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Karol G y Myke Towers se suman a Ozuna para dar más sabor a su ‘Caramelo’

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La batalla por alzarse con el título de la canción del verano 2020 en los países hispanohablantes está en todo lo alto. Y, por orgullosos que estemos de ella, no está en el ajo ninguna de nuestras propuestas en la playlist Lo + Sabrosón 2020. La cosa no va precisamente por ahí.

Mientras se desinflaba ‘Se iluminaba’, un tema del italiano Fred De Palma junto a la malagueña Ana Mena que se publicaba, paradójicamente, la pasada Navidad, ‘Mamichula‘ del argentino Trueno y amigos ha dado la sorpresa al desbancar a una ‘Caramelo‘ que parecía inalcanzable. Sin embargo, el rapero bonaerense no cuenta con el arsenal multinacional de Ozuna, y este podría haber asestado hoy el golpe definitivo con un remix de su gran apuesta estival.

Hace unas horas se ha estrenado una nueva versión de este hit reggaetonero co-producido por Tainy –al que, además de en el también celebrado ‘Agua‘ con J Balvin, encontrábamos en el relativamente decepcionante single conjunto de Dua Lipa, Bad Bunny y Balvin, ‘Un día (One Day)‘–, y muy mal tendría que darse para que tenga un nuevo impulso que la devuelva al número 1. No tanto por la presencia de Myke Towers, que también, como por el protagonismo que en ella tiene Karol G, una de las grandes triunfadoras de este año con ‘Tusa‘, que hace unas semanas presentaba la también magnética ‘Ay, DiOs Mío!‘.

Y la cosa va tan en serio como para presentar un videoclip oficial ad-hoc para el remix, con el improvisado trío devaneándose entre un cielo de chucherías y un infierno de chocolate oscuro. El caso es que su/nuestra boca «no pierda el sabor a caramelo».

‘My Game’ es la joya de la corona en la reinvención de Zella Day, amiga de Lana Del Rey

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El nombre de Zella Day ha saltado a la palestra recientemente por verse ligado al de Lana Del Rey, a las que no solo hemos visto juntas en las redes sociales de ambas en distintas ocasiones sino también sobre los escenarios. ¿Pero quién es esta joven? ¿Es tan desconocida como parece? Lo cierto es que, aunque en Europa es menos conocida, en su país tuvo una repercusión notable su segundo álbum ‘KICKER’ –su debut, ‘Powered By Love’, había sido autoeditado por ella con ayuda de su familia en 2009, cuando apenas contaba con 14 años de edad–. Ese disco, impulsado por los singles ‘East of Eden‘ y ‘Hypnotic‘, tuvo gran acogida comercial para tratarse de un lanzamiento independiente, no solo siendo top 7 en la lista de Billboard para álbumes alternativos, sino incluso alcanzando un meritorio puesto 65 en el Billboard 200. No sorprendía, por tanto, que fuera elegida para la BSO de una de las películas de la saga ‘Divergente’.

Sin embargo, al margen de algún single suelto como ‘Man On The Moon / Hunnie Pie’ –que ya anticipaban cierto viraje de las convenciones del pop contemporáneo a algo más atemporal–, Day había dejado pocas noticias musicales en el último lustro. Hasta hace unos meses, cuando reaparecía con una extemporánea versión del clásico ‘You Sexy Thing‘, que se hacía viral gracias a un vídeo en el que se sacudía la docilidad con una actitud tan sensual como macarra. Era el anticipo de un nuevo tramo de carrera que se ha ido concretando con el paso de los meses de este raro 2020, y varios singles que tienen como objeto completar su nuevo proyecto: el EP ‘Where Does The Devil Hide’, cuya producción corre a cargo principalmente de nada menos que Dan Auerbach, conocido tanto por sus trabajos en solitario como por ser la mitad de The Black Keys.

El giro sonoro hacia presupuestos más clásicos, con la psicodelia, el rock y el folk como nutrientes, se hacía evidente en ‘People Are Strangers‘, el primero de los temas nuevos publicado este año. Y, si bien en ese tema no puede evitar la comparación con la música taciturna de su amiga Lizzy Grant, los más recientes ‘Purple Haze‘ y ‘Only A Dream‘ se desmarcan un tanto de esa idea, con arreglos más coloristas que se miran tanto en el sonido Canterbury como en la libertad estilística de la música lounge. De hecho, hasta con el disco se atreve Zella en este trabajo, como muestra la deslumbrante ‘My Game’, que hoy destacamos como Canción del Día.

Lanzada a finales de mayo, su sonido funky con arreglos exuberantes resulta irresistible para la pista de baile. Pero ojo, no nos confundamos: no estamos ante un revival disco como el que están aventando Dua Lipa o Kylie Minogue en sus últimos trabajos, sino que, con Auerbach por medio, más bien se mira en clásicos como Minnie Ripperton, ABBA y hasta las españolas Baccara (que aparecen en esta playlist de referencias publicada por la artista en Spotify). Incluso, si precisáramos referentes más cercanos, cabría pensar en los últimos Arctic Monkeys y hasta en Sophie Ellis Bextor, por esa voz tan rasgada y desencorsetada de la que ahora presume y que recuerda también a Belinda Carlisle.

Pero, más allá de referentes ajenos, ‘My Game’ presume sobre todo de ser un gran single en sí mismo. Una canción tan exquisita en lo formal como divertida y seductora en su acabado final. Lo cual incluye su cuidado y colorido videoclip inspirado en las películas de espías de los años 60 (de ‘La Pantera Rosa’ a ‘Goldfinger’, ha explicado), trufado de estética retro como todo el arte visual de esta etapa de Zella Day, que promete dejar huella en el pop, mucho más allá que por su círculo de amistades o sus colaboradores ilustres.

Lo mejor del mes:

Father John Misty lanza sus primeros temas originales en dos años

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Habituados como estábamos a la omnipresencia de Father John Misty en nuestras vidas, publicando tres álbumes entre el notable y el sobresaliente como ‘I Love You, Honeybear‘ (2015), ‘Pure Comedy‘ (2017) y ‘God’s Favorite Costumer‘ (2018) consecutivamente, se ha hecho rara su casi total ausencia en los últimos dos años. Josh Tillman había mantenido un perfil bajo –también en redes sociales, donde tras varias polémicas optó por eliminar sus perfiles personales– desde que publicara ese último álbum de estudio y se mofara de Coldplay… hasta ahora.

En realidad, el que fuera durante un tiempo batería de Fleet Foxes reaparecía hace unas semanas, primero con un directo de su última gira grabado en Hamburgo y después con un EP titulado ‘Anthem +3‘, con versiones de Leonard Cohen, Link Wray, y Cat Stevens. Los beneficios de ambos, subidos primero a Bandcamp, irán destinados a asociaciones dedicadas a paliar los daños personales y económicos en el sector musical de Los Ángeles. De hecho, no es la única iniciativa de ese estilo que Tillman ha tomado: recientemente lanzaba una camiseta exclusiva en su web para contribuir al sustento financiero de su grupo y equipo de directo.

En ese EP encontrábamos en la producción a su amigo Jonathan Wilson y de Bobby Krlic, más conocido por su alias musical de The Haxan Cloak y su electrónica oscura, que al margen de sus propios trabajos le había llevado a colaborar con Björk o serpentwithfeet. Pero eso no significa exactamente que se perciba un cambio sonoro en Father John Misty, como ya supimos por su aportación a ‘God’s Favorite Costumer’. Más bien al contrario, como demuestran las dos canciones originales que acaba de estrenar este último y que cuentan también con la participación técnica de Dave Cerminara, un productor que encontramos en los créditos de discos más bien pop como los de Khalid, Imagine Dragons, Foster The People y hasta ‘Future Nostalgia’.

Hablamos de ‘To S.’ y ‘To R.’, la aportación de Tillman al club del single del sello Sub Pop que ya podemos disfrutar. Ambas –la primera, más atmosférica; la segunda, más concreta y animada– están enmarcadas, salvo por algún detalle muy sutil, en el piano rock de corte clásico al que nos ha acostumbrado el artista en este proyecto. Ni siquiera faltan los ampulosos arreglos orquestales que le caracterizan. Sin quedar claro si es solo una colaboración puntual con el sello de Seattle o planea pasar página con Bella Union, que había publicado los trabajos de Father John Misty hasta la fecha, todo apunta a que podría ser la antesala a un nuevo disco del proyecto. Así lo esperamos.

Cardi B y Megan Thee Stallion logran con ‘WAP’ un histórico número 1 de Billboard

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Puede que ‘WAP‘ no haya arrasado precisamente entre los lectores de JENESAISPOP, como muestra su tímida entrada en nuestro top semanal, pero ahí fuera las cosas son bastante distintas: no solo ha alcanzado el número 1 global en Spotify, la plataforma de streaming más escuchada del mundo, sino que acaba de coronarse como nuevo número 1 (sucediendo a la sorpresa de Harry Styles y su ‘Watermelon Sugar’) del Hot 100 de Billboard. Se convierte así en la cuarta canción con la que Cardi B alcanza ese puesto –tras ‘Bodak Yellow’, ‘I Like It’ y ‘Girls Like You’, junto a Maroon 5– y la segunda para Megan, que lo lograba este mismo año con su remix de ‘Savage’ junto a Beyoncé.

