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Muere a los 53 años Andy Barker de 808 State

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Andy Barker, mitad del dúo de acid house 808 State, ha fallecido a los 53 años después de un «breve periodo de enfermedad». Su familia pide que se le recuerde «por la alegría que transmitió al mundo a través de su personalidad y de su música». Graham Massey, ya el único integrante de 808 State, ha comunicado la noticia a través de sus redes sociales.

Cuando en los 80 se empezó a originar el acid house, 808 State fue una de sus bandas pioneras. Sin embargo, Barker no fue uno de sus integrantes originales. La primera formación de 808 State estaba compuesta por Graham Massey, Martin Price y Gerald Simpson, y Barker se incorporó a la banda después de que Gerald la abandonara para perseguir sus propios proyectos en solitario. Entonces, Barker formaba parte de los Spinmasters junto a Darren Partington, que también se unió a 808 State, convirtiendo al trío en un cuarteto.

Tras el lanzamiento de su álbum debut ‘Newbuild’ en 1988, el que produjo el hit ‘Pacific State’, y la incorporación de los Spinmasters a la formación de 808 State, el grupo publicó el EP ‘Quadrastate’ y el álbum ‘Ninety’. Después llegó ‘Ex:el’, que coqueteaba con la new wave e incluía colaboraciones vocales de Björk en un par de pistas, así como de Bernard Sumner.

A lo largo de los 90 y principios de los 2000, 808 State continuaron publicando álbumes como ‘Gorgeous’ o remezclando a gente como David Bowie. Especialmente querida fue en las noches de The Haçienda su remix de ‘Blue Monday’ de New Order, sobre la que el grupo llegó a declarar que «no nos comimos demasiado la cabeza con ella, pero quizá esa era su gracia».

Al contrario que Martin Price y después también Darren Partington, que en 2015 entró en prisión por vender heroína y crack, Andy Barker jamás abandonó 808 State y, en 2019, el dúo formado por él y Massey lanzaron dos EPs y el álbum ‘Transmission Suite’.

El éxito de LaTour que se abrió paso ante la llegada de SoundScan y la crisis del SIDA

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En las últimas semanas se ha estado celebrando el 30 aniversario de muchos discos icónicos de 1991, pistoletazo de salida para el primer gran viraje estilístico de la entonces nueva década: el ascenso de “lo alternativo”. Ocurrió hace 30 años, con la edición de ‘Nevermind’ de Nirvana, ‘Blood Sugar Sex Magik’ de Red Hot Chilli Peppers, ‘10’ de Pearl Jam o el álbum negro de Metallica.

En su nuevo y muy recomendable blog sobre música, Damon Krukowski (Galaxie 500, Damon and Naomi) mencionaba hace días un dato fascinante que explica la explosión de lo underground más allá de un supuesto cambio de los gustos: los gustos no cambiaron de repente, simplemente en los EE.UU. se empezaron a contabilizar las ventas desde primavera del ’91 mediante un nuevo sistema llamado SoundScan. Con este nuevo método, el código de barras que para entonces ya incorporaban todos los discos se escaneaba en caja para el cobro pero también pasaba a una base de datos. Parece mentira, pero previamente a ese sistema objetivo las ventas se calculaban en realidad mediante unas estimaciones bastante difusas basadas en pedidos iniciales a las distribuidoras y otros mecanismos de interesada «creatividad contable»… que por supuesto beneficiaba a lo más mainstream de los catálogos de las multinacionales. SoundScan sacó a la luz la realidad: se vendían muchos más discos de rock alternativo, metal o country de lo que a la industria le interesaba que se supiera. Lo que cambió fue que la realidad se empezó a plasmar en las listas.

Aparte de los grupos de guitarras (hace gracia pensar que quizá los Pixies podrían haber gozado de mucha más popularidad de haberse implantado este sistema años antes) el viraje benefició a más géneros: Garth Brooks inició su ascenso imparable en ese preciso instante, y el rap más político de gente como NWA de repente aparecía en 1991 en los Top 10 (hasta entonces ocupado por artistas del género más digestivos, como Vanilla Ice o MC Hammer). También bastantes grupos alternativos británicos tuvieron la oportunidad de asomar la cabeza en los charts americanos (y por extensión mundiales): bandas como EMF consiguieron éxito de listas en USA con pelotazos como ‘I Believe’ y tras la llegada de SoundScan aparecían en las listas de álbumes más vendidos de junio mucho más arriba de lo esperado. Durante el verano, Siouxie and the Banshees lograban un inédito Top 10 en la lista Hot Dance/Disco con su sublime ‘Kiss Them For Me’, que el NME había descrito como un tema difícil de vender porque muchos oyentes podrían “horrorizarse por su ritmo baggy y su descarada bailabilidad”. Sin embargo para octubre de 1991, surfeando la ola del SoundScan… llegó a entrar en el Top 25 del Billboard.

El fenómeno afectó positivamente incluso a otro nicho del underground, la música de baile. Antes del verano de 1991 uno de los temas más improbables pero brillantemente adictivos de house de aquel año llegaba al nº1 de las listas Dance en los EE.UU.: ‘People Are Still Having Sex’ de LaTour. Cada vez que la canción aparecía en la MTV aquel año (en Europa se emitió mucho el vídeo) me resultaba absolutamente fascinante, con esos irónicos versos iniciales: “¿Te has fijado en que la gente sigue practicando el sexo? / Todas las condenas no han tenido absolutamente ningún efecto / Padres y orientadores les desprecian constantemente / Pero la gente sigue practicando el sexo y nada parece detenerles”.

Toda la canción mantiene ese tono de sarcasmo, que en la impecable base de Chicago House encuentra la combinación perfecta: LaTour proyecta una mirada divertida ante el establishment que intenta coartar libertades y que utiliza la preocupación ante los peligros del SIDA para sus intereses ocultos. La frase “this AIDS thing isn’t working” fue sustituida por otra distinta por la presión de los censores, porque desvelaba esa gran verdad de los 80 y 90: el sueño acariciado en secreto (a veces no tanto) por las fuerzas retrógradas de los EE.UU. de que el SIDA en realidad conseguiría que los jóvenes dejasen de “fornicar”.

Sobre el ritmo hipnótico que gira alrededor de dos simples acordes LaTour sigue con su letanía declamada en tono neutro: “Es un hecho que la gente sigue practicando el sexo / Es completamente obvio, es lo que se espera / Nos rodean las pruebas / De que todo el mundo, en todas las poblaciones, lo ha practicado en algún u otro momento / En este preciso instante la gente sigue practicando el sexo / En un apartamento del centro o en una calle de los barrios pobres / La gente sigue practicando el sexo y nada parece detenerles”.

Tras el proyecto estaba LaTour (William Latour), músico que provenía de la escena punk de Chicago pero que en 1991 se pasó al house, y debutó con este tema, con producción de Terry Baldwyn. Sin embargo, tras este éxito no volvería ni a rozar las listas con sus sucesivos proyectos de baile y a final de la década se recicló en DJ radiofónico. A lo largo de 1991 y 1992 la idiosincrática patinadora Tonya Harding (encarnada por Margo Robbie en la película ‘I, Tonya‘ de 2017) utilizó la canción como parte de su número (incluyendo la final de de la Olimpiada de Invierno de 1992) para escándalo de algunos. La película recreaba ese momento, trayendo fugazmente a la actualidad de nuevo este “one hit wonder” tan irresistible de hace exactamente 30 años.

‘People Are Still Having Sex’ suena en la entrega nº 393 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

ABBA / The Visitors

ABBA nunca se separaron. Cuando grabaron ‘The Visitors’, ellos mismos seguramente no sabían estar enfrentándose al que sería su último disco para siempre en 40 años. No hay comunicado de separación, ni siquiera, como se dice ahora, de «hiatus». Las parejas integrantes están divorciadas ya en ambos casos, pero eso no había supuesto un impedimento al menos para Björn y Agnetha, que ya habían tratado su separación en ‘The Winner Takes It All’ del álbum anterior.

‘Super Trouper’ (1980) había huido de la música disco, influido de manera dramática por la «Disco Demolition Night» y el movimiento «disco sucks», por lo que se movía algo disperso en diferentes direcciones. En cambio, ‘The Visitors’ estaba mucho más centrado, siendo uno de sus álbumes más completos e interesantes, sumando nuevos entramados y temáticas.

‘The Visitors’ -la canción- es una producción de pop progresivo con cierta vinculación Kraftwerk y cósmica y a la vez una intención claustrofóbica. Teóricamente habla de la disidencia en la URSS, si bien su texto podría ser el de cualquier novela distópica -o no tanto- inspirada en un estado totalitario. «Oigo el timbre de la puerta y de repente me asalta el pánico (…) No me puedo mover, estoy petrificada entre todas las cosas que amo tanto: los libros, los cuadros, los muebles. ¡Ayudadme!», suplica el cinético texto, además de apelar a «encuentros secretos» en un mundo que «se desmorona» y a una vía de «escape que no existe».

