Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, han obtenido el premio a la mejor dirección de la 79ª edición del Festival de Cannes por ‘La bola negra’. El galardón ha sido ex aequo con ‘Fatherland’, de Pawel Pawlikowski.
Mientras aceptaban el premio, los autores de obras como ‘La Mesías’ o ‘Veneno’ han asegurado que necesitaban «un segundo para digerirlo» ya que «es un premio muy contundente». Javi Calvo ha añadido que esto «sirve como palabras de aliento del festival, que nos dice que vamos bien y que sigamos nuestras voz».
En su estreno, ‘La bola negra’ obtuvo una ovación de 20 minutos. Esta narra la historia de tres personas a lo largo de tres épocas diferentes y en la que la figura de Federico García Lorca es el centro de todo: «Al dirigir esta película, me di cuenta de que la única forma de honrar el sufrimiento, el silencio, la muerte de las personas LGTBIQ que nos precedieron, es asegurándonos de que las siguientes generaciones tengan más libertad», sentenció Ambrossi.
Hace unos días, en charla con los medios, el mismo explicaba que Lorca no es «una idea», sino «una persona»: «A Federico García Lorca lo asesinaron por maricón», denunció. Los Javis ya han adelantado que su próximo proyecto será «en inglés y en español» y que el guion será «mucho mejor».
Triángulo de Amor Bizarro celebraban recientemente sus 20 años de historia. Después de tanto tiempo, siguen sacando discos tan redondos como ‘Mi Catedral’, uno de los mejores de su carrera. Sin duda, el más refinado. Isa, Rodrigo y Rafa vuelven a entregar un disco que refleja fielmente los tiempos convulsos en los que vivimos, pero también el atracón de teoría musical que se han dado durante los últimos años.
Antes de hablar de nuestro Disco de la Semana, empezamos conversando sobre el hecho de que JENESAISPOP lleve viva prácticamente el mismo tiempo que la banda gallega: «Es un medio que siempre estuvo ahí con nosotros, y lo hicimos todo un poco a la vez», comenta Rodrigo. Este también asegura que el grupo se mantiene fiel a sus orígenes: «Seguimos haciendo los discos como aprendimos en su momento y creo que por eso llegamos hasta aquí. Siempre fuimos algo desastre, pero fuimos esquivando los baches».
Hablamos con Triángulo de Amor Bizarro sobre lo que es la música alternativa hoy en día, sus nuevos conocimientos musicales y como se reflejan en su último disco, la dificultad de hacer una canción de pop y el origen de su sonido ligado a la prensa musical.
Habéis dicho que lo habéis pasado bien haciendo este disco. No es lo normal, ¿no?
Rafa: Es que también cada disco es el momento en el que estás. Hay discos en los que igual te lo pasaste muy bien haciéndolo y con el tiempo miras atrás y dices: ostras, esa época no era tan buena como yo pensaba.
Rodrigo: Intentamos hacer igual todos los discos, pero el proceso y las circunstancias cambian porque el entorno cambia, la vida cambia y las cosas que pasan cambian. Una diferencia fue que no teníamos un ansia por hacer un disco, sino que después de la gira del 20 aniversario vimos que nos costaba un poco adaptarnos al formato de tres. Cuando salimos de ese periodo teníamos un sonido nuevo sin buscarlo. Queríamos hacer un disco clásico de rock alternativo, en una época en que eso está muy entredicho, en que hay mucha banda prefabricada, en la que está todo el debate con la etiqueta indie… El rollo de bandas, en teoría, alternativas, pero que son como boybands. No tengo nada en contra de las boybands, que me parece que hay proyectos alucinantes…
Estamos hablando de grupos que se supone que son de rock, pero no.
Rodrigo: A mí me gusta mucho el pop, pero no me gusta el intento de engañar, porque a mí no me engañan, pero de repente a un adolescente sí. Y entonces se piensa que los grupos alternativos son grupos ultracapitalistas que luchan por el éxito y lo importante es que las canciones sean comerciales. La música alternativa es todo lo contrario. Es música hecha desde la base, desde el barrio, desde los pueblos, desde la gente que no tiene estudios musicales pero sí talento y lo pueden expresar con una guitarra de 100 euros. Durante años, creíamos que era una idea que no hacía falta explicar.
Pasa un poco como con el rap. Se ha desvinculado totalmente de sus orígenes.
Rodrigo: Claro, la ostentación de los 90 era la crítica sociales, pero la ostentación de ahora es pura ostentación. No hay razón, no hay un discurso.
¿Veis este como vuestro disco más político?
Rodrigo: No había ninguna intención de ello. ‘El Gatopardo’, por ejemplo, sí que es ultrapolítico. Creo que en todos los discos hay un componente bastante político, pero en este la intención era hacer canciones.
Está lleno el disco de vocabulario como «reyes», «lacayos», «dioses digitales». ¿Creéis que ahora los reyes son Jeff Bezos y Mark Zuckerberg?
Rodrigo: Escribo contra el poder. Ahora el poder toma esa forma y está claro que después de la vuelta de Trump, de Milei, todo lo de Palestina, el mundo es diferente. Es decir, hacer un disco y obviar todo eso como si eso no estuviese ocurriendo es que es imposible. Intentar sobrevivir y llevar una vida humana en esta época era un poco la idea que iba sobrevolando todas las canciones que nos iban saliendo. Las canciones de hablar mal de gente chunga es una constante en nuestros discos. Nunca comprendí el discurso de los grupos que dicen que solo hablan de lo bueno y lo bonito porque todo el mundo habla de lo malo.
¿Quién habla de lo malo?
Rafa: Sí que me sorprende que no hay tanta gente hablando en la música abiertamente sobre eso. Hay como mucho más hedonismo. No sé, se está cayendo el mundo y tú estás ahí tomándote una copa en lo alto de un hotel.
Rodrigo: Obviamente, creo que es culpa del algoritmo. La industria potencia eso y llegamos al punto en el que parece que hay que camuflar ciertas palabras e ideas. Somos un grupo que siempre fue con el viento en contra, y yo creo que eso nos fortalece.
¿Creéis que ese tipo de música más combativa no llega o que la gente no quiere escucharla?
Rafa: Creo que no llega. Ahora es mucho más difícil salir de una burbuja en la que quizás mucha gente ni sabe que está o no es tan consciente. Me da la sensación también de que antes había mucha diversidad. Cuando empezamos, había muchos grupos que tocaban en festivales y que ahora se vería muy raro que estuviesen ahí. Todo se va homogeneizando. Y eso también es un reflejo de lo que yo creo que le pasa a la gente.
Rodrigo: No nos planteamos estas cuestiones, simplemente van saliendo en la escritura. Si nos emociona, siempre termina en canción.
«Siempre tuvimos miedo a la música académica porque tienes el riesgo de parecerte mucho más a lo que hace todo el mundo»
Y sigue siendo un disco cohesivo. No parecen ideas metidas al azar.
Rodrigo: Realmente, lo que más cambió en Triángulo, aparte de que ahora estamos en una época más optimista como banda, con más ganas y demás, es que en los últimos años aumentaron mucho nuestros conocimientos musicales. Rafa ha empezado a dar clases de batería. Isa y yo nos metimos en la Escuela Municipal de Música de Boiro, por el hecho de entrar a aprender el piano, por puro hobby. Pero claro, ahí ocurría una colisión de dos mundos. Nosotros venimos de la escuela de escuchar música y tocar. De repente, te encuentras con conocimientos musicales de clásica, de barroco… Eso nos propulsó a nivel musical. En este disco se nota a saco. Hay ideas que ya estaban ahí, pero nos costaba mucho plasmarlas porque lo hacíamos a oído y era un proceso muy largo para nosotros.
Isa: Bueno, llegábamos a otros sitios.
Rodrigo: Creo que no perdimos eso, sino que añadimos.
Isa: Lo que nos permitió también fue envolver nuestro discurso de la mejor forma. Si estamos hablando de temas más comprometidos o demás, puedes envolverlo en algo más digerible si tienes la capacidad musical.
Rodrigo: Lo principal para hacer música es escuchar música, que es cuando formas un lenguaje, cuando aprendes los códigos, cuando interiorizas de forma natural… Siempre tuvimos miedo a la música académica por eso, porque los orígenes son de cosas mucho más estándar y establecidas. Siempre hemos intentado huir de eso. Tiene el riesgo de parecerte mucho más a lo que hace todo el mundo, porque lo que hace todo el mundo es lo que está en los libros de música. Es decir, en ‘SMT’ no estábamos pensando en hacer una canción clásica, sino en The Doors, en ‘Apocalypse Now’
y en ‘La montaña sagrada’. En ese rollo de secta.
También suena a flamenco.
Rodrigo: Yo veo a Manuel de Falla.
Rafa: Suena español.
Rodrigo: Es la escala frigia dominante, que es una escala, de hecho, creo que de rollo escuela de Estados Unidos. Se usaba en Hollywood cuando las bandas sonoras querían situar algo que era de fuera de Estados Unidos, desde ‘Lawrence de Arabia’ hasta Japón, España o África. Realmente, no es una escala del flamenco. A mí a lo que me lleva es a Vietnam. Joaquín Pascual lo transformó y sí le introdujo ese componente de música clásica española.
¿Te daba miedo parecerte a los demás? Porque no se parece nada a los demás.
Rodrigo: Pues esa es nuestra mayor victoria. Le hemos metido cosas que no hicimos antes nunca, como la guitarra con palm muting. No existe en ningún disco nuestro. Es la cosa mas estereotípica del punk. Creo que es la primera guitarra con palm muting que hice en la vida.
