El dúo Let’s Eat Grandma, formado por Rosa Walton y Jenny Hollingworth, ha anunciado su nuevo disco ‘Two Ribbons’, que verá la luz el próximo 8 de abril. Además, ha sacado el single principal homónimo del disco.
En un comunicado, Jenny Hollingworth ha explicado que ‘Two Ribbons’ es una canción que trata “sobre dos de las personas más cercanas en mi vida” y sobre cómo su relación con ellas “ha permanecido a través del tiempo a pesar de la pérdida y de los cambios”.
También recalca que la canción habla sobre el aislamiento por duelo y la impotencia ante la muerte. Recordemos que el novio de Hollingworth falleció en abril de 2019, lo que provocó la cancelación de la gira americana del grupo aquel año.
Let’s Eat Grandma tiene previsto dar dos conciertos íntimos en Reino Unido y en su ciudad natal, Norwich, en enero de 2022.
Este nuevo disco es el primero desde 2018, año en que el dúo publicó su tercer LP ‘I’m All Ears’. Te dejamos el tracklist de ‘Two Ribbons’ que incluye el single ‘Hall of Mirrors’:
01 Happy New Year
02 Levitation
03 Watching You Go
04 Hall of Mirrors
05 Insect Loop
06 Half Light
07 Sunday
08 In the Cemetery
09 Strange Conversations
10 Two Ribbons
¿Los discos dobles vuelven a estar de moda? Parcels acaban de sacar uno, Beach House han anunciado el suyo… Jack White sube la apuesta y anuncia hasta dos nuevos álbumes, individuales el uno del otro. ‘Fear of the Dawn’ sale el 8 de abril y ‘Entering Heaven Alive’ el 22 de julio.
‘Taking Me Back‘, el single que Jack White estrenaba hace unas semanas, asociado a la banda sonora de ‘Call of Duty’, es la primera pista de ‘Fear of the Dawn’, y de momento el único single que se ha extraído de alguno de los dos proyectos. Desde hoy se puede ver el videoclip para este tema.
El lanzamiento casi seguido de ‘Fear of the Dawn’ y ‘Entering Heaven Alive’ compensa con creces el hecho de que White no saca disco desde hace 4 años. ‘Boarding House Reach‘ salió en 2018. ¿Quizá la acumulación de proyectos durante la pandemia haya tenido algo que ver con esta doble entrega?
Jack White se dio a conocer, por supuesto, como mitad de los White Stripes, una de las bandas de rock más importantes del siglo XXI, así en general. Después, en solitario, especialmente su disco ‘Lazaretto‘ fue un éxito de ventas físicas, en concreto de vinilos. Su debut oficial, ‘Blunderbuss’, vio la luz en 2012.
Fear Of The Dawn:
01 “Taking Me Back”
02 “Fear Of The Dawn”
03 “The White Raven”
04 “Hi-De-Ho” (Feat. Q-Tip)
05 “Eosophobia”
06 “Into The Twilight”
07 “Dusk”
08 “What’s The Trick?”
09 “That Was Then (This Is Now)”
10 “Eosophobia (Reprise)”
11 “Morning, Noon And Night”
12 “Shedding My Velvet”
Entering Heaven Alive:
01 “A Tip From You To Me”
02 “All Along The Way”
03 “Help Me Along”
04 “Love Is Selfish”
05 “I’ve Got You Surrounded (With My Love)”
06 “Queen Of The Bees”
07 “A Tree On Fire From Within”
08 “If I Die Tomorrow”
09 “Please God, Don’t Tell Anyone”
10 “A Madman From Manhattan”
11 “Taking Me Back (Gently)”
En un mundo en el que ‘Easy on Me‘ de Adele es la canción más escuchada en todo el globo terráqueo, ¿por qué Parcels no pueden quedarse también con una «parcelita» de ese éxito? Lo tienen (casi) todo: melodías a punta pala, canciones con madera de clásico, estética de los años 70, un estilo casi tan hortera como el de Silk Sonic… y un directo de los que se no ven todos los días. Su debut fue a todas luces uno de los mejores discos de 2018, un ejercicio retro de lo más divertido. Y con el segundo es imposible ya no tomárselos muy en serio.
‘Day/Night’ llega con la premisa de ser un disco doble dividido en dos partes: el día y la noche. En una entrevista con JENESAISPOP cuentan que han buscado explorarse como músicos, indagar en todas sus facetas sin presiones, en definitiva, hacer un disco que les diera el espacio suficiente para probarse a sí mismos, demostrar «lo que son capaces de hacer». Y, a su vez, han querido enmarcarlo en una historia sobre la juventud y la edad adulta, el hogar y la distancia. Consiguen su propósito de superarse con una pequeña reserva: la extensa secuencia de canciones (19 en total) se les termina desinflando por el camino. Lo que no quiere decir que no haya en ambos bastantes cosas a rescatar.
A Parcels esta vez les ha inspirado el «concepto de ópera rock». Pero si estás pensando en ‘Jesucristo Superstar’ o en lo que sea que hace ahora Mónica Naranjo, nada más lejos de la realidad. El debut de Parcels podía entrar dentro de lo kitsch por momentos, pero ‘Day/Night’ opta por perseguir el lado más elegante y tradicional de los años 70 sin dejar de tocar diversos palos (y desvaríos). Además, profundiza en el amor de Parcels por las bandas sonoras dando una gran importancia a los arreglos orquestales, los cuales han sido compuestos por Owen Pallett y se nota, pues algunos ponen los pelos de punta, como los de esa ‘SHADOW’ que pide ser tocada en un recinto tipo Palau de la Música. El espíritu desenfadado de ‘Parcels’ da lugar en ‘Day/Night’ a la madurez, el virtuosismo, la búsqueda del Grammy (que ojalá consigan). Y muchas de las canciones están a la altura.
La mayoría de ellas se encuentran en el primer disco. Están los singles, todos ellos espectaculares, quizá no tan ligeros e inmediatos como los del debut o los de su tema con Daft Punk, pero maravillosos en cuanto los mimas un poco. Y lo mejor es que el álbum los presenta en todo el esplendor de sus versiones originales, extendidas. El pop-soul retro de ‘Free‘ es un estallido de felicidad que habla sobre amar profundamente y anhelar la libertad, y la consigue cuando explota en el estribillo final: ‘Comingback’ es una canción pop absolutamente pletórica llena de guitarrazos que busca la esperanza en el año de la pandemia; el épico ‘Somethinggreater‘ es probablemente el mejor homenaje a ‘Get Lucky’ que se ha hecho hasta ahora y el soft-pop de ‘Theworstthing’ agrega una bienvenida capa de sensualidad al largo -es un poco Ferran Palau– pese a tratar una ruptura.
Otros momentos a destacar en la primera parte de ‘Day/Night’ son los coros sublimes de ‘Nowicaresomemore’, aunque la canción termina demasiado abruptamente por alguna razón; el paseíto de ‘Daywalk’ que visita los planos del country y el easy-listening, y el baladón ‘Outside’ en el que Parcels cantan que «no quiero ser como mi padre, pero tampoco quiero estar solo».
A partir del segundo CD, ‘Day/Night’ entra en terrenos más pantanosos. Y no solo porque la parte ambiental de ‘Nightwalk’ suene literalmente como un paseo por un pantano, para después la canción cambiar de tercio hacia un easy-listening que, por momentos, parece que va a tropezarse con la «exotica» de Les Baxter pero al final no. En el plano nocturno del disco, las composiciones se quedan por detrás del virtuosismo, lo cual es obvio en las estructuras episódicas y diversos cambios de ritmo de la «proggy» ‘Neverloved’ o sobre todo de ‘LordHenry’, que pasa de la música sinfónica a la discoteca y de ahí a un final cacofónico sin que nada parezca tener tanto sentido como en, qué sé yo, ‘Bohemian Rhapsody‘. De hecho, la canción dura 5 minutos y medio y parece el doble, lo cual nunca es buena señal.
La parte nocturna de ‘Day/Night’ claramente huye del hit fácil para mostrar a una banda que quiere experimentar con nuevos sonidos. Deja un hit disco como ‘Famous’, otro de los singles, pero en general opta por lo imprevisible. Así, ‘Once’ es una de las composiciones estilísticamente más puras del largo, en tanto parece una canción pop de los años 50 que podrían haber entonado Elvis Presley o Roy Orbison; y ‘Reflex’ viaja a los 70 espaciales de Vangelis o Jean-Michel Jarre. Ninguna de estas canciones tiene le pegada de los singles, pero serían gratos «album tracks» en un álbum que realmente no necesitaba ser doble. Así, la totalidad de ‘Day/Night’ resulta menos convincente que la del debut pese a su evidente ambición, pero tampoco se puede pasar por alto el nivel de prodigio musical que muestran muchas de estas composiciones, aunque no sean tan inmediatas como otras.
Rodrigo Cuevas lidera una campaña de financiación colectiva con la que se quiere rehabilitar el tejado de lo que será el futuro eje cultural de una de las zonas más despoblada de Asturias, La Benéfica de Piloña – Espaciu Cultural. La campaña, que busca recaudar idealmente un total de 130.000 euros o un mínimo de 94.000 (actualmente se han conseguido reunir 30.000), está activa desde el pasado 28 de octubre y finalizará el día 31 de diciembre de 2021.