Pero no solo eso, sino que además lo ha logrado con unas cigfras históricas: según la entidad de medida de ventas Nielsen, con sus impresionantes 93 millones de streamings, ‘WAP’ es ya la canción con mayor cifra de escuchas en su primera semana de salida. Es solo uno de los varios récords, tanto históricos como de 2020, que bate la canción y recopila la propia Billboard. Entre ellos cabe destacar que es el primer número 1 de dos raperas en toda la historia en la más importante lista de singles de Estados Unidos, además del cuarto número 1 que logran este año dos o más mujeres. En toda la historia previa, solo había ocurrido en cinco ocasiones. No es casual que, por ejemplo, esté neutralizando el ascenso de un dueto masculino de tanto peso dentro del mismo género musical como es ‘Laugh Now, Cry Later’ de Drake y Lil Durk.

Por supuesto, esto es motivo de celebración para los fans de Cardi B y Megan Thee Stallion. Y para ellas, claro: ambas lo han celebrado en sus redes sociales. Especialmente la primera que se ha marcado uno de esos vídeos tan suyos, bailoteando y fardando a medida que leía los distintos récords obtenidos por su single.

Melanie C anuncia conciertos en Madrid y Barcelona para presentar su nuevo álbum

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Después de que charláramos con ella largo y tendido, Melanie C daba los detalles de su nuevo álbum en solitario, titulado tan poco imaginativamente como ‘Melanie C’, que verá la luz el príximo 2 de octubre. Y lo hacía a la vez que presentaba otro de sus singles, el elegante y bailable ‘In and Out of Love’. A esa noticia, hoy se añade otra bien jugosa para los fans españoles de Spice Girls en general y de la Spice deportista en particular

Melanie C ha anunciado hoy los detalles de una gira por el Reino Unido y Europa para la primavera de 2021, que hará parada en España. Concretamente en la sala La Riviera de Madrid, el 29 de abril, y en la sala Apolo de Barcelona, el 1 de mayo del próximo año. También ha confirmado cuatro conciertos en directo por streaming que coincidirán con el lanzamiento de su tan esperado álbum homónimo el 2 de octubre (con un set de banda completa y muchas sorpresas por revelar). El precio de las entradas es de 28 euros más gastos, y la pre-venta comienza el 26 de agosto a las 10AM y la salida a venta general el 28 de agosto, todo a través de LiveNation y Ticketmaster (Madrid y Barcelona). Las entradas para las transmisiones en vivo también están disponibles a través de su sitio web oficial.

‘Melanie C’, del que ya había presentado temas como ‘Blame It On Me‘, es el octavo disco de estudio de Melanie Chissolm al margen del mítico girl group. De manera muy interesante, incluye colaboraciones en la composición y producción de mujeres del ámbito alternativo/independiente británico como Little Boots, Shura o Rae Morris.

Lady Gaga y Ariana Grande interpretarán ‘Rain on Me’ en los MTV VMA’s

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Hace unas semanas nos preguntábamos qué había pasado con la promoción de ‘Chromatica‘ de Lady Gaga, un álbum estupendo de pop bailable que parecía haber quedado en el olvido de muchos tras la posposición de su gira mundial, trasladada a 2021– por una pandemia cuya eclosión ya provocó una demora en la publicación del disco. Eso, de manera evidente, parecía haber influido para que canciones tan pintonas como por ejemplo ‘Alice‘, ‘Replay‘ o ‘Free Woman’ no hubieran sido ya objeto de vídeos oficiales –’Sour Candy’ sí lo fue… más o menos–. Pero parece que esa solo aparente indolencia podría comenzar a revertir dentro de muy poco.

Hace unas horas anunciaba que realizará la primera presentación en directo de esta era: será en la edición 2020 de los premios MTV VMA, que se fallarán en una gala que se celebrará en Nueva York el próximo día 30 de agosto. Es la primera ocasión en siete años que Germanotta actúa en los VMAs, siendo además la artista que opta a mayor número de estatuillas gracias en buena medida al clip de ‘Rain On Me‘, su single con Ariana Grande. A falta de conocer cuál será el siguiente single de ‘Chromatica’ (tiene muchas papeletas ‘Sine from Above’, del que Gaga ha anticipado vídeo oficial), se ha confirmado que Ariana Grande y Lady Gaga presentarán ‘Rain on Me’ en la ceremonia, como informa Billboard. Será la primera presentación en directo de la canción, por razones evidentes.

¿Cuál te gustaría que fuera el próximo single de Chromatica?

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En todo caso, cabe reseñar la manera en la que Gaga anunciaba la actuación: un vídeo en su Instagram en el que su imagen de tranquilidad, tomándose un chiquito de vinate en la puerta de su casa –en bata y zapatillas de estar por casa, literalmente– contrasta una máscara que la hace parecer algún tipo de Pokémon. Todo bien hasta que a la evolución de Articuno a ArtPop se le hincha la vena contra el «paparazzo» que la graba. Al menos no ha perdido sentido del humor. Otros artistas que han confirmado actuación en los MTV VMAs 2020 son los también nominados The Weeknd, BTS, Doja Cat, CNCO, Roddy Ricch, Maluma y J Balvin.

Kylie Minogue, Lana Del Rey, Rihanna, Madonna, Katy Perry… en 10 fotos que no debiste perderte

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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Hoy, descubrimos a Kylie Minogue como unidad de medida, Madonna «levitating» por su 62 cumpleaños, Lana Del Rey cazando ranas, Rihanna grafitera… y mucho más.

Los recuerdos de Saint Etienne

Aunque disponían de cuenta oficial de Instagram desde hace un par de años, el trío británico Saint Etienne era tirando a poco activo en dicha red social. Sin embargo, hace pocas semanas comenzaban a publicar de manera diaria alguna imagen de archivo de Sarah, Pete y Bob, que están rescatando de «cajas y cajas de fotografías, muchas de ellas nunca vistas, ni siquiera por nosotros». Prometen también vídeos e incluso invitan a remitir fotos del o con el grupo de las colecciones personales de sus fans para su publicación. Promete buen material.

La distancia social de Tulsa

Ay, las giras, los conciertos… Son difíciles, cada vez más complicados… Pero haberlos, haylos. Siempre, eso sí, con las medidas higiénico-sanitarias pertinentes para la seguridad de todos, tal y como muestra Miren Iza en esta estupenda instantánea previa a un bolo suyo en Gijón, donde ocupa una de las «butacas» dispuestas para el públici, convenientemente distanciadas.

La promo de la gira británica de HAIM va… de culo

Y si los conciertos son complicados en tiempos de pandemia, no lo es menos la promoción de trabajos discográficos. Que se lo digan a Lady Gaga con su ‘Chromatica’, por ejemplo, o a HAIM que han publicado el muy notable ‘WIMPIII‘. Confinadas en su casa de Los Ángeles, el trío de hermanas recurre a todo tipo de tretas para que la gente se entere de que han publicado ese estupendo disco o que prevén presentarlo en una gira británica la próxima primavera. Y aunque sus divertidas coreografías son la gran estrella de sus propuestas –hacen tutoriales vía Zoom con cierta frecuencia–, no dudan en enseñar (con autocensura, eso sí) el culo para que nos enteremos. Luego piden perdón a papá y santas pascuas.

Extraño encuentro: Arca y Yung Beef

Es bien sabido que la estrella internacional de la electrónica más audaz, Arca, reside en Barcelona desde hace unos años. Pero incluso así no deja de resultar chocante ver a Alejandra Ghersi, a la que hemos visto pinchando con Björk o Frank Ocean hace no tanto, rodearse igualmente de artistas del underground español como el rapero granadino Yung Beef. Y no solo eso: el hecho de que la foto esté tomada en un estudio de grabación y que el productor Ed Is Dead se sume a la misma, hace pensar que no es ni mucho menos descabellado pensar en una próxima colaboración, al estilo de la que ha perpetrado con Rosalía.

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ajá madrid @ricosuaveyatusabe

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No todo es «sonrisa» en la vida de Katy Perry

Katy Perry está a puntito de publicar su nuevo álbum, ‘Smile’… pero también de dar a luz a su primera hija, fruto de su relación con el actor Orlando Bloom. Así que, aunque actúe en un globo aerostático virtual y haga vídeos llenos de payasadas (literalmente, no es un eufemismo ni una ofensa gratuita), en realidad está hecha polvo. Ella misma lo ha mostrado en esta foto en medio de una compra de achiperres propios de la maternidad, en la que transforma el sempiterno «popstar» que se le aplica en «poopedstar» («estrella hecha caca»).

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poopedstar

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Rihanna, demasiado ocupada haciendo grafiti para sacar música

Otras estrellas, en cambio, no publican música ni a tiros pese a ser lanzamientos esperadísimos. Como notábamos hace unas horas, es el caso de Adele, que no sabe cuándo sale su disco, y el de Rihanna, que no lo ha perdido aunque bromee con la idea. La de Barbados asegura que no ha dejado la música… aunque lo parezca por su actividad en redes sociales, que va más allá de la promoción de sus productor cosméticos y de moda de su marca Fenty. Como muestra esta imagen, también le da al grafiti si se tercia. Y con mensaje político, además.

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art. #81days

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Lana Del Rey cazando ranas en Tulsa

Al contrario que las citadas en el párrafo anterior, la prolificidad no es precisamente un problema para Lana Del Rey: tras lanzar su audio-libro de poemas, ya está ultimando su nuevo álbum ‘Chemtrails Over the Country Club’, del que ya ha mostrado un fragmento del tema ‘Tulsa Jesus Freak’. Y en Tulsa, precisamente, es donde la retrataba días atrás su amiga y también artista Zella Day, tratando de capturar pequeñas ranas para intentar besarlos. No está claro si buscando cumplir el mito de la aparición de un príncipe azul… o probar las propiedades lisérgicas que, dicen, tiene la piel de algunos batracios.