Rafa: También es cierto que cuando vienes de hacer las cosas desde banda y local de ensayo, estás acostumbrado a darte en la cabeza contra una pared constantemente hasta que encuentras algo. Ir quitando capas, y demás, es muy intuitivo. Yo creo que siempre partimos de ahí y ni lo perdimos ni lo queremos perder.
Rodrigo: Hay un montón de músicos que tocan mucho mejor que nosotros. No tan especializados, claro. Nosotros lo que tenemos es que estamos especializados en nuestra movida. Es importante también pensar que ese ataque, esa bestialidad en la guitarra, no la aprendes en el conservatorio.
Isa: En el conservatorio no se aprende a crear, sino a ejecutar. Allí no se aprende la creatividad. Yo recuerdo cuando no hacíamos más que una nota.
Rodrigo: Si yo pudiese a día de hoy hacer todos los discos con una nota, lo seguiría haciendo.
Isa: Cuando estábamos en el taller se pasaba por ahí Tom, que era un trompetista americano de la Sinfónica de Galicia. Y venía por allí porque, claro, él se fascinaba con el morro que teníamos. Venía al local a ver si era capaz de pillar algo de improvisación y de salir un poco del rollo de tocar. A ellos les gusta la música también, pero está muy difícil hacer un solo cuando estás muy metido en la interpretación. Ahí, la parte creativa sufre un bachazo importante.
Hay quien ha dicho en nuestros comentarios que es el disco en el que mejor se os entiende lo que cantáis.
Rodrigo: A nosotros nos dijeron que parecíamos más jóvenes (risas).
Rafa: En la preproducción hablábamos de cómo hacer las cosas y queríamos que todo se entendiese bien, no tanto la voz sino todo lo que hacíamos. Eso provocó un cambio de mezcla que también le favoreció mucho.
Habéis hecho muchas cosas nuevas en este disco, como cantar juntos en ‘BBBMV’.
Rodrigo: Eso es porque aprendimos a armonizar bien nuestras voces. Siempre lo intentamos, pero claro, nuestras tesituras están bastante separadas. Fue un trabajo muy guay, pero es que eso son cosas que solo puedes hacer con determinados conocimientos musicales que fuimos aprendiendo durante estos años.
Rafa: Si no, se habrían desechado cosas en el camino.
Rodrigo: Son cosas que la gente aprende muy rápido. No es nada esotérico, pero sí es una misión que llevamos intentando desde hace mucho tiempo. En este disco lo conseguimos.
Creo que a vosotros se os da muy bien hacer pop. Canciones como ‘Diosas adolescentes’ o ‘Sacrificio’. ¿Vosotros medís el porcentaje de pop que queréis en los discos?
Rafa: Yo creo que viene a nosotros.
Isa: Sí que hay una conciencia de decir: A ver, ya hay cuatro oscuridades aquí…
Rodrigo: Nosotros hacemos exportaciones pop cuando entendemos que ese sonido nuevo ya está marcado, porque si no, entras otra vez en el estándar del pop. Tenemos las piezas, esas canciones las desmontamos y con esos hallazgos, con los elementos de esas canciones más duras, hacemos canciones pop. Ese es el proceso. Unas de las primeras fueron, a lo mejor, la de ‘Media Vida’, ‘En la Corte del E.’, ‘Este contra Oeste’… ‘La Corte del E.’ es una canción que tuvo 20 formas diferentes de música. Es decir, con esta canción vino la plantilla de la que salió todo el sonido del disco. A mí me interesa mucho, porque la composición pop creo que es una cosa ultracomplicada. Es un proceso agotador. De alguna forma tienes que sacar el sonido de canciones como ‘Sacrificio’. Tiene que venir antes esa fase de experimentación para que en una canción de pop haya algo que te suene familiar, algo que suene a nosotros y algo nuevo. Si no, es estándar.
¿Cómo se os dio la grabación de ‘Bizarre Love Triangle’?
Isa: Fue una propuesta de Sonido Muchacho.
Rodrigo: Fue en plan de: no prometemos nada. Cuando vimos que con dos acordes del piano la voz y todo ya funcionaba… Me gusta mucho ese tipo de géneros. Yo escuchaba mucho tecnopop y el rollo de sintes y todo eso. Lo que pasa es que es un proceso en el que está uno solo en el ordenador, otro mirando… De hecho, en el libro de Bernard Sumner, de New Order, se cuenta que los problemas del grupo empezaron justo cuando empezaron a trabajar así, con todos mirando mientras uno hacía algo. Lo que tenemos y que no tiene otra gente es la destrucción de guitarras.
Isa: Nuestras armas son los instrumentos, literalmente.
«Somos los alternativos de los alternativos»
Al final, es una réplica casi exacta de la original. Por eso, me recordó a la primera canción que escuché de vosotros, ‘A Cantiga de Juan C’.
Isa: Eso nos lo pidió Carmona, por el 50 aniversario del disco seguramente.
Rodrigo: En la época de ‘Salve Discordia’ quemamos el ‘Today’. Son grupos que son fuentes eternas. Claro, lo que nunca vas a poder hacer son las armonías de las voces.
Rafa: Esa canción, sin embargo, fue como muy divertida de hacer, solamente ir escribiendo la letra… Yo lo recuerdo como que fue muy rápido.
Rodrigo: Normalmente, no nos gusta mucho hacer versiones.
Rafa: Es una putada que se nos dé tan bien.
Rodrigo: Cuando empezamos, lo hacíamos porque todo el mundo hacía versiones para aprender. Pero tenemos, no sé, para dos discos dobles de versiones.
Isa: En los conciertos siempre nos dicen «tocad esto», «tocad tal». No vamos a tocar ninguna versión.
Después de 20 años, ¿pensáis o reflexionáis sobre vuestro propio reconocimiento?. Siempre habéis sido un grupo muy aclamado por la crítica, pero no tanto comercialmente.
Rodrigo: Yo creo que nacimos de la prensa musical. Somos de pueblos pequeños en los que no había escena ni nada. A veces, abría una tienda de discos. Comprar discos era difícil en la época. Tenías que ir a Santiago y la mayoría de catálogos… Entonces, nuestras fuentes musicales eran las revistas, de las que a lo mejor llegaban cuatro ejemplares al pueblo. Entonces claro, creíamos que lo normal era la música que salía ahí. Queríamos hacer música que encajase ahí porque era la que nos gustaba y de la que solían hablar bien las revistas. Y qué pasa, que yo pensaba que eso era la música que escuchaba la gente en nuestro mundo. Lo que escuchaban los chavales. Y cuando hicimos el disco fue como: no, hacemos las cosas mas raras del mundo y la gente nos quiere linchar por ello. Cosas que eran completamente normales para nosotros, para el público eran aberrantes y algo que nunca habían escuchado. Aún nos pasa a día de hoy. Ya van algunos preparados, algunos con los oídos abiertos, pero yo creo que en los festivales la mitad de la gente no se entera de lo que está pasando. La crítica musical siempre nos dio ese empuje para llegar a la gente que sí nos entiende. Si no, estás perdido en el mundo del mercado musical, porque tampoco somos un grupo con una grandísima cantidad de público.
No, pero sí existen grupos alternativos que gozan de ese éxito. Quizás fuera de España.
Rodrigo: Es que nosotros somos los alternativos de los alternativos. Yo esa etapa ya la superé cuando vi lo que escucha la gente.
Rafa: Me acuerdo hablar de Sonic Youth, por ejemplo, que nos parecía el grupo normal.
Rodrigo: Tocaban muy bien y tenían un estilo único, pero era un grupo normal y corriente para nosotros, pero bueno. Sí que tenemos fans. Lo pasamos bien en los conciertos, viene mucha gente. No podemos pedir más.
Isa: Clases de zumba a otro sitio.
Bad Bunny ya ha llegado a España. La esperada gira del puertorriqueño ha comenzado ayer ante 50.000 personas en el Estadi Olímpic de Barcelona. Se trata de la primera vez que Bad Bunny actúa en nuestro país en 7 años. De hecho, la última también fue en Barcelona, durante el Sónar de 2019.
La mayor sorpresa de la noche llegó de la mano de Bad Gyal, que acompañó a Bad Bunny en el escenario para interpretar tanto ‘Yo Perreo Sola’ como ‘Da Me’, un tema propio. Mientras, en la famosa ‘Casita’ pudimos a ver a varios jugadores de la plantilla del Barça, como Lamine Yamal, Lewandowski, Gavi, Pedri o Dani Olmo. Marc Giró tampoco se perdió la fiesta.
El recital comenzó con ‘LA MUDANZA’ y terminó con la comunitaria ‘DTmF’, entremedias repasando los mayores éxitos de la carrera del puertorriqueño, como ‘Safaera’, ‘Callaíta’, ‘Diles’ o ‘Yonaguni’. Bad Bunny aseguró sentirse «feliz de estar aquí después de tanto tiempo» y agradeció el apoyo que siempre le ha dado España: «Gracias por creer en mí antes que el resto del mundo».
Bad Bunny repetirá hoy su fiesta en Barcelona, como preparación para los 10 conciertos que tiene programados en el Metropolitano de Madrid y que comenzarán a partir del 30 de mayo. El último será el próximo 15 de junio.
La línea es la frontera internacional que separa a Estados Unidos y México, una división geográfica y política de unos 3.100 km que va desde el océano Pacífico hasta el golfo de México y marca dónde termina el territorio de un país y empieza el del otro.
Esta división imaginaria inspira ‘La Línea’, el reciente single de Julieta Venegas, incluido en su nuevo disco de raíces, ‘Norteña‘. Es la mejor canción de esta era y, a falta de que se promocione con videoclip, hoy la hacemos Canción del Día.