El propósito de la rehabilitación de La Benéfica es construir «un espacio que aúne cuatro inquietudes: la expresión artístico cultural, la acción comunitaria, la lucha contra el abandono y la despoblación de las zonas rurales y la trasmisión de conocimientos».
El artista explica: «Queremos un proyecto que dé visibilidad a la expresión artística contemporánea y vanguardista, pero también a la cultura popular y tradicional, y que además facilite la transmisión de conocimiento entre las distintas generaciones». Sería, según nota de prensa, «un espacio totalmente entroncado en la comunidad, que estimule el ecosistema cultural del Conceyu de Piloña, y también un espacio de ocio para los jóvenes y no tan jóvenes», además de «una razón por la que no irse del pueblo, un lugar donde crear y disfrutar de la cultura». Al mismo tiempo, La Benéfica «es un proyecto ambicioso, que pretende tener impacto mucho más allá de Asturias, tejiendo alianzas con proyectos artísticos de toda Europa, y con una programación que haga del centro una referencia a nivel nacional».
Junto con dos de sus vecinos de Piloña (Asturias), el autor de ‘Manual de cortejo‘ compró el año pasado la nave que, en el pasado, sirvió de sede de La Benéfica de Piloña, Sociedad de Socorro Mutuo. Explica la misma nota de prensa que, en la época, «el fin de la sociedad era que los socios, vecinos del pueblo, se ayudasen mutuamente en sus problemas: enfermedades, viudedad, liquidez… Con las aportaciones de los asociados atendían necesidades que el estado, u otras instituciones, no cubrían». El texto señala que «la Sociedad de La Benéfica llegó a tener tanto éxito que construyeron una nave rectangular de unos 400m2 que funcionó como teatro, salón de baile, lugar de encuentro social y cine en domingo», pero que «esta pequeña utopía artística y solidaria finalizó en 1946, y la nave pasó a ser una fábrica de dulce, luego un parking y luego quedó en desuso».
Este año, Rodrigo Cuevas ha presentado la última edición de los premios MIN. Una edición precisamente dedicada a la «España vaciada» que premió a artistas como Rigoberta Bandini, Delaporte o Alizzz, entre otros. Hoy, Cuevas cuestiona el concepto de «España vaciada» en una entrevista porque «es más reconocible desde lo urbano que desde lo rural». Señala que «la gente no se siente muy identificada con esa etiqueta porque viene puesta otra vez desde las ciudades, en plan ‘ahora os vamos a repoblar'», dándose «por hecho que todo el mundo vive en ciudades y todo el mundo quiere vivir en ciudades».
Chaqueta de Chándal, esto es, Guillem Caballero (voz y teclados), Natalia Brovedanni (voz y guitarra) y Alfonso Pérez Méndez (batería y coros), es uno de esos grupos perjudicados porque la pandemia les ha pillado en pleno desarrollo. Tuvieron un pequeño éxito con ‘A moderno resabiado no le mires el dentado’, también tenían otras canciones destacables como ‘El amigo del mal’… que toda la España festivalera se sabría ya de memoria de no haber sido porque en 2020 no hubo festivales, y en 2021, tan sólo unos pocos.
Con las mismas posibilidades comerciales de El Columpio Asesino -que igualmente vieron palidecer la promo de uno de sus mejores álbumes, ‘Ataque celeste‘-, Chaqueta de Chándal presentan el primer single de su segundo álbum, a la venta ya en enero de 2022, sucediendo a ‘Gimnasio menor‘.
El tema es crítico con la industria farmacéutica, a la que consideran «evidente poder en la sombra hoy en día, verdadera fábrica de humo y falso bienestar, auténtico mecanismo de control, generador incesante de dinero». Dicen que podría llamarse ‘Lista de cosas por las cuales la gente toma pastillas’ -también «¡No quiero ser otro experimento!», pero al final lo han llamado ‘Vademécum’. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
El tema es tan breve como certero, con cierto tono aflamencado, pero también algo kraut y sintético, resultando una extraña mezcla entre Mecano y Neu! JENESAISPOP estrena hoy también el vídeo realizado por Castells & Garay, que explican de la siguiente manera:
“Para nosotros, ‘Vademécum’ habla de un mundo que está tan enfermo que no se puede funcionar en él sin andar medicados todo el día: medicados para la ansiedad, para el dolor, para la diarrea, para el estreñimiento… Decidimos que la mejor manera de inspirarnos para poder expresar visualmente esa locura era sumergirse en ella, juntando todas las pastillas que encontramos en un cubo, tomándonoslas y ver qué salía. Al principio fue bien, pero luego se torció todo un poco. Eso sí, muy satisfechos con el resultado final. Y cuando recuperemos el control de los esfínteres, más”.
El videoclip se grabó entre un bosque y una casa del Vallès a lo largo de un día primerizo del mes de octubre. Lo anticiparán en vivo este noviembre en la Monkey Week y ya tienen fechas para su presentación oficial: 19 de enero en Inverfest, Madrid y 22 de enero en el NEU! de Girona.
Rigoberta Bandini estrena el vídeo de ‘Julio Iglesias’, el primero tras el éxito obtenido por ‘Perra‘ y ‘A ver qué pasa‘. El vídeo tiene ese tono setentero con cierto formato Super 8, donde Rigoberta junto a los tres miembros de su banda recrea escenas propias de la jet set: desayunando en albornoz, jugando al golf… y «lo mezclan con coreografías al estilo del vídeo ‘Amo a Laura’, en diferentes localizaciones». Se trata de un vídeo «irónico lleno de referencias a momentos pop del pasado, marca de la casa de Bandini», que se redondea con un tarareo de ‘Soy un truhán, soy un señor’ del propio Julio Iglesias.
Según la nota de prensa, el vídeo se grabó entre una finca a las afueras de Barcelona y el Club de Golf Llavaneras. La idea y concepto fueron creados por la misma Rigoberta Bandini ayudada por un equipo de profesionales y amigos. La dirección y el montaje vienen de la mano del músico Bernat Cuyàs y los estilismos los firma la diseñadora La Manso (muy conocida por su última línea de anillos) y Laura Magrinya (amiga de la cantante).
‘Julio Iglesias’ es otra de esas canciones de Rigoberta Bandini que recuerdan a mil cosas, y la artista adelantaba a las predicciones compartiendo una playlist de inspiraciones de Spotify en la que aparecen, en este orden, ‘La carretera’ de Julio Iglesias, ‘Words’ de F.R. David, ‘A far l’amore comincia tu’ de Raffaella Carrà, ‘Sharazan’ de Al Bano y Romina Power y ‘Lay All Your Love Over Me’ de ABBA, entre otros clásicos como ‘Barcelona’ de Freddie Mercury y Montserrat Caballé o ‘Gloria’ de Umberto Tozzi.
Por un lado, ‘Julio Iglesias’ suena a todas estas cosas y, por el otro, 100% a Rigoberta Bandini. Algunas influencias son más obvias que otras: la nube de sintetizador de ‘La carretera’, la percusión-susto de ‘A far l’amore comincia tu’, los sintes eurodisco de ‘Gloria’, las melodías POP de ABBA… Hay hasta un momento «silbido» a lo Mariah Carey. Pero ‘Julio Iglesias’ también es otra composición sobresaliente de Rigoberta, de esas que terminan por todo lo alto, tocando el cielo, abrumadas por la felicidad. Aunque con matices.
El sentimiento que predomina en ‘Julio Iglesias’ es la nostalgia. Y no solo en lo musical. En la letra, Rigoberta nos lleva a su infancia. Recuerda los viajes en carretera con su padre, cuando escuchaba a Julio Iglesias en el coche, y los días en que se «morreaba» con la vida; pero también deja un poso agridulce cuando reflexiona sobre la vida adulta. «Tanto trampolín, tanta percusión, y nunca saltamos», canta, antes de dirigirse a sí misma: «niña que se fue, cuida a esta mujer que aún no te ha olvidado».
En este viaje al pasado, Rigoberta visualiza a la adolescente que fue («Paula Ribós sufría y ahora eso es poesía, quería ser atleta y se cortó las tetas, quería estar soltera ni una semana entera») y vuelve a la persona que es hoy («tanta expectación, chutas para gol, y él al otro lado»). En sus propias palabras: «Esta canción es un collage de imágenes que me recuerdan que la mirada hacia el pasado convierte todo lo doloroso en bello. Por mucho que la herida del presente sangre, con perspectiva será inevitablemente poética».
‘=’ de Ed Sheeran es el gran éxito internacional de la semana, con números 1 repartidos por todo el globo: Reino Unido obviamente, Estados Unidos, Australia, Austria, Canadá, Dinamarca, Holanda, Francia, Italia, Irlanda, Noruega, Suecia… y también España. Es el tercer número 1 en álbumes consecutivo para Edward Christopher en nuestro país.