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Lana catching frogs in Tulsa.

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Caroline Polachek habla con los gansos

Lana no es la única artista fascinada con el mundo animal. Caroline Polachek subía días atrás una serie de vídeos de «interpretación vocal extrema» para su amigo A.G. Cook (muy probablemente con su masto´dontica obra ‘7G’ como destino): en ellos pasea por el parque imitando con su voz el sonido de algunas de las aves que por allí pululaban, quedándose estas verdaderamente picuetas. Incluso, por momentos, se diría que están manteniendo una conversación coherente.

Madonna celebra su 62 cumpleaños… «levitating»

Este pasado fin de semana Madonna ha estado celebrando su 62 cumpleaños. Lo ha hecho viendo cómo se publicaba su esperada colaboración con Dua Lipa en el remix que The Blessed Madonna ha realizado para ‘Levitating’, también con Missy Elliott metida en el ajo. Nos lo ha recordado cantándolo y bailándolo desde su habitación en el hotel de Jamaica donde ha ido con su novio y su troupe a pegarse un festorro. Y, quizá como un guiño a la canción, también se ha debido quedar «levitando»… después de ingerir las chucherías que rulaban en bandejas durante su onomástica.

A «1 Kylie» de distancia

No sabemos si se trata de un montaje o es real, pero de ser esto último, nos rendimos ante el responsable de la idea de traducir los sempiternos 1,5 metros de distancia social a «Kylies Minogues» como unidad de medida que alguien ha plasmado en esta imagen.

Tímida entrada de ‘WAP’, ya número 1 mundial, en el top 40 de JNSP

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Kylie Minogue continúa siendo lo más votado de JNSP por segunda semana consecutiva con ‘Say Something’, aunque ahora seguida por dos canciones de Taylor Swift, una de ellas con Bon Iver. Este último protagoniza una de las pocas entradas de la semana con su tema con colaboración casi inaudible de Bruce Springsteen. También entran Amaia, SG Lewis con Robyn y Chanel Tres, y Cardi B con Megan Thee Stallion, aunque hay que destacar que ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion llega al top 40 por los pelos, mientras es ya número 1 a nivel mundial en Spotify: ni lo nuevo de Drake ha podido con esta canción. Es el turno de despedirnos de ‘La fuerza’ de La Bien Querida, ya con 10 semanas de permanencia y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Say Something Kylie Minogue Vota
2 7 2 3 cardigan Taylor Swift Vota
3 10 3 2 exile Taylor Swift, Bon Iver Vota
4 5 1 6 What’s Your Pleasure? Jessie Ware Vota
5 2 1 28 Physical Dua Lipa Vota
6 9 2 14 Save A Kiss Jessie Ware Vota
7 3 1 12 Rain On Me Lady Gaga, Ariana Grande Vota
8 11 5 21 In Your Eyes The Weeknd Vota
9 12 9 13 Watermelon Sugar Harry Styles Vota
10 8 2 37 Blinding Lights The Weeknd Vota
11 15 11 2 My Future Billie Eilish Vota
12 19 12 2 Something More Róisín Murphy Vota
13 4 1 21 Break My Heart Dua Lipa Vota
14 6 1 41 Don’t Start Now Dua Lipa Vota
15 18 6 11 TKN Rosalía, Travis Scott Vota
16 14 1 52 The Greatest Lana del Rey Vota
17 27 13 6 America Sufjan Stevens Vota
18 18 1 Nuevo verano Amaia Vota
19 22 20 6 Don’t Wanna HAIM Vota
20 13 1 24 Stupid Love Lady Gaga Vota
21 20 3 8 Blame It On Me Melanie C Vota
22 17 3 5 Love Me Land Zara Larsson Vota
23 30 19 3 Un día (One Day) J Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny, Tainy Vota
24 24 16 4 Un gatito La Bien Querida Vota
25 36 20 10 La fuerza La Bien Querida Vota
26 21 1 8 ¡Hoy no! Mónica Naranjo Vota
27 25 14 7 Mequetrefe Arca Vota
28 28 1 Impact SG Lewis, Robyn, Channel Tres Vota
29 16 8 4 Easy Troye Sivan Vota
30 26 15 8 Do It Chloe x Halle Vota
31 31 1 AUATC Bon Iver Vota
32 31 28 6 Bad Friend Rina Sawayama Vota
33 32 32 2 Who’s Laughing Now Ava Max Vota
34 33 26 6 Chicos transparentes Algora Vota
35 34 22 7 My Own Soul’s Warning The Killers Vota
36 35 19 5 Natalie Don’t RAYE Vota
37 37 1 WAP Cardi B, Megan Thee Stallion Vota
38 23 10 7 Corazón astral Javiera Mena Vota
39 39 39 2 I Know the End Phoebe Bridgers Vota
40 40 37 3 Start Ellie Goulding Vota
Candidatos Canción Artista
Video Game Sufjan Stevens Vota
Rooted Ciara, Ester Dean Vota
Sabotage Catherine Anne Davies, Bernard Butler Vota
Midnight Sky Miley Cyrus Vota
Laugh Now Cry Later Drake Vota
Hammond Song Whitney Vota
Thrill Future Islands Vota
Model Village IDLES Vota
All of the Feelings Kiesza Vota
Pecados capitales Chlöe’s Clue Vota
Don’t Call Again Tkay Maidza, Kari Faux Vota
want u back joan Vota
Experience Victoria Monét, SG Lewis, Khalid Vota
Wonderful Burna Boy Vota
Heat Waves Glass Animals Vota
Time to Walk Away Washed Out Vota
Sum Bout You FKA twigs, 645AR Vota

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Whitney / Candid

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De entre todos los grupos sobre la faz, Whitney es uno de los que pocos deseables en un disco de versiones, proyecto que suele ser tildado como holgazán por crítica y público. La banda de Max Kakacek y Julien Ehrlich (ambos ex Smith Westerns) ha explorado en sus dos álbumes hasta la fecha ‘Light Upon the Lake‘ y ‘Forever Turned Around‘ el folk de los 60, el soft-rock y el sonido Brill Buiding, así que tenía todo el sentido que dieran su propia interpretación de algunas de las canciones que les han influido o que han sido importantes para ellos. Ese parece el cometido de ‘Candid’, si bien la selección de las composiciones esconde algunas sorpresas.

El objetivo es claro cuando las canciones proceden de los años 70, como es el caso de los dos sencillos principales. Sus armonías vocales y la instrumentación clásica de Whitney son perfectas para la recuperación de un clásico perdido como es ‘Hammond Song’ del trío de hermanas The Roches, sobre la autorrealización de uno mismo frente a la dependencia del amor; y también para un clásico de John Denver, como es ‘Take Me Home, Country Roads’. Una melodía celestial que puedes canturrear después de una única escucha, dispuesta a acompañarte durante toda una vida. Waxahatchee está estupenda aportando las armonías vocales de una grabación que deja como curiosidad los primeros créditos de Kevin Morby como ingeniero de sonido, pues estaba confinado con ella al ser su pareja.

Los resultados también son maravillosos cuando Whitney tratan de hacer justicia a más canciones de aquellos tiempos como la que en 1972 nos hablaba de las virtudes de «reír» y «amar» y de los perjuicios de «llorar» y «mentir» (‘Crying Laughing Loving Lying’ de Labi Siffre). O cuando hacen parecer una canción de Damien Jurado de 2016 un tema que lleva escrito 50 años, algo que han conseguido cambiando los acordes del estribillo y añadiendo una «slide guitar» y un solo de trompeta a ‘A.M. AM’. Y más lejos van aún cuando la selección recurre a canciones que no pegaban tanto con este envoltorio.

La gran inesperada de ‘Candid’ es ‘Bank Head’. Ese bombo de la canción inicial de este álbum, que parece que contra todo pronóstico va a dar lugar a una remezcla techno (!!), procede de una producción de Kelela, en concreto una de las mejores de ‘Cut 4 Me’. El experimento, según un «track by track» que han compartido con prensa y fans, representa el sonido al que quieren conducirse en el futuro. Y también proviene del R&B ‘Rain’, un éxito muy moderado del grupo femenino de los 90 SWV que aquí han decidido mezclar con un tema de Jaco Pastorius, ‘Portrait of Tracy‘.