‘La Línea’ está marcada por una preciosa melodía cargada de melancolía y por el protagonismo de una «línea» melódica de acordeón que responde al estribillo. Dando sentido a la historia de la separación forzada entre dos personas, Venegas canta la canción junto a una voz invitada, la de Yahritza y Su Esencia, a quienes has podido escuchar recientemente en ‘La Perla‘, el éxito de Rosalía.
‘La Línea’ no oculta el dolor de la separación, pero elige transmitir esperanza y optimismo, sirviendo casi de himno. A través de una línea “amarga” y de un “triste recuerdo” que hace sentir a ambas narradoras que no hay salida para su situación, la canción se llena de esperanza y resiliencia en el estribillo, con versos como: “Te extraño tanto, no puedo sin ti / Pero tengo que seguir, tengo que seguir / Hasta el día en que vuelva a ti / Seguiré cantando”.
Venegas ha contado que ‘La Línea’ refleja el drama de las deportaciones masivas, aunque la escribió hace dos años, mucho antes de las políticas migratorias de Donald Trump. “La escribí pensando en las personas que son separadas por circunstancias fuera de su control», ha contado la mexicana en sus redes. «Es una canción de amor, pero también de dolor y de esperanza, de querer volver a estar con alguien que amamos a pesar de los obstáculos que a veces la vida y las fronteras nos imponen. Yo crecí en una frontera y toda mi vida he visto la lucha de las personas que quieren migrar, las vidas que se construyen y que, por desgracia, se ven separadas en circunstancias a veces horribles. Hoy la deportación ya no tiene que ver con algo ilegal, eso en estos tiempos lamentablemente es muy distinto. Esta historia es de dos personas que están separadas, pero que saben que un día se volverán a ver”.
Madonna y Sabrina Carpenter mantienen el top 1 de JENESAISPOP con el 46% de los votos de Instagram, seguidas por Martin, Charli xcx y Lykke Li. Las entradas más destacadas de la semana corresponden a Tove Lo y Triángulo de Amor Bizarro, directos al top 10. Aldous Harding, Avalanches y Natalie Imbruglia también llegan al top 20.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Se suele describir una canción con la etiqueta de “declaración de intenciones”, pero quizá pocas veces se ha ajustado tanto esa definición al contenido de un tema como en el que presentan Cariño hoy como avance de su próximo disco, que ya está grabado aunque aún no ha sido anunciado.
‘Odio la música’ es un manifiesto en el que Cariño exponen públicamente el agotamiento que la música les ha generado en los últimos años, unos años que no han sido fáciles en lo profesional, viéndose obligadas a promocionarse en redes, a tocar sin parar y, finalmente, a afrontar la marcha de una de sus integrantes originales, María, que en redes sociales negó que su salida hubiera sido una decisión completamente propia.
‘Odio la música’ refleja un momento de hastío temporal, no definitivo, pero sí muy real y, con toda su ironía y contradicciones, resulta profundamente humano. Además, el sonido apunta a una evolución. Hablamos con Alicia y Paola sobre ‘Odio la música’, la industria musical, el proceso creativo y qué podemos esperar de su próximo trabajo.
El mensaje de ‘Odio la música’ no tiene tanto misterio, aunque sí tiene capas por la ironía, las contradicciones de «amo mi trabajo, odio mi trabajo», «odio la música», pero escribo una canción sobre ello, que además es bastante pop… ¿Hacia dónde va la crítica de la canción exactamente?
Alicia: El odio a la música viene de muchas aristas. Trabajar de lo que te apasiona implica que en muchas ocasiones tengas que odiar tu trabajo y tu pasión, porque la industria hace que hiperproduzcas y pases por sitios por los que no pasarías si no te dedicaras a esto. Pero es un odio que viene desde el privilegio absoluto. Estamos encantadas de dedicarnos a esto, pero eso no quita que la industria tenga cosas muy negativas para el trabajador.
¿Cómo cuáles?
Alicia: La canción critica la idea de hiperproductividad: me tengo que obligar a escribir canciones, a sentir y recordar episodios emocionales. Creo que el trabajo artístico no debería supeditarse a tiempos industriales, sino a lo que te salga de dentro.
Paola: Viene también de tener que pasar por el aro con dinámicas que para mí no son correctas. Hace un año vimos cómo todos los artistas decían que no querían TikToks, pero tenemos que hacerlos para promocionarnos. O ver artistas que hacen colaboraciones con no sé qué marcas. La música la hemos amado desde pequeñas y, de repente, te das cuenta de que diferentes factores externos te producen ansiedad y malestar.
¿Cómo reconciliáis trabajar en una discográfica, la empresa, y la pura expresión artística?
Alicia: A nivel general, un artista independiente también tendría que trabajar con esas dinámicas: subir un reel diario, una story diaria, para que alguien llegue a escucharlo. Los canales para hacer llegar tu música a la gente están podridos; es llegar de una manera muy antinatural a lo que debería ser más natural.
Paola: Más que una respuesta absoluta a nada, la canción es una pregunta que lanzamos al aire. Sabemos que es algo contradictorio y la canción creo que empieza un diálogo que para nosotras es importante. Por muchas circunstancias hemos olvidado la parte artística de este trabajo, por lo que dice la canción. Esta canción nos hace abrazar la música y volver a quererla.
Alicia: Es la canción que nos hizo volver a conectar con todo. Cuando nos salió, el disco ya estaba grabado; fue en el último momento y nos hizo volver a conectar con todo el proceso de hacer un disco.
¿Hicisteis el disco entero con esa sensación dentro que después expresáis en ‘Odio la música’?
Alicia: No, es una canción de desahogo, pero para nada refleja el contenido general del disco. Es un momento de odio y hastío con la música, que también nos parece importante que quede representado porque también existe.
Paola: Por eso la sacamos ahora, sin anunciar disco. Es un poco stand alone porque, aunque está dentro del disco, tiene su propia historia y se cuenta sola. Representa lo que muchos artistas vivimos y es una respuesta a lo que hemos vivido en los últimos años.
¿Cómo suena el resto del disco? ¿Podéis avanzar algo?
Alicia: Es un disco con cierto peso dramático, que tiene duelo. Más que maduro, es más orgánico y sincero. Hemos intentado que sea muy sincero, no tratar demasiado los sonidos, que salgan como salieron en la grabación. Intentar ser lo más honestas posible porque es lo que le pedimos nosotras a la música: honestidad y naturalidad. El sonido no es tan oscuro como ‘Odio la música’, pero nos parecía un buen inicio sacar una canción que más que una afirmación es una pregunta: ¿estamos de acuerdo en que la música sea esto?
Paola: Durante el proceso como banda siempre hemos intentado mejorar, que las grabaciones mejoren, tomas perfectas, mucha edición, autotune… Y con este disco lo que hemos querido es abrazar el fallo, comprender que la música está hecha por nosotras y que no vamos a pretender ser una IA. Queremos huir de la perfección y que la música, aunque tenga fallos, tenga alma. Todo el disco ha sido jugar al error, tocar y tocar hasta que algo nos hiciera clic para grabarlo.
María se fue de Cariño. Ella decía que no fue una decisión del todo personal suya. Sin intención de entrar demasiado, entiendo que esa experiencia ha influido en parte en la creación de esta canción.
Paola: El odio a la música ya venía de antes. Estábamos todas al límite de encontrarnos muy incómodas con la banda. Lo que esta canción nos ha aportado es una paz de decir: pase lo que pase, la música es nuestra. Respecto a lo de María, hay cosas de las que solamente ella puede hablar. Nosotras dimos una explicación a nuestros seguidores, que es lo que creíamos que debíamos hacer, y por esa parte está explicado.
Sí habéis anunciado que habéis hecho un disco. Habéis estado en Abbey Road, ¿verdad? Habéis trabajado con Pete Robertson, que ha trabajado con Beabadoobee, Hinds y otra gente. ¿Cómo ha sido trabajar con él? ¿Qué ha aportado al sonido o la narrativa del disco?
Alicia: En diciembre fuimos a Abbey Road a hacer una prueba con Pete porque no sabíamos si le iba a gustar el proyecto o si íbamos a encajar creativamente. Fuimos a probar un par de días y justo escribimos ‘Odio la música’ y otra canción. Con ‘Odio la música’ supimos que teníamos que trabajar con él porque consiguió dar la sensación que estábamos buscando: una especie de oscuridad, pero a la vez un sonido superpop. Ahí nos convencimos de que Pete tenía que ser el productor del disco.
«Los canales para hacer llegar tu música a la gente están podridos; es llegar de una manera muy antinatural»
Me llama la atención cómo se repite el estribillo al final, como si fuera un mantra. Me recuerda a esos estribillos infinitos de los 2000 que al final te dejan hipnotizado. ¿Fue idea vuestra esta intención tipo mantra o hipnótica?
Alicia: Justo ahí Pete aportó mucho. Al principio no nos convencía porque se nos hacía pesado, pero fue totalmente un acierto. Pete es súper espiritual, una especie de gurú del pop. Conectas con él desde un punto muy espiritual y lo convirtió en un mantra. Te ayuda a conectar porque puedes escribir una canción en tu casa, pero llegas al estudio y la parte técnica te hace desconectar. Él te hace estar conectada con la canción todo el tiempo, al grabar los instrumentos o la voz. Esta canción parecía más tonta, aunque tuviera un mensaje potente, y gracias a ese trabajo de permanecer conectadas con el concepto consiguió darle la sensación que queríamos transmitir.
