Nos habíamos acostumbrado tanto a grupos que irrumpen con fuerza y, en muchos casos, luego no hacen sino decaer, que ya casi parece una rareza el caso contrario. Un caso como el de Mujeres, que ha explotado comercialmente (dentro del ámbito underground o, como poco, alternativo) más de diez años después de su eclosión, con su cuarto disco ‘Un sentimiento importante‘ y, muy especialmente –nos contaban que vendieron en 24 horas de preventa lo que en dos meses con su anterior trabajo–, con su nuevo disco ‘Siento muerte’.
Tras aquel «todo o nada» que suponía su anterior disco, apostando por la melodía tanto como por la energía y, sobre todo, con la crucial adopción de la lengua castellana como medio de expresión, este quinto disco del trío barcelonés compuesto por Yago Alcover, Pol Rodellar y Arnau Sanz hace algo más que apuntalar esa exitosa apuesta. Y lo hacen a base de enlazar «cara A» tras «cara A», como ellos se proponen. Toma disco conceptual.
Si «Un sentimiento» era algo más dispar en su desarrollo, con temas muy enérgicos en contraste con algún que otro medio tiempo y hasta algún experimento, ‘Siento muerte’ no tiene la más mínima piedad y va a degüello hasta su mismo final, donde tan solo la bonita ‘Algo memorable‘ –en cierto modo, no sorprende que suenen tan bien en un perfil semiacústico– entrega algo de sosiego… e incluso ahí pugna por colarse una guitarra cargada de distorsión, que finalmente se armoniza con teclados y coros.
Armonía es otra de las cualidades que destaca en los actuales Mujeres. No quiere esto decir que hayan dejado de lado su perfil garajero y punk, ni mucho menos. De hecho, la propia canción que da nombre al disco es uno de los números más abrasivos y brutos de su carrera, totalmente desbocados en ese final que suena a martillo pilón percutiendo. Pero sí que ellos, con la asistencia de Sergio Pérez (Svper, Joe Crepúsculo), consiguen que su idea de guitarras, bajo y batería tronando como colchón para que sus irresistibles melodías, adornadas con cuidados coros, suenen de una manera equilibrada y cristalina.
Pero esto podría quedarse en nada si no acompañaran las composiciones… y vaya si lo hacen. Si cada vez estamos más acostumbrados a discos que son dos o tres singles (con suerte) brillantes rodeados de relleno más o menos acertado, podemos imaginar que no haya sido fácil escoger qué canciones destacar como adelantos. Porque sí, ‘Tú y yo‘, ‘Besos‘ y ‘Cae la noche‘ –que además suenan así al inicio, una detrás de otra– son auténticos pelotazos que pondrían de acuerdo a tu primo el fan de Black Lips, Thee Oh Sees y Ty Segall con tu tío (o abuelo, quizá) el fan de Los Sírex, Los Relámpagos y Los Salvajes. Pero el gancho de ‘A veces golpes’ (con esos «shuap-pa-ooo» que incitarán seguro al pogo descontrolado en sus shows), ‘El momento exacto’ (ídem con esos «oh, yeah!» y, especialmente, ese puente previo al solo), ‘Auténtico colapso’ (con un desarrollo melódico que, aunque no lo parezca, está lleno de giros y sorpresas) y ‘Todo bien’ («una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa» como mantra) les van a la zaga. Y no es un decir. Hasta ‘Un gesto brillante’ se convierte tras su engañosa intro pausada, en otro de sus «golpes de afecto».
«Poderosos golpes de afecto», como reza la reconocible imaginería de Pol en la portada, en los que, gracias a esa luminosidad musical, destaca la voluntad de extraer belleza a través de sus letras (que parecen prístinas, pero están llenas de enigmas) sobre «un mundo que se destruye», tal y como indica una pequeña etiqueta en la cubierta de la edición CD. Halos de esperanza en el amor y en los sueños que, pese a todo, no terminan de desvanecerse en una situación cruel de precariedad, injusticia y falta de entendimiento. Porque cantando y bailando todo es mejor.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Tú y yo’, ‘Besos’, ‘Cae la noche’, ‘A veces golpes’… y así hasta el final. Te gustará si te gustan: los primeros Black Lips, The Parrots, Los Sírex. Escúchalo:‘Tú y yo’ en Youtube, Bandcamp
A tenor de la playlist Ready for the Weekend, parece claro que en este último viernes del mes de mayo parece que la industria de la música se ha desperezado definitivamente, sobre todo con la llegada de ‘Chromatica’ de Lady Gaga, pero también con la publicación del nuevo disco repleto de invitados estrella de Anuel AA. Hasta Ricky Martin ha regresado, con un EP también plagado de colaboraciones. Y en el ámbito nacional, Mala Rodríguez, Bunbury, Sr. Chinarro y Mujeres –nuestro Disco de la Semana– conforman un poker de lanzamientos igualmente importantes. Además Diplo (bajo su alias pseudo-country Thomas Wesley), Four Tet (con un proyecto de nombre completamente irreproducible e impronunciable, y no es un decir), Nicole Atkins, Sébastien Tellier, Deerhoof, Kygo, The Toxic Avenger, Frida Sundemo, Lil Yachty, Guaynaa, Freddie Gibbs & The Alchemist, el jovencísimo conjunto tweepop Fred Fredburguer, el joven trío británico Vistas, la mexicana Chiquis (con un ‘Playlist’ que incluye una inesperada revisión de ‘Jolene’ junto a Becky G), el exitoso powfu y el regreso de Jarabe de Palo tienen nuevas referencias en forma de álbumes o EPs.
Y si bien la semana había estado algo desangelada en cuanto a lanzamientos realmente fuertes –hemos destacado los singles de Melanie C, Maga, Rival Consoles, Cigarettes After Sex…–, a última hora de ayer Rosalía y Travis Scott entregaban su esperado single conjunto, ‘TKN‘. Ya hoy, la australiana Tones And I, Gang Of Four (el grupo británico anuncia la próxima publicación de un EP con las últimas grabaciones de Andy Gill, previas a su fallecimiento), The Flaming Lips, Bright Eyes, Dream Wife, Dellafuente, Nathy Peluso, Orville Peck, Rita Indiana, Chucho, Boys Noize, Ella Eyre, The Lemon Twigs, Soko, Maverick Sabre, Natos y Waor, Systema Solar, Feroe, Gabriel Garzón-Montano, Odina, boy pablo, Sevdaliza, Celeste, Duckwrth, Lois, Dolly Parton, Ilegales, Lenny Kravitz, Yung Beef, Raúl Querido, Elettra Lamborghini, la triunfitaAnaju y muchos más.
No faltan curiosidades como un álbum en directo en los estudios Electric Ladyland de The Raconteurs, una versión de John Denver que reúne a Whitney y Waxahatchee, otra de Clara Luciani para un disco que homenajea a Guy Béart, un tema benéfico de Neil Finn con coros de nada menos que Christine McVie y Stevie Nicks (las Fleetwood Mac, de nuevo juntas en una grabación), más remixes de Róisín Murphy y The Killers, este a cargo de los británicos Clean Bandit.
Cuando los usuarios del foro de Lady Gaga titularon el hilo del nuevo disco «el parto más largo del mundo» seguramente no se esperaban que una pandemia retrasara el álbum incluso una vez anunciado, pero el caso es que al fin está en el mercado digital de manera oficial y, pese a lo que sucedía con el primer single ‘Stupid Love‘, sin filtraciones significativas. El álbum tampoco se ha pasado a la prensa, ni siquiera a la anglosajona, a tenor de la ausencia absoluta de críticas previas, probablemente para evitar filtraciones, a la caza del efecto sorpresa, y también para evitar a la crítica más sibarita, a la cual ‘Chromatica’ no se dedica.
Se venía diciendo tiempo que este disco de Lady Gaga sería más electrónico, y aunque SOPHIE es la gran ausente del álbum -y mira que habría encajado en ‘911’ o en un tema que decide llamarse ‘Plastic Doll’-, la producción de BloodPop y BURNS, con colaboraciones puntuales de Skrillex o Axwell, lo lleva a sonar claramente como una reacción a la era ‘A Star Is Born’. Es decir, los 6 millones de copias despachados por su banda sonora -y subiendo- no han sido una presión para la artista, aquí concentrada en recuperar el espíritu de sus inicios. Sé que hay guitarras porque las estoy viendo acreditadas en casi todos los temas en Tidal, pero parecen en segundo o tercer plano: el AOR de ‘Born This Way’, el folk de ‘Joanne’ y toda forma de balada quedan para otra ocasión. Un dato es que Elton John aparezca en la canción que va pasando de lo intimista al trance, y del trance al jungle, una ida de olla llamada ‘Sine from Above’.
También quedan atrás exabruptos que te tiran fuera del disco nada más empezar, como ‘Aura’, o a la mitad, como ‘Jewels ‘N Drugs’ y ‘Dancin’ In Circles’: este es el disco más cohesivo de Lady Gaga desde ‘Born This Way’, pero además es muchísimo más corto que este. Con solo 43 minutos de duración pese a las 16 pistas (hay varios interludios orquestados de corte narrativo), es el álbum más dinámico de la artista desde ‘The Fame Monster’. Como revelaba una interesante playlist oficial de influencias, que lamentablemente ha desaparecido de Spotify, el álbum está concentradísimo en el techno-house y en el piano-house (‘Free Woman’, ‘Enigma’) de principios de los 90. Nombres como Technotronic, Corona, C + C Music Factory o SNAP! vienen a la mente.
Aunque sabemos que BloodPop es muy capaz de ello, Gaga no ha puesto en todo esto un punto sofisticado a lo ‘Overpowered’ de Róisín Murphy, ni lo ha actualizado de manera sutil. Stefani quita el «future» a ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa para sustituirlo por su sello personal, más borrico, lo cual no tiene por qué ser negativo. ‘Overpowered’ no es que vendiera mucho ni recibiera premios después de todo, así que para qué imitarlo, ¿para que te inviten al Primavera Sound? Como decía nuestro compañero Jordi Bardají a raíz de ‘Stupid Love’, «suena desfasado pero eso no le impide ser muy divertido».
Por un lado, es cierto que esta entrega es mucho menos «Grammy material» que ‘Joanne’. Por otro, con una media de 3 minutos por tema, este es el disco que puede darnos este verano lo que Eurovisión no ha querido. El álbum empieza con un tema muy disfrutable, ‘Alice’, y termina con otro llamado ‘Babylon’ que se despide con toda la calma, entre referencias disco, góspel y un saxo que, si Gaga fuera española, diría que es un homenaje a ‘Deja de bailar’ de Dinarama (los tiempos en que Carlos Berlanga se obsesionó con el post-disco de principios de los 80). Ajenas a lo que pueda traer la crítica, canciones como ‘Replay’ tienen tan claro su cometido en esta vida como toda la discografía de Jimmy Sommerville.
Este viernes se publica ‘Posible’, el nuevo álbum de Enrique Bunbury, que ha tenido que ser retrasado debido a la pandemia del coronavirus. Se trata de un disco oscuro, electrónico y contemplativo que en su primera mitad aglutina los sencillos que hemos ido conociendo durante estas semanas, y en la segunda una serie de temas personales y críticos. Unos están llenos de confesiones. Otros podrían ser polémicos. Sobre todos ellos hemos preguntado al artista, que de nuevo ha optado por intercambiar con nosotros preguntas y respuestas vía e-mail, estirándose con las respuestas al menos, llegando a donde muchos otros no arriesgarían.
La primera al menos la puedes copiar y pegar de otra entrevista (en serio). Es para nuestros lectores que no leen la prensa generalista ni te siguen habitualmente. ¿Qué tal estás? ¿Dónde has vivido el confinamiento?
¡Ay, te lo agradezco! Pero no hace falta copiar nada. Por de pronto aplaudo su buen gusto al no leer la prensa generalista, su salud mental lo agradecerá. Estoy razonablemente bien. En mi casa. En Los Ángeles. Supongo que, como todos, pasando días de mejor y peor humor. Unos más zen, otros más enfadado, otros más triste.
A nivel profesional está claro cómo te ha afectado, con el retraso de disco y gira, hasta de 1 año. ¿Pero cómo han sido estos dos meses para ti encerrado a nivel personal? ¿Has descubierto un lado de ti que desconocías? ¿Ha sido un bonito reencuentro contigo mismo, una manera de conocerte mejor o más bien desquiciante?