Estos ABBA entre ‘1984’ y ‘El cuento de la Criada’ funcionan tan bien como los de ‘Chiquitita’ y ‘Fernando’, que recordemos que era una canción sobre dos guerrilleros mexicanos hablando de los viejos tiempos. ‘Soldier’ es una canción también excelente, contra el militarismo («los soldados cantan unas canciones que nosotros no»), y abierta a las interpretaciones («en las garras de este frío diciembre / tú y yo tenemos una razón para recordar»), cuya cumbre es un solo de guitarra épico. Y ‘I Let the Music Speak’, lejos de la luminosidad de un ‘Thank Your for the Music’, se adentra en arenas movedizas y coros tan histriónicos como los de Queen (en este caso para bien).

Es visible que ‘The Visitors’ es el disco más rico de ABBA al margen de su single principal, que fue ‘One of Us’. Es este un tema polémico por la pequeña crueldad que supone hacer cantar a Agnetha que se arrepiente de haber dejado una relación y que se siente sola «llorando tumbada en su cama, deseando estar en otro lugar en verdad», después de haberse divorciado de un miembro del grupo. Melódicamente no tiene mácula y es otra de las obras maestras de ABBA, animada por un ritmo funky que en el fondo sobrevive.

Sí hay mancha, en cambio, en el desarrollo de ‘The Visitors’. Son estupendas ‘Head Over Heels’, más centrada en la sororidad y en la liberación de la mujer de Occidente, con unos efectos chispeantes y cierto ritmo de «tango» hasta el punto de que ‘Tango’ fue su nombre provisional; y ‘When All Is Said and Done’, que parece haber inspirado toda la carrera de The Killers, una composición madura de aceptación como canción de adiós, de lo más avanzada a su tiempo. Más complicada es la posición de Bjorn en ‘Two for the Price of One’, un intento de trío sexual un tanto cuñado en el que se le nota demasiado su admiración por Fleetwood Mac, y que no pinta nada por aquí. El poliamor es bienvenido para quien así lo desee, pero desubica que venga justo antes de una baladita para Linda, su hija de 7 años.

Por suerte, las aguas vuelven a su cauce con una de las grabaciones más fascinantes de la carrera de ABBA, que sirve como cierre para la edición de vinilo original, siendo un epitafio perfecto para su discografía hasta la llegada de ‘Voyage’. La onírica ‘Like An Angel Passing Through My Room’, que lo mismo podría haber inspirado a la primera Björk que a toda la generación dream pop, es dominada en solitario por Anni-Frid Lyngstad, con un protagonismo excepcional en ‘The Visitors’, quizá debido a su registro más oscuro.

De Bono a Jarvis Cocker, de John Grant a Wilco, de Erasure a Sinéad O’Connor, de Carla Bruni a Portishead, de Camera Obscura a dani, serán incontables los artistas que reconocerán en ABBA como un grupo que cambió su vida, gracias a ‘The Visitors’ sabemos que por motivos mucho más diferentes de lo que parece.

Izal / Hogar

En un bando tenemos a Izal posando con una sonrisa de oreja a oreja sosteniendo un arsenal de discos de oro y de platino, por sus álbumes y singles de gran éxito, como si estuviéramos en 1995. En el otro, a bandas como Carolina Durante y Alavedra satirizándolos en sus canciones. Uno podría titular con uno de esos «Izal, o los amas o los odias» que glamourizan en cierta medida a los grandes. Decir que Izal generan una polarización que ni las dos Españas del Twitter y la SextaNoche. Pero lo peor es que tengo la ligera sensación de que Izal lo único que generan ya entre cierto tipo de público -el de esta web, por ejemplo- es indiferencia.

La historia de toda esta dicotomía para algunos será la del indiemainstream («suena demasiado comercial»), la del elitismo («demasiado llenaestadios») o una cuestión simplemente estética: Izal no han tocado el minimalismo en ciertos puntos de su carrera ni con un palo, y casi siempre han optado por una lírica de lo más obtusa, cuando no abiertamente rocambolesca. Sumando los precedentes de Mecano y La Oreja de Van Gogh, da la impresión de que para que te vaya bien en este país, tienes que escribir cosas muy, muy raras. Pero al grupo hay que reconocerle su ambición. Podrían estar haciendo ‘Copacabanas‘ hasta aburrir y llenarse los bolsillos encabezando gracias a ello una y otra vez todos los festivales del país excepto el Sónar y el Primavera Sound. En cambio, en ‘Hogar’ han explorado nuevos territorios, lo cual a veces les ha salido bien, y a veces les ha salido menos bien.

Entre lo bueno de veras, está el primer adelanto del álbum, el sorprendente ‘Meiuqer’. Un tema de trasfondo Bon Iver que se han llevado a su terreno y que resulta una bonita alegoría sobre la pandemia -el videoclip es un bar que vuelve a abrir- que en realidad fue escrita antes de la pandemia. La canción habla de «un año de duda y silencio / de resaca, látigo y sal» y es el retrato de una profunda soledad, excelentemente producida, aquí sí, con mucha sobriedad. «Solo yo duermo conmigo / Solo yo me veo despertar / Y solamente el suelo que piso / Me escucha al andar» es una visión bastante literal pero a su vez poética de lo que fue el día a día de demasiada gente durante el año 2020. No le darán ningún disco de oro, pero a mí es la primera canción de Izal que me llega de verdad.

En el otro lado de la moneda, otro de los temas más populares de este álbum, ‘Fotografías’, la típica producción estridente marca de la casa, con cuerdas, trompetas y una narración de frases escupidas sin orden ni concierto, donde de repente todo se para por un segundo para que Mikel nos cuente, entre viajes en coche a La Concha, años de sequía creativa, y amor fraternal, que cierto día lloró. «Pero solo un poco». Será un torbellino de presentación en directo, supongo, pero no se caracteriza por su elegancia y tampoco es que sea tan experimental después de todo: básicamente es una canción de León Benavente.

Precedido y culminado por dos grabaciones breves de sonido ambient -pajarillos y cosas así-, ‘Hogar’ va alternando ajeno a las críticas y a las presiones del mercado, aciertos y desaciertos. La producción a cargo del grupo y Brett Shaw, quien ha trabajado con Foals y Florence + the Machine, es ciertamente brillante en algunos puntos. Las canciones tienen sus virguerías, como el guiño brostep de ‘Inercia’ o el drop de la rockera ‘Dobles’. Los sonidos son cosquilleantes en muchos puntos, como en ‘El hombre del futuro’, tipo alt-J; o ‘Telepatía’, que parece un tema de Depeche Mode.

Las historias, por su parte, en ocasiones continúan siendo demasiado enroscadas como para sumergirse en ellas, cuando no presentan ideas pretenciosas. ‘Jóvenes perfect@s’ es una reflexión sobre las nuevas generaciones, la cultura de la cancelación y la necesidad de perdonar errores y defectos. Las intenciones son buenas, por supuesto; el resultado, en cambio, bordea el imperativo paternalista. «Derribemos el estándar de dudosa calidad / Permitamos ciertos fallos, rebajemos gravedad», propone, sin que el grupo haya aplicado esto último a algunos puntos de su disco. Siguiendo con este mismo tema, el copyright de la palabra «pluscuamperfecto» debería pertenecer a Las Ketchup. El juego de tiempos de ‘El hombre del futuro’ deja muchas ganas de escuchar ‘Retorciendo palabras’ de Fangoria.

‘Hogar’ es en realidad mejor cuando menos estridente y más confesional parece, como cuando ‘Inercia’ torna en declaración de amor en un estupendo estribillo («Fui poniéndome enfermo, cansándome de mí / Tan pálido y viejo, y al final / la solución
Fue sencillamente vernos») y terminando con un punteo un tanto R&B. O como cuando ‘He vuelto’, un tanto shoegaze, no dista tanto de algo que podrían haber musicado Klaus&Kinski. En muchas canciones, Mikel Izal se siente como una persona que «sangra, ríe, llora», como asegura ‘La mala educación’, muy beneficiada por su crescendo. En otras, como él mismo concluye en ‘Fotografías’, simplemente «salta a esta piscina sin saber si estaba llena».

Marina Herlop sí da «fuerzas» a la canción más accesible de b1n0

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b1n0, el dúo formado por Emili Bosch y Malcus Codolà, ha publicado este viernes su nuevo EP. Un disco de 5 canciones en el que han colaborado con El Petit de Cal Eril, Ferran Palau, Meritxell Neddermann, Tarta Relena y Marina Herlop. El grupo, que debutaba con un trabajo homónimo en 2019 a través de Foehn Records -por allí cantaba Núria Graham, entre otros- trabaja una electrónica intimista que invita al recogimiento.

‘AHH!’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las canciones más accesibles de b1n0, pues Marina Herlop logra hacer de ese “Forces, no tinc forces” un pesado y contagioso estribillo, mientras la música lucha por avanzar a trompicones, entre retazos de R&B y cortes experimentales. Si ella “no tiene fuerzas”, lo mismo parece querer expresar la producción, que podría haber sido realizada por los mejores Dirty Projectors.

