado dice: «Me fui a finales del año pasado, una vez terminado el nuevo disco. No hubo ninguna razón espectacular más allá de que he cambiado y la banda ha cambiado a lo largo de casi 20 años. Es el momento de cosas nuevas».
Will Butler dice que está trabajando en un nuevo disco en solitario, y que ya ha confirmado algunos conciertos este verano. Además, está haciendo la música de una obra de David Adjmi, entre otros proyectos. Finalmente, da las gracias a Arcade Fire por haber formado parte de nuestras vidas, las del público. «El grupo todavía es amigo mío y mi familia. Estará por ahí. Nos vemos». Will Butler tiene, efectivamente, una carrera en solitario, que ha desarrollado con álbumes como ‘Policy‘, ‘Friday Night’ y ‘Generations‘.
‘Hit de Ayer’ no tiene demasiado que contar sobre esta canción antibélica del padre de Rufus Wainwright: su letra habla por sí sola con gran elocuencia. Aun así, un poco de contexto: ‘Pretty Good Day’ es la pieza que cierra el disco de Loudon Wainwright III ‘Social Studies’ (1999), una curiosa recopilación de piezas encargadas por la radio pública estadounidense (NPR) al cantautor a lo largo de la década de los 90. En ellas Loudon usaba el medio de la canción para hacer comentario político y de la actualidad, y no tanto canción protesta. De las 15 canciones sólo algunas se llegaron a emitir en la emisora, muy probablemente debido a sus letras.
Para un artista cuyos discos suelen ser principalmente autobiográficos, se trataba de un interesante experimento para el que sin embargo venía en cierto modo preparado: su padre fue columnista y editor de la revista LIFE durante años. Los temas tratados en el álbum incluían el caso de O.J. Simpson, la patinadora Tonya Harding (la que inspiró una de las mejores películas de 2018), el regreso de los Beatles con la psicofonía de John Lennon en ‘Free as a Bird’ o el célebre ‘efecto 2000’ (Y2K). Canciones casi todas con indudable gracia por obra del humor negro e ingenioso de Wainwright, pero a la vez condenadas a pasar de moda una vez las noticias tratadas se iban esfumando de las primeras planas. Ni siquiera la austera producción de los míticos Joe Boyd y John Wood (Nick Drake, Pink Floyd) conseguiría inyectar en la mayoría de ellas unas gotas de posteridad por culpa de ese lastre temático.
Por eso ‘Pretty Good Day’ destaca como un absoluto diamante en ‘Social Studies’: por un lado las guerras desgraciadamente nunca desaparecen de la actualidad, pero además Loudon la escribió con un punto de vista suficientemente general para no adscribirla a ninguna época en particular. Eso, o simplemente la verdad es que todos los conflictos armados se parecen demasiado entre sí. Sea como fuere, sobre la base de tan sólo cuatro acordes, Wainwright acierta brillantemente al retratarla como algo terriblemente simple: la destrucción de lo cotidiano. ‘Pretty Good Day’ es, en su sencillez, aplastante. Y Wainwright la canta con desarmante honestidad. Pero como decía al principio, dejemos que la letra hable por sí misma:
“He dormido toda la noche seguida, hasta el amanecer / he pulsado un interruptor y la luz se ha encendido / He salido de la cama y me he puesto algo de ropa / De momento está siendo un día bastante bueno / He abierto el grifo, había agua fría y caliente / Me he puesto el abrigo para ir a la tienda / He salido a la calle y no me han disparado / De momento está siendo un día bastante bueno / No he oído sirenas ni explosiones / Esos grandes cañones no han asesinado a nadie / No había tanques de las Naciones Unidas, no he visto ni uno / De momento está siendo un día bastante bueno / Ningún francotirador en las ventanas mirando a la calle / Ni gente en estado de pánico corriendo asustada por la calle / No he visto ningún cuerpo sin brazos, piernas o pies / Está siendo un día bastante bueno”.
“Había plasma, vendajes y electricidad / Comida, madera y agua; y en el aire no había humo / Ningún reportero de televisión / Se me ha hecho tan raro estar en casa / Nadie tenía miedo ni frío, o estaba herido o hambriento / Y los niños y niñas parecían normales, no parecían viejos / De momento está siendo un día bastante bueno / Caminé por un parque, y ¡no lo creerías! Allí en el parque quedaban algunos árboles / Y en algunas ramas había unas pocas hojas / He dormido toda la noche seguida, hasta el amanecer / he pulsado un interruptor y la luz se ha encendido / He anotado mi sueño, he escrito esta canción / De momento está siendo un día bastante bueno”.
‘Pretty Good Day’ suena en la última entrega de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Alex O’Connor, o lo que es lo mismo, Rex Orange County, se acaba de apuntar su primer número 1 en las islas británicas con la edición de su cuarto álbum ‘Who Cares?‘, que incluía temas como ‘Keep It Up’, que en enero pasaba por nuestra sección «Canción del Día».
Se trata del primer número 1 en su país para Rex Orange County, si bien hay que apuntar que el anterior, el notable ‘Pony’, fue un «sleeper». Sólo llegó al top 5 pero terminó certificado como disco de plata por la venta de 66.000 unidades gracias sobre todo a la buena aceptación de ’10/10′, que como indica la Official Charts Company, fue muy apoyada por Radio 1.
La OCC tiene el divertimento de recordar que el primer disco del artista, ‘Bcos You Will Never Be Free’, solo llegó al puesto 147 y ha vendido en UK 21.000 unidades, mientras el segundo ‘Apricot Princess’ solo llegó al puesto 193, si bien está a punto también de conseguir el disco de plata, pues ha vendido exactamente 55.480 copias. Le faltan menos de 5.000.
Este nuevo, ‘Who Cares?’, llega al número 1 con 18.089 unidades vendidas durante los 7 primeros días. Entre ellas 8.809 han sido en CD, 5.238 en vinilo, 773 en cinta, 347 en digital tipo iTunes y 2.922 copias proceden de los puntos de streaming.
Los suecos Ghost han quedado en el número 2, mientras Bryan Adams llega al puesto 3 y Franz Ferdinand están en el puesto 7 con su recopilatorio ‘Hits to the Head’.
Algora finalmente se decidía a publicar un videoclip para la que era nuestra canción favorita de ‘Pódium‘, la pista titular. Si el disco habla del acoso escolar y la amargura en el camino de la autoafirmación de una persona LGTB+, resultando el nombre de ‘Pódium’ tristemente irónico, esta es la explicación oficial sobre este tema y este vídeo, que contaban con la inestimable colaboración de la revelación Valdivia: «‘Pódium’ es una disputa entre dos voces que podrían pertenecer a la misma persona. Valdivia lidera la búsqueda de un nuevo comienzo, liberador y en constante movimiento, mientras Algora se aferra a su estatus, oscuro y solitario. Su pódium se convierte en su mayor derrota».
Dani Eusse, director del vídeo, nos habla de la idea para nuestra sección analítica sobre videoclips, «Estética de videoclip«: «Siempre imaginamos un vídeo narrativo con dos mundos en contraposición. La fuerza de la naturaleza contra el frío del polígono industrial. En las escenas de Algora, un espacio oscuro y sin fin que acentúa soledad. Para Valdivia, localizaciones que transitaran desde ese ambiente industrial hacia escenarios cada vez más naturales, con agua y vegetación».
Explicando el porqué de esa gola que lleva en el vídeo Víctor, Dani Eusse responde: «El vestuario en él nos lleva a una figura conservadora y autoritaria, con referencias a la monarquía o el obispado. Buscamos darle un aire atormentado y decadente con un maquillaje anacrónico y un vestuario de prendas pálidas, antiguas y pesadas». Quizá por ello en un momento del vídeo, el cantante es arrastrado violentamente por una cuerda, gola incluida, o pende de ella a su suerte. Os recordamos que Algora actúa en 26 de marzo en Barcelona, entradas en Dice.fm.
Jenny Hval se ha casado con el patriarcado. Te lo cuenta en la bossa nova de ‘Year of Love’, la pista que abre su nuevo disco. En realidad se ha casado con su marido, pero pasar por el altar (o por el Ayuntamiento o juzgado) ha hecho que la noruega se cuestione su propio feminismo. «Piensas que soy diferente, pero soy una teatrera», canta en esta misma canción, tras haberse dejado atrapar por el «complejo industrial de la felicidad», una «institución de lo normativo».
