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María José Llergo apuesta por un vinilo blanco como el caballo en el portadón de ‘Sanación’

Por
Raúl Guillén
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No podíamos cerrar la semana sin dedicarle un espacio de nuestra sección «El físico importa» a ‘Sanación‘, el gran debut discográfico de María José Llergo. Porque, como hemos comentado, se trata de un trabajo denso y profundo, lleno de simbología y significado personal de la cordobesa. Y eso se extiende también a su edición física, que hoy desgranamos. Edición física que se limita únicamente a vinilo: tanto una representante de Sony como la mánager de la artista, Laura Llamas, nos explicaban que descartaron el CD porque creían que en él se perdía un poco el valor de la potente imagen de su portada.

Una imagen, según ella misma detallaba en Instagram, diseñada por el estudio barcelonés Querida con fotografías de Paloma Wool, el mismo tándem implicado en la también impactante cubierta de ‘Pero no pasa nada’ de Amaia. En este caso, se trata de una foto que se hizo en el interior de un estudio, con la imagen de un objeto celeste sobrevolando un campo como fondo, protagonizada por un caballo totalmente real (de nombre Shaklan) que alza sus patas delanteras ante María José sentada en una silla. Una escena en la que no hay ninguna impostura ni post-producción, como me confirma Llamas: «la instantánea sucedió tal cual».

La portada, como apuntaba, está repleta de simbología sutil: la imponente imagen –que presenta «un entorno natural encerrado en uno artificial, como se ha sentido ella a menudo en la ciudad»– queda empequeñecida al rodearse de un marco de color blanco puro, sobre el que solo se lee un código de barras en su parte inferior, «reapropiándose de un símbolo del capitalismo» para significar, como nos dijo en su entrevista, «el valor» de su voz, que no «su precio». Una idea que quizá también guarde relación con la pintura dorada que cubre sus pies. Dado su interés por la literatura y la poesía del siglo XX, quizá podría buscarse una alusión a Pies Dorados, personaje femenino de ‘La ciudad y los perros’ de Mario Vargas Llosa. Pero más bien me inclino porque aluda a una de las canciones del disco. Me refiero obviamente a ‘Soy como el oro‘, la única que reinterpreta una letra popular que, se intuye, está muy relacionada con su sanación personal: «Soy como el oro, soy como el oro / mientras más me desprecias, más valor tomo».

El dorado y el blanco también son protagonista en otra de las imágenes del encarte, la que se sitúa en la contraportada, con unas joyas que le cubren buena parte de la cara, casi conformando una especie de máscara o velo. En esa misma imagen, tampoco puede pasarse por encima del triángulo con la cúspide invertida que forman sus manos sobre su vientre, claro símbolo de empoderamiento femenino. No menos impactante e importante es la foto que protagoniza la funda interior del disco: María José mira a la cámara con serenidad pese a evidentes signos de lágrimas recorriendo su cara, desluciendo su maquillaje pero de manera sutil. Relacionada con el tema que abre el disco, ‘¿De qué me sirve llorar?‘, es otra imagen que denota el haber superado toda esa oscuridad que albergan las canciones del disco y se contraponen a la luz del blanco que protagoniza todo el encarte.

Como no podía ser de otra manera, el vinilo que aquella protege es también de color blanco puro. De nuevo como en el caso de Amaia –imaginamos que, por coincidir, dado que hablamos de un lanzamiento de Sony Music, hasta habrá coincidido que se hicieron en la misma fábrica–, no es solo una boutade y el sonido es de una calidad notable. La masterización y mezcla del experimentado ingeniero argentino Max Miglin –ganador de varios Grammy Latinos por su labor técnica, que ha trabajado con Pablo López, Coti, Rosario, Charly García, Spinetta, etcétera– claramente tiene algo que ver en ello. Miglin figura destacado en la completa y extensísima hoja de letras, créditos y agradecimientos que ocupa la contra de la bolsa del vinilo. En ella, María José no se deja a absolutamente nadie por dar las gracias. Por supuesto no a su familia, desgranada uno a uno y con nombre apellidos, con su abuelo –su primer maestro de canto– en un papel destacado. Pero tampoco a influencias como «Lorca, Enrique Morente, José Val del Omar, Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Pastora Pavón, Niña de la Puebla, Arcángel, Rocío Márquez, Antonio Machado, Vicente Aleixandre…»
El vinilo de ‘Sanación’ de María José Llergo está a la venta en Amazon y en tu tienda de discos favorita.

Cariño son espejo de una generación que no acuñaría un término como «tontipop»

Por
Raúl Guillén
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Empiezo a acostumbrarme a leer/escuchar en mis carnes lo de «OK boomer», pero no por ello voy a renunciar a decir algo incuestionable: el numerosísimo público que llenaba ayer Ochoymedio Club a ver el concierto (sin importar cuántas veces hayan tocado en Madrid en el último año) de Cariño y Megansito El Guapo (y no es un decir: la pista estaba ya repleta cuando la pareja salió a escena) es muy muy joven. Veinteañeros (o ni siquiera) que no es que no pudieran vivir la primera corriente in die pop de los 90. Es que ni siquiera habrían nacido aún, en muchos casos. [Fotos: Nacho Nabscab, cortesía de Intromúsica y Ochoymedio Club.]

Digo esto porque hay quien quizá no valore lo que el trío femenino afincado en Madrid en su justa medida porque, entiendan ellos, ya se ha hecho antes. Desde luego, su pop tan naif como impetuoso en su espíritu punk es algo que aquí cuajó hace unos 25 años en una particular escena que congregaba a proyectos tan variopintos como La Casa Azul, Los Fresones Rebeldes, TCR, Gasca, D’estrellitas Power, La Pequeña Suiza… y que las élites del «indie bien» tuvieron a mal llamar –quizá hoy se recuerde con cariño, pero se acuñó con intención de desprecio– «tontipop».


Un término que a buen seguro resbalaría del todo –si alguien se lo planteara– a un público que parece incapaz de tal cinismo, quizá más sensible y más respetuoso con canciones que, simplemente, son dulces y bonitas y hablan, mal o bien, de amor. Unas canciones que anoche en la sala But soliviantaron a un entregado público –hubo amagos de pogo, pero sobre todo saltos y abrazos– que vivió el aún corto repertorio de las Cariño nutrido por ‘Movidas‘ –no faltó su célebre adaptación de C. Tangana ni se cortaron en recuperar el villancico ‘X Navidad‘, y estrenaron un par de nuevas canciones, una de ellas sin las baterías pregrabadas, que no estaban listas– como una auténtica fiesta.


Una fiesta pop pero también de la naturalidad y la diversidad sexual que amparan en sus canciones, a la que se sumaron como invitados especiales Confeti De Odio (que tocó la guitarra y cantó con ellas ‘:(‘) y Javiera Mena (que se sumó a ‘Bisexual‘, aunque se cuidó de no cantar los versos sobre besar a un chico: su lesbiandad sí es inquebrantable), y que culminó con una sorpresa aun mayor: cuando cerraban con ‘Canción de pop de amor’, al llegar al verso «voy a pedirte que te cases conmigo» interrumpieron la actuación para dejar subir a una pareja al escenario y, sí, uno de ellos pidió matrimonio al otro. Dijo «sí», por cierto, antes de retomar la canción desde el principio, ya con un jolgorio generalizado. El bis, por cierto, fue tal, con ‘Canción de pop de amor’ –en formato remix, lanzado desde la mesa– y para el que invitaron a bailar sobre las tablas a un montón de amig@s (entre los que distinguimos a Olaya Axolotes o Stephen Please).

Quien albergue alguna duda de que, salvo catástrofe imprevista, Cariño harán un buen papel en el festival de Coachella 2020, que se olvide: las chicas estrenan un nuevo formato, con una miembro extra en escena que lanza las bases, dando más libertad para cantar, tocar sus instrumentos y disfrutar de ello a María, Alicia y Paola. Especialmente entregada y divertida se mostró esta última, una auténtica polvorilla que se afanaba con ganas en las guitarras –en directo muestran mucho más músculo que en disco, por encima incluso de los teclados– y que es, pese a cantar apenas algún coro, la auténtica frontwoman del grupo. No por nada ocupa el centro del escenario. 7,5.