En principio, cuando aquí hablaron del «Lock Down», hablaron de dos semanas, así que pensamos que un retraso razonable del disco no sería tan terrible. Cuando empezaron a pasar los días y el encierro se alargaba, consideramos que el disco debía salir sí o sí. Finalmente el álbum se retrasó solamente un mes. La gira en cambio, sí que ha sufrido más. Normalmente, no salgo mucho. Me dedico a leer, pintar, escribir, tocar el piano o la guitarra… Básicamente, lo mismo que he hecho estos días de encierro obligatorio. Creo que tener un espíritu creativo e introspectivo, me ha ayudado a que este periodo no resultara extremadamente duro. Lo estoy sintiendo más por nuestra hija. Desde la perspectiva de los niños, está siendo aterrador. Puedes intentar hacer de Roberto Benigni en ‘La Vida es Bella’; pero quizás no soy tan buen actor o quizás la situación se cuele por todas las rendijas de nuestras vidas.
El disco parece dividido en 2, entre las canciones más accesibles y una segunda mitad menos accesible pero con un montón de frases lapidarias sobre las que te van a preguntar mucho. Lo sorprendente es que ese lado más «personal» que decía la promo se refiere sobre todo a tu yo social, ¿no? A tu vida como cantante de rock… ¿Es todo lo personal que puedes ser escribiendo o entendemos que ser cantante lo es todo para ti?
No había pensado en esos términos cuando escribía el álbum. Quizás lo parezca por canciones como ‘Como un millón de dólares’, en la que precisamente no hablo de mí. O quizás sea cierto que lo profesional y lo personal se entremezclan. Para mí, la creación, lo artístico, es uno de los pilares de mi vida, y simular como que ir a por el pan o las reuniones de padres del colegio de mi hija, forman parte sustancial de mi forma de ser y sentir, sería una boutade.
Sobre la cita a Nick Cave del single ‘Deseos de usar y tirar’, un par de preguntas: ¿cuál es el origen de ese «tú no eres tu pasado»? Pensé que podría ser alguna frase suya, pero no la localizo… A su vez, ¿puede ser una referencia a la presión que ejerce para ti Héroes del Silencio?
Siempre escuché que somos quienes somos por nuestras circunstancias, culturales, genéticas, nuestras vivencias y el peso de nuestras acciones pasadas. La frase a la que te refieres («Tú no eres tu pasado») me parece absolutamente liberadora. Pensar que eres capaz de sobrellevar, olvidar, vivir con acciones de tu pasado que han pesado y han estado en tu mochila durante tiempo, condicionando tus acciones presentes, me parece maravillosamente esperanzador. Todos tenemos heridas sin cicatrizar. El hecho de pensar que es posible, ya te permite vivir más ligero de equipaje. No pensaba necesariamente en haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud. De hecho hace ya tanto tiempo, que me parece otra vida, una encarnación anterior.
¿No es un poco raro que referencies a Nick Cave en uno de tus discos menos Nick Cave?
No sé. ¿Es raro citar a Nick Cave? y ¿Es este mi disco menos Nick Cave? Algunos dicen que es mi disco más oscuro. Yo sigo pensando que todavía no es lo suficiente.
«Haber pertenecido a una banda exitosa en mi primera juventud me parece otra vida, una encarnación anterior»
«Quizás no haya vivido como debiera / quizá haya bebido de más» es una frase de ‘Arte de vanguardia’. ¿Qué opinas de la relación del consumo del alcohol con el mito del rock’n’roll? ¿Se ha mitificado con lo destructiva que ha demostrado ser? Incluso no sé si estás siendo irónico o estás bromeando con un título tan de alto copete como ‘Arte de vanguardia’…
¡Ay, los mitos y costumbres! El alcohol, más que pertenecer al mito del rock’n’roll, pertenece a la dieta mediterránea. Es cierto que los británicos también empinan el codo de lo lindo, pero España está a un nivel muy competitivo. No necesitamos que venga Ozzy Osbourne a explicarnos los placeres de la Guinness. En mis textos siempre se cuelan bromas que supongo pertenecen al ámbito privado. Sé que mi carrera como humorista no ha sido lo suficientemente valorada y que tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto.
El cénit de esta canción es un momento muy autoafirmativo en el que reconoces que quieres «vivir tan al margen de todo como puedas». Me ha recordado a ‘Los asquerosos’ de Santiago Lorenzo. ¿Te representa ahora mismo o simplemente es una facción de ti?
No leí ‘Los Asquerosos’, ¿me la recomiendas? De todas formas, sí, «Vivir tan al margen de todo como pueda» me representa bastante. Intento ser consecuente con esa frase. Huyo de leer la prensa y ver telediarios. Intento recibir exclusivamente la información cultural que me interesa. Y tengo unos cuantos blogs que considero afines a mi sentir para informarme de los temas que me interesan. He comprobado que es muy sano para tu dieta evitar entrar en los debates de crispación política. Y puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump. Se podría decir que de política empiezo a ignorarlo todo.
«Tengo más de Lenny Bruce que de Millán Salcedo, con todos los respetos, por supuesto»
‘Como un millón de dólares’ parece una crítica a la obsesión con las apariencias y el egocentrismo. A la era Instagram, vaya, que hasta sale mencionado. ¿Te inspiras más en horrores que has visto de primera mano en el mundo de la fama o en lo locos que nos hemos vuelto con esta red la gente de a pie?
Los Ángeles, hasta ahora, ha sido lugar de peregrinación de muchos jóvenes con ganas de encontrar su hueco en el mundo de la música o del cine. Es (o era) un lugar donde podías acceder a desarrollar tu trabajo a cualquier nivel, desde lo más underground e independiente, al nivel máximo de glamour y celebridad. Y, cómo no, hemos visto a much@s venir con un propósito y distraerse con otros. La celebridad vacía, el querer mostrar algo que sólo existe en su instagram, es el pan nuestro de cada día. En cualquier ciudad del mundo, pero aquí, quizás ves de manera más radical, quién se contenta con la superficie y quién insiste en profundizar en el objetivo de su vocación.
En una línea parecida, ‘Los términos de mi rendición’ habla de quienes confunden «explotarse a sí mismo» con «realizarse». Afirmas haber «renunciado a demasiado en los últimos años» a cambio de un «modesto resultado». ¿Por qué te parece «modesto» el resultado? Ya en una entrevista anterior nos decías «me gustaría gustar a mucha más gente». Este mes han escuchado temas tuyos 2,6 millones de personas solo en Spotify, ¿a cuánta gente más te gustaría llegar?
Escuchando la obra ajena siempre parece que no has llegado a los niveles a los que aspirabas. A mí, por más que me esfuerzo, siempre me deslumbra (¡¡y deprime!!) el talento de tantos artistas a los que sigo y escucho con admiración y respeto. Todo resultado que consiga, con respecto a lo que escucho por ahí, siempre me parecerá modesto. Cierto es que tengo quien aprecia mi trabajo y estoy muy agradecido porque me permiten continuar aprendiendo y creciendo. Y sí me gustaría gustar más. Entiendo que, en realidad, a todos los músicos y artistas del mundo, lo que nos gustaría sería no disgustar a nadie, que todo el mundo apreciara el esfuerzo y cariño que pones en tu obra y que, quien te descubriera, te apreciara. Pero, no te pienses que vivo en el valle de los unicornios, sé que el mundo no es así. Y que lo que he conseguido es mucho más de lo que se considera un éxito standard.
«Puedo afirmar, con alegría, que desconozco el nombre del 95% de los ministros españoles y, lo mismo con respecto al gabinete de Trump»
La última frase del disco es «tumbado en el parque me da la impresión de que no me pierdo ya nada». No sé si es un poco pesimista, hay algo de aceptación o es un poco como el meme de «old men yelling at cloud»… Por otro lado, es un pedazo de final de disco y de carrera si te diera por retirarte. Que ojalá que no, ¡pero es que suena a eso!
Creo que la canción tiene un poco de decepción, otro de esperanza y otro tanto de indiferencia. ¡No sabes cómo agradezco eso de «pedazo de final de disco o de carrera»! Viviendo los momentos que estamos viviendo, uno no sabe claramente qué es lo que nos espera a la vuelta de la esquina. No quiero ser pesimista, pero sí que estoy preparado psicológicamente para hacer algunas cosas por última vez.
Realmente es fascinante que con todo lo que hay aquí, el disco sea tan electrónico, ¿por qué has ido hacia ahí con todo este sentir? Hay partes un tanto New Order, Bowie (otra vez), Talking Heads, Talk Talk, Field Music, incluso Fangoria en el rollo electrobolero… ¿Quiénes han sido tus referentes esta vez?
¡No sabía que Fangoria hiciera boleros! ¡Tendré que revisar su discografía! No he tenido referentes claros a la hora de hacer este disco. Tampoco escucho mucha música de otras épocas en mi vida cotidiana. Escucho mucha música, pero casi siempre del año en curso. Por ejemplo, me han gustado mucho el disco de Billie Eilish y el último de Lana del Rey, o sea que a lo mejor fueron mi inspiración para este nuevo álbum.
A raíz del vídeo inspirado en ‘Twin Peaks’, ¿viste la última temporada? En caso negativo, ¿por qué? En caso afirmativo, ¿de qué manera la disfrutaste? ¿Te has documentado o has pensado mucho después en su posible significado o la has disfrutado más en lo estético y en disfrutar de Lynch?
Claro, vi la tercera de Twin Peaks, en su momento, que creo fue el 2017. Estoy deseando volver a verla, porque el recuerdo que tengo es el de ver algo poco común. Arte puro. Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón.
«Si ves el capítulo 8 de «Twin Peaks, el retorno» y luego cualquier otra serie de la TV, es como pasar de leer a Rimbaud, a leer un tebeo de Mortadelo y Filemón»
El comunicado de aplazamiento de gira es bastante duro, consideras «inaceptable» la «nueva normalidad» y explicas que los conciertos en formatos reducidos en «cuanto a aforos, distancias de seguridad» no te parece «viable» ni «realista». Es decir, no solo lo rechazas como opción personal, porque no te guste, sino que hablas en general, ¿verdad? Últimamente se apela a la imaginación por nuevos formatos, nuevas maneras de aproximarse a la música en directo, pero interpreto que para ti 1) no se va a dar y/o 2) eso no te puede parecer un concierto de verdad…
Es un comunicado de mi oficina de management, que suscribo totalmente. Es una opción personal. Mis giras tienen unas características concretas. Tenemos un tramo Latinoamericano, otro por Estados Unidos, otro por España y por Europa. Las diferentes normativas que van apareciendo en los distintos países y las que se intuyen, no parecen propuestas por gente que se dedique a la promoción de conciertos. Las dificultades en las fronteras para personal y carga, la reducción de aforos a un tercio, la distancia social… Por no hablar del autocine y otras medidas de ciencia ficción o de Grandes del Humor. Cada uno que haga lo que quiera, que para eso vivíamos en un mundo más o menos libre; pero con esas condiciones, mi gira es absolutamente inviable. Para empezar y para poner una causa que todo el mundo entiende, no es posible desde el punto de vista económico. Por no hablar de temas profesionales y logísticos que pueden escapárseles a algunos. Por otro lado, en mi opinión, debemos tener mucho cuidado con aceptar algunos cambios que nos pretenden colar como inapelables.
En una visión optimista de este asunto, ¿es posible que el público aprecie este año más el placer y el valor de la música grabada? Parece que durante años todo el foco ha estado en la música en directo, en la experiencia en directo, como si no hubiera trabajo detrás de todo lo demás.
A mí me gusta mucho la música en directo, pero si recapitulo, los discos que he escuchado me han dado mayor satisfacción que los conciertos a los que he ido.
«Hay mucho asusta-viejas. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros»
¿Qué crees que quedará de la industria si realmente no se pueden organizar conciertos hasta otoño de 2021 como sugieren algunos expertos y seguimos pasando de comprar discos o hasta de pagar por el streaming?
¿Expertos en qué? Hay mucho asusta-viejas en los mainstream media. Este verano las playas y los bares van a estar más concurridas que la mayoría de mis conciertos y de mis compañeros. O sea que excepto Vetusta Morla, todos los demás deberíamos poder empezar nuestras giras en julio.
En estos tiempos en que todo es tan fugaz y pasajero, ¿crees que la gente seguirá queriendo ir en 2021 a la presentación de discos que han salido en 2020? No hablo de tu caso, que tienes una base de fans sólida, sino de más bien artistas de tamaño medio.
Ya, te entiendo perfectamente y tienes toda la razón. Supongo que tendremos que grabar más.
¿Tú mismo, crees que te apetecerá presentar este disco dentro de un año y medio? Sé que no son tus ritmos, pero son tiempos convulsos y raros. ¿Es hasta descartable que en octubre de 2021 tengas canciones grabadas nuevas?