Que las personas son complejas y «contienen multitudes» no es ningún misterio. Jenny Hval explora sus contradicciones en ‘Classic Objects’, su nuevo disco. Su germen se encuentra en la pandemia. Cuando la noruega se quedó sin conciertos que hacer se sintió «desnuda» y empezó a plantearse su identidad como artista. De repente el arte le empezó a parecer una «construcción» que ya no significaba nada ni tenía ninguna utilidad. Irónicamente, esta crisis le llevó a escribir un nuevo álbum cuyo contenido complica aún más si cabe la relación de Hval con su propio arte y con su propia identidad.
El capitalismo, siempre tan cuestionado por los artistas aunque estén fichados por multinacionales y hayan firmado contratos, es uno de los grandes temas que emergen en ‘Classic Objects’. En primer lugar, Hval ha buscado hacer un disco pop con sus estrofas y sus estribillos y ha querido dotarlo de historias sencillas, pero curiosamente no le ha salido ni un disco tan pop ni sus letras son tan simples, al menos en cuanto a fondo. Hval sí ha hecho un disco enormemente melódico en el plano vocal, pero ‘Classic Objects’ también es un trabajo de sonido anacrónico basado en la música new age, en el que las percusiones son caricias y las texturas electrónicas te envuelven en una nube de confort. Las canciones pueden ser magnéticas, como el single ‘Year of Love’ o ese ‘American Coffee’ que parece un himno al órgano de Alice Coltrane, pero también sonar tan anacrónicas como las percusiones chamánicas de ‘Year of Sky’, o resultar tan fallidas en su misión «pop» como la balada ‘Cemetery of Splendour’, cuyo estribillo da bajón.
Concretamente las dos pistas finales de ‘Classic Objects’ reflexionan sobre el lugar del arte dentro del sistema capitalista. En la cuca miniatura de ‘Freedom’ la noruega canta que desea «vivir en una democracia donde el arte sea libre». Y en la jazzy ‘The Revolution Will Not Be Owned’, Hval declara que «esta canción está regulada por derechos de autor, y soñar no tiene derechos de autor», y sentencia que «la revolución no será propiedad de nadie». La implicación que cabe extraer de ambas canciones es que, dentro de este sistema, el arte no es libre, pero entonces, ¿el arte es esclavo? ¿De qué exactamente? ¿Puede realmente ser libre el arte cuando es expuesto a un público? ¿Qué significa realmente ser libre? ¿Ganarse la vida con el arte no es una forma de libertad? Hval no se hace ninguna de estas preguntas en ‘Classic Objects’ quizá porque sus letras están sumidas, más bien, en un viaje interior, aunque eso no es nuevo.
Es digno de mención que el disco presente un sonido tan apegado a la new age, uno de los productos musicales del capitalismo más denostados, conocido por su función tipo «música de fondo» como la que suena en la sala de espera de la consulta de mi psicóloga, y cabe preguntarse si también el estilo musical que prevalece en ‘Classic Objects’ representa un comentario irónico sobre la posición de Hval dentro del sistema capitalista de las discográficas, o sobre los dobles raseros que se ven una y otra vez en las revistas de tendencias, que ahora valoran positivamente este sonido porque de repente lo habita una artista de art-pop aclamada por la crítica, cuando ni siquiera lo revoluciona o reinventa de ninguna manera, aunque el disco sí presente un sonido agradable y «soft», hecho con la delicadeza que cabe esperar de su autora.
Como de costumbre, el trabajo de Hval resulta más interesante cuanto más caso se le hacen a las letras. Ella ha publicado ya dos libros y los textos de ‘Classic Objects’ vuelven a ser muy francos en sus reflexiones sobre el patriarcado, el cuerpo femenino, el propósito del arte o la identidad de Hval como artista. En ‘American Coffee’ se pregunta qué habría sido de ella si no hubiera perseguido el camino del arte, y sus referencias esnob al grado en Bellas Artes que posee, a «citas irrelevantes de autores franceses» y al «clímax de una inteligente película de ciencia ficción» aparecen salpicadas por la sangre que orina en el baño de la universidad, afligida la artista por una infección en el tracto urinario; ‘Jupiter’ empieza en una instalación de arte y termina en un «desierto donde los valores, los géneros, la representación y las relaciones se están desmoronando», pasando del ambient-jazz al vacío del cosmos también en la composición musical; y en ‘Classic Objects’ describe su fascinación con los materiales, imagina que su cara está hecha de mármol y relaciona el arte con la muerte como si fueran la misma cosa.
Menos fascinantes resultan los arreglos musicales de ‘Classic Objects’ que, a la manera de ese new age diseñado para calmar el espíritu azotado por los látigos del capitalismo, simplemente ofrecen una solución musical funcional a las letras de la noruega, eso sí, abordada con sumo cuidado. Su visión del mundo, por contradictoria que sea ya desde la primera pista, donde solo le falta entregar su carné de feminista por haberse casado (¡¡¡qué horror!!!), sigue siendo fascinante, inteligente, necesaria. Quizá yo también haya entrado al trapo de los medios que ensalzan obras de art-pop que no son para tanto intelectualizando un disco que no es para tanto, pero pocos discos invitan a las reflexiones a las que invita la autora de trabajos como ‘Blood Bitch’ o ‘Apocalypse, girl’. Para bien o para mal, escuchar su música sigue siendo una experiencia incomparable, pero quizás su evolución como artista no pase necesariamente por hacerse pop… o intentarlo.
‘Motomami’ (motomami, motomami, motomami) no es sólo el “Disco de la Semana” en JENESAISPOP, sino también el “Disco de la Semana” en todo el mundo, con permiso del lanzamiento de los surcoreanos Stray Kids, que con 7 canciones, ellos mismos consideran un EP.
Rosalía no solo toma la lista de Spotify España, sino que ha logrado situar 11 de las 16 pistas de ‘MOTOMAMI’ en la lista global de Spotify. ‘CANDY’ -que estrena nuevo vídeo- ha entrado al puesto 35 con 1,7 millones de streamings en solo un día (solo un 30% viene de España), mientras ‘La Fama’ vuelve a la tabla hasta el puesto 42 y ’SAOKO’ vuelve al número 58. Por su posición en el tracklist, destacan la buena aceptación de ‘Bizcochito’ y sobre todo ‘La Combi Versace’, que pese a ser la penúltima ha llegado al top 200 de lo más escuchado en todo el mundo:
35 Candy
42 La Fama
58 SAOKO
80 HENTAI
90 Chicken Teriyaki
118 Bizcochito
155 Bulerías
167 Motomami
170 G3 N15
185 La Combi Versace
189 Diablo
Volviendo a España, es evidente que el disco va a ser número 1, y la pregunta es con qué cifras -que jamás lo sabremos- y durante cuánto tiempo. Como informa Vinilo Negro: ‘Motomami’ ha superado el récord nacional de ‘El Madrileño’ al sumar 5,79 millones de streamings en un día, siendo el 2º mejor debut histórico, tan solo por detrás de ‘El último tour del mundo’ de Bad Bunny. Así ha quedado de arrasada la lista de Spotify España:
1 Candy
3 Hentai
4 La fama
5 Bizcochito
6 G3 N15
7 Saoko
10 Bulerías
12 Chicken Teriyaki
13 La Combi Versace
15 Diablo
17 Motomami
18 Como un G
19 CUUUUuuuuute
21 Delirio de grandeza
26 Sakura
28 ABCDEFG
Tras España, parecen Argentina y México los países en que los singles están logrando más streamings, aunque también hay que destacar el top 15 de ‘La Fama’ en Spotify Francia o el número 4 del disco en iTunes USA. Las entradas de ‘MOTOMAMI’ en listas internacionales serán modestas, pero hay que recordar que no tantos artistas de primer orden logran situar su álbum casi al completo en el global de Spotify. Parece que sumando el éxito masivo en España, un poquito de Estados Unidos, un poquito de los países latinos más grandes y un pedacito de lugares como Holanda o Francia, ‘MOTOMAMI’ podría dejar su huella a nivel internacional como pocos álbumes españoles han conseguido.