Paola: Íbamos a Abbey Road con los brazos abiertos, sin saber muy bien qué iba a pasar. Pete nos drenó emocionalmente y nos guió. Entendía perfectamente lo que estaba en la cabeza de cada una. La energía era espiritual; pasó una magia, algo raro. Empezamos a estar muy conectadas. Todo fluía muy rápido y fácil.
Alicia: Es un brujo.
¿Este desgaste profesional lo percibís en la industria a vuestro alrededor? ¿Artistas, profesionales…? ¿Esperáis que la canción se entienda?
Alicia: No necesariamente artistas; todos los trabajadores de la industria. Periodistas musicales imagino que también. Cualquier persona que se relacione laboralmente con la música llega a un punto de hastío. Sientes que todo se desvirtúa. Este disco nos ha salvado de odiar la música de verdad. Paola y yo estábamos muy desconectadas. No escuchábamos casi música, no me interesaba nada.
Paola: Yo quería trabajar en una oficina, imagínate. Quería tirar mis auriculares a la basura y bajarme de todas las suscripciones. Pero es imposible: hay una obligación a escuchar, también en TikTok o Instagram. Te das cuenta de que la música, tal y como la entendemos, se ha convertido en puro contenido.
¿Cuáles son vuestros escapes de la música?
Alicia: Tenemos nuestros hobbies. Yo intento irme al campo todo lo que puedo. Me encanta la imagen, escribir historias sin tener ruido alrededor. Con las canciones también cuentas historias, pero contar historias sin música me interesa y es algo que practico.
Paola: A mí me salvó el ambient. Hace un año y medio solo podía escuchar eso porque era lo único que me entraba. Yo quiero hacerte una pregunta: siempre he visto a mi padre escuchando las mismas canciones. Tenía su pendrive con canciones de cuando era joven, como Spandau Ballet. No entendía cómo podía escuchar siempre lo mismo y me preguntaba si yo llegaré a un punto en el que me deje de emocionar escuchar música nueva y solo pueda escuchar la música que me conecta. Tú escuchas mucha música: ¿descubres canciones ahora que te hacen sentir como cuando descubrías música de joven o sigues atado a Sum 41?
Eso sería imposible porque escucho tanta música… Pero sí he tenido experiencias de conectar con discos recientes que me han hecho sentir como cuando era adolescente descubriendo música por primera vez. Por ejemplo, el disco de Ethel Cain, ‘Preacher’s Daughter‘, me llegó muy adentro. Sí es posible conectar así con música nueva, pero creo que hay que exponerse, perder prejuicios y no caer en la nostalgia de «antes era mejor». Si te gusta la música, descubrir música nueva es casi una necesidad, porque la sensación de descubrir algo nuevo es muy gratificante.
Alicia: Con este disco queríamos descubrir nueva música pero, a la vez, hacer algo que sonase a 2000-2010. Hemos hecho mucha investigación musical, pero sobre todo de música antigua, aunque fuera música nueva para nuestros oídos.
¿Qué música?
Alicia: Todo el indie de 2010. Hilary Duff, de repente, ha influido un montón. En 2010 recuerdo estar completamente apasionada por la música, así que ha sido natural buscar las referencias ahí.
Paola: La primera referencia fue Hilary Duff, aunque no para esta canción. Creo que los mejores discos se hacen respondiendo a esa niña interna que tienes dentro.
¿Os sentís desconectadas de la música justo cuando os dedicáis a ella?
Paola: Inevitablemente sí. Por eso te hacía esa pregunta: no sé si tengo yo un problema o es normal. Creo que tiene que ver con el cansancio mental y creativo de la industria. Yo, al haber pasado tantos años alejada, he redescubierto que en realidad amo la música.
«Somos conscientes de que se nos puede juzgar por quejarnos desde el privilegio, pero cualquier intención artística va a provocar una agitación»
¿Os habéis saturado demasiado haciendo demasiados conciertos o lo habéis conseguido equilibrar?
Alicia: En Cariño no hemos sabido autocontrolarnos en el aspecto de los directos, pero a la vez esta es gran parte del problema de la industria: un artista, a día de hoy, solo puede vivir de los conciertos que da. Si nos queríamos dedicar a esto, teníamos que estar tocando todo el rato. No nos hemos dado el lujo de parar porque tampoco existe otra opción. Era tocar o buscar otro trabajo y que la música fuese un hobby. Pero ya que hemos conseguido dedicarnos a la música, que es un sueño sin duda, solo nos podíamos mantener tocando sin parar. Si tocas cada fin de semana en un pueblo de España, al final pasa factura.
¿Este disco pensáis girarlo de una manera más equilibrada?
Alicia: Ahora llevamos tiempo sin tocar y nos apetece volver a la rueda extremadamente. Ya nos tragaremos nuestras palabras.
Lo identificable de esta canción es que no intenta dar un mensaje súper rotundo, juega con la contradicción, y así es la realidad.
Paola: Somos conscientes de que se nos puede juzgar por quejarnos desde el privilegio, pero cualquier intención artística va a provocar una agitación.
Alicia: Yo me siento súper agradecida, pero eso no quita que haya momentos en los que fantasee con sacarme un curso de jardinería y dejar todo atrás.
Tiene que haber un margen para que os podáis quejar.
Paola: Y también está la intención de desmitificar al artista. A la industria no le interesa que el artista baje y cuente las realidades de la industria.
Fontaines D.C. volverán a España este agosto para una breve gira de tres fechas. La banda irlandesa actuará el 8 y el 9 de agosto en Baluarte de la Candelaria (Cádiz), el 11 de agosto en Muelle Live (Alicante) y el 13 de agosto en Ciudadela (Pamplona). Las entradas, a la venta en este link.
El grupo ha compartido el anuncio con un mensaje dirigido a sus seguidores: «Estamos deseando volver a este país que siempre ha sido tan especial para nosotros». La banda, que tiene un integrante español, añade que España es «un lugar que siempre ha sido especial» para ellos. Actualización: Las entradas para el Baluarte de la Candelaria han durado 5 minutos (primer día) y 1 hora (segundo día). Las últimas entradas para Alicante y Pamplona están disponibles.
Fontaines D.C. siguen presentando ‘Romance‘, uno de los mejores discos de 2024.
Hoy, 22 de mayo, salen nuevos discos de María José Llergo, Bleachers, Ed O’Brien (de Radiohead), JPEGMAFIA, Greeicy, Alela Diane… y el minidisco de Naiara, que comentamos con su autora en portada. También hay discos de Bladee y La Estrella de David, y salen EPs de Shego y Chica Sobresalto.
El single destacado hoy en portada es el de Charli XCX, pero también nos ha gustado mucho el de Olivia Rodrigo, y vemos que a vosotros también. Otros sencillos notables son los que avanzan por primera vez los próximos discos de Anni B Sweet, Barry B y Cariño. Entre los “second singles” disponibles hoy, el de Lola Indigo.
Además, hay novedades muy interesantes en el pop internacional de artistas como Kelsey Lu, Channel Tres, Blondshell, Lauv y Vince Staples. La música nacional deja interesantes novedades de Vangoura, ABHIR con Ralphie Choo, Sistema Nervioso, Alba Morena, El Último Vecino, DORA o FUTURACHICAPOP. Además, tenemos singles televisivos de Amaral y Kylie Minogue.
En otro orden de noticias relacionadas con la entrega este jueves de los premios Ivor Novello en Londres, Harry Styles ha tenido el “honroso y terrorífico” papel de entregar un galardón a Thom Yorke. Durante su discurso, el cantante se ha deshecho en elogios hacia el influyente líder de Radiohead, destacando la capacidad de Yorke como compositor para “transmitir lo que a veces significa ser humano”, al tiempo que lo describe con imágenes como “un alienígena”, “un fantasma acechante” y “un profeta enfadado”.
El momento más curioso de su intervención llega cuando Styles habla de lo profundamente personal que ha resultado la música de Radiohead en su vida, en concreto en su vida sexual. Afirma que perdió la virginidad escuchando a la banda y menciona el tema exacto, que no puede ser más improbable: ‘Talk Show Host’, la famosa cara B de ‘Street Spirit (Fade Out)’ que apareció en la banda sonora de ‘Romeo + Julieta’.
“Perdí la virginidad con ‘Talk Show Host’. Perdí la virginidad con la intro de esa canción”, cuenta Styles, que por alguna razón continúa hablando del poder casi espiritual de la música de Radiohead: “La obra de Thom es música que se siente. Siempre ha sido para mí una experiencia algo religiosa. Religiosa en el sentido de que la comprensión parecía ir en ambas direcciones. Siempre sentí que podía entender de forma única al autor de estas canciones, y que por fin alguien estaba capturando lo que a veces significa ser humano. «Gracias a Dios a alguien se le ha ocurrido esto», solía pensar”.
Styles continúa señalando que no puede “exagerar” la influencia que la música de Radiohead ha ejercido en su “creencia en el propósito del arte», ni la influencia que la música de Yorke sigue teniendo él, antes de afirmar que “sin Exit Music (For a Film) no existiría ‘Watermelon Sugar’”. Es decir, su canción sobre el cunnilingus. ¿Es esto humor británico o va en serio?
Yorke, presente en la ceremonia -de hecho posó con Styles en una foto-, aprovechó su discurso de agradecimiento para criticar a la industria musical y su “fijación con el precio de las acciones de los servicios de streaming a costa de los artistas: recordad, sin nosotros no sois nada”. Además, interpretó ‘Jigsaw Falling Into Place’ y un nuevo tema supuestamente titulado ‘Space Walk’.
Rosalía ha sido una de las artistas galardonadas este jueves en la gala de los premios Ivor Novello, que reconoce a los mejores compositores de la industria musical. Entre las galardonadas con este prestigioso premio se encuentran también Lily Allen, CMAT o Sam Fender, mientras que George Michael ha sido convertido miembro de la Academia de forma póstuma.