Nos cuenta el propio grupo: “La verdad es que teníamos este tema de hace mucho tiempo. No le encontrábamos ni un nombre para la canción ni una voz. Pero nos encantaban las ideas que habíamos plasmado en las primeras demos. Queríamos un tema bonito con una estética lo/fi pop que en algunos momentos se rompiera por la mitad y apareciera otro mundo. Un mundo más electrónico, más distorsionado, más grande y más loco. Llegamos a pensar también en sacarlo sin ninguna collab, como hemos hecho con ‘acab’ por ejemplo, porqué el tema ya nos funcionaba. Pero pensamos de repente en Marina Herlop. Le enviamos la canción y al día siguiente nos envió un montón de ideas y nos enamoró. Creo que tenemos material para hacer un EP o incluso un LP juntos de todas las cosas guays que nos mandó Marina. El tema cambió después de sus melodías y letras. Hizo que tuviera aún más fuerza nuestra idea inicial”.

El disco se publicará en formato físico el día 19 de noviembre, con las 5 canciones principales en la cara A, y sus versiones instrumentales en la cara B. El grupo acúa el 18 de diciembre en Jazz Cava, Vic; y el 22 de diciembre en Barcelona.

500.000 vinilos de Adele en camino; las fábricas, más saturadas que nunca

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Adele continúa en el número 1 global con su nueva balada ‘Easy on Me’. Desde el número 1 de Estados Unidos, Reino Unido y otros países -en España baja tan sólo del puesto 12 al puesto 16, es decir, se mantiene estable-, garantiza un nuevo exitazo para el álbum ’30’, que sale el próximo 19 de noviembre.

Después de que ’21’ vendiera 30 millones de copias y ’25’ otros 20, es difícil calcular cuán lejos puede llegar ’30’, pues la venta de CD’s ha seguido cayendo en picado. Sin embargo, no tanto la de vinilos, por lo que Sony, que por primera vez distribuirá un álbum de Adele (ya no la encontramos vinculada a la indie XL), ha encargado la fabricación de 500.000 unidades en este formato.

Esta semana Vulture publicaba un artículo en el que, entre interrogaciones, planteaba que Adele haya acaparado la fabricación de vinilos en todo el mundo, pues sólo quedan 3 fábricas de vinilos a nivel mundial y conocidos están siendo los retrasos en el sector durante los últimos meses.

James Blake tenía que retrasar todo su último disco porque los vinilos no habían llegado a tiempo, Laura Jane Grace de Against Me! ha dicho que si no termina su trabajo en los próximos 3 meses no podrá sacar su álbum hasta 2023, esta mañana IDLES cuentan en redes que retrasan su vinilo por problemas de distribución, y Ed Sheeran ha contado en una entrevista que ha sido una locura imprimir sus vinilos a la vez que los de «Adele, ABBA, Elton, Coldplay y Taylor».

Billboard ha publicado un artículo de respuesta a la insinuación de Vulture puntualizando que Adele no ha saturado el mercado, pues el problema llevaba ya meses ahí, y el pasado verano ya realizaron una pieza hablando de la magnitud de este atasco. Las fábricas tienen capacidad para hacer 160 millones de vinilos al año, cuando la demanda actual dobla eso. Billboard asegura que los 500.000 discos encargados por Adele solo representan un 0,3% de lo que tienen que fabricar estas compañías este año, por lo que no sería el fondo del problema, aunque seguramente no lo ha aliviado precisamente en medio de una crisis global de suministros.

Almodóvar: fans, así en plural

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Con motivo del estreno de ‘Madres paralelas‘, dedicamos el nuevo episodio de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO al cine de Pedro Almodóvar: cómo lo descubrimos, cuáles han terminado siendo nuestras películas favoritas de su filmografía, cómo fue un escaparate de la vida adulta en Madrid cuando no vivíamos en la ciudad o qué representó para nosotros su muestra de la comunidad LGTB+ con naturalidad y sin culpa, así como el desenlace tirando a esperanzado de todas sus películas.

Recordamos el Especial Frases de Pedro Almodóvar que Claudio escribió en 2009, hablamos de cómo hemos acudido a ver todos sus films como quién va al Rocío, y comentamos algunos de los episodios más criticados de su cine. ¿Ha dejado de conectar con la calle? ¿Sabe dirigir actores masculinos? ¿Es demasiado explícita u obvia ‘Madres paralelas’ en sus referencias al PP de Mariano Rajoy? Sebas defiende esta última cinta de las críticas, mientras Claudio en este caso habla más bien en contra. Hay SPOILERS de ‘Madres paralelas’ entre los minutos 26 y 33 de este podcast.

No pasamos por alto el fenómeno de las chicas Almodóvar -ahora en ‘Masterchef’- quizá algo extinto, el talento de Penélope Cruz, cuál puede ser la peor película de Pedro -y ahí seguro que no vamos a coincidir con muchos de los lectores- o la función de la música en su cine. Al margen del premiado Alberto Iglesias, recordamos algunas de las canciones pop que han sonado en su filmografía o en su momento recomendó en su muro de Facebook. Un episodio, pues, con el que tratamos de explicar cuánto y por qué amamos su cine, a través de la fotografía, la narración y la estructuración de historias, y sobre todo de sus guiones, de los que compartimos algunas líneas favoritas.

U2 vuelven a la baladita cursi en ‘Your Song Saved My Life’

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Esta Navidad se estrena en cines ‘Sing 2’, la secuela de la exitosa película de 2016, en la que ponen voces algunos músicos como Halsey, Pharrell Williams y Bono, entre otros. Es por eso que U2 aparecen en la banda sonora de la cinta, y recordemos que la primera parte contó con un dúo entre Ariana Grande y Stevie Wonder, por ejemplo.

No hay nuevo álbum de U2 desde hace 4 años, cuando editaron el irregular ‘Songs of Experience’, por lo que había grandes expectativas para este lanzamiento que han tratado de propulsar en TikTok. U2 no consiguieron ni un solo top 40 en las listas británicas ni estadounidenses la pasada década, aunque sí colaron en el top 100 en ambos casos ‘Ordinary Love’, que logró una nominación a los Oscar.

‘Your Song Saved My Life’ como balada no se come demasiado la cabeza, hablando del poder de la música, pero sin alcanzar el desasosiego que parece buscar cuando comienza, entre pianos y ciertos efectos electrónicos, durante la “mañana de un lunes” nada menos que a las 4.15 horas. Bono y los suyos nos están hablando aquí de ser un “extraño en tu propia vida”, con cierto aire dylaniano -circa ’Make You Feel My Love’-, pero amparándose más en cuerdas, falsetes y melodías forzadas que en una idea inspirada.

U2, que supieron hacer grandes bandas sonoras como ‘Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me’ para ‘Batman’, y ‘The Ground Beneath Her Feet’, se han apuntado un pequeño hit en la era streaming con aquel descarte llamado ’Sweetest Thing’, sin que nadie lo viera venir. Era una canción sencilla pero muy cuqui para la que además hicieron un vídeo bastante divertido. Se echa de menos a aquellos U2, no ya a los más sublimes -uno no puede escribir ‘One’ y ‘With or Without You’ todos los días- sino a los que conseguían mucho con muy poco.

Rorro «está mal de la chola y por eso escribe canciones cortavenas»

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“Estoy mal de la chola y por eso escribo canciones cortavenas”. Esta es la descripción que podemos encontrar de Rorro en Spotify. «Dicen que soy triste, solo estoy jodidamente rota», suma la descripción de Instagram. La cantante revelación Rorro nos habla de sus influencias vía mail: «Tengo muchas influencias y realmente yo me considero una mezcla de cada una de ellas. En mi casa crecí escuchando copla y flamenco principalmente, desde Antonio Molina o Rocío Jurado hasta Camarón o Lole y Manuel. Ya de adolescente escuchaba más pop clásico (Pablo Alborán, India Martínez, Alejandro Sanz) y estos últimos años fui introduciéndome poco a poco en los estilos más urbanos, empecé a escuchar música alternativa, lofi hip hop… A día de hoy creo que soy una mezcla de todo eso».

El proyecto de la cantante tiene 3 canciones subidas a las plataformas de streaming, la última de las cuales recibe el nombre de ‘Debilidad’. Tanto ‘Me da igual’ como ‘Mi cabeza’ suman más de 65.000 escuchas ya, y la última de ellas es nuestra canción del día de hoy. Una joya de R&B moderno y tristón que nos explica de la siguiente manera: «‘Mi cabeza’ habla de la ansiedad porque nace desde la ansiedad que todos hemos podido sentir este último año, la incertidumbre, la pérdida de libertad, el miedo…».

Una parte llamativa es la intro hablada: «Realmente esa parte narrada fue la forma de explicarle a mi hermana lo que me estaba empezando a pasar, me despertaba sobresaltada con el corazón acelerado y de verdad creía que me iba morir. Entonces empecé a componer esta canción basándome en esa sensación y pensé: no siempre tengo que cantar lo que siento, también puedo hablarlo y me di cuenta de que era una forma diferente de expresar lo que tenía dentro y también una forma diferente de poner en contexto al oyente».