Cartel de «aforo completo» colgado a las puertas de la Sala Clamores de Madrid para un nuevo concierto de Tulsa. Este en formato cuarteto con una guitarrista, un baterista y a los teclados Betacam recién llegado de telonear a Los Punsetes en La Riviera, a varios kilómetros en la ciudad -tan solo uno de sus pluriempleos-. Hace un año que se publicó ‘Ese éxtasis‘, a la postre uno de los mejores discos de 2021, y ni mucho menos esta fue una de las primeras presentaciones del álbum.
Sí fue seguro una de las mejores: el numeroso público estaba atento, con ganas de música en directo de pie, cerveza o copa de vino -como ella- en mano, con las últimas canciones muy bien asimiladas, y en unas condiciones acústicas sobresalientes que lograban que la voz de Miren Iza sonara más bonita que nunca. En primer plano, nítida, con cada frase acaparando al 100% la atención del espectador.
Tras comenzar con ‘Canción’, Tulsa ya supo meterse al público en el bolsillo con el humor contenido en la segunda composición que interpretó, ‘La boda’, con sus referencias tronchantes a la boda de la hija de Amancio Ortega. Una boda a la que no te han invitado, porque la exclusión era uno de los temas principales de ‘Ese éxtasis’. ‘Os oigo follar’ es otra de las canciones que sonó, en un tramo medio en el que Miren se colgó la guitarra acústica, enfrentándose durante unos segundos a un micrófono que no se quería estar quieto.
Tras una soberbia interpretación de ‘Autorretrato’, una verdadera preciosidad, la cantante volvía a calzarse sus guantes aterciopelados, como su vestido, para interpretar algunas de las composiciones más esperadas: ‘Yo no nací así’, entonada desde una celda, y ‘Oda al amor efímero’, produciéndose el surrealista momento de que alguien la pidió en el momento preciso en que terminaba.
Iza no aceptaba peticiones, en cualquier caso, y se negó a tocar ‘Matxitxako’ -tampoco sonó, de manera dramática, ‘Algo ha cambiado para siempre’-, aunque la buena noticia es que cuando desplegaba su actitud consiguió que las cumbres del concierto fueran las canciones que a ella se le apetecieron. Es obvio que el carácter predicador de Nick Cave es una referencia escénica para ella y el grito apocalíptico de ‘Penélope’ o la final ‘Atalaya’, ambas en los bises, todavía resuenan en nuestras cabezas medio día después.
Fue un concierto menos electrónico que el que hemos visto a Tulsa en otras ocasiones -sí se pudo bailar en ‘Centauros’ y ‘Los volcanes avisan’-, tampoco especialmente rockero. Fue un show en el que despuntaron por encima de todo las composiciones y las letras, además sin dramatizaciones ni monsergas. Qué variado está últimamente el concepto de cantautor/a.
Como burlando a aquel día en que a Tulsa se le ocurrió poner en Twitter que «estaba más cómoda consigo misma cuando C Tangana le parecía un horror» («desde que ‘Bien Duro’ y ‘Llorando en la limo’ me parecen temazos me caigo peor»»), al término del concierto la Sala Clamores se convirtió en una inesperada fiesta de reggaetón -ya a las once de la noche- en la que no faltaron Maluma, J Balvin ni Bad Bunny. Pero antes de eso, nos había quedado claro por qué Tulsa «no cree en los festivales», como dice ‘Autorretrato’ y nos desarrolló en una entrevista. Parafraseando ‘Atalaya’, es en estas distancias cortas, donde Miren Iza es «poderosa» y «maravillosa». «Que venga Dios a intentar bajarme de aquí».
Si la semana pasada anunciábamos que ‘King’ era el 8º número 1 para Florence + the Machine en JENESAISPOP, esta hay que anunciar el 9º, ‘My Love’, realmente un tema mucho más pop por parte de la artista que ha logrado situarse en el número 51 de las listas británicas. Por lo demás, una semana tranquila en nuestro top 40, en la que suben Stromae y Belle & Sebastian, y entran tan sólo la colaboración de Megan Thee Stallion con Dua Lipa, Boy Harsher y Samantha Hudson, en breve protagonista de nuestro podcast.
Residente ha levantado polémicas recientemente con su colaboración con Bizarrap y hoy vuelve con un nuevo single que también promete dar que hablar. ‘This is Not America’ se suma a la tradición de las «answer songs» o canciones de respuesta para contestar a Childish Gambino y su éxito de 2019 ‘This is America’, que fue uno de los fenómenos musicales de aquel año por la brutal representación que hacía de la violencia policial que sufren las personas negras continuamente en el país, sobre todo en un videoclip que se viralizó incluso en España, algo difícil para la música anglosajona.
‘This is Not America’ lleva el mensaje de Childish Gambino un paso más allá. Amplía la visión. El tema habla sobre la colonización y la esclavitud, entre otros temas, y según Sony Music «comparte el mensaje de que todas las culturas y países del continente americano son una» e insta a «no separarse y crear una evolución para la unidad». Esta unidad empieza en el uso del lenguaje: Residente desafía la costumbre de utilizar la palabra «América» para referirse a Estados Unidos, producto de un pensamiento colonizado, y rapea: «América no es solo USA papá / esto es desde Tierra del fuego hasta Canadá / Hay que ser bien bruto, bien hueco / Es como decir que África es solo Marruecos».
A continuación, Residente enumera las cosas que sí le parece representan esa América a la que no se refirió Childish Gambino, como la guerrilla, los «periodistas asesinados», los «narco gobiernos», la corrupción, los «golpes de estado», el «país en quiebra», los «emigrantes sin papeles», el «peso devaluado» o el «disparo a quema ropa por parte de la policía». Al final, Residente y Childish Gambino comparten un mensaje similar, pero cambia el ángulo.
En el plano musical, Residente acierta juntándose con las gemelas afrocubanas Ibeyi, que también han vuelto estos días con el primer adelanto de su próximo disco. Lisa-Kaindé y Naomi Díaz se reparten tareas de canto y percusión y, junto a Residente, entregan una auténtica batucada de percusiones portorriqueñas que aportan otra capa de significado a la canción, la de la reinvidicación del folclore latinoamericano; para sentenciar que de aquí «no nos fuimos y no nos vamos».
En ‘This is Not America’, que comparte título con un tema de David Bowie de 1985, Residente vuelve a afilar su «machete» para recordar por qué es uno de los raperos más aclamados de su generación, y además entrega un videoclip espectacular en el plano visual, lleno de escenas que dejan con la boca abierta: bailes de tango que reflejan los movimientos de una brutal agresión policial, una estatua de la Libertad indígena, y un grupo de cadáveres dispuestos en forma de la palabra «AMÉRICA», son algunas de las imágenes que conforman el videoclip, ya top 3 en Youtube España, por mérito propio.
Han pasado 7 años desde que escuchamos el último disco de Julieta Venegas, ‘Algo Sucede’. La artista mexicana se ha dedicado a vivir su vida personal de manera tranquila, dedicándole mimo y paciencia a lo profesional. Julieta ha sabido muy acertadamente qué decisiones tomar sin darse excesiva prisa, y el resultado por supuesto es fructífero. Ahora, después de un EP y algunas colaboraciones muy interesantes en su carrera, Julieta Venegas comienza a echar a andar un nuevo proyecto discográfico de la mano de Altafonte. El primer adelanto se titula ‘Mismo amor’ y se regodea en las mieles del disco-funky clásico para compensar una historia de desamor. Venegas nos quiere hacer «llorar bailando». Hoy es la Canción Del Día. Hablamos con ella un buen rato vía Zoom sobre este primer single, su visión sobre la música actual y su curiosidad por seguir buscando inspiración, aunque pasen los años. Una masterclass sobre la humildad y el arte de hacer las cosas despacito y con buena letra.
Os dejamos también con las fechas de su gira por nuestro país:
23 de marzo. MADRID. La Riviera.
24 de marzo. VALENCIA. Monasterio San Miguel de los Reyes
26 de marzo. SEVILLA. Cartuja Center.
28 de marzo. DONOSTI. Teatro Victoria Eugenia.
30 de marzo. BCN. Sala Apolo.
01 de abril. ANDORRA. Teatro.
02 de abril. ZARAGOZA. Sala Oasis.