Quizás antes.
Rosalía estrena su nuevo single junto a Travis Scott, ‘TKN’, el cual estaba grabado -vídeo incluido- antes del confinamiento, pero que ha tenido que retrasar debido a la pandemia de la covid-19, porque no le parecía correcto publicar un tema así en esta circunstancia. En su lugar, lanzaba la balada ‘Dolerme’. El single aplazado había sido anunciado como un tema más orientado a las discotecas, y su vídeo es una producción de Canada de los tiempos en que en los videoclips se podía tocar a otras personas, como se puede apreciar en Instagram. Una reliquia en este momento.
Habla Rosalía: «Travis es un artista al que he admirado mucho desde el principio de su carrera y no me puedo imaginar un artista mejor con el que colaborar para esta canción». Según Sony, «los artistas nos advierten de que la confianza real solo se gana con el silencio», realzando la frase “you better not break the Omertà”.
El tétrico vídeo, pájaro muerto incluido, tiene una temática más particular que universal como ‘Juro que’. De alguna manera, podrían formar parte de la misma turbia historia por completar, quizá el tercer disco de Rosalía. Ahora pasamos de una prisión a un núcleo familiar donde hay «capos» y también encontramos a Rosalía como “mamá” de una tropa de niños.
‘TKN’, de apenas 2 minutos de duración, supone la oportunidad de Rosalía de alcanzar por primera vez el Billboard Hot 100 con el que es uno de los raperos más exitosos de Estados Unidos, el autor de ‘Astroworld‘. Hasta ahora la cantante catalana ha conquistado las listas latinas de Norteamérica, pero no las generales, ni siquiera tras haber actuado junto a Ozuna en los Premios MTV -donde presentaba ‘Yo x Ti, Tu x Mi’ y ‘Aute Cuture’- y en los Grammy -donde presentaba ‘Juro que’ y ‘Malamente’-. Veremos si esta canción en Spanglish, que han coproducido Rosalía, El Guincho, Sky (mano derecha de J Balvin) y Tainy (mano derecha de Bad Bunny) corre mejor suerte. Quizá, para ello, le falte algo de contexto…
Kylie Minogue, que hoy 28 de mayo cumple 52 años, ha confirmado en una entrevista con GQ que su próximo álbum, el decimoquinto de su carrera, llevará el título de ‘Kylie’. Es decir, como su debut de 1988. De mantenerse definitivamente este título, que no parece provisional, ‘Kylie’ sería el tercer trabajo de la cantante titulado con su nombre: su disco de 1994 se llamaba de hecho ‘Kylie Minogue’, y el de 1998, originalmente ‘Impossible Princess’, hubo de titularse de igual manera en Reino Unido ante la muerte de la princesa Diana de Gales. La práctica, en cualquier caso, no es nueva: otros artistas a lo largo de la historia publicaron varios álbumes homónimos a lo largo de sus carreras, de Aretha Franklin a Weezer pasando por Caetano Veloso.
En la misma charla, la cantante australiana explica que se encuentra trabajando en un nuevo álbum de «música disco madura» porque «también la gente adulta necesita divertirse». El confinamiento le ha motivado a componer canciones «escapistas», y a la artista no se le escapa que la música disco, así como el sonido del pop de los primeros años 2000, está protagonizando actualmente un «revival» en las listas de éxitos gracias a artistas como Dua Lipa, Lady Gaga o Doja Cat. La artista asegura estar explorando estos sonidos en su nuevo álbum.
La noticia de un regreso de Kylie a la música disco, después de su incursión en el country con ‘Golden’, no puede ser más positiva para quien cuente ‘Fever‘ entre los mejores discos de pop de la historia, o tenga en similar estima trabajos como ‘Light Years‘ o ‘Aphrodite‘. Es prácticamente inconcebible entender la música disco contemporánea sin Kylie Minogue, a quien Dua Lipa ha citado como su mayor influencia, y con las canciones adecuadas, Kylie podría volver a dejar su huella en el «zeitgeist», como ya ha hecho tantas otras veces.
Lady Gaga publica su nuevo disco, ‘Chromatica’, este mismo viernes 29 de mayo. Sin embargo, la cantante ha decidido adelantar unas horas ‘Sour Candy’, su colaboración con la girl band coreana BLACKPINK, quizá con razón del masivo seguimiento que los grupos de pop surocoreanos tienen en todo el mundo.
Esta producción de apenas 2 minutos y 38 segundos de Bloodpop y BURNS, dos de los responsables principales de la música de ‘Chromatica’, vuelve a presentar un ritmo de house noventero clásico, como ya ha hecho el éxito ‘Rain on Me’ junto a Ariana Grande. Sin embargo, el estilo de ‘Sour Candy’ es un poco más radical, más pensado para la pista de baile, y, por sonido, puede remitir a ‘Swish Swish’, el hit house de Katy Perry y Nicki Minaj de 2017. Al contrario de lo que se rumoreaba, ‘Sour Candy’ NO samplea ‘Maneater’ de Nelly Furtado, pero sí destaca por dejar totalmente el protagonismo a las surcoreanas en su primer minuto.
En las últimas horas, debido a una temprana filtración (todavía no es 29 de mayo ni en Australia ni en Nueva Zelanda, ni tampoco en Corea del Sur) varios títulos de canciones de ‘Chromatica’ están siendo «trending topic». En nuestros foros ya hay debate abierto en torno al álbum, que sucede a ‘Joanne‘ y a la exitosísima etapa de Gaga con ‘A Star is Born‘.
¿Es una casualidad que hayan coincidido en fecha de publicación ‘A Steady Drip, Drip, Drip‘ de Sparks y ‘¿De qué se ríen los españoles?’ de Hidrogenesse? Seguramente sí, porque el destino es así de retorcido y puñetero cuando quiere. Pero qué feliz y apropiada coincidencia, que maestros y discípulos publiquen nuevos discos a la vez, y que sus escuchas sirvan para comprobar hasta qué punto pueden entrelazarse artistas de distintas generaciones. Y si puede que el disco número 24 de los hermanos Mael no sea el mejor de su carrera pero sí sirve para certificar su carácter incombustible y su genio, aunque este trabajo de Genís Segarra y Carlos Ballesteros se pueda entender como poco más que una anécdota, lo cierto es que, en su ámbito y dimensión, es equiparable en estatus a ese trabajo de sus confesos referentes.
Porque sí, estamos ante un trabajo que se enmarca como parte de una exposición dedicada a 100 años de humor absurdo en España, partiendo de la obra literaria y audiovisual de Ramóm Gómez de la Serna hasta los memes de Internet, pasando por Berlanga, Gloria Fuertes, Martes y Trece, Chiquito de la Calzada o Muchachada Nui. Carlos y Genís recibieron el encargo de dar soporte musical a una de las etapas de la exposición, dando lugar a cuatro piezas que suenan como una única pista y que condensan, en unos 12 minutos, todas esas distintas etapas del chiste «en contra de la lógica y de la realidad», como ellos mismos cantan. Es lo que se concentra en la cara A del maxi que han editado, convirtiendo este trabajo tan singular en otro eslabón de su discografía, apenas un año después de ‘Joterías bobas‘ y conectando con otras obras temáticas de su carrera como ‘Un dígito binario dudoso‘.
Desde el punto de vista sintético de cara a la exposición, es estupendo, en tanto que se las ingenian para condensar el amplísimo trasfondo de la expo en tiempo récord. Especialmente gracias a la propia canción ‘¿De qué se ríen los españoles?‘, que a ritmo de «disco novelty» y con la ayuda de artistas cercanos (discípulos, a su vez, de la visión pop del dúo barcelonés) como Marc Ribera (Doble Pletina) y Elsa de Alfonso, prácticamente glosa el espíritu de la exhibición con apenas algunas pinceladas, citando a Faemino y Cansado, Unamuno, Eugenio o sampleando un cacareo de Gómez de la Serna. Y, de paso, dan una pista de hasta qué punto ese absurdo ha influido en su propia carrera, repleta de figuras delirantes y desconcertantes entre la fantasía y la cotidianidad.
El que lo titula es el gran tema que se extrae de este disco, pero sus satélites dan también cuenta de su capacidad para crear algo fascinante de una cosa tan peregrina como las onomatopeyas de un célebre sketch del añorado Pepe Rubianes, en este caso poniéndose el disfraz de Moroder para crear una pieza de electrónica espacial… que es un perfecto preámbulo a la fanfarria de organillo de ‘Empanadilla de Móstoles’, que contrapone su tono solemne con frases de Chiquito, Martes y Trece o Los Ganglios. En esos vaivenes, el desopilante ‘Pasodoble de los esqueletos‘ de Miguel Mihura y Daniel Montorio no suena nada marciana, sino todo lo contrario: coherente en extremo.
La cara B de ‘¿De qué se ríen los españoles?’ sí se queda en poco más o menos que una curiosidad. Quizá destaque, por insólito, el monólogo armonizado de la menos reconocida María Dolores de la Fe, escritora y humorista canaria que defendía con chanza que Colón era una mujer. El a capella y la base instrumental de organillo de «Empanadilla» son accesorios, mientras que la versión «swinging london» del corte titular se agradece, fundamentalmente, como recordatorio de ese espíritu que alimentaron Saint Etienne (entre otros) a principios de los 90. Pero son complementos que se agradecen para dar entidad como maxi-single a este ‘¿De qué se ríen los españoles?’ cuya existencia está justificada, aunque solo sea para recordarnos de la fortuna que tenemos de vivir el tiempo de Hidrogenesse.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘¿De qué se ríen los españoles?’, ‘Pasodoble de los esqueletos’, ‘Empanadilla de Móstoles’ Te gustará si te gustan: Sparks, Chico y Chica, Joe Crepúsculo. Youtube:medley de ‘¿De qué se ríen los españoles?’
Quedan, por suerte creo yo, dos galas para que se termine esta extrañísima y desangelada edición de Operación Triunfo. Desangelada porque la crisis de la Covid-19 devino en parón que se diría un coitus interruptus… si es que en algún momento del desarrollo inicial del talent-show hubiéramos sentido algo de excitación. No ha sido así. Pero en fin, hay que acabar lo que se empieza, y anoche la gala 11 de OT 2020 nos dejaba sus tres primeros finalistas.
Dos de ellos fueron elegidos por el jurado. Sí, siguen ahí. Lo sabemos por la exagerada carcajada que se echó Natalia Jiménez a costa de una caída fortuita de Anajú. Una de esas finalistas estaba cantada: Nia es imponente en lo vocal, versátil y capaz de cantar y bailar como muchas artistas de alto nivel no pueden. Pero hay que decir que en su interpretación de ‘Halo’ ayer estuvo bastante plana, solo sacándonos del sopor al final. Un efectista vestido de espejos buscaba lograr algo similar a lo que hizo Amaia con ‘Shake It Out’ en 2018… pero no ocurrió. En todo caso tiene futuro… o eso pensábamos hasta que hemos sabido que su primer single, que se estrena este viernes, está producido por Kike Santander. Nos tememos lo peor.
La gran sorpresa, y no para bien, llegaba con la insólita elección por parte de los expertos del segundo finalista: Hugo, que se salvó de la expulsión hace apenas una semana, pasa a optar a ganar el concurso, en detrimento de otros concursantes que han mostrado más regularidad, seguridad y condiciones. Y que, además, no disfrutan con peleas ilegales de cánidos. Todo porque se atrevió a cantar ‘La leyenda del tiempo’ de Camarón de la Isla con una banda en directo. Fue una apuesta valiente, ante la que ni los más expertos estarían a la altura. Tampoco lo estuvo él, pese a su entrega, preso sobre todo de unos nervios que le lastraron en lo vocal.
Ambos fueron destacados por delante de Maialen –que estuvo tan resuelta y magnética como acostumbra con una versión jazz-latina-rag time bastante random (un clásico de las selecciones de Manu Guix y Noemí Galera) de ‘Should I Stay or Should I Go’– y Flavio (salvado in extremis de la expulsión ante Hugo). Sin embargo, los profesores no eligieron a ninguno de estos dos, sino a Eva, que hizo una efectista (y poco más) versión de ‘Nothing Else Matters’ de Metallica. Fue bastante sorprendente, dado que, pese a presentarse como una de las concursantes más prometedoras, su progresión ha sido más bien decepcionante.
Justo lo contrario que Samantha, que tras diversas zancadillas a lo largo de toda la edición salió bastante airosa de cantar y bailar nada menos que ‘Freed from Desire’, y sobre todo Anajú (otra que estrena single este viernes; veremos) que, yendo de menos a más, se marcó una magnética interpretación de ‘Nunca estoy‘, el reciente número 1 en España de C. Tangana. Y eso que había manifestado no encontrarse cómoda con ella.