Antes de Cariño, Megansito El Guapo presentaba las canciones de ‘MEG’, su primera mixtape. Parecía que no se guardaba nada al arrancar directamente con el sexy-soul de ‘Mentiroso‘ y el ultrabailable ‘Perdona’, pero estábamos equivocados. Lejos de ir de más a menos, cuando el show decaía un poco el dúo se sacó de la chistera una prometedora colaboración sorpresa: tres cuartas partes del grupo Baywaves se sumaban con guitarra, bajo y batería a ellos para una fantástica versiones soft rock de ‘Carretera’ –su mayor éxito en streaming ahora mismo–, ‘Mentiroso 2’ y ‘QQH’. Rematando con una versión bastante punky de Daniel Daniel, el improvisado quinteto se marchó dejando la sensación de que Cupido podrían tener en ellos unos firmes competidores. 7.

La ansiedad tras una relación fallida en la adictiva ‘Risk It’ de Austra

Por
Sebas E. Alonso
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No es tan fácil llamar la atención con el primer single de un cuarto disco, y Austra lo han conseguido con ‘Risk It’, el tema con el que avanzan su nuevo álbum, a la venta la próxima primavera. Lo presentarán en Tomavistas, festival en el que actuarán junto a otros artistas como Suede o Novedades Carminha, y el mismo día que gente como Jarvis Cocker, of Montreal, León Benavente o Mikal Cronin.

‘Risk It’, cuyo título remite indirectamente a ‘Lose It’, el mayor hit hasta ahora de la banda, se basa en dos pilares: unos vientos entrecortados repitiéndose hasta la saciedad y un estribillo apitufado cual ‘Nikes’ igual de insistente y martilleante, con unas estrofas totalmente esclavas a su servicio.

A través de Instagram, Katie Stelmanis ha comentado que ‘Risk It’ es una canción «plagada de ansiedad». Katie quiso cambiar el pitch de su voz para que sonara en otro tono. “Me gusta cómo aun así puedes oír el vibrato, el tono de la voz y sobre todo la emoción”. La artista opina que la nueva velocidad a que ha sometido su voz “añade un elemento de tensión porque esta canción va sobre ansiedad y tensión”. Para aquellos disconformes con eso, asegura que podremos oír su voz normal muy pronto en otros temas del disco. Pero en esta parece que ha querido «arriesgar».

En partes de la letra escuchamos frases relacionadas con esa tensión, como “me avergüenza / es una locura estar buscándote sin descanso” o “respiro / lucho por mantenerte lejos de mí / lentamente me va matando / sé que debería terminar contigo aquí”. No en vano, el vídeo nocherniego nos muestra a “la protagonista atrapada por la inevitable encrucijada que sucede cuando un amor se desmorona”.

Lo Mejor del Mes:

¿Es ‘Tusa’ «el ‘Umbrella’ de Karol G» a pesar de su irritante riff de falsas cuerdas?

Por
JNSP
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Parte de la redacción evalúa el que es el mayor éxito en España desde hace semanas.

«‘Tusa’ es el número 1 en Spotify España desde hace más de 2 meses y por tanto está inamovible en el número 1 de la lista oficial de singles de nuestro país desde hace semanas. Me alegro de que Nicki Minaj tenga su parcelita en un top 1 en las listas oficiales de algún lugar (Karol G ya lleva un buen rato petándolo en los países latinos), pues de un tiempo a esta parte parecía gafada, pero ‘Tusa’ no aporta demasiado a los estándares del género. Aparte de un irritante riff de cuerdas sintetizadas a lo ochentero, recurso de sobra explotado por Alizée o Coldplay, la canción es una sucesión de tópicos en la letra y lugares comunes en cuanto a ritmo. Lo peor es que en Colombia «tusa» es una palabra que se usa para designar la tristeza tras una ruptura, pero esta producción no logra transmitirme nada de eso. Cuando Karol G dice lo de «pero si le ponen la canción», me dan muchas ganas de ponerme LA CANCIÓN«. Sebas E. Alonso.

«La calidad melódica de muchas canciones de reggaetón me parece infravalorada. Quizá porque las producciones a veces no son las mejores, quizá porque triunfan cantantes con voces que me parecen horrorosas, a veces es difícil apreciar melodías espectaculares como la de ‘Te boté‘. El reggaetón más triste está dejando muy buenos temas y ‘Tusa’ es uno de ellos. Comercialmente va en camino de convertirse en la cumbre en la carrera Karol G, y artísticamente es una de sus mejores canciones sin lugar a dudas. Es verdad que las cuerdecillas a lo ‘Call Me Maybe’ suenan a plástico, pero que me aspen si el estribillo «si le ponen la canción le da una depresión tonta» no es bonito, sugerente, sutil… porque que es icónico ya nadie lo puede negar. Otro acierto de la canción es que Nicki Minaj aparezca en el segundo verso y no al final: merece su parte de protagonismo y su verso de «chica mala» es gracioso. ¿Puede ser este el ‘Umbrella’ de Karol G?» Jordi Bardají

«Ovy On The Drums se ha convertido en uno de los productores más reputados del pop latinoamericano en estos momentos gracias, sobre todo, a sus bases para Paulo Londra. Bases que destacaban sobre todo por el habitual empleo de guitarras acústicas reales (aunque muy filtradas), aportando un curioso contraste entre sus bases reggaetoneras y lo orgánico. Por eso, si no escucháramos su marca al principio de ‘Tusa’, resultaría difícil atribuir su beat al colombiano, protagonizado por esas cuerdas tan artificiosas que co-protagonizan este monster-hit. Pero al final ese elemento, que sí puede resultar algo chirriante, queda literalmente en un segundo plano ante una melodía realmente prodigiosa, repleta de gancho y emoción, cantada por una Karol G que, si no se me va a mí la olla, está un poco infravalorada en su ámbito del pop pese a sus numerosos exitazos. Que mucho se habla de Daddy Yankee, J Balvin, Bad Bunny y su novio Anuel AA, pero ahí arriba también está ella, y desde hace ya unos años». Raúl Guillén.

Tegan and Sara / Hey, I’m Just Like You

Por
Jordi Bardají
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El paso dado por Tegan and Sara en su noveno disco no es el habitual. En lugar de seguir explorando el sonido electropop de sus dos últimos trabajos, ‘Heartthrob‘ (2013) y ‘Love You to Death‘, las hermanas han vuelto a los orígenes de su música de manera bastante literal: en concreto han retomado unas viejas cintas que descubrieron durante la redacción de su libro de memorias y que, compuestas por «docenas de canciones» que habían grabado cuando eran adolescentes, llevaban acumulando polvo dos décadas. El enfoque de las canadienses de cara a estas pistas ha sido modificarlas solo un poco para mantener su «esencia original», y re-grabarlas a su edad, ya como mujeres adultas.

Las canciones de ‘Hey, I’m Just Like You’ suenan a la época en que fueron escritas, a los 90 del post-grunge, el emo y del punk californiano (el single ‘I’ll Be Back Someday’ es todo un chute de energía), pero también un poco a los tiempos en que Kelly Clarkson y Ashlee Simpson eran rockeras (el gran tema de apertura ‘Hold My Breath Until I Die’) y por supuesto a las primeras Tegan and Sara, que debutaran solo unos años después que muchas de estas canciones fueran escritas (‘Don’t Believe the Things They Tell You (They Lie)’, ojito con los títulos, data de 1996). A menudo los teclados ochenteros (‘Hey, I’m Just Like You’) emergen para recordarnos que Tegan and Sara se han atrevido a sonar tan pop como un álbum de la última Taylor Swift, e incluso hay en el álbum espacio para las cuerdas (‘Hello, I’m Right Here’) o para una buena canción tan «rock de estadio» como ‘I Know I’m Not the Only One’.