Rosalía, que se encuentra actualmente en un descanso de su gira LUX, ha asistido al Grosvenor House de Londres para recoger el premio a Compositora Internacional del Año, por el extraordinario ‘LUX‘, y su discurso está siendo especialmente comentado por el momento en que señala la desigualdad de la industria musical.
Agradeciendo el premio, subraya su propio privilegio, afirmando que hay “innumerables autores brillantes que no serán reconocidos como merecen porque no son europeos blancos de clase media, cuya crianza ha sido lo bastante estable como para convertir un atisbo de talento en una carrera de éxito”. Mientras el público aplaude, detrás de ella, a Damon Albarn se le dibuja una sonrisa.
Durante el discurso, asegura que la idea de escribir un cuarto álbum le “aterrorizaba” por la presión que sentía de “ese monstruo insaciable, comúnmente conocido como la industria musical”, recordando que lo trabajó durante tres años, y ha indicado que “ni en sus mejores sueños” habría imaginado recibir semejante distinción.
Como señala 20 Minutos, Rosalía es la primera artista española que recibe el prestigioso premio Ivor, aunque no la primera hispanohablante, ya que Shakira lo obtuvo en 2022.
Britney Spears fue detenida en marzo por conducir bajo los efectos del alcohol, y ahora el vídeo policial de su arresto ha sido publicado por las autoridades estadounidenses. Varias imágenes del material han comenzado a circular en redes sociales, dentro de un vídeo obtenido por The New York Times que incluye hasta tres horas de grabaciones.
En las imágenes, Spears responde de forma confusa a las preguntas de los agentes, alternando frases incoherentes, cambios de tono y acentos. También insiste en que estaba bien para conducir, a pesar de que la policía la había detenido por circular de manera irregular entre carriles.
El vídeo recoge además momentos surrealistas, como ese en que la cantante ofrece a los agentes ir a su casa, comer lasaña y usar su piscina, mientras se niega durante varios minutos a salir del vehículo. Según el informe, su actitud y sus respuestas llevaron a los oficiales a concluir que se encontraba bajo la influencia combinada de alcohol y un estimulante. Por otro lado, quizá las imágenes no son tan «erráticas» y alarmantes como titulan los medios.
Durante la detención, el agente afirma haber detectado olor a alcohol en el coche. Spears contesta: “Probablemente puedo beber cuatro botellas de vino y cuidarte. Soy un ángel”. El informe detalla que Spears declaró haber tomado tres medicamentos recetados ese día, incluidos Prozac y Adderall.
Tras la detención, Spears fue liberada a la mañana siguiente y aceptó un acuerdo de culpabilidad por un cargo menor, evitando así prisión adicional. El pacto incluye 12 meses de libertad condicional y la obligación de completar un programa de rehabilitación de tres meses por abuso de sustancias. Spears ingresó voluntariamente en un centro de rehabilitación a mediados de abril y abandonó la clínica a finales de mes.
Olivia Rodrigo ha publicado el segundo sencillo oficial de su nuevo disco, ‘you seem pretty sad for a girl so in love’. La canción se titula ‘the cure’ y todos hemos pensado lo mismo al leerlo: ya son demasiadas referencias a la banda de Robert Smith.
Se sabe que la autora de ‘GUTS’ es una gran fan de The Cure, refiriéndose a Smith como su «héroe personal» y llegando a cantar con él en el escenario de Glastonbury el año pasado. Juntos interpretaron ‘Friday I’m In Love’ y ‘Just Like Heaven’. A su vez, es justamente esta canción la que la artista mencionaba en ‘drop dead’, el primer single de su álbum.
Sin embargo, ‘the cure’ no se inspira tanto en The Cure a simple escucha, sino en el sonido del indie folk más emo de los años 2000, pero llevado al terreno emocional de Olivia, que utiliza metáforas médicas de «antídotos», «toxinas» o «veneno» para narrar una historia de inestabilidad emocional. La letra incluye la expresión “I’m unraveled”, que da título de la gira de Olivia, que pasa por España el año que viene.
A lo largo de cinco emocionantes minutos, Olivia entrega un inesperado slow burner casi anticomercial y que, con solo guitarra y voz, va construyendo pacientemente la tensión hasta que la canción explota en un final con batería y orquesta. Olivia describe ‘the cure’ no solo como una de las mejores canciones que ha escrito nunca, sino también como su favorita del disco. Sin duda, es una de sus mejores composiciones.
Actualización: La canción ha logrado alcanzar el top 1 en el Global de Spotify y se mantiene fuerte en el top 3 en su tercer día de vida. Además de su espectacular vídeo con «plot twist» dejando atrás el pasado, la cantante ha compartido un vídeo en directo exclusivo para Spotify.
Aunque este es el segundo single del proyecto, Rodrigo también desveló en SNL la canción ‘begged’, con coros de Weyes Blood incluidos. El nuevo disco de Olivia Rodrigo estará disponible el 12 de junio en todas las plataformas.
Charli xcx ha inaugurado recientemente una nueva era con el lanzamiento de ‘Rock Music‘, un tema atrevido aunque corto, que no ha entusiasmado a su público. Charli comparte ya un segundo single, ‘SS26’, que promete reconciliarla con el público.
Las siglas de ‘SS26’ responden a la frase ‘Spring Summer 2026’ y la canción sigue la línea de ‘Rock Music’ pero se sostiene en una melodía más desarrollada y accesible. De estructura menos disruptiva que la de ‘Rock Music’, ‘SS26’ afirma la reinvención rock de Charli xcx en una canción que apunta a la atemporalidad de los clásicos en melodía e instrumentación.
La letra la había publicado ya la propia Charli en su perfil de Substack, donde de vez en cuando comparte alguna reflexión en forma de artículo. El texto de ‘SS26’ parece una crítica irónica y distópica del mundo del entretenimiento y la sociedad contemporánea, llevando el concepto de ‘Rock Music’ más allá.
El texto, cargado de ironía, se sitúa en un contexto apocalíptico (“When the world is gonna end no hope for any of it”) para construir un retrato cínico del mundo contemporáneo y su obsesión con las celebridades, la fama y el culto a la imagen personal.
La letra incluye críticas a la superficialidad de la moda (“Yeah we’re walking on a runway that goes straight to hell”) y a la cultura de la cancelación (“I was hacked / It was taken out of context obviously”), así como a la lógica de la disculpa obligatoria publicada para salir del paso, representada en la banal imagen de una «disculpa escrita en el blog de notas del móvil».
Entre los versos más llamativos destaca aquel en el que la artista alude al uso de la identidad como herramienta de branding comercial (“Think my politics could work as a press strategy / And my heritage could give me quite the USP”), en una reflexión sobre cómo lo personal se convierte en estrategia de marketing. Aunque quizá el más destacado sea aquel en el que se afirma que ya «ni la música, el cine o la moda podrán salvarnos». Para Charli, no solo ha muerto la pista de baile, sino también la cultura misma.
El contraste entre la ternura y vulnerabilidad que desprende la melodía y la crudeza de la instrumentación, que incluye capas de guitarras fuzzy, bajos crudos y al final también cierta pátina hyperpop en producción, no solo es deliberado, sino que se explica en la letra, también. Charli, destripando el sistema desde dentro
Naiara fue la ganadora de Operación Triunfo 2023. Destacando por su potentísima voz, la artista zaragozana dio una de las actuaciones más memorables de la edición con su versión de ‘Gata Bajo La Lluvia’, de Rocío Dúrcal. Justamente, mañana lanza ‘La Española’, su primer EP con Universal, en el que homenajea a las grandes de la música española, desde Las Grecas hasta Rocío Jurado. Con esta, se atreve a versionar uno de sus mayores himnos.
Desde su salida del concurso, Naiara ha lanzado varios singles con los que ha probado diferentes estilos dentro del pop contemporáneo, desde el electropop de ‘Tienes Que Saber’ hasta el pop urbano de ‘Enlokiá’ o ‘Veneno’. Sin embargo, con la salida de este EP, asegura que ha encontrado el sonido que mejor la define.
Hablamos con Naiara sobre el «largo y duro» proceso de creación de ‘La Española’, el papel de las folclóricas en su vida, encontrar un sonido propio y la gira que canceló el año pasado.
Como estamos aquí en el Candela, te quería preguntar qué te transmite un lugar tan icónico.
Sí, pensar que por aquí han pasado tantos artistas que admiro… No sé, es un cúmulo de emociones y sensaciones increíbles, la verdad.
Tu primer EP, tu primer proyecto como tal, está al salir. ¿Cuáles son las sensaciones?
Tengo muchísimas ganas y muchísima ilusión. Hemos puesto todo el amor, la delicadeza y el cariño, tanto mi equipo como yo. Al final, este camino ha sido un poco largo, un poco duro, pero gratificante a la vez. Creo que tengo entre manos algo que para mí me representa y me define como artista, que tiene un peso. El conjunto de todo lo que es ‘La Española’ creo que me identifica a más no poder.
¿Por qué dices que ha sido largo y duro? ¿Cuáles han sido las complicaciones?
Más que complicaciones, digamos que lo difícil ha sido el hecho de encontrarme artísticamente. Vengo de una orquesta en la que he cantado absolutamente todos los estilos. Entonces, vale, he cantado de todo, pero, ¿qué quiero proyectar yo como artista? Para llegar al acierto ha habido muchos errores. He hecho muchas canciones que nunca van a ver la luz. Me ha costado encontrarme, realmente. He necesitado mis tiempos, he necesitado quitar capas de mí, silenciar todo el exterior, el ruido y simplemente enfocarme en lo que yo quiero ser. Mirar atrás, de dónde vengo, mis orígenes, mis raíces…
Los singles que has sacado hasta ahora van desde el pop italiano hasta la bachata. ¿Te refieres a este proceso?