Eso significa que ‘Hogar’ de Izal tiene que conformarse con el puesto 2, lo cual no estaba tan claro, pues ‘Autoterapia’ y ‘Copacabana’ fueron absolutos superventas en España, siendo también top 2, pero resistiendo en las listas alrededor de 2 años completos. Izal presumen en Instagram de ser top 1 en la venta física, es decir, Ed Sheeran les ha arrebatado el número 1 definitivo gracias a los puntos de streaming. De manera extraña, ‘Hogar’ no aparece en el top 100 de vinilos, suponemos que por algún tipo de error o retraso.
En el número 5 encontramos ‘1997’, el notable álbum de Alfred en el que ha colaborado entre otros con Niño de Elche. Otras entradas interesantes en su disparidad total son ’50/50’ de Steve Lean con Beny Jr en el número 27 y ’40 años son pocos’ de Bertín Osborne en el número 30. Por su parte, María Aguado es top 75 con ’1460’.
En el plano internacional The War on Drugs llegan al número 39 con ‘I Don’t Live Here Anymore’; y Ryan Adams sitúa en el número 91 ‘Big Colors’, gracias a la llegada de su vinilo. Siendo top 22 en Estados Unidos y top 6 en Reino Unido, este disco de The War on Drugs no ha igualado los datos de ‘A Deeper Understanding’ en 2017. Tampoco en España, donde fue incluso top 9, si bien antes de que contara tanto el streaming.
La lista de la semana está inundada de reediciones que esperan ser una referencia la próxima Navidad: ‘Flamingos + Lady Blue’ de Bunbury es número 16; ‘Spice’ de Spice Girls es número 21; ‘Senderos de traición’ de Héroes del Silencio es número 25; ‘A Momentary Lapse of Reason’ de Pink Floyd es número 26; y ‘Restless Heart’ de Whitesnake es puesto 83.
Mención especial para las relacionadas con Alaska: ‘Arquitectura efímera + Miro la vida pasar’ de Fangoria en el puesto 36, ‘Deseo carnal + Ni tú ni nadie’ en el puesto 61 y ‘El acto + Nacidos para dominar’ de Parálisis Permanente en el puesto 73.
En cuanto a recopilatorios, ‘Everything Louder Forever’ de Motörhead es puesto 48 y ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston es puesto 85.
Parcels se dieron a conocer en 2018 con ‘Overnight’, un irresistible tema de disco-funk que estaba producido por los mismísimos Daft Punk cuando los franceses rara vez prestan sus servicios a otros artistas. Los australianos -que viven en Berlín- publicaron su debut ese mismo año, uno de los mejores discos de 2018 por su elegante y divertida visión de pop vintage, plasmada en temazos como ‘Lightenup’, y unos años después entregan en el segundo.
‘Day/Night’ es un ambicioso disco doble en el que Parcels exploran varias facetas con el buen gusto y la maestría musical que les caracteriza, y singles tan certeros como ‘Free’, ‘Comingback’, ‘Somethinggreater’ o ‘Famous’ representan una invitación inmejorable al mundo que han creado en este nuevo trabajo. Hablamos sobre el Disco de la Semana con Louie y Jules vía Zoom.
¿Qué representa el binario «día» y «noche» en este disco? ¿Por qué es un disco doble?
Louie: «Queríamos separar los dos lados de la banda para poder explorar cada uno de ellos de manera más profunda, y los conceptos de «día» y «noche» planteaban el escenario ideal para hacerlo.
Jules: «Para mí, el título de ‘Day/Night’ tiene un significado teatral, como de guion dramático, ya que plantea el escenario de la historia que vamos a contar en el disco. Lógicamente, el día y noche son opuestos, y aunque los opuestos se atraen a veces también se distancian».
El disco suena teatral, es como un musical. ¿Era vuestra ambición hacer un disco tan musical y cinematográfico?
Jules: «No era el plan original pero, cuanto más trabajábamos en el disco, más nos dábamos cuenta de que todos estábamos persiguiendo ese objetivo. Hacer un disco tan cinematográfico nos ha permitido a cada uno de nosotros crear el espacio para poder desarrollar nuestras ideas de manera individual. Cuando buscábamos representar musicalmente un amanecer en el mar o la imagen del desierto de Australia, el espacio que hay en el disco nos ha permitido hacerlo. Al final nos dimos cuenta de que estábamos prácticamente escribiendo la banda sonora de una película que no existe».
De hecho el disco contiene canciones relacionadas: ‘Light’ y ‘Shadow’, ‘Daywalk’ y ‘Nightwalk’, ‘Outside’ e ‘Inside’. ¿Era importante para vosotros conectar el album de esta manera?
Jules: «Sí, pero por otro lado el disco contiene canciones que son personales para cada uno de nosotros y que no encajan necesariamente dentro de ninguna narrativa».
Louie: «Ha sido divertido crear una historia a través de canciones nuevas que ya teníamos escritas. Nos hemos tomado el tiempo de hacer conexiones entre ellas porque estas conexiones hacen que la historia que estamos contando sea más compleja y profunda».
¿La pandemia ha afectado en algo al disco?
Louie: «Empezamos a escribir el disco en los primeros meses de 2020, antes de la pandemia. En principio solo nos afectó en el sentido que nos dio tiempo a escribir más canciones, pensar el disco y planear mejor la grabación. Mentiría si digo que la pandemia no ha afectado al carácter de las letras o la música, pero la manera en que lo ha hecho es un poco más abstracta».
Jules: «Temáticamente, en el disco observamos a Australia desde la distancia, desde una posición de sentirnos distanciados del país, o atrapados, y de cuestionarnos el lugar en el que estamos más que nunca. En ‘Comingback’ reflexionamos sobre la idea de hogar. Musicalmente, de manera subconsciente empezamos a crear imágenes del desierto de Australia en nuestra música, como para volver a él».
¿Qué significan para ti esas imágenes?
Jules: «Para mí representa mi infancia, la nostalgia por el pasado. Ahora que vivo en la ciudad me he dado cuenta de lo hermoso que es el lugar en el que he crecido».
¿La portada representa esa dicotomía?
Jules: La portada tiene muchos significados. Representa la juventud por un lado y la vida adulta por el otro. También la geografía del desierto y la ciudad está representada. Y la simplicidad de ser un niño, en contraposición con la complejidad de ser un adulto. Además, el niño de la portada viste un uniforme, porque un niño al final no es tan libre…
La nota de prensa dice que os habéis inventado un género musical para este álbum llamado “cowboy disco”. ¿Qué engloba este supuesto sonido?
Louie: «¡No habíamos hablado sobre el «cowboy disco» todavía! El término abarca todos los sonidos que exploramos en el disco, todas las influencias que tenemos en la banda. Los «grooves» que tocamos se relacionan con la música disco, y el término «cowboy» otorga una dimensión teatral a la música, y también una conexión folk, de vivir cerca del campo».
Jules: «Musicalmente el término tiene sentido para nosotros porque crecimos escuchando bluegrass, folk y country, y cuando crecimos empezamos a hacer música disco. Una de las canciones del álbum, ‘Theworstthing’, representa el término muy bien: por un lado la letra cuenta una historia y podría ser de una canción de folk y, por el otro, el ritmo entra en los estilos del disco y el funk. Nos parecía interesante juntar ambos mundos».
Queríamos que el disco demostrara lo que somos capaces de hacer más allá de lo que se espera de nosotros
‘Once’ suena puramente como una canción pop de los años 50.
Jules: «‘Once’ era una canción de folk que escribí. Tenía la letra, el estribillo, pero no la música, entonces la tocamos en la banda y cobró sentido cuando la llevamos a ese estilo cinematográfico, de Western».
Louie: «‘Once’ es un ejemplo perfecto que explica por qué el disco está dividido en dos partes. Esta canción probablemente no existiría si no nos hubiésemos dado el tiempo y el espacio de probar otras cosas».
Los singles que habéis sacado son «edits», en realidad sus versiones originales incluidas son más extensas. ¿Echáis de menos escuchar discos y llevaros este tipo de sorpresas?
Jules: «Con los «single edits» buscamos encajar en el mundo moderno, porque queremos que la gente escuche nuestra música y que esta suene en la radio. El proceso de hacerlos nos ha gustado mucho, y me encanta la idea de que una persona escuche las versiones originales y que la experiencia de escuchar el disco sea totalmente nueva».
Louie: «Al fin y al cabo los «single edits» no son más que una solución técnica. Al principio envidiaba a los artistas que son capaces de escribir canciones de 2 o 3 minutos, pero yo también he disfrutado mucho editando las grabaciones originales».
¿Habéis escuchado a PinkPantheress? Sus canciones duran como 1 minuto.
Louie: «¡La estaba escuchando esta mañana! Desde luego escribir canciones tan cortas es la manera más eficiente de hacer música a día de hoy».
Nos ha inspirado el concepto de ópera rock
En el disco dais mucho protagonismo a las cuerdas, a la orquesta. ‘Outside’ por ejemplo, tiene un arreglo de cuerdas espectacular. También ‘LordHenry’. ¿Por qué habéis decidido tirar por esa dirección?