Sus mismos autores acudían a las redes para aprobar esta versión: Pucho preguntaba dónde había que votar a la maña (ignorando que la dinámica del concurso no va así en esta fase) y Alizzz les daba «sus dieses». Pero ninguno de los responsables del concurso apostó por ella. Tampoco el realizador que, en un bonito plano cenital en el que Anajú parecía a punto de la lágrima cuando moría la canción, decidió que era más interesante pasar a un innecesario plano general del escenario. ¡Buen trabajo! Anajú, en todo caso, aún tiene ciertas opciones de cubrir una de las dos vacantes que serán elegidas por el público en la semifinal de la semana que viene. Ese, Puchito, será el momento de enviar el SMS.
Jarabe de Palo han sorprendido este martes 26 de mayo publicando su nuevo disco, ‘Tragas o escupes’. Es el primer álbum de material inédito de la banda desde 2014, año en que publicó ‘Somos’, si bien en los últimos años han llegado al mercado diversos recopilatorios o incluso un álbum grabado en directo junto a la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. Es, por tanto, el primer trabajo original de Jarabe de Palo desde que su cantante, Pau Donés, fuera diagnosticado de cáncer de colon en 2015, enfermedad de la que sufría una recaída en 2017, razón por la que el artista anunciaba entonces su retiro temporal de la música.
El primer single de ‘Tragas o escupes’ es el son cubano de ‘Eso que tú me das’, que rápidamente ha convertido a Jarabe de Palo en «trending topic» tras su estreno, y continúa entre los vídeos más vistos actualmente en Youtube España. El vídeo muestra a un Pau Donés acompañado de sus músicos y contento por expresar el mensaje de gratitud de la canción, que dedica a todas las personas que le han apoyado en el momento más difícil de su vida.
«Estamos acostumbrados a ser escuchados, que no a escuchar. Nos gusta mucho pedir y recibir, mucho más que a dar, y rara es la vez que damos sin esperar nada a cambio», explica Donés en un comunicado. «Lo que me ha pasado últimamente es justo lo contrario, he recibido mucho sin pedir ni esperar nada. Cosas buenas, muy buenas: cariño, afecto, respeto, amor, de gente a la que conocía y de gente a la que no. Muchos eran, como dice mi amigo Mikel Erentxun, amigos desconocidos que con sus palabras de aliento me hicieron superar momentos difíciles. Gente supongo que de todo tipo (amigos desconocidos) que quisieron ayudarme y que precisamente por no conocernos, no esperaban nada de mí».
Carly Rae Jepsen acaba de publicar ‘Dedicated Side B’, una colección de canciones que no llegaron a formar parte de ‘Dedicated‘, su último álbum de estudio hasta la fecha. El álbum incluye producciones esperadas de Jack Antonoff, Ariel Rechtshaid o Patrick Berger y una colaboración de Dev Hynes, entre otras cosas.
Pero Carly no se ha pasado la cuarentena simplemente hurgando en sus viejos descartes: la cantante canadiense ha confirmado haber compuesto «todo un disco nuevo» durante el confinamiento, como recientemente han hecho Charli XCX o Boy George. En un podcast, la autora de ‘I Really Like You’ ha explicado que ha estado colaborando con su productor Tavish Crowe por Zoom, y que juntos han hecho un álbum «muy diferente» y «divertido». En una entrevista anterior con The Guardian, la artista ya declaraba haber compuesto un «pequeño álbum» durante el confinamiento, de canciones muy diferentes las unas de las otras.
En el mismo podcast, Carly destaca las ventajas de componer música por vía telemática: «Escribes diferente de esta manera. Tienes más tiempo para meditar las decisiones que as a tomar y tienes más tiempos para distanciarte de la canción aunque sea por un momento». Si Charli ha podido entregar un álbum en pocos meses, ¿será Carly la próxima en hacerlo?
Rival Consoles, es decir, el productor de electrónica británico Ryan Lee West, ha anunciado nuevo disco, que llegará dos años después del notable ‘Persona‘, su notable homenaje a la película homónima de Ingmar Bergman.
‘Articulation’ vuelve a presentar un interesante concepto, ya que se compone de pistas que Rival Consoles ha compuesto basándose en esbozos abstractos dibujados y coloreados por él mismo. El título del álbum es un homenaje reconocido a la pieza electrónica de Gyorgi Ligeti de 1956, ‘Artikulation’, para la que más tarde, en los años 70, Rainer Wehinger proporcionaría una «transcripción visual» que sería aprobada por el propio compositor. Una composición ilustrada fascinante, como muestra este fascinante vídeo..
«Encuentro que, a veces, la música electrónica batalla consigo misma para decir algo con integridad porque la tecnología y la producción pueden meterse en medio fácilmente», ha explicado Rival Consoles sobre sus dibujos. «Creo que el propósito de muchos compositores de electrónica es encontrar una balanza entre la visión de una idea y el poder que ofrece las posibilidades de un ordenador. Con papel y bolígrafo puedes componer y re-pensar ideas sin que la tecnología se meta e medio, así que para mí (dibujar) es una manera útil de refrescar el proceso».
El primer avance de ‘Articulation’ es el titular, un tema minimalista que volverá a gustar a fans tanto de Jon Hopkins como de la última Kelly Lee Owens.
Río Babel pasa a 2021, como tantos otros festivales este año debido al coronavirus. El festival madrileño celebrará su próxima edición finalmente los días 1, 2 y 3 de julio de 2021 en Madrid y vuelve a confirmar en su cartel a Residente, C. Tangana, Bad Gyal, Rayden y Louta. Todas las entradas ya adquiridas serán válidas para 2021. El festival ha habilitado un formulario que permanecerá disponible hasta el 12 de junio, para que el público rellene en caso de desear canjear la entrada o de solicitar el reembolso.
«Han sido y son meses muy difíciles para todos, y la industria de la música es uno de los sectores más perjudicados por esta crisis», explica el festival en su comunicado. «Nosotros particularmente, dejamos atrás cerca de un año de trabajo, esfuerzo y sobre todo la ilusión por disfrutar contigo de esta experiencia musical de ensueño. No obstante, esto solo es un adiós temporal y fortuito. Queremos mirar con una sonrisa al futuro».
«En 2021, nos encontraremos nuevamente con los artistas, los técnicos, los proveedores, el personal de seguridad, de taquillas, de limpieza, de catering, los food trucks, toda esa gran familia que hace posible este evento. Y como no, ya soñamos con reencontrarnos con vosotros y con la música, nuestra gran pasión, como telón de fondo».
‘Savage Remix’, la canción que ha unido a la rapera Megan Thee Stallion y a Beyoncé, en una remezcla de un single original de la primera que ya era un éxito, pero que ha elevado el tema en aproximadamente un 200%, sin que el original fuera desdeñable en absoluto; es el nuevo número 1 de singles en Estados Unidos. Es la tercera vez en la historia que dos mujeres negras copan esta clasificación, la última de la cuales fue la victoria histórica de dos raperas, Doja Cat y Nicki Minaj, con el remix de ‘Say So’ hace tan solo dos semanas.
El de ‘Savage Remix’ es el primer número 1 en Estados Unidos para Megan, y el séptimo para Beyoncé en solitario. La autora de ‘Lemonade‘ alcanzó esta posición con ‘Crazy in Love’ con Jay-Z y ‘Baby Boy’ con Sean Paul en 2003; ‘Check on It’ con Slim Thug e ‘Irreplaceable’ en 2006; ‘Single Ladies (Put a Ring on It)’ en 2008, y el remix de ‘Perfect’ de Ed Sheeran en 2017. Antes, Destiny’ Child lo hicieron con ‘Bills Bills Bills’ en 1999; ‘Say My Name’ e ‘Independent Women Part I’ en 2000, y ‘Bootylicious’ en 2001.
Curiosamente, ‘Savage Remix’, que lamentablemente se quedará sin videoclip a la altura al menos por ahora, es solo la séptima canción interpretada por dos mujeres solistas que alcanza el número 1 en el Billboard en toda la historia. La última fue obviamente ‘Say So’, pero antes fue el turno de ‘Fancy’ de Iggy Azalea y Charli XCX, en 2014; ‘S&M’ de Rihanna y Britney Spears, en 2011; ‘Lady Marmalade’ de Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya y P!nk, en 2001; ‘The Boy is Mine’ de Brandy y Monica, en 1998; y ‘No More Tears (Enough Is Enough)’ de Barbra Streisand y Donna Summer, en 1979.
Maga han sido actualidad recientemente tras la publicación de ‘Sistemas binarios‘, el primer libro de Miguel Rivera, en el que ha quedado dignamente plasmado el imaginario del grupo.
Hoy, Maga vuelve de verdad, con su primer single en varios años. ‘Desde otro lugar’ está inspirada en ‘Rayuela’ de Julio Cortázar, libro sobre el que Miguel Rivera y Javi Vega conversan hace 20 años en una piscina comunitaria del extrarradio de Sevilla, como cuenta la nota de prensa. «Cuenta Javi que la primera escucha de aquel tema le trasladó a las películas en Super-8, sin audio, imágenes mudas en las que desfilan familiares inmortalizados en una vida feliz e infinita». El tema traslada a los integrantes de Maga a aquella conversación: “Y volvió a aparecer la rayuela que ilustraba la primera edición del famoso libro de Cortázar que dio nombre a nuestra quimera. En ella se parte de la Tierra y tras tirar una piedra a cada una de las nueve casillas sin rozar la raya consigues nada más y nada menos que llegar al cielo”.
Esa anécdota tan emotivamente narrada vertebra con esas imágenes son reproducidas, no sin cierta paradoja (aunque quizá el confinamiento no haya dado muchas más opciones), en el mundo virtual en 3D, al estilo ‘Los Sims’, que ha dirigido, producido, guionizado y animado el mismo trío sevillano. Conectando con ese flashback inesperado, la letra de ‘Desde otro lugar’ clama con añoranza desde su estribillo «¿A dónde va la vida, la parte que no vuelve, / la que manda mensajes siempre desde otro lugar?», coherente con la idea de «radiante himno a la nostalgia» que da Maga del single.
Lo hace sobre una producción que, aunque sea fiel al rock colorista e imaginativo que caracteriza a los autores de ‘Diecinueve’ o ‘Agosto esquimal’, tiene un punto espacial que conecta con muchos pasajes de ‘Astronauta‘ de Zahara (donde Rivera hacía un dueto) y ‘Universo por estrenar‘ de Anni B Sweet, que nada casualmente hace coros en esta canción. No en vano la canción ha sido grabada en los Estudios Pimodán de Lori Meyers, donde Noni (pareja de Anni, a la sazón) también aporta teclados. Pero además, junto a ese carácter retro, contrasta la pátina de contemporaneidad que dan unos coros autotuneados en la recta final, repleta de fascinantes giros armónicos.
‘Desde otro lugar’ es el primer single del nuevo disco de Maga, que sucederá a ‘Salto horizontal‘ pero del que aún se desconocen los detalles. Maga emergieron en el panorama independiente a principios de este siglo con la trilogía homónima identificada como ‘(blanco)’ (2002), ‘(negro)’ (2004) y ‘(rojo)’ (2006). Tras unos años de aparente desaparición, en 2010 regresaban con dos álbumes casi seguidos, ‘A la hora del sol‘ y ‘Satie contra Godzilla‘, previo a la posterior celebración del 15º aniversario del debut del grupo, que fue regrabado con colaboradores como Iván Ferreiro, Julio de la Rosa, Zahara o The New Raemon, entre otros.
Melanie C ha re-dirigido su sonido definitivamente hacia los ritmos del electropop y, por ejemplo, en 2016 publicaba un single estupendo llamado ‘Anymore’, que presentaba su hasta ahora último álbum de estudio publicado hasta la fecha, ‘Version of Me’. La ex Spice Girl prepara su continuación para este otoño.
El primer single ha sido el discotequero ‘High Heels’ con Sink the Pink, después ha sido el turno del elegante ‘Who I Am’, que ha sorprendido por su videoclip nostálgico, en el que las etapas de la carrera de Melanie C son expuestas en un museo, al modo de una visita literal al pasado. Y el tercer avance de este nuevo trabajo de Melanie C que sigue sin título oficial acaba de ver la luz, se titula ‘Blame it On Me’, vuelve a ser contundente en su giro electrónico y también presenta videoclip con guiños al pasado.