Otro trabajo de deconstrucción ha sido el realizado sobre el tema de ‘Strange Overtones’, una canción colaborativa de David Byrne y Brian Eno relativamente bailable que Whitney también han llevado a su territorio, en este caso con un protagonismo inusual del piano de Malcolm Brown en su parte final. Se trata de una composición que habla de la creación musical y que por tanto es una de las que mejor capta la esencia de ‘Candid’. Esta letra habla de «armonizar tonos raros», de «añadir un estribillo» a canciones que «lo necesitan» y de cambiar un tono si es preciso. Y no es que estas composiciones originales requirieran de mejora alguna. Es solo que es una gozada escuchar a Whitney recrearse en algunas de sus canciones favoritas, y aportándoles parte de su bellísima personalidad.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Hammond Song’, ‘Take Me Home, Country Roads’, ‘A.M., A.M.’, ‘Strange Overtones’
Te gustará si te gusta: Carole King, The Roches, Carpenters
Escucha: la versión de ‘Take Me Home, Country Roads’

Glasvegas confían en que hayamos reservado espacio para ellos siete años después

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Hace 12 años, Glasvegas debutaban con un celebrado álbum homónimo que aunaba ecos del pop de los 50, el muro de sonido de Phil Spector y el muro de ruido de sus compatriotas The Jesus and Mary Chain. Impulsados por un notable hype de la prensa británica, aquel disco del combo escocés se convertía en un sonado éxito de ventas sobre todo en Reino Unido, pero su repercusión llegaba mucho más allá: la mismísima Lady Gaga declaraba su amor por el grupo e incluso se mostraba accesible para una colaboración con ellos. Sin embargo, sus dos siguientes álbumes ‘Euphoric ///Heartbreak\\\‘ y ‘Later… When The TV Turns To Static‘ no lograron ni de lejos el mismo impacto comercial y parecían caer en el olvido para todos… excepto para ellos mismos.

Hace un par de días publicaban ‘Keep Me a Space’, su primer single nuevo en siete años, anticipo de ‘Godspeed’, un cuarto álbum cuya publicación se prevé (ahora de manera independiente, tras su paso por Sony y BMG) para abril de 2021. Una canción que, a tenor de lo escuchado, evoca su sonido original y parece esperar que, parafraseando el título de la misma, hayamos reservado un espacio para ellos. Aunque, en realidad, James Allan aclara en una entrevista con NME que es una canción inspirada por un primo al que estaba muy unido y al que no vuelto a ver desde que eran niños. No se refiere precisamente a su primo Rab (guitarrista) que junto con el bajista Paul Donoghue completa la formación de Glasvegas.

Allan también explica que el grupo no se ha ido nunca, y que si ‘Godspeed’ ha tardado en gestarse todos estos años es porque lo ha producido y mezclado él mismo, implicando el aprendizaje de técnicas de grabación, que ha desarrollado con un estudio portátil que le ha acompañado allí donde ha ido. En la misma charla con el rotativo británico, cuenta que las canciones de ‘Godspeed’ están unidas por la imagen de una persona que sale de su casa de noche y se lanza a conducir por calles y espacios vacíos que horas antes estaban repletos de vida. «Hay una especie de fe envuelto en ello, cierta desesperación, desesperación por experimentar ciertos sentimientos en tu vida. Hay confusión y búsqueda, y cualquier búsqueda implica fe», dice. Os dejamos con el audio de ‘Keep Me a Space’.

Chlöe’s Clue «maldice las penas que inundan el cuerpo» en el neo-cuplé ‘Pecados delicados’

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El pasado 17 de julio veía por fin la luz ‘Carmín y rubor’, tras varias demoras en su fecha de publicación. Hablamos del nuevo disco de Chlöe’s Clue, proyecto de la valenciana Raquel Adalid con el que puede dar un vuelco a su trayectoria para muy bien. Un disco valiente y personal que la confirma no solo como una gran compositora –algo de lo que ya presumía en el ya notable ‘Panorama‘– sino como artífice de un sonido muy peculiar y, sobre todo, de un papel como intérprete que la distingue como una propuesta única no ya en nuestro país sino también más allá de él. Por todo esto, y tras rumiar una y otra vez en los últimos meses primero los singles y últimamente el álbum completo, escogemos el tercer trabajo de Adalid como el Disco de la Semana.

Y comenzamos este periodo dedicado a ‘Carmín y rubor’ destacando como Canción del Día uno de sus singles, como ya sucediera con el tórrido bolero ‘Quémame‘, junto a los mexicanos Daniel, Me Estás Matando. Pero esta vez es una canción muy distinta en lo formal (como sucede casi con cada corte del disco) a aquella: se trata de ‘Pecados delicados’, una suerte de balada a piano que se extraía del trabajo hace ya unos meses y que, como un canto «canto/llanto ligero», Chlöe’s Clue cantaba acompañada de Víctor Elías –uno de los productores del disco, junto con Edu Figueroa– en una traslación al directo, casi teatral por la elección del atrezzo, la iluminación y el vestuario.

«Una balada agridulce encargada de maldecir las penas que, a veces, inundan el cuerpo» es como describe Adalid la canción, enfatizando esa pasión exacerbada. Al contrario de lo que sucedía con el corte titular del álbum (cuya versión final sí difiere notablemente del avance en formato acústico del mismo mostrado tiempo antes), en el caso de ‘Pecados delicados’ se mantiene esa pureza de la sencillez. Un esquema que acentúa, ya desde la dramática intro de piano, la aproximación a esa canción ligera que dominaba las listas de éxitos 40 años atrás. Por momentos, incluso remite a los viejos cuplés que causaban furor en la primera mitad del siglo XX, gracias a la interpretación vocal de Raquel, alternando desgarro y seducción para esculpir la pulsión sexual de la que habla la canción. Tanto las imágenes que emplea («el bingo», «la arena pegadita a a tu tez») como el lenguaje («fetén», «caprichito») contribuyen también a actualizar aquella picardía y pasión al lenguaje pop, que no se descuida en ningún momento puesto que el gancho melódico es, en todo caso, irresistible.

Raquel Adalid nos confesaba en una charla que publicaremos en las próximas horas que arde en deseos de, pese a las dificultades, trasladar al directo las canciones de ‘Carmín y rubor’. Y, de hecho, ya ha anunciado las primeras fechas para ello: comenzará el 22 de octubre en la Sala Galileo Galilei (plaza muy apropiada por su solera) de Madrid; y proseguirá ese periplo en su Valencia natal (6 de noviembre, sala Jerusalem) y en Barcelona (27 de noviembre, sala Sidecar).

Lo mejor del mes:

Kiesza / Crave

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Kiesza arrasó en 2014 con el hitazo house-pop ‘Hideaway’, uno de los mayores éxitos de aquel año. Su primer disco, sin embargo, decepcionó a todos los niveles: fue un fracaso comercial, y en cuanto a su calidad musical se quedaba muy corto al incluir demasiadas baladas, dando lugar a un trabajo a todas luces precipitado para aprovechar el «hype» provocado por su single principal. Temas tan dignos como el bailable ‘Giant of My Heart’ se quedaban para siempre sin la atención que merecían.

Entonces, todo cambió para Kiesza cuando, en 2017, sufría un grave accidente de tráfico después de que un taxi chocara de forma colateral con el Uber en el que viajaba. El accidente provocaba a la cantante canadiense un grave traumatismo cerebral que por poco acaba con su carrera y la ha mantenido años apartada de la música para recuperarse. Entre sus experiencias vividas en todo este tiempo se encuentra pasar seis meses encerrada en una habitación a oscuras para curarse, de modo que no extraña que ‘Crave’, el primer disco de Kiesza en 6 años, y tan solo el segundo de su carrera, sea la explosión de luz y ritmos bailables que es. La cantante asegura de hecho que ha llegado a escribir canciones oscuras que hablan sobre su accidente, pero que para este largo ha querido «mantener las cosas animadas, ligeras y divertidas».

Como sugiere su título, ‘Crave’ es un trabajo entregado a la pasión. Ya era apasionada ‘Hideaway’ y las mejores canciones de este largo concilian drama y baile como pocas canciones en la carrera de la artista: narrando su reencuentro con el amor verdadero, ‘All of the Feelings’ es un excelente single de synth-pop ochentero que Carly Rae Jepsen, con menos poderío vocal, eso sí, habría convertido en un clásico de su repertorio y cuyo estribillo bordea el excorcismo en el mejor de los sentidos; ‘Crave’ hace uso de guitarras muy Bananarama para expresar un deseo más físico, casi incontrolable por su magnetismo, y en el fantástico pop-rock ochentero (es decir, con teclados) de ‘Can’t Be Saved’, Kiesza se marca otro estribillazo de los suyos para llevar esa pasión a lugares casi psicóticos: «te deseo, y me emociono solo al estar a tu lado, y me siento explosiva cuanto más me acerco a ti».

En este álbum de apenas 9 pistas y 32 minutos de duración, Kiesza arranca contándonos que «no tiene nada que demostrar» y que no va a «cambiar por nadie» en el bombástico electro-pop de ‘Run Renegade’, para terminar de lleno en la pista de baile con un ‘Dance with Your Best Friend’ que incorpora elementos de Giorgio Moroder, la Kylie Minogue más aficionada a Kraftwerk e incluso los Chemical Brothers. Las mejores canciones son las cinco primeras, incluida una adictiva ‘Love Me with Your Lie’ que remite a la Kiesza más house, la que todos conocemos, y las peores aparecen hacia el final: ‘When Boys Cry’ mezcla chasquidos y descargas eléctricas para terminar sonando a un sucedáneo descafeinado de ‘Walk Like an Egyptian’ de las Bangles, ‘Sky Ain’t the Limit’ redunda en las ideas synth-poperas del disco sin demasiado que ofrecer, y ‘Love Never Dies’ suena a la peor balada eurovisiva. Al final toca quedarse con el mensaje de ‘Love You with Your Lie’ y celebrar que Kiesza haya querido volver a la pista de baile después de pasar años tan duros. Es ahí donde ‘Crave’ ofrece sus mejores momentos.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘All of the Feelings’, ‘Can’t Be Saved’, ‘Love You with Your Lie’
Te gustará si te gusta: Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, The Weeknd
Youtube: vídeo de ‘All of the Feelings’

Ecos a Sheryl Crow, Hole… en la relajada y adictiva ‘Gasoline’ de Haim

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Women in Music Pt. III‘ de Haim ha sido nuestro «Disco de la Semana». Publicado en realidad el 26 de junio, el disco ha mantenido su llama con el paso de las semanas hasta confirmarse como un absoluto clásico de esos hechos para escuchar en bucle durante meses.