Estamos aquí para hablar de tu nuevo single y de tu próximo proyecto discográfico, pero antes de todo: ¿cómo se siente el lanzar nueva música, después de tanto tiempo, en medio de un clima sociopolítico bastante oscuro u hostil a nivel mundial?
Llega un momento, entre la incertidumbre de lo que significó la pandemia y ahora lo que significa la guerra, que es terrible y angustiante. ¿Qué es lo que haces? ¿Te quedas pasmada y nunca vuelves a hacer nada? ¿Te quedas en tu casa?… Yo creo que sí hay que seguir haciendo cosas. A todo lo negativo hay que responderle con algo positivo. Ahora vamos a hacer un gira por España y, de alguna manera, todo lo que programamos esperamos que se haga. Esa es la única opción que hay.
‘Mismo Amor’, tu nuevo single, es la primera canción de un nuevo disco que llega desde ‘Algo Sucede’, tu anterior trabajo publicado en 2015. ¿Qué ha cambiado desde entonces en tu vida?
Yo no tenía intenciones de hacer un disco, la verdad. Pero, a causa del confinamiento y de la pandemia, sentí la necesidad de sentarme a escribir todos los días. Necesitaba ese espacio para no volverme loca y no querer tirarme del balcón. Ese ejercicio fue un punto de partida que, después de muchas vueltas y mucho tiempo, me llevó a este disco. No hay canciones sobre la pandemia en el disco, pero digamos que sí fue lo que me impulsó a empezar a escribir otra vez. Llegó un punto en el que tenía cierta cantidad de canciones y se las mostré a Alex Anwandter, que es el productor y amigo mío. Ni yo misma tenía la intención de que él produjera el disco, fue más un “dime qué opinas, quiero que alguien más las escuche que no sea yo, mi hija y mis gatos”. Y ahí fue donde se empezó a gestar el disco.
Empezamos a apretar el repertorio y quedaron once canciones que, para nosotros, forman un disco redondo y con mucha fuerza. Pero no es conceptual, para nada. Es un disco de canciones y cada una tiene su historia: hay amor, desamor, amistad, mujer… Hay una canción que habla sobre el miedo que siento como mujer cuando salgo a la calle, por ejemplo. En ese sentido, nos pareció que ‘Mismo Amor’ era la mejor forma de arrancar. Es muy representativa del disco, aunque fue la última canción que escribí.
Sabemos que este nuevo disco llegará este año, pero, ¿qué más nos puedes adelantar sobre él?
De momento podéis escuchar ‘Mismo Amor’ como primer adelanto. El resto está todo terminado, pero aún tardará un poco en salir. El disco, en realidad, lo grabamos en marzo del año pasado; habíamos empezado a hacer la pre-producción en diciembre de 2020. Y el trabajo con Alex ya venía de agosto de 2020. Ha sido todo muy pausado, por la pandemia y la cuarentena, y porque Alex vive en Nueva York. Todo se ha hecho con mucha paciencia.
Durante todo ese tiempo se ha gestado, al igual que la tuya, mucha música a raíz del confinamiento y demás. Algunas de esas canciones dejan entrever ese poso a nivel salud mental, otras intentan hacernos bailar para olvidar todo aquello y pasar página… ¿Crees que la música de hoy en día debería tener más mensaje social? ¿O debería evadirnos de la realidad?
Es una cuestión complicada. Por más que sí creo que como artistas hay que estar aterrizados en la realidad, el arte tiene su propio proceso. No puedes forzar que se tenga que hablar de ciertas temáticas. Hay personas a las que sí les nace hablar de una temática social de una manera congruente y sincera. Pero, para mí, más allá de si vas a hablar de temas sociales o actuales, el elemento que me parece más importante en la creación artística es la sinceridad. Y si a ti no te nace y sientes que tienes que hacer algo porque es tu obligación como persona, nunca va a haber un buen resultado. El proceso artístico no puede estar forzado por una parte racional que diga “yo tengo que cumplir con cierto papel”.
Pero también creo que, como artistas, tampoco podemos vivir alejados de la realidad. Más que nada, no se puede. Las redes sociales no te permiten desconectar de la realidad. En México existe esa idea de que los artistas tienen que ser bonitos y hablar de lo que saben. En las redes, una de las descalificaciones más comunes que existe es la de que te digan: “Céntrate en tu tema y dedícate a cantar”. Al final, todos vivimos en la Tierra y hay que estar conectados con la realidad.
Como artistas no podemos vivir alejados de la realidad
En cualquier caso, es un hecho que la música está llegando más que nunca a todos los lugares, sea con mensaje o sin él. En los últimos años, concretamente la música latina está viviendo su mejor momento, traspasando fronteras y mezclándose con otros géneros, y eso ya es un logro. Recientemente te hemos visto colaborando con Tainy y Bad Bunny en “Lo Siento BB:/”, por ejemplo. ¿Cómo surge esa colaboración?
Yo escuché mucho a Bad Bunny en la pandemia, me divierte. Sus letras son siempre como “¡ah, uh!”. Me parece muy genuino. El que me buscó fue Tainy, ya que es una canción que va a aparecer en su disco como solista. Creo que él va a juntar muchos géneros distintos en su disco. Tainy empezó como productor de todos los reggaetoneros siendo un niño, y ahora se ha ido abriendo cada vez más al pop y a diferentes géneros. Me identifico mucho con él en ese sentido: creo que los géneros se tienen que revolver. No creo en eso de “yo, como toco el acordeón, no puedo hacer una canción con Bad Bunny”. Al contrario, me divierte mucho, y cuando me escribió Tainy me pareció la mejor invitación posible. Me dijo: “Tengo una canción a la que me gustaría que le escribieras una respuesta”. Y eso me mató, me llegó directo al corazón. Me la mandó, la escuché un millón de veces y de ahí escribí una respuesta que originalmente iba a salir a mitad de la canción, pero que finalmente quedó como introducción.
También has colaborado recientemente con Sen Senra, artista español que, cada vez más, está expandiendo su sonido al otro lado del charco. ¿Le conocías ya de antes? Según él, era un sueño cantar contigo.
Sen me encanta. Ya lo conocía por una colaboración que había hecho con C. Tangana hacía un tiempo, y lo venía escuchando un montón también. Me encanta su voz y me parece muy representativo del “des-género”. ¿Cómo describes lo que hace Sen Senra? Es muy difícil, y a la vez tiene toda su personalidad muy hecha. Cuando me contactó, me emocioné un montón. Dije: “¡Qué lindo!”. Me sorprendió a mí también porque no nos conocíamos personalmente. Fue muy bonito. Me parece que él es uno de esos artistas jóvenes que rompen con todo.
Creo que los géneros se tienen que revolver. No creo en eso de “yo, como toco el acordeón, no puedo hacer una canción con Bad Bunny”
Desde luego, son dos canciones que han sorprendido a tus seguidores. ¿Habrá algún otro featuring sorprendente en este nuevo disco?
En el disco no hay ninguna colaboración. Nosotros trabajamos mucho la selección de canciones y nos parecía que meter a alguien era invitarlo a algo que ya estaba cerrado y en mi tono. El trabajo ya estaba hecho y solo hubieran venido a cantar. Pero a mí me interesa más lo que puede pasar cuando tú invitas a alguien y compones una canción con esa persona. Desde ahí surge todo. Por eso, más allá de con quién me gustaría colaborar, me gustaría que las colaboraciones surgiesen desde la composición. Y eso es justo lo que me pareció especial de la colaboración con Tainy y Benito. Que cada uno pusiera su personalidad.
Con esta nueva etapa sales de gira en muy poquito por España. ¿Cómo afrontas la vuelta a los escenarios después de tanto tiempo sin tocar aquí? La gira se llama “Vernos de nuevo” por algo.
En noviembre del año pasado estuve tocando en Estados Unidos y ya cantamos este repertorio, que es una picadita de todos mis discos. Pero este show que vamos a presentar en España es diferente porque es un formato de trío: contrabajo, batería que también toca sintetizadores y dispara sonidos, y yo con piano y varios instrumentos más.