Como el último clip de Paloma Mami, a la que hoy entrevistamos, el vídeo de ‘Blame it On Me’ se basa en clásicos videojuegos de lucha tipo ‘Street Fighter’ y muestra a Melanie C batallando cara a cara contra su contrincante, pero también contiene referencias a la etapa de Melanie C como «Sporty Spice», al éxito de Spice Girls ‘2 Become 1’ o al icónico grito de guerra de las chicas, «girl power»,
Según la nota de prensa, ‘Blame it On Me’ es «un explosivo tema de pop moderno a base de melodías disco y electrónicas, que reflexiona sobre la toxicidad de una larga relación y el duro camino hasta lograr empoderarse y defenderse una misma. Con este single, la artista parece haber evolucionado en su música, pero a la vez revisita sus raíces».
Owen Pallett no es el único en resucitar en ‘Island’, 6 años después de su último álbum ‘In Conflict‘ y sin previo aviso. El autor que conocimos bajo el alias de Final Fantasy y también por su maravilloso trabajo como arreglista de cuerdas para Arcade Fire, The Last Shadow Puppets o, en este lapso, Caribou, Haim, Charlotte Gainsbourg o Frank Ocean -este último en los agradecimientos de este largo– ha resucitado también al personaje de Lewis. Sus seguidores le recordarán por ser el gran protagonista de su álbum ‘Heartland‘, y de manera muy visible de pistas como ‘Lewis Takes Action’ o ‘Lewis Takes Off His Shirt’, esta última una de sus grandes obras maestras. En el nuevo álbum de Owen Pallett una de las canciones se llama con mucha guasa ‘Lewis Gets Fucked Into Space’ y en ‘Fire-Mare’ Lewis vuelve a interactuar con su creador: «Owen, ¿estás ahí? Termina con esta pesadilla en la que estoy inmerso».
Si no sabes de lo que estamos hablando, ‘Island’ funciona «simplemente» como la historia de una persona que amanece «sola en la costa de una tierra extraña», hablándonos del mal que implica dicha soledad (‘Perseverance of the Saints’), y de otros males del mundo como el odio (‘Fire-Mare’), la mortalidad (‘The Sound of the Engines’) o la catástrofe. Si el single ‘A Bloody Morning’ sonaba poco premonitorio en su estrofa «seguro que algún desastre descenderá y nos ecualizará / Una crisis unificará a los valientes, a los impíos y a los justos»; su vídeo ha terminado de relacionarse con la pandemia con esas personas de tan diversas edades que se ven obligadas a bailar separadas tras un cristal.
Si aún todo esto suena demasiado marciano, y sin canciones fáciles a las que asirse como sí lo fueron en otros momentos de su carrera la mencionada ‘Lewis Takes Off His Shirt’ y ‘He Poos Clouds’, aún la mejor manera de conocer a Owen Pallett; ‘Island’ sí se va revelando como un disco detallista, ideado para aquellos que continúan escuchando música en la intimidad de su cuarto, con los ojos y las orejas bien abiertos, no de fondo. En principio sorprendente por el carácter acústico, casi bucólico, de canciones como ‘Transformer’ o ‘The Sound of the Engines’, situándose el Nick Drake más austero en ese momento como posible referente; después sí va entregando momentos más cinematográficos y decorados. En ‘Paragon of Order’ y el single principal el desarrollo es más cercano al Owen que más recordamos o a ‘Song for Zula‘, aquella maravilla de Phosphorescent que nunca está de más mencionar.
De la misma manera que ‘Transformer’ se funde con ‘Paragon of Order’ como si conformaran la misma pista, también contribuyen al fluir de este largo una serie de interludios ante los que no hay por qué carraspear: el que podemos identificar como «IV» es realmente hermoso, sugiriendo que es algo más que un puente entre dos puntos capitales del disco. Se trata de ‘Lewis Gets Fucked Into Space’ y el desenlace de ‘In Darkness’, donde Pallett nos recuerda: «»no tienes que morir para ser perdonado / no tienes que ser esclavo de tu deseo». La tensión inicial de las cuerdas de fondo del inicio de «IV», prácticamente sacadas de una película de terror, van cediendo espacio a la paz que transmite la sección de metales que se va imponiendo en la desembocadura del álbum («bonus tracks» con versiones alternativas de un par de canciones, aparte).
Pese al inhabitual posado de la portada (lleno de sombras, eso sí), ‘Island’ no revela muchísimo sobre lo que han sido estos 6 años en lo personal para Owen Pallett. No es ese tipo de artista. Lo que sí vuelve a revelar este disco es que Pallett es un buen narrador de historias en las que encontrar pequeñas píldoras de universalidad, al tiempo que por supuesto ofrece disfrutar de su buen gusto para los arreglos. Menos se habla de una preciosa voz que es una pena no haya sido escuchada durante más de un lustro. No sería tan mala idea que sus colaboraciones con Dan Snaith no se limitaran a los arreglos…
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘A Bloody Morning’, ‘Paragon of Order’, ‘The Sound of the Engines’, ‘In Darkness’, ‘— > (iv)’ Te gustará si te gustan: Nick Drake, Tori Amos, Phosphorescent Escúchalo:el single en Youtube, Bandcamp
Sin aclarar las razones exactas, el grupo madrileño Melange, que había destacado en los últimos años con sus trabajos ‘Melange’ (2016) y ‘Viento bravo’ (2017). En un escueto comunicado subido a sus redes sociales, el quinteto dice que «Melange se acaba. Queremos daros las gracias a tod@s l@s que nos acompañasteis y apoyasteis durante los años en que duró este proyecto. Dos discos, decenas de conciertos y muchas personas a nuestro lado nos respaldan y hacen felices».
El quinteto aunaba músicos provenientes de diversas bandas y les situaba como abanderados de una nueva revisión del rock progresivo y psicodélico español de los 70, con Solera, Triana o C.R.A.G. como probables referentes. A su vez, su irrupción ha supuesto un antecedente para el posterior crecimiento de nombres como Los Estanques o Derby Motoreta’s Burrito Kachimba.
El grupo, además de dar «gracias de corazón» y dedicar un «hasta siempre», se despiden subiendo en libre descarga sus dos álbumes a Bandcamp junto a una canción inédita llamada ‘Askohk’ junto al holandés Jacco Gardner, dando además una idea de la proyección internacional que también ha tenido el proyecto, quizá más reconocido fuera que en nuestro propio país.
Tras haber cancelado definitivamente su edición 2020, Primavera Sound había emplazado a su público al año 2021. Y además, habían anunciado que presentarían su cartel –o al menos la mayor parte de él– el próximo miércoles 3 de junio. Pero parece que las ansias les han podido –así lo ha reconocido su director, Gabi Ruiz, que dice que «si está hecho, no hay motivo para no contarlo»– y hoy han ofrecido un programa especial en su emisora de radio en el que el citado promotor y su equipo han avanzado ahí el grueso del cartel, antes de publicar su grueso –entre 80 y 90 nombres, se ha dicho, aunque aún quedan confirmaciones pendientes– en redes unos minutos después.
Por una parte, en la emisión radiofónica se ha anunciado la presencia de nombres que ya destacaban en el line-up de 2020, como Tyler, the Creator y Bad Bunny, que garantizan su presencia tras la cancelación de la edición 2020. Y por otro, se suman otros que han sido protagonistas en los últimos meses y que no estaban en él, como Charli XCX –que como poco presentará las canciones de los notables ‘Charli’ y ‘how i’m feeling now‘– y FKA twigs –presentando el que para muchos ha sido el mejor disco de 2019, ‘MAGDALENE‘.
También han confirmado la presencia de Pavement, uno de los grandes nombres de la edición 2020 y que fueron los primeros confirmados de ese aniversario, Beck, Bikini Kill, Yo La Tengo, Caribou, Dinosaur Jr, Autechre, Einstürzende Neubauten (que acaban de publicar nuevo álbum, ‘ALLES IN ALLEM’), Shellac, Chromatics, Jorja Smith, IDLES, Les Savy Fav, Maria del Mar Bonet, Jamila Woods, Jessica Pratt, Manel, Bad Gyal, Jenny Hval, Caroline Polachek, C. Tangana, Paloma Mami –a quien precisamente hemos entrevistado al hilo de su esperado álbum debut– y Yung Beef, además de nombres menos conocidos (de momento) pero muy interesantes como por ejemplo la jamaicana Koffee o el argentino Duki.
Más tarde se ha lanzado ese avance del primer cartel ya completo, destacando la inclusión de grandes nombres del tamaño de Gorillaz, Tame Impala, The Strokes, The National junto a la diversidad de Napalm Death, Mabel, Rina Sawayama, Brockhampton, Earl Sweatshirt, Disclosure (DJ Set), Pabllo Vittar, Faye Webtser, Amaia, Black Lips, King Krule y un largo etcétera. En la lista de bajas destaca sobre todo Lana Del Rey. Al menos de momento, porque quedan grupos y artistas por confirmar.
Primavera Sound 2021 se celebrará en el Fòrum de Barcelona entre los días 2 y 6 de junio. La distribución por días todavía no se ha anunciado pero se ha dejado claro que, una vez anunciada, sí será posible que las entradas de día podrán canjearse por las de otra fecha, en función del gusto. El próximo 3 de junio se pondrán a la venta de nuevo las entradas y se iniciará la operativa de cambios y devoluciones para los poseedores de una entrada de 2020.
Días atrás, el festival lanzaba un clip con la canción ‘Can’t Do Without You’ de Caribou en el que numerosos artistas que han pasado o pasarán por el festival, bailaban, cantaban o hacían un guiño de apoyo al evento.
Cecilio G. acudía anoche a La Resistencia, ya con público –aunque reducido– tras varias semanas haciendo el programa con el plató semivacío, y su nombre ha sido por ello trending topic durante toda la noche hasta esta misma mañana. La razón principal no es exactamente que su entrevista con David Broncano haya sido el caos, algo completamente esperable. Sino que el popular presentador, quizá sin saber dónde se metía, ha recibido de su propia medicina. Al cómico le había funcionado muy bien afrontar sus entrevistas sin documentarse (o aparentando no hacerlo), pero esta vez ha sido un error: si hubiera visto aquella mítica entrevista que Ceci le infligió a Carlotta de Hinds para una fallida sección de El País, quizá se lo hubiera pensado dos veces.
El rapero barcelonés, tras comenzar cantando en directo, hacía acto de presencia con el pelo azul verdoso y un atuendo customizado con motivos de su próxima mixtape (‘Todos presos 2’), ha sido él mismo. Ha cuestionado cómo era posible que Nathy Pelusso hubiera estado en el programa antes que él (haciendo amigas), aunque asegurando que no veía el programa… confesando que era porque Broncano le parecía «un gilipollas». Y así ha seguido, evadiendo cualquier atisbo de coherencia en la conversación y saltando del impago de los ERTEs por parte del Gobierno a una propuesta de tatuajes para Broncano, pasando por una explicación fugaz de una pelea que no recordaba… del día anterior. Al estilo Lola Flores, no canta, no baila, no divierte (pocas veces un público de La Resistencia se ha reído tan poco)… pero no se lo pierdan.
Así, se han sucedido los memes en redes sociales destacando la cara de desconcierto que lucía Broncano a lo largo del programa y destacando la presencia al estilo Joker de Ceci. En lo artístico, el rapero continúa su línea habitual de publicar canciones, mixtapes, etcétera, sin demasiados filtros: tras haber lanzado el volumen ‘La bestia del mambo‘ semanas atrás, presentaba dos EPs bajo el alias Cevid 19, hace un par de días lanzaba ‘Entre tú y yo’, con la cantante y actriz Jedet en la portada.
— La Resistencia en Movistar+ (@LaResistencia) May 26, 2020
No sé si éste es Cecilio G, Force después de ir al gym y pasar un mes con Lobo Estepario, o un personaje del GTA Roleplay a punto de hacer un atraco a puños. https://t.co/I41Xdp3ns5
¿Qué pasa con el público de La Resistencia? O sea, Broncano siempre va a pillar al invitado, viene Cecilio G y literalmente no le deja ir a por él y le vacila y ¿todavía lo veis mal? Creo que no habéis entendido nada.
Paloma Mami es una de las artistas revelación del momento. Después de triunfar en las plataformas de streaming con singles como ‘No te enamores’, ‘Fingías’ o ‘Not Steady’, los cuales acumulan decenas de millones de reproducciones en Youtube especialmente, en 2019 la cantante chilena se apuntaba un hit en nuestro país gracias a ‘No te debí besar‘ de C. Tangana y este año ha editado ‘Goteo’, un single producido por El Guincho y co-escrito junto a este y Rosalía. Actualmente, la joven cantante que debe su nombre artístico al apodo en Instagram de Drake prepara su álbum debut bajo la supervisión de Sony Music Latin. Hablamos con ella vía Zoom sobre este nuevo trabajo, su característico estilo de música urbana o sus aspiraciones.