Ya hemos hablado en estas páginas sobre los estupendos singles ‘Summer Girl’, ‘Now I’m in It’ y ‘Hallelujah’, aquí relegados a la posición de «bonus track» a pesar de estar producidos por las mismas personas que el resto del álbum; y nos hemos detenido en dos de sus temas más sorprendentes por las influencias que presentan, la R&B ‘3am‘ y la reggae ‘Another Try‘. ‘Women in Music Pt. III’ es excelente por lo orgánico de sus melodías y su experimental producción, así como por lo variado de sus sonidos, pero también brilla en sus momentos más clásicos, como es el caso de ‘Gasoline’.

Una de las pistas de ‘Women in Music Pt. III’ más escuchadas en las plataformas de streaming al margen de los singles, ‘Gasoline’ es de hecho la canción del álbum que Este Haim, bajista de la banda, más emocionada está por estrenar en directo, como ella misma nos ha contado esta semana en una entrevista: ‘Gasoline’ es muy divertida de tocar. Como bajista, me encanta la línea de bajo que he escrito para esa canción, estoy muy orgullosa de ella». ‘Gasoline’ destaca a su vez por su sonido de soft-rock relajado, plasmado en unas melodías vocales e instrumentales que evocan un atardecer de verano y recuerdan a la Sheryl Crow de los 90, y la comparación no es nada casual: Sheryl es una referencia para Haim desde el principio de su carrera, y este mismo año la han versionado.

Con ecos a las baterías arrastradas de ‘Put Your Hand in the Hand‘ de Ocean y al estribillo de ‘Malibu’ de Hole, como han apuntado algunos oyentes en la sección de comentarios de Youtube -aunque la canción suena mucho más hipnótica y sedada de lo que puede sugerir su título- ‘Gasoline’ utiliza el símbolo de este líquido inflamable para volver a uno de los temas más recurrentes del álbum, la adicción insana a un amor al que la intérprete de la canción, Danielle, vuelve y una otra vez sin poder evitarlo.

El éxito de Harry Styles no toca techo

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Harry Styles firma esta semana el single número 1 en Estados Unidos con ‘Watermelon Sugar’. Es su primer top 1 en el país, lo cual siempre es más difícil para un británico como él, aunque se quedó cerca hace unas temporadas con ‘Sign of the Times‘, su single de debut en solitario, que fue top 4. De los integrantes de One Direction, solo uno había alcanzado el número 1 en la competitiva tabla estadounidense hasta este momento, y fue Zayn con ‘Pillowtalk’.

El éxito de ‘Watermelon Sugar’ ha sido de los que da gusto seguir: progresivo y orgánico. Bueno, más o menos, porque la promoción del tema también ha contado con sus estrategias comerciales pensadas para llevarlo a la cima, como descuentos del single en las plataformas digitales o el lanzamiento de cintas de casete o videoclips alternativos. Pero no puede pasarse por alto que ‘Watermelon Sugar’ se conoce desde mediados de noviembre de 2019, cuando era lanzado como single promocional de ‘Fine Line’ para después ser estrenado en ‘Saturday Night Live’ sin que pareciera más que un tema simpático más; y que este era lanzado como CUARTO single oficial del álbum el pasado 15 de mayo, en medio de la pandemia, pero obviamente con el verano en los planes. En España, el tema ha logrado el Disco de Oro sin pasar del top 95 de la lista de singles gracias a su resistencia en dicha tabla, y en Estados Unidos ha pasado algo similar: el tema lleva 20 semanas en lista, y en lugar de perderle el pulso a ‘Rockstar’ de DaBaby o a los diversos números 1 que ha conocido la clasificación últimamente, como ‘cardigan’ de Taylor Swift o ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé, ha resistido e ido escalando posiciones poco a poco hasta hacerse con el preciado top 1 sin necesidad de recurrir a tácticas desesperadas como el lanzamiento sorpresa, colaboraciones metidas con calzador o el «remix» de turno.

En tiempos en que un tema es número 1 global en tiempo récord para después ser olvidado (¿alguien sigue escuchando ‘Toosie Slide’ de Drake al margen de los adolescentes adictos a TikTok?), Harry Styles está demostrando que el éxito a la larga, que está sobre todo en manos del público, sigue siendo posible. ‘Fine Line’ es a día de hoy el séptimo disco más vendido del año en todo el mundo, ‘Watermelon Sugar’ es claramente una de las canciones del verano sin verano, y ‘Adore You‘ sigue sin apearse del top 100 de canciones más escuchadas a nivel global en Spotify sin pasar de la parte baja de la tabla. En Estados Unidos, el segundo single de ‘Fine Line’ resiste en el número 12 nada menos, habiendo salido en diciembre y cuando en Reino Unido es top 77. Es curioso que un primer single como ‘Lights Up’ no sea el que lidere una era (como hizo ‘Sign of the Times’), y tampoco ha arrasado en listas el baladón ‘Falling’ a pesar de sus millonarios streamings, pero la longevidad de ‘Fine Line’ y el hecho que su cuarto single haya logrado ser el más exitoso de todos es prueba de que Harry está aquí para quedarse.

¿Qué as en la manga puede guardar Harry de cara al otoño, cuando el potencial veraniego de ‘Watermelon Sugar’ se haya disipado como es lógico? Sin descartar la posibilidad de rodar videoclips de alto presupuesto con las medidas sanitarias en regla, como ha hecho Taylor con ‘cardigan’ contando con todo tipo de profesionales a su disposición, Harry podrá seguir exprimiendo ‘Fine Line’ hasta que el pueblo quiera, probando con temas como ‘Golden’, ‘Cherry’ y ‘Sunflower, Vol. 6’, los tres más escuchados en Spotify al margen de los singles, o quizá relanzando ‘Falling’ de cara a la Navidad (si por mí fuera, habría vídeo para la rabiosamente sexy ‘She’). No hay que olvidar que, si todo va bien, la gira ‘Love On Tour’ arranca el próximo 29 de septiembre en México y termina el 31 de octubre de 2021 en Nueva York, conque a ‘Fine Line’ aún le queda cuerda para rato: más o menos un año.

¿Es ‘cardigan’ la mejor canción de ‘folklore’?

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Parte de la redacción evalúa ‘cardigan’, el más improbable número 1 en el Billboard Hot 100 de Taylor Swift.

«Habíamos reseñado ‘exile’, habíamos reseñado la preciosa ‘august’… ¿pero qué pasa con ‘cardigan’? ¿No va a ser realmente el verdadero clásico de ‘folklore‘? Las reticencias iniciales tenían mucho que ver con The National: co-escrita por Aaron Dessner y producida en solitario por este, cuenta con una línea de piano que llega a ser un poco más The National y revienta. Una vez comprobado que en ‘folklore’ hay cosas más diferentes y es ante todo un álbum 100% Taylor Swift, podemos volver con más calma a ‘cardigan’ y afirmar que finalmente sí es su mejor canción. Mientras ‘exile’ lleva demasiado escrito en la frente «hola, somos Taylor Swift y Justin Vernon y queremos hacer el hit crossover indie-mainstream de la próxima Navidad», ‘cardigan’ cuenta con bazas más sutiles y por tanto más interesantes. La canción recurre a la infalible imagen de una triste chaqueta abandonada debajo de una cama, que alguien rescata, como metáfora de encontrar el amor. Estructuralmente, cuenta con un estribillo en el que se menciona el título del tema, otro melódico en el que no y una frase que se repite de manera recurrente («cuando eres joven, la gente asimila que no sabes nada»). La letra se rebela contra esta última frase en un tercer verso algo distinto («yo sí lo sabía todo cuando era joven / sabía que te maldeciría para siempre»), y finalmente ofrece un clímax («sabía que volverías a mí» repetido por 4), si es que tal cosa no es la mencionada línea de piano de la canción. ‘cardigan’, una de las tres canciones sobre un triángulo de amor adolescente del álbum, siendo las otras ‘august’ y betty’, habla de la huella que deja el primer amor, y su complejidad disfrazada de sencillez le hace a esto mismo una enorme justicia». Sebas E. Alonso.

«Que Taylor Swift es fan de Lana Del Rey lo imaginábamos desde que básicamente escribió una canción de Lana Del Rey llamada ‘Wildest Dreams’, y lo sabemos a ciencia cierta desde que, en la gala Women in Music de Billboard del año pasado, declaró que Lana era la artista más influyente de la última década. Y ella es la primera que se ha dejado influir por las melodías sedadas de la autora de ‘Love’, como puede comprobarse en el single principal de su nuevo disco, ‘cardigan’. No es mi tema favorito de ‘folklore’ en absoluto: su mensaje «cuando eres joven asumen que no sabes nada» es esencial en su carrera, y el uso de la imagen del cardigan como metáfora del amor está bien traída, pero el tema suena demasiado a Lana para mi gusto. Y en cualquier caso, me quedo con la versión «cabaña iluminada por las velas» que ha salido después». Jordi Bardají.