Los singles que he ido sacando también forman parte de mí. Son canciones que me encantan y que tampoco descarto seguir haciendo, porque para mí la música es diversión, es jugar con ella. No me quiero cerrar solo a una cosa. Para mí, sería superaburrido hacer solo una cosa. Los singles que he ido sacando… Ahí están. Digamos que mi proyecto quería que fuera algo más sólido, con un peso diferente, con una historia, con un porqué. Luego, en cuanto a los singles, pues no descarto hacer un reguetón, no descarto hacer una bachata otra vez. O sea, en eso estoy abierta completamente.
«Me considero una mujer superespañola y superorgullosa de dónde vengo»
¿De dónde viene ese título tan grandilocuente?
El título es potente. Yo me considero una mujer superespañola, estoy superorgullosa de dónde vengo, del país en el que he nacido, de nuestras costumbres, de las mujeres españolas, que somos las mejores, y de esa forma que tenemos de hacer las cosas con tanta pasión y tanto poder. El título viene de una sesión de estudio que tuve hace un montón de tiempo con un compositor que se llama Yassir y él cantó un trozo de una canción que estábamos componiendo y la frase era como: «Entra el club y se quedan mirando porque todos quieren con la española». Entonces, dijimos:»Wow, la española» y ahí se quedó. Al tiempo, pensé que era un nombre que me encantaría para un proyecto, porque yo no me puedo sentir más española.
O sea, que fue tu primera opción.
Siempre ha sido ‘La Española’, siempre.
Es un homenaje a las mujeres españolas pero también a su música. Sampleas a Las Grecas, versionas a Rocío Jurado… ¿Qué papel ha jugado esta música en tu vida?
Desde que tengo razón de ser, en mi casa se escuchaba a Isabel Pantoja, a Rocío Jurado, a Las Grecas… Yo las veía en la tele y las imitaba. Me ponía como una manta haciendo que era una bata de cola y me ponía a bailar. Y en este proceso de creación, al poder quitarme esas capas y escucharme a mí misma y saber por dónde quiero llevar mi proyecto, yo decía que esa es la música que a mí realmente me ha llenado. Yo quería ser una folclórica con tatuajes.
¿Cómo te enfrentas a hacer una versión de una canción tan grande como la de Rocío Jurado, ‘Como Yo Te Amo’?
Con mucho orgullo y con mucho amor. Al final, siento que esa canción la quiero dedicar a todas las mujeres españolas y en concreto a Rocío, que siento que ha abierto mucho camino a las siguientes que han ido llegando después. Es como una canción de amor hacia las mujeres, hacia mí y hacia todas las mujeres españolas.
¿Qué tal ha sido trabajar con Alba Morena en la composición y Rico Rosa en la producción?
Es superfácil trabajar con ellos. Yo siempre traigo lo que es el boceto de la canción, con algo escrito y tal, y desde ahí vamos desarrollando las ideas. Alba es una compositora increíble y Rico es un productor maravilloso. Realmente, con él encontramos el sonido de todo. Ha sido un punto de inflexión en mi proyecto.
¿Crees que un artista debe encontrar su sonido?
Creo que de alguna manera es importante, porque muchas veces, o yo por lo menos, escuchas una canción durante tres segundos y ya sabes de quién es por cómo suena. Eso es lo que me gustaría conseguir a mí, que la gente supiese cómo suena un tema mío. Creo que es importante encontrarlo, pero es complicado. He estado mucho tiempo buscándolo, pero bueno. Trabajando, con esfuerzo y ganas, todo es posible.
¿Es algo difícil de forzar no?
Más que difícil, es un tema de constancia. Es ponerte, y ponerte, y ponerte, y guiarte por lo que te gusta, lo que no te gusta… Ir probando. Para llegar al acierto hay que pasar por muchos errores.
«Las mujeres españolas somos las mejores»
Todos los que habéis salido de OT 2023 y de las ediciones posteriores os habéis enfrentado a una industria muy diferente a la de hace unos años. ¿Qué es lo que más te sorprendió al salir del concurso?
Todo en general. Ir de la mano de una compañía tan grande como Universal es un apoyo muy grande. Yo, la verdad, no tengo ninguna ninguna queja. A mí me han ayudado un montón, me escuchan, me apoyan y… No sé. Hay muchas cosas con las que lidiar, obviamente, pero estoy contenta.
Si no hay quejas, todo bien.
Y si las hay, no te lo voy a decir (risas).
Cuando saliste, además, saliste como la ganadora del concurso. Seguro que tiene un lado complicado.
¿Complicado ganar un concurso de 14.000 personas? ¿Ganar 100.000 euros? Para mí, lo complicado ha sido gestionar más lo que es toda la vida que se te viene tan diferente, pero la oportunidad para mí ha sido maravillosa. Ha sido un punto de inflexión en mi carrera. O sea, si no hubiera pasado por OT, quizás no estaría ahora mismo aquí.
Obviamente, mucha gente te diría que no tienes nada de lo que quejarte, pero gestionar todo eso seguro que no es fácil.
Te cambia tanto la vida que hay muchas cosas con las que lidiar, muchas cosas de las que aprender a gestionar, muchos estímulos en muy poco tiempo… Pero bueno, estamos hechas para todo lo que venga.
¿Cómo te centras al salir de OT, al encontrarte con todo esto?
Para mí, la mejor manera de estar tranquila, feliz y que todo esté en orden es estar con mi gente de siempre. Mis amigos de toda la vida, mi familia, mis hermanas, mi madre, mi abuela, irme al parque a comer pipas con mis amigos, hacer las cosas de siempre… No hago nada diferente a lo que hacía antes.
«La orquesta ha sido la etapa en la que más feliz he estado en toda mi vida»
Me hizo gracia lo que dijiste en el programa de Ana Milán, cuando contaste que no fuiste a la actuación de los Juegos Olímpicos de París con OT porque habías jurado ir a las ferias de tu pueblo para ver la orquesta en la que trabajabas.
Yo qué sé. A veces, me dejo guiar por lo que me dice mi corazón y me siento muy responsable con mi trabajo, pero eso fue algo que se decidió de una manera que para mí no fue la mejor ni la correcta. Creo que el trabajo se habla en privado, no delante de cámaras como en el concurso. Yo hubiera dicho que no si me hubieran preguntado por detrás, claro. Hubiera dicho que no, pero no por nada, sino porque estábamos recién salidos del concurso y necesitaba un poco de aire, de estar con mi gente y además es que hice una promesa. Y cuando prometo algo, lo cumplo.
Me imagino que mereció la pena.
No me arrepiento en lo más mínimo.
¿Cómo es la vida de cantante de orquesta?
Muy caótica. Hay que estar viajando todo el día, de aquí para allá, y son muchas horas encima de un escenario. Es duro, pero es muy divertido. La orquesta me dio todo lo que he aprendido. Fue como mi escuela. Es que eran 150 actuaciones al año, imagínate. Y estuve ahí casi 10 años. Es mi familia. Lo digo muchísimas veces, que si tuviera que volver, volvería orgullosa y con la cabeza bien alta, porque yo he sido muy feliz. Creo que ha sido la etapa en la que más feliz he estado en toda mi vida.
Cancelaste una gira porque dijiste que no la querías hacer sin un disco. ¿Habrá gira de ‘La Española’?
De momento, ‘La Española’ sale hoy. Lo que venga en el futuro, ni yo lo sé.
El homenaje de Julieta Venegas a la música norteña y a su infancia en Tijuana no es tradicionalista, en el sentido de que Venegas no ha tratado de hacer un disco folclórico al uso, sino que ha captado un aire norteño, pero a su manera y desde su propia perspectiva biográfica. De hecho, el lanzamiento de ‘Norteña’ coincide con el de su libro de memorias, y Venegas cuenta que ‘Norteña’, el disco, no es más que una autobiografía musical.
Esta huida de la rigidez folclórica se ve compensada gracias al enfoque pop de Venegas y a su exquisito gusto como compositora. Las canciones de ‘Norteña’, con un enfoque muy narrativo en sus letras, cuentan historias de idas y venidas, de reencuentros y despedidas, y captan un aire colaborativo evidente en artistas invitados y en la expansiva instrumentación.
Una abundante variedad de cuerdas, metales, el icónico acordeón de Venegas y otra multitud de timbres pueblan el universo de ‘Norteña’, mientras las letras exponen emociones sinceras, pero siempre de forma adulta e inteligente. Venegas afirma que el retorno a las raíces es una “reacción al mundo tecnológico”, y su respuesta es ‘Tiempos dorados‘, un regional mexicano arropado de requinto y trompeta, que imagina una vida menos secuestrada por la inmediatez: “que vuelva el misterio y el aburrimiento, el no saber nada”, clama. La amistad es un tema recurrente: en ‘Tengo que contarte’ se describe el apoyo entre dos amigas, siempre desde una positividad en la que la tristeza nunca se nombra directamente, solo se habla de “algo parecido”, y la pista menor ‘Amigas’ cuenta una reunión entre dos amigas, con una querencia más orquestal.
El disco de Venegas llega en un tiempo extrañamente oportuno debido al drama de las deportaciones del ICE en Estados Unidos, pero ‘Norteña’ no responde directamente a esta situación ni la explota vendiendo drama barato; de hecho, la canción más explícitamente dedicada a las deportaciones de inmigrantes, ‘La Línea’ (la que separa las fronteras), se escribió hace dos años. Un dueto con Yahritza y Su Esencia, ‘La Línea’ transmite en realidad toda la esperanza posible, mientras el conjunto del estribillo vocal y la línea melódica del acordeón, cargada de melancolía, construye un nuevo clásico de Venegas que pocos han visto venir.