Las contradicciones propias de la adolescencia también están presentes en las letras de estas canciones, aunque Tegan and Sara ofrecen una perspectiva no tan habitual en el pop. Ser una adolescente lesbiana a mediados de los 90 no era fácil y si las gemelas vivían entonces dentro del armario -con todo el odio a unas mismas y la baja autoestima que eso conlleva-, tomaban drogas, se saltaban clases y mentían a sus padres sobre todo esto, todos estos temas están plasmados en ‘Hey, I’m Just Like You’ con cierta amargura («perdón por llegar tarde, pero estaba triste») pero sin melodramas. Si ‘Hello, I’m Right Here’ habla sobre ser rechazada por una mujer que no les corresponde, otros temas del álbum como ‘I Don’t Owe You Anything’ buscan simplemente esa «caricia» que les ha sido negada. En este sentido cabe destacar la acústica ‘Please Help Me’, que en base a una melodía preciosa, clama: «¿por qué siento que no pertenezco a ningún sitio? ¿Qué ocurrirá si me convierto en todo aquello que me juré a mí misma no ser?» No habrá pocos que se sientan identificados con su mensaje.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Hold My Breath Until I Die’, ‘I’ll Be Back Someday’, ‘I’m Know Not the Only One’, ‘Please Help Me’
Te gustará si te gusta: el emo-rock de finales de los 90 / principios de los 2000

The Strokes podrían regresar de forma inminente con ‘The New Abnormal’

Por
Raúl Guillén
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Parece que al fin The Strokes regresan de verdad, más allá de suposiciones, anuncios sin fecha de caducidad, estrenos de temas en directo (‘Ode to the Nets‘ y ‘The Adults Are Talking‘ en los últimos meses) y giras (con sustancia, eso sí) con sus hits de siempre. Hace unas horas, el grupo neoyorquino ha reaparecido en las redes sociales con una imagen –un dibujo algo abstracto, colorido y lleno de garabatos, en el que destaca la figura de un ave una obra de Jean Michel Basquiat– que parece a todas luces la portada de algo llamado ‘The New Abnormal’.

De momento, el enlace es su web que acompaña la imagen dirige al formulario para una lista de correo a la que invitan a suscribirse. Pero parece un paso más serio hacia el álbum, ya confirmado, que publicarán este 2020. Intuimos que podría tratarse del primer adelanto de ese disco, y que quizá pudieran sorprendernos lanzándolo un sábado.

Poco importa lo fallido que resultara aquel EP de 2016, ‘Future Present Past‘: la expectación ante un nuevo disco de los autores del que fuera –para esta web– el disco más crucial de la década de los 00 es grande. Al fin y al cabo, han pasado siete años de ‘Comedown Machine‘, su quinto y último álbum hasta la fecha. Su aura sigue resultando atractiva para numerosos fans y, no en vano, este 2020 llegan con la etiqueta de cabezas de cartel al festival Primavera Sound de Barcelona.

Varapalo a la industria mundial del vinilo: incendio en Apollo Masters

Por
Sebas E. Alonso
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Si ya se hablaba de saturación en las fábricas de vinilos, debido al pequeño pero constante auge de este formato, las noticias que llegan esta tarde desde California no pueden ser peores. Apollo Masters, una de las dos únicas fábricas del mundo que producen los lacquer master ha sufrido un grave incendio. Los lacquer master son las prensas originales de aluminio que contienen la forma precisa de los surcos de cada disco –no un tipo de barniz, como decía anteriormente y de manera errónea este artículo–, bases sobre la que se da forma luego al vinilo, por lo que es un elemento imprescindible para la producción en serie de discos musicales en ese formato.

En un comunicado Apollo Masters celebra que sus empleados estén a salvo, pero informa de que el fuego ha sido “devastador” y las instalaciones están “completamente destruidas”. Desde fábricas de vinilos como Duplication aseguran que esto es “un desastre para la industria de impresión de vinilos” y que se van a tener que reducir drásticamente las operaciones. En declaraciones a Pitchfork se ha dicho que esto va a afectar directamente «a todas las fábricas de vinilos, sellos, artistas, ingenieros, etcétera” a nivel global. Además, se informa de que la única otra fábrica que hace esta laca, está en Japón y ya estaba sobresaturada ANTES -sic- de este incendio.

En resumidas cuentas, si habéis tenido alguna dificultad para haceros con cierto vinilo que no terminaba de salir editado o llegaros a casa; o si habías notado un enorme lapso entre una edición digital y su correspondiente en vinilo, el problema no ha hecho sino agravarse con este incidente. Que a nadie le extrañe que algún lanzamiento decida retrasarse debido al incendio.

Era un gran día para el gran regreso de Lady Gaga… pero no

Por
Sebas E. Alonso
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Hace un par de semanas se filtraba lo que parecía que iba a ser el single de Lady Gaga, ‘Stupid Love’. Algunos usuarios desconfiaban de que una canción que sonaba tanto a ‘Born this Way’ y sobre todo a ‘ARTPOP’ pudiera ser de la Gaga de 2020. Otros entendían que esa era la gracia, pues un regreso a su sonido era lo más deseado por los «little monsters». Lo que se daba por hecho es que Lady Gaga movería ficha el 7 de febrero, tras las informaciones publicadas por una radio griega y otra francesa, pero ha llegado el 7 de febrero y se continúa esperando no solo el sencillo de la artista sino noticia alguna, confirmación o desmentido, de que el regreso de Gaga tras el pelotazo de ‘Shallow’ -con 1.000 millones de reproducciones en Spotify- y en general toda la banda sonora de ’A Star Is Born’, es inminente.

Hay quien cree que el tema no sale porque se quiere lanzar junto a su videoclip y este no está terminado. Según un “insider” en un foro (LOL), el lanzamiento de la canción no se ha adelantado porque este plan de márketing estaba muy bien atado y no se querían precipitar los acontecimientos por una filtración que no ha trascendido al público generalista. Pero lo más extraño de todo es lo buen día que era este 7 de febrero para un single de Lady Gaga. ¿Por qué no se ha aprovechado?

Sin apenas competencia internacional en cuanto a lanzamiento de discos (por supuesto salen cosas pero no hay un macrolanzamiento como los de Justin Bieber y Tame Impala la semana que viene), la canción tenía el camino allanado para destacar hoy en todas las playlists internacionales. “New Music Friday” abre con un segundo-tercer single de Justin Bieber ya dañado por la falta de impacto de los adelantos anteriores; en Reino Unido la playlist de Spotify abre con lo nuevo de Anne-Marie, y lo único que encontramos “trending” en Youtube son los vídeos de Lil Nas X, Nicki Minaj (un audio de un tema suelto) o Anuel AA. Era un gran día para un «comeback» enorme de algún artista de pop que quisiera presentar su álbum nuevo, pero una vez más, habrá que seguir esperando.

A la espera de averiguar si ‘Stupid Love’ es el nuevo gran single de Gaga, forma parte de un álbum o nada de eso, un foro de la artista abrirá esta noche «con enormes noticias» sobre su «sexto disco». Es aquí.

The Weeknd logra su primer single top 1 en Reino Unido, tras 9 años de carrera

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Sebas E. Alonso
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Corría el año 2011 cuando The Weeknd lanzaba al mercado su primera mixtape. Han tenido que pasar casi 10 años para que el proyecto de Abel Tesfaye consiga su primer single número 1 en Reino Unido, con ‘Blinding Lights’. Además, este éxito ha sido de los bonitos, de los que se cuecen poco a poco y no en la primera semana.