«El ‘folklore’ de Taylor Swift me hace tilín del tramo que va de ‘mirrorball’ a ‘mad woman’. ‘cardigan’ me temo que no está incluida en este grupo. Es bonita, pero hay un momento en que mi cerebro se desconecta. Quizás porque la introducción y el puente me resultan algo farragosos, quizás porque el piano de Aaron Dessner me recuerda demasiado a The National, quizás porque el estribillo no me parece lo suficientemente bueno. Siento como si Taylor buscara la emoción en exceso, emoción que soy incapaz de sentir con ‘cardigan’, a pesar de sus aparentes cualidades; emoción que sí encuentro fácilmente en otras canciones de ‘folklore’». Mireia Pería.

Troleo doble: Adele «no sabe» dónde está su disco, Rihanna «lo ha perdido»

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Adele y Rihanna, dos de las artistas de música pop más exitosas de la actualidad, unidas por un mismo destino: el incierto lanzamiento de sus respectivos nuevos álbumes. Este año se cumple un lustro desde que la cantante británica editara su último álbum hasta la fecha, el superventas ‘25‘; y dentro de medio año ‘Anti‘ cumplirá exactamente el mismo aniversario.

Los fans de ambas se preguntan una y otra vez dónde están los discos que supuestamente tenían que sacar este año: Adele dijo en una boda que el suyo salía en septiembre, información que era finalmente desmentida por su mánager; que indicó que el disco saldría «cuando estuviera listo»; y Rihanna confirmó en Instagram que su álbum, que será de música reggae, aunque ha llegado a hablarse de dos discos distintos que la artista estaría preparando, saldría en 2019… para después no saberse nada más.

Ahora, Adele y Rihanna han decidido, el mismo día, trolear a sus seguidores sobre sus nuevos discos. ¿O no están troleando? Ante el interrogante de un fan que se pregunta «dónde está su álbum», Adele ha respondido que «si te soy sincera, no tengo ni idea»… de lo que se deduce que está bromeando o que en absoluto y que no tiene el álbum ni medio terminado o que su sello mantiene el disco secuestrado por alguna razón. Por otro lado, y ante exactamente la misma pregunta de una fan que lleva persiguiéndole años (la pregunta, no la fan), Rihanna ha sido más canalla y ha contestado: «lo he perdido». Esto poco después de asegurar, durante una rueda de prensa reciente relacionada con su nueva línea de cosmética, que el álbum saldrá «más pronto de lo que mis fans piensan».

En el mismo vídeo, Rihanna afirma que «no ha dejado la música de lado», que esta sigue siendo «su primer amor» y que no puede esperar a sacar algo «de lo que esté realmente orgullosa», y esta puede ser la razón principal por la que los discos de Adele y Rihanna parecen tan aparcados. Siendo justos, debe ser difícil crear un disco lo suficientemente bueno como para tardar otros cinco años en sacar el siguiente. Y seguro que no se hacen ‘Hellos’ y ‘Works’ todos los días. ¿Habrá habido algún contratiempo con los sellos de los que el público no tenga constancia? Todo preguntas, algún troleo, y pocas respuestas…

Miguel Bosé apoya una manifestación contra el uso obligatorio de mascarillas

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Miguel Bosé, Ministro de Asuntos Conspiranoides, es noticia después de apoyar en sus redes una manifestación contra el uso obligatorio de las mascarillas que tendrá lugar este domingo 18 de agosto en la Plaza de Colón de Madrid. El cantante, que reside en México, está pasando el verano en Madrid, por lo que cabe preguntarse si acudirá a esta manifestación.

En Twitter, el autor de ‘Papito’ ha compartido el comunicado de la manifestación, una serie de diapositivas en la que se explica el motivo de este encuentro: «Estamos en total desacuerdo con la obligación de llevar mascarilla a todas horas y en todos los lugares públicos, nos parece una medida desproporcionada y sin justificación científica», dice el texto. Sin embargo, el anuncio anima a los manifestantes a acudir al encuentro con mascarillas «para que no puedan acusarnos de rebrotes, de disolver la manifestación o arrestarnos, o para que no puedan dividirnos y enfrentarnos» y porque «así podrán venir las personas que tengan problemas de salud previos o edad avanzada, o que simplemente piensen de otra manera».

La intención de todo esto, afirma el mensaje, es que «sumemos un millón de personas como en Berlín (allí no eran obligatorias las mascarillas) y que se escuche el clamor de la ciudadanía libre, para que no sintamos que nos han puesto un bozal». El vídeo anima a la gente a escribir proclamas en sus mascarillas para usarlas como «pancartas», en concreto cosas como «dióxido de cloro» o «Vil Gates«.

Al margen de que el mensaje de la manifestación desoye el consenso científico (aquí el informe de la Organización Mundial de la Salud sobre la importancia del uso de mascarillas, fechado del 5 de junio), es falso que en Berlín, donde los contagios son inferiores a los de España, salieran a la calle «1 millón» de personas a manifestarse contra su uso: la cifra real se aproxima a las 15.000.

5 descubrimientos del Atlántida Film Festival

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Una de las funciones de los festivales de cine es dar a conocer obras de autores poco conocidos fuera de sus países de origen. Te recomendamos cinco películas del Atlántida Film Festival realizadas por tres directores y dos directoras a quienes hay que seguir muy de cerca

A son (Mehdi M. Barsaoui)

Atención a este director. Su debut en el largometraje es un drama tan bien construido y maduro, con un guión tan sólido (escrito también por él mismo), que no parece que sea una primera película. ‘A son’ (premio al mejor actor en el festival de Venecia para el francés Sami Bouajila y premio del público en la Seminci) se ha comparado con el cine de Asghar Farhadi. Y es cierto que se parece. Barsaoui utiliza las estrategias narrativas del thriller psicológico para confeccionar un vibrante drama de pareja, lleno de elipsis y giros inesperados, que funciona también como alegoría política (la historia está ambientada en Túnez durante la revolución de 2011) y denuncia social: la pervivencia de las estructuras de pensamiento patriarcales entre la población más liberal, el lastre de la moral religiosa en temas como el adulterio o la donación de órganos, el choque ideológico entre el progresista norte y el reaccionario sur… Una prometedora opera prima de un cineasta que dará que hablar. 8’5.

System Crasher (Nora Fingscheidt)

Otro debut impactante. Con su primer largometraje de ficción, Nora Fingscheidt ha arrasado en los premios del cine alemán y fue elegida para ir a los Oscar. Aunque eso sí, una parte importante de este éxito se lo debe al protagonismo de Helena Zengel, una prodigiosa actriz infantil que ya ha sido fichada por Hollywood (está rodando ‘News of the World’, la nueva película de Paul Greengrass protagonizada por Tom Hanks). La niña, que tenía diez años durante el rodaje, es capaz de soportar ella sola todo el peso dramático de la película. Y eso, en un drama social tan intenso como este, es mucho peso. ‘System Crasher’ es algo así como ‘Hermano mayor’ en clave de cine de autor (es patente la influencia estilística de los hermanos Dardenne). La historia de una niña asalvajada, abandonada por su madre, y su relación con el “hermano mayor” que el sistema le facilita para intentar “domesticarla”. Aunque en ocasiones se pasa de efectista y estridente, la película funciona bastante bien gracias a su enérgica puesta en escena y a la interpretación de su protagonista. Lo próximo de Fingscheidt será un thriller para Netflix con Sandra Bullock como actriz principal. 7’5.

I Was I Am I Will Be (Ilker Çatak)

Si ‘System Crasher’ fue la gran ganadora de los premios del cine alemán, ‘I Was I Am I Will Be’ fue la gran perdedora. Pero no por ello es peor película. El segundo largometraje del berlinés Ilker Çatak es un estupendo drama romántico protagonizado por dos personas pertenecientes a mundos completamente opuestos: una madura piloto de avión alemana con problemas de salud (una excelente Anne Ratte-Polle, conocida por la serie ‘Dark’) y un joven kurdo que trabaja de gigoló en la turística Marmaris y busca emigrar a Europa a través de un matrimonio de conveniencia. A pesar de mezclar elementos con mucha carga sensiblera –enfermedad, inmigración, xenofobia-, ‘I Was I Am I Will Be’ nunca cae en la sobrecarga melodramática. Al contrario, explora con mucha delicadeza y profundidad psicológica la relación entre un hombre y una mujer muy alejados socialmente pero muy cercanos sentimentalmente. 8.

Moffie (Oliver Hermanus)

Oliver Hermanus lleva una década rodando cine. Sus obras se han presentado en Locarno (‘Shirley Adams’), Cannes (‘Skoonheid’) o Venecia (‘The Endless River’). Sin embargo, en España es un gran desconocido. Sus películas apenas se han podido ver en festivales especializados en cine africano. ‘Moffie’, también estrenada en Venecia, es el primer filme del director sudafricano que tiene un estreno mayoritario. La película ilustra las memorias del escritor André Carl van der Merwe, en las que narra su experiencia en la mili a principios de los 80, cuando Sudáfrica estaba en guerra contra las fuerzas comunistas de Namibia y Angola. La mayor virtud de ‘Moffie’ (“maricón” en afrikáans) es su capacidad para denunciar el racismo, la homofobia y la brutalidad del ejército sudafricano durante el apartheid a través de un punto de vista muy eficaz: la mirada tímida de un recluta que ha aprendido desde niño a apartar los ojos de lo que “no se debe mirar”. La tensión entre el deseo y el miedo, entre el impulso amoroso y el instinto de supervivencia, consigue inyectar intensidad emocional y cohesión dramática a un drama que a veces se pierde entre homenajes algo artificiosos a clásicos del género bélico como ‘La chaqueta metálica’ o ‘Apocalypse Now’. 7.