Louie: «Queríamos que el disco tuviera un sonido expansivo y que demostrara lo que somos capaces de hacer más allá de lo que se espera de nosotros. Cuando escribimos las canciones nos aseguramos de dejarles grandes espacios dentro de la música para después poder rellenarlos con cuerdas. También queríamos capturar la energía de una banda sonora o de una producción teatral. A Owen Pallett, que ha compuesto los arreglos, le encantó disponer de esos lienzos en blanco con los que poder trabajar».
Me sorprende que ‘Somethinggreater’ sea el tercer single, es épica, es muy buena, ¿recordáis grabarla como algo especial?
Jules: «Es una de las canciones del disco en la que nos entregamos a nuestro gusto por el rock de los años 80 (ríe). La frase que dice «nos agarramos a algo más grande / nos agarramos a algo diferente» nos pareció muy poderosa, por eso se repite en la canción. Sin duda es un momento de clímax en el disco, resume mucho… la vida en general».
Louie: «Recuerdo enseñarle canciones del disco a algunos amigos y recibir muchos comentarios sobre lo mucho que hemos cambiado y lo poco que sonamos ya a Parcels, pero cuando llegaban a ‘Somethinggreater’ respiraban aliviados. Es el tercer single porque queríamos dar la oportunidad de brillar a otras canciones, demostrar que somos otras cosas».
¿Qué influencias os ha gustado más trabajar?
Jules «Definitivamente nos ha influido el concepto de ópera rock, Pink Floyd… Poder tocar con tanta libertad me ha encantado. Y también he disfrutado de explorar nuestra faceta jazz».
Louie: «Sí, tocar jazz en el disco, por ejemplo en ‘Nitewalk’ o en el final de ‘Famous’, ha sido muy divertido. Hubo momentos durante la grabación que organizamos el estudio como si estuviéramos en un club de jazz de los años 60».
¿Qué os gustaría que la gente se llevara al escuchar este disco?
Louie: «No quiero presionar a la gente ni hacerla sentir que tiene que llevarse algo del disco porque, al fin y al cabo, es un disco largo y caprichoso, pero me gustaría que quien lo escuche lo haga de principio a fin. Una de las razones por las que lo hemos dividido en dos discos es que cualquiera pueda escuchar el de «día» o el de «noche» cuando le apetezca, sin olvidar que es una obra total».
Jules: «Para mí lo bonito de la música es que es muy personal, tú puedes escuchar una canción y hacerla completamente tuya. Espero que la gente que escuche el disco pueda hacer lo mismo».
Betacam, Chaqueta de Chándal, Chill Mafia, Colectivo da Silva, Eva Ryjlen, Jimena Amarillo, Joven Dolores, Karmento, La La Love You, Menta y Venturi forman parte de los 50 seleccionados para la Edición Extraordinaria GPS11 de Girando Por Salas.
Estos artistas pertenecen a una lista de 770 inscritos, donde se encuentran tanto grupos como solistas de distintos estilos como pop, rock, electrónica, canción de autor… Los seleccionados se beneficiarán de ayudas para la grabación de un vídeo en directo en una sala aprobada de esta edición, con la posibilidad de contar con público si las circunstancias lo permiten. Además, recibirán una ayuda para la producción y promoción discográfica de sus proyectos.
La iniciativa nace desde el Instituto Nacional de Artes Escénicas de la Música (INAEM) con la que colabora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares (FCMP). En la edición anterior se seleccionaron 26 artistas para girar por todo el país en 157 salas. Fueron 56 conciertos realizados de un total de 157 programados y a los que asistieron 3.439 personas.
Algunas de las bandas y/o solistas que han pasado por Girando por Salas son Izal, Viva Suecia, Morgan, La MODA, Triángulo de Amor Bizarro, Antonio Lizana, Rufus T. Firefly, León Benavente, Varry Brava, Neuman, Novedades Carminha, Sidecars o Veintiuno.
Avril Lavigne ya no vende millones de discos como en la época de ‘Let Go’ (2002), ‘Under My Skin’ (2003) y ‘The Best Damn Thing’ (2007) y sus últimos trabajos, como ‘Head Above Water‘ (2019), han pasado desapercibidos entre crítica y público. Sin embargo, la música y estética de Avril está influyendo a toda una generación de nuevos artistas por extraño que pueda parecer. Sin ir más lejos, Billie Eilish le ha llegado a agradecer «haberme convertido en quien soy» y la faceta pop-punk de Olivia Rodrigo y Aitana tiene un claro precedente en Avril. Además, sus cifras en streaming son bastante espectaculares (al menos en Spotify) para tratarse de una artista surgida a principios de los años 2000 -en la época de la piratería- que no saca un disco relevante desde hace casi 15 años.
Pero la música de Avril no solo ha inspirado a una serie de artistas mainstream como ella es (ahora que ha vuelto a una multinacional de la mano de Travis Barker de Blink-182). Dos de las cantautoras de indie-rock que mejores críticas reciben en la actualidad, Soccer Mommy y Snail Mail, se han declarado grandes seguidoras de la canadiense desde su infancia, como ha señalado Billboard, hasta el punto de que Soccer Mommy ha dicho que tenía la música de Avril puesta a todas horas mientras componía ‘Clean’, su debut. Cuando Avril salió a la palestra y se la vendía como la anti-Britney, Soccer Mommy y Snail Mail eran dos de las adolescentes «alternativas» a las que NO les gustaba la música comercial y que se identificaban con la autora de ‘Losing Grip’ -que entonces no dejaba de sonar a la hija de Alanis Morissette y los Cranberries- más que con la princesa del pop.
Especialmente la valoración que ambas realizan de los «album tracks» de Avril Lavigne invita a revaluar su repertorio. Hablan no solo de los singles conocidos por todo el mundo, como ‘Girlfriend’, ‘Complicated’ o ‘Sk8ter Boy’, sino también de temas más desconocidos de ella que les han inspirado, como ‘Too Much to Ask’, ‘Anything but Ordinary’ o ‘Fall to Pieces’, tres temas que hoy recibirían críticas excelentes y reconocimientos tipo «Best New Track» de haber aparecido en discos de Beabadoobee o Pale Waves, otros artistas en los que la influencia de Avril se ha hecho patente. De hecho, el último trabajo de Pale Waves era básicamente un ensayo sobre el «sonido Avril»: un pop-punk lleno de desasosiego, empoderamiento adolescente y melodías imposibles de sacarte de la cabeza representado también en hitazos semi desconocidos como ‘Together’ o ‘I Don’t Have to Try’, o baladones como ‘Keep Holding On’, no solo ese ‘I’m with You’ que llegó a samplear Rihanna hace unos cuantos años.
La influencia de Avril se palpa hasta en el mundo del hip-hop. NYLON le dedicó un artículo al fenómeno, y aunque dicha influencia es perceptible solo vagamente en las vestimentas de raperos como Lil Uzi Vert o Princess Nokia, en otros casos es explícita. Rico Nasty ha dicho que Avril fue uno de sus primeros referentes musicales y tiene un alter ego en su nombre, Trap Lavigne; y artistas como Vic Mensa o el fallecido Nipsey Hussle la han mencionado en algunas de sus letras. Uno de los últimos éxitos de Lil Nas X recuerda a ella.
Los últimos pasos de Avril no han sido nada apetecibles. Sus discos han solido presentar secuencias irregulares, cuando no completamente incongruentes y relleno por doquier. Por cada hitazo como ‘Rock ‘N Roll’ que sacaba te colaba una colaboración con Nicki Minaj o con Marilyn Manson que daba ganas de coger un avión a Plutón. El sonido semi gótico de ‘Head Above Water’ no le ha favorecido, como mínimo, en el plano comercial. Sus trabajo con MOD SUN, un antiguo hippy convertido a punki que además es su pareja, es mejor olvidarlo. La mala imagen de Dr. Luke no ha puesto en buen lugar el que hasta ahora es, a todas luces, su mejor disco, ‘The Best Damn Thing’. Y, desde luego, la absurda teoría surgida en internet según la cual está muerta y le ha sustituido una doble no ha ayudado nada a la imagen que se tiene de ella en el plano virtual.
Pero la influencia de Avril es incuestionable. Y la artista puede que le saque provecho con el lanzamiento de un nuevo single que suena a Olivia Rodrigo y, por lo tanto, a sí misma, cerrando círculo. ‘Bite Me’ ya está disponible y es el primer adelanto de un nuevo disco que se presume llevará por título ‘M.F.P’, siglas de, lo has adivinado, «motherfucking princess». ‘Bite Me’ supone un regreso de Avril a su faceta más pop-punk, la de los primeros discos, especialmente del tercero. Ardemos en deseos de comprobar si ‘Bite Me’ supone también el «comeback» comercial de una de las artistas pop más influyentes para una nueva generación o se queda en otro casi-hit infravalorado como otros que lleva a sus espaldas.
‘Air‘ fue compuesto y grabado entre giras. Para ‘The River and the Stone’ Morgan se juntaron en una casa en Francia, cerca de Biarritz, con el productor Campi Campón. No sé hasta qué punto la pandemia les afectó. En diferentes entrevistas ellos explican que salieron relativamente indemnes: su último concierto fue el 25 de febrero de 2020 y ya tenían planeado parar una temporada para preparar este disco. Pero algo sí que les debió afectar, porque ‘The River and the Stone’ es su disco más reconcentrado.