La canción, que apareció en nuestra lista de mejores canciones de 2019 pese a su tardía edición el 29 de noviembre del año pasado, entró al puesto 12 en Reino Unido entonces. Bajó al 17, luego al 20 y luego al 41: parecía sentenciada. Sin embargo, una vez pasada la Navidad ha remontado y ha llegado al puesto 1 en su décima semana de permanencia. La propia OCC apunta a lo extraño del «chart run»: 12-17-20-41-11-10-8-4-2-1.

Pese a que es el primer número 1 para Abel Tesfaye en las islas, no es ni mucho menos su primer hit por allí. En verdad ‘The Hills’ y ‘Can’t Feel My Face’ llegaron al número 3 en 2015 y ‘Starboy’ fue número 2 en 2016, entre algún que otro top 10. Hasta 36 canciones de The Weeknd han llegado al top 100 británico, siendo el tercer artista canadiense de la historia con más top 100 en Reino Unido por detrás de Drake (94) y Justin Bieber (59). Los tres se han beneficiado de la era en que el número de canciones por artista en el top 100 era ilimitado (ya no lo es, está restringido a tres).

The Weeknd sí había sido número 1 en álbumes en Reino Unido, en concreto con ‘Beauty Behind the Madness‘.

‘Supervision’ de La Roux gusta sin entusiasmar… pero sobre todo decepciona

Por
Jordi Bardají
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La Roux ha protagonizado esta semana unas extrañas declaraciones en las que ha decidido criticar a Ellie Goulding como si fuera 2009. Ha dicho que no tiene nada en contra de la autora de ‘Delirium’, pero que ella «no va a hacer música tan aburrida». Las palabras de Elly Jackson sonarán totalmente irónicas a quien compruebe las mediocres valoraciones que su nuevo disco, ‘Supervision’, que sale hoy viernes, está dejando en los medios especializados.

Mucho ha cambiado desde aquel excelente debut de La Roux que ganaba un Grammy. ¿O no tanto? Si ‘Trouble in Paradise‘ se dejó a muchos fans por el camino a pesar de ser un disco notable, ‘Supervision’ no plantea un escenario mucho mejor: ni sus singles han calado ni el disco, que ha tardado cinco añazos en llegar, exactamente como el anterior, está gustando mucho entre sus seguidores. En primera escucha, que un álbum de música pop deje una impresión tan endeble no es buena señal. Y la razón es sencilla: no parece haber aquí ni melodías tan magnéticas como las de ‘Uptight Downtown’ o ‘Bulletproof’ ni la variedad de aquellos dos primeros trabajos de La Roux sobre todo en cuanto a patrones rítmicos. La raquítica producción de las canciones puede ser una decisión artística, pero en pleno 2020 suena anacrónica y poco gratificante.

Las foros están dejando similares críticas a este disco, por cierto, producido por Jackson junto a Dan Carey y autoeditado. Aunque hay a quien le ha satisfecho el disco, como al usuario de nuestros foros cucu, que ha escrito «Madre mía SUPERVISION», la mayoría de comentarios no son tan entusiastas. Victornoe considera que «no está tan mal», pero critica que «todo suena muy igual» en referencia a «ese ritmillo midtempo relajado» que manda en todo el álbum, y destaca el tema ‘Everything I Live For’. Otros son más duros con ‘Supervision’ y si Apoarttc opina que es un «coñazo importante» porque «todas suenan igual y las mejores ya las había sacado», a lo que añade que «no ayuda que todas duren 5 minutos», Xanti sentencia que «el nuevo disco es la crónica de un desastre anunciado».

Opiniones parecidas encontramos en foros anglosajones como Popjustice. La impresión general que está dando ‘Supervision’ es que el sonido de La Roux no ha evolucionado en un lustro de silencio, y hay quien de hecho considera el disco «la parte 2 de ‘Trouble in Paradise'». Aunque hay fans contentos con el disco porque «a veces más de lo mismo es justo lo que busco», otra persona se muestra «fascinada por lo cutre, aburrido y repetitivo que suena en una primera escucha». Finalmente, otro usuario comparte la siguiente reflexión: «No me importa que un artista saque tres discos rápidamente uno detrás de otro sin cambiar demasiado su sonido, pero no mostrar ni un poco de evolución en 11 años de historia es, o bien holgazán, o bien prueba de que no tienes mucho más que aportar». Pronto, nuestra crítica de ‘Supervision’.

Justin Bieber salva vidas en ‘Intentions’, ¿pero puede pegársela con ‘Changes’?

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Sebas E. Alonso
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Justin Bieber saca la semana que viene ‘Changes’, la esperada continuación de ‘Purpose‘, uno de los discos más vendidos del último lustro por encima de los 5 millones de copias en todo el mundo y además muy merecidamente. Con el de hoy son 3 los temas con los que está presentando el disco. Primero llegó ‘Yummy’, un single que no sorprendía tanto como ‘What Do You Mean?’ y sin la pegada de ‘Sorry’, pero que en absoluto se ha hundido en las listas. Un mes después de su lanzamiento, continúa en el puesto 6 del global de Spotify, en el puesto 13 en Reino Unido y en el puesto 15 en Estados Unidos. Quizá por la perseverancia de «Today’s Top Hits», la canción se está entendiendo como un «grower» pese a la reticencia de mercados como el español: por aquí ‘Sorry’ fue número 1 pero ‘Yummy’ no ha pasado del puesto 23.

La recepción de ‘Get Me’ junto a Kehlani ha sido más tibia aún: ni siquiera aparecerá en las listas de esta tarde en el top 40 británico, lo que significa que en otros mercados como el nuestro lo tiene más chungo todavía. Y hoy conocemos el tercer intento, un tema junto a Quavo llamado ‘Intentions’ que -esta vez, sí- viene presentado junto a su videoclip. ‘Intentions’ es el típico medio tiempo de producción chispeante de la música urbana, y su letra es una cucada, dedicada a una chica “tan perfecta que no necesita filtro”. De nuevo, el tema carece del punto rompedor que esperábamos de Bieber tras ‘Purpose’, pero su vídeo reivindicativo, dedicado a una chica que lucha por poder finalizar sus estudios pese a que tarda 2 y 3 horas en llegar a la escuela en autobús, puede gustar, como gustó Drake como salvavidas en el sonrojante ‘God’s Plan’.

Al margen del mal gusto de contemplar a Justin Bieber como Mesías, el vídeo deja un mensaje sobre la función de la Asociación Alexandria House cuando el artista podía haberse dedicado a hacer cucamonas sin más. Ciñéndonos a lo artístico, hay que destacar lo bien que suenan ‘Yummy’, ‘Get Me’ e ‘Intentions’ seguidas, coherentes y de manera muy evidente partes del mismo todo. Kehlani habla de «química» en ‘Get Me’ y lo cierto es que la hay: ahora mismo parece improbable que Bieber se la pegue de verdad con todo esto. Igualar los números de ‘Purpose’ es cada vez más imposible, pero cada vez está más claro a su vez que estos sencillos no son tan inanes como resulta a primera vista. ¿Logrará mantener este «flow» a lo largo de hasta 16 pistas más un remix?

¿Ha valido la pena el regreso de The Pussycat Dolls tras 12 años?

Por
Jordi Bardají
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The Pussycat Dolls han vuelto y, tras aparecer en una de las canciones destacadas del último disco de Meghan Trainor, ‘Treat Myself‘ (en concreto en la divertida ‘Genetics’), presentan oficialmente su nuevo single, ‘React’, que ya habían estrenado en directo en X Factor UK en una actuación bastante espectacular y con ducha incluida.

La canción es una co-producción, entre otros, de Will Simms, productor único de ‘Lo malo’ de Aitana y Ana Guerra, aunque suena más R&B, pop y garage que reggaetón (a lo que suena en absoluto) quizá porque la cantante principal de la formación, Nicole Scherzinger, es, tras su paso por el mencionado programa de talentos, toda una celebridad en Reino Unido, curiosamente más que en Estados Unidos.