¿Cómo ha sido este ultimo año para ti?
Ha sido un año muy loco para mí, desde que empecé ha pasado todo muy rápido. Me siento muy bendecida de todas las oportunidades que he tenido este año, de haber podido trabajar con la gente con la que he trabajado y de haber conocido a la gente que he conocido. Estoy muy feliz.
Acabas de lanzar ‘Goteo’, una canción co-escrita por Rosalía y El Guincho. ¿Es una canción que trabajas con todos ellos o llega a tu mesa ya casi terminada? ¿Qué ha contribuido a ella cada autor?
El Guincho y yo escribimos la canción y Rosalía hizo una aportación musical. Ella no estuvo en el estudio pero como El Guincho es su productor, él pudo sacar archivos y melodías que tenía de ella en el estudio y añadirlas a la canción. Fue superbacán trabajar con El Guincho. Él me ayudó mucho a mejorar en el trabajo de composición.
¿Con qué te ayudó exactamente? ¿En cuanto a la estructuración de la canción, la composición de ganchos…?
Él estaba superpendiente con todo. Yo apenas tenía experiencia en el estudio antes de conocerle, porque cuando salió mi primera canción, ‘Not Steady’, fue un éxito del tirón, pasó todo muy rápido y no tuve tiempo de irme conociendo en el estudio. Con El Guincho estuve experimentando y aprendiendo. Me enseñó mucho a componer, a trabajar la estructura de la canción…
«Mi disco tiene 11 canciones y distintos productores de todo el mundo»
¿En qué otros sentidos has mejorado en el estudio?
En todo. Yo antes no sabía cómo un ingeniero trabaja una canción, por ejemplo. He aprendido hasta a grabarme a mí misma, producir mi voz yo sola… He aprendido a sentirme más libre en el estudio porque, al principio, era más tímida y me daba miedo equivocarme. Con la práctica y la experiencia me he podido soltar mucho más y ahora en el proceso de crear mi disco me he soltado mucho y he aprendido mucho de mí misma, por ejemplo en cuanto a mi voz y también en cuanto a producción.
¿Cómo fue el rodaje del vídeo de ‘Goteo’? Está inspirado en ‘Mortal Kombat’…
Fue muy entretenido. Yo soy muy fan de los videojuegos, del anime, y los directores hicieron mi sueño realidad, de hacer un vídeo en ese estilo. Fue bacán ponerme esos trajes de latex, estar con el arnés, luchar…
¿Qué otros videojuegos te han gustado?
Cuando era chica jugaba a ese tipo de juegos: ‘Street Fighter’, ‘Mortal Kombat’… No era buena en realidad, pero siempre jugaba a juegos en esa línea.
¿Cómo surge tu colaboración con C. Tangana, que ha sido un gran éxito en España?
Mi disquera me mostró la canción y me dijo que C. Tangana quería trabajar conmigo, y que esa era la canción que él tenía en mente para mí. Entonces solo estaba hecha su parte, un par de meses después fui al estudio y grabé yo la mía y quedo bacán.
Tu disco sale este año. ¿Sigues trabajando en él o ya está terminado?
Estamos en el proceso de terminarlo. Yo soy muy perfeccionista con todo y me estoy tomando mi tiempo con él.
¿Alguna idea de cuándo va salir? ¿En otoño?
No te puedo decir.
‘No te enamores’, ‘Fingías’, ‘Mami’… ¿Todas estas canciones que has ido sacando van a estar o tu intención es publicar un disco de material totalmente nuevo?
No te puedo decir (ríe). Si no te voy a dar muchas pistas. De momento es todo «top secret».
¿El disco será largo o corto?
Tiene 11 canciones.
Has preferido hacer un disco corto, de todo canciones buenas.
Exacto. He querido hacer lo que yo consumo. Solo voy a escuchar un disco muy largo si el artista que lo ha hecho me gusta mucho, pero cuando escucho a un artista por primera vez, prefiero escuchar un disco que tenga lo normal, unas 11 o 12 canciones. Pero también es porque el 11 es mi número favorito…
¿Y eso?
Mi cumpleaños es el 11 de noviembre y, durante toda mi vida, el número 11 ha sido muy especial para mí. Es mi número de la suerte.
Maluma sacó hace poco un disco llamado ’11:11′, supongo que lo tienes en cuenta.
Sí, obvio.
«Mi canción con Diplo no va a estar en el disco»
¿Estás cuidando mucho la secuencia? ¿Es algo que te importa?
Cuando lo hacía no tenía eso en mente, pero una vez he ido escuchando el disco todo fluye muy bien, es algo que ha ido naciendo solo.
Portada, vídeos… ¿todo esto ya se hizo antes de la cuarentena o vais a tener que hacerlo sobre la marcha?
No, no está hecho, vamos a tener que hacer todo eso durante la cuarentena. Estamos viendo cómo lo vamos a hacer.
Intentaréis hacer algo original dentro de los límites…
Vamos a hacer algo muy creativo y va a ser precioso y les va a encantar.
¿Qué hay de la colaboración con Diplo? ¿Eso era verdad?
Sí, trabajé con Diplo. Esa canción no va a estar en el disco, pero seguro que pronto la van a poder escuchar.
Tus canciones son muy elegantes y atmosféricas. ¿Consideras este sonido tu marca? ¿Crees que ocupas un nicho que no está tan explotado en el reggaetón?
Me gusta que tengo mi propio toque en la música urbana, y que haya diferentes «subgenres» dentro de una sola canción… Está el R&B, Rosalía con el flamenco… Muchas personas hoy en día mezclan música urbana con su propio folclore. Todos tienen su propio color y yo tengo el mío.
Tienes 20 años. Cuando yo escuchaba reggaetón en el instituto, canciones como ‘Gasolina’, no recuerdo que tuvieran producciones muy buenas. Sonaba todo como mal. Me da la sensación de que, tras el éxito de J Balvin, Bad Bunny, etc. las producciones de reggaetón se han vuelto más sofisticadas. ¿Tienes la misma sensación?
Yo pienso que el reggaetón de antes era más para vacilar, era más de sentir la música. Eso era superbacán también y a mí me encanta. Pero ahora se trata más del contenido, la letra, de hacer estilos diferentes y experimentar. En ese tiempo el reggaetón era lo que más pegaba, y se quedaba todo en esa línea. Pero yo estoy muy agradecida de que el reggaetón exista porque, si no, no sé qué haríamos.
Has dicho que no te quieres encasillar, pero de momento todos tus singles sí tienen un sonido parecido, al margen de ‘Don’t Talk About Me’. No sé si en tu disco habrá otros estilos más marcados en otras direcciones.
Hmmm… Tengo muchos estilos diferentes en el disco, son estilos que nadie ha escuchado de mí hasta ahora. Va a ser muy interesante.
¿Te interesan las listas de éxito? ¿Sueles mirar números?
Yo me quedo feliz con lo que piensan mis fanáticos, eso para mí es lo más importante. Si me preocupara de eso mi música sería diferente. Una persona a la que preocupa el éxito hace música para gustar a todos y yo hago música para quien quiera escucharla. No estoy pendiente de eso nunca.
«Me gustaría cantar en el Madison Square Garden»
Algunos artistas tienen muy claro desde el principio que quieren dominar el mundo. ¿Tú también o te lo tomas con más calma?
Hay muchos lugares a los que me gustaría ir y en los que me gustaría cantar y espero cumplirlo. Me gustaría cantar en el Madison Square Garden, el Viña del Mar…
Dices que te gustaría cantar en el Madison. ¿En tu disco habrá instrumentos en directo o es todo producción?
Sobre todo hemos grabado con guitarra pero el disco es todo producción. La producción es algo que sobresale en el disco. He trabajado con productores de distintos lugares del mundo.
Será un disco, digamos, de sonido global.
Sí.
¿En qué sentidos has explorado tu voz?
He podido explorar mi lado más R&B. Mis canciones siempre tienen ese toque y en el disco me he dado más a ese lado.
¿Has experimentado con la duración de las canciones o eres más de hacer temas de 3 o 4 minutos?
Siempre he hecho lo que me ha apetecido en el momento, pero nunca me ha dado por hacer una canción más larga de lo que ya es. A veces, si me gusta una canción si me he preguntado si debería hacerla más larga o no, pero con la música yo tengo un «short attention span» y no creo que pudiera disfrutar toda una canción entera de 6 minutos. Quizá solo partes.
Eres fan de Bad Bunny. ¿Has escuchado sus últimos trabajos? Está arrasando…
No he escuchado sus últimos discos. Como soy yo, escucho música por fases, a veces escucho pura música latina y otras solo música en inglés, y llevo en esta segunda fase como un año (ríe)… Así que me he perdido un par de cosas.
¿Qué música te ha interesado últimamente?
He escuchado mucho R&B: Kehlani, Jhene Aikó, cosas viejas… los «classic hits» del hip-hop…
Billie Eilish te sigue en Instagram. ¿Qué te parece su música?
Me encanta su música, tiene una voz preciosa y me gusta mucho su estilo. Ha hecho un estilo alternativo supercomercial sin tener que hacerse comercial.
Al final vamos a tener que esperar para verte en directo, ya que Primavera Sound pasa al año que viene. ¿Cómo era tu show? ¿Qué vamos a poder ver en el futuro?
Preparaba un show con mucho arte en cuanto a visuales, baile, ropa, música en vivo… Estaba muy entusiasmada por estar ahí pero vamos a tener que esperar.
Entre las novedades de la playlist «Ready for the Weekend» que renovamos cada viernes, destacábamos en 2º lugar, tan sólo por detrás de ‘Rain on Me‘, lo nuevo de Foxes. Una canción que ha gustado mucho entre nuestros lectores como nos habéis estado comentando… en un artículo sobre Sia.
En cualquier caso, ‘Love Not Loving You’ es desde ya una de las mejores producciones que hemos escuchado a Foxes, a quien conocimos allá por 2012 como telonera de MARINA gracias a canciones como ‘Youth’ o ‘Echo’ y que luego se consolidaría con pequeños hits como ‘Body Talk’, con vídeo de Canada. No hay álbum nuevo de Foxes desde aquel ‘All I Need’ que en 2016 acogía esta canción, pero ‘Love Not Loving You’ se confirma como el primer adelanto de un tercer disco que publicará una de las discográficas indies más potentes del panorama internacional, PIAS.
La canción habla oficialmente sobre enamorarse de uno mismo, como indica la artista en el NME: «Es sobre no depender de nadie excepto de mi propia felicidad, sobre ser capaz de mantenerme en pie gracias a mí misma. Espero que el mensaje inspire a otros a hacer lo mismo». De ahí frases como «no necesito que me llames para que me digas que estoy bien» o «mi cuerpo no podía moverse con tus manos encima / todo lo que tenía eran tus palabras y no podía ni hablar».
La producción acompaña, en la estela de las HAIM más pop, con fraseos alegres (o agridulces) a lo Cyndi Lauper sin perder de vista a gente que últimamente también ha cantado sobre empoderamiento como Lorde. Y el vídeo también, pese a las limitaciones del confinamiento y a haber sido grabado en un iPhone, superponiendo a Foxes con varios cuadros.
Como sabéis, nuestro Disco de la Semana es ‘Siento muerte’, el quinto álbum de los barceloneses Mujeres. Un proyecto que comenzó a finales de los 00 en plena eclosión de la nueva escena garajera internacional, al calor del éxito de Black Lips o Jay Reatard, y que, tras pasar por una crisis interna tras su tercer álbum, renació en formato trío y cantando ya exclusivamente en castellano en ‘Un sentimiento importante‘. Ese disco redimensionó por completo el alcance del grupo y les convirtió en una referencia ineludible en el rock nacional, aportando frescura y efervescencia. Casi a la vez que comenzaba en España la desescalada del estado de alarma, hablábamos por teléfono con Yago Alcover, guitarrista y cantante de Mujeres, sobre la salida de un trabajo previsto para abril que se había retrasado con la irrupción de la pandemia. Ahondamos con él sobre esto, su colaboración con la escena local en esos momentos tan difíciles, la trayectoria del grupo y, por supuesto, sobre este brillante e impetuoso nuevo trabajo que se publica este viernes 29 de mayo.
Pregunta de rigor: ¿cómo llevas el confinamiento?