Sister (Svetla Tsotsorkova)

Una de las joyas escondidas del Atlántida Film Festival. Svetla Tsotsorkova llamó la atención hace cuatro años en el circuito festivalero con ‘Thirst’ (2015), un brillante debut que se pudo ver en San Sebastián, y con el que consiguió estar nominada en los premios del cine europeo. Con su segunda película, ‘Sister’, también presentada en el festival vasco (esta vez con premio en la sección Nuevos Directores), la autora búlgara ha vuelto a demostrar que es una de las directoras más prometedoras del cine europeo. La historia de ‘Sister’ gira alrededor de una mentirosa, una adolescente (interpretada por la magnética actriz no profesional Monika Naydenova) que trabaja en un pequeño taller de alfarería junto a su madre y hermana, y que utiliza la mentira para dar color y emoción a una existencia gris y rutinaria. Cuando uno de estos embustes se le vaya de las manos, revelará las verdades que se mantenían ocultas en su entorno doméstico y social. Tsotsorkova confirma su talento para combinar el relato naturalista, poniendo especial énfasis en la filmación del trabajo diario de las tres mujeres, con el drama intimista. Lo dicho, todo un descubrimiento. 8.

Dani Rovira comunica que ha superado su cáncer

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Dani Rovira anuncia que ha superado el cáncer que le fue diagnosticado hace medio año, y que el actor revelaba padecer el pasado 25 de marzo, durante la etapa más restrictiva de la cuarentena. El tipo de cáncer al que se ha enfrentado el protagonista de ‘Ocho apellidos catalanes’ es el Linfoma de Hodgkin.

«Hoy es el primer día del resto de mi vida. ¡ESTOY CURADO!», ha comunicado el actor en Instagram. «Todo acaba y todo empieza hoy. 6 meses de subida a una de las montañas más duras a las que me he enfrentado, pero al fin llegué a la cima y, creedme, las vistas desde aquí son preciosas y reveladoras». Y añade: «Nunca terminaré de agradecer a todas las personas (familia, personal sanitario, amigos, conocidos y desconocidos) que, de una manera u otra, han aliviado y ayudado en mi subida a esta gran escarpada. El ser humano es, de raíz, maravilloso y he podido comprobarlo».

Rovira agradece a su pareja, la actriz Clara Lago, «por compartir el peso de la mochila, los avituallamientos y por estas irrepetibles vistas» y «por la luz en la noche y la silla en el camino, y por no soltarme» y dedica esta noticia a «todos los que siguen subiendo cordilleras» y también a «todos los que, a pesar de darlo todo, no lo consiguieron». El artista también tiene unas palabras de recuerdo para el fallecido Pablo Ráez: «Va por ti, querido amigo, héroe y profeta. Gracias por guiarme, Pablo. Tu mensaje y tu lucha sigue más presente que nunca». El actor reflexiona: «Estoy enamorado de la vida. No soy mejor que nadie pero, de lo que estoy seguro es de que el Dani que ha llegado a la cima, es infinitamente mejor que el que hace un año andurreaba por llanuras sin importancia».

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Hoy es el primer día del resto de mi vida. ¡ESTOY CURADO! Todo acaba y todo empieza hoy. 6 meses de subida a una de las montañas más duras a las que me he enfrentado, pero al fin llegué a la cima y, creedme, las vistas desde aquí son preciosas y reveladoras. Nunca terminaré de agradecer a todas las personas (familia, personal sanitario, amigos, conocidos y desconocidos) que, de una manera u otra, han aliviado y ayudado en mi subida a esta gran escarpada. El ser humano es, de raíz, maravilloso y he podido comprobarlo. Gracias, compañera, por compartir el peso de la mochila, los avituallamientos y por estas irrepetibles vistas. 🧡 Gracias por la luz en la noche y la silla en el camino. Y por no soltarme… 🦦 🦦 Va por todos los que siguen subiendo cordilleras, y por todos los que, a pesar de darlo todo, no lo consiguieron. Estoy enamorado de la vida. No soy mejor que nadie pero, de lo que estoy seguro es de que el Dani que ha llegado a la cima, es infinitamente mejor que el que hace un año andurreaba por llanuras sin importancia. Y va por ti, querido amigo, héroe y profeta. Gracias por guiarme, Pablo. Tu mensaje y tu lucha sigue más presente que nunca. #siemprefuerte

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Las encantadoras paradojas de Sufjan Stevens en su single pop

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De un single de 12 minutos sobre ‘America’ en el que mucha gente intuía que sobraban 5, hemos pasado a uno de los singles más decididos que se recuerdan a Sufjan Stevens. ‘Video Game’ tiene una melodía hasta facilona, carece de la estructura tan compleja de ‘Chicago’ y de sus recovecos y no puede ir más al grano en el uso de beats, sintetizadores y mensaje.

El beat parece de los Radiohead de ‘Idioteque’ (aquellos que estaban enamorados de Aphex Twin y el sello Warp), mientras que luego la canción evoluciona en sus sintetizadores hacia los territorios de los Kraftwerk más melódicos (los de ‘Das Model’). Por melodía, ‘Video Game’ también podría haber sido un tema de OMD o Junior Boys. O quizá también Depeche Mode, a los que parece apelar cuando repite aquello de «I don’t wanna be your personal Jesus». Pero todo esto lo hace para criticar el sistema desde dentro: es una canción pop que elogia ir a contracorriente.

‘Video Game’, un título que parecía tener ya el copyright de Lana del Rey, es una canción sobre ser uno mismo frente a la moda de lo que impongan los demás. La negativa de Sufjan Stevens a «seguirte el juego» o el de la mayoría es el motivo principal de la composición, afirmando que prefiere «hacer su vida cuanto más sencilla, mejor», y refiriéndose explícitamente a huir de la idea de ser el centro de atención. «No quiero ser el centro del universo / no quiero formar parte de esa vergüenza».

En esa línea podemos intuir que Sufjan Stevens podría estar cuestionando a la generación del ego de Instagram. Youtubers, TikTok et al. Por eso es un plus que haya contado para el videoclip con Jalaiah, la adolescente que creaba precisamente en TikTok el baile «Renegade»: ella misma cuenta con 26 millones de seguidores en dicha plataforma y 650.000 seguidores en Instagram. Interpretable como una deliciosa paradoja, pero a su vez como una reivindicación de que aparecer en TikTok no significa que no estés siendo tu mismo, el sencillo videoclip logra multiplicar los posibles significados de lo que parecía una sencilla composición.

Lo mejor del mes:

Katy Perry estrena el vídeo de ‘Smile’ y habla con The Guardian sobre su infancia, fracasos y acusación de acoso

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‘Smile’ es otra de esas canciones de Katy Perry que ha sido un rotundo fracaso en las listas, pero a su vez se resiste a morir por completo, como también sucediera con ‘Daisies’. Justo cuando se daba por finiquitada, se ha crecido en las emisoras de radio británicas y es la 2ª canción más radiada de dicho país, de momento sin efecto en el top 100 oficial.

Para intentar llevar ‘Smile’ hacia algún lado, se ha estrenado un vídeo para la canción en el que se reincide en la imagen de “payasa” de esta era. Con animaciones, tartazos y mucho color, Katy Perry recupera a la artista que vimos en ‘Birthday’ o ‘This Is How We Do’, pero sin añadir mucho más. Con todo, al menos hay más promoción para el disco que sale en 2 semanas, y estando embarazada de 9 meses.

Más interesante que este vídeo circunstancial es la entrevista que publica The Guardian con la periodista Laura Snapes, que también escribe para Pitchfork. En la charla se habla sobre el fracaso de ‘Witness’, que Perry comenta con un “nadie puede hacerte creer o sentir algo que tú ya no te crees. Si te sientes de una manera y le añades un poco de salsa, arderá en llamas”, reconociendo que la depresión le llevó a no querer “ni salir de la cama”. También habla de pensamientos suicidas “cuando Brand (Russell) decidió terminar su matrimonio por mensaje” (en 2012, realmente antes de ‘Prism’, 2013)).

El climax que supuso hacer la Super Bowl también le supuso una crisis, porque no sabía qué hacer después -ciertamente ha sido una de las mejores de la historia– y habla igualmente del modo en que considera que no tuvo una infancia, al estar demasiado influida por la religión, y asocia el apropiacionismo de la primera parte de su carrera “a la ausencia de una educación” apropiada en su juventud. Cuando se compara su meltdown con el de Britney en 2007, dice: «Cualquiera en un centro de atención tan intenso entiende que la cuerda floja se vuelve cada vez más y más estrecha, y que con una palabra o un mal funcionamiento de tu vestido, todo pueda explotar».

En la parte más controvertida de la entrevista, responde a la pregunta de supuesto acoso sexual a uno de los chicos que aparecían en el vídeo de ‘Teenage Dream’, al cual sacó supuestamente el pene en frente de dos amigos de ella. La respuesta de Katy es: “creo que vivimos en un mundo en el que cualquiera puede decir cualquier cosa. No quiero decir “culpable hasta que se demuestre lo contrario», pero no ha habido un sistema de comprobaciones y equilibrios, solo un titular que vuela. No hay investigación”. Dice que no ha comentado nada antes por respeto al #MeToo: “no quiero contribuir al ruido, quiero contribuir a la verdad”. Cuando Snapes le pregunta si las acusaciones era inciertas, toma aire y contesta: “no comento todas las cosas que se han dicho sobre mí, porque si entro ahí, toda mi vida sería un juego de verdad o mentira. Es una distracción para el movimiento real”.