Sobre su futuro y su sonido, nos responde lo siguiente. «No sé si esta canción es representativa porque aún estoy empezando y realmente no me gustaría encasillarme en un estilo o en un género, aún me quedan muchas cosas por probar y a mí me encanta jugar con la música e ir probando y tocando todos los palos. Aun así es cierto que al usar la música como vía de escape, las canciones siempre suelen tener un toque más bien oscuro, triste… me cuesta componer cuando estoy bien porque no siento esa necesidad de desahogarme».

Sinéad O’Connor versiona a The Cranberries

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Este viernes, entre las novedades de la semana, se ha publicado en formato digital un tributo a The Cranberries. ‘Salvation’ se editará en formato físico en próximas semanas. Son artistas irlandeses quienes rinden homenaje al grupo, destacando por su alcance internacional Sinéad O’Connor, una de las mayores influencias de Dolores O’Riordan. De hecho, esta versionó una canción de Sinéad en la primera audición que hizo para los chicos, que ya habían formado la banda sin ella, cuando buscaban vocalista. En la edición especial de ‘Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?’, se indica que Dolores escogió un tema de ‘The Lion and the Cobra’ para tal audición, sin especificar cuál.

Nunca hubo relación entre Dolores O’Riordan y Sinéad O’Connor, y no existe una triste foto de las dos juntas, pese a las evidentes comparaciones, por lo que es toda una curiosidad escuchar una de las joyas perdidas de la discografía de Cranberries en boca de Sinéad. Este disco se abre de hecho con esa adaptación de ‘No Need to Argue’, una composición casi a capella que solo contaba con un órgano y que aquí aparece en formato piano. Daba título al álbum que vendió en su momento 17 millones de unidades, tras ser 7 veces platino en Estados Unidos. Fue también el álbum más vendido en España del año 1995.

El disco se completa con artistas completamente desconocidos (Kellie Lewis tiene 26 oyentes mensuales en el momento de redacción de esta noticia), los exitosos a nivel internacional Kodaline -que tocan en vivo ‘Zombie’ con Noel Hogan, guitarrista de Cranberries-, y los también exitosos Walking on Cars, que convierten ‘Promises’ en una balada grunge.

Entre las curiosidades que merece la pena destacar, la versión de Aimée de ‘Linger’ en clave italodisco, o la reducción de la propia ’Salvation’ realizada por Wyvern Lingo en formato baladesco.

Tori Amos / Ocean to Ocean

No han sido años fáciles para Tori Amos. La cantautora estadounidense, que reside en Cornwall desde hace dos décadas, perdió a su madre durante la pandemia, y además el tercer confinamiento decretado en Reino Unido la sumió en un estado de profundo «abatimiento». Para salir de él, Tori acudió a la naturaleza, que le dio una misión: escribir canciones que le ayudaran a sentirse mejor. ‘Ocean to Ocean’ es el resultado, un disco sencillo, claro como el día capturado en su portada (porque es de día, ya he visto las nubes), en el que Tori expresa sentimientos de dolor, pérdida y nostalgia pero también optimismo, sin dejarse llevar por arreglos ampulosos o estructuras rebuscadas que puedan diluir o distraer de su mensaje.

La misma naturaleza a la que Tori considera su musa ha inspirado algunas canciones de ‘Ocean to Ocean’, como ella misma nos ha explicado en una entrevista reciente. Una de ellas es la solemne balada ‘Swim to New York State’, en la que la artista escribe una carta a su sobrina para explicarle que anhela reencontrarse con ella durante la pandemia para, al menos, poder tomar un café; y el álbum está lleno de referencias a la luz, los árboles, las flores, el metal, el agua o por supuesto el «océano». La pista titular presenta una melodía medievalista y denuncia las «muertes innecesarias» de seres marinos que acontecen diariamente por culpa de la pesca comercial, para terminar mandando un mensaje apocalíptico: «hay a quienes no les importa una mierda que nos encontremos próximos a una extinción masiva».

El mensaje de ‘Ocean to Ocean’ en general es más personal, profundo y emotivo, como el del pegadizo single ‘Speaking with Trees’, en el que Tori se dirige a su madre fallecida para hablar con ella a través de los árboles porque «he escondido tus cenizas debajo de la casa del árbol»; pero el sonido es más ligero que el de ‘Native Invader‘, próximo a un soft-rock-pop en el que caben el conocido piano de Tori y también violines, guitarras eléctricas o ecos country-rock en ‘Devil’s Bane’.

Distrae el parecido de la voz de Tori con la de Kate Bush y ‘Metal Water Wood’ podría ser de la británica, pero el disco deja otros momentos dignos como la pista inicial, ‘Addition of Light Divided’, la canción más dramática de todas porque, en ella, Tori canta sobre «romper las cadenas del dolor»; la intimista ‘Flowers Burn to Gold’ (qué imagen tan bonita), o la frenética ‘Spies’, dedicada a los insectos que «aterrorizan» a la hija de Tori en su casa.

8 personas mueren en Astroworld, el festival de Travis Scott

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Al menos 8 personas han fallecido y más de 300 han resultado heridas durante la celebración de Astroworld, un festival organizado por Travis Scott al que acudían más de 50.000 personas en Houston con todas las entradas vendidas según la propia web del evento. El concierto de Travis Scott se celebró en toda su totalidad, con la participación de Drake, según registra Setlist.fm y una retransmisión de Apple Music. La segunda jornada del evento ha sido suspendida.

Además de Travis Scott, aparecen en el cartel del evento Bad Bunny, Tame Impala, SZA, Lil Baby, Roddy Ricch, Yves Tumour y 21 Savage, entre muchos otros, si bien era Travis Scott el artista principal, pues el festival recibe su nombre de su álbum ‘Astroworld’.

Como informan TMZ y diarios como El Mundo, varias avalanchas en las primeras filas dejaban a varias personas inconscientes, viviéndose momentos de pánico. Varios usuarios asistentes al festival han compartido vídeos en los que se denuncian problemas de seguridad ya de día, horas antes de producirse el show principal, cuando se abrían puertas.

El festival ha compartido un comunicado en el que la organización indica que su «corazón está con los familiares que han perdido a sus seres queridos hoy». “Estamos concentrados en apoyar a las autoridades locales como podemos. Con eso en mente, el festival no podrá tener lugar este sábado”, indican a la vez que llaman a la colaboración ciudadana para recabar más información.

Muere la cantante brasileña Marília Mendonça en un accidente de avión

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La cantante brasileña Marília Mendonça ha muerto a los 26 años tras precipitarse este viernes a las 15.30 -hora local- el avión en el que se desplazaba a Minas Gerais para ofrecer un concierto. En su Instagram, donde cuenta con casi 40 millones de seguidores, aún puede verse cómo se encaminó a la aeronave portando una guitarra y una maleta. Su entorno ha podido compartir un texto llamado «Luto» en el que confirman el fallecimiento de Marília Mendonça, su productor, su tío y representante y también el piloto y el copiloto del avión.

Marília Mendonça, que tenía 9 millones de oyentes mensuales en Spotify, era una estrella del sertanejo, una especie de country brasileño que se dio a conocer en los años 20 del siglo pasado. El hit ‘Ai se eu te pego!’, que eventualmente llegó a las listas españolas, ha sido uno de los mayores exponentes de este estilo.

Mendonça había publicado el año pasado su disco ‘Patroas’ y este 2021 ‘Patroas 35%’, siendo especialmente conocida por las grabaciones en vivo que había editado durante el último lustro. Su vídeo en directo interpretando ‘Infiel’, superaba los 500 millones de reproducciones en Youtube ya antes de este suceso que tanto nos está recordando a la pérdida de Aaliyah durante el verano de 2001.


Rigoberta Bandini, Tori Amos, Lori Meyers, Rakky Ripper, Hatchie y Metronomy, en el top 40 de JNSP