Le puse “Vernos de nuevo” como nombre a la gira porque siento que ya hacía falta volver a los conciertos, no solo para quienes hacemos música y estamos sobre el escenario sino para todo el mundo. Volver a cantar una canción con alguien al lado que ni conozco. Son esas ausencias que hemos tenido todos a raíz de la pandemia y siento que tiene algo de catarsis necesaria. Lo afronto con muchas ganas y sin miedo. Pienso que el miedo es algo con lo que tenemos que convivir, si es que existe. El otro día fuimos a tocar y nos contagiamos toda la
banda (risas). Y dijimos: “Bueno, listo, es algo que sí puede pasar, pero no por eso no vas a hacerlo”.
Sen Senra me parece muy representativo del “des-género”
A juzgar por el sonido de ‘Mismo Amor’, parece que nos vas a hacer bailar con este nuevo disco.
Sí, pero bailar llorando (risas). Hay de eso, sí. A mí lo que me gustaba con ‘Mismo Amor’ era plantear el conflicto, no es ni el principio ni el final de una relación. Es el conflicto de una relación que no está terminada pero a lo mejor está al borde de terminarse. Es bien fácil hablar de los principios y de los finales de las relaciones, y más el “ya me dejaste” o “yo te dejé”. Pero me parecía más interesante buscar otra manera de contar el amor. A mí me encanta hablar de amor, la verdad.
El videoclip es muy cinematográfico y contiene varias metáforas visuales sobre precisamente ese conflicto del que hablas en la canción, ¿no?
Estoy muy involucrada, por primera vez, en esa parte. Me gusta mucho y me parece muy importante para contar bien las canciones. No sé si todas las canciones van a tener su propio vídeo porque no sé si me va a llegar el presupuesto (risas), pero me gustó mucho trabajar en este vídeo. Trabajamos mucho con Anita y Lola Piñero, las directoras. Nos tomamos muchos cafés en medio para pensar. Yo quería trabajar bastante con el simbolismo, no quería que fuera obvio. Lo que transmitimos es la sensación de tensión, del querer y no poder. Situaciones que no se conectan entre sí pero que son historietitas que conviven dentro del vídeo y que generan esa tensión.
Tu carrera musical es una de las más interesantes y extensas de la música en español de los últimos tiempos. Después de varios discos y muchos kilómetros de carretera a la espalda, ¿sigue estando la misma ilusión por hacer algo nuevo y reinventarse?
Yo siempre hago todo a raíz de la curiosidad y de las ganas de aprender. Con este disco, por ejemplo, aprendí un montón. Es la primera vez que hago producción ejecutiva, me encanta negociar con el baterista o mandar el catering, ¡nunca se me habría ocurrido! (risas). No es por ser creída, pero me siento en mi mejor momento como artista. Más conectada con todo lo que significa hacer lo que hago. Pero hasta llegar aquí me pilló una crisis de por medio, entre el último disco y este, en muchos sentidos. Cambié mi estructura de trabajo, ahora estoy con Altafonte súper feliz, con un management nuevo… Todo está afín a lo que yo siento ahora: hacer las cosas tranquilamente. No me quiero comer el mundo, quiero sacar mis canciones y disfrutarlas. Y creo que es el mejor momento para hacerlo. Por más que el mundo esté pasando por todos estos malos momentos, si te quedas en casa no vas a resolver nada tampoco.
El cine francés ha brillado con fuerza en 2021. Tres de las mejores películas estrenadas el año pasado son francesas: ‘Annette’, ‘Titane’ y ‘Petite maman’. Faltaba por llegar a España una cuarta: ‘El acontecimiento’. Las tres primeras eran títulos muy esperados que no defraudaron (en el caso de ‘Titane’ superó ampliamente las expectativas). Pero la última fue toda una sorpresa.
Dirigida por la semidesconocida Audrey Diwan (su opera prima, ‘Mais vous etes fous’, apenas tuvo repercusión internacional), el filme ganó el Leon de Oro en Venecia, obtuvo nominaciones en los Bafta y los Premios del Cine Europeo, y ganó el Cesar a la mejor actriz revelación para una impresionante Anamaria Vartolomei. Diwan, junto a Julia Ducournau (Palma de Oro en Cannes) y Carla Simón (Oso de Oro en Berlín), está protagonizando el asalto de las directoras europeas a los principales festivales internacionales.
‘El acontecimiento’ es una adaptación de la novela homónima de Annie Ernaux (Tusquets, 2019), una autora que imprime un fuerte carácter autobiográfico a sus obras. El “acontecimiento” al que se refiere el título es un embarazo no deseado. La película, situada en la Francia de provincias de los años 60, narra los intentos de una estudiante para abortar clandestinamente (el aborto no se despenalizó en Francia hasta 1975). Una lucha contra el sistema planteada por la directora (quien, al igual que Ernaux, también sabe lo que es abortar) como una crudísima odisea física y mental llena de dolor, humillación y angustia.
Diwan cierra el plano (está rodada en 1,37:1) y pega la cámara a la piel de la protagonista (una deslumbrante Vartolomei que dará mucho que hablar en el futuro) como forma de hacer partícipe al espectador de su angustiosa soledad y su traumática experiencia. Recorremos junto a ella una agónica cuenta atrás (sumando semanas de gestación) despojada de todo sentimentalismo y moralismo. Un tortuoso camino hacia la libertad –sexual, de elección, de conciencia- cargado de rabia, compasión y espíritu combativo.
‘El acontecimiento’ se puede considerar desde ya como una de las mejores películas sobre el aborto junto a títulos como ‘Un asunto de mujeres’ (1988), ‘El secreto de Vera Drake’ (2004), ‘4 meses, 3 semanas, 2 días’ (2007), con la que tiene más de un punto en común en su tratamiento del tema casi como un relato de terror, y la reciente y muy reivindicable ‘Nunca, casi nunca, a veces, siempre’ (2020).
El segundo single de la banda, llamado ‘The Smoke’, era mucho menos agresivo. Recordaba un poquito a la era ‘The Bends’, a los tiempos de la jazzie ‘Talk Show Host’, que ejerció de cara B de una de las grandes obras maestras de Radiohead, ‘Street Spirit (Fade Out)’. El tercer sencillo que conocemos de este improbable proyecto no es rockero, sino que vira ya abiertamente hacia el sonido de los últimos Radiohead.
De hecho, ‘Skrting On The Surface’ es una composición que los fans de Radiohead conocen muy bien porque Thom Yorke ya llegó a presentarla durante una gira de Atoms for Peace, siendo después interpretada por Radiohead al completo durante la gira de 2012. Es una práctica habitual en la banda principal de Thom Yorke, acostumbrada a retorcer viejas maquetas a las que cuesta encontrar un lugar.
Esta es casi estrictamente punteada en este caso, dejando cada vez más paso a los excelentes metales, fondo adecuado para una letra que habla sobre «bordear la superficie», y de hecho morir en ella. Vuelve el verbo «desaparecer» por parte de los autores de ‘How to Disappear Completely and Never Be Found’, y ahí ya el parecido con lo que transmitía ‘You Will Never Work in Television Again’ es pura coincidencia. Pensábamos que Radiohead querían desquitarse de drama con The Smile -desde el mismo nombre del grupo-, pero ahora ya solo parece que lo que quieren es desquitarse de la presión de utilizar la etiqueta Radiohead.
Podemos deducir que el tema habla sobre la falta de hondura de la vida moderna, si bien el vídeo minero abre nuevas posibilidades: ¿qué mejor espacio para reflexionar sobre una superficie? Y es que ‘Skrting On The Surface’ se presenta con un vídeo que fue rodado en 16 mm en blanco y negro (nada que ver con la portada del single) por el guionista y director ganador de un BAFTA, Mark Jenkin, en las profundidades de la mina de estaño en desuso de Rosevale, en Cornualles, Reino Unido. En sintonía con el carácter experimental de la banda, ha sido revelado a mano en el agua de la mina.
Hoy 18 de marzo es el último día en el que los artistas pueden apuntarse a la convocatoria de AIEnRUTa, el programa organizado por AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes) para potenciar la música en directo. Si eres artista visita la web y clicka en «cómo participar».
Desde 1995, AIE ha programado más de 5.000 conciertos de 1.200 artistas y grupos de distintas procedencias y estilos, con una asistencia de unos 300.000 espectadores, en las más de 150 salas que han acogido el programa en 60 ciudades distintas.