Si ‘React’ no parece un temazo de primeras (¿será un «grower»?) al menos su videoclip sí es bastante llamativo, al presentar al grupo de cantantes y bailarinas realizando el tipo de coreografía atlética por el que son conocidas dentro de varios espacios urbanos e incluso en llamas. La dirección ha corrido a cargo de Bradley & Pablo, que recientemente han dirigido los últimos clips de Lil Nas X y Nathy Peluso. ¿Ha valido la pena el regreso de The Pussycat Dolls 12 años después de ‘Doll Domination’ y 15 de su exitoso debut?

¿Quién actuará en los Oscar 2020 además de… ¡Gisela!?

Por
Jordi Bardají
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El lunes 10 de febrero se celebra la próxima entrega de los premios Oscar, por el que parten como favoritas las películas ‘Joker’, ‘El irlandés’, ‘1917’ y ‘Érase una vez… en Hollywood’.

¿Qué artistas ofrecerán las actuaciones musicales de la ceremonia? Hoy se conoce la noticia que Idina Menzel y AURORA, intérpretes de la canción oficial de ‘Frozen 2’, ‘Into the Unknown’, no cantarán esta canción a dos voces como probablemente se esperaba. Lo harán acompañadas por las nueve «Elsas» a las que ha dado lugar la película, lo que significa que Gisela actuará en los Oscar como intérprete de la versión española de esta canción. También acudirán a la gala las intérpretes de Elsa de Dinamarca, Alemania, Japón, América Latina, Noruega, Polonia, Rusia y Tailandia.

En la gala sonarán en directo el resto de canciones nominadas al Oscar a Mejor canción, por lo que pasarán por su escenario Elton John y Bernie Taupin por ‘(I’m Gonna) Love Me Again de ‘Rocketman’, Randy Newman por ‘I Can’t Let You Throw Yourself Away’ de ‘Toy Story 4’, Cynthia Erivo por ‘Stand Up’ de ‘HARRIET’ y Chrissy Metz por ‘I’m Standing with You’ de ‘Breakthrough’. La actuación más esperada, sin embargo, es la de Billie Eilish: la gran ganadora de los últimos Grammys se pasará por los Oscar presumiblemente para presentar ‘No Time to Die’, su canción para la próxima película de ‘James Bond’. También está confirmada Janelle Monáe.

La Canción del Día: Fuel Fandango no pueden parar de ir a La 2 con su nuevo hit, ‘Despertaré’

Por
Sebas E. Alonso
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Fuel Fandango son actualmente el número 1 de ventas en España con su nuevo disco ‘Origen’, el cual también han podido colocar entre los 30 más escuchados del país. El dúo ha pasado este jueves noche por La 2 para defender el single principal del disco, estrenado el pasado otoño, ‘Despertaré’.

‘Despertaré’ es una canción 100% Fuel Fandango basada en este caso en un riff de guitarra que se repite decenas de veces y se pega como una lapa, pero de nuevo incorporando una base muy Moloko, grupo al que Cristina y Ale han versionado en el pasado. Para todos aquellos que tenemos ‘The Time Is Now’ en un pedestal como una de las mejores canciones dance de los 90, a la altura de lo que significó ‘I Feel Love’ en los 70 o casi, esto es toda una delicia, en este caso enriquecida por el poso folclórico de la voz de Cristina y también por su letra, una propuesta de amor llena de brío e inquietud. Contribuye a esto último una referencia a la serpiente como símbolo de la tentación, un recurso bíblico no por manido menos efectivo.

Fuel Fandango han defendido el tema en el programa Sánchez y Carbonell, como antes ya lo hicieron en La 2 Noticias y en ‘Un país para escucharlo’ (el dedicado a Córdoba y Jaén), sin que por ello nos cansemos de oírlo. Aunque la canción se suele presentar en modo acústico, ‘Despertaré’ se levanta también en este formato un momento dado, sin renunciar a la percusión ni a la danza de los bailarines.



Anitta, de fiesta en Río con Don Patricio y Rauw Alejandro en el vídeo del remix de ‘Contando lunares’

Por
Jordi Bardají
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Los números no mienten y ‘Contando lunares‘ de Don Patricio y Cruz Cafuné ha sido el mayor éxito de 2019 en España. Y como demuestran sus millonarias reproducciones en las plataformas de streaming (en Spotify va por 156 millones), este no se ha ceñido solo a nuestro país: Ciudad de México, Santiago de Chile y Buenos Aires se cuentan entre 3 de las 5 ciudades que más escuchan a Don Patricio en el mundo aparte de Madrid y Barcelona, y el éxito de ‘Contando lunares’ ha sido claramente internacional.

Probablemente con intención de llevar ‘Contando lunares’ a más lugares, con todo el potencial que su mezcla de tumbao cubano y hip-hop ha demostrado, el rapero canario presenta un remix de la canción con la estrella brasileña Anitta y el conocido rapero portorriqueño Rauw Alejandro, conocido por su hit con Farruko ‘Fantasías’.

La nueva versión de ‘Contando lunares’ suma con los nuevos versos de Anitta y Rauw más de un minuto de duración a la composición original, y es Anitta quien capta toda la atención en ella con un verso en el que manda el empoderamiento y la sensualidad: «esta niña vino de Brasil, marcando territorio por aquí». El vídeo, rodado en Río de Janeiro, con todos los artistas implicados de hecho presentes, es el tercero más visto ahora mismo en Youtube España.

Blossoms / Foolish Loving Spaces

Por
Sebas E. Alonso
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Blossoms no están dispuestos a que el éxito de su debut en Reino Unido se quede en flor de un día, y con su tercer álbum ‘Foolish Loving Spaces’ muy probablemente hoy entre en el número 1 en su país. La banda de Manchester, que ha triunfado con hits tan contundentes y tan «viejo FIB» como ‘Charlemagne‘ y ‘There’s a Reason Why (I Never Returned Your Calls)‘, y tiene en su haber canciones tan bonitas como ‘Stormy’, en cierta medida da un paso atrás y, en pleno auge de la música urbana, latina y las cajas de ritmo, es decir, en plena crisis de venta de guitarras, se hace un «back to basics».

Aunque no todo el mundo lo recuerde, el grupo liderado por Tom Ogden en su momento colaboró con Chase & Status y se dejó remezclar por Lindstrøm para una versión «cosmic disco» de su hit ‘Charlemagne’. Pero lo que encontramos en este nuevo álbum es una reivindicación de las canciones a guitarra y piano sobre todas las cosas, hasta el punto de que el CD2 de la edición deluxe se compone de las mismas canciones, pero en una versión reducida, más o menos acústica. Esto es así porque estamos oficialmente ante una «celebración pura del amor en todos sus espléndidos y desconcertantes disfraces» para la que se han inspirado en ‘Stop Making Sense’ de Talking Heads, ‘The Joshua Tree’ de U2 y ‘Screamadelica’ de Primal Scream. Aunque los referentes más básicos serían The Beatles, como se evidencia en la pista 7, que ha decidido llamarse nada menos que ‘Romance, Eh?’.

‘Romance, Eh?’ podría haber sido realmente el título de un álbum que habla del amor desde la cotidianeidad, la sencillez y la honestidad, no sin cierto humor: «Mi imaginación juega a todo en mis días libres», dice el estribillo de la desnudísima ‘My Vacant Days’. Hay lugar para los sintes y de hecho ‘If You Think This Is Real Life’ es uno de los temas más destacados; ‘My Swimming Brain’ tiene cierta cadencia disco; y esa cita a ‘Screamadelica’ sin duda se corresponde con las ambiciones gospel de ‘The Keeper’, solo que esta es más popera; pero la noticia es la supervivencia del indie pop más clásico en un álbum comercialmente tan ambicioso, de nuevo justificada por su admiración por The Coral y la co-producción del propio James Skelly y su colega Rich Turvey. Así, puede haber acercamientos al medio tiempo más grande que la vida de los 80 (‘Falling for Someone’ podría ser una canción de Bruce Springsteen o The War on Drugs), y ‘Like Gravity’ cierra el álbum con cierto aire misterioso a lo Danger Mouse, solo que más guitarrero; pero siempre sin descuidar la búsqueda de la melodía más redonda. Triunfará ‘Your Girlfriend’, pero la noticia es que se continúen grabando cosas como ‘Romance, Eh?’ y ‘My Vacant Days’.