También el mejor grabado. El sonido de ‘The River and the Stone’ es exquisito. Los temas parecen reducir un poco el horizonte estilístico y se concentran entre la balada folk-rock un punto épica, un punto grandilocuente, pero contenida, y el blues rock. Ciertamente, el disco no puede arrancar mejor. ‘Hopeless Prayer’ es tensa y solemne, y lo suficientemente sentida. Apenas está sostenida en un piano algo nervioso, sobre el que reina Nina de Juan. En poco más de dos minutos y medio, Nina es capaz de compensar lo tétrico de la melodía con su voz luminosa; sin duda, es uno de sus grandes triunfos compositivos. Y luego está el hit del disco, ‘River’, un pegadizo tema de blues rock de lo más redondo, con amenazantes coros góspel, pianos cabareteros y palmas, en la onda de los Black Keys; los buenos, los de ‘Brothers’ y ‘El Camino’. También subyuga ‘WDYTYA?’, con su inicio tan Dire Straits. Es una pizca AOR quizás, pero sale triunfante gracias a la melancolía que emana y a las filigranas vocales de Nina, que apabulla y emociona pero sin alardear. O el cruce improbable entre Alabama Shakes y Sufjan Stevens que es la optimista ‘On and On (Wake Me Up)’.
Pero en la segunda mitad del disco algo se tuerce. Morgan siguen ofreciendo temas bien pertrechados, muy bien producidos y tocados… Pero todo va resbalando inexorablemente hacia terrenos anodinos. ‘Alone’ a priori se presenta como la canción principal del álbum; es la más larga (supera los siete minutos), contiene un desarrollo ambicioso y sinuoso: coros, órganos, líneas de sintetizadores vintage, varía progresivamente de la balada sinfónica al folk-rock poderoso. Y aun así, no acaba de despegar. Si no fuera por la fuerte personalidad de Nina, que brilla contra viento y marea, sería difícil de digerir. ‘Paranoid Fall’ puede resultar simpática o desfasada, según te coja; es la pieza más hard-rockera de todo el disco, repleta de guitarras cabalgantes y riffs jevirulos. ‘A Kind of Love’, con toda su fanfarria a la Queen, no acaba de cuajar, y eso que su atmosférico prólogo es muy prometedor. Pero le pierde su desvarío medio country medio glam.
El baladón del disco es ‘Un recuerdo y su rey’. La canción-en-castellano de este disco no alcanza los niveles de ‘El sargento de hierro’, suena demasiado tópica. Pero aun así funciona: lo más bonito es cómo la voz de Nina se quiebra y sus preciosos arreglos de voces del final. Sin embargo, no logra quitar el gusto de boca regular que provoca el tramo final del disco. Su escucha puede resultar algo frustrante, porque deseas que te gusten todas las canciones. Porque están creadas con mimo. Porque sientes que Morgan ponen todo su empeño en sonar mejor que nunca. Porque están cerca de resultar memorables, pero esta vez se quedan en la orilla.
Nicki Nicole acudió anoche a La Resistencia para promocionar su último disco “Parte de mí”, que publicó a finales de octubre, y para anunciar sus próximos conciertos en España que serán el día 23 de febrero en la Sala Barts de Barcelona y el 24 de febrero en El Invernadero en Madrid.
El mejor momento de la noche ocurrió al final de la entrevista cuando David Broncano le propuso a la cantante componer la letra del opening de La Resistencia. Ella, improvisando, rapeó las siguientes líneas: “Estamos en el inicio de La Resistencia, David Broncano no tiene paciencia. No importa, es un genio atrapado en ciencia. Él hace todo lo que pueda, tiene paciencia para cada invitado. Yo me voy y me invitan de nuevo, qué descarado. ¿Qué pensaste, que quería venir? Tenías razón, pero también me quiero ir.” “Na, mentira, mentira”, finalizó entre risas y Broncano le aseguró que la pondrán en los próximos shows.
En la visita de Nicki Nicole al programa hubo tiempo para que Broncano le mostrase quiénes son Extremoduro, le diese unos obsequios por su futura boda con el rapero argentino Trueno, a la que fue invitado, y para que ella le confesara que escribió a Rafa Nadal por Instagram con un “hola, Rafa’ para que le hablase al presentador.
Además, la argentina mencionó que abrirá la gala de los Latin Grammys 2021 cantando su canción ‘Pa’ mis muchachas’ junto a Christina Aguilera, Becky G y Nathy Peluso. Esto sucederá el próximo 18 de noviembre en el MGM Grand Arena de Las Vegas.
Confesó que esta será la primera vez que se encuentre con Xtina. “Ella tiene de carrera lo que yo tengo de años”, dijo. Reconoce que aunque llegó un “poquito tarde” (recordemos que nació en el 2000), sabe que es “una artista súper completa” y “un “referente”.
Nicki se despidió con la improvisación para la cabecera de La Resistencia y con la promesa de Broncano de ponerla en los siguientes programas.
La cultura del «true crime» no iba a tardar en absorber el caso Wanningkhof, uno de los casos de error judicial más mediáticos de la historia española reciente. El año pasado, Netflix estrenó un documental sobre el caso pero ha sido HBO Max la plataforma que se ha apuntado el tanto de contar con Dolores Vázquez, la persona que fue condenada erróneamente de haber asesinado a Rocío Wanninkhof, para sentarla en una entrevista que se ha hecho esperar más de 20 años.
A diferencia del documental de 1 hora y media de Netflix, ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundiza en el caso hasta el punto de alargarse hasta los 6 capítulos, con la producción ejecutiva de Toñi Moreno. Cada uno de ellos recibe el nombre de una mujer importante en la historia y no falta casi nadie por ser entrevistado: de la madre de Rocío, Alicia Hornos, hasta el abogado de Dolores Vázquez, Pedro Apalategui, pasando por la susodicha, aparecen en pantalla para contar su visión.
El caso comienza con la desaparición, el 9 de octubre de 1999, de la joven de 19 años en un pueblo de Málaga. El cuerpo sin vida de Rocío es hallado tres semanas después cerca de Marbella. Dolores Vázquez, amiga de la familia, y ex pareja de Alicia Hornos, madre de la joven asesinada, es detenida como principal sospechosa del crimen. La investigación se centra en ella hasta el punto de que una serie de «indicios», conjeturas y alguna que otra corazonada bastan para incriminarla. Dolores pasa 17 meses en prisión y, llegado el día de la sentencia, es condenada culpable sin pruebas congruentes sobre la mesa. El clima de odio hacia Dolores Vázquez, alimentado desde los medios de comunicación, y materializado en las calles, influye de manera clave en el veredicto.
Más adelante, en 2003, se descubre el cuerpo de otra joven asesinada, Sonia Carabantes, se relaciona su caso con el de Rocío por el hallazgo de unos restos de ADN que aparecen en ambas escenas del crimen y el británico Tony Alexander King, un vecino de Coín que carga con antecedentes penales en Reino Unido, es declarado culpable de ambas muertes. Es, básicamente, una de las pocas veces que un cigarrillo ha dado una buena noticia. Dolores es exculpada pero carga aún con la condena social y se retira de la vida pública.
El debate sobre la morbosidad de ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ debería estar fuera de la mesa. En el documental participan tantos personajes pertenecientes a la constelación del caso que, en algún momento, hasta esperas que la persona condenada termine realizando alguna declaración. Alicia Hornos mantiene que Dolores estuvo implicada en el asesinato de su hija, avivando aún los vientos de la sospecha. Sí, la narración es sensacionalista, pues incluye imágenes del entierro de Rocío, pero también se podría decir que pinta una panorámica completa del suceso, muy bien contado cronológicamente. No es cuestión de desmerecer el trabajo documental y visual de la pieza solo porque cuente una historia real. Y ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ sirve principalmente para dar voz a Dolores Vázquez y también a su brillante abogado, pero también para acercarse a todos los puntos de vista sin juicios.
Dolores no es la primera persona que recibe una condena injusta por asesinato. Tampoco es la primera persona relacionada con el colectivo LGBTQ+ cuya sexualidad influye en su inculpación, aunque hay que puntualizar que ella nunca se identifica con la etiqueta «lesbiana» porque «nunca me he sentido así». Sin embargo, desde el primer momento, la lesbofobia juega un papel fundamental en las acusaciones hacia Dolores y, en este sentido, la escritora y activista LGBTI Beatriz Gimeno realiza algunas de las intervenciones más importantes del documental cuando recuerda que la lesbofobia de la sociedad de entonces motiva desde la base las acusaciones de asesinato hacia Dolores, porque ella ni luce ni se comporta como la «típica» mujer heteronormativa. Y tanto la guardia civil como los medios y la sociedad se alimentan de ese relato absurdo. Habría sido grato que ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundizara en la lectura de identidad sexual del caso, porque probablemente diera para mucho más de lo que se muestra finalmente.