Pues bien. Por la parte del trabajo ha sido un puto infierno, porque trabajo en educación y ha brutal, hemos tenido que empezar desde cero, convencernos primero a nosotros mismos y luego a los demás de que merecía la pena el esfuerzo… Y en cuanto a la música, para el lanzamiento, guay. La gente ha podido escuchar mucho los temas y comparte un entusiasmo casi exacerbado hacia las novedades. De cara al directo, obviamente estamos… expectantes. La temporada se ha ido a la mierda y… aunque bueno, ya salíamos un poco tarde para eso, la verdad. Esto cambia los planes porque, sobre todo, no sabemos cuándo vamos a poder presentar (el disco). Pero bueno… nosotros tranquis.
Según lo que me decías, ¿crees entonces que es un buen momento para publicar disco porque la gente está receptiva?
Creo que es un buen momento, pero creo que está afectando a muchos procesos creativos. Piensa que dentro de un año, probablemente, esto habrá quedado atrás, no nos encontraremos en esta situación. No creo que debamos pensar «no es un momento propicio, va a ser un desastre». Para nada, es un buen momento para escuchar música. Nosotros hemos vendido más discos que nunca, hemos hecho una pre-venta absolutamente escandalosa: piensa que hemos vendido en dos días lo que con el disco anterior tardamos dos meses. La gente conecta aunque de un modo muy distinto. Además ha estallado toda la comunicación en línea, los conciertos, las charlas…. Fue un boom que ha estrechado el vínculo con el público, y que de otro modo igual no se hubiera dado. Creo que va a ser muy bonito cuando se pueda tocar, y me refiero a tocar normalmente: va a haber algo contenido… brutal.
«Creo que va a ser muy bonito cuando se pueda tocar, y me refiero a tocar normalmente: va a haber algo contenido… brutal»
¿Pero os arrepentís de no haber sacado el disco hace un mes, como estaba previsto?
Bueno, la razón fue sobre todo por las tiendas. En el momento que tuvimos claro que el 24 de abril, la fecha inicial, no habría tiendas, pensamos en aplazarlo un mes más, confiando en que ya estuvieran abiertas. Y parece que eso en unos días podrá ser, aunque sea con control de aforos y tal. Sacar el disco con las tiendas abiertas, es muy distinto. Nosotros le damos mucha importancia al soporte y a los espacios de la música. Independientemente de que haya mucho pre-order, o que hagas unas cifras de escuchas que en copias no tendrás nunca, una salida de disco siempre es muy bonita que sea en tienda, que la gente pueda ir a buscarlo el día que sale.
De hecho, recuerdo que los chichos de la tienda Ultra-Local Records nos contaban hace poco que habíais tenido una iniciativa muy chula con ellos y otros locales de Poble Nou (Nde: Espai Zowie, Sala VOL, L’Héliogabal y la propia tienda de discos), que habéis sacado un recopilatorio de descartes en Bandcamp y les habéis cedido los beneficios. ¿Cómo nace esa idea?
Nosotros nos sentimos muy conectados con todo el tejido cultural independiente. Y de hecho Pol tuvo durante unos años una tienda aquí en Barcelona. Siempre hemos procurado velar por los espacios en los que tocábamos y en general por el panorama alternativo, porque nosotros, especialmente Pol y Arnau, venimos del punk y el hardcore, casas okupas y todo ese rollo. Simpatizamos mucho con ese esfuerzo por que haya una alternativa cultural. Entonces al principio del confinamiento, queríamos hacer algo para no aburrirnos y no sabíamos qué. Nos espantaba ese rollo de «vamos a salvar el mundo, que la gente no decaiga» que le dio a la gente al principio… (Risas) Nos pareció un poco ridículo. Entonces vimos que Iceage, la banda danesa, sacó un single cuyos beneficios eran para Médicos Sin Fronteras. Nosotros no queríamos colaborar en temas de sanidad porque pensamos que debe financiarse de otro modo, no con lo que recaudemos nosotros. Entonces pensamos «nosotros no vivimos de la música, pero hay gente que sí», y se nos ocurrió convertirlo en una plataforma de apoyo. Y enseguida pensamos en apoyar lo local, espacios que se hayan dedicado a apoyar la escena local, porque Barcelona es una ciudad muy dura para empezar a tocar. Es muy difícil encontrar espacios, es un páramo. Sin un promotor, estás perdido. Y estos espacios nos parecen básicos.
«Pensamos en apoyar lo local, porque Barcelona es una ciudad muy dura para empezar a tocar. Sin un promotor, estás perdido»
Bueno, hablemos un poco de ‘Siento muerte’, ¿no?
¡Perdona, me enrollo un montón!
No, si yo te he dado cuerda. ¿Partíais de alguna premisa con respecto a ‘Un sentimiento importante’?
En principio, teníamos cierto respeto, porque fue un disco muy importante para nosotros, por todos los cambios que supuso: de formación, de idioma… Descargamos en él muchas cosas, estaba como… hiperestimulado. Hubo que encontrar el tono. Casi siempre trabajamos de una misma forma, que es encontrar un núcleo principal. En ‘Un sentimiento important’ era la idea de la superviviencia de la banda, cómo se reinventaba y surgía a partir de esa exaltación de la amistad, de lo que nos une. Y en cambio aquí, sin ser un disco conceptual, el punto central era algo más negativo: la idea de que las cosas podrían terminar, podrían desaparecer. Eso es ‘Siento muerte’. Y nos lo está constatando la situación actual, además: que el mundo está mal. O, por lo menos, que percibimos todo el tiempo que el mundo está mal, pero el disco quiere poner el acento en los pequeños momentos en los que, pese a todo, hay algo de felicidad. Eso se imprime un poco en nuestros conciertos y sobre eso gira el disco.
«El disco quiere poner el acento en los pequeños momentos en los que, pese a todo, hay algo de felicidad»
Entiendo que ese poso de felicidad está en las melodías del disco, que son muy luminosas. Pero es que además en lo rítmico va muy a saco, no hay un respiro hasta el final, con ‘Algo memorable’. No hay ni un medio tiempo. ¿Habéis puesto especial empeño en eso?
La verdad es que siempre intentamos hacer alguna cosa un poco más lenta… ¡pero nos termina saliendo todo rápido! (Risas) Tuvimos una duda con un tema, ‘A veces golpes’. La hicimos en modo balada, rollo Ronettes, y tuvimos dudas, pero al final nos entró mucho más la rápida. La otra, por cierto, ha salido en un flexi-disc. Siempre jugamos con ese pop rápido, potente. Creo que queremos mantener la energía del directo, y cuando estamos ensayando, tocando, todo se termina impregnando de eso. Nos cuesta un poco, es verdad, pensar en cosas que puedas meter en el disco y nunca toques. Nuestros bolos son muy enérgicos, y siempre pensamos en cosas que quieras tocar, así que una cosa lleva a la otra.
¿Cómo surge ese juego de palabras de «golpes de afecto» que se lee en la portada?
Bueno, es una cosa del diseño, le dimos vuelta a varias ideas… Nos gusta mucho por la traducción literal de «hits» como «golpes». Que digas «¡menudo golpe!», cosas así. (Risas) Aparte, el disco se mueve mucho en el tema de las relaciones. Tenemos muchas canciones sobre relaciones, no porque tengamos especial interés en ellas, sino por las imágenes que se crean: el amor, la amistad, la traición… Es un universo muy… de cosas que le pasan a personas. No tenemos de canciones que hablen de cosas o paisajes. Casi siempre son de lo que le pasa a las personas, de ahí los «afectos». Pero forma parte de ese lenguaje un poco rimbombante que tiene la historia del grupo. ‘Romance romántico‘, esas hipérboles… De ahí salen esos «golpes de afecto poderosos».
«Cuando las cosas son excesivamente claras, nos resultan un poco aburridas»
Es llamativa esa estética que habéis adoptado desde que cantáis en castellano, de traducciones literales. Lo empleáis en las letras también y a veces tiene un toque entre cómico y surrealista. ¿Cómo trabajáis en ello?
Bueno, por ejemplo ‘Siento muerte’ es un poco eso: en nuestro último disco en inglés, ‘Marathon‘ (2015), había una canción que se llamaba ‘Feels Dead (Siento muerte)’ y viene de ahí. Ni siquiera es literal, porque sería «siente muerte» o algo así. No acaba de encajar. A partir de esa idea hemos venido trabajando con desajustes que nos gustan, accidentes del lenguaje que te sorprenden o descolocan. Por otra parte, tenemos una manera de componer muy extraña, o por lo menos gente de otros grupos flipan: básicamente tocamos sobre una idea, una rueda de acordes o lo que sea, y le damos vueltas y vueltas, minutos y minutos. Y a partir de ahí empiezan a salir las melodías, a menudo son tarareos en un inglés inventado, «guachiguá», lo podrás ver en el disco de maquetas. Y a partir de ahí, terminamos incorporando palabras. Y antes de escribir las letras, compartimos documentos en los que metemos imágenes, frases, a veces párrafos enteros sobre ideas, y a partir de ahí seleccionamos. Es una cosa un poco azarosa. Quizá ese punto surreal venga de ahí, de esa cosa de cadáver exquisito. (Risas) Al final es como una especie de batidora y poco a poco se va asentando, cada canción va tomando un sentido. Es sobre todo un rechazo a lo evidente. Cuando las cosas son excesivamente claras, nos resultan un poco aburridas. Siempre intentamos que haya algo que agite, algo que esté pasado de vueltas… Pequeñas cosas que te saquen un poco.
La producción vuelve a ser de Sergio Pérez, pero hay cierto giro con respecto al anterior álbum, que era más abrasivo, más descontrolado. Suena más pulido y armónico.
Totalmente. De aquel álbum al EP, y del EP al disco hay un cambio importante. ‘Un sentimiento importante’ se movía en la idea de sonar como un disco antiguo, no tiene tanto volumen, hay cosas que suenan pequeñas… Tipo un master del año 77 de los Buzzcocks, algo así. Pero para el nuevo disco teníamos muy claro que queríamos que sonara más moderno. Con más volumen, más contundencia, separar las cosas y dejarlas muy claras. Pero bueno, más allá de eso, tampoco ha cambiado tanto. Sí que queríamos que la batería fuera muy grande, más contundente. Pero tendemos a simplificar mucho, porque queremos que el directo sea muy fiel, que no falten cosas. Y siendo tres es complicado.
¿Es posible que la voz sobresalga un poco más? ¿Queréis que los mensajes sean más nítidos?
Bueno, la voz está más alta, sí. La cuestión es que aunque ya habíamos tenido algunas letras en castellano eran la excepción, nunca habíamos tenido muy claro qué papel iban a jugar en nuestras canciones, porque quieras que no el inglés te ayudan a esconderte un poco. Es una cuestión de confianza. El cuarto disco fue en realidad como un primero para nosotros, que fue muy bonito. En cambio ‘Siento muerte’ se ha hecho con una conciencia enorme de lo que se podía hacer en castellano, con toda la intención.
Cuando decía antes que el sonido es más armónico, estoy pensando que igual alguien que no haya escuchado el disco igual piensa que es una cosa supermona o algo así. Pero la misma ‘Siento muerte’ tiene un sonido muy abrasivo, se ve una intención de crear con ella como un punto álgido del disco.
Este disco se ha preparado con más tranquilidad y claridad, pero siempre hemos tendido a pensar en qué tipo de temas van a llenar el disco. Me refiero a cuando estamos componiendo, pensamos qué nos falta, pensando sobre todo en el directo, cuando va a subir, a bajar… De ahí viene ‘Siento muerte’, que viene ya del segundo álbum, cuando empezamos a entender que había otras vías más kraut, más machaconas, rollo Thee Oh Sees. Eso nos flipa, tener un momento del bolo en que se venga todo abajo. Y por el color y la contundencia que tenía nos pareció que era el tema que podía dar título al disco. Y es muy importante en el tracklist, porque llega al final cuando ya has hecho el repaso por toda la faceta pop y demás, de golpe te metes el tortón. (Risas) Y de ahí a la calma absoluta.
«Siempre tenemos la idea de que todo sean caras A, un disco en el que no quieras pasar ninguna de las canciones»
Al baladón ‘Algo memorable’, sí. Pero en su melodía se intuye que, de haberla acelerado, podía haber encajado en el arranque del disco. ¿Por qué le dais ese tratamiento a esta canción en concreto?