Calificación: 7,2/10
Temas destacados: ‘The Keeper’, ‘Romance, Eh?’, ‘If You Think This Is Real Life’, ‘Your Girlfriend’
Te gustarán si te gustan: The Coral, The Beatles
Escúchalo en: en Youtube

Escucha lo nuevo de La Roux, Chucho, Nicki Minaj, Justin Bieber, Pussycat Dolls, Green Day, Anne-Marie, Against All Logic…

Por
Raúl Guillén
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Parecía esta una semana aburridilla en cuanto a nuevos lanzamientos pero, la verdad, al final nos ha costado Dios y ayuda cerrar –y aun no podemos jurar que no añadiremos alguna canción más– a la playlist Ready for the Weekend, en la que condensamos las novedades musicales más importantes de cada semana. Hoy nos ha sorprendido una Nicki Minaj que en teoría estaba en pleno retiro con un ‘Yikes’ que, a todas luces, parece la primera piedra para construir el sucesor de ‘Queen’. Con ella, otros singles importantes del día son el último avance de un ‘Changes‘ que Justin Bieber publica la próxima semana, los regresos de Anne-Marie, The Pussycat Dolls y un ‘Keii’ de Anuel AA que, desde ya, apunta a ser uno de los éxitos de esta primera mitad del año, como poco. Y Don Patricio presenta un remix de ‘Contando lunares’ con Anitta y Rauw Alejandro que promete prolongar la vida de la canción más escuchada de 2019 en España.

Por supuesto, hay un buen puñado de discos interesantes y/o importantes: lo nuevo de Green Day, la vuelta discográfica de La Roux y el nuevo volumen de Against All Logic con el que nos ha sorprendido Nicolas Jaar (aunque, ojo, deja fuera el potente ‘Alucionao’ con FKA twigs) destacan junto a nuevos trabajos de Ásgeir, Isobel Campbell, Nada Surf, Galantis, el EP debut en solitario de Hayley Williams (Paramore), Sepultura, Shopping, y los debuts de los británicos HLMTD o el valenciano Eguala. También recibimos EPs con demos del último disco de Pixies, temas en directo de Bat For Lashes, la alianza formada por Khruangbin & Leon Bridges, Jack Garratt, los segundos trabajos de las revelaciones iyla y Alavedra, más nuevas canciones del dúo barcelonés Cor Blanc.

Y hay mucho, muchísimo más: además del single-azo con el que Nathy Peluso retoma el rap, en el panorama independiente español destacan nuevos temas Chucho –el grupo paralelo de Fernando Alfaro, avanzándonos un próximo disco con la fantástica ‘Corazón brillante’–, Mujeres, Os Resentidos –el mito del underground gallego vuelve con una ácida versión de ‘The Revolution Won’t Be Televised’–, Mostaza Gálvez –adelantando su primer disco en el sello Subterfuge–, Bambikina ft DePedro, Cómo Vivir En El Campo, Maka, Chelsea Boots, Airbag, Afrojuice 195, Pepe:Vizio, Chill Cichos & Megansito El Guapo o El Verbo Odiado.

Todo ello sumado a avances de los próximos discos discos de Best Coast, Lucinda Williams, Mark Kozelek, Jon Hopkins, King Krule, The Radio Dept., Basia Bulat, Moses Sumney, Phantogram, Rustin Man, H.E.R., Pottery, twst, Baxter Dury, Circa Waves, RAYE, Balthazar… junto a temas de Sean Paul & Tove Lo, Carly Rae Jepsen, Khalid & Disclosure, Rayden, Partynextdoor feat. Drake & Bad Bunny, Victoria Monét, Rico Nasty o Dagny. Que, además, se mezclan con las canciones que en los últimos días han presentado Sharon Van Etten, Sufjan Stevens, Christine & The Queens, Hinds, Lido Pimienta, Låpsley, Jehnny Beth, Natalia Lacunza & Pol Granch, más el tema inédito que Halsey incorpora a la BSO repleta de estrellas para la película superheróica ‘Birds of Prey’, dejándonos una playlist de lo más suculenta.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

Nathy Peluso y el demente desfile de personajes de ‘Business Woman’

Por
Jordi Bardají
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Si este jueves os hablábamos de la nueva superproducción del dúo de directores Bradley & Pablo para ‘Rodeo’ de Lil Nas X, y que también ha firmado los vídeos de ‘Motorsport’ de Migos, Nicki Minaj y Cardi B, ‘Aute Cuture’ de Rosalía o ‘Blame it On Your Love’ de Charli XCX y Lizzo, hoy viernes toca destacar otro, que a lo grande representa el regreso de Nathy Peluso.

La autora de ‘Esmeralda’ vuelve con su primer single no navideño (hace unos meses entregaba la clásica ‘Copa Glasé’) desde que el año pasado entregara ‘NATTIKILLAH’. Y de «asesina» pasamos a ‘Business Woman’ en esta nueva producción de la cantante argentina afincada en Madrid que también viene llena de mala baba en su letra, con frases como: «Soy una nena mala, una droga asesina, me brillan las tetas, me querés de vecina». Todo un mensaje de empoderamiento el de esta ‘Business Woman’ muy bien resumido en su estribillo: «me llaman porque soy una business woman, tengo negocios que dirigir yo sola, hago guita desde que nací bien piola, me llaman porque soy una business woman».

¿Y qué han ideado Nathy y Bradley & Pablo para esta dura canción de hip-hop producida por Pedro Campos, Rafa Arcaute y Fede Vindver? Si la portada de ‘Business Woman’ es puro años 2000, el vídeo lo es más todavía, aunque sin olvidar ecos muy 90s: dentro de una habitación a lo Jamiroquai, presenta un desfile de personajes interpretados por Peluso totalmente demente, que cuando no recuerdan a Missy Elliott, lo hacen a Marilyn Manson. ¿Y es el final un homenaje al vídeo de ‘Bound 2’ de Kanye West?

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba ganan el 5º Premio Ruido, que otorga la prensa musical

Por
Sebas E. Alonso
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Esta noche se ha celebrado la 5ª gala de Premio Ruido en la Sala Joy Eslava de Madrid, dejando como sorprendentes ganadores a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba por su disco homónimo del año pasado. Y digo «sorprendente» no por mi criterio sino porque esta edición ha sido una de las menos predecibles. Este premio es otorgado por la PAM (Periodistas Asociados por la Música) y Derby Motoreta’s, pese a las buenas críticas que han recibido (fue un honor estrenar el año pasado un vídeo suyo), no terminaban de ser la banda favorita de manera absoluta, como en otras ediciones sí lo han sido otros ganadores como Niño de Elche, Triángulo de Amor Bizarro y, en dos ocasiones, por supuesto, Rosalía. Foto: Nacho Nascab.

Un mínimo de debate no va a venir mal al Premio en cualquier caso, pues Derby Motoreta’s han logrado más votos de la prensa musical que Carolina Durante, disco nacional del año en Mondosonoro; Fuerza nueva, top 2 en Rockdelux por detrás de Kiko Veneno, aquí ni siquiera nominado; o La Casa Azul y Cupido, favoritos en esta casa. Otros nominados que se quedan sin premio son ‘Balanceo’ de Cala Vento, ‘Brujería’ de La Bien Querida, ‘Vamos a volvernos locos’ de León Benavente, ‘Aniquilación’ de Los Punsetes, ‘Ultraligero’ de Novedades Carminha y ‘El Milagro’ de Viva Suecia. También‘Los Estanques’ de Los Estanques, única otra banda que ha actuado en la gala junto a los propios Derby Motoreta’s.