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En la semana de lanzamiento de ‘Voyage’, ABBA continúan dominando la lista de lo más votado de JENESAISPOP con ‘Don’t Shut Me Down’. La entrada más fuerte es para Rigoberta Bandini con ‘Julio Iglesias’, directa al número 3. También llegan al top 10 Tori Amos y Lori Meyers, mientras en la parte media y baja de la tabla aparecen Rakky Ripper, Hatchie y Metronomy.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 6 Don’t Shut Me Down ABBA Vota
2 4 2 3 Cold Heart Elton John, Dua Lipa, PNAU Vota
3 3 1 Julio Iglesias Rigoberta Bandini Vota
4 2 2 3 Easy on Me Adele Vota
5 7 5 2 Moth to a Flame Swedish House Mafia, The Weeknd Vota
6 9 6 2 Beautiful Life Michael Kiwanuka Vota
7 5 2 5 Yo invito Amaia Vota
8 8 1 Speaking With Trees Tori Amos Vota
9 9 1 No hay excusa Lori Meyers Vota
10 3 3 3 Por España Samantha Hudson, Papa Topo Vota
11 31 11 2 Soy un rayo Morreo Vota
12 8 4 4 Ateo C. Tangana, Nathy Peluso Vota
13 13 1 9 Good Ones Charli XCX Vota
14 20 1 7 THATS WHAT I WANT Lil Nas X Vota
15 21 15 2 On s’aimera toujours Coeur de Pirate Vota
16 32 16 2 Dopamine Purple Disco Machine, Eyelar Vota
17 18 16 4 Big Bang La La Love You, Delaporte Vota
18 12 10 3 Crutch Band of Horses Vota
19 11 2 8 Arcadia Lana del Rey Vota
20 20 1 donde stas? Rakky Ripper Vota
21 16 4 7 Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
22 39 4 8 Angel Baby Troye Sivan Vota
23 28 17 6 Back to Oz Sufjan Stevens, Angelo de Augustine Vota
24 15 15 3 Ptazeta: Bzr Music Sessions 45 Bizarrap, Ptazeta Vota
25 36 23 3 Midnight Snacks Kelis Vota
26 29 2 22 Love Again Dua Lipa Vota
27 37 13 4 Working for the Knife Mitski Vota
28 19 2 11 Hot N Heavy Jessie Ware Vota
29 24 6 7 Beautiful James Placebo Vota
30 34 2 25 Please Jessie Ware Vota
31 31 1 This Enchanted Hatchie Vota
32 32 1 It’s good to be back Metronomy Vota
33 17 17 2 Una sola vez Coque Malla Vota
34 23 3 10 I am not a woman, I’m a god Halsey Vota
35 35 1 13 Take My Breath The Weeknd Vota
36 6 6 3 Cuestión de suerte Natalia Lacunza Vota
37 27 1 57 Levitating Dua Lipa Vota
38 22 8 9 Linda Tokischa, Rosalía Vota
39 26 6 9 Good Girls CHVRCHES Vota
40 38 19 6 Fukushima Triángulo de Amor Bizarro Vota
Candidatos Canción Artista
Bruxelles je t’aime Angèle Vota
preso tommy 3 balas, KICKBOMBO Vota
Ansiedad 3 Liz Forte Vota
La flor de la manzana Nacho Vegas, Mancha ‘e plátano Vota
The Grey Commute Nation of Language Vota
canción pueril tranquila Violeta Vota
Zombi Maria Rodés y La Estrella de David Vota
Medalla de oro Algora Vota
Algo es mejor Mon Laferte Vota
La planta que muere en la esquina Carolina Durante Vota

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Circo del Sol y 4 cosas más que disfrutar en Malta este año

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Malta continuará siendo uno de los destinos turísticos preferidos de Europa esta temporada de otoño/invierno gracias a su estratégica localización geográfica y a su clima, que presume de hasta 300 días de sol al año. Su historia es también muy sugerente, con restos arquitectónicos muy visibles de la era romana, bizantina y musulmana, todos ellos últimamente conjugados con su vinculación a la corona británica. Esto ha propiciado que mucha gente acuda a Malta para aprender inglés -pues es lengua oficial- y sacude también su relación con la cultura pop, que les ha llevado a organizar varios macroconciertos y festivales internacionales durante la pasada década.

Este año se podrá ver el espectáculo del Circo del Sol ‘FIERI‘, que precisamente repasa las fascinantes raíces culturales de Malta, un show acrobático de 75 minutos que quiere ofrecer «una versión moderna del espíritu unificador del archipiélago maltés», y que se representa entre los días 19 de noviembre y 25 de diciembre. ‘Weaving Chaos‘ de la portuguesa Tânia Carvalho es otro de los espectáculos recomendados; y si tienes hijos, también habrá funciones de ‘Fairyland’, la historia de Santa Claus, desde el 3 de diciembre al 2 de enero.

La oferta gastronómica
Si Malta destaca por algo es por su excelente oferta gastronómica, una vez más feliz consecuencia de su estratégica posición en el Mediterráneo, al Sur de Italia y al noreste de Túnez. Ahora que el éxito se mide en número de Estrellas Michelín, Malta puede presumir de hasta 5 restaurantes con la distinción puesta de moda por formatos como ‘Masterchef’ y hasta 23 restaurantes con distinción «Plato Michelín». Al margen de los restaurantes de alta cocina, la comida y la bebida se consideran la esencia de la cultura maltesa, abiertamente influidos por la proximidad de Sicilia, con un toque del norte de África y por supuesto añadiendo la aportación local. Muy conocidos son el ftira, una especie de pan que es Patrimonio Nacional de la UNESCO, el fenek (una especie de estofado de conejo) y la cerveza maltesa.

La oferta enológica
Igualmente, Malta cuenta con una tradición enológica que incluye la posibilidad de visitar multitud de bodegas si eres aficionado a los vinos. Dos de las más populares son Meridiana y Mar Casar. Hay dos variedades de uva autóctonas -Gellewza (rojo) y Ghirgentina (blanco)-, si bien también trabajan otras internacionales con las que estarás familiarizado por otros países mediterráneos, como Cabernet Sauvignon, Merlot, Syrah, Chardonnay, Sauvignon Blanc y Moscatel, entre otras.

La apasionante historia
Las islas de Malta han sido parte de la historia de los fenicios, los romanos, la Orden de San Juan, Napoleón y el Imperio Británico, lo que hoy por hoy ha jugado a su favor presentando una arquitectura fascinante -a veces insólita- que incluye hasta tres territorios que han sido considerados Patrimonio Mundial de la UNESCO. Estamos hablando del Hipogeo de Hal Saflieni, único templo subterráneo prehistórico conocido, excavado hacia el 2500 a. C.; la preciosa ciudad de La Valeta en su totalidad, con edificios con el encanto de un bonito pueblo y edificaciones a partir del siglo XVI, y siete templos megalíticos repartidos entre las islas de Malta y Gozo procedentes de entre los años 5.000 a. C. y 2.500 a. C.

La modernidad
Malta cuenta también con una suculenta oferta de clubbing y ocio nocturno, así como con varios museos y galerías de arte contemporáneo. Su gran proyecto en ciernes es el MICAS, de hecho la exposición Shadow Colour Pavilion tiene lugar este mes, y pueden visitarse lugares como The Mill, fundado en 1990 para apoyar la escena de arte local, y diversas galerías en La Valeta como es el caso de Blitz.

En cuanto a los protocolos para entrar en Malta, se pedirá a todos los pasajeros mayores de 12 años el certificado válido de vacunación (1 o 2 dosis dependiendo de si la vacuna es Pfizer, Astrazeneca, Moderna o Jannsen, que son las admitidas), así como que hayan pasado 14 días de la administración de la última dosis. También se requieren una declaración del estado de salud del viajero y un formulario de localización. Medidas que continuarán contribuyendo a que Malta sea uno de los destinos más seguros de la Unión Europea, pues su población se ha esmerado en la vacunación incluso por encima de los excelentes resultados españoles: más del 80% de la gente en Malta ha recibido la pauta completa de vacunación contra la covid-19, y cuentan con menos de 25 nuevos casos diarios en el país. Más información sobre el coronavirus en Malta, aquí.

Jaguar Jonze alza su voz contra el abuso sexual en la industria musical

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Jaguar Jonze, de 29 años, es una cantante australiana nacida en Japón, de madre taiwanesa y padre australiano. Su música está influida por artistas como Portishead, The Last Shadow Puppets, Nick Cave o Angel Olsen.

En 2020 publicó su primer EP ‘ANTIHERO’, en medio de la pandemia y positiva en COVID – 19. “¿Alguien puede decir que ha sacado su álbum debut en la parte de atrás de una ambulancia mientras le llevaban a un hospital por coronavirus? Creo que es muy gracioso. Será mi primer lanzamiento para siempre.”, declaraba para NME.

El pasado 8 de octubre estrenó su último single ’WHO DIED AND MADE YOU KING?’, del que habla así: ”Quería que representara mi rabia, mi frustración, dónde están ahora mis límites, mi lucha y mi resiliencia. Ahora soy menos complaciente y me siento más cómoda diciendo mi verdad y siendo despiadada y directa al respecto. En un año, hemos derribado a muchos «reyes» notables o cabezas en la cima de la industria; esta es una indirecta elegante y descarada a la caída y una advertencia de que hay más por venir.”

Y es que Jaguar Jonze está muy comprometida con el movimiento #MeToo, ya que lo ha vivido en primera persona. El año pasado, denunció haber sufrido abuso y acoso sexual dentro la industria musical y en particular por parte de un fotógrafo.

“Es triste que en mi tiempo en la industria, me haya encontrado con depredadores que todavía abusan de su lugar de poder o perfil y manipulan la confianza que la gente, especialmente las jóvenes músicas, les ha dado”, confesó. Por ello es que su música es tan reivindicativa e invita a un cambio y al empoderamiento.

Vetusta Morla vuelven a retar a Broncano en su visita a La Resistencia: «Vete preparando la careta»

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Vetusta Morla han visitado esta noche el plató de La Resistencia para promocionar ‘Puñalada Trapera’, el tercer adelanto de su nuevo disco ‘Cable a Tierra’, que verá la luz el próximo 26 de noviembre.