Entre lo poco que se habla sobre el disco, Snapes indica que “varias pistas que van sobre alternar dolor con hedonismo dejan en segundo plano el crecimiento (de la artista) ganado con tanto esfuerzo, aunque el disco encuentra alivio en la catarsis de la euforia”.

Washed Out / Purple Noon

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La chillwave tiene toda la pinta de pasar a la historia como una de las modas más perecederas de la historia del pop reciente. No es un hazmerreír como el witch-house, pero ha dejado pocos clásicos que puedan ser reivindicados por generaciones venideras. Entre las excepciones podría estar en todo caso Ernest Weatherly Greene Jr., hombre detrás de Washed Out y autor por tanto de ‘Within and Without‘. Su nuevo álbum ‘Purple Noon’ pasa de los experimentos del anterior ‘Mister Mellow‘, que empezaba con un ataque de tos que no fue precisamente célebre o infame, para volver al sonido con el que todos identificamos a Washed Out.

La jugada podía haber salido muy bien por una cuestión de tiempo y contraste: no hay nadie sonando de esta manera a día de hoy y ha pasado el número suficiente de años como para una reivindicación de todo aquello. ‘Purple Noon’ es además un álbum cercano a lo conceptual que narra «el dolor en una relación en la que las cosas están empezando a desmoronarse», el relato ordenado de la historia de una pareja desde que se conoce hasta que rompe.

El primer tema, ‘Too Late’, recuerda el día que los dos se conocieron: «cuando te pedí fuego / pensé que eras un poco tímida / yo era un poco reservado pero pude ver en tus ojos que era el momento / y nuestra noche no se había terminado». Sin embargo, la mayoría de temas retrata una relación bastante tóxica, anticipando una ruptura de un par de personas que solo ha conocido la decadencia. Tan pronto como en la segunda canción, ‘Face Up’, escuchamos: «no necesitas mentir / necesitamos decirnos adiós». La tercera ‘Time to Walk Away’ dice: «no quiero pelear otra vez / estoy harto de estos juegos a los que jugamos». La quinta apela específicamente a una infidelidad, y así sucesivamente.

Musicalmente, ‘Purple Noon’ es un álbum nada apasionado, tenue como lo fue toda la chillwave, sin un solo exabrupto en el que nadie rompa un plato o un beat. ‘Time to Walk Away’ es muy claramente la mejor canción del álbum, cediendo algo a los guiños balearic para optar por uno más jamaicano y una melodía preciosa, evocadora, nostálgica de los tiempos (breves en este caso) en que todo iba bien. Pero en general el álbum es sosegado de más, como una metáfora sobre una relación monótona y aburrida. En ese sentido se lleva la palma ‘Game of Chance’, puro chill Ibiza de principios de los 90, con una guitarra mal grabada, reminiscente de alguna mala canción de Sting de la época.

Los sintetizadores más siniestros que aparecen levemente en el primer y en el último tema, y también el medio tiempo ‘Reckless Desires’ despuntan en un álbum que, teniendo en cuenta la temática, no debería dejar tan indiferente. Extendiéndose 42 minutos que parecen 50, sí incluye otro pequeño highlight hacia su final. Cuando te estás quedando traspuesto, soñando que estás tirado en una hamaca en algún país remoto al que jamás podrás llegar por restricción de vuelos, aparece en penúltimo lugar ‘Hide’ para resucitarte, con cierta cadencia de italo disco y un bonito punteo más en la vena de New Order.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Time to Walk Away’, ‘Hide’, ‘Reckless Desires’, ‘Too Late’
Te gustará si te gustan: Sade, Toro y Moi, Neon Indian
Youtube: vídeo de ‘Time to Walk Away’

Muere la madre («nunca «mamá» o el horroroso «mam» de Mánchester») de Morrissey

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Morrissey había pedido hace unos días a sus seguidores a través de Morrissey Central que rezaran por que su madre se recuperara, pues estaba muy enferma. «No hay mañana. No os pido nada más, porque podría no haber mañana», pedía desesperado, responsabilizándola de «todas las cosas buenas que le han motivado en la vida». Finalmente, Elizabeth Anne Dwyer ha fallecido lamentablemente y será enterrada en Dublín, pues la familia del autor de ‘Irish Blood, English Heart’ procedía de allí y no de Mánchester.

El artista no es el tipo de autor que dedica canciones o discos a sus seres queridos, por lo que quizá no quepa esperar un disco personal al respecto en el futuro, pero no podemos pasar por alto la importancia que ha tenido su madre en la carrera del que es uno de los autores más interesantes y peculiares de todos los tiempos. Era habitual que Elizabeth Anne acudiera a multitud de conciertos de Morrissey y por supuesto aparece en su popular e imprescindible ‘Autobiografía’.

El artista le dedicaba un precioso pie de foto para una instantánea de 1975 («mi madre siempre en mi corazón) y sin revelar mucho sobre ella, pues el libro solo muy sutilmente revela escenas de su vida más personal, en un momento muy divertido y mordaz marca de la casa, la definía de la siguiente manera: «Madre es madre, nunca mamá (o el horroroso «mam» de Mánchester); glamurosa como nadie, y además, otras cosas».

La maternidad aparece en las letras de Morrissey, pero más bien como parte de una historia ajena o ficticia, como es el caso de ‘This Night Has Opened My Eyes’ de los Smiths, sobre un embarazo adolescente, o ‘Mama Lay Softly On the Riverbed’ (en ‘Years of Refusal’). Pero no se puede pasar por alto que Morrissey utilizó el recurso de llorar en los brazos de una madre por mal de amores, o sencillamente como consecuencia de la soledad, en la preciosa letra de ‘I Know It’s Over’, una de las canciones incluidas en la obra maestra de los Smiths, ‘The Queen Is Dead’ (1986), y la que mejor viene al caso. Para todos sus seguidores, una escena que ha marcado su carrera.

Morrissey ha publicado este año un buen álbum llamado ‘I Am Not A Dog on a Chain‘ que ha pasado desapercibido por la pandemia, por su mal momento de popularidad y por su cuestionable elección de los singles, pero con temas tan reivindicables como ‘Jim Jim Falls‘.

Sanidad decreta el cierre en toda España de discotecas, salas de baile y bares de copas «con o sin actuaciones musicales en directo»

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Salvador Illa, ministro de Sanidad, ha comparecido este mediodía en rueda de prensa para anunciar una serie de medidas con las que controlar la expansión del coronavirus en toda España. Son un total de 11 medidas urgentes con las que el Gobierno pretende confrontar la grave ola de rebrotes del covid-19 que está sufriendo el país: en las últimas 24 horas, las comunidades han reportado 2.935 nuevos positivos, más los 7.550 atrasados que han sido incorporados a posteriori.

Las medidas afectan directamente al ocio nocturno. Se «decreta el cierre de discotecas, salas de baile y bares de copas con o sin actuaciones musicales en directo en todo el territorio de España», en palabras textuales de Illa, y se prohíbe fumar al aire si no se respeta la distancia de seguridad de dos metros. Además, el horario de cierre de los establecimientos será a las 01.00 como máximo y no podrán admitirse nuevos clientes a partir de las 00.00. Otra de las medidas pretende garantizar que se respete la distancia de seguridad mínima de 1,5 metros en los locales para el servicio en barra y para el consumo de mesa. A su vez, Illa ha remarcado la importancia de «no reunirnos con grupos de más de diez personas» y de «mantenerse con grupos de convivencia estable» para ayudar a contener la expansión del virus.

Como informa El Diario, otra medida pensada para los eventos culturales es la «obligación de que los eventos de ocio o culturales multitudinarios tengan la obligación de hacer una evaluación de riesgos epidemiológicos antes de celebrarse». De este modo, las «comunidades van a emprender cribados de pruebas PCR en áreas concretas o centros específicos donde la incidencia de la enfermedad pueda ser más acuciante».

Parece que los conciertos al aire libre no se verían afectados, pero parte del sector musical ha comentado la noticia con tristeza e indignación, recordando que los brotes no se han producido en los conciertos. Lola Indigo ha dicho: «#laCulturaesSegura y los conciertos han tenido unas medidas ejemplares, asi como nuestro publico ha sido responsable, respetuoso y consciente, basta ya por favor». Antonio Luque de Sr Chinarro ha indicado: «Me parece llamativo que lo primero que haya hecho el ministro de sanidad en su intervención de hoy es equiparar DJ’s y grupos de música. Insano, más que llamativo (…) Por lo demás cualquier norma es absurda en España. Por lo que he podido ver se puede incluso volar sin mascarilla. Lo más que te pasa es que te riñe una azafata o azafato. Como reñían a los que iban hablando por el móvil hasta que la cobertura se perdía en las alturas».

Desde la Sala Oxido han enviado un comunicado comentando que no les afectan las medidas porque ya estaban cerrados. “La cultura es segura pero no nos han dejado demostrarlo”. Por su parte, Shinova tienen que cancelar el concierto que ofrecían esta noche, pese a que la norma ni ha entrado en vigor: «Esto es difícil… estamos llegando a Alcalá la Real, pero acabamos de conocer que el ayuntamiento ha decidido cancelar nuestro concierto debido a las medidas propuestas por el gobierno. Prometemos venir en cuanto sea posible. Lo sentimos muchísimo».