Venegas entrega dos cumbias como dos soles, ‘Leyendas de Tijuana’ y ‘Volver a ti’, que con ecos fronterizos, reiteran la temática de regreso al hogar o al encuentro de una persona amada. No todo el disco sigue su mismo nivel, ya que en la segunda mitad de ‘Norteña’ encontramos canciones sólidas, pero no igual de brillantes, como la exultante ‘Caprichos del azar’, emotiva en su retrato de un reencuentro; o ‘Esquina del mar’, que habla de mudarse a otro país en busca de nuevas oportunidades, manteniendo siempre el sabor optimista del disco. El verso “cruzamos la línea, fuimos a buscar a nuevas ciudades” conecta directamente con ‘La Línea’, fortaleciendo esa línea narrativa y conceptual del proyecto.
Ni la alegre ‘Terca’ ni la festiva ‘Te celebramos’ construyen los momentos más memorables del álbum, pero ‘Norteña’ es capaz de ganarte desde otros lados, no solo a través de la franqueza emocional de sus letras, sino también a través de su cuidada estructura narrativa, también reflejada en lo instrumental: no puede ser casualidad que el folk de cámara de ‘Callaron las canciones’ marque el ecuador del álbum, con su tono taciturno e incluso oscuro, y que de ahí pasemos a ‘Terca’ recordando la infancia, despejando ese misterio previo. ‘Norteña’ es viaje y retorno, a la vez.
Kesha sigue inmersa en su etapa independiente, una fase que hace un par de años le dio un minihit viral en redes, la literalmente increíble ‘Joyride‘, y que consolidó con la edición de un álbum más que correcto, titulado simplemente con un punto. Una idea que la italiana MYSS KETA ya había explorado años atrás, pero que Kesha, gracias a una mayor visibilidad y a la interesante dirección artística del proyecto, supo hacer suya.
La carrera de Kesha continúa ahora con el lanzamiento de un single de estética igual de disruptiva, aunque quizá no tan sorprendente como ‘Joyride’. ‘Origami’ sí lleva el sonido de Kesha a un terreno menos habitual, próximo al synthpunk y al electroclash dosmilero, aunque su pasado como diva electropop mainstream todavía asoma en un estribillo coreable, claramente diseñado para el canto colectivo.
Por lo demás, quizá si ‘Joyride’ no hubiera existido, ‘Origami’ se sentiría más como un shock que como una simple extensión de la faceta más absurda y desinhibida de Kesha. La Canción del Día, cargada de detalles de producción distorsionados, y, sobre todo, de mucha actitud por parte de la cantante, se complementa con una letra completamente delirante inspirada en la cultura japonesa, pero también en otras referencias que aparecen de repente y porque sí, como demuestra esa rima: «I’m serving supersexual, flexible intellectual / Meet me down in Shibuya, practice that kama-sutra».
Aunque para absurdo, el llamativo videoclip: una especie de orgía simulada que utiliza una coreografía repleta de poses sexuales y, por supuesto, la propia forma de ese origami convertida en una infalible metáfora pop de doble sentido.
Además, Kesha ha explicado que no bailaba de forma tan protagonista en un videoclip desde ‘Die Young’, una experiencia que, según cuenta, no fue positiva. Por eso, con ‘Origami’, pretende reapropiarse de aquella sensación: «La última vez que bailé en un vídeo fue para ‘Die Young’… y digamos que no fue precisamente una experiencia empoderadora para mí. Así que este vídeo no solo se siente como una recuperación de aquel momento, sino también como una oportunidad para bailar y divertirme. Y estar en mi cuerpo… porque es MÍO, y eso es lo que significa la libertad para mí».
Totó la Momposina fue durante décadas memoria viva del Caribe colombiano gracias a su voz ancestral y su potencia escénica, proyectando al mundo los ritmos de la cumbia, el porro y el bullerengue. Su papel fue el de puente entre lo rural y lo global, entre la cumbia de raíz y los escenarios internacionales, siempre con un pie en la tradición afroindígena y otro en la modernidad.
Su proyección internacional se consolidó a base de escenarios como el de WOMAD (el universo de Peter Gabriel), Glastonbury o Roskilde, entre otros festivales. Su disco ‘La Candela Viva’, editado por Real World Records, el sello de Peter Gabriel, es fundamental para entender la música de raíz colombiana.
Ha sido imborrable la huella de Totó, que ha fallecido esta semana a los 85 años, en la música contemporánea. Jay-Z, Major Lazer y Sevdaliza -que en su macrohit global ‘Alibi’ utilizaba la melodía de ‘Rosa’- la han sampleado o remezclado. Y canciones como ‘La Candela Viva’, ‘El Pescador’, ‘La Sierpe’ o los cantos de tambora-chalupa han abierto la música colombiana al mundo.
“Despedimos a la eterna Totó, a la eterna maestra que recorrió el mundo entero a ritmo de cumbias, porros, mapalés y bullerengues nacidos en el corazón de nuestra tierra», ha expresado El Ministerio de Cultura de Colombia, recordando «a la eterna momposina que habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural de nuestro país”.
El circuito estatal de música en directo Girando Por Salas (GPS) celebrará el cierre de su edición #GPS16 el próximo jueves 11 de junio en la Sala Galileo de Madrid a las 20:00.
El evento funcionará como una fiesta de fin de gira tras más de 200 conciertos realizados por toda España con apoyo económico y promocional del programa, financiado por el INAEM.
En el concierto actuarán nuestro recomendado El Niño Lord.Cash y el cuarteto de pop-rock Victorias, dos de las bandas seleccionadas de esta edición, junto a una artista sorpresa consolidada, aún por anunciar, que ya participó en el circuito en sus inicios.
Las invitaciones serán gratuitas y podrán descargarse desde la web oficial a partir del 26 de mayo, con acceso hasta completar aforo.
Poco después de firmar la canción principal de la comedia de Prime Video ‘BAIT‘, Jorja Smith vuelve con un nuevo single que promete convertirse en uno de los más destacados de su repertorio, al menos por lo que supone como regreso a sus raíces dance.
‘What’s Done Is Done’ evita, además, convertirse en el típico sucedáneo de ‘brat’ que ha inundado el pop en el último par de años. Aquí Jorja se lanza de lleno al UK garage, pero lo eleva con una producción que no se queda en la mera nostalgia: cuerdas pulsadas que entran como flashes, una melodía de aires árabes que aporta dimensión y movimiento y una interpretación vocal que refuerza esa sensación de elegancia natural, casi instintiva, «cool» sin querer.
Ese mismo aire sofisticado atraviesa toda la producción de P2J, pulida y efectiva, y se extiende también a una letra que funciona como cierre emocional de una historia de amor que no pudo ser. Jorja constata lo inevitable: «lo hecho está hecho». La otra persona quería que Jorja siguiera siendo “la misma” de antes, aunque eso ya no era posible ni real (“you were still hoping that I’d stay the same”). A partir de ahí, la canción describe engaños y desencuentros (“Lied to me nicely”, “Some kind of love, I guess we’ll never know”), hasta desembocar en un estribillo que asume el final, aunque duela (“It’s the ending”, “Should have never let this run”).
En las últimas semanas el feed de Instagram es un océano de imágenes de Marilyn Monroe retroalimentado por likes a imágenes compartidas que celebran los 100 años de su nacimiento. Es increíble pensar que hoy podría estar con nosotros, como David Attenborough, que acaba de cumplir un siglo de vida, aunque es evidente que la comparación es muy improbable. Históricamente, la figura de Monroe no está tan lejos, pero lo parece, porque cada vez que veo una imagen de ella me da la sensación de estar viendo un personaje histórico y no a una persona humana que existió.
Tanto hemos reproducido su imagen en las últimas décadas -de Warhol a Madonna y más allá- que Monroe se ha convertido más en su propio símbolo que en alguien que percibas como real. Cada día aparece una foto suya, una faceta nueva que no habías visto. Da la impresión de que cuantas más imágenes ves, menos la conoces. Y al mismo tiempo, cuando la ves en una película, en una entrevista o simplemente en imágenes firmando autógrafos, rodando escenas o atendiendo a la prensa, aparece la sensación contraria: la de conocerla, incluso la de poder ser su amigo, de que la entenderías tú mejor que la sociedad que la encumbró y después no la protegió.
Marilyn Monroe murió en 1962, pero se me ocurren pocas figuras públicas con una vida póstuma tan larga como la suya. Solo figuras históricas como Cleopatra o Napoleón Bonaparte vienen a la mente. Desde entonces, Monroe ha sobrevivido como una reproducción incesante de sí misma, que en realidad son millones de imágenes y reinterpretaciones, todas esquivando la posibilidad de fijar a la “verdadera” Marilyn Monroe. Glamurosa, vulnerable, accesible e inalcanzable a la vez, es un reflejo de nuestros deseos, aspiraciones y sueños.
En las décadas posteriores a su muerte nos hemos acercado a la “verdadera” Marilyn: hemos sabido apreciar su talento, su faceta más culta, el hecho de que, como todos nosotros, era un ser humano complejo. Pero eso convive con otra cosa: su vida cultural póstuma no es una extensión de su carrera, sino una producción completamente separada de ella. Monroe simplemente deja de participar en ella: su vida ya no es necesaria, porque es reproducida por los medios hasta el infinito.