La austera ceremonia presentada por Ladilla Rusa, de hora y cuarto de duración, era introducida por unas palabras de homenaje de la PAM a la periodista musical fallecida estos días María Baigorri. Un miembro de la asociación recordaba que preparaba un texto sobre The Cure en el momento de su muerte, y su pasión por Bruce Springsteen. Ladilla Rusa optaban por abrir con un discurso reivindicativo, con palabras contra el racismo en nuestras fronteras, los muertos en el Mediterráneo, el cierre de la radio M21 por el nuevo Ayuntamiento de Madrid -Andrea Levy no se ha perdido la cita- o el racismo en cuanto al coronavirus. «Las personas no son virus», sentenciaban, guardando todo su desparpajo únicamente para la actuación al cierre de la noche con ‘KITT y los coches del pasado’. Fue este corte casi el único toque de humor en una gala que habría agradecido un par de actuaciones más, en especial algo de electrónica y urban y, como reconoció el propio guión, más presencia de mujeres. ¿Quizá por eso actuaban Ladilla Rusa pese a no estar nominados? Entre las artistas que no han sido nominadas hay que destacar a Delaporte o Rocío Márquez. En cualquier caso, sí «eran todos los que estaban» y Derby Motoreta’s hacían una gran actuación, con un par de temas entre los que destacaba el contundente ‘El salto del gitano’; y Los Estanques sorteaban como podían la ausencia de una cuerda de guitarra que se rompía en vivo a su cantante, a su vez también sin pantalones.

¿Qué te parece la victoria de Derby Motoreta's Burrito Kachimba en el Premio Ruido?

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Malick remonta con ‘Vida oculta’, un poderoso drama sobre la Segunda Guerra Mundial

Por
Fernando García
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El particular sentido narrativo de Terrence Malick, cercano a la poesía, y sus inquietudes filosóficas le llevaron a filmar en 2011 –tan solo su quinto trabajo desde 1973- ‘El árbol de la vida’, una de esas obras maestras que definen una carrera. Un film tan inmenso que sobrepasaba la experiencia cinematográfica para convertirse, con cada visionado, en algo diferente, único, inabarcable. Es, sin duda, la cumbre de su cine, y cuesta imaginar que pueda ser igualada. Después de ella, el director texano comenzó una época sorprendentemente prolífica (desde 2012 a 2017 realizó ‘To the Wonder’, ‘Knight of Cups’, ‘Voyage of Time’ y ‘Song to Song’), y más viniendo de alguien que en 40 años solo estrenó 5 películas. Todas parecían ser, en mayor o menor medida, restos de aquella obra mayor, pero sin un ápice de su profundidad; ejercicios de estilo vacíos y decepcionantes. Malick alcanzó la perfección ética y estética en 2011 y lo que vino tras ella se puede entender como una deconstrucción (o destrucción) de lo que había sido su cine. Con ‘Vida oculta’ todo indica que quiere empezar una nueva etapa: volver a sus orígenes más narrativos (‘La delgada línea roja’, ‘El nuevo mundo’) sin abandonar del todo la depuración formal de estos últimos trabajos.

La película presenta a dos campesinos que viven en una aldea de las montañas austríacas cuando estalla la Segunda Guerra Mundial. Todos los hombres de su entorno se ven obligados a apoyar el nazismo, pero Franz –el protagonista- se niega a aliarse con Hitler, y esto le conlleva a ser rechazado por una sociedad cada vez más intoxicada por la ideología nacionalista. Es la idílica relación con su mujer y su fe lo que le da fuerzas para soportar el calvario al que será sometido por su decisión.

Un tema recurrente en la filmografía del director de ‘Días del cielo’ es la religión, y ‘Vida oculta’ es claramente una película religiosa, que plantea el amor y la fe como única salida frente a lo malvado. Apoyando la definición de Owen Gleiberman de Variety, ver la película es entrar en “una catedral de los sentidos”, como asistir a una suerte de misa en la que Malick es el sacerdote, y que evidentemente solo es apta para devotos. Su cine nunca ha sido para mayorías, y en esta ocasión tampoco pretende serlo, pues tiene todo lo que le ha caracterizado siempre, desde su largo metraje que aquí se alarga hasta las tres horas, a las susurrantes voces en off malickianas, pasando por su obsesiva predilección por los grandes angulares. Todo acompañado de una preciosa música de James Newton Howard, utilizada con la elegancia marca de la casa.

‘Vida oculta’ quiere ser y es una de esas épicas historias de amor más grandes que la propia vida. Hacía tiempo que no se veía en su cine una preocupación y cuidado por sus personajes como en la relación amorosa que retrata aquí. Y están interpretados con el mismo empeño por August Deihl y por una maravillosa Valerie Pachner que supone toda una revelación. Es curioso que los actores principales hablen en inglés entre ellos, pero la figuración hable en alemán. Una decisión interesante pero que tampoco termina de justificarse, más allá de que sea o no por fines de distribución. Pero la película compensa sus elecciones cuestionables y sus excesos (tres horas son demasiadas) con una habilidad narrativa prodigiosa -nadie hace cine como él ni sabe contar historias de la forma en la que él las cuenta- y una espectacularidad visual que embelesa y que después de casi una década, por fin vuelve a estar al mismo nivel que el guion que está filmando.

‘Vida oculta’ no es una película perfecta, pero sí es, de lejos, el mejor trabajo de Terrence Malick desde ‘El árbol de la vida’. Nos recuerda por qué nos enamoramos de su cine y nos hace olvidar el desamor que nos provocaron sus últimas cintas. No demos por acabada su carrera tan rápido. 7,5.

Natalia Lacunza y Pol Granch unen fuerzas en el vídeo sci-fi de ‘En llamas’

Por
Jordi Bardají
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Muy poco después de lanzar la preciosa balada ‘olvidate de mí’ con la producción de Luichi Boy (integrante de Cupido), Natalia Lacunza está de vuelta con un nuevo single en el que ella es, en realidad, la artista invitada. Se trata de lo nuevo de Pol Granch.

El ganador de Factor X 2018, que el año pasado editaba su Ep de debut homónimo y los singles ‘Te Quiodio’ y ‘M Conformo’, ha contado con la finalista de Operación Triunfo 2018 para unir fuerzas en este medio tiempo R&B llamado ‘En llamas’ que podría haber sido firmado por el último Sen Senra (quien ha colaborado con Lacunza). Pero es Luichi Boy quien vuelve a ponerse detrás de la producción de esta canción adornada con matices contemporáneos (los efectos vocales) pero también clásicos (ciertos aires a soul clásico) y que incluye el sonido de una mecha siendo encendida en el estribillo.

Mucho más futurista es el vídeo de ‘En llamas’ dirigido por Mario Arenas, colaborador habitual de Granch y que sitúa a este y a Lacunza en un escenario de ciencia ficción por el que no faltan los efectos especiales. Mientras ellos visten un atuendo blanco muy 90s, un poco ‘Scream’ de Michael Jackson y Janet Jackson, salvando las distancias.

«Pluma es una fiesta muy trash, no es ni de postureo ni de criticar a otras»

Por
Sebas E. Alonso
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Este sábado 8 de febrero se celebra en La (3) de Apolo, el tercer aniversario de la fiesta Pluma, inspirada en las londinenses fiestas Sink the Pink. Con referencias como el Nueva York de finales de los 80, las «balls» documentadas en ‘Paris Is Burning’ o últimamente RuPaul, la fiesta creada por «La Madre» Joan Oh, ha ido creciendo hasta en esta ocasión dar un nuevo salto dentro de la ciudad.

Esta vez habrá un concurso para encontrar a la Reina o Rey que será la cara de Pluma durante un año y que tendrá la oportunidad de unirse a «la familia» y actuar en el escenario del festival internacional Mighty Hoopla en Londres este mes de junio. Las entradas para el evento de este sábado en Barcelona, que empieza a las 19.00, valen 6 euros con consumición. Juan Castillo, mánager de la fiesta y DJ BigBalls, nos responde unas preguntas sobre la fiebre Drag Contest.