A lo largo de 27 años por tanto se ha contribuido al desarrollo de artistas tan importantes como Albert Plá, Pau Riba, Miguel Poveda, Diego el Cigala, Estopa, Love of Lesbian, El Columpio Asesino, Refree, Vetusta Morla, Coque Malla, Pony Bravo, Anni B Sweet, Guadalupe Plata, Arizona Baby, Zahara, La Bien Querida, McEnroe, Tulsa, Fuel Fandango, Maga, Triángulo de Amor Bizarro, Russian Red, Julián Maeso, Novedades Carminha, Maika Makovski, La Habitación Roja, La M.O.D.A., Belako, Niño de Elche, Iseo, Rodrigo Cuevas, Rufus T. Firefly, Los Hermanos Cubero, Bronquio, Lorena Álvarez, María Rodés, Ortiga, Ferrán Palau, Niña Polaca, entre otras decenas.
Los objetivos son fomentar el intercambio cultural entre artistas de todas las comunidades autónomas, potenciar todos los estilos musicales que se dan dentro de la música popular, dar a conocer a los nuevos valores artísticos facilitándoles un marco de expresión, ayudar y potenciar la iniciativa privada y el mercado musical que hoy en día se desarrolla en los locales de pequeño y mediano aforo, en los bares con actuaciones en directo, en salas con una programación estable de música en vivo, y crear un circuito de invierno consolidado y estable que permita mantener la gran cantidad de grupos y artistas que existen en todas las comunidades autónomas.
Un comité de expertos se reúne dos veces al año para valorar las propuestas que serán seleccionadas para participar en los dos ciclos anuales. Los artistas y grupos participantes del 1er Ciclo (enero a junio) se seleccionan en octubre del año anterior y los del 2º Ciclo (septiembre a diciembre) en abril.
A la espera de ver cuáles son los artistas escogidos para la segunda mitad de año, ya se conoce la programación AIE de este mes de marzo, pero también habrá shows en abril y mayo. Entre los conciertos, hay shows de dani, Niña Polaca y Ortiga este domingo 20 de marzo en La Radio Encendida, o el show de Chavales el día 31 de marzo en el Café La Palma de Madrid. Otros conciertos tendrán lugar en Zamora, Toledo y León y otros artistas seleccionados en la primera mitad de 2022 han sido Muerdo, Medalla, Compro Oro y StayOns, entre otros. Podéis consultar la agenda a través de la web oficial.
Una motomami saca disco hoy, pero no es la única. También lanza sus nuevo álbum hoy viernes Charli XCX, que es Disco Recomendado en portada con ‘CRASH’; mientras Little Boots, Walls, Gayle, Midlake, Bebeheaven, Lil Durk y Kungs presentan por su lado sus nuevas entregas.
2022 cada vez va más fuerte en cuanto a lanzamientos y, solo esta semana, han vuelto con nuevos singles tres bandas a las que echábamos de menos, por un lado, Arcade Fire y Muse, que avanzan ya sus nuevos trabajos discográficos y, por el otro, Delafé y las flores azules, que presentan la bonita ‘AQUÍ Y AHORA’. Además, Julieta Venegas avanza su próximo álbum con un single que hoy es la Canción Del Día, y sobre el que hablamos con la autora.
Normani, artista que saca single de uvas a peras, protagoniza otra de las novedades de la semana, Residente se saca de la maga una impactante canción protesta de la mano de Ibeyi, Putochinomaricón sigue apegado al hyperpop y se junta con GFOTY (de PC Music) en ‘Tamagotchi’ y Thom Yorke ofrece novedades tanto en solitario como a través de su banda The Smile.
Otro regreso sorprendente que ha tenido lugar estos días ha sido el de Bon Iver, que colabora en un tema de Ethan Gruska, y también presentan interesantes novedades Anna Prior de Metronomy, King Princess, Blue Rojo, Syd, MUNA, Travis Birds, NICO B. o Sudan Archives. Y en la misma semana que vuelven Weezer, Yawners dedica su nuevo single a ‘Rivers Cuomo’.
Esta semana ha celebrado su tradicional rueda de prensa en Madrid el Mallorca Live Festival, que este año cuenta con un cartel tan variado como sigue: van Muse, va Christina Aguilera, va C. Tangana, van Franz Ferdinand, van Metronomy, van Izal, va Rigoberta Bandini… y van ya miles de abonos vendidos hasta el punto de que la organización aseguró que esperan hasta 28.000 personas diarias. El 50% del público será balear, el 40% del resto de España y un 10% internacional.
Sebastián Vera, responsable de la contratación, dio nuevos nombres para el cartel: Cut Copy, Supergrass, Temples, Editors y Milky Chance, reincidiendo en muchos otros nombres pequeños con que les hace especial ilusión contar, como fue el caso de Cecilia Zango o Rocío Saiz y artistas locales como Alanaire, Reïna, Agost, Aina Losange o Niños Luchando.
En este tipo de eventos las confirmaciones, los canapés y la bebida gratis -no necesariamente en ese orden- suelen ocupar todo el foco, pero en este caso el alcalde de Calvià, Alfonso Luis Rodríguez Badal (PSOE), logró robar el foco durante unos pocos segundos contra todo pronóstico, defendiendo Magaluf (que pertenece a Calvià), asegurando con vehemencia que las mismas cosas (malas) que pasan en Magaluf pasan en muchos otros lugares, pero es Magaluf el lugar que se lleva los peores titulares de la prensa. Así, aseguró que el turismo joven es bienvenido, pero que su equipo lleva tiempo trabajando por que «Magaluf no sea un destino de excesos, sino cultural y familiar».
De esta manera, invitó a los asistentes a «conocer Magaluf porque la gente conoce lo que se dice de Magaluf, pero no Magaluf de verdad». Unas declaraciones en la línea de las que acaba de conceder a Mallorca Diario: «Calvià es Peguera, es Santa Ponça, es Portals, es Illetes, es Palmanova y también es Magaluf, por supuesto. Y añadiría que estamos orgullosos de que sea así. En cuanto a Magaluf, es a su vez una excelente playa y un excelente entorno hotelero y de oferta asociada. Y también es o tiene Punta Ballena. Lo que ocurre es que no todo Magaluf es Punta Ballena».
Continúa: «Lo fundamental es que haya una mejora de la oferta de ocio, es decir, que el ocio joven no arrincone al turismo familiar, de parejas y adulto. Y eso es lo que estamos consiguiendo, que todo sea compatible. Nosotros queremos turismo de ocio, pero también queremos erradicar los excesos. Hay que distinguir, pues, entre ocio y excesos. Nosotros pretendemos desterrar los excesos de nuestras zonas, que además quedan en el imaginario y aparecen en muchas referencias periodísticas que hoy en día son ya algo injustas».
Rosalía ha visitado esta noche El Hormiguero para promocionar ‘MOTOMAMI‘, su nuevo disco, que sale este viernes 18 de marzo. Nuria Roca ha sido la presentadora «presente» en plató, pero Pablo Motos ha intervenido desde su casa mediante videollamada para preguntar a la artista sobre su arriesgado nuevo sonido o sobre sus letras. Motos ha sido bastante atrevido en sus cuestiones, sobre todo desde la insinuación: ha preguntado a Rosalía si no tiene miedo de decepcionar a los seguidores de ‘El mal querer‘ (ella ha contestado que lo importante es crear música desde el corazón), y veladamente (o no tanto) le ha planteado si escribe fumada a raíz de letras como la de ‘SAOKO’. Rosalía ha contestado que ella no fuma porque si lo hiciera «esta voz de colibrí no aguantaría».
El contenido de ‘MOTOMAMI’ ha tenido cierto protagonismo en la entrevista, lo cual nunca se puede dar por sentado en El Hormiguero. Roca ha mostrado la portada sin censurar, al contrario de lo que pasó en Jimmy Fallon, el programa ha estrenado un avance del vídeo de ‘CANDY’, la catalana ha hablado sobre su proceso de composición durante la pandemia y Motos, siempre dispuesto a hacer las preguntas más cuñadas, ha querido resolver esa duda colectiva acerca de si el tatuaje que Rosalía lleva en la pierna es una polla o no. Rosalía, que ya hablado sobre dicho tatuaje en alguna ocasión, ha contado que es un liguero y que representa la libertad sexual de las mujeres.