Es la única pega que se le puede poner a un documental riguroso y muy bien construido que hace su trabajo de contar una historia mediática con un lenguaje mediático. Pero ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ será mejor todavía cuando haya servido para algo. Dolores Vázquez, que a sus 69 años vive retirada en Betanzos, el pueblo de La Coruña en el que nació, aunque ella se crió en Reino Unido; pide el perdón por parte de la «guardia civil, el fiscal y los jueces» que nunca ha recibido, también del Ministerio de Interior que entró en el trapo de las acusaciones falsas, y recuerda que en 20 años no ha sido indemnizada por el error judicial que ha marcado su vida. Las reparaciones se hacen esperar, pero por lo menos Loli -como prefiere ser conocida- señala que su dignidad permanece intacta. Y dignificar su figura es precisamente lo que consigue el documental.
El festival de artes digitales MIRA vuelve a Barcelona después de un año de parón por la razón que todos conocemos. MIRA se celebrará los días 12 y 13 de noviembre en el recinto de Fabra i Coats – Fàbrica de Creació con un cartel que vuelve a centrarse en la música electrónica, las sesiones de DJ, las proyecciones inmersivas y las exposiciones de arte digital.
El jueves 11 de noviembre se celebrará la noche inaugural de MIRA en la sala de exposiciones IDEAL y el mismo día 13 tendrá lugar el fin de fiesta en la sala Razzmatazz. En los días 12 y 13 pasarán por el festival algunos de los artistas asociados al arte digital más interesantes del momento, que comentamos bajo estas líneas.
James Ferraro
«El inventor del vaporwave» es un titular atractivo pero incierto. De todas formas, ‘Far Side Virtual’ es uno de los primeros ejemplos de este subgénero de internet que revisa la música pop de los 80 y la muzak desde una visión crítica con el capitalismo y el consumismo. Es uno de los discos más influyentes de la era de internet, pero Ferrero no se ha quedado estancado en su sonido, como demuestra su disco ‘Sushi’ o la serie ‘Mirai’ que presentará en el festival barcelonés, a través del show ‘Requiem for Recycled Earth’.
Ana Roxanne
Poco a poco, Ana Roxanne se está convirtiendo en une de les artistes de ambient más importantes de su generación. Su delicada música absorbe influencias del jazz, el folk hindustaní o las grabaciones de campo, y además transmite un importante mensaje sobre la fluidez de género. Roxanne es intersexual y su disco ‘Because of a Flower’ explora su identidad a través del símbolo de la flor.
Aquarian
Otro de esos «artistas afincados en Berlín», aunque él es de Canadá, Aquarian acompañará su directo con los visuales de la artista e investigadora china Sougwen Chung. La música de Aquarian, admirada por gente como Aphex Twin, visita las escenas de Detroit, Londres y Berlín y se mueve entre el electro, el jungle y el grime. Su disco ‘The Snake that Eats Itself’ es oscuro, intrigante y claustrofóbico. Te invita a bailar pero te termina engullendo.
Duma
Duma es el dúo de Martin Khanja y Sam Karugu, dos músicos surgidos de la escena de metal sumergida de Nairobi -en auge- que han publicado su debut en el sello Nyegue Nyegue Tapes. El álbum dio bastante que hablar el año pasado por su sonido violento y visceral, que se debate entre el trash metal y el hardcore punk, y también por su curiosa portada. Este año, Duma publican nuevo EP en Sub Pop.
upsammy
La música de Thessa Torsing se debate entre el mundo digital y el natural. Es una IDM recubierta de hiedra y flores. Después de darse a conocer con singles como ‘Zona’, en 2019 publicó su debut largo ‘Wild Chamber’ y en 2020 vio la luz su segundo trabajo, ‘Zoom’. Su portada muestra un trozo de hielo que se derrite en la mano de una persona, y en estos términos se puede describir la música de upsammy.
Se comentaba en la industria musical que ABBA habían batido un récord de pre-ventas en Reino Unido con el anuncio de su último disco ‘Voyage’: más de 111.000 en total (40.000 ya solo el primer día). Ese extremo ha sido confirmado cuando han salido las “midweeks” británicas este lunes.
ABBA volverán al número 1 de Reino Unido con las mejores ventas semanales de todo 2021, pues el lunes las ventas de ‘Voyage’ en este país iban por 118.000, y el martes por 169.000. Esta cifra ha dejado ya atrás el récord previo de este año de Coldplay con ‘Music of the Spheres’ (101.000), a su vez batido inmediatamente después por ‘=‘ de Ed Sheeran (139.000). ABBA venderán en una semana más de lo que ese tótem llamado Sheeran ha conseguido en dos. Ya solo queda por ver lo que logrará el torbellino llamado Adele.
En Estados Unidos, ABBA no lograrán el número 1 debido al elevado streaming de la cantante de Georgia Summer Walker. Pese a que esta solo va a vender esta semana unas 14.000 copias, los puntos de streaming la elevarán hasta las 185.000. ‘Still Over It’ cuenta con colaboraciones con Cardi B, SZA, Pharrell Williams y Ciara.
‘Voyage’ no alcanzará esa cifra pues rondará las 75.000 unidades y los 80.000 puntos totales sumando el escaso streaming estadounidense. En todo caso, el top 2 que tiene ya asegurado el 9º disco de ABBA supondrá, por mucho, su mejor marca en Estados Unidos.
En Estados Unidos, ABBA fue más un grupo de singles y hasta ahora nunca habían conseguido ningún top 10 en el Billboard 200, tan sólo cuatro tops 20 en la lista de álbumes. Su mejor marca fue ‘ABBA – The Album’, que quedó en el número 14. A la espera de cómo se sostiene esta Navidad, ‘Voyage’ ya puede considerarse un enorme éxito.
Mitski ha anunciado que su nuevo disco ‘Laurel Hell’ sale el 4 de febrero. El segundo single, ‘The Only Heartbreaker’, ya está disponible. El sucesor de ‘Be the Cowboy‘, uno de los mejores discos de 2018, vendrá acompañado de una gira que pasará por América del Norte, Reino Unido y Europa pero que, de momento, no cuenta con parada en España.
Cuenta Mitski que el título de ‘Laurel Hell’ procede del término con el que se conoce a unos densos matorrales que crecen en los Apalaches del sur en los Estados Unidos, y en los que mucha gente ha perdido la vida al quedarse atrapados en ellos. «El caso es que las flores de laurel son hermosas», explica. «Al crecer estallan en una explosión de belleza, y me gusta la idea de quedarte atrapado dentro de estas explosiones de flores y quizás morir en una de ellas».
Sobre el contenido del disco, Mitski ha dicho que «necesitaba escribir canciones de amor sobre relaciones reales, no sobre luchas de poder que ganar o perder» y señala que «yo cometo errores todo el tiempo, no me las quiero dar de modelo a seguir, pero tampoco soy una mala persona, y necesitaba crear un espacio de grises para mí misma, en el que poder estar».
Precisamente sobre meter la pata en una relación habla el segundo single de ‘Laurel Hell’. El tema empieza con la frase «si cometieras tan solo un error, sería todo un alivio, pero creo que en esta relación yo seré la única que te rompa el corazón» y esa es su premisa, que Mitski presenta en un envoltorio de pop-rock tipo años 80 prácticamente inédito en su discografía. La Canción Del Día es una las composiciones más abiertamente comerciales de Mitski y se crece especialmente en su espectacular puente instrumental.
Laurel Hell:
01 Valentine, Texas
02 Working for the Knife
03 Stay So
04 Everyone
05 Heat Lightning
06 The Only Heartbreaker
07 Love Me More
08 There’s Nothing Left for You
09 Should’ve Been Me
10 I Guess
11 That’s Our Lamp
Beach House han anunciado nuevo disco. ‘Once Twice Melody’, su octavo álbum, sale el 18 de febrero de 2022 y es doble. El dúo de Baltimore lo irá presentando a lo largo de los próximos 4 meses a través de series de 4 canciones, y la primera serie ya puede escucharse. Los siguientes capítulos de ‘Once Twice Melody’ verán la luz el 8 de diciembre, el 9 de enero y finalmente el 18 de febrero, como se ha indicado. Puedes comentar la noticia en el hilo de Beach House activo en nuestros foros.
El disco ha sido producido por Beach House por primera vez en su carrera, y ha sido grabado con una orquesta y los arreglos de David Campbell. Un adelanto de la primera pista ya se puede escuchar en las redes del grupo y nos atrevemos a decir que suena un poquito Jefferson Airplane pero en clave dream-pop, aunque habrá que escuchar la canción entera para emitir el veredicto definitivo. Os recordamos que Beach House presentarán su nuevo material el año que viene en Barcelona, en el festival Primavera Sound.
En medio de la gira de presentación de ‘1016‘, Alfred García decidió retirarse de los escenarios para cuidar su salud mental. Había perdido la ilusión por el que supuestamente era el oficio de sus sueños. Como ha cantado Billie Eilish este año: «things I once enjoyed / just keep me employed now». Los tiempos en que era un músico desconocido de jazz (o del underground) que disfrutaba tocar música sin las presiones de la industria quedaban atrás una vez salió de Operación Triunfo convertido en un icono de masas. Así que Alfred decidió tomarse un descanso, volver a casa y tratar de reencontrarse consigo mismo.