Es algo que te pide el elepé. Nosotros siempre tenemos la idea de que todo sean caras A, un disco en el que no quieras pasar ninguna de las canciones. De hecho, al principio siempre decíamos que no sabíamos hacer discos, sabíamos hacer canciones. (Risas) Pero esto ha cambiado un poco con el tiempo, y siempre hay como alguna corazonada, nos vamos por la tangente. Así como en ‘Un sentimiento importante’ se nos fue y metimos aquello con la caja de ritmos, rollo Suicide, que es ‘No es tu sitio’, aquí se nos ocurrió hacer algo acústico, con un teclado bonito, que suene como si estuviera metido debajo del agua… Que por producción destacase mucho. Es totalmente intencionado. La rueda de acordes nos parecía tan bonita, que dijimos «tiene que ser esta».
‘Un sentimiento importante’ fue un salto muy grande para vosotros y no es nada habitual que un grupo explote así con un cuarto disco, como tú mismo decías. ¿Lo esperabais?
Pues la verdad es que no, pero cuando lo reconstruyo me da la impresión de que hicimos todo lo posible para que así fuese. Nosotros siempre habíamos confiado muchísimo en el grupo y estamos enamorados de lo que hacemos. Tuvimos un inicio muy bueno, nos trajo mogollón de sorpresas y pudimos girar internacionalmente, siendo para varios de nosotros nuestro primer grupo. Era como el momento de ese estilo de música, nos pudimos mezclar con toda la escena y se nos presentaron oportunidades de editar fuera, estar muy metidos en el circuito… A otros grupos de España sí les sucedió, pero finalmente a nosotros no, y fue durillo. Parecía que todo caía. Pero luego nuestro tercer disco empezó a funcionar muy bien con el público español, incluso aunque no se vinculara para nada con el circuito de festivales. Empezamos a vender entradas a mansalva, a llenar salas, y nos dimos cuenta de que teníamos que olvidarnos de girar fuera y centrarnos en el país, porque lo que nos gustaba es que viniera gente a vernos y compartirlo con ellos. Cuando nos dejó nuestro guitarrista (Martí Gallén) fue un momento muy crítico y nos planteamos dejarlo. Pero dijimos «si hay que seguir, después de casi 10 años, hacemos una jugada de ir a por todas o si no…» Fue además cuando cambiamos de sello y coincidió con el pelotazo que dio Sonido Muchacho. Nos dimos cuenta de todo cuando llenamos la Sala Apolo, la 1 (Nde: el espacio principal de la sala). Supuso doblar localidades, prácticamente. Fue guay.
«Cuando tocábamos una en castellano, la gente levantaba las manos, cantaba a todo trapo… Era una cosa absolutamente absurda seguir con el inglés»
En ese salto, cantar en castellano sería importante. Ya habíais hecho algún que otro tema antes, como decías, pero… ¿Cuál fue la canción que dio el vuelco? ¿Fue ‘Vivir sin ti’ o ‘Aquellos ojos’?
Es ‘Aquellos ojos‘, claramente. Y fíjate que en la demo primera que hicimos ya había una canción que se llamaba ‘No quiero verte más’ que ya tenía el rollo este del garaje ibérico y tal. Pero fue ‘Aquellos ojos’. La tocamos por primera vez en una especie de concierto de versiones al que nos invitó un colega, como que teníamos que hacer de otro grupo (Nde: por las indicaciones, presumo que pudo ser la Canela Party malagueña de 2013). Y nos preguntaban «¿esta canción de quién es?» «¿Cómo que de quién es? ¡Es nuestra!» Evidentemente, por eso le dedicamos un disco entero, un EP. Tardamos un poco en decidirnos al cambio, pero había muchas señales y mucha gente nos lo decía. Recuerdo que Borja Rosales, de Extraperlo, nos lo decía mucho, que probáramos a cantar en castellano. Y ya el momento de partir de cero, cuando hubo que empezar de nuevo como trío, fue el momento ideal. Teníamos que cargarnos de razones para continuar, ponérnoslo difícil a nosotros mismos para resurgir de las cenizas. Y aparte estaba el público. Con esto no quiero decir que diéramos un giro para el éxito, ni nada parecido, no es la idea. Sino que quisimos encontrar esa conexión que veías: cuando tocábamos las canciones en inglés, la gente disfrutaba; pero cuando tocábamos una en castellano, levantaban las manos, cantaban a todo trapo… Era una cosa absolutamente absurda seguir con el inglés. (Risas) Nosotros nos preocupamos por eso. No tanto por el hecho de gustar, sino por comprimir las distancias, hablamos mucho con ellos en el concierto, hay invasiones de escenario… Y para eso la gente tiene que sentir las canciones más suyas.
«Con la broma, pienso «hace 13 años que estábamos preparando el primer disco» y es una locura, me suena como algo ajeno»
¿Y cómo veis ahora aquellos primeros discos?
Ufff… Es que hace muchos años, ¿eh? Yo, con la broma, pienso «hace 13 años que estábamos preparando el primer disco» y es una locura, me suena como algo ajeno. No te reconoces ni la voz casi. Pero por ir por pasos, el primer disco lo veo claramente como una recopilación de las canciones que teníamos hasta ese momento, incluso volvimos a grabar algún single. En ‘Soft Gems’ sí hubo un giro muy claro, y recuerdo mucho ese momento, porque nosotros lo que queríamos era editar en Estados Unidos. Era con lo que nos sentíamos identificados, la música que escuchábamos y nos flipaba… Y ya con ‘Marathon’ sí quisimos romper ataduras, dejar de ser una banda de garaje para empezar a ser otras cosas. En realidad siempre había mucha mezcla, pese a la estética garajera. En el segundo disco ya había una balada 50s, que sonaba más a Buddy Holly o los Beatles, por ejemplo. Pero ojo, hasta la última gira tocábamos alguna canción en inglés, ¿eh?
Igual hay quien descubre esos discos ahora.
Bueno, no te puedes ni imaginar la de gente que nos ha pedido el primer disco, supongo que por afán de tenerlos todos o lo que sea. Y está descatalogadísimo, piden una pasta por él en Discogs. Nos hemos planteado alguna vez reeditar algo, pero lo veo rarísimo, que imagino que es por lo que preguntabas antes. (Risas) ¿Cómo lo veo? Hostia… Reeditar ahora mismo lo vería rarísimo, una exageración. (Risas) Nos habíamos planteado una locura: adaptar alguna letra al castellano.
Y teniendo en cuenta que pensáis tanto en el directo a la hora de hacer vuestros discos, ¿cómo de duro va a ser que salga el disco y que pasen quizá meses hasta que podáis presentarlo?
El otro día ya compré tónicas en casa para ponerme una copa el día que salga… ¡Algo tendré que hacer! (Risas) No, igual con suerte pasamos de fase y puedo verme con Pol, porque Arnau vive ahora en Bilbao, reunirnos y tal. Pero bueno. Esperamos poder confirmarlo pronto, pero en principio la presentación grande, Madrid y Barcelona, será en noviembre. Y con la esperanza de que se pueda hacer en condiciones normales, no con aforos del 30% y cosas así. Pero, mentalmente, estamos ya pensando en el año que viene. Igual podemos hacer antes algo por el sur, cuatro o cinco ciudades, pero sin garantías de que podamos tener ciertos aforos… Ten en cuenta que nosotros habíamos llegado a un plano de llenar salas de entre 500 y 1000 personas, así que no vamos a hacer las cosas a la desesperada. Esto, como decía antes, es consecuencia de que no vivimos del grupo. Es nuestra vida entera, es superbonito, dedicamos un montón de tiempo y de energía… pero no necesitamos tocar. Es algo festivo, lúdico, de vivir la vida… En ese sentido, nos han quitado algo, pero no lo necesitamos. Hay muchas ganas y estaremos rechinando los dientes, pero tenemos la vista puesta en noviembre ya.
Omar Montes ha sido noticia este fin de semana debido a un reportaje que ha protagonizado en El País. En él se explicaba cómo ha estado durante 2 meses repartiendo comida gratis entre sus vecinos más necesitados de Pan Bendito (Carabanchel), uno de los barrios más desfavorecidos de Madrid, donde permanece viviendo pese a su éxito en ‘Supervivientes’ y en las listas españolas. Recordemos que ha sido número 1 en nuestro país junto a Bad Gyal en ‘Alocao’, ya con 74 millones de streamings, y también ha triunfado con otros temas como ‘Hola, Nena’, que acaba de ser disco de oro.
El reparto de comida comenzó siendo algo puntual para gente que sabía que estaba necesitada, pero después «se corrió la voz» y tanto él como sus amigos empezaron a comprar comida en los supermercados para repartirla todos los días. Cada día han llegado a ayudar a 20 familias. El reportaje tuvo muy buena aceptación en las redes sociales y por ejemplo uno de los mensajes compartido cientos de veces decía: «He entrado al TT de Omar Montes pensando «qué habrá dicho ahora» y me entero de que ha estado comprando comida para sus vecinos más desfavorecidos durante meses. CHAPÓ». Desde entonces han sido varios los medios televisivos que han replicado el reportaje, desde Telecinco a Telemadrid. La entrevista con Telemadrid es interesante, pues Omar explica por qué se ha mantenido la acción en secreto durante dos meses y por qué finalmente ha decidido contarlo. «No nos habíamos decidido a hacerlo público, no es algo que haya hecho para enseñarlo. Pero la gente de El País nos dijo que podía servir para que otros artistas se conciencien y ayuden un poquito. Me gusta ayudar no porque me sobre, sino porque sé lo que es no tener nada. Hay que ayudarnos entre nosotros».
También reconoce que últimamente si tiene que grabar o hacer entrevistas ya no está haciendo el reparto, pero sí sigue dando el dinero a sus amigos para que lo hagan. Indica que no abandonará el barrio por mucho dinero que gane: “De mi barrio no me sacan ni con agua caliente. Este barrio me ha visto crecer, yo me he criado aquí y aquí me voy a quedar”. Y finalmente avanza una estrofa de su próximo single, ‘Mi primer amor’, como se puede ver en el Twitter de la cadena autonómica.
Nos habíamos acostumbrado tanto a grupos que irrumpen con fuerza y, en muchos casos, luego no hacen sino decaer, que ya casi parece una rareza el caso contrario. Un caso como el de Mujeres, que ha explotado comercialmente (dentro del ámbito underground o, como poco, alternativo) más de diez años después de su eclosión, con su cuarto disco ‘Un sentimiento importante‘ y, muy especialmente –nos contaban que vendieron en 24 horas de preventa lo que en dos meses con su anterior trabajo–, con su nuevo disco ‘Siento muerte’.
A tenor de la playlist 
Cuando los 
Rosalía estrena su nuevo single junto a Travis Scott, ‘TKN’, el cual estaba grabado -vídeo incluido- antes del confinamiento, pero que ha tenido que retrasar debido a la pandemia de la covid-19, porque no le parecía correcto publicar un tema así en esta circunstancia. En su lugar, lanzaba 
Cargando ...
Kylie Minogue, que hoy 28 de mayo cumple 52 años, 
Lady Gaga publica su nuevo disco, ‘Chromatica’, este mismo viernes 29 de mayo. Sin embargo, la cantante ha decidido adelantar unas horas ‘Sour Candy’, su colaboración con la girl band coreana 
¿Es una casualidad que hayan coincidido en fecha de publicación ‘
Quedan, por suerte creo yo, dos galas para que se termine esta extrañísima y desangelada edición de 
Carly Rae Jepsen acaba de publicar ‘Dedicated Side B’, una colección de canciones que no llegaron a formar parte de ‘
Rival Consoles, es decir, el productor de electrónica británico Ryan Lee West, ha anunciado nuevo disco, que llegará dos años después del notable ‘
Río Babel pasa a 2021, como tantos otros festivales este año debido al coronavirus. El festival madrileño celebrará su próxima edición finalmente los días 1, 2 y 3 de julio de 2021 en Madrid y vuelve a confirmar en su cartel a Residente, C. Tangana, Bad Gyal, Rayden y Louta. Todas las entradas ya adquiridas serán válidas para 2021. El festival 
‘Savage Remix’, la canción que 
Melanie C ha re-dirigido su sonido definitivamente hacia los ritmos del electropop y, por ejemplo, en 2016 publicaba un single estupendo llamado ‘Anymore’, que presentaba su hasta ahora último álbum de estudio publicado hasta la fecha, ‘Version of Me’. La ex Spice Girl prepara su continuación para este otoño. 
Owen Pallett no es el único en resucitar en ‘Island’, 6 años después de su último álbum ‘
Sin aclarar las razones exactas, el grupo madrileño 
Tras haber cancelado definitivamente 
Entre las novedades de 
Omar Montes ha sido noticia este fin de semana debido a un reportaje que ha protagonizado en