¿Qué diferencia a House of Pluma de otras fiestas similares?
Fue la primera fiesta de este tipo cuando en Barcelona aún no existían estas fiestas. Jonathan «Joan Oh» llegaba de Londres, inspirado por las fiestas Sink the Pink, y vio a principios de 2017 que a Barcelona le faltaba algo similar, no había otra fiesta drag queen entre el underground y el mainstream. La montó en Raval, en Casa de la Pradera. Dado el éxito de la fiesta, porque era algo pequeñito pero mucha gente empezaba a venir de otros lugares de Cataluña e incluso de España, empezó a crecer, a crecer y a crecer. Debido al éxito de RuPaul, empezaron a salir otras fiestas y ahora hay muchísimas cosas similares. Es una fiesta muy trash, no es ni de postureo ni de criticar a otras, queremos que haya un ambiente familiar, que todas las drag queens se apoyen, que no sea tóxico, que sea un espacio acogedor y creativo, y que disfruten.

¿Podéis avanzar quién será jurado en esta ocasión, quién viene desde Londres?
Son 3 personas: Cota, una bioqueen, una chica que también hace drag queen, porque en nuestra fiesta siempre hemos estado abiertos a personas de cualquier género, edad… nunca ha habido discriminación. Nos conoce y sabe qué ganador encajaría para el futuro en Pluma y decidimos que fuera ella. El segundo es un juez que se llama Rubén de Drag Is Burning, un proyecto que hace una compilación de toda la movida de Barcelona de los últimos años. Él encontró inspiración a través de Pluma y emprendió un proyecto que ha tomado su propio camino, tiene podcasts, hace intervenciones en radio… Sabe resaltar a cada reina y darle su ataque artístico. Hace exposiciones en la ciudad. Y finalmente viene Glyn Fussell, que es el director de la macrofiesta Sink the Pink de Londres. Es un proyecto que ha crecido mucho y ahora están de gira con Melanie C de las Spice Girls. Es amigo y qué mejor que nuestra fiesta madre para darnos su punto de vista para decirnos quién debería ser la ganadora de la noche.

«Hemos visto a drag queens fregando el suelo con sus pelucas; gente con fuegos artificiales que salían de su culo»

¿Qué es lo más divertido que os ha pasado durante estos 3 años?
La fiesta siempre ha sido muy trash, hemos visto a drag queens fregando el suelo con sus pelucas; gente con fuegos artificiales que salían de su culo… es trash y se debe mucho al momento. Una vez actuamos en la Fiesta Mayor de Gracia, en un apartado que tienen anti-homofobia. Hicimos una fiesta a lo grande y con la emoción se cayó el equipo de sonido al suelo y en el momento de auge dijimos por el micrófono de broma que había sido culpa de Ada Colau, y resulta que estaba allí viéndonos. Fue embarazoso porque tuvimos que bajar a saludarla, pero fue bastante divertido. La hemos liado en Canarias, en Londres, en el festival Mighty Hoopla… Es una fiesta desenfrenada y hay muchísimos momentos divertidos.

¿A qué creéis que se debe la moda Drag Race?
La moda de las Drag Race a nivel de Barcelona al menos se estaba enfocando al típico hombre musculoso, Matinée, Circuit, casi todo era rollo Circuit. No discriminamos ese tipo de fiesta, porque tiene que haber mercado para todo, pero se estaba volviendo demasiado gris, demasiado monocolor, como que todos teníamos que ser iguales. Y los que no tenemos cuerpos musculosos, las chicas lesbianas, los chicos más afeminados… estábamos quedando un poco apartados. A raíz de este programa, había mucha gente que quería expresar que se puede ser afeminado, colorido, se puede tener presupuesto, no hace falta que tenga que ser todo como clandestino, con la típica drag queen que cobra 4 duros… Todo esto dio oxígeno a mucha gente que quería dedicarse a esto de manera profesional, poner toda la carne en el asador y a la vez reivindicar algo. No solo a nivel profesional, sino reivindicar que se puede ser diferente. RuPaul ha abierto mucho el camino, más que nada porque tenía un gran presupuesto. Mucha gente usa plataformas como puede ser Pluma o Futuroa para poder expresarse.

«RuPaul ha puesto el hecho de ser drag queen en el mainstream haciendo a nuestra comunidad accesible»

¿Alguna opinión destacada sobre la historia del programa de RuPaul o concursante favorita de todos los tiempos?
Lo importante de RuPaul es que ha puesto el hecho de ser drag queen en el mainstream haciendo a nuestra comunidad accesible. Qe la gente se pueda identificar en un espectro mayor de audiencia, que pueda ayudar a construir la aceptación y entender a otras personas de manera global. Reinas favoritas tenemos muchas: Sharon Needles, BenDeLaCreme, Alyssa Edwards, Shangela, Monique Heart, Baga Chipz…

Homenajes a ‘Matrix’, ‘Scream’, ‘Repo Man’… en la superproducción de Lil Nas X para ‘Rodeo’

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Jordi Bardají
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Lil Nas X sigue con la promoción de su mini-LP inexplicablemente nominado al Grammy a Álbum del año (el rapero se llevó dos en la pasada ceremonia por ‘Old Town Road’) y estrena el videoclip de su nuevo single, ‘Rodeo’. Como recordaréis, la versión original de esta canción que también mezcla trap y country contaba con la colaboración de Cardi B, pero el tema que se está promocionando es una remezcla con Nas que no incluye a la autora de ‘Press’.

Si el vídeo de ‘Old Town Road’ se basaba en las películas del viejo oeste y el de ‘Panini’ en películas de ciencia-ficción tipo ‘Blade Runner’, el de ‘Rodeo’ presenta homenajes a diversas películas de los años 90 y principios de los 2000 dentro de una historia de terror en la que el rapero aparece reconvertido en vampiro.

Hay referencias a ‘Repo Man’, ‘Scream’, ‘Matrix’ y posiblemente a ‘Buffy Cazavampiros’ en esta absurda superproducción dirigida por Bradley & Pablo que tampoco busca ser sutil en su inclusión del «product placement» de turno. ¿Conseguirá elevar el vídeo los streamings de este remix, que van por los 4 millones tras su estreno el 27 de enero? La versión original de ‘Rodeo’ suma ya 133 millones, por lo que va a tener difícil igualarlos.

Santander Music anuncia su 12ª edición con La Casa Azul, El Columpio Asesino, Delaporte, León Benavente…

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Jordi Bardají
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Santander Music, uno de los festivales de referencia del norte de España, inaugura su edición número 12 con una serie de interesantes confirmaciones entre las que destacan varios grandes nombres como La Casa Azul, que tras publicar ‘La Gran Esfera‘ en 2019, estrenará nueva música este año según su sello Elefant. El festival tendrá lugar en Santander los días 6, 7 y 8 de agosto.

El regreso a los escenarios de El Columpio Asesino también podrá verse en Santander, donde los de Pamplona presentarán su esperado nuevo trabajo, ‘Ataque celeste’, que sale a la venta el 21 de febrero. Y otros que vuelven en 2020 con nuevo álbum bajo el brazo y que también están confirmados en Santander son son Varry Brava, que acaban de sorprender con su single de reggaetón ‘Loco’.

Más nombres potentes se suman a Santander de la mano de León Benavente, que seguirán desgranando el notable ‘Vamos a volvernos locos‘, o Delaporte, que acaban de editar el estupendo single ‘Clap Clap’. Además Kidd Keo, que triunfa actualmente con ‘MONEY TILL I DIE’, y la revelación Ginebras se cuentan entre los nombres desvelados hoy por el festival. Xoel López, Belako, Ladilla Rusa, Inmir y Pin & Pon DJ’s completan la tanda de confirmaciones.

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