La historia suena manida, tanto como titular un disco con tu año de nacimiento, pero Alfred ha sabido sacar provecho de su «hiatus» y volver con un segundo trabajo que le coloca definitivamente en la dirección de la evolución y la madurez.
Alfred ha explicado que, si ‘1016‘ «cuenta la vida del artista» (su debut se titulaba con el número de casting con el que se presentó a la Academia), ‘1997’ «cuenta la vida de la persona, la que la gente no ve», pero ‘1997’ no es un disco conceptual aunque a veces parezca que tira por esa dirección. El góspel inicial ‘Jesus Gave Me Water’ regresa efectivamente al día de su nacimiento a través de la voz de Mercedes Cortés Alfaro, sampleada directamente de un disco de su hijo, Roberto Fonseca, el primero de jazz que cayó en manos de Alfred; y en el final de ‘For So Long’ suena una grabación de la voz de Alfred en la época en que era apenas un infante y cantaba el «cumpleaños feliz» a su madre.
Tampoco necesita ‘1997’ enmarcarse dentro de ninguna coartada sesuda. A Alfred, esta vez, le han salido bastantes buenas canciones que hablan por sí solas. Algunas huyen de la estructura típica de canción pop para fluir como el líquido que aparece en la portada del disco, como el épico pop-rock de ‘Just a Light’, que parece solo un viaje hacia el glorioso estribillo; o ‘Someday’, que se debate entre los vocoders y las texturas folk de Bon Iver y el optimismo melódico de Stevie Wonder. Es un buen ejemplo del sonido «híbrido» que presenta el largo, en palabras de su autor, pero desde luego no el único.
En ‘1997’ el concepto de híbrido también queda plasmado en las muchas colaboraciones que contiene el disco, 6 en una colección de 12 pistas. Parece darse una pequeña contradicción en el hecho de que un disco supuestamente tan personal abra su puerta a tantos invitados y, en ocasiones, Alfred se «hibrida» tanto con ellos que su firma se termina diluyendo: ‘Mi canción’ con La La Love You es un estupendo tema… de La La Love You y la canción titular, que cierra el largo, cede todo el protagonismo a los estiramientos vocales de Niño de Elche, mientras Alfred queda en un extraño segundo plano. La colaboración de Albert Pla funciona en la bonita balada tradicional ‘Si algún día’, de ecos mexicanos, pero suena forzada en ‘Contigo’ porque Denis Rosenthal acapara un lugar que Alfred podría haber usado de otra manera. ¿Quizá otorgando más espacio a los instrumentos?
A solas, Alfred no va tan cojo en el disco como pueden sugerir tantas colaboraciones o a veces también sus letras. La Americana ‘Otra Liza’ con KURT se plantea que «la vida es más precisa entre tus piernas y mis pies» en una canción que rima «pies» con «calle Tallers» y luego «calle Tallers» otra vez con «pies». Pero los textos de ‘1997’ no dan tantas ganas de salir corriendo esta vez. Las canciones espirituales tienen sentido aunque no lo parezca en un principio, pues Alfred ha recibido una educación católica, y las personales enternecen como ‘Si algún día’ cuando Alfred y Albert le piden a su «niña» que les de «su amor más sentido». La filosofía de bar de ‘Los espabilados’ sí incita a coger un avión a Neptuno, pero la lírica de Alfred ya no carga tanto con la losa de la pretenciosidad como antes.
Un ejemplo es ‘Praia dos Moinhos’, otra de esas canciones de pop-rock geográficas que tanto le gusta hacer al pop español (le falta una mención a la noche de Madrid) pero que permanece en la realidad, no en los laberintos semánticos de Izal; y la metáfora de ‘Toro de cristal‘ como persona que finge una imagen de dureza pero en realidad se rompe al primer contacto es francamente bonita aunque los ecos tropicales de la producción no sean tan atractivos. Y, al margen de las letras, las canciones de ‘1997’ ganan enteros gracias a la autoridad con las que las canta Alfred. Él es una de las voces más distintivas del pop español actual pero, en ‘1997’, con tanta gente de por medio, irónicamente no se nota tanto, aunque a veces no sea para mal.
Dean Stockwell es uno de esos personajes que puedes conocer tengas 15, 35 u 85 años. Su carrera abarca múltiples décadas. 70 años para más señas. Ha aparecido en incontables películas, series y obras de teatro como protagonista o actor secundario desde que era un niño hasta que se retiró en 2015, a la edad de 79 años. Ha vivido varios «comebacks». Hoy trasciende la noticia de que el actor estadounidense ha fallecido por causas naturales a la edad de 85 años.
Nacido en una familia de artistas, pues su padre era el actor y barítono Harry Stockwell, quien dobló al Príncipe azul en la película de Disney ‘Blancanieves y los siete enanitos’), Dean se inició en el mundo de la actuación a una edad muy temprana con el apoyo de la Metro-Goldwyn-Mayer. A los 7 años ya actuaba en Broadway y a los 11 ganó un Globo de Oro por su papel en la película de 1947 ‘La barrera invisible’, a su vez premiada con el Oscar a Mejor película.
En los 50, Stockwell apareció en la pequeña (‘Colombo’) o gran pantalla (‘Impulso criminal’) y en los 60 se entregó a la vida hippie en toda su dimensión, antes de regresar al cine en 1968 con ‘Pasaporte a la locura’. A partir de los 70 y 80 empezaría a aparecer en algunas de las cintas más interesantes de su carrera, como ‘La última película’ de Dennis Hopper, ‘Paris, Texas’ de Wim Wenders o ‘Dune’ de David Lynch, con quien volvería a trabajar más adelante en ‘Terciopelo azul’, donde protagonizó una de sus escenas más memorables versionando ‘In Dreams’ de Roy Orbison.
Otro de los papeles más recordados de Dean Stockwell le llegaría al actor en la serie de ciencia ficción ‘A través del tiempo’, que se extendió hasta las cinco temporadas, de 1989 a 1992. Precisamente la década de los años 80 se puede considerar la más gloriosa de su carrera: también en esa época su papel en ‘Married to the Mob’ le valió una nominación a los Oscar, y su trabajo en ‘Tucker’ también fue muy bien valorada. En 2015, tras sufrir un infarto, se retiró dee la actuación.
Conoces a Agnes. La cantante sueca triunfó allá por 2009 con su éxito dance-pop ‘Release Me‘, también lo hizo con el tema ‘On and On’, y además venía de ganar Idol, el Operación Triunfo sueco, en 2005. Agnes es otra de esas grandes voces del pop que han conocido éxitos y fracasos por igual, sin que la industria de la música haya sabido muy bien qué hacer con su talento. De hecho, su paso por una discográfica independiente, tras abanadonar la multinacional a través de la cual editó sus dos primeros trabajos discográficos, le dio sus mayores éxitos. Pero su último disco, ‘Veritas’, databa de 2012.
Hasta ahora. Estos días, Agnes ha lanzado su primer disco en 9 años, y ha renovado su imagen. ‘Magic Still Exists’ la postula como diva disco semi underground (aunque ella está asociada a Universal), lo cual es evidente desde que se observa la estética de su portada de peinado geométrico y hombreras, parecida a la de Grace Jones.
En lo musical, los vocoders de ‘XXX’ recuerdan a la etapa ‘Body Talk‘ de Robyn, la producción de ‘Selfmade’ le tira una caña al ‘Overpowered‘ de Róisín Murphy y el ritmo electro de ’24 Hours’ es puro Giorgio Moroder. Los temas de disco clásico, como ‘Here Comes the Night’ o ‘Love and Appreciation’, parecen hechos para una reencarnación del Studio 54 y traen a la mente, lo has adivinado, a la última Jessie Ware.
El mayor éxito de ‘Magic Still Exists’ hasta la fecha es ‘Fingers Crossed’, un tema 100% ABBA -época ‘Voulez-Vous‘- que nos vamos a seleccionar como Canción Del Día porque ya hemos hablado suficientemente de ABBA esta última semana. Nos decantamos por la que es probablemente la mejor canción del álbum en general.
‘Here Comes the Night’ es una de esas producciones de disco clásico épicas y tremebundas que parecen entregar su vida entera a la bola de luces y al altar de Gloria Gaynor. La letra nos reta a atrevernos amar: «¿hay alguien allí afuera, debajo de las brillantes estrellas? Si quieres enamorarte para siempre, encuentra el amor tras la oscuridad». El mensaje queda más que claro.
Ganar el premio Goncourt no te hace millonario –a los vencedores les dan un cheque de 10 euricos (en el Planeta te dan un millón)-, pero te asegura ventas millonarias, sobre todo en Francia. Aparte de la simbólica dotación económica, el Goncourt tiene otras dos peculiaridades: no lo organiza ninguna editorial, ni se concede a obras inéditas, solo a las publicadas ese año. Una tercera característica –esto ya lo añado yo- es que las obras premiadas suelen estar muy, muy bien: ‘El orden del día’, ‘Nos vemos allá arriba’, ‘El mapa y el territorio’, ‘Canción dulce’…
En año pasado lo ganó Hervé Le Tellier, un autor minoritario, muy desconocido en España (solo tiene una novela publicada, ‘No hablemos más de amor’), que se ha convertido en uno de los fenómenos literarios de la temporada. ‘La anomalía’ (Seix Barral) ha arrasado en Francia (más de un millón de ejemplares) y se ha traducido a medio mundo. Y, cómo no, los derechos ya se han vendido para hacer una serie de televisión.