Pucho, Juanma Latorre y Guille Galván volvieron al programa tres temporadas después y confirmaron que era David Broncano quien, en el ya histórico concierto de 38.000 personas en la Caja Mágica de Madrid en 2018, salió en medio de ‘Te lo digo a ti’ con una máscara de cerdo. Esto sucedió por el acuerdo que hicieron en su primera visita al programa en junio de ese año. Entre bromas achacaron el premio Ondas 2018 a Mejor espectáculo, gira o festival del grupo a la aparición de Broncano en el escenario.

Pucho confesó el verdadero motivo de esta próxima gira: “es una celebración por todo lo malo que ha pasado estos meses y es un homenaje a nuestra familia: técnicos, producción y toda esa gente que no se ve. Esta gira es por y para ellos.”

Durante la entrevista hablaron sobre su nuevo tema ‘Puñalada trapera’, donde remarcaron que ‘la puñalada si se da debe ser trapera’, de su nuevo disco y varias anécdotas como el calambrazo que recibió Guille Galván durante un concierto «a lo Regreso al Futuro».

Tras ver un fragmento del videoclip de su nuevo single, volvieron a retar a Broncano a aparecer en un concierto suyo. «Vete preparando la careta», dijeron. Esta vez la cita será en el Wanda Metropolitano y con una careta de mapache, coincidiendo con Indi, la mascota del Atlético de Madrid. Aún faltan siete meses para el concierto, que será el 24 de junio y quedan muchos detalles por concretar. Veremos si cumplen su promesa como hicieron en 2018.

‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ es otra muestra de cine sensible y humano de Hamaguchi

2021 ha sido un año importante para Ryûsuke Hamaguchi. Los celebrados estrenos de ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ en Berlín (Gran Premio del Jurado) y ‘Drive My Car’ en Cannes (Mejor Guion y FIPRESCI) han elevado al japonés de promesa del cine de autor a uno de los nombres más atractivos del panorama cinematográfico actual. En la primera de ellas, narra tres historias cortas centrándose en diferentes personajes femeninos. La película comienza con un triángulo amoroso inesperado, donde el director asienta el tono de la obra y presenta un mundo lleno de casualidades y coincidencias. La segunda retrata una aventura entre un chico joven y una mujer mayor que se proponen seducir a un profesor para traerle problemas, y la última se centra en un reencuentro entre dos mujeres de mediana edad.

En manos de otro cineasta todo esto podría ser un completo desastre inverosímil, pero Hamaguchi siempre utiliza sus giros de guion como excusa para abordar temáticas complejas y profundas, haciendo de ellos un recurso narrativo brillante y sumergiendo al espectador en una realidad en la que no hay otra opción que no sea creer. El film apuesta todo a un guion que siempre es cálido, sorprendente y amable. Nada es lo que la premisa de cada una de estas historias parece indicar y todas ellas terminan con la evolución catártica de un personaje que ha aprendido una lección vital. Lejos del didactismo, Hamaguchi explora con agilidad y sutileza la complejidad de las relaciones humanas, la falta de comunicación e incluso encuentra un modo de ser crítico y a la vez comprensivo con la sociedad japonesa actual.

El tono oscila entre la comedia y el drama, normalmente inclinándose más hacia lo segundo pero sin rechazar un característico sentido del humor sensible y humano. El estilo de Hamaguchi, que hace de la sencillez su mayor virtud, se encuentra en algún lugar entre Éric Rohmer y Hong Sag-soo, siendo a su vez tremendamente personal. Aunque discreta, visualmente logra momentos de gran calado poético pese a que no tenga grandes ambiciones formales. El japonés pertenece a ese tipo de cineastas que hacen de la palabra su principal fuente de inspiración, haciendo que su puesta en escena nunca eclipse lo que su guion quiere contar, lo cual no quiere decir que no sea cinematográfico. Más bien al contrario, su cine está profundamente basado en el gesto y en la interpretación de sus actores y aquí se despoja de cualquier artificio que impida el fluir de las historias.

Dentro de lo arriesgado que es hacer una película de episodios debido a su naturaleza irregular, Hamaguchi resuelve estas dificultades de forma admirable. Aunque no todas las historias estén al mismo nivel, son lo suficientemente buenas como para que el ritmo nunca decaiga. Y su mayor acierto es que están ordenadas de manera estratégica, siendo la primera la menos memorable (y aun así llena de hallazgos) y la tercera la mejor de todas, logrando que sus dos horas de metraje fluyan con soltura ante nuestros ojos y dejando en el espectador la sensación satisfactoria de haber asistido a una colección de viñetas bellísima. Es un tipo de cine que te llena el alma, que te hace sentir un poco menos solo.

The Weeknd y Post Malone, otra colaboración titánica que deja con ganas de más

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En la industria de la música es difícil estar más arriba de lo que lo están The Weeknd y Post Malone. Ellos son dos de los reyes del pop actuales por sus ventas, monstruosos streamings e influencia, y quizá era cuestión de tiempo que terminasen colaborando. ‘One Right Now’, su single conjunto, es uno de los nuevos temas que puedes escuchar en la playlist de novedades.

En ‘One Right Now’, The Weeknd y Post Malone se unen en el despecho hacia una mujer a la que han dado todo (incluida una «cara nueva») pero que se ha terminado acostando con otros. Y no se cortan un pelo a la hora de humillarla. En un punto la violencia se apodera de los dos («me dices que me quieres pero me da igual haberme roto la mano en la misma pared en la que me has dicho que él te ha follado»); en otra de las frases contenidas en la canción, le recriminan que crea que «es muy fácil jugar con mis sentimientos», y en otra, The Weeknd en concreto le comunica que «eres una mancha en mi legado» y que «no podemos ser amigos ni familia» porque «probablemente te has follado a todos mis enemigos».

Toda la mala baba contenida en la letra de ‘One Right Now’ no es suficiente para despertar el interés por la canción, que poco destacable ofrece en lo musical. Estamos ante otra producción de synth-pop ochentera propia de la última etapa de The Weeknd, pero sin la potencia melódica de todos sus últimos singles. Más bien suena a descarte de ‘After Hours‘ al que Post Malone se ha sumado por sumar más streamings a su cuenta de Spotify. ¿Será un éxito? Probablemente, pero Austin Post se ha subido al carro de canciones pop muchísimo mejores que esta (ahí está ‘Circles’), y ‘One Right Now’ es una migaja de pan en comparación con los espectaculares sencillos extraídos de ‘After Hours’. Otra colaboración titánica que deja con ganas de más.

Franz Ferdinand presentarán sus «grandes éxitos» en Barcelona, Madrid y Bilbao

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Acompañando al merecido disco de «grandes éxitos» que anunciaban hace unos días, Franz Ferdinand dan los detalles de una gira que como es obvio pasará por nuestro país. El grupo estará el 15 de marzo en el Sant Jordi Club de Barcelona, el 16 de marzo en el WiZink Center de Madrid y el 19 de marzo en el Bilbao Arena de Bilbao.

La venta general para los tres conciertos empezará el viernes 12 de noviembre a las 10h en www.livenation.es y Ticketmaster.es. Además, las personas registradas en www.livenation.es o que lo hagan en las próximas horas tendrán acceso a una preventa que estará disponible desde el miércoles 10 de noviembre a las 10h en esta misma web.

Parece que los recopilatorios de éxitos están de vuelta después de que The Weeknd sacara ‘The Highlights‘ el pasado mes de febrero. Noel Gallagher’s High Flying Birds también han lanzado uno este año, Little Mix publican el suyo la semana que viene y Franz Ferdinand publicarán el susodicho ‘Hits to the Head’ el próximo 11 de marzo.

‘Hits to the Head’ contendrá dos temas nuevos, ‘Curious’ y el nuevo single ‘Billy Goodbye’, uno de esos cortes divertidos y atronadores de glam-rock que la banda escocesa suele hacer. ‘Billy Goodbye’, que ha sido producido junto a Stuart Price (Dua Lipa, Madonna, Pet Shop Boys), habla de amistades pasadas que han sido importantes en la vida de Alex Kapranos y su videoclip, que se presenta en blanco y negro, está inspirado en la obra del director dadaísta Hans Richter.

‘Hits to the Head’ se abrirá con ‘Darts of Pleasure’ e incluirá por supuesto ‘Take Me Out’, ‘Do You Want To’, ‘No You Girls’ y ‘The Dark of the Matinée’, así como otros queridos singles de Franz Ferdinand como ‘Ulysses‘ o ‘Lucid Dreams’ y, antes de presentar los dos temas nuevos, finalizará el repaso cronológico a su discografía con dos temas pertenecientes a ‘Always Ascending’, el último álbum de estudio de la banda, en concreto ‘Always Ascending’ y ‘Glimpses of Love’.