La entrevista ha vivido un momento surrealista cuando, interrogada por el resto de sus tatuajes, Rosalía se ha quitado una bota y ha plantado toda su planta del pie delante de una cámara para enseñar el tatuaje de la letra R que lleva tatuada en dicho lugar. Ha eludido mencionar a Rauw Alejandro y ha explicado que el tatuaje tiene que ver con una frase de ‘A ningún hombre’ («voy a tatuarme en la piel tu inicial porque es la mía»). Pero esto no es lo más surrealista que ha sucedido durante la visita de Rosi a El Hormiguero.
La artista ha protagonizado un segmento cómico en el que se ha disfrazado de becaria de reportera para preguntar a la gente de las calles de Madrid qué opina de Rosalía y de su música. Rosalía se ha enfrentado a la indiferencia que provoca en algunos viandantes, también a la decepción que ha generado en otros su evolución hacia el reggaetón, y ha tenido la osadía de preguntar a la gente además por C. Tangana en comparación con ella, para terminar mal parada en la comparación.
También esta noche ha tenido lugar el concierto de presentación de ‘MOTOMAMI’ diseñado específicamente para TikTok, es decir, grabado con un teléfono móvil, en vertical. Rosalía ha jugado con los ángulos y con la posición de cámara, a menudo ha traído a la mente el vídeo de ‘Je’n Ai Marre’ de Alizée (2003), y ha volcado una estética futurista en muchas de las actuaciones. También ha contado con Tokischa en ‘LA COMBI VERSACE’.
Me ha flipado el directo en TikTok de @rosalia ❤️ #MOTOMAMI es un SERVICIO, y ella es una bestia escénica y creativa, solo puedo aplaudirla por hacer lo que le da la gana 🙌🏻. Deseando escuchar el disco entero. pic.twitter.com/1DjQet0Q2V
«Esto no es El Mal Querer, es El Mal Desear» es una de las frases con que se ha promocionado el nuevo disco de Rosalía en el metro, y es una de las frases que aparece en uno de sus nuevos temas, en concreto ‘G3 N15’, al final del cual se oye una locución de su abuela. Incluso en uno de los momentos menos radicales de este nuevo álbum, la cantante ha querido mantener la distancia con la que siempre será su gran obra maestra. ¿O en verdad será esta que ahora tenemos entre manos, solo que es demasiado pronto para darnos cuenta?
El camino al tradicionalmente difícil tercer disco de un artista ha estado lleno de polémica desde casi el principio en el caso de Rosalía. Desde que publicó ‘Con altura’, algo parecido a un reggaetón -también a un hip hop-, hay quien se llevó las manos a la cabeza y se bajó del carro. Eran los tiempos de los últimos supervivientes de aquella soflama “yo escucho de todo menos reggaetón”, no sé si cerca del clasismo o de la pedantería, lo seguro es que muy próxima al siglo XX.
Muchos esperaban que Rosalía dejara de lado esa vía más comercial para ese tercer disco. “Que haga lo que quiera por el éxito, pero que cuando grabe un álbum, se centre”. Y lo cierto es que nadie ha acertado: ni ‘MOTOMAMI’ es continuista respecto a ‘El mal querer’, ni se entrega al reggaetón, ni es un disco más comercial que ‘El mal querer’. Más bien todo a la vez, o todo lo contrario.
Muy influida por la compañía de su amiga Arca, pues por muchos créditos que el disco pueda sumar, de Tainy a El Guincho pasando por Noah Goldstein o David Rodríguez, Arca parece la referencia principal; Rosalía ha desarrollado todo esto durante 2 largos años en Estados Unidos bajo un concepto más libre que su anterior disco. Un álbum en el que “MOTO” simboliza la parte más «experimental, divina y fuerte»; y una parte “MAMI” más «cercana, personal, real, confesional y vulnerable». Algo similar a la dicotomía que planteaba su admirada Beyoncé en “Sasha Fierce” solo que con el riesgo de los discos de Knowles que vinieron después de aquel. Y mucho más allá.
Rosalía comienza el álbum hablando de su metamorfosis en ‘SAOKO’, entre referencias inabarcables a Daddy Yankee o a la cultura voguing («sex siren» es una categoría, en concreto aquella en que se compite casi en cueros), mientras el sonido devanea entre lo latino y el punk. Lo mismo parece inspirarse en Wisin que en Suicide, y de su posición de apertura podemos deducir que ‘SAOKO’ es la verdadera canción señera de esta era. ‘La Fama’ junto a The Weeknd palidece en su conservadurismo a su lado, como bachata muy tibiamente aderezada con un par de efectos por aquí y por allá.
Sí nos introducía ‘La Fama’ a uno de los temas principales del disco: la popularidad y el declive de toda popstar tan pronto como ya, meses antes de que Vila cumpla 30 años. Como si al adentrarse en esta inabarcable amalgama de producciones y estilos, con espacio para flamenco, bolero, un sample de Burial en ‘Candy’, un featuring de Tokischa, mil referencias a Dios, recitados que te harán echar de menos a Rossy de Palma, y pitufos de todos los colores, Rosalía supiera que esta puede ser su última vez en algunos mercados. El álbum se cierra con una balada como en vivo llamada ‘Sakura’, cuya letra dice así: “Flor de sakura / ser una popstar nunca te dura / No me da pena, me da ternura”, antes de afirmar que “no para siempre puedes ser una estrella”. “Cuando tenga 80 y mire pa’trás”, dice Rosalía que se reirá.
Otra cosa es lo que haya conseguido reírse y hacer reír durante ‘MOTOMAMI’, un disco de rimas a veces tan feístas como las de ‘Chicken Teriyaki’. Todos aquellos escandalizados por makis, gatas, Kawasaki, serenatas y las frases en Spanglish de ‘HENTAÏ’, esperad a oír el abecedario que aparece al final del disco -con unas letras sí y otras no-. No en pocas ocasiones ‘MOTOMAMI’ se revuelca en la tontería feliz cual gorrino en el barro en un día de lluvia, presentando una incómoda mezcla de exceso de filtros y ausencia de los mismos que ni el Instagram de Madonna, dejando la impresión de ser un disco que recordar mucho, pero escuchar poco.
Nada más lejos de la realidad: su gracia está ahí y se va revelando con el paso de los días, también para los puretas de ‘El mal querer’ o incluso ‘Los Ángeles’. ‘Diablo’ y ‘Como un G’ no están tan lejos de ‘Bagdad’ y su referencia a Justin Timberlake y Annie Lennox, y ‘Bulerías’, otro de los temas que hablan de la popularidad, con referencia a Manolo Caracol, es el nuevo ‘La boda’, con Rosalía recordando que ella es la misma cantaora en todos sus álbumes, bien vaya con chándal de Versace o bien de bailaora. O desnuda, como es el caso.
‘Delirio de grandeza’ es otra de las grabaciones clásicas, como un bolero de Antonio Machín (en realidad adapta a Justo Betancourt), al que se suma un sample de voces aceleradas de Vistoso Bosses y Soulja Boy. Y ‘Diablo’ presenta también un carácter cortorsionista, entre el reggaetón, la cadencia jazz de James Blake -que aparece- y la total lócur de Alejandra Ghersi.
Hablando de lo cual, y mal que nos pese, es tan difícil mantenerse quieto con ‘Bizcochito’ como con ‘SAOKO’, y lo mismo sucede con ‘Cuuuuuuuuuute’, entre el piano jazz y la mejor M.I.A. Así da gusto que el twerking siga vivo.
Es ese nivel de atrevimiento el que hace de ‘MOTOMAMI’ un disco tan adictivo en toda su polémica y con todos sus defectos. Más comprensible fuera de España o allá donde no entiendan castellano, este es el álbum más 2022 de lo que llevamos de 2022. Un disco en el que un momento estás al borde de una depresión sufriendo una pandemia, y al siguiente muriéndote de risa con un filtro de TikTok. Un instante riéndote porque suenan metralletas en un tema porno que igual habla de «la pistola» de Rauw Alejandro, otro llorando porque las metralletas son de verdad.
Ya se encuentra en marcha la agenda de conciertos programada por el 30 aniversario de la sala Moby Dick, y entre los artistas confirmados se encuentran Los Pilotos, el proyecto de pop electrónico de Banin y Florent de Los Planetas y la cantante peruana Pamela Rodríguez, que este mismo viernes 18 de marzo presentarán en el escenario de la conocida sala madrileña las canciones incluidas en su último disco, ‘Alianza atlántica‘. Las entradas que regalábamos para este concierto se han agotado en menos de 10 minutos pero podéis comprar vuestros tickets en la web de Moby Dick.