Mejor no contar nada del argumento. Aunque la editorial lo resume en la contracubierta –la premisa es demasiado atractiva como para no hacerlo-, es mucho mejor no saber cuál es esa “anomalía” que da título al libro. Para que el lector se haga una idea sobre la novela, es suficiente con tirar al vuelo algunas referencias o conexiones que se pueden rastrear en ella: el tema del doble, las teorías sobre la realidad virtual de Nick Bostrom (muy de actualidad con el anunciado proyecto Meta de Zuckerberg), series como ‘Perdidos’ o ‘Black Mirror’, la filosofía de Platón…
En ‘La anomalía’ hay mucha mezcla de géneros, personajes y estrategias (meta)narrativas. La novela es muy juguetona e ingeniosa, como corresponde a un miembro del grupo de vanguardia Oulipo como Le Tellier (quien además es matemático). La estructura narrativa, muy coral, recuerda un poco a la comentada ‘Perdidos’. Cada pasajero del avión que aparece en la historia tiene su propio relato, y cada relato –aquí difiere con la serie de J. J. Abrams- su propio género literario: thrillerher, ciencia ficción, drama familiar, novela romántica, sátira política (aparecen Trump y Macron), metaliteratura…
La mezcla desconcierta al principio, pero funciona de maravilla. El autor consigue algo muy difícil: fabular sobre un hecho inverosímil, “imposible”, narrándolo con enorme verosimilitud; hablar sobre temas complejos, exponiéndolos de manera sencilla (el libro se lee con la claridad de un bestseller); lanzar preguntas de gran peso filosófico –sobre la identidad, la intimidad, la transhumanidad– como quien lanza un avión de papel. El libro está lleno de cuestiones existenciales y metafísicas, pero hay una que va dirigida directamente al lector: ¿qué harías tú en esa situación? ¿Cómo te comportarías si te ocurriera esa “anomalía”?
Rosalía ha anunciado que su nuevo single, ‘LA FAMA’, sale este jueves 11 de noviembre con la colaboración de The Weeknd. Se trata de la bachata que Rosalía avanzó hace unos meses en TikTok. El canadiense devuelve el favor a la catalana tras aparecer ella en un remix de ‘Blinding Lights’ que nadie pidió pero que no estaba tan mal, y que pronto cumplirá un año.
Un avance del videoclip de ‘LA FAMA’ ya puede verse en las redes de Rosalía. Presenta una estética glamurosa tipo años 30 pero en realidad se centra en una de las partes vocales de Abel Tesfaye, que canta en español «es mala amante la fama y no va a quererte de verdad». El artista, que ya había cantado en español con Maluma, presenta así su enésima colaboración de 2021, pues la semana pasada publicó un single con Post Malone.
Estos días, Rosalía ha anunciado la llegada de su nuevo disco, ‘MOTOMAMI’. El sucesor de ‘El mal querer‘ se llama como la empresa de business management que la artista y su madre han fundado recientemente, sale en 2022 y el tráiler del álbum que se ha dado a conocer avanza un sonido oscuro y urbano… aunque la bachata que Rosalía avanza ahora presenta un sonido aparentemente más amable y accesible.
Este fin de semana, Rosalía ha compartido una playlist de Spotify que reúne sus bachatas favoritas. Llamada ‘Bachateameeeee’, la lista de reproducción incluye un total de 45 canciones de artistas como Aventura, Romeo Santos o Joan Soriano y dura más de 3 horas. Y como las playlists de influencias que publicaba C. Tangana antes de lanzar un nuevo adelanto de ‘El Madrileño’, la de Rosalía también ha servido de antesala para este inminente lanzamiento.
Con ‘LA FAMA’, Rosalía parece ir a por todas con el primer single de ‘MOTOMAMI’. No repetiría la estrategia de lanzar un single rupturista como ‘Malamente‘ sino que dejaría atados dos cabos para asegurarse el éxito internacional de la canción en América Latina (sumándose a la moda de la bachata) y en Estados Unidos (colaborando con Abel Tesfaye).
La semana que viene, Adele publica su esperado nuevo disco. ’30’ sale el 19 de noviembre y los pre-pedidos de vinilos son estratosféricos, aunque Billboard ha desmentido que la británica sea la única responsable de la crisis de suministros que sufre el sector, por supuestamente «acaparar» el mercado (no lo está haciendo).
’30’ es una apuesta segura en muchos sentidos: será uno de los discos más vendidos de 2021 a pesar de salir en los últimos meses del año y su single principal, ‘Easy on Me’, que sigue en el número 1 de canciones más escuchadas en el mundo, también será uno de los mayores éxitos del año. El 14 de noviembre, es decir, el próximo domingo, se estrena en NBC el concierto especial ‘One Night Only’ en el que Adele estrenará canciones de ’30’ y será entrevistada por Oprah Winfrey.
Antes, la británica avanza un segundo tema de ’30’ a través de un anuncio. ‘Hold On’ es la pista 10 del disco y un fragmento de la misma puede escucharse en un nuevo anuncio de Amazon que habla de salud mental durante la pandemia. ‘Hold On’ es una balada al piano al que después se incorporan un organillo góspel y unas baterías muy propias de Inflo, si bien se desconoce el productor de la canción, que incluye los coros de unos amigos de Adele.
‘Hold On’ es una de las canciones que la periodista de VOGUE pudo escuchar cuanto entrevistó a la artista hace unos meses. Entonces, Adele le contaba que sus amigos cantan en la canción -en lugar de un coro profesional- porque ellos le habían animado con esta expresión presumiblemente durante los momentos más duros de su divorcio. El adelanto descubre una bonita balada de blue-eyed-soul que incluso recuerda, por sonido, al sonido de ‘Rockferry‘ de su contemporánea Duffy.
Paquita Salas ha hecho que el público tenga muy presente en sus vidas a Álex de Lucas, tanto que The Parrots, la banda a través de la cual el artista madrileño se dio a conocer, no saca disco desde hace cinco años. ‘Dos’ es su nuevo trabajo, titulado así no solo porque es el segundo sino también porque el antes trío es ahora un dúo completado por Diego García. El «tercer» Parrot esta vez es Tom Furse de los Horrors, que se ha encargado de la producción de este entretenido disco.
La nota de prensa sobre ‘Dos’ avanzaba ya una línea estilística influida no solo por el garage-rock de siempre sino por otras bandas que The Parrots han escuchado a lo largo de su vida, como «LCD Soundsystem, Gang of Four y mucho mutant disco» y también «Beastie Boys, ESG, Devo o Los Zombies». Todas estas influencias están bien canalizadas en ‘Dos’: especialmente llamativo es el torturado single con C. Tangana, ‘Maldito‘, otra canción «no sé qué es la responsabilidad emocional» de Pucho, que tira por el post-punk; y también el «groove» de ‘It’s Too Late to Go to Bed’, en el que ya se palpa la influencia de James Murphy y del dance-rock de décadas atrás.
El mayor logro de ‘Dos’ es que consigue esquivar la bala de que la producción, centrada en la creación de atmósferas pues The Parrots querían trabajar con Tom Furse por su talento para construir ambientaciones, sea lo mejor que el disco tiene que ofrecer -y es una de sus grandes bazas- con una serie de canciones que añaden potencia al repertorio del dúo. El single ‘You Work All Day and Then You Die’ se debate entre el consumo de drogas y la crítica del capitalismo y es épico, un poco Primal Scream; ‘How Not to Be Seen’ es un absoluto delirio de garage-rock y ‘Romance’ una oda a la amistad que cantar a pleno pulmón en los conciertos.
Grabado a medio caminon entre Londres antes de la pandemia, y Madrid después de la misma, lo cual da sentido al hecho de que el disco incluya pistas cantadas tanto en inglés como en español, ‘Dos’ también deja sorpresas por el camino. Tom Furse se luce que da gusto en el muro de sonido space-rock de ‘Nadie dijo que fuera fácil’, que incluye un monólogo de Álex de Lucas sobre no malgastar la vida; la balada ‘Lo dejaría todo’ es tan tierna que incorpora un arreglo de saxo hacia el final y la energía de ‘Just Hold On’ remite a los momentos más poperos de ‘Halcyon Digest’ de Deerhunter.
El punto flaco de The Parrots, eso sí, son las letras de rockero trasnochado que presentan algunas de sus nuevas canciones, como «me preguntan en la puerta que he perdido, ha sido mi amor y tu cariño» o «quiero ponerme ciego y olvidarme de quien soy, aún me queda mucho pa’ arreglarme el corazón». Escucharlas es escuchar a un grupo que idealiza la amistad, esquiva los problemas e hinca el todo todo lo que puede por supuesto como vía de escape. La barrera del idioma -el inglés- favorece sus composiciones, que cuanto más adornos tengan para distraer de los textos, mejor. Y en ‘Dos’ lo hay de sobra.
Fear Of The Dawn:
Entering Heaven Alive:
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