Cuando estaba viva, su vida estaba extremadamente dirigida, estilizada, controlada e iluminada como un set de rodaje. Tras su muerte, sus imágenes y contradicciones se convierten, como indica acertadamente Lena Dunham en una reciente entrevista, en material cultural que se sigue reinterpretando y circulando. Quizá por eso sigue fascinando Marilyn Monroe: porque cuanto más circula su imagen, más se deshumaniza de la persona real que se escondía detrás del personaje, más queremos saber quién era. Y la clave es que el misterio nunca se resolverá, porque nunca la llegaremos a conocer de verdad. Solo conoceremos sus mil reproducciones, y las que vengan dentro del siguiente siglo.
2 minutos y 53 segundos. Eso es lo que han tardado Triángulo de Amor Bizarro en hacerme olvidar su peor disco ‘SED‘, que no, no estaba mal, pero no al nivel de ‘Año Santo‘, ‘Salve Discordia‘ o ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ‘. 2 minutos y 53 segundos es lo que tardan en aparecer el arrebato guitarrero y la batería de Rafael Mallo en el primer tema de este álbum, ‘SMT en el Palacio Real’. O quizá atrape en el segundo 0. ¿Cuándo había empezado el grupo de noise pop por excelencia del underground nacional un disco a piano? Un piano además medio flamenco, para un tema que habla sobre la esclavitud hacia las nuevas tecnologías y las redes sociales, que «hacen que olvide mi naturaleza».
‘Mi Catedral’ no tiene un significado religioso para el trío gallego, sino que habla de construir nuestros propios espacios, cuando todo alrededor parece homogeneizado y diseñado por otros. De ahí que en el emocionante tema titular, el grupo defienda su condición artesana -en sintonía con su residencia en un pequeño pueblo gallego, al que pertenecieron siempre- aferrado a la construcción de una «vasija propia». «Es así porque quiero, es así porque puedo, y además me pagan por ello», defienden en un alegato de independencia. «Esta es mi catedral, esta es mi catedral, esta es mi catedral»… reafirman en nombre de la libertad, de la autogestión, de la fe en una misma.
Es una obviedad que ‘Mi Catedral’ es lo que podemos considerar la «canción central» del disco porque es la titular y está en medio. Pero la calidad y el carisma de ‘BBBMV a.r.m.a.s.’ hacen pensar en «dos canciones centrales». «BBBMV» tiene de kraut, tiene de noise, tiene muchísimo de Kevin Shields, casi más que nunca, que ya es decir. La canción derriba también la lucha por quién mola más como cantante, si Rodrigo Camaño o definitivamente Isa Cea, que se queda los 3 primeros cortes de este álbum. Aquí el mensaje es tan importante que cantan los dos. La última frase del tema que habla de minas antipersona y capitalismo es: «En Palestina, Dios muere todos los días».
Qué demonios, hablemos de tres canciones centrales si sumamos la sublime ‘Matar a un rey’, en medio de las otras dos, y vibrante en todas sus fases: la rabiosa rock, con Rodrigo proclamando que «el mundo se cae a cachos»; una embellecida y otra llevada al límite por cuerdas, que plantea irónicamente que «matar a un ceo, colgar a un rey» -y atención al paralelismo con «romper un jarrón»- «no está bien»; y finalmente una kraut. Estamos ante el disco más político de Triángulo de Amor Bizarro, casi próximo al rock en euskera. «Ningún partido votará en contra» para estos «campeones de lo antisocial», dice ‘Este contra oeste’.
De manera paralela, este también es un gran disco de pop cuando se pone. ‘Sacrificio‘, dejada para el final, es su pista más comercial. ‘La era chapada en oro’ y ‘Diosas adolescentes’ son excelentes acompañantes para esa vena más accesible, con especial mención a lo contagioso de ‘Odio a mi generación‘. Se habla mucho hoy en día de batalla intergeneracional, de diferencias insalvables entre generaciones de ayer y mañana. Al fin un himno de odio para tu propia generación, que seguramente lo merezca como todas las demás. Un himno que además luego vuelven a referenciar en los últimos instantes de otro tema, ‘En la Corte del E.’, elevándolo.
En un álbum tan sólido como este, el grupo apenas tropieza con ‘Pat a trenca’, una crítica a la educación, a cómo nos afecta que no se acepten nuestras rarezas de niños, muy bien construida en sus más de 6 minutos de duración, que por algo ha sido single, solo que demasiado Nirvana circa ‘Something In the Way’. Triángulo no necesitan inspirarse tan directamente en sus referentes y de hecho hace años que dejaron atrás comparaciones con Los Planetas o Surfin Bichos. Solo ellos podrían entregar un track aparentemente de relleno con la calidad de ‘Media vida’ y hacer al mundo temblar. Rodrigo chilla: «solo quiero que pase algo» y no puedes sentir más que miedo. ¿Que pase «algo que no pueda controlar»? ¿Pero algo más?
Billy Joel, que acaba de reaparecer en una intervención grabada para Eurovisión con motivo de su celebración en Viena -ciudad que inspiró uno de sus clásicos-, vuelve a ser noticia. Un biopic sobre su vida, ‘Billy and Me’, está en desarrollo, pero el propio Joel ha dejado claro que no quiere tener nada que ver con el proyecto, que no lo autoriza ni lo apoya, y ha advertido de que seguir adelante sin su visto bueno sería “legal y profesionalmente equivocado”.
El asunto es que la película no está basada directamente en Joel, sino en los recuerdos de su primer mánager, Irwin Mazur, y de Jon Small (ex-batería y amigo de juventud del músico), quienes sí han cedido sus derechos y están implicados en el proyecto. Small defiende que el guion refleja fielmente la etapa inicial del artista, incluyendo sus experiencias en bandas adolescentes, amistades, dificultades y primeros pasos musicales.
El equipo de la película ha respondido que no necesitan el permiso de Billy Joel porque se basan en historias vividas por Mazur y Small, y en derechos obtenidos legalmente. El cineasta Adam Ripp -que trabaja en la película- ha señalado que caracterizar ‘Billy and Me’ como “legal y profesionalmente equivocado” no refleja la naturaleza del proyecto ni la base jurídica de la producción.
Billy Joel era amigo íntimo y compañero de banda de Jon Small (The Hassles y luego Attila). En esa etapa, Billy tuvo una relación con Elizabeth Weber, que era la esposa de Jon Small en ese momento. Cuando salió a la luz, la amistad entre ambos se rompió y la banda se disolvió.
A raíz de esa crisis personal -la ruptura del grupo, la culpa y el conflicto con su amigo- Billy Joel pasó por una depresión muy fuerte. En sus primeros años en solitario intentó suicidarse en dos ocasiones, algo que él mismo ha reconocido en entrevistas y documentales posteriores.
El podcast «Revelación o Timo» llega a su programa número 200 al tiempo que ha sido seleccionado como uno de los mejores 50 podcasts de España por la Revista Forbes. Lo celebramos con un programa especial de más de 3 horas -casi 200 minutos- en el que respondemos más de 30 preguntas de la audiencia. Hay preguntas de artistas como Samantha Hudson, Tulsa, Algora o Dorian, de oyentes desconocidos y de amigos.
Es ocasión de revelar, entre otras muchas cosas, cuáles han sido nuestros invitados favoritos y menos favoritos, al tiempo que vuelven a salir nombres de artistas como Fangoria, Madonna, La Oreja de Van Gogh o Rosalía. Ya podéis escuchar el episodio especial en las plataformas habituales.
A menos de una semana de iniciar su nueva era, Ariana Grande tiene una sorpresa para sus fans: una edición expandida de su tercer disco, ‘Dangerous Woman‘, por su 10º aniversario, que se celebra justo hoy, 20 de mayo.
El álbum que contenía los éxitos ‘Side to Side’ con Nicki Minaj y ‘Dangerous Woman’, incluye ahora la inédita ‘Know Better Part Two’, y reúne también otras pistas antes incluidas en lanzamientos exclusivos, como ‘Step on Up’, viral gracias a su mash-up no oficial con ‘Gimme More’ de Britney Spears, que suma 61 millones de visualizaciones en Youtube; y ‘Jason’s (Gave It Away)’, aunque estos temas ya estaban disponibles.
Grande aprovecha, además, para actualizar los datos de ventas de ‘Dangerous Woman’. El álbum suma ya tres discos de platino y, en cuanto a sus singles, ‘Side to Side’ alcanza los 8 discos de platino, ‘Into You’ los 7 discos de platino y el tema titular, 6 discos de platino.
Grande ha dedicado unas palabras a ‘Dangerous Woman’ en redes, asegurando que es “Un álbum y una era que siempre ocuparán un lugar muy especial en mi corazón. Gracias por el cariño que habéis mostrado a este proyecto durante la última década y por los recuerdos más hermosos y decisivos… los valoro a ellos y a todos vosotros más de lo que las palabras pueden expresar».
Ariana Grande has updated US certifications for the ‘Dangerous Woman’ era:
• Side to Side – 8x Platinum • Into You – 7x Platinum • Dangerous Woman (single) – 6x Platinum • Dangerous Woman (album) – 3x Platinum • Everyday – 2x Platinum • Let Me Love You – 2x Platinum •… pic.twitter.com/bIEkOEbljS
La nueva era de Ariana Grande está a la vuelta de la esquina: El 29 de mayo, es decir, el viernes que viene, podrá escucharse ‘Hate That I Made You Love Me‘, el primer single de ‘Petal’. Ariana ha adelantado un fragmento del tema en sus redes, aunque más que escuchar un trozo de la canción, lo que escuchamos es su “vibe”. ‘Petal’ sale el 31 de julio.
Cargando ...