Artífices de un interesante sonido que fusiona pop, electrónica y músicas latinas, así en plural, entre otros estilos como el krautrock, Los Pilotos allanan el terreno para su concierto en Madrid con el lanzamiento de un remix que sorprenderá a la audiencia. ‘El ciclo de loas mareas’ es su tema más popular en Spotify gracias a su refrescante sonido tropical, explorado junto a las dominicanas Mula, Rachel Rojas y las gemelas Anabel y Cristabel Acevedo. DSKpop publica y Acqustic distribuye hoy una remezcla por parte del DJ y productor granadino afincado en Berlín Kid Simius, que sumerge la grabación original en las «mareas» del house acuático y el piano house de los años 90. Hablamos con Los Pilotos sobre el sorprendente remix:
El remix que sacáis hoy de ‘El ciclo de las mareas’ es puro voguing y house de los años 90. Era además, vuestro tema más popular. ¿Cómo ha surgido este trabajo con Kid Simius?
A Kid Simius lo conocemos desde hace años, lleva mucho tiempo viviendo en Berlín, pero es granadino. Hemos tocado juntos, pinchado juntos y nos hemos remezclado mutuamente. Hemos tenido mucha afinidad con él siempre. Nos invitó a abrir el show de presentación de su segundo disco y luego nos llevó de fiesta por los clubs berlineses. Cuando viene a Granada procuramos vernos y pasar un rato juntos hablando de música y de máquinas para hacerla. Cuando empezamos a hacer propuestas para el disco de remixes, él fue uno de los primeros en apuntarse. Es un gran amigo y nos encanta lo que hace, no podía faltar.
¿Cuáles son o eran vuestros referentes en el house de los 90 antes de esto?
El house lo escuchábamos cuando íbamos de fiesta, pero nunca fue un género que llegamos a venerar. Nos gustaba más la electrónica del sello Warp, Autechre, Boards of Canada, The sabres of paradise, Seefel, Plone… y otros artistas como Orbital, Mouse on Mars, Lemon Jelly, DJ Shadow, Dj Crash,The Chemical Brothers…
Estando ahora mismo en producciones tan variadas, nos preguntamos qué esperar de vuestro concierto en Moby Dick. ¿Venís con Pamela Rodríguez, imaginamos, pero habrá partes que serán más como una sesión? ¿Algo que podáis avanzar? ¿Habrá guitarras sobre el escenario o van secuenciadas?
Vamos con Pamela y estamos presentando nuestro disco de colaboraciones con artistas de Latinoamérica, ‘Alianza Atlántica’. Haremos un repaso por las canciones del EP y del álbum, y quizá alguna también de los discos instrumentales. En esencia, será un concierto de pop electrónico con guitarras. Además de Pamela, es muy posible que esté también Nico, de Kanaku y el tigre, cantando la canción del disco en la que participa, ‘Estática en el canal’.
En mi cabeza al menos es el rollo electropop de los temas con Pedrina, sobre todo ‘Cenizas en el piso’, el que mejor os sienta. Después me sorprende ver que esta canción no está entre vuestros temas más escuchados, siquiera, cuando era un tiro. Entre las colaboraciones con artistas de distintos países, vuestro trabajo con Los Planetas… ¿Qué tipo de público tienen Los Pilotos?
Nunca sabes cómo van a funcionar las canciones, nosotros pensábamos también que ‘Cenizas en el piso’era el tema con más potencial. De todas formas, las cifras de escuchas de las plataformas de streaming no se pueden tomar como una verdad absoluta. Si consigues que una canción tuya entre en una lista potente, obviamente va a tener muchas escuchas, pero esas listas están sonando en muchos sitios dónde a veces pasan desapercibidas, pero van contabilizando. No se corresponden con escuchas reales o conscientes, como sería la de una persona que entra a tu perfil ex profeso a escuchar una o varias de tus canciones.
Nuestro público es el mejor que se puede tener, gente guapa e inteligente con muy buen gusto para las bellas artes
Arcade Fire han publicado su nuevo single, como habían anunciado, en la tarde de este jueves. Se trata de un lanzamiento doble, dividido en dos partes, ‘The Lightning I’ y ‘The Lightning II’, que en realidad parecen las dos partes de una misma canción, una más baladesca y otra más animada, y que el grupo canadiense presenta una seguida de la otra en el videoclip oficial.
Ambas pistas formarán parte de ‘WE’, el nuevo álbum de Arcade Fire, que será doble y sale el 6 de mayo. Co-produce Nigel Godrich, conocido por ser el productor de Radiohead, y el tracklist se compone de apenas 7 pistas. Arcade Fire aseguran que el álbum representa «un ejercicio en contención» para ellos pese a ser doble.
Side I:
01. Age of Anxiety I
02. Age of Anxiety II (Rabbit Hole)
03. End of the Empire I-IV Side WE:
04. The Lightning I, II
05. Unconditional I (Lookout Kid)
06. Unconditional II (Race and Religion)
07. WE
‘WE’ verá la luz cinco años después de ‘Everything Now’, y aunque hace dos años ya hablaban de un nuevo trabajo discográfico que estaba en camino -de hecho, Win Butler contó en el podcast de Rick Rubin que había escrito dos o tres álbumes para Arcade Fire en la primera cuarentena- nada de ese trabajo había salido a la luz hasta ahora.
Arcade Fire han llevado a cabo una campaña muy curiosa para anunciar la vuelta de la formación, mandado unas postales que contienen un pentagrama con acordes pintados en colores y la frase “We missed You” (Te hemos echado de menos) a sus fans. Estas postales estaban llenas de misterio y expectación, pero poco después se descubría que esos acordes pertenecen a este nuevo single. En sus redes sociales publicaban la misma carta con un mensaje que dice: “Aquí tenéis los acordes para que sea un poco más fácil tocarla”, refiriéndose a ‘The Lightning I, II’.
Our new song The Lightning I, II comes out on Thursday 2PM ET/11AM PT. Pre-save: https://t.co/n7uhcMkTGr Here’s the chords to make it a little easier to play. WE really missed you⚡️ ❤️ AF pic.twitter.com/m4IJ2hZ73t
Por otro lado, la banda se ha unido a la comunidad de TikTok y ha compartido un vídeo donde revelan parte del nuevo single a piano. El vídeo puede estar grabado en el escenario del concierto benéfico a favor de Ucrania que celebraron ayer.
Lil Nas X ha sorprendido hoy subiendo un video a TikTok donde filtra casi un minuto de una nueva canción que se trae entre manos, ‘Lean On My Body’. Esto ocurre justo un día después de que terminara su éxodo de las redes sociales, y el cantante ha vuelto por todo lo alto.
En el video se le puede ver delante de un piano, en una forma física que quita el hipo, mientras baila y canta una parte de su nueva canción. ‘Lean On My Body’ hace referencia a la pelea que tuvo su sobrino en el colegio porque alguien se rió de que su tío fuera Lil Nas X. El artista responde en el tema defendiendo a su sobrino y condenando la homofobia abiertamente una vez más, algo que sigue siendo totalmente esencial aunque mucha gente se empeñe en decir que el rapero no deja de mencionar su sexualidad innecesariamente.
Parece que dentro de poco podremos disfrutar de nueva música de Lil Nas X, pero probablemente no sea esta la primera canción que publique. Ayer, en su vuelta a las redes sociales, el cantante preguntó a sus fans en Twitter cuál era la canción que querían escuchar primero: la colaboración con NBA YoungBoy ‘Late to the Party’ o ‘Down Souf Hoes’, con Saucy Santana.
Que sigue siendo un momento estupendo para la música latina no se puede negar. Sin ir más lejos, la banda sonora de ‘Encanto’ incluye ritmos de salsa, vallenato o cumbia. Sin embargo, eso no garantiza el éxito para cualquier cosa latina que se publique. El camino al próximo disco de Christina Aguilera no ha podido comenzar peor. El impacto sobre cualquiera de sus canciones es completamente nulo, y lo peor es que si percibes que en España ha sonado poco, lo cierto es que es el mercado en el que mejor han funcionado sus adelantos. Al menos han aparecido por listas.
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