01 Darts of Pleasure
02 Take Me Out
03 The Dark of the Matinée
04 Michael
05 This Fire
06 Do You Want To
07 Walk Away
08 The Fallen
09 Outsiders
10 Lucid Dreams
11 Ulysses
12 No You Girls
13 Right Action
14 Evil Eye
15 Love Illumination
16 Stand on the Horizon
17 Always Ascending
18 Glimpse of Love
19 Curious
20 Billy Goodbye

Charli XCX le da «nuevas formas» al pop de los 80 con Chris y Caroline Polachek

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Charli XCX acaba de publicar su nuevo single ‘New Shapes’, en el que colaboran Caroline Polachek y Christine and the Queens, y ha anunciado el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, ‘CRASH’, que verá la luz el próximo 18 de marzo.

‘New Shapes’ es el segundo adelanto de ‘CRASH’ tras ‘Good Ones’, tema que «marca un nuevo capítulo’» para Charli XCX en el que «abraza todo lo que una figura del pop ofrece en el mundo actual: celebridad, obsesión y éxitos mundiales». En su caso, ‘New Shapes’ habla sobre la tendencia de Charli de huir cuando se encuentra dentro de una relación.

Desde el principio, Charli XCX ha manifestado que su nuevo álbum estaría inspirado en el pop de los 80 de gente como Janet Jackson, y a la época de ‘Control’ suena ‘New Shapes’, hoy la Canción Del Día. Las baterías de la canción no pueden sonar más 80s pero, a la vez, la producción de Deaton Chris Anthony y Linus Wiklund busca la modernidad de la última etapa de Charli, una modernidad a la que parecen aludir directamente las «nuevas formas» evocadas en el título de la grabación.

Próxima en estilo a ‘Gone’, la primera colaboración de Charli con Chris, el sonido de ‘New Shapes’ está marcado por un resplandor ochentero, muy presente en el sintetizador del estribillo, que prácticamente se come la voz de Charli, y las colaboraciones suman al conjunto: Christine and the Queens agrega un punto sensual y romántico («¿y si creara espacios en los que tú pudieras escapar?») y Caroline Polachek un sabor más místico («quizá estemos hechos para otra dimensión)».

Además de este nuevo single y álbum, la británica ha anunciado las fechas de su gira ‘CRASH’ en Estados Unidos y Europa. En Madrid actuará el 7 de junio en la sala La Riviera y el Barcelona los días 2 y 9 de junio dentro de la celebración del Primavera Sound, poniendo fin al tour. Las entradas para el público general salen este 12 de noviembre y la preventa este 10 de noviembre.

Estas son las fechas en Europa:
13 de mayo – Dublín, Irlanda
15 de mayo – Glasgow, Reino Unido
17 de mayo – Manchester, Reino Unido
18 de mayo – Birmingham, Reino Unido
19 de mayo – Londres, Reino Unido
21 de mayo – Norwich, Reino Unido
22 de mayo – Sheffield, Reino Unido
23 de mayo – Nottingham, Reino Unido
25 de mayo – París, Francia
27 de mayo – Bruselas, Bélgica
28 de mayo – Utrecht, Países Bajos
30 de mayo – Berlín, Alemania
31 de mayo – Colonia, Alemania
2 de junio – Barcelona, España
4 de junio – Milán, Italia
7 de junio – Madrid, España
9 de junio – Barcelona, España

RFTW: Silk Sonic, Sinéad O’Connor, Radiohead, Mariah Carey…

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Hoy 5 de noviembre sale de manera surrealista el nuevo disco de ABBA, que reseñamos en portada. Otra artista veterana, Diana Ross, publica hoy también su nuevo álbum. También ven la luz la reedición doble de ‘KID A MNESIA’ de Radiohead y los nuevos trabajos de Parcels, Snail Mail, Milky Chance, Arnau Griso (el último antes de su separación), Bullet for My Valentine, Belén Aguilera, James Arthur y Melendi. Sale también un disco tributo a Cranberries encabezado por una versión de Sinéad O’Connor de ‘No Need to Argue’ a piano. Ah, y Limp Bizkit han sacado disco sorpresa.

El día viene cargado de novedades interesantes en el ámbito de los singles. Sale la nueva balada navideña de Mariah Carey con Khalid y Kirk Franklin, también el nuevo single ultranostálgico de Silk Sonic, el proyecto de soul y R&B de Bruno Mars y Anderson .Paak; Foals avanzan el disco que publican el año que viene con la animada ‘Wake Me Up’, dos titanes del pop como son Post Malone y The Weeknd unen fuerzas en ‘One Right Now’ sin que nadie se haya vuelto loco como suele pasar con las divas, y Travis Scott adelanta su próximo disco ‘Utopia’ con un par de temas.

Estos días hemos conocido el regreso de Soleá Morente con una balada muy Beach House o Mazzy Star; Charli XCX ha anunciado disco y presentado colaboración con Caroline Polachek y Christine and the Queens; Spiritualized también ha anunciado nuevo álbum y estrenado un single mega años 60; Franz Ferdinand han estrenado el primer avance de su nuevo recopilatorio; Mónica Naranjo ha lanzado otra locura de las suyas y Arca le ha dado más que nunca al reggaetón en su nuevo single doble. Dos baladas han venido de parte de alt- j por un lado, y Omar Apollo y Kali Uchis por el otro.

Hoy ven la luz también nuevos temas de Leiva con Zahara, Tiësto con Ava Max, IDLES, Little Mix, Tú no existes, Dijon, Simple Plan, Serena Isioma, Slayyyter con Big Freedia, Westlife o Rejje Snow.

ABBA / Voyage

Seamos honestos: es un milagro que los cuatro miembros de ABBA estén vivos, pues no todas las superestrellas de los 70 pueden decir lo mismo; que se lleven lo suficientemente bien como para sacar adelante cualquier tipo de proyecto después de dos divorcios en la banda, y si no que se lo digan a sus admirados Fleetwood Mac; y que se hayan animado a sacar adelante un álbum de 10 pistas, aun sabiendo seguramente que no podía competir en calidad con sus mejores discos. Hablando de una de estas canciones nuevas, ‘I Can Be That Woman’, especulando sobre cuán autobiográfica puede ser, Björn Ulvaeus explica que sólo ellos saben qué es un hecho y qué es ficción en las composiciones de este disco, porque «tener más de 70 años te da esa libertad. Hay una libertad que solo alcanzas cuando llegas a esa edad».

Una libertad y cierta calma, añadiría. En sus momentos más exquisitos, este nuevo disco ‘Voyage’ es una mirada al pasado tranquila y sosegada hacia cuatro personas que conformaron dos matrimonios y sendas familias con un puñado de historias que contar, tras vender discos por millones en todo el globo terráqueo. El mundo caía a sus pies a su paso, y este álbum supone una reconciliación consigo mismos en todo su esplendor. ABBA nunca más volverá a ser el grupo que rechazó reunirse por 1.000 millones de dólares, a partir de ahora será el grupo que hizo un álbum tras 40 años de silencio, para dejarnos mensajes de aceptación tan bonitos como los que encontramos en el primer avance, llamado como declaración de intenciones ‘I Still Have Faith In You’. «Me recuerdo a mí misma quiénes fuimos / cuán inconcebible es haber llegado tan lejos», dice Frida refiriéndose bien a sus logros musicales o bien a su propia reunión. Añade el siguiente tema en la secuencia: «Estás aquí solo por la música, eso es todo, ¿o podría ser que añoras los viejos tiempos cuando bailabas conmigo», se pregunta ‘When You Danced With Me’ refiriéndose a los compañeros de la banda o a sus propios fans.

‘Voyage’ juega con la complicidad entre sus miembros en muchos de sus textos, sin que el oyente tenga al menos de momento más información sobre cómo ha sido la grabación del disco o la reunión, que los rumores de los últimos años sobre una gira de hologramas o algún tema nuevo suelto. En ocasiones, el propio grupo ha tenido que buscar en la Wikipedia de dónde ha salido un tema. Björn Ulvaeus dice que es ahí donde se ha enterado de que el tercer single de este álbum, ‘Just a Notion’, procede en verdad de septiembre de 1978, sin poder aportar mucho sobre por qué no se utilizó en ‘Voulez-vous‘ cuando tocaba. «Es una gran canción con buenas tomas vocales. Recuerdo que se la pusimos a alguien en una editora de Francia y les gustó, así que es y será para siempre un misterio».

Para la grabación de este tema en ‘Voyage’ se han utilizado las mismas voces, pero se han regrabado los instrumentos. Es una de esas buenas canciones de rock que a veces se gastaban ABBA, con sus vientos, su piano y cierta influencia glam. Es, como la más artificiosa ‘No Doubt About It’, uno de los resquicios de energía en un álbum que abusa del formato balada sin que los resultados sean tan excitantes como en la inmensa ‘I Have a Dream’ o los viajes vocales tan adictivos como los de un ‘Thank You for the Music’. El resultado es más próximo a Enya y Andrea Bocelli, recordando a aquellas canciones en las que se parecían un poquito a la también superventas Nana Mouskouri.

El folk estuvo muy presente en algunas canciones de ABBA, y en ‘Voyage’ tiene un gran protagonismo de diferentes formas. En la muy irlandesa ‘When You Danced with Me’ se desarrolla con una visión más moderna y electrónica; ‘Little Things’ es abiertamente un villancico, mientras ‘Bumblebee’ es más baladesca. ‘I Still Have Faith In You’ es en ese sentido un single muy bien elegido, pues cuenta con una faceta más conservadora, también ciertos arreglos electrónicos, y sobre todo varios giros melódicos 100% ABBA, que juegan a buscar el pre-estribillo, el estribillo y el post-estribillo perfectos. Al final, la canción funciona totalmente en su juego de explosión y contención. Emoción al cubo, pero expresada con esa madurez que da lo aprendido con el paso de los años.

Mejor aún es ‘Don’t Shut Me Down’, una canción que equilibra perfectamente ese lado más tranquilo que ahora mismo parecen preferir y su voluntad disco-funky. Cuando aparece esa caída de piano y ese ritmo que recuerda que ellos llegaron mucho antes que Daft Punk, y las texturas deciden tornarse un tanto ásperas, vuelven a ganar la batalla. Es otra canción que al fin y al cabo nos habla del presente con un poso optimista y una clara voluntad de perdurar, que además aparece muy acertadamente vinculada a la balada ‘Little Things’: esta acaba con un coro infantil, mientras ‘Don’t Shut Me Down’ comienza hablando de la «risa de los niños». Contexto, formato álbum, número de pistas y duración del disco: todo es tan 70’s…

ABBA recuperan en ‘Voyage’ muchas de sus facetas y una de ellas es la sociopolítica, que tuvo protagonismo de manera muy certera en ‘The Visitors’, el que hasta ahora era su último disco, publicado hace 40 años. En este nuevo álbum aparece en una cara B en este caso un tanto más desangelada, en la que los riesgos y los zig zags melódicos habituales del grupo brillan por su ausencia: el disco se cierra con un tema llamado ‘Ode to Freedom’ que no logra ser un epitafio tan potente como lo era hasta ahora ‘Like an Angel Passing Through My Room’ en ‘The Visitors’. Las mencionadas adicciones de ‘I Can Be That Woman’ están inspiradas en las de Tammy Wynette, si bien suena más bien a Roxette y ese perro sobre el que vuelve la historia te saca de la misma más que te mete; ‘Bumblebee’ es una vaga aproximación al tema del cambio climático; y ‘Keep an Eye on Dan’ resulta la peor del conjunto al ofrecer un trasfondo de misterio a una melodía que Amistades Peligrosas podrían haber cantado, quizá porque estos versionaron ‘Tell It to My Heart’. Con todo lo kitsch que suena hay que decir que ‘Keep an Eye on Dan’ nace exactamente de donde viene otro tema que había en ‘The Visitors’. Allí ‘Slipping Through My Fingers’ hablaba sobre el miedo de Agnetha a separarse de su hija Linda cuando se iba al colegio. La nueva recoge el dolor de un niño por el divorcio de sus padres.

Así, ‘Voyage’ contiene algunas canciones notables y otras que sólo funcionarán en un contexto navideño, la época en que casi siempre publicaron sus discos, como este. Será ese día invernal de renos voladores, luces de colores, grandes ausencias y campanillas de fantasía donde terminen de cobrar sentido los perros, los abejorros y las flores a las que apela este disco en ‘Little Things’, ‘Ode to Freedom’, ‘I Can Be That Woman’… y donde ‘I Still Have Faith in You’ se crezca como una de sus mejores composiciones históricas. Será entonces cuando más convencidos entonemos thank you for the comeback.

Por qué tienen sentido las críticas a Harry Styles por su «queerbaiting»

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A todo el mundo le gusta Harry Styles. Bueno, no a todo el mundo. El cantante británico ha estado en el punto de mira estos días por un par de noticias que le han vuelto a relacionar con el «queerbaiting». Uno tiene que ver con el actor Billy Porter y el otro con Halloween.

Recientemente, el actor de ‘Pose’ ha criticado a la revista VOGUE por dar a Harry Styles la primera portada masculina de su historia. En la sesión de fotos, Harry aparece enfundado en un exuberante vestido de color azul claro, y Porter ha denunciado que VOGUE haya elegido al autor de ‘Fine Line‘ para su portada porque él «ha hecho que se hable de moda no binaria» y Harry no es más que un «hombre blanco heterosexual». Porter añade que a Harry «le da igual» la moda LGBT y que «solo lo hace porque está de moda, pero para mí es político, es mi vida, yo he tenido que luchar toda mi vida para llegar a un lugar en el que poder llevar un vestido a los Oscar. Todo lo que tiene que hacer (Harry Styles) es ser blanco y hetero».

Poco después, Harry aparecía, durante el concierto de su gira ‘Love on Tour’ que ha coincidido con Halloween, disfrazado de Dorothy de ‘El mago de Oz’, el personaje interpretado por Judy Garland. En los foros de música pop la idea no ha sentado muy bien a algunas personas, que han vuelto a denunciar a Harry por su «queerbaiting». Especialmente Judy Garland es un icono «sagrado» para la comunidad queer y hay quien cree que Harry ha traspasado una línea disfrazándose de su emblemático personaje. «(Harry) no tiene ningún derecho (a disfrazarse de Dorothy), especialmente viendo su rico y variado historial de apropiaciones de la imaginería queer para su propio beneficio, sin que haya dado nada a cambio a las personas cuya estética se ha apropiado».

¿Pero qué es el «queerbaiting» El youtuber Tigrillo lo explica estupendamente en un vídeo. «El «queerbaiting» es la práctica por la cual en un producto audiovisual, generalmente una película o una serie, se da a entender que un personaje podría ser queer o que hay una tensión sexual romántica entre personajes del mismo género, pero nunca se llega a desarrollar esa relación ni se hace explícito el carácter queer de los personajes para así atraer al público LGBT a esa obra sin perder por el camino al público más tradicional que no vería bien que esto se representase». Según Wikipedia, el «cebo queer es una técnica de mercadotecnia en medios de ficción y entretenimiento​ de sugerir, pero después no representar abiertamente, a un personaje LGBTI o una relación romántica homosexual, como en el cine, la televisión o la literatura».

La trampa, en este caso, es obvia: Harry Styles no es un personaje de ficción, sino una persona real. Sin embargo podría decirse que, como mínimo, su persona pública sí es un personaje de ficción, como lo es la de cualquier celebridad que literalmente vive de su imagen. Y es ahí donde sí se puede argumentar que Harry Styles practica el «queerbaiting» porque su afición a la moda no binaria, a ponerse vestidos o boas extravagantes, a parecer el David Bowie de la generación millennial y Z, es palpable solo en los escenarios, en los videoclips, en las revistas o en las alfombras rojas, pero nunca en su vida privada. Cada vez que aparece una foto robada de él en los tabloides, o en la cuenta de Deuxmoi, su vestimenta se puede enmarcar en lo masculino y no difiere de la de cualquier muchacho cishetero de su edad. Verle es volver a los tiempos de One Direction, desde luego no a los de las prendas extravagantes, barrocas y afeminadas de su etapa actual. Ojo, Harry se pone vestidos porque quiere y es posible que su expresión de género entre dentro de lo queer… ¿pero porque sólo lo hace cuando le enfoca una cámara?

La sospecha de que Harry Styles hace «queerbaiting» empieza a asomar de manera más evidente en los mencionados foros. «No entiendo el mensaje que transmite. Le ves y parece queer pero a la vez percibes una extraña capa que dice «pero no en serio». El tema de Dorothy es el ejemplo más extraño de esto», escribe un usuario. Otro opina: «Me encantaría pensar que realmente está en contacto con su lado femenino, pero todo en su caso parece forzado». Otra persona va más allá y plantea el quid de la cuestión: «Se pone una blusa de seda cuando se lo pide VOGUE, pero nunca le he visto en fotos robadas llevando nada ni remotamente parecido a lo que la gente de nuestra comunidad viste, y por la que recibe palizas cada día». Harry es queer en el escenario, pero no lo es fuera de él.

El problema de Harry Styles se reduce a qué decide hacer público de su vida y qué no. Todo es una conjetura. Sus defensores recuerdan que el cantante no le pone etiquetas a su sexualidad y que está «rompiendo estereotipos de género» con sus vestimentas, pero la decisión de no etiquetarse es cómoda por su ambigüedad, porque abre las puertas a la posibilidad de ser queer sin necesidad de afirmarlo abiertamente. En el caso de Styles, esta supuesta ambigüedad alimenta su imagen pública de artista «LGBT-friendly». Y que no se me malinterprete: en el mundo hay problemas mucho más importantes que el hecho de que Harry se ponga vestidos, el inglés no ofrece otra cosa que un producto inofensivo apto para todos los públicos y es maravilloso que un artista tan popular e influyente como él enarbole la bandera LGBTQ+ encima del escenario con tanta alegría y orgullo. Lo que se critica nos devuelve a las declaraciones de Billy Porter y tiene que ver con las oportunidades que se le brindan a una persona cuya faceta «queer» parece una pose, un disfraz como el de Dorothy, que colgar en el armario cuando los focos se han apagado. Al final surge el interrogante de hasta qué punto importa que la imagen queer de Harry sea inauténtica, cuando él no es otra cosa que un personaje de ficción para sus fans.